Zahraniční umelci 19. storočia: najvýznamnejšie osobnosti výtvarného umenia a ich odkaz. Umelecká kultúra Európy v 19. storočí Západní umelci 19. storočia
impresionizmus. Symbolizmus. modernizmus.
V druhej polovici 19. storočia sa v západnom umení objavil smer, ktorý sa neskôr nazýval „modernizmus“. Za jeho prvý smer možno považovať impresionizmus, ktorý sa objavil v 60. rokoch. Toto hnutie ešte nie je úplne modernistické. Opúšťa realizmus a vzďaľuje sa od neho stále ďalej, bez toho, aby sa s ním úplne rozišiel. Impresionizmus ešte nie je modernizmus, ale už to nie je realizmus. Možno ho považovať práve za začiatok modernizmu, pretože už obsahuje jeho hlavné črty.
Prvý je spojený s jasným posunom dôrazu od objektu k subjektu, od objektivity a pravdivosti k subjektívnemu vnemu. V impresionizme nie je hlavnou vecou zobrazovaný predmet, ale jeho vnímanie, dojem, ktorý v umelcovi vyvoláva. Vernosť objektu ustupuje vernosti vnímaniu, vernosť prchavému dojmu. Princíp „nevernosti subjektu“ sa potom stane jedným zo základných princípov estetiky modernizmu, ktorý sa zmení na princíp vedomej deformácie, deformácie a rozkladu subjektu, princíp odmietnutia subjektu, objektivity a obraznosti. Umenie sa čoraz viac stáva umením sebavyjadrenia umelca.
Druhým znakom je osobitná pozornosť experimentovaniu, hľadaniu stále nových výrazových prostriedkov, technických a výtvarných techník. V tomto si impresionistickí umelci berú príklad z vedcov. S nadšením sa venujú rozkladu tónov, hre farebných odleskov, nezvyčajným kombináciám farieb. Majú radi plynulosť, variabilitu, pohyblivosť. Neznášajú nič zamrznuté a statické. Impresionistov zaujímajú najmä procesy interakcie predmetov s atmosférou, vzduchom, svetlom, hmlou, smogom a slnečným svetlom. Vďaka tomu všetkému dosiahli významné pokroky a úspechy v oblasti farby a formy.
V impresionizme sa vášeň pre experiment, hľadanie nových techník, honba za novotou a originalitou ešte nestávajú samoúčelnými. Mnohé následné pohyby modernizmu však prichádzajú práve k tomu, čoho dôsledkom je umelcovo odmietnutie konečného výsledku, umeleckého diela, chápaného ako niečo úplného a úplného.
Ďalší znak impresionizmu, čiastočne dôsledok a priame pokračovanie už spomínaných, je spojený s odklonom od spoločenských tém. Skutočný život je prítomný v dielach impresionistov, ale objavuje sa vo forme obrazového predstavenia. Pohľad umelca akoby kĺzol po povrchu spoločenských javov, zachytávajúc najmä farebné vnemy, bez toho, aby sa pri nich zastavil a bez toho, aby sa do nich ponoril. V nasledujúcich pohyboch modernizmu sa táto tendencia zintenzívňuje, čím sa stáva asociálnou a dokonca antisociálnou.
Ústrednými postavami impresionizmu sú C. Monet (1840-1926), C. Pissarro (1830 - 1903), O. Renoir (1841 - 1919).
Impresionizmus bol najplnšie stelesnený v diele Moneta. Obľúbeným námetom jeho diel je krajina – pole, les, rieka, zarastený rybník. Svoje chápanie krajiny definoval takto: „Krajina je okamžitý dojem.“ Z jeho obrazu „Východ slnka. „Impression“ bol názov celého hnutia (vo francúzštine „impression“ je „impression“). Najväčšiu slávu mu priniesli slávne „Haystacks“. Prejavil tiež zvláštnu vášeň pre zobrazovanie vody. Na to zostrojil špeciálnu dielenskú loď, ktorá mu umožnila hodiny pozorovať správanie sa vody a odraz predmetov v nej. V tom všetkom dosiahol Monet pôsobivý úspech, ktorý dal E. Manetovi dôvod nazývať ho „Raphael z vody“. Veľmi pozoruhodný je aj obraz „Rouenská katedrála“.
K. Pissaro uprednostňuje mestskú krajinu - zobrazuje domy, bulváre, ulice plné kočov a prechádzky po verejných, každodenných scénach.
O. Renoir venuje veľkú pozornosť aktu, portrétom – najmä ženským. Výrazným príkladom jeho portrétneho umenia je portrét umelca J. Samariho. Namaľoval aj „Kúpanie na Seine“ a „Moulin de la Galette“.
Okolo polovice 80. rokov začal impresionizmus prežívať krízu a vytvorili sa v ňom dve nezávislé hnutia – neoimpresionizmus a postimpresionizmus.
Prvú predstavujú umelci J. Seurat a P. Signac. Na základe výdobytkov vedy o farbách preberajú niektoré črty impresionizmu – rozklad tónov na čisté farby a vášeň pre experimentovanie – do svojho logického záveru. Z umeleckého a estetického hľadiska toto hnutie nevzbudilo veľký záujem.
Postimpresionizmus sa „zdal byť oveľa produktívnejším a zaujímavejším fenoménom. Jeho hlavnými postavami boli P. Cezanne (1839 - 1906), V. Van Gogh (1853 - 1890) a P. Gauguin (1848 - 1903), medzi ktorými vynikal P. Cezanne.
P. Cezanne vo svojej tvorbe zachoval to najpodstatnejšie v impresionizme a zároveň vytvoril nové umenie, rozvíjajúce tendenciu vzďaľovať sa od témy, od jej vonkajšieho vzhľadu. Zároveň sa mu podarilo prekonať iluzórnosť a efemérnosť zobrazovaného, charakteristickú pre impresionizmus.
P. Cezanne obetujúc vonkajšiu podobnosť objektu s neobyčajnou silou sprostredkúva jeho hlavné kvality a vlastnosti, jeho vecnosť, hustotu a intenzitu, určitú „materialitu veci“. Na rozdiel od impresionizmu na tvorbu diel využíva nielen zrakové vnemy, ale všetky zmysly. Vo svojej tvorbe živo a silne vyjadroval svoju osobnú povahu. Ako poznamenáva P. Picasso, P. Cezanne sa celý život maľoval.
Medzi dielami P. Cézanna možno vyzdvihnúť ako „Autoportrét“, „Ovocie“, „Zátišie so závesmi“, „Banks of the Marne“, „Lady in Blue“. P. Cezanne mal obrovský vplyv na celý nasledujúci modernizmus. A. Matisse ho nazval „bežným učiteľom“ širokého okruhu mladých umelcov, ktorí sa neskôr stali slávnymi a slávnymi.
Okrem maľby sa impresionizmus prejavil aj v iných formách umenia. V hudbe jeho vplyv zažil francúzsky skladateľ C. Debussy (1862 - 1918), v sochárstve - francúzsky sochár O. Rodin (1840 - 1917).
V 80. rokoch vo Francúzsku vzniklo hnutie symbolizmu, ktoré možno v plnej miere považovať za modernizmus. Najrozšírenejšia je v poézii a literatúre. Symbolizmus pokračoval v línii romantizmu a „umenia pre umenie“, naplnený pocitom sklamania zo sveta okolo nás, zameraný na hľadanie čistej krásy a čistého estetizmu.
Symbolisti sa vo svojom manifeste vyhlásili za spevákov dekadencie, úpadku a smrti buržoázneho sveta. Postavili sa proti vede a pozitivistickej filozofii, veriac, že rozum a racionálna logika nemôžu preniknúť do sveta „skrytých realít“, „ideálnych esencií“ a „večnej krásy“. Toho je schopné len umenie – vďaka tvorivej predstavivosti, básnickej intuícii a mystickému nadhľadu. Symbolizmus vyjadroval tragickú predtuchu blížiacich sa spoločenských otrasov a prijímal ich ako očistnú skúšku a platbu za skutočnú duchovnú slobodu.
Ústrednými postavami francúzskeho symbolizmu sú básnici S. Mallarmé (1842 - 1898), P. Verlaine (1844 - 1896), A. Rimbaud (1854 - 1891). Prvý je považovaný za zakladateľa hnutia. Druhý vytvoril nádherné majstrovské diela textov. A. Rimbaud sa stal jedným z najoriginálnejších a najbrilantnejších básnikov Francúzska. Mal veľký vplyv na francúzsku poéziu 20. storočia.
Symbolizmus sa rozšíril v mnohých európskych krajinách. V Anglicku ho zastupuje predovšetkým spisovateľ O. Wilde (1854 - 1900), autor slávneho románu „Obraz Doriana Graya“, ako aj básne „Balada z Reading Gaol“. V Rakúsku mal básnik R.M Rilke (1875 - 1926) blízko k symbolizmu, čo sa prejavilo najmä v jeho dielach „Kniha obrazov“ a „Kniha hodín“. Ďalším významným predstaviteľom symbolizmu je belgický dramatik a básnik M. Maeterlinck (1862 - 1949), autor slávneho „Modrého vtáka“.
