La nudità nell'arte.

Alcune citazioni e pensieri piuttosto incoerenti sul libro, leggi chi vuoi.

Cosa ho imparato da Clark? Qualsiasi tipo di nudità una volta veniva inventata da qualcuno e poi riprodotta direttamente o indirettamente (da statue, sarcofagi, citazioni di altri artisti, ecc.). I Greci inventarono il tipo di Venere (pudika, pubblica, anadiomene...), menade, naiade, guerriero morente, Marsia. Gli europei sono il “tipo settentrionale”. I greci hanno una curva dell'anca, che si solleva, in gotico - la curva del ventre, che tira a terra.

In questo libro ho cercato di mostrare come al corpo nudo siano state date forme memorabili per comunicarci determinate idee e sentimenti. Penso che questo sia il principale, ma non l'unica ragione l'esistenza della nudità. In tutte le epoche in cui il corpo era oggetto d'arte, gli artisti sentivano che poteva essere messo in una forma che fosse di per sé buona. Molti sono andati anche oltre, credendo che nella nudità si possa trovare il fattore generale ottimale della forma significativa. 394 pagg.

La nudità nell'arte lo è forma d'arte, inventata dai Greci nel V secolo a.C., proprio come l'opera è una forma d'arte inventata in Italia nel XVII secolo. La nudità non è un soggetto d'arte, ma una sua forma. 11 pagine

Accanto a pose che hanno apparentemente acquisito lo status di quasi ideogrammi, nell’arte europea si contano migliaia di nudi che non esprimono alcuna idea, nulla se non il desiderio di perfezione della forma del pittore. 397 pagg.

L'idea di offrire allo spettatore il corpo in quanto tale come un importante oggetto di contemplazione semplicemente non viene in mente ai cinesi o ai giapponesi... 17 p.

Ci fa ricordare tutto quello che vorremmo fare a noi stessi e, soprattutto, vogliamo essere immortalati. 16 pagine

Uno dei pochi canoni classici, la cui attendibilità non può essere messa in dubbio, è che nella figura di una donna nuda la distanza tra i seni è la stessa, dal petto all'ombelico e dall'ombelico alla regione intercrurale. 29 pagg.

“L’arte”, dice Aristotele, “completa ciò che la natura non è in grado di completare. L’artista ci dà l’opportunità di comprendere gli obiettivi non realizzati della natura”.

...tutto ha una forma ideale, e i fenomeni della realtà terrena non sono che sue copie più o meno corrotte. 21 pag.

Ci sono due modi per raggiungere l'ideale: l'artista può selezionare parti perfette di diverse figure e ricavarne un insieme perfetto. Questo è ciò che Plinio dice sia ciò che fece Zeusi quando “costruì” la sua Afrodite con le cinque bellissime ragazze di Crotone. 21 pp. Ma un simile disegno manca di organicità. Un altro modo è la “forma media”.

Ciò che sia Reynolds che Blake intendevano per bellezza ideale era in realtà un vago ricordo di una particolare tipologia corporea creata in Grecia tra il 480 e il 440 a.C. a vari livelli intensità e comprensione che hanno portato un modello di perfezione nella coscienza dell'uomo occidentale dal Rinascimento ai giorni nostri. 23 pag.

All'inizio del terzo libro di Vitruvio, dove viene data una serie di regole per la costruzione degli edifici religiosi, egli afferma che tali edifici devono avere proporzioni umane.

...il corpo umano è un modello di proporzione, poiché con le braccia e le gambe distese si inserisce in figure geometriche perfette: il quadrato e il cerchio.

Leonardo Da Vinci. L'uomo di Vitruvio ca. 1490

uomo vitruviano- un disegno realizzato da Leonardo Da Vinci intorno al 1490-92 come illustrazione per un libro dedicato alle opere di Vitruvio, e inserito in uno dei suoi diari. Raffigura la figura di un uomo nudo in due posizioni sovrapposte: con le braccia e le gambe divaricate ai lati, inscritto in un cerchio; con le braccia divaricate e le gambe unite, inscritte in un quadrato. Il disegno e le sue spiegazioni vengono talvolta chiamati proporzioni canoniche.

Il disegno è stato realizzato con penna, inchiostro e acquerello utilizzando una matita metallica, le dimensioni del disegno sono 34,3 x 24,5 centimetri. Attualmente nella collezione della Galleria dell'Accademia di Venezia.

Il disegno è allo stesso tempo lavoro scientifico e un'opera d'arte, esemplifica anche l'interesse di Leonardo per le proporzioni.

Secondo le note di accompagnamento di Leonardo, fu creato per determinare le proporzioni (maschio) corpo umano, come descritto nei trattati dell'architetto Vitruvio, che scrisse quanto segue sul corpo umano:

• la lunghezza dalla punta della più lunga alla base più bassa delle quattro dita è pari al palmo
• il piede è di quattro palmi
• un cubito è sei palmi
• l'altezza di una persona è di quattro cubiti (e di conseguenza 24 palmi)
• un passo è pari a quattro cubiti
• la portata delle braccia umane è pari alla sua altezza
• la distanza dall'attaccatura dei capelli al mento è 1/10 della sua altezza
• la distanza dalla sommità della testa al mento è 1/8 della sua altezza
• la distanza dalla sommità della testa ai capezzoli è 1/4 della sua altezza
• la larghezza massima della spalla è 1/4 della sua altezza
• la distanza dal gomito alla punta della mano è 1/4 della sua altezza
• la distanza dal gomito all'ascella è 1/8 della sua altezza
• la lunghezza del braccio è 2/5 della sua altezza
• la distanza dal mento al naso è 1/3 della lunghezza del viso
• la distanza dall'attaccatura dei capelli alle sopracciglia è 1/3 della lunghezza del viso
• Lunghezza dell'orecchio 1/3 della lunghezza del viso
• l'ombelico è il centro del cerchio

La riscoperta delle proporzioni matematiche del corpo umano nel XV secolo da parte di Leonardo e di altri scienziati fu uno dei grandi progressi che precedettero il Rinascimento italiano.

