Lukisan Robert Longo. Pilot, hiu, ledakan nuklir, dan masih banyak lagi
Robert Longo lahir pada tahun 1953 di Brooklyn, New York, dan dibesarkan di Long Island. Sebagai seorang anak, ia sangat dipengaruhi oleh budaya populer - bioskop, televisi, majalah dan buku komik, yang sangat membentuk gaya artistiknya.
Pada akhir 1970-an, Longo menampilkan musik punk eksperimental di klub rock New York dalam proyek “Menthol Wars” (Robert Longo’s Menthol Wars). Dia adalah salah satu pendiri grup avant-garde X-Patsys (bersama istrinya Barbara Zukova, Jon Kessler, Knox Chandler, Sean Conley, Jonathan Kane dan Anthony Coleman).
Selama tahun 1980-an, Longo menyutradarai beberapa video musik, termasuk "The One I Love" milik R.E.M. , Cinta Segitiga yang Aneh oleh Orde Baru dan Perdamaian Dijual oleh Megadeth .
Pada tahun 1992, artis tersebut menyutradarai salah satu episode serial “Tales from the Crypt” yang berjudul “This’ll Kill Ya”. Yang paling terkenal dari karya sutradara Longo - film tahun 1995
Robert Longo(Bahasa inggris) Robert Longo, R. 1953) adalah seniman kontemporer Amerika yang terkenal dengan karyanya dalam berbagai genre.
Biografi
Robert Longo lahir 7 Januari 1953 di Brooklyn (New York), AS. Dia belajar di Universitas Texas Utara (Denton), tapi keluar. Kemudian dia belajar seni patung di bawah bimbingan Leonda Finke. Pada tahun 1972 ia menerima hibah untuk belajar di Akademi seni rupa di Florence dan berangkat ke Italia. Setelah kembali ke Amerika Serikat, ia kuliah di Buffalo State College, lulus dengan gelar sarjana pada tahun 1975. Di saat yang sama, ia bertemu dengan fotografer Cindy Sherman.
Pada akhir tahun 70-an, Robert Longo menjadi tertarik untuk mengorganisir pertunjukan (misalnya, Sound Distance of a Good Man). Karya-karya tersebut biasanya disertai dengan pembuatan serangkaian foto dan video, yang kemudian ditampilkan sebagai karya individu dan bagian dari instalasi. Pada saat yang sama, Longo bermain di sejumlah band punk rock New York dan bahkan ikut mendirikan galeri Hallwalls. Pada 1979-81 sang artis juga mengerjakan serial tersebut karya grafis“Orang-orang di kota.”
Pada tahun 1987, Longo mempersembahkan serangkaian patung konseptual yang disebut Object Ghosts. Karya-karya dari seri ini merupakan upaya untuk memikirkan kembali dan menata ulang objek-objek dari film fiksi ilmiah (misalnya, “Nostromo” - itulah nama kapal dalam film Alien). Ide serupa (tetapi diimplementasikan dengan alat peraga nyata yang digunakan lokasi syuting) dapat ditemukan dalam karya Dora Budor.
Pada tahun 1988, Longo mulai mengerjakan seri Black Flag. Karya pertama dalam seri ini adalah bendera AS yang dicat dengan grafit dan secara visual mirip dengan kotak kayu yang dicat. Karya selanjutnya adalah gambar pahatan bendera AS yang terbuat dari perunggu, yang masing-masing disertai dengan tanda tangan judul (misalnya, “kembalikan penderitaan kami” - “kembalikan penderitaan kami”).
Pada akhir tahun 80an, Robert Longo juga mulai syuting film pendek(misalnya, Arena Brains - "Orang Pintar di Arena", 1987). Pada tahun 1995, Longo berperan sebagai sutradara dalam film fiksi ilmiah Johnny Mnemonic. Film ini dianggap sebagai film kultus untuk genre cyberpunk. Peran utama dibawakan oleh Keanu Reeves.
Pada tahun 90an dan 2000an, Robert Longo terus menciptakan citra hiperrealistisnya. Karya dari serial Superheroes (1998) atau Ophelia (2002) terlihat seperti foto atau patung, namun merupakan lukisan tinta. Lukisan dari serial Balcony (2008-09) dan The Mysteries (2009) dilukis dengan arang.
Pada tahun 2010, Robert Longo membuat serangkaian foto bergaya “People in Cities” untuk merek Italia Bottega Veneta.
