A reneszánsz üzenet zenei kultúrája. Reneszánsz

Küldje el a jó munkát a tudásbázis egyszerű. Használja az alábbi űrlapot

Diákok, végzős hallgatók, fiatal tudósok, akik a tudásbázist tanulmányaikban és munkájukban használják, nagyon hálásak lesznek Önnek.

Közzétéve: http://www.allbest.ru/

Bevezetés

1.2 Franciaország

1.3 Olaszország

1.3.2 Velencei iskola

1.4 Anglia

1.5 Németország

1.6 Spanyolország

2. Zenei esztétika

2.4 Meistersingers és művészetük

Következtetés

Bibliográfia

Bevezetés

A reneszánsz, vagy a reneszánsz (francia renaissance) fordulópont az európai népek kultúrtörténetében. A reneszánsz meghatározó világnézete a középkori teocentrizmussal (az Isten abszolút, tökéletes, legmagasabb lény, minden élet és minden jó forrásaként való felfogáson alapuló filozófiai felfogás) és az aszkézissel szemben humanizmus lett (a latin humanus szóból). - „ember”, „humánus”). Előtérbe került az emberi személyiség egyéni értéke, megnőtt az érdeklődés a környező világ megértése és a valóság reális tükrözése iránt. A humanisták az ókorban a harmonikus ember eszményét keresték, az ókori görög és római művészet pedig a művészi kreativitás mintájaként szolgált számukra. Az ókori kultúra „újraélesztésének” vágya adta a nevét ennek a korszaknak, a középkor és az újkor közötti időszaknak (a 17. század közepétől napjainkig).

A 15. század első felét a zenei reneszánsz kezdeteként jellemzik. Ekkor alakult ki a reneszánsz harmónia- és szépségeszmény, az úgynevezett szigorú stílus normái. A reneszánsz zene fő eszméi és kritériumai a többi művészettől eltérően nem az ókor eszményei voltak, hiszen az ókori Görögország és az ókori Róma zenei lejegyzései a 13-16. még nem sikerült teljesen megfejteni és elemezni. Ezért a korszak zenei alkotásainak alapját leggyakrabban az ókor költői és irodalmi alkotásai képezték. Például a 16. század végére. operaművek tartalmazták az ókor kánonjait. A zenében, akárcsak a művészet más formáiban, egyre nagyobb a tendencia a világ sokszínűségének ábrázolására, és a sokszínűség gondolata az egész összes elemének harmóniájára és arányosságára való törekvéssel párosul. A zene társadalmi státuszának újragondolása zajlik - kialakul a demokratikus közvélemény, terjed az amatőr zenélés - nemcsak neves zeneszerzők darabjainak előadása, hanem személyes kompozíciói is. Így a reneszánsz korában teremtődött meg az előfeltétele a mindennapi és szakmai világi zenei kreativitás virágzásának, amelyet életigenlés, életöröm, humanizmus és ragyogó képek jellemeztek.

Ezzel párhuzamosan a zenei írásban is változások következtek be: a nehéz fa nyomótömböket az olasz Ottaviano Petrucci által feltalált mozgatható fémtípusok váltották fel. A megjelent zeneművek gyorsan elfogytak, és egyre többen kezdtek zenélni.

Ennek az időszaknak a zenei alkotásait nagy dallamosság, dallamosság jellemezte, amely a népzenében velejárója volt; bizonyos számú dalt anyanyelvükön írtak, és nem latinul.

A zene fő jellemzői a dallam és egy bizonyos ritmus volt, amelyeket a középkorhoz képest nagyobb rugalmasság és kifejezésmód jellemez. A többszólamúság megjelenését elsősorban az magyarázta, hogy a zenész, zeneszerző, előadóművész, énekes zenei cselekvési szabadsággal rendelkezett, kifejezte lelkét, érzelmi hangulatát, és joga volt értelmezni, saját érzései szerint variációkat előállítani, ill. belső állapot a dalokban.

Ebben a korszakban nagy jelentősége volt a dúr mód azonosításának és jóváhagyásának (a moll módhoz képest könnyedebb, örömteli, hívogató - szomorú, nyugodt, gyászos), különösen a XV-XVI.

Különleges fejlődést kapott a lantkísérettel vagy többszólamúan előadott dal.

A reneszánsz korában fejlődött ki a hangszeres zene. Gyakran különböző hangszereket kombináltak egy témában. Ugyanakkor megőrizték és továbbfejlesztették a táncformákat, dallamokat, amelyeket szvitekbe vontak össze. Megjelentek az első hangszeres művek, látszólag önálló jellegűek, variációk, előjátékok, fantáziák.

Az építészethez, a szobrászathoz, a festészethez hasonlóan a reneszánsz zeneművészet is világi jellegével, a XIV-XVI. nemzeti zeneiskolák megalakulására utal.

1. A reneszánsz zenei kultúrája

A reneszánsz művészeti kultúrája a tudományon alapuló személyes kezdet. A 15-16. századi polifonisták szokatlanul összetett képessége, virtuóz technikája együtt élt a hétköznapi táncok briliáns művészetével és a világi műfajok kifinomultságával. A lírai-dramatizmus egyre inkább kifejezésre jut műveiben. Emellett világosabban feltárják a szerző személyiségét és a művész alkotó egyéniségét (ez nem csak a zeneművészetre jellemző), ami lehetővé teszi, hogy a humanizálásról, mint a reneszánsz művészet vezérelvéről beszéljünk. Ugyanakkor az egyházzene, amelyet olyan nagy műfajok képviselnek, mint a mise és a motetta, bizonyos mértékig folytatja a „gótikus” vonalat a reneszánsz művészetében, amelynek célja elsősorban egy már létező kánon, ill. ezen keresztül dicsőítve az Isteniséget.

A 15. századra formálódott a „szigorú írás” úgynevezett polifóniája, amelynek szabályait (a hangvezetés, formálás normái stb.) az akkori elméleti értekezések rögzítették, és az alkotás megmásíthatatlan törvényei voltak. az egyházi zenéről. A zeneszerzők miséiket kölcsönzött dallamok (gregorián ének és más kánoni források, valamint népzene) fő témája - az úgynevezett cantus firmus - felhasználásával komponálták meg, miközben nagy jelentőséget tulajdonítottak a többszólamú írás technikájának és az összetett, olykor kifinomult ellenpontozásnak. Ezzel párhuzamosan a kialakult normák felfrissülése és leküzdése folyamatos volt, így a világi műfajok fokozatosan egyre nagyobb jelentőséget kaptak.

A reneszánsz korszak tehát, mint látható, a zenei művészet fejlődéstörténetének összetett időszaka, ezért indokoltnak tűnik részletesebben is megvizsgálni, az egyének és országok megfelelő figyelembevétele mellett.

1.1 Holland polifonikus iskola

Hollandia egy történelmi régió Északnyugat-Európában (területük a mai Északkelet-Franciaország, Délnyugat-Hollandia, Belgium, Luxemburg területére terjedt ki). A 15. századra Hollandia magas gazdasági és kulturális szintet ért el, és virágzó európai országgá vált kiterjedt kereskedelmi kapcsolatokkal. Az ország gazdasági fejlődésének intenzitását a tudomány, a kultúra és a művészetek felvirágzása is okozta Hollandiában. A festészet ragyogó eredményei mellett a zene óriási sikereket ért el. A professzionális zeneszerzés Hollandiában a hosszú, gazdag hagyományokkal rendelkező folklórral szoros kapcsolatban alakult ki. Itt alakult ki a holland polifonikus iskola - a reneszánsz zene egyik legnagyobb jelensége. A holland polifónia eredete az angol, francia, német és olasz dalírásban keresendő. Ugyanakkor a hollandok általánosították számos nemzeti iskola tapasztalatait, és létrehoztak egy eredeti vokális-kórus többszólamú stílust, amely a szigorú írásmód fejlődésének fontos állomása lett. Itt találták fel az utánzást - egy dallam ismétlését egyik hangon közvetlenül a másik után. (Később, Bach korában az utánzás képezte a polifónia legmagasabb formájának fúgájának alapját.) Hollandia mesterien alkalmazta az imitációt a 15. és 16. századi kánonokban. Az ilyen kánonok létrehozásának művészetében a holland virtuózok sok találékonyságot és technikai találékonyságot mutattak. A zeneszerző ezt írta a hangjegyekbe: „Kiálts szüntelenül!” Ez azt jelentette, hogy a darabot minden szünet kihagyása nélkül lehetett előadni. „Fordítsd az éjszakát nappallá” – az előadóknak rá kell jönniük, hogy a fekete hangjegyek fehérként is olvashatók, és fordítva. A darab pedig egyformán jól fog szólni normál felvételen és átalakított felvételen is. Ockeghem zeneszerző komponálta a 36 szólamú kánont, egy négy kilencszólamú kánonból álló zenei felhőkarcolót.

A holland iskola kiemelkedő képviselője és egyik alapítója Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (1400 körül - 1474. 11. 27.), francia-flamand zeneszerző. Ő volt az, aki lefektette a többszólamú hagyomány alapjait a holland zenében (kb. 1400-1474). Guillaume Dufay a flandriai Cambrai városában (egy tartomány Dél-Hollandiában) született, és gyermekkora óta egy templomi kórusban énekelt. Ugyanakkor a leendő zenész magán zeneszerzési órákat vett. Fiatal korában Dufay Olaszországba ment, ahol megírta első kompozícióit - balladákat és motettákat. 1428-1437-ben énekesként szolgált a római pápai kápolnában; Ugyanebben az évben beutazta Olaszországot és Franciaországot. A zeneszerzőt 1437-ben szentelték fel. Savoyai herceg udvarában (1437-1439) szertartásokra és ünnepekre komponált zenét. Dufay nagy tiszteletnek örvendett a nemesek részéről - tisztelői között volt például a Medici házaspár (az olasz Firenze város uralkodói). 1445 óta kanonok és zenei tevékenységek igazgatója a cambrai-i katedrálisban. A szakrális (3-, 4-szólamú misék, motetták), valamint a világi mestere

(3-, 4-szólamú francia sanzonok, olasz dalok, balladák, rondók) a népi többszólamúsághoz és a reneszánsz humanista kultúrájához kötődő műfajok. Dufay művészete, amely magába szívta az európai zeneművészet vívmányait, nagy hatással volt az európai többszólamú zene további fejlődésére. A kottaírás megújítója is volt (Dufay nevéhez fűződik a fehér fejű hangjegyek bevezetése). Dufay teljes műveit Rómában adták ki (6 köt., 1951-66). Dufay volt az első zeneszerző, aki elkezdte komponálni a misét teljes zenei kompozícióként. Az egyházi zene létrehozásához rendkívüli tehetségre van szükség: az elvont, megfoghatatlan fogalmak konkrét, anyagi eszközökkel történő kifejezésére. A nehézség az, hogy egy ilyen kompozíció egyrészt nem hagyja közömbösen a hallgatót, másrészt nem vonja el a figyelmét a szolgálatról, és segít jobban koncentrálni az imára. Dufay sok miséje ihletett, tele van belső élettel; úgy tűnik, egy pillanatra segítenek fellebbenteni az isteni kinyilatkoztatás fátylát.

A mise létrehozásakor Dufay gyakran vett egy jól ismert dallamot, amelyhez hozzáadta a sajátját. Az ilyen kölcsönzések a reneszánszra jellemzőek. Nagyon fontosnak tartották, hogy a mise olyan ismert dallamra épüljön, amelyet a hívek egy többszólamú műben is könnyen felismerhetnek. Gyakran használták a gregorián ének töredékét; Nem voltak kizárva a világi munkák sem. Az egyházi zene mellett Dufay motettákat komponált világi szövegek alapján. Ezekben összetett többszólamú technikákat is alkalmazott.

A 15. század második felének holland polifonikus iskolájának képviselője. Ott volt Josquin Despres (kb. 1440-1521 vagy 1524), aki nagy hatással volt a következő generáció zeneszerzőinek munkásságára. Fiatal korában templomi kórusvezetőként szolgált Cambraiban, és zeneleckéket vett Okegemben. A fiatal zenész húszévesen Olaszországba érkezett, Milánóban a Sforza hercegekkel és a római pápai kápolnában énekelt. Despres valószínűleg Olaszországban kezdett zenét komponálni. A 16. század legelején. Párizsba költözött. Despres ekkor már híres volt, és XII. Lajos francia király hívta meg udvari zenésznek. 1503 óta Despres ismét Olaszországban telepedett le, Ferrara városában, a herceg udvarában.

d "Este. Despres sokat komponált, és zenéje hamar elismerést váltott ki a legszélesebb körökben: a nemesség és a köznép is megszerette. A zeneszerző nemcsak egyházi, hanem világi műveket is alkotott. Különösen megfordult. az olasz népdal műfajába - frottola (olasz frottola, frottából - „tömeg”), amelyet táncritmus és gyors tempó jellemez, Despres világi művek jegyeit vitte be az egyházzenébe: a friss, élénk intonáció megtörte a szigorú elhatárolódást. és felidézte a lét örömét és teljességét. A zeneszerző azonban soha nem volt kifinomultan egyszerű, de a szerző erőteljes intellektusa alkotásai népszerűségének titka.

