Art Deco, Art Nouveau, Art Nouveau - štýlové prvky, príklady - obrazy, vitráže, interiéry

V tomto článku sa pozrieme na štýl interiéru art deco, secesia, moderné. Prvky štýlu - maľba, architektúra, prvky vnútorného priestoru - nábytok, závesy, lustre, obrazy atď.

budova viedenskej secesie

Secesný štýl [Art Nouveau, " tiffany"(po Louis Comfort Tiffany) v USA," secesia"A" fin de siècle"vo Francúzsku," secesia"v Nemecku," Secesný štýl"v Rakúsku," moderný štýl"v Anglicku," liberty štýl"v Taliansku," modernizmus"v Španielsku," Nieuwe Kunst"v Holandsku," smrek štýl" (Štýl sapin) vo Švajčiarsku.) sa rozšíril v rokoch 1918-1939 vo Francúzsku, čiastočne v iných európskych krajinách a USA. V architektonických formách a maľbách dominujú kľukaté línie, nezvyčajná kombinácia drahých a exotických materiálov, obrazy fantastických tvorov, tvary vĺn, mušle, draky a pávy, labutie krky a malátne ženy. Vo formách je zdôraznená asymetria. Listy, kvety, kmene a stonky, ako aj obrysy ľudského alebo zvieracieho tela s ich inherentnou asymetriou sú sprievodcom akcie a zdrojom inšpirácie. Štýl vychádza z tézy, že forma je v umení dôležitejšia ako obsah. Akýkoľvek veľmi prozaický obsah môže byť prezentovaný vo vysoko umeleckej forme. Zdrojom tejto „novej formy“ bola príroda a žena. Tento štýl sa vyznačuje sofistikovanosťou, sofistikovanosťou, duchovnosťou a variabilitou. Z toho nasledovala určitá sada farieb - vyblednuté, tlmené; prevaha hladkých, zložitých línií. Súbor symbolov - ozdobné kvety, morské rarity, vlny. Štýlové vlastnosti secesie sa niekedy porovnávajú s plastickým systémom baroka, oprávnene medzi nimi vidia určitú podobnosť v túžbe umelcov používať formy organickej prírody ako výrazové prostriedky. Secesia si veľa zobrala aj z umenia Ázie.

V takýchto interiéroch, ale aj v umení vždy dobre vyzerajú kópie Michaela Parkesa, Gustava Klimta, Tamary Lempickej, Alphonse Muchu, Vrubela, Bilibina či Vasnetsova, ako aj diela súčasných umelcov píšucich v tomto štýle, ako aj americká grafika. Deco interiéry určitá téma. Mnoho umelcov tohto štýlu (alebo obdobia) bolo fascinovaných orientálnou maľbou - na obrazoch toho istého Gustava Klimta často vidíme postavy v čínskom alebo japonskom oblečení. Preto by v takýchto interiéroch nebola od veci čínska či japonská maľba. Tu je niekoľko diel, ktoré sa podľa nás do interiérov v takýchto štýloch hodia.

Art Deco (art deco)- populárne hnutie v medzinárodnom dekoratívnom umení rokov 1925-1939. Tento štýl historicky nasleduje bezprostredne po secesii. Dotkol sa takých oblastí umenia ako architektúra, interiérový dizajn, priemyselný dizajn, módny priemysel, maľba, grafika, kino. Toto hnutie do určitej miery spájalo mnoho rôznych štýlov a hnutí začiatku 20. storočia, vrátane neoklasicizmu, konštruktivizmu, kubizmu, modernizmu, Bauhausu, secesie a futurizmu. Ale vo väčšej miere je moderný s prímesou neoklasicizmu. Charakteristickými znakmi sú prísne vzory, etnické geometrické vzory, luxusné, šik, drahé, moderné materiály (slonovina, krokodília koža alebo koža žraloka či zebry, vzácne dreviny, striebro). V Nemecku a ZSSR sa art deco mení zo secesie na „nové impérium“.

Vrchol popularity hnutia padol v „Ručivých dvadsiatych rokoch“, ale dokonca aj v tridsiatych rokoch minulého storočia bolo v Spojených štátoch dosť silné. Na rozdiel od iných hnutí, ktorých pôvod má korene v politike alebo filozofii, art deco malo výlučne dekoratívny význam. Kedysi bol tento štýl vnímaný ako reakcia na Svetovú výstavu z roku 1900. Po slávnej výstave niekoľko francúzskych umelcov vytvorilo oficiálne registrovanú organizáciu La Société des artistes décorateurs (Spoločnosť dekoratívnych architektov). Medzi jej zakladateľov patril Hector Guimard.

Paríž v 30. rokoch 19. storočia zostal centrom štýlu Art Deco. Zhmotnil ho v nábytku Jacques-Emile Ruhlmann- najznámejší z dizajnérov nábytku tej doby a možno posledný z klasických parížskych ebeniste(skriňári). Okrem toho typické diela Jean-Jacquesa Rateaua, výrobky firmy “Süe et Mare”, paravány Eileen Gray, kované kovové výrobky Edgara Brandta, kov a smalt Švajčiara židovského pôvodu Jeana Dunanta, sklo skvelého Reného. Lalique a Maurice Marino a hodinky a šperky Cartier.

Symbolom art deco v dekoratívnom a úžitkovom umení bola socha z bronzu a slonoviny. Francúzski a nemeckí majstri, čiastočne inšpirovaní Ďagilevovými ruskými ročnými obdobiami, umením Egypta a Východu, ako aj technologickými výdobytkami „veku strojov“, vytvorili v 20. a 30. rokoch 20. storočia jedinečný štýl malej plastiky, ktorý pozdvihol status dekoratívneho sochárstva na úroveň „vysokého umenia“. Za klasických predstaviteľov Art Deco v sochárstve sú považovaní Dmitrij Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Francúzsko), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Nemecko), Bruno Zack, J. Lorenzl (Rakúsko).