Pada 2016-17 di Museum seni kontemporer“Garasi” menjadi tuan rumah pameran “Kesaksian”, di mana beberapa karya Robert Longo diperlihatkan kepada publik.
Robert Longo saat ini tinggal di New York, AS. Sejak 1994, ia menikah dengan aktris Jerman Barbara Sukowa. Pasangan itu memiliki tiga anak.
Pilot, hiu, gadis seksi, penari, lautan, ledakan yang mengesankan - inilah yang digambarkan oleh seniman New York Robert Longo. Ilustrasinya sangat dalam, mistis, kuat dan menarik. Mungkin efek ini tercapai karena gambar hitam putih, yang penulis tulis dengan hati-hati menggunakan arang.
Robert Longo lahir pada tahun 1953 di Brooklyn, New York. Berbicara tentang dirinya, sang seniman tak lupa menyebutkan bahwa ia menyukai sinema, komik, majalah dan memiliki kelemahan terhadap televisi yang memiliki pengaruh signifikan terhadap karyanya. Robert Longo mengambil sebagian besar tema lukisannya dari apa yang telah dilihat dan dibacanya sebelumnya. Penulis selalu suka menggambar, dan meskipun ia menerima gelar sarjana di bidang seni pahat, hal ini tidak menghalanginya untuk melakukan apa yang ia sukai, tetapi sebaliknya. Beberapa gambar seniman sangat mengingatkan pada patung; dia menyukai garis luar yang muncul dari bawah tangan. Ada kekuatan tertentu dalam hal ini.
Pameran besar lukisan Robert Longo diadakan di Museum of Art di Los Angeles, serta di Museum of Contemporary Art di Chicago.
Di Museum Seni Modern "Garasi" pameran dibuka “Kesaksian”: Francisco Goya, Sergei Eisenstein, Robert Longo. Potongan gambar dari film Eisenstein, ukiran Goya, dan gambar arang Longo digabungkan menjadi campuran postmodern hitam putih. Secara terpisah, di pameran Anda dapat melihat empat puluh tiga gambar karya Eisenstein dari koleksi Arsip Sastra dan Seni Negara Rusia, yang dipamerkan untuk pertama kalinya, serta lukisan karya Francisco Goya dari koleksi tersebut. Museum Negara sejarah modern Rusia. ARTANDHOUSES berbicara dengan yang terkenal artis Amerika Robert Longo tentang betapa sulitnya untuk berdiri sejajar dengan raksasa sejarah seni, tentang kemandirian kaum muda dan pengalamannya di dunia perfilman.
Bagaimana ide pameran ini muncul? Apa kesamaan seniman Longo, Goya, dan Eisenstein?
Rekan kurator pameran, Kate Fowle, mendengar saya berbicara tentang para seniman ini, bagaimana mereka menginspirasi saya, dan betapa saya mengagumi karya mereka. Dia menyarankan agar saya menyatukan karya kami dan membuat pameran ini.
Saya selalu tertarik pada seniman yang menjadi saksi pada masanya dan mendokumentasikan semua yang terjadi. Saya pikir penting bahwa dalam karya Eisenstein dan Goya kita melihat bukti era di mana mereka hidup.
Saat mengerjakan pameran, Anda mengunjungi arsip negara Rusia. Apa hal paling menarik dalam bekerja dengan bahan arsip?
Tim museum yang luar biasa memberi saya akses ke tempat-tempat yang tidak akan pernah bisa saya kunjungi sendiri. Saya kagum dengan arsip sastra dan seni, aula besar dengan lemari arsip. Saat kami berjalan di sepanjang koridor yang tak ada habisnya, saya terus-menerus bertanya kepada karyawan apa yang ada di dalam kotak-kotak ini dan apa yang ada di dalamnya. Mereka pernah berkata: “Dan di dalam kotak-kotak ini kita memiliki Chekhov!” Saya terkejut dengan gagasan Chekhov di dalam sebuah kotak.
Anda juga bertemu dengan pakar terkemuka dalam karya Eisenstein, Naum Kleiman...
Saya pergi ke Kleiman untuk meminta izin. Saya bertanya apa pendapat Eisenstein tentang apa yang kami lakukan? Karena menurut saya pameran ini dirancang dengan cukup berani. Namun Kleiman sangat antusias dengan proyek tersebut. Kami dapat mengatakan bahwa dengan cara tertentu dia menyetujui apa yang kami lakukan. Dia adalah orang yang luar biasa bersemangat dan berbicara bahasa Inggris dengan sangat baik, meskipun pada awalnya dia menyatakan bahwa dia hampir tidak bisa berbicara bahasa Inggris.
