Hudobná literatúra cudzích krajín 3. časť. „Hudobná literatúra cudzích krajín“ I

Základné poznámky o hudobnej literatúre zahraničia sú doplnkom k existujúcim učebniciam hudobnej literatúry. Obsah učebnice zodpovedá učebným osnovám predmetu PO.02.UP.03. „Hudobná literatúra“ doplnkových predprofesionálnych všeobecných vzdelávacích programov v oblasti hudobného umenia „Klavír“, „Sláčikové nástroje“, „Dychové a bicie nástroje“, „Ľudové nástroje“, „Zborový spev“, odporúčané Ministerstvom kultúry Ruskej federácie.

Základné poznámky k hudobnej literatúre sú určené na rozvoj humanitného vzdelania a špeciálnych kompetencií žiakov, najmä: „...formovať hudobné myslenie, schopnosti vnímania a analýzy hudobných diel, osvojiť si poznatky o zákonitostiach hudobnej formy, špecifikách hudobného jazyka, výrazových prostriedkoch hudby“ 1 .

V učebnici je tvorba skladateľov prezentovaná v kontexte kultúrnych a historických období a je študovaná v úzkej súvislosti s historickými udalosťami a súvisiacimi umeniami. Materiál poznámok predstavuje hlavné tézy výskumu dejín hudby a hudobnej literatúry V. N. Bryantsevovej, V. S. Galatskej, L. V. Kirilliny, V. D. Konena, T. N. Livanovej, I. D. Prochorovej a ďalších známych muzikológov, zovšeobecnený a zhustený učebný materiál vo forme tabuliek, diagramov a vizuálnych podkladov. Vizuálne nosiče (reprodukcie obrazov známych umelcov, portréty skladateľov, ich príbuzných a priateľov, významných kultúrnych a umeleckých osobností, historických osobností a pod.) nielenže sprevádzajú a dopĺňajú verbálne informácie, ale sú nositeľmi informácií v oblasti výtvarného umenia. , priamo súvisia s obdobiami a trendmi v hudbe, tvorbou skladateľov, odrážajú históriu, kultúru a umenie európskych krajín.

Obsah sprievodných poznámok tvoria štyri časti, ktoré sú zase rozdelené do tém pokrývajúcich obdobia vývoja európskej hudby od hudobnej kultúry starovekého Grécka až po tvorbu romantických skladateľov 19. storočia. Prvá časť teda skúma hudobnú kultúru starovekého Grécka, stredoveku a renesancie. Druhá časť študuje obdobie baroka, dielo J. S. Bacha a G. F. Händela. Tretia časť je venovaná obdobiu klasicizmu, kde je dôraz kladený na tvorbu viedenských klasikov – J. Haydna, W. A. ​​​​Mozarta a L. Beethovena. Štvrtá časť predstavuje materiály o ére romantizmu, tvorbu F. Schuberta a F. Chopina a podáva stručný prehľad tvorby romantických skladateľov 19. storočia F. Mendelssohna, F. Liszta, R. Schumanna, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, I. Brahms, J. Bizet.

Súčasťou manuálu sú aj slovníky významov, termínov a pojmov nachádzajúcich sa v texte, stručný rozbor a hudobné ukážky študovaných diel.

Popri strohej prezentácii materiálu v tabuľkách a schémach obsahuje príručka zaujímavosti zo života skladateľov, podané formou rozprávania a doplnené farebnými umeleckými ilustráciami, ktoré osviežujú vnímanie a pozornosť detí.

Základné poznámky o hudobnej literatúre zahraničia sú určené študentom detských umeleckých škôl, detských hudobných škôl 2. a 3. ročníka štúdia (5. a 6. ročník), študujúcim v nadstavbových predprofesionálnych všeobecných vzdelávacích programoch v odbore hudobné umenie. . Učitelia hudobno-teoretických a špeciálnych odborov detských hudobných škôl a detských umeleckých škôl môžu učebnicu využiť pri štúdiu nového učiva, opakovaní a systematizácii preberaných tém, príprave na priebežnú a záverečnú atestáciu žiakov, príprave na hudobno-teoretické olympiády, samostatnej práci študentov, skupinový a individuálny tréning, čiastočne pri realizácii doplnkových všeobecných rozvojových programov v v oblasti hudobného umenia, v kultúrno-osvetovej činnosti.

K sprievodným poznámkam je priložený pracovný zošit, ktorý je určený na použitie na vyučovacích hodinách.

Nižšie sú uvedené fragmenty príručky „Základné poznámky o hudobnej literatúre cudzích krajín“.

Pokiaľ ide o nákup príručky Tatyany Guryevny Savelyevovej „Základné poznámky o hudobnej literatúre cudzích krajín“, kontaktujte autora na adrese [e-mail chránený]

_____________________________________________

1 Vzorový program pre akademický predmet PO.02. UP.03. Hudobná literatúra. - Moskva 2012

______________________________________________________

(odhady: 3 , priemer: 3,67 z 5)

Názov: Hudobná literatúra cudzích krajín

O knihe „Hudobná literatúra cudzích krajín“ od I. A. Prokhorova

Na samostatné štúdium je určená učebnica „Hudobná literatúra zahraničia“, ktorú zostavila I. Prokhorová. To vysvetľuje stručnosť a dostupnosť prezentácie materiálu.

Kniha „Hudobná literatúra zahraničia“ predstaví študentom krátke biografie a najlepšie diela slávnych skladateľov. Deti budú môcť spoznať život a prácu takých géniov, akými sú I.S. Bach, J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert a F. Chopin. I. Prokhorova príliš podrobne neopísala príbehy talentovaných skladateľov v učebnici nájdete hlavné dátumy života, pôvod, hodnosti a tituly, oblasť pôsobenia, podmienky, ktoré ovplyvnili výber povolania. Kniha bude rozprávať o hlavných etapách života a tvorby hudobníkov, ich spoločensko-politických názoroch.

Publikácia „Hudobná literatúra zahraničia“ je určená študentom hudobných škôl, ale každý, kto má záľubu v klasickej tvorbe, si v tejto knihe nájde to svoje. Text I. Prochorova bol obohatený o vysvetlenia niektorých hudobných a mimohudobných pojmov, čo ho robí menej akademickým. Časť o živote hudobníkov je prezentovaná v kontexte historického a kultúrneho života európskych krajín daného obdobia. Študenti tak majú možnosť hlbšie a širšie pochopiť podmienky, v ktorých legendárni skladatelia žili a tvorili.

Keďže kniha „Hudobná literatúra zahraničia“ je určená na domáce čítanie, všetky symfonické diela v nej prítomné sú ponúkané v štvorručnej úprave. Stojí za zmienku, že príbeh o diele Bacha, ktorý sa podľa programu študuje na samom konci roka, je umiestnený na začiatku. Autor k tomuto kroku pristúpil preto, aby zachoval chronológiu prezentácie.

Zostavovateľ tejto knihy je presvedčený, že pravidelné používanie učebnice prebudí v študentoch chuť na samostatné spoznávanie populárnej a vedeckej hudobnej literatúry. Okrem toho si deti budú môcť rozvíjať a upevňovať zručnosti čítania hudobných diel od zraku a zvyknú si hrať aj na štyri ruky.
Samostatné učenie sa slávnych diel vám umožní hrať ich počas vyučovania, v prítomnosti iných detí, čím sa kolektívne hodiny zaktivizujú a výrazne sa zlepší vnímanie klasickej hudby.

Na našej webovej stránke o knihách lifeinbooks.net si môžete bezplatne stiahnuť bez registrácie alebo prečítať online knihu „Hudobná literatúra zahraničia“ od I. A. Prokhorova vo formátoch epub, fb2, txt, rtf, pdf pre iPad, iPhone, Android a Kindle. Kniha vám poskytne veľa príjemných chvíľ a skutočné potešenie z čítania. Plnú verziu si môžete zakúpiť u nášho partnera. Tiež tu nájdete najnovšie správy z literárneho sveta, dozviete sa biografiu svojich obľúbených autorov. Pre začínajúcich spisovateľov je tu samostatná sekcia s užitočnými tipmi a trikmi, zaujímavými článkami, vďaka ktorým si môžete sami vyskúšať literárne remeslá.

OD PREKLADATEĽOV
Táto kniha je učebnicou hudobnej literatúry tohto historického obdobia, ktoré sa začína v posledných desaťročiach 19. storočia. Takáto učebnica sa objavuje prvýkrát: piate vydanie sa končí, ako je známe, dielami K-Debussyho a M. Ravela.
Kniha obsahuje charakteristiky rôznych národných hudobných škôl, ktoré určovali jej celkovú štruktúru. Prvá časť charakterizuje všeobecné procesy, ktoré sa svojim spôsobom implementovali v hudobnom umení rôznych krajín a v tvorbe skladateľov rôznych jednotlivcov.

Pozornosť zostavovateľov a autorov učebnice sa sústreďuje tak na zobrazenie všeobecných hudobných a historických procesov sledovaného obdobia, ako aj na analýzu najvýznamnejších diel, ktoré sa stali klasikou nášho storočia. Vzhľadom na výnimočnú komplexnosť udalostí hudobného umenia 20. storočia, ich rozporuplnosť, vzájomné prieniky a ich rýchle striedanie, zaujímali prehľadové kapitoly v tejto knihe oveľa väčšie miesto ako v predchádzajúcich vydaniach. Napriek tomu sa zostavovatelia v súlade s metodickými princípmi predmetu snažili zachovať zameranie na rozbory hudobných diel, ktoré majú v tomto prípade odhaliť rôznorodosť tvorivých metód, spôsobov myslenia, rôzne štýlové riešenia a mnohorakosť hudobných diel. kompozičných techník majstrov nášho storočia.

Vzhľadom na to, že kniha poskytuje širokú panorámu hudobného umenia a analýza je v mnohých prípadoch veľmi zložitá (čo je do značnej miery predurčené samotným materiálom), považujú zostavovatelia za možnosť adresovať túto učebnicu študentom nielen interpretácie. , ale aj teoretických odborov hudobných škôl. Obsah knihy umožňuje selektívny prístup k nej vo výchovno-vzdelávacom procese; Hĺbku a podrobnosť štúdia kapitol si určujú učitelia sami v závislosti od úrovne pripravenosti žiakov, materiálneho vybavenia výchovno-vzdelávacieho procesu notami a nahrávkami hudobnín a počtu hodín vyčlenených učebným plánom na túto časť kurzu.
Na tejto knihe pracoval veľký tím autorov. Z toho vyplýva nevyhnutnosť rôznych spôsobov prezentácie materiálu; zároveň už v samotnom prístupe k nej sa zostavovatelia snažili zachovať jednotné metodické zásady.

OBSAH
Od kompilátorov
Cesty rozvoja zahraničného hudobného umenia 20. storočia.
Hudobná kultúra Rakúska
GUSTAV MAHLER
Vokálna kreativita. "Piesne potulného učňa"
Symfonická kreativita. Prvá symfónia
ARNOLD SCHOENBERG
Život a tvorivá cesta
"Preživší z Varšavy"
ALBAN BERG
Život a tvorivá cesta
Hudobná dráma "Wozzeck"
Koncert pre husle a orchester
ANTON WEBERN.
Život a tvorivá cesta
Hudobná kultúra Nemecka
RICHARD STRAUSS
Život a tvorivá cesta
Symfonická kreativita. Symfonické básne „Don Juan“ a „Till Eulenspiegel“
PAUL HINDEMITH
Život a tvorivá cesta
Symfonická kreativita. Symfónia "Umelec Mathis".
CARL ORF
Život a tvorivá cesta
Hlavné žánre tvorby Carla Orffa a ich črty.
Opera "Chytré dievča"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKÝ
Život a tvorivá cesta
"Symfónia žalmov"
Opera "Oidipus Rex"
Hudobná kultúra Francúzska.
ARTHUR HONEGGER
Život a tvorivá cesta
Divadelná a oratoriálna tvorivosť. Oratórium „Johanka z Arku na hranici“
Symfonická kreativita. Tretia symfónia ("liturgická")
DARIUS MILLO
Život a tvorivá cesta
Vokálno-inštrumentálny, tvorivý. "Požiarny hrad"
FRANTIŠEK POULENC
Život a tvorivá cesta
Opera "Ľudský hlas"
Hudobná kultúra Španielska
MANUEL DE FALLA
Život a tvorivá cesta
Balet „Love the Sorceress“
Opera "Krátky život"

