A kora reneszánsz művészei. A reneszánsz kultúra nagy művészei A reneszánsz kultúra művészei

A reneszánsz fenomenális jelenség az emberiség történetében. Soha többé nem volt ilyen ragyogó kitörés a művészet területén. A reneszánsz szobrászai, építészei és művészei (listájuk hosszú, de érintjük a leghíresebbeket), akiknek a nevét mindenki ismeri, felbecsülhetetlen értékű egyedi és kivételes embereket adtak a világnak, akik nem egy területen, hanem több területen mutatták meg magukat. egyszerre.

Kora reneszánsz festészet

A reneszánsz korszaknak relatív időkerete van. Először Olaszországban kezdődött - 1420-1500. Jelenleg a festészet és általában a művészet nem sokban különbözik a közelmúlttól. A klasszikus ókorból kölcsönzött elemek azonban először kezdenek megjelenni. És csak a következő években a reneszánsz szobrászai, építészei és művészei (amelyek listája nagyon hosszú) a modern életkörülmények és a progresszív irányzatok hatására végül elhagyták a középkori alapokat. Bátran alkalmazzák az ókori művészet legjobb példáit alkotásaikhoz, általánosságban és egyes részletekben egyaránt. Nevüket sokan ismerik, koncentráljunk a legkiemelkedőbb személyiségekre.

Masaccio - az európai festészet zsenije

Ő volt az, aki óriási mértékben hozzájárult a festészet fejlődéséhez, és nagy reformerré vált. A firenzei mester 1401-ben született művészi kézműves családban, így az ízlés és az alkotás vágya a vérében volt. 16-17 évesen Firenzébe költözött, ahol műhelyekben dolgozott. Donatello és Brunelleschi, a nagy szobrászok és építészek joggal tekinthetők tanárainak. A velük való kommunikáció és az elsajátított készségek csak hatással voltak a fiatal festőre. Masaccio az elsőtől az emberi személyiség új, a szobrászatra jellemző felfogását kölcsönözte. A második mester rendelkezik az alapokkal.A kutatók az első megbízható alkotásnak a „San Giovenale triptichont” (az első képen) tartják, amelyet a Masaccio születési helye melletti kis templomban fedeztek fel. A fő alkotás a Szent Péter élettörténetének szentelt freskók. A művész részt vett ezek közül hat létrehozásában, nevezetesen: „A Statir csodája”, „Kiűzetés a Paradicsomból”, „Neofiták megkeresztelkedése”, „A tulajdon elosztása és Ananiás halála”, „Theophilus fiának feltámadása” ”, „Szent Péter meggyógyítja a betegeket az árnyékával” és a „Szent Péter a szószéken”.

A reneszánsz olasz művészei olyan emberek voltak, akik teljes mértékben a művészetnek szentelték magukat, nem figyeltek a hétköznapi mindennapi problémákra, ami néha rossz élethez vezetett. Masaccio sem kivétel: a zseniális mester nagyon korán, 27-28 éves korában meghalt, nagy alkotásokat és rengeteg adósságot hagyva maga után.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Ez a padovai festőiskola képviselője. A mesterség alapjait örökbefogadó édesapjától kapta. A stílus Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello és a velencei festészet munkáinak hatására alakult ki. Ez meghatározta Andrea Mantegna kissé durva és durva modorát a firenzeiekhez képest. Az ókor kulturális alkotásainak gyűjtője és ismerője volt. Stílusának köszönhetően – minden mással ellentétben – újítóként vált híressé. Leghíresebb művei: „Hallott Krisztus”, „Cézár diadala”, „Judit”, „Tengeri istenségek csata”, „Parnasszus” (a képen) stb. 1460-tól haláláig Gonzaga hercegeinek udvari festőjeként dolgozott.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli álnév, igazi neve Filipepi. Nem rögtön a művész pályáját választotta, hanem kezdetben ékszermesterséget tanult. Első önálló művében (több „Madonna”) Masaccio és Lippi hatása érezhető. Később portréfestőként is hírnevet szerzett magának, a megrendelések nagy része Firenzéből érkezett. Munkáinak kifinomultsága és kifinomultsága stilizációs elemekkel (a képek általánosítása hagyományos technikákkal - formai, színbeli, térfogati egyszerűség) megkülönbözteti őt az akkori többi mestertől. Leonardo da Vinci és az ifjú Michelangelo kortársa, fényes nyomot hagyott a világművészetben („Vénusz születése” (fotó), „Tavasz”, „A mágusok imádása”, „Vénusz és Mars”, „Karácsony” stb.). Festészete őszinte és érzékeny, életútja összetett és tragikus. A fiatalkori romantikus világfelfogás felnőttkorban átadta helyét a miszticizmusnak és a vallásos felmagasztosulásnak. Sandro Botticelli élete utolsó éveit szegénységben és feledésben élte.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Olasz festő és a korai reneszánsz másik képviselője, eredetileg Toszkánából. A szerző stílusa a firenzei festőiskola hatására alakult ki. Piero della Francesca művészi tehetsége mellett a matematika területén is kiemelkedő képességekkel rendelkezett, élete utolsó éveit ennek szentelte, és igyekezett összekapcsolni a magas művészettel. Az eredmény két tudományos értekezés született: „A festészet perspektívájáról” és „Az öt szabályos test könyve”. Stílusát ünnepélyesség, képi harmónia és nemesség, kompozíciós kiegyensúlyozottság, pontos vonalak és konstrukció, valamint lágy színvilág jellemzi. Piero della Francesca elképesztő ismeretekkel rendelkezett a festészet akkori technikai oldaláról és a perspektíva sajátosságairól, amivel nagy tekintélyt szerzett kortársai körében. A leghíresebb művek: „Sába királynőjének története”, „Krisztus megkorbácsolása” (a képen), „Montefeltro oltára” stb.

