ผลงานชิ้นเอกของดนตรีคลาสสิก ดนตรีไพเราะ
♫♪ ♫♪ ♫♪
ซิมโฟนีครั้งที่สอง (ฮีโร่) โดยอเล็กซานเดอร์ โบโรดิน (B-FLAT MINOR, 1869–1876)
ในรัสเซีย ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 แนวความคิดในการแก้ไขได้สุกงอมในหมู่นักประพันธ์เพลง: ถึงเวลาที่จะสร้างซิมโฟนีรัสเซียของพวกเขาเอง เมื่อถึงเวลานั้น ในยุโรป ซิมโฟนีเฉลิมฉลองครบรอบหนึ่งร้อยปี โดยได้ผ่านทุกขั้นตอนของห่วงโซ่วิวัฒนาการ ตั้งแต่การแสดงโอเปร่าซึ่งออกจากเวทีละครและแสดงแยกจากโอเปร่า ไปจนถึงการแสดงที่ยิ่งใหญ่อย่างซิมโฟนีหมายเลข 9 ของเบโธเฟน (1824) หรือ Symphony Fantastique ของ Berlioz (1830) ในรัสเซีย แฟชั่นสำหรับแนวเพลงนี้ไม่ได้รับความนิยม: พวกเขาลองครั้งเดียว สองครั้ง (Dmitry Bortnyansky - Concert Symphony, 1790; Alexander Alyabyev - ซิมโฟนีใน E minor, E-flat major) - และพวกเขาก็ละทิ้งแนวคิดนี้เพื่อที่จะ ย้อนกลับไปหลายทศวรรษต่อมาในผลงานของ Anton Rubinstein, Mily Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Alexander Borodin และคนอื่น ๆ
นักแต่งเพลงดังกล่าวตัดสินอย่างถูกต้องโดยตระหนักว่าสิ่งเดียวที่ซิมโฟนีรัสเซียสามารถอวดได้โดยมีฉากหลังของความอุดมสมบูรณ์ของยุโรปคือรสชาติประจำชาติ และโบโรดินก็ไม่เท่าเทียมกันในเรื่องนี้ ดนตรีของเขาสูดลมหายใจของที่ราบอันกว้างใหญ่ที่ไม่มีที่สิ้นสุด ความกล้าหาญของอัศวินรัสเซีย ความจริงใจของเพลงพื้นบ้านพร้อมโน้ตที่เจ็บปวดและซาบซึ้ง สัญลักษณ์ของซิมโฟนีเป็นธีมหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกเมื่อได้ยินว่าเพื่อนนักแต่งเพลงและที่ปรึกษานักดนตรี Vladimir Stasov เสนอชื่อสองชื่อ: ชื่อแรก "Lioness" จากนั้นจึงเสนอแนวคิดที่เหมาะสมกว่า: "Bogatyrskaya"
ซึ่งแตกต่างจากงานไพเราะของ Beethoven หรือ Berlioz คนเดียวกันซึ่งมีพื้นฐานมาจากความหลงใหลและประสบการณ์ของมนุษย์ Bogatyr Symphony เล่าเกี่ยวกับเวลา ประวัติศาสตร์ และผู้คน ไม่มีละครในเพลงไม่มีความขัดแย้งที่เด่นชัด: มันคล้ายกับชุดภาพวาดที่เปลี่ยนแปลงอย่างราบรื่น และสิ่งนี้สะท้อนให้เห็นโดยพื้นฐานในโครงสร้างของซิมโฟนีโดยที่การเคลื่อนไหวช้าๆโดยปกติจะอยู่ในอันดับที่สองและเชอร์โซที่มีชีวิตชีวา (ตามธรรมเนียมตามมาหลังจากนั้น) เปลี่ยนสถานที่และตอนจบในรูปแบบทั่วไปจะทำซ้ำแนวคิดของครั้งแรก ความเคลื่อนไหว. Borodin ด้วยวิธีนี้สามารถบรรลุความแตกต่างสูงสุดในภาพประกอบดนตรีของมหากาพย์ระดับชาติและต่อมาแบบจำลองโครงสร้างของ Bogatyrskaya ก็ทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับซิมโฟนีมหากาพย์ของ Glazunov, Myaskovsky และ Prokofiev
ไอ. อัลเลโกร (00:00)
ครั้งที่สอง เชอร์โซ: Prestissimo - ทริโอ: อัลเลเกรตโต (07:50)
III. อันดันเต้ (13:07)
IV. ตอนจบ : อัลเลโกร (23:42)
♫♪ ♫♪ ♫♪
ซิมโฟนีที่หก (น่าสมเพช) ของปีเตอร์ ไชคอฟสกี (B MINOR, 1893)
มีหลักฐาน การตีความ และความพยายามที่จะอธิบายเนื้อหามากมายจนคำอธิบายทั้งหมดของงานนี้อาจประกอบด้วยคำพูด นี่คือหนึ่งในนั้นตั้งแต่จดหมายของไชคอฟสกี้ถึงหลานชายของเขา Vladimir Davydov ผู้ซึ่งอุทิศซิมโฟนีให้: “ ในระหว่างการเดินทางฉันมีความคิดเกี่ยวกับซิมโฟนีอื่นคราวนี้เป็นโปรแกรมหนึ่ง แต่มีโปรแกรมที่จะยังคงอยู่ เป็นเรื่องลึกลับสำหรับทุกคน โปรแกรมนี้เต็มไปด้วยความเป็นส่วนตัวมากที่สุด และบ่อยครั้งในระหว่างการเดินทางของฉัน ฉันร้องไห้หนักมากในระหว่างที่ฉันเรียบเรียงความคิด” นี่เป็นโปรแกรมประเภทไหน? ไชคอฟสกีสารภาพเรื่องนี้กับแอนนา แมร์คลิง ลูกพี่ลูกน้องของเขา ซึ่งแนะนำว่าเขาบรรยายชีวิตของเขาในซิมโฟนีนี้ “ใช่ คุณเดาถูก” ผู้แต่งยืนยัน
ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1890 ความคิดในการเขียนบันทึกความทรงจำมาเยือนไชคอฟสกีหลายครั้ง ภาพร่างสำหรับซิมโฟนีที่ยังสร้างไม่เสร็จของเขาชื่อ "ชีวิต" ย้อนกลับไปในเวลานี้ เมื่อพิจารณาจากร่างที่ยังมีชีวิตอยู่ผู้แต่งวางแผนที่จะพรรณนาถึงช่วงนามธรรมของชีวิต: เยาวชน, ความกระหายในกิจกรรม, ความรัก, ความผิดหวัง, ความตาย อย่างไรก็ตามแผนวัตถุประสงค์ไม่เพียงพอสำหรับไชคอฟสกีและงานถูกขัดจังหวะ แต่ใน Sixth Symphony เขาได้รับคำแนะนำจากประสบการณ์ส่วนตัวโดยเฉพาะ จิตวิญญาณของผู้แต่งต้องป่วยหนักขนาดไหนถึงได้ให้ดนตรีเกิดมาพร้อมกับพลังแห่งอิทธิพลอันน่าทึ่งและน่าทึ่งเช่นนี้!
ส่วนแรกของโคลงสั้น ๆ - โศกนาฏกรรมและตอนจบนั้นเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับภาพลักษณ์แห่งความตาย (ในการพัฒนาส่วนแรกมีการอ้างอิงถึงธีมของบทสวดทางจิตวิญญาณ "พักผ่อนกับนักบุญ") ดังที่ไชคอฟสกีเองก็เป็นพยานโดยอ้างถึงสิ่งนี้ ซิมโฟนีเพื่อตอบสนองต่อข้อเสนอของ Grand Duke Konstantin Romanov ในการเขียน "บังสุกุล" " นั่นคือเหตุผลว่าทำไมอินเตอร์เมซโซโคลงสั้น ๆ ที่สดใส (เพลงวอลทซ์ห้าจังหวะในส่วนที่สอง) และเชอร์โซที่เคร่งขรึมและมีชัยชนะจึงได้รับการรับรู้อย่างดี มีการพูดคุยกันมากมายเกี่ยวกับบทบาทของสิ่งหลังในการเรียบเรียง ดูเหมือนว่าไชคอฟสกีกำลังพยายามแสดงให้เห็นถึงความไร้ประโยชน์ของรัศมีภาพและความสุขทางโลกเมื่อเผชิญกับการสูญเสียที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ดังนั้นจึงเป็นการยืนยันสุภาษิตอันยิ่งใหญ่ของโซโลมอน: "ทุกสิ่งผ่านไป สิ่งนี้ก็จะผ่านไปเช่นกัน”
1. อดาจิโอ - อัลเลโกร น็อน ทรอปโป 00:00 น
2. อัลเลโกร คอน กราเซีย 18:20 น
3. อัลเลโกร โมลโต วีวาซ 25:20
4. ตอนจบ. อาดาจิโอ ลาเมนโตโซ 33:44
♫♪ ♫♪ ♫♪
ซิมโฟนีที่สาม (“DIVINE POEM”) โดย ALEXANDER SCRYABIN (C MINOR, 1904)
หากคุณบังเอิญไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์บ้าน Alexander Scriabin ในมอสโกในช่วงเย็นฤดูใบไม้ร่วงอันมืดมิด คุณจะสัมผัสบรรยากาศที่น่าขนลุกและลึกลับที่ล้อมรอบนักแต่งเพลงในช่วงชีวิตของเขาอย่างแน่นอน โครงสร้างแปลกๆ ของหลอดไฟสีบนโต๊ะในห้องนั่งเล่น เต็มไปด้วยปรัชญาและไสยศาสตร์ด้านหลังกระจกขุ่นของประตูตู้หนังสือ และสุดท้ายคือห้องนอนที่ดูนักพรตที่ Scriabin ผู้กลัวความตายมาตลอดชีวิต จากพิษเลือด เสียชีวิตด้วยโรคติดเชื้อ สถานที่มืดมนและลึกลับที่แสดงให้เห็นโลกทัศน์ของนักแต่งเพลงได้อย่างสมบูรณ์แบบ
สิ่งที่บ่งบอกถึงความคิดของ Scriabin ไม่น้อยไปกว่านั้นคือ Third Symphony ของเขาซึ่งเปิดช่วงกลางของความคิดสร้างสรรค์ที่เรียกว่า ในเวลานี้ Scriabin ค่อยๆกำหนดมุมมองเชิงปรัชญาของเขา สาระสำคัญก็คือโลกทั้งโลกเป็นผลมาจากความคิดสร้างสรรค์ของตนเองและความคิดของตนเอง (การละลายในขั้นสุดขั้ว) และการสร้างโลกและการสร้างสรรค์งานศิลปะ เป็นกระบวนการที่คล้ายคลึงกันโดยพื้นฐานแล้ว กระบวนการเหล่านี้ดำเนินไปในลักษณะนี้: จากความสับสนวุ่นวายหลักของความเหนื่อยล้าเชิงสร้างสรรค์มีหลักการสองประการเกิดขึ้น - ใช้งานและไม่โต้ตอบ (ชายและหญิง) อันแรกมีพลังอันศักดิ์สิทธิ์ ส่วนอันที่สองก่อให้เกิดโลกแห่งวัตถุด้วยความงามตามธรรมชาติ ปฏิสัมพันธ์ของหลักการเหล่านี้ก่อให้เกิดการกัดกร่อนของจักรวาล นำไปสู่ความปีติยินดี - ชัยชนะอันเสรีของจิตวิญญาณ
ไม่ว่าสิ่งที่กล่าวมาทั้งหมดอาจฟังดูแปลกแค่ไหน Scriabin ก็เชื่ออย่างจริงใจในรูปแบบปฐมกาลนี้ตามที่เขียน Symphony ที่สาม ส่วนแรกเรียกว่า "การต่อสู้" (การต่อสู้ของทาสทาสที่ยอมจำนนต่อผู้ปกครองสูงสุดของโลกและมนุษย์เทพ) ส่วนที่สอง - "ความสุข" (บุคคลที่ยอมจำนนต่อความสุขของโลกแห่งประสาทสัมผัส สลายไปในธรรมชาติ) และสุดท้ายประการที่สาม - "บทละครอันศักดิ์สิทธิ์" (จิตวิญญาณที่ได้รับการปลดปล่อย "การสร้างจักรวาลด้วยพลังแห่งเจตจำนงสร้างสรรค์ของเขาเพียงอย่างเดียว" เข้าใจถึง "ความสุขอันประเสริฐของกิจกรรมอิสระ") แต่ปรัชญาก็คือปรัชญา และดนตรีเองก็มีความมหัศจรรย์ โดยเผยให้เห็นความสามารถด้านเสียงทั้งหมดของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา
ไอ. เลนโต
ครั้งที่สอง ลุต
III. โวลุปเตส
IV. จู ดิวิน
♫♪ ♫♪ ♫♪
ซิมโฟนีครั้งแรก (คลาสสิก) โดย เซอร์เกย์ โปรโคฟีฟ (ดีเมเจอร์, 1916–1917)
ปี 1917 ปีแห่งสงครามอันยากลำบาก การปฏิวัติ ดูเหมือนว่าศิลปะควรจะขมวดคิ้วและบอกเล่าถึงสิ่งที่เจ็บปวด แต่ความคิดที่น่าเศร้าไม่ใช่สำหรับดนตรีของ Prokofiev - สดใสเป็นประกายและมีเสน่ห์แบบเยาว์วัย นี่คือซิมโฟนีครั้งแรกของเขา
นักแต่งเพลงมีความสนใจในงานคลาสสิกของเวียนนาแม้ในช่วงที่เขาเรียนอยู่ก็ตาม ตอนนี้งาน a la Haydn มาจากปากกาของเขา “ สำหรับฉันดูเหมือนว่าหาก Haydn มีชีวิตอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ เขาก็จะคงรูปแบบการเขียนของเขาไว้และในขณะเดียวกันก็รับเอาสิ่งใหม่ ๆ มาใช้” Prokofiev แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับผลิตผลของเขา
ผู้แต่งเลือกองค์ประกอบที่เรียบง่ายของวงออเคสตราอีกครั้งด้วยจิตวิญญาณของเวียนนาคลาสสิก - โดยไม่ต้องใช้ทองเหลืองหนัก พื้นผิวและการเรียบเรียงมีความเบาและโปร่งใส ขนาดของงานไม่ใหญ่นัก องค์ประกอบมีความกลมกลืนและสมเหตุสมผล กล่าวอีกนัยหนึ่งมันชวนให้นึกถึงงานคลาสสิกซึ่งเกิดโดยไม่ได้ตั้งใจในศตวรรษที่ 20 อย่างไรก็ตามยังมีสัญลักษณ์ Prokofiev ล้วนๆ เช่นประเภท Gavotte ที่เขาชื่นชอบในการเคลื่อนไหวครั้งที่สามแทนที่จะเป็น Scherzo (ต่อมาผู้แต่งได้ใช้เนื้อหาดนตรีนี้ในบัลเล่ต์ "Romeo and Juliet") เช่นเดียวกับ "พริกไทยที่คมชัด" ” ความสามัคคีและอารมณ์ขันทางดนตรี
0:33 ไอ. อัลเลโกร
5:20 II. ลาร์เกตโต
9:35 น. Gavotta (ไม่ใช่ทรอปโปอัลเลโกร)
11:17 น. ตอนจบ (Molto vivace)
♫♪ ♫♪ ♫♪
ซิมโฟนีที่เจ็ด (เลนินกราด) โดย DMITRY SHOSTAKOVICH (C MAJOR, 1941)
เมื่อวันที่ 2 กรกฎาคม พ.ศ. 2485 นักบินอายุ 20 ปี ร้อยโท Litvinov ได้บุกทะลวงวงล้อมของศัตรูอย่างปาฏิหาริย์และสามารถนำยาและหนังสือดนตรีอ้วนท้วนสี่เล่มที่มีคะแนนของซิมโฟนีที่เจ็ดของ D.D. มาปิดล้อมเลนินกราด Shostakovich และในวันรุ่งขึ้นข้อความสั้น ๆ ปรากฏใน Leningradskaya Pravda:“ คะแนนของซิมโฟนีที่เจ็ดของ Dmitry Shostakovich ถูกส่งไปยังเลนินกราดโดยเครื่องบิน การแสดงต่อสาธารณะจะจัดขึ้นที่ Great Hall of the Philharmonic”
เหตุการณ์ที่ประวัติศาสตร์ดนตรีไม่เคยรู้จักการเปรียบเทียบมาก่อน: ในเมืองที่ถูกปิดล้อม นักดนตรีที่เหนื่อยล้าอย่างมาก (ทุกคนที่รอดชีวิตมามีส่วนร่วม) ภายใต้กระบองของผู้ควบคุมวง Carl Eliasberg แสดงซิมโฟนีใหม่ของโชสตาโควิช แบบเดียวกับที่ผู้แต่งแต่งขึ้นในสัปดาห์แรกของการปิดล้อม จนกระทั่งเขาและครอบครัวอพยพไปยัง Kuibyshev (Samara) ในวันเปิดตัวรอบปฐมทัศน์ของเลนินกราดคือวันที่ 9 สิงหาคม พ.ศ. 2485 ห้องโถงใหญ่ของ Leningrad Philharmonic เต็มไปด้วยผู้คนในเมืองที่เหนื่อยล้าซึ่งมีใบหน้าโปร่งแสง แต่ในขณะเดียวกันก็สวมเสื้อผ้าหรูหราและบุคลากรทางทหารที่มาจาก แนวหน้า ซิมโฟนีถูกถ่ายทอดไปตามถนนผ่านลำโพงวิทยุ เย็นวันนั้น คนทั้งโลกยืนนิ่งและฟังความสามารถที่ไม่เคยมีมาก่อนของนักดนตรี
...เป็นเรื่องน่าสังเกต แต่ธีมที่มีชื่อเสียงในจิตวิญญาณของ "Bolero" ของ Ravel ซึ่งปัจจุบันมักจะแสดงเป็นกองทัพฟาสซิสต์เคลื่อนไหวและทำลายทุกสิ่งที่ขวางหน้าอย่างไร้เหตุผลนั้นเขียนโดย Shostakovich ก่อนเริ่มสงครามด้วยซ้ำ อย่างไรก็ตาม มันค่อนข้างรวมอยู่ในส่วนแรกของ Leningrad Symphony โดยแทนที่สิ่งที่เรียกว่า "ตอนการบุกรุก" การสิ้นสุดที่เห็นพ้องต้องกันของชีวิตก็กลายเป็นคำทำนายเช่นกัน โดยคาดหวังถึงชัยชนะที่ปรารถนา ซึ่งยังคงถูกแยกจากกันด้วยเวลาอันยาวนานสามปีครึ่ง...
