Hlavné myšlienky skladateľov doby osvietenstva. Literatúra a hudba doby osvietenstva

Odoslanie vašej dobrej práce do databázy znalostí je jednoduché. Použite nižšie uvedený formulár

Študenti, postgraduálni študenti, mladí vedci, ktorí pri štúdiu a práci využívajú vedomostnú základňu, vám budú veľmi vďační.

Uverejnené na http://www.allbest.ru

" Hudobné umenie vuhnedaj sa do ritiPsvitanie"

Žiaci skupiny 1ESTO

Syrovatčenko Oľga

éraPsvitanie

Vek osvietenstva je jednou z kľúčových epoch v dejinách európskej kultúry, ktorá sa spája s rozvojom vedeckého, filozofického a sociálneho myslenia. Toto intelektuálne hnutie bolo založené na racionalizme a voľnomyšlienkárstve. Od Anglicka sa toto hnutie rozšírilo do Francúzska, Nemecka, Ruska a pokrylo ďalšie európske krajiny. Francúzski osvietenci boli obzvlášť vplyvní a stali sa „majstrami myslenia“.

Hudobné umenie možno postaviť na rovnakú úroveň s divadlom a literárnym umením. Opery a iné hudobné diela boli napísané na námety diel veľkých spisovateľov a dramatikov.

V druhej polovici 18. storočia vzniklo umenie viedenskej klasickej hudobnej školy, ktorá zohrala rozhodujúcu úlohu v celej nasledujúcej európskej hudobnej kultúre.

Rozvoj hudobného umenia je v prvom rade spojený s menami takých veľkých skladateľov ako I.S. Bach, G.F. Händel, J. Haydn, V.A. Mozart, LW Beethoven.

Franz Joseph Haydn

Franz Joseph Haydn (31. marec 1732 – 31. máj 1809) bol rakúsky skladateľ, predstaviteľ viedenskej klasickej školy, jeden zo zakladateľov takých hudobných žánrov ako symfónia a sláčikové kvarteto. Tvorca melódie, ktorá neskôr tvorila základ hymien Nemecka a Rakúsko-Uhorska.

mládež. Joseph Haydn (samotný skladateľ sa nikdy nevolal Franz) sa narodil 31. marca 1732 na panstve grófov Harrach - dolnorakúskej obci Rohrau, neďaleko hraníc s Maďarskom, v rodine Matthiasa Haydna (1699-1763). ). Jeho rodičia, ktorí sa vážne zaujímali o spev a amatérske muzicírovanie, objavili u chlapca hudobné schopnosti a v roku 1737 ho poslali k príbuzným do mesta Hainburg an der Donau, kde Jozef začal študovať zborový spev a hudbu. V roku 1740 si Jozefa všimol Georg von Reutter, riaditeľ kaplnky viedenského sv. Štefan. Reutter vzal talentovaného chlapca do zboru a spieval v zbore deväť rokov (vrátane niekoľkých rokov so svojimi mladšími bratmi).

Spev v zbore bol pre Haydna dobrou, ale iba školou. Ako sa jeho schopnosti rozvíjali, boli mu pridelené ťažké sólové party. Spolu so zborom Haydn často vystupoval na mestských slávnostiach, svadbách, pohreboch, zúčastňoval sa súdnych osláv.

V roku 1749 sa Jozefovi začal lámať hlas a bol vyhodený zo zboru. Následné desaťročné obdobie bolo pre neho veľmi ťažké. Josef vystriedal rôzne zamestnania, okrem iného bol sluhom talianskeho skladateľa Nicola Porpora, od ktorého bral aj hodiny kompozície. Medzery vo svojom hudobnom vzdelaní sa Haydn snažil vyplniť usilovným štúdiom diel Emmanuela Bacha a teórie kompozície. Čebalové sonáty, ktoré v tomto období napísal, boli publikované a vzbudili pozornosť. Jeho prvé veľké diela boli dve krátke omše, F-dur a G-dur, ktoré napísal Haydn v roku 1749 predtým, ako opustil kaplnku sv. Štefan; opera „Chromý démon“ (nezachovaná); asi tucet kvartet (1755), prvá symfónia (1759).

V roku 1759 dostal skladateľ miesto kapelníka na dvore grófa Karla von Morzina, kde sa Haydn ocitol s malým orchestrom, pre ktorý skladateľ skomponoval svoje prvé symfónie. Von Mortzin však čoskoro začal pociťovať finančné ťažkosti a svoj hudobný projekt zastavil.

V roku 1760 sa Haydn oženil s Mariou Annou Kellerovou. Nemali deti, čo skladateľ veľmi ľutoval.

Servis v Esterházy. V roku 1761 došlo v Haydnovom živote k osudnej udalosti - stal sa druhým kapelníkom na dvore kniežat Esterházyovcov, jedného z najvplyvnejších a najmocnejších šľachtických rodov v Rakúsku. K povinnostiam dirigenta patrilo skladanie hudby, vedenie orchestra, hranie komornej hudby pre mecenáša a inscenovanie opier.

Počas svojej takmer tridsaťročnej kariéry na Esterházyho dvore skomponoval skladateľ veľké množstvo diel a jeho sláva rastie. V roku 1781, počas pobytu vo Viedni, sa Haydn stretol a spriatelil sa s Mozartom. Hudobné hodiny dával Žigmundovi von Neukom, ktorý sa neskôr stal jeho blízkym priateľom.

11. februára 1785 bol Haydn zasvätený do slobodomurárskej lóže „Toward True Harmony“ („Zur wahren Eintracht“). Mozart sa posviacky nemohol zúčastniť, pretože bol na koncerte so svojím otcom Leopoldom.

V priebehu 18. storočia vo viacerých krajinách (Taliansko, Nemecko, Rakúsko, Francúzsko a iné) prebiehali procesy formovania nových žánrov a foriem inštrumentálnej hudby, ktoré sa napokon formovali a svoj vrchol dosiahli v tzv. Viedenská klasická škola“ - v dielach Haydna, Mozarta a Beethovena. Namiesto polyfónnej textúry nadobudla veľký význam homofónno-harmonická textúra, no zároveň sa do veľkých inštrumentálnych diel často zaraďovali polyfónne epizódy, ktoré dynamizovali hudobnú tkaninu.

Opäť slobodný hudobník. V roku 1790 zomrel princ Nikolaj Esterházy (anglicky) Rus a jeho syn a nástupca, princ Anton (anglicky) Rus, keďže nebol milovníkom hudby, orchester rozpustil. V roku 1791 dostal Haydn zmluvu na prácu v Anglicku. Následne intenzívne pracoval v Rakúsku a Veľkej Británii. Haydnovu slávu ešte umocnili dve cesty do Londýna, kde napísal svoje najlepšie symfónie pre Solomonove koncerty.

Keď v roku 1792 prechádzal cez Bonn, stretol mladého Beethovena a prijal ho ako študenta.

Haydn sa potom usadil vo Viedni, kde napísal svoje dve slávne oratóriá: „Stvorenie sveta“ (1799) a „Ročné obdobia“ (1801).

Haydn vyskúšal všetky druhy hudobnej kompozície, no nie vo všetkých žánroch sa jeho kreativita prejavila rovnakou silou.

V oblasti inštrumentálnej hudby je právom považovaný za jedného z najväčších skladateľov druhej polovice 18. a začiatku 19. storočia.

Haydnova veľkosť skladateľa sa najviac prejavila v jeho dvoch záverečných dielach: veľkých oratóriách „Stvorenie sveta“ (1798) a „Ročné obdobia“ (1801). Oratórium „The Seasons“ môže slúžiť ako vzorový štandard hudobného klasicizmu. Na sklonku života sa Haydn tešil obrovskej obľube.

Práca na oratóriách podkopala skladateľovu silu. Jeho posledné diela boli „Harmoniemesse“ (1802) a nedokončené sláčikové kvarteto op. 103 (1802). Posledné náčrty pochádzajú z roku 1806, po tomto dátume už Haydn nenapísal. Skladateľ zomrel vo Viedni 31. mája 1809.

Skladateľovo tvorivé dedičstvo zahŕňa 104 symfónií, 83 kvartet, 52 klavírnych sonát, oratórií (Stvorenie sveta a Ročné obdobia), 14 omší, 24 opier.

Zoznam esejí:

Komorná hudba:

§ 12 sonát pre husle a klavír (vrátane sonáty e mol, sonáty D dur)

§ 83 sláčikové kvartetá pre dvoje huslí, violu a violončelo

§ 7 duetá pre husle a violu

§ 40 trio pre klavír, husle (alebo flautu) a violončelo

§ 21 trio pre 2 husle a violončelo

§ 126 trio pre barytón, violu (husle) a violončelo

§ 11 trio pre zmiešané dychy a sláčiky

35 koncertov pre jeden alebo viac nástrojov s orchestrom, vrátane:

§ štyri koncerty pre husle a orchester

§ dva koncerty pre violončelo a orchester

§ dva koncerty pre lesný roh a orchester

§ 11 Koncerty pre klavír a orchester

§ 6 organové koncerty

§ 5 koncertov pre dvojkolesové lýry

§ 4 koncerty pre barytón a orchester

§ Koncert pre kontrabas a orchester

§ Koncert pre flautu a orchester

§ Koncert pre trúbku a orchester

§ 13 divertimentos s klávesnicou

Celkovo existuje 24 opier, vrátane:

§ „Chromý démon“ (Der krumme Teufel), 1751

§ "Skutočná stálosť"

§ „Orfeus a Eurydika alebo duša filozofa“, 1791

§ „Asmodeus alebo nový chromý démon“

§ "lekárnik"

§ „Acis a Galatea“, 1762

§ „Púštny ostrov“ (L"lsola disabitata)

§ "Armida", 1783

§ „Rybárske ženy“ (Le Pescatrici), 1769

§ „Podvedená nevera“ (L „Infedelta delusa)

§ „Nepredvídané stretnutie“ (L „Incontro improviso), 1775

§ „Lunárny svet“ (II Mondo della luna), 1777

§ „Skutočná stálosť“ (La Vera costanza), 1776

§ „Odmenená za vernosť“ (La Fedelta premiata)

§ „Roland the Paladin“ (Orlando Рaladino), hrdinsko-komická opera založená na zápletke Ariostovej básne „Roland the Furious“

14 oratórií, vrátane:

§ „Stvorenie sveta“

§ „Ročné obdobia“

§ „Sedem slov Spasiteľa na kríži“

§ "Návrat Tobiasa"

§ Alegorická kantáta-oratórium „Potlesk“

§ oratoriálny hymnus Stabat Mater

14 omší, vrátane:

§ malá hmotnosť (Missa brevis, F-dur, okolo 1750)

§ veľká organová hmota Es-dur (1766)

§ omša ku cti sv. Nicholas (Missa in honorem Sancti Nicolai, G-dur, 1772)

§ omša sv. Caeciliae (Missa Sanctae Caeciliae, c-moll, medzi 1769 a 1773)

§ malá organová omša (B dur, 1778)

§ Mariazellermesse, C-dur, 1782

§ omša s tympánmi alebo omša počas vojny (Paukenmesse, C-dur, 1796)

§ Mass Heiligmesse (B-dur, 1796)

§ Nelson-Messe, d-moll, 1798

§ omša Terézia (Theresienmesse, B-dur, 1799)

§ omša s témou z oratória „Stvorenie sveta“ (Schopfungsmesse, B-dur, 1801)

§ omša s dychovými nástrojmi (Harmoniemesse, B-dur, 1802)

Celkom 104 symfónií, vrátane:

§ „Rozlúčková symfónia“

§ "Oxford Symphony"

§ „Pohrebná symfónia“

§ 6 Parížske symfónie (1785-1786)

§ 12 Londýnskych symfónií (1791 – 1792, 1794 – 1795), vrátane Symfónie č. 103 „S tremolovým tympánom“

§ 66 odklony a kasácie

Diela pre klavír:

§ Fantázie, variácie

§ 52 klavírnych sonát

LudwigVjeden Beethoven

Ludwig van Beethoven je nemecký skladateľ, dirigent a klavirista, jeden z troch „viedenských klasikov“.

Beethoven je kľúčovou postavou západnej klasickej hudby v období medzi klasicizmom a romantizmom a je jedným z najuznávanejších a najuznávanejších skladateľov na svete. Písal vo všetkých žánroch, ktoré existovali v jeho dobe, vrátane opery, hudby pre dramatické predstavenia a zborových diel. Za najvýznamnejšie z jeho dedičstva sa považujú inštrumentálne diela: klavírne, husľové a violončelové sonáty, koncerty pre klavír, husle, kvartetá, predohry, symfónie. Beethovenovo dielo malo výrazný vplyv na symfóniu 19. a 20. storočia.

Ludwig van Beethoven sa narodil v decembri 1770 v Bonne. Presný dátum narodenia nie je stanovený, pravdepodobne je to 16. december, známy je len dátum krstu - 17. december 1770 v Bonne v katolíckom kostole sv. Remigia. Jeho otec Johann ( Johann van Beethoven, 1740-1792) bola speváčkou, tenorkou, v dvornej kaplnke, matka Mária Magdaléna, pred sobášom Keverich ( Mária Magdaléna Keverichová, 1748-1787), bola dcérou dvorného kuchára v Koblenzi, zosobášili sa v roku 1767. Starý otec Ludwig (1712-1773) slúžil v tej istej kaplnke ako Johann, najprv ako spevák, basgitarista a potom ako kapelník. Pôvodne pochádzal z Mechelenu v južnom Holandsku, preto je pred jeho priezviskom predpona „van“. Skladateľov otec chcel zo svojho syna urobiť druhého Mozarta a začal ho učiť hrať na čembale a husliach. V roku 1778 sa v Kolíne nad Rýnom uskutočnilo prvé predstavenie chlapca. Beethoven sa však nestal zázračným dieťaťom, jeho otec zveril chlapca svojim kolegom a priateľom. Jeden naučil Ludwiga hrať na organe, druhý ho naučil hrať na husliach.

V roku 1780 prišiel do Bonnu organista a skladateľ Christian Gottlob Nefe. Stal sa Beethovenovým skutočným učiteľom. Nefe si okamžite uvedomil, že chlapec má talent. Ludwigovi predstavil Bachov Dobre temperovaný klavír a Händelove diela, ako aj hudbu jeho starších súčasníkov: F. E. Bacha, Haydna a Mozarta. Vďaka Nefe vyšlo Beethovenovo prvé dielo – variácie na tému Dresslerovho pochodu. Beethoven mal vtedy dvanásť rokov a už pracoval ako asistent dvorného organistu.

Po smrti starého otca sa finančná situácia rodiny zhoršila. Ludwig musel predčasne odísť zo školy, ale naučil sa latinčinu, taliansky a francúzsky jazyk a veľa čítal. Skladateľ, ktorý sa už stal dospelým, v jednom zo svojich listov priznal:

Medzi Beethovenových obľúbených spisovateľov patria starogrécki autori Homér a Plutarchos, anglický dramatik Shakespeare a nemeckí básnici Goethe a Schiller.

V tom čase začal Beethoven skladať hudbu, ale neponáhľal sa s publikovaním svojich diel. Mnohé z toho, čo napísal v Bonne, následne zrevidoval. Z mladistvých diel skladateľa sú známe tri detské sonáty a niekoľko piesní, vrátane „Groundhog“.

Beethoven sa dozvedel o chorobe svojej matky a vrátil sa do Bonnu. Zomrela 17. júla 1787. Sedemnásťročný chlapec bol nútený stať sa hlavou rodiny a starať sa o svojich mladších bratov. Do orchestra nastúpil ako violista. Uvádzajú sa tu talianske, francúzske a nemecké opery. Obzvlášť silný dojem na mladého muža zapôsobili opery Gluck a Mozart.

V roku 1789 Beethoven, ktorý chcel pokračovať vo vzdelávaní, začal navštevovať prednášky na univerzite. Práve v tomto čase prichádzajú do Bonnu správy o revolúcii vo Francúzsku. Jeden z univerzitných profesorov vydáva zbierku básní oslavujúcich revolúciu. Beethoven sa k nej hlási. Potom zloží „Pieseň slobodného človeka“, ktorá obsahuje slová: „Je slobodný, pre koho výhody narodenia a titul nič neznamenajú.“

Kým žil v Bonne, vstúpil do slobodomurárstva. Neexistuje presný dátum jej začatia. Je známe len to, že sa stal slobodomurárom ešte ako mladý muž. Dôkazom Beethovenovho slobodomurárstva je list, ktorý napísal skladateľ slobodomurárovi Franzovi Wegelerovi, v ktorom vyjadruje svoj súhlas s venovaním jednej zo svojich kantát, známej ako „Das Werk beginnt!“. Je tiež známe, že Beethoven časom stratil záujem o slobodomurárstvo a nezapájal sa aktívne do jeho činnosti.

