Hudobná kultúra renesancie. Hudobná výchova v renesančnom hudobnom umení vrcholnej renesancie

Renesancia alebo renesancia je obdobie kultúrnych dejín západnej a strednej Európy, ktoré trvá približne XIV-XVI storočia. Toto obdobie dostalo svoj názov v súvislosti s oživením záujmu o antické umenie, ktoré sa stalo ideálom kultúrnych osobností modernej doby. Skladatelia a hudobní teoretici - J. Tinktoris, G. Tsarlino a ďalší - študovali starogrécke hudobné traktáty; v dielach Josquina Despresa, ktorý bol prirovnávaný k Michelangelovi, sa podľa súčasníkov „oživila stratená dokonalosť hudby starých Grékov“: ktorá sa objavila koncom 16. a začiatkom 17. storočia. opera sa riadila zákonitosťami antickej drámy.

Hodiny hudobnej teórie. Z rytiny zo 16. storočia.

J. P. Palestrina.

Rozvoj renesančnej kultúry je spojený so vzostupom všetkých aspektov spoločnosti. Zrodil sa nový svetonázor - humanizmus (z latinského humanus - „humánny“). Emancipácia tvorivých síl viedla k prudkému rozvoju vedy, obchodu, remesiel a v ekonomike sa formovali nové, kapitalistické vzťahy. Vynález tlače prispel k rozšíreniu vzdelanosti. Veľké geografické objavy a heliocentrický systém sveta N. Kopernika zmenili predstavy o Zemi a Vesmíre.

Výtvarné umenie, architektúra a literatúra dosiahli nebývalý rozkvet. Nový postoj sa premietol do hudby a zmenil jej vzhľad. Postupne sa odkláňa od noriem stredovekého kánonu, štýl sa individualizuje a po prvýkrát sa objavuje samotný pojem „skladateľ“. Mení sa textúra diel, zvyšuje sa počet hlasov na štyri, šesť i viac (známy je napr. 36-hlasný kánon pripisovaný najväčšiemu predstaviteľovi holandskej školy J. Occkeghemovi). V harmónii dominujú spoluhláskové konsonancie, používanie disonancií je prísne obmedzené špeciálnymi pravidlami (pozri Konsonancia a disonancia). Formujú sa durové a molové módy a hodinový systém rytmov charakteristický pre neskoršiu hudbu.

Všetky tieto nové prostriedky použili skladatelia na vyjadrenie osobitnej štruktúry pocitov renesančného človeka - vznešené, harmonické, pokojné a majestátne. Spojenie medzi textom a hudbou sa zužuje, hudba začína sprostredkovať náladu, alebo, ako sa vtedy hovorilo, afekty jednotlivých slov, ako „život“, „smrť“, „láska“ atď často ilustrované špeciálnymi hudobnými prostriedkami.

Hudba renesancie sa rozvíjala dvoma smermi – cirkevným a svetským. Hlavnými žánrami cirkevnej hudby sú omša a moteto - viachlasné viachlasné diela pre zbor, bez sprievodu alebo s inštrumentálnym súborom (pozri Zborová hudba, Polyfónia). Spomedzi nástrojov dostal prednosť organ.

Rozvoju svetskej hudby napomohol rast amatérskeho muzicírovania. Hudba znela všade: na uliciach, v domoch občanov, v palácoch šľachtických šľachticov. Prví koncertní virtuózni interpreti sa objavili na lutne, čembale, organe, viole a rôznych typoch pozdĺžnych píšťal. Vo viachlasných piesňach (madrigal v Taliansku, šansón vo Francúzsku) skladatelia hovorili o láske a všetkom, čo sa v živote deje. Tu sú názvy niektorých skladieb: „Stag Hunt“, „Echo“, „Battle of Marignano“.

V XV-XVI storočia. Význam tanečného umenia narastá, objavujú sa početné pojednania a praktické príručky o choreografiách, zbierky tanečnej hudby, ktoré zahŕňajú vtedajšie populárne tance - basový tanec, branle, pavane, galliard.

V období renesancie vznikali národné hudobné školy. Najväčšou z nich je holandská (francúzsko-flámska) polyfonická škola. Jej predstaviteľmi sú G. Dufay, C. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Depres, O. Lasso. Medzi ďalšie národné školy patrí taliančina (J.P. Palestrina), španielčina (T.L. de Victoria), angličtina (W. Bird) a nemčina (L. Senfl).

Renesancia končí vznikom nových hudobných žánrov: sólová pieseň, oratórium, opera, ktorých skutočný rozkvet prichádza v nasledujúcom storočí (pozri západoeurópska hudba 17.-20. storočia).

Renesančná hudba

1.Hudba znela všade: na uliciach a námestiach, v domoch občanov, v palácoch šľachtických šľachticov a kráľov. Hudba bola spolu s gramatikou, rétorikou a poéziou súčasťou takzvaných „humánnych vied“.

Popredné miesto stále zaujímala sakrálna hudba, znejúca počas bohoslužieb.

Postupne začínajú prenikať diela cirkevných skladateľov sekulárne trendy. Do viachlasného tkaniva cirkevných spevov sa odvážne vnášajú témy ľudových piesní, ktoré nie sú obsahovo vôbec náboženské. Ale teraz to nebolo v rozpore so všeobecným duchom a náladou éry. Naopak, hudba úžasne spájala božské a ľudské.

2. Duchovná hudba dosiahla najväčší rozkvet v 15. storočí. v Holandsku.

Tu bola hudba uctievaná viac ako iné formy umenia. Holandskí a flámski skladatelia ako prví vyvinuli nové pravidlá polyfónne (polyfónne) predstavenie - klasické "prísny štýl"

Najdôležitejšou kompozičnou technikou holandských majstrov bola imitácia - opakovanie tej istej melódie rôznymi hlasmi. Vedúci hlas bol tenor, ktorému bola zverená hlavná opakovacia melódia.

3. Začala sa renesancia profesionálne skladanie

Holanďanská hudba Orlando Lasso(1532-1594), spája improvizáciu a dokonalú logiku.

Do svojho obľúbeného žánru motet zaviedol mnoho inovatívnych techník.

On je ten, kto sa pokúsil ovládnuť žánru vášne. Lasso vytvoril vášne pre všetky štyri evanjeliá. Chýbal im sólový spev a cestu k žánru operného umenia im otvoril päťhlasý zbor. Jedným zo skladateľových hudobných majstrovských diel bol pieseň "Echo".

4. Giovanni Pierluigi Palestrina(1525-1594)

Je označovaný za posledného veľkého polyfonistu. Pôsobil v Bazilike svätého Petra v Ríme a bol oficiálnym pápežským skladateľom. Jeho umenie je bez zmyselných vášní, plné harmónie a krásy.

Je najjasnejším predstaviteľom klasickej hudobnej školy v Taliansku.

Jeho pozostalosť pozostáva z mnohých diel sakrálnej a svetskej hudby: 93 omší, 326 hymnov a motét.

5. B Nemecko relevantné boli diela sakrálnej hudby v rodnom jazyku. Sám Martin Luther písal chorály určené pre celú náboženskú obec. Ich jednoduché melódie si medzi ľuďmi získali obľubu a profesionálni skladatelia z nich následne robili polyfónne úpravy. (J.S.Bach)

Boli tiež populárne Žánre polyfónnej miniatúry:

dirigent, moteto.

Mohli zadávať texty vo svojom rodnom jazyku.

Zborový spev bol najpopulárnejším druhom muzicírovania.

6. Začali sa objavovať svetské zborové žánre:

Ballat A(tanečná pieseň),

Šansón (polyfónna pieseň)

a taliansky madrigal.

7. Najpopulárnejším žánrom sekulárnej hudby sa stal madrigaly(taliansky madrigale - pieseň v rodnom jazyku) - viachlasné zborové diela písané na text lyrickej básne ľúbostného obsahu.

Najčastejšie sa na tento účel používali básne slávnych majstrov: Dante, Francesco Petrarca a Torquato Tasso. Madrigaly predviedli nie profesionálni speváci, ale celý súbor ochotníkov, pričom každú časť viedol jeden spevák. Hlavnou náladou madrigalu je smútok, melanchólia a melanchólia, ale nechýbali ani radostné, živé kompozície.

Madrigalžil v rokoch 1520-1620. Myšlienka madrigalu bola pre renesanciu revolučná, pretože... dal za úlohu preložiť básnický text do hudby. Preto madrigal možno zhruba nazvať romantikou zo 16. storočia.

8. Nemenej obľúbeným žánrom svetskej hudby bol pieseň v sprievode hudobných nástrojov. Na rozdiel od hudby hranej v kostole boli piesne v prevedení celkom jednoduché. Ich rýmovaný text bol prehľadne rozdelený do 4-6 riadkových strof. V piesňach, podobne ako v madrigaloch, nadobudol veľký význam text. Pri prevedení by sa poetické linky nemali stratiť vo viachlasnom speve.