อ. อัลเลเกรตโต 00:00 น
ครั้งที่สอง โมเดอราโต (โปโก อัลเลเกรตโต) 26:25
III. อดาจิโอ 37:00
IV. อัลเลโกร นอน ทรอปโป 53:40
♫♪ ♫♪ ♫♪
เฟลกอนโตวา อนาสตาเซีย
ชั้น 7ความเชี่ยวชาญ “ทฤษฎีดนตรี”มาอูโดด ชิ หมายเลข 46, เคเมโรโว
ไซเกรวา วาเลนตินา อาฟานาซีฟนา
หัวหน้างานทางวิทยาศาสตร์,ครูสาขาวิชาทฤษฎี MAOU DOD "DSHI No. 46"
การแนะนำ
เมืองใหญ่ทุกเมืองมีวงซิมโฟนีออร์เคสตรา เป็นที่ต้องการทั้งในโรงละครโอเปร่าและสมาคมฟิลฮาร์โมนิก แต่แนวซิมโฟนีเองซึ่งเป็นหนึ่งในแนวเพลงเชิงวิชาการที่น่านับถือที่สุด กำลังถูกแทนที่ด้วยดนตรีแชมเบอร์และอิเล็กทรอนิกส์ และอาจถึงเวลานั้นจะมาถึงเมื่อแนวเพลงที่ยอดเยี่ยมเช่นซิมโฟนีจะไม่แสดงในคอนเสิร์ตอีกต่อไป อย่างน้อยพวกเขาก็เกือบจะหยุดแต่งซิมโฟนีแล้ว ความเกี่ยวข้องหัวข้อวิจัย: ความสนใจอย่างไม่ลดละในคำถามเกี่ยวกับการดำรงอยู่ของประเภท "ซิมโฟนี" ในอนาคต อะไรรอซิมโฟนีในศตวรรษที่ 21: การเกิดใหม่หรือการลืมเลือน วัตถุประสงค์ของการศึกษาเป็นซิมโฟนีที่เป็นแนวเพลงและเป็นวิธีที่จริงจังในการทำความเข้าใจโลกและการแสดงออกถึงตัวตนของมนุษย์ หัวข้อการวิจัย: วิวัฒนาการของแนวเพลงซิมโฟนิกจากต้นกำเนิดจนถึงปัจจุบัน วัตถุประสงค์ของงาน:ศึกษาคุณสมบัติของการพัฒนาแนวเพลงไพเราะ วัตถุประสงค์การวิจัย: วิเคราะห์เนื้อหาทางวิทยาศาสตร์และทฤษฎีเกี่ยวกับปัญหา อธิบายกฎซิมโฟนิก บรรทัดฐาน แบบจำลอง และแนวโน้มในการพัฒนาแนวเพลง
บทฉัน. ประวัติความเป็นมาของคำว่า "ซิมโฟนี"
ซิมโฟนี (จากภาษากรีก ซิมโฟนี - ความสอดคล้อง จาก sýn - ร่วมกัน และ โทรศัพท์ - เสียง) งานดนตรีในรูปแบบโซนาตาไซคลิก มีไว้สำหรับการแสดงโดยวงดุริยางค์ซิมโฟนี หนึ่งในแนวเพลงที่สำคัญที่สุดของดนตรีซิมโฟนิก ในซิมโฟนีบางเพลง นักร้องประสานเสียงและนักร้องเดี่ยวก็มีส่วนร่วมด้วย Symphony เป็นหนึ่งในแนวดนตรีที่ซับซ้อนที่สุด “สำหรับฉัน การสร้างซิมโฟนีหมายถึงการสร้างโลกโดยใช้เทคโนโลยีดนตรีสมัยใหม่ทุกรูปแบบ” กุสตาฟ มาห์เลอร์ นักแต่งเพลงชาวออสเตรียกล่าว
ในตอนแรก ในภาษากรีกโบราณ "ซิมโฟนี" เป็นชื่อที่ตั้งให้กับเสียงที่ไพเราะและร้องเพลงพร้อมกัน ในกรุงโรมโบราณ นี่เป็นชื่อของวงดนตรีหรือวงออเคสตราอยู่แล้ว ในยุคกลาง ดนตรีฆราวาสโดยทั่วไปถือเป็น "ซิมโฟนี" (ในฝรั่งเศสความหมายนี้ยังคงอยู่จนถึงศตวรรษที่ 18) และเครื่องดนตรีบางชนิด (โดยเฉพาะ hurdy-gurdy) อาจเรียกเช่นนี้ได้ ในเยอรมนีจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีเป็นคำทั่วไปสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดหลากหลายชนิด - พิณและเวอร์จิล ในฝรั่งเศส เป็นชื่อที่ตั้งให้กับออร์แกนถัง ฮาร์ปซิคอร์ด กลองสองหัว ฯลฯ
ในช่วงปลายยุคบาโรก คีตกวีบางคน เช่น Giuseppe Torelli (1658-1709) แต่งผลงานให้กับวงเครื่องสายและเบสโซต่อเนื่องเป็น 3 จังหวะ โดยมีลำดับจังหวะเร็ว-ช้า-เร็ว แม้ว่างานดังกล่าวมักเรียกว่า "คอนเสิร์ต" แต่ก็ไม่ต่างจากงานที่เรียกว่า "ซิมโฟนี"; ตัวอย่างเช่น มีการใช้ธีมการเต้นรำในตอนจบของทั้งคอนเสิร์ตและซิมโฟนี ความแตกต่างเกี่ยวข้องกับโครงสร้างของส่วนแรกของวงจรเป็นหลัก: ในซิมโฟนีมันง่ายกว่า - ตามกฎแล้วเป็นรูปแบบไบนารีสองส่วนของการทาบทามบาโรก โซนาต้า และชุด (AA BB) เฉพาะในศตวรรษที่สิบหกเท่านั้น เริ่มนำไปใช้กับผลงานแต่ละชิ้น โดยเริ่มแรกเป็นนักร้อง-เครื่องดนตรี โดยนักประพันธ์เช่น Giovanni Gabrieli (Sacrae Symphoniae, 1597 และ Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie Musicali, 1610) ) และ Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629) คีตกวีชาวอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 17 คำว่า "ซิมโฟนี" (ซินโฟเนีย) มักหมายถึงการบรรเลงโอเปร่า โอราโตริโอ หรือแคนตาตา และคำในความหมายก็ใกล้เคียงกับแนวคิดของ "โหมโรง" หรือ "ทาบทาม"
ต้นแบบของซิมโฟนีถือได้ว่าเป็นทาบทามของอิตาลี ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้โดเมนิโก สการ์ลาตติ เมื่อปลายศตวรรษที่ 17 แบบฟอร์มนี้เรียกว่าซิมโฟนีแล้วและประกอบด้วยสามส่วนที่ตัดกัน: allegro, andante และ allegro ซึ่งรวมเข้าด้วยกันเป็นหนึ่งเดียว คุณสมบัติของรูปแบบโซนาต้าถูกระบุไว้ในส่วนแรก เป็นรูปแบบนี้ที่มักถูกมองว่าเป็นผู้บุกเบิกโดยตรงของซิมโฟนีออเคสตรา ในทางกลับกัน ซิมโฟนีรุ่นก่อนคือโซนาตาออเคสตราซึ่งประกอบด้วยการเคลื่อนไหวหลายอย่างในรูปแบบที่ง่ายที่สุดและส่วนใหญ่อยู่ในคีย์เดียวกัน คำว่า "overture" และ "symphony" ถูกใช้สลับกันตลอดช่วงศตวรรษที่ 18
ในศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีแยกออกจากโอเปร่าและกลายเป็นแนวคอนเสิร์ตอิสระ โดยปกติจะมี 3 จังหวะ (“เร็ว - ช้า - เร็ว”) การใช้คุณลักษณะของชุดเต้นรำสไตล์บาโรก โอเปร่าและคอนแชร์โต นักแต่งเพลงจำนวนหนึ่ง และเหนือสิ่งอื่นใด เจ.บี. Sammartini ได้สร้างแบบจำลองของซิมโฟนีคลาสสิก ซึ่งเป็นงานสามการเคลื่อนไหวสำหรับวงออเคสตราเครื่องสาย ซึ่งการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วมักอยู่ในรูปแบบของ rondo ธรรมดาหรือรูปแบบโซนาตาในยุคแรก เครื่องดนตรีอื่นๆ ได้ถูกเพิ่มเข้าไปในสายอย่างค่อยเป็นค่อยไป เช่น โอโบ (หรือฟลุต) เขาสัตว์ ทรัมเป็ต และกลองทิมปานี สำหรับผู้ฟังแห่งศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีถูกกำหนดโดยบรรทัดฐานคลาสสิก: เนื้อสัมผัสแบบโฮโมโฟนิก, ความสามัคคีแบบไดโทนิก, ความแตกต่างอันไพเราะ, ลำดับการเปลี่ยนแปลงไดนามิกและธีมที่กำหนด ศูนย์กลางที่ปลูกฝังซิมโฟนีคลาสสิกคือเมืองมันน์ไฮม์ของเยอรมัน (ที่นี่ Jan Stamitz และนักเขียนคนอื่น ๆ ขยายวงจรไพเราะเป็นสี่การเคลื่อนไหวโดยแนะนำการเต้นรำสองชุดจากชุดบาโรก - มินูเอต์และทรีโอ) และเวียนนาที่ซึ่งไฮเดิน โมสาร์ท , เบโธเฟน (เช่นเดียวกับรุ่นก่อนซึ่ง Georg Monn และ Georg Wagenseil โดดเด่นได้ยกระดับแนวซิมโฟนีขึ้นไปอีกระดับ Johann Sebastian Bach (1685-1750, Germany)
บทครั้งที่สอง- ซิมโฟนีของนักแต่งเพลงชาวต่างประเทศ
1. คลาสสิกเวียนนา
1.1. ฟรานซ์ โจเซฟ ไฮเดิน
ในงานของ Franz Joseph Haydn (1732-1809) ในที่สุดวงจรไพเราะก็ก่อตัวขึ้น ซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของเขายังคงไม่แตกต่างไปจากแชมเบอร์มิวสิคเลย และแทบจะไม่ไปไกลกว่าความบันเทิงทั่วไปและแนวเพลงในชีวิตประจำวันในยุคนั้นเลย เฉพาะในยุค 70 เท่านั้นที่มีผลงานที่แสดงถึงโลกแห่งภาพที่ลึกซึ้ง (“ Funeral Symphony”, “ Farewell Symphony” ฯลฯ ) ซิมโฟนีของเขาค่อยๆ เต็มไปด้วยเนื้อหาดราม่าที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ความสำเร็จสูงสุดของการแสดงซิมโฟนีของ Haydn คือซิมโฟนี "ลอนดอน" ทั้งสิบสองชุด
โครงสร้างโซนาต้าอัลเลโกร. ซิมโฟนีแต่ละเพลง (ยกเว้น C minor) เริ่มต้นด้วยการแนะนำอย่างช้าๆ ของตัวละครที่สง่างาม เคร่งขรึม เน้นการคิด บทกวีที่ไพเราะ หรือใคร่ครวญอย่างสงบ (โดยปกติจะเป็นจังหวะ Largo หรือ Adagio) การแนะนำอย่างช้าๆ แตกต่างอย่างมากกับอัลเลโกรที่ตามมา (ซึ่งเป็นส่วนแรกของซิมโฟนี) และในขณะเดียวกันก็เป็นการเตรียมการ ไม่มีความแตกต่างที่เป็นรูปเป็นร่างที่ชัดเจนระหว่างธีมของส่วนหลักและส่วนรอง ทั้งสองเพลงมักเป็นเพลงพื้นบ้านและลักษณะการเต้นรำ มีเพียงคอนทราสต์ของโทนสีเท่านั้น: โทนเสียงหลักของส่วนหลักจะตัดกับโทนเสียงที่โดดเด่นของส่วนด้านข้าง การพัฒนาที่สร้างขึ้นโดยการแยกแรงจูงใจได้รับการพัฒนาที่สำคัญในซิมโฟนีของ Haydn ส่วนสั้นๆ แต่ใช้งานมากที่สุดจะถูกแยกออกจากธีมของส่วนหลักหรือส่วนรอง และผ่านการพัฒนาอิสระที่ค่อนข้างยาว (การมอดูเลตอย่างต่อเนื่องในคีย์ต่างๆ ดำเนินการด้วยเครื่องมือที่แตกต่างกันและในรีจิสเตอร์ที่แตกต่างกัน) สิ่งนี้ทำให้การพัฒนามีลักษณะแบบไดนามิกและทะเยอทะยาน
ส่วนที่สอง (ช้า)มีบุคลิกที่แตกต่างกัน: บางครั้งก็เป็นโคลงสั้น ๆ บางครั้งก็เหมือนเพลงในบางกรณีเหมือนเดินขบวน พวกเขายังมีรูปร่างแตกต่างกันไป ที่พบมากที่สุดคือรูปแบบสามส่วนและรูปแบบที่หลากหลายที่ซับซ้อน
มินูเอตส์การเคลื่อนไหวครั้งที่สามของซิมโฟนี "ลอนดอน" มักเรียกว่า Menuetto มินิเอตของ Haydn จำนวนมากมีลักษณะของการเต้นรำแบบคันทรี่ด้วยท่าเดินที่ค่อนข้างหนักหน่วง ท่วงทำนองที่ไพเราะ สำเนียงที่ไม่คาดคิด และการเปลี่ยนจังหวะ ซึ่งมักจะสร้างเอฟเฟกต์ที่ตลกขบขัน มินูเอต์แบบดั้งเดิมขนาดสามจังหวะยังคงอยู่ แต่จะสูญเสียความซับซ้อนของชนชั้นสูงและกลายเป็นการเต้นรำแบบชาวนาที่เป็นประชาธิปไตย
รอบชิงชนะเลิศในตอนจบของซิมโฟนีของ Haydn ภาพแนวเพลงที่ย้อนกลับไปสู่เพลงเต้นรำโฟล์คมักจะดึงดูดความสนใจ รูปแบบส่วนใหญ่มักจะเป็นโซนาตาหรือรอนโดโซนาตา ในตอนจบของซิมโฟนี "ลอนดอน" บางช่วง เทคนิคของการแปรผันและการพัฒนาโพลีโฟนิก (การเลียนแบบ) ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย โดยเน้นย้ำถึงการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วของดนตรีและสร้างพลังให้กับโครงสร้างดนตรีทั้งหมด [ 4, น. 76-78]
วงออเคสตราองค์ประกอบของวงออเคสตราก็ถูกกำหนดไว้ในงานของ Haydn ด้วย มันขึ้นอยู่กับเครื่องมือสี่กลุ่ม หมวดเครื่องสายซึ่งเป็นกลุ่มนำของวงออเคสตรา ได้แก่ ไวโอลิน วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส กลุ่มไม้ประกอบด้วย ฟลุต โอโบ คลาริเน็ต (ไม่ได้ใช้ในซิมโฟนีทุกประเภท) และบาสซูน กลุ่มทองเหลืองของ Haydn ประกอบด้วยเขาและแตร ในบรรดาเครื่องเคาะจังหวะ Haydn ใช้เฉพาะกลองทิมปานีในวงออเคสตรา ข้อยกเว้นคือ "London Symphony" ที่สิบสอง, G major ("Military") นอกจากกลองทิมปานีแล้ว Haydn ยังแนะนำสามเหลี่ยม ฉาบ และกลองเบสอีกด้วย โดยรวมแล้วงานของ Franz Joseph Haydn มีซิมโฟนีมากกว่า 100 รายการ
1.2. โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) ร่วมกับ Haydn ยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของดนตรีซิมโฟนีของยุโรป ในขณะที่ซิมโฟนีที่ดีที่สุดของ Mozart ปรากฏก่อน London Symphonies ของ Haydn เสียด้วยซ้ำ โมสาร์ทแก้ปัญหาวงจรซิมโฟนิกด้วยวิธีของเขาเองโดยไม่ต้องทำซ้ำ Haydn จำนวนซิมโฟนีทั้งหมดของเขาเกิน 50 แม้ว่าตามจำนวนต่อเนื่องที่ยอมรับในดนตรีวิทยาของรัสเซีย แต่ซิมโฟนีสุดท้าย - "จูปิเตอร์" - ถือเป็นวันที่ 41 การปรากฏตัวของซิมโฟนีของโมสาร์ทส่วนใหญ่เกิดขึ้นตั้งแต่ช่วงปีแรก ๆ ของงานของเขา ในช่วงยุคเวียนนา มีการสร้างซิมโฟนีเพียง 6 เพลงสุดท้ายเท่านั้น ได้แก่: "Linzskaya" (1783), "Prague" (1786) และสามซิมโฟนีในปี 1788
ซิมโฟนีเพลงแรกของโมสาร์ทได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของเจ.เอส. บาค. มันแสดงให้เห็นทั้งในการตีความวงจร (3 ส่วนเล็ก ๆ , ไม่มีมินูเอต, องค์ประกอบออเคสตราเล็ก ๆ ) และในรายละเอียดที่แสดงออกต่าง ๆ (ทำนองของธีม, ความแตกต่างที่แสดงออกของเมเจอร์และไมเนอร์, บทบาทนำของไวโอลิน)
