Nagy cápák, Robert Longo. Mi a közös Goyában, Eisensteinben és Longóban: a művész útmutatója a garázsi kiállításhoz Miközben a kiállításon dolgozott, az orosz állami archívumban járt

Eisensteinnek a kormánynak, Goyának a királynak kellett volna dolgoznia. A művészeti piacnak dolgozom. A művészet története során volt egy konkrét megrendelő, az egyház vagy a kormány. Érdekes módon, amint az intézmények megszűntek a fő megrendelők, a művészeknek új problémájuk volt, hogy megtalálják azt, amit vásznon akarnak ábrázolni. A királlyal ellentétben a művészeti piac nem szabja meg, hogy pontosan mit kell tennünk, így én szabadabb vagyok, mint az előttem járó művészek.

Goya nem készített rézkarcokat az egyháznak vagy a királyoknak, így ezek sokkal közelebb állnak ahhoz, amit én csinálok. Eisenstein esetében igyekeztünk, igyekeztünk sokat eltávolítani a politikai kontextusból, lelassítottuk a felvételeket, csak a képeket hagytuk meg – így próbáltunk elszakadni a politikától. Diákkoromban soha nem gondoltam a politikai háttérre, az elnyomásra, a nyomásra, ami együtt járt ezeknek a filmeknek a készítésével. De minél tovább tanulmányoztam Eisensteint, annál inkább rájöttem, hogy egyszerűen filmeket akar készíteni – és ehhez sajnos kénytelen volt állami támogatást kérni.

Amikor Caravaggio Rómában találta magát, az egyháznak kellett dolgoznia. Különben egyszerűen nem lett volna lehetősége nagy festményeket festeni. Ennek eredményeként kénytelen volt újra és újra elmesélni ugyanazokat a történeteket. Vicces, hogy mennyire hasonlít egy népszerű hollywoodi filmhez. Tehát sokkal több a közös bennünk a múlt művészeivel, mint gondoltuk, egymásra gyakorolt ​​hatásukat pedig nehéz túlbecsülni. Maga Eisenstein is tanulmányozta Goya munkásságát, sőt olyan festményeket is készített, amelyek forgatókönyvhöz hasonlítanak – íme, ezek közül hat, együtt úgy néznek ki, mint egy film storyboardja. A rézkarcok pedig páros számozásúak.

Így vagy úgy, minden művész kapcsolatban áll egymással, és egymásra hat. A művészet története egy nagyszerű fegyver, amely segít megbirkózni minden új nap kihívásaival. És személy szerint én is a művészetet használom, hogy eljussak oda – ez az én időgépem.

Francisco Goya: A tragikus eset, amikor egy bika megtámadja a nézőket a madridi arénában

„Tauromachy” sorozat, 21. lap

Megtudtuk, hogy a moszkvai Forradalom Múzeuma Goya rézkarcainak teljes készletét őrzi. A Szovjetunió ajándéka volt 1937-ben, hála jeléül, amiért segítettek a spanyoloknak megküzdeni Franco ellen. A rézkarcok egyszerűen egyediek: az utolsó példány Goya eredeti tányérjairól készült, és mindegyik - ami egyszerűen elképesztő - úgy néz ki, mintha tegnap nyomtatták volna. A kiállításon igyekeztünk elkerülni a leghíresebb alkotásokat - csak azt gondolom, hogy az ismeretlen alkotásokat egy kicsit tovább nézik majd az emberek. Olyanokat is választottunk, amelyek szerintem szinte filmre vagy újságírásra hasonlítanak.

Még egy rézkarcom is van itthon Goya-tól, nagyon régen vettem. A kiállításon bemutatottak közül pedig a kedvencem a bikás. A mű pontosan úgy néz ki, mint egy állókép egy filmből – valahogy minden filmszerűen működik együtt, a farkú bika és az emberek, akikbe úgy tűnik, összeütközik. Amikor ezt a művet nézem, mindig arra gondolok, hogy mi történt korábban és mi fog történni ezután. Akárcsak a filmekben.

Francisco Goya, "Amazing Folly"

„Példabeszédek” sorozat, 3. lap

Itt van egy másik munka, amit nagyon szeretek - Goya családja sorban áll, mintha madarak ülnének egy faágon. Jómagam három fiam van, és ez a metszet a családot juttatja eszembe, van benne valami szép és fontos.