Il disegno stesso è spesso usato come simbolo implicito della simmetria interna del corpo umano e, inoltre, dell'Universo nel suo insieme.

Come puoi vedere esaminando il disegno, la combinazione delle posizioni delle mani e dei piedi produce in realtà due posizioni diverse. La posa con le braccia e le gambe divaricate è inscritta in un quadrato. D'altra parte, una posa con le braccia e le gambe divaricate ai lati è inscritta in un cerchio. Dopo un esame più dettagliato, si scopre che il centro del cerchio è l'ombelico della figura e il centro del quadrato sono i genitali. Successivamente, utilizzando lo stesso metodo, Corbusier creò la propria scala di proporzione: Modulor, che influenzò l'estetica dell'architettura del XX secolo.

Poliziano è il poeta che ispirò La Nascita di Venere di Botticelli e la Galatea di Raffaello.

Nella poesia "Stanze per il torneo", dedicata a suo fratello Lorenzo Medici- Giuliano e la sua amata Simonetta Vespucci, per amore della quale fu organizzato un lussuoso torneo nel gennaio 1476, la base mitologica dell'opera serve all'autore per creare un idillio rinascimentale, spiritualizzando la natura e divinizzando l'uomo. Incarna artisticamente il problema del rapporto tra valore e fortuna, caratteristico dell'umanesimo. Il tema principale della poesia è l'amore, che dà gioia e felicità, ma priva anche una persona libertà interiore. Il bellissimo giovane cacciatore Julis (Giuliano), innamorato di una ninfa (Simonetta), è addolorato per la sua libertà perduta; “Dov’è la tua libertà, dov’è il tuo cuore? Cupido e la donna te li hanno portati via. Una ninfa tra bellissimi fiori - questa immagine dal poema di Poliziano ha ispirato una serie di immagini nei dipinti di Botticelli, incluso nel suo capolavoro " Primavera».

L'essenza è la simmetria, ottenuta attraverso il bilanciamento e la compensazione arte classica. La figura può essere in movimento, ma la pace è sempre concentrata al suo centro. Le parti bilanciate devono avere una relazione misurabile tra loro: è necessario un canone di proporzioni. Policleto compose un tale canone. 50.s

Lisippo. Gli scrittori antichi ci dicono che ha inventato nuove proporzioni figura umana: con una testa più piccola, zampe più lunghe e un corpo più aggraziato. 62 pagg.

Nessun'altra civiltà ha conosciuto un tale fallimento artistico come quella che, per quattro secoli, visse sulle rive del mar Mediterraneo godette di una prosperità favolosa. Durante questi secoli insanguinati, le arti plastiche caddero in letargo, diventando una sorta di merce di scambio. 63 pagg.

Come il godimento del corpo umano sia tornato ad essere un tema ammissibile dell'arte è un meraviglioso mistero Rinascimento italiano. Kenneth Clark. 68 pagg.

Bisognerebbe fissare lo sguardo su Venere, cioè sull'Humanitas. La sua anima e la sua mente sono Amore e Misericordia, i suoi occhi sono Dignità e Generosità, le sue mani sono Generosità e Splendore, piedi - Carineria e modestia.

Marsilio Ficino. Lettere a Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici. Kenneth Clark. La nudità nell'arte. 120 pagg.

Indubbiamente, questa è la forza di Venere, che il suo viso esprime in modo molto sobrio il lavoro del pensiero. Kenneth Clark. 123.

...il primo artista rinascimentale a raffigurare una donna nuda come simbolo della vita riproduttiva fu Leonardo da Vinci. Tra il 1504 e il 1506 realizzò almeno tre disegni di Leda e il cigno, uno dei quali servì come base per il dipinto. 142 pagg.

Mi piace - vita riproduttiva.

… corpo femminile, in tutta la pienezza della sua sensualità, è raffigurato isolatamente, come qualcosa di autosufficiente. Questa interpretazione della nudità, al di fuori del contesto di qualche evento o ambiente, è estremamente rara prima del XIX secolo, e sarebbe interessante sapere in quali circostanze Tiziano inventò questo concetto. 151.

Venere Anadiomene. OK. 1520.

Afrodite Anadiomene(greco antico Ἀφροδίτη Ἀναδυομένη, "emergente, emergente dal mare") - un epiteto della dea Afrodite, nata dalla schiuma del mare ed emergente sulla terra, e il tipo iconografico della sua immagine in questo momento.

Perché fuori contesto? Il semplice uscire dal mare è sempre servito come occasione per rappresentare la nudità: le persone non nuotano in mare vestite, soprattutto quando sono appena nate;

All'inizio del suo sviluppo, il manierismo cominciò a diffondersi in Francia. Rosso, Primaticcio, Nicolò del Abbate e Cellini trovarono a Fontainebleau opere che non potevano trovare nel loro paese diviso e, uscendo dall'influenza restrittiva della tradizione classica, iniziarono a creare figure nude dalle forme straordinariamente sottili e allungate. La “Ninfa di Fontainebleau” di Cellini è incredibilmente lontana dai canoni antichi; solo le sue gambe sono lunghe sei teste; ... Il Manierismo fiorì quando trapiantato su altro terreno, in parte a causa delle tendenze gotiche latenti in esso Arte francese, ma anche perché anche nel Medioevo la Francia rimaneva il fulcro di tutto ciò che era raffinato e spettacolare, implicito nel concetto di “chic”. L'ideale del manierismo è la femminilità eterna immagini di moda. 168 pagg.

