Az ember fia avagy a kabátok és a tányérok története. Rene Magritte intellektuális provokációja, avagy az „Emberfia” festmény jelentésének keresése A fül helyett szárnyas férfiak festményének jelentése

belga szürrealista művész, Rene Magritte– az egyik legtitokzatosabb és legvitatottabb művész, akinek munkássága mindig is sok kérdést vetett fel. Egyik leghíresebb műve az "Ember fia". Jelenleg számos kísérlet folyik a festmény szimbolikus szubtextusának értelmezésére, amit a művészeti kritikusok gyakran intellektuális provokációnak neveznek.

Magritte minden festménye egy rebusz, amely több rejtett jelentésre késztet. Számuk kizárólag a néző fantáziáján és műveltségén múlik: a képkombinációk és a festmények nevei olyan megoldások keresésére késztetik a nézőt, ami valójában nem is létezik. Ahogy a művész maga mondta, fő célja, hogy elgondolkodtassa a nézőt. Minden munkája hasonló hatást kelt, ezért Magritte „mágikus realistának” nevezte magát.

Magritte a paradoxonok mestere, olyan problémákat vet fel, amelyek ellentmondanak a logikának, és a nézőre bízza, hogy megoldást találjon. A tányérkalapos férfi képe az egyik központi alkotása, magának a művésznek a szimbóluma lett. A képen látható paradox tárgy egy alma, amely a levegőben lóg közvetlenül egy férfi arca előtt. Az „Emberfia” a „mágikus realizmus” fogalmának kvintesszenciája és Magritte munkásságának csúcsa. Mindenki, aki ezt a képet nézi, nagyon ellentmondásos következtetésekre jut.

Magritte 1964-ben önarcképként festette „Az ember fiát”. A mű címe bibliai képekre, szimbólumokra utal. Ahogy a kritikusok írták, „a kép egy modern üzletember képének köszönheti nevét, aki Ádám fia maradt, és egy almának köszönheti a nevét, amely a kísértéseket jelképezi, amelyek továbbra is kísértik az embert a modern világban”.

Egy kabátos és tányérsapkás férfi képe először 1926-ban jelenik meg az „Egy magányos járókelő tükörképében”, majd később az „Az éjszaka értelme” című festményen is megismétlődik. Az 1950-es években Magritte ismét visszatér ehhez a képhez. Híres „Golcondája” az egyarcú tömeget és minden egyes ember magányát szimbolizálja. A „The Man in the Bowler Hat” és a „The Son of Man” továbbra is a modern ember egyéniségének elvesztésére reflektál.

A képen látható férfi arcát alma fedi – a művészet egyik legősibb és legjelentősebb szimbóluma. A Bibliában az alma a jó és a rossz tudásának fájának gyümölcse, az ember bukásának jelképe. A néphitben ezt a képet gyakran a termékenység és az egészség szimbólumaként használták. A heraldikában az alma a békét, a hatalmat és a tekintélyt szimbolizálja. Magritte azonban nyilvánvalóan az eredeti jelentésekre hivatkozik, és ezt a képet az embert kísértő kísértések szimbólumaként használja. A modern élet eszeveszett ritmusában az ember elveszti egyéniségét, beleolvad a tömegbe, de nem tud megszabadulni a való világot blokkoló kísértésektől, mint egy alma a képen.

Variációk az *Emberfia* témára | Fotó: liveinternet.ru

Manapság Magritte „Emberfia” a tömegkultúra műalkotásává vált, ezt a képet végtelenül reprodukálják, parodizálják és átalakítják a reklámokban és a médiában. A festészetben Magritte munkái sok követőre találtak:

Cselekmény

Egy meghatározatlan korú férfi jól szabott, de semmi különös öltönyben és tányérkalapban áll egy alacsony kerítés mellett. Mögötte egy vízfelület. Arc helyett alma van. Ebben a szürreális rebusban több témát kódolt, amelyek végigvonulnak minden munkáján.

