Umelecké zásluhy.

jar

Jednoduchosť japonských haiku, absencia rýmov a ich stručnosť sú pre európskych čitateľov trochu nezvyčajné. Niekedy sa zdá, že ktokoľvek môže vytvoriť takéto majstrovské dielo, ale je to klamlivý dojem. Japonskí básnici, ktorí píšu haiku, roky pracujú na každej lyrickej miniatúre a doťahujú ju k dokonalosti ako drahokam žiariaci všetkými svojimi fazetami. Umelecký detail v haiku odráža celý svet pocitov, myšlienok a pozorovaní.

Skutočné obrazy v haiku sú nakreslené v dvoch alebo troch slovách, ale vyvolávajú široké asociácie a rôzne nálady.

Dokonca aj rytiersky hrdina

Neďaleko kvitnúcej sakury

Stáva sa obyčajným bojovníkom.

Toto haiku má skutočné obrazy - rytiera-hrdinu, sakuru, jednoduchého bojovníka a asociácie - víťazstvo, krásu, uctievanie niečoho ideálne jednoduchého, nevinného. Nálada je zamyslená, pokojná, pokojná, prekvapená.

Počas kvitnutia čerešní

Horám to na kráse nepridá

Dokonca aj ranné svitanie -

umelecké obrazy jari, rozkvitnutej záhrady, ranného úsvitu.

Umelecké obrazy haiku sú bohaté, priestranné a jasné, existuje len málo alebo takmer žiadne umelecké prostriedky. Poézia haiku spočíva vo výbere a umiestnení obyčajných slov.

Pred krásou kvetov

Zahanbil sa mesiac? -

Skrytý za mrakom

Obraz noci vytvára jedno slovo - „mesiac“. Príroda je humanizovaná - Mesiac sa „hanbí“. Ozdobou noci nie je spln, ale možno vôňa mora kvetov. Čítanie haiku

Horská ruža!

Jej ihličky len prosia, aby boli

Ozdoba na klobúk,

Je ľahké si to predstaviť: medzi drsnými skalami je magické údolie a kvitnúci zázrak - ruža. Ruža, ktorá si podmanila kamennú zem, vetry a zlé počasie. Takúto krásu by som chcel držať pri sebe dlhšie, ale odtrhnutá ruža na klobúku rýchlo vybledne. Preto neničme živú krásu, nechajme ostatných obdivovať krásny kvet. Krajina v tomto haiku je skrytá, asociatívna, vyjadrená iba dvoma slovami - „horská ruža“. Dokonca aj výkričník na konci riadku ovplyvňuje odhalenie tohto obrazu - najvyšší stupeň obdivu.

Kvety vybledli.

Smútok pokrýva zem -

Semená byliniek

Pre Basho sú človek a príroda neoddeliteľné. Príroda je poľudštená a človek akoby sa v nej rozplýval s mladosťou a zrelosťou nachádza svoje asociácie v kvitnutí, dozrievaní plodov a semien. Témy Bašóových haiku sú rôznorodé, no často sa prelínajú, veľmi asociatívne, čo zodpovedá konceptu „yugen“ – jemného náznaku alebo podtextu, ktorý vytvára kúzlo podhodnotenia.

Umelecké prednosti románu „Hrdina našej doby“

Po oboznámení sa so zložením románu „Hrdina našej doby“, ktorý je nezvyčajný a zložitý, by som rád poznamenal umelecké prednosti románu. Lermontovova krajina má veľmi dôležitú črtu: je úzko spätá so zážitkami postáv, vyjadruje ich pocity a nálady, celý román je presiaknutý hlbokou lyrikou. Tu sa rodí vášnivá emocionalita a vzrušenie v jeho opisoch prírody, ktoré v jeho próze vytvárajú pocit muzikálnosti. Strieborná niť riek a modrastá hmla kĺzajúca sa po vode, unikajúca pred teplými lúčmi do roklín hôr a lesk snehu na hrebeňoch hôr - presné a svieže farby Lermontovovej prózy sú veľmi spoľahlivé. V „Bel“ nás potešia pravdivo nakreslené obrázky mravov horárov, ich drsného spôsobu života, ich chudoby. Lermontov píše: „Saklya bola prilepená jednou stranou ku skale, k jej dverám viedli tri mokré schody.

