Umelci ranej renesancie. Veľkí umelci renesancie Umelci renesančnej kultúry
Renesancia je fenomenálny fenomén v dejinách ľudstva. V oblasti umenia ešte nikdy nedošlo k takému skvelému prepuknutiu. Sochári, architekti a umelci renesancie (ich zoznam je dlhý, ale dotkneme sa tých najznámejších), ktorých mená sú každému známe, dali svetu neoceniteľných jedinečných a výnimočných ľudí, ktorí sa neprejavili v jednej oblasti, ale vo viacerých naraz.
Ranorenesančné maliarstvo
Obdobie renesancie má relatívny časový rámec. Najprv to začalo v Taliansku - 1420-1500. V tejto dobe sa maľba a vôbec celé umenie veľmi nelíši od nedávnej minulosti. Prvýkrát sa však začínajú objavovať prvky vypožičané z klasickej antiky. A až v nasledujúcich rokoch sochári, architekti a umelci renesancie (ktorých zoznam je veľmi dlhý), pod vplyvom moderných životných podmienok a progresívnych trendov, konečne opustili stredoveké základy. Pre svoje diela odvážne preberajú najlepšie príklady antického umenia, a to ako vo všeobecnosti, tak aj v jednotlivých detailoch. Ich mená sú mnohým známe, zamerajme sa na najvýraznejšie osobnosti.
Masaccio – génius európskeho maliarstva
Bol to on, kto výrazne prispel k rozvoju maľby a stal sa veľkým reformátorom. Florentský majster sa narodil v roku 1401 v rodine umeleckých remeselníkov, takže zmysel pre vkus a chuť tvoriť mal v krvi. Vo veku 16-17 rokov sa presťahoval do Florencie, kde pracoval v dielňach. Donatello a Brunelleschi, veľkí sochári a architekti, sú právom považovaní za jeho učiteľov. Komunikácia s nimi a osvojené zručnosti nemohli neovplyvniť mladého maliara. Z prvej si Masaccio požičal nové chápanie ľudskej osobnosti, charakteristické pre sochárstvo. Druhý majster má základy Bádatelia považujú za prvé spoľahlivé dielo „Triptych San Giovenale“ (na prvej fotografii), ktorý bol objavený v malom kostole neďaleko mesta, kde sa narodil Masaccio. Hlavným dielom sú fresky venované životnému príbehu sv. Petra. Umelec sa podieľal na vytvorení šiestich z nich, a to: „Zázrak na Statire“, „Vyhnanie z raja“, „Krst neofytov“, „Rozdelenie majetku a smrť Ananiáša“, „Vzkriesenie syna Theophila“. “, „Sv. Peter lieči chorých svojím tieňom“ a „Sv. Peter na kazateľnici“.
Talianski umelci renesancie boli ľudia, ktorí sa venovali výlučne umeniu, nevenovali pozornosť bežným každodenným problémom, čo ich niekedy viedlo k chudobnej existencii. Masaccio nie je výnimkou: brilantný majster zomrel veľmi skoro, vo veku 27-28 rokov, zanechal po sebe veľké diela a veľké množstvo dlhov.
Andrea Mantegna (1431-1506)
Ide o predstaviteľa padovskej školy maliarov. Základy remesla dostal od svojho adoptívneho otca. Štýl sa formoval pod vplyvom diel Masaccia, Andrea del Castagno, Donatella a benátskeho maliarstva. To určilo trochu drsné a drsné spôsoby Andrea Mantegna v porovnaní s Florenťanmi. Bol zberateľom a znalcom kultúrnych diel antického obdobia. Vďaka svojmu štýlu sa na rozdiel od iných preslávil ako inovátor. Jeho najznámejšie diela: „Mŕtvy Kristus“, „Cézarov triumf“, „Judita“, „Bitka o božstvá mora“, „Parnas“ (na obrázku) atď. Od roku 1460 až do svojej smrti pracoval ako dvorný maliar pre vojvodov z Gonzagy.
Sandro Botticelli (1445-1510)
Botticelli je pseudonym, jeho skutočné meno je Filipepi. Nevybral sa hneď na dráhu umelca, ale spočiatku študoval šperkárske remeslo. V jeho prvých samostatných dielach (niekoľko „madon“) cítiť vplyv Masaccia a Lippiho. Neskôr sa preslávil aj ako maliar portrétov, väčšina zákaziek pochádzala z Florencie. Vycibrený a sofistikovaný charakter jeho diel s prvkami štylizácie (zovšeobecnenie obrazov konvenčnými technikami - jednoduchosť formy, farby, objemu) ho odlišuje od ostatných majstrov tej doby. Súčasník Leonarda da Vinciho a mladého Michelangela zanechal jasnú stopu vo svetovom umení („Zrodenie Venuše“ (foto), „Jar“, „Klaňanie troch kráľov“, „Venuša a Mars“, „Vianoce“ , atď.). Jeho maľba je úprimná a citlivá a jeho životná cesta je zložitá a tragická. Romantické vnímanie sveta v mladom veku ustúpilo v dospelosti mystike a náboženskej exaltácii. Posledné roky svojho života prežil Sandro Botticelli v chudobe a zabudnutí.
Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)
Taliansky maliar a ďalší predstaviteľ ranej renesancie, pôvodom z Toskánska. Autorov štýl sa formoval pod vplyvom florentskej maliarskej školy. Okrem talentu umelca mal Piero della Francesca vynikajúce schopnosti v oblasti matematiky a venoval jej posledné roky svojho života a snažil sa ju spojiť s vysokým umením. Výsledkom boli dve vedecké pojednania: „O perspektíve v maľbe“ a „Kniha piatich pravidelných telies“. Jeho štýl sa vyznačuje vážnosťou, harmóniou a noblesou obrazov, kompozičnou vyváženosťou, presnými líniami a stavbou a jemnou farebnou škálou. Piero della Francesca mal úžasné znalosti o technickej stránke maľby a o zvláštnostiach vtedajšej perspektívy, čo mu medzi súčasníkmi vynieslo vysokú autoritu. Najznámejšie diela: „Dejiny kráľovnej zo Sáby“, „Bičovanie Krista“ (na obrázku), „Oltár Montefeltro“ atď.