Známe boli najmä piesne francúzskeho skladateľa Clémenta Janequina (1485-1558), ktorý sa preslávil schopnosťou reprodukovať v hudbe hlasy živej prírody.

9. V druhej polovici 16. storočia búrlivá rozvoj inštrumentalizmu. Rodiny sláčikových a dychových nástrojov sa rozrastajú, rozširuje sa ich sortiment, rozširuje sa svetská i domáca hudba.

Objavte sa nové inštrumentálne žánre:

predohra ( pred hrou) – úvodná skladba

ricercar (skvelý kúsok) – polyfónne písanie,

canzone (pieseň bez slov) – predchodca fúgy.

10 . Je potrebné verejné predvádzanie hudby.

Vytvára sa koncert.

Prvýkrát sa objavuje v Londýne – platený av Benátkach – dotovaný mestským magistrátom.

Renesancia končí vznikom nových hudobných žánrov: sólovej piesne, oratória a opery.

Ak bol skôr centrom hudobnej kultúry chrám, od tej doby začala v opere znieť hudba.

Rozvoju hudby uľahčila vynález hudobnej tlače.

Estetika renesancie je spojená s grandióznou revolúciou, ktorá sa v tejto dobe odohráva vo všetkých oblastiach spoločenského života: v ekonomike, ideológii, kultúre, vede a filozofii. Tento čas znamená rozkvet mestskej kultúry, veľké geografické objavy, ktoré nesmierne rozšírili ľudské obzory, a prechod od remesiel k výrobe.

Revolučný rozvoj výrobných síl, rozpad feudálnych triednych a cechových vzťahov, ktoré spútavali výrobu, vedú k oslobodeniu jednotlivca, vytvárajúc podmienky pre jeho slobodný a univerzálny rozvoj. Niet pochýb, že toto všetko nemohlo ovplyvniť povahu svetonázoru. V období renesancie prebieha proces radikálneho rozvratu stredovekého systému názorov na svet a formovanie novej, humanistickej ideológie. Tento proces sa odráža aj v hudobnej estetike. Už 14. storočie v sebe skrývalo symptómy prebúdzania sa nového estetického svetonázoru. Umenie a estetika Ars nova, traktáty Jána de Grogea a Marchetta z Padovy postupne podkopali tradičný systém stredovekej hudobnej teórie. Tu bol podkopaný teologický pohľad na hudbu, založený na poznaní nejakej zmyslami nepostrehnuteľnej nebeskej hudby. Stáročná tradícia stredovekej hudobnej teórie však nebola úplne zničená. Trvalo ďalšie storočie, kým sa hudobná estetika konečne oslobodila od tradičných vzorov, ktoré ju spájali.

Hudobná estetika renesancie pri interpretácii otázky účelu hudby vychádza z reálnej praxe, vyznačujúcej sa mimoriadnym rozvojom hudby vo verejnom živote. V tom čase vznikli v mestách Talianska, Francúzska a Nemecka stovky hudobných krúžkov, v ktorých sa nadšene venujú kompozícii alebo hre na rôzne hudobné nástroje. Vlastníctvo a znalosť hudby sa stávajú nevyhnutnými prvkami sekulárnej kultúry a svetského vzdelávania. Slávny taliansky spisovateľ Baldasare Castiglione vo svojom pojednaní „O dvorníkovi“ (1518) píše, že človek nemôže byť dvoranom, „ak nie je hudobníkom, nedokáže zrakom čítať noty a nevie nič o rôznych nástrojoch“. O mimoriadnej rozšírenosti hudby v civilnom živote 16. storočia svedčí maliarstvo tejto doby. Na početných obrazoch zobrazujúcich súkromný život šľachty neustále stretávame stovky ľudí, ktorí sa venujú hudbe: spievajú, hrajú, tancujú, improvizujú atď.

Renesančná kultúra prvýkrát vznikla a rozvíjala sa v Taliansku. Storočia renesancie sa tu vyznačujú silným rozvojom ľudovej poézie a hudby, pričom hlavnú úlohu zohrávajú najbohatšie tradície písania piesní v takých žánroch ako lauda, ​​​​frottola, villanelle. Nemenej obľúbeným žánrom v každodennom mestskom muzicírovaní bola kachchia, ktorá zvyčajne zobrazovala bohatú žánrovú scénu pomocou bežných intonácií v texte a hudbe - až po výkriky kramárov a predajcov. Caccia bola často sprevádzaná kruhovým okrúhlym tancom. Talianska balada je tiež bežným žánrom piesňových a tanečných textov spojených so sólovým zborovým vystúpením (vo Francúzsku mal v tom čase žáner virele podobné črty). Intonácie ľudových piesní, istá váha melodického začiatku, nápaditosť textúry – tieto kvality svetskej každodennej hudby prenikajú aj do sakrálnej hudby, až po polyfónne omše.

Melodickosť hudby bola spôsobená tým, že v Taliansku sa pomerne rýchlo vyvinuli tradície sólovej a súborovej hudby na sláčikových nástrojoch. Vo všeobecnosti široké rozšírenie inštrumentálnej hudby prispelo k vytvoreniu homofónnej štruktúry a funkčnej harmónie.

Predtým, ako sa husle objavili v hudobných kruhoch Talianska (v poslednej štvrtine 16. storočia) a začala sa rozvíjať výroba huslí cremonských majstrov Amati, Stradivari, Guarneri a i., lutna (najznámejším skladateľom-lutnistom bol Francesco Milano), viola a španielska gitara boli obzvlášť populárne, theorbo (veľká basová lutna).

Husľová zručnosť sa prvýkrát formovala v dielach B. Donatiho, L. Viadana, G. Giacomelliho (preslávil sa majstrovstvom predĺženého sláčika a techniky legata). Nový krok vo vývoji husľového prejavu je spojený s tvorbou C. Monteverdiho, ktorý rozvíja techniku ​​pasáže, používa tremolo, pizzicato a dynamiku obohacuje o polárne kontrasty pp a ff.

Veľké oživenie nastalo v oblasti hry na organe a čembale. Od 40-tych rokov V 16. storočí sa počet organových zbierok prudko zvýšil, objavila sa celá plejáda vynikajúcich organistov - Villaert, Andrea a Giovanni Gabrieli, Claudio Merulo, Cavazzoni. Títo majstri položili základy talianskeho organového umenia a vytvorili žánre inštrumentálnej hudby – ricercar, canzone, toccata.

Hra na čembale široko využíva každodenné tance a úpravy populárnych svetských piesní. Vynikajúcim skladateľom-improvizátorom na organe a klavíri bol Girolamo Frescobaldi, ktorého tvorba zahŕňala celé zbierky čembalovej hudby – tanečné cykly.

Skladateľskú školu Talianska reprezentujú aj aktivity profesionálnych skladateľov-polyfonistov – Adriana Villaerta a jeho žiakov Ciprian de Rore, Andrea a Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina. Ich tvorivé dedičstvo je rôznorodé a tvoria ho najmä vokálne viachlasé diela - desiatky omší, duchovné i svetské madrigaly, motetá, ktoré predniesol najmä a capella zbor.

Silný rozvoj polyfónie v Holandsku sa vysvetľuje bohatstvom ľudovej polyfónie a prítomnosťou špeciálnych škôl-ubytovní pre spevákov (metriz) v katedrálach bohatých holandských miest.

K holandskej polyfónnej škole patrilo niekoľko generácií skladateľov. Ich aktivity sa odohrávali nielen v Holandsku, ktoré v tom čase pokrývalo územia moderného Belgicka, Luxemburska, juhozápadného Holandska a severného Francúzska (odtiaľ iný názov školy - franko-flámska). Významní predstavitelia holandskej školy plodne pôsobili v Ríme (Dufay, Obrecht, Josquin) a ďalších mestách (Villaert, Rore - v Benátkach, Isaac - v Rakúsku a Nemecku, Benchois - v Dijone na burgundskom dvore).

Holandská škola zhrnula stáročný vývoj polyfónie vo všetkých európskych krajinách. Hoci cirkevná hudba nepochybne zaujímala popredné miesto v tvorbe týchto majstrov, predsa

menej, spolu s duchovnými dielami, skladatelia napísali mnoho svetských polyfónnych piesní, ktoré odrážali bohatý svet myšlienok a pocitov charakteristický pre renesanciu.

