Ako sa volá 3. časť symfónie? História symfónie

Medzi početnými hudobnými žánrami a formami patrí jedno z najčestnejších miest symfónii. Vznikol ako zábavný žáner, no od začiatku 19. storočia až po súčasnosť najcitlivejšie a najplnšie, ako žiadny iný druh hudobného umenia, reflektuje svoju dobu. Symfónie Beethovena a Berlioza, Schuberta a Brahmsa, Mahlera a Čajkovského, Prokofieva a Šostakoviča sú rozsiahlymi úvahami o dobe a osobnosti, o dejinách ľudstva a spôsoboch sveta.

Symfonický cyklus, ako ho poznáme z mnohých klasických i moderných príkladov, sa formoval približne pred dvestopäťdesiatimi rokmi. Počas tohto historicky krátkeho obdobia však symfonický žáner prešiel dlhú cestu. Dĺžka a význam tejto cesty bol určený práve tým, že symfónia absorbovala všetky problémy svojej doby, dokázala reflektovať zložité, rozporuplné epochy plné kolosálnych prevratov a stelesňovala pocity, utrpenie a zápasy ľudí. Stačí si predstaviť život spoločnosti v polovici 18. storočia – a spomenúť si na symfónie Haydna; veľké prevraty z konca 18. – začiatku 19. storočia – a Beethovenove symfónie, ktoré ich odzrkadľovali; reakcia v spoločnosti, sklamanie - a romantické symfónie; konečne všetky tie hrôzy, ktoré muselo ľudstvo prežiť v 20. storočí – a porovnať symfónie Beethovena so symfóniami Šostakoviča, aby bolo jasne vidieť túto obrovskú, niekedy tragickú cestu. V dnešnej dobe si už málokto pamätá, aké boli začiatky, aké boli počiatky tohto najkomplexnejšieho z čisto hudobných žánrov, nesúvisiacich s inými umeniami.

Poďme sa rýchlo pozrieť do hudobnej Európy v polovici 18. storočia.

V Taliansku, klasickej krajine umenia, ktorá udáva trendy vo všetkých európskych krajinách, kraľuje opera. Dominuje takzvaná opera seria („vážna“). Nie sú v ňom žiadne jasné jednotlivé obrazy, nie je tam žiadna skutočná dramatická akcia. Opera seria je striedaním rôznych duševných stavov stelesnených v konvenčných postavách. Jeho najdôležitejšou časťou je ária, v ktorej sú tieto stavy sprostredkované. Sú to árie hnevu a pomsty, árie sťažností (lamento), žalostné pomalé árie a radostné bravúrne árie. Tieto árie boli natoľko zovšeobecnené, že sa dali preniesť z jednej opery do druhej bez toho, aby došlo k poškodeniu predstavenia. V skutočnosti to skladatelia často robili, najmä keď museli napísať niekoľko opier za sezónu.

Prvkom opernej série bola melódia. Slávne umenie talianskeho belcanta tu dostalo svoj najvyšší výraz. V áriách dosiahli skladatelia skutočné vrcholy stelesnenia konkrétneho štátu. Láska i nenávisť, radosť i zúfalstvo, hnev i smútok boli hudbou prenesené tak živo a presvedčivo, že ste nepotrebovali počuť text, aby ste pochopili, o čom spevák spieva. To v podstate konečne pripravilo pôdu pre beztextovú hudbu navrhnutú na stelesnenie ľudských citov a vášní.

Z medzihier - vkladných scén medzi dejstvami opernej série a nesúvisiacich s jej obsahom - vznikla jej veselá sestra, komická operná bufe. Obsahovo demokratický (jeho postavami neboli mytologickí hrdinovia, králi a rytieri, ale obyčajní ľudia z ľudu), zámerne sa staval proti dvornému umeniu. Opera buffa sa vyznačovala prirodzenosťou, živosťou akcie a spontánnosťou hudobného jazyka, často priamo súvisiaceho s folklórom. Zahŕňal vokálne klepoty, komické parodické koloratúry a živé a ľahké tanečné melódie. Finále dejstiev sa odvíjali ako súbory, v ktorých postavy niekedy spievali všetky naraz. Niekedy sa takéto konce nazývali „zmätok“ alebo „zmätok“, pretože akcia sa do nich vrhla tak rýchlo a intrigy sa ukázali ako mätúce.

V Taliansku sa rozvíjala aj inštrumentálna hudba a predovšetkým žáner, ktorý je s operou najužšie spojený – predohra. Keďže ide o orchestrálny úvod k opernému predstaveniu, požičal si z opery jasné, výrazné hudobné témy, podobné melódiám árií.

Vtedajšia talianska ouvertúra pozostávala z troch úsekov – rýchlej (Allegro), pomalej (Adagio alebo Andante) a opäť rýchlej, najčastejšie celého menuetu. Nazvali to sinfonia – v preklade z gréčtiny – súzvuk. Postupom času sa predohry začali hrať nielen v divadle pred otvorením opony, ale aj samostatne, ako samostatné orchestrálne diela.

Koncom 17. a začiatkom 18. storočia sa v Taliansku objavila brilantná plejáda virtuóznych huslistov, ktorí boli aj nadanými skladateľmi. Vivaldi, Yomelli, Locatelli, Tartini, Corelli a ďalší, ktorí plynule ovládali husle - hudobný nástroj, ktorého výraz sa dá prirovnať k ľudskému hlasu - vytvorili rozsiahly husľový repertoár, najmä zo skladieb nazývaných sonáty (z tal. sonare - zvuk ). V nich, podobne ako v klávesových sonátach Domenica Scarlattiho, Benedetta Marcella a iných skladateľov, sa vyvinuli niektoré spoločné štruktúrne znaky, ktoré sa neskôr zmenili na symfóniu.

Hudobný život Francúzska sa formoval inak. Už dlho milujú hudbu spojenú so slovami a činmi. Baletné umenie prešlo vysokým rozvojom; Pestoval sa osobitný druh opery – lyrická tragédia, podobná tragédiám Corneille a Racine, ktorá mala odtlačok špecifického života kráľovského dvora, jeho etikety, jeho slávností.

Francúzski skladatelia tiež pri tvorbe inštrumentálnych skladieb inklinovali k zápletke, programu a verbálnym definíciám hudby. „Flying Cap“, „Reapers“, „Tamburína“ - to boli názvy kúskov čembala, ktoré boli buď žánrovými náčrtmi alebo hudobnými portrétmi - „Pôvabný“, „Nežný“, „Prácny“, „Koketný“.

Väčšie diela, pozostávajúce z viacerých častí, mali pôvod v tanci. Prísna nemecká allemande, mobilná, ako kĺzavá francúzska zvonkohra, majestátna španielska sarabanda a svižný jig - ohnivý tanec anglických námorníkov - sú v Európe už dlho známe. Boli základom žánru inštrumentálnej suity (z francúzskeho suita – sekvencia). Do suity boli často zahrnuté ďalšie tance: menuet, gavota, polonéza. Pred allemandou mohla v strede suity zaznieť úvodná predohra, odmeraný tanečný pohyb občas prerušila voľná ária; Ale jadro suity – štyri rôznorodé tance rôznych národov – bolo určite prítomné v nemennom slede, načrtávalo štyri rôzne nálady, viedlo poslucháča od pokojného pohybu úvodu k vzrušujúcemu rýchlemu finále.

Mnohí skladatelia písali suity, a to nielen vo Francúzsku. Významnú poctu im vzdal aj velikán Johann Sebastian Bach, s ktorého menom, ako aj s vtedajšou nemeckou hudobnou kultúrou vôbec, sa spája množstvo hudobných žánrov.

V krajinách nemeckého jazyka, to znamená v početných nemeckých kráľovstvách, kniežatstvách a biskupstvách (pruské, bavorské, saské atď.), ako aj v rôznych regiónoch mnohonárodného rakúskeho cisárstva, medzi ktoré vtedy patrili „hudobníci“ - Česko zotročené Habsburgovcami - Inštrumentálna hudba sa oddávna pestuje. Každé mestečko, mestečko či aj dedina mali svojich huslistov a violončelistov, po večeroch zazneli sólové a ansámblové skladby s nadšením v podaní ochotníkov. Kostoly a ich školy sa zvyčajne stávali centrami muzicírovania. Učiteľ bol spravidla aj kostolným organistom, ktorý na sviatky predvádzal podľa svojich možností hudobné fantázie. Vo veľkých nemeckých protestantských centrách ako Hamburg alebo Lipsko sa rozvinuli aj nové formy muzicírovania: organové koncerty v katedrálach. Na týchto koncertoch zazneli predohry, fantázie, variácie, zborové úpravy a hlavne fúgy.

Fúga je najkomplexnejší typ polyfónnej hudby, ktorá dosiahla svoj vrchol v tvorbe I.S. Bach a Händel. Jeho názov pochádza z latinského fuga – beh. Ide o polyfónnu skladbu založenú na jednej téme, ktorá sa pohybuje (prebieha!) z hlasu na hlas. Každá melodická linka sa nazýva hlas. V závislosti od počtu takýchto riadkov môže byť fúga troj-, štvor-, päťhlasná atď. V strednej časti fúgy, po úplnom odznení témy všetkými hlasmi, sa začína rozvíjať: potom jej začiatok sa objaví a znova zmizne, potom sa rozšíri (každá z nôt, ktoré ju tvoria, bude dvakrát dlhšia), potom sa zmrští – nazýva sa to téma pribúdajúca a téma pri poklese. Môže sa stať, že v rámci témy sa zostupné melodické pohyby stanú vzostupnými a naopak (téma v obehu). Melodický pohyb sa pohybuje z jednej klávesy na druhú. A v záverečnej časti fúgy - Repríza - téma opäť zaznieva nezmenená, ako na začiatku, vracia sa k hlavnej tonalite hry.

Pripomeňme ešte raz: hovoríme o polovici 18. storočia. V hlbinách aristokratického Francúzska sa schyľuje k výbuchu, ktorý veľmi skoro zmetie absolútnu monarchiu. Príde nová doba. A kým sa revolučné nálady stále len latentne pripravujú, francúzski myslitelia vystupujú proti existujúcemu poriadku. Žiadajú rovnosť všetkých ľudí pred zákonom a hlásajú myšlienky slobody a bratstva.

