Talentovaní umelci vytvárajú mimoriadne obrazy. Najneobvyklejší a šokujúci umelci na svete Nepochopiteľní umelci

Zdá sa, že niektoré umelecké diela zasiahnu diváka cez hlavu, sú ohromujúce a úžasné. Niektoré vás vtiahnu do myšlienok a pri hľadaní vrstiev významu, tajnej symboliky. Niektoré obrazy sú zahalené tajomstvom a mystickými záhadami a niektoré prekvapia premrštenými cenami.

„Podivnosť“ je skôr subjektívny pojem a každý má svoje vlastné úžasné obrazy, ktoré sa odlišujú od iných umeleckých diel.

Edvard Munch "Výkrik"

1893, kartón, olej, tempera, pastel. Rozmer 91×73,5 cm

Národná galéria, Oslo

Výkrik je považovaný za medzník expresionistickej udalosti a jeden z najznámejších obrazov na svete.
„Išiel som po cestičke s dvoma priateľmi – slnko zapadalo – zrazu sa obloha sfarbila do krvavočervenej farby, zastavil som sa vyčerpaný a oprel som sa o plot – pozrel som sa na krv a plamene nad modročiernym fjordom a mesto - moji priatelia sa pohli ďalej a ja som stál a triasol som sa vzrušením a cítil som, ako nekonečný krik preniká prírodou,“ povedal o histórii obrazu Edvard Munch.
Existujú dve interpretácie toho, čo je zobrazené: je to samotný hrdina, ktorý je zachvátený hrôzou a ticho kričí, tlačí si ruky na uši; alebo si hrdina zatvára uši pred krikom sveta a prírody znejúcej okolo neho. Munch napísal 4 verzie „Výkriku“ a existuje verzia, že tento obraz je ovocím maniodepresívnej psychózy, ktorou umelec trpel. Po kúre na klinike sa Munch nevrátil k práci na plátne.

Paul Gauguin „Odkiaľ pochádzame? kto sme? kam ideme?

1897-1898, olej na plátne. 139,1 × 374,6 cm

Múzeum výtvarného umenia, Boston

Hlboko filozofický obraz postimpresionistu Paula Gauguina namaľoval na Tahiti, kam utiekol z Paríža. Po dokončení diela chcel dokonca spáchať samovraždu, pretože „Verím, že tento obraz nielenže prekoná všetky moje predchádzajúce a že už nikdy nevytvorím nič lepšie alebo dokonca podobné.“ Žil ďalších 5 rokov a tak sa aj stalo.
Podľa samotného Gauguina by sa mal obraz čítať sprava doľava – tri hlavné skupiny postáv ilustrujú otázky položené v názve. Tri ženy s dieťaťom predstavujú začiatok života; stredná skupina symbolizuje každodennú existenciu zrelosti; v poslednej skupine, podľa umelcovho plánu, „stará žena, ktorá sa blíži k smrti, vyzerá zmierená a odovzdaná svojim myšlienkam“, pri jej nohách „zvláštny biely vták... predstavuje zbytočnosť slov“.

Pablo Picasso "Guernica"

1937, olej na plátne. Rozmer 349 × 776 cm

Múzeum Reina Sofia, Madrid

Obrovská freska „Guernica“, ktorú namaľoval Picasso v roku 1937, rozpráva príbeh o nájazde dobrovoľníckej jednotky Luftwaffe na mesto Guernica, v dôsledku čoho bolo šesťtisícové mesto úplne zničené. Obraz bol namaľovaný doslova za mesiac - prvé dni práce na obraze Picasso pracoval 10-12 hodín a už v prvých náčrtoch bolo možné vidieť hlavnú myšlienku. Toto je jedna z najlepších ilustrácií nočnej mory fašizmu, ako aj ľudskej krutosti a smútku.
Guernica uvádza výjavy smrti, násilia, brutality, utrpenia a bezmocnosti bez toho, aby špecifikovala ich bezprostredné príčiny, sú však zrejmé. Hovorí sa, že v roku 1940 bol Pablo Picasso predvolaný gestapom v Paríži. Rozhovor sa okamžite zvrtol na obraz. "Urobil si to?" -"Nie, urobil si to."

Jan van Eyck "Portrét páru Arnolfini"

1434, drevo, olej. 81,8 × 59,7 cm

Londýnska národná galéria, Londýn

Portrét údajne Giovanniho di Nicolao Arnolfiniho a jeho manželky je jedným z najkomplexnejších diel západnej školy severskej renesančnej maľby.
Slávny obraz je úplne plný symbolov, alegórií a rôznych odkazov – až po nápis „Bol tu Jan van Eyck“, ktorý z neho urobil nielen umelecké dielo, ale aj historický dokument potvrdzujúci skutočnú udalosť, pri ktorej umelec bol prítomný.
V Rusku si obraz v posledných rokoch získal veľkú popularitu vďaka podobnosti Arnolfiniho portrétu s Vladimírom Putinom.

Michail Vrubel "Sediaci démon"

1890, olej na plátne. Rozmer 114×211 cm

Tretiakovská galéria, Moskva

Obraz Michaila Vrubela prekvapuje obrazom démona. Smutný, dlhovlasý chlapík sa vôbec nepodobá bežnej ľudskej predstave o tom, ako by mal vyzerať zlý duch. Samotný umelec hovoril o svojom najslávnejšom obraze: „Démon nie je ani tak zlý duch, ako skôr trpiaci a smutný duch, zároveň mocný, majestátny duch. Toto je obraz sily ľudského ducha, vnútorného boja, pochybností. Démon s tragickým zovretím rúk sedí so smutnými, obrovskými očami smerujúcimi do diaľky, obklopený kvetmi. Kompozícia zdôrazňuje obmedzenie postavy démona, ako keby bola vtlačená medzi hornú a dolnú priečku rámu.

Vasily Vereshchagin „Apoteóza vojny“

1871, olej na plátne. Rozmer 127×197 cm

Štátna Treťjakovská galéria, Moskva

Vereščagin je jedným z hlavných ruských bojových maliarov, ale maľoval vojny a bitky nie preto, že by ich miloval. Naopak, snažil sa ľuďom sprostredkovať svoj negatívny postoj k vojne. Jedného dňa Vereščagin v zápale emócií zvolal: "Nebudem maľovať žiadne bojové maľby - to je všetko!" To, čo píšem, si beriem príliš blízko k srdcu, plačem (doslova) od smútku každého zraneného a zabitého.“ Pravdepodobne výsledkom tohto zvolania bol hrozný a očarujúci obraz „Apoteóza vojny“, ktorý zobrazuje pole, vrany a horu ľudských lebiek.
Obraz je namaľovaný tak hlboko a emotívne, že za každou lebkou ležiacou v tejto kôpke začínate vidieť ľudí, ich osudy a osudy tých, ktorí týchto ľudí už nikdy neuvidia. Samotný Vereshchagin so smutným sarkazmom nazval plátno „zátišie“ - zobrazuje „mŕtvu prírodu“.
Všetky detaily obrazu, vrátane žltej farby, symbolizujú smrť a skazu. Jasná modrá obloha zdôrazňuje mŕtvosť obrazu. Myšlienku „Apoteózy vojny“ vyjadrujú aj jazvy po šable a diery po guľkách na lebkách.

Grant Wood "Americká gotika"

1930, olej. Rozmer 74×62 cm

Art Institute of Chicago, Chicago

„Americká gotika“ je jedným z najznámejších obrázkov v americkom umení 20. storočia, najznámejším umeleckým memom 20. a 21. storočia.
Obraz s pochmúrnym otcom a dcérou je plný detailov, ktoré naznačujú krutosť, puritánstvo a retrográdnu povahu zobrazených ľudí. Nahnevané tváre, vidly priamo v strede obrazu, staromódne oblečenie aj na pomery z roku 1930, odhalený lakeť, švy na farmárskych šatách, ktoré opakujú tvar vidly, a teda hrozba, ktorá je adresovaná každému kto zasahuje. Môžete sa pozerať na všetky tieto detaily donekonečna a krčiť sa od nepohodlia.
Zaujímavé je, že porotcovia súťaže na Art Institute of Chicago vnímali „gotiku“ ako „vtipnú valentínku“ a ľudí z Iowy Wood strašne urazil za to, že ich vykreslil v tak nepríjemnom svetle.

Rene Magritte "Milenci"

1928, olej na plátne

Obraz „Lovers“ („Milovníci“) existuje v dvoch verziách. V jednom sa muž a žena, ktorých hlavy sú zabalené v bielom plátne, bozkávajú, v druhom sa „dívajú“ na diváka. Obraz prekvapí a zaujme. S dvoma postavami bez tváre Magritte vyjadril myšlienku slepoty lásky. O slepote v každom zmysle: milenci nikoho nevidia, my nevidíme ich pravú tvár a okrem toho sú milenci záhadou aj jeden pre druhého. Ale napriek tejto zjavnej jasnosti sa stále pozeráme na Magritteových milencov a premýšľame o nich.
Takmer všetky Magrittove obrazy sú hádanky, ktoré nemožno úplne vyriešiť, pretože vyvolávajú otázky o samotnej podstate existencie. Magritte vždy hovorí o klamstve viditeľného, o jeho skrytom tajomstve, ktoré si zvyčajne nevšimneme.