Najmonumentálnejším žánrom kreativity holandských polyfonistov bola omša, v ktorej sa vyskytovala kvintesencia princípov prísnej štýlovej polyfónie. Práca každého majstra však odhaľuje inovatívne črty spojené s hľadaním prekročenia zaužívaných výrazových kánonov. Spoliehanie sa na existujúci piesňový a tanečný materiál, vzájomné ovplyvňovanie duchovných a svetských žánrov vedie k postupnému vzniku melodického hlasu v polyfónii, k formovaniu akordového vertikálneho a funkčného myslenia.

Vrcholným úspechom holandskej polyfónie v 16. storočí bolo dielo Orlanda Lassu. Práve v jeho tvorbe sa sústreďovali najširšie žánrové záujmy renesancie: vzdal hold takmer všetkým vokálnym formám svojej doby – madrigalu, omši, motetu, francúzskemu šansónu a dokonca aj nemeckej viachlasnej piesni. Skladateľove diela sú plné životne pravdivých obrazov, majú jasnú melódiu, reliéfny pestrý rytmus, dôsledne rozvinutý harmonický plán, čo im zabezpečilo mimoriadnu obľubu (opakovane ich používali aj iní skladatelia pre lutnové a organové úpravy).

Rozvoj renesančných trendov a formovanie francúzskej národnej kultúry sa začalo už v 14. storočí. Významnými predstaviteľmi umenia ranej renesancie vo francúzskej hudbe boli Philippe de Vitry a Guillaume de Machaut, ktorí zanechali veľké dedičstvo v žánroch virele, le a rondeau balady.

Žáner šansónu, ktorý je viachlasnou formou piesne so svetským textom a zvyčajne ľudovými melódiami, bol hlboko vitálny a realistický. Práve v tomto žánri sa najzreteľnejšie prejavili nové renesančné črty v obsahu, zápletke a črtách výrazových prostriedkov.

Francúzsky šansón 15.-16. storočia je akousi „encyklopédiou“ francúzskeho života tej doby. Jej obsah je pestrý a môže byť výpravný, lyrický, intímny, smutný, komický, popisný, galantný. Charakteristická je aj rôznorodosť ich mierok – od niekoľkých taktov až po 42 strán.

Jednoduchosť a spontánnosť výrazových prostriedkov, periodická štruktúra so špecifickými zakončeniami na D a T, technika prednesu, ktorý potom preberá celý ansámbel, sú typickými znakmi žánru, ktorého hudba miestami pripomína ľudový tanec, lyricko-epická melódia alebo energická pouličná mestská pieseň - prototyp budúceho vaudevillu. Šansónová hudba sa vyznačuje dôrazom na rytmický základ, niekedy sa vyznačuje veršovou štruktúrou alebo kruhovým rondovým tvarom môžu byť použité na doprovod;

Najvýraznejším skladateľom francúzskej renesancie bol Clement Janequin, ktorého tvorba odrážala jemné ľúbostné texty (v piesňach na texty básnika Ronsarda), vyjadrenia nálad smútku a smútku a scény ľudovej zábavy plné života a pohybu. V jeho pozostalosti pútajú osobitnú pozornosť veľké zborové fantazijné piesne programového charakteru, plné vynaliezavosti a vtipných objavov v oblasti zborovej tvorby. Janequin v nich farbisto zobrazil život a spôsob života svojej doby. Najznámejšie sú „Battle“, „Lov“, „Vtáčí spev“, „Street Shouts of Paris“.

Okrem viac ako 200 skladieb napísal Janequin motetá a omše. Ale aj v oblasti hudby pre katolícke bohoslužby smelo využíva ľudové melódie, intonuje duchovné texty do fanfár vojenskej hudby a uvádza tanečné rytmy.

Takéto zaobchádzanie s ľudovou piesňou a tanečným materiálom bolo do značnej miery charakteristické pre mnohých renesančných skladateľov, ktorí vo svojej tvorbe spájali záujem o duchovné a svetské žánre, čo viedlo k definitívnemu vyčleneniu svetskej hudby do oblasti umeleckej nezávislosti a profesionality. .

Hudba v období XV-XVII storočia.

V stredoveku bola hudba výsadou cirkvi, preto bola väčšina hudobných diel sakrálna, založená na cirkevných spevoch (gregoriánsky chorál), ktoré boli súčasťou náboženstva už od počiatkov kresťanstva. Začiatkom 6. storočia boli kultové spevy za priamej účasti pápeža Gregora I. definitívne kanonizované. Gregoriánsky chorál predviedli profesionálni speváci. Po rozvoji polyfónie v cirkevnej hudbe zostal gregoriánsky chorál tematickým základom viachlasných náboženských diel (omše, motetá a pod.).

Po stredoveku nasledovala renesancia, ktorá bola pre hudobníkov obdobím objavov, inovácií a výskumov, obdobím renesancie všetkých vrstiev kultúrnych a vedeckých prejavov života od hudby a maliarstva až po astronómiu a matematiku.

Hoci hudba zostala prevažne náboženská, oslabenie cirkevnej kontroly nad spoločnosťou otvorilo skladateľom a interpretom väčšiu slobodu prejaviť svoj talent.

S vynálezom tlačiarenského lisu bolo možné tlačiť a distribuovať noty a od toho momentu sa začalo to, čo nazývame klasická hudba.

V tomto období sa objavili nové hudobné nástroje. Najobľúbenejšie nástroje boli tie, na ktorých mohli milovníci hudby hrať ľahko a jednoducho, bez toho, aby si vyžadovali špeciálne zručnosti.

V tom čase sa objavila viola, predchodca huslí. Vďaka pražcom (drevené pásiky cez krk) sa hralo ľahko a jeho zvuk bol tichý, jemný a dobre znel aj v malých sálach.

Obľúbené boli aj dychové nástroje – zobcová flauta, flauta a lesný roh. Najkomplexnejšia hudba bola napísaná pre novovytvorené čembalo, virginel (anglické čembalo, vyznačujúce sa malými rozmermi) a organ. Hudobníci zároveň nezabudli skladať jednoduchšiu hudbu, ktorá si nevyžadovala vysoké interpretačné schopnosti. Zároveň nastali zmeny v hudobnom písaní: ťažké drevené štočky nahradili pohyblivé kovové typy, ktoré vynašiel Talian Ottaviano Petrucci. Vydané hudobné diela sa rýchlo vypredali a do hudby sa začalo zapájať stále viac ľudí.

Musíte vidieť: Hlavné udalosti v histórii klasickej hudby v Taliansku.

V hudobnej kultúre renesancie možno identifikovať niekoľko definujúcich inovatívnych čŕt.

Po prvé, rýchly rozvoj svetského umenia, ktorý sa prejavil v rozšírenom šírení mnohých svetských piesňových a tanečných žánrov. Toto sú talianskefrottola („ľudové piesne, od slová frottola - dav), villanelles ("dedinské piesne")Caccia , canzone (doslova - piesne) a madrigaly, španielčinaVillancico (z vily - dediny), francúzske šansónové piesne, nemKlamal , angličtina balady a ďalšie. Všetky tieto žánre, ospevujúce radosť z bytia, zaujímajúce sa o vnútorný svet človeka, usilujúce sa o pravdu života, priamo odrážali čisto renesančný svetonázor. Ich výrazové prostriedky sa vyznačujú rozšíreným používaním intonácií a rytmov ľudovej hudby.

Vyvrcholenie sekulárnej línie v umení renesancie -madrigal . Názov žánru znamená „pieseň v materinskom (čiže talianskom) jazyku“. Zdôrazňuje rozdiel medzi madrigalom a posvätnou hudbou v latinčine. Vývoj žánru prešiel od jednoduchej jednohlasnej pastierskej piesne k 5-6-hlasnému vokálno-inštrumentálnemu dielu s prepracovaným lyrickým textom. Medzi básnikov, ktorí sa obrátili k madrigalovému žánru, patria Petrarca, Boccaccio, Tasso. Pozoruhodnými majstrami madrigalu boli skladatelia A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi. Madrigal pochádza z Talianska a rýchlo sa rozšíril do ďalších západoeurópskych krajín.

Francúzska odroda viachlasnej piesne je tzvšansón . Od madrigalu sa odlišuje väčšou blízkosťou k reálnemu, každodennému životu, teda žánrovosťou. Medzi tvorcami šansónu -Clément Jeannequin , jeden z najznámejších francúzskych skladateľov renesancie.

Po druhé, najvyšší rozkvet zborovej polyfónie, ktorá sa stala vedúcim hudobným štýlom tej doby. Majestátny a zvučný, dokonale ladil so slávnostnosťou bohoslužby. Polyfónna polyfónia bola zároveň dominantnou formou prejavu nielen v duchovných žánroch, ale aj vo svetských.