Magas reneszánsz festészet

Ha a proto-reneszánsz és a korai korszak közel másfél és egy évszázadig tartott, akkor ez az időszak csak néhány évtizedet foglal magában (Olaszországban 1500-tól 1527-ig). Fényes, káprázatos villanás volt, amely nagyszerű, sokoldalú és ragyogó emberek egész galaxisát adta a világnak. Minden művészeti ág kéz a kézben járt, így sok mester volt tudós, szobrász, feltaláló is, és nem csak reneszánsz művész. A lista hosszú, de a reneszánsz csúcsát L. da Vinci, M. Buanarotti és R. Santi munkássága fémjelezte.

Da Vinci rendkívüli zsenije

Talán ez a legkülönlegesebb és legkiemelkedőbb személyiség a világ művészeti kultúra történetében. Univerzális ember volt a szó teljes értelmében, és a legsokoldalúbb tudással és tehetséggel rendelkezett. Művész, szobrász, művészetteoretikus, matematikus, építész, anatómus, csillagász, fizikus és mérnök – mindez róla szól. Ráadásul Leonardo da Vinci (1452-1519) mindegyik területen újítónak bizonyult. Mindössze 15 festménye, valamint számos vázlata maradt fenn a mai napig. Csodálatos életenergiával és tudásszomjjal rendelkezett, türelmetlen volt, és maga a tanulási folyamat lenyűgözte. Nagyon fiatalon (20 évesen) megszerezte a Szent Lukács Céh mesteri képesítését. Legfontosabb munkái az „Utolsó vacsora” freskó, a „Mona Lisa”, „Benois Madonna” (fenti képen), „Hölgy hermelinnel” stb.

A reneszánsz művészek portréi ritkák. Képeiket szívesebben hagyták sok arcú festményeken. Így a da Vinci önarcképe (a képen) körüli vita a mai napig tart. Vannak olyan verziók, hogy 60 évesen készítette el. Vasari életrajzíró, művész és író szerint a nagy mester közeli barátja, I. Ferenc király karjai között halt meg Clos-Lucé kastélyában.

Raphael Santi (1483-1520)

Urbinói származású művész és építész. Neve a művészetben mindig a fenséges szépség és a természetes harmónia gondolatához kötődik. Meglehetősen rövid élete alatt (37 év) számos világhírű festményt, freskót és portrét készített. Az általa ábrázolt témák nagyon változatosak voltak, de mindig vonzotta az Istenanya képe. Teljesen indokolt, hogy Raphaelt „madonnák mesterének” nevezik, különösen az általa Rómában festetteket. A Vatikánban 1508-tól élete végéig a pápai udvar hivatalos művészeként dolgozott.

A sok más reneszánsz művészhez hasonlóan tehetséges Raphael is építész volt, és régészeti ásatásokon is részt vett. Az egyik verzió szerint a legújabb hobbi közvetlenül kapcsolódik a korai halálhoz. Feltehetően az ásatásokon kapott római lázat. A nagy mestert a Pantheonban temették el. A fotó az önarcképe.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

A hosszú, 70 éves férfi fényes volt, utódaira nemcsak a festészet, hanem a szobrászat elmúlhatatlan alkotásait is hagyta. Más nagy reneszánsz művészekhez hasonlóan Michelangelo is történelmi eseményekkel és felfordulással teli időben élt. Művészete az egész reneszánsz csodálatos zárójegye.

A mester a szobrászatot minden más művészet fölé helyezte, de a sors akaratából kiváló festő és építész lett. Legambiciózusabb és legkülönlegesebb munkája a vatikáni palotában készült festmény (a képen). A freskó területe meghaladja a 600 négyzetmétert, és 300 emberi alakot tartalmaz. A legimpozánsabb és legismertebb az Utolsó ítélet jelenete.

Az olasz reneszánsz művészek sokrétű tehetséggel rendelkeztek. Így hát kevesen tudják, hogy Michelangelo is kiváló költő volt. Zsenialitásának ez az oldala élete vége felé teljes mértékben megnyilvánult. A mai napig mintegy 300 vers maradt fenn.

Késő reneszánsz festészet

Az utolsó időszak az 1530-tól 1590-1620-ig terjedő időszakot öleli fel. Az Encyclopedia Britannica szerint a reneszánsz, mint történelmi korszak Róma 1527-es bukásával ért véget. Ugyanebben az időben az ellenreformáció diadalmaskodott Dél-Európában. A katolikus mozgalom óvatosan nézett minden szabadgondolkodásra, beleértve az emberi test szépségének dicsőítését és az ókor művészetének feltámasztását - vagyis mindazt, ami a reneszánsz pillérei volt. Ennek eredménye egy különleges mozgás - a modorosság, amelyet a lelki és fizikai, az ember és a természet harmóniájának elvesztése jellemez. De még ebben a nehéz időszakban is néhány híres reneszánsz művész megalkotta remekműveit. Köztük van Antonio da Correggio (a klasszicizmus és a palladianizmus megalapítójának tartott) és Tizian.

Tizian Vecellio (1488-1490-1676)

Joggal tekinthető a reneszánsz titánjának, Michelangelóval, Raphaellel és da Vincivel együtt. Tizian még 30 éves kora előtt elnyerte a „festők királya és a királyok festője” hírnevét. A művész elsősorban mitológiai és bibliai témájú festményeket festett, emellett kiváló portréfestőként vált híressé. A kortársak úgy gondolták, hogy egy nagy mester ecsettel való megragadása halhatatlanságot jelent. És valóban az. Tizianushoz a legtiszteltebb és legelőkelőbb személyek érkeztek: pápák, királyok, bíborosok és hercegek. Íme néhány leghíresebb műve: „Urbinói Vénusz”, „Európa megerőszakolása” (a képen), „Kereszthordozás”, „Töviskorona”, „Pesarói Madonna”, „Nő tükrös” ” stb.

Semmi sem ismétlődik kétszer. A reneszánsz korszak ragyogó, rendkívüli személyiségeket adott az emberiségnek. Nevük aranybetűkkel van beírva a művészet világtörténetébe. A reneszánsz építészei és szobrászai, írói és művészei – a lista nagyon hosszú. Csak azokat a titánokat érintettük, akik történelmet írtak, és a felvilágosodás és a humanizmus eszméit a világba hozták.