Marc Chagall "Chôdza"

1917, olej na plátne

Štátna Treťjakovská galéria

Marc Chagall, zvyčajne mimoriadne vážny vo svojej maľbe, napísal nádherný manifest vlastného šťastia, plný alegórií a lásky. „Walk“ je autoportrét s jeho manželkou Bellou. Jeho milovaná sa vznáša na oblohe a čoskoro strhne Chagall, ktorý neisto stojí na zemi, do letu, akoby sa jej dotýkal len špičkami topánok. Chagall má v druhej ruke sýkorku - teší sa, v rukách má aj sýkorku (asi jeho obraz) aj koláč na oblohe.

Hieronymus Bosch "Záhrada pozemských rozkoší"

1500-1510, drevo, olej. Rozmer 389 × 220 cm

Prado, Španielsko

„Záhrada pozemských rozkoší“ je najznámejší triptych Hieronyma Boscha, ktorý dostal svoje meno podľa témy centrálnej časti venovanej hriechu zmyselnosti. Dodnes nebola žiadna z dostupných interpretácií maľby uznaná ako jediná správna.
Pretrvávajúce čaro a zároveň zvláštnosť triptychu spočíva v spôsobe, akým umelec prostredníctvom mnohých detailov vyjadruje hlavnú myšlienku. Obraz je vyplnený priehľadnými postavami, fantastickými štruktúrami, príšerami, halucináciami, ktoré nadobudli telo, pekelnými karikatúrami reality, na ktorú sa pozerá skúmavým, mimoriadne ostrým pohľadom. Niektorí vedci chceli v triptychu vidieť obraz ľudského života cez prizmu jeho márnosti a obrazy pozemskej lásky, iní - triumf zmyselnosti. Jednoduchosť a istý odstup, s akým sú jednotlivé postavy interpretované, ako aj priaznivý postoj cirkevnej vrchnosti k tomuto dielu však vyvolávajú pochybnosti, že by jeho obsahom mohlo byť ospevovanie telesných pôžitkov.

Gustav Klimt „Tri veky ženy“

1905, olej na plátne. Rozmer 180×180 cm

Národná galéria moderného umenia, Rím

„Tri veky ženy“ sú radostné aj smutné. Príbeh života ženy je v ňom napísaný v troch postavách: bezstarostnosť, pokoj a zúfalstvo. Mladá žena je organicky votkaná do vzorca života, stará z neho vyčnieva. Kontrast medzi štylizovaným obrazom mladej ženy a naturalistickým obrazom starej ženy nadobúda symbolický význam: prvá fáza života so sebou prináša nekonečné možnosti a metamorfózy, posledná - nemennú stálosť a konflikt s realitou.
Plátno nepustí, dostane sa do duše a prinúti vás zamyslieť sa nad hĺbkou umelcovho posolstva, ako aj nad hĺbkou a nevyhnutnosťou života.

Egon Schiele "Rodina"

1918, olej na plátne. 152,5 × 162,5 cm

Galéria Belvedere, Viedeň

Schiele bol Klimtovým žiakom, no ako každý vynikajúci žiak nekopíroval svojho učiteľa, ale hľadal niečo nové. Schiele je oveľa tragickejší, podivnejší a desivejší ako Gustav Klimt. V jeho dielach je veľa toho, čo by sa dalo nazvať pornografiou, rôzne zvrátenosti, naturalizmus a zároveň ubolené zúfalstvo.
„Rodina“ je jeho najnovším dielom, v ktorom je zúfalstvo dovedené do absolútneho extrému, napriek tomu, že ide o jeho najmenej zvláštne vyzerajúcu snímku. Namaľoval ho tesne pred smrťou, po tom, čo jeho tehotná manželka Edith zomrela na španielsku chrípku. Zomrel vo veku 28 rokov, len tri dni po Edith, keď namaľoval ju, seba a ich nenarodené dieťa.

Frida Kahlo "Dve Fridy"

Príbeh ťažkého života mexickej umelkyne Fridy Kahlo sa stal všeobecne známym po uvedení filmu „Frida“ so Salmou Hayek v hlavnej úlohe. Kahlo maľovala väčšinou autoportréty a vysvetlila to jednoducho: „Maľujem sa, pretože trávim veľa času sama a pretože som téma, ktorú poznám najlepšie.“
Ani na jednom autoportréte sa Frida Kahlo neusmieva: vážna, ba až smútočná tvár, zrastené husté obočie, sotva badateľné fúzy nad pevne stlačenými perami. Myšlienky jej obrazov sú zakódované v detailoch, pozadí, postavách vystupujúcich vedľa Fridy. Kahloho symbolika vychádza z národných tradícií a je úzko spätá s indickou mytológiou predhispánskeho obdobia.
V jednom z najlepších obrazov - „Dve Fridy“ - vyjadrila mužské a ženské princípy, ktoré sú v nej spojené jediným obehovým systémom, čo demonštruje jej integritu.

Claude Monet „Most Waterloo. Efekt hmly"

1899, olej na plátne

Štátne múzeum Ermitáž, Petrohrad

Pri pohľade na obraz z blízka divák nevidí nič iné ako plátno, na ktorom sú nanesené časté silné olejové ťahy. Celé kúzlo diela sa odhalí, keď sa postupne začneme od plátna vzďaľovať. Najprv sa pred nami začnú objavovať nepochopiteľné polkruhy, ktoré prechádzajú stredom obrazu, potom vidíme jasné obrysy člnov a pri vzďaľovaní sa na vzdialenosť približne dvoch metrov sa pred nami ostro rysujú všetky spojovacie diela. nás a zoradené v logickom reťazci.

Jackson Pollock "Number 5, 1948"

1948, drevovláknitá doska, olej. Rozmer 240×120 cm

Zvláštnosťou tohto obrazu je, že plátno amerického vodcu abstraktného expresionizmu, ktoré namaľoval rozliatím farby na kus drevovláknitej dosky položenej na podlahe, je najdrahším obrazom na svete. V roku 2006 zaň na aukcii Sotheby's zaplatili 140 miliónov dolárov. David Giffen, filmový producent a zberateľ, ho predal mexickému finančníkovi Davidovi Martinezovi.
„Naďalej sa vzďaľujem od bežných nástrojov umelca, ako je stojan, paleta a štetce. Preferujem paličky, naberačky, nože a tekutú farbu alebo zmes farby s pieskom, rozbitým sklom alebo niečím iným. Keď som vo vnútri obrazu, nie som si vedomý toho, čo robím. Pochopenie príde neskôr. Nebojím sa zmien alebo deštrukcie obrazu, keďže obraz si žije vlastným životom. Len jej pomáham. Ale ak stratím kontakt s obrazom, stane sa špinavým a neporiadnym. Ak nie, potom je to čistá harmónia, jednoduchosť toho, ako beriete a dávate."

Joan Miró "Muž a žena pred hromadou exkrementov"

1935, meď, olej, 23×32 cm

Nadácia Joana Miróa, Španielsko

Dobré meno. A kto by si myslel, že tento obrázok nám rozpráva o hrôzach občianskych vojen.
Obraz bol zhotovený na medený plech v týždni od 15. októbra do 22. októbra 1935. Podľa Mira ide o výsledok pokusu zobraziť tragédiu španielskej občianskej vojny. Miro povedal, že toto je obraz o období úzkosti. Obraz zobrazuje muža a ženu, ako sa naťahujú, aby sa objali, no nehýbali sa. Zväčšené pohlavné orgány a zlovestné farby boli opísané ako „plné znechutenia a nechutnej sexuality“.

Jacek Yerka "Erózia"

Poľský neosurrealista je známy po celom svete svojimi úžasnými maľbami, v ktorých sa reality spájajú a vytvárajú nové. Je ťažké uvažovať o jeho mimoriadne detailných a do istej miery dojemných dielach po jednom, ale toto je formát nášho materiálu a museli sme vybrať jeden, aby sme ilustrovali jeho predstavivosť a zručnosť. Odporúčame vám, aby ste si ho prečítali.

Bill Stoneham „Hands Resist Him“

Toto dielo, samozrejme, nemožno zaradiť medzi majstrovské diela svetovej maľby, ale to, že je zvláštne, je fakt.
Okolo obrazu s chlapcom, bábikou a rukami pritlačenými na sklo kolujú legendy. Od „ľudia zomierajú kvôli tomuto obrázku“ až po „deti na ňom žijú“. Obrázok vyzerá naozaj strašidelne, čo vyvoláva množstvo obáv a špekulácií medzi ľuďmi so slabou psychikou.
Umelec trval na tom, že obraz ho zobrazuje vo veku piatich rokov, že dvere predstavujú deliacu čiaru medzi skutočným svetom a svetom snov a bábika je sprievodcom, ktorý môže chlapca previesť týmto svetom. Ruky predstavujú alternatívne životy alebo možnosti.
Obraz sa preslávil vo februári 2000, keď bol uvedený na predaj na eBay s príbehom, ktorý hovorí, že obraz bol „strašidelný“. „Hands Resist Him“ kúpila za 1 025 dolárov Kim Smith, ktorá bola potom jednoducho zaplavená listami s strašidelnými príbehmi a požiadavkami na spálenie obrazu.