„Obyvatelia Kaukazu žili ťažký a smutný život, utláčaní svojimi kniežatami, ako aj cárskou vládou, ktorá ich považovala za „rodákov z Ruska“, Lermontov s nimi sympatizuje majestátne obrázky horskej prírody sú nakreslené veľmi talentovane.

a to nám pomáha preniknúť do jeho duše, pochopiť mnohé črty jeho charakteru. Pečorin je poetický človek, ktorý vášnivo miluje prírodu a vie, ako obrazne sprostredkovať to, čo vidí. Často sa zdá, že jeho myšlienky o prírode sa prelínajú s myšlienkami o ľuďoch, o sebe samom. Pečorin majstrovsky opisuje povahu noci /jeho denník 16. mája/ so svetlami v oknách a „pochmúrnymi, zasneženými horami“. Niekedy obrázky prírody slúžia ako dôvod na premýšľanie, uvažovanie a porovnávanie. Príkladom takejto krajiny je opis hviezdnej oblohy v príbehu „Fatalista“, ktorého pohľad ho vedie k zamysleniu sa nad osudom generácie. Pechorin, vyhnaný do pevnosti, sa mu nudí;

"Taman". Obraz, ktorý sa Gregorovi zjaví z námestia, kde sa mal súboj odohrať, pohľad na slnko, ktorého lúče Pečorina po súboji nezohrievajú – celá príroda je smutná. Vidíme teda, že opis prírody zaberá veľké miesto a. odhalenie identity Pečorina.

Iba sám s prírodou prežíva Pečorin tú najhlbšiu radosť. "Nepamätám si hlbšie a sviežejšie ráno!" - zvolá Pečorin, ohromený krásou východu slnka v horách. Pechorinove posledné nádeje sú nasmerované k nekonečným šíram mora a šumu vĺn. V porovnaní s námorníkom, ktorý sa narodil a vyrastal na palube lúpežnej brigy, hovorí, že mu chýba pobrežný piesok, počúva hukot prichádzajúcich vĺn a hľadí do diaľky pokrytej hmlou. Lermontov mal veľmi rád more, jeho báseň „Sail“ odráža román „Hrdina našej doby“.

Pečorin hľadá „plachtu“ v mori. Ani Lermontovovi, ani hrdinovi jeho románu sa tento sen nesplnil: „vytúžená plachta“ sa neobjavila a neodniesla ich do iného života, na iné brehy na posledných stranách románu. Pgchorin seba a svoju generáciu nazýva „úbohými potomkami, blúdiacimi po zemi bez presvedčenia a pýchy, bez potešenia a strachu“. Nádherný obraz plachty je túžbou po nenaplnenom živote. Príbeh „Princezná Mary“ sa otvára nádhernou krajinou. Pečorin si vo svojom denníku píše: "Mám nádherný výhľad z troch strán." Čechov ocenil Lermontova. Napísal; "Nepoznám lepší jazyk ako Lermontov, naučil som sa od neho písať."

„Hrdina našej doby“ potešila najväčších majstrov slova. "Nikto v našej krajine nikdy nenapísal takú správnu, krásnu a voňavú prózu," povedal Gogoľ o Lermontovovi. Rovnako ako Puškin, aj Lermontov hľadal presnosť a jasnosť každej frázy, jej lesk. Jazyk románu je ovocím autorovej rozsiahlej práce na rukopisoch. Pečorinov jazyk je veľmi poetický, pružná štruktúra jeho reči svedčí o mužovi veľkej kultúry, ktorý má jemnú a bystrú myseľ. Bohatosť románového jazyka vychádza z osobného vzťahu Lermontova k prírode. Na Kaukaze napísal román, inšpirovala ho príroda.

"Pechorinov denník". Po prvýkrát sa v ruskej literatúre objavuje takéto nemilosrdné odhalenie osobnosti hrdinu. Hrdinove skúsenosti analyzuje s „prísnosťou sudcu a občana“. Pečorin hovorí: "Stále sa snažím sám sebe vysvetliť, aké pocity vrie v mojej hrudi." Zvyk sebaanalýzy dopĺňajú schopnosti neustáleho pozorovania druhých. V podstate všetky Pečorinove vzťahy s ľuďmi sú akýmsi psychologickým experimentom, ktorý hrdinu zaujme svojou komplexnosťou“ a dočasne ho pobavia so šťastím. Toto je príbeh s Belou, príbeh o víťazstve nad Máriou.