การเยี่ยมชมศูนย์กลางหลักของซิมโฟนียุโรป (เวียนนา, มิลาน, ปารีส, มันน์ไฮม์) มีส่วนทำให้วิวัฒนาการของการคิดซิมโฟนีของโมซาร์ท: เนื้อหาของซิมโฟนีได้รับการตกแต่งให้สมบูรณ์, ความแตกต่างทางอารมณ์จะสว่างขึ้น, การพัฒนาเฉพาะเรื่องมีความกระตือรือร้นมากขึ้น, ขนาดของชิ้นส่วน ขยายใหญ่ขึ้น และเนื้อสัมผัสของวงออเคสตราก็ได้รับการพัฒนามากขึ้น ต่างจาก London Symphonies ของ Haydn ซึ่งโดยทั่วไปแล้วจะพัฒนาซิมโฟนีประเภทหนึ่ง ซิมโฟนีที่ดีที่สุดของ Mozart (หมายเลข 39-41) ไม่ได้ให้ความสำคัญกับการพิมพ์ แต่เป็นซิมโฟนีที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวอย่างแท้จริง แต่ละผลงานรวบรวมแนวคิดทางศิลปะที่เป็นพื้นฐานใหม่ ซิมโฟนีสองเพลงจากสี่เพลงสุดท้ายของโมสาร์ทมีการแนะนำอย่างช้าๆ ส่วนอีกสองเพลงไม่มี ซิมโฟนีหมายเลข 38 ("ปราก", ดีเมเจอร์) มี 3 การเคลื่อนไหว ("ซิมโฟนีไม่มีไมนูเอต") ที่เหลือมี 4 การเคลื่อนไหว
ลักษณะเด่นที่สุดของการตีความแนวซิมโฟนีของโมสาร์ท ได้แก่:
· ละครความขัดแย้ง ในระดับต่างๆ ของส่วนต่างๆ ของวง ธีมเฉพาะ องค์ประกอบธีมต่างๆ ภายในธีม ความแตกต่างและความขัดแย้งปรากฏในซิมโฟนีของโมสาร์ท ธีมซิมโฟนีของโมสาร์ทหลายเพลงเริ่มแรกปรากฏเป็น "ตัวละครที่ซับซ้อน": สร้างขึ้นจากองค์ประกอบที่ตัดกันหลายประการ (เช่น ธีมหลักในตอนจบของวันที่ 40 ซึ่งเป็นการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีจูปิเตอร์) ความแตกต่างภายในเหล่านี้เป็นแรงกระตุ้นที่สำคัญที่สุดสำหรับการพัฒนาอันน่าทึ่งในเวลาต่อมา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการพัฒนา:
1. การตั้งค่ารูปแบบโซนาต้า ตามกฎแล้ว โมสาร์ทกล่าวถึงสิ่งนี้ในทุกส่วนของซิมโฟนีของเขา ยกเว้นมินิเอต มันเป็นรูปแบบโซนาต้าซึ่งมีศักยภาพมหาศาลในการเปลี่ยนแปลงธีมเริ่มต้นที่สามารถเปิดเผยโลกแห่งจิตวิญญาณของมนุษย์ได้อย่างลึกซึ้งที่สุด ในการพัฒนาโซนาตาของ Mozart ธีมใดๆ ของนิทรรศการสามารถได้รับความสำคัญอย่างเป็นอิสระ รวมถึง การเชื่อมต่อและขั้นสุดท้าย (ตัวอย่างเช่นในซิมโฟนี "จูปิเตอร์" ในการพัฒนาส่วนแรกธีมของ z.p. และ st.p. ได้รับการพัฒนาและในส่วนที่สอง - st.t.);
2. บทบาทที่ยิ่งใหญ่ของเทคโนโลยีโพลีโฟนิก เทคนิคโพลีโฟนิกต่างๆ มีส่วนช่วยอย่างมากต่อละคร โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานต่อมา (ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดคือตอนจบของซิมโฟนีจูปิเตอร์)
3. การออกจากประเภทเปิดในเพลงไพเราะและตอนจบ คำจำกัดความของ "แนวเพลงในชีวิตประจำวัน" ไม่สามารถใช้ได้กับพวกเขา ไม่เหมือนของ Haydn ในทางตรงกันข้ามโมสาร์ทใน minuets ของเขามักจะ "ทำให้เป็นกลาง" หลักการเต้นโดยเติมดนตรีด้วยละคร (ในซิมโฟนีหมายเลข 40) หรือการแต่งเนื้อร้อง (ในซิมโฟนี "จูปิเตอร์");
4. การเอาชนะตรรกะชุดสุดท้ายของวงจรซิมโฟนิกครั้งสุดท้ายเป็นการสลับส่วนต่างๆ การเคลื่อนไหวของซิมโฟนีทั้งสี่ของโมสาร์ทแสดงถึงความสามัคคีตามธรรมชาติ (เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในซิมโฟนีหมายเลข 40);
5. เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับแนวเสียงร้อง ดนตรีบรรเลงคลาสสิกก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลอันแข็งแกร่งของโอเปร่า ในโมสาร์ท อิทธิพลของการแสดงออกทางโอเปร่านี้รู้สึกได้อย่างแข็งแกร่งมาก มันแสดงให้เห็นไม่เพียงแต่ในการใช้น้ำเสียงโอเปร่าที่มีลักษณะเฉพาะเท่านั้น (เช่นในธีมหลักของซิมโฟนีที่ 40 ซึ่งมักจะถูกเปรียบเทียบกับธีมของ Cherubino “ฉันบอกไม่ได้ ฉันอธิบายไม่ได้...” ). ดนตรีไพเราะของโมสาร์ทเต็มไปด้วยการผสมผสานระหว่างโศกนาฏกรรมและความตลกขบขัน ความไพเราะและความธรรมดา ซึ่งชวนให้นึกถึงผลงานโอเปร่าของเขาอย่างชัดเจน
1.3. ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน (ค.ศ. 1770-1827) ได้ทำให้แนวเพลงซิมโฟนีสมบูรณ์ยิ่งขึ้น ในซิมโฟนีของเขา ความกล้าหาญ ละคร และปรัชญาได้รับความสำคัญอย่างยิ่ง ส่วนของซิมโฟนีมีความเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิดมากขึ้น และวงจรก็มีความสามัคคีมากขึ้น หลักการของการใช้เนื้อหาเฉพาะเรื่องที่เกี่ยวข้องกันในการเคลื่อนไหวทั้งสี่ซึ่งดำเนินการในซิมโฟนีที่ห้าของเบโธเฟนนำไปสู่การเกิดขึ้นของสิ่งที่เรียกว่า ซิมโฟนีวัฏจักร เบโธเฟนเข้ามาแทนที่มินิเอตอันเงียบสงบด้วยเชอร์โซที่มีชีวิตชีวาและมักจะวุ่นวาย เขายกระดับการพัฒนาเฉพาะเรื่องไปสู่ระดับใหม่ โดยกำหนดให้ธีมของเขาเผชิญกับการเปลี่ยนแปลงทุกประเภท รวมถึงการพัฒนาที่ขัดแย้งกัน การแยกส่วนของธีม การเปลี่ยนโหมด (หลัก - รอง) การเปลี่ยนแปลงจังหวะ
เมื่อพูดถึงซิมโฟนีของ Beethoven เราควรเน้นย้ำถึงนวัตกรรมด้านออเคสตราของเขา ท่ามกลางนวัตกรรม:
1. การก่อตัวที่แท้จริงของกลุ่มทองแดง แม้ว่าทรัมเป็ตจะยังคงเล่นและบันทึกร่วมกับกลองทิมปานี แต่ในทางปฏิบัติแล้วทรัมเป็ตและแตรเริ่มได้รับการปฏิบัติเป็นกลุ่มเดียว พวกเขายังเข้าร่วมด้วยทรอมโบนซึ่งไม่ได้อยู่ในวงซิมโฟนีออร์เคสตราของ Haydn และ Mozart ทรอมโบนเล่นในตอนจบของซิมโฟนีที่ 5 (ทรอมโบน 3 ตัว) ในฉากพายุฝนฟ้าคะนองในวันที่ 6 (ที่นี่มีเพียง 2 เท่านั้น) รวมถึงในบางส่วนของวันที่ 9 (ในเชอร์โซและในตอนสวดมนต์ของตอนจบ เช่นเดียวกับใน coda);
2. การบดอัดของ "ชั้นกลาง" บังคับให้แนวดิ่งเพิ่มขึ้นด้านบนและด้านล่าง ขลุ่ยปิคโคโลปรากฏด้านบน (ในทุกกรณีข้างต้น ยกเว้นตอนสวดมนต์ในตอนจบของซิมโฟนีที่ 9) และด้านล่าง - แตรบาสซูน (ในตอนจบของซิมโฟนีที่ 5 และ 9) แต่ไม่ว่าในกรณีใด วงออเคสตราของเบโธเฟนจะมีฟลุตและบาสซูนสองตัวเสมอ
3. Beethoven เป็นการสานต่อประเพณีของ London Symphonies ของ Haydn และซิมโฟนีรุ่นหลังๆ ของ Mozart โดยได้เพิ่มความเป็นอิสระและความสามารถพิเศษของชิ้นส่วนต่างๆ ของเครื่องดนตรีเกือบทั้งหมด รวมถึงทรัมเป็ต (การแสดงเดี่ยวอันโด่งดังนอกเวทีใน Leonora ทาบทามหมายเลข 2 และหมายเลข 3) และกลองทิมปานี . เขามักจะมีสาย 5 ส่วน (ดับเบิลเบสแยกออกจากเชลโล) และบางครั้งก็มากกว่านั้น (การเล่นแบบแบ่ง) เครื่องเป่าลมไม้ทั้งหมด รวมทั้งบาสซูน และแตร (ในการขับร้องในวง Scherzo ทั้งสามของซิมโฟนีที่ 3 หรือแยกกัน) สามารถเล่นเดี่ยวได้ โดยแสดงเนื้อหาที่สว่างมาก
2. ยวนใจ
ลักษณะเด่นที่สำคัญของแนวโรแมนติกคือการเติบโตของรูปแบบองค์ประกอบของวงออเคสตราและความหนาแน่นของเสียง นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกยังคงรักษารูปแบบดั้งเดิมของวัฏจักร แต่กลับเต็มไปด้วยเนื้อหาใหม่ สถานที่ที่โดดเด่นในหมู่พวกเขาถูกครอบครองโดยซิมโฟนีเนื้อเพลงซึ่งหนึ่งในตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดคือ Symphony in B minor โดย F. Schubert บรรทัดนี้ยังคงดำเนินต่อไปในซิมโฟนีของ F. Mendelssohn-Bartholdy ซึ่งมักมีลักษณะเป็นภาพวาดและทิวทัศน์ ดังนั้นซิมโฟนีจึงได้รับคุณลักษณะทางโปรแกรมซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก Hector Berlioz นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสผู้โดดเด่น เป็นคนแรกที่สร้างโปรแกรมซิมโฟนี โดยเขียนโปรแกรมบทกวีในรูปแบบของเรื่องสั้นเกี่ยวกับชีวิตของศิลปิน อย่างไรก็ตาม แนวคิดแบบเป็นโปรแกรมในดนตรีโรแมนติกมักถูกรวมไว้ในรูปแบบของบทกวีซิมโฟนีเพียงตอนเดียว จินตนาการ ฯลฯ ผู้แต่งซิมโฟนีที่โดดเด่นที่สุดในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 นั่นคือ G. Mahler ซึ่งบางครั้งก็ดึงดูดองค์ประกอบเสียงร้อง ตัวแทนของโรงเรียนแห่งชาติแห่งใหม่ได้สร้างสรรค์ซิมโฟนีอันสำคัญทางตะวันตกในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - A. Dvorak ในสาธารณรัฐเช็ก ในศตวรรษที่ 20 - K. Szymanowski ในโปแลนด์, E. Elgar และ R. Vaughan Williams ในอังกฤษ, J. Sibelius ในฟินแลนด์ ซิมโฟนีของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส A. Honegger, D. Milhaud และคนอื่น ๆ มีความโดดเด่นด้วยคุณสมบัติที่เป็นนวัตกรรมของพวกเขา หาก ณ ปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ในขณะที่ซิมโฟนีขนาดใหญ่ (มักสำหรับวงออเคสตราขยาย) มีอิทธิพลเหนือ ต่อมา "แชมเบอร์ซิมโฟนี" ซึ่งมีขนาดพอประมาณและมีไว้สำหรับวงดนตรีเดี่ยวก็เริ่มมีบทบาทสำคัญมากขึ้น
2.1. ฟรานซ์ ชูเบิร์ต (1797-1828)
ซิมโฟนีโรแมนติกที่สร้างโดยชูเบิร์ตถูกกำหนดไว้เป็นหลักในสองซิมโฟนีสุดท้าย - ลำดับที่ 8, B minor เรียกว่า "ยังไม่เสร็จ" และอันดับที่ 9, C Major พวกเขาแตกต่างอย่างสิ้นเชิงตรงข้ามกัน มหากาพย์ที่ 9 ตื้นตันใจกับความรู้สึกถึงความสุขที่พิชิตได้ทั้งหมด “ยังไม่เสร็จ” รวบรวมหัวข้อของการกีดกันและความสิ้นหวังอันน่าเศร้า ความรู้สึกดังกล่าวซึ่งสะท้อนถึงชะตากรรมของคนทั้งรุ่นยังไม่พบรูปแบบการแสดงออกที่ไพเราะต่อหน้าชูเบิร์ต สร้างขึ้นสองปีก่อนหน้าซิมโฟนีที่ 9 ของเบโธเฟน (ในปี พ.ศ. 2365) "Unfinished" ถือเป็นการเกิดขึ้นของแนวซิมโฟนิกใหม่ - ซึ่งเป็นโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยา
ลักษณะสำคัญอย่างหนึ่งของซิมโฟนี B-minor คือวงจรของมันซึ่งประกอบด้วยการเคลื่อนไหวเพียงสองการเคลื่อนไหว นักวิจัยหลายคนพยายามเจาะลึก "ความลึกลับ" ของงานนี้: ซิมโฟนีที่ยอดเยี่ยมยังคงไม่เสร็จจริงหรือ? ในแง่หนึ่ง ไม่ต้องสงสัยเลยว่าซิมโฟนีถูกสร้างขึ้นเป็นวงจร 4 ส่วน: ภาพร่างเปียโนดั้งเดิมของมันมีชิ้นส่วนขนาดใหญ่ของการเคลื่อนไหวที่ 3 - เชอร์โซ การขาดความสมดุลของโทนเสียงระหว่างการเคลื่อนไหว (H minor ในท่อนที่ 1 และ E Major ในท่อนที่ 2) ยังเป็นข้อโต้แย้งที่ชัดเจนในความจริงที่ว่าซิมโฟนีไม่ได้ถูกสร้างขึ้นล่วงหน้าเป็นท่อนที่ 2 ในทางกลับกัน ชูเบิร์ตมีเวลาเพียงพอหากต้องการทำซิมโฟนีให้เสร็จ: หลังจาก "ยังไม่เสร็จ" เขาได้สร้างผลงานจำนวนมาก รวมถึงซิมโฟนีที่ 9 แบบ 4 ตอนที่ 9 ด้วย มีข้อโต้แย้งอื่น ๆ สำหรับและต่อต้าน ในขณะเดียวกัน "Unfinished" ได้กลายเป็นหนึ่งในซิมโฟนีที่มีเพลงประกอบละครมากที่สุด โดยไม่ให้ความรู้สึกเกินควรเลย แผนของเธอในสองส่วนกลายเป็นจริงอย่างสมบูรณ์
ฮีโร่ของ "ยังไม่เสร็จ" มีความสามารถในการประท้วงอย่างสดใส แต่การประท้วงครั้งนี้ไม่ได้นำไปสู่ชัยชนะของหลักการที่ยืนยันชีวิต ในแง่ของความรุนแรงของความขัดแย้ง ซิมโฟนีนี้ไม่ด้อยไปกว่าผลงานละครของเบโธเฟน แต่ความขัดแย้งนี้อยู่ในระนาบที่แตกต่างออกไป มันถูกถ่ายโอนไปยังขอบเขตโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยา นี่คือละครแห่งประสบการณ์ ไม่ใช่การกระทำ พื้นฐานของมันไม่ใช่การต่อสู้ของสองหลักการที่ตรงกันข้าม แต่เป็นการต่อสู้ภายในบุคลิกภาพนั่นเอง นี่เป็นลักษณะที่สำคัญที่สุดของซิมโฟนีโรแมนติก ตัวอย่างแรกคือซิมโฟนีของชูเบิร์ต
บทIII- ซิมโฟนีในรัสเซีย
มรดกอันไพเราะของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย - P.I. ไชคอฟสกี, A.P. โบโรดินา, เอ.จี. กลาซูนอฟ, สเครอาบิน, S.V. รัชมานินอฟ. เริ่มตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 รูปแบบของซิมโฟนีที่เข้มงวดเริ่มล่มสลาย การเคลื่อนไหวสี่แบบเป็นทางเลือก: มีทั้งซิมโฟนีแบบเคลื่อนไหวเดียว (Myaskovsky, Kancheli, Boris Tchaikovsky) เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวที่สิบเอ็ด (Shostakovich) และแม้แต่การเคลื่อนไหวที่ยี่สิบสี่ (Hovaness) ตอนจบที่ช้าซึ่งเป็นไปไม่ได้ในซิมโฟนีคลาสสิกปรากฏขึ้น (ซิมโฟนีที่หกของไชคอฟสกี, ซิมโฟนีที่สามและเก้าของมาห์เลอร์) หลังจากซิมโฟนีที่ 9 ของเบโธเฟน ผู้แต่งเริ่มนำท่อนเสียงมาใส่ในซิมโฟนีมากขึ้น