Umenie dokáže nielen inšpirovať, ale aj očariť a dokonca aj vystrašiť. Pri vytváraní nezvyčajných umelcov stelesňujú najskrytejšie obrazy a niekedy sa ukážu ako veľmi zvláštne. Takéto výtvory však majú takmer vždy veľa fanúšikov.

Aké sú najneobvyklejšie obrázky sveta, kto ich vytvára a o čom môžu vypovedať?

"Ruky mu vzdorujú"

Tento desivý obrázok začína svoj príbeh v roku 1972. Vtedy som prišiel z Kalifornie a našiel som v archíve starú fotografiu. Zobrazoval deti: samotného Billa a jeho sestru, ktorá zomrela vo veku štyroch rokov. Umelec bol prekvapený, že fotografia vznikla v dome, ktorý rodina získala po smrti dievčaťa. Mystický incident inšpiroval Billa k vytvoreniu tohto nezvyčajného obrazu.

Keď bolo plátno prezentované umeleckému kritikovi, čoskoro zomrel. Ťažko povedať, či sa to dá nazvať náhodou, pretože herec John Marley, ktorý obraz kúpil, čoskoro zomrel. Plátno sa stratilo a potom sa našlo na skládke. Malá dcérka nových majiteľov obrazu si okamžite začala všímať niečo zvláštne – trvala na tom, že namaľované deti sa bijú alebo prichádzajú k dverám do jej izby. Otec rodiny umiestnil do izby s obrazom kameru, ktorá mala reagovať na pohyb a fungovala, no zakaždým bol na filme len šum. Keď bol obraz na začiatku nového tisícročia daný do online aukcie, používatelia sa začali sťažovať, že sa im po zhliadnutí nerobí dobre. Napriek tomu ho kúpili. Kim Smith, majiteľka malej umeleckej galérie, sa rozhodla kúpiť niečo neobvyklé ako exponát.
Príbeh obrazu nekončí – zlo, ktoré z neho vychádza, si teraz všímajú návštevníci výstavy.

"Plačúci chlapec"

Keď sa spomínajú nezvyčajné maľby slávnych umelcov, nemožno nespomenúť tento. Celý svet vie o „prekliatom“ obraze s názvom „Plačúci chlapec“. Na jej vytvorenie použil ako predlohu vlastného syna. Chlapec nedokázal len tak plakať a jeho otec ho zámerne rozrušil tým, že ho strašil zapálenými zápalkami. Jedného dňa dieťa zakričalo svojmu otcovi: „Spáľ sa!“ a kliatba sa ukázala ako účinná - dieťa čoskoro zomrelo na zápal pľúc a jeho otec uhorel zaživa v dome. Pozornosť na obraz sa upriamila v roku 1985, keď sa v severnom Anglicku začali vyskytovať požiare. Ľudia zomierali v obytných budovách a nedotknutá zostala len obyčajná reprodukcia plačúceho dieťaťa. Známy obraz prenasleduje aj teraz – mnohí jednoducho neriskujú, že si ho zavesia do svojich domovov. Ešte nezvyčajnejšie je, že miesto pobytu originálu zostáva neznáme.

"kričať"

Nezvyčajné maľby neustále priťahujú pozornosť verejnosti a dokonca vyvolávajú pokusy zopakovať majstrovské dielo. Jedným z týchto obrazov, ktorý sa stal ikonickým v modernej kultúre, je „Výkrik“ od Muncha. Ide o tajomný, mystický obraz, ktorý niekomu pripadá ako fantázia duševne chorého človeka, pre iného predpoveď environmentálnej katastrofy a pre iného úplne absurdný portrét múmie. Tak či onak, atmosféra plátna vás láka a nedovolí vám zostať ľahostajným. Nezvyčajné maľby sú často plné detailov a „Scream“ je naopak dôrazne jednoduchý - používa dva hlavné odtiene a zobrazenie vzhľadu ústrednej postavy je zjednodušené až do primitivizmu. Ale práve tento zdeformovaný svet robí dielo obzvlášť atraktívnym.

Nezvyčajná je aj jeho história – dielo bolo viackrát ukradnuté. Napriek tomu sa zachoval a zostáva v múzeu, inšpiruje filmárov k tvorbe emotívnych filmov a umelcov k hľadaniu scén, ktoré nie sú o nič menej výrazné ako táto.

"Guernica"

Picasso namaľoval niekoľko veľmi nezvyčajných obrazov, ale jeden z nich je obzvlášť nezabudnuteľný. Výrazný „Guernica“ vznikol ako osobný protest proti nacistickým akciám v rovnomennom meste. Je plná umelcových osobných skúseností. Každý prvok obrazu je plný hlbokej symboliky: postavy utekajú pred ohňom, býk šliape po bojovníkovi, ktorého póza pripomína krucifix, pri nohách má rozdrvené kvety a holubicu, lebku a zlomený meč. v štýle novinovej ilustrácie je pôsobivá a má silný vplyv na emócie diváka.

"Mona Lisa"

Vytvorením nezvyčajných obrazov vlastnými rukami si Leonardo da Vinci zachoval svoje meno vo večnosti. Na jeho obrazy sa nezabudlo ani po šieste storočie. Najdôležitejšia z nich je „La Gioconda“ alebo „Mona Lisa“. Prekvapivo v denníkoch génia nie sú žiadne záznamy o práci na tomto portréte. Nemenej nezvyčajné je množstvo verzií o tom, kto je tam vyobrazený. Niektorí veria, že ide o ideálny ženský obraz alebo umelcovu matku, niektorí to vidia ako autoportrét a iní to vidia ako študentku da Vinciho. Podľa „oficiálneho“ názoru bola Mona Lisa manželkou florentského obchodníka. Nech je realita akákoľvek, portrét je skutočne nezvyčajný. Dievčenské pery zakrivuje sotva viditeľný úsmev a jej oči sú ohromujúce - zdá sa, že tento obrázok sa pozerá na svet a nie na publikum, ktoré doň nazerá. Rovnako ako mnoho iných nezvyčajných obrazov na svete, aj „La Gioconda“ bola vytvorená špeciálnou technikou: najtenšie vrstvy farby s najmenšími ťahmi, tak nepolapiteľné, že ani mikroskop, ani röntgen nedokáže identifikovať stopy umelcovho diela. Zdá sa, že dievča na obrázku je nažive a svetlé dymové svetlo, ktoré ju obklopuje, je skutočné.

"Pokušenie svätého Antona"

Samozrejme, najneobvyklejšie obrazy sveta nemožno študovať bez toho, aby ste sa oboznámili s prácou Salvadora Dalího. Nasledujúci príbeh je spojený s jeho úžasným dielom „Pokušenie sv. Antona“. V čase jeho vzniku prebiehala súťaž na herca do filmovej adaptácie Guya de Maupassanta „Bielorusko Ami“. Víťaz mal vytvoriť obraz pokúšaného svätca. Dianie inšpirovalo umelca námetom, ktorý používali aj jeho obľúbení majstri, napríklad Bosch. Na túto tému vytvoril triptych. Podobné dielo zobrazil aj Cezanne. Nezvyčajné je, že svätý Anton nie je len spravodlivý muž, ktorý videl hriešne videnie. Toto je zúfalá postava muža, ktorý čelí hriechom v podobe zvierat na tenkých pavúčích nohách - ak podľahne pokušeniu, nohy pavúkov sa zlomia a zničia ho pod nimi.

"nočná hliadka"

Nezvyčajné maľby umelcov často miznú alebo končia v centre mystického diania. Nič také sa nestalo s Rembrandtovou „Nočnou hliadkou“, ale s plátnom je stále veľa záhad.

Zápletka je zrejmá len na prvý pohľad – milícia ide na ťaženie, berie si so sebou zbrane, každý hrdina je plný vlastenectva a emócií, každý má individualitu a charakter. A hneď sa vynárajú otázky. Kto je toto dievčatko, ktoré vo vojenskom dave vyzerá ako jasný anjel? Symbolický maskot tímu alebo spôsob, ako vyvážiť zloženie? Ale to ani nie je dôležité. Predtým bola veľkosť obrazu iná - zákazníkom sa to nepáčilo a plátno rozrezali. Bol umiestnený v sále na hostiny a stretnutia, kde bolo plátno celé desaťročia pokryté sadzami. Teraz je nemožné zistiť, aké boli niektoré farby. Sadze z lojových sviečok nedokáže odstrániť ani najopatrnejšia obnova, takže o niektorých detailoch môže divák len hádať.

Našťastie je teraz majstrovské dielo v bezpečí. A aspoň jeho moderný vzhľad je starostlivo chránený. Je mu venovaná samostatná miestnosť, čím sa nemôžu pochváliť všetky slávne nezvyčajné obrazy.