Apakah sulit bagi Anda untuk membandingkannya dengan Goya dan Eisenstein? Apakah sulit untuk setara dengan para genius di masa lalu?
Ketika Kate bertanya apakah saya ingin berpartisipasi dalam pameran semacam itu, saya berpikir: peran apa yang akan diberikan kepada saya? Mungkin tambahan. Ini adalah raksasa sejarah seni yang sesungguhnya! Tapi, pada akhirnya, kita semua adalah seniman, masing-masing hidup di zamannya sendiri dan menggambarkannya. Sangat penting untuk dipahami bahwa ini adalah ide Kate, bukan ide saya. Dan tempat apa yang akan saya ambil dalam sejarah, kita akan mengetahuinya dalam seratus tahun.
Dalam wawancara Anda, Anda sering mengatakan bahwa Anda mencuri gambar. Apa maksudmu?
Kita hidup di dunia yang dipenuhi dengan gambar-gambar, dan kita dapat mengatakan bahwa gambar-gambar itu menembus ke dalam diri kita. Jadi apa yang saya lakukan? Saya meminjam "gambar" dari aliran gambar yang gila ini dan menempatkannya dalam konteks yang sama sekali berbeda - seni. saya memilih gambar pola dasar, sambil sengaja memperlambatnya agar orang dapat berhenti dan memikirkannya. Kita dapat mengatakan bahwa semua media di sekitar kita adalah jalan satu arah. Kita tidak diberi kesempatan untuk bereaksi. Dan saya mencoba menjawab keberagaman ini. Saya mencari gambar yang merupakan pola dasar dari zaman kuno. Saya melihat karya-karya Goya dan Eisenstein, dan saya heran karena secara tidak sadar saya menggunakan motif-motif dalam karya saya yang juga terdapat pada karya-karya mereka.
Anda memasuki sejarah seni sebagai seniman dari Pictures Generation. Apa yang memotivasi Anda saat mulai meminjam gambar dari media? Apakah ini merupakan protes terhadap modernisme?
Itu adalah upaya untuk menolak banyaknya gambaran yang mengelilingi kita di Amerika. Ada begitu banyak gambar sehingga orang kehilangan kesadaran akan kenyataan. Saya termasuk dalam generasi yang tumbuh dengan menonton televisi. TV adalah pengasuh saya. Seni adalah cerminan dari apa yang kita tumbuhkan, apa yang mengelilingi kita di masa kecil. Tahukah Anda Anselmus Kiefer? Ia dibesarkan di Jerman pascaperang, yang berada dalam reruntuhan. Dan kita melihat semua ini dalam karya seninya. Dalam karya seni saya, kita melihat gambar hitam putih yang tampak seperti muncul langsung dari layar TV tempat saya tumbuh dewasa.
Apa peran kritikus Douglas Crimp dalam menyelenggarakan pameran Pictures yang legendaris pada tahun 1977, di mana Anda berpartisipasi bersama Sherri Levine, Jack Goldstein, dan lainnya, setelah itu Anda menjadi terkenal?
Dia mengumpulkan seniman. Dia pertama kali bertemu saya dan Goldstein dan menyadari bahwa sesuatu yang menarik sedang terjadi. Dan dia memiliki ide untuk berkeliling Amerika dan mencari seniman yang bekerja dalam arah yang sama. Dia menemukan banyak nama baru. Itu adalah anugerah takdir bagiku di usia muda Saya ditemukan oleh seorang intelektual hebat yang menulis tentang pekerjaan saya (Artikel Douglas Crimp tentang seniman generasi baru diterbitkan di majalah Amerika yang berpengaruhOktober. - E.F.). Penting bagi dia untuk mengungkapkan dengan kata-kata apa yang ingin kami ungkapkan. Karena kami membuat karya seni, namun kami tidak dapat menemukan kata-kata untuk menjelaskan apa yang kami gambarkan.
Anda sering menggambarkan adegan apokaliptik: ledakan atom, hiu dengan mulut terbuka, pesawat tempur yang menyelam. Apa yang membuat Anda tertarik dengan topik bencana?
