Nahota v umení.

Zopár dosť nesúrodých citátov a myšlienok o knihe, čítajte, kto chcete.

Čo som sa naučil od Clarka? Akýkoľvek typ nahoty raz niekto vymyslel a potom priamo či nepriamo reprodukoval (zo sôch, sarkofágov, citátov iných umelcov a pod.). Gréci vymysleli typ Venuše (pudika, public, anadyomene...), maenad, naiad, umierajúci bojovník, Marsyas. Európania sú „severný typ“. Gréci majú zakrivenie bedra, zdvíhanie, v gotike - zakrivenie brucha, ťahanie k zemi.

V tejto knihe som sa pokúsil ukázať, ako nahé telo dostalo nezabudnuteľné tvary, aby nám sprostredkovalo určité myšlienky a pocity. Domnievam sa, že toto je hlavný, no nie jediný dôvod existencie nahoty. Vo všetkých obdobiach, keď bolo telo predmetom umenia, mali umelci pocit, že ho možno dať do formy, ktorá je sama o sebe dobrá. Mnohí zašli ešte ďalej a veria, že v nahote možno nájsť optimálny všeobecný faktor výraznej formy. 394 str.

Nahota v umení je forma umenia vynájdená Grékmi v 5. storočí pred Kristom, rovnako ako opera je forma umenia vynájdená v Taliansku v 17. storočí. Nahota nie je predmetom umenia, ale jeho formou. 11 strán

Popri pózach, ktoré očividne nadobudli status takmer ideogramov, sú v európskom umení tisíce aktov, ktoré nevyjadrujú žiadnu myšlienku, nič iné ako túžbu maliara po dokonalosti formy. 397 str.

Myšlienka ponúknuť divákovi telo ako také ako dôležitý predmet kontemplácie Číňanov či Japoncov jednoducho nenapadne... 17 s.

Núti nás pamätať si všetko, čo by sme si chceli urobiť, a predovšetkým chceme byť zvečnení. 16 strán

Jedným z mála klasických kánonov, o spoľahlivosti ktorého nemožno pochybovať, je, že pri postave nahej ženy je vzdialenosť medzi prsiami rovnaká, od hrudníka k pupku a od pupka k medzikruálnej oblasti. 29 str.

„Umenie,“ hovorí Aristoteles, „dokončuje to, čo príroda nie je schopná dokončiť. Umelec nám dáva príležitosť pochopiť nerealizované ciele prírody.“

...všetko má ideálnu podobu a javy pozemskej reality sú len jej viac či menej pokazenými kópiami. 21 str.

Ideál sa dá dosiahnuť dvoma spôsobmi - umelec môže vybrať dokonalé časti niekoľkých figúrok a vytvoriť z nich dokonalý celok. To je to, čo urobil Zeuxis, hovorí Plínius, keď „zostrojil“ svoju Afroditu z piatich krásnych dievčat z Crotony. 21 s. Ale takémuto dizajnu chýba organickosť. Ďalším spôsobom je „stredná forma“.

To, čo Reynolds aj Blake mysleli pod pojmom ideálna krása, bola v skutočnosti nejasná spomienka na konkrétny telesný typ vytvorená v Grécku v rokoch 480 až 440 pred Kristom a s rôznou intenzitou a chápaním priniesla do vedomia západného človeka model dokonalosti z r. renesancie až po súčasnosť. 23 str.

Na začiatku tretej knihy Vitruvius, kde je uvedený súbor pravidiel pre stavbu náboženských budov, uvádza, že tieto budovy musia mať ľudské proporcie.

...ľudské telo je vzorom proporcií, pretože s roztiahnutými rukami a nohami zapadá do dokonalých geometrických útvarov: štvorca a kruhu.

Leonardo da Vinci. Vitruviov muž c. 1490

Vitruviánsky muž- kresba nakreslená Leonardom Da Vincim okolo roku 1490-92 ako ilustrácia ku knihe venovanej Vitruviovým dielam a umiestnená v jednom z jeho denníkov. Zobrazuje postavu nahého muža v dvoch nad sebou umiestnených polohách: s rukami a nohami roztiahnutými do strán, vpísanými do kruhu; s rukami od seba a nohami spojenými, vpísaný do štvorca. Kresba a jej vysvetlivky sa niekedy nazývajú kanonické proporcie.

Kresba bola robená perom, tušom a akvarelom pomocou kovovej ceruzky, rozmery kresby sú 34,3 x 24,5 centimetra. V súčasnosti v zbierke galérie Accademia v Benátkach.

Kresba je vedeckým aj umeleckým dielom a zároveň je príkladom Leonardovho záujmu o proporcie.

Podľa Leonardových sprievodných poznámok bol vytvorený na určenie proporcií (mužského) ľudského tela, ako je opísané v pojednaniach architekta Vitruvia, ktorý o ľudskom tele napísal nasledovné:

• dĺžka od špičky najdlhšieho po najnižšiu základňu štyroch prstov sa rovná dlani
• chodidlo sú štyri dlane
• lakeť je šesť dlaní
• výška osoby sú štyri lakte (a teda 24 dlaní)
• krok sa rovná štyrom lakťom
• rozpätie ľudských rúk sa rovná jeho výške
• vzdialenosť od línie vlasov k brade je 1/10 jej výšky
• vzdialenosť od temena hlavy k brade je 1/8 jej výšky
• vzdialenosť od temena hlavy k bradavkám je 1/4 jej výšky
• maximálna šírka ramien je 1/4 jeho výšky
• vzdialenosť od lakťa po špičku ruky je 1/4 jej výšky
• vzdialenosť od lakťa po podpazušie je 1/8 jeho výšky
• dĺžka ramena je 2/5 jeho výšky
• vzdialenosť od brady k nosu je 1/3 dĺžky jeho tváre
• vzdialenosť od línie vlasov po obočie je 1/3 dĺžky jeho tváre
• Dĺžka ucha 1/3 dĺžky tváre
• pupok je stredom kruhu

Znovuobjavenie matematických proporcií ľudského tela v 15. storočí da Vincim a ďalšími vedcami bolo jedným z veľkých pokrokov, ktoré predchádzali talianskej renesancii.