Umenie reflektujúce zmeny v spoločenskom živote je citlivé na zmeny politickej atmosféry Európy. Príkladom toho sú nesmrteľné komédie Beaumarchais. To platí aj pre hudbu. Práve teraz, v zložitom období plnom udalostí kolosálneho historického významu, sa v hlbinách starých, dlho etablovaných hudobných žánrov a foriem rodí nový, skutočne revolučný žáner – symfónia. Stáva sa kvalitatívne, zásadne iným, pretože stelesňuje nový typ myslenia.

Treba si myslieť, že nie náhodou sa symfonický žáner s predpokladmi v rôznych regiónoch Európy napokon sformoval v krajinách nemeckého jazyka. V Taliansku bola opera národným umením. V Anglicku sa duch a zmysel historických procesov, ktoré sa tam odohrávajú, naplno prejavili v oratóriách Georga Händela, pôvodom Nemca, ktorý sa stal národným anglickým skladateľom. Vo Francúzsku sa do popredia dostali iné druhy umenia, najmä literatúra a divadlo, ktoré boli konkrétnejšie, priamo a zreteľne vyjadrovali nové myšlienky, ktoré vzrušovali svet. Diela Voltaira, „Nová Heloise“ od Rousseaua, „Perzské listy“ Montesquieua, v zastretej, ale celkom zrozumiteľnej forme predložili čitateľom ostrú kritiku existujúceho poriadku a ponúkli vlastné možnosti štruktúry spoločnosti. .

Keď o niekoľko desaťročí neskôr prišla na rad hudba, k revolučným vojskám sa pridala aj pieseň. Najvýraznejším príkladom je Pieseň Rýnskej armády, ktorú cez noc vytvoril dôstojník Rouget de Lisle a ktorá sa stala svetoznámou pod názvom Marseillaise. Po piesni sa objavila hudba na masové oslavy a smútočné obrady. A napokon takzvaná „opera spásy“, ktorej obsahom bolo prenasledovanie hrdinu či hrdinky tyranom a ich záchrana vo finále opery.

Symfónia si vyžadovala úplne iné podmienky ako na vznik, tak aj na plné vnímanie. Ukázalo sa, že „ťažisko“ filozofického myslenia, ktoré najplnšie odrážalo hlbokú podstatu spoločenských zmien tej doby, bolo v Nemecku, ďaleko od sociálnych búrok.

Tam najprv Kant a neskôr Hegel vytvorili svoje nové filozofické systémy. Podobne ako filozofické systémy, aj symfónia – najfilozofickejší, dialekticko-procesuálny žáner hudobnej tvorivosti – sa napokon sformovala tam, kam siahali len vzdialené ozveny blížiacich sa búrok. Kde sa navyše vyvinuli silné tradície inštrumentálnej hudby.

Jedným z hlavných centier pre vznik nového žánru bol Mannheim, hlavné mesto bavorského kurfirstva Falcka. Tu, na brilantnom dvore kurfirsta Karla Theodora, sa v 40. a 50. rokoch 18. storočia udržiaval vynikajúci orchester, možno v tom čase najlepší orchester v Európe.

V tom čase sa symfonický orchester len formoval. A v súdnych kaplnkách a v katedrálach orchestrálne skupiny so stabilným zložením neexistovali. Všetko záviselo od prostriedkov, ktorými disponoval panovník či richtár, od vkusu tých, ktorí mohli rozkazovať. Orchester hral spočiatku len úžitkovú úlohu, sprevádzal buď dvorné vystúpenia, alebo festivaly a ceremónie. A považoval sa predovšetkým za operný alebo cirkevný súbor. Orchester spočiatku zahŕňal violy, lutny, harfy, flauty, hoboje, lesné rohy a bicie. Postupne sa skladba rozširovala, pribúdalo sláčikových nástrojov. Postupom času husle nahradili starodávnu violu a čoskoro zaujali vedúce postavenie v orchestri. Drevené dychové nástroje - flauty, hoboje, fagoty - sa zjednotili do samostatnej skupiny a objavili sa aj dychové nástroje - trúbky, trombóny. Povinným nástrojom v orchestri bolo čembalo, ktoré vytváralo harmonický základ zvuku. Za ním stál zvyčajne vedúci orchestra, ktorý pri hre súčasne dával pokyny na úvod.

Koncom 17. storočia sa rozšírili inštrumentálne súbory, ktoré existovali na šľachtických dvoroch. Každý z početných malých kniežat rozdrobeného Nemecka chcel mať svoju kaplnku. Začal sa rýchly rozvoj orchestrov a objavili sa nové techniky orchestrálnej hry.

Mannheimský orchester tvorilo 30 sláčikových nástrojov, 2 flauty, 2 hoboje, klarinet, 2 fagoty, 2 trúbky, 4 rohy, tympány. Toto je chrbtica moderného orchestra, skladba, pre ktorú vytvorili svoje diela mnohí skladatelia nasledujúcej éry. Orchester viedol vynikajúci český hudobník, skladateľ a husľový virtuóz Jan Václav Stamitz. Medzi umelcov orchestra patrili aj najväčší hudobníci svojej doby, nielen virtuózni inštrumentalisti, ale aj talentovaní skladatelia Franz Xaver Richter, Anton Filz a ďalší. Predurčili vynikajúcu úroveň interpretačných schopností orchestra, ktorý sa preslávil svojimi úžasnými kvalitami - dovtedy nedosiahnuteľnou rovnomernosťou husľových úderov, najjemnejšou gradáciou dynamických odtieňov, ktoré dovtedy neboli vôbec používané.

Podľa súčasníka, kritika Bosslera, „presné dodržiavanie klavíra, forte, rinforzando, postupné rozširovanie a zosilňovanie zvuku a potom opäť znižovanie jeho sily až do sotva počuteľného zvuku – to všetko bolo počuť iba v Mannheime“. Bernie, milovník anglickej hudby, ktorý v polovici 18. storočia podnikol výlet do Európy, mu dáva za pravdu: „Tento výnimočný orchester má dostatok priestoru a faziet na to, aby predviedol všetky svoje schopnosti a vytvoril skvelý efekt. Práve tu Stamitz, inšpirovaný Yomelliho spismi, prvýkrát prekročil bežné operné predohry... vyskúšali sa všetky efekty, ktoré mohla vyprodukovať taká masa zvukov. Práve tu sa zrodilo crescendo a diminuendo a klavír, ktorý sa predtým používal hlavne ako ozvena a bol zvyčajne jej synonymom, a forte boli uznané ako hudobné farby s vlastnými odtieňmi ... “

Práve v tomto orchestri po prvý raz zazneli štvorhlasné symfónie – diela, ktoré boli postavené podľa jedného typu a mali všeobecné princípy, ktoré absorbovali mnohé črty už existujúcich hudobných žánrov a foriem a pretavili ich do niečoho kvalitatívne odlišného; nová jednota.

Prvé akordy sú rozhodujúce, plnohlasé, akoby vyzývali na pozornosť. Potom široké, rozsiahle pohyby. Opäť akordy, nahradené arpeggiátovým pohybom, a potom živá, elastická melódia, ako rozvíjajúca sa pružina. Zdá sa, že sa to môže odvíjať donekonečna, ale odíde to rýchlejšie, ako si to povesť želá: ako hosť predstavený majiteľom domu počas veľkej recepcie sa od nich vzďaľuje a dáva priestor ostatným, ktorí ho nasledujú. Po chvíli všeobecného pohybu sa objavuje nová téma – jemnejšia, ženská, lyrická. Neznie však dlho, rozplýva sa v pasážach. Po nejakom čase opäť vidíme prvú tému, mierne pozmenenú, v novom kľúči. Hudobný prúd rýchlo plynie, vracia sa k pôvodnej, hlavnej tonalite symfónie; Druhá téma sa organicky prelína do tohto prúdu a teraz sa svojím charakterom a náladou približuje k prvej. Prvá časť symfónie je zakončená plnohlasnými radostnými akordmi.

Druhá časť, andante, sa rozvíja pomaly a melodicky, čím zvýrazňuje výraznosť sláčikových nástrojov. Ide o akúsi áriu pre orchester, v ktorej dominuje lyrika a elegická reflexia.

Tretia časť je elegantný galantný menuet. Vytvára pocit uvoľnenia a uvoľnenia. A potom ako ohnivá smršť prepuká ohnivé finále. Vo všeobecnosti to bola symfónia tej doby. Jeho pôvod sa dá veľmi jasne vystopovať. Prvá časť sa najviac podobá opernej predohre. Ak je však predohra iba prahom predstavenia, tak tu sa vo zvukoch odvíja samotná akcia. Typicky operné hudobné obrazy predohry – hrdinské fanfáry, dojemné lamentá, búrlivá zábava bifľošov – sa nespájajú s konkrétnymi scénickými situáciami a nenesú charakteristické individuálne črty (nezabudnite, že aj slávna predohra k Rossiniho „Holičovi zo Sevilly“ má nič spoločné s obsahom opery a vôbec, pôvodne bola napísaná pre inú operu!), odtrhol sa od operného predstavenia a začal samostatný život. V ranej symfónii sú ľahko rozpoznateľné – rozhodujúce, odvážne intonácie hrdinských árií v prvých témach, nazývaných hlavnými, jemné vzdychy lyrických árií v druhých, takzvaných vedľajších témach.

Operné princípy sa odrážajú aj v textúre symfónie. Ak predtým v inštrumentálnej hudbe dominovala polyfónia, teda polyfónia, v ktorej znelo súčasne viacero samostatných melódií, prelínajúcich sa, tu sa začal rozvíjať iný typ polyfónie: jedna hlavná melódia (najčastejšie husľová), výrazová, výrazná, sprevádzaná tzv. sprievod, ktorý to rozbehne, zdôrazňuje jej individualitu. Tento typ polyfónie, nazývaný homofónny, úplne dominuje v ranej symfónii. Neskôr sa v symfónii objavujú techniky vypožičané z fúgy. V polovici 18. storočia by to však mohlo byť skôr v kontraste s fúgou. Spravidla bola jedna téma (existujú dvojité, trojité a viac fúg, ale témy nie sú protikladné, ale porovnávané). Mnohokrát sa to opakovalo, ale nič tomu neodporovalo. Bola to v podstate axióma, téza, ktorá bola opakovane vyslovená bez toho, aby vyžadovala dôkaz. V symfónii je to naopak: vo vzhľade a ďalších zmenách rôznych hudobných tém a obrazov je počuť spory a rozpory. Možno práve tu sa znamenie času prejavuje najzreteľnejšie. Pravda už nie je daná. Treba to hľadať, dokazovať, zdôvodňovať, porovnávať rôzne názory, objasňovať rôzne uhly pohľadu. Toto robia encyklopedisti vo Francúzsku. Na tom je postavená nemecká filozofia, najmä Hegelova dialektická metóda. A samotný duch éry hľadania sa odráža v hudbe.