"Son of Man", 1964. (wikipedia.org)

Az inkognitó kalapban Magritte szenvedélyeinek ellentmondásos kombinációjából készült kép. Egyrészt ragaszkodott a klasszikus burzsoá szabályaihoz, inkább feltűnésnek látszott, olyan volt, mint mindenki más. Másrészt szerette a detektívtörténeteket és a kalandfilmeket, különösen a Fantômasról. Magritte fantáziáját felizgatta egy bűnöző története, aki áldozatok álcáját öltötte, álhíreket rendezett, megtévesztette a rendőrséget, és mindig elbújt a vádemelés elől.

A rendvágy és a rendetlenség metszéspontjában született meg ez a tekintélyesnek tűnő férfi, akinek arca mögött még számára ismeretlen titkok bújnak meg. Ugyanaz a csendes medence ördögeivel.

A bukás történetére való utalás ugyanebben a kontextusban látható. Ádámot nem azért űzték ki a paradicsomból, mert beleegyezett, hogy gyümölcsöt egyen a tiltott fáról, hanem azért, mert nem vállalta a felelősséget az elkövetett vétségért, ezért nem igazolta az ember, mint isteni teremtmény nevét.

Egy másik motívum, amely így vagy úgy, számos művében megjelenik, édesanyja emléke, aki Rene 14 éves korában öngyilkos lett. Megfulladt a folyóban, és amikor kis idő múlva a testét kiemelték a vízből, a fejét hálóingbe csavarták. És bár Magritte később azt mondta, hogy ez az esemény semmilyen módon nem hatott rá, ezt nehéz elhinni. Először is, ahhoz, hogy közömbös maradjon anyja 14 évesen végzett öngyilkossága iránt, sorvadt lélekkel kell rendelkeznie (ami Magritte-ról természetesen nem mondható el). Másodszor, nagyon gyakran jelennek meg a festményeken akár víz, akár fojtogató drapéria, vagy a víz elemmel összekapcsolt nő képei. Tehát a „Son of Man”-ban a hős háta mögött víz van, és az őt attól elválasztó akadály rendkívül alacsony. A vég elkerülhetetlen, de érkezése megjósolhatatlan.

Kontextus

Magritte definíciója szerint mágikus realizmust teremtett: ismerős tárgyak segítségével olyan ismeretlen kombinációkat hozott létre, amelyek elbizonytalanították a nézőt. A legtöbb címet - mindezeket a titokzatos, borítékolható megfogalmazásokat - nem maga a művész találta ki, hanem barátai. A következő munka végeztével Magritte meghívta őket, és felajánlotta, hogy ötletbörzét tartanak. Maga a művész meglehetősen részletes leírást hagyott művészetének filozófiájáról és világfelfogásáról, a tárgy, a kép és a szó viszonyának megértésében.

"Sokszorosítás tilos", 1937. (wikipedia.org)

Az egyik tankönyvpélda az 1948-as „A képek árulása” című festmény. Ismerős pipát ábrázol, amely önmagában semmiféle zavart nem okoz a művészi természetű finoman szervezett lélekben. Ha nem az aláírás: „Ez nem pipa.” „Hogy ez nem pipa – kérdezte a közönség –, amikor jól látható, hogy nem lehet más, mint egy pipa. Magritte így vágott vissza: „Meg tudod tölteni dohánnyal? Nem, ez csak egy kép, nem? Tehát ha azt írnám a festmény alá: „Ez egy pipa”, hazudnék!

„A képek árulása”, 1928–1929. (wikipedia.org)

Magritte minden művének megvan a maga logikája. Ez nem rémálmok és álmok sorozata, hanem összefüggésrendszer. A művész általában szkeptikus volt azzal kapcsolatban, hogy a szürrealisták milyen buzgalommal tanulmányozták Freudot, és alig ébredve igyekeztek a lehető legrészletesebben megörökíteni az álmukban látottakat.

A művésznek számos munkája van - „perspektívák”, amelyekben a híres mesterek festményeinek hősei meghalnak. Vagyis Magritte a vásznakon ábrázolókat élő emberekként értelmezi, akik előbb-utóbb meghalnak. Magritte például Madame Recamier portréit készítette David és François Gerardtól, és ezek alapján két perspektívát festett. És nem lehet vitatkozni: bármennyire is szép volt a társasági nő, ugyanaz a sors várt rá, mint az utolsó futamra.

