Hudobný impresionizmus. Impresionistickí skladatelia

Romantické umenie pozdvihlo ideál jednotlivca, obdareného živou dušou, trpiaceho vo svete disharmónie a sociálneho zla. V druhej polovici 19. stor. „prílišná ľudskosť“ a „hypertrofovaná citlivosť“ (ako bolo romantické umenie kritizované) začínajú strácať pôdu pod nohami. Imidž romantického umelca postupne strácal na atraktivite. Antiromantické nálady sú predzvesťou novej etapy vo vývoji umeleckej kultúry. Európania, ktorí stratili vieru v kult ľudského rozumu aj v kult ľudského cítenia, čoraz viac inklinujú k individualistickým životným pozíciám.

Umenie impresionizmu sa stalo predzvesťou nových kultúrnych trendov.

Hudba. Neustála konfrontácia starého a nového je charakteristická nielen pre francúzske maliarstvo, ale aj pre hudbu, kde sa impresionizmus udomácnil s určitým oneskorením. Jeho prvým a najvýraznejším predstaviteľom bol Claude Debussy (1862-1918). Debussyho hudba je úzko spätá s národnými a kultúrnymi tradíciami Francúzska. Zrejmý je však aj vysoko inovatívny charakter jeho spisov. Skladateľ patril k tým, ktorí odvážne vniesli do modernej európskej hudby intonácie stredovekých módov a rytmy afroamerického jazzu.

Vrchol skladateľovej tvorivosti sa zhodoval s nástupom 20. storočia. Jeho hudba je naplnená radostným pocitom plnosti života a jasnými farebnými efektmi. Medzi symfonickými dielami tejto doby vyniká trojdielna suita „More“, ale skladateľove tvorivé úspechy v oblasti klavírnej hudby sú obzvlášť skvelé.

Cyklus 24 prelúdií napísaných Debussym v rokoch 1910-1913 možno nazvať „encyklopédiou“ impresionistického klavírneho umenia. Každá z hier je farebným obrázkom, ktorý akoby súťažil s maľbou. Debussy sa však nesnažil o presnosť v hudobnom zobrazení. Farba a farba boli pre neho vždy len prostriedkom na vyjadrenie osobných nálad a pocitov zrodených pod dojmom konkrétneho obrazu. Hudobné asociácie navrhované prírodou sú úžasne rozmanité a neočakávané („Vietor na rovine“, „Plachty“). Hudobná „maľba“ krajiny susedí s jemnými akvarelovými „kresbami“ („Dievča s ľanovými vlasmi“). Melanchólia súmraku, pripomínajúca poéziu symbolizmu, vyžaruje z „Hmly“, „Kroky v snehu“, „Mŕtve listy“. Medzi predohrami napísanými na základe literárneho zdroja vyniká „The Sunken Cathedral“. Hra sa zrodila pod dojmom bretónskej legendy o meste pohltenom morom, ktoré sa však na úsvite dvíha z priepasti za zvuku zvonov. V tejto starodávnej legende skladateľa nelákala mystika a nie romantika staroveku, ale možnosť „namaľovať“ zvukmi malebný obraz blížiaceho sa úsvitu, v tichu ktorého zrazu zvonia zvony, prichádzajúce z hlbín mora, odkiaľ sa náhle vynorí prevažná časť mesta.

Pokračovateľ Debussyho tradícií, najväčší impresionistický skladateľ bol Maurice Ravel (1875-1937). Jednou z najlepších skladieb tejto doby je klavírna skladba „Hra vody“ (1901). V hudbe počuť zurčiaci tón a špliechanie potokov, v ktorých sa odráža dúhové svetlo. Obrazy a asociácie inšpirované zvukmi potvrdzuje epigraf, ktorý Ravel predostrel hre: „Boh rieky sa smeje z vody, ktorá ho šteklí.“

„Bolero“ bolo napísané v roku 1928 na objednávku slávnej baleríny Idy Rubinstein. Životnosť skladby ako choreografického čísla bola však veľmi krátka. Ida Rubinstein tancovala „Bolero“ v cigánskom kostýme na stole, čím potešila unavenú parížsku verejnosť extravaganciou čísla. Bolo zjavné, že takáto interpretácia nezodpovedá škále brilantnej hudby. Neskôr „Bolero“ získalo obrovskú popularitu predovšetkým ako nezávislé symfonické dielo, nasýtené prvkami tanca, svetlé, vášnivé a dynamické v španielčine. „Bolero“ je vzácnym príkladom veľkého hudobného konceptu, stelesneného na základe jednej (!) „španielskej“ témy, ktorú zložil sám Ravel. Vďaka výnimočnej orchestrálnej vizualizácii sa skladateľovi podarilo vo vývoji tohto obrazu dosiahnuť kolosálne napätie smerujúce k jubilantnému vyvrcholeniu.

Claude Debussy

Claude Debussy (franc. Achille-Claude Debussy) (22. august 1862, Saint-Germain-en-Laye pri Paríži – 25. marec 1918, Paríž) – francúzsky hudobný skladateľ.

Tvoril štýlom často nazývaným impresionizmus, termín, ktorý nikdy nemal rád. Debussy bol nielen jedným z najvýznamnejších francúzskych skladateľov, ale aj jednou z najvýznamnejších osobností hudby prelomu 19. a 20. storočia; jeho hudba predstavuje prechodnú formu od neskororomantickej hudby k modernizmu v hudbe 20. storočia. Zomrel na rakovinu hrubého čreva.

Debussy - francúzsky skladateľ, klavirista, dirigent, hudobný kritik. Absolvoval parížske konzervatórium (1884) a získal Prix de Rome. Žiak A. Marmontel (klavír), E. Guiraud (kompozícia). Ako domáci klavirista ruského filantropa N. F. von Mecka ju sprevádzal na jej cestách po Európe, v rokoch 1881 a 1882 navštívil Rusko. Pôsobil ako dirigent (v roku 1913 v Moskve a Petrohrade) a klavirista, kde sa venoval najmä vlastnej tvorbe, a tiež ako hudobný kritik (od roku 1901).

Debussy je zakladateľom hudobného impresionizmu. Vo svojej tvorbe sa opieral o francúzske hudobné tradície: hudbu francúzskych čembalistov (F. Couperin, J. F. Rameau), lyrickú operu a romantiku (C. Gounod, J. Massenet). Výrazný bol vplyv ruskej hudby (M. P. Musorgskij, N. A. Rimskij-Korsakov), ako aj francúzskej symbolistickej poézie a impresionistického maliarstva. D. zhmotnil v hudbe prchavé dojmy, najjemnejšie odtiene ľudských emócií a prírodných javov. Súčasníci považovali orchestrálnu „Prelúdiu k faunskému popoludniu“ (podľa eklogy S. Mallarmé, 1894) za akýsi manifest hudobného impresionizmu, v ktorom sa prejavuje nestálosť nálad, kultivovanosť, kultivovanosť, rozmarná melódia, resp. Odhalila sa farebná harmónia charakteristická pre D. hudbu. Najvýznamnejšími D. kreáciami sú opera „Pelleas a Mélisande“ (podľa drámy M. Maeterlincka; 1902), v ktorej dochádza k úplnému splynutiu hudby s akciou. dosiahnutý D. znovu vytvára podstatu nejasného, ​​symbolicky zahmleného básnického textu tohto diela, spolu so všeobecným impresionistickým zafarbením, symbolistickým podfarbením sa vyznačuje jemným psychologizmom a živou emocionalitou vo vyjadrení pocitov postáv sa nachádzajú v operách G. Pucciniho, B. Bartoka, F. Poulenca, I. F. Stravinského, S. S. Prokofieva Transparentnosť orchestrálnej palety označuje 3 symfonické skice „More“ (1905) - najväčšie D. symfonické dielo. Skladateľ obohatil hudobno-výrazové prostriedky, orchestrálnu a klavírnu paletu. Vytvoril impresionistickú melódiu, ktorá sa vyznačuje pružnosťou nuáns a zároveň neurčitosťou.