Klasszikus teljességgel a reneszánsz Olaszországban valósult meg, amelynek reneszánsz kultúrájában vannak korszakok: proto-reneszánsz vagy a reneszánsz előtti jelenségek kora, ("Dante és Giotto korszaka", 1260-1320 körül), részben egybeesik Ducento (13. század), valamint Trecento (14. század) időszakával, Quattrocento (15. század) és Cinquecento (16. század) időszakával. Általánosabb korszak a kora reneszánsz (14-15. század), amikor az új irányzatok aktívan kölcsönhatásba lépnek a gótikával, legyőzve és kreatívan átalakítva azt.

Valamint a magas- és későreneszánsz, melynek különleges szakasza a manierizmus volt. A Quattrocento korszakban a firenzei iskola, építészek (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino és mások), szobrászok (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano), festők (Mas focusaccio) az innováció minden fajta művészetében , Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli), akik a belső egységgel rendelkező világ plasztikusan integrált koncepcióját alkották meg, amely fokozatosan elterjedt Olaszországban (Piero della Francesca munkája Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa Ferrarában, Andrea Mantegna Mantovában, Antonello da Messina és Gentile és Giovanni Bellini testvérek Velencében).

Természetes, hogy az „isteni” emberi kreativitásnak központi jelentőséget adó idő olyan személyiségeket hozott a művészetben, akik az akkori tehetségek minden bőségével a nemzeti kultúra egész korszakának megszemélyesítőivé váltak (személyes „titánok”, ahogy később romantikusan nevezték). Giotto a proto-reneszánsz megszemélyesítőjévé vált, a Quattrocento ellentétes aspektusait - a konstruktív szigorúságot és a lelkes líraiságot - rendre kifejezte Masaccio, Angelico és Botticelli. A középső (vagy „magas”) reneszánsz „titánjai” Leonardo da Vinci, Raphael és Michelangelo művészek – mint olyanok, az újkor nagy fordulatának szimbólumai. Az olasz reneszánsz építészet legfontosabb állomásai - korai, középső és késői - monumentálisan testesülnek meg F. Brunelleschi, D. Bramante és A. Palladio munkáiban.

A reneszánsz idején a középkori névtelenséget felváltotta az egyéni, szerzői kreativitás. A lineáris és légi perspektíva elmélete, az arányok, az anatómia problémái, valamint a fény- és árnyékmodellezés nagy gyakorlati jelentőséggel bír. A reneszánsz újítások központja, a művészi „korszak tükre” az illuzórikus, életszerű festészet volt, a vallásos művészetben az ikont helyettesíti, a világi művészetben pedig önálló tájképi, hétköznapi festészeti és portré műfajokat szül. ez utóbbiak elsődleges szerepet játszottak a humanista virtu eszméinek vizuális megerősítésében). A reformkorban igazán elterjedt fa- és fémmetszet művészete nyeri el végső belső értékét. A munkavázlatból való rajzolás a kreativitás külön típusává válik; önálló művészi hatásként kezd felértékelődni az egyéni vonásstílus, vonás, valamint a textúra és a befejezetlenség (non-finito) hatása. A monumentális festészet is festőivé, illuzórikussá és háromdimenzióssá válik, nagyobb vizuális függetlenséget nyerve a fal tömegétől. A képzőművészet minden fajtája mostanra így vagy úgy megsérti a monolitikus középkori szintézist (ahol az építészet dominált), így viszonylagos függetlenséget nyer. Kialakulóban vannak az abszolút kerek szobrok, lovas emlékművek, (sok szempontból az ősi hagyományt felelevenítő) portré mellszobrok, és egy teljesen új típusú ünnepélyes szobrászati ​​és építészeti sírkő van kialakulóban.

A reneszánsz reneszánsz idején, amikor a humanista reneszánsz eszméiért folytatott küzdelem intenzív és heroikus jelleget kapott, az építészetet és a képzőművészetet a társadalmi hangzás szélessége, a szintetikus általánosság, valamint a szellemi és fizikai aktivitással teli képek ereje jellemezte. Donato Bramante, Raphael, Antonio da Sangallo épületeiben a tökéletes harmónia, monumentalitás és egyértelmű arányosság érte el csúcspontját; A humanista teljesség, a művészi képzelőerő merész repülése, a valóság szélessége jellemzi a korszak legnagyobb képzőművészeti mestereinek - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Tizian - munkáit. A 16. század második negyedétől, amikor Olaszország a politikai válság és a humanizmus eszméiben való csalódás időszakába lépett, sok mester munkája összetett és drámai jelleget kapott. A késő reneszánsz építészetében (Giacomo da Vignola, Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi) megnőtt az érdeklődés a kompozíció térbeli fejlesztése és az épület tág városrendezési tervnek való alárendelése iránt; a gazdagon és komplexen kialakított középületekben, templomokban, villákban, palotákban a kora reneszánsz tiszta tektonikáját a tektonikus erők heves konfliktusa váltotta fel (Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio épületei). A késő reneszánsz festészetét és szobrászatát a világ ellentmondásos mivoltának megértése, a drámai tömegcselekmények ábrázolása iránti érdeklődés, a térdinamika iránti érdeklődés gazdagította (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); A képek pszichológiai jellemzői Michelangelo és Tizian későbbi műveiben soha nem látott mélységet, összetettséget és belső tragédiát értek el.

Velencei iskola

A Velencei Iskola, Olaszország egyik fő festőiskolája, központja Velence városában (részben Terraferma kisvárosaiban is - a szárazföld Velencével szomszédos területein) található. A velencei iskolát a festői elv érvényesülése, a színproblémákra való kiemelt figyelem, az élet érzéki teltségének, színességének megtestesítésére való törekvés jellemzi. A Nyugat-Európa és Kelet országaihoz szorosan kötődő Velence az idegen kultúrából merített mindent, ami díszítésére szolgálhat: a bizánci mozaikok eleganciáját és aranyfényét, a mór épületek kőkörnyezetét, a gótikus templomok fantasztikus természetét. Ugyanakkor a művészetben kialakította saját eredeti stílusát, amely a szertartásos színesség felé húzódott. A velencei iskolát világi, életigenlő elv, a világ, az ember és a természet költői felfogása, finom kolorizmus jellemzi.

