Kortárs művészet: USA. Kortárs amerikai festészet - a legérdekesebb a blogokban Egy amerikai művész festményei
Ha úgy gondolja, hogy minden nagy művész a múltban van, akkor fogalma sincs, mekkorát téved. Ebben a cikkben megismerheti korunk leghíresebb és legtehetségesebb művészeit. És hidd el, munkáik nem kevésbé mélyen megmaradnak az emlékezetedben, mint az elmúlt korok mestereinek munkái.
Wojciech Babski
Wojciech Babski kortárs lengyel művész. Tanulmányait a Sziléziai Politechnikai Intézetben végezte, de társult vele. Az utóbbi időben főleg nőket fest. Az érzelmek kifejezésére összpontosít, egyszerű eszközökkel a lehető legnagyobb hatás elérésére törekszik.
Szereti a színeket, de gyakran használja a fekete és a szürke árnyalatait a legjobb benyomás elérése érdekében. Nem félsz kísérletezni különböző új technikákkal. Az utóbbi időben egyre nagyobb népszerűségre tesz szert külföldön, elsősorban az Egyesült Királyságban, ahol sikeresen értékesíti munkáit, amelyek már számos magángyűjteményben megtalálhatók. A művészet mellett a kozmológia és a filozófia is érdekli. Jazzt hallgat. Jelenleg Katowicében él és dolgozik.
Warren Chang
Warren Chang kortárs amerikai művész. 1957-ben született és a kaliforniai Montereyben nőtt fel, majd 1981-ben kitüntetéssel diplomázott a pasadenai Art Center College of Design-on, ahol BFA fokozatot kapott. A következő két évtizedben illusztrátorként dolgozott különböző kaliforniai és New York-i cégeknél, majd 2009-ben profi művészi karrierbe kezdett.
Realisztikus képei két fő kategóriába sorolhatók: életrajzi belső festmények és munkavégzést ábrázoló festmények. Érdeklődése e festészeti stílus iránt Johannes Vermeer 16. századi művész munkásságáig nyúlik vissza, és kiterjed témákra, önarcképekre, családtagok, barátok, diákok portréira, műtermek belső tereire, tantermekre és otthonokra. Célja, hogy valósághű festményein hangulatot és érzelmet teremtsen a fény manipulálásával és a tompa színek használatával.
Chang a hagyományos képzőművészetre való áttérés után vált híressé. Az elmúlt 12 év során számos díjat és kitüntetést szerzett, amelyek közül a legrangosabb a Master Signature az Oil Painters of America-tól, az Egyesült Államok legnagyobb olajfestő közösségétől. Az 50-ből csak egy személy kaphatja meg ezt a díjat. Warren jelenleg Monterey-ben él és a stúdiójában dolgozik, valamint tanít (tehetséges tanárként ismert) a San Francisco-i Művészeti Akadémián.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni olasz művész. 1955. október 15-én született Blairben. A spoletói Művészeti Intézetben kapott szcenográfusi oklevelet. Művészként autodidakta, hiszen az iskolában lerakott alapokra önállóan „építette a tudás házát”. 19 évesen kezdett olajfestékkel festeni. Jelenleg Umbriában él és dolgozik.
Bruni korai festményei a szürrealizmusban gyökereznek, de idővel a lírai romantika és a szimbolizmus közelségére kezd összpontosítani, és ezt a kombinációt karakterei kifinomult kifinomultságával és tisztaságával fokozza. Az animált és élettelen tárgyak egyenlő méltóságot kapnak, és szinte hiperrealisztikusnak tűnnek, ugyanakkor nem bújnak el a függöny mögé, hanem lehetővé teszik, hogy meglássa lelked lényegét. Sokoldalúság és kifinomultság, érzékiség és magány, átgondoltság és gyümölcsöző Aurelio Bruni szelleme, amely a művészet pompájából és a zene harmóniájából táplálkozik.
Balos Sándor
Alkasander Balos kortárs lengyel művész, aki olajfestményre szakosodott. 1970-ben született a lengyelországi Gliwicében, de 1989 óta az USA-ban, a kaliforniai Shastában él és dolgozik.
Gyerekkorában apja, Jan autodidakta képzőművész és szobrász vezetésével tanult művészetet, így a művészi tevékenység kiskorától kezdve mindkét szülő teljes támogatását megkapta. 1989-ben, tizennyolc évesen Balos elhagyta Lengyelországot az Egyesült Államokba, ahol iskolai tanára és részmunkaidős művész, Katie Gaggliardi arra biztatta Alkasandert, hogy iratkozzon be a művészeti iskolába. Balos ezután teljes ösztöndíjat kapott a Wisconsin állambeli Milwaukee Egyetemre, ahol Harry Rozin filozófiaprofesszornál tanult festészetet.
Miután 1995-ben megszerzett diplomát, Balos Chicagóba költözött, hogy a School of Fine Arts-ban tanuljon, melynek módszerei Jacques-Louis David munkásságán alapulnak. A figuratív realizmus és a portré a 90-es években és a 2000-es évek elején Balos munkáinak többségét alkotta. Balos manapság az emberi lét sajátosságait, hiányosságait az emberi alak segítségével emeli ki, anélkül, hogy megoldást kínálna.
Képeinek tárgykompozícióit a néző önállóan kívánja értelmezni, csak így nyerik el a festmények valódi időbeli és szubjektív jelentésüket. 2005-ben a művész Észak-Kaliforniába költözött, azóta munkáinak témája jelentősen kibővült, és mára szabadabb festészeti módszereket foglal magában, beleértve az absztrakciót és a különféle multimédiás stílusokat, amelyek a festészeten keresztül segítik a lét gondolatainak és eszményeinek kifejezését.
Alyssa szerzetesek
Alyssa Monks kortárs amerikai művész. 1977-ben született a New Jersey állambeli Ridgewoodban. Gyerekkoromban kezdtem el érdeklődni a festészet iránt. A New York-i The New School-ban és a Montclair Állami Egyetemen tanult, majd 1999-ben a Boston College-ban szerzett diplomát. Ugyanakkor a firenzei Lorenzo de' Medici Akadémián tanult festészetet.
Ezután a New York-i Művészeti Akadémia mesterképzésén folytatta tanulmányait a figuratív művészet tanszékén, 2001-ben végzett. 2006-ban diplomázott a Fullerton College-ban. Egy ideig előadásokat tartott egyetemeken és oktatási intézményekben szerte az országban, festészetet tanított a New York-i Művészeti Akadémián, valamint a Montclair Állami Egyetemen és a Lyme Academy of Art College-ban.