Hudobná knižnica Sme radi, že ste v našej hudobnej knižnici našli a stiahli materiály, o ktoré máte záujem. Knižnica je neustále aktualizovaná o nové diela a materiály a nabudúce určite nájdete niečo nové a zaujímavé pre vás. Projektová knižnica je zostavená na základe učebných osnov, ako aj materiálov odporúčaných na školenie a rozširovanie obzorov študentov. Užitočné informácie tu nájdu študenti aj učitelia, pretože... Knižnica obsahuje aj metodickú literatúru. Naši miláčikovia Skladatelia a interpreti Súčasní umelci Tu nájdete aj životopisy vynikajúcich umelcov, skladateľov, slávnych hudobníkov, ako aj ich diela. V sekcii práca uverejňujeme nahrávky predstavení, ktoré vám pomôžu pri učení, budete počuť, ako táto práca znie, akcenty a nuansy diela. Čakáme na vás na classON.ru. V.N. Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 – 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 – 1791 Franz Schubert 1797 – 1828 www.classon.ru Joseph Haydn 1732 – 1809 Ludwig van Beethoven 1732 – 1809 Vzdelanie Ludwig van Beethoven 1781 – 19. polrok Chopina Informácie o umení v Rusku asi od 10. storočia pred Kr. Výtvarné umenie sa rozvíja - a umelci zobrazujú hudobníkov, ktorí sprevádzajú náboženské rituály, vojenské ťaženia, poľovačky, slávnostné sprievody a tance so spevom a hrou na nástroje. Takéto obrazy sa zachovali najmä na stenách chrámov a keramických vázach nájdených počas vykopávok. Objavuje sa písanie – a autori rukopisov pridávajú k piesňam a hymnám poetické texty a poskytujú zaujímavé informácie o hudobnom živote. Spisovatelia postupom času venujú veľkú pozornosť filozofickým diskusiám o hudbe, jej dôležitej spoločenskej, vrátane výchovnej úlohe, ako aj teoretickému štúdiu prvkov jej jazyka. Najviac takýchto informácií sa o hudbe zachovalo v niektorých krajinách starovekého sveta, napríklad v starovekej Číne, starovekej Indii, starovekom Egypte a najmä v takzvaných starovekých krajinách - starovekom Grécku a starom Ríme, kde boli položené základy európskej kultúry2. Úvod Hudba z dávnych čias k J. S. Bachovi Vážení chlapci! Minulý rok ste už mali hodiny hudobnej literatúry. Rozoberali základné prvky hudobného jazyka, niektoré hudobné formy a žánre, výrazové a vizuálne možnosti hudby a orchestra. Zároveň sa rozhovor voľne viedol o rôznych epochách – raz o staroveku, inokedy o modernosti, inokedy o návrate do storočí od nás menej či viac vzdialených. A teraz nastal čas zoznámiť sa s hudobnou literatúrou v chronologicky postupnom – historickom – poradí1. O hudbe v starovekom Grécku Akými spôsobmi sa k nám dostali informácie o hudbe starovekého sveta Presvedčivým dôkazom veľkej kultúrnej a historickej úlohy staroveku je skutočnosť, že v starovekom Grécku sa v 8. storočí pred Kristom konali verejné športové súťaže - olympijské hry? - narodili sa. A o dve storočia neskôr sa tam začali konať hudobné súťaže - Pythian Games, ktoré možno považovať za vzdialených predkov moderných súťaží. Pýthijské hry sa konali v chráme postavenom na počesť patróna umenia, boha slnka a svetla, Apolóna. Podľa mýtov, keď porazil príšerného hada Pythona, sám zaviedol tieto hry. Je známe, že na nich kedysi vyhrával Sakkad z Argosu, ktorý hral na aulos, dychový nástroj blízky hoboju, programová skladba o boji Apollóna a Pythona mala príznačné spojenie s poéziou, tancom a divadlom . Spievali sa hrdinské epické básne „Ilias“ a „Odysea“, ktoré sa pripisujú legendárnemu básnikovi Homérovi. Speváci boli zvyčajne, podobne ako mytologický Orfeus, autormi básnického textu aj hudby a sami sa sprevádzali na lýre. Na slávnosti zazneli zborové tanečné piesne s pantomimickým gestom. V starovekých gréckych tragédiách a komédiách zohrával veľkú úlohu zbor: komentoval akciu, vyjadril svoj postoj k vykonávaniu vykopávok, archeologickí vedci našli najjednoduchšie hudobné nástroje (napríklad dychové nástroje - zvieracie kosti s vyvŕtanými otvormi). a určil, že boli vyrobené asi pred štyridsiatimi tisíckami rokov. V dôsledku toho už vtedy existovalo hudobné umenie. Po tom, čo bol v roku 1877 vynájdený fonograf, prvý prístroj na mechanický záznam a reprodukciu zvuku, začali hudobníci-výskumníci cestovať do tých kútov zemegule, kde si niektoré kmene ešte zachovali svoj primitívny spôsob života. Od predstaviteľov takýchto kmeňov pomocou fonografu nahrali ukážky spevu a inštrumentálnych melódií. Ale takéto nahrávky, samozrejme, poskytujú len približnú predstavu o tom, aká bola hudba v tých dávnych dobách. Slovo "chronológia" (znamená "sled historických udalostí v čase") pochádza z dvoch gréckych slov - "chronos" ("čas") a "logos" ("učenie"). 1 Latinské slovo „antiguus“ znamená „staroveký“. Definícia „starožitnosť“ z nej odvodená sa vzťahuje na históriu a kultúru starovekého Grécka a starovekého Ríma. 2 2 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku k činom hrdinov. Moderní muzikológovia majú určité informácie o hudbe v starovekom svete a predsa závidia historikom iných umení. Pre veľké množstvo veľkolepých pamiatok antickej architektúry sa zachovalo staroveké výtvarné umenie, najmä sochárstvo, objavené mnohé rukopisy s textami tragédií a komédií veľkých antických dramatikov. No hudobné diela, ktoré vznikli v tých istých obdobiach a dokonca aj oveľa neskôr, sú pre nás v podstate neznáme. Prečo sa to stalo? Faktom je, že vynájdenie dostatočne presného a pohodlného systému hudobnej notácie (notácie), ktorý si každý z vás osvojil, keď sa práve začal učiť hudbu, sa ukázalo ako veľmi náročná úloha. Vyriešiť to trvalo mnoho storočí. Je pravda, že starí Gréci vynašli zápis písmen. Určili stupne hudobných režimov určitými písmenami abecedy. Ale rytmické symboly (z pomlčiek) neboli vždy pridané. Až v polovici 19. storočia nášho letopočtu vedci konečne odhalili tajomstvá tohto zápisu. Ak však dokázali presne dešifrovať pomer hlások k výške v starogréckych hudobných rukopisoch, potom pomer dĺžky trvania bol len približne. A takýchto rukopisov sa našlo veľmi málo a obsahujú nahrávky iba niekoľkých jednohlasých diel (napríklad hymny) a častejšie ich úryvkov. dostatočná viditeľnosť. Hudobníci preto už dlhší čas používajú pomocné nápovedné ikony. Tieto ikony boli umiestnené nad slovami spevov a označovali buď jednotlivé zvuky, alebo ich malé skupiny. Neuviedli presný vzťah zvukov ani vo výške, ani v trvaní. Ale svojim dizajnom pripomenuli smer pohybu melódie interpretom, ktorí ju poznali naspamäť a odovzdávali si ju z generácie na generáciu. V krajinách západnej a strednej Európy, o ktorých hudbe bude reč neskôr v tejto učebnici, sa takéto ikony nazývali neumy. Neumy sa používali pri zaznamenávaní starokatolíckych liturgických spevov – gregoriánskeho chorálu. Tento všeobecný názov je odvodený od mena pápeža Gregora I3. Podľa legendy zostavil koncom 6. storočia hlavnú zbierku týchto jednohlasných spevov. Sú určené na spievanie počas bohoslužieb iba mužmi a chlapcami – sólo a zbor v súzvuku, sú napísané do modlitebných textov v latinke 4. Skoré nemenné nahrávky gregoriánskeho chorálu sa nedajú rozlúštiť. Ale v 11. storočí taliansky mních Guido d'Arezzo („z Arezza“) vynašiel novú metódu notácie, ktorú v kláštore učil chlapčenských spevákov a chcel, aby si v tom čase ľahšie zapamätali duchovné spevy. neumy sa začali umiestňovať na vodorovnú čiaru, nad a pod ňu Táto čiara zodpovedala jednému konkrétnemu zvuku a tým sa stanovila približná výšková úroveň nahrávky a Guido prišiel s nápadom nakresliť štyri paralelné čiary (. „pravítka“) v rovnakej vzdialenosti od seba a umiestnením neumy na ne a medzi ne - ako prísne nakreslené plátno, ktoré umožnilo presne naznačiť výškový vzťah zvukov v tónoch a poltónoch. v tom istom čase sa notový zápis stal vizuálnejším – ako kresba znázorňujúca pohyb melódie, jej ohyby a Guido označoval zvuky zodpovedajúce čiaram v latinskej abecede, ich obrysy sa následne začali meniť a nakoniec sa zmenili na znaky. ktoré sa nazývali kľúče A neumy, „sediace“ na pravítkach a medzi nimi, sa časom zmenili na jednotlivé noty, ktorých hlavičky mali najskôr tvar štvorcov. Otázky a úlohy 1. Kedy boli podľa vedcov vyrobené najstaršie hudobné nástroje? čo to znamená? 2. Čo je to fonograf, kedy bol vynájdený a ako ho výskumníci začali používať? 3. O hudbe ktorých krajín starovekého sveta sa zachovalo najviac informácií? Určte z mapy, okolo ktorého mora sa tieto tri krajiny nachádzali. 4. Kedy a kde sa začali konať staroveké hudobné súťaže - Pýthianske hry? 5. S akým umením bola hudba úzko spätá v starovekom Grécku? 6. Aký zápis vymysleli starí Gréci? Ako je to nepresné? Titul „pápež“ nesie duchovný, ktorý stojí na čele katolíckej cirkvi ako medzinárodnej duchovnej organizácie. Katolicizmus je jedným z kresťanských vierovyznaní spolu s pravoslávím a protestantizmom. 4 Starí Rimania hovorili latinsky. Po páde Rímskej ríše v roku 476 sa latinčinou postupne prestalo rozprávať. Z toho prišli takzvané románske jazyky - taliančina, francúzština, španielčina, portugalčina. 3 Ako vznikla pohodlná notácia V stredoveku (za začiatok tohto historického obdobia sa považuje 6. storočie nášho letopočtu) sa na písmovú notáciu takmer zabudlo. Neobsahovala 3 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku Chýry o novej metóde zápisu – ako o nejakom zázraku – sa dostali k pápežovi Jánovi XIX. Zavolal Guida a zaspieval mu neznámu melódiu z vymyslenej nahrávky. Následne sa počet paralelných liniek mnohokrát zmenil, niekedy dokonca zvýšil na osemnásť. Až koncom 17. storočia „vyhralo“ súčasné päťradové osadenstvo. Použili sme veľa rôznych kľúčov. Až v 19. storočí sa najčastejšie používali husľové a basové kľúče. Po vynájdení Guida d'Arezza dlho riešili ďalší ťažký problém – ako vylepšiť notový zápis, aby naznačoval presnú príbuznosť zvukov nielen vo výške, ale aj v trvaní s myšlienkou použiť na to symboly nôt, ktoré sa líšia tvarom .Ale najprv sa k tomu pridali mnohé konvenčné pravidlá, ktoré sťažili uplatnenie v praxi a v priebehu niekoľkých storočí, a Postupne sa vyvinula pohodlnejšia notácia – presne tá, ktorú používame aj dnes. Spočíva v tom, že celá nota v trvaní sa vždy rovná dvom polovicám – štýlovo iná, jednej polovici – dve štvrtiny, jednej štvrtine – dvom osminám atď , a veľkosť na začiatku notového zápisu sa začala bez problémov udávať od 17. storočia. V tom čase však neexistovali len hudobné rukopisy, ale aj tlačené noty. Hudobná tlač sa začala krátko po vynájdení tlače - koncom 15. storočia. V starovekom svete a po dlhú dobu v stredoveku bola hudba spravidla monofónna. Existovalo len niekoľko jednoduchých výnimiek. Spevák napríklad zahral pieseň a pri hre na nejaký nástroj ju duplikoval (teda súčasne reprodukoval). Zároveň sa hlas a nástroj mohli niekedy trochu rozchádzať, odchýliť sa od seba a čoskoro sa opäť zblížiť. V monofónnom zvukovom prúde sa teda objavovali a mizli „ostrovy“ dvoch hlasov. No na prelome prvého a druhého tisícročia nášho letopočtu sa polyfónny štýl začal dôsledne rozvíjať a následne sa stal dominantným v profesionálnom hudobnom umení. Táto komplexná a dlhotrvajúca formácia sa sústreďovala najmä na oblasť katolíckej cirkevnej hudby. Záležitosť začala vynálezom (kto - neznámy) nasledujúcej techniky. Jeden spevák (prípadne viacero spevákov) spieval hlavný hlas – pomalú, plynúcu melódiu gregoriánskeho chorálu. A druhý hlas sa pohyboval striktne paralelne – presne v rovnakom rytme, len celý čas vo vzdialenosti oktávy, alebo kvarty, alebo kvinty. Pre naše uši to znie veľmi chudobne, „prázdno“. Ale pred tisíc rokmi taký spev, ktorý sa ozýval pod klenbami kostola alebo katedrály, ohromoval a tešil, otváral hudbe nové výrazové možnosti. Po určitom čase začali cirkevní hudobníci hľadať flexibilnejšie a pestrejšie spôsoby vedenia druhého hlasu. A potom začali čoraz šikovnejšie spájať tri, štyri hlasy a neskôr niekedy aj viac hlasov. Otázky a úlohy 1. Prečo bol zápis písmen v praxi nepohodlný? 2. Čo povedali neumy stredovekým spevákom? 3. Čo je gregoriánsky chorál a prečo sa tak nazýva? 4. Vysvetlite podstatu vynálezu Guida d'Arezza 5. Aký bol ďalší problém, ktorý bolo potrebné vyriešiť po Guidovom vynáleze 6. Odkedy sa už výrazne nezmenila notácia s tromi a štyrmi hlasmi? zreteľne odlišné od seba boli vytvorené na začiatku XIII storočia cirkevný hudobník Perotin Bol vynikajúcim predstaviteľom speváckeho umenia - parížska "School of Notre Dame" ("Škola Panny Márie Perotínskej") znela v budove. pozoruhodnej krásy, ktorú opísal francúzsky spisovateľ 19. storočia Victor Hugo v románe „Notre Dame de Paris“ Takto sa začala rozvíjať polyfónia znamená „polyfónia“. Ale polyfónia je len typom polyfónie, v ktorej znejú súčasne dva alebo viac rovnakých hlasov (sprevádzať, sprevádzať), potom ide o homofóniu – to druhé Vďaka zdokonaľovaniu notového zápisu sa postupne, najmä od 13. storočia, čoraz viac dešifrovali hudobné rukopisy. To umožnilo zoznámiť sa nielen s informáciami o hudobnej kultúre, ale aj so samotnou hudbou minulých období. Nie náhodou sa úspechy notácie zhodovali so začiatkom rozvoja polyfónie – dôležitej etapy v dejinách hudobného umenia. 4 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku sa omša stala hlavným hudobným žánrom. Pravidelná omša 5 obsahuje šesť hlavných spevov založených na latinských modlitebných textoch. Sú to "Kyriyo eleizon" ("Pane, zmiluj sa"), "Gloria" ("Sláva"), "Credo" ("Verím"), "Sanctus" ("Svätý"), "Benedictus" ("Požehnaný" ) a „Agnus Dei“ („Baránok Boží“). Spočiatku gregoriánsky chorál znel v omšiach monofónne. No okolo 15. storočia sa omša zmenila na cyklus zložitých viachlasných častí 6. Zároveň sa začali veľmi zručne používať napodobeniny. V preklade z latinčiny „imitatio“ znamená „imitácia“. V hudbe možno niekedy napodobniť mimohudobné zvuky, napríklad trilky slávika, kukučanie alebo zvuk morských vĺn. To sa potom nazýva onomatopoja alebo zvuková obraznosť. A imitácia v hudbe je technika, keď po melódii, ktorá končí jedným hlasom, ju iný hlas presne (alebo nie celkom presne) zopakuje z iného zvuku. Ostatné hlasy potom môžu vstúpiť rovnakým spôsobom. V homofónnej hudbe sa môžu krátko objaviť imitácie. A v polyfónnej hudbe je to jedna z hlavných techník rozvoja. Pomáha, aby bol melodický pohyb takmer nepretržitý: pauzy a kadencie súčasne vo všetkých hlasoch sa vyskytujú v polyfónnej hudbe len ako zriedkavé výnimky7. Kombináciou imitácií s inými polyfónnymi technikami vytvorili skladatelia svoje masy veľké zborové diela, v ktorých sa štyri alebo päť hlasov prelína do komplexnej zvukovej textúry. V nej je už ťažko rozoznateľná melódia gregoriánskeho chorálu a rovnako ťažko sa počúvajú modlitbové slová. Boli dokonca omše, kde sa ako hlavné používali melódie populárnych svetských piesní. Táto situácia znepokojovala najvyššie katolícke cirkevné vrchnosti. V polovici 16. storočia sa chystal úplne zakázať viachlasný spev počas bohoslužieb. K takémuto zákazu však nedošlo vďaka úžasnému talianskemu skladateľovi Palestrinovi, ktorý takmer celý život strávil v Ríme a bol blízko pápežského dvora (celým menom Giovanni Pierluigi da Palestrina, teda „z Palestriny“ - a mestečko neďaleko Ríma). Palestrina svojimi omšami (a napísal ich viac ako sto) dokázal dosiahnuť formu polyfónie. Keďže sprievod má akordovo-harmonický základ, homofónna štruktúra hudobného prednesu sa nazýva aj homofónno-harmonická. Otázky a úlohy 1. Odkedy sa začali presnejšie dešifrovať hudobné rukopisy? 2. S ktorou významnou novou etapou v dejinách hudobného umenia sa zhodovali úspechy notácie? 3. Kedy, v akej hudbe a na základe akých melódií sa začala dôsledne formovať polyfónia? 4. Čo bol paralelný dvojhlas? Zaspievajte si spolu niekoľko paralelných kvart, kvint a oktáv. 5. Aký je rozdiel medzi polyfóniou a homofóniou? Ako sa ďalej rozvíjala polyfónia Kým v cirkevnom speve sa začala rozvíjať polyfónia, vo svetskej hudbe naďalej dominovala monofónia. Podarilo sa napríklad rozlúštiť mnohé nahrávky jednohlasých piesní, ktoré v 12. – 14. storočí zložili a hrali stredovekí básnici a speváci. Na juhu Francúzska, v Provensálsku, ich nazývali trubadúrmi, na severe Francúzska - trouvères, v Nemecku - minnesingermi. Mnohí z nich boli známi rytieri a vo svojich piesňach často ospevovali krásu a cnosť „veselej dámy“, ktorú uctievali. Melódie piesní týchto básnikov-spevákov boli často blízke ľudovým nápevom vrátane tanečných a rytmus bol podriadený rytmu básnického textu. Neskôr, v 14. – 16. storočí sa nemeckí básnici-speváci z radov remeselníkov združovali do cechov, nazývali sa Meistersinger („majstri speváci“) a tak sa v r hlasov, ktoré sa pridávali do gregoriánskeho chorálu v duchovných choráloch, sa prejavil vplyv svetských piesní (napr. piesne trubadúrov a truvérov Zároveň sa do konca 13. stor. objavujú aj čisto svetské polyfónne diela). Francúzsko, kde časti všetkých hlasov vychádzali z melódií piesňového charakteru a texty boli skomponované nie v latinčine, ale vo francúzštine V katolíckej cirkevnej hudbe sú dodnes špeciálne omše venované cirkevným sviatkom pripomenúť, že cyklus je dielo z niekoľkých samostatných častí (alebo skladieb) spojených spoločným konceptom 7 Cadence ) - melodický a harmonický obrat, ktorý dotvára celé hudobné dielo alebo jeho časť 5 6 5 www.classon.ru Výchova detí v. oblasti umenia v Rusku dokázať, že polyfónne skladby, hoci zostávajú veľmi zručné, môžu znieť transparentne a liturgické texty je možné jasne počuť. Palestrinova hudba je jedným z vrcholov antickej zborovej polyfónie takzvaného prísneho štýlu. Zavedie nás do sveta osvietenej, vznešenej kontemplácie – akoby vyžarovala rovnomernú, pokojnú žiaru. básnikov, hudobníkov, vedcov a milovníkov umenia. Uchvátila ich myšlienka vytvoriť nový typ expresívneho sólového spevu so sprievodom a spojiť ho s divadelnou akciou. Takto sa zrodili prvé opery, ktorých zápletky boli prevzaté z antickej mytológie. Úplne prvou je „Daphne“, ktorú zložili skladateľ Jacopo Peri (spolu s J. Korea) a básnik O. Rinuccini. Bolo uvedené v roku 1597 vo Florencii (dielo sa ako celok nezachovalo). V starovekej gréckej mytológii je Daphne dcérou riečneho božstva Ladona a bohyne zeme Gaie. Utiekla pred prenasledovaním Apolla, modlila sa o pomoc k bohom a zmenila sa na vavrín (v gréčtine „daphne“ - „vavrín“) - posvätný strom Apolla. Keďže Apollo bol považovaný za patróna umenia, víťazi Pythian Games, ktorých zakladateľom bol Apollo, začali byť korunovaní vavrínovým vencom. Vavrínový veniec a samostatná vavrínová ratolesť sa stali symbolmi víťazstva, slávy a odmeny. Dve ďalšie opery z roku 1600 (jedna od J. Periho, druhá od G. Cacciniho) sa obe nazývajú „Euridice“, pretože obe používajú rovnaký poetický text, vychádzajúci zo starogréckeho mýtu o legendárnom spevákovi Orfeovi. Prvé talianske opery sa hrali v palácoch a domoch vznešených osôb. Orchester pozostával z niekoľkých starých nástrojov. Viedol ju hudobník, ktorý hral na cimbale (taliansky názov pre čembalo). Predohra sa ešte nekonala a začiatok predstavenia ohlásili fanfáry na trúbke. A vo vokálnych partoch prevládal recitatív, v ktorom sa hudobný vývoj podriaďoval básnickému textu. Čoskoro však hudba začala nadobúdať v operách čoraz nezávislejší a dôležitejší význam. Veľkú zásluhu na tom má prvý vynikajúci operný skladateľ - Claudio Monteverdi. Jeho prvá opera Orfeus bola uvedená v roku 1607 v Mantove. Jej hrdinom je opäť ten istý legendárny spevák, ktorý svojim umením upokojil boha podsvetia mŕtvych Háda a ten vypustil na zem Eurydiku, milovanú manželku Orfea. Ale Hádovu podmienku - nepozrieť sa na Eurydiku ani raz pred opustením svojho kráľovstva - Orfeus porušil a opäť ju navždy stratil. Monteverdiho hudba dala tomuto smutnému príbehu nebývalú lyrickú a dramatickú expresivitu. Vokálne party, zbory a orchestrálne epizódy sa v Monteverdiho Orfeovi stali oveľa rôznorodejšími. V tomto diele sa začal formovať melodický aritický štýl – najdôležitejšia osobitá kvalita talianskej opernej hudby. Po vzore Florencie sa opery začali skladať a uvádzať nielen v Mantove, ale aj v takých talianskych mestách ako Rím, Benátky, Neapol. Záujem o nový žáner sa začal objavovať aj v iných európskych krajinách a ich otázky a úlohy 1. Kto sú trubadúri, trouvère, minnesingeri a meistersingerovia? 