ภูมิทัศน์เมืองในงานศิลปะของศตวรรษที่ 18 และ 19 ภูมิทัศน์ขาตั้งของรัสเซียในศตวรรษที่ 18-19

ตั้งแต่สมัยโบราณผู้คนชื่นชมธรรมชาติมาโดยตลอด พวกเขาแสดงความรักด้วยการวาดภาพโมเสก ภาพนูนต่ำ และภาพเขียนทุกชนิด ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่หลายคนทุ่มเทความคิดสร้างสรรค์ในการวาดภาพทิวทัศน์ ภาพวาดที่แสดงถึงป่าไม้ ทะเล ภูเขา แม่น้ำ ทุ่งนาช่างน่าหลงใหลอย่างแท้จริง และเราจำเป็นต้องเคารพปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งมีรายละเอียด สีสัน และอารมณ์ที่ถ่ายทอดความงดงามและพลังของโลกรอบตัวเราในงานของพวกเขา ศิลปินภูมิทัศน์และชีวประวัติของพวกเขาจะกล่าวถึงในบทความนี้ วันนี้เราจะมาพูดถึงผลงานของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ในยุคต่างๆ

จิตรกรทิวทัศน์ชื่อดังแห่งศตวรรษที่ 17

ในศตวรรษที่ 17 มีคนเก่งหลายคนที่ชอบพรรณนาถึงความงามของธรรมชาติ ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Claude Lorrain และ Jacob Isaac van Ruisdael เราจะเริ่มต้นเรื่องราวของเรากับพวกเขา

คล็อด ลอร์เรน

ศิลปินชาวฝรั่งเศสถือเป็นผู้ก่อตั้งการวาดภาพทิวทัศน์ในสมัยคลาสสิก ผืนผ้าใบของเขาโดดเด่นด้วยความกลมกลืนอันเหลือเชื่อและองค์ประกอบในอุดมคติ ลักษณะเด่นของเทคนิคของ K. Lorrain คือความสามารถในการถ่ายทอดแสงแดด รังสี การสะท้อนในน้ำ ฯลฯ ได้อย่างไม่มีที่ติ

แม้ว่าเกจิจะเกิดในฝรั่งเศส แต่เขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในอิตาลี ซึ่งเขาจากไปเมื่ออายุเพียง 13 ปี เขากลับบ้านเกิดเพียงครั้งเดียว จากนั้นอีกสองปี

ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ C. Lorrain คือภาพวาด "View of the Roman Forum" และ "View of the port with the Capitol" ปัจจุบันสามารถพบเห็นได้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์

เจค็อบ ไอแซค ฟาน รุยส์เดล

Jacob van Ruisdael ตัวแทนของความสมจริงเกิดที่ฮอลแลนด์ ในระหว่างการเดินทางในเนเธอร์แลนด์และเยอรมนี ศิลปินได้วาดภาพผลงานอันน่าทึ่งมากมาย ซึ่งโดดเด่นด้วยโทนสีที่ตัดกันอย่างคมชัด สีสันอันน่าทึ่ง และความเยือกเย็น หนึ่งในตัวอย่างที่โดดเด่นของภาพเขียนดังกล่าวถือได้ว่าเป็น "สุสานยุโรป"

อย่างไรก็ตาม งานของศิลปินไม่ได้จำกัดอยู่เพียงผืนผ้าใบที่มืดมนเท่านั้น เขายังบรรยายภาพทิวทัศน์ในชนบทด้วย ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดถือเป็น "ทิวทัศน์หมู่บ้านเอกมอนด์" และ "ภูมิทัศน์ที่มีกังหันน้ำ"

ศตวรรษที่สิบแปด

การวาดภาพในศตวรรษที่ 18 มีลักษณะที่น่าสนใจหลายประการ ในช่วงเวลานี้ จุดเริ่มต้นของทิศทางใหม่ในรูปแบบศิลปะดังกล่าวได้ถูกวาง ตัวอย่างเช่น จิตรกรภูมิทัศน์ชาวเวนิสทำงานในทิศทางต่างๆ เช่น ภูมิทัศน์ภูมิทัศน์ (ชื่ออื่นเป็นผู้นำ) และสถาปัตยกรรม (หรือในเมือง) และภูมิทัศน์ชั้นนำก็ถูกแบ่งออกเป็นความแม่นยำและน่าอัศจรรย์ ตัวแทนที่โดดเด่นของพระเวทอันมหัศจรรย์คือฟรานเชสโก กวาร์ดี แม้แต่ศิลปินภูมิทัศน์ยุคใหม่ก็ยังอิจฉาจินตนาการและเทคนิคของเขาได้

ฟรานเชสโก กวาร์ดี้

ผลงานทั้งหมดของเขาโดดเด่นด้วยมุมมองที่แม่นยำไร้ที่ติและการแสดงสีสันที่ยอดเยี่ยมโดยไม่มีข้อยกเว้น ทิวทัศน์มีเสน่ห์ดึงดูดใจจนไม่อาจละสายตาจากสิ่งเหล่านี้ได้

ผลงานที่น่ายินดีที่สุดของเขา ได้แก่ ภาพวาด "เรือรื่นเริงของ Doge "Bucintoro", "Gondola in the Lagoon", "ลาน Venetian" และ "Rio dei Mendicanti" ภาพวาดทั้งหมดของเขาบรรยายถึงทิวทัศน์ของเมืองเวนิส

วิลเลียม เทิร์นเนอร์

ศิลปินคนนี้เป็นตัวแทนของความโรแมนติก

ลักษณะเด่นของภาพวาดของเขาคือการใช้สีเหลืองหลายเฉด มันเป็นจานสีเหลืองที่กลายเป็นจานหลักในผลงานของเขา อาจารย์อธิบายเรื่องนี้โดยข้อเท็จจริงที่ว่าเขาเชื่อมโยงเฉดสีดังกล่าวกับดวงอาทิตย์และความบริสุทธิ์ที่เขาต้องการเห็นในภาพวาดของเขา

ผลงานที่สวยงามและน่าหลงใหลที่สุดของเทิร์นเนอร์คือ "Garden of the Hesperides" ซึ่งเป็นภูมิทัศน์ที่น่าอัศจรรย์

Ivan Aivazovsky และ Ivan Shishkin

ชายสองคนนี้เป็นจิตรกรภูมิทัศน์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและโด่งดังที่สุดในรัสเซียอย่างแท้จริง คนแรก - Ivan Konstantinovich Aivazovsky - วาดภาพทะเลอันงดงามในภาพวาดของเขา การจลาจลขององค์ประกอบ คลื่นที่เพิ่มขึ้น โฟมที่กระเด็นกระทบด้านข้างของเรือที่เอียง หรือพื้นผิวที่เงียบสงบและเงียบสงบที่สว่างไสวด้วยแสงตะวันที่กำลังตก - ทิวทัศน์ท้องทะเลน่ายินดีและประหลาดใจด้วยความเป็นธรรมชาติและความงาม อย่างไรก็ตามจิตรกรภูมิทัศน์ดังกล่าวเรียกว่าจิตรกรทางทะเล คนที่สอง Ivan Ivanovich Shishkin ชอบวาดภาพป่า

ทั้ง Shishkin และ Aivazovsky เป็นศิลปินภูมิทัศน์แห่งศตวรรษที่ 19 ให้เราดูรายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับชีวประวัติของบุคคลเหล่านี้

ในปี 1817 Ivan Aivazovsky หนึ่งในจิตรกรทางทะเลที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกถือกำเนิดขึ้น

เขาเกิดในครอบครัวที่ร่ำรวย พ่อของเขาเป็นนักธุรกิจชาวอาร์เมเนีย ไม่น่าแปลกใจเลยที่เกจิในอนาคตจะมีจุดอ่อนในเรื่องธาตุทะเล ท้ายที่สุดแล้ว บ้านเกิดของศิลปินคนนี้คือ Feodosia ซึ่งเป็นเมืองท่าที่สวยงาม

ในปี พ.ศ. 2382 อีวานสำเร็จการศึกษาจากที่ที่เขาศึกษามาเป็นเวลาหกปี สไตล์ของศิลปินได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของจิตรกรนาวิกโยธินชาวฝรั่งเศส C. Vernet และ C. Lorrain ซึ่งวาดภาพผืนผ้าใบตามหลักการของลัทธิบาโรก - คลาสสิค ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ I.K. Aivazovsky ถือเป็นภาพวาด "The Ninth Wave" ซึ่งสร้างเสร็จในปี 1850

นอกเหนือจากทิวทัศน์ท้องทะเลแล้ว ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ยังวาดภาพฉากการต่อสู้อีกด้วย (ตัวอย่างที่โดดเด่นคือภาพวาด "Battle of Chesme", พ.ศ. 2391) และยังอุทิศผืนผ้าใบหลายผืนของเขาให้กับธีมของประวัติศาสตร์อาร์เมเนีย (“ การมาเยือนของ J. G. Byron ไปที่อาราม Mekhitarist” ใกล้เมืองเวนิส”, พ.ศ. 2423 ก.)

Aivazovsky โชคดีที่ได้รับชื่อเสียงอันเหลือเชื่อในช่วงชีวิตของเขา จิตรกรภูมิทัศน์หลายคนที่โด่งดังในอนาคตชื่นชมผลงานของเขาและรับฟังความคิดเห็นจากเขา ผู้สร้างผู้ยิ่งใหญ่ถึงแก่กรรมในปี 1990

Shishkin Ivan Ivanovich เกิดเมื่อเดือนมกราคม พ.ศ. 2375 ในเมือง Elabug ครอบครัวที่ Vanya เลี้ยงดูมาไม่ได้มีฐานะร่ำรวยมากนัก (พ่อของเขาเป็นพ่อค้าที่ยากจน) ในปี พ.ศ. 2395 Shishkin เริ่มศึกษาที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งมอสโก ซึ่งเขาจะสำเร็จการศึกษาในอีกสี่ปีต่อมาในปี พ.ศ. 2399 แม้แต่ผลงานแรกสุดของ Ivan Ivanovich ก็โดดเด่นด้วยความงามที่ไม่ธรรมดาและเทคนิคที่ไม่มีใครเทียบได้ ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่ในปี พ.ศ. 2408 I. I. Shishkin ได้รับตำแหน่งนักวิชาการสำหรับผืนผ้าใบ "ดูในบริเวณใกล้เคียงดุสเซลดอร์ฟ" และหลังจากแปดปีเขาก็ได้รับตำแหน่งศาสตราจารย์

เช่นเดียวกับคนอื่น ๆ อีกหลายคนเขาวาดภาพจากชีวิตโดยใช้เวลาอยู่กับธรรมชาติเป็นเวลานานในสถานที่ที่ไม่มีใครรบกวนเขาได้

ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ ได้แก่ “Forest Wilderness” และ “Morning in a Pine Forest” ที่วาดในปี พ.ศ. 2415 และภาพวาดก่อนหน้านี้ “Noon” ในบริเวณใกล้เคียงกรุงมอสโก" (2412)

ชีวิตของชายผู้มีความสามารถต้องหยุดชะงักในฤดูใบไม้ผลิปี พ.ศ. 2441

ศิลปินภูมิทัศน์ชาวรัสเซียหลายคนใช้รายละเอียดจำนวนมากและการแสดงสีที่มีสีสันเมื่อวาดภาพบนผืนผ้าใบ สิ่งเดียวกันอาจกล่าวได้เกี่ยวกับตัวแทนภาพวาดรัสเซียสองคนนี้

อเล็กเซย์ ซาฟราซอฟ

Alexey Kondratyevich Savrasov เป็นศิลปินภูมิทัศน์ที่มีชื่อเสียงระดับโลก เขาคือผู้ที่ถือเป็นผู้ก่อตั้งแนวโคลงสั้น ๆ ของรัสเซีย

ชายที่โดดเด่นคนนี้เกิดที่มอสโกในปี 1830 ในปี พ.ศ. 2387 Alexey เริ่มศึกษาที่โรงเรียนจิตรกรรมและประติมากรรมมอสโก ตั้งแต่วัยเยาว์เขาโดดเด่นด้วยความสามารถพิเศษและความสามารถในการพรรณนาทิวทัศน์ อย่างไรก็ตาม ถึงกระนั้นก็ตาม เนื่องจากสถานการณ์ทางครอบครัว ชายหนุ่มจึงถูกบังคับให้หยุดการเรียนและกลับมาเรียนต่อเพียงสี่ปีต่อมา

แน่นอนว่าผลงานที่มีชื่อเสียงและเป็นที่รักที่สุดของ Savrasov ก็คือภาพวาด "The Rooks Have Arrival" จัดแสดงในงานมหกรรมการเดินทางเมื่อปี พ.ศ. 2514 สิ่งที่น่าสนใจไม่น้อยคือภาพวาดของ I. K. Savrasov "Rye", "Thaw", "Winter", "Country Road", "Rainbow", "Elk Island" อย่างไรก็ตาม ตามที่นักวิจารณ์ระบุว่า ไม่มีผลงานใดของศิลปินเลยเมื่อเทียบกับผลงานชิ้นเอกของเขา "The Rooks Have Arrival"

แม้ว่า Savrasov จะวาดภาพผืนผ้าใบที่สวยงามมากมายและเป็นที่รู้จักในฐานะผู้เขียนภาพวาดที่ยอดเยี่ยม แต่ในไม่ช้าเขาก็ถูกลืมไปนานแล้ว และในปี พ.ศ. 2440 เขาเสียชีวิตด้วยความยากจน โดยต้องสิ้นหวังจากปัญหาครอบครัว การเสียชีวิตของเด็กๆ และการติดแอลกอฮอล์

แต่จิตรกรทิวทัศน์ผู้ยิ่งใหญ่ไม่อาจลืมได้ พวกเขาอาศัยอยู่ในภาพวาดซึ่งมีความงดงามน่าทึ่งและเรายังคงชื่นชมได้จนถึงทุกวันนี้

ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

ช่วงเวลานี้มีความโดดเด่นด้วยความแพร่หลายในการวาดภาพของรัสเซียในทิศทางเช่นเดียวกับภูมิทัศน์ในชีวิตประจำวัน ศิลปินภูมิทัศน์ชาวรัสเซียหลายคนทำงานในลักษณะนี้ รวมถึง Vladimir Egorovich Makovsky ปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงไม่น้อยในสมัยนั้นคือ Arseny Meshchersky เช่นเดียวกับ Aivazovsky และ Shishkin ที่อธิบายไว้ก่อนหน้านี้ซึ่งมีงานเกิดขึ้นในช่วงกลางครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

อาร์เซนี เมชเชอร์สกี้

ศิลปินชื่อดังคนนี้เกิดเมื่อปี พ.ศ. 2377 ในจังหวัดตเวียร์ เขาได้รับการศึกษาที่ Imperial Academy of Arts ซึ่งเขาศึกษามาสามปี ธีมหลักของภาพวาดของผู้เขียนคือป่าไม้และศิลปินชอบที่จะพรรณนาในภาพวาดของเขาถึงทิวทัศน์อันงดงามของแหลมไครเมียและคอเคซัสพร้อมภูเขาอันงดงาม ในปี พ.ศ. 2419 เขาได้รับตำแหน่งศาสตราจารย์ด้านจิตรกรรมภูมิทัศน์

ภาพวาดที่ประสบความสำเร็จและโด่งดังที่สุดของเขาถือได้ว่าเป็นภาพวาด "ฤดูหนาว" เรือตัดน้ำแข็ง", "ทิวทัศน์ของเจนีวา", "พายุในเทือกเขาแอลป์", "ที่ทะเลสาบป่าไม้", "ทิวทัศน์ทางใต้", "ทิวทัศน์ในแหลมไครเมีย"

นอกจากนี้ เมชเชอร์สกียังถ่ายทอดความงดงามของสวิตเซอร์แลนด์อีกด้วย ในประเทศนี้เขาได้รับประสบการณ์จากปรมาจารย์ด้านจิตรกรรมภูมิทัศน์คาลามมาระยะหนึ่งแล้ว

อาจารย์ยังชอบซีเปียและการแกะสลักอีกด้วย เขายังสร้างสรรค์ผลงานที่ยอดเยี่ยมมากมายโดยใช้เทคนิคเหล่านี้

ภาพวาดจำนวนมากของศิลปินดังกล่าวถูกจัดแสดงในนิทรรศการทั้งในรัสเซียและในประเทศอื่น ๆ ของโลก ดังนั้นหลายคนจึงสามารถชื่นชมความสามารถและความคิดริเริ่มของคนที่มีความคิดสร้างสรรค์นี้ได้ ภาพวาดของ Arseny Meshchersky ยังคงสร้างความพึงพอใจให้กับผู้คนจำนวนมากที่สนใจงานศิลปะมาจนถึงทุกวันนี้

มาคอฟสกี้ วลาดิมีร์ เอโกโรวิช

Makovsky V.E. เกิดที่มอสโกในปี พ.ศ. 2389 พ่อของเขาเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียง วลาดิมีร์ตัดสินใจเดินตามรอยพ่อของเขาและได้รับการศึกษาด้านศิลปะที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งมอสโก หลังจากนั้นเขาก็เดินทางไปเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ภาพวาดที่ประสบความสำเร็จที่สุดของเขาคือ “การรอคอย” ที่คุก", "ธนาคารล่มสลาย", "คำอธิบาย", "บ้านพัก" และ "Spring Bacchanalia" ผลงานส่วนใหญ่แสดงถึงคนธรรมดาและฉากในชีวิตประจำวัน

นอกเหนือจากทิวทัศน์ในชีวิตประจำวันซึ่งเขาเป็นปรมาจารย์แล้ว Makovsky ยังวาดภาพบุคคลและภาพประกอบต่างๆ

ศตวรรษที่ 18 อันรุ่งโรจน์! กับเขาในหนังสือประวัติศาสตร์รัสเซียที่น่าทึ่งและน่าทึ่งไม่ใช่แค่การเริ่มต้นบทใหม่ แต่อาจเป็นทั้งเล่ม แม่นยำยิ่งขึ้นหนังสือเล่มนี้จะต้องเริ่มต้นด้วยทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษก่อน - ศตวรรษที่ 17 เมื่อประเทศของเราลังเลอย่างเจ็บปวดที่ทางแยกเริ่มทำการพลิกผันที่ทรงพลังอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนตั้งแต่ยุคกลางไปจนถึงยุคสมัยใหม่ หันหน้าไปทางยุโรป

รัสเซียในเวลานั้นมักถูกเปรียบเสมือนเรือ เรือลำนี้เคลื่อนไปข้างหน้าอย่างควบคุมไม่ได้ แผ่ใบใบอันเขียวชอุ่ม ไม่กลัวพายุใด ๆ และไม่หยุดตะโกน: "มนุษย์ลงน้ำ!" เขาถูกนำโดยมือที่มั่นคงของกัปตันที่เก่งกาจ กล้าหาญ และโหดเหี้ยม - ซาร์ปีเตอร์ ซึ่งทำให้รัสเซียเป็นอาณาจักรและตัวเขาเองเป็นจักรพรรดิองค์แรก การปฏิรูปของเขานั้นยากลำบากและโหดร้ายด้วยซ้ำ พระองค์ทรงกำหนดเจตจำนงต่อประเทศ ทำลายประเพณีโดยไม่ลังเล เสียสละชีวิตหลายพันชีวิตเพื่อผลประโยชน์ของรัฐ

มีความจำเป็นสำหรับสิ่งนี้หรือไม่? มีวิธีอื่นบ้างไหม? คำถามนี้ซับซ้อนมาก นักประวัติศาสตร์ยังไม่ได้ตอบ อย่างไรก็ตาม มีอย่างอื่นที่สำคัญสำหรับเราในตอนนี้ ความจริงที่ว่าในเวลาเพียงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านไปจากจุดเริ่มต้นของการปฏิรูปของปีเตอร์จนถึงสมัยของแคทเธอรีนมหาราชรัสเซียซึ่งในสายตาของยุโรปตะวันตกเป็นดินแดนแปลกใหม่ที่แปลกใหม่และอันตรายซึ่งอาศัยอยู่โดยคนป่าเถื่อนที่คาดเดาไม่ได้ไม่ได้เป็นเพียงชาวยุโรปเท่านั้น พลัง. หนึ่งในมหาอำนาจแห่งแรกของยุโรป! การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วไม่เพียงแต่เกิดขึ้นในการเมืองเท่านั้น แต่ยังส่งผลกระทบต่อรากฐานของชีวิตผู้คน ทัศนคติที่มีต่อโลกและต่อผู้อื่น ชีวิตประจำวัน เสื้อผ้า สิ่งเล็กๆ น้อยๆ ในชีวิตประจำวันมากมายที่ในความเป็นจริงแล้วประกอบขึ้นเป็นชีวิต และแน่นอนว่าศิลปะ ในช่วงหลายทศวรรษเหล่านี้ ศิลปะรัสเซียได้ไหลเวียนไปตามเส้นทางที่ศิลปะยุโรปตะวันตกไหลเวียนมานานหลายศตวรรษ

ศิลปินที่ไม่รู้จัก ภาพเหมือนของ "ปรมาจารย์" Milak - โบยาร์ Matvey Filimonovich Naryshkin คริสต์ทศวรรษ 1690 สีน้ำมันบนผ้าใบ พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย 86.5 x 75 ซม

ความน่าสมเพชของความรู้เชิงรุกที่ครอบงำรัสเซียในสมัยพระเจ้าปีเตอร์มหาราช ส่วนหนึ่งทำให้มันคล้ายกับยุโรปตะวันตกในยุคเรอเนซองส์ จากนั้นในอิตาลี (และในประเทศอื่นๆ) การทำให้วัฒนธรรมเป็นฆราวาส การพัฒนาวิทยาศาสตร์เชิงปฏิบัติแทนปรัชญาการเก็งกำไรในยุคกลาง และความสนใจอย่างมากในบุคคลที่เห็นคุณค่าในตนเอง (นอกกรอบองค์กร ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคกลางอีกครั้ง) ได้รับการกระตุ้น การพัฒนาอย่างรวดเร็วของศิลปะฆราวาสซึ่งสูงขึ้นอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน

ศิลปะนี้โดดเด่นด้วยการแสดงธรรมชาติที่แม่นยำ โดยอาศัยการศึกษากฎแห่งมุมมองและกายวิภาคศาสตร์ของมนุษย์ และที่สำคัญที่สุดคือการมองดูบุคคลนั้นอย่างใกล้ชิดและเอาใจใส่ ปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแสดงให้เราเห็นก่อนอื่นว่าเป็นปาฏิหาริย์คือมงกุฎแห่งการสร้างสรรค์ซึ่งควรได้รับการชื่นชม เมื่อถึงศตวรรษที่ 17 ความสุขนี้ได้เปิดทางให้กับจิตวิทยาที่ลึกซึ้งและเงียบขรึม การตระหนักถึงความขัดแย้งอันน่าเศร้าของการดำรงอยู่และธรรมชาติของมนุษย์เอง (ตัวอย่างเช่นในผลงานของ Velazquez และ Rembrandt)

ศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 17 ยังคงอยู่ในความเมตตาของประเพณีและหลักการ ภาพวาดทางโลกในยุคนั้นประกอบด้วยภาพบุคคลของพาร์ซุน (จากคำภาษาละติน "บุคคล") ซึ่งชวนให้นึกถึงใบหน้าที่ยึดถือมาก พวกมันแบน นิ่ง ไร้ Chiaroscuro และไม่ถ่ายทอดลักษณะของวัตถุได้อย่างถูกต้อง (ตามกฎแล้วผู้เขียนรู้จักตามคำบอกเล่า) แน่นอนว่าทั้งหมดนี้ไม่ได้เกิดจากการขาดความสามารถ ก่อนหน้าเราคือระบบศิลปะที่แตกต่างซึ่งมีไว้สำหรับศิลปะแห่งจิตวิญญาณ กาลครั้งหนึ่งผลงานชิ้นเอกของ Theophanes the Greek และ Andrei Rublev มีชีวิตขึ้นมา แต่กาลเวลาเปลี่ยนไปและเทคนิคการวาดภาพซึ่งไร้พื้นฐานทางประวัติศาสตร์ก็กลายเป็นลัทธิโบราณ

การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วในสังคมและในงานศิลปะ เริ่มต้นขึ้นในยุคเก้าสิบของศตวรรษที่ 17 ตัวอย่างทั่วไปคือภาพเหมือนของตัวตลกในราชวงศ์ Yakov Turgenev ซึ่งวาดโดยปรมาจารย์ที่ไม่รู้จักไม่เกินปี 1695 โดยทั่วไป นี่คือพาร์ซูนาทั่วไป นั่นคือภาพที่แช่แข็งบนเครื่องบิน แม้ว่าแสงและเงาจะถูกร่างไว้แล้วก็ตาม แต่สิ่งสำคัญคือการปรับรูปลักษณ์ของนางแบบให้เหมาะกับแต่ละบุคคล: ใบหน้า, การแสดงออกทางสีหน้า; โลกภายในในภาพบุคคลยังไม่สะท้อนให้เห็น แต่ต่อหน้าเรานั้นเป็นคนที่มีชีวิตอย่างไม่ต้องสงสัย

อีวาน นิกิติน. ภาพเหมือนของเจ้าหญิง Praskovya Ivanovna (?) หลานสาวของ Peter I. 1714
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย 88 x 67.5 ซม

อีวาน นิกิติน. ภาพเหมือนของบารอน Sergei Grigorievich Stroganov 1726
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย 87 x 65 ซม

อีวาน นิกิติน. Peter I บนเตียงมรณะของเขา 1725
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย 36.6 x 54.4 ซม

ความจริงที่ว่าแนวภาพบุคคลเริ่มพัฒนาอย่างรวดเร็วไม่น่าแปลกใจ ประการแรก มีอยู่แล้วในภาพวาดของรัสเซีย (ไม่เหมือนกับประเภทอื่น ๆ ส่วนใหญ่ที่ยังไม่ปรากฏ) เหตุผลหลักก็คือในยุคของพระเจ้าปีเตอร์มหาราช ความสำคัญของแต่ละบุคคลเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว - กระตือรือร้น กระหายการยืนยันตนเอง ทำลายประเพณีและอุปสรรคทางชนชั้น เหล่านี้คือ "ลูกไก่ในรังของ Petrov" - ตั้งแต่ Menshikov ไปจนถึง Abram Hannibal - ผู้คนที่หลงใหลและมีความสามารถจากต้นกำเนิดต่างๆ ซึ่งต้องขอบคุณเรือรัสเซียที่สามารถเอาชนะทะเลพายุแห่งการปฏิรูปที่รุนแรงได้ ชะตากรรมของคนเหล่านี้มักจะน่าเศร้า ชะตากรรมที่คล้ายกันรอคอยศิลปินชื่อดังคนแรกของศตวรรษที่ 18 ที่จะปรากฏตัวภายใต้ปีเตอร์ Ivan Nikitin

เขาเกิดในช่วงกลางทศวรรษที่ 1680 (ไม่ทราบวันที่แน่นอน) ในครอบครัวของนักบวชชาวมอสโก เขาแสดงความสามารถพิเศษตั้งแต่เนิ่นๆ ขณะยังเป็นเด็กมาก เขาสอนเลขคณิตและวาดรูปที่ "โรงเรียนปืนใหญ่" ในมอสโก เขาเริ่มศึกษาการวาดภาพอย่างจริงจังตามทิศทางของ Peter I ซึ่งเรียนรู้เกี่ยวกับพรสวรรค์ของเขา