ซิมโฟนีที่สองของ Alexander Porfirievich Borodin (1833-1887) เป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของงานของเขา มันเป็นผลงานชิ้นเอกไพเราะของโลกด้วยความสว่างความคิดริเริ่มสไตล์เสาหินและการนำภาพของมหากาพย์พื้นบ้านรัสเซียไปใช้อย่างชาญฉลาด โดยรวมแล้วเขาเขียนซิมโฟนีสามเพลง (เพลงที่สามยังเขียนไม่เสร็จ)
Alexander Konstantinovich Glazunov (1865-1936) เป็นหนึ่งในนักซิมโฟนิสต์ชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุด สไตล์ของเขาทำลายประเพณีการสร้างสรรค์ของ Glinka และ Borodin, Balakirev และ Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky และ Taneyev ได้อย่างมีเอกลักษณ์ เขาเป็นผู้เชื่อมโยงระหว่างศิลปะคลาสสิกของรัสเซียก่อนเดือนตุลาคมกับศิลปะดนตรีโซเวียตรุ่นเยาว์
3.1. ปิออตร์ อิลิช ไชคอฟสกี (1840)-1893)
ประการแรก ซิมโฟนีในรัสเซียคือไชคอฟสกี ซิมโฟนีชุดแรก "Winter Dreams" เป็นผลงานชิ้นสำคัญชิ้นแรกของเขาหลังจากสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เหตุการณ์นี้ซึ่งดูเป็นธรรมชาติมากในทุกวันนี้ ถือเป็นเหตุการณ์ที่ไม่ธรรมดาอย่างยิ่งในปี 1866 ซิมโฟนีรัสเซียซึ่งเป็นวงออเคสตราแบบหลายการเคลื่อนไหวเป็นจุดเริ่มต้นของการเดินทาง มาถึงตอนนี้มีเพียงซิมโฟนีแรกของ Anton Grigorievich Rubinstein และรุ่นแรกของ First Symphony ของ Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov เท่านั้นที่มีอยู่ซึ่งไม่ได้รับชื่อเสียง ไชคอฟสกีรับรู้โลกอย่างมาก และซิมโฟนีของเขา - ซึ่งแตกต่างจากซิมโฟนีมหากาพย์ของ Borodin - มีลักษณะเป็นโคลงสั้น ๆ - ดราม่าและขัดแย้งกันอย่างรุนแรงในธรรมชาติ
ซิมโฟนีทั้งหกของไชคอฟสกีและซิมโฟนีรายการ "มันเฟรด" เป็นโลกศิลปะที่แตกต่างกัน สิ่งเหล่านี้เป็นอาคารที่สร้างขึ้นตามโครงการ "ส่วนบุคคล" แม้ว่า "กฎ" ของแนวเพลงซึ่งเกิดขึ้นและพัฒนาบนดินแดนยุโรปตะวันตกนั้นได้รับการสังเกตและตีความด้วยทักษะที่โดดเด่น แต่เนื้อหาและภาษาของซิมโฟนียังคงเป็นของชาติอย่างแท้จริง นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมเพลงพื้นบ้านจึงฟังดูเป็นธรรมชาติในซิมโฟนีของไชคอฟสกี
3.2. อเล็กซานเดอร์ นิโคเลวิช สเครอาบิน (1872)-1915)
ซิมโฟนีของ Scriabin ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของการหักเหอย่างสร้างสรรค์ของประเพณีต่างๆ ของซิมโฟนีคลาสสิกของศตวรรษที่ 19 ประการแรก นี่คือประเพณีการแสดงซิมโฟนิซึมของไชคอฟสกีและเบโธเฟนบางส่วน นอกจากนี้ ผู้แต่งยังนำคุณลักษณะบางอย่างของซิมโฟนีโรแมนติกแบบเป็นโปรแกรมของ Liszt มาใช้ด้วย คุณสมบัติบางอย่างของสไตล์ออเคสตราของซิมโฟนีของ Scriabin เชื่อมโยงเขาเข้ากับวากเนอร์เป็นส่วนหนึ่ง แต่แหล่งข้อมูลต่างๆ ทั้งหมดนี้ได้รับการประมวลผลอย่างลึกซึ้งโดยเขาอย่างเป็นอิสระ ซิมโฟนีทั้งสามมีความเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิดด้วยแนวคิดทางอุดมการณ์ร่วมกัน แก่นแท้ของมันสามารถกำหนดได้ว่าเป็นการต่อสู้ของบุคลิกภาพของมนุษย์กับกองกำลังที่ไม่เป็นมิตรที่ยืนขวางทางไปสู่การสถาปนาเสรีภาพ การต่อสู้ครั้งนี้จบลงด้วยชัยชนะของฮีโร่และชัยชนะแห่งแสงสว่างอย่างสม่ำเสมอ
3.3. มิทรี ดมิตรีวิช ชอสตาโควิช (1906)-1975)
Shostakovich - นักแต่งเพลงและนักซิมโฟนี หากสำหรับ Prokofiev ด้วยความสนใจเชิงสร้างสรรค์ที่หลากหลายสิ่งที่สำคัญที่สุดคือละครเพลงดังนั้นสำหรับ Shostakovich ในทางกลับกันแนวเพลงหลักคือซิมโฟนี ที่นี่คือที่ที่แนวคิดหลักของงานของเขาพบรูปแบบที่ลึกซึ้งและครอบคลุม โลกแห่งซิมโฟนีของโชสตาโควิชนั้นใหญ่มาก ในนั้นเราเห็นชีวิตทั้งชีวิตของมนุษยชาติในศตวรรษที่ 20 พร้อมด้วยความซับซ้อน ความขัดแย้ง สงคราม และความขัดแย้งทางสังคม
The Seventh (“Leningrad”) Symphony เป็นหนึ่งในผลงานที่สำคัญที่สุดของผู้แต่ง มันเป็นสี่ส่วน ขนาดของมันใหญ่โต: ซิมโฟนีกินเวลานานกว่า 70 นาที ซึ่งการเคลื่อนไหวครั้งแรกใช้เวลาเกือบครึ่งหนึ่ง “ปีศาจอะไรที่สามารถเอาชนะคนที่สามารถสร้างดนตรีแบบนี้ได้” หนังสือพิมพ์อเมริกันฉบับหนึ่งเขียนในปี 1942 Seventh Symphony ของ Shostakovich สามารถเรียกได้ว่าเป็น "Heroic Symphony" แห่งศตวรรษที่ 20 อย่างถูกต้อง
3.4. อัลเฟรด การ์ริวิช ชนิตต์เค (1934)-1998)
Schnittke เป็นนักแต่งเพลง นักทฤษฎีดนตรี และอาจารย์ชาวโซเวียตและรัสเซีย (ผู้เขียนบทความเกี่ยวกับนักแต่งเพลงชาวรัสเซียและโซเวียต) หนึ่งในบุคคลสำคัญทางดนตรีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ศิลปินผู้มีเกียรติของ RSFSR Schnittke เป็นหนึ่งในผู้นำด้านดนตรีแนวหน้า แม้จะได้รับความนิยมอย่างมากในดนตรีของนักแต่งเพลงที่โดดเด่นคนนี้ แต่คะแนนของซิมโฟนีหลายเพลงของเขายังไม่ได้รับการตีพิมพ์และไม่พร้อมใช้งานในรัสเซีย Schnittke ได้หยิบยกปัญหาทางปรัชญาขึ้นมาในงานของเขา ซึ่งปัญหาหลักคือมนุษย์และสิ่งแวดล้อม ซิมโฟนีชุดแรกประกอบด้วยลานตาที่มีสไตล์ แนวเพลง และทิศทางดนตรีที่แตกต่างกัน จุดเริ่มต้นของการสร้าง First Symphony คือความสัมพันธ์ระหว่างสไตล์ดนตรีที่จริงจังและเบา ซิมโฟนีที่สองและสี่สะท้อนถึงการก่อตัวของการตระหนักรู้ในศาสนาของผู้แต่งเป็นส่วนใหญ่ ซิมโฟนีที่สองฟังดูเหมือนพิธีมิสซาโบราณ ซิมโฟนีที่สามเป็นผลมาจากความต้องการภายในของเขาที่จะแสดงทัศนคติต่อวัฒนธรรมเยอรมัน ซึ่งเป็นรากฐานของต้นกำเนิดของเยอรมัน ในซิมโฟนีที่สาม ประวัติศาสตร์ดนตรีเยอรมันทั้งหมดผ่านไปต่อหน้าผู้ฟังในรูปแบบของข้อความสั้น ๆ Alfred Schnittke ใฝ่ฝันที่จะสร้างซิมโฟนีทั้งเก้า - และด้วยเหตุนี้จึงได้ถ่ายทอดคำนับแบบหนึ่งให้กับ Beethoven และ Schubert ผู้เขียนหมายเลขเดียวกัน Alfred Schnittke เขียน Ninth Symphony (1995-97) ในขณะที่เขาป่วยหนักอยู่แล้ว เขามีจังหวะสามจังหวะและไม่ขยับเลย ผู้แต่งไม่มีเวลาทำคะแนนให้เสร็จในที่สุด เป็นครั้งแรกที่ Gennady Rozhdestvensky ดำเนินการเสร็จสิ้นและฉบับออเคสตรา ภายใต้การดูแลของการแสดงครั้งแรกจัดขึ้นที่มอสโกเมื่อวันที่ 19 มิถุนายน 2541 เวอร์ชันบรรณาธิการใหม่ของซิมโฟนีดำเนินการโดย Alexander Raskatov และแสดงในเดรสเดนเมื่อวันที่ 16 มิถุนายน พ.ศ. 2550
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 การผสมผสานหลักการของแนวเพลงต่างๆ ในงานเดียว ได้แก่ ซิมโฟนิก การร้องประสานเสียง แชมเบอร์ เครื่องดนตรีและเสียงร้อง ได้รับความนิยมมากที่สุด ตัวอย่างเช่น Fourteenth Symphony ของ Shostakovich ผสมผสานซิมโฟนี เสียงร้องแชมเบอร์ และดนตรีบรรเลงเข้าด้วยกัน การแสดงประสานเสียงของ Gavrilin เป็นการผสมผสานระหว่างการแสดงออราทอริโอ ซิมโฟนี วงจรเสียงร้อง บัลเล่ต์ และการแสดงละคร
3.5. มิคาอิล จูราฟเลฟ
ในศตวรรษที่ 21 มีนักประพันธ์เพลงที่มีพรสวรรค์มากมายที่ร่วมไว้อาลัยให้กับซิมโฟนีนี้ หนึ่งในนั้นคือมิคาอิล Zhuravlev ด้วยละครเพลงและแถลงการณ์ทางการเมืองของเขา ผู้แต่งก้าวเข้าสู่แนวเดียวกับบุคคลสำคัญในประวัติศาสตร์ดนตรีอย่างแอล. บีโธเฟน, พี. ไชคอฟสกี และดี. โชสตาโควิชอย่างกล้าหาญ ซิมโฟนีที่ 10 ของ M. Zhuravlev ในปัจจุบันสามารถเรียกได้อย่างง่ายดายว่า "ซิมโฟนีวีรชนแห่งศตวรรษที่ 21" นอกเหนือจากแง่มุมทางจริยธรรมทั่วไปของซิมโฟนีนี้แล้ว ควรสังเกตด้านความเป็นมืออาชีพอย่างแท้จริงด้วย ผู้เขียนไม่ได้มุ่งมั่นในการสร้างสรรค์นวัตกรรมเพื่อประโยชน์ของนวัตกรรม บางครั้งเขาก็เป็นนักวิชาการที่เน้นย้ำและต่อต้านศิลปินที่เสื่อมทรามและเปรี้ยวจี๊ดอย่างเด็ดเดี่ยว แต่เขาสามารถพูดสิ่งใหม่ ๆ ได้อย่างแท้จริงซึ่งเป็นคำพูดของเขาเองในประเภทซิมโฟนิก นักแต่งเพลง M. Zhuravlev ใช้หลักการของรูปแบบโซนาต้าอย่างเชี่ยวชาญอย่างน่าอัศจรรย์ แต่ละครั้งแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้อันไม่มีที่สิ้นสุด อันที่จริงการเคลื่อนไหวครั้งที่ 3 และ 4 ที่รวมกันนั้นเป็นตัวแทนของ "super-sonata" ซึ่งการเคลื่อนไหวครั้งที่ 4 ทั้งหมดถือได้ว่าเป็นการขยายไปยังส่วนที่แยกจากกันของ coda นักวิจัยในอนาคตจะยังคงต้องรับมือกับการตัดสินใจจัดองค์ประกอบที่ไม่ธรรมดานี้
บทสรุป
เดิมทีซิมโฟนีถูกเรียกว่าผลงานที่ไม่เข้ากับกรอบของการแต่งเพลงแบบดั้งเดิม - ในแง่ของจำนวนส่วน, อัตราส่วนจังหวะ, การรวมกันของสไตล์ที่แตกต่างกัน - โพลีโฟนิก (ซึ่งถือว่าโดดเด่นในศตวรรษที่ 17) และโฮโมโฟนิกที่เกิดขึ้นใหม่ (ด้วย เสียงประกอบ) ในศตวรรษที่ 17 ซิมโฟนี (ซึ่งหมายถึง "ความสอดคล้อง ข้อตกลง ค้นหาเสียงใหม่") เป็นชื่อของการประพันธ์ดนตรีที่ไม่ธรรมดาทุกประเภท และในศตวรรษที่ 18 ที่เรียกว่าซิมโฟนีหลากหลาย ซึ่งถูกสร้างขึ้นเพื่อให้เสียง พื้นที่ลูกบอลและกิจกรรมทางสังคมต่างๆ แพร่หลาย ซิมโฟนีกลายเป็นชื่อประเภทเฉพาะในศตวรรษที่ 18 ในแง่ของการแสดง ซิมโฟนีถือเป็นแนวเพลงที่ซับซ้อนมากอย่างถูกต้อง ต้องมีองค์ประกอบขนาดใหญ่, การมีเครื่องดนตรีหายากมากมาย, ทักษะของผู้เล่นวงออเคสตราและนักร้อง (หากเป็นซิมโฟนีพร้อมข้อความ) และเสียงที่ยอดเยี่ยม เช่นเดียวกับดนตรีแนวอื่นๆ ซิมโฟนีก็มีกฎของตัวเอง ดังนั้น บรรทัดฐานสำหรับซิมโฟนีคลาสสิกคือวงจรการเคลื่อนไหวสี่จังหวะ โดยมีโซนาตา (รูปแบบที่ซับซ้อนที่สุด) อยู่ที่ขอบ โดยมีการเคลื่อนไหวช้าๆ และการเต้นรำในช่วงกลางขององค์ประกอบ โครงสร้างนี้ไม่ได้ตั้งใจ ซิมโฟนีสะท้อนให้เห็นถึงกระบวนการของความสัมพันธ์ของบุคคลกับโลก: กระตือรือร้น - ในส่วนแรก, สังคม - ในส่วนที่สี่, การไตร่ตรองและการเล่น - ในส่วนกลางของวงจร เมื่อถึงจุดเปลี่ยนในการพัฒนา ดนตรีไพเราะได้เปลี่ยนแปลงกฎเกณฑ์ที่มั่นคง และปรากฏการณ์เหล่านั้นในแวดวงศิลปะที่ตอนแรกทำให้เกิดความตกใจจึงเกิดความคุ้นเคย ตัวอย่างเช่นซิมโฟนีที่มีเสียงร้องและบทกวีไม่ได้เป็นเพียงอุบัติเหตุ แต่เป็นหนึ่งในเทรนด์ในการพัฒนาแนวเพลง
นักแต่งเพลงสมัยใหม่ในปัจจุบันชอบแนวแชมเบอร์ซึ่งต้องใช้นักแสดงจำนวนน้อยกว่ามากกว่ารูปแบบซิมโฟนิก คอนเสิร์ตประเภทนี้ยังใช้แผ่นเสียงที่มีการบันทึกเสียงหรือเอฟเฟกต์อิเล็กทรอนิกส์อะคูสติกบางประเภทอีกด้วย ภาษาดนตรีที่ได้รับการปลูกฝังในดนตรีสมัยใหม่ในปัจจุบันนั้นเป็นการทดลองและเชิงสำรวจอย่างมาก เชื่อกันว่าการเขียนเพลงสำหรับวงออเคสตราในปัจจุบันหมายถึงการวางไว้บนโต๊ะ หลายคนเชื่อว่าเวลาของซิมโฟนีในฐานะแนวเพลงที่นักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ได้จบลงแล้วอย่างแน่นอน แต่เป็นเช่นนั้นจริงเหรอ? เวลาจะตอบคำถามนี้
อ้างอิง:
- Averyova O.I. วรรณกรรมดนตรีในประเทศแห่งศตวรรษที่ 20: หนังสือเรียน เงินสงเคราะห์โรงเรียนดนตรีเด็ก: วันพฤหัสบดี ปีที่สอนวิชานี้ - อ.: ดนตรี, 2552. - 256 น.
- โบโรดิน. Second Symphony (“ Bogatyrskaya”) / บทความ - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
- วีรชนซิมโฟนีแห่งศตวรรษที่ 21 / บทความโดย V. Filatov // ร้อยแก้ว ru - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
- เลวิก บี.วี. วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ: คู่มือการศึกษาและระเบียบวิธี ฉบับที่ 2. - ม.: ดนตรี, 2518. - 301 น.