"slnečnice"

Zoznam, ktorý obsahuje najznámejšie nezvyčajné obrazy sveta, dopĺňa Van Gogh. Jeho diela sú naplnené hlbokou emocionalitou a skrývajú za sebou tragický príbeh génia, ktorý bol za života nepoznaný. Jedným z najpamätnejších obrazov je plátno „Slnečnice“, ktoré koncentruje umelcove charakteristické odtiene a ťahy.

Ale to nie je jediný dôvod, prečo je to zaujímavé. Faktom je, že obraz sa neustále kopíruje a počet úspešne predaných kópií prevyšuje počet, ktorým sa môžu pochváliť iné nezvyčajné obrazy. Zároveň napriek takejto popularite zostáva obraz stále jedinečný. A okrem Van Gogha sa to naozaj nepodarilo nikomu.

Maľba, ak neberiete do úvahy realistov, vždy bola, je a bude zvláštna. Ale niektoré obrazy sú zvláštnejšie ako iné.
Zdá sa, že niektoré umelecké diela zasiahnu diváka cez hlavu, sú ohromujúce a úžasné. Niektoré vás vtiahnu do myšlienok a pri hľadaní vrstiev významu, tajnej symboliky. Niektoré obrazy sú zahalené tajomstvom a mystickými záhadami a niektoré prekvapia premrštenými cenami.

Bright Side starostlivo zhodnotila všetky hlavné úspechy svetového maliarstva a vybrala spomedzi nich dva tucty najzvláštnejších obrazov. Vo výbere nie sú obrazy Salvadora Dalího, ktorého diela úplne spadajú do formátu tohto materiálu a sú prvé, ktoré prídu na myseľ.

"kričať"

Edvard Munch. 1893, kartón, olej, tempera, pastel
Národná galéria, Oslo

Výkrik je považovaný za medzník v expresionizme a jeden z najznámejších obrazov na svete. Existujú dve interpretácie toho, čo je zobrazené: je to samotný hrdina, ktorý je zachvátený hrôzou a ticho kričí, tlačí si ruky na uši; alebo si hrdina zatvára uši pred krikom sveta a prírody znejúcej okolo neho. Munch napísal štyri verzie Výkriku a existuje verzia, že tento obraz je ovocím maniodepresívnej psychózy, ktorou umelec trpel. Po kúre na klinike sa Munch nevrátil k práci na plátne.

„Kráčal som po cestičke s dvoma priateľmi – slnko zapadalo – zrazu sa obloha sfarbila do krvavočervenej farby, zastavil som sa vyčerpaný a oprel som sa o plot – pozeral som na krv a plamene nad modročiernym fjordom a mesto - moji priatelia sa pohli ďalej a ja som stál a triasol som sa vzrušením a cítil som, ako nekonečný krik preniká prírodou,“ povedal o histórii obrazu Edvard Munch.

"Odkiaľ prichádzame? Kto sme? Kam ideme?"

Paul Gauguin. 1897-1898, olej na plátne
Múzeum výtvarného umenia, Boston

Podľa samotného Gauguina by sa mal obraz čítať sprava doľava – tri hlavné skupiny postáv ilustrujú otázky položené v názve. Tri ženy s dieťaťom predstavujú začiatok života; stredná skupina symbolizuje každodennú existenciu zrelosti; v poslednej skupine, podľa umelcovho plánu, „stará žena, ktorá sa blíži k smrti, vyzerá zmierená a odovzdaná svojim myšlienkam“, pri jej nohách „zvláštny biely vták... predstavuje zbytočnosť slov“.

Hlboko filozofický obraz postimpresionistu Paula Gauguina namaľoval na Tahiti, kam utiekol z Paríža. Po dokončení diela chcel dokonca spáchať samovraždu, pretože: „Verím, že tento obraz nielenže prekoná všetky moje predchádzajúce a že už nikdy nevytvorím nič lepšie alebo dokonca podobné.“ Žil ďalších 5 rokov a tak sa aj stalo.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, olej na plátne
Múzeum Reina Sofia, Madrid

„Guernica“ predstavuje výjavy smrti, násilia, brutality, utrpenia a bezmocnosti, bez uvedenia ich bezprostredných príčin, no sú zrejmé. Hovorí sa, že v roku 1940 bol Pablo Picasso predvolaný gestapom v Paríži. Rozhovor sa okamžite zvrtol na obraz. "Urobil si to?" -"Nie, urobil si to."

Ján van Eyck. 1434, drevo, olej
Londýnska národná galéria, Londýn

Slávny obraz je úplne plný symbolov, alegórií a rôznych odkazov - až po podpis „Jan van Eyck bol tu“, ktorý z neho urobil nielen umelecké dielo, ale aj historický dokument potvrdzujúci skutočnú udalosť, na ktorej umelec bol prítomný.

Portrét, pravdepodobne Giovanniho di Nicolao Arnolfiniho a jeho manželky, je jedným z najkomplexnejších diel západnej školy severskej renesančnej maľby. V Rusku si obraz v posledných rokoch získal veľkú popularitu vďaka podobnosti Arnolfiniho portrétu s Vladimírom Putinom.

"Sediaci démon"

Michail Vrubel. 1890, olej na plátne
Tretiakovská galéria, Moskva

Obraz Michaila Vrubela prekvapuje obrazom démona. Smutný, dlhovlasý chlapík sa vôbec nepodobá bežnej ľudskej predstave o tom, ako by mal vyzerať zlý duch. Toto je obraz sily ľudského ducha, vnútorného boja, pochybností. Démon s tragickým zovretím rúk sedí so smutnými, obrovskými očami smerujúcimi do diaľky, obklopený kvetmi. Kompozícia zdôrazňuje obmedzenie postavy démona, ako keby bola vtlačená medzi hornú a dolnú priečku rámu.

Samotný umelec hovoril o svojom najslávnejšom obraze: „Démon nie je ani tak zlý duch, ako skôr trpiaci a smutný duch, zároveň mocný, majestátny duch.

"Apoteóza vojny"

Vasilij Vereščagin. 1871, olej na plátne
Štátna Treťjakovská galéria, Moskva

Obraz je namaľovaný tak hlboko a emotívne, že za každou lebkou ležiacou v tejto kôpke začínate vidieť ľudí, ich osudy a osudy tých, ktorí týchto ľudí už nikdy neuvidia. Samotný Vereshchagin so smutným sarkazmom nazval plátno „zátišie“ - zobrazuje „mŕtvu prírodu“. Všetky detaily obrazu, vrátane žltej farby, symbolizujú smrť a skazu. Jasná modrá obloha zdôrazňuje mŕtvosť obrazu. Myšlienku „Apoteózy vojny“ vyjadrujú aj jazvy po šable a diery po guľkách na lebkách.

"americká gotika"

Grant Wood. 1930, olej. Rozmer 74×62 cm
Art Institute of Chicago, Chicago

Obraz s pochmúrnym otcom a dcérou je plný detailov, ktoré naznačujú krutosť, puritánstvo a retrográdnu povahu zobrazených ľudí. Nahnevané tváre, vidly priamo v strede obrazu, staromódne oblečenie aj podľa noriem z roku 1930, odhalený lakeť, švy na farmárskych šatách, ktoré opakujú tvar vidly, a teda hrozba, ktorá je adresovaná každému, kto zasahuje. . Môžete sa pozerať na všetky tieto detaily donekonečna a krčiť sa od nepohodlia. „Americká gotika“ je jedným z najznámejších obrázkov v americkom umení 20. storočia, najznámejším umeleckým memom 20. a 21. storočia. Zaujímavé je, že porotcovia súťaže v Art Institute of Chicago vnímali „gotiku“ ako „vtipnú valentínku“ a obyvateľov Iowy Wood strašne pohoršoval, že ich vykreslil v tak nepríjemnom svetle.

"milenci"

René Magritte. 1928, olej na plátne

Obraz "Milovníci" ("Milenci") existuje v dvoch verziách. V jednom sa muž a žena, ktorých hlavy sú zabalené v bielom plátne, bozkávajú, v druhom sa „dívajú“ na diváka. Obraz prekvapí a zaujme. S dvoma postavami bez tváre Magritte vyjadril myšlienku slepoty lásky. O slepote v každom zmysle: milenci nikoho nevidia, my nevidíme ich pravú tvár a okrem toho sú milenci záhadou aj jeden pre druhého. Ale napriek tejto zjavnej jasnosti sa stále pozeráme na Magritteových milencov a premýšľame o nich.

Takmer všetky Magrittove obrazy sú hádanky, ktoré nemožno úplne vyriešiť, pretože vyvolávajú otázky o samotnej podstate existencie. Magritte vždy hovorí o klamstve viditeľného, o jeho skrytom tajomstve, ktoré si zvyčajne nevšimneme.

"Chôdza"

Marc Chagall. 1917, olej na plátne
Štátna Treťjakovská galéria

"Walk" je autoportrét s jeho manželkou Bellou. Jeho milovaná sa vznáša na oblohe a čoskoro strhne Chagall, ktorý neisto stojí na zemi, do letu, akoby sa jej dotýkal len špičkami topánok. Chagall má v druhej ruke sýkorku - teší sa, v rukách má aj sýkorku (asi jeho obraz) aj koláč na oblohe. Marc Chagall, zvyčajne mimoriadne vážny vo svojej maľbe, napísal nádherný manifest vlastného šťastia, plný alegórií a lásky.