Rozvoj zborovej polyfónie bol spojený predovšetkým s tvorbou skladateľov holandskej (francúzsko-flámskej) školy: Guillaume Dufay, Johannes Occkeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

Orlando Lasso (asi 1532-1594) pôsobil v mnohých európskych krajinách. Jeho talent, skutočne fenomenálny, uchvátil a potešil každého. Všetky hudobné žánre renesancie sú zastúpené v obrovskej kreativite Orlanda Lassu (s prevahou svetskej hudby nad sakrálnou). Medzi jeho najobľúbenejšie diela patrí „Echo“, napísané v žánri talianskej každodennej piesne. Dielo je založené na farebnom juxtapozícii dvoch zborov, čím vzniká efekt ozveny. Jej text patrí samotnému skladateľovi.

Spolu s Orlandom Lassom bol najväčším predstaviteľom vrcholnej renesancie v hudbe TalianPalestrina (celým menom Giovanni Pierluigi da Palestrina, cca 1525-1594). Väčšinu života Palestrina strávil v Ríme, kde bol neustále spájaný s prácou v cirkvi, najmä viedol kaplnku katedrály sv. Petra. Prevažnú časť jeho hudby tvoria sakrálne diela, predovšetkým omše (je ich viac ako stovka, medzi ktorými vyniká slávna „omša pápeža Marcella“) a motetá. Palestrina však ochotne komponoval aj svetskú hudbu – madrigaly, canzonettas. Palestrinove diela pre zbor a sarrellasa stal klasickým príkladom renesančnej polyfónie.

Dielo polyfonických skladateľov hralo vedúcu úlohu vo vývoji hlavného hudobného žánru renesancie -omši . Vzniká v stredoveku, žáner omše vXIV- XVIstoročia sa rýchlo transformuje a prechádza od ukážok prezentovaných v samostatných, nesúrodých častiach k dielam harmonickej cyklickej formy.

V závislosti od cirkevného kalendára boli niektoré časti hudby omše vynechané a iné časti boli vložené. Existuje päť povinných častí, ktoré sú neustále prítomné pri bohoslužbách. INja A V - « Kyrieeleison» („Pane zmiluj sa“) a« AgnusDei» (« Baránok Boží") - bola vyjadrená prosba o odpustenie a odpustenie. InII A IV - « Gloria"("Sláva") a " Sanctus» (« Svätý") - chvála a vďačnosť. V centrálnej časti „Credo» (« Verím“), vytýčil základné princípy kresťanskej doktríny.

Po tretie, rastúca úloha inštrumentálnej hudby (s jasnou prevahou vokálnych žánrov). Ak európsky stredovek nepoznal takmer žiadny profesionálny inštrumentalizmus, tak v renesancii vzniklo množstvo diel pre lutnu (najčastejší hudobný nástroj tej doby), organ, violu, vihuelu, panenské a pozdĺžne flauty. Stále sa riadia vokálnymi vzormi, ale ich záujem o inštrumentálnu hru je už stanovený.

Po štvrté, počas renesancie sa aktívne formovali národné hudobné školy (holandskí polyfonisti, anglickí virginalisti, španielski vihuelisti a iní), ktorých tvorivosť vychádzala z folklóru ich krajiny.

Napokon, hudobná teória urobila veľké kroky vpred a predložila množstvo pozoruhodných teoretikov. Toto je francúzštinaPhilippe de Vitry , autor traktátu" Arsnova» (« Nové umenie“, kde je uvedené teoretické zdôvodnenie nového polyfónneho štýlu); talianskyJosephfo Zarlino , jeden z tvorcov vedy o harmónii; švajčiarskyGlarean , zakladateľ náuky o melódii.

Quattrocento (XV storočia) sa vyznačuje predovšetkým oživením klasického umenia (gréckeho a latinského) vo výtvarnom umení, architektúre a literatúre. Pre nedostatok dokladov o hudobnej gréckej antike, a teda aj vzoru, však o takomto oživení v oblasti hudby nemožno hovoriť. Z tohto dôvodu počnúc odXIV storočia hudba sa ďalej rozvíjala cestou znásobovania a rozširovania formálnych smerov polyfónie. Až ku koncuV 16. storočí, keď všeobecné obrodenie postupne začalo strácať svoju aureolu, začala určitá obroda klasického smeru v hudbe vznikom takzvanej francúzsko-flámskej školy, alebo burgundsko-flámskej školy v Taliansku.

Vokálna hudba: Flámska škola

Flámska škola ako hudobné hnutie, ktoré dominovalo renesancii a vzniklo v regiónoch severného Francúzska a moderného Belgicka, sa vyvíjalo približne od roku 1450 do konca 16. storočia. Odborníci napočítali šesť generácií autorov medzi dve po sebe nasledujúce hlavné etapy vývoja tohto trendu: burgundsko-flámsku a franko-flámsku. Zástupcovia oboch pódií boli z Flámska, ale škola ako celok mala medzinárodný charakter, keďže činnosť hudobníkov sa vo väčšine prípadov odohrávala v zahraničí a ich štýl sa rýchlo rozšíril po celej Európe. Flámska škola sa často nazýva holandská, zhŕňa burgundský, flámsky, francúzsko-flámsky a anglo-francúzsko-flámsky smer. Už od začiatku 16. stor. nový jazyk vyvolal široký ohlas vo Francúzsku, Nemecku, Taliansku, Anglicku a Španielsku a predurčil v jednotlivých krajinách zrod nových foriem a štýlov, ktoré odzrkadľovali jednotlivé národné tradície. Avšak v druhej polovici 16. stor. títo istí francúzsko-flámski hudobníci už boli nútení byť nielen v konfrontácii s najväčšími predstaviteľmi určitých európskych hudobných tradícií (v Taliansku napríklad s takými autormi ako Luca Marenzio, G. Palestrina a C. Monteverdi), ale aj riadiť sa ich vkusom a štýlom.

Napriek zložitosti a rôznorodosti štýlov a výrazových prostriedkov charakteristických pre flámsku školu je stále možné identifikovať typické a originálne javy, napríklad vytvorenie štýlu založeného na ideálnej ekvivalencii všetkých častí tkaniny kontrapunktu ( Josquin Depres) a o použití striktnej imitácie ako prostriedku na vytváranie organických esejí zo štruktúry. Použitie zložitých metód kontrapunkcie zapadá do estetického konceptu flámskej školy. Skladatelia tohto hnutia vytvorili nový polyfónny štýl - takzvaný prísny štýl. Vedúcimi žánrami školy sú omša, moteto, polyfónny šansón, madrigal, frottola, villanelle, canzonetta. Princípy polyfonickej kompozície vyvinuté skladateľmi školy sa stali univerzálnymi pre nasledujúce generácie. K flámskej škole patria niektorí z najväčších európskych hudobníkov 15. – 16. storočia. Sú to Johannes Ockeghem, Jakob Obrecht, Henrik Isak, Josquin Despres, Pierre de La Rue, Jean Mouton, Adrien Willart, Nicolas Gombert, Jakob Arkadelt, Philippe de Montet, Jacobus de Kerle, Orlando di Lasso, Giache de Vert, Jacob Regnard, Giovanni Make.

Guillaume Dufay

Riaditeľ burgundsko-flámskej školy Guillaume Dufay (asi 1400 - 1474, Cambrai) spieval ako chlapec v katedrále v Cambrai; v roku 1420 sa usadil v Taliansku a vstúpil do služieb rodiny Malatesta v Pesare a Rimini; potom v rokoch 1428 až 1433 spieval v pápežskej kaplnke v Ríme, potom vo Florencii a Bologni, kam sa pápež pre nepokoje uchýlil; v rokoch 1437 až 1444 slúžil na dvore Ľudovíta Savojského a napokon sa vrátil do Cambrai. Dufay, človek veľkej kultúry, ktorý študoval a v praxi uplatnil všetky súčasné výdobytky hudobného umenia, po prvý raz uskutočnil syntézu prísnej techniky a harmonickej čistoty a melodickej melodickosti. Jeho tvorivé dedičstvo zahŕňa 9 kompletných omší, 32 motet, hymny, antifóny a 37 fragmentov omše. Jeho mladícke masy (MissaSanoti,MissaSanotiAnthonyViennensis) zložená podľa typu 3-hlasnej omše, v ktorej melodicky prevláda vrchný hlas nad dvoma spodnými. Počnúc však od omše MissaCaput(okolo 1440) a v nasledujúcich omšiach SelatváránobledýL'hommevyzbrojiť,AveReginacaelorum A EcceanoillaDomini skladateľ používa cantufirmus(lat. – doslova silná melódia), v ktorej sa jednotlivé časti ordinária rozvíjajú na tému spoločnej melódie, prevzatej z gregoriánskeho či mimoliturgického repertoáru alebo skomponovanej nanovo. Milosťou melódie, majstrovstvom viachlasného spracovania, omšou AveReginacaelorum je jeho najlepším dielom.