V niektorých dielach – „Bergamská suita“ pre klavír (1890), hudba k mystériu G. D. Annunzia „Mučeníctvo sv. Sebastiána“ (1911), balet „Hry“ (1912) atď. – sa objavujú prvky, ktoré sú neskôr vlastné neoklasicizmu, demonštrujú Debussyho ďalšie hľadania v oblasti timbrových farieb a koloristických komparácií D. vytvoril nový klavírny štýl (etudy, prelúdiá) pre klavír (1. zošit - 1910, 2. - 1913), vybavený básnickými názvami (“) ““, „Vočerné zvuky a vône sa trasú vo večernom vzduchu“, „Dievča s ľanovými vlasmi“ atď.), vytvárajú obrazy mäkkých, niekedy neskutočných krajín, napodobňujú plasticitu tanečných pohybov, vyvolávajú poetické vízie, žánrové obrazy Debussyho, jeden jeden z najväčších majstrov 20. storočia, mal výrazný vplyv na skladateľov v mnohých krajinách.

©2015-2019 stránka
Všetky práva patria ich autorom. Táto stránka si nenárokuje autorstvo, ale poskytuje bezplatné používanie.
Dátum vytvorenia stránky: 20.08.2016

impresionizmus(francúzština) impresionizmus, od dojem - dojem), smer v umení poslednej tretiny 19. – začiatku 20. storočia.

Aplikácia termínu " impresionizmus„hudbe je do značnej miery podmienená – hudobný impresionizmus nie je priamou obdobou impresionizmu v maliarstve a ani sa s ním chronologicky nezhoduje (jeho rozkvet boli 90. roky 19. storočia a 1. desaťročie 20. storočia).

Impresionizmus vznikol vo Francúzsku, keď skupina umelcov - C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas, O. Renoir a ďalší - prezentovala svoje originálne obrazy na parížskych výstavách v 70. rokoch. Ich umenie sa výrazne líšilo od vyhladených a beztvarých diel vtedajších akademických maliarov: impresionisti nechali steny svojich dielní na voľnom vzduchu, naučili sa reprodukovať hru živých farieb prírody, trblietanie slnečných lúčov. , pestrofarebné odlesky na pohyblivej hladine rieky, rozmanitosť sviatočného davu. Maliari použili špeciálnu techniku ​​plynulých bodových ťahov, ktoré z blízka pôsobili chaoticky, no z diaľky dávali vzniknúť skutočnému pocitu živej hry farieb, fantazijných zábleskov svetla. Sviežosť okamžitého dojmu sa v ich obrazoch spájala s jemnosťou a rafinovanosťou psychologických nálad.

Neskôr, v 80-90-tych rokoch, myšlienky impresionizmu a čiastočne aj jeho tvorivé techniky našli svoje vyjadrenie vo francúzskej hudbe. Hnutie impresionizmu v hudbe najvýraznejšie reprezentujú dvaja skladatelia – C. Debussy a M. Ravel. Ich klavírne a orchestrálne skice vyjadrujú s osobitnou harmonickou a modálnou novotou vnemy spôsobené kontempláciou prírody. Zvuk morského príboja, žblnkot potoka, šumenie lesa, ranný štebot vtákov splývajú v ich dielach s hlboko osobnými zážitkami hudobníka-básnika zamilovaného do krásy okolitého sveta. Obaja milovali ľudovú hudbu – francúzsku, španielsku, orientálnu a obdivovali jej jedinečnú krásu.

Hlavnou vecou v hudobnom impresionizme je prenos nálad, ktoré nadobúdajú význam symbolov, jemné psychologické nuansy a sklon k poetickému programovaniu krajiny. Charakterizuje ho aj vycibrená fantázia, poetizácia antiky, exotika, záujem o timbre a harmonickú krásu. S hlavnou líniou impresionizmu v maľbe má spoločné nadšenie k životu; vyhýba sa v ňom momentom akútnych konfliktov a spoločenských rozporov.

Klasický výraz" hudobný impresionizmus" nájdené v dielach C. Debussyho; jeho črty sa objavili aj v hudbe M. Ravela, P. Dukasa, F. Schmitta, J. J. Rogera-Ducasa a ďalších francúzskych skladateľov.

Debussy je právom považovaný za zakladateľa hudobného impresionizmu, ktorý obohatil všetky aspekty modernej kompozičnej zručnosti – melódiu, harmóniu, orchestráciu, formu. Jeho novátorské experimenty boli čiastočne inšpirované vynikajúcimi objavmi ruských realistických skladateľov, predovšetkým M. P. Musorgského. Zároveň si osvojil myšlienky nového francúzskeho maliarstva a symbolistickej poézie. Debussy napísal mnoho klavírnych a vokálnych miniatúr, niekoľko skladieb pre komorné súbory, tri balety a lyrickú operu Pelléas et Melisande.

Hudobný impresionizmus zdedil mnohé črty umenia neskorého romantizmu a národných hudobných škôl 19. storočia. („Mocná hŕstka“, F. Liszt, E. Grieg atď.). Čistý reliéf kontúr, extrémnu vecnosť a presýtenosť hudobnej palety neskorých romantikov impresionisti zároveň postavili do kontrastu s umením zdržanlivých emócií a transparentnou, skromnou textúrou a plynulou premenlivosťou obrazov.

Dielo impresionistických skladateľov veľmi obohatilo výrazové prostriedky hudby, najmä sféru harmónie, ktorá dosahovala veľkú krásu a sofistikovanosť; spája sa v ňom komplikácia akordických komplexov so zjednodušením a archaizáciou modálneho myslenia; Orchestrácii dominujú čisté farby, vrtošivé odlesky a rytmy sú nestále a prchavé. Do popredia sa dostáva farebnosť modálnych harmonických a timbrálnych prostriedkov: umocňuje sa expresívny význam každého zvuku a akordu a odkrývajú sa dovtedy nepoznané možnosti rozšírenia modálnej sféry. Hudbe impresionistov dodalo zvláštnu sviežosť ich časté používanie piesňových a tanečných žánrov, prvkov hudobného jazyka národov Východu, Španielska a raných foriem černošského jazzu.

Inšpirované obrazy prírody sú v jeho orchestrálnych skladbách sprostredkúvané s úžasnou, takmer viditeľnou konkrétnosťou: „Prelúdiá k faunskému popoludniu“, v cykle „Nokturná“ („Oblaky“, „Slávnosti“ a „Sirény“), tri skice „ More“, cyklus „Iberia“ (tri náčrty prírody a života južného Španielska), ako aj v klavírnych miniatúrach „Ostrov radosti“, „Moonlight“, „Gardens in the Rain“ atď. Mauricea Ravela (1875-1937) odzrkadľuje neskoršiu éru Kresba jeho skladieb je ostrejšia, ostrejšia, farebnosť jasnejšia a kontrastnejšia – od tragického pátosu až po žieravú iróniu, no v jeho kompozičnom štýle je aj prepracovaný zvukový dizajn , komplexnej a pestrej hre farieb, ktorá je typická pre hudobný impresionizmus, dominuje rozmarná iridizácia inšpirovaná živou prírodou (“Hra vody”, “Smutné vtáky”, “Loď v oceáne”). Vo svojom živote skladateľ rozvíjal motívy svojho milovaného Španielska. Takto vznikla „Španielska rapsódia“ pre orchester, komická opera „Španielska hodinka“.