Samotná kresba sa často používa ako implicitný symbol vnútornej symetrie ľudského tela a ďalej vesmíru ako celku.

Ako môžete vidieť pri skúmaní výkresu, kombinácia polohy rúk a nôh v skutočnosti vytvára dve rôzne polohy. Póza s rukami a nohami roztiahnutými od seba končí vpísaním do štvorca. Na druhej strane je do kruhu vpísaná póza s rukami a nohami roztiahnutými do strán. Pri podrobnejšom skúmaní sa ukáže, že stredom kruhu je pupok postavy a stredom štvorca sú pohlavné orgány. Následne tou istou metódou vytvoril Corbusier vlastnú proporčnú škálu - Modulor, ktorá ovplyvnila estetiku architektúry 20. storočia.

Poliziano je básnik, ktorý inšpiroval Botticelliho Zrodenie Venuše a Raphaelovu Galateu.

V básni „Stanzas for the Tournament“, venovanej bratovi Lorenza de' Medici Giulianovi a jeho milovanej Simonette Vespucci, kvôli ktorej bol v januári 1476 zorganizovaný luxusný turnaj, slúži mytologický základ diela autorovi k vytvoreniu renesančnej idyly. , zduchovňovanie prírody a zbožšťovanie človeka. Umelecky stelesňuje problém vzťahu medzi odvahou a bohatstvom, charakteristický pre humanizmus. Vedúcou témou básne je láska, ktorá dáva radosť a šťastie, no zároveň zbavuje človeka vnútornej slobody. Krásny mladý lovec Julis (Giuliano), zamilovaný do nymfy (Simonetta), smúti nad stratenou slobodou; „Kde je tvoja sloboda, kde je tvoje srdce? Amor a žena ti ich zobrali." Nymfa medzi krásnymi kvetmi - tento obraz z Polizianovej básne inšpiroval množstvo obrazov v Botticelliho obrazoch, vrátane jeho majstrovského diela “ Jar».

Symetria dosiahnutá vyvážením a kompenzáciou je podstatou klasického umenia. Postava je síce v pohybe, ale pokoj je vždy sústredený v jej strede. Vyvážené časti musia mať medzi sebou nejaký merateľný vzťah – vyžaduje sa kánon proporcií. Polykleitos zložil takýto kánon. 50.s

Lysippos. Starovekí spisovatelia nám hovoria, že vynašiel nové proporcie ľudskej postavy: s menšou hlavou, dlhšími nohami a ladnejším trupom. 62 str.

Žiadna iná civilizácia nezažila taký umelecký bankrot ako tá, ktorá sa štyri storočia tešila z rozprávkového blahobytu na brehoch Stredozemného mora. Počas týchto krvavých storočí upadlo plastické umenie do hibernácie a stalo sa z neho niečo ako vyjednávací čip. 63 str.

Ako sa pôžitok z ľudského tela stal opäť povolenou témou umenia, je úžasnou záhadou talianskej renesancie. Kenneth Clark. 68 str.

Človek by mal upierať svoj pohľad na Venušu, teda na Humanitu. Jej duša a myseľ sú láska a milosrdenstvo, jej oči sú dôstojnosť a štedrosť, jej ruky sú štedrosť a nádhera, nohy - Roztomilosť a skromnosť.

Marsilio Ficino. Listy Lorenzovi di Pierfrancesco de' Medici. Kenneth Clark. Nahota v umení. 120 str.

Sila Venuše nepochybne spočíva v tom, že jej tvár veľmi zdržanlivo vyjadruje prácu myslenia. Kenneth Clark. 123.

...prvým renesančným umelcom, ktorý zobrazil nahú ženu ako symbol reprodukčného života, bol Leonardo da Vinci. V rokoch 1504 až 1506 vytvoril najmenej tri kresby Ledy a labute, z ktorých jedna slúžila ako podklad pre obraz. 142 str.

Páči sa mi to - reprodukčný život.

... ženské telo v celej plnosti svojej zmyselnosti je zobrazené izolovane, ako niečo sebestačné. Táto interpretácia nahoty, mimo kontextu nejakej udalosti alebo prostredia, je pred 19. storočím mimoriadne zriedkavá a bolo by zaujímavé vedieť, za akých okolností Tizian tento koncept vymyslel. 151.

Venuša Anadyomene. OK. 1520.

Afrodita Anadyomene(staroveká gréčtina Ἀφροδίτη Ἀναδυομένη, „vynárajúca sa, vynárajúca sa z mora“) - epiteton bohyne Afrodity, zrodenej z morskej peny a vynárajúcej sa na pevninu, a ikonografický typ jej obrazu v tejto chvíli.

Prečo vytrhnuté z kontextu? Len vylezenie z mora vždy slúžilo ako príležitosť na zobrazenie nahoty; ľudia neplávajú v mori oblečení, najmä keď sa práve narodili.

