Dizajn Art Deco. Art Deco, Art Nouveau, Art Nouveau - štýlové prvky, príklady - obrazy, vitráže, interiéry Vitríny s krásnymi cennosťami dokonale zapadnú do interiéru

pred 10 mesiacmi Enottt Komentáre k heslu Výtvarné umenie Art Deco. Regionálne vlastnosti (Francúzsko, USA) zdravotne postihnutých

Videnia: 2 776

Art Deco (dekoratívne umenie) je vplyvné hnutie vo výtvarnom a dekoratívnom umení prvej polovice 20. storočia, ktoré sa prvýkrát objavilo vo Francúzsku v 20. rokoch 20. storočia a potom sa v 30. a 40. rokoch 20. storočia stalo medzinárodne populárnym, pričom sa prejavilo najmä v architektúre, móda a maľovanie. Ide o eklektický štýl, syntézu modernizmu a neoklasicizmu. Štýl Art Deco výrazne ovplyvnili aj také umelecké hnutia ako kubizmus, konštruktivizmus a futurizmus.

Charakteristické znaky - prísna pravidelnosť, výrazné geometrické tvary, etnické geometrické vzory, dizajn v poltónoch, nedostatok jasných farieb v dizajne, zatiaľ čo farebné vzory, luxusné, šik, drahé, moderné materiály (slonovina, krokodília koža, hliník, vzácne drevo, striebro ).

Tvary: efektívne, ale jasné a grafické. Siluety majú stupňovitejšie formy, hlavnou vecou zostáva gracióznosť a určitá hravosť.
Línie: energické, jasné, geometrické.
Prvky: veľa ozdôb vo forme kučier, špirál, vĺn, cikcakov.
Farby: kontrastné. Prelínanie jemného a pastelového s honosným a šťavnatým.
Materiály: drahé, exotické, bohaté. Drevo, koža, bronz, mramor, keramika, sklo.
Okná: obdĺžnikové, využívajúce veľkú plochu skla. Menej často klenuté alebo s farebným sklom.
Dvere: obklopené pilastrami, štítmi.

V USA, Holandsku, Francúzsku a niektorých ďalších krajinách sa Art Deco postupne vyvíjalo smerom k funkcionalizmu.

Príbeh

Medzinárodná výstava, ktorá sa konala v Paríži v roku 1925 a oficiálne sa volala „Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes“, dala vznik pojmu „Art Deco“. Táto výstava ukázala svetu luxusný tovar vyrobený vo Francúzsku, čo dokazuje, že Paríž zostal po prvej svetovej vojne medzinárodným centrom štýlu.

Medzinárodná výstava súčasného dekoratívneho a priemyselného umenia

Udalosťou, ktorá znamenala vrchol tohto štýlu a dala mu meno, bola Medzinárodná výstava moderného dekoratívneho a priemyselného umenia, ktorá sa konala v Paríži od apríla do októbra 1925. Oficiálne ju zorganizovala francúzska vláda a pokrývala oblasť 55 akrov v Paríži, ktorá sa tiahla od Grand Palais na pravom brehu po Invalidovňu na ľavom brehu a pozdĺž brehov Seiny. Grand Palais, najväčšia sála v meste, bola plná exponátov dekoratívneho umenia zo zúčastnených krajín. Zúčastnilo sa 15 000 vystavovateľov z dvadsiatich rôznych krajín vrátane Anglicka, Talianska, Španielska, Poľska, Československa, Belgicka, Japonska a nového Sovietskeho zväzu; Nemecko nebolo pozvané pre napätie po vojne a Spojené štáty, ktoré nepochopili účel výstavy, odmietli účasť. Za sedem mesiacov výstavu navštívilo šestnásť miliónov ľudí. Pravidlá výstavy vyžadovali, aby všetky práce boli súčasné; historické štýly neboli povolené. Hlavným zámerom výstavy bola propagácia francúzskych výrobcov luxusného nábytku, porcelánu, skla, kovových výrobkov, textílií a iných dekoratívnych výrobkov. Na ďalšiu propagáciu produktov mali všetky hlavné parížske obchodné domy a významní dizajnéri svoje vlastné pavilóny. Expozícia mala sekundárny účel propagovať produkty z francúzskych kolónií v Afrike a Ázii, vrátane slonoviny a exotických drevín.