Vrcholne renesančné maliarstvo
Ak protorenesancia a raná éra trvali takmer sto a pol a storočie, potom toto obdobie zahŕňa len niekoľko desaťročí (v Taliansku od roku 1500 do roku 1527). Bol to jasný, oslnivý záblesk, ktorý dal svetu celú galaxiu skvelých, všestranných a skvelých ľudí. Všetky odvetvia umenia išli ruka v ruke, takže mnohí majstri boli aj vedcami, sochármi, vynálezcami a nielen renesančnými umelcami. Zoznam je dlhý, no vrchol renesancie poznačili diela L. da Vinciho, M. Buanarottiho a R. Santiho.
Neobyčajný génius Da Vinciho
Možno je to najvýnimočnejšia a najvýraznejšia osobnosť v dejinách svetovej umeleckej kultúry. Bol univerzálnym človekom v plnom zmysle slova a disponoval najvšestrannejšími vedomosťami a talentom. Umelec, sochár, teoretik umenia, matematik, architekt, anatóm, astronóm, fyzik a inžinier – to všetko je o ňom. Navyše v každej z oblastí sa Leonardo da Vinci (1452-1519) ukázal ako novátor. Dodnes sa zachovalo iba 15 jeho obrazov, ako aj veľa náčrtov. Mal úžasnú životnú energiu a smäd po poznaní, bol netrpezlivý a fascinovaný samotným procesom učenia. Vo veľmi mladom veku (20 rokov) sa kvalifikoval ako majster Cechu svätého Lukáša. Jeho najvýznamnejšie diela boli freska „Posledná večera“, obrazy „Mona Lisa“, „Benois Madonna“ (na obrázku vyššie), „Dáma s hranostajom“ atď.
Portréty renesančných umelcov sú zriedkavé. Svoje obrazy radšej nechali na obrazoch s mnohými tvárami. Kontroverzia okolo da Vinciho autoportrétu (na obrázku) teda pokračuje dodnes. Existujú verzie, že to urobil vo veku 60 rokov. Podľa životopisca, umelca a spisovateľa Vasariho veľký majster zomrel v náručí svojho blízkeho priateľa kráľa Františka I. na svojom zámku Clos-Lucé.
Raphael Santi (1483-1520)
Umelec a architekt pôvodom z Urbina. Jeho meno v umení je vždy spojené s myšlienkou vznešenej krásy a prirodzenej harmónie. Za pomerne krátky život (37 rokov) vytvoril množstvo svetoznámych obrazov, fresiek a portrétov. Námety, ktoré zobrazoval, boli veľmi rôznorodé, no vždy ho priťahoval obraz Matky Božej. Absolútne oprávnene sa Raphael nazýva „majstrom Madon“, najmä tých, ktoré namaľoval v Ríme. Vo Vatikáne pôsobil od roku 1508 až do konca života ako oficiálny umelec na pápežskom dvore.
Komplexne nadaný, podobne ako mnohí iní veľkí umelci renesancie, Raphael bol tiež architektom a pracoval aj v archeologických vykopávkach. Podľa jednej verzie najnovšie hobby priamo súvisí s predčasnou smrťou. Pri vykopávkach sa pravdepodobne nakazil rímskou horúčkou. Veľký majster bol pochovaný v Panteóne. Fotografia je jeho autoportrét.
Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)
Dlhoročný 70-ročný muž bol bystrý, zanechal svojim potomkom nehynúce výtvory nielen maliarske, ale aj sochárske. Rovnako ako iní veľkí renesanční umelci, aj Michelangelo žil v dobe plnej historických udalostí a prevratov. Jeho umenie je nádhernou záverečnou poznámkou celej renesancie.
Majster dal sochu nad všetky ostatné umenia, no z vôle osudu sa stal vynikajúcim maliarom a architektom. Jeho najambicióznejším a najmimoriadnejším dielom je obraz (na obrázku) v paláci vo Vatikáne. Plocha fresky presahuje 600 metrov štvorcových a obsahuje 300 ľudských postáv. Najpôsobivejšia a najznámejšia je scéna Posledný súd.
Talianski renesanční umelci mali mnohostranný talent. Málokto teda vie, že Michelangelo bol aj vynikajúci básnik. Táto stránka jeho geniality sa naplno prejavila až na sklonku jeho života. Dodnes sa zachovalo asi 300 básní.
Neskoro renesančné maliarstvo
Záverečné obdobie zahŕňa časové obdobie od 1530 do 1590-1620. Podľa Encyclopedia Britannica sa renesancia ako historické obdobie skončila pádom Ríma v roku 1527. Približne v rovnakom čase v južnej Európe triumfovala protireformácia. Katolícke hnutie sa opatrne pozeralo na akékoľvek voľnomyšlienkárstvo, vrátane velebenia krásy ľudského tela a vzkriesenia umenia antického obdobia – teda všetkého, čo bolo piliermi renesancie. Z toho vznikol zvláštny pohyb – manierizmus, charakteristický stratou súladu duchovného a fyzického, človeka a prírody. Ale aj počas tohto ťažkého obdobia niektorí slávni renesanční umelci vytvorili svoje majstrovské diela. Medzi nimi sú Antonio da Correggio (považovaný za zakladateľa klasicizmu a palladianizmu) a Tizian.
Tizian Vecellio (1488-1490-1676)
Je právom považovaný za titána renesancie spolu s Michelangelom, Raphaelom a da Vincim. Ešte pred dovŕšením tridsiatky si Tizian získal povesť „kráľa maliarov a maliara kráľov“. Umelec maľoval najmä obrazy na mytologické a biblické námety, navyše sa preslávil ako vynikajúci portrétista. Súčasníci verili, že byť zajatý štetcom veľkého majstra znamená získať nesmrteľnosť. A toto je pravda. Rozkazy Tizianovi pochádzali od najuctievanejších a najušľachtilejších osôb: pápežov, kráľov, kardinálov a vojvodov. Tu je len niekoľko z jeho najznámejších diel: „Urbinská venuša“, „Znásilnenie Európy“ (na obrázku), „Nesenie kríža“, „Tŕňová koruna“, „Madona z Pesara“, „Žena so zrkadlom“ “, atď.