19. storočie má v dejinách Západu zásadný význam. Práve v tomto období sa objavil úplne nový typ civilizácie – priemyselná. Bol založený na vedecko-technickom pokroku. Preto jeden z hlavných ideálov osvietenstva – ideál pokroku rozumu – v ňom dostal svoje najucelenejšie stelesnenie.
Vznik buržoáznej demokracie prispel k rozšíreniu politickej slobody. Čo sa týka iných ideálov a hodnôt výchovného humanizmu, ich realizácia narazila na vážne ťažkosti a prekážky. Preto všeobecné hodnotenie 19. storočia nemôže byť jednoznačné.
Na jednej strane sú tu nevídané úspechy a výdobytky civilizácie. Vznikajúca priemyselná civilizácia zároveň začína čoraz viac vytláčať duchovnú kultúru.
V prvom rade sa to dotklo náboženstva a potom ďalších oblastí duchovnej kultúry: filozofie, morálky a umenia. Vo všeobecnosti možno povedať, že v 19. storočí sa v západnom svete objavil nebezpečný trend dehumanizácie kultúry, ktorého dôsledkom bol koncom storočia systém kolonializmu a v 20. storočí dve svetové vojny
Európske umenie konca 19. storočia – začiatku 20. storočia.
Formovanie priemyselnej civilizácie malo obrovský vplyv na európske umenie. Ako nikdy predtým to bolo v úzkom spojení so spoločenským životom, duchovnými a materiálnymi potrebami ľudí. V kontexte rastúcej vzájomnej závislosti národov sa umelecké hnutia a kultúrne úspechy rýchlo rozšírili do celého sveta.
Maľovanie. Romantizmus a realizmus sa v maliarstve prejavovali s osobitnou silou. V tvorbe španielskeho umelca Francisca Goyu (1746-1828) bolo veľa znakov romantizmu. Vďaka talentu a tvrdej práci sa zo syna chudobného remeselníka stal skvelý maliar. Jeho dielo predstavovalo celú éru v dejinách európskeho umenia. Umelecké portréty španielskych žien sú nádherné. Sú písané s láskou a obdivom. Na tvárach hrdiniek čítame sebaúctu, hrdosť a lásku k životu bez ohľadu na ich sociálny pôvod.
Odvaha, s akou dvorný maliar Goya zobrazil skupinový portrét kráľovskej rodiny, neprestáva udivovať. Pred nami nie sú vládcovia ani rozhodcovia osudov krajiny, ale celkom obyčajní, dokonca obyčajní ľudia. Goyov obrat k realizmu dokazujú aj jeho obrazy venované hrdinskému boju španielskeho ľudu proti Napoleonovej armáde.
Karol IV a jeho rodina. F. Goya. Naľavo (v tieni) sa umelec zobrazil
Kľúčovou postavou európskeho romantizmu bol slávny francúzsky umelec Eugene Delacroix (1798-1863). Vo svojej tvorbe kládol fantáziu a predstavivosť nad všetko ostatné. Míľnikom v dejinách romantizmu a vlastne celého francúzskeho umenia bol jeho obraz „Sloboda vedie ľudí“ (1830). Umelec zvečnil revolúciu z roku 1830 na plátne Po tomto obraze sa už Delacroix neobracal k francúzskej realite. Zaujala ho téma východu a historické námety, kde rebelujúci romantik mohol dať voľný priechod svojej fantázii a predstavivosti.
Najväčšími realistickými umelcami boli Francúzi Gustave Courbet (1819-1877) a Jean Millet (1814-1875). Predstavitelia tohto hnutia sa usilovali o pravdivé zobrazenie prírody. V centre pozornosti bol každodenný život a práca človeka. Namiesto historických a legendárnych hrdinov charakteristických pre klasicizmus a romantizmus sa v ich tvorbe objavili obyčajní ľudia: mešťania, roľníci a robotníci. Názvy obrazov hovoria samy za seba: „Drvič kameňov“, „Pletařky“, „Zberači uší“.
Dôstojník jazdeckej stráže cisárskej gardy, ktorý sa pustil do útoku, 1812. Theodore Gericault (1791-1824). Prvý umelec romantického hnutia. Obraz vyjadruje romantiku napoleonskej éry
Courbet ako prvý použil koncept realizmu. Cieľ svojej tvorivosti definoval takto: „Dokázať vyjadriť morálku, myšlienky, vzhľad ľudí tej doby podľa môjho hodnotenia, byť nielen umelcom, ale aj občanom, vytvárať živé umenie.“
V poslednej tretine 19. stor. Francúzsko sa stáva lídrom vo vývoji európskeho umenia. Práve vo francúzskom maliarstve sa zrodil impresionizmus (z francúzskeho impresia – dojem). Nové hnutie sa stalo udalosťou európskeho významu. Impresionistickí umelci sa snažili sprostredkovať na plátno momentálne dojmy neustálych a jemných zmien v stave prírody a človeka.
Vo vozni tretej triedy, 1862. O. Daumier (1808-1879). Jeden z najoriginálnejších umelcov svojej doby. Balzac ho prirovnal k Michelangelovi. Daumier sa však preslávil svojimi politickými karikatúrami. „V aute tretej triedy“ predstavuje neidealizovaný obraz robotníckej triedy
Čítajúca žena. K. Corot (1796-1875). Slávny francúzsky umelec sa zaujímal najmä o hru svetla a bol predchodcom impresionistov. Jeho tvorba zároveň nesie punc realizmu.
Impresionisti vykonali skutočnú revolúciu v maliarskych technikách. Zvyčajne pracovali vonku. Farby a svetlo zohrali v ich tvorbe oveľa väčšiu úlohu ako samotná kresba. Vynikajúcimi impresionistickými umelcami boli Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Impresionizmus mal obrovský vplyv na takých veľkých majstrov štetca, akými boli Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin.
dojem. Východ slnka, 1882. Claude Monet (1840-1926) často maľoval tie isté predmety v rôznych časoch dňa, aby preskúmal vplyv svetla na farbu a tvar.
Slnečnice vo váze. V. Van Gogh (1853-1890)
Dedinský kostol. V. Van Gogh
Ia Orana Maria. P. Gauguin (1848-1903). Umelcova nespokojnosť s európskym spôsobom života ho prinútila opustiť Francúzsko a žiť na Tahiti. Na formovanie jeho umeleckého štýlu mali obrovský vplyv miestne umelecké tradície a rozmanitosť okolitého sveta.
Ružová a zelená. E. Degas (1834-1917)
Dievča s mandolínou, 1910. Pablo Picasso (1881-1973). Španielsky maliar, ktorý pôsobil vo Francúzsku. Už ako desaťročný bol výtvarníkom a v šestnástich sa konala jeho prvá výstava. Vydláždili cestu kubizmu – revolučnému hnutiu v umení 20. storočia. Kubisti upustili od zobrazovania priestoru a vzdušnej perspektívy. Predmety a ľudské postavy sú transformované do kombinácie rôznych (rovných, konkávnych a zakrivených) geometrických línií a rovín. Kubisti hovorili, že maľujú nie tak, ako vidia, ale ako vedia
Dáždniky. O. Renoir
Podobne ako poézia, aj maľba tejto doby je plná úzkostných a nejasných predtuchov. V tomto smere je veľmi príznačná tvorba talentovaného francúzskeho symbolistického umelca Odilona Redona (1840-1916). Jeho senzačný v 80. rokoch. Kresba Pavúka je zlovestnou predzvesťou prvej svetovej vojny. Pavúk je zobrazený s strašidelnou ľudskou tvárou. Jeho chápadlá sú v pohybe a agresívne. V divákovi zostáva pocit blížiacej sa katastrofy.
Architektúra. Rozvoj priemyselnej civilizácie mal obrovský vplyv na európsku architektúru. Vedecký a technologický pokrok prispel k inováciám. V 19. storočí Veľké budovy štátneho a verejného významu sa stavali oveľa rýchlejšie. Odvtedy sa v stavebníctve začali používať nové materiály, najmä železo a oceľ. S rozvojom továrenskej výroby, železničnej dopravy a veľkých miest sa objavili nové typy stavieb - vlakové stanice, oceľové mosty, banky, veľké obchody, výstavné budovy, nové divadlá, múzeá, knižnice.
Architektúra v 19. storočí. sa vyznačoval rozmanitosťou štýlov, monumentálnosťou a praktickým účelom.
