ภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ผลงานของศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชาวอิตาลี

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหรือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นเหตุการณ์สำคัญทางประวัติศาสตร์ในวัฒนธรรมยุโรป นี่เป็นขั้นตอนที่เป็นเวรเป็นกรรมในการพัฒนาอารยธรรมโลกซึ่งเข้ามาแทนที่ความมืดมิดและความคลุมเครือของยุคกลางและนำหน้าการเกิดขึ้นของคุณค่าทางวัฒนธรรมของยุคใหม่ มรดกยุคเรอเนซองส์มีลักษณะเฉพาะคือมานุษยวิทยา - กล่าวอีกนัยหนึ่งคือการปฐมนิเทศต่อมนุษย์ ชีวิต และกิจกรรมของเขา โดยแยกตัวออกจากหลักคำสอนและธีมของโบสถ์ ศิลปะได้รับลักษณะทางโลก และชื่อของยุคนั้นหมายถึงการฟื้นฟูลวดลายโบราณในงานศิลปะ

ยุคเรอเนซองส์ซึ่งมีต้นกำเนิดในอิตาลี มักจะแบ่งออกเป็นสามช่วง: ช่วงแรก (“quattrocento”) ช่วงสูง และช่วงหลัง ให้เราพิจารณาคุณสมบัติของความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ที่ทำงานในสมัยโบราณ แต่สำคัญเหล่านั้น

ประการแรกควรสังเกตว่าผู้สร้างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่เพียง แต่มีส่วนร่วมในงานศิลปะที่ "บริสุทธิ์" เท่านั้น แต่ยังพิสูจน์ตัวเองว่าเป็นนักวิจัยและผู้ค้นพบที่มีความสามารถอีกด้วย ตัวอย่างเช่น สถาปนิกจากฟลอเรนซ์ชื่อ Filippo Brunelleschi บรรยายชุดกฎเกณฑ์สำหรับการสร้างเปอร์สเปคทีฟเชิงเส้น กฎหมายที่เขากำหนดขึ้นทำให้สามารถพรรณนาโลกสามมิติบนผืนผ้าใบได้อย่างแม่นยำ นอกเหนือจากศูนย์รวมของแนวคิดที่ก้าวหน้าในการวาดภาพแล้ว เนื้อหาเชิงอุดมคติของมันก็เปลี่ยนไปเช่นกัน - วีรบุรุษของภาพเขียนได้กลายเป็น "ทางโลก" มากขึ้นโดยมีคุณสมบัติและตัวละครส่วนตัวที่เด่นชัด สิ่งนี้ยังนำไปใช้กับงานในหัวข้อที่เกี่ยวข้องกับศาสนาด้วย

ชื่อที่โดดเด่นของยุค Quattrocento (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15) - บอตติเชลลี, มาซาชโช, มาโซลิโน, กอซโซลี และอื่น ๆ - ได้รับตำแหน่งอันทรงเกียรติอย่างถูกต้องในคลังวัฒนธรรมโลก

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง (ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16) ศักยภาพทางอุดมการณ์และความคิดสร้างสรรค์ทั้งหมดของศิลปินได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ ลักษณะเด่นของเวลานี้คือการอ้างอิงศิลปะถึงยุคโบราณ อย่างไรก็ตาม ศิลปินไม่สุ่มสี่สุ่มห้าลอกเลียนแบบวัตถุโบราณ แต่ใช้สิ่งเหล่านี้เพื่อสร้างและพัฒนาสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเอง ด้วยเหตุนี้วิจิตรศิลป์จึงได้รับความสม่ำเสมอและความเข้มงวดทำให้เกิดความเหลื่อมล้ำในช่วงก่อนหน้า สถาปัตยกรรม ประติมากรรม และภาพวาดในยุคนี้ผสมผสานกันอย่างลงตัว อาคาร จิตรกรรมฝาผนัง และภาพวาดที่สร้างขึ้นในสมัยเรอเนซองส์ระดับสูงถือเป็นผลงานชิ้นเอกอย่างแท้จริง ชื่อของอัจฉริยะที่ได้รับการยอมรับในระดับสากล: Leonardo da Vinci, Rafael Santi, Michelangelo Buonarotti

บุคลิกของ Leonardo da Vinci สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ พวกเขาพูดเกี่ยวกับเขาว่าเขาเป็นผู้ชายที่ล้ำสมัยมาก ศิลปิน สถาปนิก วิศวกร นักประดิษฐ์ - นี่ไม่ใช่รายการที่สมบูรณ์ของการจุติของบุคลิกภาพที่หลากหลายนี้