2. Existuje spojenie medzi starodávnou cirkevnou polyfóniou a svetskými melódiami piesní? 3. Vymenujte hlavné časti pravidelnej omše. 4. Uveďte príklady onomatopoje v hudbe. 5. Čo sa v hudbe nazýva imitácia? 6. Čo dosiahol Palestrina vo svojich masách? Zrod opery. Oratórium a kantáta Tesne pred začiatkom 17. storočia – prvého storočia historického obdobia nazývaného novovek – došlo v hudobnom umení k mimoriadne dôležitej udalosti: v Taliansku sa zrodila opera. Hudba znie v rôznych divadelných predstaveniach už od pradávna. V nich spolu s inštrumentálnymi a zborovými číslami mohli zaznieť jednotlivé vokálne sóla, napríklad piesne. A v opere sa speváci a speváci stali hercami a herečkami. Ich spev za sprievodu orchestra v kombinácii s javiskovou akciou začal prenášať hlavnú náplň predstavenia. Dopĺňajú ho kulisy, kostýmy, často aj tance – balet. V opere teda hudba viedla k úzkej spolupráci rôznych umení. Tým sa jej otvorili nové veľké umelecké možnosti. Operní speváci začali s nebývalou silou sprostredkovať osobné emocionálne zážitky ľudí – radostné aj žalostné. Zároveň najdôležitejším výrazovým prostriedkom v opere bolo homofónne spojenie sólového spevu hlasu s orchestrálnym sprievodom. A ak sa do 17. storočia profesionálna hudba v západnej Európe rozvíjala najmä v kostole a najväčším žánrom bola omša, tak hlavným centrom sa stalo hudobné divadlo a najväčším žánrom bola opera. Na konci 16. storočia sa v talianskom meste Florencia zhromaždil kruh 6 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku si panovníci zaužívali pozývanie talianskych hudobníkov do svojich služieb na dvore. To prispelo k tomu, že talianska hudba sa na dlhý čas stala najvplyvnejšou v Európe. Vo Francúzsku v 17. storočí vznikla vlastná národná opera, odlišná od talianskej. Jej zakladateľ Jean-Baptiste Lyulli je rodený Talian. Napriek tomu správne vycítil osobitosti francúzskej kultúry a vytvoril jedinečný francúzsky operný štýl. V Lullyho operách zaujímali veľké miesto na jednej strane recitatívy a drobné árie recitatívneho charakteru, na druhej strane baletné tance, slávnostné pochody a monumentálne zbory. Spolu s mytologickými zápletkami, bujnými kostýmami a zobrazovaním magických zázrakov pomocou divadelných strojov to všetko zodpovedalo lesku a lesku dvorného života za francúzskeho kráľa Ľudovíta XIV. Prvú operu v Nemecku „Daphne“ (1627) vytvoril najväčší nemecký skladateľ predBachovej éry Heinrich Schütz. Jej hudba sa ale nezachovala. Ale podmienky na rozvoj operného žánru v krajine ešte neexistovali: skutočne sa objavili až s príchodom 19. storočia. A v Schutzovej tvorbe mali hlavné miesto expresívne vokálno-inštrumentálne skladby založené na duchovných textoch. V roku 1689 bola v Londýne uvedená prvá anglická opera „Dido a Aeneas“ od skladateľa pozoruhodného talentu Henryho Purcella. Hudba tejto opery zaujme srdečnými textami, poetickou fantáziou a pestrými ľudovými obrazmi. Po Purcellovej smrti sa však takmer dve storočia medzi anglickými skladateľmi nenašli žiadni vynikajúci hudobní tvorcovia. Na prelome 16. – 17. storočia súčasne s operou aj v Taliansku zrod kantáty. Podobajú sa opere v tom, že ich hrajú aj sólisti, zbor a orchester a tiež sa v nich objavujú árie, recitatívy, vokálne súbory, zbory a orchestrálne epizódy. Ale v opere sa o vývoji udalostí (zápletke) dozvedáme nielen z toho, čo sólisti spievajú, ale aj z toho, čo robia a čo sa vo všeobecnosti deje na javisku. Ale v oratóriu a kantáte nie je scénická akcia. Hrajú sa v koncertnom prostredí, bez kostýmov a dekorácií. Ale je aj rozdiel medzi oratóriom a kantátou, aj keď nie vždy jednoznačný. Oratórium je zvyčajne rozsiahlejšie dielo s rozvinutejšou náboženskou zápletkou. Často má epicko-dramatický charakter. V tomto ohľade oratórium často obsahuje naratívny recitatívny part speváka-rozprávača. Špeciálnym typom duchovného oratória je „vášeň“ alebo „pasívny“ (v preklade z latinčiny „utrpenie“). Umučenie hovorí o utrpení a smrti Ježiša Krista ukrižovaného na kríži. 7 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku Kantáty sa v závislosti od obsahu verbálneho textu delia na duchovné a svetské. V 17. storočí a na začiatku 18. storočia vzniklo v Taliansku veľa malých, komorných kantát. Pozostávali zo striedania dvoch alebo troch recitatívov s dvoma alebo tromi áriami. Následne sa rozšírili kantáty prevažne ceremoniálneho charakteru. Duchovné kantáty a „vášne“ rôznych stavieb zaznamenali najväčší rozvoj v Nemecku. árie a je fascinujúce nasadiť virtuózny prechodový pohyb. V dedičstve Corelliho a Vivaldiho patrí veľké miesto žánru triovej sonáty. Vo väčšine triových sonát hrajú dve hlavné časti husle a tretiu časť, sprievodnú, hrá čembalo alebo organ, pričom basový hlas zdvojuje violončelo alebo fagot. Po triovej sonáte sa objavila sonáta pre husle alebo iný nástroj so sprievodom čembala. ako aj concerto grosso - koncert pre orchester (prvá struna). Mnohé diela týchto žánrov sa vyznačujú formou antickej sonáty. Zvyčajne ide o cyklus štyroch častí s tempom „pomaly-rýchlo-pomaly-rýchlo“. O niečo neskôr, už v 18. storočí, začal Vivaldi komponovať sólové koncerty pre husle a niektoré ďalšie nástroje so sprievodom orchestra. Bol tam vytvorený trojdielny cyklus: „rýchlo-pomaly-rýchlo“. Otázky a úlohy 1. Kde a kedy sa zrodila opera? Vysvetlite, ako sa opera líši od divadelného predstavenia s hudbou. 2. Aký je najdôležitejší výrazový prostriedok v opernej hudbe? 3. Ako sa volá prvá opera Claudia Monteverdiho a aké kvality sa prejavili v jej hudbe? 4. Povedzte nám o črtách starých francúzskych opier. 5. Uveďte prvú operu napísanú v Nemecku a prvú operu napísanú v Anglicku. 6. Aký je hlavný rozdiel medzi oratóriom a kantátou z opery? 7. Čo sú to „vášne“ („pasívne“)? Organ začal svoju stáročnú históriu už v starovekom Egypte. Do 17. storočia sa z neho stal veľmi zložitý nástroj so širokými umeleckými možnosťami. Malé orgány sa potom dali nájsť aj v súkromných domoch. Slúžili na osvetovú činnosť, hrali sa na nich variácie na melódie ľudových piesní a tancov. A veľké organy s trblietavými radmi píšťal, s drevenými korpusmi zdobenými rezbami, zneli, tak ako teraz, v kostoloch a katedrálach. V súčasnosti sú organy dostupné aj v mnohých koncertných sálach. Moderné organy majú niekoľko tisíc píšťal a až sedem klaviatúr (manuálov), umiestnených nad sebou - ako schody schodiska. Tých rúr je toľko, lebo sú rozdelené do skupín – registrov. Registre sa zapínajú a vypínajú pomocou špeciálnych páčok, aby sa získala iná farba (timbre) zvuku. Organy sú vybavené aj pedálom. Ide o celonožnú klávesnicu s mnohými veľkými klávesmi. Ich stláčaním nohami môže organista produkovať a aj dlhodobo udržiavať basové zvuky (takéto trvalé zvuky sa nazývajú aj pedálový alebo organový bod). Z hľadiska bohatosti timbrov, schopnosti porovnať najľahšie pianissimo s hromovým fortissimom nemá organ medzi hudobnými nástrojmi obdobu. V 17. storočí dosiahlo organové umenie v Nemecku obzvlášť vysoký vrchol. Rovnako ako v iných krajinách boli nemeckí cirkevní organisti zároveň skladateľmi a interpretmi. Sprevádzali nielen duchovné spevy, ale predvádzali aj sóla. Bolo medzi nimi množstvo talentovaných virtuózov a improvizátorov, ktorí svojou hrou prilákali celé davy ľudí. Jedným z najpozoruhodnejších z nich je Dietrich Buxtehude. Mladý Johann Sebastian Bach prišiel pešo z iného mesta, aby si vypočul jeho hru. Buxtehudeho pestrá a rozsiahla tvorba predstavuje hlavné typy organovej hudby tej doby. Na jednej strane sú to predohry, fantázie a O inštrumentálnej hudbe 17. storočia, jej žánroch a formách Hra na nástroje dlhodobo najčastejšie duplikovala hlasové party vo vokálnych dielach alebo sprevádzaných tancoch. Bežné boli aj inštrumentálne transkripcie vokálnych skladieb. Samostatný rozvoj inštrumentálnej hudby sa zintenzívnil až v 17. storočí. Zároveň pokračovala v rozvíjaní umeleckých techník, ktoré sa vyvinuli vo vokálnej polyfónii. Boli obohatené o homofónne prvky založené na speve a tanci. Inštrumentálne skladby začali byť zároveň ovplyvňované výrazovými výdobytkami opernej hudby. Husle spolu s brilantnými virtuóznymi schopnosťami majú veľmi melodický hlas. A práve v domovine opery, v Taliansku, sa husľová hudba začala zvlášť úspešne rozvíjať. Koncom 17. storočia prekvitala tvorba Arcangela Corelliho a začala sa tvorivá činnosť Antonia Vivaldiho. Títo vynikajúci talianski skladatelia vytvorili množstvo inštrumentálnych diel s účasťou a vedúcou úlohou huslí. V nich môžu husle spievať rovnako expresívne ako ľudský hlas v opernej tokáte. Voľne sa v nich striedajú viachlasné epizódy s improvizačnými – pasážami a akordmi. Na druhej strane ide o prísnejšie postavené kusy, ktoré viedli k vzniku fúgy, najkomplexnejšej formy imitatívnej polyfónie. Buxtehude urobil aj mnoho organových úprav protestantských spevov vo forme zborových prelúdií. Na rozdiel od gregoriánskeho chorálu je to všeobecný názov pre duchovné spevy nie v latinčine, ale v nemčine. Objavili sa v 16. storočí, keď sa od katolicizmu oddelil nový typ kresťanskej doktríny, protestantizmus. Melodickým základom protestantského chorálu boli nemecké ľudové piesne. V 17. storočí začali protestantský chorál hrať všetci farníci v zbore s podporou organu. Pre takéto zborové úpravy je typická štvorhlasná akordická štruktúra s melódiou vo vrchnom hlase. Následne sa takáto štruktúra začala nazývať chorál, aj keď sa vyskytuje v inštrumentálnom diele. Organisti hrali aj na sláčikové klávesové nástroje a komponovali pre ne. Všeobecný názov diel pre tieto nástroje je klávesová hudba8. Prvé informácie o strunových klávesových nástrojoch pochádzajú zo 14. – 15. storočia. V 17. storočí bolo najbežnejším z nich čembalo. Tak ho volajú vo Francúzsku, v Taliansku čembalo, v Nemecku keelflugel, v Anglicku čembalo. Menšie nástroje vo Francúzsku sa nazývajú epinet, v Taliansku - spinety Anglicka - virginel. Čembalo je predchodcom klavíra, ktorý sa začal používať v polovici 18. storočia. Keď stlačíte klávesy čembala, perie alebo kožené jazýčky namontované na tyčiach akoby zvierali struny. Výsledkom sú prudké, zvonivé a zároveň mierne šuštiace zvuky. Na čembale sila zvuku nezávisí od sily úderu do kláves. Nemožno na ňom preto robiť crescendo a diminuendá – na rozdiel od klavíra, na ktorom je to možné vďaka flexibilnejšiemu spojeniu kláves s kladivkami udierajúcimi do strún. Čembalo môže mať dve alebo tri klaviatúry a zariadenie, ktoré umožňuje meniť farbu zvuku. Zvuk ďalšieho malého klávesového nástroja – klavichordu – je slabší ako zvuk čembala. Ale na klavichorde je možné melodickejšie hrať, pretože jeho struny nie sú drnčané, ale sú na nich natlačené kovové platne. Jedným z hlavných žánrov starodávnej čembalovej hudby je súbor niekoľkých úplných častí napísaných v rovnakej tónine. Každá časť zvyčajne využíva nejaký druh tanečného pohybu. Základ starodávnej suity tvoria štyri tance rôzneho, nie vždy jasne identifikovaného národného pôvodu. Ide o pomalý allemande (možno pôvodom z Nemecka), aktívnejší courante (pôvodom z Francúzska), pomalý sarabande (pôvodom zo Španielska) a rýchly gigue (pôvodom z Írska alebo Anglicka). Od konca 17. storočia sa po vzore parížskych čembalistov začali suity dopĺňať o také francúzske tance ako menuet, gavota, bourrée, paspier. Boli vložené medzi hlavné tance a tvorili medzihry („integ“ v preklade z latinčiny znamená „medzi“). Staroveká francúzska čembalová hudba sa vyznačuje eleganciou, gráciou a množstvom malých melodických ozdôb, ako sú mordenty a trilky. Francúzsky čembalový štýl prekvital v diele Françoisa Couperina (16 68 - 1733), prezývaného Veľký. Vytvoril okolo dve a pol stovky hier a spojil ich do dvadsiatich siedmich suít. Postupne v nich začali prevládať kúsky s rôznymi programovými názvami. Najčastejšie sú to ako miniatúrne čembalové portréty žien - trefné zvukové náčrty nejakej povahovej črty, vzhľadu, správania. Sú to napríklad hry „Pochmúrny“, „Dotykový“, „Svižný“, „Abstraktný“, „Zlomyseľný“. Jeho veľký súčasník Johann Sebastian Bach prejavil veľký záujem o francúzsku čembalovú hudbu, vrátane hier Françoisa Couperina. Otázky a úlohy 1. Kedy sa zintenzívnil samostatný vývoj inštrumentálnych žánrov? 2. Pomenujte obľúbený nástroj Arcangela Corelliho a Antonia Vivaldiho. 3. Povedzte nám o štruktúre orgánu. 4. V ktorej krajine dosiahlo organové umenie obzvlášť vysoký vrchol? Čo je to protestantský chorál? 5. Povedzte nám o štruktúre čembala. Aké tanečné pohyby sa používajú v hlavných častiach starodávnej čembalovej suity? Úvodná časť učebnice teda stručne predstavila niektoré dôležité udalosti vo svete hudby od staroveku. Išlo o historickú „exkurziu“ s cieľom prispieť k ďalšiemu oboznámeniu sa s dedičstvom veľkých západoeurópskych hudobníkov, ktorí pôsobili v 18. a 19. storočí. Klávesová hudba sa nejaký čas nazývala hudba pre všetky klávesové nástroje, vrátane klávesového dychového nástroja, organu. 8 9 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku Životná cesta Johann Rod, rodina, detstvo. Johann Sebastian Bach sa narodil v roku 1685 v Durínsku, jednom z regiónov stredného Nemecka, v malom meste Eisenach, obklopenom lesmi. V Durínsku boli ešte stále cítiť strašné následky tridsaťročnej vojny (1618-1648), v ktorej sa stretli dve veľké zoskupenia európskych mocností. Túto ničivú vojnu museli prežiť predkovia Johanna Sebastiana, ktorí boli úzko spätí s nemeckým remeselníckym a roľníckym prostredím. Jeho praprastarý otec Veit bol pekár, no hudbu miloval natoľko, že sa nikdy nerozlúčil s citarou, nástrojom podobným mandolíne, dokonca ani počas výletov do mlyna hral pri mletí múky. A medzi jeho potomkami, ktorí sa usadili v Durínsku a susedných regiónoch, bolo toľko hudobníkov, že každého, kto vykonával túto profesiu, začali nazývať „Bach“. Išlo o cirkevných organistov, huslistov, flautistov, trubkárov, niektorí prejavili talent ako skladatelia. Boli v službách mestských samospráv a na dvoroch panovníkov malých kniežatstiev a vojvodstiev, na ktoré bolo Nemecko rozdrobené. Sebastian Bach 1685-1750 Osud hudby tohto veľkého nemeckého skladateľa, viac ako tristo rokov od jeho narodenia, je úžasný. Počas svojho života si získal uznanie najmä ako organista a znalec hudobných nástrojov a po smrti sa naňho na niekoľko desaťročí takmer zabudlo. Potom však postupne začali jeho dielo znovu objavovať a obdivovať ho ako vzácny umelecký poklad, neprekonateľný v zručnosti, nevyčerpateľný v hĺbke a ľudskosti svojho obsahu. „Nie prúd! "More by sa malo volať." Toto povedal o Bachovi ďalší hudobný génius – Beethoven9. Bachovi sa podarilo vydať len veľmi malú časť svojich diel sám. Teraz je ich zverejnených viac ako tisíc (veľa viac sa stratilo). Prvá kompletná zbierka Bachových diel sa začala tlačiť v Nemecku sto rokov po jeho smrti a zaberala štyridsaťšesť objemných zväzkov. Nie je však možné čo i len zhruba vypočítať, koľko jednotlivých vydaní Bachovej hudby bolo vytlačených a koľko sa ich stále tlačí v rôznych krajinách. Tak veľký je po ňom neustály dopyt. Zaberá totiž rozsiahle a čestné miesto nielen vo svetovom koncertnom, ale aj vzdelávacom repertoári. Johann Sebastian Bach je aj naďalej učiteľom doslova každého, kto sa venuje hudbe. Je to seriózny a prísny učiteľ, ktorý vyžaduje schopnosť sústrediť sa, aby si osvojil umenie predviesť polyfonické diela. Ale tí, ktorí sa neboja ťažkostí a sú pozorní k jeho požiadavkám, pocítia za jeho prísnosťou múdru a srdečnú láskavosť, ktorú učí svojimi krásnymi nesmrteľnými výtvormi. Dom v Eisenachu, kde sa narodil J. S. Bach 9 „Bach“ znamená v nemčine „potok“. 10 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti ruského umenia Otec Johanna Sebastiana bol huslistom, mestským a dvorným hudobníkom v Eisenachu. Začal učiť hudbu svojho najmladšieho syna a poslal ho do cirkevnej školy. Chlapec mal krásny vysoký hlas a spieval v školskom zbore. Keď mal desať rokov, zomreli mu rodičia. O sirotu sa staral starší brat, kostolný organista v susednom meste Ohrdruf. Svojho mladšieho brata poslal na miestne lýceum a sám mu dal hodiny hry na organe. Neskôr sa Johann Sebastian stal aj čembalistom, huslistom a violistom. A od detstva ovládal hudobnú kompozíciu sám, prepisoval diela rôznych autorov. Jeden zošit, ktorý ho obzvlášť zaujímal počas mesačných nocí, si musel tajne odpísať od svojho staršieho brata. Ale keď bola dlhá ťažká práca dokončená, zistil to, nahneval sa na Johanna Sebastiana za jeho neoprávnený čin a nemilosrdne mu vzal rukopis. Začiatok samostatného života. Luneburg. V pätnástich rokoch urobil Johann Sebastian rozhodujúci krok – presťahoval sa do vzdialeného severonemeckého mesta Luneburg, kde nastúpil do školy pri kláštornom kostole ako spevák-učenec. V školskej knižnici sa mohol zoznámiť s veľkým množstvom rukopisov diel nemeckých hudobníkov. V Lüneburgu a Hamburgu, kde sa prechádzal po vidieckych cestách, bolo možné počúvať hru talentovaných organistov. Je možné, že v Hamburgu Johann Sebastian navštívil operu - v tom čase jedinú v Nemecku, ktorá nehrala v taliančine, ale v nemčine. O tri roky neskôr školu úspešne dokončil a začal si hľadať prácu bližšie k rodnej krajine. Weimar. Bach, ktorý krátko pôsobil ako huslista a organista v troch mestách, sa v roku 1708, už ženatý, usadil na deväť rokov vo Weimare (Durínsko). Tam bol organistom na vojvodskom dvore a potom vicekapellmeisterom (asistentom vedúceho kaplnky – skupiny spevákov a inštrumentalistov). Bach ešte ako tínedžer v Ohrdrufe začal komponovať hudbu, najmä upravoval protestantský chorál pre organ, svoj obľúbený nástroj. A vo Weimare sa objavilo množstvo jeho nádherných vyzretých organových diel, ako napríklad Toccata a fúga d mol, Passacaglia10 c mol či chorálové prelúdiá. V tom čase sa Bach stal neprekonateľným interpretom a improvizátorom na organe a čembale. Presvedčivo to potvrdil nasledujúci prípad. Jedného dňa odišiel Bach do hlavného mesta Saska, Drážďan, kde sa rozhodli usporiadať súťaž medzi ním a Louisom Marchandom, slávnym francúzskym organistom a čembalom. Keď však prvýkrát počul, ako Bach s úžasnou tvorivou vynaliezavosťou improvizoval na čembale, ponáhľal sa tajne opustiť Drážďany. Súťaž sa nekonala. Na weimarskom dvore bola možnosť zoznámiť sa s dielami talianskych a francúzskych skladateľov. Bach reagoval na ich úspechy s veľkým záujmom a umeleckou iniciatívou. Napríklad vytvoril množstvo voľných úprav pre čembalo a organ husľových koncertov Antonia Vivaldiho. Tak sa zrodili prvé klávesové koncerty v dejinách hudobného umenia. Počas troch rokov vo Weimare musel Bach každú štvrtú nedeľu skomponovať novú duchovnú kantátu. Celkovo takto vzniklo viac ako tridsať diel. Keď však postarší dvorný dirigent, ktorého povinnosti skutočne vykonával Bach, zomrel, uvoľnené miesto nedostal on, ale priemerný syn nebožtíka. Bach, pobúrený takouto nespravodlivosťou, podal demisiu. Za svoju „neúctivú požiadavku“ bol uvalený na domáce väzenie. Ale ukázal odvážnu, hrdú vytrvalosť a trval na svojom. A o mesiac neskôr musel vojvoda neochotne vydať „nemilosrdný príkaz“, aby prepustil rebelujúceho hudobníka. Köthen. Koncom roku 1717 sa Bach s rodinou presťahoval do Köthenu. Miesto dvorného kapelníka mu ponúkol knieža Leopold z Anhaltu z Köthenu, panovník malého štátu susediaceho s Durínskom. Bol dobrým hudobníkom - spieval, hral na čembale a viole da gamba 11. Knieža poskytol svojmu novému kapelníkovi dobrú finančnú podporu a správal sa k nemu s veľkou úctou. K Bachovým povinnostiam, ktoré mu zaberali pomerne málo času, patrilo vedenie kaplnky osemnástich vokalistov a inštrumentalistov, sprevádzanie princa a samotné hranie na čembale. Mnoho Bachových diel pre rôzne nástroje vzniklo v Köthene. Medzi nimi je klávesová hudba zastúpená veľmi rôznorodo. Na jednej strane sú to hry pre začiatočníkov – Passacaglia je pomalý trojnohý tanec španielskeho pôvodu. Na jej základe vznikli inštrumentálne kúsky v podobe variácií s mnohonásobne opakovanou melódiou v base. 10 11 Viola da gamba je staroveký nástroj, ktorý vyzerá ako violončelo. 