© "WM-PAINTING"

secesia(francúzska výslovnosť: ​, po anglicky /ˈɑːrt nuːˈvoʊ/) je medzinárodný štýl umenia, architektúry a dekoratívneho umenia, najmä dekoratívneho umenia, ktorý bol najpopulárnejší v rokoch 1890 až 1910. Štýl, ktorý je reakciou na akademické umenie 19. storočia, bol inšpirovaný prírodnými formami a štruktúrami, najmä zakrivenými líniami rastlín a kvetov.

V angličtine sa používa francúzsky názov „Art Nouveau“ (nové umenie). Tento štýl je príbuzný, ale nie identický so štýlmi, ktoré vznikli v mnohých európskych krajinách približne v rovnakom čase: v Rakúsku je známy ako „štýl secesie“ podľa „viedenskej secesie“; v Španielsku ako "modernizmus"; v Katalánsku as "modernizmus"; v Českej republike as "secese"; v Dánsku as "skönvirke" alebo "secesia"; v Nemecku as "secesia", "secesia" alebo "reformný štýl"; v Maďarsku as "secessio"; v Taliansku ako "secesia", "štýl slobody" alebo "štýl floreale"; v Nórsku as "secesia"; v Poľsku ako "sexy"; na Slovensku as "secesa"; v Rusku ako "moderný"; a ako vo Švédsku "jugend".

secesia je všeobecný umelecký štýl. Zahŕňa široké spektrum výtvarného a dekoratívneho umenia vrátane architektúry, maľby, kresby, interiérového dizajnu, šperkov, nábytku, textilu, keramiky, skla a kovov.

V roku 1910 už secesia vyšla z módy. Najprv ho nahradilo Art Deco a potom modernizmus ako dominantný architektonický a dekoratívny štýl Európy.

Pôvod

Nové umelecké hnutie malo svoje korene v Británii, v kvetinových vzoroch Williama Morrisa a v hnutí Arts and Crafts, ktoré založili Morrisovi študenti. Medzi rané príklady tohto štýlu patrí Morrisov Červený dom (1859) a Pávová izba Jamesa Abbotta McNeila Whistlera. Nové hnutie bolo tiež silne ovplyvnené prerafaelskými umelcami vrátane, Dante Gabriel Rossetti A Edward Burne-Jones a to platí najmä pre britských grafikov 80. rokov 19. storočia, vrátane Selwyna Imagesa, Heywooda Sumnera, Waltera Cranea, Alfreda Gilberta a predovšetkým Aubreyho Beardsleyho.

Vo Francúzsku tento štýl spájal niekoľko rôznych trendov. V architektúre ho ovplyvnil teoretik architektúry a historik Eugene Violette-le-Duc, zaprisahaný nepriateľ historického architektonického štýlu Beaux Arts. Vo svojej knihe "Entretiens sur l"architecture" 1872 napísal: „Použite prostriedky a znalosti, ktoré nám dáva naša doba, bez medzičlánkov, ktoré dnes nie sú životaschopné, a tak budeme môcť objaviť novú architektúru. Každá funkcia má svoj vlastný materiál; Každý materiál má svoj vlastný tvar a ornament.“ Táto kniha ovplyvnila generáciu architektov vrátane Louisa Sullivana, Victora Hortu, Hectora Guimarda a Antoniho Gaudího.

francúzskych maliarov Maurice Denis , Pierre Bonnard A Edouard Vuillard zohralo dôležitú úlohu pri spájaní výtvarného umenia maľby s dekoratívnym. „Verím, že maľba by mala v prvom rade zdobiť,“ napísal Denis v roku 1891. „Výber zápletiek alebo scén nie je ničím. Práve prostredníctvom vzťahu tónov, maľovaných plôch a harmónie línií dokážem dosiahnuť dušu a prebudiť emócie.“ Všetci títo umelci tvorili tradičné aj dekoratívne maľby na obrazovkách, skle a iných materiáloch.

Ďalším dôležitým vplyvom na nový štýl bol Japonisme: vlna záujmu o japonské drevoryty, najmä diela Hiroshige, Hokusai a Utagawa Kunisada, ktoré sa do Európy dovážali od 70. rokov 19. storočia. Podnikavý Siegfried Bing založil v roku 1888 mesačník Le Japon artistique a pred uzavretím v roku 1891 vydal tridsaťšesť čísel. Ovplyvnil zberateľov aj umelcov vrátane Gustava Klimta. Štylizované prvky japonských potlačí sa objavili v secesnej grafike, porceláne, šperkoch a nábytku.

Nové technológie v tlači a vydavateľstve umožnili secesi rýchlo osloviť globálne publikum. Významnú úlohu pri popularizácii nového štýlu zohrali umelecké časopisy ilustrované fotografiami a farebnými litografiami. Štúdio v Anglicku, Arts et idèes a Art et décoration vo Francúzsku, Jugend v Nemecku umožnili, aby sa štýl rýchlo rozšíril do všetkých kútov Európy. Aubrey Beardsley v Anglicku a Eugene Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec A Felix Vallotton získali medzinárodné uznanie ako ilustrátori.

Vďaka plagátom Jules Cheret pre tanečnicu Loie Fuller v roku 1893 a Alfonz Mucha pre herečku Sarah Bernhardtovú sa v roku 1895 plagát stal nielen reklamou, ale aj formou umenia. Toulouse-Lautrec a ďalší umelci dosiahli štatút medzinárodnej celebrity.

Forma a charakter

Hoci secesia nadobudla vysoko lokalizované trendy s rastúcou geografickou distribúciou, určité všeobecné charakteristiky poukazujú na jej formu. Opis nástennej tapisérie „Cyclamen“ (1894) od Hermanna Obrista uverejnený v časopise Pan, ktorý ju opisuje ako „nečakane silné krivky vytvorené úderom biča“, ktoré sa preslávili na začiatku šírenia secesie. Následne sa nielen samotné dielo stalo známejším ako „Bič“, ale samotný výraz „bič“ sa často používa na charakteristické krivky, ktoré používajú secesní umelci. Takéto dekoratívne „bičové“ motívy, tvorené dynamickými, zvlnenými a plynulými líniami v synkopickom rytme a asymetrickej forme, sa nachádzajú v celej architektúre, maľbe, sochárstve a iných formách secesného dizajnu.

