Robert Longo festményei. Pilóták, cápák, nukleáris robbanások és még sok minden más
Robert Longo 1953-ban született Brooklynban, New York államban, és Long Islanden nőtt fel. Gyerekkorában nagy hatással volt rá a populáris kultúra - a mozi, a televízió, a magazinok és a képregények, amelyek nagyban alakították művészi stílusát.
Az 1970-es évek végén Longo kísérleti punk zenét adott elő New York-i rockklubokban a Menthol Wars projektben (Robert Longo Menthol Wars). Társalapítója az X-Patsys avantgárd csoportnak (feleségével, Barbara Zukovával, Jon Kesslerrel, Knox Chandlerrel, Sean Conley-vel, Jonathan Kane-nel és Anthony Colemannel).
Az 1980-as években Longo több videoklipet is rendezett, köztük R.E.M. "The One I Love" című számát. , Bizarre Love Triangle a New Ordertől és Peace Sells a Megadethtől.
1992-ben a művész rendezte a „Tales from the Crypt” sorozat egyik epizódját „This’ll Kill Ya” címmel. A leghíresebb a rendezői alkotások Longo - 1995-ös film
Robert Longo(Angol) Robert Longo, R. 1953) egy kortárs amerikai művész, aki különféle műfajokban végzett munkáiról ismert.
Életrajz
Robert Longo 1953. január 7-én született Brooklynban (New York, USA). Az Észak-Texasi Egyetemen (Denton) tanult, de otthagyta. Később Leonda Finke vezetésével szobrászatot tanult. 1972-ben ösztöndíjat kapott az Akadémia tanulmányaira képzőművészet Firenzében és Olaszországba távozott. Miután visszatért az Egyesült Államokba, a Buffalo State College-ba járt, ahol 1975-ben szerzett bachelor diplomát. Ugyanebben az időben találkozott Cindy Sherman fotóssal.
A 70-es évek végén Robert Longo érdeklődni kezdett az előadások szervezése iránt (például Sound Distance of a Good Man). Az ilyen munkákat általában egy fotó- és videósorozat készítése kísérte, amelyeket aztán önálló alkotásként, installáció részeként mutattak be. Ugyanakkor Longo számos New York-i punk rock bandában játszott, sőt társalapítója volt a Hallwalls galériának is. 1979-81-ben a művész a sorozaton is dolgozott grafikai munkák– Emberek a városokban.
1987-ben Longo konceptuális szobrokat mutatott be Object Ghosts néven. A sorozat alkotásai kísérletet tesznek a sci-fi filmek tárgyainak újragondolására és stilizálására (például „Nostromo” – ez volt a hajó neve az Alien című filmben). Hasonló ötlet (de valós kellékekkel valósítva meg, amelyeket használtak film díszlet) található Budor Dóra munkáiban.
1988-ban Longo elkezdett dolgozni a Black Flag sorozaton. A sorozat első alkotása egy grafitra festett amerikai zászló volt, amely vizuálisan hasonlít egy festett fadobozhoz. A későbbi alkotások az Egyesült Államok zászlójának bronzból készült szoborképei voltak, amelyek mindegyikét egy-egy cím-aláírás kísérte (például „add vissza a szenvedésünket” - „add vissza a szenvedésünket”).
A 80-as évek végén Robert Longo is forgatni kezdett rövid filmek(például Arena Brains - "Okos srácok az arénában", 1987). 1995-ben Longo rendezőként szerepelt a Johnny Mnemonic című tudományos-fantasztikus filmben. A filmet a cyberpunk műfaj kultuszfilmjeként tartják számon. Főszerep Keanu Reeves előadásában.
A 90-es és 2000-es években Robert Longo folytatta hiperrealisztikus képeinek készítését. A Szuperhősök (1998) vagy az Ophelia (2002) sorozat alkotásai fényképeknek vagy szobroknak tűnnek, de tusfestmények. Az Erkély (2008-09) és a Rejtélyek (2009) sorozat festményei szénnel készültek.