Nič sa neopakuje dvakrát. Obdobie renesancie dalo ľudstvu brilantné, výnimočné osobnosti. Ich mená sú zlatými písmenami zapísané do svetových dejín umenia. Architekti a sochári, spisovatelia a umelci renesancie - zoznam je veľmi dlhý. Dotkli sme sa len titánov, ktorí tvorili históriu a priniesli svetu myšlienky osvietenstva a humanizmu.
S klasickou úplnosťou sa renesancia realizovala v Taliansku, v ktorej renesančnej kultúre sú obdobia: protorenesancia alebo časy predrenesančných javov („doba Danteho a Giotta“, okolo 1260-1320), čiastočne sa zhodujúce s obdobím Ducento (13. storočie), ako aj Trecento (14. storočie), Quattrocento (15. storočie) a Cinquecento (16. storočie). Všeobecnejšími obdobiami sú raná renesancia (14-15 storočia), keď nové trendy aktívne interagujú s gotikou, prekonávajú ju a tvorivo ju pretvárajú.
Rovnako ako vrcholná a neskorá renesancia, ktorej osobitnou fázou bol manierizmus. Počas obdobia Quattrocenta sa stredobodom záujmu stala florentská škola, architekti (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino a ďalší), sochári (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano), maliari (Masaccio). inovácií vo všetkých druhoch umenia, Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli), ktorí vytvorili plasticky celistvý koncept sveta s vnútornou jednotou, ktorý sa postupne rozšíril po celom Taliansku (dielo Piera della Francesca v r. Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa vo Ferrare, Andrea Mantegna v Mantove, Antonello da Messina a bratia Gentile a Giovanni Bellini v Benátkach).
Je prirodzené, že doba, ktorá prikladala ústredný význam „božskej“ ľudskej tvorivosti, priniesla osobnosti v umení, ktoré sa so všetkou hojnosťou vtedajšieho talentu stali zosobnením celých epoch národnej kultúry (osobné „titány“, ako ich neskôr romanticky nazývali). Giotto sa stal zosobnením protorenesancie, opačné aspekty quattrocenta – konštruktívnu prísnosť a oduševnený lyrizmus – vyjadrili Masaccio, Angelico a Botticelli. „Titani“ strednej (alebo „vysokej“) renesancie Leonardo da Vinci, Raphael a Michelangelo sú umelci – symboly veľkého obratu New Age ako takého. Najdôležitejšie etapy talianskej renesančnej architektúry - raná, stredná a neskorá - sú monumentálne zhmotnené v dielach F. Brunelleschiho, D. Bramanteho a A. Palladia.
Stredovekú anonymitu v období renesancie vystriedala individuálna, autorská tvorivosť. Veľký praktický význam má teória lineárnej a vzdušnej perspektívy, proporcie, problémy anatómie a modelovania svetla a tieňa. Stredom renesančných inovácií, umeleckým „zrkadlom doby“ bola iluzívna životná maľba v náboženskom umení nahrádza ikonu a v sekulárnom umení dáva vznik samostatným žánrom krajiny, každodennej maľby a portrétu (tzv. posledne menované hralo primárnu úlohu pri vizuálnom potvrdzovaní ideálov humanistickej virtu. Umenie rytiny do dreva a kovu, ktoré sa skutočne rozšírilo počas reformácie, získava svoju konečnú vnútornú hodnotu. Kreslenie z pracovného náčrtu sa mení na samostatný typ kreativity; individuálny štýl ťahu, ťah, ale aj textúra a efekt neúplnosti (non-finito) sa začínajú hodnotiť ako samostatné umelecké efekty. Monumentálna maľba sa tiež stáva malebnou, iluzívnou a trojrozmernou, čím získava väčšiu vizuálnu nezávislosť od hmoty steny. Všetky druhy výtvarného umenia v súčasnosti tak či onak porušujú monolitickú stredovekú syntézu (kde dominovala architektúra) a získavajú komparatívnu nezávislosť. Formujú sa typy absolútne okrúhlych sôch, jazdecké pomníky, portrétne busty (v mnohom oživujúce starodávnu tradíciu) a vzniká úplne nový typ slávnostného sochárskeho a architektonického náhrobku.
V období vrcholnej renesancie, keď boj za humanistické renesančné ideály nadobudol intenzívny a hrdinský charakter, sa architektúra a výtvarné umenie vyznačovali šírkou spoločenského zvuku, syntetickou všeobecnosťou a silou obrazov plných duchovnej a fyzickej aktivity. V budovách Donata Bramanteho, Raphaela, Antonia da Sangalla dosiahla vrchol dokonalá harmónia, monumentálnosť a jasná proporcionalita; humanistická plnosť, odvážny let umeleckej predstavivosti, šírka reality sú charakteristické pre tvorbu najväčších majstrov výtvarného umenia tejto doby - Leonarda da Vinciho, Raphaela, Michelangela, Giorgioneho, Tiziana. Od druhej štvrtiny 16. storočia, keď Taliansko vstúpilo do obdobia politickej krízy a sklamania z myšlienok humanizmu, nadobúdalo dielo mnohých majstrov komplexný a dramatický charakter. V architektúre neskorej renesancie (Giacomo da Vignola, Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi) vzrástol záujem o priestorový rozvoj kompozície a podriadenie stavby širokému urbanistickému plánu; v bohato a komplexne rozvinutých verejných budovách, chrámoch, vilách a palácoch ustúpila jasná tektonika ranej renesancie intenzívnemu konfliktu tektonických síl (stavby Jacopa Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). Maliarstvo a sochárstvo neskorej renesancie boli obohatené o pochopenie rozporuplnosti sveta, záujem o zobrazovanie dramatickej masovej akcie, o priestorovú dynamiku (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); Psychologické charakteristiky obrazov v neskorších dielach Michelangela a Tiziana dosiahli nebývalú hĺbku, komplexnosť a vnútornú tragiku.
Škola v Benátkach
Benátska škola, jedna z hlavných maliarskych škôl v Taliansku, s centrom v meste Benátky (čiastočne aj v malých mestečkách Terraferma – oblasti pevniny susediace s Benátkami). Benátska škola sa vyznačuje prevahou obrazového princípu, osobitnou pozornosťou k problémom farieb a túžbou stelesniť zmyselnú plnosť a farebnosť života. Benátky, úzko späté s krajinami západnej Európy a východu, čerpali z cudzej kultúry všetko, čo mohlo slúžiť na jej výzdobu: eleganciu a zlatý lesk byzantských mozaík, kamenné okolie maurských stavieb, fantastickú prírodu gotických chrámov. Zároveň si vytvorila svoj vlastný originálny štýl v umení, smerujúci k slávnostnej farebnosti. Benátsku školu charakterizuje svetský, život potvrdzujúci princíp, poetické vnímanie sveta, človeka a prírody a jemný kolorizmus.