Haydn sa cestou z Anglicka zastavil v Bonne. O Beethovenových kompozičných pokusoch hovoril s uznaním. Mladý muž sa rozhodne odísť do Viedne na hodiny slávneho skladateľa, pretože po návrate z Anglicka sa Haydn stáva ešte slávnejším. Na jeseň roku 1792 Beethoven opustil Bonn.

Prvých desať rokov vo Viedni. Po príchode do Viedne začal Beethoven študovať u Haydna a následne tvrdil, že ho Haydn nič nenaučil; Triedy rýchlo sklamali študenta aj učiteľa. Beethoven veril, že Haydn nebol dostatočne pozorný voči jeho snahám; Haydna vystrašili nielen Ludwigove odvážne názory v tom čase, ale aj dosť ponuré melódie, ktoré boli v tých rokoch zriedkavé.

Čoskoro Haydn odišiel do Anglicka a odovzdal svojho žiaka slávnemu učiteľovi a teoretikovi Albrechtsbergerovi. Nakoniec si svojho mentora vybral sám Beethoven – Antonio Salieri.

Už v prvých rokoch svojho života vo Viedni sa Beethoven preslávil ako virtuózny klavirista. Jeho výkon ohromil publikum.

Beethoven odvážne dával do kontrastu krajné registre (a vtedy hrali väčšinou stredy), hojne využíval pedál (tiež sa vtedy používal len zriedka) a masívne akordické harmónie. V skutočnosti to bol on, kto stvoril klavírny štýlďaleko od nádherne čipkovaných spôsobov čembalistov.

Tento štýl možno nájsť v jeho klavírnych sonátach č. 8 "Pathetique" (názov uviedol sám skladateľ), č. 13 a č. 14. Obe majú podtitul autora Sonata quasi una Fantasia(„v duchu fantázie“). Básnik Relshtab následne nazval Sonátu č. 14 „Moonlight“ a hoci sa tento názov hodí len k prvej časti a nie k finále, zostal v celom diele.

Beethoven svojím zjavom vyčnieval aj medzi vtedajšími dámami a pánmi. Takmer vždy ho našli nedbalo oblečeného a neudržiavaného.

Inokedy bol Beethoven na návšteve u princa Lichnovského. Likhnovskij mal veľkú úctu k skladateľovi a bol fanúšikom jeho hudby. Chcel, aby Beethoven hral pred publikom. Skladateľ odmietol. Likhnovskij začal naliehať a dokonca nariadil vylomiť dvere miestnosti, kde sa Beethoven zamkol. Pobúrený skladateľ opustil panstvo a vrátil sa do Viedne. Nasledujúce ráno poslal Beethoven Likhnovskému list: „ Princ! To, čím som, vďačím sebe. Tisíce princov existujú a budú existovať, ale Beethoven - len jeden!»

Beethovenove diela začali byť široko publikované a tešili sa úspechu. Počas prvých desiatich rokov strávených vo Viedni vzniklo dvadsať klavírnych sonát a tri klavírne koncerty, osem husľových sonát, kvartetá a ďalšie komorné diela, oratórium „Kristus na Olivovej hore“, balet „Diela Prométhea“, Prvý a Boli napísané druhé symfónie.

V roku 1796 začal Beethoven strácať sluch. Objaví sa u neho tinitída, zápal vnútorného ucha, ktorý vedie k zvoneniu v ušiach. Na radu lekárov odchádza na dlhý čas do malého mestečka Heiligenstadt. Pokoj a ticho však jeho pohodu nezlepšujú. Beethoven začína chápať, že hluchota je nevyliečiteľná. Počas týchto tragických dní píše list, ktorý sa neskôr bude volať Heiligenstadtský testament. Skladateľ rozpráva o svojich zážitkoch a priznáva, že mal blízko k samovražde:

V Heiligenstadte skladateľ začína pracovať na novej tretej symfónii, ktorú nazve Hrdinská.

V dôsledku Beethovenovej hluchoty sa zachovali unikátne historické dokumenty: „konverzačné zošity“, do ktorých mu Beethovenovi priatelia zapisovali svoje poznámky, na ktoré odpovedal buď ústne, alebo v odpovedi.

Hudobník Schindler, ktorý mal dva zošity s nahrávkami Beethovenových rozhovorov, ich však zrejme spálil, keďže „obsahovali tie najhrubšie, najostrejšie útoky proti cisárovi, ako aj korunnému princovi a iným vysokým predstaviteľom. To bola, žiaľ, Beethovenova obľúbená téma; Beethoven bol v rozhovore neustále rozhorčený nad mocnosťami, ich zákonmi a nariadeniami.“

Neskoršie roky (1802-1815). Keď mal Beethoven 34 rokov, Napoleon opustil ideály Francúzskej revolúcie a vyhlásil sa za cisára. Beethoven preto upustil od úmyslu venovať mu svoju Tretiu symfóniu: „Aj tento Napoleon je obyčajný človek. Teraz pošliape všetky ľudské práva a stane sa tyranom."

V klavírnej tvorbe je skladateľov vlastný štýl badateľný už v raných sonátach, no v symfonickej hudbe dospel k nemu neskôr. Podľa Čajkovského až v tretej symfónii “ po prvýkrát bola odhalená všetka obrovská, úžasná sila Beethovenovho tvorivého génia».

Kvôli hluchote Beethoven zriedka opúšťa dom a je zbavený vnímania zvuku. Stane sa zachmúreným a stiahnutým. V týchto rokoch vytvoril skladateľ svoje najslávnejšie diela jedno za druhým. V tých istých rokoch Beethoven pracoval na svojej jedinej opere Fidelio. Táto opera patrí do žánru opier „horor a spasenie“. Úspech pre Fidelia prišiel až v roku 1814, keď bola opera uvedená najskôr vo Viedni, potom v Prahe, kde ju dirigoval slávny nemecký skladateľ Weber, a napokon v Berlíne.

Krátko pred smrťou odovzdal skladateľ rukopis Fidelia svojmu priateľovi a sekretárovi Schindlerovi so slovami: „ Toto dieťa môjho ducha sa narodilo vo väčších mukách ako ostatné a spôsobilo mi najväčší zármutok. Preto je mi to najdrahšie...»

Posledné roky. Po roku 1812 tvorivá činnosť skladateľa na čas upadla. Po troch rokoch však začína pracovať s rovnakou energiou. V tomto čase vznikli klavírne sonáty od 28. do 32., dve violončelové sonáty, kvartetá a vokálny cyklus „K vzdialenému milovanému“. Veľa času sa venuje aj úpravám ľudových piesní. Spolu so Škótmi, Írmi, Walesanmi sú tu aj Rusi. Ale hlavnými výtvormi posledných rokov boli dve Beethovenove najmonumentálnejšie diela – „Slávnostná omša“ a Symfónia č. 9 so zborom.

Deviata symfónia bola uvedená v roku 1824. Publikum venovalo skladateľovi standing ovation. Je známe, že Beethoven stál chrbtom k publiku a nič nepočul, potom ho jeden zo spevákov chytil za ruku a otočil tvárou k publiku. Ľudia zdravili skladateľa šatkami, klobúkmi a rukami. Ovácie trvali tak dlho, že prítomní policajti žiadali, aby prestali. Takéto pozdravy boli povolené len vo vzťahu k osobe cisára.

V Rakúsku bol po porážke Napoleona nastolený policajný režim. Vláda, vystrašená revolúciou, potláčala akékoľvek „slobodné myšlienky“. Množstvo tajných agentov preniklo do všetkých vrstiev spoločnosti. V Beethovenových konverzačných knihách sú občas varovania: „ Ticho! Pozor, je tu špión!"A pravdepodobne po nejakom obzvlášť odvážnom vyhlásení skladateľa: " Skončíš na lešení!»

Beethovenova obľuba však bola taká veľká, že sa ho vláda neodvážila ani dotknúť. Napriek svojej hluchote skladateľ naďalej sleduje nielen politické, ale aj hudobné novinky. Číta (teda vnútorným uchom počúva) partitúry Rossiniho opier, prezerá si zbierku Schubertových piesní a zoznamuje sa s operami nemeckého skladateľa Webera „The Magic Shooter“ a „Euryanthe“. Po príchode do Viedne Weber navštívil Beethovena. Spoločne sa naraňajkovali a Beethoven, ktorý sa zvyčajne neslávil, sa staral o svojho hosťa.

Po smrti mladšieho brata sa o syna staral skladateľ. Beethoven umiestni svojho synovca do najlepších internátnych škôl a poverí svojho študenta Karla Czerného, ​​aby u neho študoval hudbu. Skladateľ chcel, aby sa z chlapca stal vedec alebo umelec, ale nelákalo ho umenie, ale karty a biliard. Zapletený do dlhov sa pokúsil o samovraždu. Tento pokus nespôsobil veľa škody: guľka len mierne poškriabala kožu na hlave. Beethovena to veľmi znepokojovalo. Jeho zdravotný stav sa prudko zhoršil. Skladateľ dostane vážne ochorenie pečene.

Beethoven zomrel 26. marca 1827. Jeho rakvu sledovalo vyše dvadsaťtisíc ľudí. Počas pohrebu zaznela Beethovenova obľúbená zádušná omša Requiem c mol od Luigiho Cherubiniho.

funguje:

§ 9 symfónie: č. 1 (1799-1800), č. 2 (1803), č. 3 „Eroic“ (1803-1804), č. 4 (1806), č. 5 (1804-1808), č. 6 „Pastoračný“ (1808), č. 7 (1812), č. 8 (1812), č. 9 (1824).

§ 11 symfonické predohry, vrátane Coriolanus, Egmont, Leonora č. 3.

§ 5 koncertov pre klavír a orchester.

§ 6 mládežníckych sonát pre klavír.

§ 32 sonát pre klavír, 32 variácií a asi 60 kusov pre klavír.

§ 10 sonát pre husle a klavír.

§ koncert pre husle a orchester, koncert pre klavír, husle a violončelo a orchester („trojkoncert“).

§ 5 sonát pre violončelo a klavír.

§ 16 sláčikových kvartet.

§ Balet „Výtvory Promethea“.

§ Opera „Fidelio“.

§ Slávnostná svätá omša.

§ Vokálny cyklus „K vzdialenému milovanému“.

§ Piesne na básne rôznych básnikov, úpravy ľudových piesní.

Wolfgang Amadeus Mozart

hudobná výtvarná výchova mozart beethoven

Wolfgang Amadeus Mozart (27. januára 1756 Salzburg – 5. decembra 1791 Viedeň) – rakúsky hudobný skladateľ, kapelník, virtuózny huslista, čembalista, organista. Podľa súčasníkov mal fenomenálny sluch pre hudbu, pamäť a schopnosť improvizovať. Mozart je všeobecne uznávaný ako jeden z najväčších skladateľov: jeho jedinečnosť spočíva v tom, že pôsobil vo všetkých hudobných formách svojej doby a vo všetkých dosiahol najväčší úspech. Spolu s Haydnom a Beethovenom patrí k najvýznamnejším predstaviteľom viedenskej klasickej školy.

Mozart sa narodil 27. januára 1756 v Salzburgu, ktorý bol vtedy hlavným mestom salzburského arcibiskupstva, teraz sa toto mesto nachádza v Rakúsku. Na druhý deň po narodení bol pokrstený v Katedrále svätého Ruperta. Zápis v knihe krstov uvádza jeho meno v latinčine ako Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus (Gottlieb) Mozart. V týchto menách sú prvé dve slová meno svätého Jána Zlatoústeho, ktoré sa v bežnom živote nepoužíva, a štvrté sa menilo počas Mozartovho života: lat. Amadeus, nemčina Gottlieb, taliansky Amadeo, čo znamená „milovaný Bohom“. Samotný Mozart sa radšej volal Wolfgang.

Mozartove hudobné schopnosti sa prejavili už vo veľmi ranom veku, keď mal asi tri roky. Jeho otec Leopold bol jedným z popredných európskych učiteľov hudby. Jeho kniha „The Experience of a Solid Violin School“ vyšla v roku 1756, v roku Mozartovho narodenia, prešla mnohými vydaniami a bola preložená do mnohých jazykov vrátane ruštiny. Wolfgangov otec ho naučil základy hry na čembale, husliach a organe.

V Londýne bol mladý Mozart predmetom vedeckého výskumu a v Holandsku, kde bola hudba počas pôstu prísne zakázaná, bola pre Mozarta urobená výnimka, keďže duchovenstvo videlo v jeho mimoriadnom talente prst Boží.

V roku 1762 podnikli Mozartov otec so synom a dcérou Annou, tiež pozoruhodnou hráčkou na čembale, umelecký výlet do Mníchova, Paríža, Londýna a Viedne a potom do mnohých ďalších miest v Nemecku, Holandsku a Švajčiarsku. V tom istom roku napísal mladý Mozart svoju prvú skladbu. Všade vzbudzoval prekvapenie a potešenie, vyšiel víťazne z najťažších skúšok, ktoré mu ponúkli ľudia znalí hudby aj amatéri. V roku 1763 vyšli v Paríži prvé Mozartove sonáty pre čembalo a husle. V rokoch 1766 až 1769, žijúci v Salzburgu a Viedni, Mozart študoval diela Händela, Stradellu, Carissimiho, Duranteho a ďalších veľkých majstrov. Na príkaz cisára Jozefa II. Mozart napísal operu pre taliansky súbor za niekoľko týždňov "Imaginárny prostáčik"(Taliančina Vzorka La Finta), ale spevákom sa skladba 12-ročného skladateľa nepáčila ich tvrdohlavá neochota operu nakoniec prinútiť Leopolda Mozarta vzdať sa a netrvať. V budúcnosti sa budú speváci neustále sťažovať, že ich Mozart vo svojich operách prehlušuje „príliš masívnym sprievodom“.

Mozart strávil roky 1770-1774 v Taliansku. V roku 1770 sa v Bologni zoznámil so skladateľom Josephom Myslivečkom, ktorý bol v tom čase v Taliansku mimoriadne obľúbený; vplyv „Božského bohéma“ sa ukázal byť taký veľký, že následne, kvôli podobnosti štýlu, boli niektoré jeho diela pripísané Mozartovi, vrátane oratória „Abraham a Izák“.

V roku 1771 bola v Miláne, opäť s odporom divadelných impresáriov, uvedená Mozartova opera « Mithridates, pontský kráľ» (Taliančina Mitridate, Re di Ponto), ktorý verejnosť prijala s veľkým nadšením. Jeho druhá opera „Lucio Sulla“ (Lucius Sulla) (1772) mala rovnaký úspech. Mozart písal pre Salzburg "Scipiov sen"(Taliančina Il sogno di Scipione), pri príležitosti voľby nového arcibiskupa, 1772, pre Mníchov - opera "La bella finta Giardiniera", 2 omše, ofertórium (1774). Keď mal 17 rokov, jeho diela obsahovali už 4 opery, niekoľko duchovných diel, 13 symfónií, 24 sonát, nehovoriac o množstve menších skladieb.

V rokoch 1775-1780, napriek obavám o finančné zabezpečenie, neúspešnej ceste do Mníchova, Mannheimu a Paríža a strate matky, Mozart napísal okrem iného 6 klávesových sonát, koncert pre flautu a harfu a veľkú symfóniu č.31 D dur, s názvom Paríž, niekoľko duchovných zborov, 12 baletných čísel.

V roku 1779 dostal Mozart miesto dvorného organistu v Salzburgu (spolupracoval s Michaelom Haydnom). 26. januára 1781 bola v Mníchove s veľkým úspechom uvedená opera „Idomeneo“, ktorá znamenala určitý obrat v Mozartovej tvorbe. V tejto opere možno ešte vidieť stopy starej taliančiny operný seriál(veľké množstvo koloratúrnych árií, časť Idamante, napísaná pre kastráta), no v recitatívoch a najmä v zboroch cítiť nový trend. Veľký krok vpred je badateľný aj v prístrojovom vybavení. Mozart počas svojho pobytu v Mníchove napísal ofertórium pre Mníchovskú kaplnku "Misericordias Domini"- jeden z najlepších príkladov cirkevnej hudby konca 18. storočia.