Takže symfónia si veľa vzala z opernej predohry. Predohra načrtla najmä princíp striedania kontrastných úsekov, ktoré v symfónii prešli do samostatných častí. V jej prvej časti sú rôzne stránky, rôzne pocity človeka, život v jeho pohybe, vývoj, zmeny, kontrasty a konflikty. V druhej časti je reflexia, sústredenie a niekedy aj texty. V treťom - relaxácia, zábava. A nakoniec, finále - obrázky zábavy, radosti a zároveň - výsledok hudobného vývoja, dokončenie symfonického cyklu.

Takto by sa symfónia vyvíjala začiatkom 19. storočia, v najvšeobecnejšom zmysle by tomu tak bolo napríklad v prípade Brahmsa alebo Brucknera. A v čase svojho narodenia si zrejme požičala viaceré pohyby zo suity.

Allemande, courante, sarabande a gigue sú štyri povinné tance, štyri rôzne nálady, ktoré možno ľahko vidieť v raných symfóniách. Veľmi zreteľne sa v nich prejavuje tanečná kvalita, najmä vo finále, ktoré charakterom melódie, tempom, ba aj veľkosťou taktu často pripomínajú gigue. Pravda, niekedy má finále symfónie bližšie k iskrivému finále opery buffa, no aj tak je jej príbuznosť s tancom, napríklad tarantellou, nepopierateľná. Čo sa týka tretej časti, volá sa menuet. Len v Beethovenovom diele tanec – galantný dvorný či hrubý obyčajný – nahradí scherzo.

Novorodená symfónia tak absorbovala črty mnohých hudobných žánrov a žánrov zrodených v rôznych krajinách. A vznik symfónie sa odohrával nielen v Mannheime. Bola tu Viedenská škola, ktorú zastupoval najmä Wagenseil. Giovanni Battista Sammartini v Taliansku napísal orchestrálne diela, ktoré nazýval symfónie a sú určené na koncertné prevedenie, ktoré nie je spojené s operným predstavením. Vo Francúzsku sa mladý skladateľ, pôvodom Belgičan, François-Joseph Gossec, obrátil k novému žánru. Jeho symfónie sa nestretli s ohlasom a uznaním, keďže vo francúzskej hudbe dominovala programová, ale jeho tvorba zohrala úlohu pri formovaní francúzskej symfónie, pri obnove a rozšírení symfonického orchestra. Český skladateľ František Míša, ktorý svojho času pôsobil vo Viedni, veľa a úspešne experimentoval pri hľadaní symfonickej formy. Jeho slávny krajan Josef Myslewicz mal zaujímavé experimenty. Všetci títo skladatelia však boli samotári, no v Mannheime vznikla celá škola, ktorá mala k dispozícii aj prvotriedny „nástroj“ – slávny orchester. Vďaka šťastnej náhode, že falcký kurfirst bol veľkým milovníkom hudby a mal dosť peňazí na to, aby si mohol dovoliť obrovské výdavky, sa v hlavnom meste Falcka zišli významní hudobníci z rôznych krajín - Rakúšania a Česi, Taliani a Prusi - každý z ktorých prispel k vytvoreniu nového žánru. V dielach Jana Stamitza, Franza Richtera, Carla Toeschiho, Antona Filza a iných majstrov vznikla symfónia v tých svojich hlavných črtách, ktoré potom prešli do tvorby viedenských klasikov – Haydna, Mozarta, Beethovena.

Takže v priebehu prvého polstoročia existencie nového žánru sa objavil jasný štrukturálny a dramatický model, ktorý dokáže poňať rôznorodý a veľmi významný obsah. Základom tohto modelu bola forma zvaná sonáta, alebo sonata allegro, keďže bola najčastejšie písaná v tomto tempe a neskôr typická pre symfóniu aj inštrumentálnu sonátu a koncert. Jeho zvláštnosťou je spájanie rôznych, často kontrastných hudobných tém. Tri hlavné časti sonátovej formy - expozícia, vývoj a repríza - pripomínajú začiatok, vývoj akcie a rozuzlenie klasickej drámy. Po krátkom úvode alebo hneď na začiatku expozície sa divákom predstavia „postavy“ hry.

Prvá hudobná téma, ktorá zaznie v hlavnej tónine diela, sa nazýva hlavná téma. Častejšie - hlavná téma, ale správnejšie - hlavná časť, pretože v rámci hlavnej časti, to znamená určitého segmentu hudobnej formy, zjednotenej jednou tonalitou a figuratívnou komunitou, časom nie jedna, ale niekoľko rôznych tém - začali sa objavovať melódie. Po hlavnej šarži, v skorých vzorkách priamym porovnaním a v neskorších cez malú spojovaciu šaržu, začína sekundárna šarža. Jeho téma alebo dve alebo tri rôzne témy kontrastujú s hlavnou. Bočná časť je najčastejšie lyrickejšia, mäkká a ženská. Znie v inej tónine ako v hlavnej, sekundárnej (odtiaľ názov partu) tónine. Vzniká pocit nestability a niekedy aj konflikt. Výstava sa končí záverečnou časťou, ktorá v raných symfóniách buď absentuje, alebo hrá čisto pomocnú úlohu ako akási pointa, opona po prvom dejstve hry a následne, počnúc Mozartom, nadobúda význam nezávislý tretí obrázok spolu s hlavným a vedľajším.

Stredná časť sonátovej formy je vývoj. Ako vyplýva z názvu, rozvíjajú sa v nej hudobné témy, s ktorými sa poslucháči na výstave (teda predtým vystavené) zoznámili, podliehajú zmenám a vývoju. Zároveň sú zobrazené z nových, niekedy nečakaných strán, modifikované, izolujú sa od nich jednotlivé motívy - tie najaktívnejšie, ktoré sa neskôr zrážajú. Rozvoj je dramaticky efektívny úsek. Na konci prichádza vyvrcholenie, ktoré vedie k repríze – tretej časti formy, akési rozuzlenie drámy.

Názov tejto časti pochádza z francúzskeho slova reprendre – obnoviť. Ide o obnovu, opakovanie expozície, ale upravenú: obe časti teraz znejú v hlavnej tónine symfónie, akoby vývojovým dianím priniesli súhlas. Niekedy sú v repríze ďalšie zmeny. Dá sa napríklad orezať (bez toho, aby v expozícii odznela niektorá z tém), zrkadliť (najprv zaznie vedľajšia časť a až potom hlavná časť). Prvá časť symfónie sa zvyčajne končí codou - záverom, ktorý stanovuje hlavnú tonalitu a hlavný obraz sonáty allegro. V raných symfóniách je coda malá a je v podstate trochu rozvinutou záverečnou časťou. Neskôr, napríklad v Beethovenovi, nadobudne výrazné rozmery a stane sa akýmsi druhým vývojom, v ktorom sa afirmácia opäť dosiahne bojom.

Táto forma sa ukázala ako skutočne univerzálna. Od čias symfónie až po súčasnosť úspešne stelesňuje najhlbší obsah, sprostredkúva nevyčerpateľné bohatstvo obrazov, myšlienok a problémov.

Druhá časť symfónie je pomalá. Toto je zvyčajne lyrický stred cyklu. Jeho tvar sa líši. Najčastejšie je trojdielna, to znamená, že má podobné vonkajšie časti a kontrastnú strednú časť, ale môže byť napísaná aj vo forme variácií alebo inej formy, až po sonátu, ktorá sa štrukturálne líši od prvého alegra. len v pomalšom tempe a menej efektívnom vývoji.

Tretia časť je menuet v raných symfóniách a scherzo od Beethovena po súčasnosť, spravidla komplexná trojdielna forma. Obsah tejto časti sa v priebehu desaťročí upravoval a skomplikoval, od každodenného či dvorného tanca cez monumentálne mocné scherzá 19. storočia a neskôr až po hrozivé obrazy zla a násilia v symfonických cykloch Šostakoviča, Honeggera a iných symfonikov. 20. storočia. Počnúc druhou polovicou 19. storočia scherzo čoraz viac mení miesta pomalým pohybom, ktorý sa v súlade s novým poňatím symfónie stáva akousi duchovnou reakciou nielen na udalosti prvej časti, ale aj do obrazného sveta scherza (najmä v Mahlerových symfóniách).

Finále, ktoré je výsledkom cyklu, je v raných symfóniách často písané vo forme rondovej sonáty. Striedanie veselých epizód iskriacich zábavou s neustálym tanečným refrénom - takáto štruktúra prirodzene vyplývala z povahy obrazov finále, z jeho sémantiky. Postupom času, s prehlbovaním problémov symfónie, sa začali meniť aj vzorce štruktúry jej finále. Finále sa začali objavovať v sonátovej forme, vo forme variácií, vo voľnej forme a nakoniec aj s oratoriálnymi prvkami (so zaradením zboru). Zmenili sa aj jeho obrazy: nielen životné potvrdenie, ale niekedy aj tragické vyústenie (Čajkovského Šiesta symfónia), zmierenie sa s krutou realitou či únik z nej do sveta snov, ilúzie sa stali obsahom finále symfonického cyklu v r. posledných sto rokov.

Vráťme sa však na začiatok slávnej cesty tohto žánru. Vznikol v polovici 18. storočia a dosiahol klasické zavŕšenie v diele veľkého Haydna.

Slovo "symfónia" preložené z gréčtiny ako „súzvuk“. Zvuk mnohých nástrojov v orchestri možno skutočne nazvať hudbou len vtedy, keď sú zladené a nie každý vytvára zvuky sám o sebe.

V starovekom Grécku to bol názov pre príjemnú kombináciu zvukov, spoločne spievajúcich v súzvuku. V starovekom Ríme sa takto začal nazývať súbor alebo orchester. V stredoveku sa svetská hudba vo všeobecnosti a niektoré hudobné nástroje nazývali symfónia.

Slovo má iné významy, ale všetky nesú význam spojenia, zapojenia, harmonického spojenia; napríklad symfónia sa nazýva aj princíp vzťahu medzi cirkvou a svetskou mocou sformovanou v Byzantskej ríši.

Ale dnes budeme hovoriť len o hudobnej symfónii.