Na začiatku svojho vývoja sa vo Francúzsku začal šíriť manierizmus. Rosso, Primaticcio, Nicolo del Abbate a Cellini našli vo Fontainebleau prácu, ktorú v ich rozdelenej krajine nemohli nájsť, a vymaniac sa z obmedzujúceho vplyvu klasickej tradície začali vytvárať nahé postavy fantasticky tenkých a pretiahnutých tvarov. „Nymfa z Fontainebleau“, ktorú vytvoril Cellini, je neuveriteľne ďaleko od starovekých kánonov, jej nohy sú dlhé šesť hláv. ... Manierizmus prekvital po presadení na inú pôdu, čiastočne kvôli latentným gotickým tendenciám vo francúzskom umení, ale aj preto, že aj v stredoveku zostalo Francúzsko stredobodom všetkého rafinovaného a veľkolepého, čo vyplývalo z konceptu „šik“. Ideálom manierizmu je večná ženskosť z módneho obrazu. 168 str.

...prečo zosobnenie milosti nadobudlo takú zvláštnu podobu: príliš tenké ruky a nohy, nevhodné na poctivú prácu, príliš tenké telá, nevhodné na nosenie detí a príliš malé hlavy, zjavne neschopné pojať jedinú myšlienku. Ale rovnakú znamenitú sofistikovanosť vidíme v mnohých iných predmetoch, na ktoré sa takéto materialistické vysvetlenia nevzťahujú: v architektúre, v keramike a dokonca aj v rukopise. Ľudské telo nie je zdrojom, ale obeťou týchto rytmov. Kde vzniká pocit šik, ako sa riadi, podľa akých vnútorných kritérií šik neomylne rozoznávame... Jedno možno povedať s istotou: chic je prírode cudzí. ...ozajstní chic kňazi sú hlboko znechutení všetkým, čo sa myslí pod slovom „príroda“. ....nádherne sofistikované dámy z Fontainebleau, napriek svojej odlišnosti od pozemských žien, sú vytvorené s očakávaním vzbudenia telesných túžob v divákovi; v skutočnosti samotná zvláštnosť ich proporcií podnecuje erotické fantázie vo väčšej miere ako hmotné telá Tizianových žien.

Toto je podstata – špekulácia, fantázia, a preto je poprsie Keiry Knightley veľkosti nula medzi desiatkou najzvodnejších

Ale v konečnom dôsledku je to práve táto nehmotnosť, ktorá mení severský manierizmus len na fascinujúci menší pohyb v dejinách európskeho umenia.

V procese svojho výskumu si (Rubens) uvedomil, akými ťažkými formálnymi premenami musí ľudské telo prejsť, aby zostalo umeleckým dielom. 167 str.

Ingres si konečne dovolil dať voľný priechod svojim citom a všetkému, čo Tetiina ruka resp odalisková noha, teraz (turecký kúpeľ) sa otvorene stelesnil v bujných bokoch, prsiach a luxusných zmyselných pózach.

Kenneth Clark Nahota v umení. 186 str.

Takže podľa Clarka noha odalisky vyjadruje zmyselnosť! Tu je tá istá noha:

Podľa mňa je akási nevýrazná, amorfná. Pozrite sa na moju zbierku, tu sú výrazné exempláre, akoby dláto.

Schaeffer, Cabanel, Bouguereau, Enner.

Nahá postava, predstavujúca formu ideálneho umenia, je úzko spätá s prvým momentom plánu, s líniou...195 s.

...asi by o svojich výtvoroch hovorili ako o umných zobrazeniach výnimočne krásnych ľudí. To je presne to, čo by mal umelec povedať. Ale v skutočnosti sa všetci snažili vytvoriť určitý obraz, ktorý sa zrodil v predstavách zo zliatiny pamäti, potrieb a viery - spomienok na umelecké diela predchádzajúcich období; potreba vyjadriť svoje pocity a presvedčenie, že ženské telo je symbolom harmónie prírody. 199 str.

Dekoratívne umenie má potešiť oko a nie zamestnať našu myseľ, nie otriasť predstavivosťou, treba ho vnímať jednoznačne, ako dávno zaužívané pravidlá správania. Preto hojne využíva klišé a figúry, ktoré sú bez ohľadu na ich pôvod redukované na symbolický ekvivalent zrozumiteľný každému. Z tohto pohľadu predstavuje nahota nevyčerpateľný zdroj dekoračného materiálu. Je oku lahodiaci, je symetrický a má jednoduchý, zapamätateľný tvar, neoddeliteľný od podmienok jeho existencie. 326.

Zeus z Histiea. Podkrovná socha. OK. 470 pred Kr

Socha bola nájdená v mori neďaleko Histiea (neďaleko Cape Artemisium). Prvá voľne stojaca postava vykreslená v pohybe a jediná, ktorá sa k nám dostala v podobe bronzového originálu. 204 str.

Ani jeden renesančný umelec neuviedol správne ani jeden dátum, dokonca ani dátum svojho narodenia. 222 str.

Moralisti devätnásteho storočia tvrdili, že maľovanie aktov zvyčajne končí v posteli. Pravdepodobne sa to niekedy stáva, ale erotika a zmyselnosť sú len niektoré z mnohých prvkov spojených s nahotou.

Akt, teda zobrazenie nahého ľudského tela, je jedným z najdôležitejších umeleckých žánrov. Zároveň len niektoré obrazy aktov vznikli ako produkt umelcovej túžby vytvoriť formu, ktorá je „vecou samou o sebe“, dielom, ktoré dokonalosťou svojich línií prináša estetický pôžitok; takéto dielo možno postaviť na roveň vynikajúcemu architektonickému dizajnu alebo pôvabne tvarovanej nádobe.

Pre väčšinu umeleckých diel je akt len ​​východiskovým bodom, kreatívnym médiom, ktoré slúži na vyjadrenie myšlienok a emocionálnych stavov. V súčasnosti sa verí, že ženská nahota je niečo príťažlivejšie a prirodzenejšie ako mužská. V starovekom Grécku sa však po prvýkrát objavili obrazy nahého muža, ktorého telo bolo považované za dokonalejšie Na prelome 14. a 15. storočia Cennino Cennini vo svojom Pojednaní o maľbe napísal: „Chcem ti dať. presné parametre muža. Nebudem hovoriť o žene, pretože nemá dokonalé parametre."