2010-ben Robert Longo fotósorozatot készített „People in Cities” stílusban az olasz Bottega Veneta márka számára.
A 2016-17 a múzeumban Kortárs művészet A „Garage” adott otthont a „Testimony” kiállításnak, amelyen Robert Longo néhány alkotását mutatták be a nagyközönségnek.
Robert Longo jelenleg az Egyesült Államokban, New Yorkban él. 1994 óta házas Barbara Sukowa német színésznővel. A párnak három gyermeke van.
Pilóták, cápák, szexi lányok, táncosok, az óceán, lenyűgöző robbanások – ezt ábrázolja Robert Longo New York-i művész. Illusztrációi rendkívül mélyek, misztikusak, erőteljesek és vonzóak. Talán ez a hatás érhető el miatt fekete-fehér képek, amelyet a szerző gondosan kiír szén segítségével.
Robert Longo 1953-ban született a New York állambeli Brooklynban. A művész, ha önmagáról beszél, soha nem felejti el megemlíteni, hogy szereti a mozit, a képregényeket, a magazinokat és gyenge a televíziózáshoz, amelyek jelentős hatással vannak munkásságára. Robert Longo a legtöbb témát festményeihez abból meríti, amit korábban látott és olvasott. A szerző mindig is szeretett rajzolni, és bár szobrász szakon szerzett diplomát, ez nem akadályozza meg abban, hogy azt csinálja, amit szeret, ellenkezőleg. A művész néhány rajza nagyon emlékeztet a szobrokra, szereti a kéz alól kibújó körvonalakat. Ebben van egy bizonyos erő.
Robert Longo festményeiből jelentős kiállításokat rendeznek a Los Angeles-i Művészeti Múzeumban, valamint a Chicagói Kortárs Művészeti Múzeumban.
A Modern Művészetek Múzeumában "Garázs" kiállítás nyílt „Tanúvallomás”: Francisco Goya, Szergej Eisenstein, Robert Longo. Eisenstein filmjeinek állóképei, Goya metszetei és Longo szénrajzai fekete-fehér posztmodern keverékké ötvöződnek. Külön-külön a kiállításon Eisenstein negyvenhárom rajza tekinthető meg az Orosz Állami Irodalmi és Művészeti Levéltár gyűjteményéből első alkalommal kiállított rajza, valamint Francisco Goya rézkarcai a gyűjteményből. Állami Múzeum modern történelem Oroszország. ARTANDHOUSES beszélt a híresekkel amerikai művész Robert Longo arról, hogy milyen nehéz volt egyenrangúnak lenni a művészettörténet óriásaival, a fiatalság önellátásáról és filmes élményeiről.
Hogyan jött a kiállítás ötlete? Mi a közös Longo, Goya és Eisenstein művészekben?
Kate Fowle, a kiállítás társkurátora hallott, amint ezekről a művészekről beszéltem, hogyan inspiráltak engem, és mennyire csodálom a munkájukat. Ő javasolta, hogy rakjam össze a munkáinkat és készítsem el ezt a kiállítást.
Mindig is érdekeltek azok a művészek, akik koruk tanúi voltak, és mindent dokumentáltak, ami történt. Fontosnak tartom, hogy Eisenstein és Goya műveiben bizonyítékokat lássunk azokról a korokról, amelyekben éltek.
Miközben a kiállításon dolgozott, az orosz állami levéltárakba ment. Mi volt a legérdekesebb az archív anyagokkal való munka során?
A múzeum csodálatos csapata olyan helyekre adott hozzáférést, ahová egyedül soha nem tudtam volna eljutni. Lenyűgözött az irodalmi és művészeti archívum, hatalmas termei iratszekrényekkel. Ahogy sétáltunk a végtelen folyosókon, folyamatosan kérdeztem az alkalmazottakat, hogy mi van ezekben a dobozokban, mi van azokban. Egyszer azt mondták: „És ezekben a dobozokban Csehov van!” Magam az a gondolat döbbent meg, hogy Csehov egy dobozban.
Találkoztál Eisenstein munkásságának vezető szakértőjével, Naum Kleimannal is...