"Záhrada pozemských rozkoší"

Hieronymus Bosch. 1500-1510, drevo, olej
Prado, Španielsko

„Záhrada pozemských rozkoší“ - najznámejší triptych Hieronyma Boscha, ktorý dostal svoje meno podľa témy centrálnej časti, je venovaný hriechu zmyselnosti. Obraz je vyplnený priehľadnými postavami, fantastickými štruktúrami, príšerami, halucináciami, ktoré nadobudli telo, pekelnými karikatúrami reality, na ktorú sa pozerá skúmavým, mimoriadne ostrým pohľadom.

Niektorí vedci chceli v triptychu vidieť zobrazenie ľudského života cez prizmu jeho márnosti a obrazy pozemskej lásky, iní - triumf zmyselnosti. Jednoduchosť a istý odstup, s akým sú jednotlivé postavy interpretované, ako aj priaznivý postoj cirkevnej vrchnosti k tomuto dielu však vyvolávajú pochybnosti, že by jeho obsahom mohlo byť ospevovanie telesných pôžitkov. Dodnes nebola žiadna z dostupných interpretácií maľby uznaná ako jediná správna.

"Tri veky ženy"

Gustav Klimt. 1905, olej na plátne
Národná galéria moderného umenia, Rím

„Tri veky ženy“ sú radostné aj smutné. Príbeh života ženy je v ňom napísaný v troch postavách: bezstarostnosť, pokoj a zúfalstvo. Mladá žena je organicky votkaná do vzorca života, stará žena z neho vyčnieva. Kontrast medzi štylizovaným obrazom mladej ženy a naturalistickým obrazom starej ženy nadobúda symbolický význam: prvá fáza života so sebou prináša nekonečné možnosti a metamorfózy, posledná - nemennú stálosť a konflikt s realitou. Plátno nepustí, dostane sa do duše a prinúti vás zamyslieť sa nad hĺbkou umelcovho posolstva, ako aj nad hĺbkou a nevyhnutnosťou života.

"rodina"

Egon Schiele. 1918, olej na plátne
Galéria Belvedere, Viedeň

Schiele bol Klimtovým žiakom, no ako každý vynikajúci žiak nekopíroval svojho učiteľa, ale hľadal niečo nové. Schiele je oveľa tragickejší, podivnejší a desivejší ako Gustav Klimt. V jeho dielach je veľa toho, čo by sa dalo nazvať pornografiou, rôzne zvrátenosti, naturalizmus a zároveň ubolené zúfalstvo. „Rodina“ je jeho najnovším dielom, v ktorom je zúfalstvo dovedené do extrému, napriek tomu, že ide o jeho najmenej čudne vyzerajúci obraz. Namaľoval ho tesne pred smrťou, po tom, čo jeho tehotná manželka Edith zomrela na španielsku chrípku. Zomrel vo veku 28 rokov, len tri dni po Edith, keď namaľoval ju, seba a ich nenarodené dieťa.

"Dve Fridy"

Frida Kahlo. 1939

Príbeh o neľahkom živote mexickej umelkyne Fridy Kahlo sa stal všeobecne známym po uvedení filmu "Frida" v hlavnej úlohe so Salmou Hayek. Kahlo maľovala väčšinou autoportréty a vysvetlila to jednoducho: „Maľujem sa, pretože trávim veľa času sama a pretože som téma, ktorú poznám najlepšie.“ Ani na jednom autoportréte sa Frida Kahlo neusmieva: vážna, ba až smútočná tvár, zrastené husté obočie, sotva badateľné fúzy nad pevne stlačenými perami. Myšlienky jej obrazov sú zakódované v detailoch, pozadí, postavách, ktoré sa objavujú vedľa Fridy. Kahloho symbolika vychádza z národných tradícií a je úzko spätá s indickou mytológiou predhispánskeho obdobia. V jednom z najlepších obrazov - „Dve Fridy“ - vyjadrila mužské a ženské princípy, ktoré sú v nej spojené jediným obehovým systémom, čo demonštruje jej integritu.

"Most Waterloo. Efekt hmly"

Claude Monet. 1899, olej na plátne
Štátne múzeum Ermitáž, Petrohrad

Pri pohľade na obraz z blízka divák nevidí nič iné ako plátno, na ktorom sú nanesené časté silné olejové ťahy. Celé kúzlo diela sa odhalí, keď sa postupne začneme vzďaľovať od plátna na veľkú vzdialenosť. Najprv sa pred nami začnú objavovať nepochopiteľné polkruhy, ktoré prechádzajú stredom obrazu, potom vidíme jasné obrysy člnov a pri vzďaľovaní sa na vzdialenosť približne dvoch metrov sa pred nami ostro rysujú všetky spojovacie diela. nás a zoradené v logickom reťazci.

"Číslo 5, 1948"

Jackson Pollock. 1948, drevovláknitá doska, olej

Zvláštnosťou tohto obrazu je, že plátno amerického vodcu abstraktného expresionizmu, ktoré namaľoval rozliatím farby na kus drevovláknitej dosky položenej na podlahe, je najdrahším obrazom na svete. V roku 2006 zaň na aukcii Sotheby's zaplatili 140 miliónov dolárov. David Giffen, filmový producent a zberateľ, ho predal mexickému finančníkovi Davidovi Martinezovi. "Naďalej sa vzďaľujem od bežných nástrojov umelca, akými sú stojan, paleta a štetce. Uprednostňujem paličky, naberačky, nože a tekutú farbu alebo zmes farby s pieskom, rozbitým sklom alebo niečím iným. Keď som Vo vnútri obrazu si nie som vedomý toho, čo robím, nemám strach zo zmien alebo deštrukcie obrazu, pretože obraz si žije vlastným životom špina a neporiadok, je to čistá harmónia, jednoduchosť toho, ako beriete a dávate."

"Muž a žena pred hromadou exkrementov"

Joan Miro. 1935, meď, olej
Nadácia Joana Miróa, Španielsko

Dobré meno. A kto by si myslel, že tento obrázok nám rozpráva o hrôzach občianskych vojen. Obraz bol zhotovený na medený plech v týždni od 15. októbra do 22. októbra 1935. Podľa Mira ide o výsledok pokusu zobraziť tragédiu španielskej občianskej vojny. Miro povedal, že toto je obraz o období úzkosti. Obraz zobrazuje muža a ženu, ako sa naťahujú, aby sa objali, no nehýbali sa. Zväčšené pohlavné orgány a zlovestné farby boli opísané ako „plné znechutenia a nechutnej sexuality“.

"erózia"

Jacek Jerka

"Ruky mu vzdorujú"

Bill Stoneham. 1972

Toto dielo, samozrejme, nemožno zaradiť medzi majstrovské diela svetovej maľby, ale to, že je zvláštne, je fakt. Okolo obrazu s chlapcom, bábikou a rukami pritlačenými na sklo kolujú legendy. Od „ľudia zomierajú kvôli tomuto obrázku“ až po „deti na ňom žijú“. Obrázok vyzerá naozaj strašidelne, čo vyvoláva množstvo obáv a špekulácií medzi ľuďmi so slabou psychikou. Umelec trval na tom, že obraz ho zobrazuje vo veku piatich rokov, že dvere predstavujú deliacu čiaru medzi skutočným svetom a svetom snov a bábika je sprievodcom, ktorý môže chlapca previesť týmto svetom. Ruky predstavujú alternatívne životy alebo možnosti. Obraz sa preslávil vo februári 2000, keď bol daný na predaj na eBay s príbehom, ktorý hovorí, že obraz „straší“. „Hands Resist Him“ kúpila za 1 025 dolárov Kim Smith, ktorá bola potom jednoducho zaplavená listami s strašidelnými príbehmi a požiadavkami na spálenie obrazu.

Maľba, ak neberiete do úvahy realistov, vždy bola, je a bude zvláštna. Metaforický, hľadajúci nové formy a výrazové prostriedky. Ale niektoré zvláštne obrazy sú zvláštnejšie ako iné.

Je jasné, že „zvláštnosť“ je dosť subjektívny pojem a každý má svoje úžasné obrazy, ktoré sa odlišujú od iných umeleckých diel. Napríklad diela Salvadora Dalího, ktoré úplne spadajú do formátu tohto materiálu a sú prvé, ktoré prídu na myseľ, zámerne nie sú zahrnuté v tomto výbere.

Salvador Dalí

"Mladá panna oddávajúca sa hriechu Sodomy s rohmi svojej cudnosti"

1954

Edvard Munch "Výkrik"
1893, kartón, olej, tempera, pastel. Rozmery 91 x 73,5 cm
Národná galéria, Oslo

Výkrik je považovaný za medzník v expresionizme a jeden z najznámejších obrazov na svete.

„Išiel som po cestičke s dvoma priateľmi – slnko zapadalo – zrazu sa obloha sfarbila do krvavočervenej farby, zastavil som sa vyčerpaný a oprel som sa o plot – pozrel som sa na krv a plamene nad modročiernym fjordom a mesto - moji priatelia sa pohli ďalej a ja som stál a triasol som sa vzrušením a cítil som, ako nekonečný krik preniká prírodou,“ povedal o histórii obrazu Edvard Munch.