Prevaha ženskej nahoty sa začala prejavovať v 17. storočí a až v 19. storočí sa stala absolútnou. To bolo ovplyvnené citlivosťou neoklasicizmu, ktorý veril, že hladké a objemné línie sú krajšie. Obrazy aktov sa objavili na úsvite výtvarného umenia, v období raného paleolitu, asi pred 30 tisíc rokmi. Boli to malé kamenné figúrky alebo skalné maľby zobrazujúce ženské postavy s hypertrofovaným zadkom, prsiami a lonovým trojuholníkom; hlava a končatiny, naopak, boli načrtnuté schematicky. V období neolitu sa objavili podobné hlinené figúrky a v dobe bronzovej zase mramorové figúrky, podobné napríklad predmetom objaveným na ostrovoch súostrovia Kyklady v južnom Egejskom mori.

V starovekom Egypte, kde bola nahota interpretovaná ako niečo úplne prirodzené, sa vyvinuli jasné kánony na zobrazenie ľudského tela. Bezchybne krásne polonahé postavy vládcov boli naplnené majestátnou dôstojnosťou; Len na obrazoch osôb menej ušľachtilého pôvodu bolo možné nájsť stopy realizmu - ochabnuté svaly alebo tukové záhyby. Dôležitým medzníkom v tomto smere bola kultúra starovekého Grécka. Prvými obrázkami nahého ľudského tela boli sochy kouros (mladých športovcov) zbavených dynamiky na konci archaického obdobia (6. storočie pred Kristom) a asi o storočie neskôr klasický ideál krásy, ktorý je nám dobre známy. , bol už vytvorený. Predchádzajúca útržkovitosť obrázkov ustúpila výsledkom starostlivého štúdia anatómie. Gréci prírodu nielen zdedili, ale snažili sa ju aj vylepšiť: vyberali najharmonickejšie časti rôznych postáv a spájali ich do ideálneho celku.

Klasický kánon zobrazovania ľudského tela sformuloval Polycletus v druhej polovici 5. storočia pred Kristom a jeho stelesnením bola socha „Doriphoros“. Postava je postavená v kontraposto: jej váha spočíva na pravej nohe, ľavá je mierne pokrčená a vzadu a hlava je mierne otočená doprava. Výška hlavy je jedna sedmina, dĺžka chodidla je šestina, dĺžka dlane je jedna desatina výšky tela. Póza, ktorú použil Polykleitos na zobrazenie mužskej postavy, bola tiež použitá v 4. storočí pred Kristom na vyjadrenie tvaru ženského tela. Línia prednej nohy zdôraznila prirodzenú stavbu postavy a vytvorila nezvyčajne zmyselnú krivku.

Klasický ideál ženskej krásy je považovaný za „Aphrodite of Cnidus“ od Praxitelesa (okolo roku 360 pred Kristom). Počas helenistického obdobia sa Gréci vzdialili od klasickej tradície rovnováhy a začali prejavovať ladnosť alebo naopak zdôrazňovali silné svalstvo postáv. Starí Rimania reprodukovali návrhy vytvorené Grékmi; okrem toho zaviedli prax umiestňovania sochárskeho obrazu hlavy panovníka na idealizované telo. Fyzická dokonalosť sôch mala zdôrazniť božskosť cisárov.

Reakcia raného stredoveku na staroveký kult nahoty bola mimoriadne negatívna, takže obrazy nahoty sa z umenia prakticky vytratili. Cirkev považovala nahé sochy „pohanov“ za stelesnenie modlárstva a satanského pokušenia. Zobrazeniu nahého ľudského tela sa však niekedy nedalo vyhnúť: napríklad pri predstavovaní Adama a Evy sa bez neho nedalo zaobísť. Zobrazovanie nahého tela bolo povolené aj na obrazoch Umučenia Krista a v 10. storočí bola nahá postava Ježiša oficiálne akceptovaná ako fragment kanonického obrazu ukrižovania. Telesnosť Krista mala zdôrazniť ľudskú prirodzenosť Božieho Syna.

Tí, ktorí boli vzkriesení na posledný súd, ako aj tí, ktorí boli odsúdení na pekelné muky, boli zobrazovaní nahí. Obraz nahého tela bolo možné vidieť v alegorických kompozíciách a tu sa antické diela často stali zdrojom inšpirácie pre autorov. Vynikajúcim príkladom je Herkules, ktorý symbolizoval morálnu silu, ktorá víťazí nad zlom. Na kazateľnici katedrály v Pise Giovanni Pisano zobrazil Cudnú Venušu ako zosobnenie cnosti striedmosti (1302 - 1310). Častejšie však obnažené ženské telá symbolizovali hriechy – skazenosť či márnivosť a najmä Venuša symbolizovala hriešnu telesnú lásku.

V 15. storočí prestala byť nahota tabu, pretože v neskorom stredoveku nešlo o nič nezvyčajné – veľmi obľúbené boli napríklad verejné kúpele. Ako dôkaz takýchto zmien svetonázoru môžeme citovať „Adam“ a „Evu“ od Jana van Eycka z oltára katedrály v Gente. Rozkvet fotenia aktov sa začal v 15. storočí v Taliansku na vlne návratu k antickému štýlu. Taliani, ktorí považovali výtvarné umenie za intelektuálnu činnosť, rovnako ako starí Gréci, dopĺňali vizuálne pozorovania vedeckými analýzami. Práve vtedy sa štúdium antického sochárstva a kreslenie nahého modelu stalo povinným prvkom učenia sa maľovať. Teoretici umenia radili, že pri zobrazovaní oblečeného človeka najskôr načrtnite postavu bez oblečenia a až potom ju „oblečte“. V druhej polovici 15. storočia umelci dokonca vykonávali pitvy mŕtvol, aby dôkladne preštudovali anatómiu ľudského tela.

