Súčasné umenie: USA. Súčasná americká maľba - to najzaujímavejšie v blogoch Obrazy amerického umelca
Ak si myslíte, že všetci veľkí umelci sú minulosťou, potom ani netušíte, ako veľmi sa mýlite. V tomto článku sa dozviete o najznámejších a najtalentovanejších umelcoch našej doby. A verte, že ich diela zostanú vo vašej pamäti o nič menej hlboko ako diela maestrov z minulých období.
Wojciech Babski
Wojciech Babski je súčasný poľský umelec. Štúdium ukončil na Sliezskom polytechnickom inštitúte, no spojil sa s. V poslednej dobe maľuje najmä ženy. Zameriava sa na vyjadrenie emócií, snaží sa dosiahnuť čo najväčší efekt pomocou jednoduchých prostriedkov.
Miluje farby, ale na dosiahnutie najlepšieho dojmu často používa odtiene čiernej a šedej. Nebojte sa experimentovať s rôznymi novými technikami. V poslednej dobe si získava čoraz väčšiu obľubu aj v zahraničí, hlavne vo Veľkej Británii, kde úspešne predáva svoje diela, ktoré sa už nachádzajú v mnohých súkromných zbierkach. Okrem umenia sa zaujíma o kozmológiu a filozofiu. Počúva jazz. V súčasnosti žije a pracuje v Katoviciach.
Warren Chang
Warren Chang je súčasný americký umelec. Narodil sa v roku 1957 a vyrastal v Monterey v Kalifornii. V roku 1981 s vyznamenaním promoval na Art Center College of Design v Pasadene, kde získal titul BFA. Počas nasledujúcich dvoch desaťročí pracoval ako ilustrátor pre rôzne spoločnosti v Kalifornii a New Yorku, než sa v roku 2009 vydal na dráhu profesionálneho umelca.
Jeho realistické maľby možno rozdeliť do dvoch hlavných kategórií: biografické interiérové maľby a maľby zobrazujúce ľudí pri práci. Jeho záujem o tento štýl maľby sa datuje od tvorby umelca zo 16. storočia Johannesa Vermeera a rozširuje sa na námety, autoportréty, portréty rodinných príslušníkov, priateľov, študentov, interiéry ateliérov, učebne a domovy. Jeho cieľom je vytvoriť náladu a emócie vo svojich realistických obrazoch prostredníctvom manipulácie so svetlom a použitím tlmených farieb.
Chang sa preslávil po prechode na tradičné výtvarné umenie. Za posledných 12 rokov si vyslúžil množstvo ocenení a vyznamenaní, z ktorých najprestížnejšie je Master Signature od Oil Painters of America, najväčšej komunity olejomaľby v Spojených štátoch. Iba jeden človek z 50 má možnosť získať toto ocenenie. Warren v súčasnosti žije v Monterey a pracuje vo svojom ateliéri a tiež vyučuje (známy ako talentovaný učiteľ) na San Francisco Academy of Art.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni je taliansky umelec. Narodil sa v Blair 15. októbra 1955. Diplom zo scénografie získal na Inštitúte umenia v Spolete. Ako umelec je samouk, keďže si samostatne „postavil dom poznania“ na základoch položených v škole. Olejom začal maľovať vo veku 19 rokov. V súčasnosti žije a pracuje v Umbrii.
Bruniho rané maľby sú zakorenené v surrealizme, no postupom času sa začína zameriavať na blízkosť lyrického romantizmu a symbolizmu, pričom túto kombináciu umocňuje vynikajúcou prepracovanosťou a čistotou svojich postáv. Animované a neživé predmety nadobúdajú rovnakú dôstojnosť a vyzerajú takmer hyperrealisticky, no zároveň sa neskrývajú za oponou, ale umožňujú vám vidieť podstatu vašej duše. Všestrannosť a sofistikovanosť, zmyselnosť a osamelosť, premyslenosť a plodnosť sú duchom Aurelia Bruniho, živeného nádherou umenia a harmóniou hudby.
Aleksander Baloš
Alkasander Balos je súčasný poľský umelec špecializujúci sa na olejomaľbu. Narodil sa v roku 1970 v poľských Gliwiciach, no od roku 1989 žije a pracuje v USA, v Shasta v Kalifornii.
V detstve študoval umenie pod vedením svojho otca Jana, samouka a sochára, takže umelecká činnosť už od malička dostávala plnú podporu oboch rodičov. V roku 1989, vo veku osemnástich rokov, Balos odišiel z Poľska do Spojených štátov, kde jeho učiteľka a umelkyňa na čiastočný úväzok Cathy Gaggliardi povzbudila Alkasandera, aby sa prihlásil na umeleckú školu. Balos potom získal plné štipendium na University of Milwaukee, Wisconsin, kde študoval maľbu u profesora filozofie Harryho Rosina.
Po absolvovaní bakalárskeho štúdia v roku 1995 sa Balos presťahoval do Chicaga študovať na School of Fine Arts, ktorej metódy vychádzajú z práce Jacquesa-Louisa Davida. Figurálny realizmus a portrét tvorili väčšinu Balosovej tvorby v 90. rokoch a začiatkom 21. storočia. Dnes Balos využíva ľudskú postavu na zdôraznenie vlastností a nedostatkov ľudskej existencie, pričom neponúka žiadne riešenia.
Predmetné kompozície jeho obrazov sú určené na samostatnú interpretáciu diváka, až potom obrazy nadobudnú svoj skutočný časový a subjektívny význam. V roku 2005 sa umelec presťahoval do severnej Kalifornie, odvtedy sa námet jeho tvorby výrazne rozšíril a teraz zahŕňa voľnejšie maliarske metódy vrátane abstrakcie a rôznych multimediálnych štýlov, ktoré pomáhajú vyjadrovať myšlienky a ideály existencie prostredníctvom maľby.
Alyssa Monksová
Alyssa Monks je súčasná americká umelkyňa. Narodil sa v roku 1977 v Ridgewoode, New Jersey. O maľovanie som sa začal zaujímať ešte ako dieťa. Študovala na The New School v New Yorku a na Montclair State University a v roku 1999 ukončila štúdium na Boston College s bakalárskym titulom. Zároveň študovala maľbu na Akadémii Lorenza de' Medici vo Florencii.
Potom pokračovala v magisterskom štúdiu na New York Academy of Art na oddelení figuratívneho umenia, ktorú ukončila v roku 2001. Vyštudovala Fullerton College v roku 2006. Nejaký čas prednášala na univerzitách a vzdelávacích inštitúciách po celej krajine, vyučovala maľbu na New York Academy of Art, ako aj na Montclair State University a Lyme Academy of Art College.