Hôtel du Riche Collectionneur bol obľúbenou atrakciou výstavy; predstavila nové dizajnérske projekty Emile-Jacquesa Ruhlmanna, ako aj Art Deco látky, koberce a obrazy Jeana Dupasa. Dizajn interiéru bol založený na rovnakých princípoch symetrie a geometrických tvarov, ktoré ho odlišovali od secesného štýlu a jasných farieb, vynikajúceho remeselného spracovania vzácnych a drahých materiálov, ktoré ho odlišovali od prísnej funkčnosti modernistického štýlu. Zatiaľ čo väčšina pavilónov bola bohato zdobená a plná luxusného ručne vyrábaného nábytku, dva pavilóny - Sovietsky zväz a pavilón du Nouveau Esprit, postavené časopisom tohto mena pod vedením Le Corbusiera - boli postavené v jednoduchom štýle, s jednoduché biele steny a žiadna dekorácia; patrili medzi prvé príklady modernistickej architektúry

Výstava dekoratívneho umenia, demonštrujúca víťazstvo konštruktivizmu, zároveň dala zrod hnutiu Art Deco, ktoré sa stalo exotickou zmesou kubizmu a secesie, inými slovami lineárnej štylizácie a nádhernej ornamentiky. Móda turbanov a aktov štylizovaných ako „Egypt“ a „Čína“ bola zložito zmiešaná s rytmami geometrickej planimetrie.

Samotné hnutie Art Deco existovalo už pred otvorením výstavy v roku 1925 – bolo to citeľné hnutie v európskom umení 20. rokov. K americkým brehom sa dostala až v roku 1928, kde sa v 30. rokoch minulého storočia premenila na Streamline Moderne, amerikanizovanú odnož Art Deco, ktorá sa stala charakteristickým znakom tohto desaťročia.

Symbolom art deco v dekoratívnom a úžitkovom umení bola socha z bronzu a slonoviny. Inšpirovaní Diaghilevovými „ruskými ročnými obdobiami“, umením Egypta a Východu, ako aj technologickými výdobytkami „veku strojov“, francúzski a nemeckí majstri vytvorili jedinečný štýl v malých plastikách 20. – 30. rokov 20. storočia, ktorý pozdvihol status dekoratívnej plastiky na úroveň „vysokého umenia“. Za klasických predstaviteľov Art Deco v sochárstve sú považovaní Dmitrij Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Francúzsko), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Nemecko), Bruno Zack, J. Lorenzl (Rakúsko).

Vznik art deco bol úzko spojený s rastúcim postavením dekoratívnych umelcov, ktorí boli až do konca 19. storočia považovaní za jednoducho remeselníkov. Termín "dekoratívna dekorácia" bol vynájdený v roku 1875 pre dizajnérov nábytku, textílií a iných dekorácií. V roku 1901 vznikol Commonwealth of Decorative Artists (Society of Decorative Artists) alebo SAD a dekoratívni umelci dostali rovnaké autorské práva ako maliari a sochári. Podobné hnutie sa vyvinulo v Taliansku. V roku 1902 sa v Turíne konala prvá medzinárodná výstava venovaná výlučne dekoratívnemu umeniu, Esposizione international d'Arte.

V Paríži bolo založených niekoľko nových časopisov venovaných dekoratívnemu umeniu, vrátane Art and Decoration a L'Art décoratif moderne. Sekcie dekoratívneho umenia boli prezentované na výročných salónoch Sociéte des artistes français a neskôr na Salon d'automne. Francúzsky nacionalizmus tiež zohral úlohu pri oživení dekoratívneho umenia: francúzski dizajnéri sa cítili znevýhodnení rastúcim exportom lacného nemeckého nábytku. V roku 1911 záhrada navrhla v roku 1912 veľkú novú medzinárodnú výstavu dekoratívneho a úžitkového umenia. Žiadne kópie starších štýlov neboli povolené; len moderné diela. Výstava bola odložená až do roku 1914 a potom, kvôli vojne, až do roku 1925, kedy dala meno celej rodine štýlov známej ako Deco.

Hoci termín Art Deco vznikol v roku 1925, bežne sa nepoužíval, kým sa v 60. rokoch nezmenili postoje k tejto dobe. Majstri štýlu Art Deco neboli súčasťou jednej komunity. Hnutie bolo považované za eklektické, ovplyvnené niekoľkými zdrojmi:

„Viedenská secesia“ raného obdobia (Viedenské workshopy); funkčný priemyselný dizajn.
Primitívne umenie Afriky, Egypta a stredoamerických Indiánov.
Staroveké grécke umenie (archaické obdobie) je najmenej naturalistické zo všetkých.
„Ruské ročné obdobia“ od Sergeja Diaghileva v Paríži - náčrty kostýmov a scenérie od Leona Baksta.
Fazetované, kryštalické, fazetované formy kubizmu a futurizmu.
Farebná paleta fauvizmu.
Prísne formy neoklasicizmu: Boulet a Karl Schinkel.
Vek jazzu.
Rastlinné a zvieracie motívy a formy; tropická vegetácia; zikkuraty; kryštály; koloristická čiernobiela stupnica klavírnych kláves, motív Slnka.
Flexibilné a atletické formy športovkýň, ktorých je veľa; ostré uhly krátkych strihov pre predstaviteľov klubového života - klapky.
Technologický pokrok „veku strojov“, ako sú rádiá a mrakodrapy.