Ravel venoval veľkú pozornosť žánrom tanečnej hudby. Spomedzi viacerých jeho baletov vyniká rozprávkový balet Dafnis a Chloe, ktorý vytvoril v spolupráci s ruským súborom S. P. Diaghileva. Ravel dobre poznal tajomstvá hudobného humoru a hudbu pre deti písal s láskou. Takými sú jeho skladby pre klavír „Matka hus“ prerobená do baletu alebo opera „Dieťa a mágia“, v ktorej sa ako postavy zábavne objavujú Hodiny a gauč, Šálka ​​a Čajník. V posledných rokoch svojho života sa Ravel priklonil k modernejším, rytmicky vyhroteným hudobným prostriedkom, najmä k intonáciám jazzu (sonáta pre husle a klavír, dva klavírne koncerty).

Tradície impresionizmu, ktoré začali francúzski majstri, pokračovali v dielach skladateľov rôznych národných škôl. Pôvodne ich vyvinuli M. de Falla v Španielsku, A. Casella a O. Respigi v Taliansku, S. Scott a F. Dilius v Anglicku, K. Szymanowski v Poľsku. Vplyv impresionizmu sa prejavil začiatkom 20. storočia. a niektorí ruskí skladatelia (N. N. Čerepnin, V. I. Rebikov, S. N. Vasilenko). A. N. Skrjabin spájal samostatne sformované črty impresionizmu s ohnivou extázou a násilnými impulzmi vôle. Jedinečne realizované výdobytky francúzskeho impresionizmu sú badateľné v raných dielach I. F. Stravinského (balety „Vták Ohnivák“, „Petruška“, opera „Slávik“).

Hudobný impresionizmus sa vyvinul na základe maliarskeho hnutia impresionizmu. Claude Debussy a Maurice Ravel sú tradične považovaní za predstaviteľov impresionizmu v hudbe.

V hudbe impresionistických skladateľov bolo hlavnou vecou prenos nálad, ktoré nadobudli význam symbolov, zaznamenávanie jemných psychologických stavov spôsobených kontempláciou vonkajšieho sveta. Hudobný impresionizmus bol blízky aj umeniu symbolistických básnikov s jeho kultom „nevyjadreného“.

Predchodcom hudobného impresionizmu bol neskorý romantizmus 19. storočia. Mnohé hudobné objavy romantických skladateľov sa odrazili v hudbe impresionistov.

Romantickí skladatelia zvýšili záujem o poetizáciu staroveku a vzdialených krajín, o timbre a harmonickú krásu, o vzkriesenie archaických modálnych systémov, o miniatúrny žáner, o koloristické objavy E. Griega, N. A. Rimského-Korsakova, o slobodu hlasu a spontánnu improvizáciu. M. P. Musorgského.

Jeden z kritikov napísal: „Pri počúvaní impresionistických skladateľov sa väčšinou točíte v kruhu hmlistých, dúhových zvukov, nežných a krehkých do tej miery, že hudba sa zrazu dematerializuje... len vo vašej duši na dlhý čas zanecháva ozveny a ozveny. odrazy rozkošných éterických vízií.“ .

I. V. Nestyev vo svojom článku „Impresionizmus“ píše: „Hudobný impresionizmus prispel k rozvoju mnohých hudobných žánrov, ktoré nahradili romantizmus. V symfonickej hudbe sú to symfonické náčrty, v klavírnej hudbe - komprimované programové miniatúry, vo vokálnej hudbe - vokálne miniatúry. V opere to viedlo k vytvoreniu hudobných drám pololegendárneho obsahu s očarujúcou delikátnosťou zvukovej atmosféry, šetrnou a prirodzenou vokálnou deklamáciou.“

Hudobné objavy a improvizácia v hudbe impresionistických skladateľov otvorili cestu novým hudobným výrazovým prostriedkom. Nezvyčajný charakter harmónie, použitie paralelizmov a kombinácia zložitých akordických komplexov oslabili jasnosť funkčného spojenia. To všetko umožnilo impresionistom nasýtiť svoje diela nezvyčajnými farbami a harmóniami.

Prvá zmienka o impresionizme vo vzťahu k hudbe Debussyho sa objavila na jar roku 1887 a tento výraz sa používal skôr v negatívnom kontexte. Išlo o suitu „Jar“ v dvoch častiach pre ženský zbor a orchester. Žiaľ, partitúra tohto diela sa dodnes nezachovala v pôvodnej podobe, no je známe, že jej prevedenie nadchlo kultúrnu obec.

Kritik vo svojej Správe stáleho tajomníka Akadémie výtvarných umení o Debussym píše: „Možno povedať, že má zmysel pre hudobnú farebnosť, ale prebytok tohto citu ho ľahko zabudne na dôležitosť presnosti dizajn a forma. Mal by sa veľmi vyhýbať tomuto nejasnému impresionizmu – jednému z najnebezpečnejších nepriateľov pravdy v umeleckých dielach.“

Porovnanie skladateľovej hudby s obrazovým hnutím viedlo kritikov k analýze hudobných inovácií v jeho tvorbe. Ďalší kritik, Camille Mauclair, vo svojom článku „Musical Painting and the Fusion of the Arts“ v novinách Revue Blue v roku 1902 nazval Debussyho hudbu „impresionizmom zvukových škvŕn“.

Pojem „impresionizmus“ používali hudobní kritici koncom 19. storočia. v odsudzujúcom či ironickom zmysle sa neskôr stala všeobecne uznávanou definíciou a začala pokrývať široké spektrum hudobných fenoménov na prelome 19. - 20. storočia. vo Francúzsku aj v iných európskych krajinách.

Pozrime sa bližšie na inovatívne hudobné objavy impresionistických skladateľov Clauda Debussyho a Mauricea Ravela.

Claude-Achille Debussy (1862-1918)

Grigorij Michajlovič Schneerson vo svojej knihe „Francúzska hudba 20. storočia“ nazýva Debussyho „francúzskym umelcom až do jadra“. Píše, že žiadne cudzie vplyvy nedokázali zmeniť národný tvorivý obraz Debussyho – tento skladateľ priviedol francúzsku hudbu na jedno z popredných miest svetovej hudobnej kultúry.

Od roku 1872, počas štúdia na parížskom konzervatóriu, Debussy vynikal vo svojej triede ako zrelý umelecký jedinec. Jeho klavírnu triedu vyučoval slávny klavirista a učiteľ Antoine Marmontel a solfeggio študoval u Alberta Lavignaca. Najviac sa mladému skladateľovi nepáčili jeho hodiny harmónie a sprievodu s Emilom Durandom. Učiteľ vychovával mladého muža v súlade s klasickými pravidlami harmónie a nedokázal ovládať umelecké impulzy svojho študenta. Ďalší učiteľ O. Basil povzbudil u budúceho skladateľa slobodu improvizácie. Debussyho kompozíciu vyučoval Ernest Guiraud od roku 1880 a práve vtedy začali vznikať skladateľove prvé diela.

O niečo skôr, na cestách po Švajčiarsku a Taliansku, sa Debussy stretol s bohatou ruskou filantropkou Nadeždou Filaretovnou von Meck, ktorá ho zoznámila s dielom Piotra Iľjiča Čajkovského.

Pani von Meck vo svojich listoch Petrovi Iľjičovi napísala o Debussym takto: „Je to Parížan od hlavy po päty, typický gamin (pouličný ježko), veľmi vtipný, výborný imitátor, veľmi vtipný a úplne charakteristický pre Gounoda Ambroisea. Thomas a iní, vždy v duchu, vždy a so všetkým sa teší a nepredstaviteľne rozosmieva celé publikum; veľmi pekná postava."

Treba poznamenať, že v roku 1883 dostal Debussy druhú rímsku cenu za kantátu Gladiátor. O rok neskôr Francúzska akadémia udelila skladateľovi Grand Prix de Rome za kantátu „Márnotratný syn“.