Magritte ugyanezt tette Edouard Manet „Balcony” című művével, amelyben az embereket koporsókkal helyettesítette. Vannak, akik a „perspektívák” körforgását művészeti istenkáromlásnak, mások viccnek fogják fel, de ha jobban belegondolunk, ez csak a dolgok józan pillantása.

A művész sorsa

Rene Magritte a belga vadonban született. Három gyerek volt a családban, nem volt könnyű. A következő évben édesanyja halála után Rene találkozott Georgette Bergerrel. 9 év után újra találkoznak, és soha többé nem válnak el.

Az iskola és a Királyi Művészeti Akadémia tanfolyama után Magritte rózsákat festett tapétára – művészként kapott állást egy gyárban. Aztán elkezdett reklámplakátokat készíteni. Georgette-tal kötött házassága után Magritte egyre több időt szentelt a művészetnek. (Bár időnként vissza kellett térnie a kereskedelmi megrendelésekhez - nem volt elég pénz, Georgette-nek időnként dolgoznia kellett, ami rendkívül lehangolta Renét -, ő, mint egy igazi burzsoá, úgy gondolta, hogy egy nőnek egyáltalán nem szabad dolgoznia. .) Együtt Párizsba mentek, ahol találkoztak a dadaistákkal és a szürrealistákkal, különösen André Bretonnal és Salvador Dalival.

Az 1930-as években hazájába visszatérve Magritte hű maradt a művészek mércéihez mérten aszkétikus életmódjához. A házában nem volt műhely – írta közvetlenül a szobájában. Nincs féktelen ivás, szexuális botrányok, bohém kicsapongás. Rene Magritte egy feltűnő hivatalnok életét élte. Nem volt gyerekük, csak egy kutya.

Fokozatosan egyre híresebb Európában és az USA-ban, kiállításokkal, előadásokkal meghívják Nagy-Britanniába és az Államokba. Egy észrevétlen burzsoá kénytelen elhagyni csendes zugát.

A háború éveiben Magritte az impresszionizmus felé fordult, hogy bátorítsa a megszállt haza polgártársait. Renoirt modellként használva élénkebb színeket választ. A háború végén visszatér a megszokott modorához. Emellett kísérleteket kezd a moziban: Magritte az 1950-es években fényképezőgépet vásárolt, és lelkesen készít rövidfilmeket felesége és barátai részvételével.

1967-ben Magritte hasnyálmirigyrákban halt meg. Több befejezetlen projekt maradt, amelyeken a művész utolsó napjaiig dolgozott.

Források

múzeum-magritte-múzeum.be
Irina Kulik előadása „René Magritte - Christo”
Alexander Tairov - a művészekről. René Magritte
Fotó a bejelentésről és a vezetőről: wikipedia.org

Kedvenc szürrealistám sok remekművel büszkélkedhet, amely szerényen függ a brüsszeli múzeumában. A nagyközönség két szövetdarabbal borított fejéről, ülőkoporsóiról, pipaképéről, valamint az arcába zökkenőmentesen illeszkedő női nemi szerveiről ismeri. Nos, természetesen, hála neki - az ember fiának.

A kabátos és tányérsapkás férfi képe vörös cérnaként fut végig Magritte összes munkáján. Először 1926-ban festett hasonló sziluettet, a festményt „Egy magányos járókelő tükörképeinek” nevezve. Munkásságának egyes kutatói úgy vélik, hogy a festményt a művész édesanyja halálának benyomására festették. (Öngyilkosságot követett el úgy, hogy leugrott a hídról).

Egy évvel később a tányérsapka és kabát motívuma ismét megjelenik Magritte munkájában. – Az éjszaka értelme. Az éjszaka jelentése természetesen az álomban rejlik.

Magritte ismét csak 1951-ben idézte fel ezt a képet, amikor megalkotta a „Pandora szelencéje” című festményt. Feltehetően a fehér rózsa a doboz alján megmaradt reményt szimbolizálja.

1953-ban Magritte megfestette a híres "Golcondát" - az emberesőt. Maga Rene azzal érvelt, hogy ez a kép a tömeg egyarcúságát és a benne lévő egyén magányát személyesíti meg, aki a való életet - ismét - csak álomban tudja megérinteni.

1954-ben jelent meg a Nagy Század és az Iskolai tanár.