Viedenské obdobie. V roku 1781 sa Mozart konečne usadil vo Viedni. Na prelome 70. a 80. rokov uchvátila cisára Jozefa II. myšlienka rozvinúť nemeckú národnú operu - Singspiel, kvôli ktorej bola talianska opera vo Viedni v roku 1776 zatvorená. Na príkaz cisára v roku 1782 Mozart napísal singspiel „Únos zo Seraglia“ (nem. Die Entführung aus dem Serail), nadšene prijaté vo Viedni a čoskoro sa rozšírili v Nemecku. Mozart však nedokázal rozvinúť svoj úspech: v tom istom roku 1782 sa experiment so Singspielom skončil a cisár vrátil taliansky súbor do Viedne.

V tom istom roku sa Mozart oženil s Constance Weberovou, sestrou Aloysie Weberovej, do ktorej bol zamilovaný počas svojho pobytu v Mannheime. Hneď v prvých rokoch sa Mozart preslávil vo Viedni; Obľúbené boli jeho „akadémie“, ako sa vo Viedni nazývali verejné autorské koncerty, na ktorých sa hrali diela jedného skladateľa, často jeho samotného. Práve pre tieto „akadémie“ bola napísaná väčšina jeho klávesových koncertov. V rokoch 1783-1785 vzniklo 6 slávnych sláčikových kvartet, ktoré Mozart venoval Josephovi Haydnovi, majstrovi tohto žánru, a ktoré prijal s najväčšou úctou. Jeho oratórium pochádza z rovnakého obdobia. „David kajúcnik“ (Kajúci Dávid).

V nasledujúcich rokoch to však pre Mozartovu operu vo Viedni nedopadlo dobre. Opery "L'oca del Cairo"(1783) a "Lo sposo deluso"(1784) zostal nedokončený. Nakoniec bola v roku 1786 napísaná a inscenovaná opera „Figarova svadba“, ktorej libreto bolo Lorenzo da Ponte. Vo Viedni mala dobrý ohlas, no po niekoľkých predstaveniach bola stiahnutá a naštudovala ju až v roku 1789, keď inscenáciu obnovil Antonio Salieri, ktorý považoval Figarovu svadbu za najlepšiu Mozartovu operu. Ale v Prahe mala „Figarova svadba“ ohromujúci úspech, spievali sa z nej na ulici a v krčmách. Vďaka tomuto úspechu dostal Mozart novú zákazku, tentoraz z Prahy. V roku 1787 bola vydaná nová opera, vytvorená v spolupráci s Da Pontem - Don Giovanni. Toto dielo, ktoré je dodnes považované za jedno z najlepších vo svetovom opernom repertoári, malo v Prahe ešte väčší úspech ako Figarova svadba.

Oveľa menší úspech zožala táto opera vo Viedni, ktorá od čias Figara vo všeobecnosti ochladla smerom k Mozartovej tvorbe. Od cisára Jozefa dostal Mozart za Dona Giovanniho 50 dukátov a podľa J. Ricea to bol v rokoch 1782-1792 jediný prípad, kedy skladateľ dostal platbu za operu objednanú mimo Viedne. Verejnosť ako celok však zostala ľahostajná. Od roku 1787 jeho „akadémie“ zanikli a nemohol zorganizovať uvedenie posledných troch, dnes už najznámejších symfónií: č. 39 Es dur (KV 543), č. 40 g mol (KV 550) a č. č. 41 C dur „Jupiter“ ( KV 551), napísaný viac ako mesiac a pol v roku 1788; len o tri roky neskôr jednu z nich, Symfóniu č. 40, uviedol A. Salieri na benefičných koncertoch.

Koncom roku 1787, po smrti Christopha Willibalda Glucka, dostal Mozart funkciu „cisárskeho a kráľovského komorného hudobníka“ s platom 800 florénov, ale jeho povinnosti sa obmedzovali najmä na komponovanie tancov pre maškary, operu – komické, na zápletka zo spoločenského života - bola objednaná u Mozarta iba raz a stala sa "Cosm fan tutte"(1790).

Plat 800 florénov nemohol plne uživiť Mozarta; Očividne sa mu už v tom čase začali hromadiť dlhy, ktoré ešte zhoršili náklady na liečbu jeho chorej manželky. Mozart verboval študentov, no podľa odborníkov ich nebolo veľa. V roku 1789 chcel skladateľ opustiť Viedeň, ale cesta na sever, vrátane Berlína, nesplnila jeho očakávania a nezlepšila jeho finančnú situáciu.

Príbeh o tom, ako v Berlíne dostal pozvanie stať sa vedúcim dvornej kaplnky Friedricha Wilhelma II. s platom 3-tisíc toliarov, Alfred Einstein odkazuje do ríše fantázie, ako aj sentimentálny dôvod odmietnutia - vraj z úcty k Jozefovi II. Fridrich Viliam II. objednal len šesť jednoduchých klavírnych sonát pre svoju dcéru a šesť sláčikových kvartet pre seba.

Počas cesty sa zarobilo málo peňazí. Sotva stačili zaplatiť dlh 100 guldenov, ktoré boli odobraté slobodomurárovmu bratovi Hofmedelovi na cestovné náklady. V roku 1789 Mozart venoval pruskému kráľovi sláčikové kvarteto s koncertným violončelovým partom (D dur).

Podľa J. Ricea od príchodu Mozarta do Viedne mu cisár Jozef poskytoval väčšiu záštitu ako ktorýkoľvek iný viedenský hudobník, s výnimkou Salieriho. Vo februári 1790 Jozef zomrel; Mozart spočiatku vkladal veľké nádeje do nástupu Leopolda II. na trón; k novému cisárovi však hudobníci nemali prístup. V máji 1790 Mozart napísal svojmu synovi, arcivojvodovi Františkovi: „...Moja láska k práci a vedomie mojej zručnosti mi dovoľujú obrátiť sa na vás so žiadosťou o udelenie funkcie kapelníka, najmä od Salieriho, hoci skúseného kapelník, nikdy sa nevenoval cirkevnej hudbe...“ Jeho nádeje však neboli opodstatnené, Salieri zostal na svojom mieste a Mozartova finančná situácia sa ukázala byť taká beznádejná, že musel opustiť Viedeň pred prenasledovaním veriteľov, aby si aspoň trochu zlepšil svoje záležitosti umeleckou cestou.

Minulý rok. Posledné Mozartove opery boli « To robí každý» (1790), « Milosrdenstvo Titusa» (1791), ktorý obsahuje nádherné strany, napriek tomu, že bol napísaný za 18 dní, a nakoniec, « Čarovná flauta» (1791). Opera La Clemenza di Titus, uvedená v septembri 1791 v Prahe pri príležitosti korunovácie Leopolda II. za českého kráľa, bola prijatá chladne; Naopak, Čarovná flauta, uvedená v ten istý mesiac vo Viedni v predmestskom divadle, mala taký úspech, aký Mozart v rakúskej metropole nevidel už mnoho rokov. Táto rozprávková opera zaujíma osobitné miesto v Mozartovom rozsiahlom a rozmanitom diele.

V máji 1791 dostal Mozart neplatené miesto asistenta dirigenta Dómu sv. Štefana; táto funkcia mu dávala právo stať sa dirigentom po smrti ťažko chorého Leopolda Hofmanna; Hofmann však prežil Mozarta.

Mozart, podobne ako väčšina jeho súčasníkov, venoval veľkú pozornosť sakrálnej hudbe, ale v tejto oblasti zanechal len niekoľko skvelých príkladov: "Misericordias Domini" - « Ave verum corpus» (KV 618, 1791), napísané štýlom úplne netypickým pre Mozarta, a majestátne a žalostné Requiem (KV 626), na ktorom Mozart pracoval v posledných mesiacoch svojho života. História písania „Requiem“ je zaujímavá. V júli 1791 navštívil Mozarta záhadný cudzinec v šedom a objednal mu „Requiem“ (pohrebnú omšu). Ako zistili skladateľovi životopisci, išlo o posla grófa Franza von Walsegg-Stuppach, hudobného amatéra, ktorý rád predvádzal diela iných ľudí vo svojom paláci pomocou svojej kaplnky, kupoval si autorstvo od skladateľov; Requiem si chcel uctiť pamiatku svojej zosnulej manželky. Prácu na nedokončenom „Requiem“, ktoré dodnes ohromuje poslucháčov svojou trúchlivou lyrikou a tragickou expresivitou, dokončil jeho žiak Franz Xaver Süssmayer, ktorý sa predtým podieľal na komponovaní opery „La Clemenza di Tito“.

Smrť Mozarta. Mozart zomrel 5. decembra 1791 asi hodinu po polnoci (v tridsiatom šiestom roku života). Príčina Mozartovej smrti je stále predmetom diskusie. Väčšina vedcov sa domnieva, že Mozart v skutočnosti zomrel, ako sa uvádza v lekárskej správe, na reumatickú horúčku, pravdepodobne komplikovanú akútnym zlyhaním srdca alebo obličiek. Slávnu legendu o otrávení Mozarta skladateľom Salierim dodnes podporujú viacerí muzikológovia, no pre túto verziu neexistujú presvedčivé dôkazy. V máji 1997 ho súd v milánskom Justičnom paláci, ktorý posúdil prípad Antonia Salieriho z obvinenia z vraždy Mozarta, oslobodil.

Kontroverzný je dátum Mozartovho pohrebu (6. alebo 7. december). Asi o 3. hodine popoludní priviezli Mozartovo telo do Dómu svätého Štefana. Tu v malej kaplnke sa konal skromný náboženský obrad. Kto z priateľov a príbuzných bol prítomný, zostáva neznáme. Pohrebný voz išiel na cintorín po šiestej večer, teda už za tmy. Tí, čo odpílili rakvu, ho nenasledovali za brány mesta. Mozartovým pohrebiskom bol Cintorín sv. Marka.

Mozartov pohreb sa konal podľa tretej kategórie. Do samostatného hrobu s náhrobkom alebo pomníkom mohli byť pochovaní len veľmi bohatí ľudia a príslušníci šľachty. Podľa tretej kategórie boli spoločné hroby navrhnuté pre 5-6 osôb. Na Mozartovom pohrebe nebolo na tú dobu nič neobvyklé. Toto nebol „žobrácky pohreb“. Impozantný (hoci druhotriedny) Beethovenov pohreb v roku 1827 sa konal v inej dobe a navyše odrážal prudko zvýšený spoločenský status hudobníkov, o ktorý celý život bojoval aj samotný Mozart.

Pre Viedenčanov prešla Mozartova smrť takmer bez povšimnutia, ale v Prahe s veľkým davom ľudí (asi 4000 ľudí) na pamiatku Mozarta, 9 dní po jeho smrti, vystúpilo 120 hudobníkov so špeciálnymi prídavkami „Requiem“ napísané ešte v r. 1776 Antonio Rosetti.

funguje:

opery:

§ « Povinnosť prvého prikázania“ (Die Schuldigkeit des ersten Gebotes), 1767. Divadelné oratórium

§ „Apollo a Hyacinthus“ (Apollo et Hyacinthus), 1767 – študentská hudobná dráma podľa latinského textu

§ „Bastien a Bastienne“ (Bastien und Bastienne), 1768. Ďalší študentský kúsok, Singspiel. Nemecká verzia slávnej komickej opery J.-J. Rousseaua – „Dedinský kúzelník“

§ „Predstieraný prosťáčik“ (La finta semplice), 1768 – cvičenie v žánri opera buffa s libretom Goldoniho

§ „Mithridates, kráľ Pontu“ (Mitridate, re di Ponto), 1770 - v tradícii talianskej opernej série, založenej na Racineovej tragédii

§ „Ascanio in Alba“, 1771. Opera Serenáda (pastoračná)

§ Betulia Liberata, 1771 - oratórium. Na základe príbehu Judity a Holofernesa

§ „Scipiov sen“ (Il sogno di Scipione), 1772. Opera Serenáda (pastoračná)

§ „Lucio Silla“, 1772. Opera seria

§ „Thamos, egyptský kráľ“ (Thamos, König in Dgypten), 1773, 1775. Hudba pre Geblerovu drámu

§ „Imaginárny záhradník“ (La finta giardiniera), 1774-5 – opäť návrat k tradíciám operného buffe

§ „Kráľ pastierov“ (Il Re Pastore), 1775. Opera Serenáda (pastoračná)

§ “Zaide”, 1779 (rekonštruoval H. Černovin, 2006)

§ „Idomeneo, kráľ Kréty“ (Idomeneo), 1781

§ „Únos zo Seraglia“ (Die Entführung aus dem Serail), 1782. Singspiel

§ „Káhirska hus“ (L"oca del Cairo), 1783

§ „Podvedený manželský partner“ (Lo sposo deluso)

§ “Divadelný riaditeľ” (Der Schauspieldirektor), 1786. Hudobná komédia

§ „Figarova svadba“ (Figarova svadba), 1786. Prvá z 3 veľkých opier. V žánri opera buffe.

§ „Don Giovanni“ (Don Giovanni), 1787

§ „Toto robí každý“ (Cosm fan tutte), 1789

§ « Milosrdenstvo Tita“ (La clemenza di Tito), 1791

§ « Čarovná flauta"(Die Zauberflöte), 1791. Singspiel

17 omší vrátane:

§ "Korunovácia", KV 317 (1779)

§ „Veľká omša“ c mol, KV 427 (1782)

§ "Requiem", KV 626 (1791)

§ 41 symfónia, vrátane:

§ "Parížsky" (1778)

§ č. 35, KV 385 "Haffner" (1782)

§ č. 36, KV 425 „Linzskaya“ (1783)

§ č. 38, KV 504 „Praha“ (1786)

§ č. 39, KV 543 (1788)

§ č. 40, KV 550 (1788)

§ č. 41, KV 551 „Jupiter“ (1788)

§ 27 Koncerty pre klavír a orchester

§ 6 koncertov pre husle a orchester

§ Koncert pre dvoje husle a orchester (1774)

§ Koncert pre husle a violu a orchester (1779)

§ 2 koncerty pre flautu a orchester (1778)

§ č. 1 G dur K. 313 (1778)

§ č.2 D major K. 314

§ Koncert pre hoboj a orchester C dur K. 314 (1777)

§ Koncert pre klarinet a orchester A dur K. 622 (1791)

§ Koncert pre fagot a orchester B dur K. 191 (1774)

§ 4 koncerty pre lesný roh a orchester:

§ č. 1 D dur K. 412 (1791)

§ č. 2 E-súkromná K. 417 (1783)

§ č. 3 Es major K. 447 (v rokoch 1784 až 1787)

§ č. 4 E-byt major K. 495 (1786)

§ 10 serenád pre sláčikový orchester vrátane:

§ „Malá nočná serenáda“ (1787)

§ 7 divertimentos pre orchester

§ Rôzne súbory dychových nástrojov

§ Sonáty pre rôzne nástroje, triá, duetá

§ 19 sonáty pre klavír

§ 15 cyklov variácií pre klavír

§ Rondo, fantázie, hry

§ Viac ako 50 árií

§ Súbory, zbory, piesne

Uverejnené na Allbest.ru

Podobné dokumenty

Nadaná Mozartova rodina, výnimočný talent detí v tejto rodine. Detstvo Wolfganga Amadea, rané diela a školenia s najlepšími skladateľmi v Európe. Samostatná činnosť, finančný stav. Inštrumentálna tvorivosť Mozarta a opery.

správa, pridaná 10.11.2010


Počúvanie Mozarta s jeho otcom. Pozoruhodné vlastnosti Wolfganga Amadea Mozarta. Komentár k veľkému významu Mozartových diel. Oslavný efekt, ktorý charakterizuje všetky Mozartove diela. Porušenie molových tónin, chromatizmy, prerušované revolúcie v sonátach.

prezentácia, pridané 23.11.2017


Podrobná biografia Wolfganga Amadea Mozarta a jeho prvé „kroky“ k hudbe, legendy o príčinách smrti, analýza kreativity a námety jeho diel. Charakteristické črty Mozartovej komornej, klavírnej a chrámovej hudby, ako aj jeho umenie improvizácie.

abstrakt, pridaný 27.12.2009


Informácie o rodičoch V.A. Mozart, jeho tvorivé úspechy v detstve. Charakteristika rakúskeho skladateľa. Slávne opery: "Figarova svadba", "Don Giovanni", "Čarovná flauta". „Requiem“ je posledným Mozartovým hudobným dielom.

prezentácia, pridané 19.11.2013


Dielo P.I. Čajkovského "Song of the Lark". Výroba nástroja "marakosha". Hudobný sprievod zodpovedajúci vzorom „zima“, „leto“, „jar“ a „jeseň“. Vplyv hudobného génia Wolfganga Amadea Mozarta na poslucháča.

tvorivá práca, pridané 27.06.2013


Rozvoj vnímania hudby pri učení sa hry na klavíri. Pojem hudobnej sémantiky. Haydnovo inštrumentálne divadlo: priestor metamorfóz. Haydn v hudobnej škole. Pracujte na správnom čítaní textu. Interpretácia hudobného diela.

abstrakt, pridaný 4.10.2014


Obdobia vývoja hudobného umenia a jeho žánrov. Kreatívny génius M.I. Glinka. Rozvoj zborovej a komornej hudby. Vrcholy hudobného romantizmu, dielo P.I. Čajkovského. Nový smer v ruskej sakrálnej hudbe, „tajomstvo“ od A.N. Skriabin.

abstrakt, pridaný 10.4.2009


Oboznámenie sa s črtami barokovej hudby, pravidlami jej prechodov a kontrastov. Zohľadnenie hudobného dedičstva Claudia Monteverdiho, Antonia Vivaldiho, Wolfganga Amadea Mozarta, Georga Friderica Händela. Dekorácia, rozmanitosť ruského baroka.

prezentácia, pridané 18.10.2015


Životopis života a jedinečného diela Wolfganga Amadea Mozarta. Hudobné schopnosti veľkého rakúskeho skladateľa. Prepojenie jeho hudby s rôznymi národnými kultúrami (najmä talianskou). Popularita Puškinovej tragédie "Mozart a Salieri".

prezentácia, pridané 22.12.2013


Úvod do krátkej biografie V.A. Mozart, rozbor tvorivej činnosti. Všeobecná charakteristika diela „Ave verum corpus“. Moteto je vokálne viachlasné dielo viachlasného charakteru, žáner profesionálneho hudobného umenia.