A velencei iskola legnagyobb virágzását a kora- és magasreneszánsz korszakában érte el, Antonello da Messina munkásságában, aki megnyitotta kortársai előtt az olajfestészet kifejező lehetőségeit, Giovanni Bellini és Giorgione ideálisan harmonikus képeinek alkotóit, a legnagyobb kolorista Tizian, aki vásznaiban megtestesítette a velencei festészetben rejlő vidámságot és színességet. A 16. század második felének velencei iskola mestereinek alkotásaiban a sokszínű világ közvetítésének virtuozitása, az ünnepi látványok iránti szeretet és a sokszínű tömeg együtt él a nyilvánvaló és rejtett drámaisággal, a dinamika és a végtelenség riasztó érzésével. az univerzum (Paolo Veronese és Jacopo Tintoretto festményei). A 17. században a velencei iskola színproblémái iránti hagyományos érdeklődés Domenico Fetti, Bernardo Strozzi és más művészek munkáiban együtt élt a barokk festészet technikáival, valamint a karavaggizmus szellemében reális irányzatokkal. A 18. századi velencei festészetet a monumentális és dekoratív festészet (Giovanni Battista Tiepolo), a hétköznapi műfaj (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), a dokumentarista-pontos építészeti tájkép - vedata (Giovan Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) és lírai, finoman átadva a velencei városkép mindennapi életének költői hangulatát (Francesco Guardi).

firenzei iskola

A Firenzei Iskola, a reneszánsz egyik vezető olasz művészeti iskolája, amelynek központja Firenze városában található. A 15. században végleg formát öltő firenzei iskola kialakulását az ókor öröksége felé forduló humanista gondolkodás felvirágzása (Francesco Petrarch, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola stb.) segítette elő. A firenzei iskola megalapítója a proto-reneszánsz idején Giotto volt, aki plasztikus meggyőződést és életszerű hitelességet adott kompozícióinak.
A 15. században Firenzében a reneszánsz művészet alapítói Filippo Brunelleschi építész, Donatello szobrász, Masaccio festő, majd Leon Battista Alberti építész, Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settiedettdano szobrászok voltak. és más mesterek. A firenzei iskola építészetében a 15. században új típusú reneszánsz palota jött létre, és megkezdődött a korszak humanista eszméinek megfelelő, ideális templomépítési típus keresése.

A 15. századi firenzei iskola képzőművészetét a perspektíva-problémák iránti vonzalom, az emberi alak plasztikusan tiszta felépítésének vágya jellemzi (Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno művei), és sokak számára. mesterei - különleges spiritualitás és meghitt lírai elmélkedés (Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi festménye). A 17. században a firenzei iskola hanyatlásnak indult.

A "Small Bay Planet Art Gallery" hivatkozási és életrajzi adatai a "Külföld művészet története" (szerkesztette: M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), "A külföldi klasszikus művészet művészeti enciklopédiája", "nagy orosz" anyagai alapján készültek. Enciklopédia".

Reneszánsz században virágzó művészet, és ezen belül is a festészet új fordulójaként szolgált. Ennek a korszaknak van egy francia neve is - Reneszánsz. Sandro Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci, Tizian, Michelangelo néhány híres név, amely ezt az időszakot képviseli.

A reneszánsz művészek a lehető legpontosabban és legtisztábban ábrázolták festményeik szereplőit.

Pszichológiai kontextus eredetileg nem szerepelt a képen. A festők azt a célt tűzték ki maguk elé, hogy az általuk ábrázolt elevenséget érjék el. Függetlenül attól, hogy az emberi arc dinamizmusát vagy a környező természet részleteit kellett festéssel a lehető legpontosabban átadni. Idővel azonban a reneszánsz festményeken jól láthatóvá válik a pszichológiai aspektus, például a portrékból az ábrázolt személy jellemvonásaira lehetett következtetéseket levonni.

A reneszánsz művészeti kultúrájának elérése

A reneszánsz kétségtelen vívmánya az volt a kép geometriailag helyes kialakítása. A művész az általa kidolgozott technikák segítségével építette fel a képet. Az akkori festők számára az volt a legfontosabb, hogy megtartsák a tárgyak arányait. Még a természet is olyan matematikai technikák alá esett, amelyek a kép és a kép többi tárgyával való arányosságát számították ki.

Más szóval, a művészek a reneszánsz idején igyekeztek közvetíteni pontos kép, például egy személy a természet hátterében. Ha összehasonlítjuk a látott kép egyes vásznon való újraalkotásának modern technikáival, akkor valószínűleg a későbbi módosításokkal végzett fényképezés segít megérteni, mire törekedtek a reneszánsz művészek.

A reneszánsz festők úgy gondolták, hogy joguk van javítani a természet hibái, vagyis ha egy embernek csúnya arcvonásai voltak, a művészek úgy korrigálták őket, hogy az arc édes és vonzó lett.

Geometriai megközelítés képekben a térbeli ábrázolás új módjához vezet. A képek vászonra való újraalkotása előtt a művész megjelölte azok térbeli elhelyezkedését. Ez a szabály idővel kialakult a kor festői körében.

A nézőt le kellett volna nyűgözni a festményeken látható képek. Például, Raphael teljes mértékben megfelelt ennek a szabálynak az „Athén iskola” című festményének elkészítésével. Az épület boltozatai magasságukban feltűnőek. Olyan sok hely van, hogy kezdi megérteni ennek a szerkezetnek a méretét. Az ókor ábrázolt gondolkodói pedig Platónnal és Arisztotelészsel középen azt jelzik, hogy az ókori világban a különféle filozófiai eszmék egysége volt.

Reneszánsz festmények témái

Ha elkezdi ismerkedni a reneszánsz festészettel, érdekes következtetést vonhat le. A festmények témái főként a Bibliában leírt eseményeken alapultak. Az akkori festők gyakrabban ábrázoltak történeteket az Újszövetségből. A legnépszerűbb kép az Szűz és Gyermek- kis Jézus Krisztus.