...perché la personificazione della grazia ha assunto una forma così strana: braccia e gambe troppo sottili, inadatte al lavoro onesto, corpi troppo magri, non adatti alla gravidanza, e teste troppo piccole, chiaramente incapaci di accogliere un solo pensiero. Ma vediamo la stessa squisita raffinatezza in molti altri oggetti ai quali tali spiegazioni materialistiche non si applicano: nell’architettura, nella ceramica e persino nella scrittura. Il corpo umano non è la fonte, ma la vittima di questi ritmi. Da dove nasce la sensazione di chic, come viene controllata, in base a quali criteri interni riconosciamo inequivocabilmente lo chic... Una cosa si può dire con certezza: lo chic è estraneo alla natura. ...i veri sacerdoti dello chic sono profondamente disgustati da tutto ciò che si intende con la parola “natura”. ….le signore squisitamente sofisticate di Fontainebleau, nonostante la loro dissomiglianza con le donne terrene, sono create con l'aspettativa di suscitare il desiderio carnale nello spettatore; in effetti, proprio la stranezza delle loro proporzioni invita le fantasie erotiche in misura maggiore rispetto ai corpi materiali delle donne di Tiziano.

Questa è l'essenza: speculazione, fantasia, ecco perché il busto taglia zero di Keira Knightley è tra i dieci più seducenti

Ma, in definitiva, è questa immaterialità che trasforma il manierismo nordico in un affascinante movimento minore nella storia dell’arte europea.

Nel corso della sua ricerca, lui (Rubens) si è reso conto delle gravi trasformazioni formali che il corpo umano deve subire per rimanere un'opera d'arte. 167 pagg.

Alla fine Ingres si permise di dare libero sfogo ai suoi sentimenti e a tutto ciò che riguardava la mano di Tetia piede dell'odalisca, ora (bagno turco) si è apertamente incarnato in fianchi rigogliosi, seni e pose lussuose e voluttuose.

Kenneth Clark La nudità nell'arte. 186 pagg.

Quindi secondo Clark il piede dell’odalisca esprime sensualità! Ecco lo stesso piede:

Secondo me è in qualche modo inespressivo, amorfo. Guarda la mia collezione, ecco gli esemplari espressivi, come se cesellati con uno scalpello.

Schaeffer, Cabanel, Bouguereau, Enner.

Figura nuda che presenta una vista arte perfetta, è strettamente connesso con il primo momento del progetto, con il verso... 195 pp.

...probabilmente parlerebbero delle loro creazioni come raffigurazioni artistiche di persone eccezionalmente belle. Questo è esattamente ciò che dovrebbe dire un artista. Ma in realtà tutti cercavano di creare una certa immagine, nata nell'immaginazione da una lega di memoria, bisogno e convinzione - ricordi di opere d'arte di epoche precedenti; la necessità di esprimere i propri sentimenti e convinzioni secondo cui il corpo femminile è un simbolo dell’armonia della natura. 199 pag.

L'arte decorativa ha lo scopo di compiacere l'occhio e non di occupare la nostra mente, di non scuotere l'immaginazione, dovrebbe essere percepita in modo inequivocabile, come regole di comportamento consolidate da tempo; Si fa quindi largo uso di luoghi comuni e di figure che, indipendentemente dalla loro origine, si riducono a un equivalente simbolico comprensibile a tutti. Da questo punto di vista la nudità rappresenta una fonte inesauribile di materiale decorativo. È gradevole alla vista, è simmetrico e ha una forma semplice e memorabile, inseparabile dalle condizioni della sua esistenza. 326.

Zeus di Istiea. Statua attica. OK. 470 a.C

La scultura è stata ritrovata nel mare vicino a Histiea (vicino a Capo Artemisio). Il primo separatamente figura in piedi, trasmesso in movimento e l'unico giunto fino a noi sotto forma di originale in bronzo. 204 pagg.

Nessun artista rinascimentale ha mai fornito correttamente una data, nemmeno quella della sua nascita. 222 pagg.

I moralisti del diciannovesimo secolo sostenevano che dipingere nudi di solito finiva a letto. Probabilmente è quello che succede a volte, ma l'erotismo e la sensualità sono solo alcuni dei tanti elementi associati alla nudità.

Il nudo, cioè la rappresentazione del corpo umano nudo, è uno dei generi artistici più importanti. Allo stesso tempo, solo alcune immagini di nudo sono nate come prodotto del desiderio dell’artista di creare una forma che sia una “cosa in sé”, un’opera che apporta piacere estetico con la perfezione delle sue linee; tale lavoro può essere paragonato a uno squisito disegno architettonico o a un vaso dalla forma aggraziata.

Per la maggior parte delle opere d’arte il nudo è solo il punto di partenza, mezzi creativi servire per esprimere idee e stati emotivi. Al giorno d'oggi si ritiene che la nudità femminile sia qualcosa di più attraente e naturale della nudità maschile. Tuttavia, nell'antica Grecia, per la prima volta apparvero le immagini di un uomo nudo, il cui corpo era considerato più perfetto. A cavallo tra il XIV e il XV secolo, Cennino Cennini scrisse nel suo Trattato sulla pittura: “Voglio darti. i parametri esatti di un uomo. Non parlerò della donna, perché non ha parametri perfetti”.