„hra“ s Grushnitským, ktorého Pečorin oklame, keď vyhlási, že Mary mu nie je ľahostajná, aby neskôr dokázal svoj žalostný omyl. Pečorin tvrdí, že „ambicióznosť nie je nič iné ako smäd po moci a šťastie je len pompézna pýcha“. Ak je A. S. Pushkin považovaný za tvorcu prvého realistického poetického románu o moderne, potom je podľa mňa Lermontov autorom prvého sociálno-psychologického románu v próze, jeho román sa vyznačuje hĺbkou analýzy psychologické vnímanie sveta, zobrazujúce jeho éru, Lermontov podrobuje hlbokej kritickej analýze bez toho, aby podliehal ilúziám či zvodom.

„Hrdina našej doby“ sa v mnohom líši od realizmu Puškinovho románu. Odhliadnuc od každodenných prvkov a životnej histórie hrdinov, Lermontov sa zameriava na ich vnútorný svet a detailne odhaľuje motívy, ktoré podnietili toho či onoho hrdinu k akémukoľvek činu. Autor vykresľuje všelijaké prelivy pocitov s takou hĺbkou, prenikavosťou a detailom, aké literatúra jeho doby ešte nepoznala. Mnohí považovali Lermontova za predchodcu Leva Tolstého a ja s tým absolútne súhlasím práve od Lermontova, keď sa Tolstoj naučil techniky odhaľovania vnútorného sveta postáv, portrétovania a štýlu reči.

Dostojevskij vychádzal aj z Lermontovovej tvorivej skúsenosti, no Lermontovove úvahy o úlohe utrpenia v duchovnom živote človeka, o rozpoltenom vedomí, o zrútení individualizmu silnej osobnosti sa zmenili na Dostojevského stvárnenie bolestného napätia a bolestného utrpenia človeka. hrdinovia jeho diel. Pechorinova rebelská povaha odmieta radosť a pokoj v duši. Tento hrdina vždy „žiada búrku“. Jeho povaha je príliš bohatá na vášne a myšlienky, príliš slobodná na to, aby sa uspokojila s málom a nevyžadovala od sveta veľké pocity, udalosti a vnemy.

a jeho generácia. Pečorin's Journal odhaľuje živú, komplexnú, bohatú, analytickú prácu mysle. To nám dokazuje nielen to, že hlavná postava je typická postava, ale aj to, že v Rusku žijú tragicky osamelí mladí ľudia, Pečorin sa počíta medzi úbohých potomkov, ktorí blúdia po zemi bez presvedčenia. Hovorí: „Už nie sme schopní prinášať veľké obete, ani pre dobro ľudstva, ani pre naše vlastné šťastie. Tú istú myšlienku opakuje Lermontov v básni „Duma“: Sme bohatí, sotva z kolísky, z chýb našich otcov a ich neskorých myslí, A život nás už mučí, ako hladká cesta bez cieľa, Ako hostina na cudzom sviatku. Každý skutočne ruský človek sa cíti nesvoj pri myšlienke, že M. Yu zomrel predčasne.

"Prečo som sa narodil?" V tejto neistote je pôvod Pečorinovho postoja k ľuďom okolo neho. Ich skúsenosti sú mu ľahostajné, a tak bez váhania prekrúca osudy iných ľudí.

Pushkin o takýchto mladých ľuďoch napísal: „Existujú milióny dvojnohých tvorov, pre nich je to jedno meno. Pomocou Pushkinových slov môžeme o Pečorinovi povedať, že jeho názory na život „odrážajú storočie a moderný človek je zobrazený celkom správne, so svojou nemorálnou dušou, sebeckou a suchou“. Takto videl Lermontov svoju generáciu.

Príbeh

V roku 1240 na tomto mieste vznikol trh, kde sa obchodovalo s obilím v otvorenej lodžii s pilastrami, ktoré chránili pred dažďom. Na pamiatku kostola, ktorý sa na tomto mieste nachádzal, boli na stenách inštalované dva obrazy sv. Michala a Panny Márie. Verilo sa, že ten posledný má zázračnú moc.

