Művészek valósághű festményei. Hogyan készülnek a festmények a hiperrealizmus stílusában
Biztosan mindenki látott már legalább egyszer olyan képeket a hírfolyamában, amelyek nagyon hasonlítanak a fényképekhez. Első pillantásra meglehetősen nehéz megérteni, hogy az ilyen munkát modern digitális technológiával, vagy ecsettel és festékekkel készítették-e. Általában ezek olyan művészek rajzai, akik a hiperrealizmus stílusát választották. A festmények nagyon hasonlítanak a fényképekhez, ugyanakkor gyakran valami többet közvetítenek.
Mi a hiperrealizmus
Ez a stílus viszonylag nemrég jelent meg, és már sok rajongót nyert, és szembesült azok gyűlöletével, akik nem értik a valóság másolásának értelmét. A festészetben kevés művészi stílus olyan ellentmondásos, mint a hiperrealizmus.
Az első ilyen alkotásokat a világ a 20. század 70-es éveiben látta. A valóság elképesztően pontos másolása annyira lenyűgözte az elméket, hogy a stílus gyorsan nagyon népszerűvé vált. Manapság a szurkolók és ellenfelek között végtelen viták még jobban felkeltik rá a figyelmet.
A vélemények ütközésének témája általában egy kérdéssé válik: miért kell olyat rajzolni, amit le lehet fényképezni. A hiperrealizmus lényege, hogy a leghétköznapibb dolgokra is felhívja a néző figyelmét. Ez a lépték többszöri növekedése, az összetett hátterek elhagyása és a lenyűgöző képtisztaság miatt következik be. A hiperrealizmus stílusát választó művész nem erőlteti rá véleményét a nézőre – minden alkotása egyszerű és meglepően valósághű.
Mit festenek a hiperrealisták?
A hiperrealizmus stílusában dolgozó művész kreativitásának tárgya szinte bármilyen tárgy lehet, amelyen megakad a szeme. Gyümölcsök, nejlonzacskók, üveg, fém, víz – bármi megtestesülhet a következő képen. Általában a hiperrealisták úgy mutatják meg a nézőnek a kiválasztott tárgyat, mintha mikroszkóp alatt lenne, többszörösére növelve annak méretét, és lehetővé téve, hogy egy teljesen más világba merüljön.
A művész gyakran megpróbálja felhívni a néző figyelmét egy bizonyos részletre, kontrasztosabbá téve és simán feloldva minden mást. Első pillantásra talán nem is érti, hogy a figyelem pontosan erre a képrészre összpontosul, csak azért, mert a művész így akarta. Ez a hiperrealisták finom pszichológiája, amely lehetővé teszi számukra az érzelmek manipulálását. De nem minden művész használja ezt a technikát – vannak, akik szívesebben készítenek olyan műveket, amelyek teljesen másolják a valóságot.
Hiperrealista portrék
De sok mű közül a stílus rajongói különös figyelmet fordítanak a portrékra. Egy pohár vízbe eső citromot nehéz lerajzolni, de az érzelmek, a hangulat és a karakter közvetítése még nehezebb. Sok modern művész megnehezíti munkáját azzal, hogy festéket, vizet vagy olajat önt a modellre, hogy a festményt eredetibbé tegye.
De általában a hiperrealisták nem korlátozzák magukat a festési téma kiválasztásában. A festészet sok más művészi stílusához hasonlóan ez a fajta művészet is szinte bármit bemutathat a nézőnek.
Mivel rajzolnak?
Az anyagok, amelyekkel a hiperrealisták dolgoznak, teljesen eltérőek lehetnek. Nagyon népszerűek az olajjal vagy akrillal készült munkák. A színek gazdagsága lehetővé teszi a művész számára, hogy kontrasztos, világos és igazán vonzó festményeket alkosson.
De vannak más anyagok is, amelyeket igazi tehetségek használnak a hiperrealizmus stílusú művek létrehozásához. Például a portrékat leggyakrabban ceruzával használják. Lehetővé teszi, hogy egyértelműen rajzoljon ráncokat az arcon, a haj legkisebb elemeit stb. A hiperrealista művészek hihetetlenül napos és fényes portrékat készítenek.
Az akvarell alkalmasabb tájképek festésére a hiperrealizmus stílusában. A festmények könnyűek és légiesek - az áttetsző festék lehetővé teszi a tér jobb közvetítését. Annak ellenére, hogy a művészek gyakran festenek erdőket, tavakat és vad folyókat, ritkán hagyják el otthonukat alkotni. A hiperrealisták szinte minden festményt fényképekről másolnak le, amelyeket gyakran maguk is készítenek.