A karakter annyira eleven volt, hogy az emberek még imádták ezeket a képeket, bár az emberek megértették, hogy ezek nem ikonok, imádkoztak hozzájuk, és segítséget és védelmet kértek. A Madonna mellett a reneszánsz festők nagyon szerették a képeket újraalkotni Jézus Krisztus, apostolok, Keresztelő János, valamint evangéliumi epizódok. Például, Leonardo da Vinci megalkotta az „Utolsó vacsora” című világhírű festményt.

Miért használtak a reneszánsz művészek témákat? a Bibliából? Miért nem próbálták meg kifejezni magukat kortársaik portréinak elkészítésével? Lehet, hogy a hétköznapi embereket a benne rejlő jellemvonásokkal próbálták így ábrázolni? Igen, az akkori festők megpróbálták megmutatni az embereknek, hogy az ember isteni lény.

A reneszánsz művészek a bibliai jelenetek ábrázolásával igyekeztek egyértelművé tenni, hogy az ember földi megnyilvánulásai világosabban ábrázolhatók, ha bibliai történeteket használnak. Megértheti, mi a bukás, a kísértés, a pokol vagy a mennyország, ha elkezdi ismerkedni az akkori művészek munkásságával. Azonos Madonna képe közvetíti számunkra a nő szépségét, és a földi emberi szeretet megértését is hordozza.

Leonardo da Vinci

A reneszánsz az akkoriban élt számos kreatív személyiségnek köszönhetően vált ilyenné. Híres az egész világon Leonardo da Vinci (1452-1519) hatalmas számú remekművet hozott létre, amelyek költsége több millió dollárt tesz ki, és művészetének ismerői készek hosszú ideig szemlélni festményeit.

Leonardo Firenzében kezdte tanulmányait. Első, 1478 körül festett festménye az "Madonna Benoit". Aztán voltak olyan alkotások, mint a „Madonna a barlangban”, "Mona Lisa", a fent említett „Utolsó vacsora” és egy sor más remekmű, amelyeket a reneszánsz titánja írt.

A geometriai arányok szigorúsága és az ember anatómiai szerkezetének pontos reprodukálása - ez jellemzi Leonard da Vinci festményeit. Meggyőződése szerint bizonyos képek vásznon való ábrázolásának művészete tudomány, és nem csak hobbi.

Rafael Santi

Raphael Santi (1483-1520) a művészvilágban Raphael néven ismerték műveit Olaszországban. Festményeit líra és kecsesség hatja át. Raphael a reneszánsz képviselője, aki az embert és földi létezését ábrázolta, és előszeretettel festette a vatikáni katedrálisok falait.

A festmények a figurák egységét, a tér és a képek arányos megfelelését, a színek eufóniáját árulták el. A Szűz tisztasága volt Raphael számos festményének alapja. Az ő legelső Szűzanya képe- ez a Sixtus Madonna, amelyet egy híres művész festett még 1513-ban. A Raphael által készített portrék az ideális emberképet tükrözték.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445-1510) reneszánsz művész is. Egyik első munkája a „Magusok imádása” című festmény volt. Finom költészet és álomszerűség volt kezdeti modora a művészi képek közvetítésének terén.

A 15. század 80-as éveinek elején a nagy művész festett a vatikáni kápolna falai. A keze által készített freskók még mindig csodálatosak.

Festményeit idővel az ókori épületek nyugalma, az ábrázolt szereplők elevensége, a képek harmóniája jellemezte. Emellett ismert Botticelli szenvedélye a híres irodalmi művek rajzai iránt, ami szintén csak növelte munkásságának hírnevét.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475-1564)- Olasz művész, aki a reneszánsz idején is dolgozott. Ez az ember, akit sokan ismerünk, mindent megtett, amit tehetett. És szobrászat, festészet, építészet és költészet.

Michelangelo, akárcsak Raphael és Botticelli, festette a vatikáni templomok falait. Végül is csak az akkori idők legtehetségesebb festői vettek részt olyan fontos munkákban, mint a katolikus katedrálisok falán való képek festése.

Több mint 600 négyzetméter a Sixtus-kápolna különféle bibliai jeleneteket ábrázoló freskókkal kellett fednie.

A leghíresebb alkotás ebben a stílusban úgy ismert nálunk "Az utolsó ítélet". A bibliai történet jelentése teljesen és világosan kifejeződik. A képek átvitelének ilyen pontossága Michelangelo összes munkájára jellemző.

FIGYELEM! Az oldal anyagainak bármilyen felhasználásához aktív link szükséges!

Olaszország egy olyan ország, amely mindig is híres volt a művészekről. Az egykor Olaszországban élt nagy mesterek az egész világon dicsőítették a művészetet. Biztosan állíthatjuk, hogy ha nem lennének olasz művészek, szobrászok és építészek, a mai világ teljesen másképp nézne ki. Természetesen az olasz művészetben a legjelentősebbnek tartják. Olaszország a reneszánsz vagy a reneszánsz idején példátlan növekedést és jólétet ért el. Az akkoriban megjelent tehetséges művészeket, szobrászokat, feltalálókat, igazi zseniket ma is minden iskolás ismeri. Művészetük, kreativitásuk, ötleteik és fejlesztéseik ma már klasszikusnak számítanak, a világ művészetének és kultúrájának magvának számítanak.

Az olasz reneszánsz egyik leghíresebb zsenije természetesen a nagy Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci olyan tehetséges volt, hogy számos területen ért el nagy sikereket, beleértve a képzőművészetet és a tudományt is. Egy másik híres művész, aki elismert mester Sandro Botticelli(1445-1510). Botticelli festményei igazi ajándék az emberiség számára. Ma sok közülük a világ leghíresebb múzeumaiban található, és valóban felbecsülhetetlen értékűek. Nem kevésbé híres, mint Leonardo da Vinci és Botticelli Rafael Santi(1483-1520), aki 38 évig élt, és ez idő alatt egy egész réteg lenyűgöző festményt sikerült létrehoznia, amely a kora reneszánsz egyik feltűnő példája lett. Az olasz reneszánsz másik nagy zsenije kétségtelenül az Michelangelo Buonarotti(1475-1564). A festészet mellett Michelangelo szobrászattal, építészettel és költészettel foglalkozott, és nagyszerű eredményeket ért el az ilyen típusú művészetekben. Michelangelo „Dávid” szobrát felülmúlhatatlan remekműnek tartják, a szobrászat legmagasabb teljesítményének példájaként.