Počiatky secesie sú v zápase umelca William Morris s objemnými kompozíciami a obrodeneckými trendmi 19. storočia a jeho teóriami, ktoré pomohli vytvoriť hnutie Arts and Crafts. Obálka Arthura MacCurda pre The City Churches of Wren (1883) s rytmickými kvetinovými vzormi sa však často považuje za prvú realizáciu secesie. Približne v rovnakom čase plochá perspektíva a svetlé farby japonských drevorezieb, najmä Katsushiki Hokusai, mal silný vplyv na formule secesného štýlu. Japonizmus, populárny v Európe v 80. a 90. rokoch 19. storočia, výrazne ovplyvnil mnohých umelcov svojimi organickými formami a príťažlivosťou k prírodnému svetu. Umenie a dizajn inšpirované Japonskom si osvojili umelci ako Emile Galle a James Abbott McNeil Whistler, ktorí vo svojich obchodoch v Paríži a Londýne presadzovali aj biznismen Siegfried Bean a Arthur Lasenby Liberty.

V architektúre sú hyperboly a paraboly rozšírené v oknách, oblúkoch a dverách a dekoratívne fragmenty sa premieňajú na rastlinné formy. Ako väčšina dizajnových štýlov, aj secesia sa snažila harmonizovať svoje formy. Text nad vchodom do parížskeho metra využíva prvky zvyšku kovovej konštrukcie.

Secesná architektúra a interiérový dizajn sa vyhýba eklektickým obrodeneckým štýlom 19. storočia. Hoci secesní dizajnéri vybrali a „zmodernizovali“ niektoré z abstraktnejších prvkov rokokového štýlu, ako sú textúry plameňa a mušlí, presadzovali aj použitie vysoko štylizovaných organických foriem ako zdroja inšpirácie, čím rozšírili „prirodzenú“ rozmanitosť na používanie morských rias, tráv a hmyzu Ďalším vplyvom boli mäkké zmiešané formy knorpelwerku zo 17. storočia, najlepšie zastúpené v holandskom striebre.

Vzťah k moderným štýlom a pohybom

Ako umelecký štýl má secesia podobnosť s prerafaelitmi a symbolizmom a umelci ako Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt a Jan Toorop, možno pripísať viac ako jednému z týchto štýlov. Na rozdiel od symbolickej maľby má však secesný štýl osobitý vzhľad; a na rozdiel od hnutia Arts and Crafts orientovaného na remeselníkov, secesní umelci ochotne prijali nové materiály, spracované povrchy a abstrakciu v záujme čistého dizajnu.

secesia neopustila používanie strojov, ako to urobilo hnutie Arts and Crafts. Pre sochárstvo boli hlavnými materiálmi sklo a kované železo, čo viedlo k sochárskym prvkom aj v architektúre. Keramika sa podieľala aj na tvorbe série sôch od umelcov ako Auguste Rodin.

Secesná architektúra využívala mnohé technologické inovácie z konca 19. storočia, najmä odkryté železo a veľké, zákazkové sklenené prvky. Po vypuknutí 1. svetovej vojny sa však štylizovaná povaha secesného dizajnu, ktorého výroba bola drahá, prestala používať v prospech efektívnejšieho, priamočiarejšieho modernizmu, ktorý bol lacnejší a vhodnejší pre jednoduchú industriálnu estetiku umenia. Deco sa stalo.

Štýlové trendy secesia infiltrovali aj miestne štýly. Napríklad v Dánsku bol trend jedným z aspektov skönvirke („estetická práca“), ktorá sama osebe užšie súvisí so štýlom Arts and Crafts. Okrem toho umelci prijali mnohé kvetinové a organické motívy zo secesie do štýlu Młoda Polska ("Mladé Poľsko") v Poľsku. Młoda Polska však zahŕňala aj iné umelecké štýly a prijala širší pohyb v umení, literatúre a životnom štýle.

Art Deco je hnutie eklektického umenia, ktoré vzniklo vo Francúzsku na začiatku 20. rokov 20. storočia. Dominoval v módnom dizajne, architektúre, úžitkovom umení a interiérovom dizajne. V 30. a 40. rokoch sa art deco stalo populárnym po celom svete.

Príbeh

Smer sa objavil na začiatku 20. storočia - v období 1907 - 1915. V tomto čase boli zaznamenané prvé diela vyznačujúce sa charakteristickými znakmi štýlu. Niektorí vedci poznamenávajú, že diela tejto doby sú prvými pokusmi umelcov vytvoriť plátna v eklektickom štýle.

Termín sa objavil po Medzinárodnej výstave v Paríži v roku 1925. Na výstave bol luxusný tovar. Cieľom výstavy je ukázať popredné miesto Paríža vo svete módy a štýlu.

Až do roku 1928 bol smer majetkom iba Európy, začiatkom 30. rokov sa objavila americká verzia art deco, ktorá mala svoje vlastné charakteristiky.

História gotického štýlu v maľbe

Art Deco je umenie, ktoré odráža moderné technológie, vyznačujúce sa hladkými líniami, vytváraním obrazov z geometrických tvarov a použitím jasných, krikľavých farieb v interiéri a výtvarnom umení. Hnutie vzniklo ako reakcia na úsporné opatrenia zavedené počas prvej svetovej vojny. Diela boli plné luxusu, jasu, v interiéri boli použité drahé materiály a iné druhy kreativity (striebro, krištáľ, slonovina, nefrit). Po Veľkej hospodárskej kríze sa smer rozvinul, no začal sa koncentrovať na výrobu menej nákladných produktov so zameraním na masovú výrobu. Použitý bol chróm, plast, kov a iné priemyselné materiály pre strednú triedu. Art Deco sa vždy spájalo s pôvabom a jasom, no vyznačuje sa aj funkčnosťou a praktickosťou.