„Az olyan szűrők használatával, mint az üveg, a vinil, a víz és a gőz, eltorzítom az emberi testet. Ezekkel a szűrőkkel nagy, absztrakt kialakítású területeket hozhat létre, amelyeken színes szigetek kandikálnak át – az emberi test részein.
Festményeim megváltoztatják a fürdőző nők már kialakult, hagyományos pózainak, gesztusainak modern szemléletét. Sokat mesélhetnének egy figyelmes nézőnek olyan magától értetődőnek tűnő dolgokról, mint az úszás, a tánc előnyei, stb. Szereplőim a zuhany ablakának üvegéhez préselik magukat, eltorzítják saját testüket, ráébredve, hogy ezáltal befolyásolják a hírhedt férfi tekintetet egy meztelen nőre. Vastag festékrétegeket kevernek össze, hogy messziről imitálják az üveget, a gőzt, a vizet és a húst. Közelről azonban nyilvánvalóvá válnak az olajfesték elképesztő fizikai tulajdonságai. A festék- és színrétegekkel kísérletezve megtalálom azt a pontot, ahol az absztrakt ecsetvonások valami mássá válnak.
Amikor először elkezdtem festeni az emberi testet, azonnal lenyűgözött, sőt megszállottan, és azt hittem, hogy a festményeimet a lehető legvalósághűbbé kell tennem. Addig „vallottam” a realizmust, amíg az elkezdett feloldani és feltárni önmagában az ellentmondásokat. Most egy olyan festészeti stílus lehetőségeit és lehetőségeit kutatom, ahol a reprezentatív festészet és az absztrakció találkozik – ha a két stílus egyszerre tud együtt létezni, akkor megteszem.”
Antonio Finelli
olasz művész – " Időfigyelő” – Antonio Finelli 1985. február 23-án született. Jelenleg Olaszországban él és dolgozik Róma és Campobasso között. Alkotásait több galériában is kiállították Olaszországban és külföldön: Rómában, Firenzében, Novarában, Genovában, Palermóban, Isztambulban, Ankarában, New Yorkban, valamint magán- és közgyűjteményekben is megtalálhatóak.
Ceruzarajzok" Időfigyelő„Antonio Finelli örök utazásra visz minket az emberi időbeliség belső világán és ennek a világnak a hozzá kapcsolódó lelkiismeretes elemzésén keresztül, melynek fő eleme az idő múlása és az általa a bőrön hagyott nyomok.
Finelli bármilyen korú, nemű és nemzetiségű emberről készít portrékat, akiknek arckifejezése az idő múlását jelzi, és a művész abban is reménykedik, hogy az idő kíméletlenségének bizonyítékát találja szereplői testén. Antonio egyetlen, általános címmel határozza meg műveit: „Önarckép”, mert ceruzarajzaiban nemcsak egy embert ábrázol, hanem lehetővé teszi a néző számára, hogy szemlélje az idő múlásának valódi eredményeit az emberben.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni 37 éves olasz művész, egy diplomata lánya. Három gyermeke van. Tizenkét évig Rómában, három évig Angliában és Franciaországban élt. Művészettörténész diplomát szerzett a BD School of Art-ban. Ezután műrestaurátori oklevelet kapott. Mielőtt megtalálta a hivatását, és teljes egészében a festészetnek szentelte volna magát, újságíróként, színművészként, tervezőként és színésznőként dolgozott.
Flaminia festészetszenvedélye gyermekkorában támadt. Legfőbb médiuma az olaj, mert szeret „coiffer la pate”-t és az anyaggal is játszani. Hasonló technikát ismert fel Pascal Torua művész munkáiban. A Flaminiát a festészet nagy mesterei, például Balthus, Hopper és François Legrand, valamint különféle művészeti irányzatok ihlették: street art, kínai realizmus, szürrealizmus és reneszánsz realizmus. Kedvenc művésze Caravaggio. Álma, hogy felfedezze a művészet terápiás erejét.
Denis Csernov
Denis Chernov tehetséges ukrán művész, 1978-ban született az ukrajnai Lviv régióbeli Sambirben. Miután 1998-ban elvégezte a Harkovi Művészeti Iskolát, Harkovban maradt, ahol jelenleg is él és dolgozik. A Harkovi Állami Formatervezési és Művészeti Akadémia Grafikai Tanszékén is tanult, 2004-ben végzett.
Rendszeresen vesz részt képzőművészeti kiállításokon, eddig több mint hatvanan szerepeltek Ukrajnában és külföldön egyaránt. Denis Chernov munkáinak nagy részét Ukrajnában, Oroszországban, Olaszországban, Angliában, Spanyolországban, Görögországban, Franciaországban, az USA-ban, Kanadában és Japánban őrzik magángyűjteményekben. A művek egy részét a Christie's-ben értékesítették.
Denis a grafikai és festészeti technikák széles skálájával dolgozik. A ceruzarajz az egyik legkedveltebb festési módszere, emellett tájképeket, portrékat, aktokat, zsánerkompozíciókat, könyvillusztrációkat, irodalmi és történelmi rekonstrukciókat, fantáziákat fest;
"A könyvek nagyszerű személyes és kreatív elégedettséget adnak számomra. Amikor egy könyvön dolgozom, azt kívánom, bárcsak soha nem csörögne a telefon. Az elégedettségem abból fakad, hogy ténylegesen nyomokat teszek papírra."
Pinkney Jerry amerikai gyerekkönyv-illusztrátor 1939. december 22-én született Germantownban. A középiskolában a rajz iránti szeretetére és tehetségére John Liney karikaturista figyelt fel, aki arra ösztönözte, hogy művészi karriert folytasson. A Dobbins Vocational School elvégzése után Pinkney teljes ösztöndíjat kapott, hogy a Philadelphia Museum College of Art-ban tanulhasson. Később Bostonba költözött, ahol tervezéssel és illusztrációval foglalkozott, végül megnyitotta saját stúdióját, a Jerry Pinkney Studio-t, majd New Yorkba költözött. Pinkney Jerry még mindig New Yorkban él és dolgozik, kreatív pályafutása során szemináriumokat tartott az egyetemen és művészeti iskolákban szerte az országban.
"Meg akartam mutatni, mire képes egy afroamerikai művész ebben az országban nemzeti szinten a vizuális művészetek terén. Erős példakép akarok lenni a családom és más afroamerikaiak számára."