Od roku 1885 začal Debussy hľadať svoj pôvodný hudobný jazyk. Potom sa postavil do opozície voči klasickým tradíciám harmónie. V tejto dobe umenie Francúzska so všetkou rozmanitosťou umeleckých hnutí zažilo stagnáciu akademizmu a úctyhodného konzervativizmu. To privítali oficiálne inštitúcie – Vysoká škola výtvarných umení, každoročné výstavy a salóny, či konzervatórium.

Mladá generácia umelcov, spisovateľov a hudobníkov konca 19. storočia spochybnila všeobecne uznávané normy v umení a otvorila vo svojej tvorbe nové estetické obzory. V tejto oblasti vzniklo hnutie symbolizmu vo francúzskej literatúre a impresionizmu v maľbe.

Debussyho štýl sa v rokoch 1884 až 1889 postupne rozvíjal. Skladateľ vytvoril úplne nový klavírny jazyk. Jeho súčasníci poznamenali, že klavirista Debussy bol veľmi pozorný k nuansám svojich diel a prikladal osobitnú dôležitosť pedálom, ktoré vytvorili osobitnú farbu a účinnosť jeho diel. Tu je niekoľko vyjadrení muzikológov: „Debussy urobil pre klavírnu literatúru 20. storočia to, čo Chopin pre 19. storočie. Objavil nový zvuk pre klavír, spôsobil revolúciu v klaviristickej technike a rozšíril technické možnosti nástroja.“

Pri komponovaní svojich diel mohol skladateľ pri nástroji veľmi dlho improvizovať a jeho skladateľské hľadanie možno nazvať „riadenou improvizáciou“. Tento termín zaviedol do hudobného používania J. Barraquet.

Učiteľ R. Gaudet poznamenal: „Debussy začal nahrávať hudbu, aspoň najčastejšie, keď uplynula dlhá inkubačná doba. Potom písal ako z diktátu a takmer bez chýb.“

V roku 1889 Debussy podľahol novým trendom v umení, namiereným proti akademizmu, a zmenil svoj spoločenský okruh. Teraz sa skladateľ zaujímal o ideológiu symbolizmu v literatúre a impresionizmu v maľbe. Stretol sa s básnikmi S. Mallarmé, P. Verlaine, P. Rainier a umelcami: C. Monet, O. Renoir, P. Cezanne, E. Manet. Dá sa povedať, že Debussy dokázal zovšeobecniť a vyjadriť všetky myšlienky symbolizmu a impresionizmu v hudbe.

Skladateľ zároveň navštívil svetovú výstavu v Paríži, kde si vypočul ruskú hudbu A. P. Borodina, N. A. Rimského-Korsakova, M. A. Balakireva a M. P. Musorgského.

Ďalšou významnou udalosťou v živote skladateľa bolo jeho zoznámenie sa s kultúrou východu. Debussy bol jedným z prvých, ktorí sa vo svojej tvorbe venovali téme východu. Debussy, ktorý na ňu urobil silný dojem, napísal sériu „Prints“. Hra „Pagody“ zaradená do cyklu je živým odrazom východnej kultúry.

Inšpiračným zdrojom skladateľa boli po celý život kultúrne podujatia nielen vo Francúzsku, ale na celom svete. Je potrebné poznamenať, že vzájomné ovplyvňovanie francúzskej a ruskej hudobnej kultúry bolo do značnej miery dosiahnuté prostredníctvom „Ruských sezón“, ktoré organizoval Sergej Diaghilev.

Výsledky Debussyho hudobných rešerší dali silný impulz vývoju nových hudobných štýlov. Hlavným zásadným rozdielom medzi Debussyho hudobným jazykom bola sloboda prejavu a nezávislosť od klasických foriem hudobných diel.

V Debussyho klavírnej tvorbe vidieť vplyvy romantizmu, ale aj francúzskeho čembala. Takmer všetky Debussyho diela podliehajú princípu „riadenej improvizácie“.

Pri nahrávaní svojich klavírnych diel je prvým skladateľom, ktorý použil tretiu líniu v spoločnom vyznamenaní namiesto tradičných dvoch. Toto je jeden zo spôsobov, ako sprostredkovať zhodu vizuálneho obrazu so sluchovým. Tretí riadok bol prvýkrát použitý v hre „Večer na Grenade“ a hre „Zo skicára“.

Inováciu klavírnej tvorby Clauda Debussyho určuje rozšírenie klavírnych možností nástroja a nová topografia hudobného textu.

Maurice Joseph Ravel (1875 - 1937)

Ravel bol skladateľ, ktorého tvorba spájala dve kultúry – Španielsko a Francúzsko. Jeho otec bol Francúz a matka Španielka. Ravel žil v Paríži celý svoj dospelý život.

V roku 1889 vstúpil Ravel na parížske konzervatórium. Jeho učiteľmi boli: v triede klavíra - Pessard, v triede kontrapunktu - Zhedal, v triede kompozície vynikajúci učiteľ Francúzska Gabriel Fauré. Počas rokov štúdia sa mladý skladateľ od svojich súdruhov odlišoval originalitou svojho kompozičného myslenia. Fascinovala ho moderna a tvorba symbolistických básnikov ako S. Mallarmé, Vellier de L'Isle Adam a i. Prvé kroky v oblasti kompozície neboli pre Ravela ľahké.

Jeho debut sa uskutočnil v roku 1898 skladbou „Habanera“ pre dva klavíry. Ravel neskôr zaradil „Habanera“ ako jedno z hnutí do svojej „Rhapsody Spanish“. Kritika však nového skladateľa privítala nevľúdne. Neúspechy na súťaži na Akadémii umení v rokoch 1901 až 1905 nepriniesli uznanie Ravelovho kompozičného talentu kultúrnou obcou.

Po absolvovaní konzervatória sa Ravel pripojil k skupine talentovaných mladých spisovateľov, hudobníkov a umelcov, kde si našiel verných kamarátov a priateľov. Hlavnou myšlienkou v tejto skupine bol boj proti rutine, za tvorbu nového umenia. Do tejto skupiny s ironickým názvom „Apaches“ patril vynikajúci klavirista Ricardo Viñes, hudobní kritici Emil Villermoz a Michail Calvocoressi, básnik Leon Paul Fargue a Tristan Klingsor atď. Mladí ľudia si nenechali ujsť viac ako jeden hudobný koncert, vyjadrili svoj obdiv Debussyho hudbu a zapojil sa do bojov s hudobnými konzervatívcami.

Ruskú hudbu Apači prijali s nadšením a nadšením. Tristan Klingsor píše: „Rusi nás všetkých fascinovali. Borodin, Musorgskij, Rimskij nás potešili...“

Ravelove rané diela „Pavane for the Death of the Infanta“, hra „Hra vody“ a vokálny cyklus „Šeherezáda“ získali uznanie od jeho súčasníkov. Hra „Hra vody“ bola vzatá ako príklad diel hudobného impresionizmu. Francúzska kritika sa prikláňala k názoru, že Ravel je pokračovateľom Debussyho myšlienok. Ravel zápasil s neustálym porovnávaním svojej hudby s hudbou Debussyho a musel obhajovať svoje autorské objavy.

V rokoch 1905 až 1915 napísal Ravel Sonatínu a cyklus skladieb pre klavír „Reflections“, vokálnu suitu „Natural Historys“, „Rhapsody Spanish“ pre orchester, operu „The Spanish Hour“, balet „Daphnis a Chloe“ , atď. V roku 1908 bola „Španielska rapsódia“ vrelo prijatá verejnosťou a tlačou. Po tejto premiére v Paríži sa Ravel dočkal uznania v širokých hudobných kruhoch.