"Nagy Század"

"iskolai tanár"

1955-ben egy kabátos és tányérsapkás férfi tárul fel különböző oldalról. Három alak, három hold, három valóság. "A horizont mesterműve vagy rejtélye"

1956-ban Magritte alteregója elveszti alakját, és utánozza a horizontot – a „The Poet Recreated” című alkotást.

1957-ben Magritte-ot Botticelli ihlette, és Spring-et egy kabátot viselő férfi hátára helyezte. "Kész csokor"

Három év szünet után 1960-ban a kabát visszatért a hálás nézőhöz. Almát hoz magával. "Levelezőlap"

Valamint az állatvilág képviselői. Egy fontos részlet – egy kabátos és tányérsapkás férfi fordul szembe velünk. "Józanság"

1961-ben Gagarin felrepült az űrbe, és Magritte megfestette „Steffi Lang portréját”, amelyben nem mulasztotta el két garnitúra „bowler kabát”-ot.

"Elit".

"A kaland szelleme"

1963-ban Magritte ismét kísérletezett egy kicsit a formával.

"Végtelen vallomás"

"A rend híve"

1964-ben a művész megfestette az "Ember fia" elődjét. "Az ember a kalapban"

És végül eljutunk Magritte talán leghíresebb festményéhez. Az „Ember fia” a művész önarcképének készült, amely az egyéniségét vesztett, de a kísértésektől nem szabadult modern embert jelképezi.

Ugyanebben az évben megírták az „Emberfia” variációját - „A nagy háború”

Két évvel Az ember fia után Magritte visszatért a tányérkalapokhoz. A "Decalcomania" és a "Royal Museum" 1966-ból származik.

"Decalcomania"

"Királyi Múzeum"

Ekkor Magritte tányérkalapokkal vetett véget kapcsolatának, de már késő volt – a kép a tömegekhez jutott. A kép vulgarizálásában jelentős szerepet játszott az Apple termékek rajongóinak játékos keze.

Nem szabad azonban csak a rossz alma híveit hibáztatni - egy ötlet társadalom általi adaptálása általában fájdalmas a szerző számára.

A folyamat apoteózisa az „ember fiának” átalakulása a haladó fiatalság új hősévé. Úgy érzem, Magritte éppen a szöget ütötte a koporsójába.

Mit kapunk ennek eredményeként? A művész egyik kulcsképét vulgarizálták és kereskedelmi forgalomba helyezték. Másrészt ez nem a világhírnév bizonyítéka?

Bella Adtseeva

A belga művész, Rene Magritte, a szürrealizmushoz való kétségtelen hovatartozása ellenére, mindig kiállt a mozgalomból. Először is szkeptikus volt Andre Breton egész csoportjának talán fő hobbijával, Freud pszichoanalízisével kapcsolatban. Másodszor, Magritte festményei maguk sem hasonlítanak sem Salvador Dali őrült cselekményeire, sem Max Ernst bizarr tájaira. Magritte többnyire hétköznapi hétköznapi képeket használt - fák, ablakok, ajtók, gyümölcsök, emberi alakok -, de festményei nem kevésbé abszurdak és titokzatosak, mint különc kollégáinak munkái. Anélkül, hogy fantasztikus tárgyakat és lényeket hozott létre a tudatalatti mélyéről, a belga művész megtette azt, amit Lautreamont művészetnek nevezett - "egy esernyő és egy írógép találkozását a műtőasztalon" rendezte meg, szokatlan módon kombinálva a banális dolgokat. A művészetkritikusok és műértők még mindig új, a képhez szinte soha nem kapcsolódó értelmezéseket kínálják festményeinek és költői címeinek, ami ismét megerősíti: Magritte egyszerűsége csalóka.

Maga Rene Magritte még csak nem is szürrealizmusnak, hanem mágikus realizmusnak nevezte művészetét, és nagyon bizalmatlan volt minden értelmezési kísérlettel, még inkább a szimbólumok keresésével szemben, azzal érvelve, hogy a festményekhez csak nézni lehet.