Guillaume Dufay fiatalabb kortársai Johannes (Jean) Okeghem (körülbelül 1425-1497) és Jacob Obrecht voltak. Dufayhoz hasonlóan Okegem is Flandriából származott. Egész életében keményen dolgozott; A zeneszerzés mellett a kápolna vezetőjeként tevékenykedett. A zeneszerző tizenöt misét, tizenhárom motettát és több mint húsz sanzont alkotott. Okegöm műveit szigorúság, koncentráltság, sima dallamvonalak hosszú fejlődése jellemzi. Nagy figyelmet szentelt a többszólamú technikának, törekedett arra, hogy a mise minden részét egységes egészként fogjuk fel. A zeneszerző alkotói stílusa is kivehető dalaiban - szinte nélkülözik a világi könnyedséget, karakterükben inkább motettákra, olykor tömegtöredékekre emlékeztetnek. Johannes Okegemet hazájában és külföldön is tisztelték (a francia király tanácsadójává nevezték ki). Jacob Obrecht Hollandia különböző városainak katedrálisaiban volt kórusvezető, és kápolnákat vezetett; Több évig szolgált Duke d'Este udvarában, Ferrarában (Olaszország). a többszólamú hagyomány zenéje kontrasztokkal teli, merész, még akkor is, ha a zeneszerző a hagyományos egyházi műfajok felé fordul.

Orlando Lasso kreativitásának sokoldalúsága és mélysége. A holland reneszánsz zene története Orlando Lasso (valódi nevén Roland de Lasso, 1532-1594 körül) munkásságával zárul, akit kortársai a „belga Orpheus”-nak és a „zene hercegének” neveztek. Lasso Monsban (Flandria) született. Gyermekkorától kezdve a templom kórusában énekelt, csodálatos plébánosok csodálatos hangjával. Gonzaga, az olasz Mantua város hercege véletlenül meghallotta a fiatal énekest, és meghívta saját kápolnájába. Mantua után Lasso rövid ideig Nápolyban dolgozott, majd Rómába költözött - ott kapott az egyik katedrális kápolnájának igazgatói posztját. Lasso huszonöt évesen már zeneszerzőként ismert volt, műveire keresettek voltak a zenei kiadók. 1555-ben jelent meg az első műgyűjtemény, amely motettákat, madrigálokat és sanzonokat tartalmazott. Lasso minden elődei (holland, francia, német és olasz zeneszerző) által alkotott legjavát tanulmányozta, tapasztalataikat felhasználta munkáiban. Lasso rendkívüli ember lévén igyekezett legyőzni az egyházzene elvont természetét, és egyéniséget adni neki. Ennek érdekében a zeneszerző időnként műfaji és hétköznapi motívumokat is felhasznált (népdalok, táncok témái), így összehozva az egyházi és a világi hagyományokat. Lasso ötvözte a többszólamú technika összetettségét nagy érzelmességgel. Különösen sikeres volt a madrigálokban, amelyek szövegei a szereplők lelki állapotát tárták fel, például a „Szent Péter könnyei” (1593) Luigi Tranzillo olasz költő versei alapján A zeneszerző gyakran írt nagy számra hangok (öttől hétig), így műveit nehéz előadni. 1556 óta Orlando Lasso Münchenben (Németország) élt, ahol a kápolnát vezette. Élete végére tekintélye a zenei és művészeti körökben igen magas volt , és híre Európa-szerte elterjedt.

A holland polifonikus iskola nagy hatással volt az európai zenei kultúra fejlődésére. A holland zeneszerzők által kidolgozott polifónia elvei egyetemessé váltak, és már a 20. században számos művészi technikát alkalmaztak a zeneszerzők munkáik során.

1.2 Franciaország

Franciaország számára a 15-16. század fontos változások korszaka lett: a 15. század végére véget ért az Angliával vívott százéves háború (1337-1453). az államegyesítés befejeződött; században az ország vallásháborúkat élt át katolikusok és protestánsok között. Egy erős államban, abszolút monarchiával megnőtt az udvari ünnepségek és a nyilvános ünnepségek szerepe. Ez hozzájárult a művészet, különösen az ilyen eseményeket kísérő zene fejlődéséhez. Bővült a jelentős számú előadóból álló ének- és hangszeregyüttesek (kápolnák és konzorciumok) száma. Az olaszországi hadjáratok során a franciák megismerkedtek az olasz kultúra vívmányaival. Mélyen átérezték és elfogadták az olasz reneszánsz eszméit - a humanizmust, a harmónia vágyát a környező világgal, az élet élvezetét.

Ha Olaszországban a zenei reneszánsz elsősorban a miséhez kapcsolódott, akkor a francia zeneszerzők az egyházi zenével együtt különös figyelmet fordítottak a világi többszólamú dalra - sanzonra. Franciaországban a 16. század első felében kelt fel iránta az érdeklődés, amikor megjelent Clément Janequin (kb. 1485-1558) zenés darabjaiból. Ezt a zeneszerzőt a műfaj egyik alkotójának tartják.

Gyerekként Janequin egy templomi kórusban énekelt szülővárosában, Chatellerault-ban (Közép-Franciaország). Ezt követően, amint azt a zenetörténészek javasolják, a holland mesternél, Josquin Despresnél vagy a köréből származó zeneszerzőnél tanult. A papság megszerzése után Janequin régensként (kórusvezető) és orgonistaként dolgozott; majd Guise hercege meghívta szolgálatra. 1555-ben a zenész a királyi kápolna énekese lett, 1556-1557-ben. - királyi udvari zeneszerző.

Clément Janequin kétszáznyolcvan sanzont készített (1530 és 1572 között jelent meg); egyházzenét írt - miséket, motettákat, zsoltárokat. Dalai gyakran figuratív jellegűek voltak. A hallgató szeme előtt csaták ("Marignánói csata", "Rentai csata"), vadászjelenetek ("Vadászat"), természetképek ("Madárdal", "Női csata"), hétköznapi jelenetek ("Női csata") jelennek meg a hallgató szeme előtt. Csevegés"). A zeneszerzőnek elképesztő tisztasággal sikerült átadnia a párizsi mindennapok hangulatát a „Cries of Paris” sanzonban: az eladók felkiáltásait vezette be a szövegbe. Janequin szinte nem használt hosszú és sima témákat az egyéni hangokhoz és az összetett többszólamú technikákhoz, inkább a névsort, az ismétléseket és a névszót részesítette előnyben.

A francia zene másik iránya a páneurópai reformációs mozgalomhoz kötődik. Az istentiszteletek során a francia protestánsok (hugenóták) felhagytak a latin nyelvvel és a többszólamúsággal. A szakrális zene nyitottabb, demokratikusabb karaktert kapott. Ennek a zenei hagyománynak az egyik legfényesebb képviselője Claude Gudimel (1514 és 1520-1572 között), a bibliai szövegekre és protestáns korálokra épülő zsoltárok szerzője.

A francia reneszánsz egyik fő zenei műfaja a sanzon (francia sanzon - „dal”). Eredete a népművészetben (az epikus mesék rímes versei megzenésítve), a középkori trubadúrok és trouvérek művészetében keresendő. Tartalmilag és hangulatilag a sanzon nagyon sokrétű lehetett - voltak szerelmes dalok, hétköznapi dalok, humoros dalok, szatirikus dalok stb. A zeneszerzők a népköltészetet és a modern költészetet vették szövegként.

1.3 Olaszország

A reneszánsz eljövetelével elterjedt Itáliában a különféle hangszereken való mindennapi zene; zenekedvelők körei alakultak ki. A zenei és társadalmi élet új formái jelennek meg - zeneakadémiák és új típusú professzionális zenei oktatási intézmények - konzervatóriumok. Szakmai téren a két legerősebb iskola alakult ki: a római és a velencei.

A 16. században a zenenyomtatás először 1501-ben terjedt el, a velencei nyomdász, Ottaviano Petrucci kiadta a Harmonice Musices Odhecatont, a világi zene első nagy gyűjteményét. Ez forradalom volt a zene elterjedésében, és hozzájárult ahhoz is, hogy a következő évszázadban a francia-flamand stílus Európa meghatározó zenei nyelvévé váljon, mivel Petrucci olasz lévén elsősorban francia-flamand zeneszerzők zenéjét foglalta gyűjteményébe. . Ezt követően számos világi és szakrális művét adott ki olasz zeneszerzőktől.

A reneszánsz idején megnőtt a világi műfajok szerepe. A XIV században. a madrigál megjelent az olasz zenében (a latin matricale - „anyanyelvű dal”). Népi (pásztor)dalok alapján alakult. A madrigálok két- vagy háromszólamú dalok voltak, gyakran hangszeres kíséret nélkül. A Madrigal elérte fejlődésének csúcsát, és a korszak legnépszerűbb zenei műfajává vált. A Trecento korábbi és egyszerűbb madrigáljaitól eltérően a reneszánsz madrigálokat több (4-6) hangra írták, gyakran külföldiek, akik befolyásos északi családok udvarában szolgáltak. A madrigalisták magas művészet létrehozására törekedtek, gyakran felhasználva a késő középkor nagy olasz költőinek, Francesco Petrarchának, Giovanni Boccaccionak és másoknak átdolgozott költészetét. A madrigál legjellemzőbb vonása a szigorú szerkezeti kánonok hiánya volt, a fő elv a gondolatok és érzések szabad kifejezése volt.

Olyan zeneszerzők, mint a velencei iskola képviselője Cipriano de Rore és a francia-flamand iskola képviselője, Roland de Lassus (Orlando di Lasso) - olasz alkotói életük időszakában kísérleteztek a kromatizmus, a harmónia, a ritmus, a textúra, ill. a zenei kifejezőkészség egyéb eszközei. Tapasztalatuk tovább folytatódik, és Carlo Gesualdo manierista idejében csúcsosodik ki. A 15. században a zeneszerzők szinte nem is fordultak ehhez a műfajhoz; az iránta való érdeklődés csak a 16. században éledt fel. A 16. századi madrigál jellegzetessége a zene és a költészet szoros kapcsolata. A zene rugalmasan követte a szöveget, és a költői forrásban leírt eseményeket tükrözte. Idővel egyedi dallamszimbólumok alakultak ki, amelyek gyengéd sóhajokat, könnyeket stb. jeleztek. Egyes zeneszerzők műveiben a szimbolika filozófiai volt, például Gesualdo di Venosa „Haldoklom, szerencsétlen” című madrigáljában (1611). A műfaj a 16-17. század fordulóján virágzott. Néha egy dal előadásával egyidejűleg a cselekményét is eljátszották. A madrigál lett az alapja a madrigál-vígjátéknak (vígjáték szövegére épülő kóruskompozíció), amely előkészítette az opera megjelenését.

1.3.1 Római többszólamú iskola

Giovanni de Palestrina (1525-1594). A római iskola vezetője Giovanni Pierluigi da Palestrina volt, a reneszánsz egyik legnagyobb zeneszerzője. Az olaszországi Palestrina városában született, innen kapta vezetéknevét is. Palestrina gyermekkora óta a templomi kórusban énekelt, majd felnőtt kora után meghívták a római Szent Péter-bazilika karnagyi (kórusvezetői) posztjára; később a Sixtus-kápolnában (a pápa udvari kápolnájában) szolgált.

Róma, a katolicizmus központja sok vezető zenészt vonzott. Különböző időpontokban itt dolgoztak a holland mesterpolifonikusok, Guillaume Dufay és Josquin Despres. Fejlesztett kompozíciós technikájuk olykor megnehezítette az istentisztelet szövegének érzékelését: a hangok kifinomult összefonódása mögött elveszett, a szavak pedig tulajdonképpen nem is hallhatók. Ezért az egyházi hatóságok óvakodtak az ilyen művektől, és a gregorián énekeken alapuló monofónia visszatérését szorgalmazták. A többszólamúság megengedhetőségének kérdése az egyházzenében még a Katolikus Egyház Tridenti Zsinatán is szóba került (1545-1563). A pápához közel álló Palestrina meggyőzte az egyházi vezetőket arról, hogy olyan műveket hozhatnak létre, amelyekben a kompozíciós technika nem akadályozza a szöveg megértését. Ennek bizonyítékaként megkomponálta a "Marcelló pápa miséjét" (1555), amely egyesíti a bonyolult többszólamúságot minden egyes szó tiszta és kifejező hangzásával. Így a zenész „megmentette” a professzionális többszólamú zenét az egyházi hatóságok üldöztetésétől. 1577-ben a zeneszerzőt felkérték, hogy megvitassák a katolikus egyház szent himnuszainak gyűjteménye, a fokozatos reform reformját. A 80-as években Palestrina szent parancsokat vett fel, és 1584-ben tagja lett a Zenemesterek Társaságának, a zenészegyesületnek, amely közvetlenül a pápának számolt be.