„Pomocou filtrov, ako je sklo, vinyl, voda a para, deformujem ľudské telo. Tieto filtre vám umožňujú vytvárať veľké plochy abstraktného dizajnu, cez ktoré prenikajú ostrovčeky farieb – časti ľudského tela.
Moje obrazy menia moderný pohľad na už zabehnuté, tradičné pózy a gestá kúpajúcich sa žien. Pozornému divákovi by mohli veľa povedať o takých zdanlivo samozrejmých veciach, akými sú výhody plávania, tanca a pod. Moje postavy sa tlačia na sklo sprchového okna, deformujúc svoje vlastné telá, uvedomujúc si, že tým ovplyvňujú notoricky známy mužský pohľad na nahú ženu. Hrubé vrstvy farby sa miešajú tak, aby z diaľky napodobňovali sklo, paru, vodu a mäso. Zblízka sa však ukážu úžasné fyzikálne vlastnosti olejovej farby. Experimentovaním s vrstvami farieb a farieb nachádzam bod, v ktorom sa abstraktné ťahy štetcom stávajú niečím iným.
Keď som prvýkrát začal maľovať ľudské telo, bol som ním okamžite fascinovaný a dokonca posadnutý a veril som, že svoje obrazy musím urobiť čo najrealistickejšími. „Vyznával som“ realizmus, až kým sa nezačal odkrývať a odhaľovať protiklady v sebe. Teraz skúmam možnosti a potenciál štýlu maľby, kde sa stretáva reprezentačná maľba a abstrakcia – ak oba štýly dokážu koexistovať v rovnakom čase, urobím to.“
Antonio Finelli
taliansky umelec – “ Pozorovateľ času“ – Antonio Finelli sa narodil 23. februára 1985. V súčasnosti žije a pracuje v Taliansku medzi Rímom a Campobasso. Jeho diela boli vystavené vo viacerých galériách v Taliansku i v zahraničí: Rím, Florencia, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a nachádzajú sa aj v súkromných a verejných zbierkach.
Kresby ceruzkou" Pozorovateľ času„Antonio Finelli nás berie na večnú cestu vnútorným svetom ľudskej dočasnosti a s tým spojenú úzkostlivú analýzu tohto sveta, ktorej hlavným prvkom je prechod časom a stopy, ktoré zanecháva na koži.
Finelli maľuje portréty ľudí akéhokoľvek veku, pohlavia a národnosti, ktorých mimika naznačuje prechod v čase a umelec tiež dúfa, že na telách svojich postáv nájde dôkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svoje diela jedným, všeobecným názvom: „Autoportrét“, pretože vo svojich kresbách ceruzou zobrazuje nielen človeka, ale umožňuje divákovi kontemplovať skutočné výsledky plynutia času vo vnútri človeka.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni je 37-ročná talianska umelkyňa, dcéra diplomata. Má tri deti. Dvanásť rokov žila v Ríme a tri roky v Anglicku a Francúzsku. Vyštudovala dejiny umenia na BD School of Art. Potom získala diplom reštaurátora umenia. Predtým, ako našla svoje povolanie a začala sa naplno venovať maľbe, pracovala ako novinárka, koloristka, dizajnérka a herečka.
Flaminiaina vášeň pre maľovanie vznikla v detstve. Jej hlavným médiom je olej, pretože miluje „coiffer la pate“ a tiež sa hrá s materiálom. Podobnú techniku spoznala v dielach umelca Pascala Toruu. Flaminia je inšpirovaná veľkými majstrami maľby ako Balthus, Hopper a François Legrand, ako aj rôznymi umeleckými smermi: street art, čínsky realizmus, surrealizmus a renesančný realizmus. Jej obľúbený umelec je Caravaggio. Jej snom je objaviť terapeutickú silu umenia.
Denis Černov
Denis Chernov je talentovaný ukrajinský umelec, narodený v roku 1978 v Sambir, Ľvovská oblasť, Ukrajina. Po absolvovaní charkovskej umeleckej školy v roku 1998 zostal v Charkove, kde v súčasnosti žije a tvorí. Študoval tiež na Charkovskej štátnej akadémii dizajnu a umenia, odbor grafiky, ktorú ukončil v roku 2004.
Pravidelne sa zúčastňuje umeleckých výstav, v súčasnosti je ich viac ako šesťdesiat na Ukrajine aj v zahraničí. Väčšina diel Denisa Černova je uložená v súkromných zbierkach na Ukrajine, v Rusku, Taliansku, Anglicku, Španielsku, Grécku, Francúzsku, USA, Kanade a Japonsku. Niektoré diela sa predávali v Christie's.
Denis pracuje v širokej škále grafických a maliarskych techník. Kresby ceruzkou patria k jeho najobľúbenejším maliarskym postupom, veľmi pestrý je aj zoznam námetov v jeho kresbách, maľuje krajiny, portréty, akty, žánrové kompozície, knižné ilustrácie, literárne a historické rekonštrukcie a fantasy.
"Knihy mi dávajú veľký pocit osobného a tvorivého uspokojenia. Keď pracujem na knihe, prajem si, aby mi nikdy nezazvonil telefón. Moje uspokojenie pochádza z toho, že na papier dávam značky."
Americký ilustrátor detských kníh Pinkney Jerry sa narodil 22. decembra 1939 v Germantown. Na strednej škole si jeho lásku a talent na kreslenie všimol karikaturista John Liney, ktorý ho povzbudil v kariére umelca. Po absolvovaní Dobbinsovej odbornej školy dostal Pinkney plné štipendium na štúdium na Philadelphia Museum College of Art. Neskôr sa presťahoval do Bostonu, kde sa venoval dizajnu a ilustrácii, nakoniec si otvoril vlastné štúdio Jerry Pinkney Studio a neskôr sa presťahoval do New Yorku. Pinkney Jerry stále žije a pracuje v New Yorku, za roky svojej tvorivej kariéry viedol semináre na univerzite a umeleckých školách po celej krajine.
"Chcel som ukázať, čo dokáže afroamerický umelec v tejto krajine na národnej úrovni vo výtvarnom umení. Chcem byť silným vzorom pre svoju rodinu a pre ostatných Afroameričanov."
Originál prevzatý z vanatik05 v AMERICKÁ MAĽBA – 5 (realistické tradície v 20. storočí)
V roku 1913 Asociácia amerických maliarov a sochárov zorganizovala prvú veľkú medzinárodnú výstavu moderného umenia Armory Show v zbrojnici Národnej gardy na Lexington Avenue. Stala sa dôležitou udalosťou v dejinách amerického umenia, ktorá vyvolala rôzne emócie: prekvapenie, obdiv, rozhorčenie, uctievanie a úplné odmietnutie medzi americkou verejnosťou, zvyknutou na realizmus, do určitej miery na impresionizmus, ale nie na avantgardné európske umenie. ktoré videl na tejto výstave. 1300 obrazov, sôch a dekoratívnych diel od viac ako 300 súčasných európskych a amerických umelcov navštívilo nielen New York, ale aj Chicago a Washington.