Majstri v štýle Art Deco radi používali materiály, ako je hliník, nehrdzavejúca oceľ, smalt, drevené vykladanie, koža žraloka a zebry. Aktívne sa používali cik-cak a stupňovité formy, široké a energické zakrivené línie (na rozdiel od jemných plynulých kriviek secesie), motívy chevron a klávesy klavíra. Niektoré z týchto dekoratívnych motívov sa stali všadeprítomnými, ako napríklad kľúčový vzor, ktorý sa nachádza v dizajne dámskej obuvi, radiátorov, prednáškových sál Radio City a veže Chrysler Building. Interiéry kín a zaoceánskych lodí, ako sú Ile de France a Normandia, boli ľahko zariadené v tomto štýle. Art Deco bolo luxusné a predpokladá sa, že tento luxus bol psychologickou reakciou na asketizmus a obmedzenia prvej svetovej vojny.

Francúzsko

Ilustrácia Georgesa Barbierea z Paquinových šiat (1914). Štylizované kvetinové vzory a svetlé farby boli znakom raného Art Deco

Parížske obchodné domy a módni návrhári zohrali dôležitú úlohu pri vzostupe Art Déco. Boli založené firmy vrátane výrobcu kabeliek Louis Vuitton, striebornej firmy Christofle, sklárskeho dizajnéra Reného Laliqueho a klenotníkov Louis Cartier a Boucheron, ktorí začali vyvíjať produkty v modernejších štýloch. Od roku 1900 si obchodné domy najímali dekoratérov, aby pracovali vo svojich dizajnérskych štúdiách. Výzdobu Salon d'Automne z roku 1912 objednal obchodný dom Printemps. V tom istom roku Printemps vytvoril vlastnú dielňu s názvom "Primavera". Do roku 1920 Primavera zamestnávala viac ako tristo umelcov. Štýly siahali od aktualizovaných verzií nábytku Ľudovíta XIV., Ľudovíta XVI. a najmä Ľudovíta Filipa vyrobeného Louisom Süe a dielňou Primavera až po modernejšie formy z dielne obchodného domu Au Louvre. Ďalší dizajnéri, vrátane Émile Jacquesa Ruhlmanna a Paula Foliota, odmietli použiť masovú výrobu a trvali na tom, aby bol každý kus individuálne ručne vyrobený. Raný štýl Art Deco obsahoval luxusné a exotické materiály ako eben, slonovina a hodváb, veľmi svetlé farby a štylizované motívy, najmä košíky a kytice kvetov všetkých farieb, čo dodávalo modernistický vzhľad.

Živé farby v štýle Art Deco pochádzali z mnohých zdrojov, vrátane exotických produkcií Léona Baksta pre Ballets Russes, ktoré vyvolali v Paríži senzáciu tesne pred prvou svetovou vojnou. Niektoré farby boli inšpirované skorším fauvistickým hnutím, ktoré viedol Henri Matisse; iné od orfistov ako Sonia Delaunay; iné hnutím známym ako Nabis a v diele symbolistického umelca Odilona Redona, ktorý navrhol krbové zásteny a iné dekoratívne predmety. Žiarivé farby boli charakteristickým znakom práce módneho návrhára Paula Poireta, ktorého tvorba ovplyvnila dizajn aj interiérový dizajn v štýle Art Deco.

Paríž zostal centrom štýlu Art Deco. V nábytku ho stelesnil Jacques-Émile Ruhlmann, najslávnejší dizajnér nábytku tej doby a možno posledný z klasických parížskych ébéniste (skriniarov). Okrem toho diela Jean-Jacquesa Rateau, výrobky firmy “Süe et Mare”, paravány Eileen Gray, kované kovové výrobky Edgara Brandta, kov a smalt Švajčiar židovského pôvodu Jean Dunant, sklo veľk. René Lalique a Maurice Marino, ako aj hodinky a šperky Cartier.

V roku 1925 v Art Deco koexistovali dve rôzne konkurenčné školy: tradicionalisti, ktorí založili Spoločnosť dekoratívnych umelcov; vrátane návrhára nábytku Emile-Jacquesa Ruhlmanna, Jeana Dunarda, sochára Antoina Bourdella a dizajnéra Paula Poireta; kombinovali moderné formy s tradičným remeslom a drahými materiálmi. Na druhej strane boli modernisti, ktorí čoraz viac odmietali minulosť a chceli štýl založený na pokrokoch v nových technológiách, jednoduchosti, nedostatku dekorácií, lacných materiáloch a hromadnej výrobe.