11 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku malé predohry, dvojhlasné a trojhlasné vynálezy. Napísal ich Bach na hodiny so svojím najstarším synom Wilhelmom Friedemannom. Na druhej strane ide o prvý z dvoch zväzkov monumentálneho diela – „Dobre temperovaný klavír“, ktorý spolu obsahuje 48 prelúdií a fúg, a veľké koncertné dielo – „Chromatická fantázia a fúga“. Obdobie Köthen zahŕňa aj vytvorenie dvoch kolekcií klávesových sád, známych ako „francúzska“ a „anglická“. Princ Leopold brával Bacha so sebou na cesty do susedných štátov. Keď sa Johann Sebastian v roku 1720 vrátil z takejto cesty, premohol ho ťažký smútok – jeho manželka Mária Barbara práve zomrela a zanechala štyri deti (ďalšie tri zomreli predčasne). O rok a pol neskôr sa Bach opäť oženil. Jeho druhá manželka Anna Magdaléna mala dobrý hlas a bola veľmi muzikálna. Počas štúdia u nej Bach zostavil dve klávesové „Note Books“ zo svojich vlastných hier a čiastočne z hier iných autorov. Anna Magdaléna bola láskavou a starostlivou životnou partnerkou Johanna Sebastiana. Porodila mu trinásť detí, z ktorých sa šesť dožilo dospelosti. Lipsko. V roku 1723 sa Bach presťahoval do Lipska, hlavného obchodného a kultúrneho centra Saska, susedného Durínska. S princom Leopoldom udržiaval dobré vzťahy. Ale v Köthene boli možnosti hudobnej činnosti obmedzené - nebol tam ani veľký organ, ani chór. Bachovi navyše vyrastali starší synovia, ktorým chcel dať dobré vzdelanie. V Lipsku zaujal Bach funkciu kantora – riaditeľa chlapčenského zboru a učiteľa spevokolu; pri kostole svätého Tomáša (Thomaskirche). Musel prijať množstvo obmedzujúcich podmienok, napríklad „neopustiť mesto bez dovolenia purkmistra“. Kantor Bach mal mnoho iných povinností. Musel rozdeliť na časti malý školský zbor a veľmi malý orchester (alebo skôr súbor), aby hudba znela počas bohoslužieb v dvoch kostoloch, ako aj na svadbách, pohreboch a rôznych slávnostiach. A nie všetci zboroví chlapci mali dobré hudobné schopnosti. Školský dom bol špinavý, zanedbaný, žiaci boli zle stravovaní a nekvalitne oblečení. Bach, ktorý bol tiež považovaný za lipského „hudobného riaditeľa“, na to všetko viackrát upozornil cirkevnú vrchnosť a mestskú samosprávu (magistrát). Ale na oplátku dostal malú materiálnu pomoc, ale veľa malicherných úradníckych dohadov a výčitiek. Svojich žiakov učil nielen spievať, ale aj hrať na nástroje, navyše pre nich na vlastné náklady najal učiteľa latinčiny. Kostol a škola sv. Tomáša (vľavo) v Lipsku. (Zo starej rytiny). Napriek ťažkým životným okolnostiam bol Bach nadšený tvorivosťou. V prvých troch rokoch svojej služby takmer každý týždeň zložil a nacvičil so zborom novú duchovnú kantátu. Celkovo sa zachovalo asi dvesto Bachových diel tohto žánru. A známych je aj niekoľko desiatok jeho svetských kantát. Boli to spravidla pozdravy a blahoželania, ktoré boli adresované rôznym vznešeným osobám. Ale medzi nimi je taká výnimka, ako je komiks „Coffee Cantata“ napísaný v Lipsku, podobný scéne z komickej opery. Rozpráva o tom, ako sa mladá, temperamentná Lizhen proti vôli a varovaniam svojho otca, starého bručúna Shlendriana, začne zaujímať o novú módu kávy. V Lipsku vytvoril Bach svoje najvýznamnejšie monumentálne vokálne a inštrumentálne diela – „Jánske pašie“, „Matoušské pašie“12 a omšu h mol, ktorá je obsahovo podobná, ako aj veľké množstvo rôzne inštrumentálne diela vrátane druhého zväzku „Dobre temperovaný klavír“, zbierka Jána a Matúša (ako aj Marka a Lukáša) – nasledovníkov učenia Ježiša Krista, ktorý zostavil evanjeliá – príbehy o jeho pozemskom živote, utrpení ( „vášeň“) a smrť. „Evanjelium“ preložené z gréčtiny znamená „dobrá správa“. 12 12 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku „Umenie fúgy“. Cestoval do Drážďan, Hamburgu, Berlína a ďalších nemeckých miest, hral tam na organe a testoval nové nástroje. Viac ako desať rokov viedol Bach „Music College“ v Lipsku, spoločnosť pozostávajúcu z univerzitných študentov a milovníkov hudby - inštrumentalistov a spevákov. Pod vedením Bacha uskutočnili verejné koncerty diel svetského charakteru. Pri komunikácii s hudobníkmi mu bola cudzia akákoľvek arogancia a o svojej vzácnej zručnosti hovoril takto: „Musel som tvrdo študovať, kto je rovnako usilovný, dosiahne to isté.“ Jeho veľká rodina priniesla Bachovi veľa starostí, ale aj radosti. V jej kruhu mohol organizovať celé domáce koncerty. Štyria z jeho synov sa stali slávnymi skladateľmi. Ide o Wilhelma Friedemanna a Carla Philippa Emanuela (deti Márie Barbary), Johanna Christopha Friedricha a Johanna Christiana (deti Anny Magdalény). V priebehu rokov sa Bachov zdravotný stav zhoršoval. Jeho zrak sa prudko zhoršil. Začiatkom roku 1750 podstúpil dve neúspešné operácie oka, oslepol a 28. júla zomrel. Johann Sebastian Bach žil ťažký a pracovitý život, prežiarený brilantnou tvorivou inšpiráciou. Nezanechal po sebe významný majetok a Anna Magdaléna o desať rokov neskôr zomrela v dobročinnom dome pre chudobných. A Bachovu najmladšiu dcéru Reginu Susannu, ktorá žila až do 19. storočia, zachránili súkromné ​​dary, na ktorých sa Beethoven veľkou mierou podieľal práve Bachova hudba je spojená s kultúrou rodnej krajiny Nemecka Ale s nadšením študoval diela nemeckých aj zahraničných skladateľov. Vo svojej tvorbe brilantne zhrnul a obohatil väčšinu kantát „Svatojánske pašie“. ,“ omšu h mol a mnohé ďalšie diela založené na duchovných textoch nenapísal Bach jednoducho podľa povinnosti či zaužívaného zvyku cirkevného hudobníka a zohrievané úprimným náboženským cítením sú plné súcitu s ľudskými strasťami. , presiaknuté porozumením pre ľudské radosti Postupom času prekročili hranice cirkví a neprestávajú hlboko zapôsobiť na poslucháčov rôznych národností a náboženstiev, spolu tvoria jeden celok hudobných obrazov. Bachovo neprekonateľné viachlasné majstrovstvo je obohatené o homofónno-harmonické prostriedky. Jeho vokálne témy sú organicky presiaknuté inštrumentálnymi rozvojovými technikami a inštrumentálne témy sú často také emocionálne bohaté, akoby sa niečo dôležité spievalo a hovorilo bez slov. Toccata a fúga d mol pre organ13 Toto veľmi obľúbené dielo sa začína alarmujúcim, no odvážnym výkrikom vôle. Zaznie trikrát, klesá z jednej oktávy do druhej a vedie k duneniu akordu v dolnom registri. Na začiatku tokáty sa tak črtá pochmúrne zatienený, grandiózny zvukový priestor. 1 Adagio Otázky a úlohy 1 . Prečo je osud Bachovej hudby nezvyčajný? 2. Povedzte nám o Bachovej vlasti, jeho predkoch a detstve. 3. Kedy a kde začal Bach svoj samostatný život? 4. Ako pokračovalo a ako skončilo Bachovo pôsobenie vo Weimare? 5. Povedzte nám o Bachovom živote v Köthene a jeho dielach počas týchto rokov. 6. Na aké nástroje hral Bach a aký bol jeho obľúbený nástroj? 7. Prečo sa Bach rozhodol presťahovať do Lipska a s akými ťažkosťami sa tam stretol? 8. Povedzte nám o aktivitách skladateľa Bacha a interpreta Bacha v Lipsku. Pomenujte diela, ktoré tam vytvoril. Toccata (v taliančine „toccata“ – „dotýkať sa“, „fúkať“ zo slovesa „toccare“, „dotýkať sa“, „dotýkať sa“) je virtuózna skladba pre klávesové nástroje. 13 13 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku Ďalej zaznejú mohutné „víriace“ virtuózne pasáže a široké akordické „šplechy“. Niekoľkokrát sú oddelené pauzami a zastaveniami na predĺžených akordoch. Toto porovnanie rýchleho a pomalého pohybu pripomína opatrné prestávky medzi bojmi s násilnými prvkami. A po voľne, improvizačne vybudovanej tokáte zaznie fúga. Zameriava sa na imitatívne rozvíjanie jednej témy, v ktorej sa zdá, že vôľový princíp obmedzuje elementárne sily: 2 Allegro moderato Fúga sa po širokom rozšírení rozvinie do cody – záverečnej, záverečnej časti. Tu opäť prepuká improvizačný prvok tokáty. Nakoniec ju však upokojujú intenzívne naliehavé poznámky. A posledné takty celého diela sú vnímané ako prísne a majestátne víťazstvo nepoddajnej ľudskej vôle. Osobitnú skupinu Bachových organových diel tvoria chorálové prelúdiá. Medzi nimi množstvo relatívne malých hier lyrického charakteru sa vyznačuje hlbokou expresivitou. V nich je zvuk chorálovej melódie obohatený o voľne rozvinuté sprievodné hlasy. Takto sa prezentuje napríklad jedno z Bachových vrcholných diel - chorálová predohra f mol. Klávesová hudba vynálezu Bach zostavil niekoľko zbierok jednoduchých skladieb spomedzi tých, ktoré zložil počas vyučovania svojho najstaršieho syna Wilhelma Friedemanna. V jednej z týchto zbierok umiestnil pätnásť dvojhlasých polyfónnych skladieb v pätnástich tóninách a nazval ich „vynálezy“. V preklade z latinčiny slovo „vynález“ znamená „vynález“, „vynález“. Bachove dvojhlasné vynálezy, ktoré zvládnu aj začínajúci hudobníci, sú skutočne pozoruhodné svojou polyfonickou invenčnosťou a zároveň umeleckou výraznosťou. Prvá dvojdielna invencia C dur sa teda rodí z krátkej, uhladenej a neunáhlenej témy pokojného, ​​uvážlivého charakteru. Vrchný hlas ho spieva a hneď ho napodobňuje _ opakuje v ďalšej oktáve - spodný: 14 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku A za zvukov ôsmeho dvojhlasného vynálezu F dur, možno si predstaviť veselú, horlivú hru-súťaž: zdá sa, že] vyskakujú a elastické gule sa kotúľajú. Pri opakovaní (imitácii) pokračuje vrchný hlas v melodickom pohybe. Vzniká tak protipól k téme znejúcej v base. Okrem toho táto protipozícia - s rovnakým melodickým vzorom - niekedy zaznie, keď sa téma znova objaví v jednom alebo druhom hlase (takty 2-3, 7-8, 8-9). V takýchto prípadoch sa protiprídavok nazýva zadržaný (na rozdiel od nezadržaných, ktoré sa pri každom prevedení témy skladajú nanovo). Tak ako v iných polyfónnych dielach, aj v tomto vynáleze sú úseky, kde téma nezaznie v celej svojej podobe, ale sú použité len niektoré jej odbočky. Takéto časti sú umiestnené medzi témami a nazývajú sa medzihry. Celková celistvosť vynálezu C dur je daná vývojom založeným na jednej téme, ktorá je typická pre polyfónnu hudbu. V strede hry je odklon od hlavnej tóniny a ku koncu sa vracia. Pri počúvaní tohto úvodu si možno predstaviť, že dvaja študenti usilovne opakujú lekciu, snažia sa si to povedať lepšie, s väčším výrazom. V tomto diele, podobnom štruktúre ako vynález C dur, veľkú úlohu zohráva špeciálna technika. Po úvodnom uvedení témy horným hlasom dolný hlas napodobňuje nielen ju, ale aj jej pokračovanie (opozíciu). Tak vzniká na nejaký čas súvislá kanonická napodobenina alebo lykánon. Súčasne s dvojhlasnými vynálezmi skomponoval Bach pätnásť trojhlasných polyfónnych skladieb v rovnakých tóninách. Vymenoval ich! „symfónie“ (preložené z gréčtiny ako „súzvuky“). Pretože za starých čias sa to často nazývalo viachlasné inštrumentálne diela. Ale neskôr sa stalo zvykom nazývať tieto hry trojdielnymi vynálezmi. Používajú zložitejšie techniky polyfonického vývoja. Najvýraznejším príkladom je trojdielny vynález f mol (deviaty). Začína predstavením dvoch protikladných tém súčasne. Základom jedného z nich, znejúceho v basovom hlase, je meraný, intenzívny zostup cez chromatické poltóny. Podobné pohyby sú bežné v tragických áriách zo starých opier. Je to ako ponurý hlas zlého osudu, osudu. Druhá téma v strednom, altovom hlase je presiaknutá žalostnými motívmi-vzdychmi: Následne sa s týmito dvoma témami úzko prelína aj tretia téma s ešte srdečnejšími prosebnými výkrikmi. Až do úplného konca hry zostáva hlas zlého osudu neúprosný. Ale hlasy ľudského smútku neutíchajú. Obsahujú neutíchajúcu iskru ľudskej nádeje. A na chvíľu sa zdá, že sa rozhorí v záverečnom akorde F dur. Bachova „symfónia“ h mol Čebalo v Bachovom dome v Eisenachu 15 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku (trojdielny vynález č. 15) sa vyznačuje aj lyrickou oduševnenosťou. V predslove k rukopisu svojich vynálezov a „symfónií“ Bach naznačil, že by mali pomôcť rozvíjať „spevácky spôsob hry“. Na čembale to bolo ťažké dosiahnuť. Bach preto radšej doma používal iný strunový klávesový nástroj, a to aj na hodinách so študentmi, klavichord. Jeho slabý zvuk je nevhodný na koncertné vystúpenie. Ale, ako už bolo spomenuté, na rozdiel od čembala sa struny klavichordu nebrnkajú, ale sú jemne zovreté kovovými platňami. To prispieva k melodickosti zvuku a umožňuje dynamické odtiene. Bach tak akoby predvídal možnosti melodického a súvislého hlasového prejavu na klavíri – nástroji, ktorý bol v jeho dobe ešte dizajnovo nedokonalý. A toto želanie veľkého hudobníka by si mali pamätať všetci moderní klaviristi. Courant je trojdobý tanec francúzskeho pôvodu. No pre francúzske čembalové zvonkohry bola typická istá rytmická vycibrenosť a manierizmus. Courant v Bachovej suite c mol sa podobá talianskej odrode tohto tanečného žánru – je živšia a mobilnejšia. Toto je uľahčené flexibilnou kombináciou dvoch hlasov, ktoré sa navzájom prelínajú: „Francúzska suita“ c mol Tri kolekcie Bachových klávesových sád majú rôzne názvy. Šesť suít zahrnutých v tretej zbierke sám nazval „partitas“ (názov suity „partita“ sa nenachádza len v jeho dielach14). A dve ďalšie kolekcie – po šesť kusov – sa po Bachovej smrti z nejasných dôvodov začali nazývať „francúzske suity“ a „anglické suity“. Druhý z „francúzskych suít“ je napísaný v tónine c mol. Podľa tradície zavedenej v starovekých suitách obsahuje štyri hlavné časti – Allemande, Courante, Sarabande a Gigue, ako aj ďalšie dve medzihry – Aria a Menuet, vložené medzi Sarabande a Gigue. Allemande je tanec, ktorý sa formoval v 16. – 17. storočí vo viacerých európskych krajinách – Anglicku, Holandsku, Nemecku, Francúzsku a Taliansku. Napríklad starý nemecký allemande bol trochu ťažkopádny skupinový tanec. Ale po vstupe do klavírnych suít Allemande v 18. storočí takmer stratili svoje tanečné črty. Od svojich „predkov“ si zachovala len pokojnú, pokojnú chôdzu so štvor- alebo dvojštvrťovou veľkosťou. Nakoniec sa to zmenilo na voľne štruktúrovanú predohru. Allemande z Bachovej suity c mol je tiež podobná premyslenej lyrickej predohre. Svoje linky tu najčastejšie vedú tri hlasy. Ale niekedy sa k nim pridá aj štvrtý hlas. Zároveň je najmelodickejší hlas vrchný: Sarabande je trojdobý španielsky tanec. Kedysi to bolo rýchle a temperamentné, no neskôr sa to stalo pomalým, slávnostným, často blízkym pohrebnému sprievodu. Sarabanda z Bachovej suity je inscenovaná od začiatku do konca v trojdielnej štruktúre. Pohyb stredných a nižších hlasov je vždy prísny a koncentrovaný (prevládajú štvrtiny a osminy). A pohyb horného hlasu je oveľa voľnejší a pohyblivejší, veľmi výrazný. Často tu prevládajú šestnáste tóny v širokých intervaloch (kvinta, sexta, septima). Vznikajú tak dve kontrastné vrstvy hudobnej prezentácie, ktoré vytvárajú lyricky intenzívny zvuk15: „Divided to parts“ – slovo „partita“ je preložené z taliančiny (zo slovesa „partire“ – „deliť“). V sarabande hlavný horný hlas nekontrastuje s ostatnými, ale skôr ich dopĺňa. 14 15 16 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia Ruska Prelúdium a fúga c mol z prvého zväzku „Dobre temperovaný klavír“ Prelúdium a fúga C dur, Prelúdium a fúga c mol, Prelúdium a Fúga C dur, Prelúdium a Fúga C mol - a tak ďalej cez všetkých dvanásť poltónov zaradených do oktávy. Výsledkom je celkom 24 dvojdielnych cyklov „predohry a fúgy“ vo všetkých durových a molových tóninách. Takto sú štruktúrované oba zväzky (spolu - 48 prelúdií a fúg) Bachovho Dobre temperovaného klavíru. Toto grandiózne dielo je uznávané ako jedno z najväčších svetového hudobného umenia. Prelúdiá a fúgy z týchto dvoch zväzkov sú zaradené do vzdelávacieho aj koncertného repertoáru všetkých profesionálnych klaviristov. Za Bacha sa v ladení klávesových nástrojov postupne konečne ustálil rovnocenný temperament – ​​rozdelenie oktávy na dvanásť rovnakých poltónov. Predtým bol systém nastavenia zložitejší. S ním, v tóninách s viac ako tromi alebo štyrmi znakmi, niektoré intervaly a akordy zneli falošne. Preto sa skladatelia vyhýbali používaniu takejto tonality. Bach ako prvý brilantne dokázal v The Well-Tempered Clavier, že pri rovnakom temperamente možno všetkých 24 kláves použiť s rovnakým úspechom. Skladateľom sa tak otvorili nové obzory, zvýšila sa napríklad schopnosť robiť modulácie (prechody) z jednej tóniny do druhej. V knihe Dobre temperovaný klavír Bach zaviedol typ dvojdielneho cyklu „predohra a fúga“. Predohra je postavená voľne. Významnú úlohu v ňom môže mať homofónno-harmonická povaha a improvizácia. Vzniká tak kontrast k fúge ako prísne polyfonickému dielu. Časti cyklu „Prelúdium a fúga“ zároveň spája nielen spoločná tonalita. Medzi nimi sa v každom prípade prejavujú svojim spôsobom jemné vnútorné súvislosti. Tieto všeobecné typické črty možno vysledovať v Prelúdiu a fúge c mol z prvého zväzku Dobre temperovaného klavíra. Predohra pozostáva z dvoch hlavných častí. Priestrannejšia prvá je úplne vyplnená rýchlym, rovnomerným pohybom šestnástky v oboch rukách. Je vnútorne nasýtený výraznými melodickými a harmonickými prvkami. Zdá sa, ako keby, obmedzený brehmi, vrel nepokojný prúd: Gigue je rýchly, hravý tanec, ktorý pochádza z Írska a Anglicka16. Za starých čias anglickí námorníci radi tancovali jig. V suitách je gigue zvyčajne posledným, posledným pohybom. Bach vo svojom c mol Giguet často používa techniku ​​kanonickej imitácie medzi dvoma hlasmi (ako vo Vynáleze F dur). Prezentácia tohto diela je dôkladne presiaknutá „poskakujúcim“ bodkovaným rytmom: V porovnaní s kontrastom medzi Allemande a Courantom je kontrast medzi Sarabande a Gigue ostrejší. Zmäkčujú ho ale dve dodatočné časti vložené medzi ne. Skladba s názvom „Aria“ znie menej ako sólové vokálne číslo v opere, ale skôr ako pokojná, jednoducho zmýšľajúca pieseň. Nasledujúci Menuet je francúzsky tanec, ktorý spája mobilitu s gráciou. Takže v tejto súprave s jedinou všeobecnou tonalitou sa všetky časti porovnávajú rôznymi spôsobmi v prenesenom zmysle. Veľkosti prípravku sú prevažne trojdĺžkové. V 18. storočí to boli najmä 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti ruského umenia stredným hlasom, jasná, výrazná, dobre zapamätateľná téma s elastickým tanečným rytmom: 11 Moderato Energická vytrvalosť sa v téme spája s gráciou, úlisnou šibalstvom nakukne cez pevnú vôľu. To poskytuje možnosti pre ďalší rôznorodý a dynamický rozvoj. Na začiatku vývoja znie téma odľahčene – jediný raz je prednesená v durovej tónine (E-dur). V repríze z troch hlavných prednesov témy v hlavnej tónine (c mol) druhá, v base, nadobúda taký mohutný rozsah, že nám núti spomenúť si na besnenie prírodných síl v predohre. A ešte jedna, záverečná realizácia témy fúgy končí osvieteným durovým akordom. Táto podobnosť medzi závermi predohry a fúgy prezrádza vnútornú citovú príbuznosť kontrastných častí cyklu. Po nahromadení silnej energie sa zdá, že tento tok na konci prvého úseku pretečie a na začiatku nasledujúceho úseku sa ešte zrýchli a hrozí, že zmietne všetko, čo mu stojí v ceste. Tento vrchol predohry je poznačený zmenou tempa na najrýchlejšie (Presto) a použitím polyfonickej techniky – dvojhlasného kánonu. Búrlivé prvky však zrazu zastavia imperatívne údery akordov a zmysluplné frázy recitatívu. Tu nastáva druhá zmena tempa – na najpomalšie (Adagio). A po tretej zmene tempa na stredne rýchle A11ego v záverečných taktoch predohry tónický organový bod v base postupne spomaľuje pohyb šestnástok v pravej ruke. Na akorde C dur sa jemne šíri a zamrzne. Nastáva pokoj a mier. Po takomto voľnom, improvizačnom dokončení predohry sa pozornosť prepne do inej, kontrastnej roviny. Začína sa trojdielna fúga. Toto slovo v latinčine a taliančine znamená „beh“, „útek“, „rýchly tok“. V hudbe je fúga komplexným polyfónnym dielom, kde sa hlasy akoby navzájom ozývajú a dobiehajú jeden druhého. Väčšina fúg je založená na jedinej téme. Fúgy s dvoma témami sú menej bežné a ešte menej bežné s tromi a štyrmi témami. A podľa počtu hlasov sú fúgy dvoj-, troj-, štvor- a päťhlasé. Jednotematické fúgy začínajú prezentáciou témy v hlavnej tónine jedným hlasom. Tému potom postupne napodobňujú ďalšie hlasy. Tak vzniká prvý úsek fúgy – expozícia. V druhej časti – vývoj – sa téma zobrazuje iba v iných klávesoch. A v tretej a poslednej časti – repríze9 – sa opäť nesie v hlavnej tónine, ale už nie je podaná monofónne. Výstava sa tu už určite neopakuje. Fúgy vo veľkej miere využívajú trvalé protipozície a medzihry. Začína sa spomínaná Bachova c mol fúga, ktorá sa objavuje vo Fúge - najvyššej forme polyfónnej hudby - dosiahla úplnú zrelosť a najjasnejší rozkvet v Bachovom diele. Slávny ruský skladateľ a klavirista 19. storočia Anton Grigorievič Rubinstein vo svojej knihe „Hudba a jej predstavitelia“ napísal obdivujúc „dobre temperovaný klavír“, že tam možno nájsť „fugy náboženského, hrdinského, melancholického , majestátny, žalostný, humorný, pastoračný, dramatický charakter; len v jednej veci sú si všetky podobné – v kráse...