Elmentem Kleimanhoz valamiféle engedélyért. Megkérdeztem, mit gondolna Eisenstein arról, amit csinálunk? Mert úgy éreztem, hogy a kiállítás elég merészen kitalált. Kleiman azonban nagyon lelkes volt a projektért. Elmondhatjuk, hogy bizonyos módon helyeselte, amit csinálunk. Elképesztően élénk ember, aki remekül beszél angolul, bár először azt állította, hogy alig beszéli.
Nehéz összehasonlítani Goyával és Eisensteinnel? Nehéz egyenrangúnak lenni a múlt géniuszaival?
Amikor Kate megkérdezte, szeretnék-e részt venni egy ilyen kiállításon, arra gondoltam: milyen szerepet kapnék? Valószínűleg segédeszköz. Ezek a művészettörténet igazi óriásai! De végül is mindannyian művészek vagyunk, mindegyik a saját korszakában élt, és azt ábrázolta. Nagyon fontos megérteni, hogy ez Kate ötlete volt, nem az enyém. És hogy milyen helyet foglalok el a történelemben, azt száz év múlva megtudjuk.
Interjúidban gyakran mondod, hogy képeket lopsz. Mi jár a fejedben?
Egy képekkel túltelített világban élünk, és elmondhatjuk, hogy belénk hatolnak. Szóval mit csinálok? Ebből az őrült képfolyamból kölcsönözök "képeket", és teljesen más kontextusba helyezem őket - a művészetbe. Én választok archetipikus képek, miközben szándékosan lelassítja őket, hogy az emberek megálljanak és elgondolkodhassanak rajtuk. Elmondhatjuk, hogy a körülöttünk lévő összes média egyirányú utca. Nem kapunk lehetőséget arra, hogy valahogy reagáljunk. És megpróbálok választ adni erre a sokféleségre. Olyan képeket keresek, amelyek archetipikusak az ókorból. Nézem Goya és Eisenstein munkáit, és elképeszt, hogy tudat alatt olyan motívumokat használok munkáimban, amelyek bennük is megtalálhatók.
A Pictures Generation művészeként kerültél be a művészettörténetbe. Mi motivált, amikor elkezdtél képeket kölcsönözni a médiából? A modernizmus elleni tiltakozás volt?
Ez egy kísérlet volt, hogy ellenálljunk annak a rengeteg képnek, amivel Amerikában körülvesznek bennünket. Annyi kép volt, hogy az emberek elvesztették a valóságérzéküket. Egy olyan generációhoz tartozom, amely televíziózás közben nőtt fel. A tévé volt a bébiszitterem. A művészet tükrözi azt, amiben felnőttünk, ami körülvett minket gyermekkorunkban. Ismered Anselm Kiefert? A háború utáni Németországban nőtt fel, amely romokban hevert. És mindezt látjuk a művészetében. Művészetemben fekete-fehér képeket látunk, amelyek úgy néznek ki, mintha egyenesen a tévéképernyőről jöttek volna ki, amelyen felnőttem.
Mi volt Douglas Crimp kritikus szerepe a legendás Pictures kiállítás megszervezésében 1977-ben, amelyen Sherri Levine-nel, Jack Goldsteinnel és másokkal együtt részt vettél, és utána váltál híressé?
Művészeket gyűjtött. Először találkozott velem és Goldsteinnel, és rájött, hogy valami érdekes történik. És az volt az ötlete, hogy körbeutazza Amerikát, és találjon művészeket, akik ugyanabban az irányban dolgoznak. Sok új nevet fedezett fel. A sors ajándéka volt számomra, hogy ilyen fiatal korban Egy nagyszerű értelmiségi talált meg, aki írt a munkámról (Douglas Crimp cikke a művészek új generációjáról egy befolyásos amerikai magazinban jelent megoktóber. - E.F.). Fontos volt, hogy szavakba öntse, amit ki akartunk fejezni. Mert művészetet csináltunk, de nem találtuk a szavakat, hogy megmagyarázzuk, amit ábrázolunk.