La predominanza della nudità femminile divenne evidente nel XVII secolo e solo nel XIX secolo divenne assoluta. Ciò fu influenzato dalla sensibilità del neoclassicismo, che riteneva che le linee morbide e voluminose fossero più belle. Le immagini di nudi apparvero agli albori delle belle arti, durante il Paleolitico inferiore, circa 30mila anni fa. Queste erano piccole figurine di pietra o pittura rupestre, raffigurante figure femminili con natiche, seni e triangolo pubico ipertrofizzati; la testa e gli arti, invece, erano delineati schematicamente. Durante il Neolitico apparvero statuette di argilla simili, e in età del bronzo- figurine di marmo, simili, ad esempio, agli oggetti rinvenuti nelle isole dell'arcipelago delle Cicladi nel Mar Egeo meridionale.

IN Antico Egitto, dove la nudità veniva interpretata come qualcosa di completamente naturale, si svilupparono canoni chiari per rappresentare il corpo umano. Le figure seminude impeccabilmente belle dei sovrani erano piene di maestosa dignità; Solo nelle immagini di persone di origine meno nobile si potevano trovare note di realismo: muscoli flaccidi o pieghe di grasso. Un traguardo importante a questo proposito divenne la cultura dell'antica Grecia. Le prime immagini del corpo umano nudo furono sculture di kouros (giovani atleti) prive di dinamica alla fine del periodo arcaico (VI secolo a.C.), e circa un secolo dopo, l'ideale classico di bellezza, a noi ben noto , era già formato. La precedente approssimazione delle immagini ha lasciato il posto ai risultati di un attento studio dell'anatomia. I greci non solo ereditarono la natura, ma cercarono anche di migliorarla: selezionarono le parti più armoniose di diverse figure e le riunirono in un insieme ideale.

Il canone classico della rappresentazione del corpo umano fu formulato da Policleto nella seconda metà del V secolo a.C. e la sua incarnazione fu la scultura “Doriphoros”. La figura è posizionata in contrapposto: il peso poggia sulla gamba destra, la sinistra è leggermente piegata e arretrata, e la testa è leggermente girata verso destra. L'altezza della testa è un settimo, la lunghezza del piede è un sesto, la lunghezza del palmo è un decimo dell'altezza del corpo. La posa usata da Policleto per la raffigurazione figura maschile, veniva utilizzato nel IV secolo a.C. e per trasmettere le forme del corpo femminile. La linea della gamba anteriore enfatizzava la struttura naturale della figura e creava una curva insolitamente sensuale.

L'ideale classico bellezza femminile considerata “Afrodite di Cnido” da Prassitele (360 a.C. circa). Durante il periodo ellenistico, i Greci si allontanarono dalla tradizione classica dell'equilibrio e iniziarono a mostrare grazia o, al contrario, enfatizzarono i forti muscoli delle figure. Gli antichi romani riproducevano i disegni realizzati dai greci; inoltre, introdussero la pratica di posizionare un'immagine scultorea della testa del sovrano su un corpo idealizzato. La perfezione fisica delle statue aveva lo scopo di enfatizzare la divinità degli imperatori.

Reazione alto medioevo l'antico culto della nudità era estremamente negativo, quindi le immagini di nudità praticamente scomparvero dall'arte. La chiesa considerava le sculture nude di “pagani” l’incarnazione dell’idolatria e della tentazione satanica. Tuttavia, la rappresentazione del corpo umano nudo a volte era inevitabile: ad esempio, era impossibile farne a meno quando si rappresentava Adamo ed Eva. La rappresentazione del corpo nudo era consentita anche nei dipinti della Passione di Cristo, e nel X secolo la figura nuda di Gesù fu ufficialmente accettata come frammento dell'immagine canonica della crocifissione. La fisicità di Cristo aveva lo scopo di enfatizzare la natura umana del Figlio di Dio.

Quelli resuscitati per il Giudizio Universale, così come quelli condannati al tormento infernale, furono raffigurati nudi. L'immagine del corpo nudo poteva essere vista nelle composizioni allegoriche, e qui spesso diventava la fonte di ispirazione per gli autori opere antiche. Un ottimo esempio di ciò è Ercole, che simboleggiava la forza morale che vince il male. Sul pulpito del Duomo di Pisa Giovanni Pisano raffigurò Venere la Casta come personificazione della virtù della moderazione (1302 - 1310). Più spesso, tuttavia, i corpi femminili nudi simboleggiavano i peccati: depravazione o vanità, e Venere, in particolare, simboleggiava l'amore corporeo peccaminoso.

Nel XV secolo la nudità cessò di essere un tabù, perché nel tardo Medioevo non era qualcosa di insolito: ad esempio i bagni pubblici erano molto popolari. A testimonianza di tali cambiamenti nella visione del mondo, possiamo citare “Adamo” ed “Eva” di Jan van Eyck dall’altare della Cattedrale di Gand. Il periodo di massimo splendore della fotografia di nudo iniziò nel XV secolo in Italia sulla scia del ritorno allo stile antico. Italiani, interpretariato arte In quanto attività intellettuale, proprio come gli antichi greci, le osservazioni visive erano integrate dall'analisi scientifica. Fu allora che lo studio della pittura divenne un elemento obbligatorio dell'insegnamento scultura antica e disegnare una modella nuda. I teorici dell'arte consigliano di raffigurare una persona vestita, prima abbozzare la figura senza vestiti e solo dopo “vestirla”. Nella seconda metà del XV secolo gli artisti eseguivano addirittura autopsie sui cadaveri per studiare a fondo l'anatomia del corpo umano.