Ravel aktívne spolupracoval s Russian Seasons. Na žiadosť Sergeja Diaghileva napísal skladateľ balet Dafnis a Chloe. Oproti očakávaniam sa 8. júna 1912 premiéra baletu uskutočnila s veľkým triumfom a bola sprevádzaná skladateľovou oslavou. Francúzska tlač, obdivujúca balet, písala o nemožnosti hrať túto hudbu mimo javiska. Jeden z kritikov napísal: „Bez tanca, bez hercov, bez svetla, bez scenérie sa Dafnis bude zdať neznesiteľne dlhý...“.

Našťastie sa názor mnohých kritikov ukázal ako nesprávny. Niektoré skladby z tohto baletu sú dodnes uvádzané samostatne v symfonických orchestroch a sú zaradené do ich stáleho repertoáru.

V roku 1913 Ravel nasledoval štýlové trendy západoeurópskej hudby. Jeho hudba ukazuje zjednodušenie hudobnej textúry, predovšetkým sa to týka oblasti komornej hudby. Ravel sa po celý život neodkláňal od klasických foriem v hudbe, jeho diela sa vyznačujú ťahavými melódiami, dodržiavaním čistoty rytmu a metra.

Ravelov hudobný jazyk odhaľuje svetu akýsi „neoklasicizmus“. Počas vojnových rokov Ravel opustil myšlienky impresionizmu, jeho tvorba sa dotýkala spoločenských problémov a každodenných tém a jeho hudba bola plná filozofických úvah.

Najznámejším Ravelovým dielom je Bolero. Predstavenie pôvodne skladateľ koncipoval, no jeho premiéra bola neúspešná. Verejnosť neprijala nové dielo skladateľa, ale hudobná téma „Bolero“ sa ľahko chytila.

Ravel bol jedným z prvých skladateľov, ktorí prijali ponuku napísať hudbu k filmu – Don Quijote. Skladateľ napísal tri piesne pre ruského basgitaristu Fjodora Chaliapina, tieto piesne tvoria malý cyklus, ktorý nazval „Don Quijote do Dulcinea“.

A. A. Alshvang poznamenáva, že Ravelova práca prispela k definovaniu hlavných trendov v západoeurópskej hudobnej kultúre. Hlavným znakom Ravelovej tvorby bolo objavovanie rôznych harmonických hudobných riešení, používanie zložitejších harmónií a časté používanie oneskorených akordov, čím sa aktualizoval tradične zaužívaný harmonický systém.

Ravelovo umenie presiaknuté humanizmom je presiaknuté národnou francúzskou príchuťou. Sergej Sergejevič Prokofiev správne identifikoval Ravelovo miesto v dejinách svetovej hudby. Napísal: „V istom čase, po vojne, sa vo Francúzsku objavila skupina mladých hudobníkov: Honegger, Milhaud, Poulenc a ďalší, ktorí v zápale mladíckeho nadšenia tvrdili, že Ravelova hudba prežila svoju dobu – prišli noví ľudia , prišiel nový hudobný jazyk. Ale ako roky plynuli, spomínaná skupina zaujala svoje právoplatné miesto vo francúzskej hudbe a Ravel stále zostáva jedným z najväčších francúzskych skladateľov a jedným z najvýznamnejších hudobníkov našej doby."

(francúzsky impressionnisme, od impression - impresia) - umelecké hnutie, ktoré vzniklo v 70. rokoch. XIX storočia vo francúzskej maľbe a potom sa prejavil v hudbe, literatúre, divadle. Vynikajúci impresionistickí maliari (C. Monet, C. Pizarro, A. Sisley, E. Degas, O. Renoir a i.) obohatili techniku ​​zobrazenia živej prírody v celom jej zmyselnom pôvabe. Podstata ich umenia je v najjemnejšom zázname prchavých dojmov, v osobitom spôsobe reprodukcie svetelného prostredia pomocou komplexnej mozaiky čistých farieb a zbežných dekoratívnych ťahov. Hudobný impresionizmus sa objavil koncom 80. a začiatkom 90. rokov. Klasický výraz našiel v dielach C. Debussyho.

Použitie termínu „impresionizmus“ na hudbu je do značnej miery podmienené: hudobný impresionizmus nie je úplne analogický s rovnomenným hnutím v maľbe. Hlavnou vecou v hudbe impresionistických skladateľov je prenos nálad, ktoré nadobúdajú význam symbolov, zaznamenávanie jemných psychologických stavov spôsobených kontempláciou vonkajšieho sveta. Tým sa hudobný impresionizmus približuje k umeniu symbolistických básnikov, ktoré charakterizuje kult „nevýslovného“. Pojem „impresionizmus“ používali hudobní kritici koncom 19. storočia. v odsudzujúcom či ironickom zmysle sa neskôr stala všeobecne uznávanou definíciou, pokrývajúcou široké spektrum hudobných fenoménov na prelome 19. a 20. storočia. vo Francúzsku aj v iných európskych krajinách.

Impresionistické črty hudby C. Debussyho, M. Ravela, P. Dukasa, F. Schmita, J. Rogera-Ducasa a ďalších francúzskych skladateľov sa prejavujú v ich príťažlivosti k poeticky inšpirovaným krajinám ("Faunovo popoludnie", " Nocturnes, "Sea" Debussy, "The Water of Water", "Reflections", "Daphnis and Chloe" od Ravela atď.). Blízkosť k prírode, jemné vnemy vyplývajúce z vnímania krásy mora, neba, lesa dokážu podľa Debussyho rozprúdiť skladateľovu fantáziu, uviesť do života nové zvukové techniky, oslobodené od akademických konvencií. Ďalšou sférou hudobného impresionizmu je rafinovaná fantázia, generovaná antickou mytológiou či stredovekými legendami, exotickým svetom národov Východu. Impresionistickí skladatelia často kombinovali novosť umeleckých prostriedkov s realizáciou vynikajúcich obrazov starovekého umenia (rokoková maľba, hudba francúzskych čembalistov).

Hudobný impresionizmus zdedil niektoré črty neskorého romantizmu a národných škôl 19. storočia: záujem o poetizáciu antiky a vzdialených krajín, timbrovú a harmonickú krásu a vzkriesenie archaických modálnych systémov. Poetický miniaturizmus F. Chopina a R. Schumanna, zvukomaľba zosnulého F. Liszta, koloristické objavy E. Griega, N. A. Rimského-Korsakova, sloboda hlasu a spontánna improvizácia M. P. Musorgského našli originálne pokračovanie v r. diela Debussyho a Ravela. Títo francúzski majstri, ktorí talentovane zhrnuli úspechy svojich predchodcov, sa zároveň ostro búrili proti akademizácii romantických tradícií; Postavili do protikladu patetické zveličenie a zvukovú presýtenosť hudobných drám R. Wagnera s umením zdržanlivých emócií a priehľadnej, úbohej textúry. Odzrkadľovalo to aj túžbu oživiť špecificky francúzsku tradíciu jasnosti a hospodárnosti výrazových prostriedkov, stavajúc ich do kontrastu s ťažkosťou a premyslenosťou nemeckého romantizmu.

V mnohých príkladoch hudobného impresionizmu sa objavuje nadšený a hedonistický postoj k životu, čím sa podobajú na obrazy impresionistov. Umenie je pre nich sférou potešenia, obdivujúc krásu farieb, iskru svetla, pokojné tóny. Zároveň sa vyhýba akútnym konfliktom a hlbokým sociálnym rozporom.