Odrody symfónie

Klasická symfónia- Ide o hudobné dielo v sonátovej cyklickej forme, určené pre symfonický orchester.

Symfónia (okrem symfonického orchestra) môže obsahovať zbor a spev. Sú to symfónie-suity, symfónie-rapsódie, symfónie-fantázie, symfónie-balady, symfónie-legendy, symfónie-básne, symfónie-rekviem, symfónie-balety, symfónie-drámy a divadelné symfónie ako symfónie.

Klasická symfónia má zvyčajne 4 časti:

prvá časť - in rýchle tempo(allegro ) , v sonátovej forme;

druhá časť - in pomalým tempom, obyčajne vo forme variácií, rondo, rondo sonáta, komplexná trojčlenná, menej často vo forme sonáty;

tretia časť - scherzo alebo menuet- v trojdielnej forme da capo s triom (teda podľa schémy A-trio-A);

štvrtá časť - in rýchle tempo, v sonátovej forme, v rondovej alebo rondosonátovej forme.

Existujú však symfónie s menej (alebo viacerými) časťami. Nechýbajú ani jednovetové symfónie.

Program Symphony je symfónia s konkrétnym obsahom, ktorý je stanovený v programe alebo vyjadrený v názve. Ak má symfónia názov, potom tento názov predstavuje minimálny program, napríklad „Symphony Fantastique“ od G. Berlioza.

Z histórie symfónie

Za tvorcu klasickej formy symfónie a orchestrácie sa považuje Haydn.

A prototypom symfónie je talianska predohra(inštrumentálne orchestrálne dielo uvádzané pred začiatkom akéhokoľvek predstavenia: opera, balet), ktorý sa rozvinul koncom 17. stor. Významne prispeli k rozvoju symfónie napr Mozart A Beethoven. Títo traja skladatelia sa nazývajú „viedenskí klasici“. Viedenskí klasici vytvorili vysoký typ inštrumentálnej hudby, v ktorej je všetko bohatstvo figuratívneho obsahu stelesnené v dokonalej umeleckej forme. S touto dobou sa zhodoval aj proces formovania symfonického orchestra - jeho stáleho zloženia a orchestrálnych zoskupení.

V.A. Mozart

Mozart písal vo všetkých formách a žánroch, ktoré existovali v jeho ére, osobitnú dôležitosť pripisoval opere, veľkú pozornosť však venoval aj symfonickej hudbe. Vzhľadom na to, že po celý život paralelne pracoval na operách a symfóniách, jeho inštrumentálna hudba sa vyznačuje melodickosťou opernej árie a dramatického konfliktu. Mozart vytvoril viac ako 50 symfónií. Najpopulárnejšie boli posledné tri symfónie – č. 39, č. 40 a č. 41 („Jupiter“).

K. Schlosser "Beethoven v práci"

Beethoven vytvoril 9 symfónií, no z hľadiska vývoja symfonickej formy a orchestrácie ho možno označiť za najväčšieho symfonického skladateľa klasického obdobia. V jeho 9. symfónii, najznámejšej, sú všetky jej časti spojené do jedného celku prierezovou témou. V tejto symfónii uviedol Beethoven vokálne party, po ktorých to začali robiť ďalší skladatelia. Vo forme symfónie povedal nové slovo R. Schumann.

Ale už v druhej polovici 19. stor. prísne formy symfónie sa začali meniť. Štvordielny systém sa stal voliteľným: objavil sa jednodielny symfónia (Mjaskovskij, Boris Čajkovskij), symfónia z 11 dielov(Šostakovič) a dokonca aj z 24 dielov(Hovaness). Klasické finále v rýchlom tempe vystriedalo pomalé finále (6. symfónia P.I. Čajkovského, Mahlerova tretia a deviata symfónia).

Autormi symfónií boli F. Schubert, F. Mendelssohn, J. Brahms, A. Dvořák, A. Bruckner, G. Mahler, Jean Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Čajkovskij, A. Borodin, N Rimskij- Korsakov, N. Mjaskovskij, A. Skrjabin, S. Prokofiev, D. Šostakovič a ďalší.

Jeho zloženie, ako sme už povedali, sa formovalo v ére viedenskej klasiky.

Základom symfonického orchestra sú štyri skupiny nástrojov: sklonené struny(husle, violy, violončelo, kontrabasy), dychové nástroje(flauta, hoboj, klarinet, fagot, saxofón so všetkými ich druhmi - starodávna zobcová flauta, šál, chalumeau atď., Ako aj množstvo ľudových nástrojov - balaban, duduk, zhaleika, flauta, zurna), mosadz(lesný roh, trúbka, kornút, krídlovka, trombón, tuba), bubny(timpány, xylofón, vibrafón, zvončeky, bicie, triangel, činely, tamburína, kastanety, tom-tom a iné).

Niekedy sú v orchestri zahrnuté aj iné nástroje: harfa, klavír, orgán(klávesovo-dychový hudobný nástroj, najväčší typ hudobného nástroja), celesta(malý klávesový perkusný hudobný nástroj, ktorý vyzerá ako klavír a znie ako zvončeky), čembalo.

čembalo

Veľký symfonický orchester môže zahŕňať až 110 hudobníkov , malý- nie viac ako 50.

Dirigent rozhodne, ako orchester posadí. Usporiadanie interpretov v modernom symfonickom orchestri je zamerané na dosiahnutie koherentnej zvučnosti. Za 50-70 rokov. XX storočia sa rozšírilo "Americké sedenie": prvé a druhé husle sú umiestnené vľavo od dirigenta; vpravo sú violy a violončelo; v hlbinách sú drevené a mosadzné dychy, kontrabasy; vľavo sú bubny.

Usporiadanie sedadiel hudobníkov symfonického orchestra

Vo svete hudby existujú jedinečné, ikonické diela, ktorých zvuky píšu kroniku hudobného života. Niektoré z týchto diel predstavujú revolučný prelom v umení, iné sa vyznačujú komplexnou a hlbokou koncepciou, iné udivujú mimoriadnou históriou svojho vzniku, štvrté sú jedinečným podaním skladateľovho štýlu a piate... sú také krásne v hudby, že nie je možné ich nespomenúť. Ku cti hudobného umenia patrí množstvo takýchto diel a ako príklad si povedzme päť vybraných ruských symfónií, ktorých jedinečnosť je ťažké preceňovať.

♫♪ ♫♪ ♫♪

DRUHÁ (HRDINOVÁ) SYMFÓNIA ALEXANDRA BORODINA (MINOR B, 1869 – 1876)

V Rusku v druhej polovici 19. storočia medzi skladateľmi dozrela pevná myšlienka: nastal čas vytvoriť vlastnú, ruskú symfóniu. V tom čase v Európe oslavovala symfónia svoju storočnicu, pričom prešla všetkými štádiami evolučného reťazca: od opernej predohry, ktorá opustila divadelnú scénu a hrala sa oddelene od opery, až po také kolosy ako Beethovenova Symfónia č. (1824) alebo Berliozova Fantastique Symphony (1830). V Rusku sa móda tohto žánru neuchytila: skúsili to raz, dvakrát (Dmitrij Bortňanskij - Koncertná symfónia, 1790; Alexander Alyabyev - symfónie e mol, Es dur) - a tento nápad opustili, aby vrátiť sa k nemu o desaťročia neskôr v dielach Antona Rubinsteina, Miliji Balakireva, Nikolaja Rimského-Korsakova, Alexandra Borodina a ďalších.

Spomínaní skladatelia usúdili úplne správne, uvedomujúc si, že jediné, čím sa môže ruská symfónia pochváliť na pozadí európskej hojnosti, je jej národná príchuť. A Borodin v tomto nemá páru. Jeho hudba dýcha rozľahlosťou nekonečných plání, udatnosťou ruských rytierov, úprimnosťou ľudových piesní s ich ubolenou, dojemnou notou. Znak symfónie bol hlavnou témou prvej časti, po vypočutí skladateľovho priateľa a mentora, muzikológa Vladimíra Stasova, navrhol dve mená: najprv „Levice“ a potom vhodnejšiu myšlienku: „Bogatyrskaya“.

Na rozdiel od symfonických diel toho istého Beethovena alebo Berlioza, založených na ľudských vášňach a skúsenostiach, Bogatyrova symfónia rozpráva o čase, histórii a ľuďoch. V hudbe nie je žiadna dráma, žiadny výrazný konflikt: pripomína sériu hladko sa meniacich obrazov. A to sa zásadne odráža v štruktúre symfónie, kde pomalá časť, zvyčajne na druhom mieste, a živé scherzo (tradične prichádzajúce po ňom) striedajú miesta a finále v zovšeobecnenej podobe opakuje myšlienky prvého. pohyb. Borodinovi sa tak podarilo dosiahnuť maximálny kontrast v hudobnej ilustrácii národného eposu a štrukturálny model Bogatyrskej následne slúžil ako predloha pre epické symfónie Glazunova, Myaskovského a Prokofieva.

I. Allegro (00:00)
II. Scherzo: Prestissimo - Trio: Allegretto (07:50)
III. Andante (13:07)
IV. Finále: Allegro (23:42)

♫♪ ♫♪ ♫♪

ŠIESTA (PATETICKÁ) SYMFÓNIA PETRA ČAJKOVSKÉHO (B MINOR, 1893)

Dôkazov, interpretácií a pokusov vysvetliť jej obsah je toľko, že celý popis tohto diela by mohol pozostávať z citátov. Tu je jeden z nich, z listu Čajkovského jeho synovcovi Vladimírovi Davydovovi, ktorému je symfónia venovaná: „Počas cesty som mal nápad na ďalšiu symfóniu, tentoraz programovú, ale s programom, ktorý zostane záhada pre každého. Tento program je najviac presiaknutý subjektivitou a často som počas svojich ciest, keď som ho duševne skladal, veľmi plakal.“ Čo je to za program? Čajkovskij to priznáva svojej sesternici Anne Merklingovej, ktorá mu navrhla, aby v tejto symfónii opísal svoj život. "Áno, uhádli ste správne," potvrdil skladateľ.

Začiatkom 90. rokov 19. storočia myšlienka na písanie memoárov opakovane navštívila Čajkovského. Náčrty pre jeho nedokončenú symfóniu s názvom „Život“ pochádzajú z tejto doby. Súdiac podľa dochovaných návrhov, skladateľ plánoval zobraziť určité abstraktné etapy života: mladosť, smäd po aktivite, lásku, sklamanie, smrť. Objektívny plán však Čajkovskému nestačil a práca bola prerušená, no v šiestej symfónii sa riadil výlučne osobnými zážitkami. Aká chorá musela byť skladateľova duša, keď sa hudba zrodila s takou neuveriteľnou, úžasnou silou vplyvu!