La Cacciata dal Paradiso di Masaccio (1427) è considerata la prima rappresentazione sopravvissuta del nudo del Rinascimento. Nella scultura, questo era il “David” di Donatello fuso in bronzo (1430). L'immagine del corpo umano nudo si diffuse insieme alla crescente popolarità dei temi mitologici (ad esempio, “La nascita di Venere” di Sandro Botticelli). Tuttavia, veniva utilizzato sia in motivi biblici che sacri, come il battesimo di Gesù o il tormento di San Sebastiano. La rappresentazione della nudità divenne essa stessa un valore; sono state introdotte immagini di corpi nudi indipendentemente dal tema dell’opera per risvegliare un senso di bellezza nell’anima dello spettatore e dimostrare l’abilità dell’artista.

La perfezione classica della rappresentazione dei nudi è stata raggiunta solo da inizio XVI secoli, durante il tardo Rinascimento. Raffaello si avvicinò di più all'ideale antico: le sue “Tre Grazie” (1504) sono considerate la quintessenza dell'armonia. Michelangelo aveva una visione diversa del nudo: questo scultore ne era affascinato corpo maschile anche quello immagini femminili disegnava da modelli. La sua opera più famosa è “David” (1501 - 1504). Nel Giudizio Universale (1534-1541), la forza schiacciante del corpo di Gesù suscita il timore dell'ira di Dio. A nord delle Alpi, soprattutto in Germania, influenza cultura antica mescolato con la tradizione tardogotica. Le Veneri nude di Lucas Cranach il Vecchio sono figure allungate - "gotiche" - con il petto stretto e il ventre arrotondato. Il dipinto “Venere e Cupido” (1509) fu la prima rappresentazione nuda dell’antica dea dell’amore nel Nord Europa, nonché la prima nell’opera di questo artista un dipinto sul tema della mitologia antica.

Tuttavia, le immagini femminili nude, nonostante tutto il loro erotismo, incarnavano la paura del corpo come fonte di peccato. Anche l'opera di Albrecht Dürer, soprattutto un brillante rappresentante Rinascimento tedesco, non era esente da queste tendenze. Già negli anni '20 del XVI secolo cominciarono ad apparire i segni del crollo dell'umanesimo e i cambiamenti associati nel canone estetico. Iniziò un allontanamento dalle proporzioni classiche; il nuovo ideale di bellezza era un corpo innaturalmente allungato e snello, pieno di eleganza artificiale. E nella seconda metà del XVI secolo, sotto l'influenza della Controriforma, la Chiesa ricominciò a interpretare la nudità come qualcosa di inaccettabile nell'arte sacra. Nel 1564 Gesù e le altre figure del Giudizio Universale di Michelangelo furono "vestiti". All'inizio del XVII secolo il manierismo cominciò nuovamente a cedere il passo alla naturalezza: i corpi realistici dei martiri Jusepe de Ribera o Caravaggio non avevano più nulla in comune con la bellezza ideale.

Come loro, Rembrandt van Rijn, lottando per un trasferimento approfondito della psicologia dell'eroe, non aveva paura di mostrare bruttezza e inferiorità, che erano più naturali e caratteristiche di una persona vivente della squisita bellezza - ad esempio, in "Bathsheba" ( 1654) l’artista raffigurò senza imbarazzo tutte le rughe e le pieghe del corpo flaccido della modella. Più tipici delle preferenze estetiche di quest'epoca, tuttavia, furono i dipinti di nudo di Peter Powel Rubens. Le sue immagini femminili corpose ricordano frutti maturi (ad esempio, "Le tre Grazie" o "Il ratto delle figlie di Leucippo") - è come una sorta di inno alla gloria della natura, l'incarnazione dell'amore per la vita e tutto le sue gioie.

Seconda metà XVIII secoloè stato segnato da un ritorno all'antica tradizione nella sua dura versione classica. L'arte di questo periodo si distinse per " nobile semplicità e calma maestà." I nudi neoclassici, nonostante la purezza cristallina della forma, non potevano riflettere pienamente i sentimenti reali, poiché erano poveri di emozioni o, al contrario, troppo patetici.

Per esempio, sculture in marmo("Amore e Psiche") sembrano non essere altro che bellissimi, ma freddi gusci in cui l'anima dell'artista non è stata investita. C'è stata una certa rinascita nell'arte nel primo tempo XIX secolo romanza. Eugene Delacroix tornò alle forme dinamiche del barocco - ad esempio, in La morte di Sardanapalo (1827); Theodore Gericault in La zattera della Medusa (1819), attraverso la rappresentazione della nudità, cercò di trasmettere in modo più completo la tragedia dei naufraghi. Il neoclassicismo ha plasmato l'interpretazione accademica del nudo, stile ufficiale e predominante della seconda metà del XIX secolo.

Nonostante la virtù ostentata generale di quest'epoca, l'abbondanza di corpi nudi nelle opere d'arte non indignava nessuno: ciò era giustificato dall'antica tradizione e da motivi mitologici, storici o orientali. Tuttavia, poiché in altri ambiti anche la menzione del “proibito” era impossibile, il nudo, interpretato come simbolo dell'arte, divenne essenzialmente un sintomo della sua evirazione.