Od konca 40-tych rokov začalo byť art deco vnímané ako príliš farebné, náročné na vojnové časy a strohosť, a preto postupne vyšlo z módy. Prudký nárast záujmu o art deco nastal v 60. rokoch minulého storočia – zhoduje sa s hnutím pop art. Ďalšou etapou vývoja boli 80. roky, kedy vzrástol záujem o grafický dizajn. Trend sa stal módnym v dizajne a oblečení.

Vlastnosti hyperrealizmu ako štýlu maľby

Charakterizovaný výrazným záujmom o estetiku 20. rokov 20. storočia, vnímaný výlučne v súvislosti s módou a trendmi tohto obdobia. Zvláštnosťou štýlu je, že predstavitelia neboli zjednotení do jednej komunity, skupiny alebo maliarskej školy. Art Deco bolo eklektické hnutie, v ktorom sa miešalo veľké množstvo kultúrnych vplyvov.

Nápady

Umelci prevzali kľúčové myšlienky a princípy práce od modernistov a neoklasikov.

• Neoklasické ideály krásy s ich charakteristickou prísnosťou boli vlastné dielam majstrov nového hnutia.
• Použitie jasných, intenzívnych odtieňov podľa výskumníkov pramení z práce parížskych Fauves.
• Niektoré nápady sú vypožičané z umenia Aztékov a egyptskej kultúry, klasickej antiky.
• Na rozdiel od secesného maliarstva nemalo Art Deco filozofický základ – bolo to čisto dekoratívne hnutie.
• Etnické ornamentálne kompozície v obrazoch umelcov, v interiéri;
• „Ruské ročné obdobia“ alebo Ruský balet S. Diaghileva.

Surrealizmus ako štýl maľby

Vývoj štýlu v ťažkých ekonomických a politických podmienkach, v období aktívneho rozvoja vedy a techniky, sa premietol do námetov obrazov. Diela umelcov slúžia na dekoratívne účely, potešia oko a pozdvihnú náladu. Maliari sa nijako nepokúšajú o psychologický vplyv ani o vyjadrenie svojich filozofických názorov prostredníctvom svojich obrazov. Cieľom Art Deco je spojiť najlepšie vlastnosti štýlov a vytvoriť niečo nové a krásne.

Hlavné rysy štýlu

Minimalizmus ako štýl v maľbe

Použitím nových materiálov, ktoré sa používali v kombinácii, predstavovalo Art Deco vedecký pokrok, rast technológie. Luxusný vzhľad obrazov v štýle art deco dokonale zapadne do interiéru bohatého bytu, výletnej lode, či moderného kina. Štýl prežil niekoľko kríz, vďaka praktickosti, jednoduchosti, jasu a individualite.

Umelci

Pojem art deco sa v maľbe alebo sochárstve používa zriedkavo a dominuje v architektúre a dizajne, ale v medzivojnovom období predstavilo svoje diela množstvo umelcov, vyhotovené podľa všetkých štandardov štýlu: Tamara Gorska alebo Tamara de Lempicka, maliarstvo. „Hudobník“ (1929), „Autoportrét“ v zelenom Bugatti“ (1925), francúzsky umelec, tvorca plagátov Adolphe Jean-Marie Muron, známy ako Cassandre, bol jedným z najlepších grafikov, vyhral Grand Prix na súťaž plagátov v Paríži.

Art Deco(z francúzskeho „art deco“) - štýlový smer v umení Ameriky a západnej Európy dvadsiateho storočia. Art Deco charakterizované kombináciou monumentálnej váženej formy; kombinácia niektorých prvkov štýlov kubizmu, modernizmu a expresionizmu; pomocou výrazových foriem „technického dizajnu“. Svoj názov dostala podľa medzinárodnej výstavy v Paríži venovanej dekoratívnemu umeniu a priemyslu. Práve ona sa stala impulzom pre rozvoj a šírenie tohto štýlu.

Art Deco sa stal najtajomnejším štýlom dvadsiateho storočia, ktorý uchvátil každého svojím jasom a exotikou.

Tento štýl dobyl celý svet a dodnes zostáva zdrojom inšpirácie pre dizajnérov. To je pravdepodobne dôvod, prečo Armani vytvoril svoju najnovšiu kolekciu Casa v najlepších tradíciách art deco.

Dnes termín " art deco“ je medzinárodne uznávaným synonymom pre efektívnosť, hoci spočiatku sa používala na definovanie dekoratívneho umenia. Marie Laurencinová je jednou z najvýznamnejších predstaviteľiek tohto štýlu, ktorá takto pracovala. Tento termín označuje štýl, ktorý spája symetriu, klasicizmus a priamočiarosť. Je produktom rôznych zdrojov, na jednej strane kubizmu a secesie, na druhej strane starovekého umenia východu, Afriky, Egypta a amerických kontinentov.

Art Deco Ako umelecké hnutie sa objavilo v rokoch 1906 až 1912 a prekvitalo v desaťročí medzi rokmi 1925 a 1935. Art Deco začalo ako elegantná inovácia a potom sa vyvinulo do nápadne nekompromisného a jednoduchého životného štýlu. Predstavitelia mnohých hnutí moderného dekoratívneho a výtvarného umenia sa snažili nájsť spôsob, ako vyjadriť rýchlosť a tlak, vďaka ktorému vlaky, autá a lietadlá zmenili existujúci svet. Snažili sme sa nájsť tvary a farby, ktoré by boli jednoduchšie ako tie, ktoré sa používali predtým.

S cieľom získať popularitu v Hollywoode, štýl Art Deco trvalo to len pár rokov. Tu získal názov „hviezdny štýl“ a z obyčajného francúzskeho fenoménu sa stal celosvetovo uznávaným symbolom veľkoleposti. termín " Art Deco“ označuje štýl, ktorý kombinuje symetriu, klasicizmus, priamosť a je vhodnejší na definovanie dekoratívnej kreativity počas dvoch svetových vojen.