Az eredeti innen származik vanatik05 AMERIKAI FESTÉSZETBEN – 5 (Reális hagyományok a XX. században)
1913-ban az Amerikai Festők és Szobrászok Szövetsége megszervezte a modern művészet első nagy nemzetközi kiállítását, az Armory Show-t a Lexington Avenue-i Nemzeti Gárda fegyvertárában. Fontos esemény lett az amerikai művészet történetében, különböző érzelmeket váltott ki: meglepetést, csodálatot, felháborodást, imádatot és teljes elutasítást a realizmushoz, bizonyos mértékig az impresszionizmushoz szokott amerikai közönség körében, de nem az avantgárd európai művészethez. amit ezen a kiállításon látott. Több mint 300 kortárs európai és amerikai művész 1300 festménye, szobra és dekoratív alkotása látogatott el nemcsak New Yorkba, hanem Chicagóba és Washingtonba is.
A kiállításról írt kritikák között szerepelt erkölcstelenség, szakszerűtlenség, őrület, hamisság vádja, sok alkotást karikatúrának és festményparódiának neveztek, Theodore Roosevelt pedig azt mondta: „Ez egyáltalán nem művészet!”
A polgári hatóságok azonban nem avatkoztak be és nem próbálták lezárni a kiállítást, a körülötte kialakult botrányok pedig csak hozzájárultak számos, ma az amerikai múzeumokban látható alkotás sikeres eladásához, a MoMA (The Museum of Modern Art) pedig általában az első kortárs művészeti kiállítások örökösének és utódjának tekintik.
Közvetve hatott a realista mozgalom művészeire, és a realista hagyományok soha nem haltak meg Amerikában, nemcsak a rajztechnikák és témák változásaihoz járult hozzá, de még olyan új irányzatokat is szült a festészetben, mint a „mágikus realizmus”*;
Ennek leszármazottja pedig a „precizionizmus”**, amely kifejezetten az amerikai művészekre jellemző,
És az Amerikában született „regionalizmus”*** (vagy regionalizmus) művészeti mozgalom.
Művészekről, a realista művészet különböző területeinek képviselőiről lesz szó a XX. század Amerikájában.
Charles Burchfield(1893-1967), Amerika egyik legkiválóbb akvarellje, aki festőállványra festette festményeit száraz ecset technikával, korán (1915-re) kialakította saját neorealista stílusát, ötvözve a modernista irányzatokat, a hagyományos kínai festészetet és a fauvizmus elemeit. .
Alkotói élete során irányt és technikát váltott, tájképeket és festményeket festett történelmi témájú, háza ablakából megfigyelt jeleneteket, virágokat, „hallucináló”, a mágikus realizmus jegyében, a természetről és annak isteni erejéről alkotott nézeteket.
Tiszteletére 1966-ban Birchfield Penny Art Center néven Buffalóban Természetvédelmi és Művészeti Központot hoztak létre, amely a művész alkotásainak világ legnagyobb gyűjteményét is magában foglalja.
Reginald Marsh(1898-1954), Párizsban született, gazdag művészcsaládban, D. Sloan tanítványa volt, aki elsősorban a városi jelenetek, az utcai élet és a New York-i strandok festőjeként és illusztrátoraként ismert.
Festményeit dokumentarista alaposság jellemzi, ironikus karakterszeretet hatja át, sokat festett burleszkre és vaudeville-re, „az egyszerű ember színházának, a szegények, öregek és csúnyák humorát és fantáziáját kifejezőnek” tartotta.
Dolgozott olajjal és tussal, akvarellel, tojástemperával, alkotói életét litográfiával kezdte. Stílusa „szociálrealizmusként” jellemezhető, ami különösen a nagy gazdasági világválság idején mutatkozott meg, és a régi mesterek iránti elkötelezettsége, akiknek munkásságát imádta, vallási metaforákat tartalmazó művek megalkotásához vezetett.
Nem sokkal szívroham miatti halála előtt Marsh megkapta az Amerikai Művészeti Akadémia Grafikai Aranyérmét.
Fairfield Porter(1907-1975) építész és költő családjába született, a Harvardon és az Amerikai Diákok Ligájában tanult, egész életében ragaszkodott a realista irányhoz, elsősorban tájképeket, családi és baráti portrékat festett, igyekezett felfedni a szokatlanságot. a hétköznapi életben és szebbé tenni.
Munkássága építész apja, Velázquez, majd Bonnard és Vuillard művészek hatását mutatja, aki szerint „az impresszionizmus képes a valóság jelenlétét képileg újrateremteni”.
Talán az olajfestészet jó tanárainak hiánya, az érzékiséggel és naturalizmussal szembeni óvatos hozzáállás, amely az akkori évek sok amerikaiban rejlő volt, segít megmagyarázni Porter műveinek kissé primitív jellegét, figurái esetlenségét, merevségét, statikusságát.
És csak későbbi munkáiban kezdi átlépni az impresszionizmus és a fauvizmus határát, szabadabbá válik rajza, élénkebbek a színek, több a fény alkotásaiban.
Edward Hopper(1882-1967) Nyackban, a Hudson-folyó jachtépítő központjában született gazdag holland származású családban. Hopper művészi tehetsége 5 éves korában nyilvánult meg, szülei a francia és az orosz művészet iránti szeretetet keltették benne, és ösztönözték a festészet iránti szenvedélyét és sokrétű érdeklődését.
Hopper tollal és tintával, szénnel, akvarellel, olajjal és litográfiával dolgozott, portrékat és tengeri tájakat festett, politikai karikatúrákat és életrajzokat készített. Hopper munkáiban kivehető Robert Henry, egyik tanára, valamint Manet és Degas hatása.
William Chase és Rembrandt, különösen az „Éjjeli őrség”, és Párizsban élve, az utcán, kávézókban és színházakban jeleneteket festve, megmaradt a realista művészet hagyományában, bár egyes kutatók munkásságát a precíziós szemléletnek köszönhetően. , munkásságára jellemző tiszta vonalak, a mechanikusság, a sterilitás és a tér üressége.
Azt mondta, hogy „kedvenc dolga a festészetben a napfény a ház falán”. A nagy gazdasági világválság idején Hoppernek szerencséje volt, mint sok más művésznek – továbbra is évente kiállított, és élete hátralévő részében jól eladott.
Munkássága nemcsak a képzőművészetre, hanem a filmművészetre is nagy hatással volt filmes kompozícióival és a fény és a sötétség drámai felhasználásával.
Pál Kadmusz(1904-1999), a „mágikus realizmus” mozgalom képviselője, az erotika és a társadalomkritika elemeit ötvözte munkáiban,
Botrányos hírnevet szerzett festményeinek nyílt homoszexuális motívumainak és meztelen férfialakokat ábrázoló ábrázolásainak köszönhetően.