V roku 1929 modernisti založili vlastnú organizáciu Francúzsky zväz moderných umelcov. Jeho členmi boli architekti Pierre Charaud, Francis Jourdain, Robert Mallett-Stevens, Corbusier a v Sovietskom zväze Konstantin Melnikov; Írska dizajnérka Eileen Gray a francúzska dizajnérka Sonia Delaunay, klenotníci Jean Fouquet a Jean Puyforcat. Vehementne útočili na tradičný štýl Art Deco, ktorý bol podľa nich vytvorený len pre bohatých, a trvali na tom, že dobre postavené budovy by mali byť prístupné každému a forma by mala fungovať. Krása objektu alebo budovy spočívala v tom, či bola dokonalá pre svoju funkciu. Moderné priemyselné metódy znamenali, že nábytok a budovy mohli byť vyrábané hromadne, a nie ručne.

Maľovanie

T. Lempička. Autoportrét, Tamara v zelenom Bugatti (1929)

Expozícia z roku 1925 nemala jedinú časť. Art Deco maľba bola podľa definície dekoratívna, určená na ozdobenie miestnosti alebo časti architektúry, takže len málo umelcov pracovalo výlučne v tomto štýle, ale dvaja umelci sú úzko spojení s Art Deco. Jean Dupas namaľoval fresky v štýle Art Deco pre pavilón v Bordeaux na výstave dekoratívneho umenia v roku 1925 v Paríži a tiež namaľoval obraz nad krbom v Maison de la Collectioneur na výstave v roku 1925, na ktorej sa predstavili Ruhlmann a ďalší prominentní dizajnéri Art Deco Jeho obrazy sa dostali aj do výzdoby francúzskej zaoceánskej lode Normandie. Jeho tvorba bola čisto dekoratívna, navrhnutá ako pozadie alebo sprievod k iným dekoratívnym prvkom. Ďalšou umelkyňou úzko spojenou so štýlom je Tamara de Lempicka. Narodila sa v Poľsku v aristokratickej rodine, po ruskej revolúcii emigrovala do Paríža. Tam sa stala žiačkou umelca Mauricea Denisa z hnutia „Nabi“ a kubistu Andreho Lhoteho a z ich štýlov si požičala mnoho štýlov. Maľovala takmer výlučne portréty v realistickom, dynamickom a farebnom štýle Art Deco.

Grafika

Štýl Art Deco sa objavil v raných fázach grafického umenia, v rokoch tesne pred prvou svetovou vojnou.

vojny. V Paríži sa objavil na plagátoch a kostýmoch Léona Baksta pre Ballet Russes a v katalógoch módnych návrhárov Paula Poireta. Ilustrácie Georgesa Barbiera a Georgesa Lepepeho a obrázky v módnom časopise La Gazette du bon ton dokonale vystihli eleganciu a zmyselnosť štýlu. Vzhľad sa zmenil v 20. rokoch 20. storočia; zvýraznené módy boli ležérnejšie, športovejšie a odvážnejšie a ženské modelky typicky fajčili cigarety. V Nemecku bol najznámejším umelcom plagátov tohto obdobia Ludwig Hohlwein, ktorý vytvoril farebné a dramatické plagáty pre hudobné festivaly, pivo a koncom svojej kariéry aj pre nacistickú stranu.

Počas secesie plagáty zvyčajne propagovali divadelný tovar alebo kabarety. V 20. rokoch 20. storočia sa stali mimoriadne populárne cestovné plagáty vyrobené pre parníky a letecké spoločnosti. Štýl sa výrazne zmenil v 20. rokoch 20. storočia so zameraním na reklamu produktov. Obrázky sa stali jednoduchšie, presnejšie, lineárnejšie, dynamickejšie a často umiestnené na jednofarebnom pozadí. Vo Francúzsku to boli dizajnéri v štýle art deco Charles Lupo a Paul Colin, ktorí sa preslávili svojimi plagátmi americkej speváčky a tanečnice Josephine Baker, Jean Carlou navrhol plagáty k filmom Charlieho Chaplina, mydlá a divadlá; koncom 30. rokov emigroval do USA, kde počas svetovej vojny navrhoval plagáty na podporu vojnovej produkcie. Dizajnér Charles Gesmard sa stal známym autorom plagátov pre speváčku Mistinguett a pre Air France. Medzi najznámejších francúzskych dizajnérov

Amerike. Moderne zjednodušiť

Štýlový smer, ktorý sa vyvíjal súbežne s Art Deco a bol mu blízky, bol „Streamline Moderne“ (názov pochádza z anglického streamline – „streamline“ – výraz z oblasti aerodynamiky). Streamline modern je ovplyvnený priemyselným lisovaním a aerodynamickými technológiami. V dôsledku toho sa v dielach tohto štýlu objavili obrysy lietadiel alebo nábojov revolverov. Keď sa dizajn prvého sériovo vyrábaného automobilu Chrysler, Chrysler Airflow, ukázal ako populárny, aerodynamické tvary sa dokonca použili na strúhadlá, budovy a chladničky.