ผลงานในช่วงแรกๆ ของ Nikitin (เช่น ภาพวาดที่คาดว่าจะแสดงถึงหลานสาวของ Peter Praskovya Ioannovna (1714)) ยังคงชวนให้นึกถึงพาร์ซันในหลาย ๆ ด้านด้วยความเรียบ ความธรรมดา และไม่คำนึงถึงกายวิภาคศาสตร์ แต่คุณสมบัติใหม่เริ่มสังเกตเห็นได้ชัดเจนมากขึ้นเรื่อย ๆ : ให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับโมเดล, ความพยายามที่จะถ่ายทอดตัวละครของเธอ, ชีวิตภายใน ในปี ค.ศ. 1716 นิกิตินถูกรวมอยู่ในจำนวนผู้รับบำนาญของปีเตอร์ - คนหนุ่มสาวที่ถูกส่งไปเรียนต่างประเทศโดยมีค่าใช้จ่ายของรัฐ

อีวาน นิกิติน. ภาพเหมือนของเฮตแมนพื้น 1720
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย 76 x 60 ซม

ก่อนออกเดินทางซาร์ได้พบกับศิลปินเป็นการส่วนตัวแล้วเขียนถึงภรรยาของเขา (ซึ่งตอนนั้นอยู่ในเบอร์ลิน) ขอให้เธอมอบหมายให้เขาวาดภาพเหมือนหลายภาพรวมถึงกษัตริย์ปรัสเซียนด้วย "เพื่อที่พวกเขาจะได้รู้ว่ามีปรมาจารย์ที่ดี จากหมู่ชนของเรา” และเมื่อกลับจากต่างประเทศปีเตอร์ไม่ได้ละทิ้ง Nikitin ด้วยความสนใจของเขาเขาให้บ้านหลังหนึ่งแก่เขาในใจกลางเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและเรียกเขาว่า "Hofmahler แห่งเรื่องส่วนตัว"

ศิลปินรู้สึกมากกว่าความกตัญญูต่อจักรพรรดิ - เขาชื่นชมบุคลิกอันทรงพลังนี้และเคารพอัจฉริยะรัฐบุรุษของเขาอย่างสุดซึ้ง ทัศนคตินี้เห็นได้ชัดเจนมากในภาพเหมือนของ Peter โดย Nikitin ที่โด่งดัง ชายในภาพไม่ใช่เด็กอีกต่อไป มีความขมขื่นในการจ้องมองของเขาและริมฝีปากที่บีบแน่น แน่นอนว่าเขามองเห็นและชื่นชมอีกด้านหนึ่งของความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ แต่ - ยอมแพ้เหรอ? ไม่มีทาง! เขายังคงเป็นศูนย์รวมของความแข็งแกร่งและพลังงานที่ไม่ย่อท้อ และในปี ค.ศ. 1725 ศิลปินต้องทำหน้าที่อันโศกเศร้า: จับจักรพรรดิบนเตียงมรณะ ภาพวาดนี้สร้างความประทับใจอย่างมาก ใบหน้าของผู้ตายสว่างไสวด้วยเปลวเทียน (ที่เหลืออยู่ "เบื้องหลัง" ของภาพ) แสดงให้เห็นอย่างสมจริงอย่างเคร่งครัดและในขณะเดียวกันก็เต็มไปด้วยความยิ่งใหญ่ที่แท้จริง

ผลงานเหล่านี้และผลงานอื่น ๆ ของ Nikitin เป็นพยานถึงการเติบโตอย่างรวดเร็วของทักษะของเขา ตัวอย่างเช่นนี่คือภาพเหมือนของ Chancellor G.I. โกลอฟกิ้น. ช่างเป็นคนฉลาด บอบบาง และคลุมเครือจริงๆ! สายตาที่เข้มและเอาใจใส่ของเขาจับจ้องไปที่ผู้ชมนั้นช่างน่าหลงใหล หรือ "ภาพเหมือนของชั้น Hetman" อันงดงาม ภาพวาดเหล่านี้มีความกระชับ เต็มไปด้วยความมีชีวิตชีวาภายในและแสดงออกได้อย่างดีเยี่ยม ผู้เขียนไม่ได้ถูกจำกัดโดยหลักการอีกต่อไป เขาสามารถใช้เทคนิคทางเทคนิคที่ซับซ้อนที่สุดได้

ความฝืดและความแข็งแกร่งนี้มองเห็นได้ในผลงานของ Andrei Matveev ลูกสมุนอีกคนหนึ่งของ Peter the Great เช่นใน "Self-Portrait with His Wife" (1729?) ท่าทางและการแสดงออกทางสีหน้าของคู่หนุ่มสาวที่ปรากฎนั้นนิ่งและตั้งใจ ในขณะเดียวกันภาพบุคคลก็ดึงดูดด้วยความจริงใจและความบริสุทธิ์อันลึกซึ้ง เมื่อเรามองดู ยุคอันไกลโพ้นก็ปรากฏขึ้นมาใกล้ ๆ และพูดกับเราโดยตรง...

หลังจากการตายของ Peter I ช่วงเวลาที่ยากลำบากก็เริ่มขึ้นในรัสเซีย ผู้สืบทอดของเขาซึ่งหมกมุ่นอยู่กับการต่อสู้แย่งชิงอำนาจไม่ค่อยกังวลกับชะตากรรมของรัฐและวิชาที่มีความสามารถ ชีวิตสร้างสรรค์ของ Ivan Nikitin จบลงอย่างน่าเศร้า ในช่วงรัชสมัยของ Anna Ioannovna เขาถูกจับในข้อหาเข้าร่วมในวงต่อต้านมอสโกซึ่งมีจุลสารเกี่ยวกับ Feofan Prokopovich ออกมา เขาใช้เวลาห้าปีในป้อมปราการ จากนั้นในปี ค.ศ. 1737 เขาถูกเฆี่ยนด้วยแส้และเนรเทศไปยังไซบีเรีย ได้รับการให้อภัยหลังปี 1742 เมื่อจักรพรรดินีผู้ทะเลาะวิวาทสิ้นพระชนม์ อนิจจา มันสายเกินไปแล้ว

ศิลปินที่เหนื่อยล้าและป่วยไม่สามารถกลับบ้านได้ - เขาเสียชีวิตระหว่างทาง

ยุคของการรัฐประหารในวังซึ่งเกือบจะทิ้งทุกสิ่งที่ประสบความสำเร็จภายใต้ปีเตอร์สิ้นสุดลงในปี 1741 ด้วยการขึ้นครองราชย์ของเอลิซาเบ ธ ลูกสาวของเขา หลังจากได้รับบัลลังก์ผ่านการแย่งชิง (จักรพรรดิหนุ่มจอห์นอันโตโนวิชถูกถอดออกและถูกคุมขังในป้อมปราการ) เธอจึงดำเนินการอย่างเด็ดเดี่ยวเพื่อฟื้นฟูความสงบเรียบร้อยในรัฐ เช่นเดียวกับพ่อของเธอ เธอพยายามอย่างหนักเพื่อให้รัสเซียเข้ามาแทนที่โดยชอบธรรมท่ามกลางมหาอำนาจยุโรป เธอรู้วิธีค้นหาและสนับสนุนคนที่มีความสามารถจากภูมิหลังทางสังคมที่หลากหลาย และต่างจากบิดาของเธอ ตลอดรัชสมัยของเธอ เธอไม่ได้ลงนามในหมายมรณะเลยสักฉบับเดียว

ไม่น่าแปลกใจเลยที่ในเวลานี้วัฒนธรรมของชาติเริ่มสูงขึ้น มหาวิทยาลัยมอสโกก่อตั้งขึ้นในปี 1755 โรงละครแห่งชาติถูกสร้างขึ้นในปี 1756 และ Academy of Arts ก่อตั้งในปี 1757 วิจิตรศิลป์ของรัสเซียกำลังกลายเป็นมืออาชีพอย่างแท้จริง

บทบาทนำในการวาดภาพในยุคนี้ยังคงเป็นของภาพบุคคล ในวัยสี่สิบและหกสิบ I. Vishnyakov, A. Antropov, I. Argunov, M. Kolokolnikov, E. Vasilievsky, K. Golovachevsky ทำงานในทิศทางนี้ ศิลปะภาพเหมือนได้รับการพัฒนาในสองประเภท: เป็นทางการและห้อง

ภาพเหมือนในพิธีเป็นผลงานศิลปะสไตล์บาโรกในหลาย ๆ ด้าน (ทิศทางนี้ซึ่งมีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 16 ซึ่งครอบงำในรัสเซียในขณะนั้น) ด้วยความเอิกเกริกที่ครุ่นคิดและความยิ่งใหญ่ที่มืดมน งานของเขาคือการแสดงไม่เพียงแค่บุคคลเท่านั้น แต่ยังเป็นบุคคลสำคัญในความสง่างามของตำแหน่งทางสังคมที่สูงของเธอ ด้วยเหตุนี้จึงมีอุปกรณ์เสริมมากมายที่ออกแบบมาเพื่อเน้นตำแหน่งนี้ ซึ่งก็คือการแสดงท่าทีที่ดูเอิกเกริก แบบจำลองนี้ถูกนำเสนอโดยมีฉากหลังเป็นทิวทัศน์หรือภายใน แต่จะอยู่เบื้องหน้าเสมอ มักจะแสดงด้วยความสูงเต็มที่ ราวกับกำลังบดบังพื้นที่โดยรอบด้วยความยิ่งใหญ่

อีวาน วิชเนียคอฟ. ภาพเหมือนของ M. S. Begichev พ.ศ. 2368 สีน้ำมันบนผ้าใบ 92 x 78.5 ซม
พิพิธภัณฑ์วี.เอ. ศิลปิน Tropinin และมอสโกในยุคของเขาที่กรุงมอสโก

ด้วยการถ่ายภาพบุคคลในพิธีทำให้ I.Ya. จิตรกรภาพเหมือนชั้นนำคนหนึ่งในยุคนั้นมีชื่อเสียง วิษณยาคอฟ (1699-1761) ผลงานของเขาเป็นไปตามประเพณีของแนวเพลง แต่ยังมีคุณสมบัติหลายประการที่เป็นเอกลักษณ์ของปรมาจารย์คนนี้ด้วย ประการแรกความซับซ้อนของสีความสง่างามที่ประณีตการตกแต่งแสงนั่นคือคุณลักษณะของสไตล์โรโคโค สิ่งบ่งชี้โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเรื่องนี้คือภาพเหมือนของ Sarah Eleanor Fermor ในวัยเยาว์ซึ่งวาดในปี 1749 (ไม่กี่ปีต่อมาศิลปินก็สร้างภาพเหมือนของพี่ชายของเธอด้วย)

เด็กผู้หญิงตาสีเข้มผอมบางในวิกผมแป้งและชุดเดรสฟูฟ่องที่ทำจากผ้าซาตินแข็งแข็งตัวแข็งทื่อกับพื้นหลังของผ้าม่านและเสา มันเป็นความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างความเยาว์วัยที่เปราะบางและการตกแต่งพิธีการที่น่าประทับใจโดยเน้นด้วยจานสีสีชมพูเงินทั้งหมดของภาพ รอยพับแข็งของหอยมุก รูปแบบที่ละเอียดอ่อนที่ดูเหมือนจะนอนอยู่ด้านข้างเล็กน้อย ผ้าเหมือนน้ำค้างแข็งบนกระจก และมีภูมิทัศน์โปร่งใสในพื้นหลัง ผืนผ้าใบนี้ค่อนข้างชวนให้นึกถึงแจกันที่ทำจากพอร์ซเลนเนื้อดี ซึ่งคุณชื่นชม กลัวที่จะสัมผัส เกรงว่าจะได้รับความเสียหายจากการเคลื่อนไหวที่ไม่ระมัดระวัง

Vishnyakov เป็นจิตรกรชาวรัสเซียคนแรกที่มุ่งความสนใจไปที่บทกวีในการตีความภาพอย่างชัดเจน บรรทัดนี้จะดำเนินต่อไปในผลงานของผู้ร่วมสมัยและศิลปินรุ่นเยาว์ของเขาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ

อเล็กเซย์ อันโตรปอฟ. ภาพเหมือนของ Anna Vasilievna Buturlina พ.ศ. 2306
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 60.3 x 47 ซม. หอศิลป์ Tretyakov

ผลงานศิลปะภาพบุคคลที่สำคัญที่สุดของศตวรรษที่ 18 ถูกสร้างขึ้นในรูปแบบของภาพบุคคลในห้องมากกว่างานพิธีการ ความมั่งคั่งของประเภทนี้เริ่มต้นในวัยสี่สิบ มันมีลักษณะพูดน้อยซึ่งเป็นรายละเอียดจำนวนเล็กน้อย (ซึ่งแต่ละส่วนมีความสำคัญเป็นพิเศษโดยเพิ่มบางสิ่งให้กับลักษณะของแบบจำลอง) ตามกฎแล้วคือพื้นหลังสีเข้มที่น่าเบื่อ ปรมาจารย์ด้านการถ่ายภาพบุคคลในห้องมุ่งความสนใจหลักไปที่ใบหน้า ซึ่งแสดงให้เห็นในระยะใกล้ โดยสังเกตลักษณะของรูปลักษณ์ภายนอกอย่างรอบคอบ บรรลุความคล้ายคลึงให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ โดยพยายามเจาะเข้าไปในโลกภายในของบุคคลที่ปรากฎ

ความสำเร็จหลักในประเภทนี้เป็นของศิลปินสองคนที่นักประวัติศาสตร์ศิลป์มองว่าเป็นจิตรกรที่ใหญ่ที่สุดในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 พร้อมด้วย Vishnyakov ได้แก่ Antropov และ Argunov

เอ.พี. Antropov (1716-1795) ศึกษาการวาดภาพจากญาติของเขา Andrei Matveev หนึ่งในผู้รับบำนาญของ Peter the Great ในวัยเด็กเขาเริ่มทำงานในทีมจิตรกรรมของสำนักงานอาคารภายใต้การนำของ Matveev คนแรกจากนั้น Vishnyakov ปรมาจารย์เหล่านี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อเขาและในทางกลับกันเขาก็เป็นอาจารย์ของ Levitsky ผลงานของเขามีอิทธิพลต่องานของ Rokotov และต่อมา Borovikovsky และ Shchukin นี่คือวิธีที่ความต่อเนื่องในงานศิลปะภาพบุคคลของรัสเซียดำเนินไปตลอดทั้งศตวรรษที่ 18

ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Antropov ถูกสร้างขึ้นในช่วงทศวรรษที่ห้าสิบและหกสิบ ตามที่นักวิจัยระบุว่าในเวลานี้เขาถือได้ว่าเป็นบุคคลสำคัญในการวาดภาพของรัสเซีย ภาพบุคคลของ Buturlins, A.M. อิซไมโลวา, M.A. Rumyantseva, A.K. Vorontsova และ Ataman Krasnoshchekov ได้รับการแสดงให้เห็นว่าเป็นคนที่แตกต่างกันมาก แต่ค่อนข้างคล้ายกัน - ตัวแทนของชนชั้นทางสังคมเดียวกันในยุคเดียวกัน บางครั้งภาพวาดเหล่านี้ทำให้เราจำพาร์ซันได้: บางครั้งพวกมัน (เช่นเดียวกับงานของ Vishnyakov) บางครั้งก็ขาดอากาศและพลวัต; ลักษณะภายนอกที่แม่นยำสม่ำเสมอของแบบจำลองนั้นไม่ได้มาพร้อมกับคุณสมบัติภายในเสมอไป

อย่างไรก็ตาม เมื่อมีลักษณะเช่นนี้ ก็จะมีความแข็งแกร่งที่น่าประทับใจ ตัวอย่างเช่นในภาพเหมือนของสุภาพสตรีแห่งรัฐ A.M. อิซไมโลวา. ใบหน้าของหญิงวัยกลางคนคนนี้ซ่อนอยู่หลังหน้ากากสีขาวและสีแดงอันเรียบเนียน มันยิ่งใหญ่ เต็มไปด้วยพลังอำนาจอันใหญ่หลวง และจิตสำนึกอันเงียบสงบถึงความเหนือกว่าของตัวเอง ความคิดนี้เข้ามาในใจโดยไม่ได้ตั้งใจ: มันยากแค่ไหนสำหรับผู้ที่อยู่ภายใต้คำสั่งของเธอ แต่ศิลปินแสดงให้เห็นถึงความคลุมเครือของธรรมชาติของมนุษย์ เมื่อมองอย่างใกล้ชิดมากขึ้น เราสังเกตเห็นว่าดวงตาของหญิงสาวที่หยิ่งยโสนั้นฉลาดและนุ่มนวลกว่าที่เห็นในครั้งแรก...

อีกตัวอย่างหนึ่งคือภาพพระราชพิธีของจักรพรรดิปีเตอร์ที่ 3 เจ้าชายโฮลชไตน์คนนี้ได้รับเลือกจากเอลิซาเบธที่ไม่มีบุตรให้เป็นผู้สืบทอดเพียงเพราะความสัมพันธ์ของเขา (เขาเป็นหลานชายของเธอซึ่งเป็นหลานชายของปีเตอร์ที่ 1) ไม่ใช่เพราะคุณสมบัติส่วนตัวของเขาซึ่งอนิจจาไม่มีนัยสำคัญ หลังจากการครองราชย์อันรุ่งโรจน์เป็นเวลาหลายเดือน เขาก็ถูกถอดออกจากบัลลังก์โดยภรรยาของเขาเองซึ่งก็คือจักรพรรดินีแคทเธอรีนผู้ยิ่งใหญ่ในอนาคต ความไม่สำคัญของบุคลิกภาพนี้มองเห็นได้ชัดเจนในภาพบุคคล (แม้ว่าจะเต็มไปด้วยผ้าม่านคำสั่งเสื้อคลุมแมวน้ำและคุณลักษณะอื่น ๆ ของเอิกเกริกและอำนาจ) ซึ่งตรงไปตรงมาใคร ๆ ก็รู้สึกเสียใจกับจักรพรรดิผู้เคราะห์ร้าย

Antropov แทบจะไม่ตั้งใจที่จะหักล้างพระมหากษัตริย์เป็นเป้าหมายของเขา เขาไม่สามารถโกหกได้เช่นเดียวกับเจ้านายที่แท้จริง ความแม่นยำที่ไร้ความกลัวดังกล่าวทำให้ศิลปินต้องสูญเสียอาชีพการงานของเขา เขาไม่เคยเป็นสมาชิกของ Academy of Arts ที่เพิ่งเปิดใหม่

ด้วยชื่อไอ.พี. Argunov (1729-1802) มีความเกี่ยวข้องกับหน้าพิเศษในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซีย เขาเป็นข้ารับใช้ตลอดชีวิตของเขา ทาสมีความเข้มแข็งมากขึ้นในศตวรรษที่ 18 และกลายเป็นทาสประเภทหนึ่งอย่างมีประสิทธิภาพ ขุนนางในราชสำนักอันรุ่งโรจน์แข่งขันกันสร้างพระราชวังอันหรูหรา โรงละครและหอศิลป์ที่จัดตั้งขึ้น ความคิดสร้างสรรค์ของสถาปนิก จิตรกร นักดนตรี และนักแสดงเป็นที่ต้องการอย่างมาก พวกเขามองหาคนที่มีความสามารถและเลี้ยงดูพวกเขาสร้างเงื่อนไขให้พวกเขาทำงาน แต่ด้วยความตั้งใจของอาจารย์พวกเขาสามารถสูญเสียทุกสิ่งได้อย่างง่ายดาย อาร์กูนอฟก็อยู่ในตำแหน่งนี้เช่นกัน ซึ่งมักถูกบังคับให้เสียสมาธิจากงาน ไม่ว่าจะเพื่อคัดลอกภาพวาดหรือจัดการทรัพย์สินของเจ้าของ

อีวาน อาร์กูนอฟ. แม่พระ. 1753 (?) สีน้ำมันบนผ้าใบ. 202 x 70.7 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย
อีวาน อาร์กูนอฟ. พระเยซูคริสต์ 1753 (?) สีน้ำมันบนผ้าใบ. 198 x 71 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

ยังโชคดีที่เจ้าของของเขาไม่ได้แย่ที่สุด - Sheremetev นับ ตอนนี้เรากำลังพูดถึงทั้งสองตระกูลนี้ - Sheremetevs และ Argunovs - ที่พวกเขายกย่องชื่อของพวกเขาในประวัติศาสตร์รัสเซีย: คนหนึ่งให้ผู้บัญชาการและนักการเมืองของรัสเซีย, อีกคน - สถาปนิกและจิตรกร สถาปนิกเป็นลูกพี่ลูกน้องของ Ivan Argunov และ Pavel ลูกชายของเขา พวกเขามีส่วนร่วมในการก่อสร้างพระราชวังของ Kuskovo และ Ostankino Nikolai ลูกชายคนที่สองของ Argunov ซึ่งมีชื่อเสียงในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 กลายเป็นจิตรกรภาพเหมือนเหมือนพ่อของเขา

ในลักษณะที่สร้างสรรค์ของ I.P. อาร์กูนอฟอยู่ใกล้กับอันโทรปอฟ ภาพเหมือนของเขา - โดยเฉพาะภาพในพิธี - บางครั้งก็ทำให้นึกถึงชาวพาร์ซันด้วย บุคคลสำคัญที่ปรากฎบนภาพ ได้แก่ เจ้าชายและเจ้าหญิง Lobanov-Rostovsky พลเรือเอก Prince M.M. Golitsyn ตัวแทนของครอบครัว Sheremetev และคนอื่น ๆ จ้องมองผู้ชมอย่างไม่เคลื่อนไหวโดยถูกจำกัดด้วยความฉลาดของพวกเขาเอง เช่นเดียวกับ Antropov Argunov เขียนพื้นผิวอย่างระมัดระวัง โดยชื่นชมความแวววาวของเนื้อผ้า ความแวววาวของเครื่องประดับ และลูกไม้ที่โปร่งสบาย (เราสังเกตว่าการชื่นชมความงามของโลกวัตถุนั้นไม่ได้มีลักษณะเฉพาะสำหรับปรมาจารย์เหล่านี้ นี่เป็นหนึ่งในลักษณะเฉพาะของการวาดภาพในศตวรรษที่ 18 ทั้งหมด)

ลักษณะทางจิตวิทยาของแบบจำลองนั้นซ่อนอยู่เบื้องหลังความฉลาดนี้ แต่พวกมันก็อยู่ที่นั่นและเข้าถึงได้ง่ายด้วยสายตาของผู้ชมที่เอาใจใส่ ในการถ่ายภาพบุคคลที่ใกล้ชิดโดย Argunov คุณลักษณะนี้จะปรากฏอยู่เบื้องหน้า นี่คือภาพของ Tolstoy สามีและภรรยา Khripunov หญิงชาวนาที่ไม่รู้จักและอีกหลายคนเป็นภาพบุคคลที่มีสถานะทางสังคม อายุ และอารมณ์ที่แตกต่างกันมาก ศิลปินมองดูใบหน้าของคนเหล่านี้อย่างตั้งใจและสนใจโดยสังเกตเห็นลักษณะที่ปรากฏและลักษณะนิสัยเพียงเล็กน้อยบางครั้งก็ชื่นชมความงามของพวกเขาอย่างเปิดเผยโดยเฉพาะความงามภายในของพวกเขา (ซึ่งเห็นได้ชัดเจนโดยเฉพาะในภาพบุคคลของ Khripunova และหญิงชาวนาที่ไม่รู้จักในชุดรัสเซีย ).

Ivan Argunov ได้รับการยอมรับจากผู้ร่วมสมัยของเขาทั้งในฐานะศิลปิน (ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลว่าหลังจากที่ Catherine II ขึ้นครองบัลลังก์แล้ววุฒิสภาได้มอบหมายให้เขาสร้างภาพเหมือนในพิธีของจักรพรรดินีหนุ่มซึ่งเธอพอใจมาก) และในขณะที่ ครู นักเรียนของเขานอกจากนิโคไลลูกชายของเขาแล้ว K.I. Golovachevsky, ไอเอส ซาบลูคอฟ, A.P. Losenko - จิตรกรชื่อดังในอนาคตและบุคคลสำคัญของ Academy of Arts

ประเภทที่ปรากฏในงานศิลปะรัสเซียในช่วงปีสุดท้ายของรัชสมัยของปีเตอร์ถึงจุดสูงสุดในยุคหลัง Petrine และได้รับความต่อเนื่องในช่วงกลางและครึ่งหลังของศตวรรษสมควรได้รับการอภิปรายเป็นพิเศษ
เรากำลังพูดถึงสิ่งมีชีวิต

ประเภทนี้ได้รับความนิยมอย่างมากในศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 18 (เมื่อถึงตอนนั้นคำนี้ก็เกิดขึ้น) สิ่งมีชีวิตอันหรูหราของศิลปินชาวเฟลมิชและดัตช์มีชื่อเสียงเป็นพิเศษ: แก้วไวน์แวววาวกองผลไม้และเกมที่ตายแล้วซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความสุขทางกามารมณ์และความอุดมสมบูรณ์ทางวัตถุ โลกวัตถุไม่เคยหยุดที่จะสร้างความประหลาดใจและความพึงพอใจให้กับจิตรกร และในรัสเซียเช่นกัน เมื่อวิจิตรศิลป์ทางโลกเริ่มพัฒนาอย่างรวดเร็วที่นั่น

หุ่นนิ่งชาวรัสเซียชิ้นแรกถูกวาดโดยปรมาจารย์หลายคน รวมถึงบุคคลนิรนามด้วย ในหมู่พวกเขาชื่อที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Grigory Teplov นักบวชซึ่งเป็นนักเรียนของ Feofan Prokopovich ต่อมาเป็นรัฐบุรุษและนักวิทยาศาสตร์เขาสร้างภาพวาดต้นฉบับที่น่าดึงดูดใจหลายภาพและในแบบของพวกเขาเอง พวกเขาพรรณนาถึงสิ่งต่าง ๆ ในชีวิตประจำวันที่กระจัดกระจายราวกับเป็นระเบียบสุ่มบนกระดานไม้ซึ่งมีผ้าใบปลอมอยู่ใต้นั้น พวกเขาทาสีอย่างระมัดระวังจนสร้างภาพลวงตาของความเป็นจริงขึ้นมา ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่นักวิจารณ์ศิลปะเรียกสิ่งนี้ว่า "กลอุบาย"

การแกะสลัก นาฬิกา โน้ต ขวดยา ปากกา และสมุดบันทึก ซึ่งโดยพื้นฐานแล้วสิ่งของเหล่านั้นที่เพิ่งเข้ามาใช้ถือเป็นสัญญาณของวิถีชีวิตใหม่ที่ยังไม่คุ้นเคย นี่คือชีวิตของผู้คนที่ถูกขับเคลื่อนด้วยความสนใจในโลกและความกระหายในความรู้ สิ่งของที่ไม่ใช่แค่สิ่งของในครัวเรือนเท่านั้น แต่ยังเป็นสิ่งลึกลับที่ควรค่าแก่การเข้าใจ นั่นคือเหตุผลว่าทำไมภาพวาดที่ดูไร้ศิลปะเหล่านี้จึงมีพลังอันแข็งแกร่ง มันทำให้เรารู้สึกถึงความน่าดึงดูดใจในช่วงเวลาอันห่างไกลเหล่านั้นอย่างเด่นชัด ราวกับว่า “ตัวล่อ” นั้นคือสิ่งมีชีวิตจริง ๆ จริง ๆ ซึ่งเมื่อครู่นี้สัมผัสได้ด้วยมือของเจ้าของที่จากไปนานแล้ว...