Gyakran ábrázol apokaliptikus jeleneteket: atomrobbanásokat, tátott szájú cápákat, búvárharcosokat. Mi vonzza a katasztrófa témájában?
A művészetben a katasztrófák ábrázolásának egész iránya van. Számomra erre a műfajra példa Gericault „A Medúza tutaja” című festménye. A katasztrófákon alapuló festményeim olyanok, mint a leszerelési kísérlet. A művészeten keresztül szeretnék megszabadulni a félelem érzésétől, amit ezek a jelenségek generálnak. Talán a legszembetűnőbb munkám ebben a témában a golyójeles alkotás, amelyet a Charlie Hebdo magazin körüli események inspiráltak. Egyrészt nagyon szép, másrészt viszont a kegyetlenség megtestesítője. Számomra ez egy módja annak, hogy kimondjam: „Nem félek tőled! Rám lőhetsz, de én folytatom a munkát! És a pokolba kerülnél!”
Filmeket, videoklipeket készítesz, zenél egy csoportban, képeket festesz. Kinek érzi magát jobban: rendezőnek, művésznek vagy zenésznek?
Művész. Ez a legszabadabb szakma az összes közül. Amikor filmet készítesz, az emberek pénzt fizetnek, és azt hiszik, hogy megmondhatják, mit csinálj.
Nem vagy túl elégedett a filmélményeddel?
Nehéz élményben volt részem a film forgatása közben. « Johnny, a Mnemonikus." Eredetileg egy kis fekete-fehér sci-fi filmet akartam készíteni, de a producerek folyton közbeszóltak. Végül úgy 50-70 százalékban úgy jött ki, ahogy szerettem volna. Volt egy tervem - a film 25. évfordulójára megszerkesztem, fekete-fehérre készítem, újraszerkesztem és felteszem az internetre. Ez lenne az én bosszúm a filmtársaságon!
Részese voltál az 1970-es és 80-as évek művészeti és zenei undergroundjának. Hogyan emlékszik vissza azokra az időkre?
Ahogy öregszel, rájössz, hogy nem a jövőbe lépsz be, hanem a jövő közeledik feléd. A múlt folyamatosan változik a fejünkben. Amikor most az 1970-es és 80-as évek eseményeiről olvasok, azt gondolom, hogy minden teljesen más volt. A múlt nem olyan rózsás, mint amilyennek állítják. Nehézségek is adódtak. Pénz nélkül maradtunk. Borzalmas munkákat dolgoztam, beleértve a taxisofőrt is. És mégis az volt szép idő, amikor a zene és a művészet szorosan összekapcsolódott. És nagyon szerettünk volna valami újat alkotni.
Ha visszamehetnél az időben fiatal korodba, min változtatnál?
Nem drogoznék. Ha most a fiatalabb énemmel beszélnék, azt mondanám, hogy a tudat határainak kitágításához nem stimulánsokra van szükség, hanem aktívan dolgozni. Könnyű fiatalnak lenni, sokkal nehezebb idős korig megélni. És legyen releváns az idődhöz. A pusztítás ötlete fiatalon menőnek tűnhet, de nem az. És most már több mint húsz éve nem ittam és nem szedek stimulánsokat.
A Garázs Kortárs Művészeti Múzeum főgondnoka
Kate Fowle és Robert Longo
Robert Longo,
akivel a Posta-Magazin a kiállítás installációján találkozott, beszélt arról, mi rejtőzik Rembrandt festményeinek színes rétege alatt, a kép erejéről, valamint a művészet „primitív” és „magas” tulajdonságairól.
Robert Longo hiperrealisztikus grafikáit elnézve nehéz elhinni, hogy ezek nem fényképek. És mégis így van: monumentális képek modern város, a természetet vagy a katasztrófákat szénnel rajzolják papírra. Szinte tapinthatóak - olyan kidolgozottak és részletgazdagok -, és epikus léptékükkel sokáig vonzzák magukra a figyelmet.