Tento architektonický štýl hľadá elegantné formy, zachováva dlhé horizontálne línie, ktoré často kontrastujú s vertikálnymi zakrivenými plochami, a dychtivo zavádza prvky vypožičané z námorného priemyslu (zábradlia a okienka). Jeho vrchol bol dosiahnutý okolo roku 1937.

Tento štýl ako prvý začlenil elektrické svetlo do architektonickej štruktúry.

Nástenná maľba

V Spojených štátoch neexistoval zreteľný štýl Art Deco, hoci obrazy sa často používali ako dekorácia, najmä vo vládnych budovách a kancelárskych budovách. V roku 1932 vznikol Komunitný umelecký projekt, ktorý umožnil umelcom pracovať bez práce, pretože krajina bola uprostred Veľkej hospodárskej krízy. Za rok si projekt objednal viac ako pätnásťtisíc umeleckých diel. Slávnych amerických umelcov priviedol Federal Art Project, aby maľovali a zdobili steny vo vládnych budovách, nemocniciach, letiskách, školách a univerzitách. Programu sa zúčastnili niektorí z najznámejších amerických umelcov vrátane Granta Wooda, Reginalda Marsha, Georgia O'Keeffe a Maxine Albro. Do programu sa zapojil aj známy mexický umelec Diego Rivera, ktorý zdobil steny. Obrazy boli v rôznych štýloch, vrátane regionalizmu, sociálneho realizmu a americkej maľby.

Niekoľko obrázkov bolo vytvorených aj pre mrakodrapy v štýle Art Deco, najmä Rockefellerovo centrum v

New York. Pre foyer boli objednané dva obrázky od Johna Stewarta Curryho a Diega Riveru. Majitelia budovy, rodina Rockefellerovcov, zistili, že komunista Rivera umiestnil obraz Lenina do davovej maľby a zničil ju. Obraz nahradilo dielo iného španielskeho umelca Josého Maria Serta.

Grafika

Štýl Art Deco sa objavil v raných fázach grafického umenia, v rokoch tesne pred prvou svetovou vojnou. V Paríži sa objavil na plagátoch a kostýmoch Léona Baksta pre Ballet Russes a v katalógoch módnych návrhárov Paula Poireta. Ilustrácie Georgesa Barbiera a Georgesa Lepepeho a obrázky v módnom časopise La Gazette du bon ton dokonale odrážajú eleganciu a zmyselnosť štýlu. Vzhľad sa zmenil v 20. rokoch 20. storočia; zvýraznené módy boli ležérnejšie, športovejšie a odvážnejšie a ženské modelky typicky fajčili cigarety. Americké módne časopisy ako Vogue, Vanity Fair a Harper's Bazaar rýchlo prevzali nový štýl a spopularizovali ho v Spojených štátoch. Ovplyvnila aj tvorbu amerických knižných ilustrátorov ako Rockwell Kent.

Plagát varujúci pred prechodom cez ulicu proti svetlu (1937)

V 30. rokoch 20. storočia sa v USA počas Veľkej hospodárskej krízy objavil nový žáner plagátov. Umelecký projekt Federálnej agentúry si najal amerických umelcov, aby vytvorili plagáty na propagáciu cestovného ruchu a kultúrnych podujatí.

Štýl vyblednutia

Art Deco potichu zaniklo s nárastom masovej výroby, keď bolo vnímané ako krikľavé, nevkusné a falošne luxusné. Deprivácie druhej svetovej vojny priniesli tomuto štýlu definitívny koniec. V koloniálnych krajinách, ako je India, sa Art Deco stalo vstupnou bránou k modernizmu a nevyprchalo až do 60. rokov 20. storočia. Oživenie záujmu o Art Deco v 80. rokoch bolo spojené s grafickým dizajnom a spojenie Art Deco s filmom noir a glamour 30. rokov viedlo k jeho opätovnému objaveniu sa v šperkoch a móde.

Pevue: Časť „Kalifornie“, Maxine Albro, interiér Coit Tower v San Franciscu (1934)

Art Deco

Art Deco, (francúzsky art déco, doslova „dekoratívne umenie“, z názvu parížskej výstavy Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes z roku 1925, ruská medzinárodná výstava súčasného dekoratívneho a priemyselného umenia) je vplyvné hnutie vo vizuálnom a dekoratívnom umenie prvej polovice 20. storočia, ktoré sa prvýkrát objavilo vo Francúzsku v 20. rokoch 20. storočia a následne sa stalo populárnym v 30. – 40. rokoch 20. storočia v medzinárodnom meradle, prejavilo sa najmä v architektúre, móde, maliarstve a prestalo byť aktuálne v r. po druhej svetovej vojne. Je to eklektický štýl, ktorý predstavuje syntézu modernizmu a neoklasicizmu. Štýl Art Deco má tiež významný vplyv z umeleckých hnutí ako kubizmus, konštruktivizmus a futurizmus.