Híres művészek
Sokan láttak ilyen stílusban festő művészek festményeit, de kevesen hallották a nevüket. Az egyik leghíresebb hiperrealista Will Cotton. „Édes” festményei nem vonhatják magukra a figyelmet. Általában lányokat ábrázolnak a felhőkön, amelyek különféle desszertekre emlékeztetnek - süteményekre, sütikre stb.
Lehetetlen nem megjegyezni Rafaella Spence hiperrealizmus stílusában készült tájait. A művész festményei lenyűgöznek elevenségükkel, ami miatt szinte megkülönböztethetetlenek a fényképektől.
Számos absztrakt művészeti stílusban alkotott alkotást követően az egyik leghíresebb hiperrealista. Festményein az emberek és a tárgyak kissé homályosak, mintha a fény közvetlenül áthaladna rajtuk. Ennek a szokatlan hatásnak köszönhetően Richter festményei könnyen felismerhetők sok más között.
Érdemes tisztelegni a hiperrealizmus stílusában festő művészek előtt. Az általuk készített festmények a legmagasabb szintű készség példái.
Ezek a művészek lenyűgözik tehetségüket és azt, ahogyan hiperrealisztikus festményeiket készítik. Nehéz elhinni, de ezek nem fotók, hanem valódi ceruzával, festékekkel, sőt golyóstollal rajzolt festmények. Nem értjük, hogy csinálják?! Csak élvezze a kreativitásukat.
Omar Oritz- hiperrealista művész Mexikóból, Bachelor of Graphic Design. Festményeinek fő témái emberi alakok, többnyire meztelen nők. A festményen a művész három elemet emel ki: az emberi alakot, a terített anyagokat és a fehér színt. Omar munkáinak sajátossága a minimalista stílus, a lakonizmus a test finom íveinek és vonalainak közvetítésében, valamint az olajos munka.
Paul Cadden világszínvonalú kortárs művész Skóciából. Pál munkáihoz csak fehér krétát és grafitot használ, amelyekkel szinte bármilyen fényképet képes újraalkotni, ügyelve az észrevehetetlen apró részletekre. Ahogy a művész maga is bevallja, nem talál ki új részleteket, csak kiemeli azokat, ezáltal egy új valóság illúzióját keltve, ami az eredeti fényképeken sokszor nem is látszik.
Kamalky Laureano- 1983-ban született művész a Dominikai Köztársaságban, jelenleg Mexikóvárosban él és dolgozik. Kamalki a Design és Művészeti Iskolában végzett, és hiperrealisztikus portrék készítésére specializálódott. A témákat nehéz megkülönböztetni a valódi fényképektől, bár akrilfestékekkel vannak vászonra festve. A szerző számára munkája nem csupán fényképek utánzata, hanem egy egész élet vászonra öltve.
Gregory Thielker- 1979-ben született New Jersey-ben, művészettörténetet és festészetet tanult a Washingtoni Egyetemen. Bostonba költözése lett a kiindulópontja a hiperrealisztikus városképekkel kapcsolatos munkáinak, amelyek világszerte híressé tették. Tilker festményei olyanok, mint autóval utazni egy hideg esős napon. A szerző a 70-es évek művészeinek alkotásaiból ihletett valósághű festményeit akvarell- és olajfestékekkel készíti.
Lee Price New York-i művész, festő szakon végzett az egyetemen, szakterülete a figuratív festészet. Lee munkáinak fő témája a nők összetett kapcsolata az étellel. Mintha kívülről figyelné a néző azokat a nőket, akik titokban valami finomat, de ártalmasat esznek. A művész maga elmondja, hogy alkotásaiban igyekszik megmutatni, hogy a nők az ételt olyan tulajdonságokkal ruházzák fel, amelyek nem velejárói, és nem megfelelő forrásban keresnek vigaszt. A festmények a helyzet abszurditását, a valóságtól való menekülési kísérletet, a kellemetlen érzések enyhítését közvetítik.
Ben Weiner 1980. november 10-én született Burlingtonban, Vermontban, a Művészeti Egyetemen végzett, olajjal fest vászonra. A művész munkáinak sajátossága egy szokatlan cselekmény. Ben fest! A művész először festékeket visz fel a munkafelületre, lefényképezi, majd az elkészült fotóról vászonra fest egy képet.
1950-ben született Észak-Kaliforniában, és valósághű akrilfestményeiről ismert vászonra. A szerző gyerekkorában a rajzolás szeretetét a sportban is sikerrel osztotta meg, de hátsérülése határozta meg Ray fő foglalkozását. Ahogy a művész bevallotta, a rajzolás elvonta a figyelmét az állandó hátfájásról. A mester már fiatal korában is széles körű elismerést és számos díjat kapott művészeti versenyeken.