Palestrina munkásságát fényes világkép hatja át. Az általa megalkotott alkotások legnagyobb szaktudásukkal és mennyiségükkel is lenyűgözték kortársait (több mint száz mise, háromszáz motetta, száz madrigál). A zene összetettsége soha nem akadályozta érzékelését. A zeneszerző tudta, hogyan kell megtalálni a középutat kompozíciói kifinomultsága és a hallgató számára hozzáférhetősége között. Palestrina fő alkotói feladatának egy koherens, nagyméretű munka kidolgozását tekintette. Kántjaiban minden egyes szólam önállóan fejlődik, ugyanakkor a többivel egy egészet alkot, és gyakran a szólamok markáns akkordkombinációit alkotják. Gyakran úgy tűnik, hogy a felső hang dallama a többi fölött lebeg, a többszólamúság „kupoláját” vázolva; Minden hangot simaság és fejlettség különböztet meg.

A zenészek következő generációja példaértékűnek és klasszikusnak tartotta Giovanni da Palestrina művészetét. Műveiből a 19-8. század számos kiemelkedő zeneszerzője tanult.

1.3.2 Velencei iskola

A reneszánsz zene másik iránya a velencei iskola zeneszerzőinek munkásságához kötődik, melynek alapítója Adrian Willart volt (kb. 1485-1562). Tanítványai Andrea Gabrieli orgonaművész és zeneszerző (1500 és 1520 között - 1586 után), Cyprian de Pope (1515 vagy 1516-1565) zeneszerző és más zenészek voltak. Míg Palestrina műveit letisztultság és szigorú visszafogottság jellemzi, Willaert és követői buja kórusstílust alakítottak ki. A térhatású hangzás és a hangszínjáték elérése érdekében a kompozíciókban több kórust használtak, amelyek a templom különböző helyein helyezkedtek el. A kórusok közötti névsorsolás lehetővé tette a templomtér soha nem látott hatásokkal való megtöltését. Ez a szemlélet a korszak egészének humanista eszméit tükrözte - vidámságával, szabadságával és magával a velencei művészeti hagyományokkal - minden fényes és szokatlan iránti vágyával. A velencei mesterek munkásságában a zenei nyelv is összetettebbé vált: merész akkord-kombinációkkal és váratlan harmóniákkal telt meg.

A reneszánsz kiemelkedő alakja volt Carlo Gesualdo di Venosa (kb. 1560-1613), Venosa város hercege, a világi madrigálok egyik legnagyobb mestere. Emberbarátként, lantosként és zeneszerzőként szerzett hírnevet. Gesualdo herceg barátságban volt Torquato Tasso olasz költővel; Maradt néhány érdekes levél, amelyben mindkét művész az irodalom, a zene és a képzőművészet kérdéseiről tárgyal. Gesualdo di Venosa Tasso számos versét megzenésítette – így jelent meg számos rendkívül művészi madrigál. A zeneszerző a késő reneszánsz képviselőjeként egy új típusú madrigált fejlesztett ki, ahol a viharos és kiszámíthatatlan érzések kerültek előtérbe. Ezért műveit hangerő-változások, sóhajokhoz, sőt zokogáshoz hasonló intonációk, éles hangzású akkordok, kontrasztos tempóváltások jellemzik. Ezek a technikák kifejező, kissé bizarr karaktert adtak Gesualdo zenéjének, ami lenyűgözte és egyben vonzotta kortársait. Gesualdo di Venosa hagyatéka hét többszólamú madrigál gyűjteményből áll; A lelki művek közül - "Szent himnuszok". Zenéje ma sem hagyja közömbösen a hallgatót.

1.4 Anglia

Anglia kulturális élete a reneszánsz idején szorosan összefüggött a reformációval. A 16. században a protestantizmus terjedt el az országban. A katolikus egyház elvesztette uralkodó pozícióját, az anglikán egyház államegyház lett, amely nem volt hajlandó elismerni a katolicizmus egyes dogmáit (alapvető rendelkezéseit); A kolostorok többsége megszűnt. Ezek az események hatással voltak az angol kultúrára, beleértve a zenét is.

A reneszánsz angol zeneművészete a 15. század első felében ragyogóan megnyilvánult, felmutatva John Dunstable egyedülálló alkotói egyéniségét, aki erős benyomást tett a kontinensre. Dunstable munkássága fontos kapocs a középkor zenéje és a reneszánsz többszólamúsága között. Műveinek általánosan elfogadott történelmi szerepét a többszólamúság nyugat-európai fejlődésében a Dunstable által örökölt és továbbfejlesztett (a középkori Angliában kialakult) jelentős polifónia hagyomány is meghatározta. Rajta kívül a 15. században számos angol zeneszerző nevét ismerték, akik motettákat, miserészeket, olykor sanzonokat, balladákat készítettek. Egy részük a kontinensen dolgozott, néhányuk a burgundi herceg kápolnájának része volt. Ezek közül Lionel Power birtokolja az egyik első misét Angliában – Dunstable miséjével együtt. Kortársaik J. Bedingham, Forest, J. Benet, R. Morton voltak. A 15. század második felében J. Banaster, W. Lambe, R. Davi és W. Fry játszottak. Többségük kápolnák énekese volt, és sok egyházi zenét írtak. Mind a fő műfajok megválasztásában, mind a többszólamú elsajátítás következetes fejlesztésében nagyrészt egybeestek a holland iskolával, amely viszont kezdetben sokat köszönhet Dunstable stíluspéldájának.

A 16. században Anglia zeneművészete jelentős változatosságot ért el. A katolikus zene hagyományos formái és a latin szövegek spirituális motettái mellett már a század közepétől születtek egyszólamú angol zsoltárok is – ez a reformáció jellegzetes jelensége. Érdekes, hogy ugyanaz a John Merbeck (kb. 1510-1585), aki a winchesteri püspök szolgálatában miséket és latin motettákat készített, 1549-ben adta ki az első angol szövegekre épülő zsoltárgyűjteményt. Vele a század első felében ott voltak az angol polifonisták, a nagyformák szerzői John Taverner, John Redford, Nicolae Ludford; Christopher Tye, Thomas Tallis és Robert White kreatív élete valamivel tovább tartott.

Ugyanakkor az új korszak humanista alapjai a 16. századi Angliában a világi zeneművészet első virágzásához vezettek mind énekes, mind hangszeres formában. Az angol zeneszerzők új generációi, akik a 16. század utolsó negyedében jelentek meg és a 17. század első évtizedeit örökítették meg, létrehozták az angol madrigalisták iskoláját. És megalapozták a hangszeres zene új területét - a szűzies (a csembaló egyik fajtája) darabokat, amelyek már a 17. században elterjedtek.

William Bird (1543 vagy 1544 - 1623), Thomas Morley (1557-1603), John Wilby (1574-1638) és mások madrigál angol szerzői kezdetben bizonyos mértékig modern olasz modellekre támaszkodtak (a madrigál, mint ismeretes, keletkezett Olaszországban ), különösen Marenzio, de aztán felfedezték az eredetiséget - ha nem is a műfaj értelmezésében, de a többszólamúság természetében. A többszólamúság fejlődésének késői szakaszában, a 17. századi új stílus fordulópontján megjelent angol madrigál többszólamú textúrájában egyszerűbb, mint az olasz, homofonikusabb, és néha még a ritmikai vonásai is hiányoznak belőle. tánc. A Dunstable-i időktől eltérően a 16. század végére az angol többszólamú iskola elsősorban nemzeti érdek volt (hagyományai a 17. századra szálltak át, és eljutottak Purcellig), de a saját útján haladva már nem rendelkezett érezhető hatást gyakorolt ​​Nyugat-Európa zeneművészetére.

Meg kell jegyezni a zene jelentős szerepét a reneszánsz angol színházban. Ez a szerep a maga korának sajátossága: Angliában sokáig nem volt előfeltétele az opera megjelenésének, és még semmi sem készítette elő. A zene a drámai színházban elsősorban a mindennapi élet jelenségeként (de nem belső drámai alkotóelemként) szólalt meg, a „maszkok” műfajában pedig a királyi udvarban pompás előadásokon vett részt, látványos effektusokkal, balettjelenetekkel, énekhanggal ötvözve. és hangszertöredékek, és költői szöveg.

Shakespeare drámáiban a cselekmény során gyakran elneveznek bizonyos akkoriban jól ismert szavak vagy táncok népszerű dallamait, mint például a galliard. Számára a zene lett a cselekmény háttere, egyfajta „környezet”, bevezetve néhány lélektani árnyalatot, ezért Shakespeare-nek nem kellett több a hétköznapi műfajoknál.

Ezzel egy időben zenei tanszékeket nyitottak az oxfordi és a cambridge-i egyetemeken.

1.5 Németország

A 16. századra Németországnak már akkor is gazdag folklórja volt, elsősorban vokális. Zene mindenütt hallatszott: ünnepségeken, templomban, társasági rendezvényeken és katonai táborban. A parasztháború és a reformáció új lendületet adott a népdalos kreativitásnak. Számos kifejező evangélikus himnusz létezik, amelyek szerzője ismeretlen. A kóruséneklés az evangélikus istentisztelet szerves formája lett. A protestáns korál befolyásolta az egész európai zene későbbi fejlődését. De mindenekelőtt maguknak a németeknek a zeneiségéről, akik a zeneoktatást még ma sem tartják kevésbé fontosnak, mint a természettudományos oktatást - különben hogyan lehet többszólamú kórusban részt venni?

A zenei formák változatossága Németországban a 16. században. Csodálatos: baletteket és operákat adtak elő Maslenitsa-n. Lehetetlen nem említeni olyan neveket, mint K. Paumann, P. Hofheimer. Olyan zeneszerzőkről van szó, akik világi és egyházi zenét alkottak, elsősorban orgonára. Hozzájuk csatlakozik a kiváló francia-flamand zeneszerző, a holland iskola képviselője, O. Lasso. Számos európai országban dolgozott. Összefoglalta és innovatívan fejlesztette a reneszánsz különböző európai zeneiskoláinak eredményeit. A vallásos és világi kóruszene mestere (több mint 2000 kompozíció).

De a német zene igazi forradalmát Heinrich Schütz (1585-1672) zeneszerző, zenekarmester, orgonista, tanár hajtotta végre. Az I.S. legnagyobb elődje, a nemzeti zeneszerzés iskola alapítója. Bach. Schütz megírta az első német „Daphne” operát (1627), az „Orpheus és Eurydice” opera-balettet (1638); madrigálok, spirituális kantáta-oratóriumművek („passiók”, versenyművek, motetták, zsoltárok stb.).

A reformációs mozgalom megalapítója, Luther Márton (1483-1546) úgy vélte, az egyházzene reformjára van szükség. A zenének egyrészt elő kell segítenie a plébánosok aktívabb részvételét az istentiszteleten (ez többszólamú kompozíciók előadásánál lehetetlen volt), másrészt empátiát kell kelteni a bibliai események iránt (amit a latin nyelvű istentiszteletek nehezítettek). Így a következő követelményeket támasztották az egyházi énekléssel szemben: a dallam egyszerűsége és tisztasága, egyenletes ritmusa, tiszta énekforma. Ezen az alapon jött létre a protestáns kórus - a német reneszánsz egyházzene fő műfaja. 1522-ben Luther lefordította az Újszövetséget németre, így ma már anyanyelvén is lehet istentiszteletet tartani.

Maga Luther, valamint barátja, a német zeneteoretikus Johann Walter (1490-1570) aktívan részt vett a koráldallamok kiválasztásában. Az ilyen dallamok fő forrásai a népi spirituális és világi dalok voltak - széles körben ismert és könnyen érthető. Néhány korálhoz Luther maga komponálta a dallamokat. Egyikük, „Az Úr a mi támaszunk”, a reformáció szimbólumává vált a 16. századi vallásháborúk során.

1.6 Spanyolország

A feudális-katolikus reakciót felerősödő spanyol zenére sokáig egyházi hatások vonatkoztak. Bármilyen agresszív volt is az ellenreformáció támadása a zenére, a pápaság továbbra sem tudott teljesen visszatérni korábbi pozícióihoz. A kialakult polgári viszonyok új rendeket diktáltak.

Spanyolországban a reneszánsz jelei egészen egyértelműen a 16. században jelentek meg, és ennek előfeltételei láthatóan már korábban is felmerültek. Ismeretes, hogy már a 15. században is hosszú távú és erős zenei kötelékek voltak Spanyolország és Olaszország között, a spanyol kápolnák és énekes-zeneszerzőik - valamint a római pápai kápolna, valamint a burgundi herceg kápolnái között. és a milánói Sforza hercege, nem beszélve a többi európai zenei központról. A 15. század végétől Spanyolország, mint ismeretes, a történelmi feltételek kombinációjának köszönhetően (a reconquista vége, Amerika felfedezése, új dinasztikus kapcsolatok Európán belül) igen nagy erőre tett szert Nyugat-Európában, miközben megmaradt. ugyanakkor konzervatív katolikus állam, és jelentős agresszivitást tanúsított az idegen területek elfoglalásában (amit Olaszország akkoriban teljes mértékben átélt). A 16. század legnagyobb spanyol zenészei, mint korábban is, a templom szolgálatában álltak. Nem tudták nem megtapasztalni a holland többszólamú iskola hatását a kialakult hagyományokkal. Már elhangzott, hogy ennek az iskolának a kiváló képviselői nem egyszer jártak Spanyolországban. Másrészt a spanyol mesterek – kevés kivétellel – állandóan találkoztak olasz és holland zeneszerzőkkel, amikor elhagyták Spanyolországot és Rómában dolgoztak.