Majstri v štýle Art Deco radi používali materiály, ako je hliník, nehrdzavejúca oceľ, smalt, drevené vykladanie, koža žraloka a zebry. Aktívne sa používali cik-cak a stupňovité formy, široké a energické zakrivené línie (na rozdiel od jemných plynulých kriviek secesie), motívy chevron a klávesy klavíra. Niektoré z týchto dekoratívnych motívov sa stali všadeprítomnými, ako napríklad kľúčový vzor, ktorý sa nachádza v dizajne dámskej obuvi, radiátorov, prednáškových sál Radio City a veže Chrysler Building. Interiéry kín a zaoceánskych lodí, ako sú Ile de France a Normandia, boli ľahko zariadené v tomto štýle. Art Deco bolo luxusné a verí sa [zdroj neuvedený 1667 dní], že tento luxus je psychologickou reakciou na asketizmus a obmedzenia prvej svetovej vojny.

Toto je časť článku na Wikipédii používaného pod licenciou CC-BY-SA. Celé znenie článku tu →

Wikipedia:

Art Deco(z francúzskeho „art deco“) - štýlový smer v umení Ameriky a západnej Európy dvadsiateho storočia. Art Deco charakterizované kombináciou monumentálnej váženej formy; kombinácia niektorých prvkov štýlov kubizmu, modernizmu a expresionizmu; pomocou výrazových foriem „technického dizajnu“. Svoj názov dostala podľa medzinárodnej výstavy v Paríži venovanej dekoratívnemu umeniu a priemyslu. Práve ona sa stala impulzom pre rozvoj a šírenie tohto štýlu.

Art Deco sa stal najtajomnejším štýlom dvadsiateho storočia, ktorý uchvátil každého svojím jasom a exotikou.

Tento štýl dobyl celý svet a dodnes zostáva zdrojom inšpirácie pre dizajnérov. To je pravdepodobne dôvod, prečo Armani vytvoril svoju najnovšiu kolekciu Casa v najlepších tradíciách art deco.

Dnes termín " art deco“ je medzinárodne uznávaným synonymom pre efektívnosť, hoci spočiatku sa používala na definovanie dekoratívneho umenia. Marie Laurencinová je jednou z najvýznamnejších predstaviteľiek tohto štýlu, ktorá takto pracovala. Tento termín označuje štýl, ktorý spája symetriu, klasicizmus a priamočiarosť. Je produktom rôznych zdrojov, na jednej strane kubizmu a secesie, na druhej strane starovekého umenia východu, Afriky, Egypta a amerických kontinentov.

Art Deco Ako umelecké hnutie sa objavilo v rokoch 1906 až 1912 a prekvitalo v desaťročí medzi rokmi 1925 a 1935. Art Deco začalo ako elegantná inovácia a potom sa vyvinulo do nápadne nekompromisného a jednoduchého životného štýlu. Predstavitelia mnohých hnutí moderného dekoratívneho a výtvarného umenia sa snažili nájsť spôsob, ako vyjadriť rýchlosť a tlak, vďaka ktorému vlaky, autá a lietadlá zmenili existujúci svet. Snažili sme sa nájsť tvary a farby, ktoré by boli jednoduchšie ako tie, ktoré sa používali predtým.

S cieľom získať popularitu v Hollywoode, štýl Art Deco trvalo to len pár rokov. Tu získal názov „hviezdny štýl“ a z obyčajného francúzskeho fenoménu sa stal celosvetovo uznávaným symbolom veľkoleposti. termín " Art Deco“ označuje štýl, ktorý kombinuje symetriu, klasicizmus, priamosť a je vhodnejší na definovanie dekoratívnej kreativity počas dvoch svetových vojen.

Art Deco - štýl hviezd

Art Deco umelci

Moje prvé priznanie Art Deco dostal v Európe, ale jeho vplyv sa rýchlo rozšíril aj do USA. Práve tam jeho vášeň pre hollywoodsky filmový priemysel prispela k jeho obrovskej popularite. Greta Garbo z filmu MGM v kostýme Mata vyzerala ako art deco figúrka z bronzu a kulisy a kostýmy k filmu Kleopatra od Paramountu evokovali priamu asociáciu s výzdobou nového newyorského mrakodrapu.

Mestské budovy, školy, obchody, paláce a pavilóny Svetovej výstavy boli postavené v štýle, ktorý bol súčasne efektívny, neoklasicistický, hravý, elegantný a monumentálny.