Lyricko-tragická prvá časť a finále sú nerozlučne späté s obrazom smrti (vo vývoji prvej časti je citovaná téma duchovného chorálu „Odpočívaj so svätými“), ako o tom dosvedčuje sám Čajkovskij. symfónia ako odpoveď na návrh veľkovojvodu Konstantina Romanova napísať „Requiem“ “ Preto sú tak ostro vnímané svetlé lyrické intermezzo (päťdobý valčík v druhej časti) a slávnostné a triumfálne scherzo. O úlohe toho druhého v kompozícii sa vedú mnohé diskusie. Zdá sa, že Čajkovskij sa snažil ukázať márnosť pozemskej slávy a šťastia tvárou v tvár nevyhnutnej strate, čím potvrdil veľké Šalamúnove výrok: „Všetko pominie. Aj toto prejde."

1. Adagio - Allegro non troppo 00:00
2. Allegro con grazia 18:20
3. Allegro molto vivace 25:20
4. Finále. Adagio lamentoso 33:44

♫♪ ♫♪ ♫♪

TRETIA SYMFÓNIA (“BOŽSKÁ BÁSŇ”) ALEXANDRA SCRYABINA (C MINOR, 1904)

Ak náhodou zavítate v tmavý jesenný večer do Múzea Alexandra Skrjabina v Moskve, určite pocítite desivú a tajomnú atmosféru, ktorá obklopovala skladateľa počas jeho života. Zvláštna štruktúra farebných žiaroviek na stole v obývačke, kypré zväzky o filozofii a okultizme za zakaleným sklom dvierok knižnice a napokon asketicky vyzerajúca spálňa, kde sa Skrjabin, ktorý sa celý život bál smrti na otravu krvi, zomrel na sepsu. Ponuré a tajomné miesto, ktoré dokonale demonštruje skladateľov svetonázor.

O Skrjabinovom myslení nie menej svedčí jeho Tretia symfónia, ktorá otvára takzvané stredné obdobie tvorivosti. V tejto dobe Skrjabin postupne formuloval svoje filozofické názory, ktorých podstatou je, že celý svet je výsledkom vlastnej tvorivosti a vlastných myšlienok (solipsizmus v extrémnom štádiu) a že stvorenie sveta a tvorba umenia sú v podstate podobné procesy. Tieto procesy prebiehajú takto: z primárneho chaosu tvorivej malátnosti vznikajú dva princípy – aktívny a pasívny (mužský a ženský). Prvý nesie božskú energiu, druhý dáva vznik hmotnému svetu s jeho prírodnými krásami. Vzájomné pôsobenie týchto princípov vytvára kozmický eros, vedúci k extáze – slobodnému víťazstvu ducha.

Bez ohľadu na to, ako zvláštne môže všetko vyššie uvedené znieť, Skrjabin úprimne veril tomuto modelu Genezis, podľa ktorého bola napísaná Tretia symfónia. Jeho prvá časť sa nazýva „Boj“ (boj človeka-otroka, podriadeného najvyššiemu vládcovi sveta a človeku-bohu), druhá - „Potešenie“ (človek sa odovzdáva radostiam zmyslového sveta , rozpúšťa sa v prírode) a nakoniec tretia - „Božská hra“ (oslobodený duch, „tvoriaci vesmír jedinou silou svojej tvorivej vôle“, chápe „vznešenú radosť zo slobodnej činnosti“). Ale filozofia je filozofia a samotná hudba je úžasná a odhaľuje všetky možnosti zafarbenia symfonického orchestra.

I. Lento
II. Luttes
III. Voluptes
IV. Jeu Divin

♫♪ ♫♪ ♫♪

PRVÁ (KLASICKÁ) SYMFÓNIA SERGEJA PROKOFIEVA (D MAJOR, 1916–1917)

Píše sa rok 1917, ťažké vojnové roky, revolúcia. Zdalo by sa, že umenie by sa malo pochmúrne mračiť a rozprávať o bolestivých veciach. Ale smutné myšlienky nie sú pre Prokofievovu hudbu - slnečná, iskrivá, mladistvo očarujúca. Toto je jeho prvá symfónia.

O tvorbu viedenských klasikov sa skladateľ zaujímal už v študentských rokoch. Teraz z jeho pera vyšlo dielo a la Haydn. „Zdalo sa mi, že keby Haydn žil dodnes, zachoval by si svoj štýl písania a zároveň by si osvojil niečo nové,“ komentoval Prokofiev svoj nápad.

Skladateľ zvolil skromné zloženie orchestra, opäť v duchu viedenského klasicizmu – bez ťažkej dychovky. Textúra a orchestrácia sú ľahké a transparentné, rozsah diela nie je veľký, kompozícia je harmonická a logická. Jedným slovom veľmi pripomína dielo klasicizmu, omylom zrodeného v dvadsiatom storočí. Existujú však aj čisto prokofievovské emblémy, napríklad jeho obľúbený žáner gavota v tretej časti namiesto scherza (skladateľ neskôr použil tento hudobný materiál v balete „Rómeo a Júlia“), ako aj ostrý „paprika“. “ harmónia a priepasť hudobného humoru.

0:33 I. Allegro
5:20 II. Larghetto
9:35 III. Gavotta (Non troppo allegro)
11:17 IV. Finále (Molto vivace)

♫♪ ♫♪ ♫♪

SIEDMA (LENINGRADSKÁ) SYMFÓNIA DMITRYHO ŠOSTAKOVIČA (C MAJOR, 1941)

júla 1942 dvadsaťročný pilot, poručík Litvinov, zázračne prerazil nepriateľské obkľúčenie a do obliehaného Leningradu sa mu podarilo priniesť lieky a štyri kypré hudobné knihy s partitúrou Siedmej symfónie D.D. Šostakoviča a na druhý deň sa v Leningradskej pravde objavila krátka poznámka: „Partitúra Siedmej symfónie Dmitrija Šostakoviča bola doručená do Leningradu lietadlom. Jeho verejné vystúpenie sa uskutoční vo Veľkej sále filharmónie.“

Udalosť, ku ktorej história hudby nikdy nepoznala analógy: v obliehanom meste strašne vyčerpaní hudobníci (zúčastnili sa všetci, ktorí prežili) pod taktovkou dirigenta Carla Eliasberga predviedli Šostakovičovu novú symfóniu. Ten istý, ktorý skladateľ skomponoval v prvých týždňoch blokády, kým ho a jeho rodinu neevakuovali do Kuibysheva (Samara). V deň leningradskej premiéry, 9. augusta 1942, sa Veľká sála Leningradskej filharmónie zaplnila do posledného miesta vyčerpanými obyvateľmi mesta s priesvitnými tvárami, no zároveň v elegantnom oblečení a vojenským personálom, ktorý prišiel priamo z predná línia. Symfónia bola vysielaná do ulíc prostredníctvom rozhlasových reproduktorov. V ten večer celý svet stál a počúval nevídaný počin hudobníkov.

...Je to pozoruhodné, ale slávnu tému v duchu Ravelovho Bolera, ktorá je dnes zvyčajne zosobnená fašistickou armádou, ktorá sa bezhlavo pohybuje a ničí všetko, čo jej stojí v ceste, napísal Šostakovič ešte pred začiatkom vojny. Bola však celkom prirodzene zaradená do prvej časti Leningradskej symfónie, ktorá nahradila takzvanú „epizódu invázie“. Život potvrdzujúci koniec sa ukázal aj ako prorocký, predvídajúci vytúžené Víťazstvo, od ktorého ho delilo ešte také dlhé tri a pol roka...

I. Allegretto 00:00
II. Moderato (poco allegretto) 26:25
III. Adagio 37:00
IV. Allegro non troppo 53:40

♫♪ ♫♪ ♫♪

Flegontová Anastasia

trieda 7špecializácia "Hudobná teória",MAOUUDOD DSHI č. 46, Kemerovo

Zaigraeva Valentina Afanasyevna

vedecký školiteľ,učiteľ teoretických disciplín MAOU DOD "DSHI č. 46"

Úvod

Každé väčšie mesto má symfonický orchester. Je žiadaný v operných domoch aj vo filharmóniách. No samotný žáner symfónie – jeden z najúctyhodnejších žánrov akademickej hudby – dnes nahrádza komorná a elektronická hudba. A môže sa stať, že príde hodina, keď taký skvelý žáner, akým je symfónia, už nebude na koncertoch hrať vôbec. Aspoň už takmer prestali skladať symfónie. Relevantnosť výskumné témy: neutíchajúci záujem o otázku budúcej existencie žánru „symfónia“ čo čaká symfóniu v 21. storočí: znovuzrodenie alebo zabudnutie? Predmet štúdia je symfónia ako žáner a ako vážny spôsob chápania sveta a ľudského sebavyjadrenia. Predmet výskumu: vývoj symfonického žánru od jeho počiatkov až po súčasnosť. Účel práce:študovať črty vývoja symfonického žánru. Ciele výskumu: analyzovať vedecký a teoretický materiál o probléme; popísať symfonické zákony, normy, modely a trendy vo vývoji žánru.

kapitolaja. História slova "symfónia".

Symfónia (z gr. symphonía - súzvuk, zo sýn - spolu a telefón - zvuk), hudobné dielo v sonátovej cyklickej forme, určené na prednes symfonického orchestra; jeden z najdôležitejších žánrov symfonickej hudby. V niektorých symfóniách je zapojený aj zbor a sólisti. Symfónia je jedným z najkomplexnejších hudobných žánrov. „Vytvoriť symfóniu pre mňa znamená vybudovať svet pomocou všetkých prostriedkov modernej hudobnej technológie,“ povedal rakúsky skladateľ Gustav Mahler.

Spočiatku, v starovekom Grécku, sa „symfónia“ nazývala eufónnym zvukom tónov, ktoré spolu spievali v súzvuku. Už v starom Ríme to bol názov pre súbor alebo orchester. V stredoveku bola svetská hudba vo všeobecnosti považovaná za „symfóniu“ (vo Francúzsku tento význam zostal až do 18. storočia) a niektoré hudobné nástroje (najmä hurdiska) by sa dali nazvať týmto spôsobom. V Nemecku bola symfónia do polovice 18. storočia všeobecným pojmom pre odrody čembala - spinety a virginely, vo Francúzsku sa tak nazývali sudové organy, čembalá, dvojhlavé bubny atď.