A fent említett művészeken kívül a reneszánsz Olaszország legnagyobb művészei olyan mesterek voltak, mint Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi és mások. Mindegyikük ragyogó példája volt az elragadó velencei festőiskolának. A következő művészek az olasz festészet firenzei iskolájába tartoznak: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

A reneszánsz, valamint a késő reneszánsz és évszázadokkal később munkálkodott művészek felsorolásához, akik világszerte ismertté váltak, és dicsőítették a festészet művészetét, kidolgozták azokat az alapelveket és törvényeket, amelyek a festészet minden típusának és műfajának hátterében állnak. képzőművészet, Talán több kötetbe is beletelik majd megírni, de ez a lista elég ahhoz, hogy megértsük, a nagy olasz művészek az a művészet, amelyet ismerünk, szeretünk és örökké értékelni fogunk!

Nagy olasz művészek festményei

Andrea Mantegna – Freskó a Camera degli Sposiban

Giorgione - Három filozófus

Leonardo da Vinci – Mona Lisa

Nicolas Poussin - Scipio nagylelkűsége

Paolo Veronese - Lepantói csata

2014. augusztus 7

A művészeti egyetemek hallgatói és a művészettörténet iránt érdeklődők tudják, hogy a 14-15. század fordulóján éles változás következett be a festészetben - a reneszánsz. Az 1420-as évek környékén hirtelen mindenki sokkal jobban tudott rajzolni. Miért lettek a képek hirtelen ennyire valósághűek és részletgazdagok, és miért jelent meg a fény és a térfogat a festményeken? Ezen sokáig senki sem gondolkodott. Amíg David Hockney fel nem vett egy nagyítót.

Nézzük, mit fedezett fel...

Egyik nap Jean Auguste Dominique Ingres, a 19. századi francia akadémiai iskola vezetőjének rajzait nézegette. Hockney érdeklődni kezdett kis rajzai nagyobb léptékű megtekintése iránt, és fénymásolón kinagyította őket. Így bukkant rá a reneszánsz óta tartó festészettörténet titkos oldalára.

Miután Ingres kis (körülbelül 30 centiméteres) rajzairól fénymásolatot készített, Hockney megdöbbent, mennyire valósághűek. És az is látszott számára, hogy Ingres sorai valamit értek
emlékeztet. Kiderült, hogy Warhol műveire emlékeztették. Warhol pedig ezt tette – kivetített egy fényképet egy vászonra, és körvonalazta.

Balra: Ingres rajzának részlete. Jobbra: Warhol rajza Mao Ce-tungról

Érdekes dolgok, mondja Hockney. Úgy tűnik, Ingres a Camera Lucida-t használta - egy olyan eszközt, amely egy prizmával rendelkező szerkezet, amelyet például egy táblagép állványára szerelnek fel. Így a művész az egyik szemével a rajzára nézve a valódi képet látja, a másikkal pedig a tényleges rajzot és a kezét. Az eredmény egy optikai csalódás, amely lehetővé teszi a valós arányok pontos átvitelét a papírra. És éppen ez a „garancia” a kép valósághűségére.

Portré rajzolása camera lucida segítségével, 1807

Aztán Hockney komolyan érdeklődött az „optikai” típusú rajzok és festmények iránt. Műtermében ő és csapata az évszázadok során készített festmények több száz reprodukcióját függesztette a falakra. Olyan művek, amelyek "igazinak" tűntek, és amelyek nem. Hockney és csapata a teremtés ideje és a régió szerint rendezve – fent északra, alul délre – a 14-15. század fordulóján éles változást tapasztalt a festészetben. Általában mindenki, aki csak egy kicsit is ismeri a művészet történetét, tudja ezt - a reneszánszt.

Talán ugyanazt a camera-lucidát használták? 1807-ben szabadalmaztatta William Hyde Wollaston. Bár valójában egy ilyen eszközt Johannes Kepler írt le még 1611-ben a Dioptrice című művében. Akkor talán egy másik optikai eszközt használtak - egy camera obscurát? Arisztotelész kora óta ismert, és egy sötét szoba, amelybe egy kis lyukon keresztül jut be a fény, és így a sötét szobában a lyuk előtti kivetítést kapják, de fordítva. Minden rendben is lenne, de az a kép, amit egy lencse nélküli lyukkamerával vetítve kapunk, finoman szólva sem jó minőségű, nem tiszta, sok erős fényt igényel, a méretről nem is beszélve. a vetítésről. De jó minőségű lencséket a 16. századig szinte lehetetlen volt készíteni, mivel akkoriban nem lehetett ilyen jó minőségű üveget szerezni. Üzlet, gondolta Hockney, aki ekkor már Charles Falco fizikussal küszködött a problémával.

Van azonban egy festménye Jan Van Eycknek, egy bruges-i mesternek, a korai reneszánsz flamand festőjének, amely nyomot tartalmaz. A festmény az "Arnolfini-pár portréja" nevet viseli.

Jan Van Eyck "Az Arnolfini házaspár portréja" 1434

A festmény egyszerűen ragyog a rengeteg részlettel, ami elég érdekes, mert csak 1434-ben festették. A tükör pedig arra utal, hogy a szerző hogyan tudott ekkora előrelépést tenni a kép valósághűségében. És egy gyertyatartó is - hihetetlenül összetett és valósághű.