Po celej krajine boli kiná vyzdobené luxusnými fasádami, nádhernými interiérmi a jasnými neónovými nápismi v štýle Art Deco. Jedinečný a prístupný vzhľad mesta zároveň tvorili: Empire State Building, neoklasicistické sochy Rockefellerovho centra a klenutá veža Chrysler Building.

Art Deco sa nevyhlo vplyvu ďalšieho významného fenoménu umenia dvadsiateho storočia – abstrakcionizmu. Inovácie abstraktného umenia sú spojené najmä so zásluhami Wassilyho Kandinského, ktorý v rokoch 1896 až 1914 žil a tvoril v Mníchove. Postupným odstraňovaním námetu zo svojich obrazov umelec zabezpečil, aby získali vzhľad úplnej abstrakcie.

Toto je tiež práca Kazimíra Maleviča, ktorý bol zakladateľom suprematizmu, ktorý zjednodušil obraz na superpozíciu jedného bieleho štvorca na druhý. Konštruktivizmus ako štýl mal významný vplyv na západné umenie. Konštruktivizmus vychádzal z presvedčenia, že umenie má slúžiť spoločenským účelom a že je odrazom skôr osobnej ako sociálnej skúsenosti. Konštruktivistickí umelci vytvárali diela, ktoré pripomínali časti strojov zložené z geometrických tvarov a ovplyvnili grafiku v štýle Art Deco.

Inovácie, ktoré sa v tom čase vyvíjali, nemohli ovplyvniť samotný štýl Art Deco, ktorý bol výsledkom ich zmiešania. V umeleckom zmysle mal kubizmus citeľný vplyv aj na Art Deco, najmä spôsob rozdeľovania predmetov a analýzy ich geometrických zložiek. Kubistická vízia predmetov sa objavuje v dielach Pabla Picassa a Georgesa Braquea okolo rokov 1908-1909. Art Deco bolo hlboko ovplyvnené zaobchádzaním kubistov s lietadlami a ich technikou používania farieb.

Talentovaný maliar a sochár, taliansky umelec Amadeo Modeliani, ovplyvnil vývoj Art Deco. Zobrazoval živé, prevažne ženské formy, zámerne naťahujúce proporcie tela a črty tváre, čo bol prototyp elegantnej štylizácie charakteristickej pre Art Deco.

Slávny parížsky couturier Paul Poiret, ktorý sa stal na dlhé roky trendsetterom, urobil veľa pre propagáciu exotického a farebného štýlu Art Deco, ktorý sa začal ruskými sezónami. Modely Paula Poireta presadzovali ideálny imidž bohatej a módne oblečenej modernej ženy. P. Poiret zmenil módu „revolučným“ spôsobom: zničil korzet, a tým sa silueta jeho modelov stala rovná a prirodzenejšia. Toto bolo prvé, ešte nesmelé v porovnaní s tým, čo sa stane po prvej svetovej vojne, ale už jej zjavné oslobodenie. Po nosení rovných a voľných tunikových šiat s jasnými ozdobnými vzormi sa správanie ženy stalo priamejším a prirodzenejším, menej roztomilým a domýšľavým. V známom hoteli Martin, ktorý otvorili v roku 1911, kde pracovali úplne nevyučené mladé dievčatá, ktoré tvorili návrhy látok, nábytku a tapiet. Touto nezvyčajnou metódou sa zrodili diela plné sviežosti a živosti vnímania a nedostatok technických znalostí kompenzovali dobre vyškolení remeselníci, ktorí kresby dievčat prekladali na látku, len mierne korigovali. Martinské štúdio vyrábalo tapety, nástenné panely a látky úplne pokryté obrovskými žiarivými kvetmi. Obľúbenou témou nastupujúceho Art Deco sa tak stali kvety (najmä ruže, georgíny, sedmokrásky, cínie), veľmi dekoratívne a nekonečne vzdialené od prírodných (skutočných).

V maľbe medzi maľbami medzivojnového obdobia je veľmi ťažké rozlíšiť čistý štýl Art Deco. Väčšina umelcov používala techniky požičané od kubistov. Art Deco maľba nepatrila medzi avantgardné umelecké smery, navyše nebola aplikovaného charakteru, navrhnutá tak, aby vyhovovala základným princípom dekorácie.

Obrazy poľskej rodáčky Tamary de Lempickej, ktorej tvorbe dominujú módne portréty a erotické ženské akty, sú považované za typického predstaviteľa maliarstva v štýle art deco. Techniku písania De Lempickej možno definovať tak, že v dobe strojov uplatňuje svoj vlastný výrok, že umelkyňa „nesmie zabúdať na presnosť. Obraz musí byť čistý a upravený.“ (S. Sternow. Art Deco. Lety umeleckej fantázie. Belfax, 1997).