Alyssa szerzetesek Brooklynban él és alkotja festményeit, széles körben ismertté vált realista „nedves” festményeivel. A művész szűrőket, például vizet, üveget vagy gőzt használ absztrakt minták létrehozásához. Munkájához Alyssa gyakran használ a család és a barátok személyes archívumából származó fényképeket. A festményeken látható női arcok és figurák hasonlóak egymáshoz - a művész gyakran fest önarcképeket, mivel azt állítja, hogy neki „könnyebb” elkészíteni a szükséges cselekményt.
Pedro Campos- hiperrealista Madridból, csak 30 évesen kezdett olajfestékkel foglalkozni. A művész valósághű csendéleteit olajfestékkel készíti. Campos belsőépítészként, illusztrátorként és bútorok, szobrok és festmények művészeti restaurátoraként dolgozott. A művész úgy véli, hogy restaurátori munkája segítette tudását.
Dirk Dzimirsky- németországi képzőművész, 1969-ben született, művészeti végzettséget szerzett, ceruzatechnikával dolgozik. A művész fényképekből rajzol képeket, anélkül, hogy belemenne a legapróbb részletekbe, és sokat improvizál. Dirk azt mondja, hogy amikor egy festményen dolgozik, egy élő modellt képzel el, így a fényképeket csak az előre meghatározott arányok alapos átadására használja. A szerző fő feladatának azt tekinti, hogy az alany képben való jelenlétének érzetét keltse.
Thomas Arvid egy New Orleans-i amerikai hiperrealista művész, aki Detroitban született és nőtt fel, hivatalos képzettséggel nem rendelkezik, és az úgynevezett „túlméretezett” csendéletek mestere. Realisztikus festménysorozata „Borpince” dugók, palackok, poharak pezsgővel vagy mélyvörös italokkal. A neves kritikusok és kiadványok a művész több mint 70 alkotását jegyezték fel. A mester festményei nemcsak pincészetek és rangos borszalonok falait díszítik, hanem magángyűjteményeket és galériákat is.
Robin Eley Nagy-Britanniában született, Ausztráliában nőtt fel, él és dolgozik, Bachelor of Fine Arts diplomával rendelkezik, és elnyerte a Doug Moran National Portrait Awardot. Hiperrealista festményeit olajjal készíti, fő „lovának” az „emberek és celofán” témát tartja. A mester körülbelül 5 héten keresztül, heti 90 órában dolgozik egy festményen, szinte minden festmény celofánba csomagolt embereket ábrázol.
Samuel Silva speciális végzettség nélküli portugál amatőr művész, aki személyes példájával bizonyítja, hogy bármiből lehet remekművet alkotni. Festmények készítésekor a művész nyolc színű Bic golyóstollat használ. Silva szakmáját tekintve jogász, és a rajzolás iránti szenvedélyét nem másnak, mint hobbinak tartja. A világhírű autodidakta művész ma új festési technikákat sajátít el, festékek, kréta, színes ceruza, pasztell stb.
Gottfried Helnwein- Osztrák művész, hiperrealista, társadalmi, politikai és történelmi témájú festmények szerzője, „a váratlan felismerés mestere”, ahogy W. Burroughs író nevezte. A szerző a Bécsi Képzőművészeti Akadémián tanult, és magas szakmai színvonalú művész. Hírnevét bizonyos mértékig vitatott témák és szürreális kompozíciók hozták. A mester gyakran ábrázolt képregényszereplőket festményein, és bevallja, hogy „többet tanult Donald kacsától, mint az összes iskolában, ahová járt”.
Franco Clun olasz autodidakta művész, aki a grafitrajzolást részesíti előnyben minden más művészi technikával szemben. Fekete-fehér realista festményei Franco független tanulmányozásának eredményei a festészeti technikák különféle irodalmáról.
Kelvin Okafor- hiperrealista művész, 1985-ben született, Londonban él és alkot. Kelvin a Middlesex Egyetemen szerzett képzőművészeti diplomát. A szerző egyszerű ceruzával készíti festményeit, munkáinak fő témája a hírességek portréi.
Amy Robins brit művész, aki színes ceruzákat és építőpapírt használ hiperrealisztikus munkáihoz. A művész művészeti és tervezői múlttal és BA képzőművészeti végzettséggel rendelkezik, és Bristolban él és dolgozik. A fiatal szerzőről keveset tudni, de művei már világszerte ismertté váltak, feltűnőek realizmusukkal és kivitelezési technikájukkal.
Robert Longo- 1953-ban Brooklynban született amerikai művész és szobrász a legendás Goslar Kaiser Ring díjjal tüntették ki. A művész atomrobbanásokról, tornádókról, hurrikánokról és cápákról készült háromdimenziós képeit szénnel rajzolja papírra. Longót gyakran a "halál festőjének" nevezik. A híres Untitled (Skull Island) festményt, amely egy hullámot ábrázol, 392 ezer dollárért kelt el a Christie’s londoni aukcióján.