Fasáda budovy parížskej opery. Postavený v rokoch 1861-1867. Vyjadruje eklektický smer, inšpirovaný obdobím renesancie a baroka
V priebehu storočia bol najbežnejší neoklasicistický štýl. Budova Britského múzea v Londýne, postavená v rokoch 1823-1847, dáva jasnú predstavu o starovekej (klasickej) architektúre. Až do 60-tych rokov. Módny bol takzvaný „historický štýl“, vyjadrený romantickou imitáciou architektúry stredoveku. Koncom 19. stor. dochádza k návratu ku gotike v stavbe kostolov a verejných budov (neogotika, t.j. nová gotika). Napríklad Houses of Parliament v Londýne. Oproti neogotike vznikol nový smer, secesia (nové umenie). Charakterizovali ho kľukaté hladké obrysy budov, priestorov a detailov interiéru. Na začiatku 20. stor. Vznikol ďalší smer – modernizmus. Secesný štýl sa vyznačuje praktickosťou, prísnosťou a premyslenosťou a nedostatkom dekorácie. Práve tento štýl odrážal podstatu priemyselnej civilizácie a je najviac spojený s našou dobou.
Vo svojej nálade európske umenie konca 19. – začiatku 20. storočia. bol kontrastný. Na jednej strane optimizmus a prekypujúca radosť zo života. Na druhej strane chýba viera v tvorivé schopnosti človeka. A netreba v tom hľadať rozpory. Umenie len svojím spôsobom odrážalo to, čo sa dialo v skutočnom svete. Oči básnikov, spisovateľov a umelcov boli bystrejšie a bystrejšie. Videli to, čo iní nevideli a nemohli vidieť.
Starožitné zátišie, "Kytica s makom", Západná Európa. Druhá tretina 19. storočia
Starožitné zátišie "Kytica s hroznom a broskyňou". Západná Európa, 1839.
Horská krajina so zrúcaninami hradu. Západná Európa, 1846.
Dovolenka v parku. Západná Európa 1903
Portrét dievčaťa. Západná Európa, prvá polovica 19. storočia.
Hrozno a kvety. Západná Európa, koniec 19. storočia.
Jablká a hrozno. západnej Európe. Prvá tretina 20. storočia
Vintage zátišie s hroznom a ovocím. Západná Európa, 1869
Starožitné zátišie s kvetmi. Západná Európa, 1821
Starožitné zátišie s karafiátmi. Západná Európa, začiatok 20. storočia.
Vintage zátišie s melónom, jablkami a hroznom. Západná Európa, začiatok 20. storočia.
Starožitné zátišie s chryzantémami. Západná Európa, začiatok 20. storočia.
Vintage zátišie s hroznom a broskyňami. Západná Európa, 1876.
Vintage zátišie váza s tekvicami. Západná Európa, koniec 19. storočia.
Bitka anglickej jazdy s francúzskou pechotou. Západná Európa, druhá polovica 19. storočia.
Starožitné zátišie s čerešňami a hroznom. Západná Európa, polovica 19. storočia.
Holandská zimná krajina. Západná Európa, druhá polovica 10. storočia.
Starožitné zátišie: flox. Západná Európa, začiatok 20. storočia
Nábrežie. Západná Európa, koniec 19. storočia
Prímorská krajina. Západná Európa, koniec 19. storočia
Starožitné zátišie: astry vo vyrezávanej drevenej váze Západná Európa, začiatok 20. storočia
Staroveké zátišie: kvety na pozadí fontány. Západná Európa, Holandsko, polovica 19. storočia
Starožitný obraz: "Holandské zátišie". Západná Európa, začiatok 18. storočia
Starožitné zátišie: kytica kvetov. Západná Európa, koniec 19. storočia
Staroveká krajina: "Na brehu jazera." Západná Európa, 1894.
Staroveký obraz: "Lesný vodopád". Západná Európa, koniec 19. storočia.
Staroveká maľba: "Cancan". Západná Európa, začiatok 20. storočia.
Staroveký obraz: "Chlapec pri sporáku". Západná Európa, koniec 19. storočia.
Staroveký obraz: "Krajina s jazdcom". Západná Európa, koniec 17. storočia.
Starožitné zátišie: tulipány v čínskej váze. Západná Európa, začiatok 20. storočia
Staroveký obraz: "Jesenná krajina". Západná Európa, začiatok 20. storočia.
Starožitné zátišie: "Kvety". Západná Európa, 1885.
Starožitné zátišie: "Váza s astrami a hortenziami." Západná Európa, začiatok 20. storočia.
Staroveká maľba: "Mestská krajina". Západná Európa, druhá polovica 19. storočia.
Staroveký obraz: "Kytica chryzantém". Západná Európa, prvá polovica 20. storočia.
Staroveká maľba: "Panoráma Paríža s výhľadom na Ile de la Cité." Západná Európa, 1840.
Starožitný akvarel: "Portrét umelcových detí" z maľby od Rubensa. Západná Európa, 30. roky 19. storočia.
Staroveký obraz: "Na verande hotela." Západná Európa, 1878.
Staroveký obraz: "Pri studni". Západná Európa, 1877.
Starožitné zátišie: "Ovocie a kvety". Západná Európa, 1886.
Starožitný obraz: "Vodopád v horách." Západná Európa, 1852.
Staroveký obraz: "Vzorka vína". Západná Európa, koniec 19. storočia.
Staroveký obraz: "Loď v Neapolskom zálive." Západná Európa, koniec 19. storočia
Staroveký obraz: "Mušketier s karafou vína." Západná Európa, začiatok 20. storočia.
Starožitný obraz: "Pobrežie Cornwallu". Západná Európa, začiatok 20. storočia. Umelec: G. Berlau,
Staroveký obraz: "Nádvorie Palazzo Vecchio vo Florencii." Západná Európa, posledná štvrtina 19. storočia
Starožitné zátišie: "Jesenné kvety v kvetináčoch." Západná Európa, druhá polovica 19. storočia.
Staroveký obraz: "Holandský prístav". Západná Európa, Umelec: Jan KUYPERS
Staroveký obraz: "Brúsič organov a mušketieri." Západná Európa, 1882.
Staroveká maľba: „Holandská žánrová scéna“. Západná Európa, prvá polovica 19. storočia.
Staroveký obraz: "Zátišie s ružami". Západná Európa, 1877
Pobrežná krajina s loďami a plachetnicami. Západná Európa, 1877 Umelec: Moris H
Staroveký obraz: "Horská rieka v lese." Západná Európa, 1900
Staroveký obraz: "Psy". Západná Európa, 1899
Staroveký obraz: "Lov na jelene". Západná Európa, 1840-1850
Staroveká maľba: "Talianska krajina s riekou." Západná Európa, 1835.
Staroveký obraz: "V maštali". Západná Európa, polovica 19. storočia. Umelec: Wouterus I VERSCHUUR
Staroveká maľba: "Talianska žánrová scéna". Západná Európa, Taliansko, 1844. Umelec: Rauch I. N.
Je to pre mňa zaujímavé: Slovania toľko drmolili o „Neumývanej Európe“. Prečo po sebe Slovania nemohli zanechať rovnaké obrazy ako v Európe toho istého obdobia: časy vojny Tsariruski-Konde, kráľovská rodina so Slovanmi v rokoch 1853-1921?
Čo robili Slovania: Nikolaevskí židovskí sovietski vojaci starej Červenej (pruskej) gardy Elstona-Sumarokova v Rusku, ktoré zajali, v rokoch 1861-1921? ?
Tak ako zrušili nevoľníctvo pre Žida Puškina, potomka škaredých černochov, a dali Židom všetky práva, v Rusku, ktoré zajali, neurobili nič hodnotné. Len práva pre Židov od roku 1861 - to sú všetky výdobytky slovanskej revolúcie židovských sovietskych vojakov Elstona-Sumarokova. Prečo celá Červená (sovietska) armáda Slovanov, ľudu Kanaánu, bojovala v rokoch 1853-1921 proti ruským cárom?
Ale čo s tým? Zlý Tsariruski-Konde, Bieli generáli, odišli do Paríža s celým Petrohradom a Moskvou a poslali Slovanov do pekla, našich nevoľníkov, ešte v roku 1854, dávno pred nevoľníctvom židovských vojakov Elstona-Sumarokova. A odmietli financovať hmotný a morálny blahobyt slovanských židovských sovietskych roľníkov, starej Červenej (pruskej) gardy.
A kto bude pracovať?! No to nie my, slovanskí sovietski roľníci, stará červená (pruská) garda, diktatúra proletariátu!
Je dobré, že aspoň ich v rokoch 1853-1871 nepustila do Európy celá Červená (židovská) armáda Slovanov Elston-Sumarokova. Tsariruski-Konde, bieli králi anjelov, utiekli z Európy. Inak by teraz Európa stála v rovnakej podobe ako Rusko, zajaté Slovanmi, po 150 rokoch sovietskej okupácie Slovanov: židovskí sovietski vojaci, stará červená (pruská) garda.