Arkády na prízemí zdobené kružbovými oknami

Vonkajšie arkády s bohato zdobenými oknami sa objavili až v roku 1367. Svoju úlohu v dejinách umenia začal kostol zohrávať až v roku 1348, keď sa Európou prehnala prvá vlna moru. Kostol Orsanmichele v tomto období zbohatol: preživší moru darovali farnosti z viny alebo pokánia 350 tisíc florénov, čo prekročilo ročný rozpočet mesta a umožnilo kostolu postaviť veľký svätostánok vyrobený z mramoru. Keďže obchod s obilím sa nehodil k veľkolepému svätostánku, ktorý vyrobila Orcagna, trh sa presunul na iné miesto. Od tejto doby slúžilo spodné poschodie Orsanmichele výlučne náboženským účelom a po prvý raz v histórii Florencie ustúpil obchod umeniu. Horné poschodia slúžili ako rezervná sýpka až do začiatku 16. storočia.

V XIV storočí. Budova dostala novú funkciu - stredisko remeselných dielní. V nasledujúcich desaťročiach cechy darovali finančné prostriedky na vytvorenie sôch svojich patrónov a iných svätých, ktoré boli umiestnené v 14 výklenkoch na štyroch vonkajších stenách kostola. Cechy boli dosť bohaté na to, aby si najali známych umelcov: Nanni di Banco, Donatello, Lorenzo Ghiberti a Andrea del Verrocchio.

Interiér Orsanmichele

Oltárny tabernákulum v Orsanmichel

Svätého Marka od Donatella

Pochybujúci Thomas od Verrocchia

Katolícka cirkev
Santa Maria dei Miracoli Santa Maria dei Miracoli





Autor projektu	Lombardo, Pietro
· San Giorgio Maggiore · Santi Giovanni e Paolo · Santa Maria dei Frari · Staviteľ Santa Maria della Salute	Lombardo, Pietro a Lombardo, Tullio








Stavebníctvo	20. februára 1367 - cca. 1422
Bočné kaplnky	Hĺbka 6,96 m a šírka 5,38 m
Relikvie a svätyne	fresky od Masolina, Masaccia a Filippina Lippiho

Kaplnka Brancacci(Taliančina Cappella Brancacci) je kaplnka v kostole Santa Maria del Carmine vo Florencii, ktorý je známy svojimi nástennými maľbami z ranej renesancie. Masacciove fresky v kaplnke Brancacci spôsobili revolúciu v európskom výtvarnom umení a predurčili vektor jeho vývoja na niekoľko storočí dopredu.

Kostol Santa Maria del Carminevo vo Florencii, kde sa nachádza kaplnka Brancacci, rovnako ako mnohé staroveké kostoly, sa vyznačuje mimoriadne nenáročnou fasádou, ktorá sa skrýva vo vnútri skutočnej perly maľby.

Piero di Puvicese Brancacci nariadil 20. februára 1367 postaviť rodinnú kaplnku v kostole Carmine, ktorý sa staval od roku 1268. Následne sa kaplnka Brancacci stala nielen súkromnou rodinnou kaplnkou, ale zohrávala významnú úlohu vo verejnom živote Florencie: bola v nej umiestnená slávna ikona z 13. storočia „Madonna del Popolo“, ktorá bola predmetom verejného uctievania (trofeje Pisanská vojna bola zavesená pred ňou). Preto, ako píše V.N Lazareva a obraz, ktorý zdobil kaplnku, obsahoval množstvo jednoznačných narážok na vtedajšie spoločenské udalosti.

Madonna del Popolo

Táto miestnosť vďačí za svoj slávny freskový cyklus potomkovi zakladateľa kaplnky, rivalovi Cosima staršieho de Medici, vplyvného štátnika. Felice Brancacci(Taliančina Felice Brancacci; 1382-cca. 1450), ktorý okolo roku 1422 poveril Masolina a Masaccia vymaľovať kaplnku umiestnenú v pravej priečnej lodi kostola (presné zdokumentované dátumy prác na freskách sa nezachovali). Je známe, že Felice Brancacci sa 15. februára 1423 vrátil z veľvyslanectva v Káhire a krátko nato zamestnal Masolina. Urobil to prvá etapa maľovania: namaľoval dnes už stratené fresky lunety a klenby a potom umelec odišiel do Maďarska. Kedy to začalo druhá fáza maľovania, nie je s určitosťou známe - Masolino sa vrátil z Uhorska až v júli 1427, no možno jeho pracovný partner Masaccio začal pracovať ešte pred jeho návratom, v 1. pol. 20. roky 15. storočia