Szinte az összes jelentős spanyol zenész előbb-utóbb a pápai kápolnában kötött ki, és részt vett annak tevékenységében, ezáltal tovább sajátította el a szigorú stílusú polifónia őshonos hagyományát annak ortodox kifejezésében. A legnagyobb spanyol zeneszerző, a hazáján kívül híres Cristobal de Morales (1500 vagy 1512-1553) 1535-1545-ben a római pápai kápolna része volt, ezt követően a toledói metrikot, majd a malagai katedrális kápolnáját vezette.

Morales jelentős polifonista volt, misék, motetták, himnuszok és más énekes, főleg kórusművek szerzője. Munkásságának irányát az őshonos spanyol hagyományok szintézise, ​​valamint az akkori hollandok és olaszok többszólamú készsége alapján alakították ki. Hosszú éveken át (1565-1594) Rómában élt és dolgozott a spanyol mesterek következő generációjának legjobb képviselője, Thomas Luis de Victoria (kb. 1548-1611), aki a hagyomány szerint, de nem túl pontosan hozzátartozik. a palesztin iskolába. Zeneszerző, énekes, orgonista, zenekarvezető, Victoria miséket, motettákat, zsoltárokat és egyéb spirituális kompozíciókat hozott létre az a cappella polifónia szigorú stílusában, közelebb Paletrinához, mint Hollandiához, de mégsem esik egybe Palestrinával - a spanyol mester kevésbé volt szigorú visszafogottsággal. és több kifejezés. Emellett Victoria későbbi műveiben is megjelenik a „palesztrin hagyomány” megszakítása, a többszólamú, versenymű, hangszínkontrasztok és egyéb újítások javára, amelyek valószínűleg a velencei iskolából származnak.

Más spanyol zeneszerzőknek, akik főleg a szakrális zene területén dolgoztak, szintén lehetőség nyílt ideiglenesen a római pápai kápolna énekeseként szolgálni. 1513-1523-ban a kápolnában A. de Ribera, 1536-tól B. Escobedo, 1507-1539-ben X. Escribano, valamivel később pedig M. Robledo énekes volt. Mindannyian szigorú stílusban írtak többszólamú szakrális zenét. Csak Francisco Guerrero (1528-1599) élt és dolgozott mindig Spanyolországban. Mindazonáltal miséi, motettái és dalai az országon kívül is sikert arattak, hangszeres feldolgozások anyagaként gyakran felkeltették a lantosok és vihuelisták figyelmét.

A világi vokális műfajok közül Spanyolországban akkoriban a Villancico volt a legelterjedtebb, egyfajta többszólamú dal, hol valamivel többszólamúbb, hol gyakrabban a homofónia felé vonzódó, eredete a mindennapi élethez kötődik, de szakmai fejlődésen megy keresztül. Ennek a műfajnak a lényegét azonban a hangszeres zenétől való elválasztás nélkül kell tárgyalni. A 16. századi Villancicó leggyakrabban vihuelával vagy lanttal ellátott dal, egy jelentős előadóművész és zeneszerző alkotása választott hangszerére.

És számtalan villancicóban, és általában a spanyolországi mindennapi zenében a nemzeti dallam szokatlanul gazdag és karakteres - egyedi, megőrizve az olasz, francia és főleg német melodikustól való eltéréseit. A spanyol dallamos zene évszázadokon keresztül hordozta ezt a jellegzetes vonást, amely nemcsak hazai, hanem külföldi zeneszerzők figyelmét is felkeltette egészen napjainkig. Nemcsak intonációs szerkezete egyedi, de ritmusa is mélyen egyedi, ornamentika, improvizatív modora eredeti, kapcsolatai a táncmozdulatokkal nagyon erősek. Francisco de Salinas fentebb említett terjedelmes művében, a „Seven Books of Music” (1577) számos kasztíliai dallam található, amelyek elsősorban ritmikai oldaláról keltették fel a tudós zenész figyelmét. Ezek a rövid dallamtöredékek, amelyek néha csak egy harmad tartományát fedik le, meglepően érdekesek ritmusukban: gyakori szinkronok különböző kontextusokban, akut ritmus-megszakítások, az elemi motoros képesség teljes hiánya, a ritmikus érzék általában állandó aktivitása, nincs tehetetlenség ! Ugyanezeket a tulajdonságokat vették át a néphagyományból a világi énekműfajok, leginkább a villancicó és a vihuela dalok más fajtái.

A hangszeres műfajokat Spanyolországban széles körben és egymástól függetlenül képviselik zeneszerzők-orgonisták munkái, élükön közülük a legnagyobb, Antonio de Cabezon (1510-1566), valamint briliáns vihuelisták egész galaxisa számtalan művével, részben különböző eredetű énekdallamokhoz (a népdaloktól és táncoktól a spirituális kompozíciókig) kapcsolódik. Kifejezetten visszatérünk rájuk a reneszánsz hangszeres zenéjéről szóló fejezetben, hogy meghatározzuk helyüket annak általános fejlődésében.

A spanyol zenés színház történetének korai szakaszai is a 16. századra nyúlnak vissza, amely az előző század végén, Juan del Encina költő és zeneszerző kezdeményezésére keletkezett, és hosszú ideig drámai színházként létezett. a zene nagyszámú részvétele a speciálisan kijelölt cselekvési helyeken.

Végül figyelmet érdemel a spanyol zenészek tudományos tevékenysége, akik közül Ramis di Pareja elméleti nézeteinek progresszív voltáért, Francisco Salinas pedig az akkoriban egyedülálló spanyol folklór megfontolásáért kapott elismerést. Említsünk meg több spanyol teoretikust is, akik munkájukat a különféle hangszereken való előadás kérdéseinek szentelték. Zeneszerző, előadó (hegedűn - basszus viola da gamba), Diego Ortiz zenekarmester 1553-ban adta ki Rómában „Treatise on Glosses” c Thomas de Sancta Maria zeneszerző Valladolidban publikálta „A fantázia művészete” (1565) című értekezését – kísérletet az orgona improvizációs élményének módszeres általánosítására: Juan Bermudo, aki 1555-ben publikálta „Declaration of Musical Instruments” (1555) című művét. Grenada, amelyről szó van, a hangszerekről és az azokon való játékról szóló információkon kívül a zenei írás egyes kérdései (különösen a többszólamúság túlterheltségét kifogásolta).

Így a spanyol zeneművészet egésze (az elméletével együtt) kétségtelenül a 16. században élte meg reneszánszát, amely egyrészt bizonyos művészeti kapcsolatokat tár fel más országokkal ebben a szakaszban, másrészt pedig magának Spanyolország történelmi hagyományaiból és társadalmi modernségéből adódó jelentős különbségeket.

2. Zenei esztétika

2.1 A hangszeres zene műfajainak és formáinak fejlesztése

reneszánsz zenés opera Meistersinger

A hangszeres zene, mint önálló művészeti forma kialakulását a reneszánsznak köszönhetjük. Ebben az időben számos hangszeres darab, variáció, előjáték, fantázia, rondó, toccata jelent meg. A hegedű, csembaló és orgona fokozatosan szólóhangszerré alakult. A nekik írt zenék nemcsak a zeneszerző, hanem az előadó tehetségének bemutatására is lehetőséget biztosítottak. Mindenekelőtt a virtuozitást (a technikai nehézségekkel való megbirkózást) értékelték, amely fokozatosan öncélúvá és művészi értékké vált sok zenész számára. A 17-18. századi zeneszerzők rendszerint nemcsak zenét alkottak, hanem mesterien hangszeren is játszottak, oktatói tevékenységet folytattak. A művész jóléte nagyban függött az adott megrendelőtől. Általában minden komoly zenész egy uralkodó vagy egy gazdag arisztokrata udvarában (a nemesség sok tagjának volt saját zenekara vagy operaháza) vagy egy templomban igyekezett helyet szerezni. Ráadásul a legtöbb zeneszerző könnyedén kombinálta az egyházi zenét a világi mecénások szolgálatával.

A 14-15. századi olasz és francia zeneszerzők számos vokális művének jellege inkább instrumentális, mint vokális (a hangterjedelem, a vokális előadás jellege, a verbális szöveghez való viszony vagy az aláírt szavak hiánya). Ez teljes mértékben vonatkozik az olasz caccia Ars nova-ra, számos franciaországi „átmeneti” időszak (XV. század eleje) alkotására. Nincs közvetlen utalás bizonyos hangszerek használatára a kottaírásban. Ez nyilván az előadók akaratára volt bízva, képességeiktől függően, főleg, hogy általában maga a szerző is ott volt köztük.

Elvileg minden énekmű - miserész, motetta, sanzon, frottola, madrigál (kivéve a Sixtus-kápolnába szánt miséket, ahol a hangszerek részvétele nem volt megengedett) - a gyakorlatban a hangszer megkettőzésével is előadható. énekszólamok hangszerekkel, vagy részben (egy vagy két szólamú) csak hangszerekkel, vagy teljesen orgonán vagy hangszercsoporton. Ez lényegében nem egy stabil előadástípus volt, sokkal inkább a hangszerek bevezetése a vokális eredetű polifóniába. Így keletkeztek például a „szervtömegek” - köztes, átmeneti jelenség. Azokban a művekben, ahol a felső hang kiemelkedett jelentőségében (mint Dufay vagy Benchois esetében is gyakran előfordult), a hangszerhasználatot leginkább a dallamot „kísérő” szólamokhoz vagy a harmonikus basszushoz kapcsolták. De a holland iskola különösen fejlett polifóniájában a részek „kiegyenlítésével” feltételezhető (például sanzonban) a vokális és hangszeres erők bármilyen korrelációja, egészen a teljes mű hangszercsoport általi előadásáig. . Ugyanakkor szem előtt kell tartani néhány olyan különleges lehetőséget is, amelyek nincsenek rögzítve a kottaírásban. Ismeretes, hogy az orgonán például már a 15. században tapasztalt előadók egy dal feldolgozásakor „színezték” (díszítették) a dallamát. Talán a hangszeres a vokális zene előadásában ilyen-olyan közreműködéssel rögtönzött dekorációkat is bevezethetett a maga részébe, ami különösen akkor volt természetes, ha maga a szerző ült az orgonához. Mindezek után nem meglepő, hogy a 16. században, amikor a hangszeres műfajok már formálódtak, gyakran megjelentek a „per cantare o sonare” („énekre vagy játékra”) elnevezésű többszólamú művek. Ez végre a meglévő gyakorlat teljes elismerése volt!

A mindennapi zenében, különösen a táncokban, ha nem egy dalra mentek (Spanyolországban gyakoriak a dal és a tánc kombinációi), a hangszerek úgymond mentesek maradtak a vokális mintáktól, de mindegyik műfaji alapja összekapcsolta őket. tánc, ritmus és mozgástípus. Ennek a művészetnek a szinkretizmusa még mindig érvényben volt.

Az oszthatatlan jelenségek e teljes tömegéből, a kottaírásban nem tükröződő gyakorlatból, a vokális és hangszeres elvek hosszú távú asszimilációs folyamatából indult meg idővel a hangszeres műfajok fejlődése. Alig alakult ki a 15. században, és a 16. század folyamán vált észrevehetővé a függetlenség felé vezető út még hosszú volt, és csak bizonyos formákban (improvizáció) jelent meg a zenei írás tényleges instrumentalizmusa. A hangszeres zene önrendelkezési útjának legelső állomásain két műfaji terület alakult ki, amelyeknek sajátos irányzatai vannak. Egyikük elsősorban a többszólamú, „akadémikus” hagyományhoz kötődik, a nagyformákkal. A másik a mindennapi zene, ének és tánc hagyományán alapul. Az elsőt főleg orgonára írt kompozíciók képviselik, a másodikat elsősorban a lantrepertoár. Nincs közöttük átjárhatatlan határvonal. Csak bizonyos hagyományok túlsúlyáról beszélhetünk, de nyilvánvaló érintkezési pontokkal. Így a lantos művekben a többszólamú technikák sem kizártak, az orgonazenében pedig hamarosan megjelennek a dalokra vonatkozó variációk. Mindkét hangszeren megkezdődik az improvizációs formák fejlődése, melyben ennek a hangszernek a sajátossága jelenik meg a legvilágosabban - szinte teljes vokális mintamentességgel. Az instrumentalizmusnak ezek a szerénynek tűnő sikerei hosszas felkészülés után születtek, amely éppen a reneszánsz idején történt, és az akkori zenei gyakorlatban gyökerezett.