17.3 Európske maliarstvo 19. storočia.
17.3.1 Francúzske maliarstvo . Prvé dve desaťročia 19. storočia. v dejinách francúzskeho maliarstva sa označujú ako revolučný klasicizmus. Jeho vynikajúcim predstaviteľom bol J.L. Dávid (1748– 1825), ktorého hlavné diela vytvoril v 18. storočí. Diela 19. storočia. - toto je práca s dvorný maliar Napoleona– „Napoleon v priesmyku Saint Bernard“, „Korunovácia“, „Leonidas pri Termopylách“. David je tiež autorom krásnych portrétov, napríklad portrétu Madame Recamier. Vytvoril veľkú školu študentov a predurčil vlastnosti umelecký z empírového štýlu.
Dávidovým žiakom bol J. O. Ingres (1780– 1867), ktorý premenil klasicizmus na akademické umenie a na dlhé roky oponoval pre romantikov. Ingres - autor pravdivého akútna portréty („L. F. Bertin“, „Madame Rivière“ atď.) a maľby v štýle akademický klasicizmus („Apoteóza Homéra“, „Jupiter a Themis“).
Romantizmus francúzskeho maliarstva prvej polovice 19. storočia– ide o obrazy T. Gericaulta (1791 – 1824) („Plť Medúzy“ a „Epsomské derby atď.“) a E. Delacroix (1798 – 1863), autor slávneho obrazu „Liberty Leading the People“.
Realistický smer v maliarstve prvej polovice storočia predstavujú diela G. Courbeta (1819– 1877), autor termínu „realizmus“ a obrazov „Drvič kameňa“ a „Pohreb v Ornans“, ako aj diela J. F. Millet (1814 – 1875), spisovateľ každodenného života roľníkov a („Zberači“, „Muž s motykou“, „Rozsievač“).
Významný fenomén európskej kultúry druhej polovice 19. storočia. Existoval umelecký štýl nazývaný impresionizmus, ktorý sa rozšíril nielen v maľbe, ale aj v hudbe a beletrii. A predsa to vzniklo v maliarstve.
V dočasnom umení sa akcia odvíja v čase. Zdá sa, že maľba dokáže zachytiť len jeden jediný moment v čase. Na rozdiel od kina má vždy jeden „rámček“. Ako môže sprostredkovať pohyb? Jedným z týchto pokusov zachytiť skutočný svet v jeho pohyblivosti a premenlivosti bol pokus tvorcov maliarskeho smeru nazývaného impresionizmus (z francúzskeho impresia). Toto hnutie spojilo rôznych umelcov, z ktorých každého možno charakterizovať nasledovne. impresionista je umelec, ktorý odovzdáva svoje priamy dojem prírody, vidí v nej krásu premenlivosti a nestálosti, v vytvára vizuálny vnem jasného slnečného svetla, hru farebných tieňov, pomocou palety čistých, nemiešaných farieb, z ktorých je vylúčená čierna a šedá.
V obrazoch takých impresionistov ako C. Monet (1840-1926) a O. Renoir (1841-1919), na začiatku 70. rokov XIX. objavuje sa vzdušná hmota, ktorá má nielen určitú hustotu, ktorá vypĺňa priestor, ale aj pohyblivosť. Slnečné svetlo prúdi a para stúpa z vlhkej zeme. Voda, topiaci sa sneh, zoraná zem, hojdajúca sa tráva na lúkach nemajú jasné, zamrznuté obrysy. Pohyb, ktorý bol predtým vnášaný do krajiny ako obraz pohybujúcich sa postáv, ako výsledok pôsobenia prírodných síl– vietor, poháňajúci oblaky, kolísanie stromov, teraz vystrieda pokoj. Ale tento pokoj neživej hmoty je jednou z foriem jej pohybu, ktorý je prenášaný samotnou textúrou maľby - dynamickými ťahmi rôznych farieb, ktoré nie sú obmedzené pevnými líniami kresby.
Nový štýl maľby verejnosť okamžite neprijala, obvinila umelcov, že nevedia kresliť a farby zoškrabané z palety hádžu na plátno. Monetove ružové rouenské katedrály sa teda zdali divákom aj kolegom umelcov nepravdepodobné.- to najlepšie z umelcovej maliarskej série („Ráno“, „S prvými lúčmi slnka“, „Poludnie“). Umelec nie je sa snažil znázorniť katedrálu na plátne v rôznych časoch dňa– súťažil s majstrami gotiky, aby pohltil diváka do kontemplácie magických svetelných a farebných efektov. Fasáda rouenskej katedrály, podobne ako väčšina gotických katedrál, ukrýva mystickú podívanú na ľudí, ktorí ožívajú. x zo slnečného žiarenia jasných farebných vitráží interiéru. Osvetlenie vo vnútri katedrál sa mení podľa toho, z ktorej strany svieti slnko, či je zamračené alebo jasné počasie. Slnečné lúče, prenikajúce cez intenzívnu modrú a červenú farbu vitráže, sú farebné a dopadajú vo farebných odleskoch na podlahu.
Slovo „impresionizmus“ vďačí za svoj vzhľad jednému z Monetových obrazov. Tento obraz bol skutočne extrémnym vyjadrením inovácie vznikajúcej metódy maľovania a bol nazvaný „Východ slnka v Le Havre“. Zostavovateľ katalógu obrazov pre jednu z výstav navrhol, aby to umelec nazval inak, a Monet, ktorý prečiarkol „v Le Havre“, uviedol „dojem“. A niekoľko rokov po objavení sa jeho diel napísali, že Monet „odhaľuje život, ktorý nikto pred ním nedokázal pochopiť, o ktorom nikto ani nevedel“. V Monetových obrazoch si začali všímať znepokojujúceho ducha zrodu novej éry. V jeho tvorbe sa tak objavil „serializmus“ ako nový fenomén maľby. A zamerala sa na problém času. Umelcov obraz, ako už bolo uvedené, vytrháva zo života jeden „rámec“ so všetkou jeho neúplnosťou a neúplnosťou. A to dalo impulz vývoju série, ktorá sa postupne nahrádzala. Okrem rouenských katedrál Monet vytvára sériu Gare Saint-Lazare, v ktorej sú obrazy navzájom prepojené a dopĺňajú sa. Nebolo však možné spojiť „rámce“ života do jednej pásky dojmov v maľbe. To sa stalo úlohou kinematografie. Historici kinematografie sa domnievajú, že dôvodom jej vzniku a širokého rozšírenia neboli len technické objavy, ale aj naliehavá umelecká potreba pohyblivého obrazu. A obrazy impresionistov, najmä Moneta, sa stali príznakom tejto potreby. Je známe, že jednou zo zápletiek prvého filmového predstavenia v histórii, ktorý zorganizovali bratia Lumièrovci v roku 1895, bol „Príchod vlaku“. Parné lokomotívy, stanica a koľajnice boli predmetom série siedmich obrazov „Gare Saint-Lazare“ od Moneta, vystavených v roku 1877.
Vynikajúci impresionistický umelec bol O. Renoir. K jeho dielam („Kvety“, „Mladý muž na prechádzke so psami v lese Fontainebleau“, „Váza s kvetmi“, „Kúpanie v Seine“, „Lisa s dáždnikom“, „Dáma v člne“, „Jazdci v Bois de Boulogne“, „Ples v Le Moulin de la Galette“, „Portrét Jeanne Samary“ a mnohých ďalších) sú slová francúzskeho umelca E. Delacroixa „Prvá cnosť každého obrazu“ celkom použiteľné.- byť slávnostný m pre oči." Renoirovo meno- synonymum krásy a mladosti, toho obdobia ľudského života, keď je duševná sviežosť a rozkvet fyzických síl v úplnom súlade. Žijúc v ére akútnych sociálnych konfliktov ich nechal mimo svojich plátien a sústredil sa na to prebudenie do krásnych a svetlých stránok ľudskej existencie. A v tejto polohe nebol medzi umelcami sám. Dvesto rokov pred ním veľký flámsky umelec Peter Paul Rubens namaľoval obrazy obrovského princípu, ktorý potvrdzuje život („Perseus a Andromeda“). Takéto obrázky dávajú človeku nádej. Každý človek má právo na šťastie a hlavným významom Renoirovho umenia je, že každý z jeho obrazov potvrdzuje nedotknuteľnosť tohto práva.
Koncom 19. storočia sa v európskom maliarstve objavil postimpresionizmus. Jej predstavitelia– P. Cezanne (1839 – 1906), V. Van Gogh (1853 – 1890), P. Gauguin (1848 - 1903), pričom od impresionističistota farieb, hľadali sme konštantné princípy existencie, zovšeobecňujúce maliarske metódy, filozofické a symbolické aspekty tvorivosti. Cezannove obrazy– ide o portréty („Fajčiarka“), krajinky („Bank of the Marne“), zátišia („Zátišie s košíkom ovocia“).
Van Goghove obrazy- „Chaty“, „Po daždi“, „Chôdza väzňov“.