ไม่กี่ปีที่ผ่านมา - และตอนนี้ชีวิตได้กลับคืนสู่ความปกติและความน่าสมเพชของผู้ค้นพบก็ถูกแทนที่ด้วยความปีติยินดีในเทศกาลด้วยความสุขของชีวิต นั่นคือบรรยากาศของราชสำนักเอลิซาเบธ - "เอลิซาเบธผู้ร่าเริง" ตามที่คนรุ่นราวคราวเดียวกันเรียกเธอ นอกจากสไตล์บาร็อคแล้ว สไตล์โรโคโคก็กำลังเข้ามาเป็นแฟชั่น - เบา, ขี้เล่น, เย้ายวน ห้องโถงในพระราชวังได้รับการตกแต่งด้วยการตกแต่งที่แปลกตา

บอริส สุโขดอลสกี. ดาราศาสตร์. ประมาณปี ค.ศ. 1754 เดซูเดปอร์เต
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 100 x 210 ซม. หอศิลป์ Tretyakov

ตอนนั้นเองที่หุ่นนิ่งประเภทหนึ่งอันเป็นเอกลักษณ์ - เดซูเดปอร์เตสหรือแผงประตู - ได้รับการพัฒนาในงานศิลปะรัสเซีย พวกเขาพรรณนาถึงแจกัน ดอกไม้และผลไม้ ภูมิทัศน์ที่สวยงาม ผ้าม่าน และเครื่องประดับ ออกแบบมาเพื่อตกแต่งและประสานการตกแต่งภายใน แทบจะไม่ได้รับการพิจารณาว่าเป็นงานศิลปะอิสระ นอกเหนือจากสถาปัตยกรรมทั่วไป และอย่างที่พวกเขาพูดกันในตอนนี้คือโซลูชันการออกแบบสำหรับพื้นที่ ในเวลาเดียวกันพวกเขาก็ทำตามกฎในระดับที่สูงมาก

ในการฝึกอบรมผู้เชี่ยวชาญที่ทำงานในพื้นที่นี้ สถาบันเช่นสำนักงานอาคารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่กล่าวถึงข้างต้น ซึ่งมีทีมงานสถาปัตยกรรมและจิตรกรรม มีบทบาทสำคัญ ศิลปินของทีมวาดภาพได้ดำเนินการตามคำสั่งมากมายสำหรับการวาดภาพพระราชวัง โบสถ์ อาคารฉลองชัยและงานเฉลิมฉลอง ในหมู่พวกเขาปรมาจารย์เช่น Ivan Firsov พี่น้อง Alexey และ Ivan Belsky และ Boris Sukhodolsky โดดเด่น

ผลงานของ Firsov และ A. Belsky ได้รับการตกแต่งอย่างเน้นย้ำ เมื่อวาดภาพแจกัน ผลไม้ และผ้าม่าน พวกเขาไม่ได้พยายามทำให้ดูเหมือนของจริงเลย การตกแต่งภายในที่ตกแต่งด้วยผลงานของปรมาจารย์เหล่านี้ได้รับความสมบูรณ์และความฉลาด

Sukhodolsky มองว่างานของเขาแตกต่างออกไปบ้าง ตามกฎแล้ว desudéportes ของเขาคือทิวทัศน์ ผสมผสานเข้ากับการตกแต่งภายในอย่างมีศิลปะ แต่ยังคงรับรู้แยกกันโดยสิ้นเชิง สวนและสวนสาธารณะในสไตล์บาโรกตอนปลาย มีพื้นที่เขียวขจี ถ้ำ ซากปรักหักพัง และน้ำพุ ตกแต่งด้วยรูปปั้นที่แสดงถึงจิตวิญญาณโบราณและรูปปั้นครึ่งตัวของบุคคลสำคัญ สวนดังกล่าวได้รับความนิยมอย่างมากในศตวรรษที่ 18 ตัวอย่างเช่นสวนสาธารณะชื่อดังใน Pavlovsk บางส่วนยังคงหลงเหลือมาจนถึงทุกวันนี้ ในสวนสาธารณะแห่งนี้ภายใต้แคทเธอรีนที่ 2 มีห้องสมุดสวนพิเศษ: เมื่อมองดูรูปปั้นครึ่งตัวของผู้ยิ่งใหญ่มันเป็นเรื่องน่ายินดีมากที่ได้มีส่วนร่วมในการอ่านอย่างจริงจังและใคร่ครวญถึงความประเสริฐ เรายังเห็นตัวเลขการอ่านของผู้คนบนแผงของซุคโฮโดลสกี (เช่น "เดิน" ราวปี 1754)

“Falseaux” และ desudeportes อาจดูเหมือนไม่ใช่หัวข้อที่จริงจังมากที่ต้องพิจารณาควบคู่ไปกับความสำเร็จอันสูงส่งของการวาดภาพบุคคล ประวัติศาสตร์ และการวาดภาพประเภทต่างๆ

แต่หากไม่มีพวกเขา แนวคิดเกี่ยวกับศิลปะแห่งศตวรรษที่ 18 ก็จะไม่สมบูรณ์ พวกเขามีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเวลาที่ให้กำเนิดพวกเขา บางทีมันอาจไม่ใช่เรื่องเกินจริงที่จะบอกว่าพวกมันบรรจุจิตวิญญาณของเวลานี้ ซึ่งเป็นเสน่ห์อันเป็นเอกลักษณ์ของมัน

อีวาน ซาบลูคอฟ. ภาพเหมือนของแคทเธอรีนที่ 2 คริสต์ทศวรรษ 1770 สีน้ำมันบนผ้าใบ 85 x 65.5 ซม

ในปี ค.ศ. 1762 บัลลังก์รัสเซียถูกครอบครองโดยอดีตเจ้าหญิงโซเฟีย เฟรเดอริกา - จักรพรรดินีแคทเธอรีนที่ 2 แห่งเยอรมนี เธอโค่นล้มสามีของเธอซึ่งไม่สามารถปกครองรัฐหรือรักษาศักดิ์ศรีของราชสำนักได้อย่างน้อยก็ด้วยความช่วยเหลือจากทหารองครักษ์ “ศตวรรษแห่งสตรี” ตามที่บางครั้งเรียกว่าศตวรรษที่ 18 ดำเนินต่อไปและมาถึงจุดสูงสุด

ภายใต้แคทเธอรีนรัสเซียกลายเป็นมหาอำนาจอย่างแท้จริง ความสำเร็จมาพร้อมกับกองทัพและการทูตของเธอ มีการผนวกดินแดนใหม่ รวมทั้งภูมิภาคทะเลดำตอนเหนือ ไครเมีย และคอเคซัสเหนือ พรมแดนของจักรวรรดิเคลื่อนไปทางทิศใต้และทิศตะวันตกไกล ในยุโรป รัสเซียถือเป็นพันธมิตรที่น่าปรารถนาและเป็นศัตรูที่อันตรายมาก
ข้อขัดแย้งที่เกี่ยวข้องกับประเทศในยุโรปไม่สามารถแก้ไขได้หากปราศจากการมีส่วนร่วมของเธอ

นโยบายภายในประเทศของแคทเธอรีนมีความเด็ดขาดและเข้มงวด เธอเลือก Peter I เป็นตัวอย่างสำหรับตัวเอง (ตามคำสั่งของเธอ อนุสาวรีย์ที่มีชื่อเสียงได้ถูกสร้างขึ้นให้เขาที่จัตุรัสพระราชวังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) การเสริมสร้างรากฐานของระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ มอบสิทธิพิเศษแก่ขุนนาง - การสนับสนุนหลัก - และเสริมสร้างความเป็นทาสของชาวนา ในฐานะแฟนตัวยงของการตรัสรู้ของฝรั่งเศส เธอเพื่อป้องกันไม่ให้รากฐานของรัฐถูกทำลาย (ด้วยจุดเริ่มต้นของการปฏิวัติในฝรั่งเศส งานนี้กลายเป็นเรื่องเร่งด่วนอย่างยิ่ง!) เธอได้ข่มเหงความคิดเสรีและปราบปรามการปฏิวัติของชาวนาอย่างไร้ความปราณี

แคทเธอรีนก็เหมือนกับปีเตอร์และเอลิซาเบธที่รู้วิธีชื่นชมพรสวรรค์ Suvorov, Dashkova, Potemkin, Ushakov, Derzhavin เป็นเพียงส่วนเล็ก ๆ ของกลุ่มชื่อที่ยกย่องเวลาของเธอ ชื่ออันชาญฉลาดของจิตรกรชาวรัสเซียก็ถักทออยู่ในกลุ่มดาวนี้เช่นกัน

อีวาน ซาบลูคอฟ. ภาพเหมือนของคุณหญิง L.N. คูเชเลวา. ทศวรรษที่ 1770 สีน้ำมันบนผ้าใบ. 65 x 50 ซม
พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งรัฐ Nizhny Novgorod

ภาพวาดของรัสเซีย เช่นเดียวกับวัฒนธรรมโดยรวม ในเวลานี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากแนวความคิดเรื่องการตรัสรู้ ขบวนการทางสังคมและปรัชญาซึ่งมีบ้านเกิดคือฝรั่งเศส มีพื้นฐานอยู่บนลัทธิแห่งเหตุผล สามารถเข้าใจโลก และเปลี่ยนแปลงมันบนหลักการแห่งความยุติธรรม ความได้เปรียบ และความก้าวหน้า สำหรับผู้รู้แจ้ง แนวคิดทั้งหมดนี้ล้วนเป็นไปในทางบวกอย่างชัดเจน สิ่งที่ขัดขวางความก้าวหน้าจะต้องถูกประณาม ความไม่มีเหตุผลและสิ่งที่อธิบายไม่ได้ถือเป็นเท็จ

ลัทธิคลาสสิกกลายมาเป็นการแสดงออกถึงแนวคิดเหล่านี้ในงานศิลปะ จากการรับรู้ว่าสมัยโบราณเป็นอุดมคติ การเคลื่อนไหวนี้ตรงกันข้ามกับบาโรกและโรโกโก ที่มุ่งมั่นเพื่อความชัดเจนและความเรียบง่ายที่เข้มงวด ความงามเป็นปริมาณ - นี่คือความเชื่อของความคลาสสิก มีกฎหมายที่เคร่งครัดว่าคุณสามารถสร้างงานศิลปะที่สมบูรณ์แบบได้ ในด้านหนึ่งคือความแม่นยำ สัดส่วน ความสามัคคีของชิ้นส่วน ในทางกลับกัน “ส่วนรวมสูงกว่าส่วนตัว” “หน้าที่สูงกว่าความรัก”

ในฝรั่งเศส ศิลปิน นักเขียนบทละคร และสถาปนิกได้ปฏิบัติตามหลักการของลัทธิคลาสสิกในศตวรรษที่ 17 - นานก่อนการตรัสรู้ ในรัสเซีย ความมั่งคั่งของศิลปะคลาสสิกเกิดขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 กิจกรรมของ Academy of Arts ซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2300 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมีบทบาทสำคัญในเรื่องนี้

ความสำคัญของ Academy ในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียนั้นยิ่งใหญ่มาก เป็นเวลาหลายทศวรรษแล้วที่ยังคงเป็นสถาบันการศึกษาด้านศิลปะระดับสูงเพียงแห่งเดียวในรัสเซีย หลังจากได้รับสถานะจักรวรรดิในปี พ.ศ. 2307 มันยังคงอยู่ภายใต้การดูแลอย่างต่อเนื่องของเจ้าหน้าที่ซึ่งในอีกด้านหนึ่งให้โอกาสในการจ่ายค่าเดินทางไปทำธุรกิจในต่างประเทศเป็นเวลานานสำหรับนักเรียนที่เก่งที่สุดและในทางกลับกันเพื่อจำกัด "อุดมการณ์ ความสับสนและความปั่นป่วน”

คิริลล์ โกโลโวเชฟสกี ภาพเหมือนของคุณหญิงโซเฟีย Dmitrievna Matyushkina เมื่อยังเป็นเด็ก พ.ศ. 2306
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 61.2 x 47.5 ซม. หอศิลป์ Tretyakov

แอนตัน โลเซนโก. ภาพเหมือนของกวีและนักเขียนบทละคร Alexander Petrovich Sumarokov
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย 74 x 64.5 ซม

อย่างไรก็ตาม ระบบการรับนักเรียนนั้นค่อนข้างเป็นประชาธิปไตย และไม่มีระเบียบพิธีการใดๆ มากมาย นักเรียนสามคนของ I.P. เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่เข้ามาใน Academy Argunova - Losenko, Sablukov และ Golovachevsky ด้วยการฝึกอบรมที่ดีพวกเขาไม่เพียง แต่ศึกษาเท่านั้น แต่ยังช่วยครูสอนชั้นเรียนเชิงวิชาการและในคราวเดียวถึงกับเป็นหัวหน้าชั้นเรียนวาดภาพอีกด้วย

แน่นอนว่าการสอนที่ Academy มีพื้นฐานอยู่บนหลักการของลัทธิคลาสสิก ชายหนุ่มที่ศึกษาก็ปลูกฝังความคิดที่ต้องอาศัยประสบการณ์ในอดีตคุณค่าของประเพณีโดยเฉพาะสมัยโบราณ ครูอธิบายว่าศิลปะควรมุ่งมั่นเพื่ออุดมคติที่ชีวิตรอบข้างอนิจจาไม่ค่อยสอดคล้องกัน อย่างไรก็ตาม มันยังมีรูปแบบในอุดมคติด้วย ศิลปินที่ดีจะระบุตัวตนและนำเสนอธรรมชาติบนผืนผ้าใบที่ถูกแก้ไขในแบบที่ควรจะเป็น

ด้วยหลักการดังกล่าว จึงไม่น่าแปลกใจที่นักวิชาการจัดประเภทประวัติศาสตร์เป็นอันดับแรกในการวาดภาพ (วิชาในพระคัมภีร์ ตำนาน และตำนานก็ถือเป็นประวัติศาสตร์เช่นกัน) หลังจากเปิด Academy ประเภทนี้เริ่มแพร่หลายในงานศิลปะรัสเซีย

ในบรรดานักศึกษาของ I.P. Argunov ซึ่งเข้าสู่ Academy of Arts, A.P. ประสบความสำเร็จในการสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด โลเซนโก. เขาพิสูจน์ตัวเองว่าเป็นจิตรกรภาพบุคคลที่ไม่ธรรมดา: Sumarokov, Ivan Shuvalov และผู้ก่อตั้งโรงละครรัสเซีย Fyodor Volkov โพสท่าให้เขา แต่ก่อนอื่นเรารู้จักและชื่นชมเขาในฐานะจิตรกรประวัติศาสตร์ซึ่งเป็นผู้ก่อตั้งประเภทนี้ในงานศิลปะรัสเซีย

Anton Losenko ลูกชายกำพร้าคนแรกของชาวนารัสเซียตัวน้อยสามารถมีชีวิตขึ้นมาได้เพียงเพราะพรสวรรค์ของเขา ในวัยเด็กเขาร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงของศาลจากนั้นเขาก็กลายเป็นลูกศิษย์ของ Argunov จากนั้นเขาก็ถูกส่งไปที่สถาบันการศึกษา เขามักจะโดดเด่นด้วยการสังเกต ความอยากรู้อยากเห็นที่มีชีวิตชีวา และความปรารถนาอย่างโลภในความรู้ ขณะอยู่ต่างประเทศ (ในอายุหกสิบเศษเขาไปปารีสสองครั้งจากนั้นโรม) Losenko เก็บ "วารสารผลงานจิตรกรรมและประติมากรรมที่โดดเด่นที่ฉันสังเกตเห็น" ซึ่งเขาวิเคราะห์ความประทับใจของเขาเกี่ยวกับผลงานของปรมาจารย์ชาวยุโรปผู้ยิ่งใหญ่ - ราฟาเอลรูเบนส์ Rembrandt, Poussin ศึกษาอนุสรณ์สถานโบราณและกำหนดเส้นทางของเขาในงานศิลปะ

แอนตัน โลเซนโก. ความตายของอิเหนา พ.ศ. 2307 สีน้ำมันบนผ้าใบ 77.6 x 105.2 ซม

แอนตัน โลเซนโก. ซุสและเทติส พ.ศ. 2312
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 172 x 126 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

และต่อมาในขณะที่สอนศิลปินรุ่นเยาว์ที่ Academy เขาไม่เคยหยุดเรียนรู้ตัวเอง เขาต่อสู้เพื่อการเรียนรู้เทคนิคที่สมบูรณ์แบบ ความรู้ที่แม่นยำเกี่ยวกับกายวิภาคศาสตร์และมุมมอง ภาพวาดของเขาถือเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของกราฟิกในศตวรรษที่ 18 พวกเขาทำหน้าที่เป็นแบบอย่างให้กับนักเรียน Academy ในชั้นเรียนวาดภาพมาเป็นเวลานาน คู่มือฉบับแรกเกี่ยวกับกายวิภาคศาสตร์พลาสติกที่รวบรวมโดยเขาในรัสเซีย - "คำอธิบายสัดส่วนโดยย่อของบุคคล... เพื่อประโยชน์ของเยาวชนในการฝึกวาดภาพ ... " - ถูกนำมาใช้ที่ Academy เป็นเวลาหลายทศวรรษเช่นกัน

หลักการทางศิลปะของ Losenko ถูกกำหนดไว้ในช่วงปลายอายุหกสิบเศษ ตรรกะที่ชัดเจนของลัทธิคลาสสิกในเวลานั้นดูเหมือนสูดอากาศบริสุทธิ์กับพื้นหลังของการตกแต่งที่หรูหราและเกินจริงด้วยสัญลักษณ์เปรียบเทียบของบาโรกและโรโคโคตอนปลายด้วยจิตวิญญาณที่ศิลปินต่างชาติที่ได้รับเชิญไปรัสเซียในเวลานั้นทำงาน (เช่น S . ทอเรลลี และ เอฟ. ฟอนเทนบาสโซ). ในปี พ.ศ. 2311 Losenko วาดภาพ "นักวิชาการที่มีขนาดเท่าคนธรรมดา" สองคน - การศึกษาร่างกายที่เปลือยเปล่าซึ่งเรียกตามอัตภาพว่า "คาอิน" และ "อาเบล" และอีกหนึ่งปีต่อมา - ภาพวาด "ซุสและเทติส" ในงานเหล่านี้เขาประกาศตัวเองเป็นศิลปินแห่งขบวนการคลาสสิกเป็นครั้งแรก

ผลงานที่ดีที่สุดของ Losenko คือภาพวาดประเภทประวัติศาสตร์ที่เขียนในหัวข้อประวัติศาสตร์โบราณและที่สำคัญที่สุดคือประวัติศาสตร์ชาติ ในปี ค.ศ. 1770 เขาได้จัดแสดงภาพวาด "Vladimir and Rogneda" ที่ Academy โครงเรื่องมีพื้นฐานมาจากเหตุการณ์ในศตวรรษที่ 10 อันห่างไกล ซึ่งอธิบายไว้ใน The Tale of Bygone Years วลาดิมีร์ซึ่งเป็นแกรนด์ดยุคแห่งเคียฟในอนาคตได้จีบเจ้าหญิง Polotsk Rogneda และเมื่อได้รับการปฏิเสธจึงจับเธอด้วยกำลังหลังจากที่เขาเอาชนะ Polotsk และสังหารพ่อและพี่น้องของเธอ การอุทธรณ์โครงเรื่องจากประวัติศาสตร์รัสเซียเป็นนวัตกรรมใหม่ และในขณะเดียวกันก็บ่งบอกถึงช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ได้อย่างมาก เมื่อสังคมรัสเซียในสภาพของการลุกฮือของชาติเริ่มตระหนักถึงความสำคัญและความยิ่งใหญ่ของประวัติศาสตร์ในอดีต วีรบุรุษแห่งพงศาวดารและตำนานยืนหยัดทัดเทียมกับตัวละครโบราณและพระคัมภีร์ซึ่งแสดงให้เห็นตัวอย่างเดียวกันของความหลงใหลอันแรงกล้าและความรู้สึกอันสูงส่ง

แอนตัน โลเซนโก. อับราฮัมถวายอิสอัคบุตรชายของเขาเป็นเครื่องบูชา พ.ศ. 2308
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 202 x 157 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

แอนตัน โลเซนโก. การจับปลาที่ยอดเยี่ยม 1762
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 159.5 x 194 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

ในภาพ วลาดิมีร์ไม่ได้ดูเหมือนเป็นผู้พิชิตที่โหดร้าย เขาหลงรักและหดหู่ใจกับความโศกเศร้าของหญิงสาวที่เขารักซึ่งตัวเขาเองก็เป็นสาเหตุให้เธอ ความเด็ดขาดและความรักเข้ากันได้หรือไม่? เรื่องราวที่ Losenko รู้ดีให้คำตอบ: Vladimir และ Rogneda ใช้ชีวิตแต่งงานที่รุ่งเรืองมาหลายปี... จนกระทั่งเจ้าชายทิ้งเธอเพื่อเห็นแก่เจ้าหญิงไบแซนไทน์ซึ่งเขาต้องแต่งงานด้วยด้วยเหตุผลทางการเมือง

สามปีต่อมาศิลปินนำเสนอภาพวาดอีกชิ้นในธีมประวัติศาสตร์แก่ผู้ชม - "การอำลาของเฮคเตอร์สู่อันโดรมาเช่" ซึ่งเป็นองค์ประกอบหลายร่างที่ซับซ้อนดำเนินการด้วยความฉลาดระดับมืออาชีพและเชิดชูการเสียสละตนเองในนามของมาตุภูมิ

หลังจาก Losenko จิตรกรประวัติศาสตร์ทั้งกาแล็กซีได้เข้าสู่งานศิลปะรัสเซียซึ่งส่วนใหญ่เป็นนักเรียนของเขา: I. Akimov, P. Sokolov, G. Ugryumov, M. Puchinov พวกเขาล้วนโดดเด่นด้วยทักษะระดับสูง: การวาดภาพที่ประณีต ความคล่องแคล่วของสี แสง และเงา และการใช้เทคนิคการจัดองค์ประกอบที่ซับซ้อนที่สุด

ทักษะนี้สร้างความประทับใจอย่างมากในภาพวาดของ Akimov วัยสิบเก้าปี“ Grand Duke Svyatoslav จูบแม่และลูก ๆ ของเขาเมื่อกลับจากแม่น้ำดานูบไปยังเคียฟ” เขียนภายใต้อิทธิพลอันยิ่งใหญ่ของครู แต่ในระดับมืออาชีพ ศิลปินที่เป็นผู้ใหญ่เต็มที่ ต่อมา I.A. Akimov (1754-1814) ได้สร้างภาพวาดจำนวนหนึ่งโดยส่วนใหญ่เป็นธีมเกี่ยวกับตำนาน (เช่น "The Self-Immolation of Hercules") ซึ่งสอนที่ Academy มาเป็นเวลานานและครั้งหนึ่งเคยเป็นหัวหน้ามัน ในปี 1804 เขาเขียนบทความเกี่ยวกับศิลปะรัสเซียเรื่องแรก - "ข้อมูลทางประวัติศาสตร์โดยย่อเกี่ยวกับศิลปินชาวรัสเซียบางคน"

ในบรรดาผลงานของ P.I. Sokolov (1753-1791) มีความน่าสนใจเป็นพิเศษในภาพวาด "Mercury and Argus" ซึ่งมีการเปรียบเทียบร่างของผู้แข็งแกร่งผู้แข็งแกร่งผู้สงบนิ่งและไว้วางใจได้และ Mercury เจ้าเล่ห์ผู้ร้ายกาจซึ่งกำลังจะฟาดเขาด้วยดาบ Sokolov ยังเป็นที่รู้จักในฐานะหนึ่งในนักเขียนแบบวิชาการที่เก่งที่สุด การพรรณนาถึงพี่เลี้ยงเด็กโดยใช้ดินสอและชอล์กของอิตาลีบนกระดาษสี นักวิจารณ์ศิลปะถือว่าเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของงานกราฟิกของรัสเซียในศตวรรษที่ 18

ผลงานของ M. Puchinov (1716-1797) มีความโดดเด่นด้วยการตกแต่งที่เพิ่มขึ้นซึ่งมาจากภาพวาดของรัสเซียในช่วงกลางศตวรรษและโดยทั่วไปแล้วจะไม่ธรรมดาสำหรับศิลปะแนวคลาสสิค ตัวอย่างขององค์ประกอบการตกแต่งที่เต็มไปด้วยสีสันคือภาพวาด "การประชุมของอเล็กซานเดอร์มหาราชกับไดโอจีเนส" ซึ่งแสดงถึงการพบปะกับปราชญ์อเล็กซานเดอร์มหาราชซึ่งเขาได้รับตำแหน่งนักวิชาการในปี 2305

อีวาน อาคิมอฟ. โพรมีธีอุสสร้างรูปปั้นตามคำสั่งของมิเนอร์วา พ.ศ. 2318
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย 125 x 93 ซม

อีวาน อาคิมอฟ. ดาวเสาร์ถือเคียว นั่งอยู่บนหินและตัดปีกกามเทพออก 1802
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 44.5 x 36.6 ซม. หอศิลป์ Tretyakov

มัตวีย์ ปูชินอฟ. การพบกันของอเล็กซานเดอร์มหาราชกับไดโอจีเนส
สีน้ำมันบนผ้าใบ 217 x 148 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

บทบาทพิเศษในการพัฒนาภาพวาดประวัติศาสตร์รัสเซียแสดงโดย G.I. อูกรีมอฟ (1764-1823) เขาหลงรักประวัติศาสตร์รัสเซียและวาดภาพเขียนจากประวัติศาสตร์รัสเซีย เขาวาดภาพผืนผ้าใบหลายร่างขนาดใหญ่เป็นส่วนใหญ่ซึ่งอุทิศให้กับเหตุการณ์สำคัญทางประวัติศาสตร์ เติมเต็มความคิดที่ใกล้เคียงกับสังคมรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ตัวอย่างเช่นในภาพวาด "การเรียกมิคาอิล Fedorovich ต่อซาร์เมื่อวันที่ 14 มีนาคม ค.ศ. 1613" (ไม่เกินปี 1800) เขาได้พัฒนาหัวข้อเรื่องอำนาจให้เป็นหน้าที่และภาระที่เกี่ยวข้องตลอดเวลา มิคาอิลหนุ่มแม้จะไม่มั่นใจในความสามารถของเขา แต่ก็เชื่อฟังความประสงค์ของผู้คนที่เลือกเขาเข้าสู่อาณาจักรเพราะเขารู้สึกว่าต้องรับผิดชอบต่อหน้าผู้คนและปิตุภูมิ

วีรบุรุษของ Ugryumov ไม่เพียง แต่เป็นผู้ปกครองและนายพลเท่านั้น (“ พิธีการของ Alexander Nevsky เข้าสู่เมือง Pskov หลังจากชัยชนะเหนือชาวเยอรมัน”“ The Capture of Kazan”) แต่ยังรวมถึงคนธรรมดา ๆ เช่น Kyiv kozhemyaki Jan Usmar ในตำนาน (“บททดสอบความแข็งแกร่งของยาน อุสมาร์”) นอกเหนือจากเนื้อหาที่มีความหมายแล้ว ภาพวาดของเขายังโดดเด่นด้วยองค์ประกอบที่แสดงออก สีสันที่หลากหลาย และการเล่นที่สดใสของ Chiaroscuro

Ugryumov กลายเป็นครูสอนวาดภาพประวัติศาสตร์ที่ Academy ในช่วงต้นยุค 90 (ไม่นานหลังจากที่เขาเรียนจบ) และยังคงเป็นเช่นนี้มานานกว่ายี่สิบปี เขาได้ปรับปรุงวิธีการสอนการวาดภาพให้มีอิสระและใกล้ชิดกับธรรมชาติมากขึ้น การฝึกอบรมด้านเทคนิคที่ยอดเยี่ยมที่ Academy มอบให้กับนักเรียนในศตวรรษหน้าส่วนใหญ่เป็นเพราะเขา