Na konci baroka niektorí skladatelia, ako napríklad Giuseppe Torelli (1658-1709), komponovali diela pre sláčikový orchester a basso continuo v troch častiach, s rýchlym-pomalým-rýchlym tempom. Hoci sa takéto diela zvyčajne nazývali „koncerty“, nijako sa nelíšili od diel nazývaných „symfónie“; napríklad tanečné témy boli použité vo finále koncertov aj symfónií. Rozdiel sa týkal najmä štruktúry prvej časti cyklu: v symfóniách bola jednoduchšia - spravidla binárna dvojdielna forma barokovej predohry, sonáty a suity (AA BB). Až v šestnástom storočí. začala sa aplikovať na jednotlivé diela, spočiatku vokálno-inštrumentálne, od skladateľov ako Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597, a Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musical, ) a Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629). Talianski skladatelia 17. storočia. Slovo „symfónia“ (sinfonia) často označovalo inštrumentálne úvody do opery, oratória alebo kantáty a významom sa tento výraz približoval pojmom „predohra“ alebo „predohra“.

Za prototyp symfónie možno považovať taliansku predohru, ktorá sa formovala za Domenica Scarlattiho koncom 17. storočia. Táto forma sa už nazývala symfónia a pozostávala z troch kontrastných častí: allegro, andante a allegro, ktoré splývali v jeden celok, rysy sonátovej formy boli načrtnuté v prvej časti. Práve táto forma je často vnímaná ako priamy predchodca orchestrálnej symfónie. Na druhej strane predchodcom symfónie bola orchestrálna sonáta, pozostávajúca z viacerých častí v najjednoduchších formách a hlavne v rovnakej tónine. Výrazy „predohra“ a „symfónia“ sa počas veľkej časti 18. storočia používali zameniteľne.

V 18. storočí symfónia sa oddelila od opery a stala sa samostatným koncertným žánrom, zvyčajne v troch častiach („rýchlo – pomaly – rýchlo“). S využitím čŕt barokovej tanečnej suity, opery a koncertu množstvo skladateľov a predovšetkým J.B. Sammartini vytvoril model klasickej symfónie – trojvetového diela pre sláčikový orchester, kde rýchle vety mali zvyčajne podobu jednoduchého ronda alebo ranej sonáty. Postupne k sláčikom pribudli ďalšie nástroje: hoboje (alebo flauty), lesné rohy, trúbky a tympány. Pre poslucháčov 18. storočia. symfóniu určovali klasické normy: homofónna textúra, diatonická harmónia, melodické kontrasty, daný sled dynamických a tematických zmien. Centrami, kde sa kultivovala klasická symfónia, boli nemecké mesto Mannheim (tu Jan Stamitz a ďalší autori rozšírili symfonický cyklus na štyri časti, pričom doň zaviedli dva tance z barokovej suity – menuet a trio) a Viedeň, kde Haydn, Mozart , Beethoven (rovnako ako ich predchodcovia, medzi ktorými vynikajú Georg Monn a Georg Wagenseil, pozdvihli žáner symfónie na novú úroveň. Johann Sebastian Bach (1685-1750, Nemecko).

kapitolaII. Symfónie zahraničných skladateľov

1. viedenská klasika

1.1. Franz Joseph Haydn

V diele Franza Josepha Haydna (1732-1809) sa napokon sformoval symfonický cyklus. Jeho rané symfónie sa ešte v ničom zásadne nelíšia od komornej hudby a sotva presahujú bežné zábavné a každodenné žánre tej doby. Až v 70. rokoch sa objavili diela, ktoré vyjadrovali hlbší svet obrazov („Funeral Symphony“, „Farewell Symphony“ atď.). Postupne sú jeho symfónie nasýtené hlbším dramatickým obsahom. Najvyšším počinom Haydnovho symfonizmu je dvanásť „londýnskych“ symfónií.

Sonátová štruktúraallegro. Každá zo symfónií (s výnimkou c mol) začína krátkym pomalým úvodom slávnostne majestátneho, premyslene sústredeného, lyricky zádumčivého alebo pokojne kontemplatívneho charakteru (zvyčajne v tempe Largo alebo Adagio). Pomalý úvod ostro kontrastuje s následným Allegrom (ktoré je prvou časťou symfónie) a zároveň ju pripravuje. Medzi témami hlavnej a vedľajšej časti nie je jasný obrazový kontrast. Obidve sú väčšinou ľudového piesňového a tanečného charakteru. Existuje len tónový kontrast: hlavná tonalita hlavných častí je v kontraste s dominantnou tonalitou bočných častí. Vývoj, ktorý je vybudovaný motivickou izoláciou, zaznamenal v Haydnových symfóniách výrazný rozvoj. Krátky, no najaktívnejší úsek je oddelený od témy hlavnej alebo vedľajšej časti a prechádza pomerne dlhým samostatným vývojom (nepretržité modulácie v rôznych tóninách, realizované rôznymi nástrojmi a v rôznych registroch). To dáva vývoju dynamický a ambiciózny charakter.

Druhá (pomalá) časť majú iný charakter: niekedy premyslene lyrický, inokedy piesňový, v niektorých prípadoch pochodový. Líšia sa aj tvarom. Najbežnejšie sú zložité trojdielne a variačné formy.

Menuety. Tretie časti „londýnskych“ symfónií sa vždy nazývajú Menuetto. Mnohé z Haydnových menuetov majú charakter country tancov s trochu ťažkopádnou chôdzou, rozmáchlou melódiou, nečakanými akcentmi a rytmickými posunmi, často pôsobiacimi vtipne. Trojdobá veľkosť tradičného menuetu je zachovaná, ale stráca aristokratickú sofistikovanosť a stáva sa demokratickým, sedliackym tancom.

finále. Vo finále Haydnových symfónií zvyčajne pútajú pozornosť žánrové obrazy, ktoré sa vracajú aj k ľudovej tanečnej hudbe. Formou je najčastejšie sonáta alebo rondosonáta. V niektorých finále „londýnskych“ symfónií sú široko používané techniky variácie a polyfónneho (imitačného) vývoja, čo ešte viac zdôrazňuje rýchly pohyb hudby a dynamizuje celú hudobnú štruktúru. [ 4, str. 76-78]

orchester. V Haydnovej tvorbe sa ustálilo aj zloženie orchestra. Je založený na štyroch skupinách nástrojov. Sláčiková sekcia, vedúca skupina orchestra, zahŕňa husle, violy, violončelo a kontrabasy. Drevenú skupinu tvoria flauty, hoboje, klarinety (nepoužívajú sa vo všetkých symfóniách) a fagoty. Haydnovu dychovú skupinu tvoria rohy a trúbky. Z bicích nástrojov použil Haydn v orchestri iba tympány. Výnimkou je dvanásta „Londýnska symfónia“, G dur („Vojenské“). Okrem tympánov predstavil Haydn triangl, činely a basový bubon. Celkovo dielo Franza Josepha Haydna zahŕňa viac ako 100 symfónií.

1.2. Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) spolu s Haydnom stáli pri počiatkoch európskeho symfonizmu, pričom najlepšie Mozartove symfónie sa objavili ešte pred Haydnovými Londýnskymi symfóniami. Bez duplikovania Haydna vyriešil Mozart problém symfonického cyklu po svojom. Celkový počet jeho symfónií presahuje 50, hoci podľa priebežného číslovania akceptovaného v ruskej hudobnej vede sa posledná symfónia - „Jupiter“ - považuje za 41. Podoba väčšiny Mozartových symfónií sa datuje do prvých rokov jeho tvorby. Počas viedenského obdobia vzniklo len posledných 6 symfónií, vrátane: „Linzskaja“ (1783), „Pražská“ (1786) a tri symfónie z roku 1788.

Prvé Mozartove symfónie boli silne ovplyvnené tvorbou J.S. Bach. Prejavilo sa to tak v interpretácii cyklu (3 malé časti, absencia menuetu, malá orchestrálna skladba), ako aj v rôznych výrazových detailoch (melódia tém, výrazové kontrasty dur a mol, hlavná úloha huslí).

Návštevy hlavných centier európskej symfónie (Viedeň, Miláno, Paríž, Mannheim) prispeli k rozvoju Mozartovho symfonického myslenia: obsah symfónií je obohatený, emocionálne kontrasty sa rozjasňujú, tematický vývoj je aktívnejší, miera častí sa zväčší a orchestrálna štruktúra sa viac rozvinie. Na rozdiel od Haydnových Londýnskych symfónií, ktoré vo všeobecnosti rozvíjajú jeden typ symfonizmu, najlepšie Mozartove symfónie (č. 39-41) nie sú vhodné na typizáciu, sú absolútne jedinečné. Každý z nich stelesňuje zásadne novú umeleckú myšlienku. Dve z posledných štyroch Mozartových symfónií majú pomalý úvod, ostatné dve nie. Symfónia č. 38 („Pražská“, D dur) má tri časti („symfónia bez menuetu“), ostatné štyri.