- Prokhorova I. วรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศ: สำหรับชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 โรงเรียนดนตรีเด็ก: หนังสือเรียน M.: ดนตรี, 2000. - 112 น.
- วรรณกรรมดนตรีรัสเซีย ฉบับที่ 4. เอ็ด. เอ็ม.เค. มิคาอิโลวา, E.L. ทอด. - เลนินกราด: "ดนตรี", 2529 - 264 หน้า
- ซิมโฟนี // ยานเดกซ์ พจนานุกรม › TSB, 1969-1978 - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/TSE/Symphony/
- ซิมโฟนี // วิกิพีเดีย. สารานุกรมฟรี - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://ru.wikipedia.org/wiki/Symphony http://www.tchaikov.ru/symphony.html
- ชูเบิร์ต "ยังไม่เสร็จ" ซิมโฟนี // การบรรยายเกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรี musike.ru - [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง - URL: http://musike.ru/index.php?id=54
คำ "ซิมโฟนี"แปลจากภาษากรีกว่า "ความสอดคล้อง" อันที่จริง เสียงของเครื่องดนตรีหลายชนิดในวงออเคสตราสามารถเรียกได้ว่าเป็นดนตรีก็ต่อเมื่อเครื่องดนตรีเหล่านั้นเข้ากันเท่านั้น และแต่ละเครื่องดนตรีไม่ได้สร้างเสียงขึ้นมาเอง
ในสมัยกรีกโบราณ นี่เป็นชื่อของการผสมผสานเสียงที่ไพเราะและร้องเพลงพร้อมเพรียงกัน ในโรมโบราณ วงดนตรีหรือวงออเคสตราเริ่มถูกเรียกเช่นนี้ ในยุคกลาง ดนตรีฆราวาสโดยทั่วไปและเครื่องดนตรีบางชนิดเรียกว่าซิมโฟนี
คำนี้มีความหมายอื่น ๆ แต่ล้วนมีความหมายถึงความเชื่อมโยงการมีส่วนร่วมการรวมกันที่กลมกลืน ตัวอย่างเช่น ซิมโฟนีเรียกอีกอย่างว่าหลักการของความสัมพันธ์ระหว่างคริสตจักรกับอำนาจทางโลกที่ก่อตัวขึ้นในจักรวรรดิไบแซนไทน์
แต่วันนี้เราจะพูดถึงเฉพาะดนตรีซิมโฟนีเท่านั้น
ความหลากหลายของซิมโฟนี
ซิมโฟนีคลาสสิค- นี่คือผลงานดนตรีในรูปแบบโซนาต้าไซคลิก มีไว้สำหรับการแสดงโดยวงซิมโฟนีออร์เคสตรา
ซิมโฟนี (นอกเหนือจากวงซิมโฟนีออร์เคสตรา) อาจรวมถึงคณะนักร้องประสานเสียงและเสียงร้องด้วย มีซิมโฟนี-สวีท, ซิมโฟนี-แรปโซดี, ซิมโฟนี-แฟนตาซี, ซิมโฟนี-บัลลาด, ซิมโฟนี-ตำนาน, ซิมโฟนี-บทกวี, ซิมโฟนี-บังสุกุล, ซิมโฟนี-บัลเลต์, ซิมโฟนี-ละคร และซิมโฟนีละคร เป็นประเภทของโอเปร่า.
ซิมโฟนีคลาสสิกมักมี 4 การเคลื่อนไหว:
ส่วนแรก - เข้า ก้าวอย่างรวดเร็ว(อัลเลโกร ) ในรูปแบบโซนาต้า
ส่วนที่สอง - ใน อย่างช้าๆมักจะอยู่ในรูปแบบของการแปรผัน rondo, rondo sonata, การเคลื่อนไหวสามแบบที่ซับซ้อน, ไม่ค่อยอยู่ในรูปแบบของโซนาตา;
ส่วนที่สาม - เชอร์โซหรือมินูเอต- ในรูปแบบสามส่วน da capo พร้อมทั้งสาม (นั่นคือตามโครงการ A-trio-A)
ส่วนที่สี่ - ใน ก้าวอย่างรวดเร็วในรูปแบบโซนาตา ในรูปแบบรอนโดหรือรอนโดโซนาตา
แต่มีซิมโฟนีที่มีท่อนน้อยกว่า (หรือมากกว่า) นอกจากนี้ยังมีซิมโฟนีการเคลื่อนไหวเดียว
โปรแกรมซิมโฟนีเป็นเพลงซิมโฟนีที่มีเนื้อหาเฉพาะซึ่งกำหนดไว้ในรายการหรือแสดงในชื่อเรื่อง หากซิมโฟนีมีชื่อ ชื่อนี้ก็คือรายการขั้นต่ำ เช่น "Symphony Fantastique" โดย G. Berlioz
จากประวัติความเป็นมาของซิมโฟนี
ถือเป็นผู้สร้างซิมโฟนีและออร์เคสตรารูปแบบคลาสสิก ไฮเดน.
และต้นแบบของซิมโฟนีคือภาษาอิตาลี ทาบทาม(ผลงานดนตรีออเคสตราที่แสดงก่อนเริ่มการแสดง: โอเปร่า, บัลเล่ต์) ซึ่งพัฒนาขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 มีส่วนสำคัญในการพัฒนาซิมโฟนีโดย โมสาร์ทและ เบโธเฟน- นักแต่งเพลงทั้งสามคนนี้เรียกว่า "เวียนนาคลาสสิก" คลาสสิกของเวียนนาสร้างดนตรีบรรเลงระดับสูงซึ่งมีเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างมากมายรวมอยู่ในรูปแบบศิลปะที่สมบูรณ์แบบ กระบวนการก่อตั้งวงซิมโฟนีออร์เคสตรา - การประพันธ์ถาวรและกลุ่มออเคสตรา - ก็เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้เช่นกัน
วีเอ โมสาร์ท
โมสาร์ทเขียนในทุกรูปแบบและแนวเพลงที่มีอยู่ในยุคของเขาเขาให้ความสำคัญกับโอเปร่าเป็นพิเศษ แต่ยังให้ความสนใจกับดนตรีไพเราะเป็นอย่างมาก เนื่องจากความจริงที่ว่าตลอดชีวิตของเขาเขาทำงานควบคู่ไปกับโอเปร่าและซิมโฟนีดนตรีบรรเลงของเขาจึงโดดเด่นด้วยความไพเราะของเพลงโอเปร่าและความขัดแย้งที่น่าทึ่ง โมสาร์ทสร้างซิมโฟนีมากกว่า 50 บท ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือสามซิมโฟนีสุดท้าย - หมายเลข 39, หมายเลข 40 และหมายเลข 41 (“ Jupiter”)
K. Schlosser "เบโธเฟนในที่ทำงาน"
เบโธเฟนได้สร้างซิมโฟนี 9 ซิมโฟนี แต่ในแง่ของการพัฒนารูปแบบซิมโฟนิกและการเรียบเรียงดนตรี เขาเรียกได้ว่าเป็นนักแต่งเพลงซิมโฟนีที่ใหญ่ที่สุดในยุคคลาสสิก ใน Ninth Symphony ซึ่งเป็นการแสดงที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา ทุกส่วนถูกหลอมรวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยธีมที่ตัดกัน ในซิมโฟนีนี้ เบโธเฟนได้แนะนำท่อนร้อง หลังจากนั้นผู้แต่งคนอื่นๆ ก็เริ่มทำเช่นนั้น ในรูปแบบของซิมโฟนีเขาพูดคำใหม่ อาร์. ชูมันน์.
แต่แล้วในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 รูปแบบของซิมโฟนีที่เข้มงวดเริ่มเปลี่ยนไป ระบบสี่ส่วนกลายเป็นทางเลือก: มันปรากฏขึ้น ส่วนหนึ่งซิมโฟนี (Myaskovsky, Boris Tchaikovsky) ซิมโฟนีจาก 11 ส่วน(Shostakovich) และแม้กระทั่งจาก 24 ส่วน(โฮวาเนส). ตอนจบแบบคลาสสิกในจังหวะเร็วถูกแทนที่ด้วยตอนจบแบบช้า (ซิมโฟนีที่หกของ P.I. Tchaikovsky, ซิมโฟนีที่สามและเก้าของมาห์เลอร์)
ผู้เขียนซิมโฟนีคือ F. Schubert, F. Mendelssohn, J. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jean Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Tchaikovsky, A. Borodin, N . ริมสกี- Korsakov, N. Myaskovsky, A. Scriabin, S. Prokofiev, D. Shostakovich และคนอื่น ๆ
ดังที่เราได้กล่าวไปแล้วว่าองค์ประกอบของมันก่อตัวขึ้นในยุคของคลาสสิกเวียนนา
พื้นฐานของวงซิมโฟนีออร์เคสตราคือเครื่องดนตรีสี่กลุ่ม: สายโค้งคำนับ(ไวโอลิน วิโอลา เชลโล ดับเบิลเบส) เครื่องเป่าลมไม้(ฟลุต, โอโบ, คลาริเน็ต, บาสซูน, แซกโซโฟนที่มีหลากหลาย - เครื่องบันทึกโบราณ, ผ้าคลุมไหล่, ชาลูโม ฯลฯ รวมถึงเครื่องดนตรีพื้นบ้านอีกจำนวนหนึ่ง - บาลาบัน, ดูดุค, ซาเลกา, ฟลุต, ซูร์นา) ทองเหลือง(แตร, ทรัมเป็ต, คอร์เน็ต, ฟลูเกลฮอร์น, ทรอมโบน, ทูบา) กลอง(ทิมปานี ระนาด ไวบราโฟน ระฆัง กลอง สามเหลี่ยม ฉิ่ง แทมบูรีน คาสทาเน็ต ทอม-ทอม และอื่นๆ)
บางครั้งมีเครื่องดนตรีอื่นๆ รวมอยู่ในวงออเคสตราด้วย: พิณ, เปียโน, อวัยวะ(เครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด-ลม เครื่องดนตรีประเภทที่ใหญ่ที่สุด) เซเลสต้า(เครื่องดนตรีประเภทเคาะคีย์บอร์ดขนาดเล็กที่ดูเหมือนเปียโนและเสียงเหมือนระฆัง) ฮาร์ปซิคอร์ด.
ฮาร์ปซิคอร์ด
ใหญ่วงซิมโฟนีออร์เคสตราสามารถมีนักดนตรีได้มากถึง 110 คน , เล็ก– ไม่เกิน 50.
ผู้ควบคุมวงจะเป็นผู้ตัดสินใจว่าจะนั่งที่นั่งในวงออเคสตราอย่างไร การจัดนักแสดงในวงซิมโฟนีออร์เคสตราสมัยใหม่มีจุดมุ่งหมายเพื่อให้เกิดความดังที่สอดคล้องกัน ในอีก 50-70 ปี ศตวรรษที่ XX แพร่หลายมากขึ้น "ที่นั่งแบบอเมริกัน":ไวโอลินตัวแรกและตัวที่สองวางอยู่ทางด้านซ้ายของผู้ควบคุมวง ทางด้านขวาคือวิโอลาและเชลโล ในส่วนลึกมีเครื่องเป่าลมไม้และลมทองเหลือง, ดับเบิ้ลเบส; ด้านซ้ายเป็นกลอง
การจัดที่นั่งของนักดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตรา
อย่างไรก็ตาม ผลงานแต่ละชิ้นในรายการนี้มีความยอดเยี่ยมด้วยเหตุผลที่แตกต่างกัน และแต่ละชิ้นก็มีความโดดเด่นทั้งในด้านประวัติศาสตร์ดนตรี สังคม หรือสำหรับผู้แต่งโดยเฉพาะ เมื่อคุณได้ฟังทั้งหมดแล้ว คุณจะเพิ่งได้สัมผัสถึงผิวเผินของดนตรีคลาสสิกเท่านั้น
การเรียบเรียงทั้งหมดนี้เป็นจุดเริ่มต้นที่ดีในการได้รับความรู้ด้านดนตรีอย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้น
บางตอนยาวมากและมีหลายตอน ดังนั้นควรฟังอย่างน้อยหนึ่งส่วนจากทั้งหมด
ดนตรีคลาสสิก 50 อันดับแรก
1.เบโธเฟน ซิมโฟนี 5 การเคลื่อนไหว I - http://www.youtube.com/watch?v=_4IRMYuE1hI
2. ไชคอฟสกี พ.ศ. 2355 - http://www.youtube.com/watch?v=-BbT0E990IQ
3. Beethoven, Symphony 9, Movement IV (บทกวีสู่ความสุข) - http://www.youtube.com/watch?v=-kcOpyM9cBg
4. Bach, Toccata และ Fugue ใน D minor - http://www.youtube.com/watch?v=Nnuq9PXbywA
5. ออร์ฟ คาร์มีนา บูรานา - โชคลาภ - http://www.youtube.com/watch?v=BNWpZ-Y_KvU
6. สเตราส์, บลูดานูบวอลทซ์ - http://www.youtube.com/watch?v=_CTYymbbEL4
7. แวร์ดี บังสุกุล - ตายอิเร - http://www.youtube.com/watch?v=pW1Uc-grcMs
8. โมสาร์ท บังสุกุล - Dies Irae - http://www.youtube.com/watch?v=j1C-GXQ1LdY
9. Offenbach Orpheus ในนรก - Infernal Gallop - http://www.youtube.com/watch?v=okQRnHvw3is
10. เบโธเฟน ซิมโฟนีที่ 7. - ขบวนการ II - http://www.youtube.com/watch?v=mgHxmAsINDk
11. สเตราส์ Zarathustra พูดดังนี้ - http://www.youtube.com/watch?v=Szdziw4tI9o
12. Bizet, Carmen - Chanson de Toreador - http://www.youtube.com/watch?v=rRyNi9Qaq9w
13. ราเวล โบเลโร - http://www.youtube.com/watch?v=LWcpw3GAAms
14. Grieg, Peer Gynt - ในห้องโถงของ Mountain King - http://www.youtube.com/watch?v=xrIYT-MrVaI
15. วากเนอร์ วงแหวนแห่งไนเบลุง - ขี่วาลคิรี - http://www.youtube.com/watch?v=GGU1P6lBW6Q
16. Prokofiev Romeo and Juliet - Montagues และ Capulets - http://www.youtube.com/watch?v=8RFq7cOVDF0
17. Brahms การเต้นรำของชาวฮังการีหมายเลข 5 - http://www.youtube.com/watch?v=3X9LvC9WkkQ
18.เกิร์ชวิน แรปโซดีในชุดสีน้ำเงิน - http://www.youtube.com/watch?v=6H25ocDrqGs
19. เบโธเฟน ซิมโฟนี 5 ขบวนการ III - http://www.youtube.com/watch?v=gYQ0Zaelmt0
20. โมสาร์ท บังสุกุล - ลาคริโมซา - http://www.youtube.com/watch?v=k1-TrAvp_xs
21. สเตราส์ ซีเนียร์, ราเดซกี้ มาร์ช - http://www.youtube.com/watch?v=eab_eFtTKFs
22. Khachaturian, Masquerade Waltz - http://www.youtube.com/watch?v=SpqwCUkysCs
23. ครีมเปรี้ยวบ้านเกิดของฉัน - แม่น้ำมอลดาเวีย - http://www.youtube.com/watch?v=kdtLuyWuPDs
24. Dvorak Symphony 9 ขบวนการ IV - http://www.youtube.com/watch?v=WoKMkDxIAts
25. โชแปง การปฏิวัติ Etude - http://www.youtube.com/watch?v=Mk1JQk90UbY
26. มาห์เลอร์ ซิมโฟนี 5 - http://www.youtube.com/watch?v=URKGIa0b_jI
27. โมสาร์ท บังสุกุล - บังสุกุล Aeternam - http://www.youtube.com/watch?v=BVnpVqokp5I
28. วิวัลดี ฤดูกาล - ฤดูหนาว - http://www.youtube.com/watch?v=nGdFHJXciAQ
29. โรซาสตามเกลียวคลื่น - http://www.youtube.com/watch?v=QzCCQZFDkJk
30. Mussorgsky คืนบนภูเขาหัวโล้น - http://www.youtube.com/watch?v=iCEDfZgDPS8
31. โมสาร์ทซิมโฟนี 40 - http://www.youtube.com/watch?v=-hJf4ZffkoI
32. ผืนผ้าใบ ดาวเคราะห์ - ดาวอังคาร สงครามนำ - http://www.youtube.com/watch?v=L0bcRCCg01I
33. เบโธเฟน ซิมโฟนี 9 ขบวนการ II - http://www.youtube.com/watch?v=9BDlqlhcCIk
34. โชแปง Fantasia Improptu - http://www.youtube.com/watch?v=qa0Z6g1XJkU
35. ไชคอฟสกี มีนาคมสลาฟ - http://www.youtube.com/watch?v=5poSw7tFLB4
36. Verdi, Aida - ชัยชนะในเดือนมีนาคม - http://www.youtube.com/watch?v=saN4QbcB1Ug
37. Shostakovich เพลงวอลทซ์ที่สอง - http://www.youtube.com/watch?v=mmCnQDUSO4I
38. Grieg, Peer Gynt - ความตายของ Ose - http://www.youtube.com/watch?v=2aKxf1h5r4g
39. โมสาร์ทซิมโฟนี 25 - http://www.youtube.com/watch?v=7lC1lRz5Z_s
40. Pergolesi, Stabat Mater Dolorosa - http://www.youtube.com/watch?v=mNt13Vw-K6Q
41.Verdi, Nabucco - Va Pensiero (คณะนักร้องประสานเสียงทาสชาวยิว) - http://www.youtube.com/watch?v=D6JN0l7A_mE
42. Kchachaturian กระบี่เต้นรำ - http://www.youtube.com/watch?v=gqg3l3r_DRI
43. Dvorak การเต้นรำสลาฟ 8 - http://www.youtube.com/watch?v=VrOosUb0shw
44. Fuchika ทางเข้าของกลาดิเอเตอร์ - http://www.youtube.com/watch?v=VrOosUb0shw
45. เบโธเฟน โซนาต้าแสงจันทร์ - http://www.youtube.com/watch?v=4Tr0otuiQuU
46.รอสซินี วิลเลียม เทลล์ ทาบทาม - http://www.youtube.com/watch?v=c7O91GDWGPU
47. Grieg เปียโนคอนแชร์โต - http://www.youtube.com/watch?v=fKfGDqXEFkE
48. ไชคอฟสกี เปียโนคอนแชร์โต้ 1 - http://www.youtube.com/watch?v=BWerj8FcprM
49. Grieg, Peer Gynt - อารมณ์ยามเช้า - http://www.youtube.com/watch?v=wCEzh3MwILY
50. ไชคอฟสกี เพลงวอลทซ์แห่งดอกไม้ - http://www.youtube.com/watch?v=Cg1dMpu4v7M
ดนตรีคลาสสิก 200 อันดับแรก
รายชื่อผลงานดนตรีคลาสสิกที่ดีที่สุด 200 ชิ้น เคยเขียน
บทประพันธ์ดนตรี 100 รายการที่คุณต้องเริ่มฟังคลาสสิก
รายการผลงาน 100 ชิ้นที่จะทำให้คุณหลงรักผลงานคลาสสิก เรียบเรียงโดยนักวิจารณ์เพลง Ilya Ovchinnikov
เพลง 75 เพลงที่คุณต้องเริ่มฟังคลาสสิก
ผลงานดนตรีคลาสสิกชิ้นเอกที่แท้จริงซึ่งคุณต้องเริ่มทำความคุ้นเคยกับโลกแห่งดนตรีคลาสสิก
ข้อมูลโดยย่อเกี่ยวกับการประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงบางเพลง
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ซิมโฟนีหมายเลข 5
บางทีซิมโฟนีที่โด่งดังที่สุดในบรรดาซิมโฟนีทั้งหมดอาจเป็นเพลงคลาสสิกของเบโธเฟน ถ้าคุณชอบซิมโฟนีนี้ ลองฟังซิมโฟนีอีก 8 เพลงที่บีโธเฟนสร้างขึ้น
Wolfgang Amadeus Mozart "การแต่งงานของ Figaro"
บางทีจุดสุดยอดของผลงานของโมสาร์ทในโอเปร่าที่สร้างจากภาพยนตร์ตลกของ Beaumarchais เรื่อง "Crazy Day or The Marriage of Figaro" ซึ่งเป็นค็อกเทลอันงดงามที่ประกอบด้วยดนตรีและสถานการณ์การ์ตูนที่ยอดเยี่ยม
"แสงจันทร์โซนาต้า" ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
ในฤดูร้อนปี 1801 ผลงานอันยอดเยี่ยมของ L.B. บีโธเฟน ผู้ถูกกำหนดให้โด่งดังไปทั่วโลก ชื่อของงานนี้ “Moonlight Sonata” เป็นที่รู้จักของทุกคนตั้งแต่เด็กจนถึงเด็ก แต่ในตอนแรก งานนี้มีชื่อว่า "Almost a Fantasy" ซึ่งผู้เขียนอุทิศให้กับ Juliet Guicciardi นักศึกษาสาวผู้เป็นที่รักของเขา และชื่อที่เป็นที่รู้จักจนถึงทุกวันนี้ถูกคิดค้นโดยนักวิจารณ์ดนตรีและกวี Ludwig Relstab หลังจากการตายของ L.V. เบโธเฟน. ผลงานชิ้นนี้ถือเป็นผลงานทางดนตรีที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งของนักประพันธ์เพลง
"เดือนมีนาคมของตุรกี" โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท
งานนี้เป็นการเคลื่อนไหวครั้งที่สามของ Sonata No. 11 ซึ่งเกิดในปี พ.ศ. 2326 ในตอนแรกเรียกว่า "Turkish Rondo" และได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่นักดนตรีชาวออสเตรียซึ่งต่อมาได้เปลี่ยนชื่อเป็น ชื่อ "Turkish March" ยังถูกกำหนดให้กับงานนี้ด้วยเนื่องจากสอดคล้องกับวงออเคสตร้า Janissary ของตุรกี ซึ่งเสียงเครื่องกระทบมีลักษณะเฉพาะมาก ซึ่งสามารถเห็นได้ใน "Turkish March" โดย V.A. โมสาร์ท.