La situazione cominciò a cambiare grazie agli artisti impressionisti francesi. I dipinti dipinti da Edouard Manet nel 1863 - "Colazione sull'erba" e "Olympia" - fecero scandalo. Il motivo non era la nudità in quanto tale, ma la rappresentazione delle donne in modo privo di pudore. Dopo Manet, Edgar Degas e Henri Toulouse-Lautrec seguirono questa strada. Protestando contro la falsità accademica, gli artisti dipingevano donne da Vita di ogni giorno- operai, ballerini, prostitute.

All'inizio del XX secolo si verificò una svolta nella storia della nudità e al corpo nudo furono completamente negate la bellezza e l'armonia. Nel 1905, Georges Rouault creò diversi ritratti di prostitute incredibilmente ripugnanti. Deformati e trasformati in sembianze forme geometriche i corpi delle donne nel dipinto di Pablo Picasso “Les Demoiselles d’Avignon”, che evoca associazioni con figurine scolpite africane.

Il nudo, come la natura morta, è diventato per gli artisti (ad esempio Henri Matisse) solo una costruzione pittorica, uno strumento per creare una forma indipendente. Gli artisti d'avanguardia hanno tentato di rappresentare il nudo nella scultura astratta. Constantin Brancusi raffigurava il busto di una donna sotto forma di un'asta a cui erano attaccati cilindri più corti: le gambe. Tuttavia, quando negli anni Trenta arrivò la sazietà delle avanguardie e il ritorno alle forme classiche, il nudo divenne l'elemento principale che univa arte Moderna con i secoli passati.

Oggi non esiste un concetto unico o predominante di arte del nudo. Preferenze individuali artisti e canonici direzioni artistiche spaziano dalle immagini astratte a quelle iperrealistiche: solo l’eterno interesse dell’uomo per il proprio corpo rimane immutato.

A stile classico L’arte nazista abbracciò prontamente immagini di nudi. "The Avenger" (1940) di Arno Brecker riproduce il tipo dell'eroe vittorioso greco - un simbolo di forza e lotta. “La nascita di Venere” (1863) di Cabanel è una tipica immagine “accademica-morta” del nudo, caratteristica della pittura della seconda metà del XIX secolo. "Les Demoiselles d'Avignon" di Pablo Picasso (1907) è una delle prime opere pittura moderna. Come argomento (donne da bordello), e la forma divenne una protesta contro la concezione tradizionale della bellezza.

Nei lavori successivi, l'artista è andato oltre: non solo ha deformato, ma ha anche mescolato parti del corpo. Edouard Manet in Olympia ha sostituito l'idealizzazione accademica con il realismo e il tema mitologico con uno moderno. Questo dipinto suscitò scandalo perché Olympia era una normale prostituta, un personaggio del tutto insolito per la pittura di quel tempo. La scultura “Il prigioniero morente” (circa 1513) di Michelangelo avrebbe dovuto decorare il luogo di sepoltura di Papa Giulio II. Il concetto di raffigurazione del nudo maschile interpretato da Michelangelo ispirò gli artisti fino al XIX secolo. Un esempio dello squisito erotismo del Manierismo è “Allegoria del tempo e dell'amore” (1545 circa) di Angelo Bronzino. Qui Cupido abbraccia Venere, che è sua madre.

In “Il bagno turco” (1862) di Jean Auguste Dominique Ingres, un motivo orientale divenne il motivo per raffigurare un intero gruppo di donne nude. L'artista ha combinato la straordinaria perfezione della forma con un erotismo calcolatomente freddo. La Venere dormiente di Giorgione, completata da un altro veneziano, Tiziano, divenne la prima di molte immagini successive di modelle nude sdraiate. La figura si distingue per morbida forme volumetriche, che divenne ancora più pronunciato in epoca barocca.

La scena della “Resurrezione dei morti” ha offerto a Luca Signorelli l'opportunità di rappresentare la nudità in modo classico, con un attento studio delle caratteristiche anatomiche della struttura corporea. Nel "David" di Donatello il motivo Vecchio Testamento serve solo come pretesto per presentare la bellezza di un corpo giovane dalle linee morbide, un po' femminili.

La rappresentazione più realistica di corpi nudi nel Medioevo fu di Jan van Eyck. Eva rappresenta il tipo gotico figura femminile: corpo allungato, petto stretto e ventre arrotondato. La Venere di Willendorf e simili statuette femminili del Paleolitico inferiore sono considerate un simbolo di fertilità. L'altezza della statuina è di 11,5 cm. Il gruppo di Laocoonte (circa II secolo aC) rappresenta la morte del sacerdote troiano e dei suoi figli nella lotta contro i serpenti, messaggeri degli dei.

La nudità espressiva con schemi muscolari espressivi è un mezzo per trasmettere sofferenza. Questo composizione scultorea influenzò significativamente lo stile di Michelangelo. La Crocifissione del vescovo Gereone (975 circa) del Duomo di Colonia rappresenta la prima immagine della crocifissione in cui la sofferenza è così espressamente enfatizzata. Dal XIII secolo il corpo di Gesù è stato raffigurato con segni di tortura sempre più visibili. I Greci raffiguravano il corpo nudo perché lo consideravano bello: il torso maschile divenne addirittura modello per la realizzazione di armature militari.

Nella perfezione fisica i Greci vedevano il riflesso della nobiltà dell'anima; Gli atleti dell'antica Grecia si allenavano e gareggiavano nudi. La persona veniva interpretata come un tutto inseparabile di anima e corpo, quindi nulla di ciò che riguardava il corpo veniva considerato riprovevole.