Hockney repesett a kíváncsiságtól. Kapott egy példányt egy ilyen csillárról, és megpróbálta lerajzolni. A művész szembesült azzal, hogy egy ilyen összetett dolgot nehéz perspektívában megrajzolni. Egy másik fontos szempont e fémtárgy képének anyagszerűsége volt. Acéltárgy ábrázolásakor nagyon fontos, hogy a csúcspontokat a lehető legvalósághűbben helyezzük el, mivel ez nagy valósághűséget ad. De az a probléma ezekkel a kiemelésekkel, hogy elmozdulnak, amikor a néző vagy a művész szeme mozog, vagyis egyáltalán nem könnyű megörökíteni őket. A fém és a csillogás valósághű ábrázolása pedig a reneszánsz festmények sajátossága is, korábban a művészek nem is próbálkoztak ezzel.

A csillár pontos 3D-s modelljének újraalkotásával Hockney csapata gondoskodott arról, hogy az Arnolfini-portréban látható csillár pontosan perspektivikusan legyen megrajzolva egyetlen eltűnési ponttal. A probléma azonban az volt, hogy olyan precíz optikai műszerek, mint a fényképezőgép obscura objektívvel, csak körülbelül egy évszázaddal a festmény elkészítése után léteztek.

Töredék Jan Van Eyck "Az Arnolfini házaspár portréja" című festményéből, 1434

A kinagyított töredéken látható, hogy az „Arnolfini házaspár portréja” című képen a tükör domború. Ez azt jelenti, hogy voltak tükrök ellenkezőleg - homorúak. Sőt, azokban a napokban ilyen tükröket készítettek ilyen módon - vettek egy üveggömböt, és az alját ezüsttel borították, majd az alján kívül mindent levágtak. A tükör hátsó oldala nem volt sötét. Ez azt jelenti, hogy Jan Van Eyck homorú tükre lehet ugyanaz a tükör, mint a festményen, csak hátulról. És minden fizikus tudja, hogy egy ilyen tükör, ha visszaverődik, képet vetít arról, ami tükröződik. Itt barátja, Charles Falco fizikus segítette David Hockney-t számításokban és kutatásokban.

Egy homorú tükör vetíti a torony képét az ablakon kívül a vászonra.

A vetítés tiszta, fókuszált része megközelítőleg 30 négyzetcentiméter – ez pontosan akkora, mint sok reneszánsz portrén a fejek.

Hockney egy férfi kivetítését vázolja fel a vászonra

Ekkora például Giovanni Bellini „Dózsa Leonardo Loredan” portréja (1501), Robert Campin férfiportréja (1430), Jan Van Eyck „egy vörös turbános férfi portréja” ” és sok más korai holland portré.

Reneszánsz portrék

A festészet jól fizetett munka volt, és természetesen minden üzleti titkot a legszigorúbb titokban tartottak. A művész számára előnyös volt, hogy minden avatatlan ember azt hitte, hogy a titkok a mester kezében vannak, és nem lehet ellopni. Az üzlet zárva volt a kívülállók elől - a művészek a céh tagjai voltak, és sokféle mesterember is volt benne - a nyeregkészítőktől a tükrökig. Az Antwerpenben alapított és először 1382-ben említett Szent Lukács céhben pedig (akkor sok északi városban megnyíltak hasonló céhek, és az egyik legnagyobb a Bruges-i céh volt, abban a városban, ahol Van Eyck élt) tükröt készítő mesterek is működtek. .

Hockney így alkotta meg újra, hogyan lehet egy Van Eyck-festményről készült összetett csillárt megfesteni. Egyáltalán nem meglepő, hogy a Hockney kivetített csillár mérete pontosan megegyezik az „Arnolfini pár portréja” festményen látható csillár méretével. És természetesen a fém kiemelései – a vetítésen mozdulatlanul állnak, és nem változnak, amikor a művész pozíciót vált.

A probléma azonban még mindig nem teljesen megoldott, mert a camera obscura használatához szükséges jó minőségű optika megjelenése 100 évre volt hátra, és a tükör segítségével kapott vetítés mérete nagyon kicsi. Hogyan festhetünk 30 négyzetcentiméternél nagyobb festményeket? Kollázsként jöttek létre – sok szempontból olyan volt, mint egy gömb alakú vízió, sok eltűnő ponttal. Hockney megértette ezt, mert ő maga készített ilyen képeket – sok fotókollázst készített, amelyek pontosan ugyanazt a hatást érik el.

Majdnem egy évszázaddal később, az 1500-as években végre lehetővé vált az üveg jó beszerzése és feldolgozása - megjelentek a nagy lencsék. És végre bekerülhettek egy camera obscurába, aminek a működési elve már ősidők óta ismert volt. A camera obscura objektív hihetetlen forradalom volt a vizuális művészetben, mert a vetítés immár bármilyen méretű lehet. És még valami, most nem „széles látószögű” volt a kép, hanem hozzávetőlegesen normál nézetű – vagyis megközelítőleg olyan, mint ma, 35-50 mm-es gyújtótávolságú objektívvel fényképezve.

A lyukkamera objektívvel való használatánál azonban az a probléma, hogy az objektív előrevetítése tükörkép. Ez oda vezetett, hogy az optika használatának korai szakaszában nagyszámú balkezes festő lépett elő. Mint ezen az 1600-as évekből származó képen a Frans Hals Múzeumból, ahol egy balkezes pár táncol, egy balkezes öregember rázza az ujját, és egy balkezes majom néz a nő ruhája alá.

Ezen a képen mindenki balkezes

A probléma megoldása egy tükör felszerelésével, amelybe a lencsét irányítják, így biztosítva a megfelelő vetítést. De úgy tűnik, egy jó, sima és nagy tükör sok pénzbe került, így nem mindenkinek volt.

A másik probléma a fókuszálás volt. A helyzet az, hogy a kép egyes részei a vászon egyik helyén a vetítési sugarak alatt életlenek voltak és nem voltak tiszták. Jan Vermeer alkotásaiban, ahol az optika használata meglehetősen kézenfekvő, alkotásai általában fényképeknek tűnnek, „élen kívüli” helyek is észrevehetők. Még az objektív által termelt mintázat is látható - a hírhedt „bokeh”. Mint itt például a Tejőslány (1658) képen, a kosár, a benne lévő kenyér és a kék váza életlen. De az emberi szem nem lát „életlen”.