อาฟ มาเรีย ฟรานซ์ ชูเบิร์ต
นักแต่งเพลงเองเขียนงานนี้สำหรับบทกวี "The Virgin of the Lake" โดย W. Scott หรือเป็นส่วนหนึ่งและไม่ได้ตั้งใจที่จะเขียนองค์ประกอบทางศาสนาที่ลึกซึ้งเช่นนี้สำหรับคริสตจักร ไม่นานหลังจากงานนี้ปรากฏ นักดนตรีนิรนามคนหนึ่งซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากคำอธิษฐาน "Ave Maria" ได้แต่งข้อความเป็นดนตรีโดย F. Schubert ผู้เก่งกาจ
"แฟนตาซีทันควัน" เฟรเดอริกโชแปง
เอฟ. โชแปง อัจฉริยะแห่งยุคโรแมนติกอุทิศงานนี้ให้เพื่อนของเขา และเขาคือ Julian Fontana ที่ไม่เชื่อฟังคำแนะนำของผู้เขียนและตีพิมพ์ในปี 1855 หกปีหลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลง F. Chopin เชื่อว่างานของเขาคล้ายคลึงกับผลงานของ I. Moscheles นักเรียนของ Beethoven นักแต่งเพลงและนักเปียโนชื่อดังอย่างกะทันหันซึ่งเป็นสาเหตุของการปฏิเสธที่จะเผยแพร่ "Fantasy-Impromptus" อย่างไรก็ตาม ไม่มีใครเคยถือว่าผลงานที่ยอดเยี่ยมนี้เป็นการลอกเลียนแบบ ยกเว้นตัวผู้เขียนเอง
Johann Strauss (จูเนียร์) "บนแม่น้ำดานูบสีน้ำเงินที่สวยงาม" (The Blue Danube)
เพลงวอลทซ์อันสง่างามนี้ได้กลายเป็นเพลงสรรเสริญพระบารมีอย่างไม่เป็นทางการของออสเตรีย (โดยที่โมสาร์ทคือ "ทุกสิ่งทุกอย่างของเรา") ถ่ายทอดความงดงามของเมืองใหญ่แห่งเวียนนาได้อย่างงดงาม
“การบินของผึ้งบัมเบิลบี” นิโคไล ริมสกี-คอร์ชาคอฟ
ผู้แต่งผลงานชิ้นนี้เป็นแฟนพันธุ์แท้ของนิทานพื้นบ้านรัสเซีย - เขาสนใจเทพนิยาย สิ่งนี้นำไปสู่การสร้างโอเปร่าเรื่อง “The Tale of Tsar Saltan” จากเรื่องราวของ A.S. พุชกิน ส่วนหนึ่งของโอเปร่านี้คือการแสดงสลับฉาก "Flight of the Bumblebee" N.A. เลียนแบบเสียงการบินของแมลงตัวนี้ได้อย่างเชี่ยวชาญ มีชีวิตชีวา และยอดเยี่ยมอย่างไม่น่าเชื่อ ริมสกี-คอร์ซาคอฟ
"Caprice No. 24" โดย Niccolo Paganini
ในขั้นต้น ผู้เขียนเรียบเรียงความสามารถทั้งหมดของเขาเพื่อปรับปรุงและฝึกฝนทักษะการเล่นไวโอลินเท่านั้น ในที่สุดพวกเขาก็นำสิ่งใหม่ๆ ที่ไม่รู้จักมาก่อนมาสู่ดนตรีไวโอลิน และตัวอักษรตัวที่ 24 ซึ่งเป็นตัวอักษรตัวสุดท้ายที่แต่งโดย N. Paganini มีทาแรนเทลลาอย่างรวดเร็วพร้อมเสียงสูงต่ำแบบพื้นบ้าน และยังได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานชิ้นหนึ่งที่เคยสร้างขึ้นสำหรับไวโอลินซึ่งมีความซับซ้อนไม่เท่ากัน
“ นักร้องบทประพันธ์ 34 หมายเลข 14” Sergei Vasilievich Rachmaninov
งานนี้สรุปผลงานชิ้นที่ 34 ของผู้แต่งซึ่งรวมเพลงสิบสี่เพลงที่เขียนขึ้นด้วยเสียงพร้อมเปียโนประกอบ เสียงร้องตามที่คาดไว้ไม่มีคำ แต่ใช้เสียงสระเดียว เอส.วี. Rachmaninov อุทิศให้กับ Antonina Nezhdanova นักร้องโอเปร่า บ่อยครั้งที่งานนี้ทำโดยใช้ไวโอลินหรือเชลโลพร้อมกับเปียโน
"แสงจันทร์" โคล้ด เดบุสซี
งานนี้เขียนโดยนักแต่งเพลงภายใต้ความประทับใจของบทกวีของ Paul Verlaine กวีชาวฝรั่งเศส ชื่อเรื่องสื่อถึงความนุ่มนวลและสัมผัสของทำนองได้อย่างชัดเจนซึ่งส่งผลต่อจิตวิญญาณของผู้ฟังอย่างชัดเจน ผลงานยอดนิยมของนักประพันธ์เพลงยอดเยี่ยมอย่าง C. Debussy ได้รับการรับฟังในภาพยนตร์ 120 เรื่องจากรุ่นต่างๆ
โจอาชิโน รอสซินี "ช่างตัดผมแห่งเซบียา"
โอเปร่าการ์ตูนที่ยอดเยี่ยมจากนักแต่งเพลงชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ รอสซินีใช้การทาบทามอันโด่งดังจากโอเปร่านี้กับโอเปร่าอีกสองเรื่องของเขา
ริชาร์ด วากเนอร์ "ซิกฟรีด ไอดิล"
ผลงานซิมโฟนีที่สร้างขึ้นเพื่อเป็นของขวัญวันเกิดให้กับภรรยาของเขา และตั้งชื่อตามลูกชายแรกเกิดของเขา ซึ่งตั้งชื่อตามวีรบุรุษแห่งโอเปร่าซิกฟรีด ธีมหลักของละครเรื่องนี้นำมาจากโอเปร่า "ซิกฟรีด" จากละคร "Ring of the Nibelung"
เฮคเตอร์ แบร์ลิออซ "Fantastique Symphony"
ผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Hector Berlioz นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสในดนตรีออเคสตรา
"Fantastic Symphony" เป็นผลงานที่มีสีสันและแสดงออกอย่างน่าประหลาดใจ
Robert Schumann "ความรักของกวี" (Dichterliebe)
หนึ่งในวงจรเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสำหรับเปียโนและเสียงร้อง
ชุดบทกวี 16 บทของ Heinrich Heine แต่งเพลงโดย Schumann ฟื้นคืนความหวังและความภาคภูมิใจในความสามารถที่ยอดเยี่ยมและโชคชะตาของมนุษย์ - ที่จะรัก!
Dmitry Dmitrievich Shostakovich Symphony หมายเลข 10
หลังจากสตาลินเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2496 โชสตาโควิชหลังจากการจำกัดความคิดสร้างสรรค์เป็นเวลานาน ในที่สุดก็สามารถสร้างสรรค์งานสร้างยุคสมัยได้อย่างอิสระ
ผลลัพธ์ที่ได้คือหนึ่งในซิมโฟนีที่ยิ่งใหญ่ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งผู้แต่งสรุปยุคของลัทธิสตาลินและถือว่าได้สร้างภาพทางดนตรีที่มีเอกลักษณ์ของสตาลิน
Pyotr Ilyich Tchaikovsky Symphony หมายเลข 6
ผลงานชิ้นสุดท้ายของไชคอฟสกีถือเป็นผลงานชิ้นเอกของความเจ็บปวดทางอารมณ์
ดูเหมือนว่าฉากชีวิตจิตวิญญาณ ความสิ้นหวัง และความสิ้นหวังที่ลึกซึ้งเช่นนี้ไม่เคยถูกแสดงออกมาในดนตรีด้วยพรสวรรค์และความงดงามที่หาที่เปรียบมิได้เช่นนี้
กุสตาฟ โฮลสท์ สวีท "เดอะแพลนเน็ตส์"
ผลงานดนตรีอันยิ่งใหญ่ที่อุทิศให้กับดาวเคราะห์ในระบบสุริยะและเทพเจ้าที่มีชื่อเดียวกัน
ชุดนี้อธิบายถึงดาวเคราะห์เจ็ดดวง ผู้แต่งพลาดโลก และยังไม่ได้ค้นพบดาวพลูโต และตอนนี้ก็ไม่ใช่ดาวเคราะห์อีกต่อไป
สำหรับผู้ที่คิดถึงฤดูใบไม้ผลิ
3 น้ำหอมฤดูใบไม้ผลิที่ไม่มีใครเทียบได้สำหรับผู้หญิงจาก Dior
พร้อมด้วยโน๊ตของดอกลิลลี่แห่งหุบเขาและดอกไม้อื่นๆ ในองค์ประกอบ
กลิ่นหอมของฤดูใบไม้ผลิ ความอ่อนโยน ความโรแมนติก และความฝัน
ความทรงจำอันงดงามเกี่ยวกับคุณจะยังคงอยู่ในใจของใครบางคนตลอดไป
ซื้อตอนนี้
* * *
เหมือนผ่านหมอกดอกซากุระ
บนเนินเขาในต้นฤดูใบไม้ผลิ
ไวท์เทนนิ่งในระยะไกล
ดังนั้นคุณจึงแวบผ่าน
แต่ใจฉันยังเต็มไปด้วยเธอ!
- คิ โนะ สึรายูกิ
ซิมโฟนีคลาสสิกโดยนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20
ราล์ฟ วอห์น วิลเลียมส์
วิลเลียมส์ วอห์น (1872-1958)
วอห์น วิลเลียมส์เป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงรายใหญ่ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีบทบาทสำคัญในการฟื้นฟูความสนใจในดนตรีเชิงวิชาการของอังกฤษ มรดกของเขากว้างขวางมาก: โอเปร่าหกเรื่อง, บัลเล่ต์สามเรื่อง, ซิมโฟนีเก้าเรื่อง, แคนทาทาสและออราโตริโอ, ผลงานสำหรับเปียโน, วงดนตรีออร์แกนและแชมเบอร์, การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน และผลงานอื่น ๆ อีกมากมาย ในงานของเขา เขาได้รับแรงบันดาลใจจากประเพณีของปรมาจารย์ชาวอังกฤษในศตวรรษที่ 16 และ 17 และดนตรีพื้นบ้าน ผลงานของวิลเลียมส์มีชื่อเสียงในด้านการออกแบบขนาดใหญ่ ความไพเราะ การแสดงเสียงร้องที่เชี่ยวชาญ และการเรียบเรียงต้นฉบับ
ซิมโฟนีหมายเลข 7 "แอนตาร์กติก"
จากการแสดงดนตรีประกอบภาพยนตร์เกี่ยวกับความสำเร็จของ Robert Scott ซิมโฟนีที่เจ็ด "แอนตาร์กติก" ถูกเขียนขึ้น - งานเกี่ยวกับพลังของจิตวิญญาณมนุษย์
ดำเนินการ: ลอนดอน ซิมโฟนี ออร์เคสตรา, ผบ. อังเดร เปรแว็ง (บันทึกในปี 1967)
ระยะเวลา: 44:10
รูปแบบ: ogg 320 kbps
ขนาด: 94.3 ลบ
ลิงค์:
"WILLIAMS_Vaughan_(1972-1958).tar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/197195 - 09.16.2009 15:22 น.
ชาร์ลส อีฟส์
อีฟส์ ชาร์ลส์ (1874-1954)
นักแต่งเพลงแนวสร้างสรรค์ชาวอเมริกัน ผู้เป็นบุคคลดั้งเดิมที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีอเมริกัน Ives รักความไม่ลงรอยกันอย่างหลงใหลและลองใช้วิธีแสดงออกใหม่ๆ มากมายในงานของเขา (dodecaphony, polyrhythm, polytonality, การเขียนแบบควอเตอร์โทน, คลัสเตอร์เสียง, ซีเควนซ์โทนเสียงทั้งหมด, aleatorics) และมักจะเร็วกว่าผู้แต่งคนอื่นๆ มาก มรดกของ Ives มีหลายประเภท - ร้องประสานเสียง, ไพเราะ, แชมเบอร์ คุณลักษณะทั่วไปของสไตล์ของเขาคือการอ้างท่วงทำนองของโบสถ์และเพลงสวดของโบสถ์บ่อยครั้ง เพลงจิตวิญญาณ ซึ่งอีฟส์ถือว่าเป็นเสียงที่แท้จริงของผู้คนของเขา
ซิมโฟนีหมายเลข 4
ดำเนินการ: Mary Sauer - เปียโน, Richard Webster - ออร์แกน, สมาชิกของ Chicago Symphony Chorus, Chicago SO - Michael Tilson Thomas
ระยะเวลา: 33:32
รูปแบบ: ogg 320 kbps
ขนาด: 72.9 ลบ
ลิงค์:
"IVES_Charles_(1874-1954).tar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/197671 - 09.17.2009 07:16 น.