Medzi najcharakteristickejšie črty Mozartovej interpretácie žánru symfónie patria:

· konfliktná dramaturgia. Na rôznych úrovniach častí cyklu sa v Mozartových symfóniách objavujú jednotlivé témy, rôzne tematické prvky v rámci témy, kontrast a konflikt. Mnohé z Mozartových symfonických tém sa spočiatku javia ako „komplexná postava“: sú postavené na viacerých kontrastných prvkoch (napr. hlavné témy vo finále 40. prvej časti symfónie Jupiter). Tieto vnútorné kontrasty sú najdôležitejším stimulom pre nasledujúci dramatický vývoj, najmä vo vývoji:

1. preferencia sonátovej formy. Mozart naň spravidla odkazuje vo všetkých častiach svojich symfónií, okrem menuetu. Práve sonátová forma s obrovským potenciálom pretvárania východiskových tém je schopná najhlbšieho odhalenia duchovného sveta človeka. V Mozartovom sonátovom vývoji môže každá téma expozície nadobudnúť samostatný význam, napr. spojovacie a záverečné (napríklad v symfónii „Jupiter“, vo vývoji prvej časti sa rozvíjajú témy z.p. a st.p. av druhej časti - st.t.);

2. obrovská úloha polyfónnej technológie. Rôznorodé polyfónne techniky výrazne prispievajú k dramatickosti, najmä v neskorších dielach (najvýraznejším príkladom je finále Jupiterovej symfónie);

3. odklon od otvorených žánrov v symfonických menuetoch a finále. Na rozdiel od Haydna sa na nich nedá použiť definícia „žáner-každodenný“. Naopak, Mozart vo svojich menuetoch často „neutralizuje“ tanečný princíp, napĺňa ich hudbu či už drámou (v symfónii č. 40) alebo lyrikou (v symfónii „Jupiter“);

4. konečné prekonanie suitovej logiky symfonického cyklu, ako striedanie rôznych častí. Mozartove štyri časti symfónie predstavujú organickú jednotu (to sa prejavilo najmä v Symfónii č. 40);

5. úzke prepojenie s vokálnymi žánrami. Klasická inštrumentálna hudba sa formovala pod silným vplyvom opery. V Mozartovi je tento vplyv opernej expresivity cítiť veľmi silno. Prejavuje sa nielen v používaní charakteristických operných intonácií (ako napr. v hlavnej téme 40. symfónie, ktorá je často prirovnávaná k Cherubínovej téme „Neviem, neviem vysvetliť...“ ). Mozartova symfonická hudba je presiaknutá kontrastnými juxtapozíciami tragického a bifľošského, vznešeného a obyčajného, čo jasne pripomína jeho operné diela.

1.3. Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827) ďalej obohatil žáner symfónie. V jeho symfóniách nadobudlo veľký význam hrdinstvo, dráma a filozofia. Časti symfónie sú tematicky tesnejšie prepojené a cyklus dosahuje väčšiu jednotu. Princíp použitia príbuzného tematického materiálu vo všetkých štyroch častiach, uskutočnený v Beethovenovej Piatej symfónii, viedol k vzniku tzv. cyklická symfónia. Beethoven nahrádza pokojný menuet živším, často búrlivým scherzom; povyšuje tematický vývoj na novú úroveň, svoje témy podrobuje všemožným zmenám, vrátane kontrapunktického vývoja, izoluje fragmenty tém, mení módy (dur - mol), rytmické posuny.

Keď už hovoríme o Beethovenových symfóniách, treba zdôrazniť jeho orchestrálnu inováciu. Medzi inováciami:

1. skutočný vznik skupiny medi. Hoci sa na trúbky stále hrá a nahráva spolu s tympánom, funkčne sa s nimi a lesnými rohmi začína narábať ako s jednou skupinou. K nim sa pripájajú aj trombóny, ktoré v symfonickom orchestri Haydna a Mozarta neboli. Trombóny hrajú vo finále 5. symfónie (3 trombóny), v búrkovej scéne v 6. (tu sú len 2), ako aj v niektorých častiach 9. (v scherze a v modlitbovej epizóde finále , ako aj v coda);

2. zhutnenie „strednej vrstvy“ núti vertikálu zväčšovať sa nad a pod. Pikolová flauta sa objavuje hore (vo všetkých vyššie uvedených prípadoch, s výnimkou modlitebnej epizódy vo finále 9. symfónie) a dole - kontrafagot (vo finále 5. a 9. symfónie). Ale v každom prípade sú v Beethovenovom orchestri vždy dve flauty a fagoty;

3. Beethoven, ktorý pokračuje v tradícii Haydnových Londýnskych symfónií a neskorších Mozartových symfónií, umocňuje nezávislosť a virtuozitu partov takmer všetkých nástrojov vrátane trúbky (slávne sólové zákulisie v predohrách Leonora č. 2 a č. 3) a tympánov. . Často má 5 sláčikových partov (kontrabasy sú oddelené od violončela), niekedy aj viac (hra divisi). Všetky drevené dychy, vrátane fagotu, ako aj lesné rohy (v zbore, ako v triu Scherzo 3. symfónie alebo samostatne) môžu hrať sólo s veľmi jasným materiálom.

2. Romantizmus

Hlavným charakteristickým znakom romantizmu bol rast formy, zloženie orchestra a hustota zvuku. Romantickí skladatelia zachovali tradičnú schému cyklu, no naplnili ho novým obsahom. Významné miesto medzi nimi má lyrická symfónia, ktorej jedným z najjasnejších príkladov bola Symfónia h mol od F. Schuberta. V tejto línii sa pokračovalo aj v symfóniách F. Mendelssohna-Bartholdyho, často majúcich maliarsko-krajinársky charakter. Symfónie tak nadobudli programové črty tak charakteristické pre romantických skladateľov. Hector Berlioz, vynikajúci francúzsky skladateľ, ako prvý vytvoril programovú symfóniu a napísal pre ňu poetický program v podobe poviedky o umelcovom živote. Programové myšlienky v romantickej hudbe sa však častejšie zhmotňovali do foriem jednodielnych symfonických básní, fantázií a pod. Najvýraznejší autor symfónií konca 19. a začiatku 20. storočia. tam bol G. Mahler, ktorý občas zaujal vokálny element. Významné symfónie na Západe vytvorili predstavitelia nových národných škôl: v 2. polovici 19. stor. - A. Dvořák v Českej republike, v 20. storočí. - K. Szymanowski v Poľsku, E. Elgar a R. Vaughan Williams v Anglicku, J. Sibelius vo Fínsku. Symfónie francúzskych skladateľov A. Honeggera, D. Milhauda a i. sa vyznačujú novátorskými črtami Ak koncom 19. a začiatkom 20. storočia. Kým dominovala veľká symfónia (často pre rozšírený orchester), neskôr začala čoraz dôležitejšiu úlohu zohrávať „komorná symfónia“, rozsahom skromná a určená pre súbor sólistov.

2.1. Franz Schubert (1797-1828)

Romantický symfonizmus vytvorený Schubertom bol definovaný najmä v posledných dvoch symfóniách – 8. h mol, nazvanej „Nedokončená“ a 9. C dur. Sú úplne odlišné, oproti sebe. Epos 9. je presiaknutý pocitom všemocnej radosti z bytia. „Nedokončené“ stelesňuje tému núdze a tragickej beznádeje. Takéto pocity, ktoré odzrkadľovali osudy celej generácie ľudí, pred Schubertom ešte nenašli symfonickú formu vyjadrenia. „Nedokončená“, ktorá vznikla o dva roky skôr ako Beethovenova 9. symfónia (v roku 1822), znamenala vznik nového symfonického žánru – lyricko-psychologického.

Jednou z hlavných čŕt symfónie B-mol je jej cyklus pozostávajúci len z dvoch častí. Mnohí výskumníci sa pokúšali preniknúť do „tajomstva“ tohto diela: zostala brilantná symfónia naozaj nedokončená? Na jednej strane niet pochýb o tom, že symfónia bola koncipovaná ako 4-dielny cyklus: jej pôvodný klavírny náčrt obsahoval veľký fragment 3. časti – scherzo. Nedostatočná tónová vyváženosť častí (h mol v 1. a E dur v 2.) je tiež silným argumentom v prospech toho, že symfónia nebola vopred koncipovaná ako 2-časťová. Na druhej strane, Schubert mal dosť času, ak chcel symfóniu dokončiť: po „Nedokončenej“ vytvoril veľké množstvo diel, vrátane 4-dielnej 9. symfónie. Existujú aj ďalšie argumenty pre a proti. Medzitým sa „Unfinished“ stala jednou z najrepertoárových symfónií, absolútne bez toho, aby pôsobila dojmom podhodnotenia. Jej plán v dvoch častiach sa ukázal byť plne realizovaný.

Hrdina „Nedokončeného“ je schopný jasných výbuchov protestu, ale tento protest nevedie k víťazstvu života potvrdzujúceho princípu. Intenzitou konfliktu táto symfónia nie je podradená dramatickým dielam Beethovena, ale tento konflikt je inej roviny, je prenesený do lyricko-psychologickej sféry. Toto je dráma zážitku, nie akcie. Jeho základom nie je boj dvoch protikladných princípov, ale boj vo vnútri osobnosti samotnej. Toto je najdôležitejšia črta romantického symfonizmu, ktorého prvým príkladom bola Schubertova symfónia.

kapitolaIII. Symfónia v Rusku

Symfonické dedičstvo ruských skladateľov - P.I. Čajkovskij, A.P. Borodina, A.G. Glazunov, Skrjabin, S.V. Rachmaninov. Od druhej polovice 19. storočia sa prísne formy symfónie začali rúcať. Štyri časti sa stali voliteľnými: sú tu obe jednočasťové symfónie (Mjaskovskij, Kančeli, Boris Čajkovskij), ako aj jedenásťčasťové (Šostakovič) a dokonca dvadsaťštyričasťové symfónie (Hovaness). Objavili sa pomalé finále, v klasickej symfónii nemožné (Čajkovského šiesta symfónia, Mahlerova tretia a deviata symfónia). Po Beethovenovej 9. symfónii začali skladatelia čoraz častejšie zavádzať do symfónií vokálne časti.

Druhá symfónia Alexandra Porfirieviča Borodina (1833-1887) je jedným z vrcholov jeho tvorby. Vďaka jasu, originalite, monolitickému štýlu a dômyselnej realizácii obrazov ruského ľudového eposu patrí k svetovým symfonickým majstrovským dielam. Celkovo napísal tri symfónie (tretia nebola dokončená).

Alexander Konstantinovič Glazunov (1865-1936) je jedným z najväčších ruských symfonikov. Jeho štýl jedinečne prelomil tvorivé tradície Glinku a Borodina, Balakireva a Rimského-Korsakova, Čajkovského a Taneyeva. Bol spojivom medzi predoktóbrovou ruskou klasikou a mladým sovietskym hudobným umením.

3.1. Piotr Iľjič Čajkovskij (1840-1893)

Symfónia v Rusku je predovšetkým Čajkovskij. Prvá symfónia „Zimné sny“ bola jeho prvým veľkým dielom po absolvovaní konzervatória v Petrohrade. Táto udalosť, ktorá sa dnes zdá taká prirodzená, bola v roku 1866 celkom mimoriadna. Ruská symfónia – viacvetový orchestrálny cyklus – bola na samom začiatku svojej cesty. V tom čase existovali iba prvé symfónie Antona Grigorieviča Rubinsteina a prvé vydanie Prvej symfónie Nikolaja Andrejeviča Rimského-Korsakova, ktoré si nezískali slávu. Čajkovskij vnímal svet dramaticky a jeho symfónia – na rozdiel od Borodinovej epickej symfónie – je lyricko-dramatického charakteru, akútne konfliktného charakteru.