Diego Fazio- egy autodidakta művész, 1989-ben született Olaszországban, nem rendelkezik művészeti végzettséggel, kezdetben tetoválási vázlatok kidolgozásával kezdte, és idővel kifejlesztette saját rajztechnikáját. A fiatal művész számos nemzetközi versenyen vett részt, ahol díjakat nyert, és kiállításokon is képviseltette magát világszerte. A művész DiegoKoi álnéven dolgozik.
Bryan Drury 1980-ban született Salt Lake Cityben, a New York-i Művészeti Akadémián szerzett diplomát, festményeket készít a realizmus műfajában. A művész olajfestékkel festi festményeit. A szerző bevallása szerint munkáiban a bőr organikus tulajdonságaira és hiányosságaira igyekszik a hangsúlyt helyezni.
Steve Mills amerikai művész, aki 11 évesen eladta első festményét. A művész olajfestékekkel készíti festményeit, a mindennapi élet legapróbb részleteire fókuszálva, amit örökös rohanásunkban sokszor észre sem veszünk. A művész megjegyzi, hogy a tárgyakat olyannak ábrázolja, amilyenek a valóságban vannak, anélkül, hogy megváltoztatná vagy eltúlozná eredeti formájukat.
Paul Lung Hong Kongban született, automata ceruzával rajzol A2-es lapokra. A festmények készítésének technikájának sajátossága a radír használatának alapvető megtagadása; A művész fő „múzsái” a macskák, bár embereket és más állatokat is fest. Minden mű legalább 40 órát vesz igénybe a szerzőtől.
Roberto Bernardi Olaszországban született, 19 évesen kezdett érdeklődni a hiperrealizmus iránt, restaurátorként dolgozott a San Francesco templomban. Festmények készítéséhez olajfestékeket használ. A fogyasztói társadalomra jellemző tárgyakat ábrázoló alkotások sorozata hozta meg a művész világhírét. Az édességeket tartalmazó festmények, automaták, hűtőszekrények polcai a művész névjegyei, bár arzenáljában tájképek, csendéletek és még sok más található.
Juan Francisco Casas spanyol művész, aki hagyományos Bic golyóstollal készíti festményeit. Casas hagyományos művész volt, aki úgy döntött, hogy bebizonyítja másoknak, hogy nem a munka anyaga a fontos, hanem a festés módja és technikája. A kreatív spanyol legelső kiállítása világhírnevet hozott neki. Casas legtöbb festménye a barátait ábrázolja.
Teresa Elliott amerikai művész, aki mielőtt valósághű olajfestményeket készített volna, 26 évig sikeresen dolgozott illusztrátorként. Teresa Bachelor of Fine Arts diplomát szerzett, visszatért a klasszikus művészethez, és a legapróbb részletekig igaz portréival vált híressé az egész világon.
Hiperrealizmus a festészetben.
A klasszikus festészet elsősorban egy olyan cselekménybe vezet be minket, amelyben a térfogat és a szín a fő. A legtöbb Művész így ír – minden gondolatát, érzését és érzelmeit színben és hangerőben közvetíti. De vannak művészek, akik megpróbálnak eljutni a mikroszkopikus árnyalatokig, és felülmúlják a kamerát. Ezek a hiperrealizmus művészei. És én csak a „tiszta” művészekről szeretnék beszélni, azokról, akik ötvözik a festészetet és a különféle technológiát, ma már nem foglalkozunk vele...
A legtöbb ember a hiperrealizmust egyszerű, festékkel, ceruzával, tollal vagy más eszközökkel készített fotorealisztikus képként érzékeli. De nem minden olyan egyszerű...
A hiperrealizmus mozgalom megjelenése
A hiperrealizmus a művészetben külön mozgalomként 1973 óta jelent meg egy brüsszeli kiállítás után, amikor ezt a szót a francia „fotorealizmus” helyére hozták létre. Jean Baudrillard a következőképpen jellemezte a hiperrealista mozgalom filozófiáját: „ez a nemlétező megteremtése a valós tárgyak pontos ábrázolásával”.
1973 óta sok idő telt el, és a „hiperrealizmus” definíciója megváltozott - ma már vannak benne trendek, és ezek közül az egyik csak a valóság egyszerű pontos reprodukálása kreatív torzítások keveredése nélkül.
A kép tárgyai és tárgyai
A rendezés egyedisége abban rejlik, hogy a kép a leghétköznapibb és legfigyelemreméltóbb epizódot képes ábrázolni, valami olyasmit, ami minden nap körülvesz bennünket. Az igazi készség éppen abban nyilvánul meg, hogy a néző nem tudja megkülönböztetni a valóságot az írott műtől.
A művészek gyakran választották témának egy-egy nagyváros mindennapjainak ábrázolását: kereszteződések, körutak, lakóépületek, hétköznapi járókelők.