Gauguin má črty svetonázorového romantizmu. V posledných rokoch svojho života, uchvátený životom polynézskych kmeňov, ktoré si podľa jeho názoru zachovali primitívnu čistotu a celistvosť, odišiel na ostrovy Polynézie, kde vytvoril niekoľko obrazov, ktorých základom bola tzv. primitivizácia formy, túžba priblížiť sa k umeleckým tradíciám domorodcov („Žena držiaca ovocie“, „Tahitská pastorácia“, „Nádherná jar“).
Pozoruhodný sochár 19. storočia. bol O. Rodin (1840– 1917), ktorý vo svojej tvorbe spájal impresionistický romantizmus a expresionizmus s realistické vyhľadávania. Vitalita obrazov, dráma, vyjadrenie intenzívneho vnútorného života, gestá, ktoré pokračujú v čase a priestore (čo sú Túto sochu nie je možné zhudobniť a balet, zachytiť nestálosť okamihu- to všetko spolu vytvára v podstate romantický obraz a úplne impresionistický videnie . Túžba po hlbokých filozofických zovšeobecneniach („doba bronzová“, „ Citizens of Calais“, socha venovaná hrdinovi storočnej vojny, ktorý sa obetoval, aby zachránil obliehané mesto, pracuje pre „Brány pekla“, vrátane „The Thinker“) a túžbu ukázať momenty absolútnej krásy a šťastie ("Večná jar", "Pas de -de")– hlavné črty tvorby tohto umelca.
17.3.2 Anglická maľba. Výtvarné umenie Anglicka v prvej polovici 19. storočia.- toto je krajinomaľba, svetlá zástupcovia ktorými boli J. Constable (1776 – 1837), anglický predchodca impresionisti(„Vozík na seno cez Ford“ a „Žitné pole“) a U. Turner (1775 – 1851), ktorého obrazy ako Dážď, Para a Rýchlosť, "stroskotanie lode", sa vyznačuje vášňou pre farebné fantazmy.
V druhej polovici storočia vytvoril svoje diela F. M. Brown (1821– 1893), ktorý bol právom považovaný za „Holbeina 19. storočia“. Brown je známy svojimi historickými dielami (Chaucer na dvore Edwarda III. a Lear a Cordelia), ako aj svojimi obrazmi aktu. tradičné každodenné témy („Posledný pohľad na Anglicko“, „Práca“).
Tvorivé združenie „Prerafaelské bratstvo“ („Prerafaeliti“) vzniklo v roku 1848. Hoci jeho zjednocujúcim jadrom bola vášeň pre diela umelcov ranej renesancie (pred Rafaelom), každý člen tohto bratstva mal svoju vlastnú tému. a vlastné umelecké krédo. Teoretikom bratstva bol anglický kultúrny vedec a estetik J. Ruskin, ktorý načrtol pojem romantizmu vo vzťahu k podmienkam Anglicka polovice storočia.
Ruskin, spájajúc umenie vo svojich dielach so všeobecnou úrovňou kultúry krajiny, vidiac v umení prejav morálnych, ekonomických a sociálnych faktorov, sa snažil presvedčiť Britov, že predpokladmi krásy sú skromnosť, spravodlivosť, čestnosť, čistota a nenáročnosť. .
Prerafaeliti tvorili obrazy s náboženskými a literárnymi námetmi, umelecky navrhovali knihy a rozvíjali dekoratívne umenie a snažili sa oživiť princípy stredovekých remesiel. Pochopenie nebezpečného trendu pre dekoratívne umenie- jeho odosobnenie strojovou výrobou, anglický umelec, básnik a verejný činiteľ W. Morris (1834 – 1896) organizoval umelecké a priemyselné dielne na výrobu tapisérií, látok, vitráží a iných predmetov pre domácnosť, na ktoré sa používali kresby dokončil on sám a prerafaelskí umelci.
17.3.3 Španielska maľba. Goya . Diela Francisca Goyu (1746– 1828) patrí do dvoch storočí – XVIII a XIX. Mal veľký význam pre formovanie európskeho romantizmu. Kreatívne nás Umelcov život je bohatý a pestrý: maľby, portréty, grafiky, fresky, rytiny, lepty.
Goya používa najdemokratickejšie témy (lupiči, pašeráci, žobráci, účastníci pouličných bitiek a hier- postavy na jeho obrazoch). Po prijatí v roku 1789 titul Pridv Ústny umelec Goya predvádza obrovské množstvo portrétov: kráľa, kráľovnej, dvoranov („Rodina kráľa Karola IV.“). Zhoršujúci sa zdravotný stav umelca spôsobil zmenu tém jeho diel. Obrazy charakterizované zábavnou a rozmarnou fantáziou („Karneval“, „Hra slepých bluffov“) sú nahradené plátnami plnými tragédie („Inkvizičný tribunál“, „Blázinec“). A za nimi nasleduje 80 leptov „Capriccios“, na ktorých umelec pracoval viac ako päť rokov. Význam mnohých z nich zostáva dodnes nejasný, zatiaľ čo iné boli interpretované v súlade s ideologickými požiadavkami svojej doby.
Goya pomocou symbolického, alegorického jazyka vykresľuje desivý obraz krajiny na prelome storočí: nevedomosť, povery, úzkoprsosť ľudí, násilie, tmárstvo, zlo. Lept „Spánok rozumu rodí príšery“– strašné príšery obklopujú spiaceho človeka, netopiere, sovy a iných zlých duchov. Samotný umelec svoje diela vysvetľuje takto: „Presvedčený o tejto kritike človekzlozvykyAmylné predstavy, HociAzdá saoblasť oratória a poézie, môže byť aj predmetom živého opisu, umelec si pre svoju tvorbu vybral z množstva extravagancií a absurdít, ktoré sú vlastné každej občianskej spoločnosti, ako aj z bežných predsudkov a povier, legitimizovaných zvykom, nevedomosťou alebo vlastným -záujem, tie, ktoré považoval za obzvlášť vhodné na zosmiešnenie a zároveň na precvičenie fantázie.“
17.3.4 Moderné – konečná štýl európsky maľovanie XIX V . Najznámejšie diela vytvorené v európskom maliarstve 19. storočia. v secesnom štýle boli diela anglického umelca O. Beardsleyho (1872– 1898). OnilustrovanýpráceO. Wilde ("Salome"), vytvorenéelegantnýgrafickýfantázie, očarenýcelýgenerácieEurópanov. IbačiernaAbielabolinástrojovnapro práci: hárok bieleho papiera a fľaša čierneho atramentu a technika podobná najjemnejšej čipke („The Secret Rose Garden“, 1895). Beardsleyho ilustrácie sú ovplyvnené japonskou tlačou a francúzskym rokokom, ako aj dekoratívnym manierizmom secesie.
Secesný štýl, ktorý sa objavil okolo roku 1890– 1910 yy., charakterizovanédostupnosťvinutielinky, pripomínajúcikučeryvlasy, štylizovanékvetyArastliny, jazykochplameň. štýltotobolširokýbežnéAVmaľovanieAVarchitektúra. TotoilustrácieAngličanAhojrdsley, plagáty a playbills od Čecha A. Muchu, obrazy od Rakúšana G. Klimta, lampy a kovové výrobky od Tiffanyho, architektúra od Španiela A. Gaudiho.
Ďalší výnimočný fenomén fin-de-siècle modernizmu– nórskyumelecE. Munch (1863 – 1944). SlávnymaľovanieMunch« Scream (1893)– zloženýČasťjehozásadnýcyklu"Vlysživot", cezktoréumelecpracovaldlhýrokov. Následnepráce"kričať"MunchopakovanéVlitografie. Maľovanie"kričať"vysielaštátuextrémnaemocionálnenapätieosoba, onaolitsvytvára zúfalstvo osamelého človeka a jeho volanie o pomoc, ktorú mu nikto nemôže poskytnúť.
Najväčší umelec vo Fínsku A. Galen-Kallela (1865– 1931) Vštýlmodernéilustrovanýepický"Kalevala". Zapnutéjazykempirickýrealityje to zakázanépovedaťo legendárnom starcovi– kováčIlmarinen, ktorékovanýobloha, dať dokopynebeská klenba, spútanýodoheňorol; OmatiekLemminkäinen, vzkriesenýjehozabitýsyna; OspevákVäinämöinene, ktoré"zahundralzlatovianočný stromček", Gallel- Kallelaspravovanéodovzdaťnarjedna sila starých Karelských run v jazyku moderny.
Mnohopočetnosť umeleckých pohybov v 19. storočí bola dôsledkom procesu modernizácie. Umelecký život spoločnosti teraz určoval nielen cirkevný diktát a móda dvorných kruhov. Zmena sociálnej štruktúry so sebou priniesla aj zmenu vnímania umenia v spoločnosti: vznikajú nové sociálne vrstvy bohatých a vzdelaných ľudí, schopných samostatne hodnotiť umelecké diela, zameriavajúc sa len na požiadavky vkusu. Práve v 19. storočí sa začala formovať masová kultúra; prototypom televíznych seriálov v umení 20. storočia sa stali noviny a časopisy, ktoré vydávali dlhé romány so zábavnou zápletkou od čísla k číslu.