“ V tom istom veku ako Johann Sebastian Bach bol veľký nemecký skladateľ Georg Friedrich Handel (1685-1759) – úžasný majster polyfónie, virtuózny organista. Jeho osud sa vyvíjal inak. Väčšinu života strávil mimo Nemecka, sťahoval sa z jednej krajiny do druhej (niekoľko desaťročí žil v Anglicku). 18 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku Händel je autorom mnohých opier, oratórií a rôznych inštrumentálnych diel. O formovaní klasického štýlu v hudbe Otázky a úlohy 1. Čo majú spoločné Bachove duchovné a svetské diela? 2. Povedzte nám o figuratívnom charaktere Toccaty a fúgy d mol pre organ. 3. Spievajte témy Bachových vynálezov, ktoré poznáte. Čo je protipridanie, keď sa nazýva zadržané? 4. Čo je medzihra vo viachlasnom diele? Ktorá napodobenina sa nazýva kanonická alebo kanonická? 5. Vymenujte a charakterizujte hlavné časti „Francúzskej suity“ c mol. 6. Ako je skonštruovaný Bachov dobre temperovaný klavír? 7. Aký je hlavný rozdiel medzi predohrou a fúgou? Ilustrujte to na príklade Prelúdia a fúgy c mol z prvého zväzku Dobre temperovaného klavíra. Sú medzi nimi nejaké podobnosti? Hudobné divadlo 18. storočia, najmä jeho stredná a druhá polovica, bolo obdobím veľkých zmien vo všetkých oblastiach európskeho hudobného umenia. S príchodom tohto storočia sa v talianskej opere postupne vyprofilovali dva žánre – opera seria (vážna) a opera buffa (komická). Operným sériám naďalej dominovali mytologické a historické zápletky, v ktorých vystupovali takzvaní „vysokí“ hrdinovia – mytologické božstvá, králi antických štátov a legendárni generáli. A v Buffa operách sa zápletky stali prevažne modernými, každodennými. Hrdinami tu boli obyčajní ľudia, ktorí pôsobili energicky a realisticky. Prvým nápadným príkladom opernej buffy bola Slúžka a pani Giovanniho Battistu Pergolesiho, ktorá sa verejnosti objavila v roku 1733 v Neapole. Hrdinka, podnikavá slúžka Serpina, sa chytro vydá za svojho nevrlého pána Uberta a sama sa stane milenkou. Podobne ako mnohé rané talianske opery buffa, aj „Služobník-pani“ sa pôvodne hrala ako javisková medzihra v prestávkach medzi dejstvami Pergolesiho opernej série „Pyšný zajatec“ (pamätajte, že slovo „medzihra“ je latinského pôvodu a znamená „interakcia“). “). Čoskoro si „The Maid-Mistress“ získala veľkú popularitu v mnohých krajinách ako nezávislé dielo. Vo Francúzsku sa komická opera zrodila v druhej polovici 18. storočia. Vznikol z vtipných, vtipných komediálnych vystúpení s hudbou v divadlách na parížskych veľtrhoch. A príklad talianskeho operného buffa pomohol francúzskym férovým komédiám premeniť sa na komickú operu, kde hlavnou charakteristikou postáv boli vokálne čísla. Významný význam pre to malo parížske predstavenie talianskej opery „bafón“, keď hlavné mesto Francúzska doslova očarila Pergolesiho „Slúžka a pani“. Na rozdiel od talianskych operných buffov sa vo francúzskych komických operách árie striedajú nie s recitatívmi, ale s hovorenými dialógmi. Postavená je aj Singspiel - nemecká a rakúska komická opera, ktorá sa objavila v 2. Hlavných dielach Vokálne a inštrumentálne diela „Sv. Jánove pašie“, Omša h mol Sakrálne kantáty (zachovaných asi 200) a. svetské kantáty (zachovalo sa vyše 20) Orchestrálne diela 4 suity („predohry“) 6 „Brandenburské koncerty“ Koncerty pre sólové nástroje s komorným orchestrom 7 čembalových koncertov 3 koncerty pre dvoch, 2 pre tri čembalá 2 husľové koncerty Koncert pre dve husle Diela pre sl. nástroje 3 sonáty a 3 partity pre sólové husle 6 sonát pre husle a čembalo 6 suít („sonát“) pre sólové violončelo Organové diela 70 chorálových prelúdií Prelúdiá a fúgy Toccata a fúga d mol Passacaglia c mol Klávesové diela Zbierka „Malé prelúdiá a Fúgy“ 15 dvojhlasných vynálezov a 15 trojhlasných vynálezov („symfónie“) 48 prelúdií a fúg „The Well-Tempered Clavier“ 6 „francúzskych“ a 6 „anglických“ suít 6 suít (partitas) „Taliansky koncert“ pre sólo čembalo „Chromatická fantázia a fúga“ „Umenie“ fúgy“ 19 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku v polovici 18. storočia17. Hudobný jazyk všetkých odrôd komickej opery sa vyznačuje úzkym prepojením s ľudovými piesňovými a tanečnými melódiami. V druhej polovici 18. storočia vážne operné žánre radikálne zreformoval veľký nemecký skladateľ Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Napísal svoju prvú reformnú operu „Orfeus a Eurydika“ (1762), založenú na zápletke o legendárnom starogréckom spevákovi, ktorá bola opakovane používaná v operách už od najstarších (o tom sa hovorilo v Úvode). Gluckova cesta k reforme v opere nebola jednoduchá. Mal možnosť navštíviť mnohé európske krajiny – Nemecko, Rakúsko, Dánsko, ako aj Slovanmi obývanú Českú republiku spolu s Talianskom – Anglickom. Predtým, ako sa Gluck pevne usadil vo Viedni, uviedol 17 svojich operných sérií na javiskách divadiel v Miláne, Benátkach, Neapole, Londýne, Kodani, Prahe a ďalších mestách. Opery tohto žánru sa hrali v dvorných divadlách mnohých európskych krajín. Výnimkou bolo Francúzsko. Tam v polovici 18. storočia naďalej komponovali a inscenovali vážne opery len v tradičnom francúzskom štýle. Ale Gluck pozorne študoval operné partitúry slávnych francúzskych skladateľov Jean-Baptiste Lully a Jean-Philippe Rameau. Okrem toho Gluck napísal a úspešne naštudoval vo Viedni osem diel v novom žánri francúzskej komickej opery. Nepochybne dobre poznal talianske buffa opery a nemecké a rakúske spevohry. Všetky tieto poznatky umožnili Gluckovi zásadne aktualizovať už zastarané princípy kompozície pre vážne opery. Vo svojich reformných operách, inscenovaných najskôr vo Viedni a potom v Paríži, začal Gluck sprostredkovať emocionálne zážitky postáv s oveľa väčšou pravdivosťou a dramatickým napätím a účinnosťou. Upustil od hromadenia virtuóznych pasáží v áriách a zvýšil expresívnosť recitatívov. Jeho opery sa stali cieľavedomejšími v hudobnom a javiskovom vývoji, harmonickejšie v kompozícii. V hudobnom jazyku a pri výstavbe nových komických a reformovaných vážnych opier tak vznikli dôležité charakteristické črty nového, klasického štýlu - aktívna efektívnosť vývoja, jednoduchosť a jasnosť výrazových prostriedkov, kompozičná harmónia, všeobecná noblesa a vznešený charakter hudby. Tento štýl sa postupne formoval v európskej hudbe počas 18. storočia, dozrel v rokoch 1770-1780 a dominoval až do polovice druhej dekády 19. storočia. Je potrebné vziať do úvahy, že definícia „klasického“ môže mať aj iný, širší význam. „Klasika“ (alebo „klasika“) sa nazývajú aj hudobné a iné umelecké diela, ktoré boli uznané ako príkladné, dokonalé, neprekonateľné – bez ohľadu na čas ich vzniku. V tomto zmysle možno masy talianskeho skladateľa Palestrinu zo 16. storočia, Prokofievove opery a symfónie Šostakoviča – ruských skladateľov 20. storočia – nazvať klasikou alebo klasikou. Inštrumentálna hudba Na rovnakom širokom medzinárodnom základe ako Gluckova operná reforma zaznamenalo 18. storočie intenzívny rozvoj inštrumentálnej hudby. Bolo uskutočnené spoločným úsilím skladateľov z mnohých európskych krajín. Opierajúc sa o spev a tanec, rozvíjajúc klasickú čistotu a dynamiku hudobného jazyka, postupne formovali nové žánre cyklických inštrumentálnych diel - ako klasickú symfóniu, klasickú sonátu, klasické sláčikové kvarteto. Veľký význam v nich nadobudla sonátová forma. Preto sa inštrumentálne cykly nazývajú sonáta alebo sonátovo-symfonické. Sonátová forma. Už viete, že najvyššou formou polyfónnej hudby je fúga. A sonátová forma je najvyššou formou homofónno-harmonickej hudby, kde sa polyfónne techniky dajú použiť len niekedy. Vo svojej konštrukcii sú tieto dve formy navzájom podobné. Podobne ako vo fúge, aj sonátová forma má tri hlavné časti: expozíciu, vývoj a reprízu. Ale sú medzi nimi aj značné rozdiely. Hlavný rozdiel medzi sonátovou formou a fúgou sa okamžite prejaví na výstave 18. Veľká väčšina fúg je celá postavená na jednej téme, ktorá sa na výstave strieda v každej. Toto nemecké slovo pochádza zo „singen“ („spievať “) a „Spiel“ („hranie“). 18 Slovo je latinského pôvodu a znamená „prezentácia“, „ukazovanie“. 20 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku hlas. A v expozícii sonátovej formy sa spravidla objavujú dve hlavné témy, viac-menej odlišného charakteru. Najskôr zaznie téma hlavnej časti a neskôr sa objaví téma vedľajšej časti. Za žiadnych okolností by sa definícia „sekundárneho“ nemala chápať ako „malá“. Téma vedľajšej časti totiž zohráva v sonátovej forme nemenej dôležitú úlohu ako téma hlavnej časti. Slovo „sekundárny“ je tu použité preto, lebo na rozdiel od prvého na výstave nevyhnutne znie nie v hlavnej tónine, ale v inej, teda akoby vedľajšej. V hudbe klasického štýlu, ak je hlavná časť v expozícii dur, potom sa vedľajšia časť uvádza v tónine dominanty (napríklad ak tónina hlavnej časti je C dur, potom tónina vedľajšej časti je G dur). Ak je hlavná časť expozície molová, potom sa vedľajšia časť uvádza paralelne dur (ak je napríklad tónina hlavnej časti c mol, tónina vedľajšej časti je E-dur). Medzi hlavný a vedľajší pozemok sa umiestni buď malý zväzok, alebo zväzok. Môže sa tu objaviť samostatná, melodicky výrazná téma, ale častejšie sa využívajú intonácie témy hlavnej časti. Spojovací diel pôsobí ako prechod do bočného dielu, moduluje sa do kľúča bočného dielu. Dochádza tak k narušeniu tonálnej stability. Ucho začína očakávať začiatok nejakej novej „hudobnej udalosti“. Ukázalo sa, že toto je vzhľad témy vedľajšej hry. Niekedy môže výkladu predchádzať úvod. A po vedľajšej časti nasleduje buď krátky záver, alebo celá záverečná časť, často s nezávislou témou. Takto sa končí expozícia, ktorá určuje tón bočnej časti. Na pokyn skladateľa možno celú expozíciu opakovať. Vývoj je druhým úsekom sonátovej formy. Témy známe z výstavy sa v nej objavujú v nových verziách, rôzne sa striedajú a porovnávajú. Takáto interakcia často nezahŕňa celé témy, ale skôr motívy a frázy, ktoré sú od nich izolované. To znamená, že témy vo vývoji sa zdajú byť rozdelené do samostatných prvkov, čo odhaľuje energiu v nich obsiahnutú. V tomto prípade dochádza k častej výmene kľúčov (hlavný kľúč je tu ovplyvnený zriedkavo a nie dlho). Zdá sa, že témy a ich prvky, ktoré sa objavujú v rôznych klávesoch, sú osvetlené novým spôsobom, zobrazené z nových uhlov pohľadu. Keď vývoj vo vývoji dosiahne na svojom vrchole výrazné napätie, jeho priebeh zmení smer. Na konci tejto časti je pripravený návrat k hlavnej tónine a nastáva obrat do reprízy. Repríza je tretí úsek sonátovej formy. Začína sa návratom hlavnej časti v hlavnej tónine. Spojovacia časť nevedie do nového kľúča. Naopak, opravuje hlavný kľúč, v ktorom sa teraz opakuje vedľajšia aj záverečná časť. Repríza tak svojou tónovou stálosťou vyvažuje labilný charakter vývoja a dáva celku klasickú harmóniu. Reprízu môže niekedy doplniť konečná štruktúra – coda (odvodené z latinského slova s ​​významom „chvost“). Keď teda zaznie fúga, naša pozornosť sa sústredí na počúvanie, myslenie a cítenie do jednej hudobnej myšlienky, stelesnenej jednou témou. Keď dielo zaznie v sonátovej forme, náš sluch sleduje porovnávanie a interakciu dvoch hlavných (a doplnkových) tém – akoby vývoj rôznych hudobných udalostí, hudobná akcia. To je hlavný rozdiel medzi umeleckými možnosťami týchto dvoch hudobných foriem. Cyklus klasickej sonáty (sonátovo-symfonický). Okolo poslednej tretiny 18. storočia sa v hudbe konečne sformoval klasický sonátový cyklus. Predtým v inštrumentálnych dielach dominovala forma suity, kde sa striedali pomalé a rýchle pohyby, a úzko súvisiaca forma antickej sonáty. Teraz je v klasickom sonátovom cykle presne určený počet častí (zvyčajne tri alebo štyri), ale ich obsah sa stal komplexnejším. Prvá časť je zvyčajne napísaná v sonátovej forme, o ktorej sme hovorili v predchádzajúcom odseku. Kráča rýchlym alebo stredne rýchlym tempom. Najčastejšie je to A11e§go. Preto sa takýto pohyb zvyčajne nazýva sonata allegro. Hudba v nej má často energický, efektný charakter, často napätý a dramatický. Druhá časť vždy kontrastuje s prvou tempom a celkovým charakterom. Často je pomalý, najviac lyrický a melodický. Ale môže to byť aj iné, napríklad podobne ako oddychové rozprávanie alebo tanečne ladné V trojdielnom cykle je posledná, tretia časť, finále opäť rýchle, zvyčajne svižnejšie, ale vo vývoji vnútorne menej intenzívne. porovnanie s prvým. Finále klasických sonátových cyklov (najmä symfónií) často dokresľujú preplnenú sviatočnú zábavu a témami sú blízke ľudovým piesňam a tancom. V tomto prípade sa často používa tvar ronda (z francúzskeho „ronde“ - „kruh“). Ako viete, prvá časť (refrén) sa tu niekoľkokrát opakuje a striedajú sa s novými časťami (epizódami). 21 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku vaša prvá opera? 3. V akej dobe dominoval v hudbe klasický štýl a do akej doby dozrieval? Vysvetlite rozdiel medzi týmito dvoma významami „klasický“. 4. Aké sú podobnosti vo všeobecnej výstavbe medzi fúgovou a sonátovou formou? Aký je medzi nimi hlavný rozdiel? 5. Vymenujte hlavné a doplnkové úseky sonátovej formy. Nakreslite jeho schému. 6. Ako spolu súvisia hlavné a vedľajšie časti sonátovej formy v jej expozícii a v jej repríze? 7. Čo je charakteristické pre vývin v sonátovej forme? 8. Opíšte časti klasického sonátového cyklu. 9. Vymenujte hlavné typy klasických sonátových cyklov v závislosti od zloženia interpretov. To všetko odlišuje mnohé finále štvordielnych cyklov. Ale v nich, medzi vonkajšími časťami (prvá a štvrtá), sú umiestnené dve stredné časti. Jeden - pomalý - je zvyčajne druhý v symfónii a tretí v kvartete. Treťou časťou klasických symfónií 18. storočia je Menuet, ktorý je v kvartete na druhom mieste. Spomenuli sme teda slová „sonata“, „kvarteto“, „symfónia“. Rozdiel medzi týmito cyklami závisí od zloženia interpretov. Osobitné miesto má symfónia – dielo pre orchester, určené na hranie vo veľkej miestnosti pred početnými poslucháčmi. V tomto zmysle je symfónia blízka koncertu – trojdielnej skladbe pre sólový nástroj so sprievodom orchestra. Najbežnejšie komorné inštrumentálne cykly sú sonáta (pre jeden alebo dva nástroje), trio (pre tri nástroje), kvarteto (pre štyri nástroje), kvinteto (pre päť nástrojov)19. Sonátová forma a sonátovo-symfonický cyklus, podobne ako celý klasický štýl v hudbe, vznikli v 18. storočí, ktoré sa nazýva „vek osvietenia“ (alebo „vek osvietenia“), ako aj „vek“. rozumu“. V tomto storočí, najmä v jeho druhej polovici, sa v mnohých európskych krajinách objavili predstavitelia takzvaného „tretieho stavu“. Boli to ľudia, ktorí nemali ani šľachtické tituly, ani duchovné tituly. Za svoj úspech vďačili vlastnej práci a iniciatíve. Hlásali ideál „prirodzeného človeka“, ktorého samotná príroda obdarila tvorivou energiou, jasnou mysľou a hlbokými citmi. Tento optimistický demokratický ideál sa svojím spôsobom odrážal v hudbe, iných formách umenia a literatúre. Napríklad víťazstvo ľudskej mysle a neúnavných rúk na začiatku osvietenstva oslávil slávny román anglického spisovateľa Daniela Defoea „Život a úžasné dobrodružstvá Robinsona Crusoa“, vydaný v roku 1719. Joseph Haydn 1732-1809 Klasický štýl v hudbe dosiahol svoju zrelosť a vysoký rozkvet v dielach Josepha Haydna, Wolfganga Amadea Mozarta a Ludwiga van Beethovena. Život a dielo každého z nich pretrvali na dlhý čas v hlavnom meste Rakúska vo Viedni. Preto sú Haydn, Mozart a Beethoven označovaní za viedenských klasikov. Rakúsko bolo mnohonárodné impérium. Spolu s Rakúšanmi, ktorých rodným jazykom je nemčina, žili Maďari a rôzne slovanské národy vrátane Čechov, Srbov a Chorvátov. Ich piesne a otázky a úlohy 1. Vymenujte národné odrody komických opier 18. storočia. Ako sa líši stavba talianskej opery buffa od stavby francúzskej komickej opery? 2. S ktorými krajinami a mestami súvisela činnosť veľkého operného reformátora Christopha Willibalda Glucka? Na aký predmet písal Názvy ďalších inštrumentálnych cyklov komorného súboru sú sexteto (6), septet (7), okteto (8), noneto (9), decimet (10). Definícia „komornej hudby“ pochádza z talianskeho slova „kamera“ – „miestnosť“. Až do 19. storočia sa diela pre viaceré nástroje často hrávali v domácnostiach, čiže sa chápali ako „izbová hudba“. 19 22 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku tanečné melódie bolo počuť v dedinách aj v mestách. Vo Viedni znela ľudová hudba všade – v centre aj na perifériách, na križovatkách ulíc, vo verejných záhradách a parkoch, v reštauráciách a krčmách, v bohatých aj chudobných súkromných domoch. Viedeň bola aj významným centrom profesionálnej hudobnej kultúry, sústredeným okolo cisárskeho dvora, kaplniek šľachty 1 a šľachtických salónov, katedrál a kostolov. Taliansky operný seriál sa v rakúskom hlavnom meste dlho pestoval, ako už bolo spomenuté, Gluck začal svoju opernú reformu. Hudba hojne sprevádzala súdne slávnosti. Ale aj Viedenčania ochotne navštevovali veselé frašky s hudbou, z ktorých sa zrodil Singspiel, a veľmi radi tancovali. Z troch veľkých viedenských hudobných klasikov je Haydn najstarší. Mal 24 rokov, keď sa narodil Mozart, a 38 rokov, keď sa narodil Beethoven. Haydn žil dlhý život. Predčasne zosnulého Mozarta prežil takmer o dve desaťročia a bol stále nažive, keď už Beethoven vytvoril väčšinu svojich zrelých diel. Pre súkromné ​​kniežacie divadlo napísal viac ako dve desiatky opier v žánroch seria, buffa, ako aj niekoľko „bábkových“ opier pre predstavenia v podaní bábok. Oblasťou jeho hlavných tvorivých záujmov a úspechov je však symfonická a komorná2 inštrumentálna hudba. Celkovo ide o viac ako 800 esejí3. Spomedzi nich je významných najmä viac ako 100 symfónií, viac ako 80 sláčikových kvartet a viac ako 60 klávesových sonát. V ich zrelých príkladoch sa s najväčšou úplnosťou, jasom a originalitou prejavil optimistický postoj veľkého rakúskeho skladateľa. Len niekedy je tento jasný svetonázor zatienený pochmúrnejšou náladou. Vždy ich premôže Haydnova nevyčerpateľná láska k životu, bystrý postreh, veselý humor, jednoduché, zdravé a zároveň poetické vnímanie okolitej reality. Životná cesta Rané detstvo. Rohrau a Hainburg. Franz Joseph Haydn sa narodil v roku 1732 v obci Rohrau, ktorá sa nachádza vo východnom Rakúsku, neďaleko maďarských hraníc a neďaleko Viedne. Haydnov otec bol zručný kočiar, matka slúžila ako kuchárka na panstve grófa, majiteľa Rohrau. Jeho rodičia začali čoskoro učiť svojho najstaršieho syna Josepha, ktorého v rodine láskavo volali Zepperlem, aby bol pracovitý, upravený a čistotný. Haydnov otec hudbu vôbec nepoznal, ale veľmi rád spieval, sprevádzal sa na harfe, najmä keď hral svoju. hostia sa zhromažďovali v malom domčeku. Zepperl spieval čistým, striebristým hlasom, ktorý odhalil pozoruhodný hudobný sluch. A keď mal chlapec iba päť rokov, poslali ho do susedného Hainburgu k vzdialenému príbuznému, ktorý viedol cirkevnú školu a zbor. V Hainburgu sa Sepperl naučil čítať, písať, počítať, spievať v zbore a začal si osvojovať aj hru na klavichord a husle. Ale život v cudzej rodine pre neho nebol ľahký. O mnoho rokov neskôr si spomenul, že vtedy dostal „viac bitia ako jedla“. Hneď ako sa Sepperl dostal do Hainburgu, dostal príkaz naučiť sa biť na tympány, aby sa mohol zúčastniť toho istého cirkevného sprievodu s hudbou. Chlapec vzal sito, pretiahol cez neho kus látky a začal usilovne cvičiť. Svoju úlohu úspešne splnil. Len pri organizovaní sprievodu bolo potrebné zavesiť nástroj na chrbát veľmi nízkeho muža. A bol zhrbený, čo rozosmialo publikum. V kaplnke viedenského Dómu svätého Štefana. Pri prechode Hainburgom upozornil viedenský katedrálny dirigent a dvorný skladateľ Georg Reuther na svoje vynikajúce hudobné schopnosti. Haydn bol úprimne veriaci človek. Je autorom množstva omší a iných vokálnych a inštrumentálnych diel na duchovné texty. 