Longónak csendes, de magabiztos hangja van. A kérdés meghallgatása után egy pillanatig gondolkodik, majd megszólal - bizalmasan, mint egy régi ismerősével. Történetében az összetett absztrakt kategóriák világossá válnak, sőt látszanak fizikai erőnlét. És a beszélgetésünk végére megértem, miért.
Inna Logunova: A kiállítás szerelt részét megtekintve lenyűgözött a képeid monumentalitása. Elképesztő, mennyire modernek és archetipikusak egyszerre. Művészként az a célod, hogy megragadd az idő lényegét?
Robert Longo: Mi, művészek, annak az időnek a riporterei vagyunk, amelyben élünk. Senki nem fizet engem – sem a kormány, sem az egyház, joggal mondhatom: az én munkám az, ahogyan látom a körülöttem lévő világot. Ha a művészettörténetből veszünk egy példát, mondjuk Rembrandt vagy Caravaggio festményeit, akkor életformát fogunk látni bennük – mint abban a korszakban. Szerintem ez az, ami igazán fontos. Mert bizonyos értelemben a művészet egy vallás, egy módja annak, hogy elválasszuk a dolgokról alkotott elképzeléseinket az övéktől. igazi esszencia, attól, hogy mik is valójában. Ez az övé óriási erő. Művészként nem árulok el semmit, nem Krisztusról vagy politikáról beszélek - csak próbálok megérteni valamit az életről, olyan kérdéseket teszek fel, amelyek elgondolkodtatják a nézőt, és kétségbe vonják néhány általánosan elfogadott igazságot.
A kép pedig értelemszerűen archetipikus, hatásmechanizmusa a legmélyebb alapjainkhoz kapcsolódik. szénnel rajzolok - a legrégebbi anyag ősember. Az irónia az, hogy ezen a kiállításon technológiailag az én munkáim a legprimitívebbek. Goya egészen mostanáig komplexumban dolgozott modern technológia rézkarc, Eisenstein filmeket készített, én pedig csak szénnel rajzolok.
Vagyis primitív anyagot használsz valami ősi elv előhozására?
Igen, mindig is érdekelt a kollektív tudattalan. Valamikor egyszerűen megszállottja volt a gondolatnak, hogy megtaláljam és megörökítsem a képeit, és hogy valahogy közelebb kerüljek ehhez, minden nap készítettem egy rajzot. Én amerikai vagyok, a feleségem európai, egy másik vizuális kultúrában alakult ki, és ő segített megértenem, hogy én magam mennyire vagyok a társadalmam képrendszerének terméke. Nap mint nap fogyasztjuk ezeket a képeket anélkül, hogy észrevennénk, hogy húsunk és vérünk részei. Számomra maga a rajzolás egy módja annak, hogy rájöjjek arra, hogy ebből a sok vizuális zajból mi a tiéd, és mi az, ami kívülről van rákényszerítve. Valójában a rajz elvileg a tudattalan lenyomata - szinte mindenki rajzol valamit, miközben telefonon beszél vagy gondolkodik. Ezért Goya és Eisenstein is rajzokkal képviselteti magát a kiállításon.
Honnan jött ez a különleges érdeklődés Goya és Eisenstein művei iránt?
Fiatalkoromban folyamatosan rajzoltam valamit, készítettem szobrokat, de nem volt bátorságom művésznek tekinteni, és nem is ebben a minőségben láttam magam. Megdobáltak egyik oldalról a másikra: vagy biológus akartam lenni, vagy zenész, vagy sportoló. Általánosságban elmondható, hogy ezeken a területeken voltak bizonyos hajlamaim, de valójában az egyetlen dolog, amiben igazán jó voltam, az a művészet. Arra gondoltam, hogy a művészettörténetben vagy a restaurálásban találhatom magam – és Európába mentem tanulni (a Firenzei Képzőművészeti Akadémiára – a szerző megjegyzése), ahol sokat és lelkesen néztem és tanulmányoztam a régi mestereket. És egy bizonyos pillanatban valami kattanni látszott bennem: elég, szeretnék valami sajátommal válaszolni rájuk.