Különös figyelmet fordítottak a fényvisszaverő felületek meglétére: kirakatok, arcüvegek, autók szélvédői, műanyag, polírozott síkok. A tükröződés játéka, a sugarak természetes visszaverődése a kép és a való világ térének teljes áthatolását hozza létre.
A hiperrealisták fő feladata az volt, hogy ne csak hihetően, hanem hiperrealisztikusan ábrázolják a világot, mintha a néző egy töredékét kitépnék és a falra helyeznék.
A hiperrealizmus technika jellemzői
Hogyan rajzoljunk hiperrealizmust a festészetben? Az ebben az irányban dolgozó művészek új, nagyon szokatlan és innovatív festési módszereket alkalmaznak. Aktívan alkalmazzák a fényképek másolásának mechanikus módszereit, a képeket egy nagy vászon méretűre nagyítva. Ebben a diavetítés és a skálarács segített nekik.
A festék felvitelének technikája eltérő lehet: egyes művészek faszénnel és egyszerű ceruzával festik festményeiket. Ez a működési elv hasonló a tintasugaras nyomtatóval nyomtatott képhez. A festék felhordásának másik módja az, hogy festékszóróval permetezzük. Ez lehetővé teszi, hogy megőrizze a fénykép sajátosságait, és kizárja a művész kreatív egyéniségének legkisebb jelét.
A hiperrealista művészek alkotásaiban sok meztelen test található. Férfiak, nők - nem számít, de minden vászon először is nem vulgaritást, nem erotikát, hanem a meztelen emberi lényeget közvetíti.
Minden védelmi mechanizmust és maszkot, amely alá az emberek elbújnak, eldobtak. A hiperrealizmus az aktfestészetben az ember témája és a világhoz való viszonyának ábrázolásának külön módszere.
Külön téma a hiperrealizmus a festészetben és az ezt az irányt képviselő művészek.
Mindegyikük ügyességét folyamatosan összehasonlítják az ínyencek, a motívumokban, képekben és technikákban keresik a hasonlóságokat és a különbségeket. Egyes alkotások nem különböztethetők meg a fényképektől, de vannak olyan festmények, amelyeken a művész egyéni technikájának jegyei még kivehetők a valósághű képen.
Szóval, hiperrealista művészek, kik ők és miért van szükségük rá?
Miért próbáljunk olyan dolgokat közvetíteni, amelyeket a dolgok és jelenségek megfigyelése során talán nem is érzékelünk? Hiszen a valóságról beszélünk, nem a fotózásról...
És itt gyakorlatilag nincsenek korlátok a művész számára... Ha van vágy a molekuláris részletek mélyére jutni - minden a művész kezében van -, a lényeg az, hogy tanulmányozza a technikát és megtanulja, hogyan kell mesterien alkalmazza...
Tehát miben különbözik a klasszikus festészet a hiperrealizmus létrehozásának folyamatától?
A klasszikus festészetben a művész a tárgyak dinamikáját egy mozdulatlan vásznon mutatja be, mintha a festmény egy pillanatra megdermedne, és hamarosan folytatná mozgását…
A hiperrealisták ezt a nyugalmat akarják örökre megörökíteni, ahogy az a fotózásban lehetséges.
Előfordul, hogy a mozdulatlanság túlságosan hipertrófiásnak (túlzottnak) bizonyul. Ez a képkészítési módszer a hosszú expozíciós fotózásra emlékeztet. A nézőnek egyértelműen az az érzése, hogy nemcsak a térrel, hanem az idővel is játszik. Az ilyen festmények nem állítják meg az időt, hanem lassítják és gördülékenyebbé teszik azt.
A hiperrealizmus stílusú festmények pedig lehetővé teszik, hogy mikroszkópon át nézzen, és sok láthatatlan dolgot lásson - ez meglepően szokatlan és lenyűgöző...
A hiperrealizmus stílusú alkotásoknak többnek kell lenniük, mint a valóság másolatának, hiperrealitást kell közvetíteniük...
Miért kell ez egy művésznek?
Sokak számára a hiperrealizmus az önkifejezés sajátos formája. Egyesek számára ez egy lehetőség arra, hogy tökéletesítsék tudásukat, és maximális hatást érjenek el festékekkel és ecsettel, de mások számára ez a meditáció, a relaxáció és a csodálatos élvezet módja a tárgyakon és tárgyakon végzett aprólékos, részletes munka során.
Kipróbálnád magad realista művészként? Ossza meg benyomásait és gondolatait ezzel kapcsolatban...
Várjuk észrevételeiket... És munkájukat - ha már kipróbálta magát ebben a technikában...
És ha szeretné kipróbálni magát realista művészként, akkor kezdje el most -
Megnézed a fényképeket, de a leírás elolvasása után megérted, hogy ezek valójában festmények. A hiperrealista művészek varázslatot készítenek papíron. Festékekkel, ceruzákkal rajzolnak... Festményeiket nem lehet megkülönböztetni a fényképektől. Ezt .Mi a hiperrealizmus?