Dalam seni ada banyak arah penggambaran bencana. Bagi saya, contoh genre ini adalah lukisan Gericault “The Raft of the Medusa”. Lukisan-lukisan saya yang berdasarkan bencana adalah semacam upaya perlucutan senjata. Melalui seni saya ingin menghilangkan rasa takut yang ditimbulkan oleh fenomena tersebut. Mungkin karya saya yang paling mencolok tentang topik ini adalah karya dengan tanda peluru, yang terinspirasi oleh peristiwa seputar majalah Charlie Hebdo. Di satu sisi sangat indah, namun di sisi lain merupakan perwujudan kekejaman. Bagi saya, ini adalah cara untuk mengatakan: “Saya tidak takut padamu! Anda boleh menembak saya, tapi saya akan terus bekerja! Dan kamu akan masuk neraka!”
Anda membuat film, klip video, diputar dalam grup musik, dan melukis gambar. Menurut Anda, siapa yang lebih disukai: sutradara, artis, atau musisi?
Seorang seniman. Ini adalah profesi yang paling bebas dari semuanya. Saat Anda membuat film, orang-orang membayar uang dan berpikir mereka dapat memberi tahu Anda apa yang harus dilakukan.
Apakah Anda tidak terlalu senang dengan pengalaman menonton film Anda?
Saya memiliki pengalaman sulit saat syuting film tersebut. « Johnny si Mnemonik." Awalnya saya ingin membuat film fiksi ilmiah hitam putih kecil, tetapi produser terus ikut campur. Pada akhirnya, hasilnya sekitar 50-70 persen seperti yang saya inginkan. Saya punya rencana - untuk peringatan 25 tahun film tersebut, saya akan mengeditnya, menjadikannya hitam putih, mengeditnya kembali, dan menaruhnya di Internet. Ini akan menjadi tindakan balas dendamku pada perusahaan film!
Anda adalah bagian dari seni dan musik underground pada tahun 1970an dan 80an. Bagaimana Anda mengingat saat-saat itu?
Seiring bertambahnya usia, Anda menyadari bahwa Anda tidak sedang memasuki masa depan, tetapi masa depan sedang mendekati Anda. Masa lalu terus berubah dalam pikiran kita. Ketika saya membaca tentang peristiwa tahun 1970-an dan 80-an, saya berpikir bahwa segala sesuatunya benar-benar berbeda. Masa lalu tidak seindah yang dibayangkan. Ada juga kesulitan. Kami tanpa uang. Saya melakukan pekerjaan yang buruk, termasuk bekerja sebagai sopir taksi. Namun ternyata demikian waktu yang tepat, ketika musik dan seni terkait erat. Dan kami benar-benar ingin menciptakan sesuatu yang baru.
Jika kamu bisa kembali ke masa ketika kamu masih muda, apa yang akan kamu ubah?
Saya tidak akan menggunakan narkoba. Jika saya berbicara dengan diri saya yang lebih muda sekarang, saya akan mengatakan bahwa untuk memperluas batas kesadaran, Anda tidak memerlukan stimulan, Anda perlu bekerja secara aktif. Menjadi muda itu mudah, hidup sampai tua jauh lebih sulit. Dan relevan dengan waktu Anda. Gagasan tentang kehancuran mungkin tampak keren ketika Anda masih muda, tetapi sebenarnya tidak. Dan sekarang saya tidak minum atau mengonsumsi stimulan apa pun selama lebih dari dua puluh tahun.
Kepala kurator Museum Seni Kontemporer Garasi
Kate Fowle dan Robert Longo
Robert Longo,
yang ditemui Posta-Magazine di instalasi pameran, berbicara tentang apa yang tersembunyi di balik lapisan warna-warni lukisan Rembrandt, kekuatan gambar, serta seni yang “primitif” dan “tinggi”.
Melihat grafis hiper-realistis Robert Longo, sulit dipercaya bahwa ini bukanlah foto. Namun memang demikian: gambaran-gambaran yang monumental kota modern, alam atau bencana digambar dengan arang di atas kertas. Mereka hampir taktil - begitu rumit dan detail - dan untuk waktu yang lama mereka menarik perhatian dengan skala epiknya.
Longo memiliki suara yang tenang namun percaya diri. Setelah mendengarkan pertanyaan itu, dia berpikir sejenak, dan kemudian berbicara - secara rahasia, seperti dengan seorang kenalan lama. Kategori abstrak yang kompleks dalam ceritanya memperoleh kejelasan dan bahkan tampak kebugaran fisik. Dan di akhir percakapan kami, saya mengerti alasannya.