V prvej polovici 19. storočia sa v Európe rozvinul mestský rozvoj v nebývalom rozsahu. Väčšina európskych metropol - Paríž, Petrohrad, Berlín - získala svoj charakteristický vzhľad; zvýšila sa úloha verejných budov v ich architektonických súboroch. Symbolom Paríža je slávna Eiffelova veža, postavená v roku 1889 pri príležitosti otvorenia svetovej výstavy. Eiffelova veža demonštrovala technické možnosti nového materiálu – kovu. Pôvodné výtvarné riešenie však nebolo hneď uznané, vežu žiadali zbúrať a označili za monštruóznu.
Neoklasicizmus v prvej polovici 19. storočia. zažil neskorý rozkvet, teraz dostáva názov Empire (z francúzskeho „impéria“), tento štýl vyjadroval veľkosť ríše, ktorú vytvoril Napoleon. V polovici storočia bolo hlavným problémom európskej architektúry hľadanie štýlu. V dôsledku romantickej fascinácie antikou sa mnohí majstri pokúšali oživiť architektonické tradície minulosti - tak vznikla neogotika, neorenesancia, neobarok. Úsilie architektov často viedlo k eklekticizmu - mechanickému spojeniu prvkov rôznych štýlov, starých a nových.
V umeleckom živote prvej polovice 19. storočia prevládal romantizmus odrážajúci sklamanie z ideológie osvietenstva. Romantizmus sa stal osobitným svetonázorom a spôsobom života. Romantický ideál jedinca nepochopeného spoločnosťou formuje správanie jej vyšších vrstiev. Romantizmus je charakterizovaný protikladom dvoch svetov: skutočného a imaginárneho. Skutočná realita je vnímaná ako neduchovná, neľudská, nehodná človeka a odporujúca mu. „Próza života“ reálneho sveta je v kontraste so svetom „poetickej reality“, svetom ideálu, snov a nádejí. Vidiac svet nerestí v súčasnej realite, romantizmus sa snaží nájsť východisko pre človeka. Tento východ je zároveň rozdielnym odchodom zo spoločnosti: hrdina ide do vlastného vnútorného sveta, za hranice skutočného priestoru a do iného času. Romantizmus si začína idealizovať minulosť, najmä stredovek, vidiac v nej realitu, kultúru a hodnoty.
Hlavou francúzskeho romantizmu v maliarstve bol predurčený stať sa Eugenom Delacroixom (1798-1863). Nevyčerpateľná fantázia tohto umelca vytvorila celý svet obrazov, ktoré stále žijú na plátne svojím intenzívnym životom plným boja a vášne. Delacroix často čerpal motívy z diel Williama Shakespeara, Johanna Wolfganga Goetheho, Georga Byrona, Waltera Scotta a obracal sa k udalostiam Veľkej francúzskej revolúcie a iným epizódam národných dejín („Bitka pri Poitiers“). Delacroix zachytil početné zábery ľudí z Východu, najmä Alžírčanov a Maročanov, ktorých videl počas svojej cesty do Afriky. Delacroix vo svojom diele „Masaker na ostrove Chios“ (1824) reflektoval boj Grékov proti tureckej nadvláde, ktorý vtedy znepokojoval celú Európu. Skupinu trpiacich zajatých Grékov v popredí obrazu autor postavil do protikladu so ženou rozrušenou žiaľom a dieťaťom plaziacim sa k hrudi mŕtvej matky s arogantnými a krutými postavami represívnych zložiek; V diaľke je vidieť horiace zničené mesto. Obraz ohromil súčasníkov tak úchvatnou silou ľudského utrpenia, ako aj jeho nezvyčajne odvážnym a zvučným zafarbením.
Udalosti júlovej revolúcie v roku 1830, ktorá sa skončila porážkou revolúcie a obnovením monarchie, inšpirovali Delacroixa k vytvoreniu známeho obrazu „Sloboda na barikádach“ (1830). Žena, ktorá vztýčila trojfarebnú vlajku Francúzskej republiky, predstavuje slobodu. Obraz slobody na barikádach je zosobnením boja.
Svetoznámym predstaviteľom romantizmu bol španielsky umelec Francisco Goya (1746–1828) pomerne neskoro. Prvý významný úspech mu priniesli dve série (1776 – 1791) početných tapisérií vytvorených pre kráľovskú manufaktúru Santa Barbara v Madride („Dáždnik“, „Slepý gitarista“, „Predavač riadu“, „The Game of Blind Man's Bluff, „The Wedding“). V 90. rokoch V 18. storočí v Goyovom diele narástli črty tragédie a nepriateľstva voči feudálno-klerikálnemu Španielsku „starého poriadku“. Goya odhaľuje škaredosť svojich morálnych, duchovných a politických základov v groteskno-tragickej forme, živiacej sa folklórnym pôvodom, vo veľkej sérii leptov „Caprichos“ (80 listov s autorovými komentármi); Odvážna novosť umeleckého jazyka, ostrá expresivita línií a ťahov, kontrasty svetla a tieňa, spojenie grotesky a reality, alegórie a fantázie, spoločenská satira a triezvy rozbor reality otvorili nové cesty pre rozvoj európskeho rytia. V 90-tych rokoch 19. storočia – začiatkom 19. storočia dosiahlo Goyovo portrétovanie výnimočný rozkvet, v ktorom alarmujúci pocit osamelosti (portrét Senory Bermudezovej), odvážna konfrontácia a výzva voči prostrediu (portrét F. Guillemardeta), vôňa tajomstva a skrytej zmyselnosti (Maja oblečená " a "Makha nahá"). S úžasnou silou expozície umelec zachytil aroganciu, fyzickú a duchovnú úbohosť kráľovskej rodiny v skupinovom portréte „Rodina Karola IV. Goyove veľké obrazy venované boju proti francúzskej intervencii („Povstanie 2. mája 1808 v Madride“, „Poprava rebelov v noci 3. mája 1808“) a séria leptov „Vojnové katastrofy“ ( 82 listy, 1810–1820).
Francisco Goya „Caprichos“
Ak v literatúre subjektivita umelcovho vnímania odhaľuje symboliku, potom v maľbe robí podobný objav impresionizmus. Impresionizmus (z francúzskeho impresia – impresia) je smer v európskom maliarstve, ktorý vznikol vo Francúzsku v polovici 19. storočia. Impresionisti sa v kresbe vyhýbali akýmkoľvek detailom a snažili sa zachytiť celkový dojem z toho, čo oko v konkrétnom okamihu vidí. Tento efekt dosiahli pomocou farby a textúry. Umelecké poňatie impresionizmu bolo postavené na túžbe prirodzene a prirodzene zachytiť svet okolo nás v jeho premenlivosti, sprostredkovať naše prchavé dojmy. Umelci barbizonskej školy pripravili úrodnú pôdu pre rozvoj impresionizmu: ako prví namaľovali skice zo života. Princíp „maľovať to, čo vidíte vo svetle a vo vzduchu“ tvoril základ plenérovej maľby impresionistov.
V 60. rokoch 19. storočia sa mladí žánroví umelci E. Manet, O. Renoir, E. Degas snažili vdýchnuť francúzskej maľbe sviežosť a spontánnosť pozorovania života, zobrazovanie okamžitých situácií, nestálosť a nevyváženosť foriem a kompozícií, nezvyčajné uhly a pointy zobraziť . Práca vonku pomohla vytvoriť na plátnach pocit trblietavého snehu, bohatosť prírodných farieb, rozpúšťanie predmetov v prostredí, vibrácie svetla a vzduchu. Impresionistickí umelci venovali osobitnú pozornosť vzťahu objektu s jeho prostredím, pričom študovali zmeny farby a tónu objektu v meniacom sa prostredí. Na rozdiel od romantikov a realistov už neinklinovali k zobrazovaniu historickej minulosti. Ich oblasťou záujmu bola modernosť. Život malých parížskych kaviarní, hlučné uličky, malebné brehy Seiny, železničné stanice, mosty, nenápadná krása vidieckej krajiny. Umelci už nechcú riešiť naliehavé sociálne problémy.
Dielo Edouarda Maneta (1832-1883) predchádzalo novému smeru v maľbe - impresionizmu, ale samotný umelec sa k tomuto hnutiu nepridal, hoci pod vplyvom impresionistov trochu zmenil svoj tvorivý štýl. Manet vyhlásil svoj program: „Žiť svoj čas a zobrazovať to, čo vidíte pred sebou, objavovať skutočnú krásu a poéziu v každodennom toku života. Zároveň vo väčšine Manetových diel nebola žiadna akcia, dokonca ani minimálna zápletka. Paríž sa stáva stálym motívom Manetovej tvorby: mestský dav, kaviarne a divadlá, ulice hlavného mesta.