อาร์โนลด์ เชินเบิร์ก
เชินเบิร์ก อาร์โนลด์ (1874-1951)
ชาวออสเตรีย นักแต่งเพลงชาวอเมริกันในขณะนั้น วาทยกร นักดนตรี และจิตรกร ตัวแทนของการเคลื่อนไหวทางดนตรีของการแสดงออก ผู้ก่อตั้งดนตรี Atonal และระบบการแต่งเพลง 12 โทน (หรือที่เรียกว่า "dodecaphony" หรือ "เทคนิคอนุกรม") เชินแบร์กเป็นหนึ่งในบุคคลที่มีอิทธิพลมากที่สุดในดนตรีตะวันตกแห่งศตวรรษที่ 20
แชมเบอร์ซิมโฟนี หมายเลข 1, Op.9
ดำเนินการ: Ensemble Modern, ปีเตอร์ เอตส์
ระยะเวลา: 20:00
รูปแบบ: ogg 320 kbps
ขนาด: 43 เมกะไบต์
ลิงค์:
"SCHOENBERG_Arnold_(1874-1951).tar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/196973 - 16/09/2009 11:23 น.
ฮาเวอร์กัล ไบรอัน
ไบรอัน ฮาเวอร์กัล (1876-1972)
ฉันไม่พบสิ่งที่คุ้มค่าเกี่ยวกับ Brian ในภาษารัสเซียเลย ฉันขอแนะนำให้ทุกคนอ่านเป็นภาษาอังกฤษใน Wikipedia ซึ่งโดยเฉพาะอย่างยิ่งพูดถึง First Symphony ที่ยิ่งใหญ่ซึ่งรวมอยู่ใน Guinness Book of Records ตามระยะเวลาและจำนวนผู้เข้าร่วม
ซิมโฟนีหมายเลข 1 "โกธิค"
ดำเนินการ: นักร้องโอเปร่าสโลวัก, PO สโลวัก, วิทยุสโลวัก SO - Ondrej Lenard
ระยะเวลา: 1:51:05
รูปแบบ: ogg 320 kbps
ขนาด: 216.9 ลบ
ลิงค์:
"BRIAN_Havergal_(1876-1972).part1.rar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/196125 - 09.15.2009 03:19 น.
"BRIAN_Havergal_(1876-1972).part2.rar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/196172 - 09.15.2009 04:14
"BRIAN_Havergal_(1876-1972).part3.rar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/196184 - 09.15.2009 04:23 น.
แอนตัน เวเบิร์น
เวเบิร์น แอนตัน ฟอน (1883-1945)
ลูกศิษย์และสาวกของผู้สร้างสิ่งที่เรียกว่า Webern ซึ่งเป็นโรงเรียน "atonal" ของ Arnold Schoenberg ได้นำหลักการมาสู่รูปแบบการแสดงออกที่รุนแรง เขาใช้เทคนิคโดเดคาโฟนิกและอนุกรมในการเรียบเรียงของเขา ดนตรีของเขามีลักษณะเฉพาะด้วยคำพังเพยสุดขีด ความกระชับ ความกระชับ ความประหยัด และความเข้มข้นของวิธีการแสดงออกทางดนตรี ตลอดจนความเข้มงวด ความประณีต และไม่สมจริงของภาพดนตรี การปรับแต่งเสียงขั้นสูงสุดผสมผสานเข้ากับดนตรีของ Webern เข้ากับรูปแบบที่สร้างสรรค์ที่เข้มงวดและการคิดเชิงนามธรรม
เขาเป็นผู้ประพันธ์ผลงานไพเราะ แชมเบอร์-เครื่องดนตรี เสียงร้อง และการร้องประสานเสียง ซึ่งมีเพียง 31 ชิ้นเท่านั้นที่มีหมายเลขบทประพันธ์ เขายังเป็นนักเขียนผลงานวรรณกรรม บทกวี ละครเรื่อง "The Dead" (1913) การศึกษาดนตรีและบทความ การวิเคราะห์ดนตรีของเขาเอง ชุดบทสนทนา "The Path to New Music" ที่ตีพิมพ์หลังมรณกรรมในปี 1960 เป็นต้น
งานของ Webern มีอิทธิพลอย่างมากต่อการเคลื่อนไหวของนักดนตรีแนวหน้ายุคหลังสงครามในโลกตะวันตก รวมถึงนักแต่งเพลงเช่น Stravinsky, Boulez, Stockhausen, Nono, Maderna, Ligeti ฯลฯ รวมถึงนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย Volkonsky, Denisov , Schnittke, Gubaidulina, Kneifel, Vustina และอื่นๆ อีกมากมาย
ซิมโฟนีในสองการเคลื่อนไหวสำหรับคลาริเน็ต, คลาริเน็ตเบส, เขาสองอัน, ฮาร์ปและเครื่องสาย (ค.ศ. 1927-1928), Op. 21
ดำเนินการ: เบอร์ลิน ฟิลฮาร์โมนิก ออร์เคสตรา, ผบ. ปิแอร์ บูเลซ
ระยะเวลา: 9:44
รูปแบบ: ogg 320 kbps
ขนาด: 18.7 ลบ
ลิงค์:
"WEBERN_Anton_von_(1883-1945).tar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/197153 - 09.16.2009 14:30 น.
อาเธอร์ โฮเนกเกอร์
โฮเนกเกอร์ อาร์เธอร์ (1892-1955)
นักแต่งเพลงและนักวิจารณ์เพลงชาวสวิส-ฝรั่งเศส
ซิมโฟนีหมายเลข 4 "บาเซิลดีไลท์"
ซิมโฟนีที่สี่เป็นเพลงประสานเสียงแบบอภิบาล-โคลงสั้น ๆ ชื่อของมัน - "Basel Delights" - ให้ความกระจ่างแก่โปรแกรม: การไตร่ตรองภาพชีวิตและธรรมชาติอันงดงามในสวิตเซอร์แลนด์อย่างสันติ ดนตรีของซิมโฟนีร้องเสียงของธรรมชาติ เพลงคนเลี้ยงแกะ และธีมที่เกิดจากคติชนชาวสวิส ฟังดูค่อนข้างอู้อี้ราวกับถูกปกคลุมไปด้วยหมอกควันแห่งความห่างไกล เป็นที่น่าสังเกตว่าแม้จะมีการเขียนโพลีโฟนิกและความซับซ้อนเชิงสร้างสรรค์ของแต่ละส่วน (สำหรับ ตัวอย่างเช่นตอนจบผสมผสานคุณสมบัติของ rondo, passacaglia และ fugue เข้าด้วยกันอย่างเป็นธรรมชาติ ) การไหลของดนตรีของซิมโฟนีดูเหมือนโปร่งใสและเรียบง่ายอย่างหลอกลวงด้วยความชัดเจนของโทนเสียงความโดดเด่นของไดอะโทนิกนิยมความสมดุลของเสียงระหว่างเสียงและการผ่อนปรนของแนวไพเราะทั้งหมด
ดำเนินการ: วงออเคสตราวิทยุบาวาเรีย ผบ. ชาร์ลส์ ดูทัวต์
ระยะเวลา: 26:56
รูปแบบ: ogg 320 kbps
ขนาด: 53.5 ลบ
ลิงค์:
"HONEGGER_Arthur_(1892-1955).tar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/197431 - 09.17.2009 01:38 น.
พอล ฮินเดมิธ
ฮินเดมิธ พอล (1895-1963)
Hindemith เป็นหนึ่งในนักประพันธ์ชาวเยอรมันที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา ด้วยการตอบสนองต่อยุคสมัยใหม่อย่างลึกซึ้ง Hindemith จึงแสวงหารูปแบบที่เป็นอัตวิสัยพิเศษในการแสดงออกถึงการตอบสนองนี้ และอยู่ห่างจากแฟชั่นทางดนตรี ผลงานในช่วงแรกของเขาเขียนในสไตล์โรแมนติกตอนปลาย ต่อมาผู้แต่งได้หันไปใช้รูปแบบการประพันธ์แบบแสดงออก ส่วนหนึ่งเป็นสไตล์ของ Arnold Schoenberg ในยุคแรก และในทศวรรษปี ค.ศ. 1920 มาเป็นสไตล์ที่ขัดแย้งกันที่ซับซ้อน งานของฮินเดมิธในช่วงนี้มักถูกเรียกว่า "นีโอคลาสสิก" แต่งานเขียนของเขาในเวลานี้แตกต่างอย่างมากจากงานของสตราวินสกี ซึ่งมักใช้คำนี้ สไตล์การเขียนของ Hindemith เข้าใกล้ภาษาที่ขัดแย้งกันของ Bach มากกว่าความชัดเจนของความคลาสสิกของ Mozart
ในช่วงทศวรรษที่ 1930 Hindemith ย้ายจากแชมเบอร์มิวสิคมาสู่การเรียบเรียงสำหรับวงออเคสตราขนาดใหญ่ ในปี พ.ศ. 2476-35 เขาได้เขียนโอเปร่าที่โด่งดังที่สุดเรื่องหนึ่งของเขา - "The Artist Mathis" ซึ่งมีเนื้อเรื่องอิงจากชีวิตของศิลปิน Matthias Grunewald โอเปร่านี้ได้รับความเคารพอย่างสูงในหมู่นักดนตรี แต่ก็เหมือนกับโอเปร่าอื่นๆ ส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 20 ที่ไม่ค่อยมีการจัดแสดง ในโอเปร่าเรื่องนี้ Hindemith พยายามผสมผสานนีโอคลาสสิกของผลงานก่อนหน้านี้และดนตรีพื้นบ้านเข้าด้วยกัน ต่อจากนั้น Hindemith ใช้ดนตรีจากโอเปร่า "The Artist Mathis" ในซิมโฟนีที่มีชื่อเดียวกัน (3 ส่วนของมันถูกตั้งชื่อตามภาพวาดของ Isenheim Altarpiece ซึ่งวาดโดย Grunewald: "Concert of Angels", "Entombment", " The Temptations of St. Anthony”) ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในผลงานที่โด่งดังที่สุดของนักแต่งเพลง
ซิมโฟนี "ศิลปินมาติส"
ดำเนินการ: San Francisco Symphony Orchestra, con. เฮอร์เบิร์ต บลอมสเตดท์
ระยะเวลา: 27:12
รูปแบบ: ogg 320 kbps
ขนาด: 53.9 ลบ
ลิงค์:
"HINDEMITH_Paul_(1895-1963).tar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/197417 - 17/09/2009 01:12
วิลเลียม วอลตัน
วอลตัน วิลเลียม (1902-1983)
สไตล์ของวอลตันได้รับอิทธิพลจากงานเขียนของ I.F. Stravinsky และ S.S. Prokofiev เช่นเดียวกับดนตรีแจ๊ส สไตล์ของเขาโดดเด่นด้วยพลังงานเป็นจังหวะ ความกลมกลืนที่หวานอมขมกลืน ท่วงทำนองโรแมนติก และการเรียบเรียงที่ไพเราะ งานสร้างสรรค์ประกอบด้วยผลงานสำหรับการเรียบเรียงต่างๆ: สำหรับวงออเคสตรา, สำหรับคณะนักร้องประสานเสียง, แชมเบอร์และดนตรีพิธีการตลอดจนดนตรีสำหรับภาพยนตร์ ผลงานในยุคแรกๆ ของเขา โดยเฉพาะบทกวี Faade ทำให้เขามีชื่อเสียงโด่งดัง แต่ต่อมาผลงานซิมโฟนิกออเคสตราของเขาและงาน oratorio Belshazzar's Feast ก็ประสบความสำเร็จและมีชื่อเสียงไปทั่วโลก
ซิมโฟนีหมายเลข 1 ในบีไมเนอร์
ดำเนินการ: ฟิลฮาร์โมเนีย ออร์เคสตรา, ผบ. เบอร์นาร์ด ไฮติงค์
ระยะเวลา: 51:11
รูปแบบ: ogg 320 kbps
ขนาด: 107.3 ลบ
ลิงค์
"WALTON_William_(1902-1983).tar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/197146 - 09.16.2009 14:19 น.
โอลิวิเย่ร์ เมสเซียน
เมสเซียเอน โอลิเวียร์ (1908-1992)
บุคลิกลักษณะเฉพาะที่สร้างสรรค์ของ Messiaen เริ่มเป็นรูปเป็นร่างในช่วงเปลี่ยนผ่านของยุค 20 และ 30 ภาษาดนตรีของเมสเซียนถูกสร้างขึ้นจากการศึกษาเชิงรุกและการคิดใหม่เกี่ยวกับดนตรีสมัยใหม่ โรแมนติก) และก่อนคลาสสิก ลักษณะโวหารของผลงานของเมสเซียเอนในช่วงหลายปีที่ผ่านมาได้รับการยอมรับจากการพึ่งพาอย่างมาก ประการแรกคือดนตรีของเดบุสซี Messiaen กลายเป็นผู้สืบทอดของ Debussy ในลักษณะเฉพาะของการรับรู้ปรากฏการณ์พลาสติกแบบฝรั่งเศสล้วนๆ เขานำเอาความคิดของอารมณ์ที่ไหลลื่นออกมาจากดนตรีของเพื่อนร่วมชาติผู้ยิ่งใหญ่ของเขาโดยไม่มีการเปลี่ยนแปลงที่รุนแรงรวมเข้าด้วยกันเป็น "สถานะที่ยั่งยืน" เดียวซึ่งมีหลากหลายเฉดสี
Turangalila-Symphony ("บทเพลงแห่งความรัก")
Turangalla Symphony (ฝรั่งเศส: Turangalla Symphonie) เป็นหนึ่งในผลงานยอดนิยมของ Olivier Messiaen นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส เป็นซิมโฟนีที่มีท่อนเปียโนเดี่ยวและคลื่น Martenot งานนี้มีโปรแกรมที่เกี่ยวข้องกับเทพนิยายอินเดีย (แปลจากภาษาสันสกฤตชื่อนี้แปลว่า "เพลงแห่งความรัก")
ซิมโฟนีเขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2489-2491 เมื่อรวมกับวงจรเสียงร้อง "Yaravi, Songs of Love and Death" (1945) และการร้องประสานเสียง "Five Rehashes" (1949) พวกเขาสร้างภาพอันมีค่าที่ได้รับแรงบันดาลใจจากตำนานของ Tristan และ Isolde ตามที่ผู้แต่งกล่าวไว้ ผลงานทั้งสามชิ้นเต็มไปด้วยความเย้ายวนอันเขียวชอุ่มรสชาติที่แปลกใหม่และซับซ้อน - และในขณะเดียวกันการจัดระเบียบเนื้อหาดนตรีที่เก่าแก่และเป็นจังหวะ นอกจากนี้ ในช่วงเวลานั้นเองที่ผลงานของ Olivier Messiaen ได้สัมผัสกับสุนทรียภาพอันน่าตกตะลึงและไร้ค่า ซึ่งอาจสะท้อนให้เห็นได้ชัดเจนที่สุดในดนตรีของ "Turangalila"
งานนี้ยังคงเป็นตัวอย่างเดียวของประเภทซิมโฟนีในงานของผู้แต่ง ในขณะเดียวกัน นี่เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของประเภทนี้ในวัฒนธรรมดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20
“Turangalila Symphony” เป็นหนึ่งในผลงานที่ซับซ้อนที่สุดของละครออเคสตราระดับโลก ซึ่งได้รับความต้องการสูงมากจากสมาชิกวงออเคสตราเกือบทุกคน งานเวอร์ชันเต็ม 10 การเคลื่อนไหวใช้เวลาเกือบหนึ่งชั่วโมงครึ่ง (ในการบันทึกบางรายการ - หนึ่งชั่วโมงครึ่งพอดี) ความซับซ้อนและความยาวของโน้ตเพลงทำให้ไม่สามารถแสดงได้อย่างกว้างขวาง ดังนั้นผู้รักเสียงเพลงส่วนใหญ่จึงรู้จักงานบันทึกเสียงเป็นหลัก
ดำเนินการ: วง Royal Concertgebouw Orchestra, ผบ. ริกคาร์โด้ ไชลี (บันทึกปี 1993)
ระยะเวลา: 76:32
รูปแบบ: ogg 320 kbps
ขนาด: 158.2 ลบ
ลิงค์:
"MESSIAEN_Olivier_(1908-1992).part1.rar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/196738 - 16/09/2009 05:32 น.