Recenzie výstavy obsahovali obvinenia z nemravnosti, neprofesionalizmu, šialenstva, šarlatánstva, mnohé diela sa nazývali karikatúrami a paródiami na maľbu a Theodore Roosevelt povedal: „Toto vôbec nie je umenie!“
Civilné orgány však nezasahovali a nesnažili sa výstavu uzavrieť a škandály okolo nej len prispeli k úspešnému predaju mnohých diel, ktoré dnes možno vidieť v amerických múzeách a MoMA (The Museum of Modern Art) môže všeobecne považovaný za dediča a pokračovateľa týchto prvých výstav súčasného umenia.
Nepriamo ovplyvnila umelcov realistického hnutia a realistické tradície v Amerike nikdy nezomreli, nielenže prispela k zmenám v technikách a témach kresby, ale dokonca zrodila také nové trendy v maľbe ako „magický realizmus“*;
A jeho odnožou je „precisionizmus“**, charakteristický špeciálne pre amerických umelcov,
A umelecké hnutie „regionalizmus“*** (alebo regionalizmus) zrodené v Amerike.
Budeme hovoriť o umelcoch, predstaviteľoch rôznych hnutí realistického umenia v Amerike 20. storočia.
Charles Burchfield(1893-1967), jeden z najvýznamnejších akvarelistov v Amerike, ktorý maľoval svoje obrazy na stojane technikou suchého štetca, si skoro (v roku 1915) vyvinul vlastný neorealistický štýl, ktorý kombinuje modernistické trendy, tradičnú čínsku maľbu a prvky fauvizmu. .
Počas svojho tvorivého života menil smery a techniky, maľoval krajiny a obrazy s historickými námetmi, výjavy pozorované z okna svojho domu a „halucinačné“ kvety v duchu magického realizmu, pohľady na prírodu a jej božskú silu.
Na jeho počesť bolo v roku 1966 v Buffale vytvorené Nature and Arts Center s názvom Birchfield Penny Art Center, ktoré zahŕňa aj najväčšiu svetovú zbierku umelcových diel.
Reginald Marsh(1898-1954), narodený v Paríži, v bohatej rodine umelcov, bol žiakom D. Sloana, známeho predovšetkým ako maliara a ilustrátora mestských scén, pouličného života a pláží v New Yorku.
Jeho obrazy sa vyznačujú dokumentárnou starostlivosťou, presiaknutou ironickou láskou k postavám, maľoval veľa pre burlesku a vaudeville, považoval ich za „divadlo obyčajného človeka, vyjadrujúce humor a fantázie chudobných, starých a škaredých“.
Pracoval s olejom a tušom, akvarelom, vaječnou temperou a svoj tvorivý život začal litografiou. Jeho štýl možno charakterizovať ako „sociálny realizmus“, obzvlášť evidentný počas Veľkej hospodárskej krízy, a jeho oddanosť starým majstrom, ktorých prácu uctieval, viedla k vytvoreniu diel obsahujúcich náboženské metafory.
Krátko pred smrťou na infarkt dostal Marsh zlatú medailu za grafické umenie od Americkej akadémie umení.
Fairfield Porter(1907-1975) sa narodil v rodine architekta a básnika, študoval na Harvarde a v Lige amerických študentov, celý život sa držal realistického smeru, maľoval najmä krajinky a portréty rodiny a priateľov, snažil sa odhaliť nevšednosť. v bežnom živote a urobiť ho krajším.
Jeho práca ukazuje vplyv jeho otca architekta, diela Velázqueza, a neskôr umelcov Bonnarda a Vuillarda, ktorý veril, že „impresionizmus je schopný obrazne obnoviť prítomnosť reality“.
Možno nedostatok dobrých učiteľov olejomaľby, opatrný postoj k zmyselnosti a naturalizmu, ktoré sú vlastné mnohým Američanom tých rokov, pomáha vysvetliť trochu primitívnu povahu Porterových diel, nemotornosť, strnulosť jeho postáv, ich statickú povahu.
A až v neskorších dielach začína prekračovať hranicu impresionizmu a fauvizmu, jeho kresba sa stáva voľnejšou, farby sú jasnejšie, v dielach je viac svetla.
Edward Hopper(1882-1967) sa narodil v Nyacku, jachtárskom stredisku na rieke Hudson, do bohatej rodiny holandského pôvodu. Hopperov umelecký talent sa prejavil vo veku 5 rokov, rodičia mu vštepili lásku k francúzskemu a ruskému umeniu a podporili jeho vášeň pre maľovanie a rôznorodé záujmy.
Hopper pracoval s perom a atramentom, dreveným uhlím, akvarelom, olejom a litografiou, maľoval portréty a morské krajiny, politické karikatúry a kresby zo života. V Hopperovej práci je možné rozpoznať vplyvy Roberta Henryho, jedného z jeho učiteľov, a Maneta a Degasa,
William Chase a Rembrandt, najmä jeho „Nočná hliadka“, a kým žil v Paríži, maľoval výjavy na uliciach, v kaviarňach a divadlách, zostal v tradícii realistického umenia, aj keď niektorí bádatelia pripisujú jeho prácu precíznosti kvôli jasnému , jasné línie charakteristické pre jeho tvorbu, mechanickosť, sterilita a prázdnota priestoru.
Povedal, že jeho „obľúbenou vecou v maľovaní je slnečné svetlo na stene domu“. Počas Veľkej hospodárskej krízy mal Hopper viac šťastia ako mnohí iní umelci – naďalej každoročne vystavoval a dobre predával po zvyšok svojho života.
Jeho tvorba výrazne ovplyvnila nielen výtvarné umenie, ale aj kinematografiu filmovými kompozíciami a dramatickým využitím svetla a tmy.
Pavol Cadmus(1904-1999), predstaviteľ hnutia „magický realizmus“, vo svojej tvorbe spájal prvky erotiky a sociálnej kritiky,
získal škandalóznu slávu vďaka zjavným homosexuálnym motívom na jeho maľbách a zobrazeniam nahých mužských postáv.
Narodil sa v chudobnej rodine umelca, jeho otec povzbudil chlapca, aby sa začal venovať kresleniu, a vo veku 14 rokov sa zapísal do kurzov na Národnej akadémii dizajnu a potom na Akadémii. S priateľmi veľa cestoval, maľoval veľké plátna odrážajúce jeho dojmy z Európy, maľoval mnohofigurálne obrazy zo života rybárov, námorníkov, výjavy z mestského života,
A po stretnutí s impresáriom a baletkou Kirsten začal Cadmus produkovať mnoho diel na baletné témy, väčšinou zobrazujúcich tanečníkov.