Práce na freskách boli prerušené v roku 1436 po návrate Cosima staršieho z exilu. Felice Brancacci bol ním v roku 1435 uväznený na desať rokov väzenia v Kapodistrias, po ktorom bol v roku 1458 vyhlásený za rebela aj s konfiškáciou všetkého majetku. Výmaľba kaplnky bola dokončená až o pol storočia neskôr, tretia etapa, v roku 1480 od umelca Filippina Lippiho, ktorému sa podarilo zachovať štýlové črty spôsobu svojich predchodcov, dôsledne kopírujúc. (Navyše, podľa súčasníkov sa sám chcel stať umelcom už v detstve po tom, čo videl fresky v tejto kaplnke).

Kaplnka patrila rodine Brancacciovcov viac ako štyristo rokov – až do 18. augusta 1780, kedy marky z Ricordi podpísali dohodu o odkúpení patrocínia za 2000 scudi. V 18. storočí boli fresky viackrát reštaurované a v roku 1771 ich značne poškodili sadze pri veľkom požiari. Reštaurácie sa realizovali začiatkom 20. storočia a v 40-50 rokoch. V roku 1988 sa uskutočnili záverečné rozsiahle reštaurátorské a vypratávacie práce.

Ako uvádza Lazarev, reštaurovanie z 18. storočia sa dotklo nielen maľby, ale aj architektúry miestnosti: zmenilo sa dvojkrídlové lancetové okno (bifórium), pod ktorým sa nachádzal oltár a ktoré siahalo až na vrchol. na obdĺžnikové okno, vstupný oblúk do kaplnky bol upravený z lancetového na polkruhový, úpravou prešla aj rebrová klenba a lunety. Kedysi architektúra kaplnky vyzerala viac „goticky“ ako dnes.

Popis

Masaccio. „Vyhnanie z raja“ (fragment, pred reštaurovaním)

Michelino da Besozzo, „Zasnúbenie sv. Catherine"- obraz namaľovaný aj v 20. rokoch 14. storočia, príklad medzinárodného gotického štýlu, v porovnaní s ktorým bol realizmus fresiek v kaplnke Brancacci skutočným šokom

Hlavnou témou fresiek podľa odporúčania zákazníka bol život apoštola Petra a prvotný hriech. Fresky sú umiestnené v dvoch radoch pozdĺž bočnej a zadnej steny kaplnky (tretí rad lunet sa stratil). V spodnej časti je panel imitujúci mramorový obklad.

Celkovo sa zachovalo dvanásť scén, z ktorých šesť úplne alebo takmer celé napísal Masaccio. Séria začína „Pádom“ Adama a Evy (pravá bočná stena hore) a pokračuje Vyhnaním z raja (ľavá bočná stena hore). Potom prídu „Zázrak na Statire“, „Petrova kázeň pre tri tisícky“, „Petrov krst novokňazov“, „Peterovo uzdravenie zmrzačených“, „Vzkriesenie Tabithy“. Vľavo dole: „Pavol navštevuje Petra vo väzení“; "Vzkriesenie Theophilovho syna"; „Peter uzdravuje chorých svojím tieňom“; „Peter rozdeľujúci majetok komunity medzi chudobných“; „Ukrižovanie Petra a spor medzi Petrom a Šimonom Mágom“; "Anjel oslobodzuje Petra z väzenia." Kompozície vertikálnych obrazov spravidla spájajú niekoľko epizód z rôznych čias, čo je poctou stredovekej tradícii vizuálneho rozprávania.