Existujú dve interpretácie toho, čo je zobrazené: je to samotný hrdina, ktorý je zachvátený hrôzou a ticho kričí, tlačí si ruky na uši; alebo si hrdina zatvára uši pred krikom sveta a prírody znejúcej okolo neho. Munch napísal 4 verzie „Výkriku“ a existuje verzia, že tento obraz je ovocím maniodepresívnej psychózy, ktorou umelec trpel. Po kúre na klinike sa Munch nevrátil k práci na plátne.

Paul Gauguin "Odkiaľ sme prišli? Kto sme? Kam ideme?"
1897-1898, olej na plátne. 139,1 x 374,6 cm
Múzeum výtvarného umenia, Boston

Pablo Picasso "Guernica"
1937, olej na plátne. Rozmery 349 x 776 cm
Múzeum Reina Sofia, Madrid

Jan van Eyck "Portrét páru Arnolfini"
1434, drevo, olej. 81,8 x 59,7 cm
Londýnska národná galéria, Londýn

Portrét údajne Giovanniho di Nicolao Arnolfiniho a jeho manželky je jedným z najkomplexnejších diel západnej školy severskej renesančnej maľby.

V Rusku si obraz v posledných rokoch získal veľkú popularitu vďaka podobnosti Arnolfiniho portrétu s Vladimírom Putinom

Michail Vrubel "Sediaci démon"
1890, olej na plátne. Rozmer 114 x 211 cm
Tretiakovská galéria, Moskva

Toto je obraz sily ľudského ducha, vnútorného boja, pochybností. Démon s tragickým zovretím rúk sedí so smutnými, obrovskými očami smerujúcimi do diaľky, obklopený kvetmi. Kompozícia zdôrazňuje obmedzenie postavy démona, ako keby bola vtlačená medzi hornú a dolnú priečku rámu.

Vasily Vereshchagin "Apoteóza vojny"
1871, olej na plátne. Rozmer 127 x 197 cm
Štátna Treťjakovská galéria, Moskva

Všetky detaily obrazu, vrátane žltej farby, symbolizujú smrť a skazu. Jasná modrá obloha zdôrazňuje mŕtvosť obrazu. Myšlienku „Apoteózy vojny“ vyjadrujú aj jazvy po šable a diery po guľkách na lebkách.

Grant Wood "Americká gotika"
1930, olej. Rozmer 74 x 62 cm
Art Institute of Chicago, Chicago

„Americká gotika“ je jedným z najznámejších obrázkov v americkom umení 20. storočia, najznámejším umeleckým memom 20. a 21. storočia.

Zaujímavé je, že porotcovia súťaže v Art Institute of Chicago vnímali „gotiku“ ako „vtipnú valentínku“ a obyvateľov Iowy Wood strašne pohoršoval, že ich vykreslil v tak nepríjemnom svetle.

Rene Magritte "Milenci"
1928, olej na plátne

Marc Chagall "Chôdza"
1917, olej na plátne
Štátna Treťjakovská galéria

Marc Chagall, zvyčajne mimoriadne vážny vo svojej maľbe, napísal nádherný manifest vlastného šťastia, plný alegórií a lásky.

Hieronymus Bosch "Záhrada pozemských rozkoší"
1500-1510, drevo, olej. Rozmer 389 x 220 cm
Prado, Španielsko

Pretrvávajúce čaro a zároveň zvláštnosť triptychu spočíva v spôsobe, akým umelec prostredníctvom mnohých detailov vyjadruje hlavnú myšlienku. Obraz je vyplnený priehľadnými postavami, fantastickými štruktúrami, príšerami, halucináciami, ktoré nadobudli telo, pekelnými karikatúrami reality, na ktorú sa pozerá skúmavým, mimoriadne ostrým pohľadom.

Niektorí vedci chceli v triptychu vidieť obraz ľudského života cez prizmu jeho márnosti a obrazy pozemskej lásky, iní - triumf zmyselnosti. Jednoduchosť a istý odstup, s akým sú jednotlivé postavy interpretované, ako aj priaznivý postoj cirkevnej vrchnosti k tomuto dielu však vyvolávajú pochybnosti, že by jeho obsahom mohlo byť ospevovanie telesných pôžitkov.

Gustav Klimt „Tri veky ženy“
1905, olej na plátne. 180 x 180 cm
Národná galéria moderného umenia, Rím

„Tri veky ženy“ sú radostné aj smutné. Príbeh života ženy je v ňom napísaný v troch postavách: bezstarostnosť, pokoj a zúfalstvo. Mladá žena je organicky votkaná do vzorca života, stará žena z neho vyčnieva. Kontrast medzi štylizovaným obrazom mladej ženy a naturalistickým obrazom starej ženy nadobúda symbolický význam: prvá fáza života so sebou prináša nekonečné možnosti a metamorfózy, posledná - nemennú stálosť a konflikt s realitou.

Plátno nepustí, dostane sa do duše a prinúti vás zamyslieť sa nad hĺbkou umelcovho posolstva, ako aj nad hĺbkou a nevyhnutnosťou života.

Egon Schiele "Rodina"
1918, olej na plátne. 152,5 x 162,5 cm
Galéria Belvedere, Viedeň

„Rodina“ je jeho najnovším dielom, v ktorom je zúfalstvo dovedené do extrému, napriek tomu, že ide o jeho najmenej čudne vyzerajúci obraz. Namaľoval ho tesne pred smrťou, po tom, čo jeho tehotná manželka Edith zomrela na španielsku chrípku. Zomrel vo veku 28 rokov, len tri dni po Edith, keď namaľoval ju, seba a ich nenarodené dieťa.

Frida Kahlo "Dve Fridy"
1939

Ani na jednom autoportréte sa Frida Kahlo neusmieva: vážna, ba až smútočná tvár, zrastené husté obočie, sotva badateľné fúzy nad pevne stlačenými perami. Myšlienky jej obrazov sú zakódované v detailoch, pozadí, postavách vystupujúcich vedľa Fridy. Kahloho symbolika vychádza z národných tradícií a je úzko spätá s indickou mytológiou predhispánskeho obdobia.

V jednom z najlepších obrazov - „Dve Fridy“ - vyjadrila mužské a ženské princípy, ktoré sú v nej spojené jediným obehovým systémom, čo demonštruje jej integritu. Viac informácií o Fride nájdete TU krásny zaujímavý príspevok

Claude Monet "Most Waterloo. Účinok hmly"
1899, olej na plátne
Štátne múzeum Ermitáž, Petrohrad

Najprv sa pred nami začnú objavovať nepochopiteľné polkruhy, ktoré prechádzajú stredom obrazu, potom vidíme jasné obrysy člnov a pri vzďaľovaní sa na vzdialenosť približne dvoch metrov sa pred nami ostro rysujú všetky spojovacie diela. nás a zoradené v logickom reťazci.

Jackson Pollock "Number 5, 1948"
1948, drevovláknitá doska, olej. 240 x 120 cm

"Naďalej sa vzďaľujem od bežných nástrojov umelca, akými sú stojan, paleta a štetce. Uprednostňujem paličky, naberačky, nože a tekutú farbu alebo zmes farby s pieskom, rozbitým sklom alebo niečím iným. Keď som vo vnútri maľby si nie som vedomý toho, čo robím, nemám strach zo zmien alebo deštrukcie obrazu, pretože obraz si žije vlastným životom špina a neporiadok, potom je to čistá harmónia, jednoduchosť toho, ako beriete a dávate."

Joan Miró "Muž a žena pred hromadou exkrementov"
1935, meď, olej, 23x32 cm
Nadácia Joana Miróa, Španielsko

Dobré meno. A kto by si myslel, že tento obrázok nám rozpráva o hrôzach občianskych vojen. Obraz bol zhotovený na medený plech v týždni od 15. októbra do 22. októbra 1935.

Podľa Mira ide o výsledok pokusu zobraziť tragédiu španielskej občianskej vojny. Miro povedal, že toto je obraz o období úzkosti.

Obraz zobrazuje muža a ženu, ako sa naťahujú, aby sa objali, no nehýbali sa. Zväčšené pohlavné orgány a zlovestné farby boli opísané ako „plné znechutenia a nechutnej sexuality“.

Jacek Yerka "Erózia"

Poľský neosurrealista je známy po celom svete svojimi úžasnými maľbami, v ktorých sa reality spájajú a vytvárajú nové.

Bill Stoneham „Hands Resist Him“
1972

Toto dielo, samozrejme, možno len ťažko považovať za majstrovské dielo svetovej maľby, ale to, že je zvláštne, je fakt.

Okolo obrazu s chlapcom, bábikou a rukami pritlačenými na sklo kolujú legendy. Od „ľudia zomierajú kvôli tomuto obrázku“ až po „deti na ňom žijú“. Obrázok vyzerá naozaj strašidelne, čo vyvoláva množstvo obáv a špekulácií medzi ľuďmi so slabou psychikou.