Paul Cadmus žil dlhý život a zomrel vo veku 95 rokov v náručí svojho priateľa a pravidelného modela, ktorý bol po jeho boku počas posledných 35 rokov jeho života. Cadmus rád opakoval slová Ingresa: „Ľudia hovoria, že moje obrazy nie sú vhodné na túto dobu. Možno sa mýlia a ja som jediný, kto drží krok s dobou.“
Ivan (Ivan) Albright(1897-1983), jeden z najznámejších predstaviteľov magického realizmu, sa narodil s bratom-dvojčaťom v rodine umelca.
Bratia boli takmer celý život nerozluční, obaja študovali na Art Institute of Chicago, brat Malvin sa stal sochárom a Ivan sa stal maliarom, no začínal ako architekt a počas prvej svetovej vojny kreslil lekárske kresby pre nemocnicu. v Nantes. Na svoju prácu bol vždy veľmi náročný, starostlivo vypisoval všetky detaily a mnohé zo svojich diel venoval takým zložitým témam, akými sú život a smrť, materiálnosť a duch, vplyv času na vzhľad a vnútorný svet človeka.
Takáto práca si vyžadovala veľa času, a preto bol predaj vzácny, veľa obrazov zostalo v jeho vlastníctve. Albright si vyrábal vlastné farby a uhlíky a bol posadnutý osvetlením do tej miery, že nosil čierne oblečenie a svoje štúdio maľoval na čierno, aby zabránil oslneniu.
Maľoval realisticky, ale prehnane detailne, rád pozoroval plynutie času a len za posledné 3 roky svojho života namaľoval vyše 20 autoportrétov, aby odrážal zmeny, ktoré sa odohrávajú v človeku.
George Claire Tooker Jr. (1920-2011), ktorého diela reprezentujú smery socialistického realizmu a magického realizmu, sa narodil v rodine s anglicko-francúzsko-španielsko-kubánskymi a americkými koreňmi, na naliehanie rodičov vyštudoval anglickú literatúru na Harvarde, ale väčšinu času venoval maľbe.
Po službe v námornej pechote, z ktorej bol prepustený pre zlý zdravotný stav, navštevoval kurzy v Art Students League, veľa pracoval s vaječnou temperou a obdivoval umenie talianskej renesancie.
Tookerove obrazy zobrazujú výjavy každodenného amerického života, ľudské postavy v nich často nemajú žiadnu špecifickú rasovú či sexuálnu identitu, vyjadrujú osamelosť, izoláciu a anonymitu.
Veľkú pozornosť venoval dodržiavaniu geometrických proporcií a symetrie, preto maľoval veľmi pomaly – nie viac ako dva obrazy ročne. Od svojej prvej veľkej výstavy v roku 1951 Tooker vystavuje nepretržite a úspešne a jeho práce sú vo veľkých múzeách v Amerike.
Peter Blume(Peter Bloom) - (1906-1992), výtvarník a sochár, ktorého tvorba obsahuje prvky precisionizmu, purizmu, kubizmu, surrealizmu a ľudového umenia. Narodil sa v Rusku v židovskej rodine, ktorá v roku 1912 emigrovala do Ameriky a usadila sa v Brooklyne.
Po štúdiu umenia na rôznych školách si otvoril vlastný ateliér pod patronátom rodiny Rockefellerovcov. Ako mnohí z jeho realistických súčasníkov bol fanúšikom renesancie, cestoval po Taliansku, jeho prvým obrazom, ktorý získal uznanie v roku 1934, bol „Večné mesto“, v ktorom je možné rozpoznať obraz Mussoliniho ako jack- in-the-box, vychádzajúci z Kolosea.
Jeho diela, často zobrazujúce deštrukciu, však možno interpretovať ako symboly obnovy a obnovy po druhej svetovej vojne, o čom svedčia kamene, nové trámy a postavy pracujúceho ľudu.
Blumeov umelecký štýl bol zaujímavým hybridom rôznych umeleckých smerov amerického a európskeho umenia, nazývajú ho „rozprávkovým umelcom“.
Andrew Newell Wyeth(1917-2009), predstaviteľ prevažne regionalistického štýlu v realizme, sa narodil v rodine ilustrátora, ktorý dbal na rozvoj talentu u svojich piatich detí, učil ich dobrej literatúre, hudbe a náuke o prírode. Otec sám učil svoje deti doma a všetky boli talentované: umelci, hudobník, skladateľ, vynálezca.
Ich domov bol kreatívnym miestom, ktoré často navštevovali celebrity ako Scott Fitzgerald a Mary Pickford. Sám Wyeth sa napodiv považoval za abstrakcionistu a prikladal veľký význam uvedomeniu si hlbokého významu jednoduchých predmetov, jeho obľúbenými námetmi na jeho maľbách bola zem a ľudia okolo neho.
Jeho najznámejší obraz, Christinin svet, zobrazuje dievča z neďalekej farmy postihnuté detskou obrnou, ktoré sa samo plazí k domu v diaľke.
Jednej žene, Helge Testorfovej, venoval 247 malieb a kresieb a študoval ju v rôznych prostrediach a emocionálnych stavoch, čo je v americkom umení jedinečný zážitok.
Hoci Wyeth vytvoril mnoho technicky vynikajúcich diel a mal veľa nasledovníkov, jeho umenie je považované za kontroverzné, pričom umelecký kritik Rosenblum ho opisuje ako „najviac preceňovaného a podceňovaného“ umelca.
Grant Wood(1891-1942), jeden z najznámejších predstaviteľov regionalizmu, sa narodil v Iowe, predčasne stratil otca, pracoval v železiarstve, študoval na umeleckej škole a potom na Art Institute of Chicago.
Mladý Grant štyrikrát cestoval do Európy, aby študoval maliarske štýly, pričom osobitnú pozornosť venoval impresionizmu a postimpresionizmu, ale obdivoval diela Van Eycka a sníval o tom, že vo svojej tvorbe spojí moderné metódy a jasnosť, presnosť a hĺbku stredovekého umenia. .
Nie nadarmo sa jeho najslávnejší obraz nazýva „americká gotika“, odráža tradičný pohľad na rolu mužov a žien v Amerike z 19. storočia, obraz bol prijatý nejednoznačne, niektorí ho považovali za karikatúru a noviny ho parodovali rôznymi spôsobmi.
Neskôr, keď vyučoval umenie na University of Iowa, sa Wood stal kľúčovou postavou v univerzitnej kultúrnej spoločnosti, ale kvôli fámam o jeho homosexuálnom pomere s jeho osobným tajomníkom bol Wood prepustený a čoskoro zomrel na rakovinu pankreasu.