Na rozdiel od jasného reliéfu a čisto materiálovej palety Wagnera a jeho nasledovníkov sa hudba impresionistov často vyznačuje jemnosťou, nežnosťou a plynulou premenlivosťou zvukových obrazov. „Pri počúvaní impresionistických skladateľov sa väčšinou točíte v kruhu hmlistých dúhových zvukov, nežných a krehkých až do tej miery, že hudba sa zrazu dematerializuje... len vo vašej duši zanecháva na dlhý čas ozveny a odrazy opojných éterických vízií“ ( V.G. Karatygin).

Estetika impresionizmu ovplyvnila všetky hlavné hudobné žánre: namiesto rozvinutých viacvetových symfónií sa začali pestovať symfonické skice spájajúce akvarelovú jemnosť zvukomaľby so symbolistickou tajomnosťou nálad; v klavírnej hudbe - rovnako komprimované programové miniatúry založené na špeciálnej technike zvukovej „rezonancie“ a krajinomaľbe; Romantickú pieseň vystriedala vokálna miniatúra s prevahou zdržanlivého prednesu, kombinovaná s farebnou obraznosťou inštrumentálneho podkladu. V budove opery impresionizmus viedol k tvorbe hudobných drám pololegendárneho obsahu, ktoré sa vyznačujú očarujúcou jemnosťou zvukovej atmosféry, striedmosťou a prirodzenosťou vokálnej deklamácie. S istým prehĺbením psychologickej expresivity sa v nich prejavila statická povaha drámy („Pelléas a Mélisande“ od Debussyho).

Dielo impresionistických skladateľov výrazne obohatilo paletu hudobných a výrazových prostriedkov. Týka sa to predovšetkým sféry harmónie s jej technikou paralelizmu a rozmarným navliekaním nevyriešených farebných konsonancií-škvŕn. Impresionisti výrazne rozšírili moderný tonálny systém, čím otvorili cestu mnohým harmonickým inováciám 20. storočia. (aj keď citeľne oslabili prehľadnosť funkčných súvislostí). Komplikácia a nafúknutie akordických komplexov (neakordy, nedecimované akordy, pozmenené a kvartové harmónie) sa spája so zjednodušovaním, archaizáciou modálneho myslenia (prirodzené mody, pentatonické, celotónové komplexy). V orchestrácii impresionistických skladateľov dominujú čisté farby a vrtošivé odlesky; Často sa používajú drevené dychové sóla, harfové pasáže, zložité sláčikové divisi a con sordino efekty. Typické sú aj čisto dekoratívne, rovnomerne splývavé ostinátové pozadia. Rytmus je niekedy nestály a nepolapiteľný. Melodika sa nevyznačuje oblými konštrukciami, ale krátkymi výrazmi. frázy-symboly, vrstvy motívov. Zároveň sa v hudbe impresionistov nezvyčajne zvýšil význam každého zvuku, farby a akordu a odhalili sa neobmedzené možnosti rozšírenia stupnice. Mimoriadnu sviežosť dodalo hudbe impresionistov časté používanie piesňových a tanečných žánrov, jemná implementácia modálnych a rytmických prvkov vypožičaných z folklóru národov východu, Španielska a v raných formách čierneho jazzu.

Na začiatku 20. stor. hudobný impresionizmus sa rozšíril za hranice Francúzska, pričom medzi rôznymi národmi nadobudol špecifické národné črty. V Španielsku M. de Falla, v Taliansku O. Respighi, mladý A. Casella a J. F. Malipiero pôvodne rozvíjali tvorivé myšlienky francúzskych impresionistických skladateľov. Anglický hudobný impresionizmus je jedinečný svojím „severským“ krajinárskym štýlom (F. Dilius) či pikantnou exotikou (S. Scott). V Poľsku hudobný impresionizmus reprezentoval K. Szymanowski (do roku 1920) svojimi ultrarafinovanými obrazmi antiky a i. východ. Vplyv francúzskeho impresionizmu zažil na začiatku 20. storočia. a niektorí ruskí skladatelia (N. N. Čerepnin, V. I. Rebikov, S. N. Vasilenko v prvých rokoch jeho tvorby). A. N. Skrjabin spájal samostatne sformované črty impresionizmu s ohnivou extázou a násilnými impulzmi vôle. Prelínanie tradícií hudby N. A. Rimského-Korsakova s ​​pôvodnými vplyvmi francúzskeho impresionizmu je badateľné v raných partitúrach I. F. Stravinského („Vták Ohnivák“, „Petruška“, opera „Slávik“). Zároveň sa Stravinskij a S.S. Prokofiev spolu s B. Bartokom ukázali ako zakladatelia nového, „antiimpresionistického“ trendu v európskej hudbe v predvečer prvej svetovej vojny.

I. V. Nestyev

francúzsky hudobný impresionizmus

Dielo dvoch významných francúzskych skladateľov Debussyho a Ravela je najvýznamnejším fenoménom francúzskej hudby na prelome 19. a 20. storočia, jasným výbuchom hlboko humánneho a poetického umenia v jednom z najťažších a najkontroverznejších období vo vývoji francúzska kultúra.

Umelecký život Francúzska v poslednej štvrtine 19. storočia sa vyznačoval úžasnou rozmanitosťou a kontrastmi. Na jednej strane objavenie sa brilantnej „Carmen“ - vrchol realizmu vo francúzskej opere, celý rad hlboko koncepčných, umelecky významných symfonických a komorných diel Franka, Saint-Saensa, Faurého a Debussyho; na druhej strane etablovaná dominancia v hudobnom živote hlavného mesta Francúzska takých inštitúcií ako Parížske konzervatórium a Akadémia výtvarných umení s ich kultom mŕtvych „akademických“ tradícií.

Nemenej nápadným kontrastom je rozšírenie takých demokratických foriem hudobného života, akými sú masové spevácke spoločnosti, v najširších vrstvách francúzskej spoločnosti, sociálne vyhrotené duchovné aktivity parížskych šansoniérov a spolu s tým aj vznik mimoriadne subjektívneho trendu vo francúzštine. umenie - symbolizmus, ktorý zodpovedal predovšetkým záujmom estetickej elity buržoáznej spoločnosti s ich heslom „umenie pre elitu“.

V takejto ťažkej situácii sa zrodil jeden z najzaujímavejších, pulzujúcich pohybov vo francúzskom umení druhej polovice 19. storočia – impresionizmus, ktorý vznikol najskôr v maliarstve, potom v poézii a hudbe.

Vo výtvarnom umení tento nový smer spájal umelcov veľmi jedinečného a individuálneho talentu – E. Maneta, C. Moneta, O. Renoira, E. Degasa, C. Pissarra a ďalších. Bolo by nesprávne všetkých týchto umelcov bezpodmienečne klasifikovať ako impresionizmus, pretože každý z nich mal svoj obľúbený námet a originálny štýl maľby. Najprv ich však spájala nenávisť k oficiálnemu „akademickému“ umeniu, cudziemu životu moderného Francúzska, bez skutočnej ľudskosti a priameho vnímania prostredia.

„Akademici“ sa vyznačovali mimoriadnou záľubou v estetických normách antického umenia, v mytologických a biblických témach a impresionisti mali oveľa bližšie k témam a figuratívnej sfére tvorivosti takých umelcov predchádzajúcej éry ako Camille Corot a ďalší. najmä Gustave Courbet.

Hlavná vec, ktorú impresionisti po týchto umelcoch zdedili, bolo, že opustili ateliéry pod holým nebom a začali maľovať priamo zo života. To im otvorilo nové spôsoby, ako pochopiť a zobraziť svet okolo seba. K. Pissarro povedal: „Bez prírody nemôžete myslieť na maľovanie skutočne vážneho obrazu.“ Najcharakteristickejšou črtou ich tvorivej metódy bol prenos čo najpriamejších dojmov konkrétneho javu. To dalo niektorým kritikom dôvod buď ich klasifikovať ako módny naturalizmus s povrchným „fotografickým“ vnímaním sveta, alebo ich obviňovať z nahrádzania odrazu skutočných javov vlastnými čisto subjektívnymi vnemami. Ak výčitka subjektivizmu mala základ vo vzťahu k viacerým umelcom, potom obvinenie z naturalizmu nebolo opodstatnené, pretože väčšina z nich (Monet, Renoir, Degas, Van Gogh) mala celú sériu obrazov, hoci sa zdajú byť momentálnymi náčrtmi, akoby vytrhnutými „zo života“, sa v skutočnosti objavili ako výsledok dlhého hľadania a výberu charakteristického, typického a hlbokého zovšeobecnenia životných postrehov.