Hudobný klasicizmus a hlavné etapy jeho vývoja

Klasicizmus (z lat. classicus – vzorový) je štýl v umení 17. – 18. storočia. Názov „klasicizmus“ pochádza z apelu na klasickú antiku ako najvyšší štandard estetickej dokonalosti. Predstavitelia klasicizmu čerpali svoj estetický ideál z príkladov antického umenia. Klasicizmus bol založený na viere v racionalitu existencie, v prítomnosť poriadku a harmónie v prírode a vnútornom svete človeka. Estetika klasicizmu obsahuje súhrn povinných prísnych pravidiel, ktoré musí umelecké dielo spĺňať. Najdôležitejšie z nich sú požiadavka na rovnováhu krásy a pravdy, logickú jasnosť, harmóniu a úplnosť kompozície, prísne proporcie a jasné rozlíšenie medzi žánrami.

Vo vývoji klasicizmu existujú 2 etapy:

Klasicizmus 17. storočia, ktorý sa rozvíjal čiastočne v boji proti barokovému umeniu, čiastočne v interakcii s ním.

Osvietenský klasicizmus 18. storočia.

Klasicizmus 17. storočia je v mnohom protikladom baroka. Najucelenejší výraz získava vo Francúzsku. Toto bol rozkvet absolútnej monarchie, ktorá poskytovala najvyšší záštitu dvorskému umeniu a žiadala od neho okázalosť a lesk. Vrcholom francúzskeho klasicizmu v oblasti divadelného umenia boli tragédie Corneille a Racine, ako aj komédie Moliere, o ktorého tvorbu sa Lully opieral. Jeho „lyrické tragédie“ nesú znaky vplyvu klasicizmu (prísna stavebná logika, hrdinstvo, vytrvalý charakter), hoci majú aj barokové črty – pompéznosť jeho opier, množstvo tancov, sprievodov a zborov.

Klasicizmus 18. storočia sa prekrýval s dobou osvietenstva. Osvietenstvo je široké hnutie vo filozofii, literatúre a umení, ktoré pokrýva všetky európske krajiny. Názov „osvietenie“ sa vysvetľuje skutočnosťou, že filozofi tejto éry (Voltaire, Diderot, Rousseau) sa snažili osvietiť svojich spoluobčanov, snažili sa vyriešiť otázky štruktúry ľudskej spoločnosti, ľudskej povahy a jeho práv. Osvietenci vychádzali z myšlienky všemohúcnosti ľudskej mysle. Viera v človeka v jeho mysli určuje bystrý, optimistický postoj, ktorý je vlastný názorom postáv osvietencov.

Opera je stredobodom hudobných a estetických diskusií. Francúzski encyklopedisti to považovali za žáner, v ktorom by sa mala obnoviť syntéza umení, ktoré existovali v antickom divadle. Táto myšlienka tvorila základ reformy opery K.V. Gluck.

Veľkým úspechom vzdelávacieho klasicizmu je vytvorenie žánru symfónie (sonátovo-symfonický cyklus) a sonátovej formy, ktorý je spojený s tvorbou skladateľov mannheimskej školy. Mannheimská škola sa vyvinula v Mannheime (Nemecko) v polovici 18. storočia na základe dvornej kaplnky, v ktorej pôsobili najmä českí hudobníci (najväčším predstaviteľom bol Čech Jan Stamitz). V tvorbe skladateľov mannheimskej školy sa ustálila 4-vetová štruktúra symfónie a klasické zloženie orchestra.

Mannheimská škola sa stala predchodcom viedenskej klasickej školy - hudobného smeru, ktorý označuje dielo Haydna, Mozarta a Beethovena. V tvorbe viedenských klasikov sa napokon sformoval sonátovo-symfonický cyklus, ktorý sa stal klasickým, ako aj žánre komorného súboru a koncertu.

Z inštrumentálnych žánrov boli obľúbené najmä rôzne druhy každodennej zábavnej hudby - serenády, divertissementy, znejúce večer vonku. Divertimento (francúzska zábava) - inštrumentálne viacvetné diela pre komorný súbor alebo orchester, spájajúce znaky sonáty a suity a blížiace sa k serenáde a nokturnu.

K. V. Gluck - veľký reformátor opery

Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) – rodený Nemec (narodený v Erasbachu (Bavorsko, Nemecko)) je však jedným z vynikajúcich predstaviteľov viedenskej klasickej školy.

Gluckove reformné aktivity prebiehali vo Viedni a v Paríži a boli realizované v súlade s estetikou klasicizmu. Celkovo Gluck napísal asi 40 opier - talianskych a francúzskych, buffa a seria, tradičných a inovatívnych. Práve vďaka tomu druhému si zabezpečil popredné miesto v dejinách hudby.

Princípy Gluckovej reformy sú uvedené v jeho predslove k partitúre opery Alceste. Zredukujú sa na nasledovné:

Hudba musí vyjadrovať poetický text opery, nemôže existovať sama o sebe, mimo činohernej akcie. Gluck tak výrazne zvyšuje úlohu literárneho a dramatického základu opery, hudbu podriaďuje dráme.

Opera by mala na človeka pôsobiť morálne, preto oslovuje antických námetov s ich vysokým pátosom a noblesou („Orfeus a Eurydika“, „Paríž a Helena“, „Iphigenia in Aulis“). G. Berlioz nazval Glucka „Aischylos hudby“.

Opera musí zodpovedať „trom veľkým princípom krásy vo všetkých formách umenia“ – „jednoduchosti, pravdivosti a prirodzenosti“. Je potrebné zbaviť operu nadmernej virtuozity a vokálnej ornamentiky (vlastnej talianskej opere) a zložitých zápletiek.

Medzi áriou a recitatívom by nemal byť ostrý kontrast. Gluck nahrádza recitatív secco sprievodným, čím sa približuje k árii (v tradičnej opernej sérii recitatívy slúžili len ako spojnica medzi číslami koncertov).

Gluck tiež interpretuje árie novým spôsobom: zavádza črty improvizačnej slobody a spája vývoj hudobného materiálu so zmenou psychického stavu hrdinu. Árie, recitatívy a zbory sú spojené do veľkých dramatických scén.

Predohra má predvídať obsah opery a uviesť poslucháčov do jej atmosféry.

Balet by nemal byť vkladným číslom, ktoré nesúvisí s dejom opery. Jeho uvedenie by malo byť podmienené priebehom dramatickej akcie.

Väčšina týchto princípov bola stelesnená v opere „Orfeus a Eurydika“ (premiéra v roku 1762). Touto operou sa začína nová etapa nielen v Gluckovom diele, ale aj v dejinách celej európskej opery. Po Orfeovi nasledovala ďalšia jeho novátorská opera Alceste (1767).

V Paríži napísal Gluck ďalšie reformné opery: Ifigénia v Aulise (1774), Armida (1777), Ifigénia v Taurise (1779). Inscenácia každého z nich sa zmenila na grandióznu udalosť v živote Paríža, čo vyvolalo vášnivú polemiku medzi „Gluckistami“ a „Piccinistami“ – zástancami tradičnej talianskej opery, ktorú zosobnil neapolský skladateľ Nicolo Piccini (1728 – 1800). ). Gluckovo víťazstvo v tejto polemike bolo poznačené triumfom jeho opery Ifigénia v Tauris.

Gluck tak premenil operu na umenie vysokých vzdelávacích ideálov, naplnil ju hlbokým morálnym obsahom a na javisku odhalil skutočné ľudské city. Gluckova operná reforma mala plodný vplyv na jeho súčasníkov i nasledujúce generácie skladateľov (najmä viedenských klasikov).

Koncom 17. storočia sa začala doba osvietenstva, ktorá pokryla celé nasledujúce 18. storočie. Kľúčovými znakmi tejto doby boli voľnomyšlienkárstvo a racionalizmus. Formovala sa kultúra osvietenstva, ktorá dala svetu

Filozofia

Celá kultúra osvietenstva bola založená na nových filozofických myšlienkach formulovaných vtedajšími mysliteľmi. Hlavnými myšlienkovými vládcami boli John Locke, Voltaire, Montesquieu, Rousseau, Goethe, Kant a niektorí ďalší. Práve oni určili duchovnú podobu 18. storočia (ktoré sa nazýva aj Vek rozumu).

Osvietenci verili v niekoľko kľúčových myšlienok. Jedným z nich je, že všetci ľudia sú si od prírody rovní, každý človek má svoje záujmy a potreby. Na ich uspokojenie je potrebné vytvoriť hostel, ktorý bude pohodlný pre každého. Osobnosť sa nerodí sama od seba – formuje sa časom vďaka tomu, že ľudia disponujú fyzickou a duchovnou silou, ale aj inteligenciou. Rovnosť musí spočívať predovšetkým v rovnosti všetkých pred zákonom.

Kultúra osvietenstva je kultúrou vedomostí prístupnou všetkým. Poprední myslitelia verili, že len šírením vzdelania možno ukončiť sociálne nepokoje. To je racionalizmus – uznanie rozumu ako základu ľudského správania a poznania.

Počas osvietenstva pokračovali debaty o náboženstve. Vzrastala disociácia spoločnosti od inertnej a konzervatívnej cirkvi (predovšetkým katolíckej). Medzi vzdelanými veriacimi sa šírila predstava Boha ako absolútneho mechanika, ktorý vniesol poriadok do pôvodne existujúceho sveta. Vďaka početným vedeckým objavom sa rozšíril názor, že ľudstvo dokáže odhaliť všetky tajomstvá vesmíru a záhady a zázraky sú minulosťou.

Umelecké hnutia

Okrem filozofie existovala aj umelecká kultúra osvietenstva. V tom čase umenie starého sveta zahŕňalo dva hlavné smery. Prvým bol klasicizmus. Je stelesnená v literatúre, hudbe a výtvarnom umení. Tento smer znamenal dodržiavanie starovekých rímskych a gréckych princípov. Takéto umenie sa vyznačovalo symetriou, racionalitou, účelnosťou a prísnym dodržiavaním formy.

Výtvarná kultúra osvietenstva v rámci romantizmu reagovala na ďalšie požiadavky: emocionalitu, imagináciu, tvorivú improvizáciu umelca. Často sa stávalo, že v jednom diele sa spojili tieto dva protichodné prístupy. Napríklad forma by mohla zodpovedať klasicizmu a obsah - romantizmu.

Objavili sa aj experimentálne štýly. Významným fenoménom sa stal sentimentalizmus. Nemalo svoju slohovú podobu, ale práve s jeho pomocou sa odzrkadľovali vtedajšie predstavy o ľudskej dobrote a čistote, ktorú ľuďom dáva príroda. Ruská umelecká kultúra v dobe osvietenstva, rovnako ako európska kultúra, mala svoje vlastné živé diela, ktoré patrili k hnutiu sentimentalizmu. Toto bol príbeh Nikolaja Karamzina „Chudák Liza“.

Kult prírody

Boli to sentimentalisti, ktorí vytvorili kult prírody charakteristický pre osvietenstvo. Myslitelia 18. storočia v nej hľadali príklad krásneho a dobra, o ktoré by sa malo ľudstvo usilovať. Parky a záhrady, ktoré sa v tom čase aktívne objavovali v Európe, sa ukázali ako stelesnenie lepšieho sveta. Boli vytvorené ako dokonalé prostredie pre dokonalých ľudí. Ich zloženie zahŕňalo umelecké galérie, knižnice, múzeá, chrámy a divadlá.

Osvietenci verili, že nový „prirodzený človek“ sa musí vrátiť do svojho prirodzeného stavu – teda prírody. Podľa tejto myšlienky ruská umelecká kultúra počas osvietenstva (alebo skôr architektúra) dala Peterhof svojim súčasníkom. Na jeho výstavbe pracovali slávni architekti Leblon, Zemtsov, Usov, Quarenghi. Vďaka ich úsiliu sa na brehu Fínskeho zálivu objavil jedinečný súbor, ktorý zahŕňal jedinečný park, nádherné paláce a fontány.

Maľovanie

V maliarstve sa umelecká kultúra osvietenskej Európy rozvíjala smerom k väčšiemu sekularizmu. Náboženský princíp strácal pôdu pod nohami aj v tých krajinách, kde sa predtým cítil celkom sebavedomo: Rakúsko, Taliansko, Nemecko. Krajinomaľba nahradila náladovú krajinu a intímny portrét nahradil formálny portrét.

V prvej polovici 18. storočia zrodila francúzska kultúra osvietenstva rokokový štýl. Takéto umenie bolo postavené na asymetrii, bolo posmešné, hravé a domýšľavé. Obľúbenými postavami umelcov tohto hnutia boli bakchantky, nymfy, Venuša, Diana a ďalšie postavy antickej mytológie a hlavnými námetmi boli lásky.

Pozoruhodným príkladom francúzskeho rokoka je dielo Francoisa Bouchera, ktorý bol nazývaný aj „prvým umelcom kráľa“. Maľoval divadelné kulisy, ilustrácie ku knihám, obrazy pre bohaté domy a paláce. Jeho najznámejšie obrazy: „Toaleta Venuše“, „Triumf Venuše“ atď.

Antoine Watteau sa naopak viac obrátil k modernému životu. Pod jeho vplyvom sa rozvinul štýl najväčšieho anglického portrétistu Thomasa Gainsborougha. Jeho obrazy sa vyznačovali duchovnosťou, duchovnou sofistikovanosťou a poéziou.

Hlavným talianskym maliarom 18. storočia bol Giovanni Tiepolo. Tento majster rytín a fresiek je historikmi umenia považovaný za posledného veľkého predstaviteľa benátskej školy. Hlavné mesto slávnej obchodnej republiky dalo vzniknúť aj vedute – každodennej panoráme mesta. Najznámejšími tvorcami v tomto žánri boli Francesco Guardi a Antonio Canaletto. Tieto kultúrne osobnosti osvietenstva po sebe zanechali obrovské množstvo pôsobivých malieb.

Divadlo

18. storočie je zlatým vekom divadla. Počas obdobia osvietenstva dosiahla táto umelecká forma vrchol svojej popularity a rozšírenia. V Anglicku bol najväčším dramatikom Richard Sheridan. Jeho najznámejšie diela „Výlet do Scarborough“, „Škola škandálov“ a „Súperi“ satirizovali nemorálnosť buržoázie.

Divadelná kultúra Európy v období osvietenstva sa najdynamickejšie rozvíjala v Benátkach, kde pôsobilo 7 divadiel naraz. Tradičný každoročný mestský karneval prilákal hostí z celého Starého sveta. Autor slávnej krčmy Carlo Goldoni pôsobil v Benátkach. Tohto dramatika, ktorý napísal celkovo 267 diel, si Voltaire vážil a oceňoval.