Celkovo možno sochu v štýle Art Deco rozdeliť do dvoch veľkých skupín: diela sériovej výroby pre domáci trh a diela „výtvarného umenia“. Kvalitné sochárstvo a lacné masové výrobky, vytvorené vtedajšími avantgardnými umelcami a sochármi, išli ruka v ruke – popri plastových a keramických suveníroch existoval mramor a bronz. V oblasti sochárstva sa štýl Art Deco prejavoval všade, od vysokého umenia až po gýč.

Art Deco je hnutie eklektického umenia, ktoré vzniklo vo Francúzsku na začiatku 20. rokov 20. storočia. Dominoval v módnom dizajne, architektúre, úžitkovom umení a interiérovom dizajne. V 30. a 40. rokoch sa art deco stalo populárnym po celom svete.

Príbeh

Smer sa objavil na začiatku 20. storočia - v období 1907 - 1915. V tomto čase boli zaznamenané prvé diela vyznačujúce sa charakteristickými znakmi štýlu. Niektorí vedci poznamenávajú, že diela tejto doby sú prvými pokusmi umelcov vytvoriť plátna v eklektickom štýle.

Termín sa objavil po Medzinárodnej výstave v Paríži v roku 1925. Na výstave bol luxusný tovar. Cieľom výstavy je ukázať popredné miesto Paríža vo svete módy a štýlu.

Až do roku 1928 bol smer majetkom iba Európy, začiatkom 30. rokov sa objavila americká verzia art deco, ktorá mala svoje vlastné charakteristiky.

História gotického štýlu v maľbe

Charakteristický

Od konca 40-tych rokov začalo byť art deco vnímané ako príliš farebné, náročné na vojnové časy a strohosť, a preto postupne vyšlo z módy. Prudký nárast záujmu o art deco nastal v 60. rokoch minulého storočia – zhoduje sa s hnutím pop art. Ďalšou etapou vývoja boli 80. roky, kedy vzrástol záujem o grafický dizajn. Trend sa stal módnym v dizajne a oblečení.

Vlastnosti hyperrealizmu ako štýlu maľby

Charakterizovaný výrazným záujmom o estetiku 20. rokov 20. storočia, vnímaný výlučne v súvislosti s módou a trendmi tohto obdobia. Zvláštnosťou štýlu je, že predstavitelia neboli zjednotení do jednej komunity, skupiny alebo maliarskej školy. Art Deco bolo eklektické hnutie, v ktorom sa miešalo veľké množstvo kultúrnych vplyvov.

Nápady

Umelci prevzali kľúčové myšlienky a princípy práce od modernistov a neoklasicistov.

Neoklasické ideály krásy s ich charakteristickou prísnosťou boli vlastné dielam majstrov nového hnutia.
Použitie jasných, intenzívnych odtieňov podľa výskumníkov pramení z práce parížskych Fauves.
Niektoré nápady sú vypožičané z umenia Aztékov a egyptskej kultúry, klasickej antiky.
Na rozdiel od secesného maliarstva nemalo Art Deco filozofický základ – bolo to čisto dekoratívne hnutie.
Etnické ornamentálne kompozície v obrazoch umelcov, v interiéri;
„Ruské ročné obdobia“ alebo Ruský balet S. Diaghileva.

Surrealizmus ako štýl maľby

Vývoj štýlu v ťažkých ekonomických a politických podmienkach, v období aktívneho rozvoja vedy a techniky, sa premietol do námetov obrazov. Diela umelcov slúžia na dekoratívne účely, potešia oko a pozdvihnú náladu. Maliari sa nijako nepokúšajú pôsobiť psychologicky alebo sprostredkovať svoje filozofické názory prostredníctvom svojich obrazov. Cieľom Art Deco je spojiť najlepšie vlastnosti štýlov a vytvoriť niečo nové a krásne.

Hlavné rysy štýlu

Minimalizmus ako štýl v maľbe

Použitím nových materiálov, ktoré boli použité v kombinácii, Art Deco predstavovalo vedecký pokrok, rast technológie. Luxusný vzhľad obrazov v štýle art deco dokonale zapadne do interiéru bohatého bytu, výletnej lode, či moderného kina. Štýl prežil niekoľko kríz, vďaka praktickosti, jednoduchosti, jasu a individualite.

Umelci

Pojem art deco sa v maľbe alebo sochárstve používa zriedkavo a dominuje v architektúre a dizajne, ale v medzivojnovom období predstavilo svoje diela množstvo umelcov, vyhotovené podľa všetkých štandardov štýlu: Tamara Gorska alebo Tamara de Lempicka, maliarstvo. „Hudobník“ (1929), „Autoportrét“ v zelenom Bugatti“ (1925), francúzsky umelec, tvorca plagátov Adolphe Jean-Marie Muron, známy ako Cassandre, bol jedným z najlepších grafikov, vyhral Grand Prix na súťaž plagátov v Paríži.