Dufay v sakrálnych a pochvalno-politických motetách kráča po ceste svojich predchodcov tak v rozmanitosti textov, ako aj v oblasti izorytmu, čo však nie je výlučné v dielach motiet burgundského skladateľa, ktorý niekedy uprednostňuje tzv. voľnejší štýl v diskontovaní (nácvik spätného pohybu, keď jeden hlas stúpa a druhý klesá). Z najznámejších motét treba vymenovať Vasilissaergogaude(venované Kleophosovi Malatestovi), Apostologlorioso(na vysvätenie Sant'Andrea v Patrase, kde bol arcibiskupom Malatesta), Ecclesiaemiliantus(za dosadenie Eugena IV. na pápežský stolec v roku 1431), Nuperrosarumflores(na vysvätenie florentskej katedrály v roku 1486).

Šansón, vyznačujúce sa množstvom krotenia, boli zvyčajne písané pre 3 hlasy; 2 horné hlasy viedli melodickú linku a spodný ju harmonicky podporoval. Tu jednoznačne prevládajú skladby o láske v podobe balád, rond či virel ( Zbohomm'láska,SelatváránobledýResvelonsnúsBonJour,bonmois,Cemoysdemáj,Mabelledámasuverén,Pochveramy); niektoré canzones sú zložené v taliančine: DonarardentiRay,DonnanežidovskýLadolcevýhľad a úžasná canzone Verginebella na slová Francesca Petrarcu.

Johannes Occkeghem

Johannes Ockeghem (asi 1420/25 Tremonde, Flámsko - 1497, Tours) slúžil v kaplnke francúzskeho kráľa vyše 40 rokov. Bol veľmi rešpektovaný a uznávaný; bol pokladníkom opátstva Saint-Martin v turné, t.j. zastával jeden z najvyšších postov v kráľovstve a tešil sa mnohým privilégiám, vrátane finančných.

Jeho súčasníci ho považovali za popredného skladateľa a je ústrednou postavou druhej generácie flámskej školy, ktorá nasledovala po G. Dufaya a predbehla J. Despresa (ktorý napísal slávnu Deploration, ľútosť). Ockeghem je predstaviteľ prísne štýlovej polyfónie. Obohatil techniku ​​imitácie end-to-end, schválil plnohlasý 4-hlas v zborovom štýle. a cappella(bez inštrumentálneho sprievodu). Jeho tvorivé dedičstvo zahŕňa 19 omší (len 10 z nich je úplných, ostatným chýbajú časti ordinára), Ordinárium missae, Rekviem, tucet motet, asi 20 šansónov, ako aj omša ľubovoľného tónu, umožňujúce predvedenie z rôznych stôp stupnice. To naznačuje, že skladateľ založil svoje diela na matematických výpočtoch.

Josquin Despres

Josquin Despres (okolo 1440, Vermandois v Pikardii - 1521, Conde-sur-l'Escaut, Valenciennes), v rokoch 1459 až 1472 bol zbormajstrom v milánskej katedrále, neskôr vstúpil do kaplnky vojvodu z Maleazza Maria Sforza a od roku 1479 s najväčšou pravdepodobnosťou bol v službách kardinála Ascania Sforzu (odtiaľ jeho prezývka Josquin d'Ascanio). V rokoch 1486 až 1494 spieval v pápežskej kaplnke a v roku 1503 vstúpil do služieb vojvodu Ercole I d'Este vo Ferrare; potom sa usadil vo Francúzsku a do roku 1515 slúžil na dvore Ľudovíta XII. v posledných rokoch bol kanonikom-prebendárom v hlavnom meste Condé. Spájal sa s habsburským dvorom a s Margarétou Rakúskou, ktorá sa vysádzala v Holandsku. Slávu Josquina Despresa, ktorej sa tešil počas svojho života, hodnotíme podľa frekvencie, s akou sa jeho meno objavuje v tlačených publikáciách, najmä v prvých dvoch desaťročiach 16. storočia, a tiež podľa prirovnania, ktoré založil florentský spisovateľ Cosimo Bartoli. medzi ním a Michelangelom Buonarrotim .

Autor tretej generácie Flemings otvoril cestu k novému chápaniu textu, vytvoril úzku vzájomnú závislosť medzi slovom a hudbou a prepojil prísnu komplexnosť konštruktívnych procesov s neustálym hľadaním výrazu.

Niektoré z 18 omší obsiahnutých v jeho katalógu sú komponované tradičnou technikou cantusfirmus (AveMarisstella,DeheataViroine,Missadidadi,D'ungaulireamer,Faisantľutujem,Gaudeamus,HerkulesduxFerrariae,Lasolfaremi,L'hommevyzbrojiťsextitoniL'hommevyzbrojiťsuperhlasymuzikály,Pangelingua atď.).

Vycibrená expresivita v Josquinovej tvorbe je vlastná motetám (okolo 85), z ktorých väčšina zrejme patrí do zrelého obdobia, najmä svetským (okolo 70) diel. Medzi jeho dielami si treba všimnúť aj šansón, bez spojenia s tzv. pevnými formami ( formulárovopravy) (Zbohommeslásky,BergeretteSavoyenne,Enjaombred'unbuiss-onlineMaboucherit,Milleľutujem,Petitekamuseta) a frottola na taliansky spôsob ( Elgrilovanieebuoncantore,ScaramellavaallaGuerra,Intedominesperavi). Krásna esej si zaslúži osobitnú pozornosť Deplorazione- ľútosť nad smrťou Johannesa Ockeghema podľa Molinetovho textu.

Nicolas Gombert a Adrien Willart

Skladateľ 16. storočia Štvrtá generácia flámskej školy Nicolas Gombert (asi 1500, Bruggy? - 1556, Tournai?) slúžil v súkromnej kaplnke cisára Karola V., ktorého sprevádzal na dlhej ceste po Španielsku, Taliansku, Nemecku a Rakúsku. Od roku 1640 žil pravdepodobne v Tournai, keďže tam bol kanonik tradície flámskeho kontrapunktu, študent Despres, Gombert dosiahol vo svojich dielach najvyššiu technickú a výrazovú úroveň (10 omší, asi 160 motet, 8 Magnificatov, asi 60 šansónov), ktoré majú silný vplyv na súčasných skladateľov a skladateľov nasledujúcich generácií. Jeho štýl sa vyznačuje neustálym napodobňovaním a takmer neustálou účasťou všetkých hlasov. Duchovné dielo Nicolasa Gomberta sa vyznačuje prísnym a lakonickým štýlom, je na oveľa vyššej úrovni ako skladateľove svetské diela.

Adrian Willaert (okolo 1490, Bruggy - 1560, Benátky), rodák z Flámska, bol v Taliansku zbormajstrom, najprv vo Ferrari na dvore vojvodu Alfonsa I. d'Este, potom v Miláne v kaplnke arcibiskupa Hippolyta II. 'Este a napokon ako dirigent v kaplnke Dómu sv. Marka (od roku 1527 až do smrti). Počas týchto necelých 35 rokov služby v Benátkach sa k jeho skladateľskej činnosti pridala aj pedagogická prax: po prvýkrát v Taliansku začal vyučovať flámsku techniku, pričom okolo seba zoskupil skutočnú školu. V oblasti sakrálnej hudby napísal 9 omší a viac ako 850 motet, v ktorých kompozícii sa prejavil ako skutočný majster, odborník na všetky známe metódy: okrem náklonnosti k flámskej tradícii ( cantusfirmus, skladateľ kánonov), prejavil záujem o taliansku svetskú hudbu a všetky techniky polyfónneho nahrávania. Vo svojich žalmoch Salmišpeciálne(1550) s 8-hlasným spevom, efekt kontrastu dvoch zborov je markantný. Spomedzi Willaertových študentov sa veľkej autorite tešil C. Rore, jeho nástupca v Katedrále sv. Marka, autor 5 omší, 87 motet. VášeňdruhýS.Giovanni, 116 madrigalov, ako aj G. Zarlino, tiež dirigent Dómu sv. Marka, učiteľ a skladateľ, známy predovšetkým svojimi pojednaniami o harmónii, A. Gabrieli.