Szegény művészcsaládba született, édesapja ösztönözte a fiút a rajzolásra, majd 14 évesen beiratkozott a Nemzeti Formatervezési Akadémiára, majd az Akadémiára. Sokat utazott barátaival, nagyméretű vásznakat festett európai benyomásait tükrözve, halászok, tengerészek életéből, városi élet jeleneteiből sokfigurás festményeket festett,
És miután találkozott az impresszárióval és a balettománnal, Kirstennel, Cadmus számos baletttémájú művet kezdett előállítani, többnyire táncosokat ábrázolva.
Paul Cadmus hosszú életet élt, és 95 évesen halt meg barátja és állandó modellje karjai között, aki élete utolsó 35 évében végig mellette volt. Cadmus szerette Ingres szavait ismételni: „Az emberek azt mondják, hogy a festményeim nem alkalmasak erre az időre. Talán tévednek, és én vagyok az egyetlen, aki lépést tart a korral.”
Ivan (Iván) Albright(1897-1983), a mágikus realizmus egyik leghíresebb képviselője, ikertestvérével művészcsaládba született.
A testvérek életük nagy részében elválaszthatatlanok voltak, mindketten a Chicagói Művészeti Intézetben tanultak, Malvin testvér szobrász, Ivan pedig festő lett, de építészként kezdte, az első világháború alatt pedig orvosi rajzokat készített egy kórház számára. Nantes-ban. Munkáját illetően mindig nagyon igényes volt, gondosan leírt minden részletet, és számos művét olyan összetett témáknak szentelte, mint az élet és halál, az anyagiság és a szellem, az idő hatása az ember megjelenésére és belső világára.
Az ilyen munkák sok időt igényeltek, ezért sok festmény maradt a tulajdonában. Albright saját maga készítette festékeit és szenet, és annyira megszállottja volt a világításnak, hogy fekete ruhát viselt, műtermét pedig feketére festette, hogy megakadályozza a tükröződést.
Reálisan, de túlzottan részletgazdag módon festett, szerette az idő múlását figyelni, és élete utolsó 3 évében több mint 20 önarcképet festett, hogy az emberben végbemenő változásokat tükrözze.
George Claire Tooker Jr. (1920-2011), akinek művei a szocialista realizmus és a mágikus realizmus irányait képviselik, angol-francia-spanyol-kubai és amerikai gyökerű családba született, szülei kérésére angol irodalmat tanult a Harvardon, de ideje nagy részét a festészetnek szentelte.
Miután a tengerészgyalogságnál szolgált, ahonnan rossz egészségi állapota miatt elbocsátották, az Art Students League tanfolyamain járt, sokat dolgozott tojástemperával, és csodálta az olasz reneszánsz művészetét.
Tooker festményei az amerikai mindennapi élet jeleneteit ábrázolják, a rajtuk szereplő emberi figurák gyakran nem rendelkeznek sajátos faji vagy szexuális identitással, kifejezve a magányt, az elszigeteltséget és a névtelenséget.
Nagy figyelmet fordított a geometriai arányok és a szimmetria betartására, emiatt nagyon lassan festett - évente legfeljebb két festményt. 1951-es első nagy kiállítása óta Tooker folyamatosan és sikeresen állított ki, munkái pedig Amerika jelentős múzeumaiban szerepelnek.
Peter Blume(Peter Bloom) - (1906-1992), művész és szobrász, akinek alkotásai a precizitás, a purizmus, a kubizmus, a szürrealizmus és a népművészet elemeit tartalmazzák. Oroszországban született zsidó családban, amely 1912-ben Amerikába emigrált, és Brooklynban telepedett le.
Különböző oktatási intézményekben végzett művészeti tanulmányok után saját stúdiót nyitott a Rockefeller család védnöksége alatt. Sok realista kortársához hasonlóan ő is a reneszánsz híve volt, körbeutazta Olaszországot, első festménye, amely 1934-ben kapott elismerést, az „Örök város” volt, amelyen Mussolini képe kivehető, mint egy bubi. dobozban, a Colosseumból kiemelve.
Gyakran pusztulást ábrázoló alkotásai ennek ellenére a második világháború utáni újjáépítés és megújulás szimbólumaiként értelmezhetők, ezt bizonyítják a kövek, az új gerendák, a dolgozó emberek alakjai.
Blume művészi stílusa az amerikai és az európai művészet különböző művészeti irányzatainak érdekes hibridje volt, "tündérmese művésznek" nevezik.
Andrew Newell Wyeth(1917-2009), a realizmusban túlnyomórészt regionalista stílus képviselője, egy illusztrátor családjába született, aki odafigyelt öt gyermeke tehetségének kibontakoztatására, jó irodalmat, zenét és természettudományt tanított nekik. Az apa maga tanította otthon gyermekeit, és mindannyian tehetségesek voltak: művészek, zenészek, zeneszerzők, feltalálók.
Otthonuk kreatív hely volt, gyakran látogattak olyan hírességek, mint Scott Fitzgerald és Mary Pickford. Wyeth furcsa módon absztrakcionistának tartotta magát, és nagy jelentőséget tulajdonított az egyszerű tárgyak mély jelentésének tudatosításának, kedvenc témái a föld és az őt körülvevő emberek voltak.
Leghíresebb festménye, a Christina világa egy szomszédos farmról származó, gyermekbénulástól rokkant lányt ábrázol, aki egyedül kúszik egy távoli ház felé.
Helga Testorf 247 festményt és rajzot szentelt egy nőnek, különféle körülmények között és érzelmi állapotokban tanulmányozta őt, ami egyedülálló élmény az amerikai művészetben.
Bár Wyeth számos technikailag kiváló alkotást készített, és sok követője volt, művészetét ellentmondásosnak tartják, Rosenblum művészeti kritikus szerint "a leginkább túlértékelt és alulértékelt" művész.
Grant Wood(1891-1942), a regionalizmus egyik leghíresebb képviselője, Iowában született, korán elveszítette édesapját, egy vasboltban dolgozott, művészeti iskolában, majd a chicagói művészeti intézetben tanult.
Az ifjú Grant négyszer utazott Európába festészeti stílusok tanulmányozása céljából, különös tekintettel az impresszionizmusra és a posztimpresszionizmusra, de csodálta Van Eyck munkáit, és arról álmodozott, hogy munkáiban ötvözi a modern módszereket a középkori művészet tisztaságával, precizitásával és mélységével. .
Nem hiába nevezik leghíresebb festményét az „amerikai gótika”-nak, amely a 19. századi amerikai férfi- és nőszerepről alkotott képet kétértelműen fogadta, egyesek karikatúrának tartották, az újságok pedig parodizálták különböző módon.