Umelec trval na tom, že obraz ho zobrazuje vo veku piatich rokov, že dvere predstavujú deliacu čiaru medzi skutočným svetom a svetom snov a bábika je sprievodcom, ktorý môže chlapca previesť týmto svetom. Ruky predstavujú alternatívne životy alebo možnosti.

Obraz sa preslávil vo februári 2000, keď bol daný na predaj na eBay s príbehom, ktorý hovorí, že obraz „straší“.

„Hands Resist Him“ kúpila za 1 025 dolárov Kim Smith, ktorú potom jednoducho zaplavili listy s strašidelnými príbehmi o tom, ako sa objavili halucinácie, ľudia sa pri pohľade na dielo skutočne zbláznili a požadovali spálenie obrazu.

2. Paul Gauguin „Odkiaľ sme prišli? kto sme? kam ideme?

897-1898, olej na plátne. 139,1 × 374,6 cm
Múzeum výtvarného umenia, Boston

Hlboko filozofický obraz postimpresionistu Paula Gauguina namaľoval na Tahiti, kam utiekol z Paríža. Po dokončení diela chcel dokonca spáchať samovraždu, pretože veril: „Verím, že tento obraz nielenže prekoná všetky moje predchádzajúce, ale že už nikdy nevytvorím niečo lepšie alebo dokonca podobné.“

V lete na konci 80. rokov minulého storočia sa v Pont-Aven (Bretónsko, Francúzsko) zišlo veľa francúzskych umelcov. Zišli sa a takmer okamžite sa rozdelili na dve znepriatelené skupiny. Jedna skupina zahŕňala umelcov, ktorí sa vydali na cestu hľadania a spájalo ich spoločné meno „impresionisti“. Podľa druhej skupiny na čele s Paulom Gauguinom bolo toto pomenovanie urážlivé. P. Gauguin mal v tom čase už pod štyridsať rokov. Obklopený tajomnou aurou cestovateľa, ktorý spoznával cudzie krajiny, mal bohaté životné skúsenosti a obdivovateľov a napodobiteľov jeho diela.

Oba tábory boli rozdelené na základe ich postavenia. Ak impresionisti bývali na povalách alebo povalách, tak iní umelci obsadili najlepšie izby hotela Gloanek a jedli v najväčšej a najkrajšej sále reštaurácie, kam členovia prvej skupiny nesmeli. Stretnutia medzi skupinami však P. Gauguinovi nielenže nezabránili v práci, naopak, do istej miery mu pomohli uvedomiť si tie črty, ktoré v ňom vyvolali búrlivý protest. Odmietnutie analytickej metódy impresionistov bolo prejavom jeho úplného prehodnotenia úloh maľby. Túžba impresionistov zachytiť všetko, čo videli, ich samotný umelecký princíp – dať svojim obrazom zdanie niečoho náhodne škvrnitého – nezodpovedali panovačnej a energickej povahe P. Gauguina.

Ešte menej bol spokojný s teoretickým a umeleckým výskumom J. Seurata, ktorý sa snažil zredukovať maliarstvo na chladné, racionálne používanie vedeckých vzorcov a receptov. Pointilistická technika J. Seurata, jeho metodické nanášanie farby krížovými ťahmi štetca a bodkami dráždilo Paula Gauguina svojou monotónnosťou.

Umelcov pobyt na Martiniku medzi prírodou, ktorá mu pripadala ako luxusný, rozprávkový koberec, napokon presvedčil P. Gauguina, aby vo svojich obrazoch používal len nerozloženú farbu. Spolu s ním umelci, ktorí zdieľali jeho myšlienky, hlásali ako svoj princíp „Syntézu“ – teda syntetické zjednodušenie línií, tvarov a farieb. Účelom tohto zjednodušenia bolo navodiť dojem maximálnej intenzity farieb a vynechať všetko, čo takýto dojem oslabuje. Táto technika tvorila základ starej dekoratívnej maľby fresiek a vitráží.

P. Gauguin sa veľmi zaujímal o otázku vzťahu farby a náterov. Vo svojej maľbe sa snažil vyjadriť nie náhodné a nie povrchné, ale trvalé a podstatné. Zákonom bola pre neho iba tvorivá vôľa umelca a svoju umeleckú úlohu videl vo vyjadrení vnútornej harmónie, ktorú chápal ako syntézu úprimnosti prírody a nálady umelcovej duše, znepokojenej touto úprimnosťou. . Sám P. Gauguin o tom hovoril takto: „Neberiem do úvahy navonok viditeľnú pravdu prírody... Opravte túto falošnú perspektívu, ktorá svojou pravdivosťou skresľuje subjekt... Mali by ste sa vyhnúť dynamike dýchajte s vami pokoj a pokoj v duši, vyhýbajte sa pohyblivým pózam... Každá z postáv by mala byť v statickej polohe.“ A skrátil perspektívu svojich obrazov, priblížil ju k rovine, rozmiestnil postavy v čelnej polohe a vyhol sa skráteniu. Preto sú ľudia, ktorých zobrazuje P. Gauguin, na obrazoch nehybní: sú ako sochy vytesané veľkým dlátom bez zbytočných detailov.

Na Tahiti sa začalo obdobie zrelej tvorivosti Paula Gauguina a práve tu sa preňho naplno rozvinul problém umeleckej syntézy. Na Tahiti umelec opustil veľa z toho, čo poznal: v trópoch sú formy jasné a jasné, tiene sú ťažké a horúce a kontrasty sú obzvlášť ostré. Tu sa všetky úlohy, ktoré stanovil v Pont-Aven, vyriešili sami. Farby P. Gauguina sa stávajú čistými, bez ťahov štetcom. Jeho tahitské maľby pôsobia dojmom orientálnych kobercov či fresiek, takže harmonicky sú farby v nich privedené do určitého tónu.

Dielo P. Gauguina tohto obdobia (teda umelcova prvá návšteva Tahiti) sa zdá byť nádhernou rozprávkou, ktorú zažil medzi primitívnou, exotickou prírodou ďalekej Polynézie. V regióne Mataye nájde malú dedinu, kúpi si chatrč, na ktorej jednej strane špliecha oceán a na druhej vidno horu s obrovskou štrbinou. Európania sa sem ešte nedostali a život sa P. Gauguinovi zdal skutočným pozemským rajom. Poslúcha pomalý rytmus tahitského života, absorbuje jasné farby modrého mora, občas pokrytého zelenými vlnami, ktoré hlučne narážajú na koralové útesy.

Od prvých dní umelec nadviazal jednoduché ľudské vzťahy s Tahiťanmi. Dielo začína P. Gauguina uchvacovať čoraz viac. Robí početné skice a skice zo života, každopádne sa snaží zachytiť na plátno, papier či drevo charakteristické tváre Tahiťanov, ich postavy a pózy – v procese práce alebo počas odpočinku. V tomto období vytvoril svetoznáme obrazy „Duch mŕtvych sa prebúdza“, „Žiarliš?“, „Rozhovor“, „Tahitské pastorácie“.

No ak sa mu v roku 1891 zdala cesta na Tahiti žiarivá (cestoval sem po niekoľkých umeleckých víťazstvách vo Francúzsku), potom druhýkrát odišiel na svoj milovaný ostrov ako chorý, ktorý stratil väčšinu ilúzií. Všetko na ceste ho dráždilo: nútené zastávky, zbytočné výdavky, nepríjemnosti na cestách, colné dohady, dotieraví spolucestujúci...

Na Tahiti nebol len dva roky a veľa sa tu zmenilo. Európsky nájazd zničil pôvodný život domorodcov, všetko sa P. Gauguinovi zdá ako neznesiteľná spleť: elektrické osvetlenie v Papeete - hlavnom meste ostrova, aj neznesiteľné kolotoče pri kráľovskom zámku a zvuky fonografu rušiace niekdajšie ticho. .

Tentoraz sa umelec zastaví v oblasti Punoauia, na západnom pobreží Tahiti, a postaví si dom na prenajatom pozemku s výhľadom na more a hory. V očakávaní, že sa na ostrove pevne uchytí a vytvorí podmienky pre prácu, nešetrí náklady na organizáciu svojho domova a čoskoro, ako to už často býva, zostane bez peňazí. P. Gauguin počítal s priateľmi, ktorí si od neho pred odchodom umelca z Francúzska požičali celkovo 4000 frankov, no s vrátením sa neponáhľali. Napriek tomu, že im posielal početné upomienky na svoje povinnosti, sťažoval sa na svoj osud a mimoriadne trápenie...

Na jar 1896 sa umelec ocitá v zajatí najvážnejšej potreby. K tomu sa pridáva bolesť zlomenej nohy, ktorá je pokrytá vredmi a spôsobuje mu neznesiteľné utrpenie, zbavuje ho spánku a energie. Myšlienka na zbytočnosť úsilia v boji o existenciu, na zlyhávanie všetkých umeleckých plánov ho núti stále častejšie premýšľať o samovražde. Akonáhle však P. Gauguin pocíti najmenšiu úľavu, prevezme v ňom povaha umelca a pesimizmus sa rozplynie pred radosťou zo života a tvorivosti.