Najväčší rozkvet dosiahla benátska škola v období ranej a vrcholnej renesancie v tvorbe Antonella da Messinu, ktorý svojim súčasníkom otvoril výrazové možnosti olejomaľby, tvorcom ideálne harmonických obrazov Giovanniho Belliniho a Giorgiona, najväčší kolorista Tizian, ktorý do svojich plátien stelesnil veselosť a farebnosť, ktorá je vlastná benátskej maliarskej plejáde. V dielach majstrov benátskej školy druhej polovice 16. storočia virtuozita v sprostredkovaní pestrofarebného sveta, láska k sviatočným predstaveniam a rôznorodý dav koexistujú so zjavnou i skrytou drámou, alarmujúcim pocitom dynamiky a nekonečnosti vesmír (obrazy Paola Veroneseho a Jacopa Tintoretta). Tradičný záujem o problematiku farby pre benátsku školu v dielach Domenica Fettiho, Bernarda Strozziho a ďalších umelcov v 17. storočí koexistoval s technikami barokovej maľby, ako aj s realistickými smermi v duchu caravaggizmu. Pre benátske maliarstvo 18. storočia je charakteristický rozkvet monumentálnej a dekoratívnej maľby (Giovanni Battista Tiepolo), každodenný žáner (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), dokumentárne precízna architektonická krajina - vedata (Giovan Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) a lyrický, jemne sprostredkúvajúci poetickú atmosféru každodenného života panorámy Benátok (Francesco Guardi).
Florentská škola
Florence School, jedna z popredných talianskych umeleckých škôl renesancie, s centrom v meste Florencia. K formovaniu florentskej školy, ktorá sa definitívne sformovala v 15. storočí, prispel rozkvet humanistického myslenia (Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola atď.), ktoré sa obrátilo k dedičstvu antiky. Zakladateľom florentskej školy v období protorenesancie bol Giotto, ktorý dal svojim skladbám plastickú presvedčivosť a životnú autentickosť.
V 15. storočí boli zakladateľmi renesančného umenia vo Florencii architekt Filippo Brunelleschi, sochár Donatello, maliar Masaccio, po ňom architekt Leon Battista Alberti, sochári Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano a ďalší majstri. V architektúre florentskej školy v 15. storočí vznikol nový typ renesančného paláca a začalo sa hľadanie ideálneho typu chrámovej stavby, ktorá by spĺňala humanistické ideály doby.
Výtvarné umenie florentskej školy 15. storočia charakterizuje fascinácia problémami perspektívy, túžba po plasticky čistej konštrukcii ľudskej postavy (diela Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno) a pre mnohých svojich majstrov - osobitná spiritualita a intímna lyrická kontemplácia (maľba Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi,). V 17. storočí florentská škola upadla.
Referenčné a biografické údaje „Small Bay Planet Art Gallery“ boli pripravené na základe materiálov z „Histórie zahraničného umenia“ (spracoval M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), „Umelecká encyklopédia zahraničného klasického umenia“, „Veľká ruská Encyklopédia“.
renesancie, ktorá prekvitala v 15. - 16. storočí, slúžila ako nové kolo vo vývoji umenia, a najmä maliarstva. Pre túto éru existuje aj francúzsky názov - renesancie. Sandro Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci, Titian, Michelangelo sú niektoré zo slávnych mien, ktoré reprezentujú toto časové obdobie.
Umelci renesancie zobrazovali postavy na svojich obrazoch čo najpresnejšie a najjasnejšie.
Psychologické súvislosti nebol pôvodne zahrnutý na obrázku. Maliari si dali za cieľ dosiahnuť živosť v tom, čo zobrazovali. Bez ohľadu na to, či dynamiku ľudskej tváre alebo detaily okolitej prírody bolo treba preniesť do farby čo najpresnejšie. Postupom času sa však psychologický aspekt stáva zreteľne viditeľným v renesančných obrazoch, napríklad z portrétov by sa dali vyvodiť závery o charakterových vlastnostiach zobrazovanej osoby.
Dosiahnutie umeleckej kultúry renesancie
Nepochybným úspechom renesancie bolo geometricky správny dizajn obrazu. Umelec vytvoril obraz pomocou techník, ktoré vyvinul. Hlavnou vecou pre maliarov tej doby bolo zachovať proporcie predmetov. Aj príroda spadala pod matematické techniky výpočtu proporcionality obrazu s inými objektmi na obraze.
Inými slovami, umelci počas renesancie sa snažili sprostredkovať presný obraz, napríklad človek na pozadí prírody. Ak to porovnáme s modernými technikami obnovy videného obrazu na nejakom plátne, potom s najväčšou pravdepodobnosťou fotografia s následnými úpravami pomôže pochopiť, o čo sa renesanční umelci snažili.
Renesanční maliari verili, že majú právo na nápravu nedostatky prírody, to znamená, že ak mal človek škaredé črty tváre, umelci ich opravili takým spôsobom, že tvár sa stala sladkou a príťažlivou.
Geometrický prístup v obrazoch vedie k novému spôsobu zobrazovania priestorovosti. Pred opätovným vytvorením obrázkov na plátne umelec označil ich priestorové umiestnenie. Toto pravidlo sa časom udomácnilo medzi maliarmi tej doby.
Na diváka mali zapôsobiť obrazy na obrazoch. napr. Raphael dosiahol úplný súlad s týmto pravidlom vytvorením obrazu „Aténska škola“. Klenby budovy sú nápadné svojou výškou. Je tu toľko priestoru, že začnete chápať veľkosť tejto štruktúry. A zobrazení myslitelia staroveku s Platónom a Aristotelom v strede naznačujú, že v starovekom svete existovala jednota rôznych filozofických myšlienok.