กริกอรี อูกริยูมอฟ การเรียกมิคาอิล เฟโดโรวิช โรมานอฟขึ้นสู่บัลลังก์เมื่อวันที่ 14 มีนาคม ค.ศ. 1613 ไม่เกิน 18.00 น
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย 510 x 393 ซม

กริกอรี อูกริยูมอฟ การจับกุมคาซานเมื่อวันที่ 2 ตุลาคม ค.ศ. 1552 ไม่ช้ากว่าปี ค.ศ. 1800 สีน้ำมันบนผ้าใบ 510 x 380 ซม
พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งชาติแห่งสาธารณรัฐเบลารุส, มินสค์

กริกอรี อูกริยูมอฟ การเข้าพิธีการของ Alexander Nevsky ในเมือง Pskov หลังจากชัยชนะเหนือชาวเยอรมัน พ.ศ. 2336 (พ.ศ. 2337?) สีน้ำมันบนผ้าใบ 197.5×313.5 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

กริกอรี อูกริยูมอฟ การทดสอบความแข็งแกร่งของแจน อุสมาร์ พ.ศ. 2339 (พ.ศ. 2340?)
สีน้ำมันบนผ้าใบ 283 x 404 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เป็นช่วงเวลาแห่งศิลปะภาพเหมือนของรัสเซียที่สูงขึ้น ปรมาจารย์รุ่นใหม่กำลังมาพร้อมกับแนวคิดและแนวคิดใหม่ ๆ ว่าภาพบุคคลควรเป็นอย่างไร ลัทธิคลาสสิกมีอิทธิพลต่อพวกเขา แต่มีขอบเขตน้อยกว่าจิตรกรในประวัติศาสตร์มาก ด้วยความสนใจอย่างแรงกล้าในบุคลิกภาพของมนุษย์ พวกเขาจึงมุ่งมั่นที่จะแสดงให้เห็นอย่างลึกซึ้งและครอบคลุมที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ประเภทของการวาดภาพบุคคลกำลังขยายตัว: มีการเพิ่มเครื่องแต่งกายและตำนานลงในรูปถ่ายที่เป็นทางการและในห้องที่มีอยู่แล้ว วงสังคมของแบบจำลองกำลังเพิ่มขึ้น - และซึ่งเป็นเรื่องปกติ ส่วนใหญ่เป็นเพราะผู้คนที่ทำงานสร้างสรรค์ซึ่งได้รับชื่อเสียงจากความสามารถและความรู้ของพวกเขา ไม่ใช่จากต้นกำเนิดที่สูง ศิลปะการวาดภาพบุคคลเลิกเป็นชนชั้นสูงและไปไกลกว่าเมืองหลวง: ผู้อยู่อาศัยในจังหวัดของรัสเซียก็ต้องการที่จะทำให้ตัวเองเป็นอมตะเพื่อลูกหลานและด้วยความพยายามของจิตรกรประจำจังหวัดจำนวนมากจึงมีการสร้างแกลเลอรีภาพที่กว้างขวาง เนื้อหาที่น่าสนใจมากสำหรับนักวิจารณ์ศิลปะและนักประวัติศาสตร์

กล่าวอีกนัยหนึ่งศิลปะการวาดภาพบุคคลสามารถเรียกได้ว่าเป็นจุดสุดยอดของการวาดภาพรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษอย่างปลอดภัย ที่จุดสูงสุดนี้ ก่อนอื่นมีสองชื่อ: Rokotov และ Levitsky

โรโคตอฟ และ เลวิทสกี้ ใครก็ตามที่เคยเห็นภาพที่พวกเขาสร้างขึ้นจะถูกสะกดจิตตลอดไป คล้ายกันและแตกต่างมาก Levitsky ผู้สง่างามเล่นกับรูปภาพใช้รายละเอียดสัญลักษณ์เปรียบเทียบมุมอย่างไม่เห็นแก่ตัว - บางครั้งเขาไม่รังเกียจที่จะล้อเลียนโมเดลของเขาแม้ว่าเขาจะมีทัศนคติที่เต็มไปด้วยความรักต่อพวกเขาก็ตาม และ Rokotov ผู้ลึกลับ - ใบหน้าในภาพวาดของเขาลอยออกมาจากพลบค่ำที่คลุมเครือ ตื่นเต้นและดึงดูดอย่างผิดปกติ... แม้ว่าเทคนิคของเขาจะดูน่าเบื่อ แต่เขาก็สามารถบรรลุความลึกทางจิตใจที่น่าทึ่งและพลังของผลกระทบทางอารมณ์ นักประวัติศาสตร์ศิลป์บางครั้งเปรียบเทียบศิลปินเหล่านี้กับจิตรกรภาพบุคคลผู้ยิ่งใหญ่อีกสองคน ได้แก่ ชาวอังกฤษ Reynolds และ Gainsborough แท้จริงแล้วความคล้ายคลึงกันนั้นชัดเจน แน่นอนว่าเราไม่ได้พูดถึงอิทธิพลหรือการกู้ยืมใดๆ นี่คือความใกล้ชิดภายใน ยุคหนึ่ง กระบวนการทางประวัติศาสตร์ที่คล้ายคลึงกัน... ผู้คนที่อาศัยอยู่ในส่วนต่างๆ ของยุโรปมักจะค้นพบสิ่งที่เหมือนกันมากกว่าที่เชื่อกันโดยทั่วไปด้วยเหตุผลบางประการ

เรา. 65:

เฟดอร์ โรโคตอฟ. ภาพเหมือนของ Praskovya Nikolaevna Lanskaya ต้นทศวรรษ 1790 สีน้ำมันบนผ้าใบ. 74 x 53 ซม. (โอปอล) หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐ
เฟดอร์ โรโคตอฟ. ภาพเหมือนของ Varvara Ermolaevna Novosiltseva พ.ศ. 2323 สีน้ำมันบนผ้าใบ 70.5 x 59 ซม. (วงรี) หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐ

เราไม่รู้มากนักเกี่ยวกับชีวิตของ Fyodor Stepanovich Rokotov วันเกิดของเขาถูกโต้แย้ง: 1732 หรือ 1735; และอาจจะเป็นปี 1736 (ศิลปินเสียชีวิตในปี 1808) เป็นที่ทราบกันดีว่าเขาเกิดในตระกูลทาสและได้รับอิสรภาพหลังจากที่เขาเริ่มวาดภาพ เขามีชื่อเสียงตั้งแต่เนิ่นๆ: ในช่วงปลายทศวรรษที่ห้าสิบเมื่อเขายังอายุสามสิบเขาได้รับมอบหมายให้วาดภาพเหมือนในพิธีของแกรนด์ดุ๊กปีเตอร์ เฟโดโรวิช (ปีเตอร์ที่ 3 ในอนาคต) ในเวลาเดียวกัน เขาได้วาดภาพที่ไม่ธรรมดาสำหรับงานของเขา ซึ่งเป็นหนึ่งในการตกแต่งภายในของรัสเซียยุคแรกๆ “The Office of I.I. ชูวาลอฟ” นี่ไม่ใช่แค่การตกแต่งภายใน แต่เป็น "ภาพบุคคลที่ไม่มีแบบจำลอง" (แต่เรายังเห็น Shuvalov: ภาพเหมือนของเขาโดย J.-L. de Velli แขวนอยู่บนผนังห้องทำงานของเขา) Count Ivan Shuvalov ไม่เพียง แต่เป็นรัฐบุรุษคนสำคัญเท่านั้น แต่ยังเป็นหนึ่งในบุคคลที่ได้รับการศึกษามากที่สุดในยุคนั้นซึ่งเป็นผู้ก่อตั้งมหาวิทยาลัยมอสโกซึ่งเป็นนักเลงและนักเลงศิลปะ ภาพวาดของ Rokotov ซึ่งจำลองการตกแต่งห้องทำงานของเขาด้วยความถูกต้องแม่นยำของสารคดี ช่วยฟื้นคืนบรรยากาศของห้องทำงาน ช่วยให้เราเข้าใจชายที่ไม่ธรรมดาคนนี้ได้ดีขึ้น

จนถึงกลางทศวรรษที่หกสิบ Rokotov อาศัยอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก แม้ว่าเขาจะทำงานเร็วมาก แต่รายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ของภาพบุคคลก็ต้องทำให้เสร็จโดยนักเรียนของเขา ผู้ร่วมสมัยคนหนึ่งของเขาเขียนด้วยความยินดีเกี่ยวกับภาพเหมือนอันงดงามของ A.P. Sumarokov สร้างขึ้นในเวลาเพียงสามเซสชัน:“ ... คุณเกือบจะเล่นแล้วทำเครื่องหมายเพียงรูปลักษณ์ของใบหน้าของเขาและการมองเห็นที่คมชัด (จ้องมอง) ในเวลานั้นวิญญาณที่ร้อนแรงของเขาด้วยความอ่อนโยนของหัวใจไม่ได้ทำ ซ่อน Asya บนผืนผ้าใบที่คุณเคลื่อนไหว ... "

เฟดอร์ โรโคตอฟ. ภาพเหมือนของ Varvara Nikolaevna Surovtseva ครึ่งหลังของคริสต์ทศวรรษ 1780
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 67.5 x 52 ซม. (วงรี) พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

เฟดอร์ โรโคตอฟ. ภาพเหมือนของ Agrafena (Agrippina?) Mikhailovna Pisareva (?),
ดูราโซวาโดยกำเนิด ครึ่งแรกของปี 1790
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 63.5 x 49.5 ซม. (วงรี) พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย
เฟดอร์ โรโคตอฟ. ภาพเหมือนของเคาน์เตส Elizaveta Vasilievna Santi, née Lachinova พ.ศ. 2328
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 72.5 x 56 ซม. (วงรี) พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

ภาพเหมือนของ Grand Duke Pavel Petrovich ซึ่งวาดในปี 1761 นั้นดีมาก ชายคนนี้ในอีกไม่กี่ทศวรรษต่อมาก็จะกลายเป็นจักรพรรดิลึกลับแห่งรัสเซียซึ่งมีบุคลิกที่ไม่อาจเข้าใจได้และชะตากรรมอันน่าสลดใจ ในขณะเดียวกัน นี่เป็นเพียงเด็กน้อยที่มีชีวิตชีวาและไม่แน่นอน เสน่ห์ของวัยเด็กเน้นย้ำด้วยการผสมผสานอันอบอุ่นของโทนสีทองและสีแดงซึ่งเป็นสีของภาพ

ประมาณปี พ.ศ. 2309 ศิลปินย้ายไปมอสโคว์ ที่นั่นในช่วงอายุหกสิบเศษและแปดสิบผลงานที่ดีที่สุดของเขาถูกเขียนขึ้น: ภาพเหมือนของ V.I. Maykova, A.I. Vorontsova, A.M. Obreskova, A.Yu. ควาชินา-ซามารีนา, V.E. Novoseltseva, P.N. Lanskoy, E.V. Santi สามีและภรรยา Struisky และ Surovtsev และอีกหลายคน เขาเขียนในรูปแบบห้องแคบที่เข้มงวด ซึ่งเมื่อเวลาผ่านไปแสดงให้เห็นถึงความสัมพันธ์ที่เพิ่มมากขึ้นต่อความเรียบง่ายแบบคลาสสิก รายละเอียดน้อย พื้นหลังสีเข้มเรียบง่าย ใบหน้าของนางแบบจับความสนใจของผู้ชมทั้งหมด ใบหน้าเหล่านี้แตกต่างกันมาก สิ่งที่รวมเป็นหนึ่งคือล้วนเป็นจิตวิญญาณ Rokotov ไม่ได้วาดภาพคนตื้นๆ แต่เขาสามารถแยกแยะความลึกของพวกเขาในทุกคนที่โพสท่าให้เขาได้ ดวงตาที่มีชีวิตมองมาที่เรา ตอนนี้เยาะเย้ย ตอนนี้เศร้า ตอนนี้ด้วยความวิตกกังวลอันเจ็บปวด พวกเขามีความลับอยู่เสมอ ปริศนาแห่งชีวิตที่เราไม่รู้จัก การไม่สามารถแก้ปัญหาได้ทำให้เธอกังวลทำให้เธอต้องมองซ้ำแล้วซ้ำเล่า...

บางทีกวี Nikolai Zabolotsky พูดสิ่งที่ดีที่สุดเกี่ยวกับเอฟเฟกต์สะกดจิตที่ภาพบุคคลของ Rokotov มีต่อผู้ชม:

...คุณจำได้ไหมว่าจากความมืดมนในอดีต
แทบจะห่อด้วยผ้าซาติน
จากภาพเหมือนของ Rokotov อีกครั้ง
Struyskaya กำลังมองดูเราอยู่หรือเปล่า?
ดวงตาของเธอเหมือนหมอกสองอัน
ครึ่งยิ้ม ครึ่งร้องไห้
ดวงตาของเธอเหมือนการหลอกลวงสองครั้ง
ความล้มเหลวปกคลุมไปด้วยความมืด
การรวมกันของสองความลึกลับ
กึ่งสุขกึ่งกลัว
ความอ่อนโยนอันบ้าคลั่ง
การรอคอยความเจ็บปวดแสนสาหัส...
(จากบทกวี “ภาพเหมือน”, 2497)

Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822) เกิดและใช้เวลาช่วงปีแรก ๆ ในยูเครน ศิลปะติดตามเขามาตั้งแต่เด็กพ่อของเขาซึ่งเป็นนักบวชชอบงานแกะสลักและถือว่าเป็นหนึ่งในช่างแกะสลักชาวยูเครนที่เก่งที่สุด อย่างไรก็ตามเป็นการยากที่จะบอกว่าชะตากรรมของ Levitsky จะพัฒนาไปอย่างไรหากไม่ได้พบกับ A.P. Antropov ซึ่งมาที่เคียฟเพื่อดูแลงานจิตรกรรมในโบสถ์เซนต์แอนดรูว์ Antropov สังเกตเห็นพรสวรรค์ของ Dmitry และรับเขามาเป็นนักเรียน

Levitsky เรียนรู้มากมายจากอาจารย์ของเขา ประการแรก ความสามารถในการให้คำอธิบายที่ถูกต้องและชัดเจนเกี่ยวกับบุคคลที่ถูกนำเสนอ แต่เขาไปได้ไกลกว่า Antropov มากโดยเติมเต็มงานของเขาอย่างลึกซึ้งโดยใส่ความเป็นมนุษยนิยมและวิสัยทัศน์ที่กว้างไกลซึ่งทำให้เขาคล้ายกับ Rokotov

เขาวาดภาพเขียนชิ้นแรกที่ทำให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับ Levitsky ในฐานะศิลปินที่เป็นผู้ใหญ่เมื่ออายุหกสิบเศษและเจ็ดสิบ นี่คือรูปถ่ายของ A.F. Kokorinov (สถาปนิกชื่อดังผู้สร้างอาคาร Academy of Arts) และ N.A. เซเซโมวา ในภาพเหมือนของ Sezemov มีคนสังเกตเห็นลักษณะที่ผิดปกติของบุคคลที่ปรากฎในงานศิลปะในยุคนั้นซึ่งเป็นชาวนาโดยกำเนิด ภาพเหมือนของ Denis Diderot ซึ่งวาดในปี 1773 เมื่อนักปรัชญาชาวฝรั่งเศสมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก็น่าสนใจอย่างยิ่งเช่นกัน

ในปี 1773 เดียวกัน Levitsky ได้รับคำสั่งจำนวนมากจาก Catherine II จนถึงปี พ.ศ. 2319 งานของเขายังคงดำเนินต่อไปใน "Smolyanka" ซึ่งเป็นชุดภาพวาดของนักเรียนของสถาบัน Smolny ซึ่งเป็นภาพเดียวกับที่จะเชิดชูชื่อของเขาตลอดไปแม้ว่าเขาจะไม่ได้วาดภาพอะไรก็ตามก็ตาม ความประทับใจโดยรวมที่เกิดขึ้นเมื่อดูภาพบุคคลที่น่าทึ่งเหล่านี้ทีละภาพสามารถแสดงออกได้เป็นคำพูดไม่กี่คำ: ความสุข ความยินดี การเฉลิมฉลอง! เด็กผู้หญิงเจ้าเล่ห์เหล่านี้ในชุดละครที่แสดงฉากอภิบาลต่อหน้าศิลปินอย่างเขินอายนั้นเป็นคนดีอย่างน่าอัศจรรย์ นี่คือจุดที่ชาวลิตเติ้ลรัสเซียผู้ร่าเริงได้ปลดปล่อยความรักในชีวิต การมองโลกในแง่ดี และความชื่นชมต่อความเป็นจริงของการดำรงอยู่ ภาพบุคคลแต่ละภาพเป็นผลงานอิสระ ผู้หญิง Smolensk แต่ละคนมีลักษณะของตัวเอง แต่เมื่อรวมกันแล้ว พวกเขาก่อให้เกิดความสามัคคีทางความหมายและโวหารที่ยอดเยี่ยม และด้วยความปีติยินดีไม่น้อยไปกว่าใบหน้าของพวกเขา ศิลปินจึงวาดภาพเครื่องแต่งกายของพวกเขา โดยถ่ายทอดลักษณะของเนื้อผ้าอย่างเชี่ยวชาญ เช่น ผ้าไหมและผ้าซาติน กำมะหยี่ ลูกไม้ และผ้าโบรเคด

และนี่คือภาพวาดที่สวยงามอีกภาพหนึ่งซึ่งวาดในปี 1773 เดียวกัน ในนั้น Levitsky ไม่เพียงแสดงทักษะและอารมณ์ขันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความกล้าหาญที่ไม่ธรรมดาอีกด้วย นี่คือภาพเหมือนของผู้เพาะพันธุ์ชื่อดัง P.A. เดมิโดวา. ภาพเหมือนเป็นพิธีการ: Demidov แสดงให้เห็นในท่าทางที่น่าภาคภูมิใจในการเติบโตเต็มที่ด้านหลังของเขาตามที่ควรจะเป็นคือเสาและผ้าม่าน อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้แต่งกายด้วยเครื่องแบบตามคำสั่ง แต่สวมหมวกบ้านและเสื้อคลุม และไม่พิงหนังสือหรือหน้าอกของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ แต่พิงกระป๋องรดน้ำ กระถางดอกไม้จ่าหน้าถึงท่าทางอันสง่างามของมือ: นี่คือความสำเร็จหลักและผลงานแห่งชีวิต! แน่นอนว่าความหมายเชิงแดกดันของภาพบุคคลนั้น ไม่ใช่แค่การทำให้แบบจำลองอยู่ในสภาพแวดล้อมภายในบ้านเท่านั้น เทคนิคดังกล่าวซึ่งพบมากกว่าหนึ่งครั้งในการถ่ายภาพบุคคลในศตวรรษที่ 18 จะเพิ่มความจริงใจและความอบอุ่นให้กับภาพเท่านั้น แต่มันเป็นการผสมผสานระหว่างสิ่งที่ไม่เข้ากันอย่างลงตัวซึ่งช่วยให้คำอธิบายที่แม่นยำอย่างน่าสยดสยองของ Demidov ซึ่งในด้านหนึ่งมีจิตใจที่ไม่ธรรมดาและอีกด้านหนึ่งมีนิสัยที่แปลกประหลาดมากพร้อมสัญญาณเด่นชัดของการปกครองแบบเผด็จการที่ไร้สาระ

ลักษณะที่แม่นยำนี้เป็นลักษณะเฉพาะของภาพบุคคลทั้งหมดของ Levitsky เขารู้ดีว่าจะสังเกตสิ่งสำคัญในตัวบุคคลได้อย่างไรและสร้างภาพลักษณ์ที่สดใสและองค์รวม และเขาไม่เคยปฏิบัติต่อแบบจำลองของเขาด้วยความเป็นกลางอย่างเย็นชา หากเขาชอบใครสักคนเขาจะวาดภาพที่แผ่ความอบอุ่น (ภาพเหมือนของ M.A. Dyakova-Lvova พ่อของศิลปินและลูกสาวของเขา สามีและภรรยาของ Bakunins และอื่น ๆ )

มิทรี เลวิทสกี้ ภาพเหมือนของนักบวช (G.K. Levitsky?) พ.ศ. 2322
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 71.2 x 58 ซม. หอศิลป์ Tretyakov

มิทรี เลวิทสกี้ ภาพเหมือนของสถาปนิก Alexander Filippovich Kokorinov พ.ศ. 2312

มิทรี เลวิทสกี้ ภาพเหมือนของลูกศิษย์ของสมาคมการศึกษาแห่งจักรวรรดิของหญิงสาวผู้สูงศักดิ์ Feodosia Stepanovna Rzhevskaya และ Nastasya Mikhailovna Davydova พ.ศ. 2315
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 161 x 103 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

มิทรี เลวิทสกี้ ภาพเหมือนของลูกศิษย์ของสมาคมการศึกษาของจักรวรรดิสำหรับหญิงสาวผู้สูงศักดิ์ Ekaterina Ivanovna Nelidova 2316
สีน้ำมันบนผ้าใบ 164 x 106 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

มิทรี เลวิทสกี้ ภาพเหมือนของลูกศิษย์ของ Imperial Educational Society for Noble Maidens Ekaterina Ivanovna
โมลชาโนวา. พ.ศ. 2319 สีน้ำมันบนผ้าใบ 181.5 x 142.5 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

มิทรี เลวิทสกี้ ภาพเหมือนของ Natalya Semyonovna ลูกศิษย์ของ Imperial Educational Society for Noble Maidens
บอร์โชวา พ.ศ. 2319 สีน้ำมันบนผ้าใบ 196.5 x 134.5 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

มิทรี เลวิทสกี้ ภาพเหมือนของ Ivan Logginovich Golenishchev-Kutuzov
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์แห่งรัฐ 80.3 x 63.2 ซม. มอสโก

มิทรี เลวิทสกี้ ภาพเหมือนของอเล็กซานเดอร์ วาซิลิเยวิช ซูโวรอฟ พ.ศ. 2329
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 80.5 x 62.5 ซม. พิพิธภัณฑ์ วี.เอ. ศิลปิน Tropinin และมอสโกในยุคของเขาที่กรุงมอสโก

มิทรี เลวิทสกี้ ภาพเหมือนของ Anna Stepanovna Protasova อดีตนางกำนัลของ Catherine II 1800
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย 81.5 x 64.5 ซม

มิทรี เลวิทสกี้ ภาพเหมือนของแคทเธอรีนที่ 2 ประมาณปี ค.ศ. 1782
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์แห่งรัฐ - เขตอนุรักษ์ "Pavlovsk"

ปีเตอร์ ดรอซดิน. ภาพเหมือนของแคทเธอรีนที่ 2 พ.ศ. 2339
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 251 x 187 ซม. หอศิลป์ Tretyakov

เออร์โมไล คาเมเชนคอฟ. ภาพเหมือนของจิตรกร Johann Friedrich Groth เพื่อนอิสระกิตติมศักดิ์ของ Academy of Arts พ.ศ. 2323
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 134 x 102 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

แต่ความฉลาดภายนอกที่สุกใสที่สุดไม่สามารถทำให้เขาซ่อนความเย่อหยิ่ง ความใจแข็ง หรือการหลอกลวงเมื่อสังเกตเห็นได้ (เช่น ในภาพบุคคลของ Ursula Mnischek และ Anna Davia)

อย่างไรก็ตาม ในบรรดาผลงานของ Levitsky มีงานหนึ่งที่เขาไม่อนุญาตให้ตัวเองแสดงอคติทางศิลปะ เรากำลังพูดถึงภาพเหมือนอันโด่งดังของ Catherine II (รุ่นแรกสร้างขึ้นในปี 1783) ที่นี่เขาต้องเผชิญกับภารกิจที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน: การสร้างภาพลักษณ์ของจักรพรรดินี - ผู้บัญญัติกฎหมายซึ่งเป็นศูนย์รวมของแนวคิดเกี่ยวกับสถาบันกษัตริย์ที่รู้แจ้ง แนวคิดนี้ได้รับความนิยมในสังคมสมัยนั้น Levitsky เองก็แบ่งปันสิ่งนี้ - ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมเขาถึงสามารถสร้างผืนผ้าใบนี้ด้วยความฉลาดเฉลียวราวกับบทกวีที่เคร่งขรึมด้วยจิตวิญญาณของ "Felitsa" ของ Derzhavin

เป็นเวลากว่าสิบห้าปี (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2314 ถึง พ.ศ. 2330) Levitsky สอนการวาดภาพบุคคลที่ Academy of Arts นักเรียนของเขาคือจิตรกรภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยม Shchukin ซึ่งเป็นศิลปินชาวรัสเซียรุ่นต่อไป แน่นอนว่าอิทธิพลของเขาไม่เพียงสัมผัสได้จากคนที่เขาสอนการวาดภาพเท่านั้น เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับศิลปินทั้งวงในยุคนั้นได้ใกล้กับ Levitsky ในรูปแบบและมุมมองเกี่ยวกับศิลปะภาพเหมือน
ก่อนอื่นนี่คือป.ล. Drozhdin (1745-1805) ซึ่งนอกเหนือจาก Levitsky ยังได้ศึกษากับ Antropov และวาดภาพในปี 1776 ซึ่งเป็นภาพที่อบอุ่นและแม่นยำทางจิตใจที่วาดภาพ Antropov กับลูกชายของเขาต่อหน้าภาพภรรยาของเขา หรือที่รู้จักกันในชื่อภาพเหมือนของชายหนุ่มในชุดคาฟตานสีน้ำเงิน (พ.ศ. 2318) ภาพตเวไรต์ (พ.ศ. 2322) และภาพอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง ซึ่งประกอบขึ้นเป็นแกลเลอรีแสดงตัวละครมนุษย์ที่แตกต่างกันมาก

เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึง E.D. Kamezhenkov (พ.ศ. 2303-2361) ซึ่งมีผลงานที่ดีที่สุด ("ภาพเหมือนของชายที่ไม่รู้จักในชุดคลุมสีม่วง", "ภาพเหมือนตนเองกับลูกสาวของเขาอเล็กซานดรา", ภาพลูกสาวของเขากับพี่เลี้ยงเด็ก, I.F. Grot) ก็แสดงลักษณะของเขาในฐานะศิลปินด้วย ของวงกลมของเลวิทสกี้

มิคาอิล ชิบานอฟ. อาหารกลางวันชาวนา พ.ศ. 2317
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 103 x 120 ซม. หอศิลป์ Tretyakov

แน่นอนว่าเราไม่ได้ระบุรายชื่อจิตรกรภาพบุคคลทั้งหมดที่ทำงานในรัสเซียในสมัยของแคทเธอรีน มีจำนวนมากในเมืองหลวงและจังหวัด รวมถึงศิลปินต่างชาติที่ประสบความสำเร็จไม่มากก็น้อยที่เข้ากับภาพรวมของการวาดภาพรัสเซีย (เช่น เราสามารถตั้งชื่อว่า K. Khristinek ซึ่งมีสไตล์ใกล้เคียงกับ Rokotov) ศิลปะภาพบุคคลยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่อง เมื่อถึงทศวรรษที่ 18 ศตวรรษที่ 18 ได้ก้าวมาถึงขั้นใหม่