L'arte russa ha già più di mille anni, ma non siamo ricchi di capolavori di importanza mondiale raffiguranti ragazze nude. Per molto tempo gli artisti sono stati imbarazzati e avevano paura di dipingere donne nude. Vi raccontiamo come ciò sia collegato alla geografia e alle peculiarità dello sviluppo storico della Russia, al carattere nazionale e, in generale, all'atteggiamento del nostro popolo verso qualsiasi “vergogna”.

La colpa è della Chiesa

Lo sviluppo delle belle arti e i processi che si verificano in esse sono decisamente influenzati dall'ideologia dominante. Per secoli è stata religiosa. Inoltre, la Rus' ha ereditato la versione più visionaria e incentrata sui simboli del cristianesimo: l'Ortodossia. Nell’Occidente cattolico, agli artisti era permesso dipingere cose “materialistiche”, come un diavolo vile e vile, la tortura dei martiri con pinze roventi, il seno nudo della Madre di Dio e le soffici ali degli angeli.

Artista sconosciuto. Stampa popolare religiosa “Sulla Vergine Maria e la sua apparizione postuma a suo padre”. 1904-1905. Museo storico statale

A Bisanzio tutto riguardava segni e canoni, e nella sua arte tutto era linearità e piattezza. La nudità nell'iconografia adottata da lì era consentita esclusivamente a persone perbene: asceti del deserto e santi sciocchi (ad esempio, Maria d'Egitto e San Basilio il Beato), che conducevano uno stile di vita tale che il loro corpo non poteva servire da esempio di bellezza fisica, o ai morti: l'anima che lascia la carne mortale, o i peccatori all'inferno. Ebbene, anche a tutti i tipi di demoni e spiriti. Tutti questi non sono modelli di ruolo; tali corpi non evocano piacere estetico.

La colpa è della geografia

Considerare certe cose “belle” richiede abitudine e allenamento a lungo termine. Ad esempio, l'America credeva che una ragazza nera potesse essere un vero e proprio sex symbol grazie al fatto che Hollywood era impegnata nella propaganda visiva da trent'anni (se si conta dagli anni '70, quando le prime donne afroamericane apparvero tra le Bond girls). .

Affinché il corpo nudo nell’arte diventasse bello e universalmente accettabile, furono necessari secoli di allenamento degli occhi.

E anche un indottrinamento molto potente, durante il quale a tutti è stato insegnato che il corpo è un riflesso dell'armonia divina, e quindi merita ammirazione (Google “kalokagathia”). In Europa, questa visione fu stabilita da qualche parte nel V secolo a.C. e. - Nell'antica Grecia. Le culture che non sono legate all'antichità hanno complessi quando si tratta di nudità: prendi quella musulmana, quella tradizionale giapponese.

Henryk Semiradsky. “Donna o vaso?” 1887. Sotheby's

Un giorno, un professore d’arte ha posto agli studenti una domanda: “Come distinguere un’autentica statua greca da una copia romana?” Gli studenti hanno dimostrato a lungo e con insistenza le loro conoscenze, proponendo varie teorie, ma il professore, dopo averli ascoltati, ha detto: “Tutto è molto più semplice: le statue greche sono completamente nude, ma in quelle romane il luogo causale è coperto da un foglia." Sì, Roma era già timida riguardo alla nudità nell'arte, ma questo non era tipico dell'Hellas.

La civiltà dell’antica Grecia era tutt’altro che timida, almeno per quanto riguardava il corpo umano. Si divertiva nella sua bellezza, almeno se il suo corpo era davvero bello, come quello di un atleta che gareggia in una competizione sportiva. Gioco olimpico, ecco perché gli atleti si sono esibiti nudi. E, naturalmente, un corpo maschile perfetto è degno di essere incarnato nell'arte... L'arte dell'antica Grecia "nuda" una donna non così volentieri - dopo tutto, una donna, per definizione, era considerata un essere imperfetto, il che significa che glorificare il la bellezza del suo corpo sarebbe quantomeno strana (tuttavia si trovano ancora statue di donne nude - ad esempio Afrodite di Cnido).

Altro dettaglio piccante: quella parte del corpo con cui gli uomini moderni amano “misurarsi” non era mai grande nelle statue greche antiche. Solo Priapo, il dio della fertilità, che personificava il potere selvaggio ed elementare nell'uomo, era raffigurato con un pene enorme, e il corpo perfetto di una persona civilizzata - un rappresentante della cultura della polis - non tollerava alcuna esagerazione. Ciò suggerisce anche che nella cultura dell'Hellas, la rappresentazione della nudità nell'arte era meno associata alla sessualità sfrenata.

Per Medioevo europeo tale ammirazione era impensabile, ma non si può dire che il corpo nudo fosse presente arte medievale era completamente assente. Era consentito laddove corrispondeva a circostanze storiche, ad esempio quando si raffigurava il Salvatore crocifisso. Ad Adamo ed Eva fu “permesso” di essere nudi prima della Caduta. E nel Medioevo i peccatori all'Inferno e le persone che apparivano al Ultimo Giudizio(probabilmente sottolineando così che tutti sarebbero stati uguali - dopotutto, nella società medievale, l'abbigliamento permetteva di distinguere un nobile signore da un cittadino comune).

Un'altra epoca che si è “innamorata” del corpo umano nudo è senza dubbio il Rinascimento, e non ha potuto fare a meno di amarlo, poiché era guidato dagli ideali dell'antichità, uno dei quali era il bellissimo corpo umano, presentato in una nudità incontaminata. . Avendo dichiarato l'uomo il centro dell'Universo, la filosofia dell'umanesimo rinascimentale lo ammira nuovamente. Un tocco di frivolezza appare più tardi: nell'era barocca, un'era di delusione che nascondeva l'amarezza sotto lo sfarzo (compreso lo sfarzo delle forme femminili).