"pád"

Na nárožiach kaplnky sú dvojité pilastre oddeľujúce fresky oltárneho výjavu od fresiek bočných stien. Tieto pilastre nesú rímsu s puklicami, ktorá prebieha medzi registrami (tá istá rímsa sa nepochybne nachádzala aj nad druhým registrom). Pravdepodobne podobné pilastre boli umiestnené aj na konci bočných registrov, v blízkosti vstupného oblúka (vonkajšie fresky boli pri jeho rekonštrukcii čiastočne odrezané).

stratené fresky:

V roku 1422 bol kostol vysvätený a Masaccio potom zachytil túto udalosť na jednej z fresiek kostola, nazývanej „Sagra“, ktorá bola vtedy veľmi slávna, no žiaľ, zničená začiatkom 17. storočia pri renovácii.
maľby lunet (vrátane „Volania Petra a Ondreja“) a klenby od Masolina

Umelecké zásluhy

Masacciove fresky v kaplnke Brancacci sú považované za vrcholné dielo renesančného maliarstva, vyznačujú sa čistotou línií, vitálnou konkrétnosťou stvárnenia postáv a schopnosťou preniknúť do charakterov zobrazovaných osôb. Veľký Masaccio navyše žil len 27 rokov a práve tento cyklus zostal jeho hlavným dielom.

Masacciove diela sa vďaka výtvarným riešeniam, ktoré používal – najmä využívaniu dovtedy málo známej lineárnej a leteckej perspektívy, okamžite stali vzorom, začali sa nazývať „základom, na ktorom stojí celá stavba európskeho maliarstva“. ." Životy najslávnejších maliarov obsahuje dlhý zoznam talianskych umelcov, ktorí podľa Vasariho vďačia za svoje úspechy vplyvu Masaccia:

„Všetci slávni sochári a maliari od tých čias až dodnes, ktorí v tejto kaplnke pôsobili a študovali, sa stali vynikajúcimi a slávnymi, menovite Fra Giovanni da Fiesole, Fra Filippo, Filippino, ktorý ju dokončil, Alessio Baldovinetti, Andrea del Castagno, Andrea del Verrocchio, Domenico Ghirlandaio, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Pietro Perugino, Fra Bartolomeo zo San Marco... a božský Michelangelo Buonarotti... Odtiaľ pochádza aj Raphael z Urbina počiatok svojich krásnych spôsobov... a, Všeobecne platí, že všetci, ktorí sa snažili naučiť toto umenie, sme neustále chodili študovať do tejto kaplnky, aby sme sa od postáv Masaccia naučili pokyny a pravidlá dobrej práce.“

Dôležitou silnou stránkou Masacciovej práce bolo, že venoval osobitnú pozornosť autentickej anatómii svojich postáv, pričom uplatnil poznatky, ktoré získal zo starovekého sochárstva – takže sa zdá, že jeho ľudia majú skutočné, masívne telá. Okrem toho svoje fresky umiestňuje do skutočného architektonického prostredia, pričom dáva pozor na umiestnenie okna v kaplnke a maľuje predmety, ako keby boli osvetlené týmto svetelným zdrojom. Preto sa javia ako trojrozmerné: tento objem sa prenáša prostredníctvom výkonného modelovania cut-off. Okrem toho sú ľudia škálovaní vo vzťahu ku krajinnému pozadiu, ktoré je tiež maľované s ohľadom na svetlovzdušnú perspektívu.

Lazarev o sfarbení týchto fresiek píše: „Masaccio, ako všetci Florenťania, podriadil farbu forme, pomocou farby odhalil jej plasticitu. Bledé farby zmiznú z jeho palety, farba sa stáva hustou a vážnou. Majster uprednostňuje fialovú, modrú, oranžovo-žltú, tmavozelenú, tmavofialovú a čiernu farbu, biela hrá v jeho obrazoch veľmi skromnú úlohu, vždy tiahne k šedej. V porovnaní s rozjasnenou neskorogotickou farebnosťou je Masacciova farba vnímaná ako oveľa materiálnejšia, úzko súvisiaca so štruktúrou formy. Všetko báječné a slávnostné zmizlo z farebnej schémy, ale stalo sa oveľa vážnejším a významnejším. A vďaka svetlu nadobudol takú plastickú výraznosť, že popri ňom vždy pôsobia koloristické riešenia majstrov neskorej gotiky akosi naivne.“

UMELECKÁ HODNOTA - umelecké dielo vo vzťahu k najvyšším ľudským potrebám a záujmom, realizované vo svojich obsahovo-umeleckých prednostiach a funkciách, vďaka čomu pozitívne vplýva na city, myseľ, vôľu ľudí, prispieva k ich duchovnému rozvoju.