Ettől a pillanattól fogva Magritte időről időre visszatért egy rejtélyes, tányérkalapos idegen képéhez, amely akár a homokos tengerparton, akár egy városi hídon, vagy egy zöld erdőben, vagy egy hegyi táj felé néz. Két-három idegen lehetett, háttal álltak a nézőnek, vagy félig oldalt, és néha - mint például a High Society (1962) című festményen (fordítható "High Society"-nek - a szerkesztő megjegyzése) - a művész csak egy körvonalat mutatott be egy tányérkalapos férfiakat, felhőkkel és levelekkel megtöltve. A leghíresebb idegent ábrázoló festmények a „Golconda” (1953) és természetesen a „Son of Man” (1964) – Magritte legszélesebb körben reprodukált munkája, amelyek paródiái és utalásai olyan gyakran előfordulnak, hogy a kép már külön él. alkotója. Kezdetben Rene Magritte önarcképnek festette a képet, ahol a férfi alakja egy modern embert jelképez, aki elvesztette egyéniségét, de Ádám fia maradt, aki nem tud ellenállni a kísértéseknek – innen az arcát borító alma.

"Szerelmesek"

Rene Magritte gyakran kommentálta festményeit, de magyarázat nélkül hagyta az egyik legtitokzatosabbat - a „Szerelmeseket” (1928), teret engedve az értelmezésnek a művészeti kritikusok és a rajongók számára. Az elsők ismét utalást láttak a festményen a művésznő gyermekkorára és édesanyja öngyilkosságával kapcsolatos élményeire (amikor a holttestét kiemelték a folyóból, a nő fejét a hálóing szegélye borította - a szerkesztő megjegyzése). A létező változatok legegyszerűbb és legkézenfekvőbb változata - „a szerelem vak” - nem ébreszt bizalmat a szakértőkben, akik gyakran úgy értelmezik a képet, mint egy olyan kísérletet, amely megpróbálja átadni az elszigeteltséget olyan emberek között, akik még a szenvedély pillanataiban sem képesek legyőzni az elidegenedést. Mások itt azt látják, hogy lehetetlen a közeli embereket a végsőkig megérteni és megismerni, míg mások a „szerelmesek” szót a „szerelemtől való fejvesztéssel” valósult metaforaként értelmezik.

Ugyanebben az évben Rene Magritte egy második festményt is festett „Szerelmesek” címmel - ebben a férfi és a nő arca is zárva van, de a pózok és a hátterük megváltozott, és az általános hangulat feszültről békésre változott.

Akárhogy is legyen, a „The Lovers” továbbra is Magritte egyik legismertebb festménye, amelynek titokzatos atmoszféráját a mai művészek kölcsönzik – például a Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep brit csoport debütáló albumának borítója. a Beszélgetésben (2003) utal arra.

"A képek árulása", avagy ez nem...

Rene Magritte festményeinek neve és a képpel való kapcsolata külön vizsgálandó téma. „Az üvegkulcs”, „A lehetetlen elérése”, „Emberi sors”, „Az üresség akadálya”, „A gyönyörű világ”, „Fény birodalma” - költői és titokzatos, szinte soha nem írja le, mit lát a néző a képen. vászon, de arról, hogy a művész milyen jelentést akart adni a névnek, azt minden esetben csak sejteni lehet. „A címek úgy vannak megválasztva, hogy ne engedjék, hogy a festményeim az ismerős birodalmába kerüljenek, ahol a gondolatok automatizmusa minden bizonnyal a szorongás megelőzésére szolgál” – magyarázta Magritte.

1948-ban megalkotta a „Képek árulása” című festményét, amely a rajta lévő feliratnak köszönhetően Magritte egyik leghíresebb alkotása lett: a következetlenségből a művész a tagadásig jutott, a „Ez nem pipa” feliratot egy kép alá írta. cső. "Ez a híres pipa. Hogy szemrehányást tettek vele az emberek! És mégis, meg lehet tölteni dohánnyal? Nem, ez csak egy kép, nem? Tehát ha a kép alá azt írnám, hogy ez egy pipa, hazudnék!" - mondta a művész.