แนวเพลงในชีวิตประจำวันเพิ่งเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 ซึ่งแตกต่างจากภาพบุคคล ความมั่งคั่งจะมาถึงในศตวรรษหน้า ซึ่งเป็นที่รู้จักในด้านแนวโน้มประชาธิปไตย ในขณะเดียวกัน ศิลปินที่ชื่นชอบความสวยงามในชีวิตประจำวันต่างมองหาธีมและหัวข้อใหม่ๆ และมองโอกาสในการเปิดตัวด้วยความอยากรู้อยากเห็น

ชีวิตของคนทั่วไปโดยเฉพาะชาวนาก็ถูกเปิดเผยแก่พวกเขา

ปัญหาชาวนาในรัสเซียนั้นรุนแรงมาโดยตลอด โดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังจากสงคราม Pugachev ที่ทำลายล้าง อย่างไรก็ตาม สังคมที่มีการศึกษาไม่ต้องการเห็นเพียงโจรหรือผู้ผลิตความมั่งคั่งทางวัตถุที่ไร้หน้าและไร้อำนาจในชาวนาเท่านั้น ความตระหนักเกิดขึ้นในตัวเขาว่านี่คือคนรัสเซีย จึงมีความสนใจในชีวิตชาวนา การแต่งกาย พิธีกรรมและประเพณีต่างๆ พูดได้หลายภาษาโดยธรรมชาติของชาติพันธุ์วิทยา: ขุนนางรัสเซีย (สังคมที่มีการศึกษาของศตวรรษที่ 18 ดังที่เราทราบเกือบจะสูงส่งโดยเฉพาะ) เริ่มคุ้นเคยกับด้านหนึ่งของชีวิตที่พวกเขาแทบไม่รู้จัก

เมื่อพิจารณาถึงความสนใจนี้ เราจึงพิจารณาผลงานของผู้ก่อตั้งแนวภาพในชีวิตประจำวันในภาพวาดรัสเซีย มิคาอิล ชิบานอฟ

เราไม่รู้อะไรเลยเกี่ยวกับชีวิตของเขา ยกเว้นต้นกำเนิดของเขาในฐานะทาส (อาจเป็นเจ้าชาย Potemkin) และความจริงที่ว่าเขาเขียนผลงานที่ดีที่สุดของเขาในช่วงอายุเจ็ดสิบ และผลงานก็งดงามมาก ภาพวาดเช่น "งานเลี้ยงอาหารค่ำชาวนา" "การสมรู้ร่วมคิด" และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง "การเฉลิมฉลองสัญญาการแต่งงาน" ช่วยให้เขาเป็นหนึ่งในศิลปินที่เก่งที่สุดในยุคของเขา แน่นอนว่าเขารู้ดีถึงชีวิตที่เขาบรรยายไว้ในภาพวาดของเขา ด้านหลังหนึ่งในนั้นระบุว่าหมายถึง "ชาวนาของจังหวัด Suzdal" และเขียนว่า "ในจังหวัดเดียวกันในหมู่บ้าน Tatarov" เครื่องแต่งกายของรัสเซียในชีวิตประจำวันและงานรื่นเริงได้รับการแสดงบนผืนผ้าใบอย่างสวยงามและรายละเอียดในชีวิตประจำวันก็แสดงได้อย่างน่าเชื่อถือ แต่สิ่งสำคัญของชิบานอฟคือใบหน้าของเขา พวกเขายังมีชีวิตอยู่อย่างสมบูรณ์ ตัวละครและอารมณ์ที่หลากหลาย! และใบหน้าของหญิงชราจาก "The Celebration of the Wedding Contract" ในความเห็นของเราเป็นเพียงผลงานชิ้นเอกที่แท้จริง

มิคาอิล ชิบานอฟ. ภาพเหมือนของท่านเคานต์ A.M. ดมิตรีเอวา-มาโมโนวา พ.ศ. 2330
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งรัฐ Nizhny Novgorod

มิคาอิล ชิบานอฟ ภาพเหมือนของแคทเธอรีนที่ 2 พ.ศ. 2330 สีน้ำมันบนผ้าใบ 70 x 59 ซม
พิพิธภัณฑ์พระราชวังและสวนสาธารณะ-เขตสงวน "Gatchina"

ความเชี่ยวชาญในการจำแนกลักษณะของ Shibanov ไม่เพียงแสดงออกมาในการวาดภาพในชีวิตประจำวันเท่านั้น เขาวาดภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยมหลายภาพ: Catherine II ในชุดเดินทาง A.M. ดมิทรีเยฟ-มามอนอฟ, สปิริโดนอฟ, เนสเตรอฟ แต่แน่นอนว่าเขาเข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียในฐานะผู้บุกเบิกธีมพื้นบ้าน

I. Ermenev (1746 - หลังปี 1789) นักวาดภาพสีน้ำและกราฟิกลูกชายของเจ้าบ่าวซึ่งสำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts และเป็นที่รู้จักจากการมีส่วนร่วมในการโจมตี Bastille เมื่อวันที่ 14 กรกฎาคม พ.ศ. 2332 ได้ทำงานในหัวข้อนี้ ในลักษณะที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง งานของเขารอดชีวิตมาได้น้อยมาก: แผ่นกราฟิกจำนวนหนึ่งซึ่งเป็นซีรีส์ที่ผิดปกติที่แสดงภาพชาวนา อาจจะเรียกว่า "ขอทาน" ก็ได้ มันเป็นขอทานที่ Ermenev แสดงให้เห็นในเวอร์ชันและมุมที่แตกต่างกันในลักษณะที่แปลกประหลาดและแปลกประหลาด เมื่อคุณดูแผ่นงานของซีรีส์นี้ คุณจะรู้สึกว่าการได้พบกับคนที่โชคร้ายเหล่านี้เคยทำให้ศิลปินตกตะลึงอย่างมาก ท้ายที่สุดแล้วมันไม่ใช่ความตกใจที่ทำให้เขาตกอยู่ในพายุนองเลือดแห่งการปฏิวัติฝรั่งเศสใช่ไหม..

เรื่องราวเกี่ยวกับการวาดภาพในชีวิตประจำวันของศตวรรษที่ 18 จะไม่สมบูรณ์หากเราไม่พูดถึงภาพวาดที่ยอดเยี่ยมของ I. Firsov "Young Painter" - หนึ่งในคนแรกที่อยู่ในประเภทนี้ มีความลึกลับหลายประการที่เกี่ยวข้องกับภาพวาดนี้และผู้แต่ง นี่เป็น Firsov คนเดียวกับที่ในยุคห้าสิบซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของทีมวาดภาพของ Chancellery from Buildings ได้สร้างผลงานแนวบาโรก desudeportes หรือไม่? ภาพวาดถูกวาดเมื่อใดและที่ไหน? มีข้อสันนิษฐานว่าในปารีสและแสดงถึงครอบครัวชาวฝรั่งเศส อย่างไรก็ตามสิ่งหลังไม่ใช่ประเด็น ภาพนี้ยอดเยี่ยมมาก - ด้วยสีที่สด องค์ประกอบที่เบา ความมีชีวิตชีวาที่มีเสน่ห์ของตัวละคร โดยเฉพาะเด็กๆ มันถูกสร้างขึ้นราวกับอยู่ในลมหายใจเดียว และเช่นเดียวกับเพลง “Smolyanki” ของ Levitsky มันทำให้เราสัมผัสได้ถึงแสงสว่างและลมแรงที่รัสเซียสูดดมในศตวรรษที่ 18

ยุคของแคทเธอรีนมหาราชสิ้นสุดลงในปี พ.ศ. 2339 เธอปล่อยให้รัสเซียมีอำนาจ เจริญรุ่งเรือง แต่เต็มไปด้วยปัญหาร้ายแรง ยังคงคุกรุ่นอยู่ แต่เห็นได้ชัด - พวกเขาจะต้องแสดงตนอย่างเต็มกำลังในศตวรรษหน้า สถานการณ์ภายนอกก็ยากเช่นกัน การปฏิวัติที่ปะทุขึ้นในฝรั่งเศสได้กวาดล้างสันติภาพและความสมดุลของยุโรปไปอย่างสิ้นเชิง สิ่งที่ถูกมองว่าไม่สั่นคลอนกลายเป็นความเปราะบางและมีอายุสั้น

ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ ความสมมาตรและความแน่นอนทางศีลธรรมของลัทธิคลาสสิกไม่สามารถสอดคล้องกับการแสวงหาจิตวิญญาณของสังคมได้อีกต่อไป โลกกลายเป็นความขัดแย้งมากขึ้น การเปลี่ยนแปลงแบบคลาสสิกกำลังเข้ามาสู่แฟชั่น (อีกครั้งครั้งแรกในฝรั่งเศส) - สไตล์เอ็มไพร์ "จักรวรรดิ" - เน้นไปที่สมัยโบราณอย่างเน้นย้ำ แต่ปราศจากความชัดเจนที่เข้มงวดและเป็นสัดส่วนซึ่งเป็นลักษณะของมันก่อนหน้านี้

ศิลปินในยุคนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความปรารถนาในความเป็นธรรมชาติและความสนใจในการเคลื่อนไหวที่ละเอียดอ่อนที่สุดของจิตวิญญาณมนุษย์ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในช่วงปลายศตวรรษภูมิทัศน์กลายเป็นแนวอิสระในการวาดภาพรัสเซีย

ในการออกแบบภูมิทัศน์เป็นประเภท มุมมองของเมือง สวนสาธารณะ พระราชวังและสถานที่ที่น่าจดจำต่างๆ ที่สร้างขึ้นก่อนหน้านี้และมีลักษณะทางการศึกษาและภูมิประเทศ มีบทบาท เช่นเดียวกับฉากละคร ภาพวาดภายในและแผง องค์ประกอบภูมิทัศน์ของภาพบุคคลและภาพวาดหลายร่าง ภูมิทัศน์ทำหน้าที่เป็นของตกแต่งหรือพื้นหลัง ช่วยเพิ่มความรู้สึกประทับใจให้กับงานได้ดีที่สุด แต่ในตอนท้ายของศตวรรษในศิลปะรัสเซียมีความตระหนักเพิ่มขึ้นว่าประการแรกภาพลักษณ์ของธรรมชาติมีคุณค่าในตัวเองและประการที่สองสามารถแสดงอารมณ์ของมนุษย์ที่ซับซ้อนที่สุดออกมาได้

Semyon Fedorovich Shchedrin (1745-1804) ถือได้ว่าเป็นผู้ก่อตั้งจิตรกรรมภูมิทัศน์ของรัสเซีย เขาเป็นตัวแทนคนแรกของราชวงศ์ศิลปินที่ได้รับการยกย่องจากจิตรกรภูมิทัศน์ที่เก่งกาจในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 คือซิลเวสเตอร์ ชเชดริน แต่ผลงานของเขาเองก็มีบทบาทสำคัญในการพัฒนางานศิลปะรัสเซียเช่นกัน

ตามหลักการของลัทธิคลาสสิก Shchedrin เชื่อว่าเขาควร "แก้ไข" ธรรมชาติในภาพวาดของเขาโดยเผยให้เห็นถึงสัดส่วนที่ซ่อนอยู่เบื้องหลังความไม่เป็นระเบียบและสุ่ม ในเวลาเดียวกันด้วยจิตวิญญาณของอารมณ์ของสภาพแวดล้อมทางศิลปะในช่วงปลายศตวรรษเขามองหาบทกวีและความงามอันเป็นเอกลักษณ์ในธรรมชาติ

ภูมิทัศน์ของเขาในช่วงทศวรรษที่ 70 และ 80 ส่วนใหญ่เป็นภาพสถานที่ในจินตนาการ แสดงออกอย่างชัดเจน โดยมีต้นไม้ที่สวยงามในใบไม้ลูกไม้สีสดใส นับตั้งแต่ทศวรรษที่ 1990 มุมมองของเขาเกี่ยวกับการวาดภาพทิวทัศน์เปลี่ยนไป กลายเป็นนวัตกรรมในหลายๆ ด้าน เขาค้นพบความงามในภูมิประเทศที่แท้จริง เขาเขียนทิวทัศน์ของสวนสาธารณะที่มีชื่อเสียงในบริเวณใกล้เคียงของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - Gatchina, Pavlovsk, Peterhof: "ทิวทัศน์ของพระราชวัง Gatchina จากลองไอส์แลนด์" (1796), "สะพานหินใน Gatchina ใกล้จัตุรัส Connetable" (1799-1801) และเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเองก็ด้วย (เช่น "มุมมองของ Bolshaya Nevka และเดชาของ Stroganovs", 1804) ในการพรรณนาว่าธรรมชาติยังคงเป็นสิ่งสำคัญสำหรับเขาและโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของมัน

แน่นอนว่านี่คือธรรมชาติที่ถูกกำหนดโดยมือมนุษย์ เมื่อถ่ายโอนไปยังผืนผ้าใบ Shchedrin สังเกตสมมาตรแบบคลาสสิกอย่างระมัดระวังการแบ่งพื้นที่ออกเป็นสามระนาบ ฯลฯ แต่สีของท้องฟ้าและเมฆ, หมอกควันที่ทำให้ขอบฟ้าพร่ามัว, แสงจ้าของดวงอาทิตย์บนผืนน้ำเนวา - กล่าวโดยย่อ, สภาพแวดล้อมที่มีอากาศเบาในการพรรณนาซึ่งศิลปินในศตวรรษหน้าจะบรรลุความสมบูรณ์แบบ - เพิ่มมากขึ้นเรื่อย ๆ สำคัญสำหรับเขา

Shchedrin ปูทางให้กับศิลปินเหล่านี้ไม่เพียงแต่กับผลงานของเขาเท่านั้น ตั้งแต่ปี 1799 เขาร่วมกับ I. Klauber เป็นผู้นำชั้นเรียนแกะสลักภูมิทัศน์ที่ Academy of Arts ซึ่งช่างแกะสลักที่ยอดเยี่ยม S.F. กาลาคติออนอฟ, เอ.จี. Ukhtomsky พี่น้อง Kozma และ Ivan Chesky ในไม่ช้าชั้นเรียนนี้ก็เริ่มฝึกจิตรกรภูมิทัศน์ - ในที่สุดภูมิทัศน์ภายในกำแพงของ Academy ก็ได้รับสถานะเต็มในที่สุด

ความสำเร็จที่ดีที่สุดของการวาดภาพรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษยังคงเกี่ยวข้องกับการวาดภาพบุคคล ในเวลานี้มีการเปลี่ยนแปลงของรุ่น มีปรมาจารย์คนใหม่ปรากฏขึ้น ศิลปินมีความพยายามมากขึ้นที่จะพรรณนาถึงชีวิตภายในของบุคคลซึ่งเป็นประสบการณ์ที่ลึกซึ้งที่สุดของเขา ภาพจะมีความใกล้ชิดมากขึ้น มันสะท้อนให้เห็นถึงแนวคิดเรื่องอารมณ์อ่อนไหวซึ่งเป็นการเคลื่อนไหวที่ได้รับความนิยมในช่วงเปลี่ยนศตวรรษและในช่วงปีแรก ๆ ของศตวรรษที่ 19 แนวโน้มเหล่านี้แสดงออกมาอย่างเต็มที่ที่สุดในผลงานของ V.L. Borovikovsky (1757-1825) - หนึ่งในปรมาจารย์ด้านภาพเหมือนที่ดีที่สุดในงานศิลปะรัสเซีย

Borovikovsky เกิดที่ยูเครนและศึกษาการวาดภาพกับพ่อของเขา และบางทีเขาอาจจะยังคงเป็นจิตรกรวาดภาพประจำจังหวัดไปตลอดชีวิต ถ้าไม่ใช่เพราะจักรพรรดินีเดินทางไปทางใต้ของรัสเซีย ซึ่งเธอรับหน้าที่ในปี พ.ศ. 2330 แคทเธอรีนชอบภาพวาดของพระราชวังชั่วคราวที่ทำโดย Borovikovsky และศิลปินไปเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเพื่อพัฒนาทักษะการวาดภาพของเขา เขาเรียนกับ I.B. Lumpy Sr. และอาจเป็น Levitsky เขามีชื่อเสียงอย่างรวดเร็วและได้รับคำสั่งมากมาย พู่กันของเขาประกอบด้วยภาพบุคคลในพิธีการอันงดงามของเจ้าชายคุราคิน (พ.ศ. 2344-2345) พอลที่ 1 ในชุดของปรมาจารย์แห่งมอลตา (พ.ศ. 2343) เป็นต้น นอกจากนี้ยังมีการระบุลักษณะทางจิตวิทยาที่สดใสในการถ่ายภาพบุคคลในห้อง - G.R. Derzhavina, D.P. Troshchinsky นายพล F.A. โบรอฟสกี้

วลาดิเมียร์ โบโรวิคอฟสกี้. ภาพเหมือนของคุณหญิง Anna Ivanovna Bezborodko กับลูกสาวของเธอ Lyubov และ Cleopatra 1803
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 134 x 104.5 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

แต่เหนือสิ่งอื่นใด Borovikovsky เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการถ่ายภาพบุคคลในบ้านของผู้หญิง เขายังวาดภาพ Catherine II ในรูปของ "เจ้าของที่ดินคาซาน" ที่เดินผ่านสวนด้วยเสื้อคลุมอันอบอุ่น นางเอกของเขาเป็นหญิงสาวช่างฝันที่มีรอยยิ้มเจ้าเล่ห์บนริมฝีปาก มีดอกไม้หรือแอปเปิ้ลอยู่ในมือ วางตัวโดยมีฉากหลังเป็นทิวทัศน์ที่ครุ่นคิด หยิกของพวกเขาเพื่อให้สอดคล้องกับรสนิยมทางอารมณ์นั้นไม่เรียบร้อยเล็กน้อยและเสื้อผ้าของพวกเขาก็เรียบง่ายอย่างจงใจ อักขระของแต่ละตัวสามารถอ่านได้อย่างแม่นยำ โดยตัวหนึ่งต้องไม่สับสนกับตัวอื่น นี่คือรูปถ่ายของ O.K. ฟิลิปโปวา เวอร์จิเนีย ชิดลอฟสกายา, E.A. Naryshkina, M.I. Lopukhina, E.N. Arsenyeva พี่สาวกาการินหญิงชาวนา Khristinya (อย่างหลังก็น่าทึ่งเช่นกันเพราะสำหรับ Borovikovsky ไม่ใช่ภาพลักษณ์ "ชาติพันธุ์วิทยา" ของหญิงชาวนาทาสที่มีความสำคัญ แต่เช่นเดียวกับในภาพบุคคลของหญิงสาวผู้สูงศักดิ์โลกภายใน) .

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาการจ้องมองของศิลปินรุนแรงขึ้นความพร่ามัวของภาพวาดของเขาซึ่งใช้ฮาล์ฟโทนจะถูกแทนที่ด้วยการสร้างแบบจำลองพลาสติกที่เข้มงวด (ตัวอย่างเช่นในภาพวาดของ "Lady in a Turban" - สันนิษฐานว่าเป็นนักเขียนชาวฝรั่งเศส A.-L. -J. de Stael, - D.A. Derzhavina และ M.I. Dolgorukaya เขียนในปีที่สิบของศตวรรษที่ 19)

ชื่อของ Borovikovsky ไม่ได้อยู่เพียงลำพังในงานศิลปะภาพเหมือนของรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ S.S. นักเรียนของ Levitsky เป็นจิตรกรวาดภาพที่สดใสและเป็นต้นฉบับมาก ชชูคิน (1762-1828) ชีวิตทั้งชีวิตของเขาเชื่อมโยงกับ Academy of Arts ซึ่งเขาลงเอยด้วยการเป็นเด็กจากสถานเลี้ยงเด็กกำพร้าและต่อมาเป็นหัวหน้าชั้นเรียนวาดภาพเหมือน ในภาพบุคคลของเขาแม้กระทั่งในยุคแรก ๆ ก็มีลางสังหรณ์ของลัทธิโรแมนติก - การเคลื่อนไหวในวัฒนธรรมที่จะได้รับความนิยมในช่วงต้นศตวรรษหน้าเท่านั้นโดยเข้ามาแทนที่ลัทธิคลาสสิกและความรู้สึกอ่อนไหว สิ่งบ่งชี้โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเรื่องนี้คือภาพเหมือนตนเองของปี 1786 และภาพเหมือนของจักรพรรดิพอลที่ 1 ในชุดเครื่องแบบเจ้าหน้าที่เรียบง่ายพร้อมไม้เท้าอยู่ในมือ

งานของ M.I. น่าสนใจมาก เบลสกี้ (1753-1794) เช่นเดียวกับศิลปินร่วมสมัยบางคน เขาเชื่อว่าความจริงของชีวิตมีค่ามากกว่าความกลมกลืนของบทกวีของภาพ และตามความซื่อสัตย์ของตัวละคร ก็ไม่ได้หลีกเลี่ยงความรุนแรงและความขัดแย้ง มุมมองเหล่านี้สะท้อนให้เห็นในภาพเหมือนที่เขาวาดโดยนักแต่งเพลง D.S. ในปี 1788 บอร์ทเนียสกี้.

วลาดิเมียร์ โบโรวิคอฟสกี้. ภาพเหมือนของ Daria Alekseevna Derzhavina 1813
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 284 x 204.3 ซม. หอศิลป์ Tretyakov

เรา. 117:

สเตฟาน ชูคิน. ภาพเหมือนของสถาปนิก Adrian Dmitrievich Zakharov ประมาณปี 1804
สีน้ำมันบนผ้าใบ 25.5 x 20 ซม. State Tretyakov Gallery

มิคาอิล เบลสกี้. ภาพเหมือนของนักแต่งเพลง Dmitry Stepanovich Bortnyansky พ.ศ. 2331
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 65.7 x 52.3 ซม. หอศิลป์ Tretyakov

นิโคไล อาร์กูนอฟ. ภาพเหมือนของผู้ช่วยนายพลเคานต์ Alexander Matveevich Dmitriev-Mamontov 1812
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 151 x 125.6 ซม. หอศิลป์ Tretyakov

นิโคไล อาร์กูนอฟ. ภาพเหมือนของ Matryona Ivanovna Sokolova 2363 สีน้ำมันบนผ้าใบ 67.1 x 52.8 ซม. หอศิลป์ State Tretyakov
นิโคไล อาร์กูนอฟ. ภาพเหมือนของทีวี ชลีโควา พ.ศ. 2332 สีน้ำมันบนผ้าใบ 79 x 55 ซม. (วงรี)
พิพิธภัณฑ์เซรามิกแห่งรัฐและ "คฤหาสน์ Kuskovo แห่งศตวรรษที่ 18" กรุงมอสโก

ในที่สุด N.I. ควรได้รับการพิจารณาว่าเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุดในยุคนี้ อาร์กูนอฟ (พ.ศ. 2314 - หลัง พ.ศ. 2372) ลูกชายและลูกศิษย์ของจิตรกรวาดภาพคนรับใช้ชื่อดัง Nikolai Argunov เองก็เป็นทาสจนกระทั่งเขาอายุสี่สิบห้าปี ความสามารถพิเศษของเขาได้รับการพิสูจน์แล้วจากผลงานวัยเยาว์ของเขา: "The Laughing Peasant", "Peasant with a Glass in Hand" และโดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพบทกวีของนักเต้นทาสของโรงละคร Sheremetev Tatyana Shlykova-Granatova ซึ่งเขียนเมื่อศิลปินอายุประมาณสิบแปด อายุปี ต่อจากนั้น Argunov ได้สร้างผลงานที่ยอดเยี่ยมอีกมากมายซึ่งรวมถึงภาพวาดของ Praskovya Kovaleva-Zhemchugova ผู้โด่งดังซึ่งเป็นนักแสดงที่เป็นทาสซึ่งกลายเป็นภรรยาของ Count N.P. Sheremetev และเสียชีวิตตั้งแต่ยังเด็กไม่นานหลังจากที่ลูกชายของเธอเกิด ภาพที่เธอแสดงในช่วงสัปดาห์สุดท้ายของการตั้งครรภ์ - บนพื้นหลังสีดำในชุดคลุมสีดำและสีแดงโดยมีสีหน้าน่าตกใจบนใบหน้าผอมแห้งของเธอ - เต็มไปด้วยลางสังหรณ์ของโศกนาฏกรรม

ผลงานของศิลปินเหล่านี้เหมือนกับสะพานวิเศษที่รวมเอาศตวรรษที่ผ่านมาและใกล้เข้ามาเข้าด้วยกัน เส้นทางอันรวดเร็วที่งานศิลปะรัสเซียดำเนินไปตั้งแต่สมัยของพระเจ้าปีเตอร์มหาราชได้นำไปสู่ผลลัพธ์อันน่าทึ่ง ถนนสายใหม่รออยู่ข้างหน้า งานอดิเรกที่หลงใหล การค้นหาสิ่งแปลกใหม่ ความขัดแย้งที่รุนแรง และการต่อสู้ที่แท้จริงเพื่อมุมมองทางศิลปะ ทั้งหมดนี้รออยู่ข้างหน้า ภาพวาดของรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ยังไม่รู้เรื่องนี้ งานของเธอคือการเข้าใจมนุษย์ และเธอก็ทำภารกิจนี้สำเร็จอย่างยอดเยี่ยม

นิโคไล อาร์กูนอฟ. ภาพเหมือนของ Ivan Yakimov ในชุดกามเทพ พ.ศ. 2333
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 142 x 98 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

นิโคไล อาร์กูนอฟ. ภาพเหมือนของหญิง Kalmyk Annushka พ.ศ. 2310
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์เซรามิกแห่งรัฐขนาด 62 x 50 ซม. และ “คฤหาสน์ Kuskovo แห่งศตวรรษที่ 18” กรุงมอสโก

นิโคไล อาร์กูนอฟ. ภาพเหมือนขององคมนตรีวุฒิสมาชิก พาเวล สเตปาโนวิช รูนิช 1817
สีน้ำมันบนผ้าใบ. 134 x 103 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

นิโคไล อาร์กูนอฟ. ภาพเหมือนของจักรพรรดิพอลที่ 1 พ.ศ. 2340
สีน้ำมันบนผ้าใบ. พิพิธภัณฑ์มรดกมอสโก Ostankino 285 x 206 ซม

ประเภทประจำวัน (I. Firsov, M. Shibanov, I. Ermenev)

ศิลปะฆราวาสที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 ให้ความสำคัญกับประเภทของการวาดภาพบุคคลและการวาดภาพประวัติศาสตร์ ยกเว้นศิลปินชาวรัสเซียหลายคนที่ได้รับการฝึกฝนในรัสเซียและต่างประเทศ ใบหน้าของการวาดภาพรัสเซียถูกกำหนดโดยปรมาจารย์ที่ได้รับเชิญจากประเทศในยุโรป แนวทิวทัศน์เกิดขึ้นค่อนข้างช้า ลักษณะที่ปรากฏเกี่ยวข้องกับการก่อตั้งสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งในปี พ.ศ. 2310 ได้มีการจัดตั้งชั้นเรียนภูมิทัศน์ขึ้นเพื่อฝึกฝนจิตรกรภูมิทัศน์ การก่อตั้งประเภทนี้ยังได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยชั้นเรียนของมุมมองและฉากละครซึ่งมีจิตรกรทิวทัศน์หลายคนเกิดขึ้น มีการแนะนำความเชี่ยวชาญพิเศษเฉพาะด้าน รวมถึงการวาดภาพทิวทัศน์ในชั้นเรียนแกะสลัก