A realizmus egy olyan festészeti stílus, amelynek célja a világ közvetítése olyannak, amilyen a képen van. A „hiper” előtag többet jelent a realizmusnál. A stílus a fotózás hatására alakult ki - a művészek úgy döntöttek, hogy próbára teszik képességeiket: képesek lesznek-e olyan képet rajzolni, amely úgy néz ki, mint egy fotó? És sokaknak sikerül.A hiperrealizmus stílusú festmények meglepnek hihetőségükkel. Minden festmény minden vonáson végzett részletes munka eredménye. Sokban .
1. Luciano Ventrone
Luciano Ventrone olasz művész, aki világszerte elismert realista. Aztán úgy döntött, hogy a hiperrealizmus stílusában kísérletezik – és sikerült is neki. Festésének titka a megfelelő színválasztásban rejlik. A művész azt mondja:„A festmény nem csak egy tárgy, amelyet ráfestenek. Az igazi festmény a téma színe és fénye.”.
Ezen a képen a kék több ezer árnyalatát látjuk. Úgy tűnik, hogy a víz megvilágított, a víz szikrázik a napon. A nap mögöttünk van, hátul süt, előttünk pedig a felhőkkel borított sötét égbolt. Mindez nagyon reálisnak tűnik.
A művész még a művészeti iskolában tanulva megmutatta jövőbeli tehetségét hiperrealistaként. A tanárok felfigyeltek Ventrone részletek iránti szeretetére, és néhány rajza még az anatómia tankönyvekbe is bekerült.
A művész a gránátalma minden részletén dolgozott. Minden gyümölcsszemen van egy csillogó fény a fénytől, pontosan úgy, mint az életben.
Az utóbbi időben a művész csendéletekkel foglalkozik. Erős lámpák alá helyezi a gyümölcsöket, hogy a fény és az árnyék szépen essen a tárgyakra, és le is fényképezi, és rajzolás közben mindig összehasonlítja a rajzot a fotóval.
Ügyeljen a vázára: első pillantásra beleolvad a háttérbe. De ha alaposan megnézed, láthatod, hogy Luciano milyen gondosan dolgozott rajta.
A Ventrone mérgező olajfestékekkel fest. A méregfesték ősi művészeti hagyomány. Ha ilyen festék kerül a bőrre, égési sérülést okozhat. De ezek a színek a legfényesebbek és a legjobb minőségűek.
A fekete háttér kontrasztként szolgál a piros színhez – a színek pedig különösen élénken játszanak.
2. Szergej Geta
Szergej modern grafikus és festő. A Kijevi Művészeti Intézetben tanult, Moszkvában él és dolgozik. A hiperrealizmushoz a fotóművészet ihlette.A festmény a „Sunny Day” nevet viseli. Minden hiperrealista beszél a világítás fontosságáról festményein. Itt a kép „karakteréről” kiderül, hogy nem zöld, hanem a nap, a fény.
Eleinte ceruzával másoltam a fényképeket - egy ólomceruza olyan hatást keltett, mint egy fénykép a papíron. Aztán elkezdtem különböző technikákkal kísérletezni.
Szergej ma már világhírű művész, festményeit a Tretyakov Galériában, a lengyelországi wroclawi múzeumokban, a németországi nürnbergi múzeumokban, Japánban és az USA-ban művészeti galériákban állítják ki.
Azt az irányt, amelyben Goeta dolgozik, „ökológiai realizmusnak” nevezik. A művész előszeretettel fest tájakat - természetet, zöldet, vizet.
Lehullanak a levelek. És minden ér játszik a napon.
3. Patrick Kramer
A művész Amerikában, Utah államban született. Fényképekből képeket rajzol. Először kitalálja, hogy mit szeretne lerajzolni, lefényképezi, több fotó közül kiválasztja a legjobbat, Photoshopban kicsit feldolgozza - és elkezd rajzolni.
Sokakban felmerül a kérdés: miért kell pontosan ugyanúgy rajzolni, mint a képen. Patrick ezt így magyarázza: ha a néző a galériában meglát egy fényképet, még ha nagyon szépet is, néhány másodpercig nézi, és továbbmegy. De amikor a fénykép helyett egy festmény van, és a néző ezt megérti - el van ragadtatva, közelebb jön, megpróbálja alaposabban szemügyre venni a festményt, hogy hol van a festék a vásznon...
A festmény a „Három pohár” nevet viseli. Olajba festve. Ügyeljen a háttérre – az elmosódott, akárcsak egy fényképen a háttér, amikor közeli tárgyakat készít. Az ilyen részleteknek köszönhetően hiperrealisztikus képet kapunk.