Thomas Hart (Hart) Benton(1889-1975) sa narodil v rodine politikov, jeho otec, plukovník, právnik a filantrop, bol štyrikrát zvolený do Kongresu. Otec chcel, aby jeho syn nasledoval jeho kroky, ale chlapec sa zaujímal o umenie, jeho matka podporovala jeho voľbu a vstúpil do Inštitútu umenia v Chicagu a potom odišiel do Paríža, aby pokračoval v štúdiu na Julian Academy.
Keď sa vrátil do Ameriky a pokračoval v maľovaní, slúžil v americkom námorníctve počas prvej svetovej vojny, kde pracoval na maskovacích obrázkoch lodí a lodeníc, ktoré si vyžadovali realistické dokumentárne zobrazenia a neskôr ovplyvnili jeho štýl. Začiatkom 20. rokov sa Benton vyhlásil za „nepriateľa modernizmu“, stal sa jedným z popredných predstaviteľov regionalizmu a pridŕžal sa „ľavicových“ názorov.
Zaujal ho El Greco, vplyv jeho tvorby je viditeľný v práci na obrovských freskách zobrazujúcich rôzne etapy a udalosti zo života krajiny.
Benton vyučoval na Art Students League v New Yorku, mnohí z jeho študentov sa stali slávnymi umelcami (Hopper, Pollack, Marsh), ale boli prepustení za odsudzujúce vyhlásenia o nenáležitom vplyve homosexuálov vo svete umenia. Po druhej svetovej vojne stratil regionalizmus ako hnutie svoj význam, Benton pokračoval v maľovaní nástenných malieb,
aktívne pracoval ešte asi 30 rokov, ale už nemal svoju bývalú popularitu.
John Stewart Carrie(1897-1946) sa narodil na farme v Kansase, staral sa o zvieratá, mal rád atletiku a od detstva bol obklopený reprodukciami obrazov Rubensa a Dorého, čo zohralo úlohu pri jeho následnej voľbe umeleckého štýlu.
John študoval na Art Institute of Chicago, pracoval ako ilustrátor časopisov a rok strávil v Paríži štúdiom diel Courbeta, Daumiera, Tiziana a Rubensa. Po návrate do Spojených štátov nejaký čas pracoval vo svojom ateliéri, cestoval s cirkusom, bol vymenovaný za prvého umelca na University of Wisconsin-Madison a cestoval po celej krajine, aby podporoval rozvoj umenia vo farmárskych komunitách.
Maľoval nástenné maľby pre ministerstvo spravodlivosti vo Washingtone a pre Kapitol v Kansase. Carrie bola jedným z troch (Benton a Wood) pilierov amerického regionalizmu, ktorý bol obzvlášť dôležitý počas Veľkej hospodárskej krízy.
Zobrazoval scény práce, rodiny a pôdy a vyrovnávania sa s prírodnými katastrofami, aby svetu demonštroval vytrvalosť, tvrdú prácu a vieru ľudí, o ktorých Carrie verila, že sú podstatou amerického života.
Úprimne povedané, realistickými umelcami vo všeobecnosti sa veľmi neinšpirujem, trochu ma zaujímajú len jednotliví predstavitelia magického realizmu (Cadmus, Blume, Hopper), ale vo všeobecnosti mi toto obdobie v americkom umení nie je blízke; , čo môžem robiť.
Ďalšia a záverečná časť bude venovaná súčasnému americkému umeniu. Záver nasleduje...
Ako vždy, prezentácia s mnohými ďalšími obrázkami a dobrou hudbou:
* Magický realizmus- Ako umelecké hnutie sa na americkej pôde rozvinul magický realizmus, ktorý sa stal ekvivalentom európskeho surrealizmu. Diela majstrov magického realizmu boli v mnohých smeroch, v súlade s vkusom a potrebami amerického publika, šokujúcim charakterom, šokujúcou svojou úprimnosťou, pričom v kombinácii s anekdotickou povahou situácií a karikatúrou postáv bola skôr nepokojný sen alebo halucinačné delírium.
**Precisionizmus, alebo presiginizmus (angl. precision – presnosť, jasnosť) – smer charakteristický pre americkú maľbu 30. rokov, typ magického realizmu. Hlavným námetom pre precisionistov je obraz mesta, hlavnou témou je mechanistická estetika, priestor obrazov je sterilný, je z nich odčerpaný vzduch, nie je v ňom človek.
***regionalizmus alebo regionalizmus (z anglického regional - local) - umelecké hnutie v umení Spojených štátov amerických rokov 1920-1940, ktoré vychádzalo z túžby vytvárať skutočne americké umenie na rozdiel od avantgardných hnutí prichádzajúcich z Európy. Regionalistickí umelci, inšpirovaní myšlienkami národnej identity, sa zamerali na zobrazenie „autentickej“ Ameriky. Námetom ich diel boli americké krajiny, výjavy zo života farmárov, život malých miest, epizódy z histórie, miestne legendy a folklórne príbehy.
V roku 1776 Amerika vyhlásila svoju nezávislosť a od tej doby sa vlastne začal rozvoj národného výtvarného umenia, ktoré bolo navrhnuté tak, aby odrážalo históriu krajiny.
Umelci 18. storočia Väčšina z nich bola samouk a vychádzala zo štýlu britského umenia.
A v 19. storočí. Už bola vytvorená prvá maliarska škola - Hudson River School.
Hudson River School
Hudson River School bol názov skupiny amerických krajinárov. Ich tvorba sa vyvíjala v štýle romantizmu. Obrazy zobrazovali údolie rieky Hudson a jeho okolie. Umelci najčastejšie zobrazovali americkú divočinu a spochybňovali realizovateľnosť technologického pokroku.
Thomas Cole "Oxbow" (1836). Metropolitné múzeum umenia (New York)
Hudson River School nebola v tom čase v maliarstve homogénnym fenoménom: existovala napríklad odnož v štýle impresionizmu, ktorá bola tzv. luminizmus. Luminizmus venoval veľkú pozornosť umelcovmu vnímaniu svetla. Luminizmus sa líši od impresionizmu v tom, že sa tu viac dbá na detaily a robí sa skrytý ťah štetcom. Ale vo všeobecnosti sú tieto dva štýly podobné.
Fitz Henry Lane "Loď v hmle" (1860)
Zakladateľom školy bol umelec Thomas Cole. Na rieku Hudson sa vydal na jeseň roku 1825. Potom sa k nemu pridal jeho blízky priateľ Asher Brown Durand. Ďalší umelci školy:
Albert Bierstadt
John William Casilier
Kostol Frederica Edwina
Thomas Cole
Samuel Coleman
Jasper Francis Cropsey
Thomas Doty
Robert Scott Duncanson
Sanford Robinson Gifford
James McDougal Hart
William Hart
William Stanley Haseltine
Martin Johnson Hedy a kol.
Obrazy umelcov Hudson School sa vyznačovali jednoduchosťou a spontánnosťou.