Art Deco - štýl hviezd

Art Deco umelci

Moje prvé priznanie Art Deco dostal v Európe, ale jeho vplyv sa rýchlo rozšíril aj do USA. Práve tam jeho vášeň pre hollywoodsky filmový priemysel prispela k jeho obrovskej popularite. Greta Garbo z filmu MGM v kostýme Mata vyzerala ako art deco figúrka z bronzu a kulisy a kostýmy k filmu Kleopatra od Paramountu evokovali priamu asociáciu s výzdobou nového newyorského mrakodrapu.

Mestské budovy, školy, obchody, paláce a pavilóny Svetovej výstavy boli postavené v štýle, ktorý bol súčasne efektívny, neoklasicistický, hravý, elegantný a monumentálny.

Po celej krajine boli kiná vyzdobené luxusnými fasádami, nádhernými interiérmi a jasnými neónovými nápismi v štýle Art Deco. Jedinečný a prístupný vzhľad mesta zároveň tvorili: Empire State Building, neoklasicistické sochy Rockefellerovho centra a klenutá veža Chrysler Building.

pred 10 mesiacmi Enottt Komentáre k heslu Výtvarné umenie Art Deco. Regionálne vlastnosti (Francúzsko, USA) zdravotne postihnutých

Videnia: 2 776

Art Deco (dekoratívne umenie) je vplyvné hnutie vo výtvarnom a dekoratívnom umení prvej polovice 20. storočia, ktoré sa prvýkrát objavilo vo Francúzsku v 20. rokoch 20. storočia a potom sa v 30. a 40. rokoch 20. storočia stalo medzinárodne populárnym, pričom sa prejavilo najmä v architektúre, móda a maľovanie. Ide o eklektický štýl, syntézu modernizmu a neoklasicizmu. Štýl Art Deco výrazne ovplyvnili aj také umelecké hnutia ako kubizmus, konštruktivizmus a futurizmus.

Charakteristické znaky - prísna pravidelnosť, výrazné geometrické tvary, etnické geometrické vzory, dizajn v poltónoch, nedostatok jasných farieb v dizajne, zatiaľ čo farebné vzory, luxusné, šik, drahé, moderné materiály (slonovina, krokodília koža, hliník, vzácne drevo, striebro ).

• Tvary: efektívne, ale jasné a grafické. Siluety majú stupňovitejšie formy, hlavnou vecou zostáva gracióznosť a určitá hravosť.
• Línie: energické, jasné, geometrické.
• Prvky: veľa ozdôb vo forme kučier, špirál, vĺn, cikcakov.
• Farby: kontrastné. Prelínanie jemného a pastelového s honosným a šťavnatým.
• Materiály: drahé, exotické, bohaté. Drevo, koža, bronz, mramor, keramika, sklo.
• Okná: obdĺžnikové, využívajúce veľkú plochu skla. Menej často klenuté alebo s farebným sklom.
• Dvere: obklopené pilastrami, štítmi.

V USA, Holandsku, Francúzsku a niektorých ďalších krajinách sa Art Deco postupne vyvíjalo smerom k funkcionalizmu.

Príbeh

Medzinárodná výstava, ktorá sa konala v Paríži v roku 1925 a oficiálne sa volala „Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes“, dala vznik pojmu „Art Deco“. Táto výstava ukázala svetu luxusný tovar vyrobený vo Francúzsku, čo dokazuje, že Paríž zostal po prvej svetovej vojne medzinárodným centrom štýlu.

Medzinárodná výstava súčasného dekoratívneho a priemyselného umenia

Udalosťou, ktorá znamenala vrchol tohto štýlu a dala mu meno, bola Medzinárodná výstava moderného dekoratívneho a priemyselného umenia, ktorá sa konala v Paríži od apríla do októbra 1925. Oficiálne ju zorganizovala francúzska vláda a pokrývala oblasť 55 akrov v Paríži, ktorá sa tiahla od Grand Palais na pravom brehu po Invalidovňu na ľavom brehu a pozdĺž brehov Seiny. Grand Palais, najväčšia sála v meste, bola plná exponátov dekoratívneho umenia zo zúčastnených krajín. Zúčastnilo sa 15 000 vystavovateľov z dvadsiatich rôznych krajín vrátane Anglicka, Talianska, Španielska, Poľska, Československa, Belgicka, Japonska a nového Sovietskeho zväzu; Nemecko nebolo pozvané pre napätie po vojne a Spojené štáty, ktoré nepochopili účel výstavy, odmietli účasť. Za sedem mesiacov výstavu navštívilo šestnásť miliónov ľudí. Pravidlá výstavy vyžadovali, aby všetky práce boli súčasné; historické štýly neboli povolené. Hlavným zámerom výstavy bola propagácia francúzskych výrobcov luxusného nábytku, porcelánu, skla, kovových výrobkov, textílií a iných dekoratívnych výrobkov. Na ďalšiu propagáciu produktov mali všetky hlavné parížske obchodné domy a významní dizajnéri svoje vlastné pavilóny. Expozícia mala sekundárny účel propagovať produkty z francúzskych kolónií v Afrike a Ázii, vrátane slonoviny a exotických drevín.

Hôtel du Riche Collectionneur bol obľúbenou atrakciou výstavy; predstavila nové dizajnérske projekty Emila-Jacquesa Ruhlmanna, ako aj Art Deco látky, koberce a obrazy Jeana Dupasa. Dizajn interiéru bol založený na rovnakých princípoch symetrie a geometrických tvarov, ktoré ho odlišovali od secesného štýlu a jasných farieb, vynikajúceho remeselného spracovania vzácnych a drahých materiálov, ktoré ho odlišovali od prísnej funkčnosti modernistického štýlu. Zatiaľ čo väčšina pavilónov bola bohato zdobená a zaplnená luxusným ručne vyrobeným nábytkom, dva pavilóny – Sovietsky zväz a Pavilion du Nouveau Esprit, postavené časopisom tohto mena pod vedením Le Corbusiera – boli postavené v jednoduchom štýle. jednoduché biele steny a žiadna dekorácia; patrili medzi prvé príklady modernistickej architektúry

Výstava dekoratívneho umenia, demonštrujúca víťazstvo konštruktivizmu, zároveň dala život hnutiu Art Deco, ktoré sa stalo exotickou zmesou kubizmu a secesie, inými slovami lineárnej štylizácie a nádhernej ornamentiky. Móda turbanov a aktov štylizovaných ako „Egypt“ a „Čína“ bola zložito zmiešaná s rytmami geometrickej planimetrie.