Később, miközben művészetet tanított az Iowai Egyetemen, Wood az egyetemi kulturális társadalom kulcsfigurájává vált, de a személyes titkárával való homoszexuális viszonyáról szóló pletykák miatt Woodot elbocsátották, és hamarosan hasnyálmirigyrákban halt meg.
Thomas Hart (Hart) Benton(1889-1975) politikus családba született, ezredes, jogász és emberbarát édesapját négyszer választották be a Kongresszusba. Az apa szerette volna, ha fia a nyomdokaiba lép, de a fiút a művészet érdekelte, édesanyja támogatta a választását, és bekerült a Chicagói Művészeti Intézetbe, majd Párizsba ment, hogy a Julian Akadémián folytassa tanulmányait.
Visszatérve Amerikába, és folytatta a festést, az első világháború alatt az Egyesült Államok haditengerészeténél szolgált, hajók és hajógyárak álcázóképein dolgozott, ami valósághű dokumentumábrázolást igényelt, és később befolyásolta stílusát. Az 1920-as évek elején Benton a „modernizmus ellenségének” vallotta magát, a regionalizmus egyik vezető képviselőjévé vált, és ragaszkodott a „baloldali” nézetekhez.
El Greco iránt érdeklődött, munkásságának hatása az ország életének különböző szakaszait, eseményeit ábrázoló, hatalmas freskókon készült alkotásokon mutatkozik meg.
Benton a New York-i Art Students League-ben tanított, sok tanítványa híres művész lett (Hopper, Pollack, Marsh), de kirúgták, mert elítélte a homoszexuálisok művészeti világra gyakorolt jogtalan befolyását. A második világháború után a regionalizmus mint mozgalom elvesztette jelentőségét, Benton továbbra is falfestményeket festett,
még körülbelül 30 évig aktívan dolgozott, de már nem volt népszerű.
John Stewart Carrie(1897-1946) egy kansasi farmon született, állatokat gondozott, atlétikázott, gyermekkorától kezdve Rubens és Doré festményeinek reprodukciói vették körül, amelyek szerepet játszottak későbbi művészi stílusválasztásában.
John a Chicagói Művészeti Intézetben tanult, magazinillusztrátorként dolgozott, és egy évet Párizsban töltött Courbet, Daumier, Titian és Rubens műveinek tanulmányozásával. Az Egyesült Államokba visszatérve egy ideig műtermében dolgozott, utazott a cirkuszban, kinevezték a Wisconsin-Madison Egyetem első művészének, és beutazta az országot, hogy elősegítse a művészet fejlődését a gazdálkodó közösségekben.
Falfestményeket festett a washingtoni igazságügyi minisztérium és a kansasi Capitolium számára. Carrie egyike volt az amerikai regionalizmus három (Benton és Wood) pillérének, ami különösen fontos volt a nagy gazdasági világválság idején.
Munka, család és föld jeleneteit, valamint természeti katasztrófák kezelését ábrázolta, hogy bemutassa a világnak az emberek kitartását, kemény munkáját és hitét, amelyről Carrie az amerikai élet lényegét gondolta.
Őszintén szólva, általában nem nagyon inspirálnak a realista művészek, csak a mágikus realizmus egyes képviselőinek (Cadmus, Blume, Hopper) munkái érdekelnek, de általában nem áll közel hozzám ez az időszak az amerikai művészetben; , mit tehetek.
A következő és egyben utolsó rész a kortárs amerikai művészetnek lesz szentelve. A vége következik...
Mint mindig, egy diavetítés még sok képpel és jó zenével:
* Mágikus realizmus- Művészeti irányzatként a mágikus realizmus amerikai földön fejlődött ki, az európai szürrealizmus megfelelőjévé vált. A mágikus realizmus mestereinek munkái sok tekintetben az amerikai közönség ízlésének és igényeinek megfelelve megrázóak voltak, őszinteségükben megdöbbentőek, miközben ötvözték a helyzetek anekdotikus jellegét és a szereplők karikatúráját inkább nyugtalan álom vagy hallucinációs delírium.
**Precizitás, vagy preciginizmus (angol precizitás - pontosság, tisztaság) - a 30-as évek amerikai festészetére jellemző irány, a mágikus realizmus egy fajtája. A precíziósok fő témája a városkép A fő téma a mechanisztikus esztétika, a festmények tere steril, mintha kiszivattyúzták volna belőlük a levegőt, nincs benne ember.
***Regionalizmus vagy regionalizmus (az angol regional - local szóból) - művészeti mozgalom az Egyesült Államok 1920-1940 közötti művészetében, amely az Európából érkező avantgárd mozgalmakkal szemben a valódi amerikai művészet létrehozásának vágyán alapult. A nemzeti identitás gondolataitól ihletett regionalista művészek az „autentikus” Amerika ábrázolására összpontosítottak. Munkáik témái között szerepeltek amerikai tájak, jelenetek a gazdák életéből, kisvárosok életéből, történelmi epizódok, helyi legendák és folklórtörténetek.
1776-ban Amerika kikiáltotta függetlenségét, és ettől kezdve tulajdonképpen megindult a nemzeti képzőművészet fejlődése, amely az ország történelmét hivatott tükrözni.
A 18. század művészei A legtöbb autodidakta volt, és a brit művészet stílusán alapult.
És a 19. században. Az első festőiskola már létrejött - a Hudson River School.
Hudson River Iskola
A Hudson River School egy amerikai tájfestő csoport neve volt. Munkájuk a romantika stílusában fejlődött. A festmények a Hudson folyó völgyét és környékét ábrázolták. A művészek leggyakrabban amerikai vadvilágot ábrázoltak, és megkérdőjelezték a technológiai fejlődés megvalósíthatóságát.
Thomas Cole "Oxbow" (1836). Metropolitan Museum of Art (New York)
A Hudson River Iskola akkoriban még nem volt homogén jelenség a festészetben: volt például az impresszionizmus stílusának egy leszármazása, amit ún. luminizmus. A luminizmus nagy figyelmet fordított a művész fényérzékelésére. A luminizmus abban különbözik az impresszionizmustól, hogy itt nagyobb figyelmet fordítanak a részletekre, és rejtett ecsetvonást készítenek. De általában ez a két stílus hasonló.
Fitz Henry Lane: Hajó a ködben (1860)
Az iskola alapítója Thomas Cole művész volt. 1825 őszén elindult a Hudson folyón. Ezután közeli barátja, Asher Brown Durand csatlakozott hozzá. Az iskola további művészei:
Albert Bierstadt
John William Casilier
Frederic Edwin templom
Thomas Cole
Samuel Coleman
Jasper Francis Cropsey
Thomas Doty
Robert Scott Duncanson
Sanford Robinson Gifford
James McDougal Hart
William Hart
William Stanley Haseltine
Martin Johnson Hedy et al.