A kép egyes részei életlenek

És mindezek fényében egyáltalán nem meglepő, hogy Jan Vermeer jó barátja Anthony Phillips van Leeuwenhoek tudós és mikrobiológus, valamint egyedülálló mester, aki saját mikroszkópokat és lencséket alkotott. A tudós a művész posztumusz intézője lett. Ez arra utal, hogy Vermeer két vásznon ábrázolta barátját - „Földrajztudós” és „Asztronómus”.

Annak érdekében, hogy bármely részt fókuszban lásson, meg kell változtatnia a vászon helyzetét a vetítési sugarak alatt. De ebben az esetben arányhibák jelentek meg. Amint itt látható: Parmigianino „Anthea” hatalmas válla (1537 körül), Anthony Van Dyck „Lady Genovese” kis feje (1626), egy paraszt hatalmas lábai Georges de La Tour festményén .

Arányhibák

Természetesen minden művész másként használt lencséket. Némelyik vázlathoz készült, volt, amelyik különböző részekből lett összeállítva – elvégre most már lehetett portrét készíteni, és minden mást egy másik modellel vagy akár manökennel befejezni.

Velazqueztől szinte nem maradt rajz. Remekműve azonban megmaradt - Innocent 10. pápa portréja (1650). Csodálatos fényjáték van a pápa köpenyén – nyilván selyem. Blikov. És mindezt egy nézőpontból megírni, nagyon sok erőfeszítésbe került. De ha vetítést készítesz, akkor ez a szépség nem fog elszaladni sehova – a csúcsfények már nem mozdulnak el, festhetsz azokkal a széles és gyors vonásokkal, mint Velasquezé.

Hockney reprodukálja Velazquez festményét

Ezt követően sok művész megengedhetett magának egy camera obscurát, és ez már nem volt nagy titok. Canaletto aktívan használta a kamerát, hogy kialakítsa Velencéről alkotott képét, és ezt nem is titkolta. Ezek a festmények pontosságuk miatt lehetővé teszik, hogy Canalettóról mint dokumentumfilmesről beszéljünk. Canalettónak köszönhetően nem csak egy gyönyörű képet láthat, hanem magát a történetet is. Megnézheti, hogyan nézett ki az első londoni Westminster híd 1746-ban.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

Sir Joshua Reynolds brit művésznek volt egy camera obscurája, és láthatóan nem szólt róla senkinek, mert a fényképezőgépe összecsukható, és úgy néz ki, mint egy könyv. Ma a Londoni Tudományos Múzeumban található.

Camera obscura könyvnek álcázva

Végül a 19. század elején William Henry Fox Talbot egy camera lucida segítségével – amelybe félszemmel kell nézni, és kézzel rajzolni – átkozódott, és úgy döntött, egyszer véget kell vetni ennek a kellemetlenségnek. mind, és a kémiai fotózás egyik feltalálója, később pedig népszerűsítője lett, aki tömegessé tette.

A fényképezés feltalálásával megszűnt a festészet monopóliuma a kép realizmusára, mára a fotográfia monopolistává vált. És itt végre a festészet kiszabadult a lencse alól, folytatva azt az utat, amelyről az 1400-as években kifordult, és Van Gogh lett a 20. század összes művészetének előfutára.

Balra: bizánci mozaik a 12. századból. Jobb oldalon: Vincent Van Gogh, Monsieur Trabuc portréja, 1889.

A fényképezés feltalálása a legjobb dolog, ami a festészettel történt egész történetében. Már nem kellett kizárólag valódi képeket alkotni, a művész szabaddá vált. Természetesen a közvéleménynek egy évszázadba telt, hogy utolérje a művészeket a vizuális zene megértésében, és ne gondolja, hogy az olyan emberek, mint Van Gogh, „őrültek”. Ugyanakkor a művészek elkezdték aktívan használni a fényképeket „referenciaanyagként”. Aztán megjelentek olyanok, mint Wassily Kandinsky, az orosz avantgárd, Mark Rothko, Jackson Pollock. A festészet nyomán az építészet, a szobrászat és a zene is felszabadult. Igaz, az orosz akadémiai festőiskola megrekedt az időben, és ma az akadémiákon és iskolákban még mindig szégyennek tartják a fényképezést segédeszközként használni, a legnagyobb bravúrnak pedig a pusztán technikai képességet a minél valósághűbb festés. puszta kézzel.

A David Hockney és a Falco kutatása során jelen lévő Lawrence Weschler újságíró cikkének köszönhetően egy másik érdekesség is kiderül: Van Eyck Arnolfini házaspár portréja egy bruges-i olasz kereskedő portréja. Arnolfini úr firenzei, ráadásul a Medici bank képviselője (gyakorlatilag Firenze mesterei a reneszánsz idején, Olaszországban az akkori művészet mecénásainak számítanak). Mit is jelent ez? Az a tény, hogy könnyen magával vihette volna a Szent Lukács Céh titkát - a tükröt - Firenzébe, ahol a hagyományos történelem szerint a reneszánsz kezdetét vette a bruges-i művészek (és ennek megfelelően más mesterek). ) „primitivistának” számítanak.

Sok vita van a Hockney-Falco elmélet körül. De bizonyosan van benne egy szemernyi igazság. Ami a művészetkritikusokat, a kritikusokat és a történészeket illeti, még csak elképzelni is nehéz, hogy a történelemről és a művészetről mennyi tudományos mű lett valójában teljes nonszensz, de ez megváltoztatja az egész művészettörténetet, minden elméletüket és szövegüket.

Az optika használatának tényei semmilyen módon nem vonják le a művészek tehetségét – a technológia elvégre egy eszköz annak közvetítésére, amit a művész akar. És fordítva, az a tény, hogy ezek a festmények a legvalóságosabb valóságot tartalmazzák, csak súlyt ad rajtuk - elvégre pontosan így néztek ki az akkori emberek, dolgok, helyiségek, városok. Ezek az igazi dokumentumok.