Amikor festek, nagyon gyakran gondolok arra, hogy mi lesz később a festményem szereplőivel. Gyakran csinálok keretgyakorlatot, mint egy képregényben, ahol sok különböző méretű téglalapot vázolok fel, és kísérletezek a benne lévő kompozícióval. Eisenstein pedig ebben az értelemben kiváló követendő példa, kompozíciói kifogástalanok: a kép sokszor egy átló köré épül fel, és egy ilyen szerkezet pszichológiai feszültséget kelt.

Szergej Eisenstein és Grigorij Alekszandrov, képkocka a „Potyomkin csatahajó” című filmből

Imádom Eisenstein összes filmjét, és Potyomkinről mindenekelőtt ez a gyönyörű jelenet emlékszem csónakokkal a kikötőben. A víz csillog, és hihetetlenül gyönyörűvé teszi a felvételt. És a legkedvesebb felvételem talán az, amelyen a nagy zászló és Lenin sikoltozik. Mindkét felvétel valóban remekmű.

Szergej Eisenstein, még a „Szentimentális romantika” című filmből

A „Szentimentális romantika” című filmben van egy hihetetlenül erőteljes felvétel: egy nő áll egy lakásban az ablak mellett. Tényleg úgy néz ki, mint egy festmény.

És az is nagyon érdekel, hogy mi történt, amikor ezeket a filmeket egymás mellé helyeztük – a moziban jelenetről jelenetre látsz, itt viszont különböző filmek lassított képei egymás mellett. Ez a furcsa kollázs, úgy tűnik, világossá teszi Eisenstein agyának működését. Filmjeiben a kamerák nem mozogtak a színészek mögött, statikusak voltak, és minden alkalommal világosan felépített, konkrét képeket kínál nekünk. Eisenstein a mozi hajnalán dolgozott, és minden egyes képkockát előre kellett elképzelni – sőt, képről képre látni a leendő filmet.

A mozi, a festészet és a kortárs művészet egy és ugyanaz: a képalkotás. A minap egy múzeumban voltam, a Fekete négyzetet kerestem, és miközben végigsétáltam ezeken a képek és festmények tárházán, rájöttem valami fontosra. A művészet fő ereje az emberi lény égető vágya, hogy elmagyarázza neked, mit is lát pontosan. „Én így látom” – mondja a művész. Tudod, mire gondolok? Néha úgy tűnhet, hogy egy fa koronája egy arcra hasonlít, és azonnal el akarja mondani a barátjának, kérdezze meg tőle: „Látod, amit én látok?” A művészet egy kísérlet arra, hogy megmutassa az embereknek, hogyan látja a világot. És ennek középpontjában az a vágy áll, hogy élve érezze magát.

Robert Longo, cím nélkül, 2016

(A cselekmény a baltimore-i tragikus eseményekhez kapcsolódik. - jegyzet szerk.)

Azért választottam ezt a képet, hogy ne csak azt mutassam meg, ami történt, hanem azért is, hogy elmagyarázzam, hogyan látom és érzek vele kapcsolatban. Ugyanakkor persze olyan képet kellett alkotni, amit a néző szívesen megnézne. És azt is gondolom, hogy lehet, hogy nem olvassa az újságokat, és nem tud a történtekről, de ez tévedés – fontos mindent látni.

Imádom a festményt (Théodore Gericault festménye, 1819-ben, egy fregatt hajótörése alapján, Szenegál partjainál. - jegyzet szerk.) - számomra ez egy igazán csodálatos munka egy szörnyű katasztrófáról. Emlékszel, mi volt az? A tutajon tartózkodó 150 ember közül csak 15 maradt életben. Igyekszem bemutatni a katasztrófák szépségét is, erre remek példa a festményeimen lévő golyók.

Távol vagyok a politikától, és ideális esetben szeretném élni az életem, és csak tudni, hogy az emberek nem szenvednek. De azt teszem, amit tennem kell – és megmutatom, amit meg kell mutatnom.