Magritte égboltja

Az égbolt a felhők között olyan mindennapi és használt kép, hogy lehetetlennek tűnik egy adott művész „hívókártyájává” tenni. Magritte égboltja azonban nem téveszthető össze valaki máséval – legtöbbször annak köszönhető, hogy festményein díszes tükrökben és hatalmas szemekben tükröződik, kitölti a madarak kontúrjait, és a horizontvonallal együtt észrevétlenül elhalad tájkép a festőállványra ("Human Destiny" sorozat). A derűs égbolt háttérként szolgál egy tányérkalapos idegen számára (Decalcomania, 1966), helyettesíti a szoba szürke falait (Personal Values, 1952), és háromdimenziós tükrökben törik meg (Elementary Cosmogony, 1949).

A híres "Fény birodalma" (1954) úgy tűnik, egyáltalán nem hasonlít Magritte munkáihoz - az esti tájban első pillantásra nem volt hely szokatlan tárgyaknak és titokzatos kombinációknak. És mégis létezik ilyen kombináció, és ettől a kép „Magritte” - tiszta nappali égbolt a tó felett, és egy sötétségbe merülő ház.

Alogizmus, abszurditás, a képek és figurák össze nem illő, paradox vizuális változékonyságának kombinációja – ez a szürrealizmus alapja. Ennek a mozgalomnak az alapítóját Sigmund Freud tudatalatti elméletének megtestesítőjének tekintik a szürrealizmus alapján. A mozgalom számos képviselője ezen az alapon alkotott olyan remekműveket, amelyek nem tükrözték az objektív valóságot, hanem csupán a tudatalatti által ihletett egyéni képek megtestesülései voltak. A szürrealisták által festett vásznak nem lehettek sem jó, sem rossz termékei. Mindegyik különböző érzelmeket váltott ki különböző emberekben. Ezért bátran kijelenthetjük, hogy a modernizmus ezen iránya meglehetősen ellentmondásos, ami hozzájárult a festészetben és az irodalomban való gyors elterjedéséhez.

A szürrealizmus mint illúzió és a 20. század irodalma

Salvador Dali, Paul Delvaux, Rene Magritte, Jean Arp, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy, Michael Parkes és Dorothy Tanning a szürrealizmus pillérei, amelyek a múlt század 20-as éveiben jelentek meg Franciaországban. Ez a tendencia nem korlátozódik Franciaországra, hanem más országokra és kontinensekre is átterjedt. A szürrealizmus nagyban megkönnyítette a kubizmus és az absztrakcionizmus felfogását.

A szürrealisták egyik fő posztulátuma az alkotók energiájának az emberi tudatalattival való azonosítása volt, ami alvásban, hipnózisban, betegség közbeni delíriumban vagy véletlenszerű kreatív belátásokban nyilvánul meg.

A szürrealizmus megkülönböztető jegyei

A szürrealizmus a festészet összetett mozgása, amelyet sok művész a maga módján ért és ért. Ezért nem meglepő, hogy a szürrealizmus két fogalmilag eltérő irányba fejlődött. Az első ág könnyen Miro, Max Ernst, Jean Arp és Andre Masson nevéhez fűződik, akiknek alkotásaiban a fő helyet a simán absztrakcióvá váló képek foglalták el. A második ág az emberi tudatalatti által generált szürreális kép megtestesülését veszi alapul, illuzórikus pontossággal. Ebben az irányban dolgozott Salvador Dali, aki az akadémikus festészet ideális képviselője. Munkáit a chiaroscuro pontos visszaadása és a gondos festési mód jellemzi - a sűrű tárgyakon kézzel fogható az átlátszóság, míg a tömörek szétterülnek, a masszív és háromdimenziós figurák könnyedséget és súlytalanságot kapnak, az összeférhetetlenek pedig kombinálhatók.

Rene Magritte életrajza

Salvador Dali munkái mellett Rene Magritte, egy híres belga művész munkája is megtalálható, aki 1898-ban született Lesin városában. A családban, kivéve Renét. még két gyermek született, és 1912-ben szerencsétlenség történt, amely befolyásolta a leendő művész életét és munkásságát - édesanyja meghalt. Ez tükröződött Rene Magritte „Mack Sennett emlékére” című festményén, amelyet 1936-ban festettek. A művész maga állította, hogy a körülmények nem befolyásolták életét és munkásságát.