2.2 A reneszánsz hangszerei

A reneszánsz idején a hangszerek összetétele jelentősen bővült a már meglévő vonósok és fúvósok mellé. Közöttük különleges helyet foglalnak el a hegedűk - a meghajolt húrok családja, amelyek lenyűgözőek hangzásuk szépségével és nemességgel. Formájukban a modern hegedűcsalád hangszereihez (hegedű, brácsa, cselló) hasonlítanak, sőt közvetlen elődjüknek számítanak (a zenei gyakorlatban a 18. század közepéig együtt éltek). Azonban még mindig van különbség, és egy jelentős. A violákban rezonáló húrok rendszere van; általában annyi van belőlük, mint a főbbek (hat-hét). A rezonáló húrok rezgései puhává, bársonyossá teszik a brácsa hangját, de a hangszer nehezen használható zenekarban, mivel a nagy húrszám miatt hamar kimegy a hangból. A hegedű hangját sokáig a zenei kifinomultság mintájának tartották. A viola családban három fő típus létezik. A viola da gamba egy nagy hangszer, amelyet az előadó függőlegesen helyez el, és a lábával oldalról megnyomja (az olasz gamba szó jelentése „térd”). Két másik fajta - a viola da braccio (olasz braccio - "alkar") és a viol d'amour (francia viole d'amour - "szerelem brácsa") vízszintesen állt, és amikor játszották, vállhoz nyomták őket. A viola da gamba hangterjedelemben közel áll a csellóhoz, a viola da braccio a hegedűhöz, a viol d'amour pedig a brácsához A reneszánsz pengetős hangszerek közül a fő helyet a lant (lengyel lutnia) foglalja el. , arabból "alud" - "fa") A 14. század végén a Közel-Keletről került Európába, és a 16. század elejére már hatalmas repertoárja volt ennek a hangszernek, elsősorban dalokat adtak elő a a lant kísérete A lantnak rövid a felső része, a széles nyakhoz hasítékos nyak kapcsolódik, és a hangszer feje csaknem derékszögben van hátrahajlítva kívánatos, a lant alakjában látható a tálhoz való hasonlóság. Tizenkét húr van párba csoportosítva, és a hangot mind az ujjakkal, mind egy speciális tányérral állítják elő. A 16. században különféle típusú A billentyűs hangszerek fő típusait - csembaló, klavikord, cintányér, szűz - aktívan használták a reneszánsz zenéjében, de igazi virágzásuk később következett be.

2.3 Az opera születése (firentinai camerata)

A reneszánsz végét a zenetörténet legfontosabb eseménye, az opera születése jelentette.

Humanisták, zenészek és költők egy csoportja gyűlt össze Firenzében, vezetőjük, Giovanni De Bardi gróf (1534-1612) védnöke alatt. A csoportot "camerata"-nak hívták, fő tagjai Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (Galileo Galilei csillagász apja), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri és fiatalabb éveiben Ottavio Rinuccini.

A csoport első dokumentált találkozójára 1573-ban került sor, és a firenzei Camerata legaktívabb évei 1577-1582 voltak.

...

Hasonló dokumentumok

A reneszánsz zenei kultúrájának jellegzetes vonásai: dalformák (madrigál, villancicó, frottol) és hangszeres zene megjelenése, új műfajok megjelenése (szólódal, kantáta, oratórium, opera). A zenei textúra fogalma és főbb típusai.

absztrakt, hozzáadva: 2012.01.18


Énekes, hangszeres és vokális-instrumentális zene. Az ének- és hangszeres zene főbb műfajai, zenei irányai. A hangszeres zene népszerűsége a reneszánsz korában. Az első virtuóz előadók megjelenése.

bemutató, hozzáadva 2014.04.29


A 18. század orosz zenéjének jellemzői. A barokk olyan korszak, amikor a zenei formákról alkotott elképzelések napjainkban sem veszítették el aktualitásukat. A barokk kor nagy képviselői és zenei alkotásai.

absztrakt, hozzáadva: 2010.01.14


csalólap, hozzáadva: 2009.11.13


A reneszánsz (reneszánsz) minden művészettípus virágkorának és művelőinek az ősi hagyományokhoz és formákhoz való vonzódásának időszaka. A reneszánsz zenei kultúrájában rejlő harmónia törvényei. A szakrális zene vezető pozíciója: misék, motetták, himnuszok és zsoltárok.

teszt, hozzáadva 2010.05.28


Zenei felvétel Mezopotámiáról. A hivatásos énekesek és kórusok fő tevékenységi területe Egyiptomban az Óbirodalom idején. A föníciai ábécé használata az ókori Görögországban. A középkori kórusművészet, India és Kína. Érvénytelen felvétel.

bemutató, hozzáadva: 2015.10.06


A zene az ókori India művészeti rendszerében az egyik legfontosabb helyet foglalta el. Eredete a népi és vallási rituálékhoz nyúlik vissza. Az ókori India kozmológiai elképzelései hatással voltak az ének- és hangszeres zene szférájára. Indiai hangszerek.

teszt, hozzáadva: 2010.02.15


Zenei műfaj, mint történetileg kialakult műfaj, formája és tartalmi egységében. Fő műfajok a modern zenében. Az elektronikus zene esszenciája, pop műfaj, rockzene, rap. A XXI. század új műfajai. A legszokatlanabb hangszerek.

tanfolyami munka, hozzáadva 2017.12.20


A rockzene eredete, eredetének központjai, zenei és ideológiai összetevői. A 60-as évek rockzenéje, a kemény zene megjelenése és a garázsrock felemelkedése. Alternatív zenei kultúra. A 2000-es évek rockzenéje és minden idők kívülállói.

absztrakt, hozzáadva: 2010.09.01


Znamenny éneklés - fejlődéstörténet. Zenei poétika és himnográfia. Az ókori Rusz zenei írása. D. Bortnyansky kóruszenéje és kreativitása. Az orosz opera története, az orosz nemzeti színház jellemzői. Kreatív portrék zeneszerzőkről.

A reneszánsz esztétikája ahhoz a grandiózus forradalomhoz kapcsolódik, amely ebben a korszakban zajlik le a társadalmi élet minden területén: a közgazdaságtanban, az ideológiában, a kultúrában, a tudományban és a filozófiában. Ez az idő a városi kultúra felvirágzását, az emberi látókört mérhetetlenül kitágító földrajzi felfedezéseket és a kézművességről a gyártásra való átmenetet jelzi.

A termelőerők forradalmi fejlődése, a feudális osztály- és céhviszonyok felbomlása, amely a termelést béklyózta, az egyén felszabadulásához vezet, megteremtve szabad és egyetemes fejlődésének feltételeit. Kétségtelen, hogy mindez nem befolyásolhatta a világnézet természetét. A reneszánsz idején a középkori világnézeti rendszer radikális felbomlásának és egy új, humanista ideológia kialakulásának folyamata ment végbe. Ez a folyamat a zeneesztétikában is megmutatkozik. Már a 14. század is magában hordozta az új esztétikai világkép ébredésének tüneteit. Az Ars nova művészete és esztétikája, John de Grogeo és Marchetto Páduai traktátusai fokozatosan aláásták a középkori zeneelmélet hagyományos rendszerét. Itt aláásták a zene teológiai nézetét, amely néhány érzékszervileg észrevehetetlen mennyei zene felismerésén alapult. A középkori zeneelmélet évszázados hagyománya azonban nem semmisült meg teljesen. Újabb évszázadnak kellett eltelnie ahhoz, hogy a zenei esztétika végre megszabaduljon az őt megkötő hagyományos mintáktól.

A reneszánsz zeneesztétikája a zene rendeltetésének kérdésének értelmezésében valós gyakorlaton alapul, amelyet a zene rendkívüli közéleti fejlődése jellemez. Ebben az időben több száz zenei kör alakult Olaszország, Franciaország és Németország városaiban, amelyekben lelkesen foglalkoznak zeneszerzéssel vagy különféle hangszereken játszanak. A zene birtoklása és ismerete a világi kultúra és a világi oktatás szükséges elemeivé válik. A híres olasz író, Baldasare Castiglione „Az udvaroncról” (1518) című értekezésében azt írja, hogy az ember nem lehet udvaronc, „ha nem zenész, nem tud kottát olvasni és semmit sem tud a különféle hangszerekről”. A zene rendkívüli elterjedtségét a 16. századi civil életben az akkori festészet bizonyítja. Számos, a nemesség magánéletét bemutató festményen folyamatosan több száz zenével foglalkozó emberrel találkozunk: énekelnek, játszanak, táncolnak, improvizálnak stb.

A reneszánsz kultúra először Olaszországban keletkezett és fejlődött. A reneszánsz évszázadait itt a népköltészet és a népzene erőteljes fejlődése jellemzi, amelyben a főszerepet a dalírás leggazdagabb hagyományai játsszák olyan műfajokban, mint a lauda, ​​frottola, villanelle. A mindennapi városi zenélésben ugyanilyen népszerű műfaj volt a kachchia, amely általában gazdag műfaji jelenetet ábrázolt, a szövegben és a zenében közös intonációkat használva – egészen a kereskedők és árusok kiáltásáig. Cacciát gyakran körtánc kísérte. Az olasz ballada a szólókórus előadásokhoz kapcsolódó dal- és táncszövegek gyakori műfaja is (Franciaországban abban az időben a virele műfaj is hasonló vonásokkal rendelkezett). A népdal intonációi, a dallamkezdet bizonyos súlya, a textúra ötletessége - a világi hétköznapi zene e tulajdonságai a szakrális zenébe is behatolnak, egészen a többszólamú misékig.

A zene dallamosságát annak köszönhette, hogy Olaszországban meglehetősen gyorsan kialakultak a vonós vonóshangszereken való szóló- és együttes zenélés hagyományai. Általánosságban elmondható, hogy a hangszeres zene széles körű elterjedése hozzájárult a homofon szerkezet és a funkcionális harmónia kialakulásához.

Mielőtt a hegedű megjelent volna az olaszországi zenei körökben (a 16. század utolsó negyedében), és Amati, Stradivari, Guarneri és mások cremonai mesterek hegedűgyártása elkezdődött volna, a lant (a leghíresebb zeneszerző-lantos Francesco volt) A Milano), a brácsa és a spanyol gitár különösen népszerű volt, a theorbo (nagy basszuslant).

A hegedűtudás először B. Donati, L. Viadan, G. Giacomelli műveiben alakult ki (a hosszan tartó hajlítás és a legato technikájáról volt híres). A hegedűjáték fejlődésének új lépése a passzázstechnikát fejlesztő, tremolót, pizzicatót alkalmazó, a dinamikát pp és ff poláris kontrasztokkal gazdagító C. Monteverdi munkásságához kapcsolódik.

Az orgona- és csembalójáték terén nagy fellendülés volt megfigyelhető. A 40-es évek óta A 16. században az orgonagyűjtemények száma meredeken nőtt, kiemelkedő orgonisták egész galaxisa jelent meg - Villaert, Andrea és Giovanni Gabrieli, Claudio Merulo, Cavazzoni. Ezek a mesterek fektették le az olasz orgonaművészet alapjait és teremtették meg a hangszeres zene műfajait - ricercar, canzone, toccata.

A csembaló előadás széles körben alkalmazza a mindennapi táncokat és a népszerű világi dalok feldolgozásait. Kiemelkedő zeneszerző-improvizátor orgonán és klavieren Girolamo Frescobaldi volt, akinek munkássága csembalózene - táncciklusok egész gyűjteményét foglalta magában.

Az olasz zeneszerző iskolát hivatásos zeneszerzők-polifonisták - Adrian Villaert és tanítványai, Ciprian de Rore, Andrea és Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina - tevékenysége is képviseli. Alkotói örökségük sokrétű, főként vokális többszólamú művekből áll - sok tucat misék, spirituális és világi madrigálok, motetták, melyeket főként a capella kórus adott elő.

A többszólamúság erőteljes fejlődését Hollandiában a népi többszólamúság gazdagsága és a gazdag holland városok katedrálisaiban található speciális énekesiskolák-kollégiumok (metriz) magyarázzák.

A holland polifonikus iskolához zeneszerzők több generációja tartozott. Tevékenységük nemcsak Hollandiában zajlott, amely akkoriban a modern Belgium, Luxemburg, Délnyugat-Hollandia és Észak-Franciaország területeit fedte le (innen ered az iskola másik neve - francia-flamand). A holland iskola jelentősebb képviselői eredményesen dolgoztak Rómában (Dufay, Obrecht, Josquin) és más városokban (Villaert, Rore - Velencében, Isaac - Ausztriában és Németországban, Benchois - Dijonban a burgundi udvarban).

A holland iskola összefoglalta a többszólamúság évszázados fejlődését minden európai országban. Bár az egyházzene kétségtelenül vezető helyet foglalt el e mesterek munkásságában, mégis

kevésbé, a spirituális művek mellett számos világi többszólamú dalt írtak a zeneszerzők, amelyek a reneszánszra jellemző gazdag eszme- és érzésvilágot tükrözték.