A Hudson School művészeinek festményeit az egyszerűség és a spontaneitás jellemezte.
Thomas Cole (1801-1848)
Thomas Cole Angliában született. 1818-ban családja az Egyesült Államokba emigrált. Cole az utazó portréművésztől, Steintől tanulta meg szakmájának alapjait. Ám a portrékészítés nem járt sikerrel, tájképeket kezdett festeni. Sikereket ért el allegorikus festményekben is, például az „Életút” sorozatban, amely egy ember életének négy időszakáról szól: gyermekkorról, ifjúságról, érettségről és időskorról. Ezt a ciklust a National Gallery of Art (Washington, USA) őrzik.
T. Cole "Gyermekkor"
Az első festményen a művész egy gyermeket ábrázolt az élet folyóján úszó csónakban. Ezt a hajót egy angyal kormányozza, mert... A gyermek még nem képes az önállóságra. Horizontja, akárcsak a festményen, korlátozott. A hajó orrában lévő alak homokórát tart, amely az időt szimbolizálja.
T. Cole "Ifjúság"
Ugyanaz a csónak, de már van benne egy fiatalember. Már egyedül irányítja a csónakot, de az angyal továbbra sem hagyja el – a partról figyeli.
Az angyal továbbra is figyeli az embert, de elmerül a saját problémáiban, amelyek eluralkodnak rajta - ezt hangsúlyozza a kép komor színezése, a vihar által kidőlt fák...
T. Cole "öregség"
És most egy ember életútja a végéhez közeledik. A homokórás alak már nincs a hajón - a földi élet ideje lejárt. És a hajó teljesen leromlott...
Egy őrangyal szállt le hozzá, hogy vezesse tovább útját egy másik világba, és a távolban más angyalok is látszottak. Cole ezt mondta erről a képről: „A testi lét bilincsei lehullanak, és az elme már képes meglátni az örök élet pillantásait.”
Winslow Homer (1836-1910)
Fotó 1880-ból
Amerikai művész és grafikus, a realista festészet megalapítója. Legismertebb tengeri tájairól. Olajjal és vízfestékkel festett. Munkái hatással voltak az amerikai festészet minden későbbi fejlődésére.
Homéroszra különféle művészeti irányzatok hatottak, de elsősorban pusztán amerikai témákra épült.
A korai korszak festészete világos és derűs, az utolsó korszakot pedig sötét tónusok és tragikus témák jellemzik.
W. Homer „Fog Signal”. Bostoni Szépművészeti Múzeum (USA)
A festmény témája az ember küzdelme a tengerrel, a törékeny emberi élet és az örök természet kapcsolata.
Thomas Cowperthwaite Eakins (Akins) (1844-1916)
Amerikai művész, fotós, tanár, az amerikai realista festészet vezető képviselője.
T. Eakins. Önarckép (1902)
A Pennsylvaniai Képzőművészeti Akadémián szerzett diplomát, és Európában, főként Párizsban, Jean Leon Gerome vezetésével fejlesztette tovább tudását. A Képzőművészeti Akadémián tanított, igazgatója volt.
Nagy figyelmet fordított a meztelenség tanulmányozására és ábrázolására, szabadgondolkodást mutatva, amiért kirúgták. Eakins festményein és fotóin központi helyet foglal el az akt és félmeztelen test. Számos sportolóról készült kép birtokában van. Eakinst különösen érdekelte az emberi test mozgásainak közvetítése.
T. Eakins "Úszás" (1895)
Többfigurás környezetben festett portrékat.
A leghíresebb mű a „The Gross Clinic”.
T. Eakins "Gross Clinic" (1875)
A festmény a híres philadelphiai sebészt, Samuel Grosst ábrázolja, aki műtétet vezet az orvosi akadémia hallgatói előtt. A művész Dr. Grosst az emberi gondolkodás zsenijeként ábrázolja, de a kép realizmusával sokkolta a kortársakat.
T. Eakins számos jelentős portréról is ismert, köztük Walt Whitman (1887-1888) amerikai költő és publicista portréjáról, amelyet maga a költő tartott a legjobbnak.
T. Eakins. Whitman portréja (1887)
James Abbott McNeill Whistler (1834-1903)
Angol-amerikai művész, portréfestő, rézkarc és litográfus. Az impresszionizmus és szimbolizmus elődje.
D. Whistler. Önarckép. Művészeti Intézet (Detroit)
A Massachusetts állambeli Lowellben született. Apját, George Washington Whistlert, a híres vasúti mérnököt 1842-ben hívták meg utakat építeni Oroszországba, ő tervezte a Nikolaev-vasutat. Oroszországban James a Művészeti Akadémiára járt. Az USA-ban katonai iskolában tanult, de rossz tanulmányi teljesítménye miatt kizárták.
D. Whistler „Szürke és fekete elrendezés. A művész anyja (1871). Orsay Múzeum (Párizs)
Ez James Whistler leghíresebb munkája.
Festészetet Párizsban, majd Velencében tanult (akvarellvázlatokat és rézkarcokat tanult).
Munkája első periódusában Whistler közel állt az impresszionizmushoz abban a vágyában, hogy megragadja az első benyomást egy tárgyról - egy tájról vagy egy személyről. De sok kérdésben nem értett egyet az impresszionistákkal: nem helyeselte a plein air kultuszát, és előre gondolkodott a színtónusról. Későbbi munkáiban Whistler rendkívül híg, akvarellszerű átlátszó festékeket használ, amelyek a légköri környezet bizonytalan mozgékonyságának érzetét közvetítik.
D. Whistler „Szimfónia a szürke és zöld óceánban” (1866-1872)
Mindennapi műfaj
Nagy fejlődés a 19. századi amerikai festészetben. háztartási műfajt kapott. Ez a műfaj eleinte a vidéki élet kártyákkal, táncokkal stb.
Eastman Johnson: Egy elhagyott kocsi boldogsága (1871)
De miután az ipari forradalom és az urbanizáció megkezdődött az Egyesült Államokban, a művészek elkezdték ábrázolni a nagyvárosok lakóinak életét.
John Gast "American Progress" (1872 körül)
A festmény egy allegorikus Kolumbiát ábrázol tankönyvvel a kezében. Az amerikai telepesekkel együtt nyugatra vezeti a civilizációt, távíróvonalat húzva az út mentén. A képen az első telepesek különböző típusú gazdasági tevékenységei, a közlekedés története látható. A telepesek elől menekülő indiánokat és vadon élő állatokat ábrázolják.