Masacciovo vyhnanie z raja (1427) sa považuje za prvé zachované zobrazenie aktu z obdobia renesancie. V sochárstve to bol Donatellov „Dávid“ odliaty z bronzu (1430). Obraz nahého ľudského tela sa šíril spolu s rastúcou popularitou mytologických tém (napríklad „Zrodenie Venuše“ od Sandra Botticelliho). Bol však použitý v biblických aj posvätných motívoch – napríklad pri Ježišovom krste či umučení svätého Sebastiána. Zobrazovanie nahoty sa stalo samo osebe hodnotou; obrazy nahých tiel boli predstavené bez ohľadu na tému diela, aby prebudili zmysel pre krásu v duši diváka a demonštrovali umelcovu zručnosť.

Klasickú dokonalosť v zobrazovaní aktov dosiahli až začiatkom 16. storočia, v období neskorej renesancie. Raphael sa najviac priblížil starovekému ideálu: jeho „Tri Grácie“ (1504) sú považované za kvintesenciu harmónie. Michelangelo mal inú predstavu o aktu; tento sochár bol tak fascinovaný mužským telom, že dokonca kreslil ženské obrazy z modelov. Jeho najznámejším dielom je „David“ (1501 - 1504). Pri poslednom súde (1534 - 1541) vzbudzuje zdrvujúca sila Ježišovho tela strach z Božieho hnevu. Severne od Álp, najmä v Nemecku, sa miešal vplyv antickej kultúry s neskorogotickou tradíciou. Nahé Venuše Lucasa Cranacha staršieho sú predĺžené – „gotické“ – postavy s úzkou hruďou a zaoblenými bruchami. Obraz „Venuša a Cupid“ (1509) bol prvým nahým zobrazením starovekej bohyne lásky v severnej Európe, ako aj prvým obrazom na tému antickej mytológie v diele tohto umelca.

Nahé ženské obrázky však napriek všetkej ich erotizme stelesňovali strach z tela ako zdroja hriechu. Ani tvorba Albrechta Durera, najvýraznejšieho predstaviteľa nemeckej renesancie, nebola oslobodená od týchto tendencií. Už v 20. rokoch 16. storočia sa začali objavovať známky rozpadu humanizmu a s tým spojené zmeny v estetickom kánone. Začal sa odklon od klasických rozmerov; novým ideálom krásy bolo neprirodzene pretiahnuté, štíhle telo plné umelej elegancie. A v druhej polovici 16. storočia, pod vplyvom protireformácie, cirkev opäť začala interpretovať nahotu ako niečo neprijateľné v sakrálnom umení. V roku 1564 bol Ježiš a ostatné postavy z Michelangelovho posledného súdu „oblečené“. Začiatkom 17. storočia začal manierizmus opäť ustupovať prirodzenosti: realistické telá mučeníkov Jusepe de Ribera či Caravaggia už nemali nič spoločné s ideálnou krásou.

Rovnako ako oni, aj Rembrandt van Rijn, usilujúci sa o hĺbkový prenos psychológie hrdinu, sa nebál ukázať škaredosť a menejcennosť, ktoré boli pre živého človeka prirodzenejšie a charakteristické ako nádherná krása – napríklad v „Bathsheba“ ( 1654) umelec bez rozpakov zobrazil všetky vrásky a záhyby ochabnutého tela modelky. Typickejšie pre estetické preferencie tejto doby však boli nahé maľby Petra Powela Rubensa. Jeho plné ženské obrazy pripomínajú zrelé ovocie (napríklad „Tri grácie“ alebo „Znásilnenie dcér Leucippa“) - je to ako druh hymny na slávu prírody, stelesnenie lásky k životu a tak ďalej. svoje potešenia.

Druhá polovica 18. storočia sa niesla v znamení návratu k antickej tradícii v jej drsnej klasickej verzii. Umenie tohto obdobia charakterizovala „ušľachtilá jednoduchosť a pokojná majestátnosť“. Neoklasické akty, napriek krištáľovej čistote formy, nedokázali plne odrážať skutočné pocity, pretože boli chudobné na emócie, alebo naopak príliš patetické.

Napríklad mramorové sochy („Amor a Psyche“) sa zdajú byť len krásnymi, ale chladnými škrupinami, do ktorých nebola investovaná duša umelca. Romantici priniesli do umenia určité oživenie v prvej polovici 19. storočia. Eugene Delacroix sa vrátil k dynamickým formám baroka – napríklad v Sardanapalovej smrti (1827); Theodore Gericault vo filme Plte Medúzy (1819) sa prostredníctvom zobrazenia nahoty snažil plnšie sprostredkovať tragédiu stroskotancov. Neoklasicizmus formoval akademickú interpretáciu aktu, oficiálneho a prevládajúceho štýlu druhej polovice 19. storočia.

Napriek všeobecnej honosnej cnosti tejto epochy množstvo nahých tiel vo výtvarných dielach nikoho neohúrilo: ospravedlňovalo to starodávna tradícia a mytologické, historické či orientálne motívy. Keďže však v iných sférach nebolo možné ani zmieniť sa o „zakázanom“, akt, interpretovaný ako symbol umenia, sa v podstate stal symptómom jeho oslabenia.