Orlando di Lasso

Informácie o hudobnom vzdelaní Orlanda di Lasso alebo Rolanda de Lassus (1530/32, Mons, Neno - 1594, Monako) sa nezachovali. Mená jeho učiteľov nie sú známe, ale je jasné, že poznal významných hudobníkov svojej doby a bol ovplyvnený ich tvorbou. Ako chlapec bol spevákom miestokráľa Sicílie F. Gonzagu. Potom skončil v Neapole (od roku 1549) a napokon ako dirigent kaplnky Katedrály sv. Jána v Lateráne v Ríme. Po ceste do vlasti, Anglicka a Francúzska sa Lasso v roku 1557 usadil v Mníchove, najskôr ako tenor v kaplnke vojvodu Alberta V. Bavorského a potom v rokoch 1562 - 1563. ako kapelník. Lasso sprevádzal vojvodu na ceste do Európy a súčasne študoval hudobné skúsenosti skladateľov z iných krajín, pričom sa tešil priazni veľkých dvorov.

Jeho obrovská kreativita pokrýva takmer všetky hudobné žánre tej doby, skomponoval 700 motet, 58 omší, necelých 200 madrigalov, 33 villanel, viac ako 90 nemeckých Klamal, okolo 150 šansónov. Lasso požíval privilégium tlače už od napísania svojich prvých zbierok motet, vydaných v roku 1556 v Anveri (Antverpy); Kniha I madrigalov pre 5 hlasov vyšla v Benátkach od A. Gardaga už v roku 1555. V Lassovom diele možno nájsť stopy syntézy flámskych, talianskych a nemeckých tradícií. Spolu s J.P. Palestrinom je Lasso postavou týčiacou sa nad svojou generáciou; V oblasti sakrálnej hudby nadobúda prvoradý význam v porovnaní s omšou jeho moteto, písané pre 2-8 hlasov. V tomto žánri dokázal Lasso ukázať, že hudba dokáže vytiahnuť z textu podstatu jeho výrazového materiálu bez toho, aby mu bola podriadená. Dokonale ovládajúc prostriedky madrigalov opäť so všetkou jemnosťou svojho umenia vyzdvihuje tie najmenšie nuansy opisného a emocionálneho významu textu. Výsledok takéhoto majstrovstva možno oceniť sledovaním chromaticky vycibreného harmonického profilu diel a rytmických kontrastov a originality a nevšednosti melodických línií.

Jeho kontrapunktický jazyk v niektorých ohľadoch predznamenáva recitačný monofónny štýl, ktorý sa presadil v nasledujúcom desaťročí po jeho smrti.

Formy vokálneho umenia v Taliansku: madrigal

Hudobný život v Taliansku v 15. a 16. storočí. bol podporovaný patronátom, ktorý vykonávali osvietené bohaté domy: Mediciovci vo Florencii, Este vo Ferrari a Sforza v Miláne. Mecenášov umenia z týchto slávnych rodín poháňala skutočná láska k umeniu samotnému a k umelcom. Táto láska sa prejavila v ekonomickej podpore, poskytovaní objednávok a zakladaní akadémií. Umelecký život bol s finančnou podporou v plnom prúde. V takomto priaznivom prostredí sa začal zlatý vek madrigalu. Hudobne sa tento rozkvet stal dôležitým predpokladom pre rozvoj svetskej vokálnej polyfónie, zakorenenej v miestnej tradícii, konkrétne pre vznik viachlasnej frottolovej piesne.

Frottola

Vokálny žáner ľudového pôvodu, ktorý zohrával významnú úlohu v talianskej hudbe 16. storočia, frottola, nazývaný aj bardzeletta alebo strambotto, sa spieval už od konca 15. storočia. Väčšinou sa skladalo pre 4 hlasy s jednoduchým rytmickým a melodickým pohybom, s ľahko zapamätateľnou melódiou. Frottola bola široko uvádzaná na dvore Isabelly d'Este v Mantove, kde M. Cara, B. Tromboncino a M. Pesanti prispeli k jej rozkvetu. Odtiaľ sa frottola dostala do ďalších rodinných zámkov v Taliansku. Napriek svojej prepracovanosti bola frottola dôležitá v tom zmysle, že poetický text sa ľahko spájal s jednoduchou formou a živým rytmom. Z profesionálnej hudby si frottola osvojil polyfónny zápis a oslobodil ho od akéhokoľvek intelektualizmu: namiesto imitatívneho kontrapunktu použil frottola melódie založené na presnom rytme, priamo nadväzujúce na text verša. Prednosť dostal rytmus a melódia bola jednoznačne určená pre vrchný hlas, čo sa ešte výraznejšie prejavilo v transkripciách pre hlas a lutnu.

Madrigal a jeho vývoj

Madrigal renesancie sa vyvíjal približne od roku 1530, vznikol, keď flámskych maestrov, ktorí používali kontrapunkt, ovplyvnila talianska frottola, založená na akordickej harmónii s prevahou vyššieho hlasu. V období renesancie sa v madrigale spojenie slova a muzikálu čoraz viac prehlbuje: ak v prvých príkladoch C. Fest, F. Verdelot, J. Arkodelt neopustili hľadanie autonómnej kompozičnej harmónie hudby, potom A .

Vo svojej histórii dosiahol madrigal takmer všetky estetické vrcholy, no okolo polovice 17. storočia. končí svoj vývoj. Niektoré z jeho charakteristík (napr. úzke prepojenie slovesných a hudobných metrov) sa preniesli aj do iných foriem, najmä do komornej kantáty.

Apogeum madrigalu: Luca Marenzio

Luca Marenzio (okolo 1553, Coccaglio, neďaleko Brescie - 1599, Rím) žil prevažne v Ríme, najskôr v službách kardinála Cristofora Madruzza (1572 - 1578), a potom v Luigi d'Este (1578 - 1585). V roku 1589 sa zúčastnil na svadobnom obrade Ferdinanda de' Medici a Cristiny di Lorena vo Florencii. Pre túto príležitosť zložil dve medzihry: LagarafraMuseePieridi A IIbojový časpoeticodiAppolo. V tom istom roku sa Marenzio vrátil do Ríma a vstúpil do služieb kardinála Montalta. V roku 1595 sa dostal pod kontrolu poľského kráľa Žigmunda III., ale o jeho pobyte v tejto krajine sa nezachovali žiadne spoľahlivé informácie. V roku 1598 bol Marenzio v Benátkach a o rok neskôr v Ríme (možno ako hudobník v pápežskej kaplnke), kde zomrel. Marenziova sláva sa spája najmä so skladbou madrigalov. Zručné používanie najkomplexnejšej kontrapunktovej notácie 16. storočia. prispel k objaveniu nových prostriedkov umeleckého vyjadrenia. Marenzi. Napísal 419 madrigalov (obsahujúcich knihu piesní pre 4 hlasy, 9 kníh pre 5 hlasov, 6 kníh pre 6 hlasov a ďalšie zväzky); okrem toho vlastní nádherné villanelly (118 v 5 knihách), ktoré boli podobne ako madrigaly široko známe aj mimo Talianska. Nemenej významné je duchovné dielo Lucu Marenzia (známych je 77 motet).

Expresionizmus a deklamácia: Gesualdo

Carlo Gezcaldo, princ z Venosy (asi 1560 - 1613, Neapol) a synovec Karola Barromea z matkinej strany, sa preslávil najmä dvoma udalosťami: vraždou svojej mladej manželky Marie d'Avalos, zachytenou s jej milencom Fabriziom Carafom v r. 1590 a jeho druhé manželstvo s Elonorou d'Este, neterou vojvodu Alfonsa II., v roku 1594. Po presťahovaní do Ferrary vstúpil Gesualno na jedinú hudobnú akadémiu v renesancii, v ktorej T. Tasso, G. V. Guarini, D. Ludzaski a J. de Wert pracoval. Gesualdo, skladateľ s rozmarnou predstavivosťou a vysoko individuálnou kreativitou, napísal 6 kníh madrigalov pre 5 hlasov (prvé 4 vyšli vo Ferrari v rokoch 1594 až 1596, posledné 2 v Gesualde pri Neapole v roku 1611), 2 knihy motet a kniha responzórií; niektoré 6-hlasé madrigaly publikoval v roku 1626 M. Ephrem; Gesualdo Nenna zaradil 5-hlasé canzonetty do svojej 8. knihy madrigalov OttawaLibrodiMadrigali(1628). Gesualdove madrigaly sa vyznačujú expresionistickou orientáciou, ktorá sa prejavuje v nepretržitom striedaní tieňa a svetla, v nečakaných chromatizmoch, v prudkých zmenách disonancie; Zvukovú expresivitu v jeho dielach akoby zdôrazňoval deklamačný vokálny štýl, ktorý má ďaleko od skúseností jeho súčasníka C. Monteverdiho.