Edouard Manet „Bar at the Folies Bergere“
Edourd Manet „Hudba v Tuileries“
Samotnému názvu impresionizmu vďačí za svoj vznik krajine Claude Monet (1840-1926) „Dojem. Východ slnka".
V Monetovom diele nadobudol poprednú dôležitosť prvok svetla. Do 70. rokov. XIX storočia To zahŕňa úžasný „Boulevard des Capucines“, kde ťahy štetcom na plátne sprostredkúvajú perspektívu rušnej ulice ustupujúcej do diaľky, nekonečného prúdu kočov, ktoré sa po nej pohybujú, a veselého sviatočného davu. Namaľoval mnoho obrazov s rovnakým, ale inak osvetleným objektom pozorovania. Napríklad kopa sena ráno, na poludnie, večer, počas mesiaca, v daždi a pod.
Mnohé úspechy impresionizmu sú spojené s dielom Pierra Augusta Renoira (1841-1919), ktorý sa do dejín umenia zapísal ako „maliar šťastia“. Vo svojich obrazoch skutočne vytvoril zvláštny svet podmanivých žien a pokojných detí, radostnej prírody a krásnych kvetov. Počas svojho života Renoir maľoval krajiny, ale jeho povolaním zostalo zobrazovanie ľudí. Miloval maľovanie žánrových obrazov, kde s úžasnou názornosťou obnovoval ruch parížskych ulíc a bulvárov, nečinnosť kaviarní a divadiel, živosť vidieckych prechádzok a osláv pod holým nebom. Všetky tieto obrazy, maľované pod holým nebom, sa vyznačujú zvukovosťou farieb. Obraz „Moulin de la Galette“ (ľudový ples v záhrade tanečnej sály Montmarte) je majstrovským dielom Renoirovho impresionizmu. V ňom možno rozoznať živý rytmus tanca, mihotanie mladých tvárí. V kompozícii nie sú žiadne prudké pohyby a pocit dynamiky vytvára rytmus farebných škvŕn. Zaujímavá je priestorová organizácia maľby: popredie je dané zhora, sediace postavy nezakrývajú tanečníkov. V početných portrétoch dominujú deti a mladé dievčatá, tieto portréty odhaľujú jeho zručnosť: „Chlapec s mačkou“, „Dievča s vejárom“.
Aktívny účastník všetkých výstav Edgar Degas (1834 - 1917) mal ďaleko od všetkých zásad impresionistov: bol odporcom plenéru, nemaľoval zo života a nesnažil sa zachytiť charakter rôznych stavov prírody. Významné miesto v Degasovej tvorbe zaberá séria obrazov zobrazujúcich obnažené ženské telo. Mnohé z jeho obrazov z posledných rokov sú venované „žene na záchode“. V mnohých dielach Degas ukazuje charakteristické správanie a vzhľad ľudí, generované osobitosťami ich života, odhaľuje mechanizmus profesionálneho gesta, držania tela, pohybu človeka, jeho plastickú krásu („Ženy na žehlenie“, „Práčky s bielizňou “). Potvrdenie estetického významu života ľudí a ich každodenných činností odhaľuje jedinečný humanizmus Degasovej tvorby. Degasovo umenie sa vyznačuje kombináciou krásneho, niekedy fantastického a prozaického: prenášanie slávnostného ducha divadla v mnohých baletných scénach („Baletná hviezda“, „Baletná škola“, „Lekcia tanca“).
Postimpresionizmus zahŕňa obdobie od roku 1886, kedy sa konala posledná výstava impresionistov, na ktorej boli prvýkrát predstavené diela neoimpresionistov, až do 10. rokov 20. storočia, ktoré predznamenali zrod úplne nového umenia v podobe kubizmu a fauvizmu. Termín „postimpresionizmus“ zaviedol do angličtiny anglický kritik Roger Fry, čím vyjadril svoj všeobecný dojem z výstavy moderného francúzskeho umenia, ktorú zorganizoval v Londýne v roku 1910 a na ktorej boli prezentované diela Van Gogha, Toulouse-Lautreca, Seurata, Cezanna. a ďalší umelci.
Postimpresionisti, z ktorých mnohí sa predtým hlásili k impresionizmu, začali hľadať spôsoby vyjadrenia nielen momentálneho a prechodného – každým okamihom začali chápať dlhodobé stavy okolitého sveta. Postimpresionizmus sa vyznačuje rôznymi tvorivými systémami a technikami, ktoré ovplyvnili ďalší vývoj výtvarného umenia. Van Goghove diela predpokladali nástup expresionizmu, Gauguin vydláždil cestu secesii.
Vincent Van Gogh (1853-1890) vytvoril najživšie umelecké obrazy syntézou (kombináciou) kresby a farby. Van Goghovou technikou sú bodky, čiarky, zvislé čiary, plné škvrny. Jeho cesty, záhony a brázdy skutočne utekajú do diaľky a kríky horia na zemi ako vatry. Nezobrazil jeden zachytený moment, ale kontinuitu momentov. Nezobrazil daný efekt stromu ohýbaného vetrom, ale samotný rast stromu zo zeme vedel premeniť všetko náhodné do kozmického. Van Goghova duša sa dožadovala jasných farieb, neustále sa sťažoval svojmu bratovi na nedostatočnú silu aj jeho obľúbenej jasne žltej farby.
Hviezdna noc nebola prvým Van Goghovým pokusom o zobrazenie nočnej oblohy. V roku 1888 v Arles namaľoval Hviezdnu noc nad Rhonou. Van Gogh chcel zobraziť hviezdnu noc ako príklad sily predstavivosti, ktorá dokáže vytvoriť úžasnejšiu prírodu, než akú môžeme vnímať pri pohľade na skutočný svet.
Zvýšené vnímanie reality a duševná nestabilita vedú Van Gogha k duševnej chorobe. Gauguin prichádza zostať v Arles, ale tvorivé rozdiely spôsobujú hádku. Van Gogh hodí pohár na umelcovu hlavu a potom, čo Gauguin vyhlási svoj úmysel odísť, sa na neho vrhne s žiletkou. V záchvate šialenstva večer toho istého dňa si umelec odreže ucho („Autoportrét s obviazaným uchom“).
Dielo Paula Gauguina (1848-1903) je neoddeliteľné od jeho tragického osudu. Najdôležitejšou vecou v Gauguinovom štylistickom koncepte bolo jeho chápanie farieb. O. Tahiti, kam umelec odišiel v roku 1891, pod vplyvom primitívnych foriem polynézskeho umenia maľoval obrazy vyznačujúce sa dekoratívnosťou, plochými tvarmi a mimoriadne čistými farbami. Gauguinove „exotické“ maľby – „Žiarliš?“, „Volá sa Vairaumati“, „Žena držiaca ovocie“ – neodrážajú ani tak prirodzené vlastnosti predmetov, ako skôr emocionálny stav umelca a symbolický význam obrazy, ktoré vytvoril. Zvláštnosť Gauguinovho maliarskeho štýlu spočíva v jeho výraznej dekoratívnosti, túžbe maľovať veľké plochy plátna jednou farbou a láske k ornamentom, ktorá bola prítomná na látkach, odevoch, kobercoch a krajinných podkladoch.
Paul Gauguin „Kedy sa vydať“ „Žena drží ovocie“
Najvýznamnejší kultúrny výdobytok 19. storočia. je vznik umenia fotografie a dizajnu. Prvý fotoaparát na svete vyrobil v roku 1839 Louis Jacques Mande Daguerre.
Daguerrove skoré pokusy vytvoriť funkčný fotoaparát boli neúspešné. V roku 1827 sa stretol s Josephom Niepceom, ktorý sa tiež snažil (a vtedy dosiahol o niečo väčší úspech) vynájsť fotoaparát. O dva roky neskôr sa stali partnermi. Niépce zomrel v roku 1833, ale Daguerre naďalej tvrdo pracoval. V roku 1837 bol konečne schopný vyvinúť praktický fotografický systém nazývaný dagerotypia. Obraz (dagerotypia) bol získaný na striebornej platni upravenej parami jódu. Po expozícii počas 3-4 hodín sa platňa vyvolala v ortuťových parách a fixovala sa horúcim roztokom kuchynskej soli alebo hyposulfitu. Dagerotypie sa vyznačovali veľmi vysokou kvalitou obrazu, ale bolo možné získať iba jednu fotografiu.
V roku 1839 Daguerre publikoval svoj vynález, ale nepožiadal o patent. V reakcii na to francúzska vláda priznala jemu a Niepceovmu synovi doživotné dôchodky. Oznámenie Daguerrovho vynálezu vyvolalo veľkú senzáciu. Daguerre sa stal hrdinom dňa, sláva ho prepadla a metóda dagerotypie rýchlo našla široké uplatnenie.