Námety renesančných malieb
Ak sa začnete zoznamovať s renesančnou maľbou, môžete vyvodiť zaujímavý záver. Námety obrazov vychádzali najmä z udalostí opísaných v Biblii. Maliari tej doby častejšie zobrazovali príbehy z Nového zákona. Najpopulárnejší obrázok je Panna a dieťa- malý Ježiš Kristus. 
Postava bola taká živá, že ľudia dokonca uctievali tieto obrazy, hoci ľudia pochopili, že to nie sú ikony, modlili sa k nim a žiadali o pomoc a ochranu. Okrem Madony renesanční maliari veľmi radi obnovovali obrazy Ježiš Kristus, apoštolov, Jána Krstiteľa, ako aj epizódy evanjelia. napr. Leonardo da Vinci vytvoril svetoznámy obraz „Posledná večera“.
Prečo renesanční umelci používali námety? z Biblie? Prečo sa nepokúsili vyjadriť sa vytvorením portrétov svojich súčasníkov? Možno sa týmto spôsobom snažili zobraziť obyčajných ľudí s ich prirodzenými charakterovými vlastnosťami? Áno, vtedajší maliari sa snažili ľuďom ukázať, že človek je božská bytosť.
Zobrazovaním biblických výjavov sa renesanční umelci snažili objasniť, že pozemské prejavy človeka možno zobraziť jasnejšie, ak sa použijú biblické príbehy. Čo je Pád, pokušenie, peklo či nebo, pochopíte, ak sa začnete zoznámiť s tvorbou vtedajších umelcov. To isté obraz Madony sprostredkúva nám krásu ženy a nesie aj pochopenie pozemskej ľudskej lásky.
Leonardo da Vinci
Renesancia sa takou stala vďaka mnohým tvorivým osobnostiam, ktoré v tom čase žili. Známy po celom svete Leonardo da Vinci (1452 - 1519) vytvoril obrovské množstvo majstrovských diel, ktorých náklady dosahujú milióny dolárov, a znalci jeho umenia sú pripravení dlho uvažovať o jeho obrazoch. 
Leonardo začal študovať vo Florencii. Jeho prvý obraz, namaľovaný okolo roku 1478, je "Madonna Benoit". Potom tam boli také výtvory ako „Madonna in the Grotto“, "Mona Lisa", vyššie spomínanú „Poslednú večeru“ a množstvo ďalších majstrovských diel napísaných rukou titána renesancie.
Prísnosť geometrických rozmerov a presná reprodukcia anatomickej štruktúry človeka - to je to, čo charakterizuje obrazy Leonarda da Vinciho. Umenie zobrazovať určité obrazy na plátne je podľa jeho presvedčenia veda, a nie len nejaké hobby.
Rafael Santi
Raphael Santi (1483 - 1520) známy v umeleckom svete ako Raphael vytvoril svoje diela v Taliansku. Jeho obrazy sú presiaknuté lyrizmom a gráciou. Raphael je predstaviteľom renesancie, ktorý zobrazoval človeka a jeho existenciu na zemi a rád maľoval steny vatikánskych katedrál.
Obrazy prezrádzali jednotu postáv, proporčnú korešpondenciu priestoru a obrazov a eufóniu farieb. Čistota Panny Márie bola základom mnohých Raffaelových obrazov. Jeho úplne prvý obraz Panny Márie- Toto je Sixtínska madona, ktorú namaľoval slávny umelec v roku 1513. Portréty, ktoré vytvoril Raphael, odrážali ideálny ľudský obraz.
Sandro Botticelli
Sandro Botticelli (1445 - 1510) aj renesančný umelec. Jedným z jeho prvých diel bol obraz „Klaňanie troch kráľov“. Jemná poézia a zasnenosť boli jeho počiatočné maniere na poli sprostredkúvania umeleckých obrazov.
Začiatkom 80. rokov 15. storočia veľký umelec maľoval múry vatikánskej kaplnky. Fresky vyrobené jeho rukou sú stále úžasné.
Postupom času sa jeho obrazy vyznačovali pokojom starovekých budov, živosťou zobrazených postáv a harmóniou obrazov. Okrem toho je známa Botticelliho vášeň pre kresby slávnych literárnych diel, čo tiež len pridalo slávu jeho práci.
Michelangelo Buonarotti
Michelangelo Buonarotti (1475 - 1564)- taliansky umelec, ktorý pôsobil aj v období renesancie. Tento muž, ktorého mnohí z nás poznajú, urobil všetko, čo mohol. A sochárstvo, maliarstvo, architektúra a tiež poézia.
Michelangelo, podobne ako Raphael a Botticelli, maľoval steny vatikánskych kostolov. Veď len tí najtalentovanejší maliari tých čias sa zaoberali takou dôležitou prácou, akou bolo maľovanie obrazov na steny katolíckych katedrál.
Viac ako 600 metrov štvorcových Sixtínskej kaplnky ho musel prekryť freskami zobrazujúcimi rôzne biblické výjavy.
Najznámejšie dielo v tomto štýle je nám známe ako "Posledný súd". Význam biblického príbehu je vyjadrený úplne a jasne. Takáto presnosť pri prenose obrazov je charakteristická pre všetky Michelangelove práce.
POZOR! Pre akékoľvek použitie materiálov stránky je potrebný aktívny odkaz na!
Taliansko je krajina, ktorá bola vždy známa umelcami. Veľkí majstri, ktorí kedysi žili v Taliansku, oslavovali umenie po celom svete. S istotou môžeme povedať, že keby nebolo talianskych umelcov, sochárov a architektov, dnešný svet by vyzeral úplne inak. Samozrejme, je považovaný za najvýznamnejší v talianskom umení. Taliansko počas renesancie alebo renesancie dosiahlo nebývalý rast a prosperitu. Talentovaní umelci, sochári, vynálezcovia, skutoční géniovia, ktorí sa v tých dňoch objavili, sú stále známe každému školákovi. Ich umenie, kreativita, nápady a vývoj sú dnes považované za klasiku, jadro, na ktorom je postavené svetové umenie a kultúra.