Inna Logonova: Setelah melihat bagian pameran yang terpasang, saya terkesan dengan monumentalitas gambar Anda. Sungguh menakjubkan betapa modern dan pola dasar mereka pada saat yang bersamaan. Apakah tujuan Anda sebagai seniman adalah menangkap esensi waktu?
Robert Longo: Kami, para seniman, adalah reporter zaman dimana kami hidup. Tidak ada yang membayar saya - baik pemerintah maupun gereja, saya berhak mengatakan: pekerjaan saya adalah cara saya memandang dunia di sekitar saya. Jika kita mengambil contoh apa pun dari sejarah seni rupa, katakanlah lukisan karya Rembrandt atau Caravaggio, kita akan melihat di dalamnya gambaran kehidupan - seperti pada zaman itu. Saya pikir inilah yang sangat penting. Karena dalam arti tertentu seni adalah sebuah agama, suatu cara untuk memisahkan gagasan kita tentang sesuatu dari gagasan mereka. esensi nyata, dari apa sebenarnya mereka. Ini miliknya kekuatan yang sangat besar. Sebagai seorang seniman, saya tidak menjual apa pun kepada Anda, saya tidak berbicara tentang Kristus atau politik - saya hanya mencoba memahami sesuatu tentang kehidupan, mengajukan pertanyaan yang membuat pemirsa berpikir dan meragukan beberapa kebenaran yang diterima secara umum.
Dan gambaran tersebut, menurut definisi, adalah pola dasar; mekanisme pengaruhnya berhubungan dengan landasan terdalam kita. saya menggambar dengan arang - bahan tertua manusia prasejarah. Ironisnya, pada pameran ini karya saya secara teknologi paling primitif. Goya bekerja secara kompleks hingga saat ini teknologi modern etsa, Eisenstein membuat film, dan saya hanya menggambar dengan arang.
Artinya, Anda menggunakan bahan primitif untuk memunculkan suatu prinsip kuno?
Ya, saya selalu tertarik pada ketidaksadaran kolektif. Pada suatu waktu saya hanya terobsesi dengan gagasan untuk menemukan dan menangkap gambarnya dan, untuk lebih mendekati hal ini, saya membuat gambar setiap hari. Saya orang Amerika, istri saya orang Eropa, dia dibentuk dalam budaya visual yang berbeda, dan dialah yang membantu saya memahami betapa saya sendiri adalah produk dari sistem citra masyarakat saya. Kita mengonsumsi gambar-gambar ini setiap hari tanpa menyadari bahwa itu adalah bagian dari daging dan darah kita. Bagi saya, proses menggambar itu sendiri adalah cara untuk menyadari mana dari semua kebisingan visual ini yang benar-benar milik Anda, dan apa yang dipaksakan dari luar. Sebenarnya gambar pada prinsipnya adalah jejak alam bawah sadar - hampir semua orang menggambar sesuatu sambil berbicara di telepon atau berpikir. Oleh karena itu, baik Goya maupun Eisenstein terwakili dalam pameran dengan gambar.
Dari mana Anda mendapatkan ketertarikan khusus terhadap karya Goya dan Eisenstein?
Di masa muda saya, saya terus-menerus menggambar sesuatu, membuat patung, tetapi saya tidak memiliki keberanian untuk menganggap diri saya seorang seniman, dan saya tidak melihat diri saya dalam kapasitas ini. Saya diombang-ambingkan: Saya ingin menjadi ahli biologi, musisi, atau atlet. Secara umum, saya memiliki kecenderungan tertentu di masing-masing bidang ini, tetapi kenyataannya satu-satunya kemampuan yang saya miliki hanyalah seni. Saya berpikir bahwa saya dapat menemukan diri saya dalam sejarah seni atau restorasi - dan pergi belajar di Eropa (di Akademi Seni Rupa di Florence - catatan penulis), di mana saya banyak mengamati dan mempelajari para master tua dan dengan antusias. Dan pada saat tertentu, ada sesuatu yang menarik perhatian saya: cukup, saya ingin menjawabnya dengan jawaban saya sendiri.