Szerintem mindkét művész hasonló helyzetben volt. Kár, hogy Eisenstein filmjeinek mély gondolatai eltorzultak. Hasonló ez az amerikai helyzethez: a demokrácia eszméje, amely hazánk szívében rejlik, folyamatosan torzult. Goya is szemtanúja volt szörnyű eseményeknek, és arra akart rávenni minket, hogy reálisan nézzük a dolgokat, mintha megállítaná azt, ami történik. A világ és az észlelés lelassításáról beszél. Azt hiszem, szándékosan lassítom is a dolgokat a képeimmel. Bekapcsolhatja számítógépét, és gyorsan átnézheti az interneten található képek ezreit, de én úgy szeretném elkészíteni őket, hogy megállítsa az időt, és lehetővé tegye a dolgok alaposabb szemlélését. Ehhez egy munkában több képet is kombinálhatok, mint a klasszikus művészetben, és ez a tudattalan összekapcsolásának gondolata hihetetlenül fontos számomra.

Robert Longo, cím nélkül

2015. január 5. (a mű tisztelgés a Charlie Hebdo szerkesztőinek emléke előtt. - jegyzet szerk.)

Ez a téma rendkívül fontos volt számomra, mert magam is művész vagyok. A Hebdo egy magazin, ahol karikaturisták, azaz művészek dolgoztak. Ami történt, nagyon megdöbbentett: mindannyian azok közé tartozhattunk, akiket megöltek. Ez nem csak a Hebdo elleni támadás – ez minden művész elleni támadás. A terroristák azt akarták mondani: nem szabad ilyen képeket készíteni, szóval ez a fenyegetés engem érint.

A kép alapjául repedezett üveget választottam. Mindenekelőtt gyönyörű – így vagy úgy meg akarod majd nézni. De nem ez az egyetlen oka: egy medúzára, valamiféle organikus lényre emlékeztetett. Több száz repedés sugárzik az üvegen lévő lyukból, mint egy megtörtént szörnyű esemény visszhangja. Az esemény a múlté, de következményei továbbra is fennállnak. Nagyon ijesztő.

Robert Longo, cím nélkül

2015 (a mű a szeptember 11-i katasztrófának szól. - jegyzet szerk.)

Szeptember 11-én kosárlabdáztam az egyik brooklyni edzőteremben, egy magas épület 10. emeletén, és mindent tökéletesen láttam az ablakból. A műtermem pedig nem messze található a tragédia helyszínétől, így sokáig nem tudtam eljutni oda. A műtermemben van egy nagy festmény, amelyet ennek a szörnyű eseménynek a tiszteletére készítettem - először csak vázoltam egy képet a stúdió falára, festettem egy repülőgépet. Ugyanazt a gépet, ami az első toronyba repült, felfestettem a falra. Aztán át kellett festeni a műterem falait, és nagyon aggódtam, hogy eltűnik a rajz, ezért készítettem egy másikat. Kérjük, vegye figyelembe, hogy a kiállításon szereplő összes rajzomat üveg borítja, és ennek eredményeként a saját tükörképeit látja bennük. A repülők beleütköznek a tükröződésekbe, és egyes munkáim egyes részei tükröződnek egymásban. Vannak bizonyos szögek a kiállításon, ahol egy bizonyos szögből egy golyó lyukat lehet látni Jézusban, itt pedig azt, hogy egy repülőgép beleütközik valamibe.

Számomra a rajzok egymásra helyezése nem csupán a katasztrófák kronológiája, hanem inkább a gyógyulási kísérlet. Néha mérget veszünk be, hogy jobban legyünk, és fontos, hogy bátran éljünk nyitott szemmel, legyünk bátran meglátni bizonyos dolgokat. Jómagam valószínűleg nem vagyok túl bátor ember – minden férfi szereti azt hinni, hogy bátor, de úgy tűnik, a legtöbbjük gyáva.

Szerencsés vagyok, hogy lehetőségem van kiállítani, és ezt a lehetőséget arra használom, hogy beszéljek arról, amit fontosnak tartok. Nem kell valami titokzatosat, összetettet, nárcizmussal telit alkotni. Ehelyett jobb, ha azokkal a kérdésekkel foglalkozunk, amelyek most fontosak. Ezt gondolom a művészet valódi feladatairól.

A Modern Művészetek Múzeumában "Garázs" kiállítás nyílt „Tanúvallomás”: Francisco Goya, Szergej Eisenstein, Robert Longo. Eisenstein filmjeinek állóképei, Goya metszetei és Longo szénrajzai fekete-fehér posztmodern keverékké ötvöződnek. Külön-külön a kiállításon Eisenstein negyvenhárom rajza látható az Orosz Állami Irodalmi és Művészeti Levéltár gyűjteményéből, első alkalommal került kiállításra, valamint Francisco Goya rézkarcai az Állami Kortörténeti Múzeum gyűjteményéből. Oroszországé. ARTANDHOUSES beszélt a híres amerikai művésszel Robert Longo arról, hogy milyen nehéz volt egyenrangúnak lenni a művészettörténet óriásaival, a fiatalság önellátásáról és filmes élményeiről.