23 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti ruského umenia Zepperl. V roku 1740 sa teda osemročný Haydn ocitol v hlavnom meste Rakúska, kde ho prijali ako speváka do kaplnky katedrálneho (hlavného) Dómu svätého Štefana. robím to sám. Ťažký štart do samostatného života. Keď sa vo veku osemnástich rokov mladíkovi začal lámať hlas - dočasne zachrípol a stratil pružnosť, bol hrubo a nemilosrdne vyhodený z kaplnky. Keďže sa ocitol bez domova a peňazí, mohol zomrieť hladom a zimou, keby mu na chvíľu neprišiel úkryt od známeho speváka, ktorý býval s manželkou a dieťaťom v malej izbe pod strechou. Haydn sa začal venovať akejkoľvek hudobnej práci, ktorá mu prišla do cesty: prepisoval noty, dával hodiny spevu a hry na klavíri a ako huslista sa zúčastňoval pouličných inštrumentálnych súborov, ktoré v noci predvádzali serenády na počesť jedného z obyvateľov mesta. Nakoniec si mohol prenajať malú izbu na šiestom, poslednom poschodí domu v centre Viedne. Izbu predieral vietor, nebola tam piecka a v zime voda často zamŕzala. V takejto ťažkej situácii žil Haydn desať rokov. Ale neklesol na duchu a nadšene sa venoval svojmu obľúbenému umeniu. „Keď som sedel pri svojom starom, červami prežratom klavíri,“ spomínal v starobe, „nezávidel som šťastie žiadnemu kráľovi. Haydnovi pomáhal prekonávať každodenné ťažkosti jeho živý, veselý charakter. Raz napríklad v noci umiestnil svojich kolegov hudobníkov do odľahlých kútov jednej z viedenských ulíc a na jeho signál si každý začal hrať, čo chcel. Výsledkom bol „mačací koncert“, ktorý vyvolal rozruch medzi okolitými obyvateľmi. Dvaja z hudobníkov skončili v policajnej väzbe, ale podnecovateľ škandalóznej „serenády“ nebol vydaný. Haydn, ktorý sa zoznámil s populárnym komediálnym hercom, v spolupráci s ním zložil singspiel „The Lame Demon“ a zarobil si malú sumu peňazí 20. A aby mohol využiť odborné pokyny slávneho talianskeho skladateľa a učiteľa vokálu Nicola Antonio Porpora, Haydn sprevádzal svojich študentov na hodinách spevu a okrem toho mu slúžil ako lokaj. Postupne si Haydn začal vo Viedni získavať slávu ako učiteľ, tak aj ako skladateľ. Stretol známych ľudí; hudobníkov a milovníkov hudby. V dome významného funkcionára sa začal zúčastňovať účinkovania komorných súborov a vytvoril svoje prvé sláčikové kvartetá pre koncerty na svojom vidieckom panstve. A Haydn napísal svoju prvú symfóniu v roku 1759, keď dostal k dispozícii malý orchester a stal sa vedúcim kaplnky grófa Morcina. Gróf si ponechal iba slobodných hudobníkov. Haydn, ktorý sa oženil s dcérou viedenského kaderníka, bol nútený to tajiť. To však trvalo len do roku 1760, keď vo Viedni, veľkom krásnom meste s nádhernými budovami a architektonickými súbormi, zaplavila chlapca vlna nových živých dojmov. Všade naokolo znela nadnárodná ľudová hudba. Slávnostné vokálno-inštrumentálne diela zazneli v katedrále a na cisárskom dvore, kde účinkovala aj kaplnka. Ale podmienky existencie boli opäť ťažké. Počas vyučovania, nácvikov a vystúpení boli zboroví chlapci veľmi unavení. Boli skromne kŕmení; Za žarty boli prísne potrestaní. Malý Haydn naďalej usilovne študoval spevácke umenie, hru na klavír a husle a veľmi túžil skladať hudbu. Reuther tomu však nevenoval pozornosť. Keďže bol príliš zaneprázdnený svojimi záležitosťami, počas celých deviatich rokov Haydnovho pobytu v kaplnke mu dal iba dve hodiny kompozície. Joseph však vytrvalo dosahoval svoj cieľ a usilovne. O niekoľko rokov neskôr napísal ďalší singspiel s názvom „Nový chromý démon“. 20 24 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku Materiálne záležitosti grófa sa otriasli a svoju kaplnku rozpustil. Haydnovo manželstvo bolo neúspešné. Jeho vyvolený sa vyznačoval ťažkým, nevrlým charakterom. Manželove skladateľské záležitosti ju vôbec nezaujímali – až do tej miery, že z rukopisov jeho diel vyrábala natáčky a podšívky na paštétu. O niekoľko rokov neskôr začal Haydn žiť oddelene od svojej manželky. Nemali deti. V Kaplnke kniežat Esterházyovcov. V roku 1761 bohatý Maďar; Knieža Pal Antal Esterházy pozval Haydna do Eisenstadtu ako vicekapellmeistera. Od tohto momentu začal Haydn svoju službu u Esterházyovcov, ktorá trvala tri desaťročia. O päť rokov neskôr sa stal kapelníkom - po smrti staršieho hudobníka, ktorý túto funkciu zastával. Dedič Pala Antala, ktorý zomrel v roku 1762, sa vyznačoval záľubou v luxuse a drahej zábave – jeho brat Mikloš 1, prezývaný Veľkolepý. O niekoľko rokov neskôr presťahoval svoje sídlo z Eisenstadtu do nového vidieckeho paláca so 126 izbami, obklopil ho obrovským parkom, neďaleko postavil operu so 400 miestami a bábkové divadlo a výrazne zvýšil počet hudobníkov v kaplnke. . Pôsobenie tam poskytlo Haydnovi dobrú finančnú podporu a okrem toho možnosť veľa komponovať a okamžite sa otestovať v praxi a riadiť orchestrálne prevedenie svojich nových diel. V Eszterhaze (názov nového kniežacieho sídla) sa často konali preplnené recepcie, často za účasti vysokopostavených zahraničných hostí. Vďaka tomu sa Haydnova tvorba postupne dostala do povedomia aj za hranicami Rakúska. Ale v tom všetkom bola, ako sa hovorí, aj druhá strana mince. Haydn pri nástupe do služby podpísal zmluvu, podľa ktorej sa stal akýmsi hudobným sluhom. Musel sa objaviť každý deň pred a po obede pri vchode do paláca v napudrovanej parochni a bielych pančuchách, aby počúval princove príkazy. Zmluva zaväzovala Haydna, aby urýchlene napísal „akúkoľvek hudbu, ktorú si jeho lordstvo želá, aby nikomu neukazoval nové skladby, tým menej nedovolil nikomu ich kopírovať, ale ponechal si ich výlučne pre svoju vrchnosť a nikomu nič neskladal bez jeho vedomia a milostivé povolenie." Okrem toho mal Haydn dohliadať na poriadok v kaplnke a na správanie hudobníkov, dávať lekcie spevákom a zodpovedať za bezpečnosť nástrojov a nôt. Nebýval v paláci, ale v susednej dedine, v malom domčeku. Z Eisenstadtu sa kniežací dvor predtým v zime presťahoval do Viedne. A z Eszterházy sa Haydn mohol dostať do hlavného mesta len občas s kniežaťom alebo na zvláštne povolenie. Počas mnohých rokov strávených v Eisenstadte a Eszterhaze sa Haydn zmenil z začínajúceho hudobníka na veľkého skladateľa, ktorého tvorba dosiahla vysokú umeleckú dokonalosť a získala uznanie nielen v Rakúsku, ale aj ďaleko za jeho hranicami. Šesť „Parížskych symfónií“ (č. 82-87) tak napísal na objednávku z hlavného mesta Francúzska, kde ich v roku 1786 s úspechom uviedol. Haydnove stretnutia s Wolfgangom Amadeom Mozartom vo Viedni siahajú do 80. rokov 18. storočia. Priateľské zblíženie malo priaznivý vplyv na tvorbu oboch skvelých hudobníkov. Postupom času začal Haydn čoraz ostrejšie pociťovať svoju závislú pozíciu. V jeho listoch priateľom z Esterházy vo Viedni, napísaných v prvej polovici roku 1790, sú tieto vety: „Teraz - sedím vo svojej pustatine - opustený - ako chudobná sirota - takmer bez spoločnosti ľudí - smutný. Poslední kniežatá z Esterházy vlastnili rozsiahle majetky, mali veľa sluhov a vo svojich palácoch viedli život podobný kráľovským. Špeciálne 25 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku celé dni som nevedel, či som kapelník alebo dirigent... Je smutné byť stále otrokom...“ Nový obrat v r. osud. Cesty do Anglicka. Na jeseň roku 1790 Miklós Esterházy zomrel. Bol osvieteným milovníkom hudby, hral na sláčikové nástroje a nevedel si pomôcť, ale svojím spôsobom ocenil takého „hudobného sluhu“, akým bol Haydn. Princ mu odkázal veľký doživotný dôchodok. Dedič Mikloš Antal, ľahostajný k hudbe, kaplnku rozpustil. Keďže však chcel, aby bol slávny skladateľ naďalej uvádzaný ako jeho dvorný dirigent, zvýšil dokonca peňažné platby Haydnovi, ktorý sa tak oslobodil od úradných povinností a mohol sa úplne ovládať. Haydn sa presťahoval do Viedne s úmyslom skladať hudbu a ponuky na návštevu iných krajín najskôr odmietal. Potom však súhlasil s ponukou podniknúť dlhú cestu do Anglicka a začiatkom roku 1791 prišiel do Londýna. Haydn teda s blížiacimi sa šesťdesiatimi narodeninami po prvý raz na vlastné oči uvidel more a po prvý raz sa ocitol v inom štáte. Na rozdiel od Rakúska, ktoré bolo ešte vo svojom ráde feudálno-aristokratické, Anglicko bolo dlho buržoáznou krajinou a spoločenský, vrátane hudobného, ​​život Londýna bol veľmi odlišný od Viedne. V Londýne, obrovskom meste s mnohými priemyselnými a obchodnými podnikmi, prevládali koncerty nie pre vybrané osoby pozvané do palácov a salónov šľachty, ale organizované vo verejných sálach, kam každý prišiel za poplatok. Meno Haydn v Anglicku už bolo obklopené aurou slávy. Slávni hudobníci a hodnostári s ním zaobchádzali nielen ako s rovnocenným, ale aj so zvláštnym rešpektom. Jeho nové diela, v ktorých účinkoval ako dirigent, boli prijaté s nadšením a štedro zaplatené. Haydn dirigoval veľký orchester 40-50 ľudí, teda dvakrát väčší ako Esterházyho kaplnka. Oxfordská univerzita mu udelila čestný doktorát hudby. Haydn sa o rok a pol vrátil do Viedne. Po ceste navštívil nemecké mesto Bonn. Tam sa prvýkrát stretol s mladým Ludwigom van Beethovenom, ktorý sa čoskoro presťahoval do Viedne s úmyslom študovať u Haydna. Ale Beethoven sa od neho dlho nepoučil. Dvaja hudobní géniovia, príliš rozdielni vekom a temperamentom, vtedy nenašli skutočné vzájomné porozumenie. Beethoven však Haydnovi pri vydaní venoval svoje tri klavírne sonáty (č. 1-3). Haydnova druhá cesta do Anglicka sa začala v roku 1794 a trvala dokonca o niečo viac ako rok a pol. Úspech bol opäť triumfálny. Z množstva vytvorených diel; Počas týchto ciest a v súvislosti s nimi bolo obzvlášť významných dvanásť takzvaných „Londýnskych symfónií“. Posledné roky života a kreativity. Ďalšie knieža Esterházy Miklós II. sa viac zaujímal o hudbu ako jeho predchodca. Preto začal Haydn niekedy cestovať z Viedne do Eisenstadtu a napísal niekoľko omší na objednávku princa. Skladateľove hlavné diela posledných rokov – dve monumentálne oratóriá „Stvorenie sveta“ a „Ročné obdobia“ – zazneli vo Viedni s veľkým úspechom (jedno v roku 1799, druhé v roku 1801). Zobrazenie dávneho chaosu, z ktorého potom vzniká svet, stvorenie Zeme, zrodenie života na Zemi a stvorenie človeka – to je obsah prvého z týchto oratórií. Štyri časti druhého oratória („Jar“, „Leto“, „Jeseň“, „Zima“) sú tvorené trefnými hudobnými náčrtmi vidieckej prírody a roľníckeho života. 26 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti ruského umenia Po roku 1803 už Haydn nekomponoval nič iné. Svoj život dožil ticho, obklopený slávou a cťou. Haydn zomrel na jar roku 1809, na vrchole napoleonských vojen, keď Francúzi vstúpili do Viedne. violončelá a kontrabasy. Skupinu drevených dychových nástrojov tvoria flauty, hoboje, klarinety a fagoty 21. Haydnovu skupinu dychových nástrojov tvoria rohy a trúbky, z bicích nástrojov používal len tympány a až v poslednej, dvanástej „Londýnskej symfónii“ pridal tzv. trojuholník, činely a bubon. Otázky a úlohy 1. Ktorí traja veľkí skladatelia sú označovaní za viedenských hudobných klasikov? Čo vysvetľuje túto definíciu? 2. Povedzte nám o hudobnom živote Viedne v 18. storočí. 3. Vymenujte hlavné hudobné žánre v Haydnovej tvorbe. 4. Kde a ako prežil Haydn detstvo a mladosť? 5. Ako Haydn začal svoju nezávislú cestu? 6..Ako prebiehal Haydnov život a dielo počas jeho služby v Kaplnke kniežat z Esterházy? 7. Povedzte nám o Haydnových cestách do Anglicka a jeho posledných rokoch života. Symfonická kreativita Keď Haydn napísal svoju prvú symfóniu v roku 1759, mnoho diel tohto žánru už existovalo a naďalej vznikalo. Vznikli v Taliansku, Nemecku, Rakúsku a ďalších európskych krajinách. V polovici 18. storočia sa všeobecne preslávili napríklad symfónie, ktoré vznikli a hrali v nemeckom meste Mannheim, ktoré malo vtedy najlepší orchester. Medzi skladateľmi takzvanej „Mannheimskej školy“ bolo veľa Čechov. Jedným z predkov symfónie je trojdielna talianska operná predohra (s pomerom častí v tempe: „rýchlo-pomaly-rýchlo.“). V raných („predklasických“) symfóniách sa len dláždila cesta k budúcej klasickej symfónii, ktorej výraznými znakmi bol význam figuratívneho obsahu a dokonalosť formy. Haydn sa vydal touto cestou a v 80. rokoch 18. storočia vytvoril svoje zrelé symfónie. A potom sa objavili vyzreté symfónie ešte veľmi mladého Mozarta, ktorý sa úžasne rýchlo posunul k výšinám umeleckého majstrovstva. Haydn vytvoril svoje Londýnske symfónie, ktoré korunovali jeho úspechy v tomto žánri, po Mozartovej predčasnej smrti, ktorá ho hlboko šokovala. V Haydnových zrelých symfóniách sa ustálila táto typická skladba štvorvetového cyklu: sonátové allegro, pomalá časť, menuet a finále (zvyčajne vo forme ronda alebo sonátového allegra). Zároveň bolo v hlavných črtách určené klasické zloženie orchestra pozostávajúceho zo štyroch skupín nástrojov. Vedúcou skupinou sú struny. Zahŕňa husle, violy a Haydn nie vždy používal klarinety. Dokonca aj v jeho Londýnskych symfóniách ich počuť len v piatich (z dvanástich). 21 27 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku Táto symfónia je známa ako „vojenská“. Niektoré z ďalších Haydnových symfónií majú tiež názvy. Vo väčšine prípadov nie sú dané samotným skladateľom a označujú iba jeden konkrétny detail, často obrazný, napríklad imitáciu klakania v pomalom pohybe symfónie „Kura“ alebo „tikanie“ v pomalom pohybe „Hodiny“. “symfónia. So symfóniou f moll, ktorej bol priradený názov „Rozlúčka“, sa viaže osobitná história. Má dodatočnú piatu časť (presnejšie coda typu Adagio). Počas jeho vystúpenia členovia orchestra jeden po druhom zhasnú sviečky pri svojich konzolách, vezmú nástroje a odchádzajú. Zostávajú len dvaja huslisti, ktorí potichu a smutne dohrávajú posledné takty a tiež odchádzajú. Existuje na to nasledujúce vysvetlenie. Akoby jedného leta princ Miklós I. podržal hudobníkov svojej kaplnky v Eszterháze dlhšie ako zvyčajne. A chceli rýchlo dostať dovolenku, aby videli svoje rodiny, ktoré žili v Eisenstadte. A ako náznak týchto okolností poslúžilo nezvyčajné druhé finále Rozlúčkovej symfónie. Okrem symfónií napísal Haydn mnoho ďalších diel pre orchester, vrátane viac ako sto individuálnych menuetov. A zrazu sa všetko radostne premieňa: začína sa expozícia sonáty allegro. Namiesto pomalého tempa – rýchleho (Allegro con spirito – „Rýchlo, s nadšením“), namiesto ťažkých basových unisonov – z rovnakých zvukov G a A-flat vo vysokom registri, prvý motív pohybu, rodí sa nákazlivo veselá, tanečná téma hlavnej časti. Všetky motívy tejto témy, uvedené v hlavnej tónine, začínajú opakovaním prvého zvuku – akoby vrúcnym razením: Symfónia Es dur Toto je jedenásta z dvanástich Haydnových Londýnskych symfónií. Jeho hlavným kľúčom je E-dur. Je známa ako „symfónia s tremolovými tympánmi“ 22. Symfónia pozostáva zo štyroch častí. Prvá časť začína pomalým úvodom. Tremolo („kotúľanie“) tympánov naladených na tóniku znie potichu. Je to ako vzdialené tlesknutie hromu. Potom sa téma samotného úvodu odvíja v hladkých, širokých „rímsach“. Najprv sa hrá v oktávovom unisone violončelami, kontrabasmi a fagotmi. Zdá sa, že nejaké tajomné tiene sa potichu vznášajú, niekedy sa zastavia. A tak váhajú a zamŕzajú: v posledných taktoch úvodu sa na susedných zvukoch G a A-flat viackrát vystriedajú súzvuky, čo núti ucho očakávať – čo bude ďalej? Dvojité prevedenie témy v sláčikových klavírnych nástrojoch dopĺňa bujará tanečná zábava, znejúca forte celým orchestrom. Tento boom sa rýchlo rozbehne a v spojovacej časti sa opäť objaví nádych tajomna. Tonálna stabilita je narušená. Dochádza k modulácii do B dur (dominanta E dur) - tonalita bočnej časti. V spojovacej časti nie je nová téma, ale zaznieva pôvodný motív témy Timpani - pologule s natiahnutou kožou, do ktorej sa udiera dvoma palicami. Každá hemisféra môže produkovať zvuk iba s jednou výškou tónu. Klasické symfónie zvyčajne používajú dve hemisféry, ladené do tóniky a dominantu. 22 28 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti ruského umenia hlavnej časti a vzdialená pripomienka úvodnej témy: Expozícia končí konštatovaním tonality vedľajšej časti (B-dur). Expozícia sa opakuje a potom nasleduje vývoj. Je plná polyfónneho imitačného a tónovo-harmonického rozvíjania motívov izolovaných od témy hlavnej časti. Téma vedľajšej hry sa objavuje ku koncu vývoja. Je vedený celý v tónine D-dur, ďaleko od hlavnej, čiže pôsobí akoby v novom, nezvyčajnom svetle. A jedného dňa (po generálke s fermou) sa v base objavia intonácie tajomnej úvodnej témy. Vo vývoji znie prevažne klavír a pianissimo a len občas forte a fortissimo s jednotlivými akcentmi sforzando. To umocňuje dojem tajomna. Motívy z hlavnej časti v ich vývoji niekedy pripomínajú fantastický tanec. Možno si predstaviť, že ide o tanec záhadných svetiel, ktoré niekedy jasne blikajú. V repríze v tónine E-dur sa opakuje nielen hlavná časť, ale aj vedľajšia časť a preskakuje sa spojovacia časť. V kóde sa objaví nejaké tajomstvo. Začína sa, rovnako ako úvod, tempom Adagio, tichým tremolom na tympány a pomalými unisonovými nábehmi. Čoskoro, na samom konci prvej časti, sa však vracia rýchle tempo, hlasná zvučnosť a veselé tanečné „dupoty“. Druhá časť symfónie – Andante – je variáciou na dve témy – pieseň c mol a pieseň-pochod C dur. Štruktúra týchto takzvaných dvojitých variácií je nasledovná: uvádza sa prvá a druhá téma, potom nasledujú: prvá variácia prvej témy, prvá variácia druhej témy, druhá variácia prvej témy, druhá variácia variácia druhej témy a coda, založená na materiáli druhej témy. Vedci sa dodnes hádajú o národnosti prvej témy. Chorvátski hudobníci veria, že podľa svojich vlastností ide o chorvátsku ľudovú pieseň a maďarskí hudobníci veria, že ide o maďarskú pieseň. Svoje národné črty v nej nachádzajú aj Srbi, Bulhari či Poliaci. Tento spor sa nedá s istotou vyriešiť, pretože námetom vedľajšej časti je opäť zábavná tanečná pieseň. No v porovnaní s hlavnou partiou nie je taká energická, ale skôr ladná a ženská. Melódia znie z huslí a hoboja. Typický valčíkový sprievod približuje túto tému landeru - rakúsky a juhonemecký tanec, jeden z predkov valčíka: 29 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia Ruska starodávna melódia a jej slová neboli nájdené. Zjavne sa v ňom spájali znaky viacerých slovanských a maďarských nápevov; taký je najmä zvláštny ťah pre predĺženú sekundu (E-flat - fadieuse): variácie druhej témy nadväzujú na hrdinskú pochodovú chôdzu, vyšperkovanú virtuóznymi pasážami - rozkvet flauty. A vo veľkom kóde sú neočakávané zvraty vo vývoji „hudobných udalostí“. Najprv sa téma pochodu zmení na jemne, transparentne znejúcu. Potom sa od nej izolovaný motív s bodkovaným rytmom intenzívne rozvíja. To vedie k náhlemu objaveniu tóniny Es dur, po ktorej zaznie žiarivo a slávnostne záverečné dirigovanie pochodovej témy v C dur. Tretia časť symfónie - Menuet - pôvodne kombinuje pokojnú chôdzu spoločenského tanca s vrtošivými širokými skokmi a synkopami v melódii: melódiu a druhú, pochodovú hlavnú tému. Na rozdiel od prvého je s ním zároveň príbuzný - kvartový rytmus, stúpajúci a potom klesajúci smer melódie a zvýšený IV stupeň (fadieuse): Táto náladová téma sa spúšťa plynulým, pokojným pohybom. v triu - stredná časť Menuetu, umiestnená medzi prvou časťou a jeho presným opakovaním23: Prezentácia prvej témy so sláčikovými nástrojmi klavír a pianissimo pripomína oddychové rozprávanie, začiatok príbehu o niektorých nezvyčajných udalostiach. Prvým z nich môže byť náhle hlasné podanie druhej, pochodovej témy, v ktorej sa k sláčikovej skupine pridávajú dychové nástroje. Naratívny tón pokračuje v prvej variácii prvej témy. K jeho zvuku sa však pripájajú žalostné a opatrné ozveny. V prvej variácii druhej témy sólové husle podfarbujú melódiu rozmarnými vzorovanými pasážami. V druhej variácii prvej témy dostáva rozprávanie zrazu búrlivý, vzrušený charakter (použité sú všetky nástroje vrátane tympánov). V druhom menuet (alebo skôr jeho extrémne, sofistikované a rozmarné časti) kontrastuje s ľudovou každodennou tematikou na jednej strane prvej a druhej časti symfónie a na druhej strane jej poslednej, štvrtej. časť - finále. Tu, ako sa na klasické sonátové allegro patrí, je v expozícii hlavná časť podaná v hlavnej tónine E-dur, vedľajšia časť je v dominantnej tónine B-dur a v repríze znejú obe v E-dur. Vo vedľajšej časti sa však už dávno nestalo, že strednú časť orchestrálnych diel hrali zvyčajne tri nástroje. Odtiaľ pochádza názov „trio“. 