Thomas Cole (1801-1848)
Thomas Cole sa narodil v Anglicku. V roku 1818 jeho rodina emigrovala do Spojených štátov amerických. Cole sa naučil základy svojej profesie od cestujúceho portrétistu Steina. Ale portrétovanie sa mu nevydarilo a začal maľovať krajinky. Bol úspešný aj v alegorických maľbách, napríklad v sérii „Cesta života“, ktorá pozostávala z obrazov o štyroch obdobiach života človeka: detstvo, mladosť, zrelosť a staroba. Tento cyklus je uložený v Národnej galérii umenia (Washington, USA)
T. Cole "Detstvo"
Na prvom obraze umelec zobrazil dieťa v člne plávajúcom po rieke života. Túto loď riadi anjel, pretože... Dieťa ešte nie je schopné samostatnosti. Jeho obzory, podobne ako v obraze, sú obmedzené. Postava na prove lode drží presýpacie hodiny, symbolizujúce čas.
T. Cole "Mládež"
Tá istá loď, ale už je v nej mladý muž. Loďku už ovláda sám, no anjel ho stále neopúšťa – sleduje ho z brehu.
Anjel muža ďalej sleduje, no on je ponorený do vlastných problémov, ktoré ho premáhajú – to zdôrazňuje pochmúrne sfarbenie obrazu, stromy popadané víchricou...
T. Cole "Staroba"
A teraz sa životná cesta človeka blíži ku koncu. Postava s presýpacími hodinami už nie je na lodi - čas pozemského života sa skončil. A loď sa úplne zrútila...
Zostúpil k nemu anjel strážny, aby viedol jeho ďalšiu cestu do iného sveta, a v diaľke boli viditeľní ďalší anjeli. Cole o tomto obrázku povedal: „Okovy telesnej existencie odpadávajú a myseľ je už schopná vidieť záblesky večného života.
Winslow Homer (1836-1910)
Fotografia z roku 1880
Americký výtvarník a grafik, zakladateľ realistickej maľby. Najznámejší pre svoje morské scenérie. Maľoval olejmi a akvarelmi. Jeho tvorba ovplyvnila celý ďalší vývoj americkej maľby.
Homer bol ovplyvnený rôznymi umeleckými smermi, no vychádzal predovšetkým z čisto amerických námetov.
Jeho maľba raného obdobia je svetlá a pokojná, zatiaľ čo posledné obdobie je charakteristické tmavými tónmi a tragickými námetmi.
W. Homer „Hmlový signál“. Boston Museum of Fine Arts (USA)
Témou obrazu je boj človeka s morom, vzťah medzi krehkým ľudským životom a večnou prírodou.
Thomas Cowperthwaite Eakins (Akins) (1844-1916)
Americký umelec, fotograf, pedagóg, popredný predstaviteľ americkej realistickej maľby.
T. Eakins. Autoportrét (1902)
Vyštudoval Pensylvánsku akadémiu výtvarných umení a svoje zručnosti ďalej zdokonaľoval v Európe, hlavne v Paríži pod vedením Jeana Leona Geroma. Učil na Vysokej škole výtvarných umení a bol jej riaditeľom.
Veľkú pozornosť venoval štúdiu a zobrazovaniu nahoty, prejavoval voľnomyšlienkárstvo, za čo ho vyhodili. V Eakinsových obrazoch a fotografiách zaujíma ústredné miesto nahé a polonahé telo. Vlastní veľa obrázkov športovcov. Eakins sa obzvlášť zaujímal o sprostredkovanie pohybov ľudského tela.
T. Eakins "Plávanie" (1895)
Portréty maľoval v mnohofigurálnom prostredí.
Najznámejším dielom je „Klinika Gross“.
T. Eakins "Gross Clinic" (1875)
Obraz zobrazuje slávneho filadelfského chirurga Samuela Grossa, ktorý vedie operáciu pred študentmi lekárskej akadémie. Umelec zobrazuje Dr. Grossa ako génia ľudského myslenia, no obraz šokoval súčasníkov svojou realizmom.
T. Eakins je známy aj množstvom významných portrétov, vrátane portrétu amerického básnika a publicistu Walta Whitmana (1887-1888), ktorý sám básnik považoval za najlepší.
T. Eakins. Portrét Whitmana (1887)
James Abbott McNeill Whistler (1834-1903)
Anglo-americký umelec, portrétista, lept a litograf. Predchodca impresionizmu a symbolizmu.
D. Whistler. Autoportrét. Inštitút umenia (Detroit)
Narodil sa v Lowell, Massachusetts. Jeho otec, George Washington Whistler, slávny železničný inžinier, bol v roku 1842 pozvaný postaviť cesty v Rusku, navrhol Nikolaevskú železnicu. V Rusku navštevoval James Akadémiu umení. V USA študoval na vojenskej škole, no pre slabé študijné výsledky ho vyhodili.
D. Whistler „Aranžmán v šedej a čiernej farbe. Umelcova matka (1871). Múzeum Orsay (Paríž)
Toto je najznámejšie dielo Jamesa Whistlera.
Študoval maľbu v Paríži, potom v Benátkach (študoval akvarelové skice a lepty).
Whistler mal v prvom období svojej tvorby blízko k impresionizmu v túžbe zachytiť prvý dojem z objektu – krajiny alebo človeka. V mnohých otázkach však nesúhlasil s impresionistami: neschvaľoval kult plenéru a vopred premýšľal o farebnej tonalite. Vo svojich neskorších prácach Whistler používa extrémne zriedené, akvarelom podobné priehľadné farby, ktoré sprostredkúvajú pocit nestálej pohyblivosti atmosférického prostredia.
D. Whistler „Symfónia v sivom a zelenom oceáne“ (1866-1872)
Každodenný žáner
Veľký rozvoj americkej maľby 19. storočia. dostal domáci žáner. Spočiatku bol tento žáner založený na zobrazovaní provinčného života kartami, tancami atď.
Eastman Johnson, Šťastie opusteného dostavníka (1871)
Ale po začatí priemyselnej revolúcie a urbanizácie v Spojených štátoch začali umelci zobrazovať život obyvateľov veľkých miest.
John Gast "Americký pokrok" (okolo 1872)
Obraz zobrazuje alegorickú Kolumbiu s učebnicou v rukách. Vedie civilizáciu na západ spolu s americkými osadníkmi a pozdĺž cesty naťahuje telegrafnú linku. Na obrázku sú rôzne druhy hospodárskych aktivít prvých osadníkov, história dopravy. Indiáni a divoké zvieratá sú zobrazené na úteku pred osadníkmi.