Situácia sa začala meniť vďaka francúzskym impresionistickým umelcom. Obrazy namaľované Edouardom Manetom v roku 1863 - "Obed na tráve" a "Olympia" - vyvolali škandál. Dôvodom nebola nahota ako taká, ale zobrazovanie žien bez prudérnosti. Po Manetovi nasledovali túto cestu Edgar Degas a Henri Toulouse-Lautrec. Umelci protestovali proti akademickej lži, maľovali ženy z každodenného života – robotníčky, tanečnice, prostitútky.

Začiatkom 20. storočia nastal v dejinách nahoty zlom a obnaženému telu bola úplne odopretá krása a harmónia. V roku 1905 vytvoril Georges Rouault niekoľko portrétov neuveriteľne odpudivých prostitútok. Telá žien na obraze Pabla Picassa „Les Demoiselles d’Avignon“, ktorý evokuje asociácie s africkými vyrezávanými figurínami, sú deformované a transformované do podoby geometrických útvarov.

Akt, podobne ako zátišie, sa stal pre umelcov (napríklad Henriho Matissa) len obrazovou konštrukciou, nástrojom na vytvorenie samostatnej formy. Avantgardní umelci sa pokúsili znázorniť akt v abstraktnej soche. Constantin Brancusi zobrazil torzo ženy vo forme hriadeľa s kratšími valcami - nohami. Keď však v tridsiatych rokoch minulého storočia prišlo nasýtenie sa avantgardou a návrat ku klasickým formám, akt sa stal hlavným prvkom, ktorý spájal moderné umenie s minulými storočiami.

Dnes neexistuje jediný alebo prevládajúci koncept umenia aktov. Individuálne preferencie umelcov a kánony umeleckých hnutí siahajú od abstraktných až po hyperrealistické obrazy - iba večný záujem človeka o vlastné telo zostáva nezmenený.

Nacistické umenie sa ochotne zmenilo na klasický štýl zobrazovania aktov. "The Avenger" (1940) od Arna Breckera reprodukuje typ gréckeho víťazného hrdinu - symbol sily a boja. „Zrodenie Venuše“ (1863) od Cabanela je typickým „akademicky mŕtvym“ obrazom aktu, charakteristickým pre maľbu druhej polovice 19. storočia. "Les Demoiselles d'Avignon" od Pabla Picassa (1907) je jedným z prvých diel moderného maliarstva. Téma (ženy z nevestincov) aj forma sa stali protestom proti tradičnému chápaniu krásy.

V nasledujúcich dielach išiel umelec ďalej – časti tela nielen deformoval, ale aj miešal. Edouard Manet v Olympii nahradil akademickú idealizáciu realizmom a mytologickú tému modernou. Tento obraz vyvolal škandál, keďže Olympia bola obyčajná prostitútka – postava, ktorá bola pre vtedajšiu maľbu úplne netypická. Socha „Umierajúci v zajatí“ (okolo roku 1513) od Michelangela mala zdobiť pohrebisko pápeža Júliusa II. Koncept zobrazenia mužského aktu v interpretácii Michelangela inšpiroval umelcov až do 19. storočia. Príkladom vynikajúcej erotiky manierizmu je „Alegória času a lásky“ (okolo 1545) od Angela Bronzina. Tu Amor objíma Venušu, ktorá je jeho matkou.

V „Tureckých kúpeľoch“ (1862) od Jean Auguste Dominique Ingres sa orientálny motív stal dôvodom na zobrazenie celej skupiny nahých žien. Umelec spojil ohromujúcu dokonalosť formy s vypočítavo chladným erotizmom. Giorgioneho spiaca Venuša, ktorú dokončil ďalší Benátčan Tizian, sa stala prvým z mnohých nasledujúcich obrázkov ležiacich nahých modeliek. Postava sa vyznačuje mäkkými objemovými tvarmi, ktoré sa v barokovej ére stali ešte výraznejšími.

Scéna „Vzkriesenie mŕtvych“ poskytla Lucovi Signorellimu príležitosť zobraziť nahotu klasickým spôsobom - s dôkladným štúdiom anatomických znakov stavby tela. V Donatellovom Dávidovi slúži starozákonný motív len ako zámienka na prezentovanie krásy mladistvého tela jemnými, trochu ženskými líniami.

Najrealistickejšie zobrazenie nahých tiel v stredoveku bolo od Jana van Eycka. Eva predstavuje gotický typ ženskej postavy: pretiahnuté telo, úzky hrudník a zaoblené brucho. Willendorfská venuša a podobné ženské figúrky z mladšieho paleolitu sú považované za symbol plodnosti. Výška figúrky je 11,5 cm Skupina Laocoon (cca 2. storočie pred Kr.) predstavuje smrť trójskeho kňaza a jeho synov v boji proti hadom – poslom bohov.

Výrazná nahota s výraznými svalovými vzormi je prostriedkom na sprostredkovanie utrpenia. Táto sochárska kompozícia výrazne ovplyvnila Michelangelov štýl. Ukrižovanie biskupa Gereona (okolo 975) z kolínskej katedrály predstavuje najranejší obraz ukrižovania, v ktorom sa tak výrazne zdôrazňuje utrpenie. Od 13. storočia bolo telo Ježiša zobrazované s čoraz viditeľnejšími znakmi mučenia. Gréci zobrazovali nahé telo, pretože ho považovali za krásne: mužské torzo sa dokonca stalo vzorom na výrobu vojenského brnenia.

Vo fyzickej dokonalosti videli Gréci odrazy vznešenosti duše; Starovekí grécki atléti trénovali a súťažili nahí. Osoba bola interpretovaná ako neoddeliteľný celok duše a tela, preto nič, čo sa týkalo tela, nebolo považované za odsúdeniahodné.