Goya festményeit és rézkarcait 1972-ben láttam először, és lenyűgözött filmes minőségükkel. Hiszen televíziózás és mozi közben nőttem fel, a felfogásom túlnyomórészt vizuális volt - fiatalkoromban alig olvastam, a könyvek harminc után jelentek meg az életemben. Ráadásul fekete-fehér televízió volt – és a Goya-képek összefonódtak az elmémben a saját múltommal, emlékeimmel. Lenyűgözött munkája erős politikai összetevője is. Hiszen ahhoz a generációhoz tartozom, amelynek a politika az élet része. A szemem láttára lőtték agyon diáktüntetés közben közeli barát. A politika buktatóvá vált a családunkban: szüleim megrögzött konzervatívok, én pedig liberális voltam.
Ami Eisensteint illeti, mindig csodáltam képeinek átgondoltságát és mesteri operatőri munkáját. Nagyon nagy hatással volt rám. Az 1980-as években folyamatosan az ő montázselméletéhez fordultam. Akkoriban különösen a kollázs érdekelt: hogyan születik két elem kombinációja vagy ütköztetése valami egészen újat. Tegyük fel, hogy az egymásnak ütköző autók már nem két anyagi tárgy, hanem valami harmadik – autóbaleset.
Goya politikai művész volt. Politikus a művészete?
Nem arról van szó, hogy mélyen foglalkoztam a politikával, de bizonyos élethelyzetek kényszerítettek arra, hogy vállaljam politikai pozíciót. Így a középiskolában leginkább csak a lányok érdekeltek, a sport és a rock and roll. Aztán a rendőrök lelőtték a barátomat – én pedig nem tudtam tovább állni. Belső igényt éreztem, hogy beszéljek róla, vagy inkább megmutassam – de nem annyira magukon az eseményeken keresztül, hanem azok következményein keresztül, lassítva, kibővítve.
És ma az a legfontosabb számomra, hogy megállítsam a képek áramlását, amelyek száma folyamatosan növekszik. Hihetetlen sebességgel haladnak el a szemünk előtt, és ezért elvesztik minden értelmüket. Úgy érzem, meg kell állítanom őket, meg kell töltenem tartalommal. Hiszen a művészet felfogása eltér a mindennapi, csúszó pillantástól – koncentrációt igényel, ezért megállásra késztet.
Az Ön ötlete volt, hogy Robert Longót, Francisco Goyát és Szergej Eisensteint egyesítse egy kiállításon?
Természetesen nem. Goya és Eisenstein titánok és zsenik, nem is teszek úgy, mintha mellettük lennék. Az ötlet Kate-é (Kate Fowle, főgondnok Garázs Kortárs Művészeti Múzeum és a kiállítás kurátora. - kb. auth.), aki a művemet kívánta színpadra állítani utóbbi években valamilyen kontextusba. Először nagyon megzavart az ötlete. De azt mondta: „Próbálj meg barátként tekinteni rájuk, ne szent szörnyetegeknek, és kezdj párbeszédet velük.” Amikor végül eldöntöttem, újabb nehézség adódott: egyértelmű volt, hogy Spanyolországból nem tudjuk elhozni Goyát. De aztán megláttam Eisenstein grafikáit, és eszembe jutottak Goya rézkarcai, amelyek fiatalkoromban annyira lenyűgöztek – aztán rájöttem, mi a közös hármunkban: a rajz. És fekete-fehér. És elkezdtünk ebben az irányban dolgozni. Eisenstein rajzait és Kate Goya rézkarcait válogattam. Ő találta ki, hogyan kell megszervezni a kiállítóteret - őszintén szólva, én magam is kissé elveszettnek éreztem magam, amikor megláttam, egyáltalán nem értettem, hogyan kell vele dolgozni.
A kiállításon bemutatott alkotások között található két Rembrandt „Krisztus feje” és „Bathsaba” című képeinek röntgenfelvételein alapuló alkotás. Milyen különleges igazságot keresett ezekben a festményekben? Mit találtál?