Classicismo e successivi epoche artistiche stanno cercando di tornare alle antiche immagini di bella nudità, ma l'ammirazione incontaminata non è più realizzabile. Tuttavia, la nudità è considerata appropriata quando si raffigurano soggetti antichi. È interessante notare che, a differenza dell'Hellas, la nudità femminile è considerata più appropriata, ma acquarellata Artista inglese"Phyllida and Demophon" di E. Burne-Jones fu rimosso dalla mostra nel 1870 proprio a causa della nudità di Demophon: la nudità di Phyllida non dava fastidio a nessuno.

In relazione al XX secolo, è persino difficile parlare di nudità nella pittura e nella scultura - per immagini bizzarre Non puoi davvero vedere il corpo nudo dell’avanguardia. Ma l'immagine della nudità nella giovane arte del cinema fiorì in piena fioritura. Ma questa nudità era ancora più lontana dall'innocente ammirazione dell'Hellas: il corpo femminile nudo, insieme a una pistola, divenne uno degli "ingredienti" film di successo, che non pretende di essere alta l'art.

La nudità nell'arte. Kenneth Clark

Per. dall'inglese - San Pietroburgo: ABC-classici, 2004. - 480 p. (Serie "Artista e conoscitore".)

La nuova serie “Artist and Connoisseur” presenta il libro del principale critico d'arte inglese Kenneth Clarke “Nudity in Art”, tradotto per la prima volta in russo. L'autore introduce lo sviluppo del genere del nudo dalle sue origini ad oggi, individuando in esso direzioni specifiche come “nudità di energia”, “nudità di pathos”, “nudità di estasi”, ecc. Un'interpretazione originale del tema, vivace, linguaggio accessibile, un'interessante selezione di illustrazioni dovrebbe attirare l'attenzione non solo degli specialisti, ma anche di una vasta gamma di lettori.

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La collana "Artista e Conoscitore" presenta una serie di interessanti studi storico-artistici avendo, innanzitutto, scopo educativo, ma allo stesso tempo rimanendo strettamente accademico. Il loro vantaggio è l'accessibilità e l'intrattenimento senza una consapevole semplificazione e distorsione del pensiero scientifico. Non è un caso che i libri dello storico dell'arte inglese Kenneth Clarke siano tra i primi ad essere inseriti in questa collezione. La sua brillante erudizione, la profonda comprensione della materia, un occhio fedele per la critica e un sincero amore per l'arte sono completati dal rispetto per il suo pubblico. Passando dal semplice al complesso, con facilità, senza la minima violenza o voglia di imporre la propria opinione, il professore trasforma i lettori da dilettanti in esperti e veri intenditori della bellezza. Sono pochi gli scienziati che sanno parlare di cose complesse in modo semplice, accattivante e aggraziato, ma bisogna leggere Clark lentamente, assaporando le singole frasi, guardando attentamente le illustrazioni che offre. Sparsi tra le pagine dei suoi libri ci sono affascinanti esempi di umorismo accademico, che sembrano essere migrati lì dalle lezioni del professore, che teneva non solo agli studenti, ma anche ai telespettatori in Gran Bretagna e America.

Forse l'argomento della ricerca causerà in alcune persone associazioni frivole, ma gli amanti delle fragole saranno solo contenti del libro belle immagini. Secondo Kenneth Clark, l'immagine del corpo umano nudo è uno dei soggetti più importanti e degni dell'arte, anche se non tutti epoche storiche gli è stata prestata uguale attenzione. È impossibile negare la natura corporea dell'uomo, e poiché siamo vanitosi e certamente ci sforziamo di essere immortalati, è improbabile che le belle arti si limitino mai completamente a zigzag e macchie colorate, che simboleggiano il lavoro del nostro subconscio. Naturalmente, ideale bellezza esteriore in continua evoluzione, fu influenzato dalla moda frivola, dalla moralità religiosa, dagli alti ragionamenti filosofici e dai piaceri estetici. Nel libro di Clark c'è un posto e Venere paleolitica, E Dee greche; ai santi emaciati in stile gotico e le bellezze terrene di Rubens; i graziosi sempliciotti di Renoir e i nudi cubici di Picasso. Si è detto molto anche sulla bellezza maschile, per fortuna fino a qui metà del 19 secolo non c'è stata alcuna discriminazione palese contro gli uomini in quanto nudi. Più vicino ai nostri giorni, il diritto di mostrare il proprio fascino, purtroppo, è diventato quasi una prerogativa completa delle donne.

Nella primavera del 1953, tenni sei conferenze sulla nudità nell’arte all’annuale E. W. Mellon Fine Arts Readings alla National Gallery di Washington. Non ho mai parlato in vita mia davanti a un pubblico più attento e intelligente e vorrei regalare a ciascuno dei presenti una copia di questo libro in segno di gratitudine subito dopo la fine del corso. Ma le lezioni dovettero essere notevolmente allungate, si dovettero scrivere tre nuovi capitoli e all'ultimo momento gli editori mi convinsero ad aggiungere un'altra sezione di note. Ciò ha comportato un ritardo di quasi tre anni e sono grato alla Mellon Memorial Readings Foundation e alla Bollingen Foundation per la pazienza dimostrata nell’attesa che il libro fosse completato..