Jeden z najslávnejších géniov talianskej renesancie je samozrejme veľký Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci bol taký nadaný, že dosiahol veľké úspechy v mnohých oblastiach vrátane výtvarného umenia a vedy. Ďalším slávnym umelcom, ktorý je uznávaným majstrom, je Sandro Botticelli(1445-1510). Botticelliho obrazy sú skutočným darom ľudstvu. Dnes sú mnohé z nich v najznámejších múzeách sveta a sú skutočne na nezaplatenie. Nie menej slávny ako Leonardo da Vinci a Botticelli Rafael Santi(1483-1520), ktorý žil 38 rokov a za ten čas sa mu podarilo vytvoriť celú vrstvu úchvatnej maľby, ktorá sa stala jedným z výrazných príkladov ranej renesancie. Ďalším veľkým géniom talianskej renesancie je bezpochyby Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Okrem maľby sa Michelangelo zaoberal sochárstvom, architektúrou a poéziou a v týchto druhoch umenia dosiahol skvelé výsledky. Michelangelova socha nazývaná „Dávid“ je považovaná za neprekonateľné majstrovské dielo, za príklad najvyššieho úspechu sochárskeho umenia.
Okrem vyššie uvedených umelcov boli najväčšími umelcami renesančného Talianska takí majstri ako Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi a ďalší. Všetky boli žiarivými príkladmi nádhernej benátskej maliarskej školy. Florentská škola talianskeho maliarstva zahŕňa takých umelcov ako: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.
Uviesť všetkých umelcov, ktorí pôsobili počas renesancie, ako aj počas neskorej renesancie a stáročia neskôr, ktorí sa preslávili po celom svete a oslavovali umenie maľby, vyvinuli základné princípy a zákony, ktoré sú základom všetkých typov a žánrov výtvarné umenie, Napísanie si možno bude vyžadovať niekoľko zväzkov, ale tento zoznam stačí na to, aby sme pochopili, že umelci z Veľkej Talianska sú práve tým umením, ktoré poznáme, ktoré milujeme a ktoré si budeme navždy vážiť!
Obrazy veľkých talianskych umelcov
Andrea Mantegna - Freska vo fotoaparáte degli Sposi
Giorgione - Traja filozofi
Leonardo da Vinci - Mona Lisa
Nicolas Poussin - Veľkodušnosť Scipia
Paolo Veronese - Bitka pri Lepante
7. august 2014
Študenti umeleckých univerzít a záujemcovia o dejiny umenia vedia, že na prelome 14. – 15. storočia nastala v maliarstve prudká zmena – renesancia. Okolo 20. rokov 14. storočia sa zrazu všetci stali oveľa lepšími v kreslení. Prečo sa obrazy zrazu stali tak realistickými a detailnými a prečo sa na obrazoch objavilo svetlo a objem? Nikto sa nad tým dlho nezamýšľal. Až kým David Hockney nezobral lupu.
Poďme zistiť, čo objavil...
Jedného dňa sa pozeral na kresby Jeana Augusta Dominique Ingresa, vodcu francúzskej akademickej školy 19. storočia. Hockney začal mať záujem vidieť svoje malé kresby vo väčšom meradle a zväčšil ich na kopírke. Tak narazil na tajnú stránku dejín maľby od renesancie.
Po vytvorení fotokópií Ingresových malých kresieb (asi 30 centimetrov) bol Hockney ohromený tým, aké realistické boli. A tiež sa mu zdalo, že Ingresove riadky sú pre neho niečo.
pripomenúť. Ukázalo sa, že mu pripomínajú Warholove diela. A Warhol to urobil - premietol fotografiu na plátno a načrtol ju.
Vľavo: detail Ingresovej kresby. Vpravo: Warholova kresba Mao Ce-tunga
Zaujímavé veci, hovorí Hockney. Ingres zrejme použil Camera Lucida – zariadenie, ktoré je konštrukciou s hranolom, ktorý je pripevnený napríklad na stojane k tabletu. Umelec, ktorý sa pozerá na svoju kresbu jedným okom, vidí skutočný obraz a druhým - skutočnú kresbu a svoju ruku. Výsledkom je optická ilúzia, ktorá umožňuje presne preniesť skutočné proporcie na papier. A to je práve „záruka“ realizmu obrazu.
Kreslenie portrétu pomocou fotoaparátu lucida, 1807
Potom sa Hockney začal vážne zaujímať o tento „optický“ typ kresieb a malieb. Vo svojom ateliéri spolu so svojím tímom zavesil na steny stovky reprodukcií obrazov vytvorených v priebehu storočí. Diela, ktoré vyzerali „skutočne“ a tie, ktoré nie. Usporiadanie podľa času stvorenia a regiónu – sever hore, juh dole, Hockney a jeho tím zaznamenali na prelome 14. – 15. storočia prudkú zmenu v maliarstve. Vo všeobecnosti to vie každý, kto čo i len trochu pozná dejiny umenia – renesanciu.
Možno použili rovnaký fotoaparát-lucida? Patentoval ho v roku 1807 William Hyde Wollaston. Aj keď v skutočnosti takéto zariadenie opísal Johannes Kepler už v roku 1611 vo svojom diele Dioptrie. Potom možno použili iné optické zariadenie - cameru obscuru? Je známa už od čias Aristotela a je to tmavá miestnosť, do ktorej svetlo vstupuje cez malý otvor a tak sa v tmavej miestnosti získava projekcia toho, čo je pred otvorom, ale obrátené. Všetko by bolo v poriadku, ale obraz, ktorý sa získa pri premietaní dierkovou kamerou bez objektívu, mierne povedané, nie je kvalitný, nie je jasný, vyžaduje veľa jasného svetla, nehovoriac o veľkosti. projekcie. Ale kvalitné šošovky bolo takmer nemožné vyrobiť až do 16. storočia, pretože v tom čase neexistovali žiadne spôsoby, ako získať také kvalitné sklo. Obchod, pomyslel si Hockney, ktorý už v tom čase zápasil s problémom s fyzikom Charlesom Falcom.
Existuje však obraz od Jana Van Eycka, majstra z Brugg, flámskeho maliara ranej renesancie, ktorý obsahuje stopu. Obraz sa volá „Portrét páru Arnolfini“.
Jan Van Eyck "Portrét páru Arnolfini" 1434
Obraz jednoducho žiari obrovským množstvom detailov, čo je celkom zaujímavé, pretože bol namaľovaný až v roku 1434. A vodítkom, ako sa autorovi podarilo urobiť taký veľký krok vpred v realizme obrazu, je zrkadlo. A tiež svietnik - neuveriteľne zložitý a realistický.