Samotné hnutie Art Deco existovalo už pred otvorením výstavy v roku 1925 – bolo to citeľné hnutie v európskom umení 20. rokov. K americkým brehom sa dostala až v roku 1928, kde sa v 30. rokoch minulého storočia premenila na Streamline Moderne, amerikanizovanú odnož Art Deco, ktorá sa stala charakteristickým znakom tohto desaťročia.

Symbolom art deco v dekoratívnom a úžitkovom umení bola socha z bronzu a slonoviny. Inšpirovaní Diaghilevovými „ruskými ročnými obdobiami“, umením Egypta a Východu, ako aj technologickými výdobytkami „veku strojov“, francúzski a nemeckí majstri vytvorili jedinečný štýl v malých plastikách 20. – 30. rokov 20. storočia, ktorý pozdvihol status dekoratívnej plastiky na úroveň „vysokého umenia“. Za klasických predstaviteľov Art Deco v sochárstve sú považovaní Dmitrij Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Francúzsko), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Nemecko), Bruno Zack, J. Lorenzl (Rakúsko).

Vznik art deco bol úzko spojený s rastúcim postavením dekoratívnych umelcov, ktorí boli až do konca 19. storočia považovaní za jednoducho remeselníkov. Termín "dekoratívna dekorácia" bol vynájdený v roku 1875 pre dizajnérov nábytku, textílií a iných dekorácií. V roku 1901 vznikol Commonwealth of Decorative Artists (Society of Decorative Artists) alebo SAD a dekoratívni umelci dostali rovnaké autorské práva ako maliari a sochári. Podobné hnutie sa vyvinulo v Taliansku. V roku 1902 sa v Turíne konala prvá medzinárodná výstava venovaná výlučne dekoratívnemu umeniu, Esposizione international d'Arte.

V Paríži bolo založených niekoľko nových časopisov venovaných dekoratívnemu umeniu, vrátane Art and Decoration a L'Art décoratif moderne. Sekcie dekoratívneho umenia boli prezentované na výročných salónoch Sociéte des artistes français a neskôr na Salon d'automne. Francúzsky nacionalizmus tiež zohral úlohu pri oživení dekoratívneho umenia: francúzski dizajnéri sa cítili znevýhodnení rastúcim exportom lacného nemeckého nábytku. V roku 1911 záhrada navrhla novú veľkú medzinárodnú výstavu dekoratívneho a úžitkového umenia v roku 1912. Žiadne kópie starších štýlov neboli povolené; len moderné diela. Výstava bola odložená až do roku 1914 a potom, kvôli vojne, až do roku 1925, kedy dala meno celej rodine štýlov známej ako Deco.

Hoci termín Art Deco vznikol v roku 1925, bežne sa nepoužíval, kým sa v 60. rokoch nezmenili postoje k tejto dobe. Majstri štýlu Art Deco neboli súčasťou jednej komunity. Hnutie bolo považované za eklektické, ovplyvnené niekoľkými zdrojmi:

• „Viedenská secesia“ raného obdobia (Viedenské workshopy); funkčný priemyselný dizajn.
• Primitívne umenie Afriky, Egypta a stredoamerických Indiánov.
• Staroveké grécke umenie (archaické obdobie) je najmenej naturalistické zo všetkých.
• „Ruské ročné obdobia“ od Sergeja Diaghileva v Paríži - náčrty kostýmov a scenérie od Leona Baksta.
• Fazetované, kryštalické, fazetované formy kubizmu a futurizmu.
• Farebná paleta fauvizmu.
• Prísne formy neoklasicizmu: Boulet a Karl Schinkel.
• Vek jazzu.
• Rastlinné a zvieracie motívy a formy; tropická vegetácia; zikkuraty; kryštály; koloristická čiernobiela stupnica klavírnych kláves, motív Slnka.
• Flexibilné a atletické formy športovkýň, ktorých je veľa; ostré uhly krátkych strihov pre predstaviteľov klubového života - klapky.
• Technologický pokrok „veku strojov“, ako sú rádiá a mrakodrapy.

Majstri v štýle Art Deco radi používali materiály, ako je hliník, nehrdzavejúca oceľ, smalt, drevené vykladanie, koža žraloka a zebry. Aktívne sa používali cik-cak a stupňovité formy, široké a energické zakrivené línie (na rozdiel od jemných plynulých kriviek secesie), motívy chevron a klávesy klavíra. Niektoré z týchto dekoratívnych motívov sa stali všadeprítomnými, ako napríklad kľúčový vzor, ​​ktorý sa nachádza v dizajne dámskej obuvi, radiátorov, prednáškových sál Radio City a veže Chrysler Building. Interiéry kín a zaoceánskych lodí, ako sú Ile de France a Normandia, boli ľahko zariadené v tomto štýle. Art Deco bolo luxusné a predpokladá sa, že tento luxus bol psychologickou reakciou na asketizmus a obmedzenia prvej svetovej vojny.