4. Harriet White
Harriet White brit művész. Főleg portrékat rajzol. Stílusát makro-hiperrealizmusnak hívják. Vagyis a képre festett arcok mintha nagyon közelről lettek volna „fényképezve”.Itt is, mint minden fényképen, van egy „fókusz”. Tisztán látjuk a szempillákat, de mögöttük minden homályos.
Harriet festményei népszerűek a magángyűjtők körében.
A művésznő ügyesen közelíti meg képeinek színvilágát – kontrasztban dolgozik. Bézs, bőrszín, háttérként működik. Ezután fekete és élénk sminkszínek kerülnek hozzáadásra.
A színek „maszatolódása” miatt mozgáshatás lép fel. Úgy tűnik, hogy a kép egy véletlenszerű pillanatot örökített meg, a modellek nem pózoltak, hanem jól érezték magukat.
5. Sztojanovics Suzanna
Suzanna Stojanovic szerb művész, akit gyermekkora óta érdekel a festészet. 11 évesen kezdett olajfestékkel festeni. Később minden lehetséges technikát elsajátított, kipróbálta magát akvarellben, mozaikban, pasztellben, grafikában, ikonfestésben, metszetben, sőt szobrászatban is.Ezen a képen különösen szembetűnő, hogy a művészt a szobrászat érdekelte. A lófigurák „szoborszerűek”. Itt egy kimerevített pillanatot látunk.
Ezenkívül a művész irodalmi kreativitással és zenével foglalkozott - számos zenei versenyen vett részt. 15 évesen írta első zenei kompozícióját. De Suzanne érdeklődésének ilyen széles skálája ellenére továbbra is a festészet marad. Számos festménye magán- és közgyűjteményekben található az Egyesült Államokban, Svájcban, Olaszországban, Dániában, Szerbiában, Horvátországban, Montenegróban, Szlovéniában és Macedóniában.
Az elmosódott háttér érezhetővé teszi, hogy a ló milyen sebességgel rohan:
A művész lovakat rajzol, és gondosan tanulmányozza azok anatómiáját. A művész legnépszerűbb festménysorozata „A lovak varázsvilága” címet viseli. Érdekes megoldás a festmény stilizálása régi fotóként:
A művész most egy új festménysorozaton dolgozik, és novellákat ír. A művész álma, hogy kipróbálja magát animációs filmek készítésében.
6. Andrew Talbot
Andrew Talbot kortárs művész, eredetileg Angliából. Csendéleteket rajzol.
Az élénk színeknek köszönhetően a jelenlét effektusa jön létre – úgy tűnik, hogy tárgyak hevernek közvetlenül előttünk. Figyeld meg, milyen hihetően közvetítette a művész az egyes cukorkák asztalon lévő tükörképét. Az ilyen apróságok alkotják a hiperrealisztikus képet. Itt minden részlet fontos.
Andrew idén felkerült a világ 15 legjobb hiperrealistájának listájára.
7. Rafaella Spence
Raffaella Spence olasz művész. Hobbija az utazás, ezért a művész szívesen dolgozik tájakon, utazási benyomásait papírra ülteti át.
Az ilyen művek őszinte csodálatot váltanak ki. A művész minden magas épületre, minden ablakra, sőt ablakkeretre is odafigyelt. Az ilyen festményeken nagyon sokáig kell dolgozni, de az eredmény megéri.
És ez az ég a város felett senkit sem hagy közömbösen:
8. Yanni Floros
Yanni Floros egy ausztrál művész. Műveit berlini, sydney-i, melbourne-i és brisbane-i galériákban állították ki, és számos kitüntető díjat nyertek. Rajzai fekete-fehér fényképek stilizációi.Itt a fotóhatás a ruha redői miatt jelentkezik. A művész gondosan kihúzott minden hajtást.
Yanni festészettel, szobrászattal és grafikával is foglalkozik. A művész hiperrealista alkotásaiban embereket ábrázol, akik különböző dolgokat csinálnak, és meg akarja mutatni, hogyan befolyásolják életünket és a világgal kapcsolatos érzéseinket.
A hiperrealizmus egyre népszerűbb. Ezért, amikor legközelebb eljön a galériába, és meglát egy fényképet, ne hagyja figyelmen kívül a leírását. Nagyon valószínű, hogy a „fotó” festmény lesz - és a való életben megismerkedhet a hiperrealizmussal.
Keresd a művészetet a mindennapokban! Ha érdeklődik híres művészek élete iránt, javasoljuk, hogy nézzen körül
A hiperrealizmus a festészet modern irányzata, amelyet a tárgyak és tárgyak ábrázolásának technikája jellemez, amelyek maximálisan hasonlítanak a fotófestményekhez. A festmények a fényképezés egyfajta másolatai, de nem a szó szoros értelmében vett témáik: portrék, csendéletek, vidéki és városi tájak. A hiperrealizmus a fotorealizmushoz hasonló módon közvetíti a valóságot. A kreativitás fő témái a következők: társadalom, a társadalom problémái, politikai és kulturális témák, reklám, „ember a nagyvárosban” - makrofotós figyelem szerepére és problémáira.