Ruské umenie má už viac ako tisíc rokov, no nie sme bohatí na majstrovské diela svetového významu zobrazujúce nahé dievčatá. Umelci boli veľmi dlho v rozpakoch a báli sa maľovať nahé ženy. Povieme vám, ako to súvisí s geografiou a zvláštnosťami historického vývoja Ruska, národného charakteru a vo všeobecnosti - postojom našich ľudí k akejkoľvek „hanbe“.

Na vine je cirkev

Vývoj výtvarného umenia a procesy v ňom prebiehajúce sú rozhodujúcim spôsobom ovplyvnené dominantnou ideológiou. Storočia bola nábožensky založená. Navyše Rus zdedil najvizionárnejšiu a na symboly zameranú verziu kresťanstva – pravoslávie. Na katolíckom Západe mali umelci dovolené maľovať „materialistické“ veci, ako napríklad uhladeného, ​​odporného diabla, mučenie mučeníkov rozžeravenými kliešťami, nahú hruď Matky Božej a nadýchané krídla anjelov.

Neznámy umelec. Nábožensky populárna tlač „O Panne Márii a jej posmrtnom zjavení sa jej otcovi“. 1904-1905. Štátne historické múzeum

V Byzancii bolo všetko o znakoch a kánonoch a v jej umení to bolo všetko o lineárnosti a plochosti. Nahota v ikonografii prevzatej odtiaľ bola povolená buď výlučne slušným ľuďom – púštnym askétom a svätým bláznom (napríklad Mária Egyptská a sv. Bazil Blahoslavený), ktorí viedli taký životný štýl, že ich telo nemohlo slúžiť ako príklad fyzická krása, alebo mŕtvym – duša opúšťajúca smrteľný život telo, alebo hriešnici v pekle. No aj všelijakým démonom a duchom. To všetko nie sú vzory, takéto telá nevyvolávajú estetické potešenie.

Môže za to geografia

Považovať určité veci za „krásne“ si vyžaduje zvyk a dlhodobý tréning. Napríklad Amerika verila, že čierne dievča môže byť skutočným sexsymbolom vďaka tomu, že Hollywood sa tridsať rokov venoval vizuálnej propagande (ak rátate od 70. rokov, keď sa medzi bondovkami objavili prvé Afroameričanky) .

Aby sa nahé telo v umení stalo krásnym a všeobecne akceptovateľným, boli potrebné storočia tréningu zraku.

A tiež veľmi silná indoktrinácia, počas ktorej sa všetci naučili, že telo je odrazom božskej harmónie, a preto si zaslúži obdiv (Google „kalokagathia“). V Európe sa tento názor ustálil niekde v 5. storočí pred Kristom. e. - v starovekom Grécku. Kultúry, ktoré nesúvisia s antikou, majú komplexy, pokiaľ ide o nahotu – vezmite si moslimov a tradičných Japoncov.

Henryk Semiradsky. "Žena alebo váza?" 1887. Sotheby's

Jedného dňa profesor umenia položil študentom otázku: „Ako rozlíšiť pravú grécku sochu od rímskej kópie? Študenti dlho a vytrvalo preukazovali svoje vedomosti, navrhovali rôzne teórie, ale profesor po ich vypočutí povedal: „Všetko je oveľa jednoduchšie: grécke sochy sú úplne nahé, ale u rímskych je kauzálne miesto pokryté list.“ Áno, Rím sa už v umení hanbil za nahotu – to však pre Hellas nebolo typické.

Staroveká grécka civilizácia bola všetko, len nie plachá, aspoň pokiaľ ide o ľudské telo. Vyžívala sa v jeho kráse – aspoň ak jeho telo bolo naozaj krásne, ako telo športovca súťažiaceho na olympijských hrách, a preto sa športovci predvádzali nahí. A, samozrejme, dokonalé mužské telo je hodné stelesnenia v umení... Staroveké grécke umenie „neodhaľovalo“ ženu tak ochotne – žena bola predsa podľa definície považovaná za nedokonalú bytosť, čo znamená, že krása jej tela by bola prinajmenšom zvláštna (avšak stále sa vyskytujú aj sochy nahých žien - napr. Afrodita z Knidu).

Ďalší pikantný detail: časť tela, s ktorou sa moderní muži radi „merajú“, nebola v starovekých gréckych sochách nikdy veľká. Len Priapus, boh plodnosti, ktorý v človeku zosobňoval divokú, elementárnu silu, bol zobrazovaný s obrovským penisom a dokonalé telo civilizovaného človeka – predstaviteľa kultúry polis – si neznášalo žiadne preháňanie. To tiež naznačuje, že v kultúre Hellas sa zobrazovanie nahoty v umení najmenej spájalo s bezuzdnou sexualitou.

Pre európsky stredovek bol takýto obdiv nemysliteľný, no nedá sa povedať, že by obnažené telo v stredovekom umení úplne absentovalo. Bolo to povolené tam, kde to zodpovedalo historickým okolnostiam – napríklad pri zobrazovaní ukrižovaného Spasiteľa. Adamovi a Eve bolo „dovolené“ byť pred pádom nahí. A v stredoveku boli hriešnici v pekle a ľudia, ktorí sa objavili na poslednom súde, tiež zobrazovaní nahí (pravdepodobne sa tým zdôrazňovalo, že všetci si tam budú rovní – napokon, v stredovekej spoločnosti oblečenie umožňovalo rozlíšiť vznešeného pána od obyčajný).

Ďalšou epochou, ktorá sa „zamilovala“ do nahého ľudského tela, je nepochybne renesancia, ktorá sa nemohla nezamilovať, pretože bola vedená ideálmi staroveku, z ktorých jedným bolo krásne ľudské telo. v nedotknutej nahote. Filozofia renesančného humanizmu, ktorý vyhlásil človeka za stred vesmíru, ho opäť obdivuje. Nádych márnomyseľnosti sa objavuje až neskôr – v období baroka, období sklamania, ktoré pod pompéznosťou (vrátane pompéznosti ženských podôb) skrývalo trpkosť.