Duchovná vokálna hudba: Palestrina

Giovanni Pier Luigi Palestrina (1525 -1594, Rím) spieval v Bazilike Santa Maria Maggiore v Ríme. V roku 1544 pôsobil ako organista a učiteľ spevu v katedrále Palestrina. Od roku 1551 pôsobil v Ríme ako učiteľ kaplnky pápeža Júlia III., neskôr (1555) sa stal spevákom v Sixtínskej kaplnke, no v tom istom roku bol nútený pre sobáš svoje miesto opustiť. V rokoch 1555 až 1560 riadil kaplnku Baziliky San Giovanni in Laterano a v rokoch 1561 až 1566. v Santa Maria Maggiore. Po určitom období v rímskom kolégiu a u kardinála Hippolyte d'Este sa v roku 1571 opäť vrátil do vedenia kaplnky Santa Maria Maggiore, kde zostal až do svojej smrti. V posledných rokoch svojho života sa Giovanni Pelestrina zaoberal vydávaním svojich diel (v tomto diele pokračoval jeho syn), takže jeho sláva presiahla jeho domovinu a rozšírila sa po celej Európe. Palestrinovo duchovné dedičstvo zahŕňa 104 omší (autorstvo zvyšku jemu predpísaných je otázne), vyše 300 motet a početné liturgické spevy (79 hymnov, 35 Magnifikátov, lamentov, litánií, 68 ofertórií, StabatMater), veľmi malé svetské dedičstvo: 140 madrigalov. V rokoch 1581 a 1594 vydal dve knihy duchovných madrigalov, z ktorých druhá je tzv PriegoallaVergine.

Palestrina štýl

Vrcholom Palestrinovej tvorby sú omše, v ktorých sa zriedkavo využívajú najtypickejšie postupy flámskej polyfónie, ako napr. cantusfirmus a kánon; oveľa častejšie sa skladateľ uchyľuje k napodobňovaniu a parafrázovaniu. Palestrina, ktorý dokonale ovládal polyfónny jazyk počas jeho plného rozkvetu v 16. storočí, vytvoril vysoko rozvinuté polyfónne umenie založené na harmonickom základe.

Písanie francúzsko-flámskej školy je vycibrené k dokonalosti: väčšia pozornosť sa venuje kvalite a proporcionalite zafarbenia a zvuku vokálneho komplexu, dosahuje sa jednoduchosť, čistota a stručnosť prednesu textu. Palestrina v tomto smere pracoval od roku 1560, keď mal za úlohu uviesť sakrálnu hudbu do súladu s rozhodnutiami Tridentského koncilu (udalosť sa stala legendárnou, keď slávna omša pápeža Marcella prinútila účastníkov koncilu, ktorí chceli opustiť polyfóniu, zachovať formy sakrálnej hudby).

Palestrinov štýl, nazývaný aj „antický“, bol vzorom pre štúdium kontrapunktu a v 19. storočí. Caeciliánske hnutie považovalo za „posvätnú hudbu“ najvyššieho stupňa dokonalosti.

Klasický odmeraný štýl je vlastný aj svetským dielam skladateľa (madrigalom) a v tomto prípade sa Palestrina vyhol znepokojivým hĺbkovým rešeršám, o ktoré sa usilovali iní skladatelia neskorého Cinquecenta.

Benátska hudba: A. a G. Gabrieli

Hudobný život v Benátkach sa podľa dokumentov sústreďoval do kaplnky Dómu svätého Marka, v ktorej pôsobili organisti a v ktorej bola vytvorená spevácka škola. Hudobne Benátky v 16. storočí. bolo hlavným centrom priťahujúcim popredných hudobníkov; Žili tam aj renomované hudobné vydavateľstvá (Petrucci, Scotto, Giordano). Medzi hudobníkov, ktorí v tomto období pôsobili v Benátkach, patrili Flemings A. Willart, ktorý riadil vojvodskú kaplnku v rokoch 1527 až 1562, a F. Verdelot. Medzi najznámejších hudobníkov treba menovať Benátčana Gabrieliho.

Andrea Gabrieli

Informácie o prvej etape života Andreu Gabrieliho, organistu a skladateľa (okolo 1510/33 - 1585, Benátky), sú rozporuplné. S najväčšou pravdepodobnosťou bol žiakom A. Willarta. V roku 1564 zdedil Gabrieli post druhého organistu po Annibale Padovano v Katedrále sv. Marka av roku 1585 sa stal hlavným organistom po C. Merulo, pričom získal funkciu, ktorú mu zdvorilo prisúdil jeho synovec Giovanni, ktorý súťaž vyhral. Gabrieli sa v Európe tešil obrovskej sláve vďaka svojim medzinárodným stykom a distribúcii svojich diel v tlači (6 omší, vyše 130 motet, okolo 170 madrigalov, okolo 70 inštrumentálnych diel atď.). Okrem mnohých Talianov prišli do Benátok študovať u Gabrieliho aj nemeckí a holandskí hudobníci, napríklad H.D. Hasler a G. Eichinger; Učil sa u neho aj J. P. Sweelinck.

Andrea Gabrieli je považovaný za tvorcu benátskej multizborovej školy, ktorá je takto pomenovaná vďaka rozsiahlemu využitiu Gabrieliho prepracovania, pričom často zavádza sólové hlasy a nástroje (sláčikové a dychové), umocnené sprievodom dvoch organov. Veľké viaczborové diela (s rozdelenými zbormi) obsahuje zbierka vydaná v roku 1587 ( Koncerty- koncerty). Obsahuje aj podobné diela jeho synovca Giovanniho. V mnohozborovom štýle napísal Gabrieli aj nemálo svetských diel, vrátane tých známych Battagliazasonard'estrumentiafiato(,Bitka o výkon dychových nástrojov‘; zachovalo sa posmrtné spracovanie z roku 1587, prepis Laguerre- „Vojna“ - K. Janequin).

V porovnaní s vokálnou inštrumentálnou hudbou je Gabrieliho tvorba menej dôležitá, ale jej virtuózna technika bola jedným z predpokladov rozvoja kompozičného štýlu G. Frescobaldiho. A. Gabrieli vydal knihu 6-hlasných omší (1572), 2 knihy motét pre 5 hlasov (1565) a 4 hlasy (1576), knihu Žalmov Dávidových pre 6 hlasov (1583), 7 kníh 3- 6-hlasé madrigaly, 6 kníh diel pre klávesové nástroje a početné vokálne diela svetského i duchovného obsahu. Posmrtne vyšla zbierka zborov k tragédiám Sofokles, Kráľ Oidipus v preklade O. Giustinianiho a prednesená pri príležitosti otvorenia Teatro Olimpico, postaveného vo Vicenze podľa projektu A. Palladia (1585). .

Giovanni Gabrieli

Giovanni Gabrieli (okolo 1554/57 - 1612, Benátky) - synovec a žiak Andrey, po ktorom sa v roku 1586 stal prvým organistom v Dóme svätého Marka, pričom si túto pozíciu udržal až do svojej smrti. O jeho živote sa vie len málo: existujú dôkazy, aj keď kontroverzné, že v rokoch 1575 až 1579 mohol slúžiť v Monaku. Gabrieli bol svojho času známy v celej Európe a ako strýko prijímal do svojej školy hudobníkov, ktorí sa neskôr preslávili (medzi nimi aj G. Schütz). Okrem toho som bol v kontakte s G.L. Hašler sa však osobne nepoznal s M. Pretoriusom, ktorý vo svojom pojednaní široko propagoval Gabrieliho hudbu Syntagwamusica.

Giovanni nasledoval smer, ktorý vyvinul jeho strýko, ale ukázal sa ako veľký inovátor, najmä v oblasti inštrumentálnej hudby. V jeho canzones da sonar (inštrumentálnych skladbách) sa počet hlasov pohyboval od 6 do 20 (ako prvý použil slovo sonáta): najznámejšia je jeho Sonata pian e forte (1597). Menej dôležité sú práce pre organ. Vo vokálnych svetských a sakrálnych skladbách preukázal vyššiu techniku ​​v porovnaní s technikou Andrea. Dve z kolekcií sa objavili v tlači SacraeSymphoniae(1597 a 1625). Zbierka obsahuje 44 resp. 32 esejí.

Nemecká národná hudba

Národná nemecká hudba sa vyznačuje takým fenoménom, akým je Lied (pieseň). V monodickej tvorbe Minnesingerov sa uplatnili ľudové melódie duchovného charakteru, ktoré sa dali pretaviť do luteránskeho chorálu. Vznik v 15. - 16. storočí patrí k histórii Lied, ktorá prešla rôznymi etapami vývoja. hudobná a poetická škola Maisterzang (spev majstrov), ktorá sa objavila už koncom 14. storočia. Činnosť Meistersingerovcov, ktorá sa odohrávala v mestských korporáciách, bola regulovaná dôsledne vypracovaným ceremoniálom a súborom prísnych noriem (súčasť zbierky s názvom Tabulator), ustanovujúcich do najmenších detailov kompozície textov a melódií. Jedným z najznámejších majstrovských spevákov, najmä vďaka opere Richarda Wagnera Die Meistersinger z Norimbergu, bol Hans Sachs (1494 - 1576), ktorý zložil viac ako 6000 piesní.