ชั้นเรียนภูมิทัศน์ตั้งแต่ปี 1776 ถึง 1804 ได้รับการสอนโดยนักเรียนของ Academy of Arts เซมยอน ชเชดริน- จิตรกรทิวทัศน์ชื่อดัง สำเร็จการศึกษาจากชั้นเรียนเปอร์สเปคทีฟ เฟดอร์ อเล็กเซเยฟ- มีปัญหาในการหาครูสอนวิชาตกแต่งละคร ดังนั้นในปี พ.ศ. 2319 สภาวิชาการจึงตัดสินใจส่งนักเรียนสองคนไปที่ปรมาจารย์การละคร - Yakov Gerasimov และ เฟโดรา มัตเววาต่อมาเป็นจิตรกรทิวทัศน์ชื่อดัง

การเดินทางเพื่อทำธุรกิจเพื่อการเกษียณอายุของผู้สำเร็จการศึกษาจาก Academy ที่มีพรสวรรค์มากที่สุดมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาแนวภูมิทัศน์ การศึกษาในอิตาลีและฝรั่งเศสกับปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ผู้รับบำนาญได้พัฒนาทักษะของตนจนไปถึงระดับศิลปะยุโรป จิตรกรภูมิทัศน์ชาวรัสเซียชื่อดังเดินทางไปต่างประเทศ (และบางคนอยู่ที่นั่น): Maxim Vorobyov, Alexander Ivanov, Mikhail Lebedev, Semyon Shchedrin, Fyodor Matveev, Fyodor Alekseev, Sylvester Shchedrin และอีกหลายคน สิ่งนี้ทำให้แนวภูมิทัศน์มีความเท่าเทียมกับศิลปะยุโรปและยังคงใช้ชีวิตแบบรัสเซียต่อไป ค้นหาเอกลักษณ์ของตนเอง และตอบสนองต่อปัญหาของความเป็นจริงทางจิตวิญญาณของประเทศ

ฟีโอดอร์ ยาโคฟเลวิช อเล็กเซเยฟ (1753 - 1824)

เขาก้าวแรกในการวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซียไปสู่การพรรณนาทิวทัศน์ที่แท้จริง วิชาศิลปะของเขาคือภูมิทัศน์เมือง ในแง่นี้ มุมมองของเมืองได้ปรากฏในภูมิทัศน์ของรัสเซีย Alekseev สร้างภูมิทัศน์ที่เต็มไปด้วยอากาศด้วยการสร้างแผนแบบพาโนรามา มุมมองและสภาพแวดล้อมทางอากาศเป็นองค์ประกอบสำคัญของภูมิทัศน์ของเขา ผลงานของศิลปินไม่ตอบสนองต่อแนวคิดภายนอกภาพทิวทัศน์ ดังนั้น จึงขาดองค์ประกอบในการตีความวัตถุของภาพอย่างมีศิลปะเป็นพิเศษ โทนสีเย็นที่อ่อนโยนมักมีชัยในมุมมองของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ภาพวาดด้วยแสงสอดคล้องกับสีที่แท้จริงของเมือง และสภาพแวดล้อมที่โปร่งสบายดูเหมือนจะแสดงให้เห็นถึงความตื่นเต้นทางอารมณ์ของศิลปิน การตีความภูมิทัศน์ผ่านอากาศเป็นนวัตกรรมในศิลปะรัสเซีย บางทีอาจมีเพียงชาวดัตช์ Claude Lorrain และ Joseph Turner เท่านั้นที่หันมาใช้เทคนิคนี้ ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในวิธีการสำคัญในการแก้ปัญหาด้วยภาพสำหรับหัวข้อนี้ ภูมิทัศน์ของ Alekseev นั้นชวนให้คิด แสงที่ส่องอย่างสงบทำให้ผลงานบางชิ้นของเขาดูเงียบสงบ ในทิวทัศน์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กของ Alekseev เราสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของ Francesco Guardi ซึ่งหันมาใช้ภาพพาโนรามาทางอากาศเมื่อวาดภาพเมืองเวนิส

ใน มุมมองของ Nikolaev และ Khersonศิลปินให้ความสำคัญกับความเป็นกลางมากขึ้น ภูมิทัศน์ของ Alekseev มีผู้คนอยู่กระจัดกระจาย แต่เมื่อมีความคล้ายคลึงกันในชีวิตประจำวันเกิดขึ้น ธีมแนวนอนก็ชนะ

Alekseev เป็นตัวแทนของเมืองทั้งในฐานะภูมิประเทศประเภทหนึ่งและความสมบูรณ์ของชีวิต และไม่ใช่แค่เพลิดเพลินกับลักษณะทางสถาปัตยกรรมเท่านั้น ( มุมมองจากเกาะ Vasilyevsky ไปจนถึงเขื่อนอังกฤษ, ค.ศ. 1810) ในทางตรงกันข้ามภูมิทัศน์ของมอสโกมุ่งเน้นไปที่สถานที่ท่องเที่ยวของสมัยโบราณบน "ซากปรักหักพัง" ที่มีอยู่ในภูมิทัศน์ของลัทธิคลาสสิก เมือง Alekseev มีชีวิตชีวา มีประชากรวัยทำงานโดยเฉพาะใน วาดภาพจัตุรัสแดงในมอสโก(1801) และ รูปภาพของเขื่อนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก- ด้วยเหตุนี้ภาพวาดจึงไม่เหมือนกับภูมิทัศน์ของพนักงานของ Semyon Shchedrin หรือ Benjamin Paterson

เซมยอน เฟโดโรวิช ชเชดริน (1745 - 1804)

ภูมิทัศน์โดย Semyon Fedorovich Shchedrin (1745 - 1804) กลายเป็นแนวเพลงอิสระโดยไม่มีภาระผูกพันจากดินร่วนทรายประเภทต่างๆ สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่แบบฝึกหัดในมุมมองเปอร์สเปคทีฟอีกต่อไป แต่เป็นรูปภาพของมุมมองภูมิประเทศ ในฐานะลูกสมุนของ Academy of Arts Shchedrin ศึกษาในฝรั่งเศสซึ่งเขาได้รับการอุปถัมภ์จากเอกอัครราชทูตรัสเซียในปารีสเจ้าชาย DA Golitsyn อันที่จริงแล้วเป็นนักวิจารณ์ศิลปะชาวรัสเซียคนแรกที่เขียนเรียงความเกี่ยวกับทฤษฎีและประวัติศาสตร์ศิลปะ ตัดสินโดยงานแรกของ Shchedrin กลางวัน(พ.ศ. 2322) ซึ่งดำเนินการหลังจากที่เขาอยู่ในอิตาลี ศิลปินได้รับอิทธิพลอย่างชัดเจนจากลัทธิคลาสสิก มีแนวคิดทางอุดมการณ์และพลาสติกเป็นของตัวเอง โครงเรื่องและธีมที่กำหนดไว้ล่วงหน้าจะปรากฏให้เห็นในภาพวาดเที่ยงซึ่งศิลปินได้รับตำแหน่งนักวิชาการ พล็อตลักษณะที่มีฝูงสัตว์และซากปรักหักพังโทนสีตามแบบฉบับของความคลาสสิคโดยแบ่งองค์ประกอบออกเป็นแผน - สีน้ำตาลใกล้และสีน้ำเงินในระยะไกลการตีความการตกแต่งของต้นไม้ไม่เป็นธรรมชาติ แต่กลายเป็นเมฆปุยเป็นหลักฐานของ การเกิดขึ้นของประเภทของภูมิทัศน์ที่แต่งขึ้น

ภาพวาดทิวทัศน์มีจุดมุ่งหมายเพื่อตกแต่งพระราชวัง ดังนั้น ร่วมกับแผงพระราชวังจึงทำหน้าที่ตกแต่ง ฟังก์ชั่นเหล่านี้กำหนดความหมายและโครงสร้างของงานของ Shchedrin ในยุคเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กรวมถึงภูมิทัศน์ขาตั้งที่เขาแสดงในปี พ.ศ. 2335-2341: โรงสีใน Pavlovsk (พ.ศ. 2335), ทิวทัศน์ของพระราชวัง Gatchina จากลองไอส์แลนด์ (พ.ศ. 2339), ทิวทัศน์ในสวน Gatchina (พ.ศ. 2341)

ไม่สามารถพูดได้ว่าภูมิทัศน์ถูกแต่งโดย Shchedrin ทั้งหมด มันขึ้นอยู่กับประเภทเฉพาะ แต่ศิลปินจะเปลี่ยนแปลงตามอำเภอใจ

ในปี ค.ศ. 1799-1801 ตามคำสั่งของ Paul I Shchedrin เขียน แผงสำหรับปราสาท Mikhailovsky- ในนั้นศิลปินไม่เพียง แต่เสริมความแข็งแกร่งให้กับลักษณะการตกแต่งของเขาเท่านั้น แต่ยังเปลี่ยนลักษณะของภูมิทัศน์เป็นแนวเพลงซึ่งปรากฏในผลงานก่อนหน้านี้ของเขา ในแผงสะพานหินใน Gatchina ใกล้กับจัตุรัส Constable ความหมายและวัตถุประสงค์ของภูมิทัศน์ Shchedrin เปลี่ยนไปอย่างมาก แผงนี้พอดีกับการตกแต่งภายในของพระราชวังโดยอยู่ภายใต้งานตกแต่งห้องโถงโดยเฉพาะ ภูมิทัศน์เองนั่นคือภาพลักษณ์ของพื้นที่กลายเป็นเพียงข้ออ้างสำหรับการนำไปใช้งานอื่นของงานซึ่งปรับให้เข้ากับรูปแบบสถาปัตยกรรมของการตกแต่งภายใน การทำให้ภูมิทัศน์มีความเป็นอิสระที่ชัดเจนหรือเกิดขึ้นก่อนหน้านี้ในฐานะประเภทอิสระนั้นอยู่ภายใต้งานตกแต่งภายในของพระราชวัง ส่งผลให้หลักการตกแต่งของงานมีความเข้มแข็งขึ้น ซึ่งละเลยการเรนเดอร์ที่แม่นยำของตัวแบบของภาพ หน้าที่ของงานตกแต่งและงานขาตั้งมีความแตกต่างกัน การส่งงานตกแต่งประเภทภูมิทัศน์กลายเป็นภาพลวงตาของประเภทการสูญเสียหรือจำกัดความเป็นอิสระในการวางตัวปัญหาประเภทภูมิทัศน์ในการสะท้อนและทำซ้ำชีวิต

ประเภทในชีวิตประจำวัน

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 หน่อแรกปรากฏในภาพวาดของรัสเซีย ประเภทประจำวัน- Academy ถือว่าประเภทในชีวิตประจำวันเป็นประเภทจิตรกรรมที่ต่ำกว่าเมื่อเปรียบเทียบกับการวาดภาพในอดีต ธีมประเภทที่แนะนำโดย Academy ได้ลดการวาดภาพในชีวิตประจำวันลงเหลือเพียงการวาดภาพในชีวิตประจำวันที่เรียบง่าย และศิลปินที่มุ่งเน้นมรดกของปรมาจารย์ด้านการวาดภาพชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 ฉากประเภทต่างๆ ที่ได้รับอนุญาตตามสุนทรียภาพทางวิชาการในภูมิทัศน์นั้นมีความเป็นธรรมชาติหรือเป็นชาติพันธุ์วิทยา

ตรงกันข้ามกับสิ่งนี้ ผลงานเริ่มปรากฏในงานศิลปะรัสเซียที่พรรณนาถึงรูปลักษณ์ของชาวนารัสเซียตามความเป็นจริง แก่นของการทดลองครั้งแรกในการวาดภาพประเภทสมจริงของรัสเซียมีการวางแนวประชาธิปไตยที่ชัดเจน หนึ่งในผลงานชิ้นแรกของประเภทชีวิตประจำวันของรัสเซียคือภาพวาด Ivan Firsov (ประมาณปี 1733 - หลังปี 1784) “ จิตรกรหนุ่ม” (1765-1770; Tretyakov Gallery)ดำเนินการโดยศิลปิน ซึ่งเห็นได้ชัดว่าอยู่ในปารีสและอิงจากประสบการณ์การวาดภาพแนวสมจริงของฝรั่งเศสอย่างชัดเจน ภาพวาดนี้แสดงถึงฉากหนึ่งในเวิร์คช็อปศิลปะที่วาดด้วยโทนสีชมพูอ่อนและสีเทา เป็นที่น่าสังเกตสำหรับความสนใจของศิลปินในชีวิตส่วนตัวของชนชั้นกลาง และตื้นตันใจกับความเห็นอกเห็นใจต่อผู้คนที่ปรากฎ

ในบรรดาปรากฏการณ์ที่สำคัญที่สุดในสาขาประเภทชีวิตประจำวันของรัสเซียในเวลานี้คือผลงานสองชิ้นของข้าแผ่นดิน ศิลปิน มิคาอิล ชิบานอฟ- กิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา (เขาทำงานเป็นจิตรกรภาพเหมือนด้วย) เริ่มต้นในปี 1770 ภาพวาดของเขามีอายุย้อนไปถึงเวลานี้ "อาหารกลางวันชาวนา"(1774) และ “ฉลองสัญญาแต่งงาน”(พ.ศ. 2320) (ทั้งใน Tretyakov Gallery) ภาพทั้งหมดของภาพวาดชิ้นแรก - ชาวนาเฒ่า หญิงชรากำลังเก็บอาหารไว้บนโต๊ะ ชายหนุ่มกำลังตัดขนมปัง และผู้หญิงกำลังเตรียมป้อนอาหารลูก ล้วนมีความสำคัญและเต็มไปด้วยความภาคภูมิใจในตนเอง ในเวลาเดียวกันพวกเขาค่อนข้างเป็นรายบุคคล: ศิลปินสังเกตเห็นความจริงจังและร่องรอยของความเหนื่อยล้าเมื่อเผชิญกับชายชราความเฉยเมยของชายที่เหนื่อยล้าเมื่อเผชิญกับหญิงชราความอ่อนโยนที่ยับยั้งชั่งใจในท่าทางและการแสดงออก ของหญิงสาวชาวนาที่มีลูก ความเรียบง่ายของการจัดองค์ประกอบโดยละรายละเอียดที่ไม่จำเป็นทั้งหมด ความยับยั้งชั่งใจและความเข้มงวดของสีของภาพซึ่งออกแบบในโทนสีน้ำตาลช่วยเพิ่มความสำคัญของภาพ ความสมจริงและความสูงส่งทางจิตวิญญาณของภาพก็มีอยู่ใน "การเฉลิมฉลองสัญญาแต่งงาน" เช่นกัน องค์ประกอบซึ่งค่อนข้างถูกจำกัดด้วยเสียงสะท้อนของหลักการทางวิชาการ ทัศนคติที่รักและเอาใจใส่ต่อชาวนาและชีวิตของเขาแสดงออกมาที่นี่ในความจริงที่ว่าศิลปินไม่เพียง แต่สื่อถึงคุณสมบัติของเครื่องแต่งกายเทศกาลของชาวนาด้วยความถูกต้องทางชาติพันธุ์วิทยาเท่านั้น แต่ยังมุ่งมั่นที่จะเปิดเผยความสำคัญทางสุนทรียศาสตร์ด้วย

ปรากฏการณ์ที่น่าทึ่งอีกประการหนึ่งในงานศิลปะรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ความคิดสร้างสรรค์ปรากฏขึ้น อีวาน อเล็กเซวิช เออร์เมเนฟ(พ.ศ. 2289 - หลัง พ.ศ. 2335) ยังมีการศึกษาน้อยมาก ในช่วงทศวรรษที่ 1770 เขาวาดภาพสีน้ำเป็นรูปขอทานตาบอดที่เดินไปตามถนนในชนบทหรือร้องเพลงตามจัตุรัสของหมู่บ้าน รูปภาพขอทานของ Ermenev ไม่ได้ปราศจากความยิ่งใหญ่ที่โศกเศร้า ใบหน้าที่เคร่งครัดและทุกข์ทรมาน มีรูปร่างโค้งงอเพราะความเจ็บป่วยและความยากจน นุ่งห่มผ้าซอมซ่อ ล้มตัวตรงเป็นรอยพับใหญ่ มีองค์ประกอบของความยิ่งใหญ่

การอุทธรณ์ของศิลปินแนวเพลงชาวรัสเซียกลุ่มแรกต่อธีมชาวนาไม่ใช่เรื่องบังเอิญ หลังสงครามชาวนา พ.ศ. 2316-2318 คำถามของชาวนาได้เข้าสู่วงจรของปัญหาที่สร้างความกังวลให้กับปัญญาชนผู้สูงศักดิ์อย่างมั่นคง ปัญหาชาวนากลายเป็นปัญหาหลักในชีวิตของครึ่งแรกของคริสต์ศตวรรษที่ 19 บนพื้นฐานนี้เองที่แนวเพลงประจำวันของรัสเซียได้ถูกสร้างขึ้น

ดังนั้นสำหรับการวาดภาพของรัสเซียศตวรรษที่ 18 จึงเป็นช่วงเวลาแห่งการกำเนิดและการก่อตัวของประเภทหลัก ๆ ได้แก่ การวาดภาพประวัติศาสตร์ประเภทในชีวิตประจำวันภูมิทัศน์ ในขณะเดียวกันนี่เป็นช่วงแรกของงานศิลปะภาพบุคคลของรัสเซียที่เฟื่องฟูอย่างสดใส แนวโน้มที่สมจริงของการวาดภาพรัสเซียในศตวรรษนี้ได้รับการแสดงออกที่ลึกซึ้งและสม่ำเสมอที่สุดในภาพบุคคล ภาพเหมือนรวบรวมมุมมองที่ก้าวหน้าของยุคสมัยเกี่ยวกับคุณค่าของมนุษย์ ตัวอย่างที่ดีที่สุดของการถ่ายภาพบุคคลของรัสเซียในเวลานี้มีความโดดเด่นด้วยความเป็นรูปธรรมและการแสดงออกทางอารมณ์ที่สดใสของลักษณะทางจิตวิทยาความหลากหลายและความสมบูรณ์ของประเภทของการถ่ายภาพบุคคลเอง ภาพเหมือนของรัสเซียมีส่วนสนับสนุนที่สดใสและเป็นต้นฉบับในการพัฒนาภาพเหมือนของยุโรปในศตวรรษที่ 18

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ในการวาดภาพของรัสเซียได้มีการพัฒนาเทคนิคและกฎเกณฑ์บางประการสำหรับการสร้างภาพวาดหลายร่างที่มีโครงเรื่องซึ่งรวบรวมหลักการของลัทธิคลาสสิก อุดมคติด้านความรักชาติและพลเมืองในยุคนั้นแสดงออกได้ที่นี่ อย่างไรก็ตาม การที่มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อวัฒนธรรมรัสเซียในยุคนั้น ผลงานจิตรกรรมประวัติศาสตร์โดยทั่วไปนั้นด้อยกว่าการถ่ายภาพบุคคลอย่างมากในแง่ของระดับความเป็นกลางในการตีความความเป็นจริง ในแง่ของระดับทักษะทางศิลปะ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 การวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซียกำลังเป็นรูปเป็นร่างเช่นกัน โดยบรรลุความสำเร็จครั้งแรกในการสร้างวิธีการสะท้อนลักษณะของโลกโดยรอบตามความเป็นจริงเมื่อสิ้นสุดระยะเวลาที่อยู่ระหว่างการทบทวน ผลงานแต่ละชิ้นของประเภทชีวิตประจำวันของรัสเซียที่มาหาเราทั้งโดยธรรมชาติและเนื่องจากความขัดสนที่ไม่เกี่ยวข้องไม่ถือเป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่สำคัญ อย่างไรก็ตามในผลงานที่ดีที่สุดในประเภทนี้แนวโน้มที่มีผลเหล่านั้นได้รับการวางลงว่าในช่วงเวลาประวัติศาสตร์ใหม่ - ในศตวรรษที่ 19 - มีส่วนทำให้ภาพวาดหัวข้อของรัสเซียออกดอกอย่างน่าทึ่งซึ่งอุทิศให้กับชีวิตของผู้คน

การจับปลาที่ยอดเยี่ยม เอ.พี. โลเซนโก

(“การจับปลาที่ยอดเยี่ยม” อิงจากเรื่องราวจากพระกิตติคุณ ศิลปิน A.P. Losenko) ประเภทประวัติศาสตร์ครอบงำสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างไรก็ตามไม่ได้รับการพัฒนาเช่นเดียวกับภาพเหมือน ตามกฎแล้วผู้สำเร็จการศึกษาจาก Academy จะได้รับมอบหมายให้วาดภาพเมื่อสำเร็จการศึกษาในรูปแบบประวัติศาสตร์ หัวข้อต่างๆ มักเป็นหัวข้อเกี่ยวกับตำนานหรือในพระคัมภีร์ จำเป็นต้องมีภาพวาดในสไตล์คลาสสิก ศิลปินในสไตล์คลาสสิกเลียนแบบช่างแกะสลักโบราณ ดังนั้นในภาพวาดร่างมักจะมีลักษณะคล้ายกับรูปปั้นกรีกและโรมัน ตัวละครจึงแสดงการกระทำที่กล้าหาญ

A.P. ถือเป็นผู้ก่อตั้งประเภทประวัติศาสตร์ในสไตล์คลาสสิกในรัสเซีย โลเซนโก (1737 - 1773) ในบรรดาผืนผ้าใบของเขามีภาพวาดทั้งเรื่องโบราณและในพระคัมภีร์ Losenko ยังวาดภาพแรกในธีมประจำชาติ - "Vladimir and Rogneda" (1770)

วลาดิเมียร์ และ Rogneda เอ.พี. โลเซนโก (1770)

ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นลูกสาวของเจ้าชาย Polotsk ซึ่ง Vladimir เอาชนะกองทัพของพ่อและพี่น้องของเธอได้บังคับให้ทำให้เขาเป็นภรรยาของเขา Losenko ได้รับคำแนะนำจากความคิดที่บริสุทธิ์ - เพื่อแสดงให้ Vladimir ไม่ใช่ในฐานะผู้ข่มขืนผู้รุกราน แต่เป็นเจ้าบ่าวที่มาในเดทแรกของเขา ในภาพวาดประวัติศาสตร์ของรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ฉากความรุนแรง การทรยศหักหลัง และการฆาตกรรมไม่ได้รับการยกเว้นในทางปฏิบัติ รูปภาพควรมีลักษณะเชิงบวกเสมอ

การอำลาของเฮคเตอร์กับอันโดรมาเช่ เอ.พี. โลเซนโก (1773)

อาจารย์หันไปหามหากาพย์กรีกโบราณ ภาพวาดแสดงให้เห็นฮีโร่โทรจันเฮคเตอร์ที่ออกไปต่อสู้กับศัตรูที่ปิดล้อมเมือง เขาจะต้องประชันอาวุธกับ Achilles และผลลัพธ์ของการต่อสู้ก็ถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าแล้ว (ตอนเด็กๆ แม่ของ Achilles จุ่มเขาลงในผืนน้ำแห่ง Styx ซึ่งทำให้ร่างกายของเขาคงกระพัน) อย่างไรก็ตาม เฮคเตอร์ต้องการเป็นตัวอย่างของความกล้าหาญให้กับกองหลังของทรอย และเสริมความแข็งแกร่งให้กับพวกเขาด้วยการตายของเขาเอง ในช่วงเวลาอันน่าเศร้าของการอำลาครอบครัวของเขา เขาหันไปหาเหล่าเทพเจ้าด้วยการร้องขอเพียงครั้งเดียว ให้พวกเขาช่วย Andromache ภรรยาของเขาเลี้ยงดูลูกเล็กของพวกเขาในฐานะลูกชายที่คู่ควรของทรอย ภาพวาดถูกวาดด้วยจิตวิญญาณแห่งความคลาสสิก: ฉากอำลาเต็มไปด้วยการแสดงละคร ตัวเลขมีลักษณะคล้ายรูปปั้นกรีก เนื้อเรื่องของภาพเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของการเป็นพลเมืองสูงและอบอวลไปด้วยความรักต่อบ้านเกิด

เฉลิมฉลองสัญญาแต่งงาน มิคาอิล ชิบานอฟ

ภาพวาดในครัวเรือน (ประเภท) ได้รับการพัฒนาน้อยมากในศตวรรษที่ 18 Academy of Arts ถือว่าเธอเป็นรองและไม่สำคัญ แต่ศิลปินบางคนยังตัดสินใจวาดภาพดังกล่าว แม้ว่าความพยายามเหล่านี้จะไม่ประสบความสำเร็จเสมอไป แต่บ่อยครั้งที่แผนการต่างๆ ประดับประดาเหตุการณ์จริง แต่ภาพเหล่านั้นก็ดูลึกซึ้งเกินไป ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในเวลานั้นคือมิคาอิลชิบานอฟ (? - หลังปี 1789) ภาพวาดของเขา "The Celebration of the Wedding Contract" แสดงให้เห็นช่วงเวลาที่เคร่งขรึมที่สุดช่วงหนึ่งในชีวิตชาวนารัสเซีย: งานแต่งงานของคนหนุ่มสาว ศิลปินวาดภาพเสื้อผ้ารัสเซียที่หรูหราและใบหน้าที่น่าดึงดูดด้วยความรัก

F.Ya.Alekseev. วิวจัตุรัสพระราชวังจากป้อมปีเตอร์และพอล

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 การวาดภาพทิวทัศน์ก็พัฒนาขึ้นเช่นกัน ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือ F.Ya. Alekseev และ S.F. ชเชดริน.