Hogyan jött a kiállítás ötlete? Mi a közös Longo, Goya és Eisenstein művészekben?

Kate Fowle, a kiállítás társkurátora hallott, amint ezekről a művészekről beszéltem, hogyan inspiráltak engem, és mennyire csodálom a munkájukat. Ő javasolta, hogy rakjam össze a munkáinkat és készítsem el ezt a kiállítást.

Mindig is érdekeltek azok a művészek, akik koruk tanúi voltak, és mindent dokumentáltak, ami történt. Fontosnak tartom, hogy Eisenstein és Goya műveiben bizonyítékokat lássunk azokról a korokról, amelyekben éltek.

Miközben a kiállításon dolgozott, az orosz állami levéltárakba ment. Mi volt a legérdekesebb az archív anyagokkal való munka során?

A múzeum csodálatos csapata olyan helyekre adott hozzáférést, ahová egyedül soha nem tudtam volna eljutni. Lenyűgözött az irodalmi és művészeti archívum, hatalmas termei iratszekrényekkel. Ahogy sétáltunk a végtelen folyosókon, folyamatosan kérdeztem az alkalmazottakat, hogy mi van ezekben a dobozokban, mi van azokban. Egyszer azt mondták: „És ezekben a dobozokban Csehov van!” Magam az a gondolat döbbent meg, hogy Csehov egy dobozban.

Találkoztál Eisenstein munkásságának vezető szakértőjével, Naum Kleimannal is...

Elmentem Kleimanhoz valamiféle engedélyért. Megkérdeztem, mit gondolna Eisenstein arról, amit csinálunk? Mert úgy éreztem, hogy a kiállítás elég merészen kitalált. Kleiman azonban nagyon lelkes volt a projektért. Elmondhatjuk, hogy bizonyos módon helyeselte, amit csinálunk. Elképesztően élénk ember, aki remekül beszél angolul, bár először azt állította, hogy alig beszéli.

Nehéz összehasonlítani Goyával és Eisensteinnel? Nehéz egyenrangúnak lenni a múlt géniuszaival?

Amikor Kate megkérdezte, szeretnék-e részt venni egy ilyen kiállításon, arra gondoltam: milyen szerepet kapnék? Valószínűleg kisegítő. Ezek a művészettörténet igazi óriásai! De végül is mindannyian művészek vagyunk, mindegyik a saját korszakában élt, és azt ábrázolta. Nagyon fontos megérteni, hogy ez Kate ötlete volt, nem az enyém. És hogy milyen helyet foglalok el a történelemben, azt száz év múlva megtudjuk.

Interjúidban gyakran mondod, hogy képeket lopsz. Mi jár a fejedben?

Egy képekkel túltelített világban élünk, és elmondhatjuk, hogy belénk hatolnak. Szóval mit csinálok? Ebből az őrült képfolyamból kölcsönözök "képeket", és teljesen más kontextusba helyezem őket - a művészetbe. Archhetipikus képeket választok, de szándékosan lelassítom őket, hogy az emberek megálljanak és elgondolkodhassanak rajtuk. Elmondhatjuk, hogy a körülöttünk lévő összes média egyirányú utca. Nem kapunk lehetőséget arra, hogy valahogy reagáljunk. És megpróbálok választ adni erre a sokféleségre. Olyan képeket keresek, amelyek archetipikusak az ókorból. Nézem Goya és Eisenstein munkáit, és elképeszt, hogy tudat alatt olyan motívumokat használok munkáimban, amelyek bennük is megtalálhatók.

A Pictures Generation művészeként kerültél be a művészettörténetbe. Mi motivált, amikor elkezdtél képeket kölcsönözni a médiából? A modernizmus elleni tiltakozás volt?