Francúzsko

Ilustrácia Georgesa Barbierea z Paquinových šiat (1914). Štylizované kvetinové vzory a svetlé farby boli znakom raného Art Deco

Parížske obchodné domy a módni návrhári zohrali dôležitú úlohu pri vzostupe Art Déco. Boli založené firmy vrátane výrobcu kabeliek Louis Vuitton, striebornej firmy Christofle, sklárskeho dizajnéra Reného Laliqueho a klenotníkov Louis Cartier a Boucheron, ktorí začali vyvíjať produkty v modernejších štýloch. Od roku 1900 si obchodné domy najímali dekoratérov, aby pracovali vo svojich dizajnérskych štúdiách. Výzdobu Salon d'Automne z roku 1912 objednal obchodný dom Printemps. V tom istom roku Printemps vytvoril svoju vlastnú dielňu s názvom "Primavera". Do roku 1920 Primavera zamestnávala viac ako tristo umelcov. Štýly siahali od aktualizovaných verzií nábytku Ľudovíta XIV., Ľudovíta XVI. a najmä Ľudovíta Filipa vyrobeného Louisom Süe a dielňou Primavera až po modernejšie formy z dielne obchodného domu Au Louvre. Ďalší dizajnéri, vrátane Émile Jacquesa Ruhlmanna a Paula Foliota, odmietli použiť masovú výrobu a trvali na tom, aby bol každý kus individuálne ručne vyrobený. Raný štýl Art Deco obsahoval luxusné a exotické materiály ako eben, slonovina a hodváb, veľmi svetlé farby a štylizované motívy, najmä košíky a kytice kvetov všetkých farieb, čo dodávalo modernistický vzhľad.

Živé farby Art Deco pochádzali z mnohých zdrojov, vrátane exotických inscenácií Léona Baksta pre Ballets Russes, ktoré vyvolali v Paríži senzáciu tesne pred prvou svetovou vojnou. Niektoré farby boli inšpirované skorším fauvistickým hnutím, ktoré viedol Henri Matisse; iné od orfistov ako Sonia Delaunay; iné hnutím známym ako Nabis a v diele symbolistického umelca Odilona Redona, ktorý navrhol krbové zásteny a iné dekoratívne predmety. Žiarivé farby boli charakteristickým znakom práce módneho návrhára Paula Poireta, ktorého tvorba ovplyvnila dizajn aj interiérový dizajn v štýle Art Deco.

Paríž zostal centrom štýlu Art Deco. V nábytku ho stelesnil Jacques-Émile Ruhlmann, najslávnejší dizajnér nábytku tej doby a možno posledný z klasických parížskych ébéniste (skriniarov). Okrem toho typické diela Jean-Jacquesa Rateaua, výrobky firmy “Süe et Mare”, paravány Eileen Gray, kované kovové výrobky Edgara Brandta, kov a smalt Švajčiara židovského pôvodu Jeana Dunanta, sklo skvelého Reného. Lalique a Maurice Marino, ako aj hodinky a šperky Cartier.

V roku 1925 v Art Deco koexistovali dve rôzne konkurenčné školy: tradicionalisti, ktorí založili Spoločnosť dekoratívnych umelcov; vrátane návrhára nábytku Emile-Jacquesa Ruhlmanna, Jeana Dunarda, sochára Antoina Bourdella a dizajnéra Paula Poireta; kombinovali moderné formy s tradičným remeslom a drahými materiálmi. Na druhej strane boli modernisti, ktorí čoraz viac odmietali minulosť a chceli štýl založený na pokrokoch v nových technológiách, jednoduchosti, nedostatku dekorácií, lacných materiáloch a hromadnej výrobe.

V roku 1929 modernisti založili vlastnú organizáciu Francúzsky zväz moderných umelcov. Jeho členmi boli architekti Pierre Charaud, Francis Jourdain, Robert Mallett-Stevens, Corbusier a v Sovietskom zväze Konstantin Melnikov; Írska dizajnérka Eileen Gray a francúzska dizajnérka Sonia Delaunay, klenotníci Jean Fouquet a Jean Puyforcat. Vehementne útočili na tradičný štýl Art Deco, ktorý bol podľa nich vytvorený len pre bohatých, a trvali na tom, že dobre postavené budovy by mali byť prístupné každému a forma by mala fungovať. Krása objektu alebo budovy spočívala v tom, či bola dokonalá pre svoju funkciu. Moderné priemyselné metódy znamenali, že nábytok a budovy mohli byť vyrábané hromadne, a nie ručne.

Maľovanie

T. Lempička. Autoportrét, Tamara v zelenom Bugatti (1929)

Expozícia z roku 1925 nemala jedinú časť. Art Deco maľba bola podľa definície dekoratívna, určená na ozdobenie miestnosti alebo časti architektúry, takže len málo umelcov pracovalo výlučne v tomto štýle, ale dvaja umelci sú úzko spojení s Art Deco. Jean Dupas namaľoval fresky v štýle Art Deco pre pavilón v Bordeaux na výstave dekoratívneho umenia v roku 1925 v Paríži a tiež namaľoval obraz nad krbom v Maison de la Collectioneur na výstave v roku 1925, na ktorej sa predstavili Ruhlmann a ďalší prominentní dizajnéri Art Deco Jeho obrazy sa dostali aj do výzdoby francúzskej zaoceánskej lode Normandie. Jeho tvorba bola čisto dekoratívna, navrhnutá ako pozadie alebo sprievod k iným dekoratívnym prvkom. Ďalšou umelkyňou úzko spojenou so štýlom je Tamara de Lempicka. Narodila sa v Poľsku v aristokratickej rodine, po ruskej revolúcii emigrovala do Paríža. Tam sa stala žiačkou umelca Mauricea Denisa z hnutia „Nabi“ a kubistu Andreho Lhoteho a z ich štýlov si požičala mnoho štýlov. Maľovala takmer výlučne portréty v realistickom, dynamickom a farebnom štýle Art Deco.

Grafika

Štýl Art Deco sa objavil v raných fázach grafického umenia, v rokoch tesne pred prvou svetovou vojnou.

vojny. V Paríži sa objavil na plagátoch a kostýmoch Léona Baksta pre Ballet Russes a v katalógoch módnych návrhárov Paula Poireta. Ilustrácie Georgesa Barbiera a Georgesa Lepepeho a obrázky v módnom časopise La Gazette du bon ton dokonale vystihli eleganciu a zmyselnosť štýlu. Vzhľad sa zmenil v 20. rokoch 20. storočia; zvýraznené módy boli ležérnejšie, športovejšie a odvážnejšie a ženské modelky typicky fajčili cigarety. V Nemecku bol najznámejším umelcom plagátov tohto obdobia Ludwig Hohlwein, ktorý vytvoril farebné a dramatické plagáty pre hudobné festivaly, pivo a koncom svojej kariéry aj pre nacistickú stranu.