Väčšina impresionistov vždy zdôrazňovala dôležitosť výberu konkrétnej témy pre svoje obrazy. Najstarší z nich, Edouard Manet, povedal: „Farba je vec vkusu a citlivosti. Ale musíte mať čo povedať. Inak, dovidenia!.. Treba sa nadchnúť aj pre tému.“

Hlavnou témou ich tvorby bolo Francúzsko – jeho príroda, život a ľudia: rybárske dedinky a hlučné parížske uličky, most v Morete a slávna katedrála v Rouene, roľníci a baletky, práčovne a rybári.

Krajina bola skutočným zjavením v obrazoch impresionistických umelcov. Ich inovatívne túžby sa tu ukázali v celej ich rozmanitosti a bohatosti odtieňov a odtieňov. Na plátnach impresionistov sa objavili pravé živé farby prírody, zmysel pre vzdušnú priehľadnosť, najjemnejšia hra šerosvitu atď.

Nové námety a neustály veľký záujem o prírodu si od impresionistov vyžiadali osobitý obrazový jazyk, objavovanie štýlových vzorov maľby založených na jednote formy a farby. Dokázali zistiť, že farba na maľbe môže vzniknúť nie nevyhnutne zmiešaním farieb na palete, ale výsledkom „čistých“ tónov umiestnených v blízkosti, ktoré tvoria prirodzenejšiu optickú zmes; že tiene nie sú len dôsledkom slabého osvetlenia objektu, ale môžu samy osebe vyvolať novú farbu; táto farba, rovnako ako čiara, môže „oslepiť“ objekt, dať mu jasný, definovaný tvar atď.

Novosť námetu a najmä metóda impresionistických umelcov spôsobila ostro negatívny postoj oficiálnych umeleckých kruhov Paríža. Oficiálna tlač nazvala prvú výstavu impresionistov „útokom na dobrú umeleckú morálku“ a úctu k majstrom klasického francúzskeho umenia.

V atmosfére neustáleho zápasu medzi tradičnými a novými trendmi v maľbe a poézii sa formoval hudobný impresionizmus. Vznikla aj ako priama opozícia voči zastaraným, no húževnato držaným „akademickým“ tradíciám v hudobnom umení Francúzska na konci minulého storočia. Prvým a najvýraznejším predstaviteľom tohto trendu bol Claude Debussy. Skladateľ, ktorý do značnej miery pokračoval v tvorivých ašpiráciách Debussyho, no zároveň našiel svoju vlastnú originálnu a originálnu cestu vývoja, bol Maurice Ravel. Ich prvé tvorivé experimenty sa stretli s rovnakým nepriateľským postojom vedenia oficiálnych inštitúcií – parížskeho konzervatória, Akadémie výtvarných umení, ako obrazy impresionistických umelcov. Cestu v umení si museli preraziť sami, pretože nemali takmer žiadnych podobne zmýšľajúcich ľudí ani spolupracovníkov. Celá životná a tvorivá cesta Debussyho a Ravela je cestou bolestného hľadania a šťastného objavovania nových tém a zápletiek, odvážnych experimentov na poli hudobných žánrov a prostriedkov hudobného jazyka.

Napriek spoločnému pôvodu ich tvorby a umeleckého prostredia sú obaja umelci vo svojom tvorivom vzhľade hlboko individuálni. To sa prejavilo vo výbere určitých tém a predmetov každým z nich a v ich postoji k národnému folklóru a v povahe vývoja tvorivej cesty každého človeka a v mnohých dôležitých črtách štýlu.

Hudobný impresionizmus (podobne ako maľba) vyrástol z národných tradícií francúzskeho umenia. To sa u Debussyho a Ravela prejavilo v silnom, aj keď navonok nie vždy badateľnom spojení s francúzskym ľudovým umením (kde najživším príkladom pre nich mohlo byť hlboko národné dielo Wiese), v úzkej komunikácii so súčasnou literatúrou a maľbou ( ktorá bola vždy typická pre francúzsku hudbu rôznych historických období), vo výnimočnej úlohe programovej inštrumentálnej hudby v ich tvorbe a v osobitnom záujme o antickú kultúru. Najbližšími fenoménmi, ktoré priamo pripravovali hudobný impresionizmus, však stále zostáva moderná francúzska poézia (kde vtedy vystúpila do popredia postava básnika Paula Verlaina, ktorý bol duchom blízky impresionistom) a najmä obrazový impresionizmus. Ak vplyv poézie (hlavne symbolistickej) nachádzame najmä v raných dielach Debussyho a Ravela, potom sa vplyv obrazového impresionizmu na tvorbu Debussyho (a v menšej miere na Ravela) ukázal byť širší a plodnejší.

V dielach impresionistických umelcov a skladateľov sa nachádzajú príbuzné témy: pestré žánrové výjavy, portrétne náčrty, ale výnimočné miesto zaujíma krajina.

V umeleckej metóde obrazového a hudobného impresionizmu sú spoločné črty – túžba sprostredkovať prvý priamy dojem javu. Z toho pramení príťažlivosť impresionistov nie k monumentálnym, ale k miniatúrnym formám (v maľbe - nie k freske alebo veľkej kompozícii, ale k portrétu, skice; v hudbe - nie k symfónii, oratóriu, ale k romantike, klavíru resp. orchestrálna miniatúra s voľným prednesom improvizácie) (Tá je charakteristickejšia pre Debussyho ako pre Ravela. Vo svojej zrelej tvorbe Ravel prejavuje mimoriadny záujem o veľké inštrumentálne formy - sonátu, koncert, ale aj operu a balet.).

Predovšetkým obrazový impresionizmus ovplyvnil hudbu v oblasti výrazových prostriedkov. Rovnako ako v maľbe, aj v prípade Debussyho a Ravela boli rešerše zamerané na rozšírenie škály výrazových prostriedkov potrebných na stelesnenie nových obrazov a predovšetkým na maximálne obohatenie farebnej stránky hudby. Tieto vyhľadávania sa dotkli režimu a harmónie, melódie a metriky, textúry a inštrumentácie. Význam melódie ako hlavného výrazového prvku hudby je oslabený; zároveň úloha modálno-harmonického jazyka a orchestrálneho štýlu vzhľadom na ich schopnosti viac inklinujú k sprostredkovaniu obrazovo-figuratívnych a koloristických princípov.

Nové výrazové prostriedky impresionistických skladateľov so všetkou ich originalitou a špecifickosťou majú isté analógie s obrazovým jazykom impresionistických umelcov. Časté odvolávanie sa Debussyho a Ravela na starodávne ľudové mody (pentatonika, dorian, frygian, mixolydian a iné), ako aj celotónová stupnica v kombinácii s prirodzeným durovým a molovým, je podobné enormnému obohateniu farebnej palety impresionistickí umelci; zdĺhavé „balansovanie“ medzi dvoma vzdialenými tonalitami bez jasnej preferencie jednej z nich trochu pripomína jemnú hru šerosvitu na plátne; vzájomné postavenie niekoľkých tonických triád alebo ich inverzií vo vzdialených tóninách vyvoláva dojem podobný malým ťahom „čistých“ farieb umiestnených vedľa seba na plátne a tvoriacich nečakane novú kombináciu farieb atď.