Umelecká hodnota predstavuje emocionálny, zmyslovo-psychologický, ideový obsah diela ako systému obrazov, súboru významov v ňom obsiahnutých a významov ním generovaných. Keďže tento obsah autor objektivizuje pomocou „konštruktéra-nosiča“ (vytvoreného z určitého materiálu v súlade so zákonitosťami tohto druhu umenia), kvality, ktoré vznikajú ako výsledok umeleckého spracovania tohto materiálu sú tiež cenné. Tieto vlastnosti (organická jednota formy a obsahu, kompozičná harmónia, harmónia, úplnosť, expresívnosť, umelecká pravdivosť prostriedkov, jazyková zrozumiteľnosť) nadobúdajú estetickú hodnotu ako dosiahnutá dokonalosť, prejav talentu, dôkaz zručnosti.

Umelecká hodnota je tvorená jednotou objektívnych hodnôt a významov, ktoré vznikajú pri vývoji diela. V závislosti od žánru diela, jeho účelu a obsahových aspektov, ktoré sú k nemu organické (psychologické, sociálno-analytické, filozofické atď.), môžu v tejto jednote prevládať niektoré z možných hodnotových významov (napríklad kognitívny, vzdelávací, spoločensky mobilizačné, hedonistické atď.).

Skutočne významné umelecké diela patria umelcom, ktorí tvoria v prospech človeka, a preto chránia, potvrdzujú a poetizujú významné hodnoty života a kultúry. Zároveň samotné dielo vzniká ako potenciálna umelecká hodnota. Stáva sa verejnou hodnotou, keď sa uznávajú významy a autorove myšlienky v nej obsiahnuté, uznávajú sa jej prednosti a rozvíjajú sa a implementujú jej funkcie. Keďže túto asimiláciu vykonávajú subjekty, ktorých hodnotové zameranie nie je totožné, práca dostáva neidentické hodnotenie. Podľa relativistického konceptu, ktorý ignoruje dialektiku subjektovo-objektových estetických vzťahov, sa umelecká hodnota interpretuje ako funkcia hodnotenia a ukazuje sa, že je odvodená od orientácií, vkusu a názorov tej či onej časti verejnosti alebo jednotlivca. príjemcu. Do sféry umeleckej hodnoty sa teda zaraďujú avantgardné produkty, pseudoumelecké produkty, vnímané ako fenomény umenia. Primeraná kvalifikácia umeleckej hodnoty je podľa marxistickej koncepcie možná len za podmienky, že subjekt hodnotiaceho postoja má všeobecnú kultúru, primerané umelecké vzdelanie, dobrý estetický vkus a hodnotovú orientáciu, ktorá zodpovedá trendom spoločenského a kultúrneho pokroku. Historická variabilita umeleckého vkusu nielenže nevylučuje, ale predpokladá kontinuitu predstáv o presne definovaných prednostiach, ktoré majú trvalý hodnotový význam, ao zodpovedajúcich kritériách.

Umelecká hodnota je nerovnaká vo svojom objektívnom význame, ktorý je určený stupňom hĺbky predmetu zobrazenia, ideológie, tvorivej originality a inovácie. Najvyššiu hodnotu majú diela, ktoré s humanistickou ašpiráciou a pravdivosťou obsahujú tvorivé akvizície a objavy, stelesňujú hlboké zovšeobecnenia spoločenských vzťahov, ľudských charakterov a osudov, univerzálne významné psychické stavy a pocity. V závislosti od dejovej špecifickosti a problematiky diela môžu byť jeho hodnotové významy prevažne „situačné“, špecifické historické alebo univerzálne. Univerzálne hodnotové významy vznikajú v konkrétnych historických, spoločenských, národných podmienkach a kultúrnych súvislostiach. Ak sa však zmenia životné podmienky ľudí, ich psychologické stereotypy, morálka a zvyky, potom základné otázky o zmysle života a ľudskom šťastí, jeho dôstojnosti a hľadaní harmónie vo vzťahoch s inými ľuďmi zostávajú vo všeobecnosti významné. Diela, ktoré nastoľujú a diskutujú o týchto „večných“ otázkach a obsahujú univerzálne významy, ktoré si môžu prečítať ľudia rôznych národov a rôznych období, získavajú štatút univerzálnych umeleckých hodnôt. Vďaka istote vlastností „humánnej osoby“ a prítomnosti axiologických konštánt humanistického estetického vedomia je teda možné zdediť umelecké hodnoty, ich medzinárodnú výmenu, vznik a obohatenie ich univerzálneho fondu.