"Szemétkosár iskola"
A 19-20. század fordulóján. Az Egyesült Államokban a nagyvárosok gyors növekedése tapasztalható. Az akkori kamerákkal még nem lehetett gyorsan lefényképezni az eseményeket, ezért a hírlapok művészeket béreltek fel illusztrációkra. Ez megalakította a Garbage Pail Schoolt, amelybe Robert Henry, Glenn Coleman, Jerome Myers és George Bellows tartozott. A stúdió vázlatainak fő témái az utcák voltak, jellegzetes képviselőivel: utcagyerekekkel, prostituáltakkal, utcai előadóművészekkel és bevándorlókkal. E művészek származása, végzettsége és politikai nézetei eltérőek voltak. Robert Henry azonban úgy vélte, hogy a szegények, a proletariátus és a középosztály élete és tevékenysége méltó a festészetben való megtestesülésre - ez a kor valósága.
George Bellows "Edith Cavell nővér segítsége" (1918)
A „The Garbage Pail School” forradalmasította az Egyesült Államok vizuális művészetét, ez volt az előfutára
A cikk tartalma
AMERIKAI FESTMÉNY. Az amerikai festészet első hozzánk került alkotásai a 16. századból származnak; ezek kutatási expedíciók résztvevői által készített vázlatok. A hivatásos művészek azonban csak a 18. század elején jelentek meg Amerikában; az egyetlen stabil bevételi forrás számukra egy portré volt; ez a műfaj a 19. század elejéig továbbra is vezető szerepet töltött be az amerikai festészetben.
Gyarmati időszak.
Az olajfestmény technikával készült portrék első csoportja a 17. század második felére nyúlik vissza; Ebben az időben a telepesek élete viszonylag nyugodt volt, az élet stabilizálódott, és megnyíltak a művészet gyakorlásának lehetőségei. Ezen művek közül a leghíresebb a portré Mrs. Frick és lánya, Mary(1671–1674, Massachusetts, Worcesteri Művészeti Múzeum), festette egy ismeretlen angol művész. Az 1730-as években a keleti part városaiban már több művész dolgozott modernebb és valósághűbb módon: Henrietta Johnston Charlestonban (1705), Justus Englehardt Kuhn Annapolisban (1708), Gustav Hesselius Philadelphiában (1712), John Watson Perth Amboy New Jerseyben (1714), Peter Pelham (1726) és John Smibert (1728) Bostonban. Utóbbi kettő festménye jelentős hatással volt John Singleton Copley (1738–1815) munkásságára, akit az első jelentős amerikai művésznek tartanak. A Pelham-gyűjtemény metszetei alapján az ifjú Copley megértette az angol ceremoniális portrékészítést és Godfrey Kneller festészetét, aki a 18. század elején ebben a műfajban dolgozott. A képen Fiú mókussal(1765, Boston, Szépművészeti Múzeum) Copley csodálatos valósághű portrét készített, gyengéden és meglepően pontosan közvetítette a tárgyak textúráját. Amikor Copley 1765-ben Londonba küldte ezt a munkát, Joshua Reynolds azt tanácsolta neki, hogy Angliában folytassa tanulmányait. Copley azonban 1774-ig Amerikában maradt, és továbbra is portrékat festett, gondosan kidolgozva az összes részletet és árnyalatot. Ezután Európába utazott, és 1775-ben Londonban telepedett le; Stílusában megjelent az akkori angol festészetre jellemző modorosság, idealizációs jegyek. A Copley Angliában készített legszebb alkotásai közé tartoznak a Benjamin West munkásságára emlékeztető nagy ünnepi portrék, köztük a festmény. Brooke Watson és a cápa(1778, Boston, Szépművészeti Múzeum).
A szabadságharc és a 19. század eleje.
Copley-vel és Westtel ellentétben, akik végleg Londonban maradtak, Gilbert Stuart (1755–1828) portréfestő 1792-ben visszatért Amerikába, és Londonban és Dublinban csinált karriert. Hamarosan e műfaj vezető mestere lett a fiatal köztársaságban; Stewart Amerika szinte valamennyi kiemelkedő politikai és közéleti személyiségéről készített portrékat. Műveit élénken, szabadon, vázlatosan, Copley amerikai munkáitól nagyon eltérő stílusban valósítják meg.
Benjamin West szívesen fogadott fiatal amerikai művészeket londoni műtermébe; tanítványai közé tartozott Charles Wilson Peale (1741–1827) és Samuel F. B. Morse (1791–1872). Peale egy festődinasztia és egy családi művészeti vállalkozás alapítója lett Philadelphiában. Portrékat festett, tudományos kutatásokkal foglalkozott, és Philadelphiában megnyitotta a Természettudományi és Festészeti Múzeumot (1786). Tizenhét gyermeke közül sokan művészek és természettudósok lettek. Morse, ismertebb nevén a távíró feltalálója, számos gyönyörű portrét festett, és az egyik leggrandiózusabb festményt az egész amerikai festészetben - Louvre Galéria. Ebben a munkában körülbelül 37 vászon van miniatűrben, elképesztő pontossággal. Ennek a munkának, mint Morse minden tevékenységének, az volt a célja, hogy a fiatal nemzetet megismertesse a nagy európai kultúrával.
Washington Alston (1779–1843) az első amerikai művészek egyike volt, aki tiszteletét fejezte ki a romantika előtt; Hosszú európai utazásai során tengeri viharokat, költői olasz jeleneteket és szentimentális portrékat festett.
század elején. Megnyíltak az első amerikai művészeti akadémiák, amelyek szakmai képzésben részesítették a hallgatókat és közvetlenül részt vettek kiállítások szervezésében: a philadelphiai Pennsylvaniai Művészeti Akadémia (1805) és a New York-i National Academy of Drawing (1825), amelynek első elnöke S. R. Morse volt. . Az 1820-as és 1830-as években John Trumbull (1756–1843) és John Vanderlyn (1775–1852) hatalmas kompozíciókat festett amerikai történelem tárgyaiból, amelyek a washingtoni Capitol Rotunda falait díszítették.
Az 1830-as években a tájkép az amerikai festészet meghatározó műfajává vált. Thomas Cole (1801–1848) megfestette észak (New York) érintetlen természetét. Azzal érvelt, hogy az időjárástól sújtott hegyek és a ragyogó őszi erdők alkalmasabbak az amerikai művészek számára, mint a festői európai romok. Cole több etikai és vallási jelentéssel átitatott tájképet is festett; köztük négy nagy festmény Életút(1842, Washington, National Gallery) - allegorikus kompozíciók, amelyek a folyón lefelé haladó csónakot ábrázolnak, amelyben egy fiú ül, majd egy fiatal férfi, majd egy férfi és végül egy öregember. Sok tájfestő követte Cole példáját, és az amerikai természetet ábrázolta műveiben; gyakran egyesítik őket egy „Hudson River School” nevű csoportba (ami nem igaz, hiszen az egész országban dolgoztak, és különböző stílusokban írtak).