Rozvoj fotografie viedol k revízii umeleckých princípov grafiky, maľby, sochárstva, kombinovanej výtvarnej tvorby a dokumentácie, čo v iných formách umenia nie je možné. Návrh vychádzal z Medzinárodnej priemyselnej výstavy v Londýne v roku 1850. Jeho dizajn znamenal zblíženie umenia a technológie a znamenal začiatok nového typu kreativity.
Louis Daguerre, Nicéphore Niepce a Niepceho Camera Obscura
Joseph Nicephore Niepce. Prvá fotografia na svete zhotovená pomocou zliatiny cínu a olova, 1826.
Fotografia Daguerra „Umelcovo štúdio“, 1837
V 70. rokoch 19. storočia dvaja vynálezcovia, Elisha Gray a Alexander Graham Bell, nezávisle vyvinuli zariadenia schopné prenášať reč prostredníctvom elektriny, ktoré sa neskôr nazývali telefón. Obidvaja predložili patentovým úradom svoje patenty, pričom rozdiel v čase podania bol len niekoľko hodín. Alexander Graham Bell však dostal patent ako prvý.
Telefón a telegraf sú elektrické systémy založené na drôtoch. Úspech Alexandra Bella, či skôr jeho vynálezu, bol celkom prirodzený, keďže vynálezom telefónu sa snažil vylepšiť telegraf. Keď Bell začal experimentovať s elektrickými signálmi, telegraf sa už asi 30 rokov používal ako komunikačný prostriedok. Telegraf bol síce pomerne úspešný systém na prenos informácií na základe Morseovej abecedy so zobrazením písmen pomocou bodiek a pomlčiek, no veľkou nevýhodou telegrafu bolo, že informácie boli obmedzené na prijímanie a odosielanie jednej správy naraz.
Alexander Bell hovorí do prvého modelu telefónu
Prvý telefón, ktorý vytvoril Alexander Graham Bell, bolo zariadenie, cez ktoré sa prenášali zvuky ľudskej reči pomocou elektriny (1875). 2. júna 1875 Alexander Graham Bell pri experimentovaní so svojou technikou, ktorú nazval „harmonický telegraf“, zistil, že počuje zvuk cez drôt. Bol to zvuk hodín.
Bellov najväčší úspech dosiahol 10. marca 1876. Počas telefonického rozhovoru so svojím asistentom Thomasom Watsonom, ktorý bol vo vedľajšej miestnosti, Bell vyslovil slová, ktoré teraz všetci poznajú ako „Mr. Watson – poď sem – chcem ťa vidieť“ (Pán Watson – poď sem – chcem ťa vidieť). V tomto čase sa zrodil nielen telefón, ale zomrel aj viacnásobný telegraf. Komunikačný potenciál demonštrácie, že elektrina môže hovoriť, bol veľmi odlišný od toho, čo mohol ponúknuť telegraf so systémom bodiek a čiarok.
Pojem kinematografie sa prvýkrát objavil vo svojej francúzskej verzii – „kinematograf“, ktorý označoval systém tvorby a premietania filmov vyvinutých bratmi Louisom Jeanom a Auguste Lumière. Prvý film nakrútil pomocou filmovej kamery Francúz Louis Aimé Augustin Le Prinesy (1842–1890) v novembri 1888 vo Veľkej Británii a pozostával z dvoch fragmentov: v prvom - 10 - 12 obrázkov za sekundu, v druhom - 20 obrázkov za sekundu. Oficiálne sa však predpokladá, že kinematografia vzniká 28. decembra 1895. V tento deň sa v indickom salóne „Grand Café“ na Boulevard des Capucines (Paríž, Francúzsko) uskutočnilo verejné premietanie filmu „Kinematograf bratov Lumièrovcov“. V roku 1896 bratia podnikli svetové turné so svojím vynálezom, pričom navštívili Londýn, New York a Bombaj.
Louis Jean Lumiere vyštudoval priemyselnú školu, bol fotografom a pracoval v továrni na fotografické materiály, ktorú vlastnil jeho otec. V roku 1895 Lumière vynašiel filmovú kameru na filmovanie a premietanie „pohyblivých fotografií“. Jeho brat Auguste Lumière sa aktívne podieľal na jeho práci na vynájdení filmu. Zariadenie bolo patentované a nazývalo sa kinematografia. Prvé filmové programy Lumiere ukazovali scény natočené na mieste: „Pracovníci vychádzajú z továrne Lumiere“, „Príchod vlaku“, „Detské raňajky“, „Waterer“ a ďalšie. Je zaujímavé, že slovo lumiere znamená vo francúzštine „svetlo“. Možno ide o nehodu, alebo možno bolo o osude filmárov vopred rozhodnuté.
Oleg, máš svoj vlastný názor a chceš mi ho vnútiť. Pochopte, že mám obnovené Dejiny Ruska zajaté sovietskou armádou. A nemalo by sa zhodovať s verziou sovietskych okupantov. Ak váš priateľ lietal ako preglejka nad Parížom po kúpe hovadín, potom je to jeho problém. Bolo potrebné študovať skutočnú históriu a nie to, čo robil celý život, ak nedokázal rozlíšiť falšovanie od skutočných kultúrnych a umeleckých hodnôt.
Ak investoval do nesprávnych vecí a zlyhal v podnikaní, je to jeho problém. A odkedy sa diplom o vyššom platenom vzdelaní stal pre človeka vysvedčením? Inteligencia je daná narodením, všetko ostatné sa učí.
Prečítaj si ten článok, píše sa v ňom, že sovietski roľníci, ktorí zničili Rusko, ktoré zajali a teraz si žijú horšie ako ktokoľvek iný v Európe, majú tú drzosť hádzať blato na celú Európu a rozprávajú svoje chrapúnske výmysly o neumytej Európe. A ešte viac, keď hovoríme o kráľoch a vysokej spoločnosti, ktorých naši roľníci nikdy ani nevideli. Ani teraz ich nepustia na prah nielen do palácov, ale aj do obyčajného európskeho bytu.
Trúfajú si rozprávať o tom, ako žili králi a vysoká spoločnosť v stredoveku v Európe? boli tam? Boli tam vpustení na prahu. Alebo tam leteli v stroji času?
Ukázal som teda obrazy západoeurópskych umelcov druhej polovice 19. storočia, ktorých je v Európe obrovské množstvo. Toto prežilo. A mimochodom, nachádza sa v Rusku.
A kde sú obrazy, ktoré namaľovali Slovania, sovietski roľníci, v tom istom období: v druhej polovici 19. storočia? A pred zajatím Ruska Slovanmi v rokoch 1853-1871. moderné Rusko aj moderná Európa boli jeden a ten istý centralizovaný štát, Carusova armáda, s rovnakým obyvateľstvom, s rovnakými zákonmi a s rovnakým systémom bezplatného vzdelávania.
Teraz mi odpovedzte na otázku: prečo po tej istej vojne so Slovanmi, ktorá prebiehala po celej Európe v rokoch 1853-1871. v Európe, kde Slovanov so svojimi červenými hordami nepustili, sa im žilo a žije oveľa lepšie ako v Rusku zajatom Slovanmi?
Kam sa podela všetka európska kultúra z Ruska zajatého Slovanmi? Kam zmizli tí istí európski umelci ako pred vojnou v rokoch 1853-1871? žil v celom Rusku ako pôvodné obyvateľstvo Ruska.
Na tieto otázky si odpovedzte, nemusím týchto novodobých spisovateľov, ktorí si na základe prepísaných rozprávok Žida Puškina (Angličan Clark Kennedy) skladajú vlastné verzie o tom, aké bolo Rusko zajaté Slovanmi pred r. Vojna so Slovanmi 1853-1871.
Našiel som dôkazy, že pred vojnou so Slovanmi v rokoch 1853-1871. , Slovania: Červení (pruskí) židovskí vojaci sovietskeho Elstona-Sumarokova nežili v modernom Rusku. V roku 1853 zaútočili na Rusko. A po vojne sa usadili na územiach Ruska, ktoré dobyli.
Takže všetky reči o Slovanoch, že Rusi žili v Rusku, ktoré zajali do roku 1853, sú zrušené.
Slovania sú pruskí židovskí vojaci Elstona-Sumarokova a do roku 1853 žili Slovania v celej Európe, nielen v Rusku, ktoré zajali.
Slovania nemajú miesto pre červenú armádu Elstona-Sumarokova v čase roku 1852.
Prvé krajiny Pruska od Slovanov: Pruskí židovskí vojaci Elstona, zajali Petrohrad a Moskvu. V roku 1861 boli Petrohrad a Moskva prvýkrát premenované na Prusko, v roku 1871 na Nemecko a v roku 1896 na Rusko. Potom tu bol ZSSR a všetci Slovania boli sovietski, a teraz zase Rusko a všetci sovietski Slovania sa stali ruskými Slovanmi, židovskými kresťanmi Elston-Sumarokov?
Nie je pre jednoduchého sovietskeho roľníka s nemeckými bodákmi z rokov 1853-1921 priveľa mien?