F. Ya. Alekseev (1753 หรือ 1754 - 1824) ที่ Academy of Arts เขาศึกษาการวาดภาพละคร แต่กลายมาเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ ในตอนแรกเขาคัดลอกภูมิทัศน์ของเมืองต่างๆ วาดภาพทิวทัศน์ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเป็นจำนวนมาก และพยายามแนะนำลักษณะดั้งเดิมที่ลึกซึ้งให้กับภาพลักษณ์ของเมืองนี้ Alekseev กลายเป็นผู้ก่อตั้งจิตรกรรมภูมิทัศน์ในรัสเซียโดยพื้นฐาน ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา การปรากฏตัวแบบองค์รวมของ "Northern Palmyra" (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) ได้เป็นรูปเป็นร่าง และ Alekseev ก็สะท้อนให้เห็นในภาพวาดหลายภาพของเขา ในทิวทัศน์ที่มีชื่อเสียงของเขื่อนในพระราชวังและป้อม Peter และ Paul ศิลปินถ่ายทอดความสามัคคีที่กลมกลืนกันของความงามของสถาปัตยกรรมและภูมิทัศน์ - ท้องฟ้าสูงพื้นผิวที่เคลื่อนไหวและสว่างไสวของ Neva ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 Alekseev เดินทางไปทั่วเมืองต่างๆ ของรัสเซีย วาดภาพทิวทัศน์ของเมืองต่างจังหวัดและมอสโกว เขาถูกดึงดูดโดยเมืองหลวงเก่าที่มีเครมลินโบราณ จัตุรัสแดงที่พลุกพล่าน

เอส.เอฟ. ชเชดริน เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

เอส.เอฟ. ชเชดริน (1745 - 1804) เขาเข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียโดยส่วนใหญ่เป็นจิตรกรของ Gatchina และ Pavlovsk Peterhof ภาพวาดของเขามีลักษณะคล้ายกับสวนภูมิทัศน์ของอังกฤษ ซึ่งกระจายออกไปอย่างอิสระท่ามกลางทะเลสาบและลำธาร โดยมีเกาะที่งดงามราวกับภาพวาดประดับประดาด้วยพระราชวังและศาลา Shchedrin สื่อถึงความเขียวขจีที่ปิดทองด้วยแสงแดดด้วยความรักและจิตวิญญาณ ทรายสีชมพูที่ปกคลุมเส้นทางของสวนสาธารณะ และความงามที่เปราะบางของดอกไม้ สะพานและเสาโอเบลิสค์ที่สวยงาม หอคอย เสา ผสมผสานกับสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติอย่างกลมกลืน ควันไฟอันเงียบสงบ เมฆที่สะท้อนในน้ำนิ่ง มงกุฎต้นไม้อันเงียบสงบตระหง่านสร้างความรู้สึกของการดำรงอยู่ในอุดมคติ

เอส.เอฟ. ชเชดริน ระเบียงโอบด้วยองุ่น 1828

ภูมิทัศน์ชนิดต่างๆ

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 มุมมองภูมิประเทศภูมิประเทศแพร่หลายมากขึ้น (ช่างแกะสลัก: M. Merian ชาวเยอรมัน และ V. Gollar ของเช็ก) การพัฒนาซึ่งส่วนใหญ่ถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าโดยการใช้กล้อง obscura ซึ่งทำให้สามารถถ่ายโอนลวดลายแต่ละอย่างบนผืนผ้าใบหรือกระดาษอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ความแม่นยำ ภูมิทัศน์แบบนี้ในศตวรรษที่ 18 ไปถึงจุดสูงสุดใน veditas ของ Canaletto และ B. Belotto ซึ่งอิ่มตัวไปด้วยอากาศและแสงในผลงานของ F. Guardi ซึ่งเปิดเวทีใหม่ในเชิงคุณภาพในประวัติศาสตร์ของภูมิทัศน์ และโดดเด่นด้วยการสร้างแสงที่เปลี่ยนแปลงอย่างเชี่ยวชาญ -สภาพแวดล้อมทางอากาศ ชมทิวทัศน์ในศตวรรษที่ 18 มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาภูมิทัศน์ในประเทศต่างๆ ในยุโรป จนถึงคริสต์ศตวรรษที่ 18 ไม่มีแนวภูมิทัศน์ที่เป็นอิสระ (รวมถึงในรัสเซียที่ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของภูมิทัศน์ประเภทนี้คือศิลปินกราฟิก A.F. Zubov, M.I. Makhaev และจิตรกร F.Ya. Alekseev)

แนวทิวทัศน์เกิดขึ้นค่อนข้างช้า ลักษณะที่ปรากฏเกี่ยวข้องกับการก่อตั้งสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งในปี พ.ศ. 2310 ได้มีการจัดตั้งชั้นเรียนภูมิทัศน์ขึ้นเพื่อฝึกฝนจิตรกรภูมิทัศน์ การก่อตั้งประเภทนี้ยังได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยชั้นเรียนของมุมมองและฉากละครซึ่งมีจิตรกรทิวทัศน์หลายคนเกิดขึ้น มีการแนะนำความเชี่ยวชาญพิเศษเฉพาะด้าน รวมถึงการวาดภาพทิวทัศน์ในชั้นเรียนแกะสลัก

ชั้นเรียนภูมิทัศน์ตั้งแต่ปี 1776 ถึง 1804 สอนโดย Semyon Shchedrin นักเรียนของ Academy of Arts Fyodor Alekseev จิตรกรภูมิทัศน์ชื่อดัง สำเร็จการศึกษาจากชั้นเรียนเปอร์สเปคทีฟ มีปัญหาในการหาครูสอนวิชาตกแต่งละคร ดังนั้นในปี พ.ศ. 2319 สภาวิชาการจึงตัดสินใจส่งนักเรียนสองคนไปที่ปรมาจารย์การละคร - Yakov Gerasimov และ Fyodor Matveev ซึ่งต่อมาเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ที่มีชื่อเสียง

การเดินทางเพื่อทำธุรกิจเพื่อการเกษียณอายุของผู้สำเร็จการศึกษาจาก Academy ที่มีพรสวรรค์มากที่สุดมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาแนวภูมิทัศน์ การศึกษาในอิตาลีและฝรั่งเศสกับปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ผู้รับบำนาญได้พัฒนาทักษะของตนจนไปถึงระดับศิลปะยุโรป เราไปต่างประเทศและบางคนก็อยู่ที่นั่น จิตรกรภูมิทัศน์ชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียง: Maxim Vorobyov, Alexander Ivanov, Mikhail Lebedev, Semyon Shchedrin, Fyodor Matveev Fyodor Alekseev, Sylvester Shchedrin และอีกหลายคน สิ่งนี้ทำให้แนวภูมิทัศน์มีความเท่าเทียมกับศิลปะยุโรปและยังคงใช้ชีวิตแบบรัสเซียต่อไป ค้นหาเอกลักษณ์ของตนเอง และตอบสนองต่อปัญหาของความเป็นจริงทางจิตวิญญาณของประเทศ

ภูมิทัศน์โดย Semyon Fedorovich Shchedrin (1745 - 1804) กลายเป็นแนวเพลงอิสระโดยไม่มีภาระผูกพันจากดินร่วนทรายประเภทต่างๆ สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่แบบฝึกหัดในมุมมองเปอร์สเปคทีฟอีกต่อไป แต่เป็นรูปภาพของมุมมองภูมิประเทศ ในฐานะลูกสมุนของ Academy of Arts Shchedrin ศึกษาในฝรั่งเศสซึ่งเขาได้รับการอุปถัมภ์จากเอกอัครราชทูตรัสเซียในปารีสเจ้าชาย DA Golitsyn อันที่จริงแล้วเป็นนักวิจารณ์ศิลปะชาวรัสเซียคนแรกที่เขียนเรียงความเกี่ยวกับทฤษฎีและประวัติศาสตร์ศิลปะ ตัดสินโดยงานแรกของ Shchedrin กลางวัน(พ.ศ. 2322) ซึ่งถูกประหารชีวิตหลังจากที่เขาอยู่ในอิตาลี ศิลปินได้รับอิทธิพลอย่างชัดเจนจากลัทธิคลาสสิก พล็อตลักษณะที่มีฝูงสัตว์และซากปรักหักพังโทนสีตามแบบฉบับของความคลาสสิคโดยแบ่งองค์ประกอบออกเป็นแผน - สีน้ำตาลใกล้และสีน้ำเงินในระยะไกลการตีความการตกแต่งของต้นไม้ไม่เป็นธรรมชาติ แต่กลายเป็นเมฆปุยเป็นหลักฐานของ การเกิดขึ้นของประเภทของภูมิทัศน์ที่แต่งขึ้น

เมื่อมาถึงรัสเซีย Shchedrin ได้รับคำสั่งจำนวนมากให้สร้างแผงภูมิทัศน์สำหรับปราสาท Mikhailovsky (1799-1801) ภาพจิตรกรรมฝาผนังและแผงสำหรับ Gatchina, Pavlovsk และ Peterhof AA Fedorov-Davydov กล่าวถึงการพัฒนางานศิลปะในสวนสาธารณะเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 ซึ่งมีอิทธิพลต่อภาพวาดของ Shchedrin สวนสาธารณะถูกสร้างขึ้นเป็นประจำหรือฟรีในจิตวิญญาณของอังกฤษใน Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoe Selo และ Gatchina ภาพวาดทิวทัศน์มีจุดมุ่งหมายเพื่อตกแต่งพระราชวัง ดังนั้น ร่วมกับแผงพระราชวังจึงทำหน้าที่ตกแต่ง ฟังก์ชั่นเหล่านี้กำหนดความหมายและโครงสร้างของงานของ Shchedrin ในยุคเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กรวมถึงภูมิทัศน์ขาตั้งที่เขาแสดงในปี พ.ศ. 2335-2341: โรงสีในปาฟลอฟสค์(1792), ทิวทัศน์ของพระราชวัง Gatchina จากเกาะ Dlinny(1796). วิวในสวน Gatchina(1798) ศิลปินเก็บรักษาสัญลักษณ์ของการประชุมทั้งหมดไว้ในนั้น: สีน้ำตาล, แต้มด้วยสีเขียวและสีน้ำเงินเล็กน้อย, ต้นไม้ "พันธุ์ผสม", ร่างพนักงานที่บ่งบอกถึงแรงจูงใจของการไตร่ตรอง ดูเหมือนเวลาจะหยุดนิ่งอยู่ในภาพ และมันต้องใช้ความเข้าใจ

ไม่สามารถพูดได้ว่าภูมิทัศน์ถูกแต่งโดย Shchedrin ทั้งหมด มันขึ้นอยู่กับประเภทเฉพาะ แต่ศิลปินจะเปลี่ยนแปลงตามอำเภอใจ ใช่แล้ว ในภูมิประเทศ โรงสีในปาฟลอฟสค์ลักษณะการตกแต่งของงานเขียนมองเห็นได้ชัดเจน โดยได้รับแรงบันดาลใจจากยุคบาโรกที่หลงเหลืออยู่ซึ่งไม่มีเวลาให้หายไปพร้อมกับการมาถึงของยุคสมัยใหม่ ดูเหมือนว่า "Shchedrin baroque" ได้รับอิทธิพลจากสไตล์ของภาพวาดไอคอนรัสเซียในศตวรรษที่ 17-18 รวมถึงการตกแต่งภายในของ Naryshkin baroque ในสองมุมมอง - พระราชวัง Gatchina จากลองไอส์แลนด์และสวนสาธารณะ Gatchina - พร้อมด้วยต้นไม้ที่ได้รับการตกแต่งอย่างสวยงาม มองเห็นความลึกของพื้นที่จริงที่สร้างขึ้นด้วยแสง ร่องรอยของโวหารของลัทธิคลาสสิคนั้นขี้อายเกินไป แต่ความเข้าใจในภูมิทัศน์ในฐานะภาพของดินแดนอันงดงามบางแห่งนั้นสอดคล้องกับแนวคิดของลัทธิคลาสสิคซึ่งแก้ไขธรรมชาติที่ "เลวทราม" โดยเปรียบเทียบกับสมัยโบราณ ธรรมชาติราวกับถูกตัดแต่งให้เป็นลวดลายตกแต่งมาตรฐานนั้นยังห่างไกลจากธรรมชาติของรัสเซีย ภูมิทัศน์เป็นรูปแบบหนึ่งของรูปแบบที่ดำเนินการตามกฎของเกมสไตล์นี้ แต่ยังมีการสังเกตธรรมชาติแบบสด ๆ ด้วย โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะบันทึกความน่าเกรงขามของธรรมชาติและความงามของความเป็นจริง กล่าวตรงๆ ก็คือ ความเป็นจริงถูกรวบรวมเป็นสองส่วน ทิวทัศน์ของพระราชวัง Kamennoostrovsky(1803 และ 1804) แม่น้ำและพระราชวังเขียนตามกฎของมุมมอง พวกเขามีความชัดเจนและน่าเชื่อถือ ในภาพเราสามารถสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของจิตรกรภูมิทัศน์อีกคน - Fyodor Alekseev พร้อมทิวทัศน์ทางอากาศและเชิงพื้นที่ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในทิวทัศน์ของ Shchedrin ภาพถูกแทนที่ด้วยองค์ประกอบ ภูมิทัศน์ที่สร้างขึ้นนั้นเป็นนิยาย ขึ้นอยู่กับมุมมองของพื้นที่ที่เฉพาะเจาะจงมาก แต่มีการปรับเปลี่ยนจนใครๆ ก็เดาได้เพียงเกี่ยวกับต้นแบบที่แท้จริงของมันเท่านั้น ภูมิทัศน์ที่สมมติขึ้นของ Shchedrin เป็นภูมิทัศน์ของต้นแบบ ไม่ใช่ประเภทของภูมิประเทศ ด้วยเหตุนี้ ภูมิประเทศจึงไม่ได้รับการยอมรับว่าเป็นสายพันธุ์ แม้ว่าพวกมันจะมีชื่อก็ตาม สายพันธุ์.

ลัทธิคลาสสิกมีแนวคิดทางอุดมการณ์และพลาสติกเป็นของตัวเอง โครงเรื่องและธีมที่กำหนดไว้ล่วงหน้าจะปรากฏให้เห็นในภาพ กลางวัน, ซึ่งศิลปินได้รับตำแหน่งนักวิชาการ โปรแกรมการศึกษากำหนดไว้ว่า “มันจะเป็นตัวแทนของช่วงบ่าย ซึ่งจำเป็นต้องมีวัว คนเลี้ยงแกะ และผู้หญิงเลี้ยงแกะ มักเป็นป่าที่มีน้ำ ภูเขา พุ่มไม้ ฯลฯ” ฉากบ้านนอกที่คล้ายกันนี้แสดงให้เห็นในภาพวาด ทิวทัศน์ใกล้กับ Staraya Russa(1803) และ ภูมิทัศน์กับคนเลี้ยงแกะและฝูงแกะอาร์คาเดียรัสเซียที่แปลกประหลาดไม่มีอะไรที่เหมือนกันกับความเป็นจริง ศิลปินติดตามอุดมการณ์ของศิลปะคลาสสิกในภูมิทัศน์ ระบบภาพซึ่งกำหนดระยะห่างระหว่างความเป็นจริงและนิยาย โดยให้ความสำคัญกับภาพชีวิตที่สมมติขึ้นและแบบแผนของการตีความพลาสติก

ในปี ค.ศ. 1799-1801 ตามคำสั่งของ Paul I Shchedrin ทาสีแผงสำหรับปราสาท Mikhailovsky ในนั้นศิลปินไม่เพียง แต่เสริมความแข็งแกร่งให้กับลักษณะการตกแต่งของเขาเท่านั้น แต่ยังเปลี่ยนลักษณะของภูมิทัศน์เป็นแนวเพลงซึ่งปรากฏในผลงานก่อนหน้านี้ของเขา ในแผง สะพานหินใน Gatchina ใกล้กับจัตุรัสตำรวจความหมายและวัตถุประสงค์ของภูมิทัศน์ Shchedrin เปลี่ยนไปอย่างมาก แผงนี้พอดีกับการตกแต่งภายในของพระราชวังโดยอยู่ภายใต้งานตกแต่งห้องโถงโดยเฉพาะ ภูมิทัศน์เองนั่นคือภาพลักษณ์ของพื้นที่กลายเป็นเพียงข้ออ้างสำหรับการนำไปใช้งานอื่นของงานซึ่งปรับให้เข้ากับรูปแบบสถาปัตยกรรมของการตกแต่งภายใน การทำให้ภูมิทัศน์มีความเป็นอิสระที่ชัดเจนหรือเกิดขึ้นก่อนหน้านี้ในฐานะประเภทอิสระนั้นอยู่ภายใต้งานตกแต่งภายในของพระราชวัง ส่งผลให้หลักการตกแต่งของงานมีความเข้มแข็งขึ้น ซึ่งละเลยการเรนเดอร์ที่แม่นยำของตัวแบบของภาพ หน้าที่ของงานตกแต่งและงานขาตั้งมีความแตกต่างกัน การส่งงานตกแต่งประเภทภูมิทัศน์กลายเป็นภาพลวงตาของประเภทการสูญเสียหรือจำกัดความเป็นอิสระในการวางตัวปัญหาประเภทภูมิทัศน์ในการสะท้อนและทำซ้ำชีวิต

Fyodor Yakovlevich Alekseev (1753 - 1824) ก้าวแรกในการวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซียไปสู่การพรรณนาภูมิทัศน์อย่างแท้จริง วิชาศิลปะของเขาคือภูมิทัศน์เมือง ในแง่นี้ มุมมองของเมืองได้ปรากฏในภูมิทัศน์ของรัสเซีย ราวกับสืบทอดศิลปะของ Canaletto, Bellotto, Guardi และอื่นๆ

Alekseev สร้างภูมิทัศน์ที่เต็มไปด้วยอากาศด้วยการสร้างแผนแบบพาโนรามา มุมมองและสภาพแวดล้อมทางอากาศเป็นองค์ประกอบสำคัญของภูมิทัศน์ของเขา ผลงานของศิลปินไม่ตอบสนองต่อแนวคิดภายนอกภาพทิวทัศน์ ดังนั้นพวกเขาจึงขาดองค์ประกอบภายนอกการตีความทางศิลปะของตัวแบบของภาพ โทนสีเย็นที่อ่อนโยนมักมีชัยในมุมมองของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ภาพวาดด้วยแสงสอดคล้องกับสีที่แท้จริงของเมือง และสภาพแวดล้อมที่โปร่งสบายดูเหมือนจะแสดงให้เห็นถึงความตื่นเต้นทางอารมณ์ของศิลปิน การตีความภูมิทัศน์ผ่านอากาศเป็นนวัตกรรมในศิลปะรัสเซีย บางทีอาจมีเพียงชาวดัตช์ Claude Lorrain และ Joseph Turner เท่านั้นที่หันมาใช้เทคนิคนี้ ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในวิธีการสำคัญในการแก้ปัญหาด้วยภาพสำหรับหัวข้อนี้ ภูมิทัศน์ของ Alekseev นั้นชวนให้คิด แสงที่ส่องอย่างสงบทำให้ผลงานบางชิ้นของเขาดูเงียบสงบ ในทิวทัศน์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กของ Alekseev เราสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของ Francesco Guardi ซึ่งหันมาใช้ภาพพาโนรามาทางอากาศเมื่อวาดภาพเมืองเวนิส

ในมุมมองของ Nikolaev และ Kherson ศิลปินให้ความสำคัญกับลักษณะความเป็นกลางของผลงานของ Antonio Canaletto และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Bernardo Bellotto มากขึ้น ทิวทัศน์ของ Alekseev มีผู้คนอาศัยอยู่กระจัดกระจาย แต่เมื่อมีความคล้ายคลึงกันในชีวิตประจำวัน ธีมแนวนอนก็ชนะ สำหรับ Canaletto ชีวิตในเมืองแทบจะเป็นแก่นของภาพ ดังนั้นจึงค่อนข้างยากที่จะกำหนดประเภทตามหัวข้อของภาพ โดยทั่วไป แนวเพลงมักจะเปลี่ยนแก่นแท้ของมัน โดยได้รับความหมายที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง สำหรับ Canaletto ภูมิทัศน์ไม่ใช่ทิวทัศน์ของพื้นที่ แต่เป็นการแสดงให้เห็นชีวิตของเมือง ความคลาดเคลื่อนนี้มีความสำคัญมาก เนื่องจากการประเมินงานจากมุมมองของประเภทประเภทเป็นเรื่องยาก เช่นเดียวกับ Canaletto Alekseev เป็นตัวแทนของเมืองทั้งในรูปแบบของภูมิประเทศและความสมบูรณ์ของชีวิต และไม่ใช่แค่เพลิดเพลินกับลักษณะทางสถาปัตยกรรมของเมืองเท่านั้น (มุมมองจากเกาะ Vasilyevsky ไปจนถึงเขื่อนอังกฤษพ.ศ. 2353) ในทางตรงกันข้ามภูมิทัศน์ของมอสโกมุ่งเน้นไปที่สถานที่ท่องเที่ยวของสมัยโบราณบน "ซากปรักหักพัง" ที่มีอยู่ในภูมิทัศน์ของลัทธิคลาสสิก เมือง Alekseev มีชีวิตชีวา เต็มไปด้วยคนทำงาน โดยเฉพาะในภาพยนตร์ จัตุรัสแดงในมอสโก(1801) และรูปภาพของเขื่อนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ด้วยเหตุนี้ภาพวาดจึงไม่เหมือนกับภูมิทัศน์ของพนักงานของ Semyon Shchedrin หรือ Benjamin Paterson

ทิวทัศน์ของมอสโกแตกต่างอย่างมากจากทิวทัศน์เชิงพื้นที่ สว่าง และโปร่งสบายของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ดูเหมือนว่ามีอคติบางอย่างอยู่เหนือทุกคน ซึ่งเป็นมุมมองที่จงใจยอมรับในสิ่งต่างๆ เมืองหลวงโบราณปรากฏในรัศมีของ "สมัยโบราณ" โทนสีเขียวเปรียบเสมือนคราบ ด้วยเหตุนี้ ภาพจึงมีคุณภาพในการตกแต่ง โดยดึงงานศิลปะกลับมาที่ Semyon Shchedrin ภูมิทัศน์ของ Alekseev ดูเหมือนจะกระตุก ในตอนแรกเขาเดินตามเส้นทางแห่งความสมบูรณ์แบบที่สมจริง จากนั้นกลับไปสู่การตกแต่งที่มีลักษณะผิวเผินมาก

ในความเป็นจริงภูมิทัศน์ของรัสเซียเริ่มต้นขึ้นในฐานะภูมิทัศน์ของเมืองซึ่งแนะนำการปรับเปลี่ยนที่สำคัญในรูปแบบคลาสสิก เขาทำลายมันเพราะเขาไม่เข้ากันกับแนวคิดของศิลปะแบบคลาสสิกที่น่าสมเพชน่าสมเพชตั้งแต่แรกเริ่มภูมิทัศน์ของเมืองได้รับการยอมรับว่าเป็นประเภทที่ต่ำเนื่องจากถูกบังคับให้หันไปใช้ชีวิตในเมืองสู่ชีวิตประจำวัน ประเภทที่รวมเข้าด้วยกันอย่างชัดเจน ผลงานของ Alekseev โดดเด่นในงานศิลปะรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18 มันอยู่ร่วมกับการตกแต่งของ Semyon Shchedrin และลัทธิคลาสสิกของ Fyodor Matveev แต่ก็ขัดแย้งกับพวกเขาราวกับว่าคาดการณ์แนวโน้มที่สมจริงของภูมิทัศน์ที่ตามมา

Fyodor Matveevich Matveev (1758 - 1826) สานต่อความฝันยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของชีวิตที่กลมกลืนกัน ลัทธิคลาสสิกโดยรวมใช้ประโยชน์จากจินตนาการของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยอิงจากตำนานพระกิตติคุณช่วยเสริมความคิดถึงสำหรับชีวิตที่กลมกลืนกันด้วยความเสียใจต่อความโบราณที่สูญหายไป ความเป็นจริงที่สวยงาม ภูมิทัศน์คลาสสิกของศตวรรษที่ 18 จำกัด ความคิดเกี่ยวกับชีวิตที่สวยงามไว้กับการเฉลิมฉลองความเป็นจริงโบราณที่พบในความเป็นจริงและชวนให้นึกถึงการดำรงอยู่ของมนุษย์และธรรมชาติที่ครั้งหนึ่งเคยกลมกลืนกัน ภูมิทัศน์คลาสสิกของ Matveev มีความสง่างามเป็นส่วนใหญ่ ความชัดเจนของ Lorrain นั้นแปลกสำหรับเขา การอ่านเหมือนกับเพลงสรรเสริญแสงแดดและแสงสว่าง ภูมิทัศน์ของ Matveev ฟังดูสง่างามสดใสในโน้ตเดียวซึ่งรวมเอาความเป็นจริงและอดีตเข้าด้วยกัน ภูมิทัศน์ดูเหมือนจะไม่ย้อนหลังในรูปแบบ แต่ในความรู้สึกและอารมณ์ที่มีอยู่ในศิลปินยุคเรอเนซองส์ การแก้ไขโครงสร้างทางจิตวิญญาณของศิลปะเก่า นำเสนอสิ่งที่พวกเขาต้องการในความเป็นจริง ฟอรั่มริม razvaliny

Matveev ยังคงรักษาองค์ประกอบตกแต่งไว้ สิ่งนี้ชี้ให้เห็นว่าความคลาสสิกเติบโตมาจากภาพวาดตกแต่งโดยคงสภาพความเป็นพลาสติกไว้เป็นลัทธิ atavism ความงดงามของการตกแต่งสัมผัสได้ถึงความมีสไตล์ของธรรมชาติ การปรับเปลี่ยนรูปแบบเกี่ยวข้องกับภาพลักษณ์ของต้นไม้ มันวาว ทับถม ราวกับว่าใบไม้นูนอยู่ตรงกลาง เช่นเดียวกับสี สีฟ้าหรือสีเขียวอย่างชัดเจน

ในงานของ Matveev ปรัชญาภูมิทัศน์ทั้งหมดเกิดขึ้นความเข้าใจเกี่ยวกับปัญหาโลกทัศน์ผ่านภูมิทัศน์ ภูมิทัศน์ฟังดูเหมือนซิมโฟนีเชิงภาพซึ่งใคร ๆ ก็สามารถได้ยินความคิดของผู้เขียนเกี่ยวกับอวกาศโลกได้อย่างชัดเจนเกี่ยวกับความเปราะบางของการดำรงอยู่ของโลก การปรัชญาถูกล้อมกรอบด้วยโครงเรื่อง

ในลัทธิคลาสสิก พื้นฐานของความเป็นรูปเป็นร่างเป็นเรียงความที่ได้รับการเปลี่ยนแปลงตามอัตภาพในหัวข้อคุณสมบัติที่แท้จริงของธรรมชาติ สถานการณ์ทางธรรมชาติและชีวิต ความคลาสสิกของ Matveev ในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 มีธีมที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากความคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 ก่อนหน้านี้ลัทธิคลาสสิกเพ้อฝันเกี่ยวกับธีมโบราณหรือเทพนิยาย (Nicolas Poussin, Claude Lorrain) ตอนนี้มันเป็นความจริงที่แท้จริงที่เลือกด้านใดด้านหนึ่ง: "ซาก" ของวัฒนธรรมโบราณซึ่งเปลี่ยนแปลงโดยศิลปินตาม ถึงปรัชญาของเขาที่เสียใจกับอดีตซึ่งรวบรวมไว้ในรูปแบบของความเป็นจริงอันลวงตา

“ความสง่างาม” (ในศัพท์เฉพาะของลัทธิคลาสสิก) ถูกสกัดจากธรรมชาติ โดยเลือกใช้ลวดลายที่สอดคล้องกันของภูเขาหรือพื้นที่อันยิ่งใหญ่ และปรับปรุงด้วยซากปรักหักพังของอนุสรณ์สถานโบราณ เมื่อ Pyotr Chekalevsky กล่าวว่าการวาดภาพ "คัดเลือกปรากฏการณ์ธรรมชาติที่สมบูรณ์แบบที่สุดโดยรวม เชื่อมโยงส่วนต่างๆ ของสถานที่หลายแห่งและความงามของบุคคลส่วนตัวจำนวนมาก" ซึ่งในเบื้องต้นเรียก Matveev การสื่อสารกับความเป็นจริงของเขากลายเป็นอุดมคติซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของภูมิทัศน์แบบคลาสสิก Fedorov-Davydov เขียนว่า: "ในลัทธิคลาสสิก ภูมิทัศน์จากธรรมชาติและภูมิทัศน์แห่งจินตนาการไม่ได้รวมกันมากนักเนื่องจากขัดแย้งกัน"2 แนวโน้มตามธรรมชาติดูเหมือนจะอยู่ใต้บังคับบัญชาของนิยาย Fedorov-Davydov อ้างอิงคำพูดของ Matveev เพื่อยืนยันการพิจารณานี้: "ศิลปินไม่ต้องการออกจากสถานที่ที่สวยงามและทาสีตามธรรมชาติเหล่านั้นซึ่งดูเหมือนว่าศิลปินจงใจสร้างขึ้น"