Az amerikai zsánerfestők közül a leghíresebb William Sidney Mount (1807–1868), aki a Long Island-i farmerek életéből festett jeleneteket, és George Caleb Bingham (1811–1879), akinek festményeit a halászok életének szentelték. Missouri bankjai és választások a kis tartományi városokban.
A polgárháború előtt a legnépszerűbb művész Frederick Edwin Church (1826–1900), Cole tanítványa volt. Többnyire nagy formátumú műveket festett, és néha túlzottan naturalista motívumokat is alkalmazott a közönség vonzására és elkábítására. Church a legegzotikusabb és legveszélyesebb helyekre utazott, és anyagot gyűjtött a dél-amerikai vulkánok és az északi tengerek jéghegyeinek ábrázolásához; egyik leghíresebb alkotása a Niagara-vízesés (1857, Washington, Corcoran Gallery) című festmény.
Az 1860-as években Albert Bierstadt (1830–1902) hatalmas vásznai széleskörű csodálatot váltottak ki a Sziklás-hegység szépsége iránt, tiszta tavaikkal, erdőivel és toronyszerű csúcsaival.
A háború utáni időszak és a századforduló.
A polgárháború után divat lett Európában festészetet tanulni. Düsseldorfban, Münchenben és főleg Párizsban sokkal alaposabb oktatást lehetett szerezni, mint Amerikában. James McNeill Whistler (1834–1903), Mary Cassatt (1845–1926) és John Singer Sargent (1856–1925) Párizsban tanult, és Franciaországban és Angliában élt és dolgozott. Whistler közel állt a francia impresszionistákhoz; festményein kiemelt figyelmet fordított a színkombinációkra és az expresszív, lakonikus kompozícióra. Mary Cassatt Edgar Degas meghívására 1879 és 1886 között impresszionista kiállításokon vett részt. Sargent merészen, lendületesen, vázlatosan portrékat festett a régi és az új világ legkiemelkedőbb embereiről.
A stilisztikai spektrum ellentétes oldala az impresszionizmussal a 19. század végi művészetben. illuzionista csendéleteket festő realista művészek foglalták el: William Michael Harnett (1848–1892), John Frederick Peto (1854–1907) és John Haeberl (1856–1933).
A 19. század végének és a 20. század elejének két jelentős művésze, Winslow Homer (1836–1910) és Thomas Eakins (1844–1916) nem tartozott az akkoriban divatos művészeti irányzatok egyikébe sem. Homérosz az 1860-as években New York-i folyóiratok illusztrálásával kezdte alkotói pályafutását; már az 1890-es években híres művész hírében állt. Korai festményei a falusi élet élénk napfénnyel telített jelenetei. Később Homérosz bonyolultabb és drámaibb képek és témák felé kezdett fordulni: a képen Golf-áramlat(1899, Metropolitan) egy fekete tengerész kétségbeesését ábrázolja, aki egy csónak fedélzetén fekszik a viharos, cápáktól hemzsegő tengeren. Élete során Thomas Eakinst súlyos kritikák érték a túlzott objektivizmus és közvetlenség miatt. Most munkáit szigorú és világos rajzaik miatt nagyra értékelik; ecsetei közé tartoznak a sportolók képei és az együttérzéstől átitatott őszinte portréképek.
A huszadik század.
A század elején a francia impresszionizmus utánzatait értékelték leginkább. A közízlést egy nyolc művészből álló csoport támadta meg: Robert Henry (1865–1929), W. J. Glackens (1870–1938), John Sloan (1871–1951), J. B. Lax (1867–1933), Everett Shinn (1876–1953). , A. B. Davies (1862–1928), Maurice Prendergast (1859–1924) és Ernest Lawson (1873–1939). A kritikusok a "szemeteskuka" iskolának nevezték őket, mert hajlamosak a nyomornegyedek és más prózai témák ábrázolására.
1913-ban az ún Az „Armory Show” a posztimpresszionizmus különböző területeihez tartozó mesterek munkáit állította ki. Az amerikai művészek megosztottak: egy részük a szín és a formai absztrakció lehetőségeinek feltárása felé fordult, mások a realista hagyomány kebelében maradtak. A második csoportba Charles Burchfield (1893–1967), Reginald Marsh (1898–1954), Edward Hopper (1882–1967), Fairfield Porter (1907–1975), Andrew Wyeth (szül. 1917) és mások voltak. Ivan Albright (1897–1983), George Tooker (szül. 1920) és Peter Bloom (1906–1992) festményei a „mágikus realizmus” stílusában íródtak (műveikben a természethez való hasonlóság eltúlzott, a valóság pedig inkább álomra vagy hallucinációra emlékeztet). Más művészek, mint például Charles Sheeler (1883–1965), Charles Demuth (1883–1935), Lionel Feininger (1871–1956) és Georgia O'Keeffe (1887–1986) a realizmus, a kubizmus és az expresszionizmus elemeit ötvözték. John Marin (1870–1953) és Marsden Hartley (1877–1943) alkotásai és az európai művészet egyéb irányzatai közel állnak az expresszionizmushoz Maurice Graves (sz. 1910) festményein kapcsolata a látható világgal, bár a formák eltérőek, művei erősen eltorzultak és szinte szélsőséges szimbolikus megjelölésekig terjednek.
A második világháború után a nem objektív festészet vált az amerikai művészet vezető irányává. A fő figyelem most magára a képi felületre irányult; vonalak, tömegek és színfoltok interakciójának színterének tekintették. Ezekben az években az absztrakt expresszionizmus foglalta el a legjelentősebb helyet. Ez lett az első festészeti irányzat, amely az Egyesült Államokban jelent meg és nemzetközi jelentőséggel bírt. A mozgalom vezetői Arshile Gorkij (1904–1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904–1997), Jackson Pollock (1912–1956), Mark Rothko (1903–1970) és Franz Kline (1910–1962) voltak. Az absztrakt expresszionizmus egyik legérdekesebb felfedezése Jackson Pollock művészi módszere volt, aki festéket csepegtetett vagy dobott a vászonra, hogy dinamikus lineáris formák összetett labirintusát hozza létre. Ennek a mozgalomnak a többi művésze -