Ez egy kísérlet volt, hogy ellenálljunk annak a rengeteg képnek, amivel Amerikában körülvesznek bennünket. Annyi kép volt, hogy az emberek elvesztették a valóságérzéküket. Egy olyan generációhoz tartozom, amely televíziózás közben nőtt fel. A tévé volt a bébiszitterem. A művészet tükrözi azt, amiben felnőttünk, ami körülvett minket gyermekkorunkban. Ismered Anselm Kiefert? A háború utáni Németországban nőtt fel, amely romokban hevert. És mindezt látjuk a művészetében. Művészetemben fekete-fehér képeket látunk, amelyek úgy néznek ki, mintha egyenesen a tévéképernyőről jöttek volna ki, amelyen felnőttem.

Mi volt Douglas Crimp kritikus szerepe a legendás Pictures kiállítás megszervezésében 1977-ben, amelyen Sherri Levine-nel, Jack Goldsteinnel és másokkal együtt részt vettél, és utána váltál híressé?

Művészeket gyűjtött. Először találkozott velem és Goldsteinnel, és rájött, hogy valami érdekes történik. És az volt az ötlete, hogy körbeutazza Amerikát, és találjon művészeket, akik ugyanabban az irányban dolgoznak. Sok új nevet fedezett fel. A sors ajándéka volt, hogy ilyen fiatalon rám talált egy nagyszerű értelmiségi, aki írt a munkámról (Douglas Crimp cikke a művészek új generációjáról egy befolyásos amerikai magazinban jelent megoktóber. - E.F.). Fontos volt, hogy szavakba öntse, amit ki akartunk fejezni. Mert művészetet csináltunk, de nem találtuk a szavakat, hogy megmagyarázzuk, amit ábrázolunk.

Gyakran ábrázol apokaliptikus jeleneteket: atomrobbanásokat, tátott szájú cápákat, búvárharcosokat. Mi vonzza a katasztrófa témájában?

A művészetben a katasztrófák ábrázolásának egész iránya van. Számomra erre a műfajra példa Gericault „A Medúza tutaja” című festménye. A katasztrófákon alapuló festményeim olyanok, mint a leszerelési kísérlet. A művészeten keresztül szeretnék megszabadulni a félelem érzésétől, amit ezek a jelenségek generálnak. Talán a legszembetűnőbb munkám ebben a témában a golyójeles alkotás, amelyet a Charlie Hebdo magazin körüli események inspiráltak. Egyrészt nagyon szép, másrészt viszont a kegyetlenség megtestesítője. Számomra ez egy módja annak, hogy kimondjam: „Nem félek tőled! Rám lőhetsz, de én folytatom a munkát! És a pokolba kerülnél!”

Filmeket, videoklipeket készítesz, zenél egy csoportban, képeket festesz. Kinek érzi magát jobban: rendezőnek, művésznek vagy zenésznek?

Művész. Ez a legszabadabb szakma az összes közül. Amikor filmet készítesz, az emberek pénzt fizetnek, és azt hiszik, hogy megmondhatják, mit csinálj.

Nem vagy túl elégedett a filmélményeddel?

Nehéz élményben volt részem a film forgatása közben. « Johnny the Mneonic." Eredetileg egy kis fekete-fehér sci-fi filmet akartam készíteni, de a producerek folyton közbeszóltak. Végül úgy 50-70 százalékban úgy jött ki, ahogy szerettem volna. Volt egy tervem - a film 25. évfordulójára megszerkesztem, fekete-fehérre készítem, újraszerkesztem és felteszem az internetre. Ez lenne az én bosszúm a filmtársaságon!

Részese voltál az 1970-es és 80-as évek művészeti és zenei undergroundjának. Hogyan emlékszik vissza azokra az időkre?

Ahogy öregszel, rájössz, hogy nem a jövőbe lépsz be, hanem a jövő közeledik feléd. A múlt folyamatosan változik a fejünkben. Amikor most az 1970-es és 80-as évek eseményeiről olvasok, azt gondolom, hogy minden teljesen más volt. A múlt nem olyan rózsás, mint amilyennek állítják. Nehézségek is adódtak. Pénz nélkül maradtunk. Borzalmas munkákat dolgoztam, beleértve a taxisofőrt is. És mégis csodálatos időszak volt, amikor a zene és a művészet szorosan összekapcsolódott. És nagyon szerettünk volna valami újat alkotni.

Ha visszamehetnél az időben fiatal korodba, min változtatnál?