A holland polifonikusok kreativitásának legmonumentálisabb műfaja a mise volt, amelyben a szigorú stíluspolifónia elveinek kvintesszenciája jelentkezett. Azonban minden mester munkája feltárja az innovatív vonásokat, amelyek a kialakult expresszív kánonokon túlmutató kereséshez kapcsolódnak. A meglévő dal- és táncanyagra támaszkodás, a spirituális és világi műfajok egymásra hatása a többszólamú dallamhang fokozatos megjelenéséhez, az akkordvertikális és funkcionális gondolkodásmód kialakulásához vezet.

A 16. századi holland polifónia megkoronázása Orlando Lasso munkája volt. Munkásságában összpontosult a reneszánsz legszélesebb műfaji érdeklődése: korának szinte minden vokális formájának - madrigálnak, misének, motettának, francia sanzonnak és még a német többszólamú dalnak is - tisztelgett. A zeneszerző művei tele vannak élethű képekkel, élénk dallamúak, domborműves változatos ritmusúak, következetesen kidolgozott harmonikus tervük biztosította rendkívüli népszerűségüket (más szerzők többször is felhasználták lant- és orgonafeldolgozáshoz).

A reneszánsz irányzatok kialakulása és a francia nemzeti kultúra kialakulása már a 14. században megkezdődött. A kora reneszánsz művészetének kiemelkedő képviselői a francia zenében Philippe de Vitry és Guillaume de Machaut voltak, akik nagy örökséget hagytak a virele, le és rondeau balladák műfajában.

Mélyen élethű és realista volt a francia zeneművészet legjellemzőbb műfaja, a sanzon, amely világi szöveggel és általában népi dallamokkal rendelkező többszólamú dalforma. Ebben a műfajban mutatkoztak meg a legvilágosabban az új reneszánsz tartalom, cselekmény és kifejezőeszközök jellemzői.

A 15-16. századi francia sanzon egyfajta „enciklopédiája” az akkori francia életnek. Tartalma változatos, lehet narratív, lírai, intim, szomorú, komikus, leíró, gáláns. A léptékük változatossága is jellemző - néhány ütemtől 42 oldalig.

A kifejezőeszközök egyszerűsége és spontaneitása, a periodikus struktúra D-n és T-n sajátos végződésekkel, a vezetés technikája, amelyet aztán az egész együttes felvesz - tipikus jellemzői a műfajnak, amelynek zenéje olykor hasonlít. néptánc, lírai-epikus dallam vagy egy hetyke utcai városi dal - a jövő vaudeville prototípusa. A sanzonzenét a ritmikai alap hangsúlyozása jellemzi, néha a versszerkezet vagy a körkörös rondaforma jellemzi a kíséretet;

A francia reneszánsz legkiemelkedőbb zeneszerzője Clement Janequin volt, akinek munkássága finom szerelmi dalszövegeket tükröz (a költő Ronsard szövegeire épülő dalokban), szomorúság és gyászhangulatok kifejezését, a népi mulatság élettel és mozgással teli jeleneteit. Hagyatékában különös figyelmet szentelnek a programszerű jellegű nagyméretű kórusfantasy dalok, amelyek tele vannak találékonysággal és szellemes felfedezésekkel a kórusírás terén. Bennük Janequin színesen ábrázolta kora életét és életmódját. A leghíresebbek a „Csata”, „Vadászat”, „Madárdal”, „Párizsi utcai kiáltások”.

Janequin több mint 200 dal mellett motettákat és miséket írt. De még a katolikus istentiszteleti zene terén is bátran alkalmaz népi dallamokat, katonazene legyezésére hangol spirituális szövegeket, táncritmusokat vezet be.

A népdal- és néptáncanyaggal való ilyen bánásmód nagymértékben jellemző volt sok reneszánsz zeneszerzőre, akik munkájukban ötvözték a spirituális és világi műfajok iránti érdeklődést, ami a világi zene végleges szétválásához vezetett a művészi függetlenség és professzionalizmus területére. .

A legszembetűnőbb jelenség az akkori elterjedt, a humanista irányzatok szellemiségével átitatott világi énekműfajok voltak. Fejlődésükben kiemelt szerepet játszott a zeneművészet professzionalizálódása: nőtt a muzsikusok készsége, énekiskolák jöttek létre, amelyekben kiskoruktól kezdve éneklést, orgonajátékot, zeneelméletet tanítottak. Mindez a szigorú stílusú polifónia kialakulásához vezetett, amely a kompozíció és az előadói technikák magas készségeit és professzionális elsajátítását követeli meg. Ennek a stílusnak a keretein belül meglehetősen szigorú szabályok vonatkoznak a hangvezetésre és a ritmikus szervezésre a hangok maximális függetlenségének megőrzése mellett. Bár az egyházzene nagy helyet foglalt el a szigorú stílus mestereinek munkásságában, a spirituális szövegekről szóló művek mellett ezek a zeneszerzők sok világi többszólamú dalt írtak. Különösen érdekesek a világi vokális műfajok zenei és költői képei. A szövegek elevenségükkel és tartalmi relevanciájukkal tűnnek ki. A szerelmes dalszövegek mellett rendkívül népszerűek voltak a szatirikus, frivol, ditiramikus szövegek, amelyeket kiváló professzionális többszólamú írástechnikával ötvöztek. Íme néhány francia sanzon szövege, amelyek a mindennapi szövegek példái: „Kelj fel, kedves Colinette, itt az ideje, hogy igyunk egy italt – erre törekszem, hadd adja át magát az örömnek! ..”, „Átkozott legyen a gazdagság, elvitte van a barátom: birtokba vettem a szerelmét, a másik pedig a gazdagság, az őszinte szerelem szerelmi ügyekben keveset ér.”

A reneszánsz kultúra először Olaszországban, majd más országokban jelent meg. A történelem megőrizte az információkat híres zenészek országról országra való gyakori mozgásáról, egyik vagy másik kápolnában végzett munkájukról, a különböző nemzetiségek képviselői közötti gyakori kommunikációról stb. A reneszánsz kor zenéjében ezért figyelhető meg egy jelentős kapcsolat a zeneszerzők művei között a különböző nemzeti iskolák között.

A 16. századot gyakran a „tánc korának” is nevezik. Az itáliai reneszánsz humanista eszméinek hatására végleg átszakadt az egyházi tilalmak gátja, és a „világi”, földi örömök utáni vágy a tánc- és dalelemek soha nem látott robbanásaként tárult fel. A 16. századi dal és tánc népszerűsítésének erőteljes tényezője. A zenenyomtatási módszerek feltalálása szerepet játszott: a nagy mennyiségben megjelent táncok kezdtek utazni egyik országból a másikba. Minden nemzet hozzájárult az általános hobbihoz, így a táncok, elszakadva szülőföldjüktől, bejárták a kontinenst, megváltoztatva megjelenésüket, sőt néha nevüket is. A divat számukra gyorsan terjedt és gyorsan változott.

Ugyanakkor a reneszánsz a széles körű vallási mozgalmak kora volt (Csehországban a huszitizmus, Németországban a lutherizmus, Franciaországban a kálvinizmus). Az akkori vallási mozgalmak mindezen különféle megnyilvánulásait egyesítheti a protestantizmus általános fogalma. A népek zenei kultúráinak közösségének kialakulásában, megerősödésében nagy szerepet játszott a különböző nemzeti mozgalmakban megjelenő protestantizmus, elsősorban a népzene területén. Ellentétben a humanizmussal, amely viszonylag szűk kört ölelt fel, a protestantizmus egy szélesebb körben elterjedt mozgalom volt. A reneszánsz zeneművészet egyik legszembetűnőbb jelensége a protestáns korál. A reformációs mozgalom hatására Németországban keletkezett, szemben a katolikus istentisztelet attribútumaival, különleges érzelmi és szemantikai tartalma jellemezte. Luther és a protestantizmus más képviselői óriási jelentőséget tulajdonítottak a zenének: „A zene örömtelivé teszi az embert, feledteti a haragot, megszünteti az önbizalmat és egyéb hiányosságokat... A fiatalokat folyamatosan zenére kell tanítani, mert ügyes embereket kovácsol, akik bármire képesek. .” Így a reformációs mozgalomban a zenét nem luxusnak, hanem egyfajta „mindennapi kenyérnek” tekintették - hivatott nagy szerepet játszani a protestantizmus előmozdításában és a széles tömegek lelki tudatának kialakításában.

MŰFAJOK:

Vokális műfajok

Az egész korszak egészét az énekes műfajok egyértelmű túlsúlya jellemzi, különösen az ének polifónia. A polifónia szokatlanul összetett, szigorú stílusban való elsajátítása, valódi tudományosság és virtuóz technika együtt élt a mindennapi terjesztés ragyogó és friss művészetével. A hangszeres zene némi önállóságot nyer, de az énekformáktól és a mindennapi forrásoktól (tánc, dal) való közvetlen függést csak valamivel később sikerül leküzdeni. A fő zenei műfajok továbbra is a verbális szöveghez kapcsolódnak. A reneszánsz humanizmus lényege a frottol és villanelle stílusú kórusdalok kompozíciójában tükröződött.
Táncműfajok

A reneszánsz korában a mindennapi tánc nagy jelentőséget kapott. Számos új táncforma jelenik meg Olaszországban, Franciaországban, Angliában és Spanyolországban. A társadalom különböző rétegei rendelkeznek saját táncokkal, alakítják ki az előadásmódjukat, magatartási szabályokat bálok, estélyek, ünnepségek alkalmával. A reneszánsz táncai összetettebbek, mint a késő középkor egyszerű branles. A körtáncos és vonalas kompozíciós táncokat felváltják a páros (duett) táncok, amelyek összetett mozdulatokra és figurákra épülnek.
Volta - olasz eredetű páros tánc. Neve az olasz voltare szóból ered, ami azt jelenti, hogy fordulni. A méter három ütemű, a tempó közepes-gyors. A tánc fő mintája, hogy az úriember gyorsan és élesen megfordítja a vele táncoló hölgyet a levegőben. Ez az emelés általában nagyon magasra történik. Nagy erőt és ügyességet kíván az úriembertől, hiszen a mozdulatok élessége és némi lendületessége ellenére az emelést egyértelműen és szépen kell végrehajtani.
Galliard - egy ősi olasz eredetű tánc, elterjedt Olaszországban, Angliában, Franciaországban, Spanyolországban és Németországban. A korai galliardok tempója közepesen gyors, a méter három ütemű. A galliardot gyakran a papane után adták elő, amihez olykor tematikusan is kapcsolták. Galliardok 16. század dallamos-harmonikus textúrában, felső szólamú dallammal fenntartva. A galliard dallamok népszerűek voltak a francia társadalom széles rétegei körében. A szerenádok alatt az orléans-i diákok galliard dallamokat játszottak lanton és gitáron. A harangjátékhoz hasonlóan a galliard egyfajta táncdialógus karaktere volt. Az úr körbejárta a folyosót hölgyével. Amikor a férfi szólót adott elő, a hölgy a helyén maradt. A férfi szóló számos összetett mozdulatból állt. Ezután ismét odalépett a hölgyhöz, és folytatta a táncot.
Pavana - udvari tánc a 16-17. A tempó közepesen lassú, mérete 4/4 vagy 2/4. Különböző forrásokban nincs konszenzus eredetét illetően (Olaszország, Spanyolország, Franciaország). A legnépszerűbb változat egy spanyol tánc, amely egy gyönyörűen lefutó farokkal sétáló páva mozdulatait imitálja. Közel állt a basszusgitárhoz. Különféle ünnepi körmenetek zajlottak a paván zenéjére: a hatóságok belépése a városba, egy nemes menyasszony búcsúja a templomtól. Franciaországban és Olaszországban a pavánét udvari táncként tartják számon. A paván ünnepélyes jelleme lehetővé tette az udvari társadalomnak, hogy modorának és mozdulatainak eleganciájával és kecsességével tündököljön. A nép és a burzsoázia nem ezt a táncot adta elő. A papane-t, akárcsak a menüettet, szigorúan a rangok szerint adták elő. A király és a királyné elkezdte a táncot, majd a Dauphin és egy nemes hölgy lépett be, majd a hercegek stb. A lovasok karddal és köpenyekkel adták elő a pávát. A hölgyek hivatalos ruhát viseltek nehéz hosszú nadrággal, amelyet ügyesen kellett irányítani a mozdulatok során anélkül, hogy felemelték volna őket a padlóról. Az árok mozgása gyönyörűvé tette a mozdulatokat, pompát és ünnepélyességet adva a pavánnak. A királynő kísérői vonatot vittek maga mögött. A tánc kezdete előtt az embereknek körbe kellett sétálniuk a teremben. A tánc végeztével a párok ismét meghajolva, siklókkal járták körbe a termet. De mielőtt felvette volna kalapját, az úrnak jobb kezét a hölgy vállára, bal kezét (a kalapot fogva) a derekára kellett tennie és arcon csókolnia. A tánc közben a hölgynek lesütött a szeme; csak időnként az úriemberére nézett. A pavánt Angliában őrizték meg legtovább, ahol nagyon népszerű volt.
Allemande - német eredetű lassú tánc 4 ütemben. Az „alacsony”, nem ugró táncok tömegéhez tartozik. Az előadók egymás után párban álltak. A párok száma nem volt korlátozva. Az úr megfogta a hölgy kezét. Az oszlop körbejárta a termet, és amikor a végére ért, a résztvevők helyben fordultak (anélkül, hogy szétválták volna a kezüket), és az ellenkező irányba táncoltak.
Kuranta - olasz eredetű udvari tánc. A csengő egyszerű és összetett volt. Az első egyszerű, sikló lépésekből állt, amelyeket elsősorban előrefelé hajtottak végre. Az összetett harangjáték pantomimikus jellegű volt: három úriember három hölgyet hívott meg a táncba. A hölgyeket a terem másik sarkába vitték, és táncra kérték. A hölgyek visszautasították. Az urak, miután elutasították, elmentek, de aztán ismét visszatértek, és letérdeltek a hölgyek elé. Csak a pantomim jelenet után kezdődött a tánc. Különféle olasz és francia típusú harangjátékok léteznek. Az olasz harangjáték 3/4-es vagy 3/8-as ütemű, eleven tánc, egyszerű ritmussal, dallamos-harmonikus textúrával. Francia - ünnepélyes tánc ("illedeltánc"), sima, büszke felvonulás. Meter 3/2, mérsékelt tempó, meglehetősen fejlett polifonikus textúra.
Sarabande - 16-17. századi néptánc. A spanyol női kasztnitáncból származik. Kezdetben énekléssel kísérve. A híres koreográfus és tanár, Carlo Blasis egyik művében röviden ismerteti a sarabandát: „Ebben a táncban mindenki választ magának egy hölgyet, akinek nem közömbös A zene jelet ad, és két szerelmes táncol , nemes, kimért, ennek a táncnak a jelentősége a legkevésbé sem zavarja az élvezetet, a szerénység pedig még nagyobb kecsességet ad neki, mindenki szeme örömmel követi a táncosokat, akik különféle figurákat adnak elő, mozdulataikkal kifejezve minden fázist a szerelemről.” Kezdetben a sarabande tempója közepesen gyors volt később (a 17. századtól) egy lassú francia sarabande jelent meg jellegzetes ritmusmintával: ...... Hazájában a sarabande az obszcén táncok kategóriájába került és 1630. a Kasztíliai Tanács betiltotta.
Zhiga - angol eredetű tánc, a leggyorsabb, három ütemű, hármasokká alakuló tánc. Kezdetben a jig páros tánc volt, szóló, nagyon gyors, komikus jellegű táncként terjedt el a tengerészek körében. Később a hangszeres zenében egy ősi táncszvit befejező részeként jelenik meg.