Najznámejšou komédiou 18. storočia bola Figarova svadba, ktorú napísal veľký Francúz Beaumarchais. Táto hra stelesňovala náladu spoločnosti, ktorá mala negatívny postoj k absolútnej monarchii Bourbonovcov. Niekoľko rokov po vydaní a prvých predstaveniach komédie nastala vo Francúzsku revolúcia, ktorá zvrhla starý režim.

Európska kultúra počas osvietenstva nebola homogénna. V niektorých krajinách vznikli v umení ich vlastné národné charakteristiky. Napríklad nemeckí dramatici (Schiller, Goethe, Lessing) napísali svoje najvýraznejšie diela v žánri tragédie. Navyše, divadlo osvietenstva v Nemecku sa objavilo o niekoľko desaťročí neskôr ako vo Francúzsku či Anglicku.

Johann Goethe nebol len úžasný básnik a dramatik. Nie nadarmo sa mu hovorí „univerzálny génius“ – znalec umenia a teoretik, vedec, prozaik a špecialista v mnohých iných oblastiach. Jeho kľúčovými dielami sú tragédia „Faust“ a hra „Egmont“. Ďalšia vynikajúca osobnosť nemeckého osvietenstva nielenže napísala „Prefíkanosť a láska“ a „Zbojníci“, ale zanechala po sebe aj vedecké a historické diela.

Beletria

Hlavným literárnym žánrom 18. storočia bol román. Práve vďaka novým knihám prišiel triumf buržoáznej kultúry, ktorá nahradila starú feudálnu ideológiu. Aktívne sa publikovali diela nielen umeleckých spisovateľov, ale aj sociológov, filozofov a ekonómov.

Román ako žáner vyrástol zo vzdelávacej žurnalistiky. S jeho pomocou našli myslitelia 18. storočia novú formu na vyjadrenie svojich sociálnych a filozofických myšlienok. Jonathan Swift, ktorý napísal Gulliverove cesty, vložil do svojho diela mnohé narážky na zlozvyky svojej súčasnej spoločnosti. Napísal tiež „Príbeh motýľa“. V tomto pamflete Swift zosmiešnil vtedajší cirkevný poriadok a spory.

Rozvoj kultúry v období osvietenstva možno sledovať vznikom nových literárnych žánrov. V tomto čase vznikol epištolárny román (román v listoch). Bolo to napríklad sentimentálne dielo Johanna Goetheho „Smútok mladého Werthera“, v ktorom hlavná postava spáchala samovraždu, ako aj Montesquieuove „Perzské listy“. Dokumentárne romány sa objavili v žánri cestopisov alebo cestopisných opisov („Cesty po Francúzsku a Taliansku“ od Tobiasa Smolletta).

V literatúre sa kultúra osvietenstva v Rusku riadila predpismi klasicizmu. V 18. storočí pôsobili básnici Alexander Sumarokov, Vasilij Trediakovskij a Antioch Cantemir. Objavili sa prvé výhonky sentimentalizmu (už spomínaný Karamzin s „Chudák Liza“ a „Natalia, Boyarova dcéra“). Kultúra osvietenstva v Rusku vytvorila všetky predpoklady, aby ruská literatúra na čele s Puškinom, Lermontovom a Gogoľom zažila svoj zlatý vek už na začiatku nového 19. storočia.

Hudba

V období osvietenstva sa objavil moderný hudobný jazyk. Za jej zakladateľa sa považuje Johann Bach. Tento veľký skladateľ písal diela všetkých žánrov (výnimkou bola opera). Bach je dodnes považovaný za neprekonateľného majstra polyfónie. Ďalší nemecký skladateľ George Handel napísal viac ako 40 opier, ako aj početné sonáty a suity. Rovnako ako Bach čerpal inšpiráciu z biblických príbehov (charakteristické názvy diel: „Izrael v Egypte“, „Saul“, „Mesiáš“).

Ďalším významným hudobným fenoménom tej doby bola viedenská škola. Diela jej predstaviteľov aj dnes hrajú akademické orchestre, vďaka čomu sa moderný človek môže dotknúť dedičstva, ktoré zanechala kultúra doby osvietenstva. 18. storočie sa spája s menami takých géniov ako Wolfgang Mozart, Joseph Haydn, Ludwig Van Beethoven. Práve títo viedenskí skladatelia prehodnotili doterajšie hudobné formy a žánre.

Haydn je považovaný za otca klasickej symfónie (napísal ich viac ako sto). Mnohé z týchto diel boli založené na ľudových tancoch a piesňach. Vrcholom Haydnovej tvorby je cyklus londýnskych symfónií, ktorý napísal počas svojich ciest do Anglicka. Kultúra osvietenstva alebo akéhokoľvek iného obdobia ľudskej histórie len zriedka vyprodukovala takých plodných umelcov. Okrem symfónií napísal Haydn 83 kvartet, 13 omší, 20 opier a 52 klávesových sonát.

Mozart nielen písal hudbu. Neprekonateľne hral na čembalo a husle, tieto nástroje ovládal už vo veľmi ranom detstve. Jeho opery a koncerty sa vyznačujú širokou škálou nálad (od poetických textov až po zábavu). Za Mozartove hlavné diela sa považujú jeho tri symfónie, napísané v tom istom roku 1788 (číslo 39, 40, 41).

Ďalší veľký klasik, Beethoven, mal rád hrdinské námety, čo sa prejavilo v predohrách „Egmont“, „Coriolanus“ a opere „Fidelio“. Ako interpret udivoval svojich súčasníkov hrou na klavíri. Beethoven pre tento nástroj napísal 32 sonát. Väčšinu svojich diel skladateľ vytvoril vo Viedni. Vlastní aj 10 sonát pre husle a klavír (najznámejšia je Kreutzerova sonáta).

Beethoven trpel ťažkou stratou sluchu. Skladateľ inklinoval k samovražde av zúfalstve napísal svoju legendárnu „Mesiacu“ sonátu. Ani hrozná choroba však nezlomila umelcovu vôľu. Po prekonaní vlastnej apatie napísal Beethoven mnoho ďalších symfonických diel.

Anglické osvietenstvo

Anglicko bolo rodiskom európskeho osvietenstva. V tejto krajine sa skôr ako v iných, ešte v 17. storočí, odohrala buržoázna revolúcia, ktorá dala impulz kultúrnemu rozvoju. Anglicko sa stalo jasným príkladom sociálneho pokroku. Filozof John Locke bol jedným z prvých a hlavných teoretikov liberálnej myšlienky. Pod vplyvom jeho spisov vznikol najvýznamnejší politický dokument osvietenskej éry – Americká deklarácia nezávislosti. Locke veril, že ľudské poznanie je determinované zmyslovým vnímaním a skúsenosťou, čo vyvrátilo predtým populárnu Descartovu filozofiu.

Ďalším významným britským mysliteľom 18. storočia bol David Hume. Tento filozof, ekonóm, historik, diplomat a publicista aktualizoval vedu o morálke. Jeho súčasník Adam Smith sa stal zakladateľom modernej ekonomickej teórie. Kultúra osvietenstva skrátka predchádzala mnohým moderným koncepciám a myšlienkam. Smithova práca bola presne taká. Ako prvý prirovnal význam trhu k významu štátu.

Myslitelia Francúzska

Francúzski filozofi 18. storočia pôsobili v opozícii voči vtedy existujúcemu spoločenskému a politickému systému. Rousseau, Diderot, Montesquieu – tí všetci protestovali proti domácemu poriadku. Kritika mohla mať rôzne podoby: ateizmus, idealizácia minulosti (chválené boli republikánske tradície staroveku) atď.

Jedinečným fenoménom kultúry osvietenstva sa stala 35-zväzková Encyklopédia. Tvorili ju hlavní myslitelia „veku rozumu“. Inšpirátorom a šéfredaktorom tejto epochálnej publikácie bol Julien La Mettrie, Claude Helvetius a ďalší vynikajúci intelektuáli 18. storočia, ktorí sa podieľali na jednotlivých zväzkoch.

Montesquieu ostro kritizoval svojvôľu a despotizmus úradov. Dnes je právom považovaný za zakladateľa buržoázneho liberalizmu. Voltaire sa stal príkladom vynikajúceho vtipu a talentu. Bol autorom satirických básní, filozofických románov a politických traktátov. Mysliteľ sa dostal dvakrát do väzenia a ešte viackrát musel ísť na útek. Bol to Voltaire, kto vytvoril módu pre voľnomyšlienkárstvo a skepticizmus.

Nemecké osvietenstvo

Nemecká kultúra 18. storočia existovala v podmienkach politickej fragmentácie krajiny. Pokrokové mysle obhajovali odmietnutie feudálnych zvyškov a národnej jednoty. Na rozdiel od francúzskych filozofov boli nemeckí myslitelia v otázkach týkajúcich sa cirkvi opatrní.

Podobne ako ruská kultúra osvietenstva, aj pruská kultúra sa formovala za priamej účasti autokratického panovníka (v Rusku to bola Katarína II., v Prusku Fridrich Veľký). Hlava štátu výrazne podporovala pokrokové ideály svojej doby, hoci sa svojej neobmedzenej moci nevzdal. Tento systém sa nazýval „osvietený absolutizmus“.

Hlavnou osobnosťou osvietenstva v Nemecku v 18. storočí bol Immanuel Kant. V roku 1781 vydal základnú prácu „Kritika čistého rozumu“. Filozof vyvinul novú teóriu poznania a študoval schopnosti ľudskej inteligencie. Bol to on, kto zdôvodnil metódy boja a právne formy zmeny spoločenského a štátneho systému s vylúčením hrubého násilia. Kant významne prispel k vytvoreniu teórie právneho štátu.

Tento článok môže slúžiť ako doplnkový materiál pre hodiny hudby v ročníkoch 7-8. Ponúka materiál na hĺbkové štúdium hudobnej kultúry 17. – 18. storočia. V hudbe tej doby sa vytvoril jazyk, ktorým bude neskôr „hovoriť“ celá Európa.

Stiahnuť:

Ukážka:

"Hudba doby osvietenia"

Vzdelávacie hnutie malo významný vplyv na hudobný život. V hudbe 17. – 18. storočia. vzniká hudobný jazyk, ktorým bude následne „hovoriť“ celá Európa. Prvými boli Johann Sebastian Bach (1685 1750) a George Frideric Handel (1685 1759). Bach je skvelý skladateľ a organista, ktorý pôsobil vo všetkých hudobných žánroch okrem opery. Polyfónne umenie, ktoré vzniklo v Európe počas stredoveku, priviedol k dokonalosti. V organovej tvorbe sa naplno prejaví hĺbka Bachových myšlienok a citov, zaznie vyznanie duše. Medzi šiestimi generáciami Bachov sú takmer všetci organisti, trubači, flautisti, huslisti, kapelníci a kantori. Životná cesta geniálneho skladateľa je neustálym bojom o právo na kreativitu. Händel, podobne ako Bach, používal pre svoje diela biblické výjavy.

Počas celého 18. storočia prebiehali vo viacerých krajinách (Taliansko, Nemecko, Rakúsko, Francúzsko a i.) procesy formovania nových žánrov a foriem inštrumentálnej hudby, ktoré sa napokon formovali a svoj vrchol dosiahli v tzv. „Viedenská klasická škola“.Viedenská klasická škola, ktorá organicky absorbovala pokrokové výdobytky národných hudobných kultúr, bola sama osebe hlboko národným fenoménom, zakoreneným v demokratickej kultúre rakúskeho ľudu. Predstaviteľmi tohto umeleckého hnutia boli J. Haydn, V.A. Mozart, L. van Beethoven. Každý z nich bol bystrý jedinec. Haydnov štýl sa teda vyznačoval jasným svetonázorom a vedúcou úlohou žánru a každodenných prvkov. Pre Mozartov štýl bol príznačnejší lyricko-dramatický začiatok. Beethovenov štýl je stelesnením hrdinského pátosu boja. Spolu s rozdielmi, ktoré určujú jedinečnú individualitu každého z týchto skladateľov, ich však spája realizmus, život potvrdzujúce princípy a demokracia. Myslenie orientované na racionalizmus a abstraktné zovšeobecňovanie v období osvietenstva viedlo k vzniku nových žánrov: SYMFÓNIA, SONÁTA, KONCERT. Tieto žánre mali podobu sonátovo-symfonického cyklu, ktorého jadrom bola sonáta allegro. SONATA ALLEGRO je proporcionálna a symetrická štruktúra, pozostávajúca z troch hlavných častí - expozícia, vývoj a repríza.

Viedenská klasická škola sa vyznačovala umeleckým štýlom klasicizmu, ktorý vznikol vo Francúzsku v 17. storočí.Na základe predstáv o pravidelnosti a racionalite svetového poriadku sa majstri tohto štýlu snažili o jasné a prísne formy, harmonické vzory a stelesnenie vysokých morálnych ideálov. Diela starovekého umenia považovali za najvyššie, neprekonateľné príklady umeleckej tvorivosti, preto rozvíjali staroveké námety a obrazy. Klasicizmus sa v mnohom postavil proti baroku s jeho vášňou, premenlivosťou a nejednotnosťou, presadzoval jeho princípy v rôznych druhoch umenia, vrátane hudby.Aktivity skladateľov viedenskej klasickej školy boli pripravované umeleckými skúsenosťami ich predchodcov a súčasníkov, vrátane talianskej a francúzskej opernej a inštrumentálnej kultúry a výdobytkov nemeckej hudby. Veľkú úlohu pri formovaní viedenskej klasickej školy zohral hudobný život Viedne - najväčšieho hudobného centra, a hudobný folklór mnohonárodnostného Rakúska. Umenie viedenských klasikov je úzko späté so všeobecným vzostupom rakúsko-nemeckej kultúry, s osvietenstvom, ktoré odrážalo humanistické ideály tretieho stavu v predvečer Veľkej francúzskej revolúcie. Tvorivé nápady viedenských klasikov úzko súvisia s názormi G.E. Lessinga, I.G. Herdera, I.V. Goethe, F. Schiller, I. Kant, G. Hegel, s niektorými ustanoveniami francúzskych encyklopedistov.

Umenie predstaviteľov viedenskej klasickej školy sa vyznačuje univerzálnosťou umeleckého myslenia, logikou a čistotou umeleckej formy. V ich dielach sa organicky spájajú pocity a intelekt, tragické a komické, precízna vypočítavosť a prirodzenosť, ľahkosť vyjadrovania.Hudba skladateľov viedenskej klasickej školy je novou etapou vo vývoji hudobného myslenia. Ich hudobný jazyk sa vyznačuje prísnou usporiadanosťou kombinovanou s vnútornou rôznorodosťou a bohatosťou. Každý z majstrov viedenskej klasickej školy mal jedinečnú osobnosť. Oblasť inštrumentálnej hudby sa ukázala byť najbližšia Haydnovi a Beethovenovi, Mozart sa rovnako prejavil v operných aj inštrumentálnych žánroch. Haydn inklinoval skôr k objektívnym ľudovo-žánrovým obrazom, humoru, vtipu, Beethoven - k hrdinstvu, Mozart ako univerzálny umelec - k rôznym odtieňom lyrického zážitku. Obrovský vplyv na ďalší vývoj hudby mala tvorba skladateľov viedenskej klasickej školy, ktorá patrí k vrcholom svetovej umeleckej kultúry.