Boli to však vzácne chvíle a nešťastia nasledovali jedno za druhým s katastrofálnou pravidelnosťou. A najstrašnejšou správou pre neho bola správa z Francúzska o smrti jeho milovanej dcéry Aliny. Keďže P. Gauguin nedokázal prežiť stratu, vzal si obrovskú dávku arzénu a odišiel do hôr, aby ho nikto nemohol zastaviť. Pokus o samovraždu viedol k tomu, že noc strávil v hroznej agónii, bez akejkoľvek pomoci a úplne sám.

Umelec bol dlho v úplnom sklamaní a nemohol držať štetec v rukách. Jedinou útechou mu bolo obrovské plátno (450 x 170 cm), ktoré namaľoval ešte pred pokusom o samovraždu. Obraz nazval "Odkiaľ pochádzame? Kto sme? Kam ideme?" a v jednom zo svojich listov napísal: „Skôr ako som zomrel, vložil som do toho všetku svoju energiu, takú bolestnú vášeň v mojich hrozných podmienkach a víziu tak jasnú, bez korekcie, že stopy zhonu zmizli a všetok život bol viditeľný. v ňom.“

P. Gauguin pracoval na obraze v strašnom napätí, hoci nápad naň živil vo svojej fantázii už dlho, sám nevedel presne povedať, kedy prvý raz vznikol nápad na tento obraz. Jednotlivé fragmenty tohto monumentálneho diela napísal v rôznych rokoch a v iných dielach. Napríklad ženská postava z „Tahitských pastorálov“ sa na tomto obraze opakuje vedľa idolu, ústrednú postavu zberača ovocia sme našli v zlatom náčrte „Muž zbierajúci ovocie zo stromu“...

Paul Gauguin sníval o rozšírení možností maľby a snažil sa dať svojej maľbe charakter fresky. Za týmto účelom necháva dva horné rohy (jeden s názvom obrazu, druhý s podpisom umelca) žlté a nevyplnené maľbou - „ako fresku poškodenú v rohoch a prekrytú na stene zo zlata“.

Na jar 1898 poslal obraz do Paríža a v liste kritikovi A. Fontaineovi povedal, že jeho cieľom nebolo „vytvoriť zložitý reťazec dômyselných alegórií, ktoré by bolo potrebné vyriešiť alegorický obsah obrazu je mimoriadne jednoduchý – nie však v zmysle odpovede na položené otázky, ale v zmysle samotnej formulácie týchto otázok.“ Paul Gauguin nemienil odpovedať na otázky, ktoré položil v názve obrázku, pretože veril, že sú a budú tou najstrašnejšou a najsladšou hádankou pre ľudské vedomie. Preto podstata alegórií zobrazených na tomto plátne spočíva v čisto obrazovom stelesnení tohto tajomstva ukrytého v prírode, posvätnej hrôzy nesmrteľnosti a tajomstva existencie.

Pri prvej návšteve Tahiti sa P. Gauguin pozeral na svet nadšenými očami veľkého dieťaťa-ľudí, pre ktorých svet ešte nestratil svoju novosť a bujnú originalitu. Jeho detsky povznesenému pohľadu sa v prírode odkrývali farby pre ostatných neviditeľné: smaragdová tráva, zafírové nebo, ametystový slnečný tieň, rubínové kvety a červené zlato maorskej kože. Tahitské maľby P. Gauguina z tohto obdobia žiaria ušľachtilou zlatou žiarou ako vitráže gotických katedrál, trblietajú sa kráľovskou nádherou byzantských mozaík a sú voňavé sýtymi kvapkami farieb.

Samota a hlboké zúfalstvo, ktoré ho opantalo pri druhej návšteve Tahiti, prinútilo P. Gauguina vidieť všetko len čierno. Prirodzený talent majstra a jeho oko ako kolorista však umelcovi nedovolili úplne stratiť chuť do života a jeho farieb, hoci vytvoril pochmúrne plátno a namaľoval ho v stave mystickej hrôzy.

Čo teda tento obrázok vlastne obsahuje? Podobne ako východné rukopisy, ktoré treba čítať sprava doľava, aj obsah obrazu sa odvíja tým istým smerom: krok za krokom sa odhaľuje chod ľudského života - od jeho vzniku až po smrť, ktorá v sebe nesie strach z neexistencie. .

Pred divákom je na veľkom, horizontálne napnutom plátne zobrazený breh lesného potoka, v ktorého tmavých vodách sa odrážajú tajomné, neurčité tiene. Na druhom brehu je hustá, bujná tropická vegetácia, smaragdové trávy, husté zelené kríky, zvláštne modré stromy, „rastúce akoby nie na zemi, ale v raji“.

Kmene stromov sa zvláštne krútia a prepletajú a vytvárajú čipkovanú sieť, cez ktorú je v diaľke vidieť more s bielymi hrebeňmi pobrežných vĺn, tmavofialovú horu na susednom ostrove, modrú oblohu - „podívaná na panenskú prírodu to by mohol byť raj."

Na zábere z blízka na zemi, bez rastlín, sa okolo kamennej sochy božstva nachádza skupina ľudí. Postavy nespája jedna udalosť ani spoločná akcia, každá je zaneprázdnená tým svojím a ponorená do seba. Pokoj spiaceho bábätka stráži veľký čierny pes; "Zdá sa, že tri ženy v podrepe počúvajú samy seba, zamrznuté v očakávaní nečakanej radosti. Mladý muž stojaci v strede oboma rukami trhá ovocie zo stromu... Jedna postava, zámerne obrovská, v rozpore so zákonmi perspektívy... zdvihne ruku a prekvapene hľadí na dve postavy, ktoré sa odvážia premýšľať o svojom osude.“

Vedľa sochy kráča osamelá žena akoby mechanicky nabok, ponorená do stavu intenzívneho, koncentrovaného odrazu. Na zemi sa k nej pohybuje vták. Na ľavej strane plátna si dieťa sediace na zemi prináša k ústam ovocie, mačka lapá z misky... A divák si kladie otázku: „Čo to všetko znamená?“

Na prvý pohľad pôsobí ako každodenný život, no každý obraz v sebe okrem priameho významu nesie aj poetickú alegóriu, náznak možnosti obraznej interpretácie. Napríklad motív lesného potoka alebo pramenitej vody vyvierajúcej zo zeme je Gauguinovou obľúbenou metaforou pre zdroj života, tajomný začiatok existencie. Spiace dieťa predstavuje cudnosť úsvitu ľudského života. Mladý muž zbierajúci ovocie zo stromu a ženy sediace na zemi vpravo stelesňujú myšlienku organickej jednoty človeka s prírodou, prirodzenosť jeho existencie v nej.

Muž so zdvihnutou rukou, ktorý sa prekvapene pozerá na svojich priateľov, je prvým zábleskom znepokojenia, prvotným impulzom k pochopeniu tajomstiev sveta a existencie. Iné odhaľujú trúfalosť a utrpenie ľudskej mysle, tajomstvo a tragiku ducha, ktoré spočívajú v nevyhnutnosti poznania človeka jeho smrteľného údelu, stručnosti pozemského bytia a nevyhnutnosti konca.

Sám Paul Gauguin poskytol mnohé vysvetlenia, ale varoval pred túžbou vidieť vo svojej maľbe všeobecne uznávané symboly, dešifrovať obrazy príliš priamočiaro a ešte viac hľadať odpovede. Niektorí kritici umenia sa domnievajú, že depresívny stav umelca, ktorý ho viedol k pokusu o samovraždu, bol vyjadrený prísnym, lakonickým umeleckým jazykom. Poznamenávajú, že obraz je preťažený malými detailmi, ktoré neobjasňujú celkový plán, ale iba mätú diváka. Dokonca ani vysvetlenia v listoch majstra nedokážu rozptýliť mystickú hmlu, ktorú vložil do týchto detailov.

Sám P. Gauguin považoval svoje dielo za duchovný testament, možno aj preto sa obraz stal obrazovou básňou, v ktorej sa konkrétne obrazy premieňali na vznešenú ideu a hmota na ducha. Na deji plátna dominuje poetická nálada, bohatá na jemné odtiene a vnútorný význam. Nálada pokoja a milosti je však už zahalená nejasnou úzkosťou z kontaktu s tajomným svetom, vyvolávajúca pocit skrytej úzkosti, bolestnej neriešiteľnosti skrytých tajomstiev existencie, tajomstva príchodu človeka na svet a tajomstvo jeho zmiznutia. Na obrázku je šťastie zatemnené utrpením, duchovné trápenie je umývané sladkosťou fyzickej existencie - „zlatá hrôza, pokrytá radosťou“. Všetko je neoddeliteľné, tak ako v živote.

P. Gauguin zámerne nekoriguje nesprávne proporcie, pričom sa za každú cenu snaží zachovať svoj štýl náčrtu. Zvlášť vysoko si cenil túto útržkovitosť a nedokončenosť, pretože veril, že práve to vnáša na plátno živý prúd a dodáva obrazu osobitú poéziu, ktorá nie je charakteristická pre hotové a prehnane hotové veci.