1916-ban Rene Magritte belépett a Brüsszeli Művészeti Akadémiára, ahol megismerkedett leendő múzsájával és feleségével, Georgette Bergerrel. Az Akadémia elvégzése után Rene reklámanyagok készítésével foglalkozott, és ezt meglehetősen elutasítóan fogadta. A futurizmus, a kubizmus és a dada óriási hatással volt a művészre, de 1923-ban Rene Magritte látta először Giorgio de Chirico „Song of Love” című művét. Ez a pillanat vált a szürrealista Rene Magritte fejlődésének kiindulópontjává. Ezzel egy időben Brüsszelben megindult egy mozgalom megalakulása, amelynek Marcel Lecampt, Andre Suri, Paul Nouger és Camille Gemans mellett Rene Magritte lett a képviselője.

Rene Magritte művei.

A művész munkái mindig is ellentmondásosak voltak, és sok figyelmet vonzottak.

Első pillantásra Rene Magritte festménye tele van furcsa képekkel, amelyek nemcsak titokzatosak, hanem kétértelműek is. Rene Magritte nem érintette a szürrealizmusban a forma kérdését, a festmény jelentésébe és jelentőségébe helyezte a látásmódját.

Sok művész különös figyelmet fordít a címekre. Főleg Rene Magritte. Az „Ez nem pipa” vagy „Az ember fia” című festmények felébresztik a nézőben a gondolkodót és a filozófust. Véleménye szerint nemcsak a képnek kell érzelmek megjelenítésére ösztönöznie a nézőt, hanem a címnek is meg kell lepnie, elgondolkodtatnia.
Ami a leírásokat illeti, sok szürrealista röviden összefoglalta festményeit. Rene Magritte sem kivétel. A leírásokkal ellátott festmények mindig is jelen voltak a művész reklámtevékenységében.

A művész maga „mágikus realistának” nevezte magát. Célja az volt, hogy paradoxont alkosson, és a közönség vonja le a saját következtetéseit. Rene Magritte műveiben mindig egyértelműen határvonalat húzott a szubjektív kép és a valós valóság között.

"Szerelmesek" festmény

Rene Magritte 1927-1928-ban Párizsban festette a „Szerelmesek” című festménysorozatot.

Az első képen egy férfi és egy nő látható, akik egy csókban egyesülnek. Fejük fehér szövetbe van burkolva. A második festmény ugyanazt a férfit és nőt ábrázolja fehér ruhában, akik a festményről néznek a közönségre.

A fehér szövet a művész munkáiban heves vitákat vált ki és vált ki. Két változat létezik. Az első szerint a fehér szövet Rene Magritte munkáiban anyja kora gyermekkori halála kapcsán jelent meg. Anyja leugrott egy hídról a folyóba. Amikor a holttestét kiemelték a vízből, egy fehér kendőt találtak a feje köré csavarva. Ami a második verziót illeti, sokan tudták, hogy a művész rajongója Fantômasnak, a népszerű film hősének. Ezért előfordulhat, hogy a fehér szövet tisztelgés a mozi iránti szenvedély előtt.

Miről szól ez a kép? Sokan azt gondolják, hogy a „Szerelmesek” című festmény a vak szerelmet személyesíti meg: amikor az emberek szerelmesek lesznek, nem vesznek észre mást vagy valamit, mint a másik felüket. De az emberek önmaguknak rejtélyek maradnak. Viszont a szerelmesek csókját tekintve azt mondhatjuk, hogy a szerelemtől és a szenvedélytől elvesztették a fejüket. Rene Magritte festménye tele van kölcsönös érzésekkel és élményekkel.

"Ember fia"

Rene Magritte "Az ember fia" című festménye a "mágikus realizmus" fémjelévé és Rene Magritte önarcképévé vált. Ezt a művet a mester egyik legvitatottabb alkotásaként tartják számon.

A művész egy alma mögé rejtette arcát, mintha azt mondaná, hogy nem minden úgy van, mint amilyennek látszik, és az emberek állandóan be akarnak jutni az ember lelkébe, és megérteni a dolgok valódi lényegét. Rene Magritte festménye egyszerre rejti és feltárja magának a mesternek a lényegét.

Rene Magritte fontos szerepet játszott a szürrealizmus kialakulásában, művei továbbra is egyre több generáció tudatát izgatják.