Najkomplexnejšou formou inštrumentálnej hudby je SYMFÓNIA (grécky súzvuk). Je navrhnutý tak, aby ho mohol hrať symfonický orchester. Možnosti tohto žánru sú veľké: umožňuje vyjadrovať filozofické a morálne myšlienky hudobnými prostriedkami, rozprávať sa o pocitoch a zážitkoch. Žáner sa sformoval v polovici 18. storočia v tvorbe predstaviteľov viedenskej klasickej školy. Skladatelia vypracovali sonátovo-symfonický cyklus štyroch častí, ktoré sa líšia charakterom hudby, tempom a metódami rozvíjania témy. Prvá časť, postavená v sonátovej forme a vykonávaná zvyčajne v rýchlom tempe, je naplnená dramatickým obsahom. Niekedy tomu predchádza pomalý úvod. Druhá časť je pomalá a kontemplatívna; toto je lyrický stred skladby. Tretia je v kontraste s druhou: aktívna, živá hudba má buď tanečný alebo humorný charakter. Do začiatku 19. stor. skladatelia používali formu menuetu (francúzske menuet, z menu - „malý, malý“), bežný salónny tanec 18. storočia. Neskôr menuet nahradilo scherzo (z talianskeho scherzo - „vtip“) - to bol názov malých vokálnych alebo inštrumentálnych diel, rýchlych v tempe a vtipných obsahom. Štvrtá, zvyčajne rýchla časť je finále symfónie; tu je zhrnutý vývoj tém a obrazov diela.Jedna z najzložitejších a obsahovo najbohatších hudobných foriem, sonáta, sa začala formovať v prvej polovici 18. storočia. a svoju konečnú podobu našiel v druhej polovici storočia v dielach skladateľov viedenskej klasickej školy. SONÁTOVÁ FORMA je princíp prezentácie hudobného materiálu. Nejde o mechanické striedanie častí a sekcií, ale o interakciu tém a umeleckých obrazov. Témy – hlavné a vedľajšie – sú buď protichodné, alebo sa dopĺňajú. Vývoj tém prechádza tromi etapami – expozíciou, vývojom a rekapituláciou. Témy vznikajú v expozícii (z latinského expositio - „prezentácia, zobrazenie“). Hlavná znie v hlavnej tónine, ktorá určuje názov tóniny celej skladby. Vedľajšia téma sa zvyčajne podáva v inom tóne – medzi témami vzniká kontrast. Na ďalšom vývoji tém sa pracuje. Môžu sa dostať do ostrého vzájomného rozporu. Niekedy jeden potláča druhého alebo naopak ide do tieňa a ponecháva „súperovi“ úplnú slobodu konania. Obe témy sa môžu javiť v inom svetle, napríklad ich bude hrať iná zostava nástrojov, alebo dramaticky zmenia charakter. V repríze (francúzska repríza, z reprendre - „obnoviť, opakovať“) sa témy na prvý pohľad vrátia do pôvodného stavu. Vedľajšia téma však už zaznieva v hlavnej tónine, čím dochádza k jednote s hlavnou. Repríza je výsledkom komplexnej cesty, na ktorú prichádzajú témy obohatené o skúsenosť z expozície a vývoja. Výsledky vývoja sú niekedy stanovené v dodatočnej časti - kód (z talianskeho coda - „chvost“), ale nie je to potrebné. Sonátová forma sa zvyčajne používa v prvej časti sonáty a symfónie, ako aj (s malými obmenami) v druhej časti a vo finále.

Jedným z hlavných žánrov inštrumentálnej hudby je SONATA (talianska sonáta, zo sonare - „znieť“). Ide o viacdielnu (zvyčajne tri alebo štyri časti) prácu. V tvorbe majstrov viedenskej klasickej školy dosiahla sonáta, podobne ako symfónia, vrchol. Na rozdiel od symfónie je sonáta určená buď pre jeden nástroj (zvyčajne klavír) alebo dva (z toho jeden je klavír). Prvá časť diel tohto žánru je napísaná v sonátovej forme. Tu sú uvedené hlavné hudobné témy diela. Druhá časť, zvyčajne pokojná a pomalá, je v ostrom kontraste s prvou. Tretím je finále, predvedené v rýchlom tempe. Zhrnie výsledky a nakoniec určí všeobecný charakter práce.

Joseph Haydn je považovaný za zakladateľa viedenskej klasickej školy. Haydnova tvorba je spojená s rozkvetom takých žánrov, ako sú symfónia (mal ich stoštyri, nepočítajúc stratené), sláčikové kvarteto (osemdesiattri) a klávesová sonáta (päťdesiatdva). Skladateľ venoval veľkú pozornosť koncertom pre rôzne nástroje, komorným súborom a sakrálnej hudbe.

Franz Joseph Haydn sa narodil v obci Rohrau (Rakúsko) v rodine kočiara. Od ôsmich rokov začal spievať v Kaplnke sv. Štefana vo Viedni. Budúci skladateľ si musel zarábať na živobytie kopírovaním nôt, hrou na organe, klavíri a husliach. V sedemnástich Haydn stratil reč a bol vykázaný z kaplnky. Až o štyri roky neskôr si našiel trvalé zamestnanie - zamestnal sa ako korepetítor slávneho talianskeho operného skladateľa Nicola Porpora (1686-1768). Ocenil Haydnov hudobný talent a začal ho učiť kompozíciu. V roku 1761 Haydn vstúpil do služieb bohatých uhorských kniežat Esterházy a na ich dvore strávil takmer tridsať rokov ako skladateľ a vedúci kaplnky. V roku 1790 kaplnka bola rozpustená, no Haydn si ponechal plat a funkciu dirigenta. To dalo majstrovi príležitosť usadiť sa vo Viedni, cestovať a koncertovať. V 90. rokoch Haydn dlho plodne žil a pracoval v Londýne. Získal európsku slávu, jeho dielo ocenili jeho súčasníci - skladateľ sa stal majiteľom mnohých čestných titulov a titulov. Joseph Haydn je často nazývaný „otcom“ symfónie. Práve v jeho tvorbe sa symfónia stala vedúcim žánrom inštrumentálnej hudby. V Haydnových symfóniách je zaujímavé rozvíjanie hlavných tém. Dirigovaním melódie v rôznych tóninách a registroch, dávajúc jej tú či onú náladu, tak skladateľ objavuje jej skryté možnosti, odhaľuje vnútorné rozpory: melódia sa buď transformuje, alebo sa vracia do pôvodného stavu. Haydn mal jemný zmysel pre humor a táto osobnostná črta sa odrážala aj v jeho hudbe. V mnohých symfóniách je rytmus tretej časti (menuetu) zámerne zadumaný, akoby sa autor snažil vykresliť nemotorné pokusy obyčajného človeka zopakovať elegantné pohyby galantného tanca. Symfónia č. 94 (1791) je vtipná. V polovici druhej časti, keď hudba znie pokojne a ticho, zrazu zaznejú údery tympánov - aby sa poslucháči „nenudili“. Nie je náhoda, že dielo bolo nazvané „S bojovými tympánmi alebo prekvapením“. Haydn často používal techniku ​​onomatopoje (vtáky spievajú, medveď sa túla lesom a pod.). Vo svojich symfóniách sa skladateľ často obracal k ľudovým námetom.

O stabilné zloženie symfonického orchestra sa zaslúžili predstavitelia viedenskej klasickej školy a predovšetkým Haydn. Predtým sa skladatelia uspokojili len s tými nástrojmi, ktoré boli aktuálne dostupné. Vzhľad stabilného orchestra je jasným znakom klasicizmu. Zvuk hudobných nástrojov sa tak dostal do prísneho systému, ktorý sa podriaďoval pravidlám inštrumentácie. Tieto pravidlá sú založené na znalostiach schopností nástrojov a predpokladajú, že zvuk každého z nich nie je cieľom sám osebe, ale prostriedkom na vyjadrenie určitej myšlienky. Stabilná skladba dala orchestru pevný, homogénny zvuk.

Okrem inštrumentálnej hudby venoval Haydn pozornosť operným a duchovným dielam (pod vplyvom Händela vytvoril množstvo omší) a venoval sa žánru oratória („Stvorenie sveta“, 1798; „Ročné obdobia“, 1801).

Opera od svojho vzniku nezaznamenala žiadne prestávky vo vývoji. Operná reforma z druhej polovice 18. storočia. bol v mnohých ohľadoch literárnym hnutím. Jeho predchodcom bol francúzsky spisovateľ a filozof J.J. Rousseau. Rousseau študoval aj hudbu a ak vo filozofii volal po návrate k prírode, tak v opernom žánri sa zasadzoval za návrat k jednoduchosti.Myšlienka reformy bola vo vzduchu. Jedným zo symptómov bol vzostup rôznych typov komickej opery; ďalšími boli Listy o tanci a balety od francúzskeho choreografa J. Novera (1727–1810), v ktorých sa rozvinula myšlienka baletu ako drámy, a nie len ako predstavenia. Osoba, ktorá uviedla reformu do života, bol K.V. Gluck (1714 – 1787). Ako mnohí revolucionári, aj Gluck začínal ako tradicionalista. Niekoľko rokov inscenoval tragédie jednu za druhou v starom štýle a ku komickej opere sa priklonil skôr pod tlakom okolností. Opera vo Viedni bola rozdelená do troch hlavných smerov. Popredné miesto obsadila vážna talianska opera (Talianska opera seria), kde žili a zomierali klasickí hrdinovia a bohovia v atmosfére vysokej tragédie. Menej formálna bola komická opera (opera buffa), založená na zápletke Harlekýna a Kolumbína z talianskej komédie (commedia dell'arte), obklopená nehanebnými lokajmi, ich schátralými pánmi a všelijakými darebákmi a podvodníkmi formách sa vyvinula nemecká komická opera (singspiel), ktorej úspech spočíval možno v používaní rodného nemeckého jazyka dostupného širokej verejnosti Už pred začiatkom Mozartovej opernej kariéry Gluck obhajoval návrat k jednoduchosti 17. storočia. opera, ktorej zápletky neboli tlmené dlhými sólovými áriami, ktoré odďaľovali vývoj deja a slúžili spevákom len ako dôvod na demonštráciu sily svojho hlasu.

Mozart silou svojho talentu spojil tieto tri smery. Ešte ako tínedžer napísal jednu operu z každého typu. Ako zrelý skladateľ pokračoval v tvorbe vo všetkých troch smeroch, hoci tradícia operných serií doznievala.Mozartovo dielo zaujíma vo viedenskej klasickej škole osobitné miesto. V jeho dielach sa spájala klasicistická prísnosť a čistota formy s hlbokou emocionalitou. Skladateľova hudba je blízka tým trendom v kultúre druhej polovice 18. storočia, ktoré boli adresované ľudským citom ("Búrka a Drang", čiastočne sentimentalizmus). Bol to Mozart, ktorý ako prvý ukázal rozporuplnú povahu vnútorného sveta jednotlivca.

Wolfgang Amadeus Mozart sa narodil v Salzburgu (Rakúsko). S fenomenálnym sluchom pre hudbu a pamäť sa už v ranom detstve naučil hrať na čembale a ako päťročný napísal svoje prvé skladby. Prvým učiteľom budúceho skladateľa bol jeho otec Leopold Mozart, hudobník v kaplnke salzburského arcibiskupa. Mozart majstrovsky ovládal nielen čembalo, ale aj organ a husle; bol známy ako skvelý improvizátor. Od šiestich rokov cestoval po európskych krajinách. V jedenástich rokoch vytvoril svoju prvú operu „Apollo a Hyacint“ a v štrnástich už dirigoval premiéru vlastnej opery „Mithridates, King of Pontus“ v milánskom divadle. Približne v tom čase bol zvolený za člena Filharmónie v Bologni. Ako mnohí hudobníci tej doby, aj Mozart pôsobil na dvore (1769-1781) - bol korepetítorom a organistom salzburského arcibiskupa. Majstrova nezávislá povaha však vyvolala arcibiskupovu ostrú nevôľu a Mozart sa rozhodol službu opustiť. Z vynikajúcich skladateľov minulosti si ako prvý vybral život slobodného umelca. V roku 1781 Mozart sa presťahoval do Viedne a založil si rodinu. Zarábal si vzácnymi edíciami vlastných skladieb, hodinami hry na klavíri a vystúpeniami (posledné slúžili ako podnet na vytváranie koncertov pre klavír a orchester). Osobitnú pozornosť venoval Mozart opere. Jeho diela predstavujú celú éru vo vývoji tohto druhu hudobného umenia. Skladateľa k opere prilákala možnosť ukázať vzťahy medzi ľuďmi, ich pocity a túžby. Mozart sa nesnažil vytvoriť novú opernú formu - jeho hudba bola sama o sebe inovatívna. Vo svojich zrelých dielach skladateľ upustil od striktného rozlišovania medzi vážnou a komickou operou – objavilo sa hudobno-dramatické predstavenie, v ktorom sa tieto prvky prelínajú. Výsledkom je, že v Mozartových operách nie sú jednoznačne pozitívni a negatívni hrdinovia, postavy sú živé a mnohostranné, nesúvisiace. Mozart sa často obracal na literárne zdroje. Opera Figarova svadba (1786) bola napísaná podľa hry francúzskeho dramatika P.O. Beaumarchaisov „Bláznivý deň alebo Figarova svadba“, ktorý bol zakázaný cenzúrou. Hlavnou témou opery je láska, čo sa však dá povedať o všetkých Mozartových dielach. V diele je však aj sociálny podtext: Figaro a jeho milovaná Suzanne sú bystrí a energickí, no sú skromného pôvodu a len sluhovia v dome grófa Almavivu. Ich odpor voči pánovi (hlúpemu a pobláznenému aristokratovi) vyvoláva autorove sympatie – je celkom zrejmé, že stojí na strane milencov. V opere „Don Juan“ (1787) získal stredoveký dej o dobyvateľovi ženských sŕdc hudobné stelesnenie. Proti energickému, temperamentnému, svojvoľnému a od všetkých morálnych štandardov oslobodenému hrdinovi stojí v osobe veliteľa vyššia moc, zosobňujúca rozumný poriadok. Filozofické zovšeobecnenie tu koexistuje s ľúbostnými aférami a žánrovými a každodennými prvkami. Tragické a komické tvoria nerozlučnú jednotu. Sám autor zdôraznil túto črtu opery a dal svojmu dielu podtitul „Veselá dráma“. Zdalo by sa, že vo finále spravodlivosť zvíťazí – neresti (Don Juan) sú potrestané. No hudba opery je jemnejšia a komplexnejšia ako toto zjednodušené chápanie diela: v poslucháčovi vyvoláva sympatie k hrdinovi, ktorý aj zoči-voči smrti zostal verný sám sebe. Filozofické rozprávkové podobenstvo „Čarovná flauta“ (1791) bolo napísané v žánri Singspiel. Hlavnou myšlienkou diela je nevyhnutnosť víťazstva dobra nad zlom, výzva k statočnosti, k láske, k pochopeniu jej najvyššieho významu. Hrdinovia opery sú vystavení vážnym skúškam (ticho, oheň, voda), no prekonajú ich dôstojne a dostanú sa do kráľovstva krásy a harmónie.

Mozart považoval hudbu za hlavnú, hoci na text libreta bol veľmi náročný. V jeho operách výrazne vzrástla úloha orchestra. Práve v orchestrálnej časti sa často prejavuje postoj autora k postavám: buď zabliká posmešný motív, alebo sa objaví krásna poetická melódia. Pozornému poslucháčovi tieto detaily povedia viac ako text. Hlavnými portrétnymi charakteristikami zostávajú árie a vzťahy medzi postavami sú vyrozprávané vo vokálnych súboroch. Skladateľovi sa podarilo sprostredkovať charakterové vlastnosti každej postavy v súboroch.Mozart sa stal aj jedným z tvorcov klasického žánru KONCERT. Základom koncertu je súťaž medzi sólistom a orchestrom a tento proces vždy podlieha prísnej logike. Skladateľ vlastní dvadsaťsedem koncertov pre klavír a orchester, sedem pre husle a orchester. V niektorých dielach poslucháča zasiahne virtuózna zručnosť a veselosť, v iných dramatickosť a emocionálne kontrasty. Majstrove záujmy sa neobmedzovali len na operu a inštrumentálnu hudbu. Vytváral aj duchovné diela: omše, kantáty, oratóriá, rekviem. Hudba rekviem (1791), určená pre sólistov, zbor a orchester, je hlboko tragická (Mozart na skladbe pracoval už chorý, vlastne tesne pred smrťou). Časti skladby, pripomínajúce operné árie a ansámbly, robia hudbu veľmi emotívnou a viachlasné časti (v prvom rade „Pane, zmiluj sa!“) zosobňujú duchovný princíp, najvyššiu spravodlivosť. Hlavným obrazom rekviem je trpiaca osoba tvárou v tvár tvrdej Božej spravodlivosti. Majster nikdy nestihol dokončiť rekviem, dokončil ho podľa skladateľových náčrtov jeho študent F.K. Zyusmayr.