Klasicizmus a následné umelecké epochy sa pokúšajú vrátiť k starodávnym obrazom krásnej nahoty – ale nedotknutý obdiv už nie je možné dosiahnuť. Nahota sa však považuje za vhodnú pri zobrazovaní antických predmetov. Pozoruhodné je, že – na rozdiel od Hellas – je ženská nahota považovaná za vhodnejšiu, ale akvarel od anglickej umelkyne E. Burne-Jones „Phyllis and Demophnot“ bol z výstavy v roku 1870 odstránený práve kvôli Demophonovej nahote – Phyllidina nahota áno. nikoho neobťažovať.

Vo vzťahu k 20. storočiu je dokonca ťažké hovoriť o nahote v maliarstve a sochárstve - za bizarnými obrazmi avantgardy skutočne nevidíte nahé telo. Ale obraz nahoty v mladom umení kinematografie prekvital naplno. No k nevinnému obdivu Hellas mala táto nahota ešte viac – nahé ženské telo sa spolu s pištoľou stalo jednou z „prísad“ úspešného filmu, ktorý si nenárokuje status vysokého umenia.

Nahota v umení. Kenneth Clark

Za. z angličtiny - Petrohrad: ABC-classics, 2004. - 480 s. (Seriál "Umelec a znalec".)

Nová séria „Artist and Connoisseur“ predstavuje knihu popredného anglického umeleckého kritika Kennetha Clarka „Nahota v umení“, ktorá bola prvýkrát preložená do ruštiny. Autor približuje vývoj žánru aktu od jeho vzniku až po súčasnosť, identifikuje v ňom také špecifické smery ako „nahota energie“, „nahota pátosu“, „nahota extázy“ atď. Originálna interpretácia témy, živá , prístupný jazyk, zaujímavý výber ilustrácií by mali upútať pozornosť nielen odborníkov, ale aj širokého okruhu čitateľov.

Formát: pdf

Veľkosť: 10,6 MB

Stiahnuť ▼: yandex.disk

Séria „Umelec a znalec“ predstavuje množstvo zaujímavých kunsthistorických štúdií, ktoré majú predovšetkým vzdelávací účel, no zároveň zostávajú prísne akademické. Ich výhodou je dostupnosť a zábava bez vedomého zjednodušovania a skresľovania vedeckého myslenia. Nie je náhoda, že knihy anglického historika umenia Kennetha Clarkea patria medzi prvé, ktoré sú do tejto zbierky zaradené. Jeho brilantnú erudíciu, hlboké pochopenie témy, verné oko pre kritiku a úprimnú lásku k umeniu dopĺňa úcta k publiku. Profesor prechádza od jednoduchého k zložitému, ľahko, bez najmenšieho násilia alebo túžby presadiť svoj názor, mení čitateľov z amatérov na odborníkov a skutočných znalcov krásy. Je len málo vedcov, ktorí dokážu rozprávať o zložitých veciach jednoducho, pútavo a pôvabne, ale človek chce Clarka čítať pomaly, vychutnávať si jednotlivé frázy a pozorne si prezerať ilustrácie, ktoré ponúka. Na stránkach jeho kníh sú roztrúsené pôvabné príklady akademického humoru, ktoré tam akoby prešli z profesorových prednášok, ktoré prednášal nielen študentom, ale aj televíznym divákom vo Veľkej Británii a Amerike.

Snáď v niektorých ľuďoch bádateľská téma vyvolá neseriózne asociácie, no milovníkov jahôd kniha poteší len krásnymi obrázkami. Podľa Kennetha Clarka je obraz nahého ľudského tela jedným z najdôležitejších a najcennejších námetov v umení, hoci sa mu nevenovala rovnaká pozornosť vo všetkých historických obdobiach. Nemožno poprieť telesnú podstatu človeka, a keďže sme ješitní a určite sa snažíme byť zvečnení, je nepravdepodobné, že by sa výtvarné umenie niekedy úplne obmedzilo na cikcaky a farebné škvrny, symbolizujúce prácu nášho podvedomia. Ideál vonkajšej krásy sa samozrejme neustále menil, ovplyvňovala ho frivolná móda, náboženská morálka, vysoké filozofické uvažovanie a estetické pôžitky. Clarkova kniha zahŕňa paleolitické Venuše aj grécke bohyne; vychudnutí svätci v gotickom štýle a pozemské krásy Rubensa; pekní jednoduchí Renoirovi a kubické akty Picassa. Veľa sa toho popísalo aj o mužskej kráse, našťastie až do polovice 19. storočia neexistovala zjavná diskriminácia mužov ako nahota. Bližšie k našej dobe sa právo ukázať svoje kúzlo, bohužiaľ, stalo takmer úplnou výsadou žien.

Na jar 1953 som mal šesť prednášok o nahote v umení na každoročnom E. W. Mellon Fine Arts Readings v Národnej galérii vo Washingtone. V živote som nehovoril pred vnímavejším a inteligentnejším publikom a rád by som každému z prítomných odovzdal výtlačok tejto knihy ako prejav mojej vďaky hneď po ukončení kurzu. Prednášky sa ale museli výrazne predĺžiť, napísať tri nové kapitoly a na poslednú chvíľu ma vydavatelia presvedčili, aby som pridal ďalšiu časť poznámok. To znamenalo takmer trojročné oneskorenie a som vďačný Mellon Memorial Readings Foundation a Bollingen Foundation za ich trpezlivosť pri čakaní na dokončenie knihy..