SZÖVETSÉGI OKTATÁSI ÜGYNÖKSÉG

Állami Szakmai Felsőoktatási Intézmény "Mari Állami Egyetem"

Általános Iskolák Kara

Szakterület: 050708

„Az alapfokú oktatás pedagógiája és módszerei”

Tanszék: „Alapfokú oktatás pedagógiája”

Teszt

"A reneszánsz zenéje"

Joskar-Ola 2010

A reneszánsz korszaka (reneszánsz) minden művészet virágzásának és alakjaik ősi hagyományokhoz és formákhoz való vonzódásának időszaka.

A reneszánsznak egyenetlen történelmi és kronológiai határai vannak a különböző európai országokban. Olaszországban a 14. században, Hollandiában a 15. században kezdődik, Franciaországban, Németországban és Angliában pedig a XVI. Ugyanakkor a különböző alkotóiskolák közötti kapcsolatok kialakulása, az országról országra költözött, különböző kápolnákban dolgozó zenészek tapasztalatcseréje a kor jelévé válik, és lehetővé teszi, hogy az egész korszakra jellemző trendekről beszéljünk. .

A reneszánsz művészeti kultúrája a tudományon alapuló személyes kezdet. A 15–16. századi polifonisták szokatlanul összetett képessége, virtuóz technikája együtt élt a hétköznapi táncok briliáns művészetével és a világi műfajok kifinomultságával. A lírai-dramatizmus egyre inkább kifejezésre jut műveiben.

A reneszánsz korszak tehát, mint látjuk, a zenei művészet fejlődéstörténetének összetett időszaka, ezért indokoltnak tűnik részletesebben is megvizsgálni, az egyes egyénekre kellő figyelmet fordítva.

A zene az egyetlen univerzális nyelv, nem kell lefordítani, a lélek a lélekhez beszél.

Averbakh Bertold.

A reneszánsz zene vagy a reneszánsz zene az európai zene fejlődésének körülbelül 1400 és 1600 közötti időszakára utal. Olaszországban a 14. században új korszak kezdődött a zeneművészetben. A holland iskola a 15. században öltött formát és érte el első csúcsait, majd fejlődése tovább bővült, befolyása így vagy úgy más nemzeti iskolák mestereit is megragadta. A reneszánsz jelei egyértelműen megjelentek Franciaországban a 16. században, bár alkotói teljesítménye már a korábbi évszázadokban is nagy és tagadhatatlan volt.

A művészet felemelkedése Németországban, Angliában és néhány más, a reneszánsz pályáján szereplő országban a 16. századra nyúlik vissza. És mégis, idővel az új alkotói mozgalom meghatározóvá vált Nyugat-Európa egésze számára, és a maga módján visszhangot kapott Kelet-Európa országaiban.

A durva és durva hangok teljesen idegennek bizonyultak a reneszánsz zenéjétől. Fő lényegét a harmónia törvényei alkották.

A vezető pozíció továbbra is foglalt volt spirituális zene, templomi istentiszteletek alatt hangzik el. A reneszánsz idején megőrizte a középkori zene fő témáit: a világ Urának és Teremtőjének dicséretét, a vallásos érzés szentségét és tisztaságát. Az ilyen zenék fő célja, amint az egyik teoretikusa mondta, „Istennek tetszeni”.

A zenei kultúra alapja a misék, motetták, himnuszok és zsoltárok voltak.

A mise olyan zenemű, amely a latin rítusú katolikus liturgia részeiből áll, szövegei egy- vagy többszólamú éneklésre, hangszerrel vagy anélkül, ünnepi istentisztelet zenei kíséretére vannak megzenésítve. a római katolikus egyház és a magas protestáns egyházak, például a svéd egyházban.

A hangversenyeken istentiszteleten kívül is felcsendülnek zenei értékű misék, sőt, sok későbbi misét kifejezetten koncertteremben való előadásra, vagy valamilyen ünnep alkalmára komponáltak.

A gregorián ének hagyományos dallamaira visszanyúló templomi mise fejezte ki legvilágosabban a zenei kultúra lényegét. A középkorhoz hasonlóan öt részből állt a mise, mára azonban fenségesebb és nagyszabású lett. A világ már nem tűnt olyan kicsinek és láthatónak az ember számára. A hétköznapi életet a maga földi örömeivel már nem tekintik bűnösnek.

Motett (fr. motetta tól től mot- szó) többszólamú vokális többszólamú mű, a nyugat-európai középkor és a reneszánsz zenéjének egyik központi műfaja.

A himnusz (ógörögül ὕμνος) egy ünnepélyes ének, amely valakit vagy valamit (eredetileg istenséget) dicsér és dicsőít.

Zsoltár (görögül ψαλμός „dicsőítő ének”), r.p. zsoltár, többes szám zsoltárok (görögül ψαλμοί) - a zsidó (héberül תהילים‎) és a keresztény vallásos költészet és imádság himnuszai (az Ószövetségből).

Ezek alkotják a Zsoltárt, az Ószövetség 19. könyvét. A zsoltárok szerzőségét hagyományosan Dávid királynak (i.e. 1000 körül) és számos más szerzőnek, köztük Ábrahámnak, Mózesnek és más legendás alakoknak tulajdonítják.

A Zsoltár összesen 150 zsoltárt tartalmaz, imákra, dicséretekre, énekekre és tanításokra osztva.

A zsoltárok hatalmas hatással voltak a folklórra, és számos közmondás forrásaként szolgáltak. A judaizmusban a zsoltárokat himnuszszerű énekek formájában, kísérettel énekelték. Általában minden zsoltárhoz fel volt tüntetve a végrehajtás módja és a „modell” (a gregorián énekben intonációnak nevezett), vagyis a megfelelő dallam. A Zsoltár fontos helyet foglalt el a kereszténységben. A zsoltárokat istentiszteletek során, otthoni imákon, csata előtt és formáció közben énekelték. Kezdetben az egész közösség énekelte őket a templomban. A zsoltárokat a cappella énekelték, csak otthoni környezetben volt megengedett a hangszerhasználat. Az előadás típusa recitatív-zsoltáros volt. A teljes zsoltárok mellett ezekből az egyes, legkifejezőbb verseket is felhasználták. Ezen az alapon független énekek keletkeztek - antifona, fokozatos, traktus és halleluja.

Fokozatosan a világi irányzatok kezdenek behatolni az egyházi zeneszerzők műveibe. Az egyházi énekek többszólamú szövetébe bátran bekerülnek az egyáltalán nem vallásos tartalmú népdalok témái. De most ez nem mondott ellent a korszak általános szellemiségének és hangulatának. Éppen ellenkezőleg, a zene elképesztően egyesítette az istenit és az emberit.

A szakrális zene a 15. században érte el legnagyobb virágzását. Hollandiában. Itt a zenét jobban tisztelték, mint a művészet más formáit. A holland és flamand zeneszerzők voltak az elsők, akik új szabályokat dolgoztak ki többszólamú(polifonikus) előadás - klasszikus " szigorú stílus" A holland mesterek legfontosabb kompozíciós technikája az volt utánzás- ugyanazon dallam ismétlése különböző hangokon. A vezető hang a tenor volt, akire a fő ismétlődő dallam - cantus firmus ("változhatatlan dallam") volt - bízták. A tenor alatt szólt a basszus, fölötte az alt. A legmagasabb, vagyis mindenki fölé magasodó hangot hívták szoprán.

Matematikai számítások segítségével a holland és flamand zeneszerzőknek sikerült kiszámítaniuk a zenei intervallumok kombinációinak képletét. A komponálás fő célja egy harmonikus, szimmetrikus és grandiózus, belsőleg teljes hangszerkezet kialakítása. Ennek az iskolának az egyik legfényesebb képviselője, Johannes Ockeghem (kb. 1425-1497) matematikai számítások alapján 36 szólamú motettát komponált!

Ockeghem művei a holland iskolára jellemző összes műfajt képviselik: misét, motettát és sanzont. A legfontosabb műfaj számára a mise, kiemelkedő polifonistaként bizonyult. Az Okegem zenéje nagyon dinamikus, a dallamvonal széles tartományban mozog és széles amplitúdójú. Ugyanakkor Ockeghemre jellemző a sima intonáció, a tiszta diatonizmus és az ősi modális gondolkodás. Ezért Ockeghem zenéjét gyakran úgy jellemzik, hogy „a végtelenbe irányítják”, „lebegnek” egy kissé elrugaszkodott figurális környezetben. Kevésbé kötődik a szöveghez, énekekben gazdag, improvizatív, kifejező.

Nagyon kevés Ockeghem műve maradt fenn:

· körülbelül 14 tömeg (11 teljesen):

· Requiem Missa pro Defunctis (a zenei világirodalom történetének első többszólamú rekviemje);

· 9-13 (különböző források szerint) motetták:

· több mint 20 sanzon

Sok olyan mű van, amelynek Ockeghem tulajdonítása megkérdőjelezhető, köztük a híres, 36 szólamú „Deo gratias” motett. Néhány névtelen sanzont a stílusbeli hasonlóság alapján Ockeghemnek tulajdonítanak.

Ockeghem tizenhárom miséjét a Chigi-kódexként ismert 15. századi kézirat őrzi.

A misék között a négyrészesek dominálnak, van két ötrészes és egy nyolcrészes. Miséi témáiként Ockeghem népi ("L'homme armé"), saját ("Ma maistresse") vagy más szerzők dallamait használja (például Benchois a "De plus en plus"-ban). Vannak misék kölcsönzött témák nélkül („Quinti toni”, „Sine nomine”, „Cujusvis toni”).

Motetták és sanzon

Ockeghem motettái és sanzonjai közvetlenül szomszédosak miséivel, és főként léptékükben különböznek tőlük. A motetták között buja, ünnepi művek és szigorúbb szakrális kórusművek is szerepelnek.

A leghíresebb a „Deo gratias” ünnepi hálaadó motetta, amelyet négy kilencszólamú kompozícióra írtak, és ezért 36 szólamúnak tekintik. Valójában négy kilencszólamú kánonból áll (négy különböző témában), amelyek kis átfedésekkel követik egymást a következő eleje és az előző befejezése között. Azokon a helyeken, ahol átfednek, 18 szólam van, a motettában nincs igazi 36 szólam.