Nem drogoznék. Ha most a fiatalabb énemmel beszélnék, azt mondanám, hogy a tudat határainak kitágításához nem stimulánsokra van szükség, hanem aktívan dolgozni. Könnyű fiatalnak lenni, sokkal nehezebb idős korig megélni. És legyen releváns az idődhöz. A pusztítás ötlete fiatalon menőnek tűnhet, de nem az. És most már több mint húsz éve nem ittam és nem szedek stimulánsokat.

Robertet a széles közönség a cyberpunk atyjának, William Gibsonnak a történetén alapuló Johnny Mnemonic című kultikus film rendezőjeként ismeri. De kiváló művész is - és egyszerre két kiállítást nyit a fővárosban. A Garage „Evidence” projektje három szerző – Francisco Goya, Sergei Eisenstein és maga Longo – munkájának szentelődik, akik társkurátorként összekapcsolják ezt a többrétegű történetet. A Triumph galéria pedig a műterméből származó művészek munkáit mutatja be.

GUSZKOV: Robert, a Garázsban Eisenstein, Goya és a te műveid láthatók. Hogyan raktad össze az egészet?

LONGO (nevet): Nos, ezért vannak a múzeumok, hogy különböző dolgokat együtt mutassanak meg. (Komolyan.) A kiállítás ötlete valójában Kate Fowle-tól származik, ő a kurátor. Tudta, hogy ez a két szerző nagy hatással volt rám, mint művészre. Kate és én nem egyszer beszéltünk róluk, megértette, mi történik, és két évvel ezelőtt felajánlotta nekem ezt a történetet.

GUSZKOV: Mi a közös bennetek?

LONGO: Először is mindannyian tanúi vagyunk annak az időnek, amelyben élünk vagy éltünk, és ez nagyon fontos.

GUSZKOV: Egyenrangú résztvevője vagy ennek a történetnek Eisensteinnel és Goyával?

LONGO: Nem, Kate megadta nekem a lehetőséget, hogy befolyásoljam a kiállítást. A művészek általában keveset vesznek részt a projektben: a kurátorok egyszerűen átveszik a műveidet, és megmondják, mit csinálj. Aztán kétszer jöttem Oroszországba, levéltárakat és múzeumi gyűjteményeket tanulmányoztam.

GUSZKOV: Mi a véleményed a "Garage"-ról?

LONGO (csodálatosan): Ez egy nagyon szokatlan hely. Bárcsak lenne ilyesmi az Államokban. Mit csinál Kate Fowle és Dasha a Garázsban (Zsukova. – Interjú), Egyszerűen elképesztő. Ami a kiállítást illeti, Eisensteinnel és Goyával egy fontos közös vonásunk van: a grafika. Eisenstein munkája hihetetlenül szép. Kate segített eljutnom RGALI-ba, ahol a munkáit őrzik. Nagyon hasonlítanak a storyboardokhoz, de elvileg független művek.

„NÉZETLEN (PÜNKÖD)”, 2016.

GUSZKOV: Eisenstein grafikája, akárcsak Goyáé, meglehetősen komor.

LONGO: Igen, többnyire fekete-fehér. A komorság is közös jellemző hármunkra. Vagyis Goya festményein természetesen vannak más színek is, de itt a rézkarcokról van szó. Általában nagyon nehéz kiállításra kikönyörögni a munkáját. Különböző múzeumokban nézelődtünk, de Kate egyik asszisztense megtudta, hogy a Kortárs Orosz Történeti Múzeumban Goya rézkarcainak teljes válogatása található, amelyet 1937-ben a forradalom évfordulója tiszteletére adományoztak a szovjet kormánynak. A legcsodálatosabb az, hogy ez volt az utolsó, eredeti szerzői táblákból készült kiadás. Olyan frissnek tűnnek, mintha tegnap készültek volna.

GUSZKOV: Egyébként a mozi is a kreativitásod része. Eisenstein olyan nagy hatással volt rád, hogy elhatároztad, hogy filmeket készítesz?

LONGO: Teljesen igaza van. Huszonéves koromban láttam először a filmjeit, és feldobták a fejemet. De amerikaiként nehéz volt felfognom a politikai következményeket. Akkoriban nem igazán értettük, hogyan működik a szovjet propaganda. De ezt a szempontot félretéve, maguk a filmek egyszerűen csodálatosak.

GUSZKOV: Eisensteinhez hasonlóan az ön mozijával sem ment minden simán?

LONGO: Igen. Természetesen nem kellett Sztálinnal foglalkoznom, amikor elkészítettem a Johnny Mnemonicot, de azok a hollywoodi seggfejek elrontották a vérem. Minden tőlük telhetőt megpróbáltak tönkretenni a filmet.