Hockney prekypoval zvedavosťou. Zobral kópiu takéhoto lustra a pokúsil sa ho nakresliť. Umelec bol konfrontovaný so skutočnosťou, že taká zložitá vec je ťažké nakresliť perspektívne. Ďalším dôležitým bodom bola vecnosť obrazu tohto kovového predmetu. Pri zobrazovaní oceľového objektu je veľmi dôležité umiestniť zvýraznenia čo najrealistickejšie, pretože to dáva veľký realizmus. Problém týchto zvýraznení je však v tom, že sa pohybujú, keď sa hýbe oko diváka alebo umelca, čo znamená, že ich vôbec nie je ľahké zachytiť. A realistické zobrazenie kovu a oslnenia je charakteristickým znakom renesančných malieb predtým, umelci sa o to ani nepokúšali.
Tým, že Hockneyho tím vytvoril presný 3D model lustra, zabezpečil, že luster v Arnolfiniho portréte bol nakreslený presne v perspektíve s jediným úbežníkom. Problém bol ale v tom, že také presné optické prístroje ako camera obscura s objektívom neexistovali asi storočie po vytvorení obrazu.
Fragment obrazu Jana Van Eycka „Portrét páru Arnolfini“ 1434
Zväčšený fragment ukazuje, že zrkadlo na obraze „Portrét páru Arnolfini“ je konvexné. To znamená, že tam boli aj zrkadlá naopak - konkávne. Okrem toho sa v tých dňoch takéto zrkadlá vyrábali týmto spôsobom - vzala sa sklenená guľa a jej dno bolo pokryté striebrom, potom sa všetko okrem dna odrezalo. Zadná strana zrkadla nebola zatmavená. To znamená, že konkávne zrkadlo Jana Van Eycka by mohlo byť rovnakým zrkadlom, aké je zobrazené na obraze, len z opačnej strany. A každý fyzik vie, že takéto zrkadlo pri odraze premieta obraz toho, čo sa odráža. Práve tu jeho kamarát fyzik Charles Falco pomáhal Davidovi Hockneymu s výpočtami a výskumom.
Konkávne zrkadlo premieta obraz veže mimo okna na plátno.
Čistá, zaostrená časť projekcie meria približne 30 štvorcových centimetrov – čo je presne veľkosť hláv na mnohých renesančných portrétoch.
Hockney načrtáva projekciu muža na plátne
Toto je veľkosť napríklad portrétu „Dóža Leonarda Loredana“ od Giovanniho Belliniho (1501), portrét muža od Roberta Campina (1430), skutočný portrét Jana Van Eycka „muž v červenom turbane “ a mnoho ďalších raných holandských portrétov.
Renesančné portréty
Maľovanie bolo vysoko platenou prácou a prirodzene, všetky obchodné tajomstvá boli držané v najprísnejšej tajnosti. Pre umelca bolo prospešné, že všetci nezasvätení ľudia verili, že tajomstvá sú v rukách majstra a nedajú sa ukradnúť. Podnik bol pre cudzincov uzavretý - umelci boli členmi cechu a zahŕňali aj rôznych remeselníkov - od tých, ktorí vyrábali sedlá, až po tých, ktorí vyrábali zrkadlá. A v cechu svätého Lukáša, ktorý bol založený v Antverpách a prvýkrát sa spomína v roku 1382 (vtedy sa podobné cechy otvorili v mnohých severných mestách a jedným z najväčších bol cech v Bruggách, meste, kde žil Van Eyck), boli aj majstri vyrábajúci zrkadlá. .
Takto Hockney znovu vytvoril, ako by sa dal namaľovať zložitý luster z obrazu Van Eycka. Nie je vôbec prekvapujúce, že veľkosť premietaného lustra Hockney presne zodpovedá veľkosti lustra na obraze „Portrét páru Arnolfini“. A samozrejme, zvýraznenia na kove - na projekcii stoja na mieste a nemenia sa, keď umelec zmení polohu.
Problém však stále nie je úplne vyriešený, pretože nástup vysokokvalitnej optiky, ktorá je potrebná na použitie camery obscury, bol vzdialený 100 rokov a veľkosť projekcie získanej pomocou zrkadla je veľmi malá. Ako maľovať obrazy väčšie ako 30 štvorcových centimetrov? Vznikli ako koláž – z mnohých pohľadov to bolo ako sférické videnie s mnohými úbežníkmi. Hockney to pochopil, pretože sám robil takéto obrázky – urobil veľa fotografických koláží, ktoré dosahujú presne rovnaký efekt.
Takmer o storočie neskôr, v roku 1500, bolo konečne možné získať a spracovať sklo - objavili sa veľké šošovky. A mohli sa konečne vložiť do camery obscury, ktorej princíp fungovania bol známy už od pradávna. Objektív camera obscura bol neuveriteľnou revolúciou vo vizuálnom umení, pretože projekcia mohla mať teraz akúkoľvek veľkosť. A ešte niečo, teraz nebol obraz „širokouhlý“, ale približne normálneho pomeru – teda približne taký, aký je dnes pri fotografovaní objektívom s ohniskovou vzdialenosťou 35-50 mm.
Problémom pri použití dierkovej kamery s objektívom je však zrkadlová projekcia z objektívu. To viedlo k veľkému počtu ľavorukých maliarov v počiatočných štádiách používania optiky. Ako na tomto obraze z roku 1600 z Múzea Fransa Halsa, kde tancuje ľavácky pár, ľavoruký starec im trasie prstom a ľavoruká opica sa pozerá pod šaty ženy.
Všetci na tomto obrázku sú ľaváci
Problém je vyriešený inštaláciou zrkadla, do ktorého je objektív nasmerovaný, čím sa získa správna projekcia. Ale zrejme dobré, hladké a veľké zrkadlo stálo veľa peňazí, takže ho nemal každý.
Ďalším problémom bolo zaostrenie. Faktom je, že niektoré časti obrazu v jednej polohe plátna pod projekčnými lúčmi boli neostré a nejasné. V dielach Jana Vermeera, kde je použitie optiky úplne zrejmé, jeho diela vo všeobecnosti vyzerajú ako fotografie, možno si všimnúť aj miesta, ktoré nie sú „zaostrené“. Môžete dokonca vidieť vzor, ktorý vytvára šošovka - notoricky známy „bokeh“. Ako napríklad tu na obraze „Mliečka“ (1658), košík, chlieb v ňom a modrá váza sú neostré. Ale ľudské oko nevidí „nezaostrené“.