Na tvorbu Debussyho a Ravela (ale aj impresionistických umelcov) zasiahla aj určitá obmedzenosť impresionistickej estetiky. Našlo výraz v zúžení okruhu námetov, výtvarnej a figuratívnej sféry ich tvorby (najmä v porovnaní s ich veľkým predchodcom Berliozom, hudbou Francúzskej revolúcie), v ľahostajnosti k hrdinsko-historickej a sociálnej téme. Naopak, jednoznačne sa uprednostňuje hudobná krajina, žánrová scéna, charakteristický portrét, menej často mýtus či rozprávka. Zároveň však Debussy a najmä Ravel v mnohých veľkých dielach prekonávajú obmedzenia impresionistickej estetiky a vytvárajú také psychologicky hlboké diela ako Druhý klavírny koncert a „Hrob Couperina“ (Ravel), grandiózne z hľadiska stupnica symfonického vývoja „Waltz“ a „Bolero“ (Ravel), pestrofarebné obrazy ľudového života, ako napríklad „Iberia“ a „Slávnosti“ (Debussy), „Rhapsody Spanish“ (Ravel).

Na rozdiel od početných pohybov modernistického umenia, ktoré naplno prekvitali na začiatku 20. storočia (expresionizmus, konštruktivizmus, urbanizmus a iné), tvorba dvoch francúzskych umelcov sa vyznačuje úplnou absenciou bolestivej sofistikovanosti, ktorá si vychutnáva hrozné a škaredé a nahradenie emocionálneho vnímania prostredia „konštrukciou“ hudby. Umenie Debussyho a Ravela, podobne ako obrazy impresionistických umelcov, ospevuje svet prirodzených ľudských zážitkov, niekedy hlboko dramatických, no častejšie sprostredkúva radostný pocit zo života. Je to skutočne optimistické.

Väčšina ich diel akoby pre poslucháčov znovuobjavovala nádherný poetický svet prírody, vymaľovaný jemnými, očarujúcimi a podmanivými farbami bohatej a originálnej zvukovej palety.

Historický význam odkazu Debussyho a Ravela výstižne a presne definoval Romain Rolland slovami: „Vždy som na Ravela pozeral ako na najväčšieho umelca francúzskej hudby spolu s Rameauom a Debussym – jedným z najväčších hudobníkov všetkých čias. .“

B. Ionín

Umelecké hnutie konca 19. a začiatku 20. storočia, založené na túžbe sprostredkovať prchavé dojmy, subjektívne vnemy a nálady umelca. Pôvodne vznikol vo francúzskom maliarstve, potom sa rozšíril do iných umení a krajín. V choreografii bola túžba zachytiť moment, charakteristická pre impresionizmus, založená na improvizácii a protikladná k vytvoreniu dokončeného umeleckého tvaru. V baletnom divadle založenom na zložitých tanečných technikách a rozvinutých tanečných formách by dôsledný impresionizmus znamenal jeho sebadeštrukciu, a preto si nezískal výraznejšiu obľubu. Impresionizmus sa prejavil najmä v tzv. voľný tanec. A. Duncan obhajoval myšlienku „oslobodenia tela“ a intuitívnej interpretácie hudby bez akejkoľvek. tanečné štandardy. Impresionizmus v tanci sa rozšíril aj v Nemecku. M. M. Fokin sa snažil priblížiť impresionizmus na baletnú scénu. Fokine, ktorý v predstaveniach obnovil scény z rôznych období (Pavilón Armida, Chopiniana, obe 1907; Egyptské noci, 1908 atď.), sa uchýlil k štylizácii. Neskôr sa štruktúra tanca v jeho dielach čoraz viac rozmazávala. Kompletné formy (pas de deux, adagio, variácia atď.) boli odmietnuté a dokonca parodované (napríklad v balete "Modrá brada"). Črty impresionizmu vo Fokineho diele sú zároveň len jednou z jeho stránok.

V budúcnosti bude veľký výkon čoraz viac nahrádzaný miniatúrnym. V snahe o verný prenos okamžitého dojmu sa však zredukovali námety a zanedbala sa scenáristická dramaturgia. Impresionizmus rýchlo vyčerpal svoje možnosti.

balet. Encyklopédia, SE, 1981

impresionizmus(francúzsky dojem) je umelecký smer, ktorý vznikol v 70. rokoch 19. storočia vo francúzskom maliarstve a následne sa prejavil v hudbe, literatúre a divadle. Podstata impresionizmu spočíva v najjemnejšom zaznamenávaní náhodných časopriestorových momentov reality, prchavých dojmov, poltónov.

Hudobný impresionizmus vznikol koncom 80. – začiatkom 90. rokov 19. storočia. Hlavná vec v impresionistickej hudbe je prenos nálad, ktoré nadobúdajú symbolický význam, zaznamenávanie jemných psychologických stavov spôsobených kontempláciou vonkajšieho sveta. Pojem „impresionizmus“, ktorý používali hudobní kritici konca 19. storočia v nesúhlasnom alebo ironickom zmysle, sa neskôr stal všeobecne akceptovanou definíciou, ktorá pokrýva širokú škálu hudobných fenoménov konca 19. a začiatku 20. storočia.

Impresionistické črty hudby francúzskych skladateľov sa prejavujú v ich láske k poetickým krajinám („Obrazy“, „Nokturná“, „More“ od C. Debussyho, „Hra vody“ od M. Ravela atď.) a mytologické námety („Faunovo popoludnie“ od C. Debussyho), ktoré skladatelia sprostredkúvajú s mimoriadnou jemnosťou v detailoch postáv.

V impresionistickej hudbe sa novosť umeleckých prostriedkov často spája s obrazmi minulosti („Hrobka Couperina“ od M. Ravela, „Detský kútik“ od C. Debussyho) a so záujmom o miniatúru („Čarodejnícky učeň“ od P. Dukas).

Estetika impresionizmu ovplyvnila všetky hlavné hudobné žánre: namiesto rozvinutých viacvetových symfónií skladali skladatelia symfonické náčrty a v klavírnej hudbe sa rozšírili komprimované programové miniatúry. Romantickú pieseň vystriedala vokálna miniatúra s prevahou recitatívu v kombinácii s farebnou obraznosťou inštrumentálneho podkladu.

Začiatkom 20. storočia sa hudobný impresionizmus rozšíril aj za hranice Francúzska. V Španielsku M. de Falla, v Taliansku O. Respighi, A. Casella a ďalší rozvíjali tvorivé myšlienky francúzskych skladateľov. Akýsi anglický impresionizmus bol stelesnený v dielach F. Diliusa a S. Scotta. Pozoruhodným príkladom impresionizmu v poľskej hudbe je dielo K. Szymanowského s jeho ultraprepracovanými obrazmi staroveku a starovekého východu („Fontána Aretuzy“, „Háfizove piesne“ atď.). V Rusku boli významnými predstaviteľmi hudobného impresionizmu N. Čerepnin, S. Vasilenko, A. Skrjabin.

Tvorba impresionistických skladateľov značne obohatila paletu hudobno-výrazových prostriedkov v oblasti harmónie a prispela k rozšíreniu tonálneho systému. To zase vydláždilo cestu mnohým harmonickým inováciám 20. storočia.

Súčasná hudba. Pojem „súčasná hudba“ zahŕňa všetku rozmanitosť pohybov a smerov charakteristických pre hudbu 20. storočia.

Obrovské historické zmeny a globálne katastrofy viedli k vzniku bezprecedentnej rozmanitosti umeleckých štýlov, z ktorých mnohé vytvorili významných skladateľov, ktorí významne prispeli k rozvoju svetovej hudobnej kultúry.