Nem kevésbé érdekes Orlando Lasso (kb. 1532-1594) holland zeneszerző munkája, aki több mint kétezer kultikus és világi jellegű művet alkotott.

Lasso korának legtermékenyebb zeneszerzője; Hatalmas öröksége miatt munkáinak művészi jelentősége (melyek közül sok megrendelésre készült) még nem teljesen felértékelődött.

Kizárólag énekes műfajokban dolgozott, többek között írt több mint 60 misét, egy rekviemet, 4 passióciklust (az összes evangélistának), a nagyhét hivatalait (különösen jelentősek a Nagycsütörtök, Nagypéntek és Nagyszombat Matins válaszai). , több mint 100 Magnificat, himnusz, faubourdon , körülbelül 150 francia. sanzon (sanzonja „Susanne un jour”, a bibliai Susanna történetének parafrázisa, a 16. század egyik legnépszerűbb színdarabja volt), olasz (villanelles, moresci, canzones) és német dalok (több mint 140 Lieder), körülbelül 250 madrigál.

A Lasszót a különböző nyelvű szövegek legrészletesebb kidolgozása jellemzi, mind liturgikus (beleértve a Szentírás szövegeit), mind pedig szabadon komponált. A koncepció komolyságát és drámaiságát, a terjedelmes köteteket a „Szent Péter könnyei” (1595-ben megjelent, Luigi Tranzillo verseihez írt hétszólamú spirituális madrigál-ciklus) és „Dávid bűnbánó zsoltárai” című kompozíció különbözteti meg. ” (1571-ből származó, fóliás formátumú kézirat, G. Milich illusztrációival díszítve, értékes ikonográfiai anyagot szolgáltatva a bajor udvar életéről, beleértve a zenei szórakoztatást is).

Lassótól ugyanakkor a világi zene humora sem volt idegen. Például a „lakomákon három személyben osztják az italokat” (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) sanzonban egy régi anekdota a csavargók életéből; a híres „Matona mia cara” dalban egy német katona szerelmi szerenádot énekel, eltorzítva az olasz szavakat; az „Ut queant laxis” himnusz szerencsétlen szolfézsét imitál. Lasso számos fényes kisjátéka igen komolytalan versekre íródott, ilyen például a „A hölgy érdeklődve nézett a kastélyba / A természet márványszobrára” (En un chasteau ma dame...) sanzon és néhány dal. (főleg Moreski) obszcén nyelvezetet tartalmaznak.

Világi zene A reneszánsz kort különféle műfajok képviselték: madrigálok, dalok, kanzonok. A zene, miután megszűnt az „egyház szolgája” lenni, most nem latinul, hanem anyanyelvén kezdett szólni. A világi zene legnépszerűbb műfaja a madrigál (olaszul: Madrigal - anyanyelvi dal) - többszólamú kórusművek, amelyek egy szerelmi költemény szövegére íródnak. Leggyakrabban híres mesterek verseit használták erre a célra: Dante, Francesco Petrarch és Torquato Tasso. A madrigálokat nem hivatásos énekesek, hanem egy egész amatőr együttes adták elő, minden részt egy-egy énekes vezetésével. A madrigál főhangulata a szomorúság, a melankólia és a melankólia, de voltak vidám, lendületes kompozíciók is.

A zenei kultúra kortárs kutatója, D.K. Kirnarskaya megjegyzi:

„A madrigál fenekestül felforgatta a reneszánsz teljes zenei rendszerét: a mise sima és harmonikus dallamplasztikája összeomlott... a változatlan cantus firmus, a zenei egész alapja, eltűnt... a megszokott „szigorú” fejlesztési módszerek írás”... teret engedett az epizódok érzelmi és dallami ellentéteinek, amelyek mindegyike során igyekeztem minél kifejezőbben átadni a szövegben rejlő költői gondolatot. A Madrigal végül aláásta a „szigorú stílus” gyengülő erőit.

A világi zene egy hasonlóan népszerű műfaja volt a hangszerekkel kísért dal. A templomban játszott zenétől eltérően a dalok előadása meglehetősen egyszerű volt. Rímezett szövegük egyértelműen 4-6 soros strófákra tagolódott. A dalokban, akárcsak a madrigálokban, a szöveg nagy jelentőséget kapott. Előadáskor a költői sorok nem vesznek el a többszólamú éneklésben. Különösen híresek voltak Clément Janequin (kb. 1485-1558) francia zeneszerző dalai. Clément Janequin mintegy 250 sanzont írt, többnyire 4 szólamra Pierre Ronsard, Clément Marot, M. de Saint-Gelais és névtelen költők versei alapján. További 40 sanzonnal kapcsolatban a modern tudomány vitatja Janequin szerzőségét (ami azonban nem csökkenti magának a vitatott zenének a minőségét). Világi többszólamú zenéjének fő megkülönböztető jegye a programszerűség és a vizuális minőség. A hallgató szeme előtt a csata képei („Marignánói csata”, „Renti csata”, „Metzi csata”), vadászjelenetek („A madarak éneke”, „A csalogány éneke”) ”, „A pacsirta”), mindennapi jelenetek („Női fecsegés”). Janequin élénken közvetíti a párizsi mindennapok hangulatát a „Cries of Paris” sanzonban, ahol az utcai árusok kiáltásai hallatszanak („Tej!” - „Piték!” - „Articsóka!” - „Hal!” - „Gyufa!” !” - „Galambok!” - „Régi cipő!” A textúra és a ritmus minden leleményessége ellenére Janequin zenéje a harmónia és kontrapont terén nagyon hagyományos marad.

Megkezdődött a reneszánsz professzionális zeneszerzés. Ennek az új irányzatnak a feltűnő képviselője kétségtelenül Palestrina (1525-1594). Hagyatéka számos szakrális és világi zeneműből áll: 93 mise, 326 himnusz és motetta. Két kötetnyi világi madrigál szerzője Petrarch szavai alapján. Hosszú ideig kórusvezetőként dolgozott a római Szent Péter-bazilikában. Az általa alkotott egyházi zenét az érzések tisztasága és magasztossága jellemzi. A zeneszerző világi zenéjét rendkívüli spiritualitás és harmónia hatja át.

A reneszánsz kialakulását köszönhetjük instrumentális zene mint önálló művészeti forma. Ebben az időben számos hangszeres darab, variáció, előjáték, fantázia, rondó, toccata jelent meg. A hangszerek közül különösen népszerű az orgona, a csembaló, a hegedű, a különféle fuvolák, a 16. század végén. - hegedű.

A reneszánsz új zenei műfajok megjelenésével ér véget: szólódal, oratórium és opera. Ha korábban a zenei kultúra központja a templom volt, akkor ettől kezdve szólt a zene az operaházban. És ez így történt.

Az olaszországi Firenzében a 16. század végén. Tehetséges költők, színészek, tudósok és zenészek kezdtek gyülekezni. Ekkor egyikük sem gondolt semmiféle felfedezésre. És mégis, ők voltak azok, akiknek igazi forradalmat kellett végrehajtaniuk a színházi és zenei művészetben. Az ókori görög drámaírók műveinek újraalkotását követően saját zenét kezdtek komponálni, amely véleményük szerint megfelelt az ókori dráma természetének.

tagok kamerák(ahogy ezt a társaságot nevezték) gondosan kigondolta a mitológiai szereplők monológjainak és dialógusainak zenei kíséretét. A színészeknek szóbeli részeket kellett előadniuk énekbeszéd(deklamáció, kántáló beszéd). És bár a szó továbbra is vezető szerepet játszott a zenével kapcsolatban, az első lépés megtörtént közeledésük és harmonikus összeolvadásuk felé. Egy ilyen előadás lehetővé tette az ember belső világának gazdagságának, személyes tapasztalatainak és érzéseinek nagyobb mértékű közvetítését. Az ilyen vokális részek alapján áriák– befejezett epizódok egy zenés előadásban, beleértve az operát is.

Az operaház gyorsan szerelmet szerzett, és nemcsak Olaszországban, hanem más európai országokban is népszerűvé vált.

Felhasznált irodalom jegyzéke

1) Egy fiatal zenész enciklopédikus szótára / Összeáll. V.V. Medusevszkij, O.O. Ochakovskaya. – M.: Pedagógia, 1985.

2) A világ művészeti kultúrája. Az eredettől a 17. századig: tankönyv. 10. osztály számára Általános oktatás humanitárius intézmények / G.I. Danilova. – 2. kiadás, sztereotípia. – M.: Túzok, 2005.

Reneszánsz(Francia) Reneszánsz) - egy korszak Nyugat-Európa kulturális és történelmi életében a 15-16. (Olaszországban - XIV-XVI. század). Ez a kapitalista viszonyok kialakulásának és fejlődésének, a nemzetek, nyelvek és nemzeti kultúrák kialakulásának időszaka. A reneszánsz a nagy földrajzi felfedezések, a nyomtatás feltalálásának és a tudomány fejlődésének ideje.

A korszak ennek köszönhető ébredésérdeklődés antik művészet, amely az akkori kulturális személyiségek eszményévé vált. Zeneszerzők és zeneteoretikusok - J. Tinktoris, G. Tsarlino és mások - ókori görög zenei értekezéseket tanulmányoztak; a Michelangelóhoz hasonlított Josquin Despres zenei műveiben „az ókori görögök elveszett tökéletessége megnőtt”; század végén – a 17. század elején jelent meg. Az opera középpontjában az ókori dráma törvényei állnak.

A reneszánsz művészet alapja az volt humanizmus(a latin „humanus” szóból - humánus, humánus) - az embert a legmagasabb értéknek hirdető nézet, amely megvédi a valóság jelenségeinek saját megítéléséhez való jogot, igényt támaszt a tudományos ismeretek és a jelenségek megfelelő tükrözésére. a valóság a művészetben. A reneszánsz ideológusai szembeállították a középkor teológiáját a földi érzésekkel és érdekekkel átitatott ember új ideáljával. A reneszánsz művészete ugyanakkor megőrizte az előző kor vonásait (világi lényege lévén a középkori művészet képeit használta fel).

A reneszánsz a széles körű antifeudális és antikatolikus vallási mozgalmak ideje is volt (Csehországban a huszitizmus, Németországban a lutheranizmus, Franciaországban a kálvinizmus). Mindezeket a vallási mozgalmakat a „közös koncepció egyesíti protestantizmus" (vagy " megújulás»).

A reneszánsz idején a művészet (beleértve a zenét is) hatalmas állami tekintélynek örvendett, és rendkívül széles körben elterjedt. Képzőművészet (L. da Vinci, Raphael, Michelangelo, Jan Van Eyck, P. Bruegel stb.), építészet (F. Brunelleschi, A. Palladio), irodalom (Dante, F. Petrarch, F. Rabelais, M. Cervantes , W. Shakespeare), zene.

A reneszánsz zenei kultúrájának jellemző vonásai:

gyors fejlődés világi zene (a világi műfajok széles körű elterjedése: madrigálok, frottolok, villanellek, francia „sanzonok”, angol és német többszólamú énekek), támadása a világival párhuzamosan létező régi egyházi zenei kultúrára;

reális zenei irányzatok: új témák, a humanista nézeteknek megfelelő képek és ennek eredményeként a zenei kifejezés új eszközei;

népi dallam mint egy zenei mű vezető kezdete. A népdalokat cantus firmusként (a többszólamú művek tenor fő, változatlan dallamaként) és a többszólamú zenében (beleértve az egyházi zenét is) használják. A dallam lágyabbá, rugalmasabbá és dallamosabbá válik, mert... az emberi tapasztalatok közvetlen kifejezése;

erőteljes fejlődés többszólamú zene, beleértve és " szigorú stílus" (másképp - " klasszikus énekpolifónia", mert ének- és kóruselőadásra összpontosított). A szigorú stílus a megállapított szabályok kötelező betartását feltételezi (a szigorú stílus normáit az olasz G. Zarlino fogalmazta meg). A szigorú stílus mesterei elsajátították az ellenpontozás, az utánzás és a kánon technikáit. A szigorú írás a diatonikus egyházi módok rendszerén alapult. A harmóniában a konszonanciák dominálnak, a disszonanciák használatát speciális szabályok korlátozták. A nagy és moll módok és az órarendszer összeadódik. A tematikus alap a gregorián ének volt, de alkalmaztak világi dallamokat is. A szigorú stílus fogalma nem fedi le a reneszánsz összes többszólamú zenéjét. Főleg Palestrina és O. Lasso polifóniájára összpontosít;

egy új típusú zenész kialakulása – szakmai, aki átfogó zenei szakirányú oktatásban részesült. A „zeneszerző” fogalma először jelenik meg;

nemzeti zeneiskolák megalakítása (angol, holland, olasz, német stb.);

az első fellépők megjelenése on lant, hegedű, hegedű, csembaló, orgona; az amatőr zenélés virágzása;

a zenenyomtatás megjelenése.

A reneszánsz fő zenei műfajai

A reneszánsz legnagyobb zeneteoretikusai:

Johann Tinctoris (1446-1511),

Glarean (1488-1563),

Josephfo Zarlino (1517-1590).