Niektoré časti obrazu sú neostré
A vo svetle toho všetkého nie je vôbec prekvapujúce, že dobrým priateľom Jana Vermeera bol vedec a mikrobiológ Anthony Phillips van Leeuwenhoek, ako aj jedinečný majster, ktorý vytvoril vlastné mikroskopy a šošovky. Vedec sa stal umelcovým posmrtným správcom. To naznačuje, že Vermeer zobrazil svojho priateľa na dvoch plátnach - „Geograf“ a „Astronóm“.
Aby ste videli zaostrenú akúkoľvek časť, musíte zmeniť polohu plátna pod projekčnými lúčmi. Ale v tomto prípade sa objavili chyby v proporciách. Ako môžete vidieť tu: obrovské rameno „Anthea“ od Parmigianina (okolo 1537), malá hlava „Lady Genovese“ od Anthonyho Van Dycka (1626), obrovské nohy roľníka na obraze Georgesa de La Tour .
Chyby v proporciách
Samozrejme, všetci umelci používali šošovky inak. Niektoré boli na skice, niektoré sa skladali z rôznych častí – napokon, teraz bolo možné urobiť portrét a všetko ostatné dokončiť iným modelom alebo dokonca figurínou.
Po Velazquezovi nezostali takmer žiadne kresby. Jeho majstrovské dielo však zostalo – portrét pápeža Inocenta 10. (1650). Na pápežovom plášti je nádherná hra svetla – očividne hodváb. Blikov. A napísať toto všetko z jedného uhla pohľadu, to dalo veľa námahy. Ak však urobíte projekciu, všetka táto krása vám nikam neutečie - odlesky sa už nehýbu, môžete maľovať tými širokými a rýchlymi ťahmi ako Velasquez.
Hockney reprodukuje Velazquezov obraz
Následne si mnoho umelcov mohlo dovoliť cameru obscuru a prestalo byť veľkým tajomstvom. Canaletto aktívne používal kameru na vytváranie svojich pohľadov na Benátky a netajil sa tým. Tieto maľby nám vďaka svojej presnosti umožňujú hovoriť o Canalettovi ako o dokumentaristovi. Vďaka Canaletto môžete vidieť nielen krásny obraz, ale aj samotný príbeh. Môžete vidieť, ako vyzeral prvý Westminsterský most v Londýne v roku 1746.
Canaletto "Westminsterský most" 1746
Britský umelec Sir Joshua Reynolds vlastnil cameru obscuru a zrejme o nej nikomu nepovedal, pretože jeho fotoaparát sa skladá a vyzerá ako kniha. Dnes je v Londýnskom vedeckom múzeu.
Camera obscura prezlečená za knihu
Nakoniec, začiatkom 19. storočia William Henry Fox Talbot pomocou kamery lucida – tej, v ktorej sa musíte pozerať jedným okom a kresliť rukami, preklial a rozhodol sa, že s takouto nepríjemnosťou treba raz a navždy skoncovať. všetkých a stal sa jedným z vynálezcov chemickej fotografie a neskôr popularizátorom, ktorý z nej urobil masu.
S vynálezom fotografie zmizol maliarsky monopol na realizmus obrazu, teraz sa fotografia stala monopolom. A tu sa maľba konečne oslobodila od objektívu a pokračovala v ceste, z ktorej sa odklonila v roku 1400, a Van Gogh sa stal predchodcom všetkého umenia 20. storočia.
Vľavo: Byzantská mozaika z 12. storočia. Vpravo: Vincent Van Gogh, Portrét monsieur Trabuc, 1889.
Vynález fotografie je to najlepšie, čo sa maľbe stalo v celej jej histórii. Už nebolo potrebné vytvárať výlučne skutočné obrazy, umelec sa stal slobodným. Samozrejme, verejnosti trvalo storočie, kým dobehli umelcov v ich chápaní vizuálnej hudby a prestali si myslieť, že ľudia ako Van Gogh sú „blázni“. Zároveň umelci začali aktívne používať fotografie ako „referenčný materiál“. Potom sa objavili ľudia ako Wassily Kandinsky, ruská avantgarda, Mark Rothko, Jackson Pollock. Po maľbe sa oslobodila aj architektúra, sochárstvo a hudba. Pravda, ruská akademická škola maľby uviazla v čase a dnes sa na akadémiách a školách stále považuje za hanbu používať fotografiu ako pomôcku a za najvyšší výkon sa považuje čisto technická schopnosť maľovať čo najrealistickejšie. holými rukami.
Vďaka článku novinára Lawrencea Weschlera, ktorý bol pri výskume Davida Hockneyho a Falca, sa odhaľuje ďalšia zaujímavosť: portrét manželov Arnolfiniovcov od Van Eycka je portrétom talianskeho obchodníka v Bruggách. Pán Arnolfini je Florenťan a navyše je predstaviteľom banky Medici (prakticky majstri Florencie počas renesancie, v Taliansku považovaní za patrónov vtedajšieho umenia). čo to znamená? Skutočnosť, že tajomstvo cechu svätého Lukáša - zrkadlo - mohol ľahko vziať so sebou do Florencie, v ktorej, ako sa verí v tradičnej histórii, začala renesancia a umelci z Brugg (a podľa toho aj ďalší majstri ) sú považovaní za „primitivistov“.
Okolo Hockney-Falcovej teórie je veľa kontroverzií. Ale určite je v tom zrnko pravdy. Pokiaľ ide o umeleckých kritikov, kritikov a historikov, je ťažké si predstaviť, koľko vedeckých prác o histórii a umení sa skutočne ukázalo ako úplný nezmysel, ale to mení celú históriu umenia, všetky ich teórie a texty.
Fakty používania optiky nijako neuberajú na talente umelcov – veď technika je prostriedkom na sprostredkovanie toho, čo umelec chce. A naopak, to, že tieto obrazy obsahujú tú najskutočnejšiu realitu, im len pridáva na váhe – veď presne takto vyzerali ľudia, veci, priestory, mestá. Toto sú skutočné dokumenty.