Historicky je súčasťou viedenskej školy dielo Ludwiga van Beethovena (1770-1827), ktorého estetické ideály sa rozvíjali v období francúzskej buržoáznej revolúcie. V tomto smere do jeho tvorby vstúpila hrdinská téma. „Hudba musí udrieť oheň z ľudských pŕs“ – to sú slová nemeckého skladateľa Ludwiga van Beethovena, ktorého diela patria k najvyšším výdobytkom hudobnej kultúry.Hudobne jeho tvorba na jednej strane nadväzovala na tradície viedenského klasicizmu, na druhej strane zachytávala črty nového romantického umenia. Od klasicizmu v Beethovenových dielach - vznešenosť obsahu, vynikajúce zvládnutie hudobných foriem, oslovenie až po žánre symfónie a sonáty. Od romantizmu - odvážny experiment v oblasti týchto žánrov, záujem o vokálne a klavírne miniatúry. Ludwig van Beethoven sa narodil v Bonne (Nemecko) v rodine dvorného hudobníka. Hudbu začal študovať od raného detstva pod vedením svojho otca. Skutočným Beethovenovým mentorom však bol skladateľ, dirigent a organista K.G. Nefe. Naučil mladého hudobníka základy kompozície a naučil ho hrať na klavíri a organe. Od jedenástich rokov slúžil Beethoven ako pomocný organista v kostole, potom ako dvorný organista a korepetítor opery v Bonne. Ako osemnásťročný nastúpil na filozofickú fakultu na univerzitu v Bonne, ale nedomaturoval a následne sa veľa vzdelával. V roku 1792 Beethoven sa presťahoval do Viedne. Hudobné hodiny bral u J. Haydna, I.G. Albrechtsberger, A. Salieri (najväčší hudobníci tej doby). Albrechtsberger predstavil Beethovenovi diela Händela a Bacha. Odtiaľ pochádza skladateľova brilantná znalosť hudobných foriem, harmónie a polyfónie. Beethoven čoskoro začal koncertovať; sa stal populárnym. Poznali ho na uliciach a pozývali na slávnostné recepcie do domovov vysokopostavených osôb. Veľa tvoril: písal sonáty, koncerty pre klavír a orchester, symfónie.

Dlho si nikto neuvedomoval, že Beethovena postihla vážna choroba – začal strácať sluch. Presvedčený o nevyliečiteľnosti choroby sa skladateľ rozhodol v roku 1802 zomrieť. pripravil závet, kde vysvetlil dôvody svojho rozhodnutia. Beethovenovi sa však podarilo prekonať zúfalstvo a našiel silu pokračovať v písaní hudby. Východiskom z krízy bola tretia („hrdinská“) symfónia. V rokoch 1803-1808 skladateľ pracoval aj na tvorbe sonát; najmä Deviata pre husle a klavír (1803; venovaná parížskemu huslistovi Rudolfovi Kreutzerovi, a preto dostala názov „Kreutzer“), Dvadsiata tretia („Appassionata“) pre klavír, Piata a Šiesta symfónia (obe 1808 ). Šiesta („Pastoračná“) symfónia má podtitul „Spomienky na život na vidieku“. Toto dielo zobrazuje rôzne stavy ľudskej duše, dočasne vyňatej z vnútorných zážitkov a bojov. Symfónia sprostredkúva pocity, ktoré vznikajú pri kontakte s prírodou a vidieckym životom. Jeho štruktúra je nezvyčajná - päť častí namiesto štyroch. Symfónia obsahuje prvky figuratívnosti a onomatopoje (spev vtákov, hukot hromu a pod.). Beethovenove poznatky následne využili mnohí romantickí skladatelia. Vrcholom Beethovenovej symfonickej tvorivosti bola 9. symfónia. Bol koncipovaný už v roku 1812, ale skladateľ na ňom pracoval v rokoch 1822 až 1823. Symfónia je veľkolepá; Neobyčajné je najmä finále, ktoré predstavuje niečo ako veľkú kantátu pre zbor, sólistov a orchester, napísanú na text ódy J.F. Schillera „Na radosť“. Premiéra symfónie sa konala v roku 1825. vo viedenskej opere. Na realizáciu autorovho zámeru nestačil divadelný orchester, aby sa prizvali ochotníci: dvadsaťštyri huslí, desať viol, dvanásť violončiel a kontrabasov. Na viedenský klasický orchester bola takáto skladba nezvyčajne silná. Navyše v každom zborovom parte (bas, tenor, alt a soprán) bolo dvadsaťštyri spevákov, čo tiež presahovalo zaužívané normy. Počas Beethovenovho života zostala Deviata symfónia pre mnohých nepochopiteľná; obdivovali ho len tí, ktorí skladateľa poznali zblízka, jeho žiaci a hudobne osvietení poslucháči. Postupom času začali najlepšie orchestre sveta zaraďovať symfóniu do svojho repertoáru a tá našla nový život.

Takže vrcholom vo vývoji hudobného klasicizmu bolo dielo Josepha Haydna, Wolfganga Amadea Mozarta a Ludwiga van Beethovena. Pôsobili najmä vo Viedni a formovali smer v hudobnej kultúre druhej polovice 18. - začiatku 19. storočia - viedenská klasická škola. Všimnite si, že klasicizmus v hudbe sa v mnohom líši od klasicizmu v literatúre, divadle alebo maľbe. V hudbe nie je možné spoliehať sa na staré tradície, pretože sú takmer neznáme. Okrem toho sa obsah hudobných skladieb často spája so svetom ľudských pocitov, ktoré nepodliehajú prísnej kontrole mysle. Skladatelia viedenskej klasickej školy však vytvorili veľmi harmonický a logický systém pravidiel pre stavbu diela. Vďaka takémuto systému boli najkomplexnejšie pocity oblečené v jasnej a dokonalej forme. Utrpenie a radosť sa pre skladateľa stali skôr predmetom úvah než zážitku. A ak v iných druhoch umenia zákony klasicizmu na začiatku 19. stor. sa mnohým zdala zastaraná, potom si v hudbe dodnes zachováva svoj význam systém žánrov, foriem a pravidiel harmónie, ktorý vyvinula viedenská škola.

V 18. storočí bola väčšina európskych štátov zmietaná vzdelávacím hnutím. Vďaka Petrovým reformám ja Rusko sa aktívne zapája do tohto procesu a pripája sa k výdobytkom európskej civilizácie. Jeho obrat smerom k Európe, ktorý dal podnet na vznik fenoménu „ruského európanstva“, sa udial typicky ruským spôsobom – chladným a rozhodným. Interakcia s etablovanejšími umeleckými školami v západnej Európe umožnila ruskému umeniu prejsť cestou „zrýchleného rozvoja“, osvojiť si európske estetické teórie, sekulárne žánre a formy v historicky krátkom čase.

Hlavným úspechom ruského osvietenstva je rozkvet osobnej kreativity, ktorá nahrádza bezmennú prácu umelcov starovekého Ruska. Implementuje sa Lomonosov vzorec: „Ruská zem porodí svojich vlastných Platónov a bystrých Newtonov“.

Prichádza čas aktívneho rozvoja sekulárneho svetonázoru. Chrámové umenie pokračuje vo svojom vývoji, ale postupne sa dostáva do pozadia v kultúrnom živote Ruska. Svetská tradícia sa všemožne posilňuje.

V hudbe XVIII storočia sa v literatúre aj maliarstve etabloval nový štýl, blízky európskemu klasicizmu.

Nové formy života vysokej spoločnosti – slávnosti v parkoch, jazdy po Neve, iluminácie, plesy a „maškarády“, zhromaždenia a diplomatické recepcie – prispeli k širokému rozvoju inštrumentálnej hudby. Dekrétom Petrava sa v každom pluku objavili vojenské dychové kapely. Oficiálne oslavy, plesy a festivaly obsluhovali dva dvorné orchestre a dvorný zbor. Príklad dvora nasledovala petrohradská a moskovská šľachta, ktorá zakladala domáce orchestre. V šľachtických panstvách vznikali aj poddanské orchestre a hudobné divadlá. Amatérske muzicírovanie sa rozširuje a hudobná výchova sa stáva povinnou súčasťou ušľachtilej výchovy. Pestrý hudobný život na konci storočia charakterizoval život nielen Moskvy a Petrohradu, ale aj iných ruských miest.

Medzi hudobné inovácie, ktoré Európa nepoznala, patril lesný orchester , ktorú vytvoril ruský cisársky komorný hudobník I.A. Maresh v mene S.K. Naryshkina. Maresh vytvoril ucelený súbor pozostávajúci z 36 rohov (3 oktávy). Zúčastnili sa na ňom poddaní hudobníci a hrali úlohu živých „kľúčov“, pretože každý roh mohol vydať iba jeden zvuk. Repertoár zahŕňal klasickú európsku hudbu vrátane komplexných diel Haydna a Mozarta.

V 30. rokoch XVIII storočia vznikla v Rusku talianska dvorná opera, ktorej predstavenia sa konali počas sviatkov pre „vybranú“ verejnosť. V tom čase prilákal Petrohrad mnohých najväčších európskych hudobníkov, hlavne Talianov, vrátane skladateľov F. Araya, B. Galuppiho, G. Paisiella, G. Sartiho, D. Cimarosa. Francesco Araya v roku 1755 napísal hudbu k prvej opere s ruským textom. Bolo to libreto A.P. Sumarokov podľa zápletky z Ovídiových Metamorfóz. Opera vytvorená v talianskom žánri séria , sa volalo "Cephalus a Procris".

V ére Petra Veľkého sa naďalej rozvíjali také národné hudobné žánre ako partes concerto a cant.

Zpěvy z doby Petra Veľkého sa často nazývali „vivata“, pretože oplývajú oslavami vojenských víťazstiev a premien („Raduj sa, ruská zem“). Hudbu „uvítacích“ spevov charakterizujú fanfárové obraty a slávnostné rytmy polonézy. Ich vystúpenie často sprevádzal zvuk trúb a zvonenie zvonov.

Obdobie Petra Veľkého znamenalo vyvrcholenie rozvoja zborového partesového spevu. Geniálny majster koncertu partes V.P. Titov zaujal miesto prvého hudobníka na dvore cára Petra. Bol to on, kto bol poverený napísať slávnostný koncert pri príležitosti víťazstva v Poltave, ktoré vyhrali ruské jednotky v roku 1709 („Rtsy to us now“ - pre skladbu bol prijatý názov „Poltava Triumph“).

V polovici XVIII storočia dosiahla túžba po zborových efektoch na partesových koncertoch prehnané formy: objavili sa diela, ktorých partitúra obsahovala až 48 hlasov. V druhej polovici storočia slávnostný komorný koncert vystriedal nový umelecký fenomén - duchovný koncert.Ruský zborový spev tak prešiel v priebehu 18. storočia dlhou cestou vývoja – od monumentálneho štýlu partes, evokujúceho asociácie s barokovým architektonickým štýlom, až po vrcholné príklady klasicizmu v dielach M. S. Berezovského a D. S. Bortňanského, ktorí vytvorili tzv. klasický typ ruského duchovného koncertu.

Koncert ruského duchovného zboru

V XVIII storočia sa výrazne rozšíril žánrový obsah zborovej tvorby. Vznikli zborové úpravy ľudových piesní, zborová operná hudba, tanečná hudba so zborom (najznámejším príkladom je Kozlovského polonéza „Roll the Thunder of Victory“ na slová Derzhavina, ktorý na záver XVIII nadobudol význam štátnej hymny Ruskej ríše).

Vedúcim zborovým žánrom je ruský duchovný koncert, ktorý slúžil ako jedinečný symbol starodávnej ruskej tradície. Duchovný koncert dosiahol najväčší rozkvet v ére Kataríny (1762- 1796). Bolo to priaznivé obdobie pre ruskú kultúru. Pokus oživiť ducha Petrových reforiem bol do značnej miery korunovaný úspechom. Politika, ekonomika, veda a kultúra opäť dostali impulz pre rozvoj. Obnovila sa prax prípravy najtalentovanejších predstaviteľov vedy a umenia v zahraničí. Blízke kultúrne kontakty medzi Ruskom a osvietenou Európou nemohli neovplyvniť vznik prvých skúseností s profesionálnou komponáciou.

Za toto obdobie vzniklo viac ako 500 diel koncertného žánru. Takmer všetci nám známi ruskí skladatelia druhej polovice sa k nemu obrátili. XVIII storočia.

Duchovný koncert zrodený v hlbinách partes polyfónie počas svojho vývoja integroval dva princípy – tradíciu cirkevného spevu a nové svetské hudobné myslenie. Koncert sa stal rozšíreným ako vyvrcholenie bohoslužby, tak aj ako ozdoba súdnych obradov. Bol stredobodom tém a obrazov, ktoré sa dotýkali hlbokých morálnych a filozofických problémov.

Ak „partes concerto možno do istej miery porovnať s concerto grosso , potom má štruktúra klasického zborového koncertu spoločné znaky so sonátovo-symfonickým cyklom. Skladal sa spravidla z troch alebo štyroch rôznych častí s kontrastnými technikami prednesu V záverečnej časti spravidla prevládali techniky polyfonického vývoja.

K rozvoju ruského klasického zborového koncertu výrazne prispeli významní zahraniční skladatelia, ktorí žili v Petrohrade (D. Sarti, B. Galuppi). Vrcholné úspechy ruskej zborovej hudby éry osvietenstva sú spojené s menami M.S. Berezovskij a D.S. Bortňansky.

Maxim Sozontovič Berezovskij (1745-1777)

M. S. Berezovskij je vynikajúci majster ruskej zborovej hudby 18. storočia, jeden z prvých predstaviteľov národnej skladateľskej školy. Dochované dielo skladateľa je objemovo neveľké, no veľmi významné svojou historickou a umeleckou podstatou. V hudobnej kultúre 60. – 70. rokov 18. storočia otvára novú etapu – éru ruského klasicizmu.

Berezovského meno sa spomína medzi zakladateľmi klasického zborového koncertu a cap p ella : jeho diela spolu s tvorbou talianskeho skladateľa Galuppiho predstavujú prvú etapu vo vývoji tohto žánru.

Vrchol tvorivého hľadania M.S. Berezovský sa stal koncertom "Neodmietaj ma v mojej starobe" . Toto všeobecne uznávané majstrovské dielo ruskej hudby 18. storočia, ktoré sa vyrovná najvyšším výdobytkom súčasného európskeho umenia. Koncert malého rozsahu je vnímaný ako epicky monumentálne dielo. Jeho hudba, odhaľujúca rozmanitý duchovný svet človeka, udivuje hĺbkou emócií a autentickosťou života.

V texte aj v hudbe koncertu je zreteľne počuť osobná intonácia. Toto je prejav prvej osoby. Prosba je modlitba apelujúca na Všemohúceho ( ja časť), je nahradený obrazom osoby prenasledovanej zlomyseľnými nepriateľmi ( II časť - "Vydajte sa a majte ho") . Potom nasleduje nová téma – modlitba nádeje („Bože môj, nepodarilo sa im to“ - III časť) a napokon finále plné protestného pátosu namiereného proti zlu a nespravodlivosti („Nech sa hanbia a zmiznú tí, ktorí ohovárajú moju dušu“). Už samotný fakt, že všetky témy koncertu sa vyznačujú určitými, konkrétnymi emocionálnymi črtami, hovorí o zásadnej novosti štýlu, prekonávajúcej abstraktnú neutralitu tematickosti partesového spevu.

Štyri časti diela spája nielen jediný dramatický koncept a tonálna logika, ale aj intonačné vlákna: melodická téma znejúca v prvých taktoch koncertu sa stáva intonačným základom všetkých ostatných obrazov. Výrazné je najmä to, že počiatočné zrnko intonácie sa pretavilo do dynamickej a asertívnej témy záverečnej fúgy „Nech sa hanbia a zmiznú...“, ktorá je vrcholom vývoja celého cyklu.

Dmitrij Stepanovič Bortnyansky (1751-1825)

D. S. Bortňanského vyvinul hlavný typ ruského klasického zborového koncertu, ktorý v hudbe spája prvky svetského hudobného inštrumentalizmu a vokálnej cirkevnej hudby. Jeho koncerty majú spravidla tri časti, striedajúce sa podľa princípu rýchlo – pomaly – rýchlo. Často prvá časť, najvýznamnejšia v cykle, obsahuje znaky sonatizmu, vyjadrené v porovnaní dvoch protikladných tém, prezentovaných v tonicko-dominantnom vzťahu. Návrat k hlavnej tónine nastáva na konci pohybu, ale bez tematických opakovaní.

Bortnyansky vlastní 35 koncertov pre 4-hlasný miešaný zbor, 10 koncertov pre 2 zbory, množstvo ďalších cirkevných spevov, ako aj svetské zbory, vrátane vlasteneckej zborovej piesne „Spevák v tábore ruských bojovníkov“ na text. V. A. Žukovskij (1812).