Néhány évvel ezelőtt „Rembrandt és Krisztus arcai” címmel kiállítást rendeztek Philadelphiában. E festmények között találva magam, hirtelen rájöttem: így néz ki a láthatatlan – elvégre a vallás lényegében a láthatatlanba vetett hiten alapszik. Megkértem egy restaurátor barátomat, hogy mutassa meg más Rembrandt-festmények röntgenfelvételeit. És ez az érzés - hogy látod a láthatatlant - csak megerősödött. Mert a röntgenfelvételek saját magát ábrázolták kreatív folyamat. Ami érdekes: miközben Rembrandt Jézus képén dolgozott, egy egész sor portrét festett a helyi zsidókról, de végül Krisztus arca nélkülözi a szemita vonásokat – ő még mindig európai. A röntgenfelvételen pedig, ahol a kép korábbi változatai láthatók, általában úgy néz ki, mint egy arab.
A „Bathshebában” egy másik pont foglalkoztatott. Rembrandt beletörődött a sorsába: kénytelen megosztani egy ágyban az őt megkívánó Dávid királlyal, és ezzel megmenteni férjét, akit ha nem hajlandó, azonnal a biztos halálba küldi a háborúba. A röntgenfelvételen látszik, hogy Batsabénak kezdetben teljesen más arckifejezése van, mintha még alig várná a Dáviddal töltött éjszakát. Mindez hihetetlenül érdekes és izgatja a képzeletet.
És ha a munkáidat megröntgeneznék, mit látnánk ezeken a fényképeken?
Fiatal koromban elég dühös voltam – most is dühös vagyok, de kevésbé. A rajzaim alá borzalmas dolgokat írtam: kit utáltam, kinek a halálát kívántam. Szerencsére, ahogy egy műkritikus barátom elmondta, a szénrajzokat általában nem röntgenezik.
És ha már a külső rétegről beszélünk, azok, akik nem nézik alaposan a munkáimat, összetévesztik őket fényképekkel. De minél közelebb kerülnek hozzájuk, annál inkább eltévednek: ez nem hagyományos figuratív festészet, nem is modernista absztrakció, hanem valami a kettő között van. Mivel rendkívül részletesek, a rajzaim mindig reszketegek és kissé befejezetlenek maradnak, ezért soha nem lehettek fényképek.
Művészként mi az elsődleges számodra - forma vagy tartalom, ötlet?
Hatottak rám a konceptuális művészek, ők voltak a hőseim. És számukra az ötlet a legfontosabb. A formát nem lehet figyelmen kívül hagyni, de az ötlet rendkívül fontos. Mivel a művészet nem szolgálja az egyházat és az államot, a művésznek újra és újra meg kell válaszolnia magának a kérdést: mi a fenét csinálok? Az 1970-es években fájdalmasan kerestem egy olyan formát, amelyben dolgozhatnék. Bármelyiket választhattam: konceptuális művészek és minimalisták mindent dekonstruáltak lehetséges módjai művészet létrehozása. Bármi lehet művészet. Az én generációm a képek kisajátításával foglalkozott, a képek képei lettek az anyagunk. Fotóztam és videóztam, előadásokat rendeztem, szobrokat készítettem. Idővel rájöttem, hogy a rajz valahol a „magas” művészet – szobrászat és festészet – és valami teljesen marginális, sőt megvetett dolog között van. És arra gondoltam: mi lenne, ha előveszem a rajzot és méretarányosan felnagyítom? nagy vászon, valami grandiózusra, pl. szoborra varázsolni? A rajzaimnak súlyuk van, fizikailag kölcsönhatásba lépnek a térrel és a nézővel. Egyrészt ezek a legtökéletesebb absztrakciók, másrészt a világ, amelyben élek.
Robert Longo és Kate Fowle oroszul állami archívum
irodalom és művészet
Részletek a Posta-Magazinból
A kiállítás szeptember 30-tól február 5-ig tekinthető meg
Kortárs Művészeti Múzeum "Garázs", st. Krymsky Val, 9., 32. o
A szezon többi projektjéről: http://garagemca.org/