Čajkovského šesť symfónií a programová symfónia „Manfred“ sú navzájom odlišné umelecké svety, ide o budovy postavené podľa „individuálneho“ projektu. Hoci „zákony“ žánru, ktorý vznikol a rozvíjal sa na západoeurópskej pôde, sú dodržiavané a interpretované s vynikajúcou zručnosťou, obsah a jazyk symfónií sú skutočne národné. Preto ľudové piesne znejú v Čajkovského symfóniách tak organicky.

3.2. Alexander Nikolajevič Skriabin (1872-1915)

Skrjabinova symfónia vznikla na základe tvorivého lomu rôznych tradícií symfonických klasikov 19. storočia. Ide predovšetkým o tradíciu dramatického symfonizmu Čajkovského a čiastočne aj Beethovena. Spolu s tým skladateľ implementoval aj niektoré prvky Lisztovej programovej romantickej symfónie. Niektoré črty orchestrálneho štýlu Skrjabinových symfónií ho čiastočne spájajú s Wagnerom. Všetky tieto rôzne zdroje však hlboko spracoval nezávisle. Všetky tri symfónie sú navzájom úzko spojené spoločným ideovým konceptom. Jeho podstatu možno definovať ako boj ľudskej osobnosti s nepriateľskými silami, ktoré jej stoja v ceste k nastoleniu slobody. Tento boj vždy končí víťazstvom hrdinu a triumfom svetla.

3.3. Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič (1906-1975)

Šostakovič - skladateľ a symfonik. Ak je pre Prokofieva so všetkou rozmanitosťou jeho tvorivých záujmov najdôležitejšie hudobné divadlo, potom pre Šostakoviča je naopak hlavným žánrom symfónia. Práve tu nachádzajú hlavné myšlienky jeho práce hlboké a komplexné stelesnenie. Svet Šostakovičových symfónií je obrovský. Vidíme v nich celý život ľudstva 20. storočia so všetkými jeho zložitosťami, rozpormi, vojnami a sociálnymi konfliktmi.

Siedma („Leningradská“) symfónia je jedným z najvýznamnejších diel skladateľa. Je štvordielna. Jej rozsah je obrovský: symfónia trvá viac ako 70 minút, z čoho takmer polovicu zaberá prvá časť. „Aký diabol môže poraziť ľudí schopných tvoriť takúto hudbu,“ napísal jeden z amerických novín v roku 1942. Šostakovičovu Siedmu symfóniu možno právom nazvať „hrdinskou symfóniou“ 20. storočia.

3.4. Alfred Garrievich Schnittke (1934-1998)

Schnittke je sovietsky a ruský skladateľ, hudobný teoretik a pedagóg (autor článkov o ruských a sovietskych skladateľoch), jedna z najvýznamnejších hudobných osobností druhej polovice 20. storočia, ctený umelec RSFSR. Schnittke je jedným z lídrov hudobnej avantgardy. Napriek veľkej popularite hudby tohto vynikajúceho skladateľa neboli partitúry mnohých jeho symfónií stále publikované a v Rusku nie sú ľahko dostupné. Schnittke nastolil vo svojich dielach filozofické problémy, z ktorých hlavnými boli človek a životné prostredie. Prvá symfónia obsahovala celý kaleidoskop rôznych štýlov, žánrov a smerov hudby. Východiskom pre vznik Prvej symfónie bol vzťah medzi štýlmi vážnej a ľahkej hudby. Druhá a štvrtá symfónia vo veľkej miere odzrkadľujú formovanie skladateľovho náboženského sebauvedomenia. Druhá symfónia znie ako staroveká omša. Tretia symfónia bola výsledkom jeho vnútornej potreby vyjadriť svoj postoj k nemeckej kultúre, nemecké korene svojho pôvodu. V tretej symfónii pred poslucháčom prechádza celá história nemeckej hudby v podobe krátkych pasáží. Alfred Schnittke sníval o vytvorení presne deviatich symfónií - a tým odovzdať istý druh poklony Beethovenovi a Schubertovi, ktorí napísali rovnaký počet. Alfred Schnittke napísal 9. symfóniu (1995-97), keď už bol vážne chorý. Utrpel tri mozgové príhody a vôbec sa nehýbal. Skladateľ nestihol definitívne dokončiť partitúru. Prvýkrát jej kompletizáciu a orchestrálne vydanie uviedol Gennadij Roždestvensky, pod vedením ktorého sa prvé predstavenie uskutočnilo v Moskve 19. júna 1998. Novú redakčnú verziu symfónie zrealizoval Alexander Raskatov a 16. júna 2007 zaznela v Drážďanoch.

V druhej polovici 20. storočia sa najviac presadilo spojenie princípov rôznych žánrov v jednom diele – symfonickom, zborovom, komornom, inštrumentálnom a vokálnom. Napríklad Šostakovičova štrnásta symfónia spája symfóniu, komornú vokálnu a inštrumentálnu hudbu; Gavrilinove zborové predstavenia spájajú prvky oratória, symfónie, vokálneho cyklu, baletu a činoherného prejavu.

3.5. Michail Žuravlev

V 21. storočí existuje veľa talentovaných skladateľov, ktorí vzdávajú hold symfónii. Jedným z nich je Michail Zhuravlev. Hudobným, ale aj politickým manifestom sa skladateľ odvážne vyrovnal postavám hudobnej histórie ako L. Beethoven, P. Čajkovskij a D. Šostakovič. Dnešnú 10. symfóniu M. Zhuravleva možno pokojne nazvať „Hrdinskou symfóniou 21. storočia“. Okrem všeobecných etických aspektov tejto symfónie si treba všímať aj tie čisto odborné. Autor sa nesnaží o inováciu kvôli inovácii. Občas je až dôrazne akademický, rozhodne sa stavia proti všetkým dekadentom a avantgardným umelcom. Podarilo sa mu však povedať niečo skutočne nové, jeho vlastné slovo v symfonickom žánri. Skladateľ M. Žuravlev úžasne majstrovsky využíva princípy sonátovej formy, zakaždým demonštruje jej nekonečné možnosti. Kombinovaná 3. a 4. časť v skutočnosti predstavuje akúsi „supersonátu“, v ktorej možno celú 4. časť považovať za rozšírenú do samostatnej časti cody. S týmto mimoriadnym kompozičným rozhodnutím sa budú musieť výskumníci v budúcnosti ešte popasovať.

Záver

Symfóniami sa pôvodne nazývali tie diela, ktoré nezapadali do rámca tradičných skladieb – počtom častí, tempom, kombináciou rôznych štýlov – polyfónne (ktoré sa v 17. storočí považovalo za dominantné) a nastupujúce homofónne (s hlasový sprievod). V 17. storočí sa symfónia (čo znamenalo „súzvuk, zhoda, hľadanie nových zvukov“) označovala všetky druhy nezvyčajných hudobných skladieb av 18. storočí takzvané divertissement symfónie, ktoré vznikli na znenie sa rozšíril priestor na plesoch a rôznych spoločenských podujatiach. Žánrovým označením sa symfónia stala až v 18. storočí. Z hľadiska prevedenia je symfónia právom považovaná za veľmi zložitý žáner. Vyžaduje si to obrovskú kompozíciu, prítomnosť mnohých vzácnych hudobných nástrojov, zručnosť hráčov orchestra a vokalistov (ak ide o symfóniu s textom) a výbornú akustiku. Ako každý hudobný žáner, aj symfónia má svoje zákonitosti. Normou klasickej symfónie je teda štvorvetový cyklus so sonátovou (najkomplexnejšou) formou na okrajoch, s pomalým a tanečným pohybom v strede skladby. Táto štruktúra nie je náhodná. Symfónia odráža procesy vzťahu človeka k svetu: aktívny - v prvej časti, sociálny - v štvrtej časti kontempláciu a hru - v centrálnych častiach cyklu. Symfonická hudba v zlomových okamihoch svojho vývoja zmenila svoje ustálené pravidlá. A tie javy v oblasti umenia, ktoré najprv spôsobili šok, potom sa stali známymi. Napríklad symfónia s vokálom a poéziou sa stala nielen náhodou, ale aj jedným z trendov vo vývoji žánru.

Moderní skladatelia dnes pred symfonickými formami uprednostňujú komorné žánre, ktoré si vyžadujú menšie obsadenie interpretov. Na koncertoch tohto druhu sa dokonca využívajú fonogramy s nahrávkami hluku alebo nejakých elektronicko-akustických efektov. Hudobný jazyk, ktorý sa dnes pestuje v modernej hudbe, je veľmi experimentálny a objavný. Verí sa, že písanie hudby pre orchester dnes znamená položiť ju na stôl. Mnohí veria, že doba symfónie ako žánru, v ktorom pracujú mladí skladatelia, sa definitívne skončila. Ale je to naozaj tak, čas odpovie na túto otázku?

Referencie:

Averyanova O.I. Domáca hudobná literatúra 20. storočia: Učebnica. príspevok na detskú hudobnú školu: štvrtok. ročník vyučovania predmetu. - M.: Hudba, 2009. - 256 s.
Borodin. Druhá symfónia („Bogatyrskaya“) / Článok - [Elektronický zdroj] - Režim prístupu - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
Hrdinská symfónia XXI storočia / Článok V. Filatova // Próza. ru - [Elektronický zdroj] - Režim prístupu - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
Levik B.V. Hudobná literatúra zahraničia: náučná a metodická príručka. Vol. 2. - M.: Hudba, 1975. - 301 s.
Prokhorova I. Hudobná literatúra cudzích krajín: Pre 5. ročník. Detská hudobná škola: Učebnica M.: Hudba, 2000. - 112 s.
Ruská hudobná literatúra. Vol. 4. Ed. M.K. Michajlova, E.L. Vyprážané. - Leningrad: „Hudba“, 1986. - 264 s.
Symphony // Yandex. Slovníky › TSB, 1969-1978 - [Elektronický zdroj] - Režim prístupu - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/TSE/Symphony/
symfónia. // Wikipedia. Bezplatná encyklopédia - [Elektronický zdroj] - Režim prístupu - URL: http://ru.wikipedia.org/wiki/Symphony http://www.tchaikov.ru/symphony.html
Schubert, “Unfinished” Symphony // Prednášky o hudobnej literatúre musike.ru - [Elektronický zdroj] - Režim prístupu - URL: http://musike.ru/index.php?id=54