23 30 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku sa objavuje úplne nová téma. Vychádza z témy hlavnej časti. odvodené z francúzskeho slova „ronde“, čo znamená „kruh“ alebo „okrúhly tanec“. Otázky a úlohy 1. Kedy prišli Haydn a Mozart, aby vytvorili svoje zrelé symfónie? 2. Z akých častí sa zvyčajne skladá Haydnova symfónia? Vymenuj skupiny nástrojov v Haydnovom orchestri. 3. Aké názvy Haydnových symfónií poznáte? 4. Prečo sa Haydnova symfónia Es dur volá „s tremolom alebo značkou“? Akou sekciou to začína? 5. Opíšte hlavné témy sonátovej formy v prvej časti tejto symfónie. 6. Akou formou a na aké témy bola napísaná druhá časť symfónie? 7. Popíšte hlavné témy a časti tretej časti. 8. V čom je zvláštnosť vzťahu medzi témami hlavnej a vedľajšej časti vo finále? Aká je súvislosť medzi charakterom hudby v prvej časti symfónie a v jej finále? Ukazuje sa teda, že celý koniec je založený na jednej téme. Skladateľ akoby v spletitej hre buď nadväzuje na tému v celku, alebo umne kombinuje jej variácie a jednotlivé prvky. A ona sama je zložitá. Najprv sa v ňom totiž objavuje harmonický základ - takzvaný „zlatý ťah“ dvoch rohov - typický signál poľovníckych rohov. A až potom sa na tento základ nadviaže tanečná melódia, blízka chorvátskym ľudovým piesňam. Začína sa „dupotom“ na jeden zvuk a následne sa tento motív mnohokrát opakuje, napodobňuje, prechádza z jedného hlasu do druhého. Pripomína to úvodný motív hlavnej témy prvého dielu a to, ako sa tam rozvíja. Skladateľ navyše rovnaké tempo naznačil aj vo finále - Allegro con spirito. Vo finále tak konečne kraľuje prvok veselého ľudového tanca. Ale tu má zvláštny charakter – pripomína zložitý kruhový tanec, skupinový tanec, v ktorom sa tanec spája s spevom a hravou akciou. Potvrdzuje to aj fakt, že v expozícii sa hlavná časť opakuje v hlavnej tónine ešte dvakrát – po malej prechodnej epizóde a po vedľajšej časti. To znamená, že sa zdá, že sa obnoví a pohybuje sa v kruhu. A to vnáša znaky rondovej formy do sonátovej formy. Samotné slovo „rondo“, ako už bolo spomenuté, Klávesová kreativita Keď Haydn tvoril svoje klávesové diela, klavír z hudobnej praxe postupne nahradil čembalo a klavichord. Haydn písal svoje rané diela pre tieto staré klávesové nástroje a vo vydaniach z neskorších rokov začal označovať „pre čembalo alebo klavír“ a napokon niekedy len „pre klavír“. Medzi jeho klávesovou tvorbou majú najvýznamnejšie miesto sólové sonáty. Predtým sa verilo, že Haydn ich mal iba 52, ale potom sa toto číslo vďaka pátraniu výskumníkov zvýšilo na 62. Medzi najznámejšie z nich patria sonáty D dur a e mol24. Sonáta D dur Témou hlavnej časti, ktorou sa začína prvá časť tejto sonáty, je tanec sršiaci zábavou a veselosťou s chlapčensky šibalskými oktávovými skokmi, gracióznymi tónmi, mordentami a opakovaniami zvukov. Takúto hudbu si možno predstaviť aj v operebuffe: V skorších vydaniach sú tieto sonáty vytlačené ako „Č. 37“ a „Č. 53“. 24 31 www.classon.ru Vzdelávanie detí v umeleckej oblasti v Rusku Do rozvíjania témy vedľajšej časti však prenikajú šibalské skoky z hlavnej časti a potom rozmarná pasáž Pohyb zo spojovacej časti. Stáva sa intenzívnejším, rozmetávanejším a zrazu sa rýchlo upokojí – akoby nejakým okamžite urobeným rozhodnutím. Potom sa expozícia končí veselo tancujúcou záverečnou časťou. Vo vývoji je opäť veľa aktivít. Tu sa skoky oktávy od témy hlavnej časti, pohybujúce sa na ľavú ruku, stávajú ešte škodoradejšími a pasážový pohyb dosahuje ešte väčšie napätie a širší rozsah ako pri rozvíjaní témy vedľajšej časti v expozícii. V repríze zvuk vedľajších a záverečných častí v hlavnej tónine (D dur) pevne zakladá dominanciu radostnej nálady. Najsilnejší kontrast vnáša do sonáty krátka druhá veta, pomalá a zdržanlivá. Píše sa v rovnomennej tónine d mol. V hudbe počuť ťažké šliapanie sarabandy, starodávneho tanca, ktorý často nadobúdal charakter pohrebného sprievodu. A vo výrazných melodických zvolaniach s trojicami a bodkovanými rytmickými figúrami je podobnosť so žalostnými chorálmi maďarských Rómov: Veselé, fušerské pasáže šestnástky vypĺňajú spojovaciu časť. A témou vedľajšej časti (v tónine A dur) je tiež tanec, len zdržanlivejší a elegantnejší: 32 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti ruského umenia Sonáta e mol Začiatkom 80. rokov 18. storočia Haydn prvý dostal pozvanie na koncertnú cestu do Londýna. Usilovne sa na to pripravoval, ale pre služobné povinnosti v Esterházyho kaplnke ho vtedy nemohol uskutočniť. Je možné, že sny o ďalekej „zámorskej“ ceste a zážitky s nimi spojené sa premietli do vtedy objavenej sonáty e mol. Ide o jedinú z mála malých Haydnových sonát, kde sa v prvej časti spája výrazný lyrický charakter s veľmi rýchlym tempom. Zvláštna je aj samotná téma hlavnej časti tohto pohybu, ktorou sa sonáta začína: Ale v Haydnovom optimistickom umení sú temné obrazy smrti vždy prekonané jasnými obrazmi života. A druhá časť d mol tejto sonáty, končiaca nie na tónike, ale na dominantnom akorde, priamo prechádza do rýchleho finále D dur 25. Finále je postavené vo forme ronda, kde hlavná téma - refrén (v hlavnej tónine D dur) - opakuje sa trikrát a medzi jej opakovaniami sa menia časti - epizódy: prvá epizóda je v d mol a druhá - v G dur. Tu len v prvej, d moll, prekĺznu smutné spomienky - ozvena strednej časti. Druhá epizóda G dur je už bezstarostne veselá a vedie ku komickému „volaniu“ pravej a ľavej ruky na rovnakú notu. A lietajúca-tanečná hlavná téma finále (rondový refrén) je u Haydna jednou z najveselších: Úvodné frázy témy sú tvorené kombináciou dvoch prvkov. V basoch, v ľavej ruke, sa klavír pohybuje na molovej tonickej triáde - ako výzvy na ponáhľanie sa niekam do diaľky. A hneď v pravej ruke nasledujú rozochvené, akoby pochybujúce, váhavé motívy-odpovede. Celkový pohyb témy je mäkký, zvlnený, kývavý. Veľkosť prvej časti - 6/8 - je navyše typická pre žáner barcarolle - „piesne na vode“26. V spojovacej časti je modulácia do G dur paralelne s e mol - tonalita bočných a záverečných častí. Spojovacie a záverečné časti, vyplnené dojímavými pasážami šestnástky, rámujú bočnú časť - ľahkú, snovú To naznačujú talianske slová „attacca subito il Finale“, čo znamená „okamžite začať s finále“. Pôvodne sa piesne benátskych gondolierov nazývali barcarolles. Samotný názov žánru pochádza z talianskeho slova „barca“ - „loď“. 25 26 33 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku akoby stúpalo nahor: príroda, keď zazneli signály, akoby volala po návrate, srdce akoby zachvelo v radostnom poplachu! A tu sa po prechode akordov objavuje hlavná téma tretej časti (finále). Toto je refrén rondovej formy, v ktorej je Finále napísané. Vyzerá to ako inšpirovaná sprievodná pieseň, ktorá vám pomôže ponáhľať sa „v plných plachtách“ do vašej rodnej krajiny: Schéma formy ronda vo finále je teda nasledovná: refrén (E mol), prvá epizóda (E dur), refrén (E mol), druhá epizóda (E dur), refrén (E mol). Obe epizódy sú spojené s refrénom a navzájom medzi sebou melodickou príbuznosťou. Keď sa hrajú spojovacie, bočné a záverečné časti, fantázia kreslí lákavé obrazy – ako voľne fúka zadný vietor, ako radostne vás rýchly pohyb nesie vpred. Ďalej vo vývoji, postavenom na materiáli hlavných, spojovacích a záverečných častí, prevládajú odchýlky do molových tónín. V hlavnej, teda nie durovej, ale molovej tónine, zaznejú v repríze vedľajšie a záverečné časti, ktoré sa rozrástli. Smútok a duchovné pochybnosti sú však nakoniec prekonané snahou do neznáma. To je význam posledných taktov prvej časti, kde sa nápadne opakuje vyvolávací začiatok témy hlavnej časti. Druhá časť sonáty, pomalá, G dur, je akousi inštrumentálnou áriou, presiaknutou jasnou kontemplatívnou náladou. Jej svetlé koloratúry sú presýtené ozvenou štebotu vtákov a žblnkotu potokov: Otázky a úlohy 1. Vymenujte hlavný žáner Haydnovej klávesovej hudby. Koľko z jeho sonát je známych? 2. Opíšte hlavné úseky prvej časti sonáty D dur. Existuje v tejto časti spojenie medzi hlavnými a vedľajšími stranami? 3. Aký kontrast prináša druhá časť k hudbe sonáty D dur? Aký je jej vzťah ku koncu? 4. Povedzte nám o štruktúrnych črtách a povahe témy hlavnej časti prvej časti sonáty e mol. Dozrieť a charakterizovať zvyšné témy a časti tejto časti. 5. Aký charakter má druhá časť sonáty e mol? 6. Povedzte nám o podobe finále sonáty e mol a charaktere jej hlavnej témy. Hlavné diela Vyše 100 symfónií (104) Množstvo koncertov pre rôzne nástroje s orchestrom Vyše 80 kvartet (pre dvoje husle, violu a violončelo) (83) 62 klávesových sonát Oratóriá „Stvorenie sveta“ a „Ročné obdobia“ 24 opier Aranžmány škótskych a írskych piesní Avšak bez ohľadu na to, aký sladký je pokojný odpočinok niekde ďaleko, v lone 34 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia Ruska napísané v mnohých žánroch - jeho symfónie, inštrumentálne koncerty, rôzne komorné súbory, klavírne sonáty, Requiem pre zbor, sólistov a orchester. Mozartov fenomenálny talent, ktorý sa prejavil nezvyčajne skoro a rýchlo sa rozvinul, vytvoril okolo jeho mena kruh; svätožiara legendárneho „hudobného zázraku“. Živé vlastnosti; A. S. Pushkin ho dal ako inšpirovaného umelca v hre („malá tragédia“) „Mozart a Salieri“. Podľa nej bola napísaná rovnomenná opera N. A. Rimského-Korsakova 27. Mozart bol P. obľúbeným skladateľom. I. Čajkovskij 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Životná cesta Rodina. Rané detstvo. Rodiskom Wolfganga Amadea Mozarta, ktorý sa narodil v januári 1756, je rakúske mesto Salzburg. Leží malebne na kopcovitých brehoch rýchlej rieky Salzach, ktorá tečie na východnom úpätí Álp. Salzburg bol hlavným mestom malého kniežatstva, ktorého panovník mal cirkevnú hodnosť arcibiskupa. V jeho kaplnke slúžil otec Wolfganga Amadea Leopold Mozart. Bol to vážny a veľmi vzdelaný hudobník – plodný skladateľ, huslista, organista a pedagóg. Škola hry na husliach, ktorú vydal, sa rozšírila vo viacerých krajinách vrátane Ruska. Zo siedmich detí Leopolda a jeho manželky Anny Márie prežili len dve – najmladší syn Wolfgang Amadeus a dcéra Mária Anna (Nannerl), ktorá bola staršia! brat štyri a pol roka. Keď jeho otec začal učiť hrať na čembale Nannerla, ktorý mal vynikajúce schopnosti, čoskoro začal študovať s trojročným Wolfgangom, pričom si všimol jeho vynikajúci sluch a úžasnú hudobnú pamäť. Už štyri roky sa chlapec pokúšal skladať hudbu a jeho prvé zachované čembalové skladby nahral jeho otec, keď mal autor iba päť rokov. Známa je historka o tom, ako sa štvorročný Wolfgang pokúšal zložiť klávesový koncert. Spolu s perom namočil prsty do kalamára a urobil škvrny na notový papier. Až keď si môj otec pozorne prezrel túto detskú nahrávku, cez škvrny v nej objavil nepochybný hudobný význam. Jeden z najväčších hudobných géniov, rakúsky skladateľ Wolfgang Amadeus Mozart sa dožil iba 35 rokov. Z nich tridsať rokov komponoval hudbu a zanechal po sebe viac ako 600 diel a neoceniteľne prispel do zlatého fondu svetového umenia. Najpravdivejšie a najvyššie hodnotenie Mozartovho tvorivého talentu počas jeho života poskytol jeho starší súčasník Joseph Haydn. „...Váš syn,“ povedal raz otcovi Wolfganga Amadea, „je najväčší skladateľ, akého osobne a po mene poznám; má vkus a navyše najväčšie znalosti o kompozícii.“ Hudbu Haydna a Mozarta, nazývanú viedenskou klasikou, spája optimistické, aktívne vnímanie sveta, spojenie jednoduchosti a prirodzenosti vo vyjadrovaní pocitov s ich poetickou vznešenosťou a hĺbkou. Medzi ich umeleckými záujmami je zároveň výrazný rozdiel. Haydn má bližšie k ľudovým a lyricko-epickým obrazom, Mozart zasa k lyrickým a lyricko-dramatickým obrazom. Mozartovo umenie zaujme najmä citlivosťou na ľudské emocionálne zážitky, ako aj presnosťou a živosťou v stelesnení rôznych ľudských charakterov. To z neho urobilo úžasného operného skladateľa. Jeho opery, a predovšetkým Figarova svadba, Don Giovanni a Čarovná flauta, sa už tretie storočie tešia neustálemu úspechu, keďže sa uvádzali na javiskách všetkých hudobných divadiel. Na jednom z najčestnejších miest svetového koncertného repertoáru sú Mozartove diela Verzia, že Salieri otrávil Mozarta zo závisti, je už len legendou. Čajkovskij zinscenoval štyri klavírne skladby od Mozarta a skomponoval ich do suity Mozartiana. 27 28 35 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku odohrá husľový koncert... bude hrať na keyboarde zakrytom šatkou, ako keby to bolo pred očami, potom na diaľku pomenuje všetky zvuky, ktoré sú jednotlivo alebo akordy budú preberané na klavíri alebo inom nástroji alebo produkované predmetmi - zvonček, pohár, hodiny. V konečnom dôsledku bude improvizovať nielen na čembale, ale aj na organe, ako dlho budú poslucháči chcieť, a to v akýchkoľvek, aj tých najťažších klávesách, ktoré ho volajú...“ Prvé koncertné výjazdy. Leopold Mozart sa rozhodol začať so svojimi nadanými deťmi koncertovať po veľkých hudobných centrách. Prvá cesta – do nemeckého mesta Mníchov – sa uskutočnila začiatkom roku 1762, keď mal Wolfgang sotva šesť rokov. O šesť mesiacov neskôr Mozartova rodina odišla do Viedne. Wolfgang a Nannerl tam vystupovali na cisárskom dvore, mali veľký úspech a boli zasypaní darmi. V lete 1763 podnikli Mozartovci dlhú cestu do Paríža a Londýna. Najprv však navštívili niekoľko nemeckých miest a na ceste späť - opäť v Paríži, ako aj v Amsterdame, Haagu, Ženeve a niekoľkých ďalších mestách. Výkony malých Mozartov, najmä Wolfganga, vzbudzovali všade prekvapenie a obdiv aj na tých najhonosnejších kráľovských dvoroch. Podľa vtedajšieho zvyku predstupoval Wolfgang pred vznešenú verejnosť v obleku vyšívanom zlatom a s napudrovanou parochňou, no zároveň sa správal s čisto detskou spontánnosťou, mohol napríklad skočiť cisárovnej do lona . Koncerty, ktoré trvali 4-5 hodín v kuse, boli pre malých hudobníkov veľmi únavné, no pre verejnosť sa zmenili na akúsi zábavu. V jednom z inzerátov stálo: „...Dievča v dvanástich a chlapec v siedmom ročníku odohrajú koncert na čembale. .. Okrem toho chlapec 36 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku Koncertné turné pokračovalo viac ako tri roky a prinieslo Wolfgangovi mnoho rôznych dojmov. Počul veľké množstvo inštrumentálnych a vokálnych diel, stretol sa s niekoľkými vynikajúcimi hudobníkmi (v Londýne - s najmladším synom Johanna Sebastiana Bacha, Johannom Christianom). Medzi vystúpeniami Wolfgang nadšene študoval kompozíciu. V Paríži vyšli štyri jeho sonáty pre husle a čembalo s označením, že ide o diela sedemročného chlapca. V Londýne napísal svoje prvé symfónie. Návrat do Salzburgu a pobyt vo Viedni. Prvá opera. Koncom roku 1766 sa celá rodina vrátila do Salzburgu. Wolfgang začal systematicky študovať kompozičnú techniku ​​pod vedením svojho otca. Mozartovci strávili celý rok 1768 vo Viedni. Dvanásťročný Wolfgang na základe zmluvy s divadlom napísal operný buffa „The Imaginary Simpleton“ za tri mesiace podľa talianskych vzorov. Začalo sa skúšať, no predstavenie sa začalo odsúvať a následne úplne rušiť (pravdepodobne kvôli intrigám závistlivcov). Konal sa až nasledujúci rok v Salzburgu. Vo Viedni zložil Wolfgang množstvo ďalšej hudby vrátane piatich symfónií a úspešne dirigoval svoju slávnostnú omšu pri vysvätení nového kostola. Cesty do Talianska. Od konca roku 1769 do začiatku roku 1773 absolvoval Wolfgang Amadeus so svojím otcom tri dlhé cesty po Taliansku. V tejto „krajine hudby“ vystupoval mladý Mozart s veľkým úspechom vo viac ako desiatke miest vrátane Ríma, Neapola, Milána a Florencie. Dirigoval svoje symfónie, hral na čembale, husliach a organe, improvizoval sonáty a fúgy na zadané témy, árie na zadané texty, výborne hral ťažké diela od pohľadu a opakoval ich v iných tóninách. Dvakrát navštívil Bolognu, kde sa istý čas učil od slávneho učiteľa, teoretika a skladateľa Padre Martiniho. Štrnásťročný Mozart, ktorý bravúrne prešiel náročnou skúškou (napísanie viachlasnej skladby zložitými polyfónnymi technikami), bol ako zvláštna výnimka zvolený za člena Bolonskej filharmónie. A podľa zakladacej listiny do nej pustili iba hudobníkov, ktorí dovŕšili dvadsať rokov a mali predchádzajúce skúsenosti v tejto smerodajnej inštitúcii. Mozart raz v Ríme pri návšteve Sixtínskej kaplnky vo Vatikáne (pápežskej rezidencii) 29 počul veľké viachlasné duchovné dielo pre dva zbory od talianskeho skladateľa Gregoria Allegriho zo 17. storočia. Toto dielo bolo považované za majetok pápeža a nebolo dovolené ho prepisovať ani distribuovať. Ale Mozart si spamäti zapísal celú zložitú zborovú partitúru a pápežský zborista potvrdil presnosť nahrávky. Taliansko, veľká krajina nielen hudby, ale aj výtvarného umenia a architektúry, dalo Mozartovi množstvo umeleckých dojmov. Fascinovali ho najmä návštevy operných domov. Mladý muž ovládal taliansky operný štýl natoľko, že v krátkom čase napísal tri opery, ktoré sa potom s veľkým úspechom uviedli v Miláne. Ide o dve operné série – „Mithridates, pontský kráľ“ a „Lucius Sulla“ – a pastoračnú operu na mytologickej zápletke „Ascanio in Alba“30. Zájazdy do Viedne, Mníchova, Mannheimu, Paríža. Napriek svojim skvelým tvorivým a koncertným úspechom sa Wolfgangovi Amadeovi nepodarilo získať službu na dvore žiadneho z panovníkov talianskych štátov. Musel som sa vrátiť do Salzburgu. Tu namiesto zosnulého arcibiskupa vládol nový, despotickejší a drzejší panovník. Pre otca a syna Mozartov, ktorí boli v jeho službách, bolo ťažšie získať dovolenku na nové cesty. Ale operný dom, pre ktorý sa Mozart snažil komponovať, nebol v Salzburgu dostupný a iné možnosti hudobnej činnosti boli obmedzené. Výlet dvoch hudobníkov do Viedne sa mohol uskutočniť len preto, že sám salzburský arcibiskup chcel navštíviť hlavné mesto Rakúska. Neochotne dal Mozartovi povolenie na cestu; Mníchov, kde bola naštudovaná nová opera buffa mladého skladateľa. A na ďalšiu cestu sa len Wolfgangovi Amadeovi podarilo získať povolenie s veľkými problémami. Jeho otec bol nútený zostať v Salzburgu a jeho matka išla sprevádzať syna. Prvá dlhá zastávka nastala v nemeckom meste Mannheim. Tu Wolfganga Amadea a Annu Máriu vo svojom dome srdečne prijal jeden z vedúcich vtedy slávneho symfonického orchestra, predstaviteľ predklasickej mannheimskej skladateľskej školy. V Mannheime zložil Mozart talianskymi umelcami vrátane Michelangela. 