"Škola smetného koša"
Na prelome 19. a 20. stor. Spojené štáty americké zaznamenali rýchly rast veľkých miest. Vtedajšie fotoaparáty sa ešte nedali použiť na rýchle fotografovanie incidentov, a tak si spravodajské noviny najímali umelcov na ilustrácie. Vznikla tak Škola odpadkového koša, do ktorej patrili Robert Henry, Glenn Coleman, Jerome Myers a George Bellows. Hlavnými námetmi ateliérových skečov boli ulice s ich typickými predstaviteľmi: deťmi ulice, prostitútkami, pouličnými umelcami a prisťahovalcami. Pôvod, vzdelanie a politické názory týchto umelcov boli rôzne. Ale Robert Henry veril, že život a aktivity chudobných, proletariátu a strednej triedy sú hodné stelesnenia v maľbe - to je realita doby.
George Bellows "Pomoc sestry Edith Cavell" (1918)
„The Garbage Boil School“ spôsobila revolúciu vo výtvarnom umení Spojených štátov, bola predchodcom
Obsah článku
AMERICKÉ MAĽOVANIE. Prvé diela amerického maliarstva, ktoré sa k nám dostali, pochádzajú zo 16. storočia; sú to náčrty, ktoré urobili účastníci výskumných expedícií. Profesionálni umelci sa však v Amerike objavili až začiatkom 18. storočia; jediným stabilným zdrojom príjmu bol pre nich portrét; tento žáner naďalej zaujímal vedúce postavenie v americkej maľbe až do začiatku 19. storočia.
Koloniálne obdobie.
Prvá skupina portrétov, realizovaných technikou olejomaľby, pochádza z druhej polovice 17. storočia; V tejto dobe bol život osadníkov relatívne pokojný, život sa stabilizoval a objavili sa možnosti na vykonávanie umenia. Z týchto diel je najznámejší portrét Pani Frick a dcéra Mary(1671–1674, Massachusetts, Worcester Museum of Art), ktorú namaľoval neznámy anglický umelec. V tridsiatych rokoch 18. storočia už mali mestá na východnom pobreží niekoľko umelcov, ktorí pracovali modernejším a realistickejším spôsobom: Henrietta Johnston v Charlestone (1705), Justus Englehardt Kuhn v Annapolise (1708), Gustav Hesselius vo Philadelphii (1712), John Watson v r. Perth Amboy v New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) a John Smibert (1728) v Bostone. Maľba posledných dvoch mala významný vplyv na tvorbu Johna Singletona Copleyho (1738–1815), ktorý je považovaný za prvého významného amerického umelca. Z rytín z Pelhamovej zbierky mladý Copley pochopil anglické slávnostné portrétovanie a maľbu Godfreyho Knellera, popredného anglického majstra, ktorý sa tomuto žánru venoval na začiatku 18. storočia. Na obrázku Chlapec s veveričkou(1765, Boston, Museum of Fine Arts) Copley vytvoril nádherný realistický portrét, jemný a prekvapivo presný pri sprostredkovaní textúry predmetov. Keď Copley v roku 1765 poslal toto dielo do Londýna, Joshua Reynolds mu poradil, aby pokračoval v štúdiu v Anglicku. Copley však zostal v Amerike až do roku 1774 a pokračoval v maľovaní portrétov, pričom v nich starostlivo vypracoval všetky detaily a nuansy. Potom podnikol výlet do Európy a v roku 1775 sa usadil v Londýne; V jeho štýle sa objavil manierizmus a črty idealizácie charakteristické pre vtedajšiu anglickú maľbu. Medzi najlepšie diela, ktoré Copley vyrobil v Anglicku, patria veľké formálne portréty pripomínajúce prácu Benjamina Westa, vrátane maľby Brooke Watson a žralok(1778, Boston, Múzeum výtvarného umenia).
Vojna za nezávislosť a začiatok 19. storočia.
Na rozdiel od Copleyho a Westa, ktorí zostali natrvalo v Londýne, sa portrétista Gilbert Stuart (1755 – 1828) vrátil do Ameriky v roku 1792 a urobil kariéru v Londýne a Dubline. Čoskoro sa stal popredným majstrom tohto žánru v mladej republike; Stewart maľoval portréty takmer všetkých významných politických a verejných činiteľov v Amerike. Jeho diela sú realizované živým, voľným, útržkovitým spôsobom, veľmi odlišným od štýlu amerických diel Copleyho.
Benjamin West ochotne prijal mladých amerických umelcov do svojho londýnskeho ateliéru; medzi jeho študentov patrili Charles Wilson Peale (1741 – 1827) a Samuel F. B. Morse (1791 – 1872). Peale sa stal zakladateľom dynastie maliarov a rodinného umeleckého podniku vo Philadelphii. Maľoval portréty, zaoberal sa vedeckým výskumom a otvoril Prírodovedné a maliarske múzeum vo Philadelphii (1786). Z jeho sedemnástich detí sa mnohé stali umelcami a prírodovedcami. Morse, lepšie známy ako vynálezca telegrafu, namaľoval niekoľko krásnych portrétov a jeden z najveľkolepejších obrazov v celom americkom maliarstve - Galéria Louvre. V tomto diele je miniatúrne reprodukovaných asi 37 plátien s úžasnou presnosťou. Toto dielo, ako všetky Morseove aktivity, malo za cieľ priblížiť mladému národu veľkú európsku kultúru.
Washington Alston (1779–1843) bol jedným z prvých amerických umelcov, ktorí vzdali hold romantizmu; Počas svojich dlhých ciest po Európe maľoval morské búrky, poetické talianske výjavy a sentimentálne portréty.
Začiatkom 19. stor. Otvorili sa prvé americké umelecké akadémie, ktoré poskytovali študentom odbornú prípravu a priamo sa podieľali na organizovaní výstav: Pennsylvania Academy of Arts vo Philadelphii (1805) a Národná akadémia kreslenia v New Yorku (1825), ktorej prvým prezidentom bol S. R. Morse. . V 20. a 30. rokoch 19. storočia John Trumbull (1756 – 1843) a John Vanderlyn (1775 – 1852) namaľovali obrovské kompozície námetov z americkej histórie, ktoré zdobili steny rotundy Capitol vo Washingtone.
V 30. rokoch 19. storočia sa krajina stala dominantným žánrom americkej maľby. Thomas Cole (1801–1848) maľoval panenskú prírodu severu (New York). Tvrdil, že počasie ošľahané hory a svetlé jesenné lesy sú pre amerických umelcov vhodnejším námetom ako malebné európske ruiny. Cole tiež namaľoval niekoľko krajín preniknutých etickým a náboženským významom; medzi nimi sú štyri veľké obrazy Životná cesta(1842, Washington, Národná galéria) - alegorické kompozície zobrazujúce loď plaviacu sa po rieke, v ktorej sedí chlapec, potom mladý muž, potom muž a nakoniec starý muž. Mnohí krajinári nasledovali Coleov príklad a vo svojich dielach zobrazovali americkú prírodu; často sa spájajú do jednej skupiny s názvom „Hudson River School“ (čo nie je pravda, keďže pracovali po celej krajine a písali rôznymi štýlmi).