Saya pertama kali melihat lukisan dan ukiran Goya pada tahun 1972, dan saya terkesan dengan kualitas sinematiknya. Lagi pula, saya tumbuh dengan menonton televisi dan bioskop, persepsi saya sebagian besar bersifat visual - di masa muda saya, saya bahkan jarang membaca, buku masuk ke dalam hidup saya setelah tiga puluh. Terlebih lagi, itu adalah televisi hitam putih - dan gambaran Goya terhubung dalam pikiranku dengan masa laluku, kenanganku. Saya juga terkesan dengan kuatnya komponen politik dalam karyanya. Bagaimanapun, saya termasuk generasi yang menganggap politik adalah bagian dari kehidupan. Di depan mata saya, dia ditembak mati saat protes mahasiswa teman dekat. Politik menjadi batu sandungan dalam keluarga kami: orang tua saya sangat konservatif, dan saya liberal.
Mengenai Eisenstein, saya selalu mengagumi ketelitian gambar-gambarnya dan keahlian kameranya. Dia banyak mempengaruhi saya. Pada tahun 1980-an, saya terus-menerus beralih ke teorinya tentang montase. Saat itu saya sangat tertarik pada kolase: bagaimana kombinasi atau benturan dua elemen menghasilkan sesuatu yang benar-benar baru. Katakanlah mobil yang bertabrakan bukan lagi dua benda material, melainkan benda ketiga - kecelakaan mobil.
Goya adalah seorang seniman politik. Apakah seni Anda bersifat politis?
Bukan karena saya terlalu terlibat dalam politik, namun situasi tertentu dalam hidup memaksa saya untuk mengambil hal tersebut posisi politik. Jadi, di SMA aku hanya tertarik pada perempuan, olah raga, dan rock and roll. Dan kemudian polisi menembak teman saya - dan saya tidak tahan lagi. Saya merasakan kebutuhan internal untuk membicarakannya, atau lebih tepatnya, untuk menunjukkannya - namun tidak melalui peristiwa itu sendiri, melainkan melalui konsekuensinya, memperlambat dan memperbesarnya.
Dan hari ini hal utama bagi saya adalah menghentikan aliran gambar, yang jumlahnya terus meningkat. Mereka lewat di depan mata kita dengan kecepatan luar biasa dan karenanya kehilangan semua makna. Saya merasa harus menghentikannya, mengisinya dengan konten. Bagaimanapun, persepsi seni berbeda dari pandangan sehari-hari terhadap berbagai hal - ini membutuhkan konsentrasi dan karenanya membuat Anda berhenti.
Apakah ide Anda untuk menggabungkan Robert Longo, Francisco Goya, dan Sergei Eisenstein dalam satu pameran?
Tentu saja tidak. Goya dan Eisenstein adalah raksasa dan jenius, saya bahkan tidak berpura-pura berada di samping mereka. Idenya milik Kate (Kate Fowle, kepala kurator Museum Seni Kontemporer Garasi dan kurator pameran. - Kira-kira. auth.), yang ingin mementaskan karya saya beberapa tahun terakhir ke dalam beberapa konteks. Awalnya saya sangat bingung dengan idenya. Namun dia berkata: “Cobalah memandang mereka sebagai teman, bukan monster suci, dan jalin dialog dengan mereka.” Ketika saya akhirnya mengambil keputusan, kesulitan lain muncul: jelas kami tidak akan bisa membawa Goya dari Spanyol. Tapi kemudian saya melihat grafis Eisenstein dan teringat lukisan Goya yang sangat mengesankan saya di masa muda saya - dan kemudian saya menyadari kesamaan apa yang kami bertiga miliki: menggambar. Dan hitam dan putih. Dan kami mulai bekerja ke arah ini. Saya memilih gambar Eisenstein, dan lukisan Kate's Goya. Dia menemukan cara untuk mengatur ruang pameran - sejujurnya, saya sendiri merasa sedikit tersesat ketika melihatnya, saya tidak mengerti sama sekali bagaimana cara mengolahnya.
Di antara karya-karya yang dipresentasikan pada pameran tersebut adalah dua karya berdasarkan foto sinar-X lukisan Rembrandt “Kepala Kristus” dan “Bathsheba”. Kebenaran khusus apa yang Anda cari di dalam lukisan-lukisan ini? Apa yang kamu temukan?