30 Pontské kráľovstvo je staroveký štát pri Čiernom mori, najmä súčasné turecké pobrežie („Pont Euxine“, teda „pohostinné more“, starogrécky názov pre Čierne more). Lucius Sulla je starogrécka vojenská a politická osobnosť. Pastorácia (z talianskeho slova „pastore“ - „pastier“) je dielo s dejom, ktorý idealizuje život v lone prírody. Sixtínska kaplnka je domovským kostolom pápežov vo Vatikáne; postavili ho v 15. storočí za pápeža Sixta IV. Steny a strop kaplnky sú pomaľované skvelými 29 37 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku množstvom diel, predovšetkým inštrumentálnych, poznačených už vyzretým hudobným štýlom. Ale ani tu nebolo pre Wolfganga Amadea žiadne trvalé voľné pracovné miesto. Na jar roku 1778 pricestoval Mozart a jeho matka do Paríža. Nádeje získať tam skutočné uznanie a obsadiť popredné miesto sa však nenaplnili. V hlavnom meste Francúzska už zabudli na zázračné dieťa, túto zdanlivo živú hračku a nedokázali rozpoznať prekvitajúci talent mladého hudobníka. Mozart nemal šťastie ani pri organizovaní koncertov, ani pri objednávaní opery. Žil zo skromných zárobkov z hodín pre divadlo, mohol písať iba hudbu pre malý balet „Trinkets“. Z jeho pera vychádzali nové nádherné diela, ktoré však vtedy nevzbudzovali vážnu pozornosť. A v lete Wolfgang Amadeus utrpel ťažký smútok: jeho matka ochorela a zomrela. Začiatkom budúceho roka sa Mozart vrátil do Salzburgu. Opera "Idomeneo". Rozíďte sa s arcibiskupom a presuňte sa do Viedne. Najdôležitejšími udalosťami niekoľkých nasledujúcich rokov pre Mozarta bolo vytvorenie a produkcia opery „Idomeneo, kráľ Kréty“ v Mníchove, jej veľký úspech. Tu sa spojili najlepšie kvality talianskej opernej série s princípmi Gluckovej opernej reformy. To pripravilo cestu pre vznik Mozartových brilantne originálnych operných majstrovských diel. ...Písal sa rok 1781. Mozart mal 25 rokov. Je autorom tri a pol stovky diel, plných nových tvorivých nápadov. A pre salzburského arcibiskupa je iba hudobným sluhom, ktorého arogantný a despotický majiteľ stále viac utláča a ponižuje, núti ho sedieť za stolom v ľudovej izbe „nad kuchármi, ale pod lokajmi“ a nie. dovoľte mu ísť kamkoľvek alebo kdekoľvek vystupovať bez povolenia. To všetko sa pre Mozarta stalo neznesiteľným a podal rezignáciu. Arcibiskup ho dvakrát odmietol s nadávkami a urážkami a jeho blízky spolupracovník hudobníka hrubo vykopol z dverí. Ale po tom, čo zažil duševný šok, zostal pevný vo svojom rozhodnutí. Mozart sa stal prvým veľkým skladateľom, ktorý sa hrdo rozišiel s finančne zabezpečeným, no závislým postavením dvorného hudobníka. Viedeň: posledné desaťročie. Mozart sa usadil vo Viedni. Len niekedy nakrátko opustil rakúsku metropolu, napríklad v súvislosti s prvou inscenáciou jeho opery Don Giovanni v Prahe alebo počas dvoch koncertných turné v Nemecku. V roku 1782 sa oženil s Constance Weberovou, ktorá sa vyznačovala veselou povahou a muzikálnosťou. Jedno po druhom sa rodili deti (ale zo šiestich štyria zomreli ako malé deti). Mozartove príjmy z koncertných vystúpení ako interpreta jeho klavírnej hudby, z vydávania diel a uvádzania opier boli nepravidelné. Okrem toho Mozart, ako láskavý, dôverčivý a nepraktický človek, nevedel obozretne riadiť finančné záležitosti. Vymenovanie koncom roku 1787 na mizerne platené miesto dvorného komorného hráča, ktorý mal za úlohu skladať len tanečnú hudbu, ho nezachránilo od častokrát prežívanej núdze o peniaze. Pri tom všetkom Mozart za desať viedenských rokov vytvoril viac ako dve a pol stovky nových diel. Medzi nimi zažiarili jeho najvýraznejšie umelecké počiny v mnohých žánroch. V roku Mozartovej svadby bola vo Viedni s veľkým úspechom uvedená jeho iskrivá singspiel „Únos zo Seraglia“; humor 31. A opera buffa „Figarova svadba“, originál; V žánri „vtipnej drámy“ patrí „Don Juan“ a operná rozprávka „Čarovná flauta“, ktoré vznikli v posledných viedenských rokoch, k najvyšším vrcholom hudobného divadla v celej jeho histórii! jeho príbeh. Mozart napísal svoje tri najlepšie symfónie, ktoré sa ukázali ako jeho posledné, vrátane g mol (č. 40) v lete 1788. V tom istom desaťročí sa objavilo mnoho ďalších inštrumentálnych diel skladateľa - štvordielna orchestrálna „Malá nočná serenáda“, množstvo klavírnych koncertov, sonát a rôznych komorných súborov. Mozart venoval šesť svojich sláčikových kvartet Haydnovi, s ktorým si vytvoril vrúcny a priateľský vzťah. Počas týchto rokov Mozart s veľkým záujmom študoval diela Bacha a Händela. Najnovším Mozartovým dielom je Requiem, zádušná omša pre zbor, sólistov a orchester32. V júli 1791 si ju u skladateľa objednal muž, ktorý si neželal uviesť svoje meno. Zdalo sa to záhadné a mohlo to viesť k pochmúrnym predtuchám. Až o niekoľko rokov neskôr sa ukázalo, že objednávka pochádza od viedenského grófa, ktorý chcel kúpiť cudzie dielo a vydať ho za svoje. Keď Mozart vážne ochorel, nemohol úplne dokončiť Requiem. Bol dokončený z návrhov jedného zo skladateľových žiakov. Hovorí sa, že v predvečer smrti veľkého hudobníka, ktorá nasledovala v noci 5. decembra 1791, s ním priatelia spievali časti nedokončeného diela. V súlade so smútočnou koncepciou v Requiem nadobudla inšpirovaná lyrická a dramatická expresivita Mozartovej hudby osobitnú vznešenosť a vážnosť. Pre nedostatok financií bol Mozart pochovaný v spoločnom hrobe pre 31 32 Seraglio - ženskú polovicu v domoch bohatých východných šľachticov. Latinské slovo „requiem“ znamená „odpočinok“. 38 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku je slabé a presné miesto jeho pohrebu zostáva neznáme. pre Suzanne oblečenú ako grófka vo svojich šatách. Almaviva, zahanbený za svoju manželku, je nútený brániť Figarovi a Suzanne v oslave svadby, ktorá veselo a šťastne ukončí „bláznivý deň“ plný najrôznejších nečakaných udalostí. Opera sa začína predohrou, ktorá si získala veľkú obľubu a často sa uvádza na symfonických koncertoch 34 Na rozdiel od mnohých iných predohier, táto predohra nevyužíva témy, ktoré zazneli v samotnej opere. Všeobecná nálada následnej akcie, jej fascinujúca rýchlosť a bujará veselosť sú tu živo vyjadrené. Predohra je napísaná v sonátovej forme, ale bez vývoja, ktorý je nahradený krátkym spojením medzi expozíciou a reprízou. Zároveň jasne vyniká päť tém, ktoré sa rýchlo nahrádzajú. Prvá a druhá z nich tvoria hlavnú dávku, tretia a štvrtá - vedľajšia dávka, piata - konečná dávka. Všetky sú energické, no zároveň má každá svoj osobitý charakter. Prvá téma hlavnej časti, v podaní sláčikových nástrojov a fagotov v súzvuku, sa pohybuje svižne, so šibalskou svižnosťou: Otázky a úlohy 1. Čo je podobné medzi Mozartovou a Haydnovou hudbou? Aký je rozdiel medzi umeleckými záujmami týchto dvoch viedenských klasikov? 2. Povedzte nám o rodine a ranom detstve Wolfganga Amadea Mozarta. 3. V ktorých krajinách a mestách vystupoval Mozart ako malý chlapec? Aké boli tieto vystúpenia? 4. V akom veku napísal Mozart svoju prvú operu buffa? Ako sa to volalo a kde to bolo? 5. Povedzte nám o cestách mladého Mozarta do Talianska. 6. Aké mestá neskôr Mozart navštívil? Bola jeho cesta do Paríža úspešná? 7. Povedzte nám o Mozartovom rozchode so salzburským arcibiskupom. 8. Opíšte posledné desaťročie Mozartovho života a diela. Uveďte hlavné diela, ktoré vytvoril v tomto období. Opera „Figarova svadba“ Premiéra Mozartovej opery „Figarova svadba“ sa konala vo Viedni v roku 1786. Prvé dve predstavenia dirigoval skladateľ sám pri čembale. Úspech bol obrovský, mnohé čísla sa opakovali ako prídavky. Libreto (slovný text) tejto opery v štyroch dejstvách napísal v taliančine Lorenzo da Ponte na motívy komédie francúzskeho spisovateľa Beaumarchaisa „Bláznivý deň alebo Figarova svadba“. V roku 1875 P. I. Čajkovskij preložil toto libreto do ruštiny a v jeho preklade sa opera hrá aj u nás. Mozart nazval Figarova svadba opera buffa. Nejde však len o zábavnú komédiu s vtipnými situáciami. Hlavné postavy sú v hudbe zobrazené ako rôzne živé ľudské postavy. A hlavná myšlienka Beaumarchaisovej hry bola blízka Mozartovi. Spočíva v tom, že sluha grófa Almaviva Figaro a jeho nevesta, slúžka Suzanne, sú múdrejší a slušnejší ako ich titulovaný pán, ktorého intrigy obratne odhaľujú. Samotný gróf si Suzanne obľúbil a snaží sa oddialiť jej svadbu. Figaro a Susanna však vynaliezavo prekonajú všetky prekážky, ktoré sa vyskytnú, a pritiahnu na svoju stranu grófovu ženu a mladého páža Cherubína 33. Nakoniec to zariadia tak, že večer v záhrade gróf prijme Druhé, fanfárové vymetanie: Po Page - chlapec alebo mladík šľachtického pôvodu, slúžiaci v službách vznešeného človeka. Spájacia téma hlavnej časti a vyplnenej časti sa líši predovšetkým, že slovo „predohra“ je odvodené od francúzskeho slovesa „ouvrir“, čo znamená „otvoriť“, „začať“. 33 34 39 www.classon.ru bold Vzdelávanie detí v oblasti ruského umenia v mierkových pasážach, objavuje sa prvá téma vedľajšej časti, ktorej melódiu hrajú husle. Téma má rytmicky rozmarný, mierne rozmarný, ale vytrvalý charakter: vokálne čísla. Prvé sólové číslo v parte Figara (je zverené barytónovi) – malá ária (cavatina) – zaznie hneď po tom, ako Suzanne oznámila svojmu snúbencovi, že ju gróf začal prenasledovať svojimi postupmi. V tejto súvislosti Figaro posmešne bzučí melódiu v pohybe menuetu - galantného vysokospoločenského tanca (krajné úseky trojdielnej reprízovej formy cavatiny): Druhá téma vedľajšej časti pripomína rozhodujúce výkriky: A téma záverečnej časti je najvyváženejšia, akoby všetko urovnávala: V repríze, vedľajšej a záverečnej časti sa časti opakujú v hlavnej tónine D dur. Sprevádza ich coda, ktorá ešte viac zdôrazňuje veselý a živý charakter predohry. V tejto Mozartovej opere zaberajú veľké miesto vokálne súbory, najmä duetá (pre dve postavy) a terzetá (pre tri postavy). Oddeľujú ich recitatívy sprevádzané čembalom. A druhé, tretie a posledné, štvrté dejstvo končia finále – veľké súbory za účasti šiestich až jedenástich postáv. Sóla sa do dynamického rozvoja deja zaraďujú rôznymi spôsobmi a v strednej časti cavatiny je zdržanlivý pohyb nahradený rýchlym, ladná trojdobá melódia je nahradená asertívnou dvojdobou. Figaro už tu rezolútne vyjadruje svoj úmysel zabrániť zákerným plánom svojho pána za každú cenu: 40 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku Najznámejším číslom v úlohe Figara je jeho ária „A frisky boy , kučeravý, zamilovaný.“ Je adresovaný mladej stránke Cherubino. Náhodou začul, ako sa gróf pokúšal vyznať svoju lásku Suzanne a takýto nechcený svedok dostal rozkaz ísť na vojenskú službu. Figaro vo svojej árii veselo a vtipne zosmiešňuje súčasnú situáciu a mladíkovi, rozmaznávanému súdnym životom, maľuje obrazy drsného vojenského života. To sa v hudbe odráža umnou kombináciou živej tanečnosti s „militantnými“ fanfárami. Toto je trikrát znejúci refrén vo forme ronda: Druhý je malá ária piesňového charakteru „Srdce je rozbúrené horúcou krvou“. Ide o zdržanlivejšie vyznanie nežných citov, nesmelo adresované samotnej grófke: Suzanne (soprán) je v mnohých súboroch charakterizovaná ako energická, obratná a vynaliezavá, v tomto nie je nižšia ako Figaro. Jej obraz je zároveň jemne poetizovaný v jasnej, snovej árii zo štvrtého dejstva. Suzanne v ňom v duchu jemne apeluje na Figara: Pokiaľ ide o samotného Cherubina (jeho rolu plní nízky ženský hlas – mezzosoprán), je zobrazený v dvoch áriách ako zapálený mladý muž, ktorý stále nerozumie svojim vlastným. city, pripravený zamilovať sa na každom kroku. Jednou z nich je radostná a zároveň pietna ária „Neviem to povedať, neviem to vysvetliť“. Melodickosť sa v nej spája s rytmom, akoby prerušovane pulzovala vzrušením: 41 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku Otázky a úlohy 1. Kedy a kde sa konala premiéra Mozartovej opery Figarova svadba? 2. Z akej komédie vychádza jej libreto? 3. Aká je hlavná myšlienka tejto práce? 4. Ako je postavená predohra k opere? 5. Povedzte nám o vlastnostiach dvoch sólových čísel v úlohe Figara. 6. Ktorý hlas je priradený k Cherubínovej partii? Spievajte melódie jeho árií. 7. Ako je charakterizovaná Suzanne v súboroch a ako v árii zo štvrtého dejstva? Štvrtá variácia (s prehodenou ľavou rukou cez pravú) je naopak odvážnejšia. Piata variácia, kde počiatočné ležérne tempo Andante grazioso ustupuje veľmi pomalému - Adagio, je melodická inštrumentálna ária, podfarbená koloratúrami. A potom zmena tempa na rýchle (Allegro) zodpovedá veselému tanečnému charakteru poslednej, šiestej variácie. Druhá časť sonáty je Menuet. Ako inak, je konštruovaný v trojdielnej reprízovej podobe s presným opakovaním hudby prvej časti v repríze. Medzi nimi je stredná časť (Trio) 35. Vo všetkých častiach Menuetu sa porovnávajú mužské, rozhodné a panovačné rozvetvené intonácie so ženskými, ktoré sú jemné a plynulé, podobne ako expresívne lyrické výkriky a apely. Sonáta A dur pre klavíristu Mozarta široko známa sonáta A dur, ktorá sa bežne nazýva „Sonáta s tureckým pochodom“, je nezvyčajne zostavený cyklus. Prvou časťou tu nie je sonátové allegro, ale šesť variácií na ľahkú a pokojnú, nevinne ladnú tému. Vyzerá to ako pieseň, ktorá by sa dala spievať v dobrej, pokojnej nálade vo viedenskom hudobnom živote. Jeho jemne kolísavý rytmus pripomína pohyb siciliany – starovekého talianskeho tanca alebo tanečnej piesne: Tretiu časť sonáty (finále) nazval skladateľ „A11a Turca“ – „V tureckom štýle“. Neskôr bol tomuto finále priradený názov „Turecký pochod“. S intonačnou štruktúrou tureckej ľudovej a profesionálnej hudby, ktorá je pre európske uši nezvyčajná, tu nie je nič spoločné. V 18. storočí však v európskej, najmä divadelnej hudbe, vznikla móda pochodov, bežne nazývaných „turecké“. Používajú témbrové sfarbenie orchestra „Janičiar“, v ktorom dominovali dychové a bicie nástroje – veľké a malé bubny, činely, triangel. Janičiari boli pomenovanie pre vojakov v peších jednotkách tureckej armády. Hudbu ich pochodov vnímali Európania ako divokú, hlučnú a „barbarskú“. Medzi variáciami nie sú žiadne ostré kontrasty, ale všetky majú iný charakter. V prvej variácii prevláda elegantný, rozmarný melodický pohyb, v druhej sa snúbi ladná hravosť s humorným nádychom (za pozornosť stoja „šibalské“ ladné tóny v ľavej časti). Tretia variácia - jediná napísaná nie v A dur, ale v a mol - je naplnená mierne smutnými melodickými figúrami, ktoré sa pohybujú rovnomerne, akoby s jemným ostychom: Na konci tria je označenie „Minuetto da capo“ . Taliančina - „od hlavy“, „od začiatku“. 35 „Da capo“ preložené z 42 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku Finále je napísané nezvyčajnou formou. Možno ju definovať ako trojdielnu pieseň s refrénom (A dur). Opakované držanie refrénu dodáva štruktúre finále črty ronda36. Prvá časť – s ľahko „vírivými“ motívmi (a mol) – a stredná časť – s melodickým pasážovým pohybom (f moll) – prirodzene spája ladnosť tanca s jasným pochodovým krokom: Dlho sa verilo, že Mozart skomponoval sonátu A dur v lete 1778 v Paríži. Potom však objavili informáciu, že sa tak stalo o niekoľko rokov neskôr vo Viedni. Takáto informácia je o to vierohodnejšia, že v roku 1782 sa tam konala premiéra Mozartovho Singspiel „Únos zo Seraglia“. V ňom sa dej odohráva v Turecku a v hudbe predohry a v dvoch pochodových zboroch je badateľná imitácia „janičiarskej“ hudby. Okrem toho je hlučný; Mozart pridal falšovanú „janiársku“ kodu A dur do finále senátov až v roku 1784 pri vydaní diela. Je tiež pozoruhodné, že v sonáte, ako v „Únose zo Seraglia“, patrí veľká úloha žánrom pieseň a pochod. V tom všetkom sa ukázalo prepojenie inštrumentálnej hudby a divadelnej hudby, pre Mozarta veľmi príznačné. Otázky a úlohy 1. Čo je nezvyčajné na cykle v Mozartovej sonáte A dur? Vysvetlite podstatu témy a šesť variácií na ňu v prvej časti tejto práce. 2. Aký tanečný žáner je použitý v druhej časti sonáty? 3. Vysvetlite, prečo sa finále sonáty A dur nazýva „Turecký pochod“. Čo je zvláštne na jeho konštrukcii? Spievajte jeho hlavné témy. 4. Aké hudobné a divadelné dielo Mozarta odráža hudba jeho „Tureckého pochodu“? Symfónia g mol Napísaná vo Viedni v roku 1788, Symfónia g mol! (č. 40) je jedným z najviac inšpirovaných diel veľkého skladateľa. Prvá časť symfónie je sonáta allegro vo veľmi rýchlom tempe. Začína sa témou hlavnej časti, ktorá okamžite zaujme ako dôverná, úprimná lyrická spoveď. Spievajú ju husle za jemne hojdavého sprievodu ostatných sláčikových nástrojov. V jej melódii možno rozpoznať rovnako vzrušený rytmus ako na začiatku prvej Cherubinovej árie z opery Figarova svadba (pozri ukážku 37). Ale teraz sú to už „dospelejšie“, vážnejšie a odvážnejšie texty: Refrén (A dur) znie trikrát, je to podobný akýsi „janičársky hlukový chór“, v ľavej časti počuť imitáciu bubon: V tomto ohľade sa „Turecký pochod“ niekedy nazýva „Rondo v tureckom štýle“ („Rondo alla Turca“). 36 43 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku Malý vývoj). Nie sú v ňom však žiadne kontrasty, všetko je podriadené všeobecnej svetlej nálade, ktorá je od začiatku určovaná v hlavnej časti, ozvučenej sláčikovými nástrojmi: Mužnosť postavy sa zintenzívňuje v spojovacej časti, do ktorej hlavná časť rozvíja. Je tu modulácia do paralelného g mol B dur - tonalita bočnej časti. Jeho téma je v porovnaní s hlavnou témou ľahšia, ladnejšia a ženská. Je zafarbený chromatickými intonáciami, ako aj striedajúcimi sa timbrami sláčikov a drevených dychových nástrojov: V siedmom takte sa tu objavuje ľahko „trepotajúca“ figúra dvoch tridsaťsekundových nôt. Následne buď preniká do melodických línií všetkých tém, alebo sa okolo nich akoby ovíja, objavuje sa v rôznych registroch pre rôzne nástroje. Sú ako ozveny hlasov pokojnej prírody. Len občas trochu znepokojení, je ich počuť buď blízko, alebo v diaľke. Podľa ustálenej tradície je treťou časťou symfónie Menuet. No jednoznačne tradičná je v nej len stredná časť – Trio. Svojím plynulým pohybom, melodickosťou hlasov a tonalitou G dur Trio spúšťa hlavné, krajné časti G mol tohto Menuetu, ktorý je vo všeobecnosti nezvyčajný lyrickým a dramatickým napätím. Zdá sa, že po tichom rozjímaní o prírode stelesnenej v Andante sme sa teraz museli vrátiť do sveta duševných úzkostí a nepokojov, ktoré dominovali prvej časti symfónie. Tomu zodpovedá aj návrat hlavnej tonality symfónie – g mol: V záverečnej časti nastáva nový príval energie. Tu má vedúcu úlohu opakované a vytrvalé rozvíjanie prvo – trojhlasného – motívu témy hlavnej časti. So začiatkom dosť zvláštneho vývoja sa zdá, že sa znepokojivo zhromažďujú mraky. Zo svetlého B dur je prudký obrat do pochmúrnej, vzdialenej tonality F-ostré mol. Téma hlavnej časti sa vo vývoji dramaticky rozvíja. Prechádza množstvom tonalít, delí sa na samostatné frázy a motívy a často sú napodobňované v rôznych hlasoch orchestra. Prvý motív tejto témy pulzuje veľmi intenzívne. Ale nakoniec jeho pulzácia zoslabne, obmedzí jeho chvenie a dôjde k repríze. Vplyv vysokej dramatickej intenzity dosiahnutej vo vývoji je však cítiť aj v tejto časti prvej časti. Tu sa výrazne zväčšuje dĺžka spojovacej časti, vedie to k prezentácii vedľajších a záverečných častí nie v dur, ale v hlavnej tónine g mol, čím sa ich zvuk stáva dramatickejším. Druhá časť symfónie je Andante Es dur. Kontrastuje lyricko-dramatickú prvú časť s jej jemným a jemným pokojom. Forma Andante je tiež sonátová (pričom g mol je hlavnou tóninou a štvrtá časť symfónie - finále, ktoré beží vo veľmi rýchlom tempe. Finále je napísané v sonátovej forme. Hlavná téma v tejto časti symfónie je témou hlavnej časti Spolu s témou hlavnej časti prvej časti patrí k najjasnejším mozartovským inštrumentálnym témam. Ak ale téma v prvej časti vyznieva ako nežná a pietna lyrická spoveď, tak témou finále je vášnivý lyricko-dramatický apel, plný odvahy a rozhodneme 44 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenie v Rusku 2. Povedzte nám o hlavných témach prvej časti symfónie a ich vývoji. 3. Aký charakter má hudba v druhej a tretej časti symfónie? 4. Aká je hlavná téma vo finále symfónie? V čom sa jeho charakter líši od charakteru témy hlavnej časti prvého dielu? 5. Ako je štruktúrovaná téma hlavnej hry finále? Na čom je založený vývoj? Hlavné diela Toto ohnivé volanie vzniká rýchlym vzostupom melódie po zvukoch akordov, zdá sa, že na jej impulz odpovedajú energické melodické figúry krúžiace okolo jedného zvuku. Rovnako ako v prvej časti symfónie, ladná téma vedľajšej časti finále vyznieva na výstave obzvlášť jasne, keď sa hrá v B dur: 19 opier Requiem Asi 50 symfónií 27 koncertov pre klavír a orchester 5 koncertov pre husle a orchester Koncerty so sprievodom orchestra flauty, klarinet, fagot, lesný roh, flauta a harfa Sláčikové kvartetá (viac ako 20) a kvintetá Sonáty pre klavír, husle a klavír Variácie, fantázie, rondá, menuety pre klavír Záverečná časť vychádza z tzv. druhý prvok témy hlavnej časti. Vo vývoji finále sa obzvlášť intenzívne rozvíja prvý, vyvolávajúci prvok témy hlavnej časti. Vysoké dramatické napätie je dosiahnuté koncentráciou harmonických a polyfónnych vývojových techník - dirigovanie v mnohých tóninách a napodobňovanie rolových hovorov. V repríze je vedenie bočného partu v hlavnej tónine g mol mierne zatienené smútkom. A druhý prvok témy hlavnej časti (afirmatívne, energické figúry), ako v expozícii, zaznieva v jadre záverečnej časti v repríze. Výsledkom je, že finále tejto brilantnej mazartovskej kreácie tvorí jasný lyricko-dramatický vrchol celého sonátovo-symfonického cyklu, bezprecedentného vo svojej cieľavedomosti až do konca figuratívneho rozvoja. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Veľký nemecký skladateľ Ludwig van Beethoven je najmladším z troch skvelých hudobníkov, ktorí sú označovaní za viedenských klasikov. Beethoven mal možnosť žiť a tvoriť na prelome 17. a 19. storočia, v dobe obrovských spoločenských zmien a prevratov. Jeho mladosť sa zhodovala s časmi, Otázky a úlohy 1. Kedy a kde Mozart vytvoril Symfóniu č. 40 g mol? 45 www.classon.ru Vzdelávanie detí v oblasti umenia v Rusku