GUSZKOV:Átkozott producerek!

LONGO: El tudod képzelni?! Amikor elkezdtem dolgozni a filmen, barátom, Keanu Reeves, aki szerepelt a filmben, még nem volt annyira híres. De aztán megjelent a Speed, és szupersztár lett. És most a film készen áll, és a producerek úgy döntenek, hogy „nyári kasszasiker”-vé teszik. (Felháborodva.) Indítsa el ugyanazon a hétvégén, mint a következő Batman vagy Die Hard. Mit ne mondjak, a költségvetésem 25 millió dollár volt, és ezekben a filmekben egy-egy száz volt. Természetesen a Johnny Mnemonic kasszakudarcot vallott. Ráadásul minél több pénzt fektetnek be egy kasszasiker elkészítésére, annál rosszabb az eredmény. Természetesen gond nélkül kirúghattak volna, de én maradtam, és igyekeztem az eredeti elképzelés 60 százalékát megtartani. És igen, (szünet) Azt akartam, hogy a film fekete-fehér legyen.

GUSZKOV: Kísérleti mozit akartál csinálni, de megakadályoztak. Szabad kezed van a kiállításon?

LONGO: Biztosan. Az az elképzelésem, hogy a művészek úgy rögzítik az időt, mint a riporterek. De itt van a probléma. Például egy barátomnak ötezer kép van az iPhone-ján, és ezt a kötetet nehéz felfogni. Képzeld el: belépsz egy terembe, ahol Eisenstein filmjeit lassítva vetítik. A mozit már nem tekintik egységes egésznek, de láthatja, hogy az egyes képkockák mennyire tökéletesek. Ugyanez Goyával is – több mint 200 rézkarca van. A közönség szeme felcsillant ennyitől, ezért kiválasztottunk néhány tucat olyant, amelyik leginkább megfelelt az én és Eisenstein érzéseinek. Ugyanez a helyzet az én munkáimmal: Kate szigorú válogatást végzett.

GUSZKOV: A populáris kultúra erős hatással volt rád?

LONGO: Igen. 63 éves vagyok, és annak az első generációnak a tagja, aki a televíziózás mellett nőtt fel. Ráadásul diszlexiás voltam, csak harminc éves korom után kezdtem el olvasni. Most sokat olvastam, de akkor inkább képeket néztem. Ez tett engem azzá, aki vagyok. Középiskolás éveim alatt elkezdődtek a vietnami háború elleni tiltakozások. Egy srác, akivel együtt tanultam, meghalt a Kenti Egyetemen 1970-ben, ahol a katonák lelőtték a diákokat. Még mindig emlékszem az újságban lévő fotóra. Feleségem, a német színésznő, Barbara Sukowa nagyon megijedt, amikor megtudta, mennyire megragadtak a fejemben ezek a képek.

GUSZKOV: Hogyan jutottál el a grafikához?

LONGO: Fontos számomra, hogy a munka, több hónapos munka belekerüljön a munkáimba, ne csak egy gombnyomás. Az emberek nem értik meg azonnal, hogy ez nem fénykép.

GUSZKOV: Eisenstein számára rajzai, akárcsak filmjei, terápiaként szolgáltak a neurózisokkal és fóbiákkal való megbirkózásra, valamint a vágyak megfékezésére. És neked?

LONGO: Azt hiszem, igen. Egyes népeknél és törzseknél a sámánok hasonló dolgokat csinálnak. Én ezt így értem: az ember megőrül, bezárkózik az otthonába, és elkezd tárgyakat alkotni. Aztán kimegy és művészetet mutat meg azoknak, akik szintén szenvednek, és jobban érzik magukat. A művészeten keresztül a művészek önmagukat gyógyítják, a melléktermék pedig mások segítése. Ez persze hülyén hangzik (nevet), de nekem úgy tűnik, hogy modern gyógyítók vagyunk.

GUSZKOV: Vagy prédikátorok.

LONGO:És a művészet az én vallásom, hiszek benne. Legalább nem ölnek meg embereket a nevében.

(Angol) Robert Longo, R. 1953) egy kortárs amerikai művész, aki különféle műfajokban végzett munkáiról ismert.