Beberapa tahun lalu, sebuah pameran bertajuk “Rembrandt dan Wajah Kristus” diadakan di Philadelphia. Menemukan diri saya di antara lukisan-lukisan ini, saya tiba-tiba menyadari: seperti inilah rupa yang tak kasat mata - lagipula, agama pada hakikatnya didasarkan pada kepercayaan pada yang tak kasat mata. Saya meminta teman saya yang merupakan seniman restorasi untuk menunjukkan hasil rontgen lukisan Rembrandt lainnya. Dan perasaan ini - bahwa Anda melihat yang tidak terlihat - semakin menguat. Pasalnya, gambar rontgen tersebut menggambarkan dirinya proses kreatif. Yang menarik: saat mengerjakan gambar Yesus, Rembrandt melukis serangkaian potret orang Yahudi setempat, namun pada akhirnya wajah Kristus tidak memiliki ciri-ciri Semit - ia tetaplah orang Eropa. Dan pada hasil rontgen, di mana versi gambar sebelumnya terlihat, secara umum dia terlihat seperti orang Arab.
Dalam “Batsyeba” saya sibuk dengan hal lain. Rembrandt menggambarkan dia pasrah pada nasibnya: dia dipaksa untuk berbagi tempat tidur dengan Raja David, yang menginginkannya, dan dengan demikian menyelamatkan suaminya, yang, jika dia menolak, dia akan segera mengirimnya berperang sampai mati. Hasil rontgen menunjukkan bahwa awalnya Batsyeba memiliki ekspresi yang sangat berbeda di wajahnya, bahkan seolah-olah dia menantikan malam bersama David. Semua ini sangat menarik dan menggairahkan imajinasi.
Dan jika pekerjaan Anda dirontgen, apa yang akan kita lihat di foto-foto ini?
Saya cukup marah ketika saya masih muda - saya masih marah sekarang, tapi sudah tidak begitu marah lagi. Di bawah gambarku, aku menulis hal-hal buruk: siapa yang kubenci, kematian siapa yang kuinginkan. Untungnya, seperti yang dikatakan seorang teman kritikus seni kepada saya, gambar arang biasanya tidak di-rontgen.
Dan jika kita berbicara tentang lapisan luar, orang-orang yang tidak memperhatikan karya saya akan mengira itu adalah foto. Namun semakin dekat mereka dengan lukisan tersebut, mereka menjadi semakin tersesat: ini bukanlah lukisan figuratif tradisional atau abstraksi modernis, melainkan sesuatu di antara keduanya. Karena sangat detail, gambar saya selalu goyah dan sedikit belum selesai, itulah sebabnya gambar tersebut tidak akan pernah bisa menjadi foto.
Apa yang utama bagi Anda sebagai seorang seniman - bentuk atau isi, ide?
Saya dipengaruhi oleh seniman konseptual, mereka adalah pahlawan saya. Dan bagi mereka, ide adalah hal yang terpenting. Bentuknya tidak mungkin diabaikan, tetapi gagasannya sangatlah penting. Karena seni tidak lagi melayani gereja dan negara, sang seniman berulang kali harus menjawab pertanyaannya sendiri - apa yang saya lakukan? Pada tahun 1970-an, saya dengan susah payah mencari suatu bentuk pekerjaan yang dapat saya gunakan. Saya bisa memilih siapa saja: seniman konseptual dan minimalis mendekonstruksi segalanya cara yang mungkin menciptakan seni. Apa pun bisa menjadi seni. Generasi saya terlibat dalam penggunaan gambar; gambar dari gambar menjadi materi kami. Saya mengambil foto dan video, mementaskan pertunjukan, membuat patung. Seiring waktu, saya menyadari bahwa menggambar berada di antara seni "tinggi" - patung dan lukisan - dan sesuatu yang sepenuhnya marginal, bahkan dibenci. Dan saya berpikir: bagaimana jika saya mengambil gambarnya dan memperbesarnya sesuai skala? kanvas besar, mengubahnya menjadi sesuatu yang megah, seperti patung? Gambar saya memiliki bobot, mereka berinteraksi secara fisik dengan ruang dan pemirsa. Di satu sisi, ini adalah abstraksi yang paling sempurna, di sisi lain, dunia tempat saya tinggal.
Robert Longo dan Kate Fowle dalam bahasa Rusia arsip negara
sastra dan seni
Detail dari Posta-Magazine
Pameran ini dibuka mulai 30 September hingga 5 Februari
Museum Seni Kontemporer "Garasi", st. Krimea Val, 9, hal.32
Tentang proyek lain musim ini: http://garagemca.org/