"MESSIAEN_Olivier_(1908-1992).part2.rar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/196753 - 16/09/2009 05:59
เบนจามิน บริทเทน
บริทเทน เบนจามิน (2456-2519)
ผลงานของบี. บริทเทนถือเป็นการฟื้นคืนชีพของโอเปร่าในอังกฤษ ซึ่งเป็นการกลับมาของดนตรีอังกฤษครั้งใหม่ (หลังจากสามศตวรรษแห่งความเงียบงัน) สู่เวทีโลก ด้วยการใช้ประเพณีประจำชาติและการเรียนรู้วิธีการแสดงออกสมัยใหม่ที่หลากหลาย Britten จึงสร้างผลงานมากมายในทุกประเภท
Britten เริ่มแต่งเพลงเมื่ออายุแปดขวบ เมื่ออายุ 12 ปี เขาเขียนเพลง "Simple Symphony" สำหรับวงเครื่องสาย (ฉบับพิมพ์ครั้งที่ 2 - พ.ศ. 2477) ในปี 1929 บริทเตนเข้าเรียนที่ Royal College of Music (Conservatory) โดยผู้กำกับของเขาคือ J. Ireland (ประพันธ์เพลง) และ A. Benjamin (เปียโน) ในปีพ. ศ. 2476 มีการแสดง Sinfonietta นักแต่งเพลงอายุสิบเก้าปีซึ่งดึงดูดความสนใจของสาธารณชน หลังจากนั้นผลงานในห้องจำนวนหนึ่งก็ปรากฏขึ้นซึ่งรวมอยู่ในโปรแกรมของเทศกาลดนตรีนานาชาติและวางรากฐานสำหรับชื่อเสียงของชาวยุโรปของผู้แต่ง ผลงานชิ้นแรก ๆ ของ Britten โดดเด่นด้วยเสียงในห้องความชัดเจนและรูปแบบที่พูดน้อยซึ่งทำให้นักแต่งเพลงชาวอังกฤษใกล้ชิดกับตัวแทนของขบวนการนีโอคลาสสิกมากขึ้น (I. Stravinsky, P. Hindemith) ในยุค 30 Britten เขียนเพลงมากมายสำหรับละครและภาพยนตร์ นอกจากนี้ ยังให้ความสนใจเป็นพิเศษกับประเภทเสียงร้องแชมเบอร์ ซึ่งสไตล์ของโอเปร่าในอนาคตจะค่อยๆ เติบโตเต็มที่ ธีม สี และตัวเลือกของข้อความมีความหลากหลายมาก: “Our Ancestors Are Hunters” (1936) เป็นถ้อยคำล้อเลียนเยาะเย้ยคนชั้นสูง วงจร “Illuminations” อิงจากบทกวีของ A. Rimbaud (1939) และ “Seven Sonnets โดย Michelangelo” (1940) Britten ศึกษาดนตรีพื้นบ้านอย่างจริงจัง เรียบเรียงเพลงภาษาอังกฤษ สก็อต และฝรั่งเศส
ในปี 1939 ในช่วงเริ่มต้นของสงคราม Britten เดินทางไปสหรัฐอเมริกา ซึ่งเขาเข้าสู่แวดวงปัญญาชนเชิงสร้างสรรค์ขั้นสูง เพื่อเป็นการตอบสนองต่อเหตุการณ์โศกนาฏกรรมที่เกิดขึ้นในทวีปยุโรป Cantata "Ballad of Heroes" (1939) จึงเกิดขึ้นเพื่ออุทิศให้กับนักสู้ที่ต่อต้านลัทธิฟาสซิสต์ในสเปน ในช่วงปลายยุค 30 - ต้นยุค 40 ในงานของ Britten ดนตรีบรรเลงมีอิทธิพลเหนือกว่า: ในเวลานี้เปียโนและไวโอลินคอนแชร์โต, Symphony-Requiem, "Canadian Carnival" สำหรับวงออเคสตรา, "Scottish Ballad" สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา 2 ตัว, 2 วง ฯลฯ ถูกสร้างขึ้น Stravinsky, Britten ใช้มรดกในอดีตอย่างอิสระ: นี่คือวิธีที่ห้องสวีทจากดนตรีของ G. Rossini เกิดขึ้น (“ Musical Evenings” และ “ Musical Mornings”)
ซิมโฟนี-บังสุกุล, Op. 20
ดำเนินการ: เบอร์มิงแฮมซิมโฟนีออร์เคสตรา, con. เซอร์ ไซมอน แรทเทิล (บันทึกเมื่อปี 1991)
ระยะเวลา: 20:28
รูปแบบ: ogg 295 kbps
ขนาด: 33.8 ลบ
ลิงค์:
"BRITTEN_Benjamin_(1913-1976).tar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/196202 - 09.15.2009 04:42
ลูเซียโน เบริโอ
เบริโอ ลูเซียโน (1925-2003)
ผลงานของ Berio โดดเด่นด้วยการค้นหาแนวหน้าสำหรับสภาพแวดล้อมทางเสียงและเนื้อสัมผัสทางดนตรีแบบใหม่ การใช้เทคโนโลยีแบบอนุกรม และดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ การแสดง Magnificat สำหรับนักร้องเสียงโซปราโน 2 คน นักร้องประสานเสียงแบบผสม เปียโน 2 เครื่อง เครื่องเป่าลมไม้ 8 เครื่อง และเครื่องเคาะจังหวะ 1 คนทำให้นักแต่งเพลงวัย 25 ปีรายนี้ได้รับความสนใจจากสาธารณชนเป็นครั้งแรก ความหลงใหลในการทดลองเสียงของ Berio ได้รับการเปิดเผยแล้วในการใช้เครื่องมือของ "Magnificat"
Berio ผสมผสานเสียงดนตรีเข้ากับเสียงอิเล็กทรอนิกส์และเสียงคำพูดของมนุษย์ เช่น ในละคร Ital "Temar - Omaggio a Joyce" (1958) สำหรับผู้บันทึกเสียงและเทป ในงานนี้เช่นเดียวกับผลงานอื่น ๆ ของเขา Berio เข้าสู่การสนทนากับวรรณกรรมสมัยใหม่
ความปรารถนาที่จะรวมศิลปะและธรรมชาติที่หลากหลายเข้าด้วยกันในรูปแบบเสียงใหม่ทำให้ Berio หันมาใช้คำพูดจากสื่อดนตรีที่หลากหลายครั้งแล้วครั้งเล่า ดังนั้นในเพลง "Symphony" (1968) ของเขาสำหรับแปดเสียงและวงออเคสตรา เขาจึงอ้างอิงคำพูดในการเคลื่อนไหวครั้งที่สาม scherzo จากซิมโฟนี C minor ของ Gustav Mahler อย่างไรก็ตาม Berio และนักประพันธ์เพลงร่วมสมัยคนอื่นๆ ในยุค 60 ไม่เพียงแต่เป็นหนึ่งเดียวกันด้วยเทคนิคการจับแพะชนแกะนี้เท่านั้น แต่ยังชื่นชอบดนตรีบนเวทีและละครทดลองอีกด้วย ผลงานของเขาที่ชื่อ “Circle” ซึ่งสร้างเสร็จในปี 1960 แสดงให้เห็นแนวคิดบนเวทีที่สร้างขึ้นจากท่าทางและการเคลื่อนไหวของนักร้องรอบๆ เวที
ดำเนินการ: วง Royal Concertgebouw Orchestra, ผบ. ริคคาร์โด้ ชิลลี
ระยะเวลา: 31:02
รูปแบบ:flac
ขนาด: 131.8 ลบ
ลิงค์:
"BERIO_Luciano_(1925-2003).part1.rar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/195997 - 15/09/2009 01:02
"BERIO_Luciano_(1925-2003).part2.rar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/196007 - 15/09/2009 01:19
ฮานส์ แวร์เนอร์ เฮนซ์
เฮนเซอ ฮันส์ แวร์เนอร์ (1926-)
ลูกชายครู. เขาเริ่มเรียนดนตรีในบรันสวิก แต่การเรียนของเขาถูกขัดจังหวะด้วยสงครามและการถูกจองจำ ในปี 1945 เขาทำงานที่โรงละคร Bielefeld จากนั้นจึงศึกษาต่อที่ไฮเดลเบิร์กร่วมกับ Wolfgang Fortner เขาทำงานในโรงภาพยนตร์ในคอนสตานซ์และวีสบาเดิน เข้าร่วมในโรงเรียนดนตรีใหม่ภาคฤดูร้อนดาร์มสตัดท์
ไม่ยอมรับบรรยากาศทางการเมืองของเยอรมนีและความรู้สึกเกลียดชังกลุ่มรักร่วมเพศในสังคมเยอรมัน เขาจึงย้ายไปอิตาลีในปี พ.ศ. 2496 อาศัยอยู่ที่ มาริโน (ลาซิโอ) ในช่วงทศวรรษที่ 1960 และ 1970 เขามีความคิดเห็นทางการเมืองฝ่ายซ้ายสุดโต่ง และเป็นสมาชิกของพรรคคอมมิวนิสต์อิตาลี เขาสอนที่คิวบา
เขาได้รับอิทธิพลจาก Stravinsky ซึ่งเป็นเทคนิคสิบสองโทนและอนุกรมนิยม ใช้องค์ประกอบของดนตรีแจ๊สและร็อค
Henze เป็นเจ้าของซิมโฟนี 10 เรื่อง บัลเล่ต์มากกว่าหนึ่งโหล โอเปร่ามากกว่า 20 เรื่อง และผลงานอื่นๆ อีกมากมาย เขาเป็นที่รู้จักจากผลงานโอเปร่าเป็นหลัก บทเพลงซึ่งเช่นเดียวกับบัลเล่ต์ของเขาเขียนโดยกวีและนักเขียนร้อยแก้วคนสำคัญ (W. H. Auden, J. Cocteau, I. Bachmann, H. M. Enscenberger, W. Hildesheimer, E. พันธบัตร ฯลฯ) เขาทำงานในภาพยนตร์ เขียนเพลงให้กับภาพยนตร์โดย F. Schlöndorff, A. Rene เพลงของเขาถูกใช้ในภาพยนตร์ของ W. Friedkin เรื่อง The Exorcist (The Exorcist, 1973)
สถานที่ขนาดใหญ่ในงานของ Henze ถูกครอบครองโดยการดัดแปลงและดัดแปลงดนตรียุโรปในศตวรรษที่ 17-20 ปรากฏการณ์ของสไตล์และการล้อเลียน
ซิมโฟนีหมายเลข 8
ดำเนินการ: เกรเซนิช-ออร์เชสเตอร์ เคแอลเอ็น - มาร์คุส สเตนซ์
ระยะเวลา: 25:17
รูปแบบ: ogg 320 kbps
ขนาด: 53.3 ลบ
ลิงค์:
"HENZE_Hans_Werner_(1926-).tar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/197330 - 09.16.2009 17:51
เฮนริก โกเร็กกี
เกร็กกี เฮนริก (เกิด พ.ศ. 2476)
ดนตรีสำหรับผู้ใหญ่ของ Górecki เป็นตัวอย่างของความเรียบง่ายอันศักดิ์สิทธิ์ ซึ่งนำเสนอโดย Arvo Pärt, Peteris Vasks, Gia Kancheli, Sofia Gubaidulina และผลงานอื่นๆ ที่สำคัญและโด่งดังที่สุดของเขาคือ Third Symphony สำหรับโซปราโนและวงออเคสตรา "Symphony of Sorrowful Songs" ( 1976) ดำเนินการโดย Dawn Upshaw และ London Sinfonietta (1992) การบันทึกซิมโฟนีขายได้มากกว่าล้านชุดและทำให้นักแต่งเพลงมีชื่อเสียงไปทั่วโลก
ซิมโฟนีหมายเลข 3, Op. 36 (1976)
Symphony No. 3 (Symphony of Sad Songs) เป็นผลงานที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของ Henryk Górecki (1976, op. 36) ซิมโฟนีสามเพลงสุดท้ายของผู้แต่ง ถูกสร้างขึ้นในเดือนตุลาคม-ธันวาคม พ.ศ. 2519 ในเมืองคาโตวีตเซ
ซิมโฟนีเขียนขึ้นสำหรับโซปราโนเดี่ยวและวงออเคสตรา ข้อความในส่วนแรกคือบทเพลงคร่ำครวญของพระแม่มารีจากอาราม Świętokrzyski (อารามแห่งโฮลีครอส) (ข้อความของศตวรรษที่ 15) ซึ่งพระแม่มารีย์ตรัสกับพระบุตรของเธอที่สิ้นพระชนม์บนไม้กางเขน โดยพยายามบรรเทาความทุกข์ทรมานของพระองค์ ส่วนที่สองเขียนด้วยคำพูดของ Helena Wanda Blazusiakovna วัย 18 ปีจาก Tatras ของโปแลนด์บนผนังเรือนจำ Gestapo ในเมือง Zakopane และจ่าหน้าถึงแม่ของเธอและพระแม่มารี (“โอ้ แม่ อย่าร้องไห้เลย” อย่าเลย ราชินีแห่งสวรรค์ คอยให้กำลังใจฉันเสมอนะ ") ส่วนที่สามเป็นเพลงพื้นบ้านจากภูมิภาคออปอเล ประเทศโปแลนด์
ในปี 1993 การบันทึกเสียง Third Symphony ของ Górecki (เนื้อเรื่อง Dawn Upshaw ดำเนินการโดย David Zinman) ขึ้นสู่อันดับหนึ่งในชาร์ตเพลงคลาสสิกของนิตยสาร Gramophone และเป็นหนึ่งในสิบเพลงที่ขายดีที่สุดในโลก (อันดับที่หก) ตั้งแต่นั้นมา ซิมโฟนีของ Górecki ได้กลายเป็นหนึ่งในซิมโฟนีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20
ดำเนินการ: เฮนรีก เกร็กกี, ดอว์น อัพชอว์, ลอนดอน ซินฟ์, ซินมันน์
ระยะเวลา: 53:41
รูปแบบ:flac
ขนาด: 226.9 ลบ
ลิงค์:
"GORECKI_Henryk_(b._1933).part1.rar" - งานของ Penderecki เต็มไปด้วยแนวคิดเรื่องลัทธิสากลนิยม เนื่องจากเป็นคาทอลิก Penderecki มักจะหันไปหาประเพณีออร์โธดอกซ์ (“Matins”, 1970-1971; “Glory to St. Daniel, Prince of Moscow”, 1997)
Penderecki ให้ความสนใจอย่างมากในวัฒนธรรมรัสเซียซึ่งแสดงออกในการสร้างผลงาน "Glory to St. Daniel, Prince of Moscow" (1997), "The Passion of John" (ตามตำราจากพระคัมภีร์, Bulgakov และ Dostoevsky; ปัจจุบันยังสร้างไม่เสร็จ) และบทประพันธ์ของเซอร์เกย์ เยเซนิน (ยังไม่เสร็จ ไม่ทราบชื่อเรื่องที่แน่นอน)
ผลงานส่วนใหญ่ของ Penderecki ผู้ล่วงลับถูกเขียนตามคำสั่ง ในบรรดานักดนตรีที่เชี่ยวชาญผลงานของนักแต่งเพลงคือ Mstislav Rostropovich อย่างไรก็ตาม ความจำเป็นในการปฏิบัติตามคำสั่งไม่ได้จำกัดเสรีภาพในการสร้างสรรค์ของผู้แต่งแต่อย่างใด
ซิมโฟนีหมายเลข 2 "คริสต์มาส"
The Second Symphony (“คริสต์มาส”) เป็นซิมโฟนีของ Krzysztof Penderecki ซึ่งเขียนขึ้นในช่วงฤดูหนาวปี 1979-1980
ชื่อ "Rozhdestvenskaya" เกิดขึ้นเนื่องจากการที่ดนตรีของซิมโฟนีใช้ทำนองของเพลงคริสต์มาสยอดนิยม "Silent Night"
The Second Symphony เป็นซิมโฟนีเพลงแรกที่เขียนโดย Penderecki ในช่วงยุคนีโอคลาสสิกของงานของเขา Philip Glass ไม่เคยแบ่งดนตรีออกเป็นดนตรีเชิงวิชาการและทุกสิ่งทุกอย่าง เขายังไม่ชอบคำจำกัดความของกรอบความคิดสร้างสรรค์ของเขาเองโดยการเคลื่อนไหวแบบ "มินิมอลลิสต์" โดยทั่วไปเขาต่อต้านคำจำกัดความใด ๆ
Philip Glass ได้รับการศึกษาด้านการประพันธ์เพลงคลาสสิกขณะเรียนที่ Juilliard School ในนิวยอร์ก จากนั้นเขาก็ไปปารีสและเรียนกับนักแต่งเพลง Nadia Boulanger โชคชะตาปะทะกับนักดนตรีชาวอินเดียผู้ยิ่งใหญ่ ราวี ชังการ์ ที่นี่ กลาสหลงใหลในดนตรีอินเดียมากจนเขาได้ศึกษาวัฒนธรรมดนตรีที่ไม่ใช่ของยุโรปเป็นเวลาหลายปี ไม่เพียงแต่ในอินเดียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในแอฟริกาเหนือและเทือกเขาหิมาลัยด้วย
แม้ว่าเขาจะปฏิเสธการเรียกตัวเองว่าเป็นคนเรียบง่าย แต่ความหลงใหลในดนตรีที่ไม่ใช่ของยุโรปทำให้เขาก้าวเข้าสู่เทรนด์นี้
แม้ว่าเขาจะหลงใหลในดนตรีที่ไม่ใช่ของยุโรป แต่ Glass ก็เขียนแนววิชาการมากมาย เขามีโอเปร่า 6 เรื่อง และโอเปร่าเรื่องแรกของเขา "Einstein on the Beach" ซึ่งจัดแสดงที่ Metropolitan Opera ในปี 1976 ทำให้นักแต่งเพลงมีชื่อเสียงในอเมริกา นอกจากนี้ Glass ยังเป็นนักเขียนซิมโฟนี ไวโอลินคอนแชร์โต และผลงานอื่นๆ ในแนววิชาการอีกด้วย
ซิมโฟนีหมายเลข 6 "บทกวีสู่พลูโตเนียม"
ซิมโฟนีที่หกของ Glass ประพันธ์โดย Carnegie Hall และ Brucknerhaus Linz สำหรับการฉลองวันเกิดครบรอบ 65 ปีของผู้แต่ง บทเพลงคือ Ode to Plutonium ของ Allen Ginsberg ซิมโฟนีทั้งสามส่วนสอดคล้องกับบทกวีทั้งสามส่วน ประการแรกคือ “เสียงร้องอย่างโกรธเกรี้ยวเพื่อประท้วงมลพิษทางรังสี” ประการที่สองเป็นสัญลักษณ์ของ “การรักษา” และประการที่สามคือ “การตระหนักรู้ในตนเอง”
ดำเนินการ: บรัคเนอร์ ออร์เชสเตอร์ ลินซ์ วาทยกร เดนนิส รัสเซลล์ เดวีส์
ระยะเวลา: 50:45
รูปแบบ: mp3 320 kbps
ขนาด: 112.7 ลบ
ลิงค์:
"GLASS_Philip_(b._1937).part1.rar" - http://arkhangelsk.data.cod.ru/197402 - 17/09/2009 00:45
"GLASS_Philip_(b._1937).part2.rar" -