Z amerických žánrových maliarov sú najznámejší William Sidney Mount (1807–1868), ktorý maľoval výjavy zo života farmárov z Long Islandu a George Caleb Bingham (1811–1879), ktorého obrazy sú venované životu rybárov z r. brehy Missouri a voľby v malých provinčných mestách.
Pred občianskou vojnou bol najpopulárnejším umelcom Frederick Edwin Church (1826 – 1900), Coleov študent. Maľoval prevažne veľkoformátové diela a niekedy využíval až príliš naturalistické motívy, aby zaujal a ohromil verejnosť. Church cestoval na najexotickejšie a najnebezpečnejšie miesta a zbieral materiál na zobrazenie juhoamerických sopiek a ľadovcov severných morí; jedným z jeho najznámejších diel je obraz Niagarské vodopády (1857, Washington, Corcoran Gallery).
V 60. rokoch 19. storočia vzbudzovali obrovské plátna Alberta Bierstadta (1830 – 1902) všeobecný obdiv ku kráse Skalistých hôr s ich priezračnými jazerami, lesmi a týčiacimi sa štítmi.
Povojnové obdobie a prelom storočia.
Po občianskej vojne sa stalo módou študovať maliarstvo v Európe. V Düsseldorfe, Mníchove a najmä v Paríži bolo možné získať oveľa zásadnejšie vzdelanie ako v Amerike. James McNeill Whistler (1834 – 1903), Mary Cassatt (1845 – 1926) a John Singer Sargent (1856 – 1925) študovali v Paríži a žili a pracovali vo Francúzsku a Anglicku. Whistler mal blízko k francúzskym impresionistom; vo svojich obrazoch venoval osobitnú pozornosť farebným kombináciám a expresívnej, lakonickej kompozícii. Mary Cassatt sa na pozvanie Edgara Degasa zúčastnila na impresionistických výstavách v rokoch 1879 až 1886. Sargent maľoval portréty najvýznamnejších ľudí Starého a Nového sveta odvážnym, impulzívnym, povrchným spôsobom.
Opačná strana štýlového spektra k impresionizmu v umení konca 19. storočia. obsadené realistickými umelcami, ktorí maľovali iluzionistické zátišia: William Michael Harnett (1848 – 1892), John Frederick Peto (1854 – 1907) a John Haeberl (1856 – 1933).
Dvaja významní umelci konca 19. a začiatku 20. storočia, Winslow Homer (1836 – 1910) a Thomas Eakins (1844 – 1916), nepatrili k žiadnemu z umeleckých hnutí, ktoré boli v tom čase módne. Homer začal svoju tvorivú kariéru v 60. rokoch 19. storočia ilustrovaním newyorských časopisov; už v 90. rokoch 19. storočia mal povesť slávneho umelca. Jeho rané obrazy sú výjavmi dedinského života nasýteného jasným slnečným svetlom. Neskôr sa Homer začal obracať k zložitejším a dramatickejším obrazom a témam: v obraze Golfský prúd(1899, Metropolitan) zobrazuje zúfalstvo čierneho námorníka ležiaceho na palube člna v rozbúrenom, žralokmi zamorenom mori. Počas svojho života bol Thomas Eakins vystavený tvrdej kritike za prílišný objektivizmus a priamosť. Teraz sú jeho diela vysoko cenené pre ich prísne a jasné kresby; jeho štetce zahŕňajú obrázky športovcov a úprimné portréty preniknuté sympatiou.
Dvadsiate storočie.
Na začiatku storočia boli najviac cenené napodobeniny francúzskeho impresionizmu. Vkus verejnosti spochybnila skupina ôsmich umelcov: Robert Henry (1865 – 1929), W. J. Glackens (1870 – 1938), John Sloan (1871 – 1951), J. B. Lax (1867 – 1933), Everett Shinn (1876 – 1953) , A. B. Davies (1862 – 1928), Maurice Prendergast (1859 – 1924) a Ernest Lawson (1873 – 1939). Kritici ich pre ich záľubu v zobrazovaní slumov a iných prozaických námetov nazvali školou „odpadkového koša“.
V roku 1913 na tzv „Armory Show“ vystavovala diela majstrov patriacich do rôznych oblastí postimpresionizmu. Americkí umelci boli rozdelení: niektorí sa obrátili na skúmanie možností farebnej a formálnej abstrakcie, iní zostali v lone realistickej tradície. Do druhej skupiny patrili Charles Burchfield (1893–1967), Reginald Marsh (1898–1954), Edward Hopper (1882–1967), Fairfield Porter (1907–1975), Andrew Wyeth (nar. 1917) a ďalší. Obrazy Ivana Albrighta (1897 – 1983), Georgea Tookera (nar. 1920) a Petra Blooma (1906 – 1992) sú napísané v štýle „magického realizmu“ (podobnosť s prírodou v ich dielach je prehnaná a realita je viac pripomínajúci sen alebo halucináciu). Iní umelci, ako Charles Sheeler (1883 – 1965), Charles Demuth (1883 – 1935), Lionel Feininger (1871 – 1956) a Georgia O'Keeffe (1887 – 1986), kombinovali prvky realizmu, kubizmu a expresionizmu vo svojich diela a iné smery európskeho umenia Námorné pohľady Johna Marina (1870 – 1953) a Marsdena Hartleyho (1877 – 1943) majú blízko k expresionizmu Obrazy vtákov a zvierat na maľbách Mauricea Gravesa (nar spojenie s viditeľným svetom, hoci formy sú jeho diela značne skreslené a dovedené do takmer krajných symbolických označení.
Po druhej svetovej vojne sa neobjektívna maľba stala vedúcim smerom v americkom umení. Hlavná pozornosť bola teraz venovaná samotnej obrazovej ploche; bolo vnímané ako aréna pre interakciu čiar, hmôt a farebných škvŕn. Najvýznamnejšie miesto v týchto rokoch zaujímal abstraktný expresionizmus. Stal sa prvým hnutím v maľbe, ktoré vzniklo v Spojených štátoch a malo medzinárodný význam. Lídrami tohto hnutia boli Arshile Gorkij (1904 – 1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904 – 1997), Jackson Pollock (1912 – 1956), Mark Rothko (1903 – 1970) a Franz Kline (1910 – 1962). Jedným z najzaujímavejších objavov abstraktného expresionizmu bola výtvarná metóda Jacksona Pollocka, ktorý kvapkal alebo hádzal farbu na plátno, aby vytvoril zložitý labyrint dynamických lineárnych foriem. Ďalší umelci tohto hnutia -