Jedno z hlbokých a zrelých diel majstra - Koncert č.32 , na vedomie P.I. Čajkovského ako „najlepší zo všetkých tridsiatich piatich“. Jeho text je prevzatý z 38. žalmu Biblie, ktorý obsahuje tieto riadky: „Povedz mi, Pane, môj koniec a počet mojich dní, aby som vedel, koľko mám rokov... Počuj, Pane , moja modlitba a počúvaj môj plač; nemlč k mojim slzám...“ Koncert má tri časti, no kontrast medzi nimi nie je. Hudba sa vyznačuje jednotou trúchlivo-elegickej nálady a celistvosťou tematických tém. Prvú časť otvára téma prezentovaná v troch častiach a pripomínajúca žalm XVII storočí. Druhá časť je krátkou epizódou prísnej zborovej skladby. Rozšírené finále, písané formou fúgy, veľkosťou presahuje prvé dve časti. V hudbe finále dominuje tichá, jemná zvučka, sprostredkujúca umierajúcu modlitbu človeka, ktorý odchádza z tohto života.

Zbierka ruských piesní

Pre celú vyspelú ruskú kultúru XVIII storočia sa vyznačuje hlbokým záujmom o spôsob života, morálku a zvyky ľudí. Začína sa systematický zber a štúdium ľudovej slovesnosti. Slávny spisovateľ Michail Dmitrievich Chulkov zostavuje prvú zbierku textov ľudových piesní v Rusku.

Prvýkrát boli vytvorené notové zápisy ľudových piesní a objavili sa tlačené zbierky s ich úpravami: Vasilij Fedorovič Trutovský („Zbierka ruských jednoduchých piesní s notami“), Nikolaj Alexandrovič Ľvov A Ivana Prachú („Zbierka ruských ľudových piesní s ich hlasmi“).

Zbierka Lvov-Pracha obsahuje 100 piesní, z ktorých mnohé sú klasickými príkladmi ruského folklóru: „Ach, ty, baldachýn, môj baldachýn“, „Na poli bola breza“, „V záhrade, v zeleninovej záhrade. “ V predslove k zbierke („O ruskom ľudovom speve“) N. Ľvov po prvý raz v Rusku poukázal na jedinečnú originalitu ruskej ľudovej zborovej polyfónie.

Piesne z týchto zbierok využívali ako milovníci hudby, tak aj skladatelia, ktorí si ich požičiavali pre svoje diela – opery, inštrumentálne variácie, symfonické predohry.

Do polovice XVIII storočia obsahuje unikátnu zbierku ruských eposov a historických piesní tzv "Kolekcia Kirsha Danilov" . Neexistujú žiadne spoľahlivé informácie o jeho kompilátore. Predpokladá sa, že Kirsha Danilov (Kirill Danilovitch) bola improvizujúca speváčka, bifľoška, ​​ktorá žila v baníckom Urale. Nápevy skladieb zapisoval do jedného riadku bez textu, ktorý je umiestnený samostatne.

Ruská národná skladateľská škola

Formácia v druhej polovici r XVIII storočia, prvý svetský v Rusku skladateľská škola. Jej narodenie bolo vyvrcholením ruského osvietenstva . Rodiskom školy bol Petrohrad, kde prekvital talent jej najbystrejších predstaviteľov. Medzi nimi sú zakladatelia ruskej opery V.A. Paškevič a E.I. Fomin, majster inštrumentálnej hudby I.E. Khandoshkin, vynikajúci tvorcovia klasického duchovného koncertu M.S. Berezovskij a D.S. Bortnyansky, tvorcovia komornej „Ruskej piesne“ O.A. Kozlovský a F.M. Dubyansky a ďalší.

Väčšina ruských skladateľov pochádzala z ľudového prostredia. Od detstva nasávali živý zvuk ruského folklóru. Bolo preto prirodzené a logické zaradiť ľudové piesne do ruskej opernej hudby (opery V. A. Paškeviča a E. I. Fomina) a do inštrumentálnych diel (diela I. E. Khandoškina).

Podľa tradície predchádzajúcich storočí sa vokálne žánre, svetské aj chrámové, najviac rozvinuli v dobe osvietenstva. Medzi nimi vyniká sakrálny zborový koncert, komická opera a komorná pieseň. Podobne ako vo folklóre, aj v týchto žánroch sa zachováva postoj k slovu ako prioritnému základu hudby. Za autora opery sa považuje libretista a za autora piesne básnik; Skladateľovo meno často zostávalo v tieni a časom sa naň zabudlo.

Ruská komická opera

Vznik národnej skladateľskej školy XVIII storočia úzko súvisel s rozvojom ruskej opery. Začalo to hudobnou komédiou, ktorá vznikla na motívy komediálnych diel ruských spisovateľov a básnikov: Y. Kňažnin, I. Krylov, M. Popov, A. Ablesimov, M. Matinskij.

Komická opera bola obsahovo každodenná, s jednoduchým, no fascinujúcim dejom z každodenného ruského života. Jeho hrdinami boli bystrí muži, nevoľníci, lakomí a chamtiví boháči, naivné a krásne dievčatá, zlí a láskaví šľachtici.

Dramaturgia bola založená na striedaní hovorených dialógov s hudobné čísla na základe Rusi ľudové piesne. Básnici v librete uviedli, na ktorý „hlas“ (populárna pieseň) sa má spievať konkrétna ária. Príkladom je najobľúbenejšia ruská opera XVIII storočí "The Miller je čarodejník, podvodník a dohadzovač" (1779) A. Ablesimova s ​​hudbou M. Sokolovského. Dramatik A. O. Ablesimov okamžite napísal svoje texty na základe konkrétneho piesňového materiálu. Prínosom M. Sokolovského bola úprava piesní, o ktorú sa pokojne mohol postarať aj iný hudobník (nie je náhoda, že autorstvo hudby bolo dlho pripisované E. Fominovi).

Rozkvet komickej opery uľahčil talent vynikajúcich ruských hercov - E.S. Yakovleva (v manželstve Sandunova, na javisku - Uranova), nevoľnícka herečka P.I. Kovaleva-Zhemchugova, I.A. Dmitrevskij.

Významná úloha vo vývoji ruskej opery XVIII hral po stáročia Vasilij Alekseevič Paškevič(asi 1742-1797) - jeden z najväčších ruských skladateľov XVIII storočí. Najlepšie z jeho opier („Nešťastie z koča“, „Lakomec“, „Petrohrad Gostiny Dvor“) boli veľmi obľúbené, až do pol. XIX storočí. Paškevič bol majstrom ansámblového písania a ostrých a trefných komediálnych postáv. Úspešne reprodukoval intonácie reči vo vokálnych častiach a predvídal princípy, ktoré budú neskôr charakterizovať tvorivú metódu Dargomyžského a Musorgského.

V opernej tvorbe sa ukázal ako multitalentovaný umelec. Evstigny Ipatievič Fomin(1761-1800). Jeho opera "Kočíri na tribúne" .(1787) vyniká majstrovským zvládnutím zborových úprav ľudových nápevov rôznych žánrov. Pre každú skladbu si našiel vlastný štýl spracovania. V opere sú doznievajúce piesne „Nie u otca spieva slávik“ a „Sokol letí vysoko“, temperamentné tanečné piesne „Na poli zúrila breza“, „Kliačik, kuriatko“, „Z pod. dub, spod brestu“. Niekoľko skladieb vybraných pre „The Coachmen“ o tri roky neskôr, takmer nezmenené, bolo zaradených do „Collection of Russian Folk Songs“ od N.L. Ľvová - I. Praha.

V ďalšom zo svojich diel – melodráme „Orfeus“ (na základe textu Ja. Kňažnina na základe antického mýtu, 1792) – Fomin prvýkrát v ruskej opere stelesnil tragickú tému. Hudba melodrámy sa stala jedným z vrcholných výtvorov ruského umenia osvietenstva.

V predohre predchádzajúcej melodráme sa naplno prejavil Fominov symfonický talent. V ňom sa skladateľovi s úžasným zmyslom pre štýl podarilo sprostredkovať tragický pátos antického mýtu. Fomin v podstate urobil prvý krok k vytvoreniu ruského symfonizmu. Tak sa v hĺbke divadla, ako to bolo v západnej Európe, zrodila budúca ruská symfónia.

Fominove opery boli ocenené až v polovici XX storočí. Za skladateľovho života ich javiskový osud nebol šťastný. Opera „Koči na stojáka“ napísaná pre domáce kino zostala širokej verejnosti neznáma. Produkcia komickej opery „Američania“ (s libretom mladého I.A. Krylova) bola zakázaná (riaditeľovi cisárskych divadiel sa nepáčilo, že počas vývoja zápletky Indiáni upálili dvoch Európanov) .

Domáce vokálne texty

Zrod novej vrstvy folklóru - mestské piesne Vznikla na základe ľudovej sedliackej piesne, ktorá sa „prispôsobila“ mestskému životu – nový spôsob prednesu: jej melódiu sprevádzal akordický sprievod nejakého nástroja.

V polovici XVIII storočí v Rusku vzniká nový typ vokálnej hudby - "ruská pieseň" . Tak sa nazývajú diela pre hlas s inštrumentálnym sprievodom napísané na ruské poetické texty. Obsahom „ruských piesní“ boli predchodcovia ruskej romantiky.

Zakladateľom „ruskej piesne“ bol významný hodnostár na Katarínskom dvore II , vzdelaný milovník hudby Grigorij Nikolajevič Teplov , autor prvého ruského tlačeného spevníka „Medzi obchodom, nečinnosťou...“ (1759) Teplovove piesne predstavujú štýlom a spôsobom podania prechodný žáner od spevu k romantike so sprievodom. Forma jeho piesní je väčšinou veršovaná.

Žáner „ruskej piesne“ bol úzko spätý s folklórnou tradíciou. Nie je preto prekvapujúce, že mnohé pôvodné piesne sa stali ľudovými („Tu sa ponáhľa poštová trojka“ od Ivana Rupina na texty F.N. Glinku).

Koncom XVIII storočia sa objavujú talentovaní majstri komorného vokálneho žánru - Fedor Dubjanskij A Osip Kozlovský . Za prvé ruské romance možno považovať „ruské piesne“, ktoré vytvorili a ktoré už majú dosť rozvinutý klavírny part a zložitejšiu formu. Jasne sú v nich počuť ozveny mestského života („Sivá holubica stoná“ od Dubyanského, „Darling sedel večer“, „Krutý osud“ od Kozlovského).

„Ruské piesne“ široko používané básne slávnych básnikov: Sumarokov, Derzhavin, Dmitriev, Neledinsky-Meletsky. Svojím figurálnym obsahom sa spájajú s typickými náladami umenia sentimentalizmu. Spravidla ide o ľúbostné texty: muky a radosti lásky, odlúčenia, zrady a žiarlivosti, „krutej vášne“.

Veľmi obľúbené boli aj anonymné „Ruské piesne“, ktoré vydal F. Meyer („Zbierka najlepších ruských piesní“, 1781).

Komorná inštrumentálna hudba

V 70-80 rokoch XVIII storočia sa v Rusku začalo formovanie profesionálneho komorného inštrumentalizmu. V súčasnosti ruskí hudobníci ovládajú zložité formy inštrumentálnej hudby, rozvíjajú žánre sólových sonát, variácií a komorných súborov. Tento proces úzko súvisel s rozsiahlym rozšírením domáceho hrania hudby. Hudba mestského či panského života zostala dlho „živným médiom“, v ktorom dozrievali rané výhonky národného inštrumentálneho štýlu.

Prvé ruské inštrumentálne súbory patrili Dmitrijovi Bortňanskému. Ide o klavírne kvinteto a „Komornú symfóniu“, čo je vlastne septeto pre klavír, harfu, dvoje husle, violu da gamba, fagot a violončelo.

Obľúbené boli najmä všetky druhy tanečných skladieb – menuety, polonézy, ecosses, country tance – a variácie na témy ľudových piesní pre rôzne nástroje. Pre husle vytvoril veľa takýchto variácií Ivan Evstafievič Khandoshkin (1747-1804), predstaviteľ petrohradskej školy - skladateľ, vynikajúci virtuózny huslista, dirigent a pedagóg Khandoshkin sa preslávil umením improvizácie, dobre hral aj na viole, gitare a balalajke.

V histórii ruskej hudby je meno Khandoshkin spojené s vytvorením národnej husľovej školy. Väčšinu jeho tvorivého dedičstva tvoria variácie na témy ruských ľudových piesní a sonáty pre husle, dvoje husle, husle a violu alebo husle a bas S týmito dielami sa ruská komorná inštrumentálna hudba prvýkrát vynorila z blízkeho kruhu domova muzicírovanie, nadobúdanie virtuózneho rozsahu. Je tiež dôležité, že dosiahli pomerne organickú jednotu európskeho inštrumentálneho jazyka a ruského folklóru. Vedci sa domnievajú, že melódie niektorých piesní, ktoré si skladateľ zobral ako námety pre variácie, prvýkrát nahral on sám.

Variácie na ruské témy pre klavír napísal Trutovský (napríklad na tému ľudovej piesne „V malom lese bolo veľa komárov“), Karaulov, ako aj zahraniční hudobníci, ktorí pôsobili v Rusku.

Úloha zahraničných hudobníkov vo vývoji ruskej hudby bola dvojaká. Spravodlivé výčitky pokrokovej verejnosti spôsobil slepý obdiv aristokratických kruhov ku všetkému cudziemu, spojený s podceňovaním ruského umenia. Činnosť zahraničných skladateľov, interpretov a pedagógov zároveň prispela k všeobecnému vzostupu hudobnej kultúry a výchove domácich profesionálnych hudobníkov.

Osud jeho tvorivého odkazu je dramatický: väčšina skladateľových diel, uvádzaných počas 19. storočia, zostala v rukopise a bola uložená v Dvorskej kaplnke. V prvých desaťročiach XX storočia zhorel celý bohatý archív kaplnky s unikátnymi autogramami mnohých ruských skladateľov.

Úspech a uznanie, záštita najvyšších osôb prišla do Berezovského skoro. Keďže sa už v mladom veku preslávil v Rusku, čoskoro sa stal prvým ruským skladateľom prijatým za člena slávnej akadémie v Bologni. Napriek všetkým vysokým rozdielom však Maxim Berezovskij po návrate do svojej vlasti po 9-ročnom pobyte v zahraničí nedokázal dosiahnuť žiadne viditeľné postavenie. Jeho prijatie do Dvorskej kaplnky na skromné ​​miesto radového zamestnanca zjavne nezodpovedalo ani získaným zahraničným skúsenostiam, ani jeho tvorivým schopnostiam. Zrejme to spôsobilo skladateľovi pocit trpkého sklamania, hoci jeho zborové duchovné diela sa naučili všetci milovníci cirkevného spevu a jeho súčasníci ich vysoko oceňovali. kaplnka, vojaci a poddaní orchestre, súkromné ​​divadlá, alebo získali domáce vzdelanie. V kultúrnom prostredí XVIII storočia mala hudba najnižšie postavenie, úplne závisela od mecenášstva umenia a samotný hudobník v šľachtickej spoločnosti zastával pozíciu polosluhu. Diela ruských autorov boli často považované za „druhotriednu“ hudbu v porovnaní s dielami Nemcov či Talianov. Ani jeden domáci majster nedosiahol vysoké postavenie na dvore.

Chytrý a prefíkaný mlynár Tadeáš, ktorý sa tváril ako všemocný čarodejník, úplne oklamal svojich prostoduchých susedov. Všetko sa však končí veselou svadbou dievčaťa Anyuty a dedinského fešáka Filimona.

Na poštovej stanici – základni – sa schádzajú furmani. Medzi nimi je aj mladý kočiš Timofey, ktorý mal úspech v tvári, mysli a šikovnosti. S ním je jeho mladá krásna manželka Fadeevna, ktorá miluje svojho manžela. Timofey má ale závistlivého muža a jeho najhoršieho nepriateľa – zlodeja a darebáka Filka Prolazu. Tento Filka sníva o tom, že predá šťastného Timofeyho ako regrút a zmocní sa jeho manželky, ktorá už dlho priťahuje jeho pozornosť. A Timofey by bol vojakom, keby nie okoloidúceho dôstojníka. Pomáha oslobodiť Timofeyho ako jediného živiteľa roľníckej rodiny zo služby. Sám Filka končí medzi vojakmi.

Melodráma je divadelná hra s hudbou, ktorá sa strieda s recitáciou a niekedy sa hrá súčasne s recitáciou textu.