Autor knihy The Lay, ktorý sa vyznačuje hlbokou umeleckou povahou, niektoré aspekty života a udalostí jednoducho neopisuje, ale maľuje, prezentuje v obrazoch a symboloch, a tak umožňuje vo svojej predstavivosti jasne si predstaviť život človeka. ten čas.

V „Slove“ som teda našiel úplný a komplexný odraz života starovekej Rusi. Nielen v celých obrazoch, ale aj v jednotlivých detailoch sa odrážala situácia starovekého ruského života: domáci život, aktivity, obrazy vojny, obrazy prírody atď.

Obľúbenou zábavou kniežat a družín bolo poľovníctvo a najmä sokoliarstvo. Mnohé miesta v Lay sú venované zobrazeniam sokolov letiacich za vtákmi. „Lay“ živo predstavuje množstvo všetkých druhov zveri - vtákov a zvierat, ktoré sa vyskytovali v stepiach južného Ruska a v lesných priestoroch: pred začiatkom bitky sa kŕdle orlov; vlci vyjú cez rokliny; Polovské vozy kričia na poli ako splašené labute; zubry zranené pri love revú a kričia; Princ Vsevolod jazdil zúrivým tempom; líšky štekajú na karmínové štíty; zlatoočky, čajky, černyády (druh kačice) a množstvo inej zveri zapĺňajú južné ruské voľné stepi a rieky.

So zvláštnou láskou sa autor zaoberá detailmi a vlastnosťami zbraní. Na základe jeho popisu brnenia je možné úplne obnoviť zbrane starovekého ruského bojovníka. Z častých zmienok o oštepoch ((Kurjčania sa kŕmili z konca oštepu) je bitka zobrazená ako
hromady zlomených oštepov) môžeme konštatovať, že oštepy mali hlavný význam v každodennom živote ruského bojovníka. 3a za nimi v poradí dôležitosti nasledujú šable a meče kharaluz (damašková oceľ, oceľ). Šable sú nabrúsené, rozžeravené šable rachotia o avarské prilby. Meče sú seriózne zbrane a „Slovo“ o nich vždy hovorí vysoko.
výraz: „vykovali vzburu mečom“, „aby rozkvitli zem mečmi“. Spolu s kopijami predstavovali veľké nebezpečenstvo mraky šípov; Zdá sa, že nimi sejú zem, posielajú na zem dážď. Vojaci mali so sebou: šarlátové (karmínové, jasne červené) štíty, lesklé medené prilby (prilby) na hlavách a transparenty s plukmi, ktoré na začiatku kampane „stoja“ a rozpustené počas kampane „hovoria“. “; pád, znamenajú porážku. Nakoniec je ťažké vymenovať množstvo detailov zbraní: zlaté prilby (napríklad Vsevolod), zlaté sedlá a strmene na osedlaných chrtových koňoch pre bojovníkov rýchlych ako stepní vlci; otvorené tulce, vyrobené podľa Volyňskej kroniky z koží bobra alebo rysa; natiahnuté luky, obuvníci (bojové nože nosené v čižmách), lyatskie sulitsa (vrhacie oštepy so železným alebo oceľovým hrotom) atď.

Pozornosť pútajú krvavé vojnové obrazy, ktoré autor nakreslil popri pokojných poľnohospodárskych aktivitách. Len čo sa Igor vydal na ťaženie, „orly volajú zvieratá na kostiach“ a vlky a líšky, pričom cítia korisť, vytie a čln. Počas ťažení Olega Gorislavoviča, ktorý robil poburovanie mečom, bola situácia ruskej krajiny, zdevastovanej častými nepriateľskými nájazdmi a ruskými bitkami, smutná.

Autor maľoval širokým a voľným štetcom obrazy jemu známej južnej prírody. Autor si vedel predstaviť premeny dňa a noci, svetla a tmy, nebeských a pozemských javov. Druh na jeho obraz žije život naplno. Široké rieky, ktoré na svojich strieborných tokoch vychovávajú kniežacie bidlá, oplývajú rybami a poskytujú útočisko množstvu divých vtákov; nekonečné stepi pokryté perovou trávou, v ktorej sa ukrývajú kone bojovníkov; stromy, kvety - všetko je plné života a pohybu, pestré farby. / 5.