Életrajz

Robert Longo 1953. január 7-én született Brooklynban (New York, USA). Az Észak-Texasi Egyetemen (Denton) tanult, de otthagyta. Később Leonda Finke vezetésével szobrászatot tanult. 1972-ben ösztöndíjat kapott, hogy a Firenzei Képzőművészeti Akadémián tanuljon, és Olaszországba távozott. Miután visszatért az Egyesült Államokba, a Buffalo State College-ba járt, ahol 1975-ben szerzett bachelor diplomát. Ugyanebben az időben találkozott Cindy Sherman fotóssal.

A 70-es évek végén Robert Longo érdeklődni kezdett az előadások szervezése iránt (például Sound Distance of a Good Man). Az ilyen munkákhoz általában egy fotó- és videósorozat készítése társult, amelyeket aztán önálló alkotásként, installáció részeként mutattak be. Ugyanakkor Longo számos New York-i punk rock bandában játszott, sőt társalapítója volt a Hallwalls galériának is. 1979-81-ben a művész a „People in Cities” grafikai munkák sorozatán is dolgozott.

1987-ben Longo konceptuális szobrokat mutatott be Object Ghosts néven. A sorozat alkotásai kísérletek a sci-fi filmek tárgyainak újragondolására és stilizálására (például „Nostromo” – ez volt a hajó neve az Alien című filmben). Hasonló (de a forgatáson használt valódi kellékekkel megvalósított) ötlet Budor Dóra munkájában is megtalálható.

1988-ban Longo elkezdett dolgozni a Black Flag sorozaton. A sorozat első alkotása egy grafitra festett amerikai zászló volt, amely vizuálisan hasonlít egy festett fadobozhoz. A későbbi alkotások az Egyesült Államok zászlójának bronzból készült szoborképei voltak, amelyek mindegyikét egy-egy cím-aláírás kísérte (például „add vissza a szenvedésünket” - „add vissza a szenvedésünket”).

A 80-as évek végén Robert Longo rövidfilmeket is kezdett készíteni (például Arena Brains - "Smart Guys in the Arena", 1987). 1995-ben Longo rendezőként szerepelt a Johnny Mnemonic című tudományos-fantasztikus filmben. A filmet a cyberpunk műfaj kultuszfilmjeként tartják számon. A főszerepet Keanu Reeves játszotta.

A 90-es és 2000-es években Robert Longo folytatta hiperrealisztikus képeinek készítését. A Szuperhősök (1998) vagy az Ophelia (2002) sorozat alkotásai fényképeknek vagy szobroknak tűnnek, de tusfestmények. Az Erkély (2008-09) és a Rejtélyek (2009) sorozat festményei szénnel készültek.

2010-ben Robert Longo fotósorozatot készített „People in Cities” stílusban az olasz Bottega Veneta márka számára.

A 2016-17 A Garázs Kortárs Művészeti Múzeumban rendezték meg a „Testimones” című kiállítást, amelyen Robert Longo néhány alkotását mutatták be a nagyközönségnek.

Robert Longo jelenleg az Egyesült Államokban, New Yorkban él. 1994 óta házas Barbara Sukowa német színésznővel. A párnak három gyermeke van.

Pilóták, cápák, szexi lányok, táncosok, az óceán, lenyűgöző robbanások – ezt ábrázolja Robert Longo New York-i művész. Illusztrációi rendkívül mélyek, misztikusak, erőteljesek és vonzóak. Talán ez a hatás a fekete-fehér képnek köszönhető, amelyet a szerző gondosan festett szénnel.

Robert Longo 1953-ban született a New York állambeli Brooklynban. A művész, ha önmagáról beszél, soha nem felejti el megemlíteni, hogy szereti a mozit, a képregényeket, a magazinokat, és van gyengesége a televíziózáshoz, amelyek jelentős hatással vannak munkásságára. Robert Longo a legtöbb témát festményeihez abból meríti, amit korábban látott és olvasott. A szerző mindig is szeretett rajzolni, és bár szobrász szakon végzett, ez nem akadályozza meg abban, hogy azt csinálja, amit szeret, hanem éppen ellenkezőleg. A művész néhány rajza nagyon emlékeztet a szobrokra, szereti a kéz alól kibújó körvonalakat. Ebben van egy bizonyos erő.

Robert Longo festményeiből jelentős kiállításokat rendeznek a Los Angeles-i Művészeti Múzeumban, valamint a Chicagói Kortárs Művészeti Múzeumban.