A hiperrealizmus egy általános kifejezés, amely a realista festészet és szobrászat egy speciális formáját írja le, amely az 1970-es évek elején jelent meg.
Sztori
Szuperrealizmusként is emlegetik. A festészetben a fotorealizmus szinonimájának tekintették. 1973-ban a „Hiperrealizmus” cím egy kiállítást és egy nagy alkotáskatalógust takart. Isa Brakhot a stílus jelölésére javasolta a kifejezést, ez jobban tükrözte a művészek munkásságának lényegét, mint a fotorealizmus.
A futurizmus mint stílus a festészetben
A legtöbb hiperrealista művész közvetlenül fényképről vagy digitális képről dolgozik, hagyományos rácsos technikákat használva, vagy a kép színes diáját vászonra vetítve. A cél az, hogy ugyanazt az éles részletet hozzuk újra létre, amely a fényképen látható a festmény során.
Stílus jellemzők
A hiperrealizmus eredete az 1960-as évekre nyúlik vissza, amikor az USA-ban és Európában elterjedt a „fotorealizmus” mozgalma. Lehetetlen ilyen stílusú alkotást készíteni fotózás nélkül. A munkamódszereket és elveket a hiperrealisták fogadták el:
- Technikai eszközök használata képalkotáshoz;
- Az a vágy, hogy a kép a lehető legközelebb legyen a fényképhez;
- Különös figyelmet fordítottak a kép részleteire.
A hiperrealizmust a következő jellemzők jellemzik:
A pop art mint stílus a festészetben
A hiperrealizmus stílusa a tárgyak részleteire összpontosít. Az ilyen stílusú festmények valódi tárgyakat ábrázoltak további, finom részletekkel, amelyek a valóság illúzióját keltették.
Filozófia
Jean Baudrillard szociológus és kulturológus véleménye segít megmagyarázni a stílusfilozófiát: szerinte a hiperrealizmus a valóság szimulációja, illúzió, hamis valóság, valami soha nem létező fényképes megjelenítése. Maguk a festők, akik ebben a stílusban dolgoznak, tagadják a fényképezés vakmásolását.
A művészek a fényes fényvisszaverő felületekre összpontosítottak - polírozott autó felületére, üvegre, vízfelületre, műanyagra, fémre.
A hiperrealizmus stílusú műveknek többnek kell lenniük, mint a valóság másolatának, szupervalóságot kell közvetíteniük.
A hiperrealizmust a valóság tárgyára való összetettebb összpontosítás jellemzi. A textúrák, a textúrák, a fényeffektusok és az árnyékok tisztábbak és határozottabbak, mint a fotón. Kifejezettebbek, mint a valóságban. A kép nem nevezhető szürreálisnak, hiszen az illúzió a valóság meggyőző modellje.
Sfumato festési technika
Technikák
A művészek a fotósok technikáját alkalmazva látványos képet alkottak:
Híres művészek és műveik
Will Cotton
amerikai festő. A művek központi témája a meztelen női test. A táj műfajában működik: A Cotton édességekből készít hiperrealisztikus képeket házakról és téli tájakról, az „anyag” gofri, habcsók, vattacukor, sütemények és tejszín. A művész maga készít modelleket festményeihez. Stúdiójában van sütő és minden, ami a finom modellek készítéséhez szükséges. 
Az alkotások bejárják a világot, egyéni kiállításokat rendeztek New Yorkban, Bostonban, Párizsban, Kölnben, Los Angelesben. Festmények: „A fagylaltbarlangban”, „Sziklás-hegység”, „Fekete-fehér”, „Bills in Cream felhők”, „Dióház”.
Kínai Guohua festmény
Scott Pryor
Az USA-ból származó festő a modern realizmus és a hiperrealizmus stílusában dolgozik. A festmények magángyűjteményekben és amerikai művészeti múzeumokban vannak. Tájkép és portré műfajában dolgozik. A festmények felismerhetők a fényvisszaverődések speciális áteresztéséről, a fényvisszaverő felületű finom munkákról, valamint a meztelen női test szépségére való odafigyelésről. 
A leghíresebb művek: „Alvó dadus”, „Lány a vízben”, „Nanny and the Rose”, „Molly”.
Javier Arizabalo
spanyol hiperrealista. Gyakorlatilag nem működik a háttérrel a kép közepén egy kifejezett kontúrokkal rendelkező emberi alak. A művek hősei kiszakadtak élőhelyükről, és nem kapcsolódnak a világhoz, amelyben élnek. Egy művész számára csak a képek a fontosak, nem a környezet, amelyben kialakulnak.