ในงานของ Matveev การอุทธรณ์เพื่อเตือนความทรงจำเกี่ยวกับวัฒนธรรมในอดีตแตกต่างไปจากของ Claude Lorrain หรือ Hubert Robert อย่างสิ้นเชิง โดยที่ซากปรักหักพังเป็นเพียงเรื่องสมมติ แต่สอดคล้องกับสถาปัตยกรรมเรอเนซองส์ ซากปรักหักพังของ Matveev มีลักษณะที่แท้จริง เช่น โคลอสเซียม หรือวิหาร Paestum (ภูมิทัศน์ของวีรบุรุษ) ลักษณะที่ปรากฏที่แท้จริงถูกรับรู้ผ่านปริซึมของแนวคิด "การเปลี่ยนแปลง" ของผู้เขียน บ่อยครั้งดังเช่นใน View of Rome โคลอสเซียมความเป็นธรรมชาติของมุมมองเริ่มมีชัยเหนือ "ปรัชญา" และภูมิทัศน์แม้จะมีความเข้มงวดของสถาปัตยกรรมคลาสสิก แต่ก็ดูเหมือนภาพที่เป็นธรรมชาติธรรมดา บางครั้งดูเหมือนว่างานศิลปะของ Matveev จะเป็นตำราเรียนที่มีตัวอย่างและกฎเกณฑ์ของลัทธิคลาสสิก อันที่จริงงานของเขาจัดให้มีบรรทัดฐานแบบคลาสสิก องค์ประกอบหลายอย่างมีความสม่ำเสมอที่มั่นคง ขนาบข้างด้วยต้นไม้ มีความสมดุลระหว่างแนวนอนของภูเขาและแนวตั้งทางสถาปัตยกรรม มุมมองของกรุงโรมแบบเดียวกันโคลอสเซียมมีความถูกต้องในการก่อสร้างพอสมควร มันแสดงให้เห็นถึงการแบ่งแผนที่เข้มงวด: แผนแรกเขียนโดยละเอียดโดยละเอียด; แผนกลางซึ่งมีแนวคิดหลักของภูมิทัศน์ทาสีเขียวพื้นหลัง "ละลาย" ในหมอกควันสีน้ำเงินซึ่งทำหน้าที่เป็นพื้นหลังสำหรับโครงเรื่อง อย่างไรก็ตามในงานอื่น ๆ อีกมากมาย Matveev ยังคงรักษาหลักการของภูมิทัศน์ตกแต่งไว้ ใน Vida at Paestum รูปแบบคลาสสิกของโครงสร้างปีกถูกรบกวนโดยกลุ่มต้นไม้ที่เกือบจะอยู่ตรงกลางองค์ประกอบ ในวีรชนทิวทัศน์ มวลของต้นไม้ทางด้านขวาของภาพมีมวลถ่วงที่อ่อนแอทางด้านซ้าย องค์ประกอบของภาพวาดตกแต่ง ไม่ถูกจำกัดด้วยองค์ประกอบที่ถูกแทนที่ จะถูกเก็บรักษาไว้ในเทคนิคการตกแต่งให้มีรูปลักษณ์ที่มั่นคงและซ้ำซากจำเจ การออกแบบมีแนวโน้มที่จะเป็นการตกแต่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดเจนจากการประทับตรามงกุฎต้นไม้ใหญ่แต่ละใบ ซึ่งมองเห็นได้ชัดเจนโดยมีท้องฟ้าที่สว่างเป็นฉากหลัง ความคลาสสิกของศตวรรษที่ 19 ยังคงรักษาไว้จากการตกแต่งในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ความละเอียดถี่ถ้วนของเนื้อหาและสีน้ำตาลซึ่งมีเฉดสีน้อยสองหรือสามเฉด สีของ Matveev จางลง น่าเบื่อ และไม่กระตุ้นอารมณ์ สิ่งสำคัญคือการจัดองค์ประกอบและการวาดภาพ บางครั้งก็ชัดเจน บางครั้งก็เป็นรูปอักษรย่อ ซับซ้อนและซับซ้อน ลายฉลุที่พัฒนาขึ้นนำไปสู่ผลลัพธ์เดียว: การจัดองค์ประกอบและการเปลี่ยนแปลงตามความเป็นจริง ธรรมชาติในภูมิทัศน์ ทิวทัศน์ใกล้เมืองเบิร์น (พ.ศ. 2360) ที่ถูกเปลี่ยนแปลงสูญเสียรูปแบบที่แท้จริงและถูกแปลงเป็นภาพพาโนรามาอันงดงามในอุดมคติราวกับว่าไม่ได้แสดงภาพเฉพาะพื้นที่ใด ๆ แต่แนวคิดทางศิลปะของ "ทั้งโลก" คือ กำลังตระหนัก Matveev มีภูมิทัศน์ในอุดมคติในเวอร์ชันของเขาเอง เขาไม่ใช่วีรบุรุษและสง่างามเสมอไป อุดมคติไม่เพียงแต่เกี่ยวข้องกับภาพลักษณ์ของดินแดนที่สวยงามเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรายละเอียดที่ประกอบเป็นภาพรวมทั้งหมดด้วย ตัวอย่างเช่น ต้นไม้เป็นเรื่องธรรมดา พวกเขารวบรวมแนวคิดของต้นไม้ที่หรูหรา แต่ไม่ได้สื่อถึงรูปลักษณ์ที่แท้จริง

ภูมิทัศน์ที่มีรูปปั้นในชุดโบราณนั้นโดดเด่นด้วยรายละเอียดของภาพและการตกแต่งลวดลายอย่างระมัดระวัง ฉากหน้าและมงกุฎของต้นไม้ทางด้านขวานั้นได้รับการถ่ายทอดอย่างแม่นยำ อย่างไรก็ตาม ความละเอียดถี่ถ้วนของการเขียนขัดแย้งกับลักษณะทั่วไปของภาพหรือไม่? ในระดับหนึ่งอย่างแน่นอน แต่ในระดับภาพรวมที่สมจริงเท่านั้น ในลัทธิคลาสสิกมีลักษณะทั่วไปที่แตกต่างกันเกิดขึ้น ภาพคลาสสิกก็เหมือนกัน เขาไม่ตอบสนองต่อความเฉพาะเจาะจงของรายละเอียดและโดยรวม มันสร้างภาพในอุดมคติที่ควรกำหนดคุณภาพบางอย่าง ในเวอร์ชันนี้ ต้นไม้รวบรวมแนวคิดของพืชพรรณที่หรูหรา นี่ไม่ใช่สัญลักษณ์ แต่เป็น “รายละเอียดทั่วไป* ในระบบการวัดทางศิลปะคลาสสิก” ด้วยการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อย สิ่งนี้ใช้ได้กับองค์ประกอบอื่นๆ (ซากปรักหักพัง ภูเขา ที่ราบ พืช หุบเขา) ที่ปรากฏในการตีความธรรมชาติทั้งหมด ศิลปินก็เหมือนกับสถาปนิก ทำงานด้วย "รายละเอียดมาตรฐาน" สร้างเมทริกซ์ภาพ สร้างภาพของโลกที่มีความคล่องตัวและปรับอารมณ์ได้

โลกในผลงานของ Matveev นั้นไม่เคลื่อนไหว ภูเขาเคร่งขรึมและนิ่ง ท้องฟ้าสงบและปลอดโปร่ง แม่น้ำเรียบและสงบ ภาพของโลกในดุลยภาพอย่างมีเหตุผลดูเหมือนจะขัดแย้งกับองค์ประกอบอื่นของมันนั่นคือทะเลที่กระสับกระส่าย และถ้าภูเขากลายเป็นสัญลักษณ์ของความเงียบสงบแบบคลาสสิก ทะเลและน้ำตกก็จะกลายเป็นสัญลักษณ์ของแรงกระตุ้นที่โรแมนติก

จิตรกรภูมิทัศน์ในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 (ส่วนใหญ่สำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts) ยังไม่ถึงจุดสูงสุดทางศิลปะ อย่างไรก็ตามผลงานบางชิ้นของพวกเขากลับกลายเป็นกระแสสำคัญโดยไม่คาดคิด ดังนั้นภูมิทัศน์ที่มีสีสันประจำชาติจึงปรากฏในภาพวาดของ Andrei Efimovich Martynov (1768 - 1826) ทิวทัศน์ของแม่น้ำ Selenga ในไซบีเรีย (1817) หรือ Timofey Alekseevich Vasiliev (1783 - 1838) ทิวทัศน์ของท่าเรือ Nikolaev ที่แหล่งกำเนิดของ Angara แม่น้ำจากทะเลสาบไบคาล (พ.ศ. 2367) ซึ่งยังคงรักษาความสำคัญและขนาดของสายพันธุ์คลาสสิกไว้ แต่ทิวทัศน์เหล่านี้ไม่ใช่ทิวทัศน์ที่กล้าหาญอีกต่อไป แม้ว่าจะเน้นไปที่เอฟเฟ็กต์ภาพก็ตาม ประสิทธิผลเป็นสิ่งที่น่าสมเพชที่งานศิลปะรัสเซียจะคงไว้เป็นเวลานาน ภูมิทัศน์เหล่านี้ไม่ได้คำนึงถึงธรรมชาติมากเท่ากับสิ่งมีชีวิตบนโลก เป็นสิ่งสำคัญที่แม้จะมีเทคนิคคลาสสิกแบบดั้งเดิม แต่การดำรงอยู่ในชีวิตประจำวันธรรมดา ๆ ก็แสดงให้เห็น แต่แก่นแท้ของมันก็ทำลายลวดลายคลาสสิกอันประเสริฐ ในกรณีที่ธรรมชาติรักษารูปลักษณ์อันงดงาม เปลือกชีวิตมนุษย์ในชีวิตประจำวันเริ่มขัดแย้งกับความโอ่อ่าแบบคลาสสิก

แนวโน้มการตกแต่งและคลาสสิกในงานศิลปะมีความสัมพันธ์พิเศษกับหัวเรื่อง วัตถุไม่ได้ดึงดูดความสนใจของศิลปินด้วยคุณค่าที่เป็นอิสระ ซึ่งสามารถกระตุ้นให้เกิดความปรารถนาที่จะรู้และค้นพบคุณสมบัติด้านสุนทรียภาพในนั้น หัวข้อนี้เกี่ยวข้องกับวงกลมของการไตร่ตรองเชิงปรัชญา และไม่มีนัยสำคัญที่เป็นอิสระ มันตั้งอยู่ท่ามกลางองค์ประกอบอื่น ๆ ของภาพเป็นองค์ประกอบรองซึ่งจำเป็นในการระบุสถานการณ์ที่ผู้เขียนสร้างขึ้นและพรรณนามุมมองแบบพาโนรามาที่แสดงออกถึงปรัชญาของผู้เขียน ดังนั้นจึงไม่มีการศึกษาวัตถุหรือการวิจัย แต่ในความเป็นจริงแล้วมีบทบาทเป็นเจ้าหน้าที่ซึ่งควรสร้างภาพ "ทั่วไป" ของโลกพร้อมกับองค์ประกอบอื่น ๆ ในลัทธิคลาสสิก มาตรฐานสำหรับการวาดภาพหมู่บ้าน ภูเขา พื้นที่ และแผนผังได้รับการพัฒนา มีข้อยกเว้นที่หาได้ยาก ต้นไม้จะถูกวาดขึ้นมาโดยไม่มีสายพันธุ์ เว้นแต่จะรู้จักต้นสนได้ ดังนั้นแนวคิดเรื่องมงกุฎอันหรูหราความคิดของภูเขาที่กลายเป็นทิวทัศน์ที่ราบเรียบจึงถูกรวบรวมไว้ กล่าวอีกนัยหนึ่ง แนวทางธรรมชาติสู่ธรรมชาติยังไม่ได้รับการพัฒนา ซึ่งทำให้ความหมายเฉพาะของสิ่งต่าง ๆ ลดลง ภาพคลาสสิกนั้นยังห่างไกลจากการเข้าใจชีวิตของธรรมชาติ มันค่อนข้างแสดงถึงการเคลื่อนไหวของความคิดของผู้เขียน, ความคิดของผู้เขียนเกี่ยวกับภูมิทัศน์, ที่ซึ่งธรรมชาติได้รับมอบหมายบทบาทอันดับสาม. ธรรมชาติไม่ได้ถูกผูกมัดด้วยกาลเวลา มันไม่ได้แสดงสถานการณ์เฉพาะ ความคลุมเครือนำไปสู่ความธรรมดา ในความสัมพันธ์ระหว่างธรรมชาติและจิตสำนึกทางศิลปะ ความเป็นกลางของการพรรณนาถึงธรรมชาติจะถูกเบี่ยงเบนความสนใจไปจากความคิดลวงตาของผู้เขียน มีการเปลี่ยนแปลงที่ชัดเจนในการพรรณนาถึงโลกวัตถุประสงค์โดย Semyon Shchedrin และ Fyodor Matveev และก่อนหน้านี้โดย Fyodor Alekseev ในงานศิลปะของพวกเขา บทบาทที่เพิ่มขึ้นของความเป็นกลางนั้นอยู่ภายใต้เลนส์ของการสังเกตและการศึกษา แต่สิ่งนี้เกิดขึ้นอย่างสมบูรณ์ในภูมิทัศน์ของ Sylvester Feodosievich Shchedrin (1791 - 1830)

Sylvester Shchedrin เกิดในครอบครัวของประติมากร Feodosius Shchedrin จิตรกรภูมิทัศน์ Semyon Shchedrin เป็นลุงของเขา เกือบทั้งชีวิตของเขาใช้เวลาอยู่ในอิตาลีซึ่งเขาถูกส่งไปเป็นผู้รับบำนาญและเสียชีวิตตั้งแต่อายุยังน้อย ผลงานชิ้นแรกของเขาอุทิศให้กับอิตาลีอย่างล้นหลาม ผลงานชิ้นแรกของเขาประทับตราของอิทธิพลที่หลงเหลืออยู่ของลัทธิการตกแต่ง: มุมมองจากเกาะ Petrovsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (1811) มุมมองจากเกาะ Petrovsky ไปยังสะพาน Tuchkov และเกาะ Vasilyevsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (1815), ทิวทัศน์ของเกาะ Petrovsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (1817) ต่างจากภูมิทัศน์ของ Alekseev ตรงที่ Shchedrin ไม่มีอากาศ ดูเหมือนว่ามันถูกสูบออกจากภาพซึ่งทำให้สีไม่ซีดจาง แต่ได้รับความแข็งแกร่งอย่างแท้จริง พวกเขานำความรู้สึกที่เป็นกลางของสีของวัตถุที่เปล่งประกายภายในรูปแบบคลาสสิกที่สร้างขึ้นโดยตัดกันของสีพื้นหน้าที่แรเงาหนาแน่นและพื้นหลังที่เน้นสี คำอธิบายของมงกุฎต้นไม้ของภาพวาดธรรมดามีลักษณะคล้ายกับโครงร่างการตกแต่งของต้นไม้โดย Semyon Shchedrin ตัวเลขในแนวนอนเป็นรูปพนักงาน พวกเขาไม่ได้อาศัยอยู่ในนั้น พวกเขาไม่ได้ทำอะไร - พวกเขาหมายถึงชีวิต และทำให้ภูมิทัศน์มีชีวิตชีวา

ภูมิทัศน์ในรัสเซียเพิ่งเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง เป็นตราสัญลักษณ์การประชุมทางวิชาการ แต่เขามีโอกาสที่จะปลดปล่อยเนื่องจากเขาไม่ได้รับความทุกข์ทรมานจากโครงเรื่องและการเชื่อมโยงเฉพาะเรื่องที่ครอบงำในประเภทอื่น ในช่วงสองทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ศิลปินในต่างประเทศได้รับอิสรภาพนี้ ส่วนใหญ่ในอิตาลี ซึ่งนักเรียน Academy ไปฝึกงาน (เกษียณอายุ) ทิวทัศน์แรกของ Shchedrin มีคุณสมบัติสองประการ พวกมันเต็มไปด้วยขนาดและความเชื่องช้า พวกมันคงที่ราวกับว่าหยุดอยู่ครู่หนึ่งจากห่วงโซ่แห่งเวลา ในทางกลับกัน การเติมภาพเมืองพร้อมเจ้าหน้าที่จะทำให้ภูมิทัศน์มีโทนสี ช่วยลดความรู้สึกถึงความยิ่งใหญ่ของลวดลาย การแนะนำส่วนประกอบในชีวิตประจำวันแบบเศษส่วน: สะพานที่พัวพัน, รถลากม้า, อาคารสุ่ม, ชาวประมง - ทำให้ภูมิทัศน์ใกล้จะถึงประเภทในชีวิตประจำวันที่เกิดขึ้นภายในภูมิทัศน์

ทิวทัศน์ในช่วงทศวรรษปี 1810 ไม่ได้มาจากธรรมชาติอย่างชัดเจน หลังจากเตรียมการวาดภาพก็เสร็จสิ้นจากความทรงจำ เนื่องจากภูมิทัศน์ไม่ได้อยู่ในระดับแนวหน้าของประเภทภาพ จึงเชื่อกันว่าภาพทิวทัศน์นี้ไม่สามารถรวบรวมแนวคิดทางศีลธรรมและศาสนาได้ ภาพทิวทัศน์แบบ "ต่ำ" ดึงดูดการสังเกตตามธรรมชาติ เพราะมันก่อให้เกิดความน่าสมเพชของภาพลักษณ์ของภาพนั้น พื้นที่. ทันทีที่ภูมิทัศน์ได้รับอิสรภาพ เขาก็รีบปลดปล่อยตัวเองจากอคติตามหลักบัญญัติและพูดในภาษาธรรมชาติของธรรมชาติ โดยเลือกภาษานั้นมากกว่า "ความสงบสูง" การดึงดูดความสมจริงตามธรรมชาติของแนวนี้ไม่ได้หมายความว่าความสมจริงกลายเป็นเป้าหมายสูงสุดของมัน ถูกต้องเท่าเทียมกันคือภูมิทัศน์ที่เรียบเรียงซึ่งจัดระเบียบรูปภาพตามแนวคิดที่กำหนด ตามกฎแล้วความคิดนี้ได้สร้างตำนานเกี่ยวกับประเทศที่สวยงามหากไม่ใช่ความคิดอันศักดิ์สิทธิ์ซึ่งแสดงถึงและรวบรวมการมีอยู่ของวิญญาณศักดิ์สิทธิ์หรือพลังจักรวาลในธรรมชาติของโลก แรงกระตุ้นของ Shchedrin สู่ความสมจริงเมื่อเขามาถึงอิตาลีไม่ได้ถือเป็นจุดสุดยอดของงานของเขาเลย แม้ว่ามันจะทำให้โลกได้รับตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมที่ขยายขอบเขตงานศิลปะที่เป็นภาพและพลาสติกก็ตาม ศิลปินไล่ตามความงาม - เป้าหมายเดียวและสุดท้ายของงานศิลปะ

ในอิตาลี Shchedrin ทำงานเคียงข้าง Matveev ซึ่งมีอิทธิพลต่อเขาอยู่บ้าง เห็นได้ชัดเจนในภาพวาดโคลอสเซียมในโรม (พ.ศ. 2365) ซึ่งมีองค์ประกอบเทียบได้กับโคลอสเซียมของ Matveev เช่นเดียวกับในภาพวาด View of Naples จากถนนสู่ Posilipo (1829) ในงานนี้ในขณะที่ยังคงรักษารูปแบบคลาสสิกไว้ Shchedrin ก็พยายามเอาชนะมัน เขาสังเกตโลกวัตถุประสงค์อย่างระมัดระวัง ซึ่งทำให้เขาเสียสมาธิจากองค์ประกอบของภาพทิวทัศน์ แต่ศิลปินยังไม่สามารถสร้างความสามัคคีของความสัมพันธ์ของสีได้

การค้นพบที่สำคัญอีกประการหนึ่งที่เปลี่ยน "ปรัชญา" ของภูมิทัศน์คือแสงที่ลอดผ่านต้นไม้และส่องสว่างในทะเลหรือซากปรักหักพัง (Old Rome, 1824) แสงเปลี่ยนความเข้าใจในธรรมชาติทันที ที่จริงแล้ว "หน้าต่างสู่โลก" ถูกเปิดออกโดยใช้แสงสว่างจากพื้นที่การมองเห็น ในเรื่องนี้ Shchedrin ละเลยความเข้าใจโลกในฐานะจักรวาล ถูกแทนที่ด้วยความใส่ใจต่อชีวิตที่เป็นรูปธรรม ชีวิตนี้ถูกมองว่ากลมกลืนกันเป็นการดำรงอยู่ของมนุษย์ที่มีความสุข การเก็งกำไรและจินตนาการออกจากภาพ แทนที่ด้วยภูมิทัศน์ที่แท้จริงที่เข้าใจได้อย่างชัดเจน ซึ่งตีความว่าเป็นโชคชะตาที่มีความสุขของบุคคล ผู้คนในภาพเขียนของศิลปินทำงาน ตกปลา พักผ่อน ไตร่ตรองท้องทะเล ซึ่งขยายขอบเขตของภูมิทัศน์ไปสู่แนวเพลงในชีวิตประจำวัน โลกแห่งชีวิตที่เงียบสงบที่สังเกตได้นั้นได้รับการศึกษาอย่างรอบคอบหรือไตร่ตรองซึ่งทำให้มีความสงบสุขและไม่เปลี่ยนรูป ตรงกันข้ามกับลัทธิคลาสสิก ผลงานของ Shchedrin ได้รับการทำให้เป็นประชาธิปไตย เขาไม่ได้วาดภาพสวนสาธารณะในพระราชวัง ไม่ใช่โอกาสในเมืองใหญ่ แต่เป็นประเทศที่มีผู้คน เป็นคนงานที่น่าเบื่อหน่าย วงกลมแห่งความรู้ได้ขยายออกไป เผยให้เห็นไม่เพียงแต่เรื่องใหม่ๆ เท่านั้น แต่ยังอุดมไปด้วยโลกทัศน์ที่แตกต่างออกไปอีกด้วย ปัจจัยที่สำคัญที่สุดในภูมิทัศน์ของ Shchedrin คือการที่ศิลปินเข้าสู่ธรรมชาติโดยธรรมชาติ ซึ่งเขาวาดภาพโดยสอดคล้องกับการหายใจ ธรรมชาติถูกรับรู้โดยเชื่อมโยงกับคนทั่วไป เขาได้ทำให้มันอยู่อาศัยได้ และในความเป็นอยู่นี้ เขามองเห็นคุณสมบัติใหม่ของแปลงภูมิทัศน์และลวดลาย อดีตความยิ่งใหญ่ของโลกถูกแทนที่ด้วยมนุษยชาติ ศิลปินมองโลกในรูปแบบวัตถุ เสมือนเป็นของขวัญอันหรูหราที่ผู้สร้างมอบให้ สัมผัสแห่งความงามของท้องทะเล ความรู้สึกทางกายภาพของต้นไม้ อากาศ พื้นที่แห่งการตรัสรู้ ความสว่างและความโปร่งใสของท้องฟ้า ทำให้เกิดโลกแห่งความสามัคคี ด้วยเหตุนี้การศึกษาธรรมชาติจึงกลายเป็นปัจจัยหลักประการหนึ่งที่ทำให้ทัศนคติต่อภูมิทัศน์เปลี่ยนไป สภาพแวดล้อมทางธรรมชาติสูญเสียความธรรมดาของภาพไป ดังนั้นภาพวาดจึงไม่ถูกสร้างขึ้นตามกฎของปรากฏการณ์อันยิ่งใหญ่อีกต่อไป แต่ตามแนวคิดทางศิลปะใหม่ หันไปสู่ทิวทัศน์ส่วนตัว เศษเสี้ยวของธรรมชาติหรือเมืองชายทะเล: The Embankment in Naples (1825), View of Amalfi ใกล้เนเปิลส์ ท่าเรือเล็กในซอร์เรนโต บนเกาะคาปรี ( ทั้งหมด - 1826)

แสงในภาพวาดของ Shchedrin กระจายอย่างอ่อนโยน ปกคลุมภูเขา บ้านเรือนริมชายฝั่ง และต้นไม้ที่อยู่ห่างไกลออกไปอย่างนุ่มนวล ทำให้เกิดสีสันของท้องทะเล ท้องฟ้า ภูเขากำมะหยี่สีน้ำเงินมากมาย ในธรรมชาติอันศักดิ์สิทธิ์ เราสามารถสัมผัสถึงมรดกจากสมัยโบราณ ซึ่งถูกมองว่าเป็นสวรรค์สำหรับการดำรงอยู่อย่างสันติของมนุษย์ ในภูมิประเทศอิตาลีของ Shchedrin หลักการของ "องค์ประกอบ" ถูกแทนที่ด้วยการสืบพันธุ์ของธรรมชาติในคุณสมบัติที่สวยงามอย่างสมบูรณ์

Fedorov-Davydov บันทึกความเชี่ยวชาญด้าน Plein Air ของ Shchedrin การพิชิตภูมิทัศน์ที่แท้จริงของทศวรรษที่ 1820 ทำให้ Shchedrin เป็นหนึ่งในจิตรกรภูมิทัศน์ที่โดดเด่นของยุโรป ภาวะอากาศนิยมของเขายังคงไม่สมบูรณ์ เมื่อเปรียบเทียบกับภาพวาดอันเขียวชอุ่มที่สะท้อนกลับและโดดเด่นของ Alexander Ivanov แล้วบรรยากาศภายนอกของ Shchedrin นั้นขี้อายราวกับว่าถูกทำให้เรียบในเชิงวิชาการ มันเหมือนกับการสะท้อนสีบนสีแบบเก็งกำไรมากกว่าวัตถุที่มองผ่านตัวกลางแสงสี อย่างไรก็ตาม สิ่งที่สำคัญคือต้องเอาชนะทั้งสีเอกรงค์และช่วงสีเปิดในท้องถิ่น นำเสนอด้วยถ้อยคำที่น่าตื่นตาตื่นใจ ธรรมชาติแสดงให้เห็นว่าความสวยงามในชีวิตก็เพียงพอแล้วกับความสวยงามในงานศิลปะ Sylvester Shchedrin ผสมผสานหลักการแบบพาโนรามาของอวกาศซึ่งหลงเหลือจากลัทธิคลาสสิกเข้ากับหลักการใหม่ - "หน้าต่างสู่โลก" ซึ่งมองเห็นได้ชัดเจนโดยเฉพาะในทิวทัศน์ "อุโมงค์" และในมุมมองจากภาพถ่าย ซึ่งความลึกถูกสร้างขึ้นด้วยสี บังแสงเบื้องหน้าและระยะห่างที่โปร่งสบาย นี่คือความก้าวหน้าของการทาสีเครื่องบินในพื้นที่เปิดโล่ง: Grotto ในซอร์เรนโตพร้อมทิวทัศน์ของวิสุเวียส (พ.ศ. 2369), ถ้ำ Matrimonio บนเกาะคาปรี (พ.ศ. 2370), ระเบียงที่โอบด้วยองุ่น (พ.ศ. 2371) ระเบียงบนชายทะเล (พ.ศ. 2371) ทะเลสาบอัลบาโนในบริเวณใกล้เคียงกับกรุงโรม (พ.ศ. 2368) วิวจากถ้ำวิสุเวียสและ Castello dell'Ovo ในคืนเดือนหงาย (คริสต์ทศวรรษ 1820)

การไตร่ตรองโลกอย่างสงบพังทลายลงในทิวทัศน์ "กลางคืน" ของ Shchedrin องค์ประกอบของละครปรากฏ แต่นี่ไม่ใช่ละครแห่งชีวิตจริง แต่เป็นความเข้มข้นของสถานะของผู้เขียนที่ฉายสู่ธรรมชาติ จากที่นี่อีกครั้งองค์ประกอบต่างๆ ของการเรนเดอร์ท้องฟ้ายามค่ำคืนตามแบบฉบับ เมฆที่พลิ้วไหวในสายลม ฯลฯ ได้เกิดขึ้นอีกครั้ง แต่การประชุมครั้งนี้ได้รับการระบายสีด้วยคุณลักษณะที่น่าสมเพชโรแมนติกของเนเปิลส์ในคืนเดือนหงาย พ.ศ. 2372; สองเวอร์ชันของ Moonlit Night in Naples, 1828)