Počas secesie plagáty zvyčajne propagovali divadelný tovar alebo kabarety. V 20. rokoch 20. storočia sa stali mimoriadne populárne cestovné plagáty vyrobené pre parníky a letecké spoločnosti. Štýl sa výrazne zmenil v 20. rokoch 20. storočia so zameraním na reklamu produktov. Obrázky sa stali jednoduchšie, presnejšie, lineárnejšie, dynamickejšie a často umiestnené na jednofarebnom pozadí. Vo Francúzsku to boli dizajnéri v štýle art deco Charles Lupo a Paul Colin, ktorí sa preslávili svojimi plagátmi americkej speváčky a tanečnice Josephine Baker, Jean Carlou navrhol plagáty k filmom Charlieho Chaplina, mydlá a divadlá; koncom 30. rokov emigroval do USA, kde počas svetovej vojny navrhoval plagáty na podporu vojnovej produkcie. Dizajnér Charles Gesmard sa stal známym autorom plagátov pre speváčku Mistinguett a pre Air France. Medzi najznámejších francúzskych dizajnérov

Amerike. Moderne zjednodušiť

Štýlový smer, ktorý sa vyvíjal súbežne s Art Deco a bol mu blízky, bol „Streamline Moderne“ (názov pochádza z anglického streamline – „streamline“ – výraz z oblasti aerodynamiky). Streamline modern je ovplyvnený priemyselným lisovaním a aerodynamickými technológiami. V dôsledku toho sa v dielach tohto štýlu objavili obrysy lietadiel alebo nábojov revolverov. Keď sa dizajn prvého sériovo vyrábaného automobilu Chrysler, Chrysler Airflow, ukázal ako populárny, aerodynamické tvary sa dokonca použili na strúhadlá, budovy a chladničky.

Tento architektonický štýl hľadá elegantné formy, zachováva dlhé horizontálne línie, ktoré často kontrastujú s vertikálnymi zakrivenými plochami, a dychtivo zavádza prvky vypožičané z námorného priemyslu (zábradlia a okienka). Jeho vrchol bol dosiahnutý okolo roku 1937.

Tento štýl ako prvý začlenil elektrické svetlo do architektonickej štruktúry.

Nástenná maľba

V Spojených štátoch neexistoval žiadny konkrétny štýl Art Deco, hoci obrazy sa často používali ako dekorácia, najmä vo vládnych budovách a kancelárskych budovách. V roku 1932 vznikol Komunitný umelecký projekt, ktorý umožnil umelcom pracovať bez práce, pretože krajina bola uprostred Veľkej hospodárskej krízy. Za rok si projekt objednal viac ako pätnásťtisíc umeleckých diel. Slávni americkí umelci boli prijatí do Federal Art Project, aby maľovali a zdobili steny vo vládnych budovách, nemocniciach, letiskách, školách a univerzitách. Programu sa zúčastnili niektorí z najznámejších amerických umelcov vrátane Granta Wooda, Reginalda Marsha, Georgia O'Keeffe a Maxine Albro. Do programu sa zapojil aj známy mexický umelec Diego Rivera, ktorý zdobil steny. Obrazy boli v rôznych štýloch, vrátane regionalizmu, sociálneho realizmu a americkej maľby.

Niekoľko obrázkov bolo vytvorených aj pre mrakodrapy v štýle Art Deco, najmä Rockefellerovo centrum v

New York. Pre foyer boli objednané dva obrázky od Johna Stewarta Curryho a Diega Riveru. Majitelia budovy, rodina Rockefellerovcov, zistili, že komunista Rivera umiestnil obraz Lenina do davovej maľby a zničil ju. Obraz nahradilo dielo iného španielskeho umelca Josého Maria Serta.

Grafika

Štýl Art Deco sa objavil v raných fázach grafického umenia, v rokoch tesne pred prvou svetovou vojnou. V Paríži sa objavil na plagátoch a kostýmoch Léona Baksta pre Ballet Russes a v katalógoch módnych návrhárov Paula Poireta. Ilustrácie Georgesa Barbiera a Georgesa Lepepeho a obrázky v módnom časopise La Gazette du bon ton dokonale odrážajú eleganciu a zmyselnosť štýlu. Vzhľad sa zmenil v 20. rokoch 20. storočia; zvýraznené módy boli ležérnejšie, športovejšie a odvážnejšie a ženské modelky typicky fajčili cigarety. Americké módne časopisy ako Vogue, Vanity Fair a Harper's Bazaar rýchlo prevzali nový štýl a spopularizovali ho v Spojených štátoch. Ovplyvnila aj tvorbu amerických knižných ilustrátorov ako Rockwell Kent.

Plagát varujúci pred prechodom cez ulicu proti svetlu (1937)

V 30. rokoch 20. storočia sa v USA počas Veľkej hospodárskej krízy objavil nový žáner plagátov. Umelecký projekt Federálnej agentúry si najal amerických umelcov, aby vytvorili plagáty na propagáciu cestovného ruchu a kultúrnych podujatí.

Štýl vyblednutia

Art Deco potichu zaniklo s nárastom masovej výroby, keď bolo vnímané ako krikľavé, nevkusné a falošne luxusné. Deprivácie druhej svetovej vojny priniesli tomuto štýlu definitívny koniec. V koloniálnych krajinách, ako je India, sa Art Deco stalo vstupnou bránou k modernizmu a vytratilo sa až v 60. rokoch 20. storočia. Oživenie záujmu o Art Deco v 80. rokoch bolo spojené s grafickým dizajnom a spojenie Art Deco s filmom noir a glamour 30. rokov viedlo k jeho opätovnému objaveniu sa v šperkoch a móde.

Pevue: Časť „Kalifornie“, Maxine Albro, interiér Coit Tower v San Franciscu (1934)