V druhej polovici 15. stor. vznikol žáner viachlasnej nemeckej piesne ( Klamal), ktorá v Cinquecente dosiahla úplný rozkvet (aj vďaka šíreniu prostredníctvom tlače). Táto forma inšpirovala mnoho polyfónnych vývojov v luteránskom speve. Prví nemeckí polyfonisti v 15. storočí. zvyčajne nazývaný Adam von Fuld a Heinrich Fink, ktorí inklinovali k flámskym modelom. Veľký význam mali aktivity Rakúšana G. Hofhainera, organistu Maximiliána I. a Fláma G. Isaaca. Vynikajú aj postavy T. Stolzera a najmä Švajčiara L. Senfla.

Protestantská reformácia 16. storočia. určil podobu chorálov a položil základ pre rozvoj čisto nemeckých liturgických foriem hudobníkov, ktorí zostali pod vplyvom flámskej školy.

V druhej polovici storočia dominoval Orlando di Lasso, ktorý pôsobil na mníchovskom dvore: prostredníctvom neho vzrástol vplyv talianskej školy, prispel k šíreniu madrigalu, canzonetty, villanely a polyfónneho štýlu. V tomto období boli najvýznamnejšími hudobníkmi Leonhard Lechner a Hans Leo Hasler. Posledne menovaní, podobne ako neskôr A. Pretorius, I. Eckard, Jacob Handel a ďalší, významne prispeli k šíreniu benátskeho polychorálneho štýlu v Nemecku.

Francúzska národná hudba

Zmeny, ktoré sa udiali na poli francúzskej hudby tej doby, je ťažké oddeliť od profilu burgundsko-francúzsko-flámskej školy. Napriek tomu nemožno nevenovať pozornosť novinke francúzskeho šansónu, ktorého vznik sa pripisuje J. Benchoisovi; Hovoríme o novom žánri polyfonickej canzone, ktorý bol ovplyvnený úspechmi F. Landiniho v Taliansku a D. Dunstablea v Anglicku. V 16. storočí v lesku francúzskeho dvora pôsobili Claudin Sermizy a Clément Janequin, najväčší predstavitelia nového žánru, ktorý sa tešil všeobecnej sláve (aj vďaka šíreniu hudobnín). Canzona bola mimo súťaže a až na konci 16. storočia. bola nahradená vaudeville (z ktorej pochádza vzduchudecour- dvorný štýl), bergerette, chansonette.

S rozšírením nových tancov sa objavil aj rozsiahly repertoár diel pre lutnu, vytvorený podľa schémy vzduchudecour; Zároveň sa rýchlo rozrastala organová hudba (J. Titlouz a G. Costele), čo dalo podnet k rozvoju klávesových nástrojov. Na záver treba spomenúť podobu baletu, ktorý sa s inscenáciou dostal do Francúzska baletcomiguedelaRoyne, ktorú v roku 1581 uskutočnil impresário, choreograf a skladateľ talianskeho pôvodu V. Baltazarini.

Anglická národná hudba

Významný rozkvet polyfónie v 12. - 13. storočí. korunovaný v období renesancie dielom Johna Dunstablea (asi 1380 - 1453, Londýn), ktorý pôsobil najmä v zahraničí a mal citeľný vplyv na predstaviteľov francúzsko-flámskej školy. G. Dufay a J. Benchois. Dunstable uspel v kombinácii listu Francúzov Arsnova(s jeho zložitým kontrapunktom a rytmom) s anglickými tradíciami. Z jeho tvorby sa k nám dostalo asi 60 diel, z toho 2 omše, 14 úsekov omše, 28 motet a 5 šansónov (z toho veľmi známe ORosabella). Jeho dôstojnými nasledovníkmi boli L. Power a R. Fairfax, autor sakrálnej hudby (na latinský text) a ľahkých svetských hier (na anglický alebo francúzsky test), ako aj J. Taverner. Autorom ako K. Tye, T. Tallis a R. White sa podarilo izolovať hudobné formy, ktoré sa stali typickými pre reformovanú anglickú liturgiu (hymna, bohoslužba atď.).

S nástupom kráľovnej Alžbety I. sa začal rozkvet anglickej hudby. Posledne menovaného na dvore povzbudzovala samotná dáma, ktorá udržiavala kontakty s modernými talianskymi školami, na princípoch ktorých vznikla väčšina anglických madrigalov: po prvé ayre(ária súvisiaca s canzonettou a talianskou frottolou), potom ketch (caccia) a gli ( radosť- pieseň).

William Bird

William Byrd (~1543 - 1623, Stondon Massey, Essex) bol organistom v Lincolnskej katedrále a v kráľovskej kaplnke Alžbety I. Anglickej. V roku 1575 dosiahol spolu s T. Tallisom monopol na hudobnú tlač v Anglicku na obdobie 21 rokov. William Byrd je nepochybne najvýznamnejším anglickým skladateľom začiatku 17. storočia, ktorý píše štýlom bližším flámskej tradícii ako talianskemu. V rokoch 1575, 1589 a 1591. Bird vydal 3 knihy CantionesSacrae(Posvätné spevy). Prvá kniha obsahuje iba Tallisove spisy. Potom v rokoch 1605 a 1607. objavia sa dve knihy Gradualia; tri omše pochádzajúce pravdepodobne z obdobia rokov 1592 - 1595, ktoré sa vyznačujú bohatou a hustou polyfónnou textúrou.

Byrdov štýl sa vyznačuje flexibilným písmom a je presiaknutý túžbou po zdržanlivosti a stručnosti. Oddanosť katolíckej cirkvi nezabránila Byrdovi skladať hudbu pre anglikánsky kult: vlastní Skveléservis(Big Service je jedným z najlepších diel), Krátkeservis(Small Service), tucet plnohodnotných hymien a oveľa viac. Zo svetskej hudby môžeme menovať zväzky, žalmy, sonety a piesne“ ( žalmy,sonety,ePiesnezSmútokapietie, 1589), spisy o náboženských a morálnych témach, ktoré nie sú určené na liturgické použitie, a PiesnezSundriepovahy(1589, rôzne piesne). Veľký záujem je aj o inštrumentálne dedičstvo, vrátane fantázií, tancov, variácií, popisných fragmentov pre virginal, niekoľkých skladieb pre manželov a viol.

Španielska národná hudba

Doklady viachlasnej hudby 13. – 14. storočia. obsiahnuté v CodicedelasHuelgas, však o dielach prvej polovice 15. storočia. nič nie je známe. Napriek tomu sa v druhej polovici 15. storočia hudba rýchlo rozvíjala: objavili sa sakrálne diela Villancica a romance Juana de Encinu (1468 - 1529), ako aj diela iných skladateľov, ktorí tvorili slávnu „Palácovú zbierku“ (“ Cancionero de Palacio") a ďalšie zbierky. Najväčšími osobnosťami Cinquecenta sú Cristobal de Morales (asi 1500 - 1553), Tomás Luis de Victoria a Francisco Guerrero (1528 - 1599) - jeden z najlepších predstaviteľov sakrálnej vokálnej hudby v Európe 16. storočia. Veľký význam mala aj organová hudba Antonia de Cabezona (1528 - 1566). Skladby bohaté na ornamentiku pre vihuelu napísali Luis Milan (asi 1500 - po 1561), Luis de Narvaez (asi 1500 - po 1555), Alonso de Mudarra (asi 1508 - 1580) a mnohí ďalší.

Thomas Luis de Victoria

Tomás Luis de Victoria (asi 1550, Avila – 1611, Madrid) bol poslaný do Ríma študovať na Collegiate Germanico. Jeho učiteľom mohol byť J.P. Palestrina. V roku 1569 bol Tomás Luis de Victoria vymenovaný za organistu a vicekapellmeistera kaplnky Santa Maria di Monserrato. V rokoch 1573 až 1578 slúžil v rímskom seminári a v kostole sv. Apolinára. V roku 1575 bol vysvätený. V roku 1579 vstúpil do služieb cisárovnej Márie. V rokoch 1596 až 1607 bol Luis de Victoria kaplánom kláštora Descalzas Reales v Madride. Autor výlučne duchovných diel Thomas Luis de Victoria napísal 20 omší a 50 motet. Skladateľ považoval za najlepšie OfficiumHebdomadaeSanotae pre 4 - 8 hlasov (1585) a OfficiumDefunctorum pre 6 hlasov (1605). Spájal vážny, povýšený štýl s veľkou emocionálnou expresivitou, čo z neho urobilo veľkého španielskeho polyfonistu 16. storočia.