ชายสมัยใหม่บนท้องถนนรู้จัก Leonardo da Vinci เป็นหลักในฐานะจิตรกร ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือโมนาลิซ่า จากตัวอย่างของเธอ ผู้ชมสามารถชื่นชมนวัตกรรมของเทคนิคของผู้เขียน: ด้วยความกล้าหาญที่เป็นเอกลักษณ์และการคิดที่ผ่อนคลายของเขา Leonardo ได้พัฒนาวิธีการใหม่ในการ "ฟื้นฟู" รูปภาพโดยพื้นฐาน

ด้วยการใช้ปรากฏการณ์การกระเจิงของแสง ทำให้เขาสามารถลดคอนทราสต์ของรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ได้ ซึ่งช่วยยกระดับความสมจริงของภาพขึ้นไปอีกระดับหนึ่ง อาจารย์ให้ความสนใจอย่างน่าทึ่งกับความแม่นยำทางกายวิภาคของร่างกายในการวาดภาพและกราฟิก - สัดส่วนของร่าง "ในอุดมคติ" จะถูกบันทึกไว้ใน "มนุษย์วิทรูเวียน"

ช่วงครึ่งหลังของคริสต์ศตวรรษที่ 16 และครึ่งแรกของคริสต์ศตวรรษที่ 17 มักเรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย ช่วงเวลานี้โดดเด่นด้วยแนวโน้มทางวัฒนธรรมและความคิดสร้างสรรค์ที่หลากหลาย ดังนั้นจึงเป็นการยากที่จะตัดสินได้อย่างไม่คลุมเครือ กระแสทางศาสนาของยุโรปตอนใต้ซึ่งรวมอยู่ในการต่อต้านการปฏิรูป นำไปสู่การที่เป็นนามธรรมจากการเฉลิมฉลองความงามของมนุษย์และอุดมคติโบราณ ความขัดแย้งของความรู้สึกดังกล่าวกับอุดมการณ์ที่จัดตั้งขึ้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานำไปสู่การเกิดขึ้นของกิริยาท่าทางของชาวฟลอเรนซ์ การวาดภาพในรูปแบบนี้โดดเด่นด้วยจานสีที่ประดิษฐ์ขึ้นและเส้นที่ขาด ปรมาจารย์ชาวเวนิสในยุคนั้น - ทิเชียนและปัลลาดิโอ - ได้กำหนดทิศทางการพัฒนาของตนเองซึ่งมีจุดติดต่อกับวิกฤตทางศิลปะเพียงไม่กี่จุด

นอกจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีแล้ว ควรให้ความสนใจกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทางตอนเหนือด้วย ศิลปินที่อาศัยอยู่ทางตอนเหนือของเทือกเขาแอลป์ได้รับอิทธิพลจากศิลปะโบราณน้อยกว่า ผลงานของพวกเขาแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของสไตล์กอทิกที่สืบทอดมาจนถึงยุคบาโรก บุคคลสำคัญในยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือ ได้แก่ Albrecht Durer, Lucas Cranach the Elder, Pieter Bruegel the Elder

มรดกทางวัฒนธรรมของศิลปินยุคเรอเนซองส์ผู้ยิ่งใหญ่นั้นประเมินค่าไม่ได้ ชื่อของแต่ละคนได้รับการเก็บรักษาไว้อย่างเคารพนับถือและระมัดระวังในความทรงจำของมนุษยชาติ เนื่องจากผู้ที่เจาะมันเป็นเพชรที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวซึ่งมีหลายแง่มุม

7 สิงหาคม 2014

นักศึกษาของมหาวิทยาลัยศิลปะและผู้ที่สนใจประวัติศาสตร์ศิลปะรู้ดีว่าในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 14-15 การวาดภาพมีการเปลี่ยนแปลงอย่างมาก - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ประมาณช่วงทศวรรษที่ 1420 ทุกคนเริ่มวาดภาพได้ดีขึ้นมาก เหตุใดภาพจึงดูสมจริงและมีรายละเอียดมาก และเหตุใดแสงและปริมาตรจึงปรากฏในภาพวาด? ไม่มีใครคิดเกี่ยวกับเรื่องนี้เป็นเวลานาน จนกระทั่งเดวิด ฮ็อคนีย์หยิบแว่นขยายขึ้นมา

เรามาดูกันดีกว่าว่าเขาค้นพบอะไร...

วันหนึ่งเขาดูภาพวาดของ Jean Auguste Dominique Ingres ผู้นำโรงเรียนวิชาการฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 19 ฮ็อคนีย์เริ่มสนใจที่จะเห็นภาพวาดเล็กๆ ของเขาในขนาดที่ใหญ่ขึ้น และเขาก็ขยายภาพเหล่านั้นด้วยเครื่องถ่ายเอกสาร นั่นคือวิธีที่เขาสะดุดกับความลับของประวัติศาสตร์การวาดภาพตั้งแต่สมัยเรอเนซองส์

หลังจากถ่ายเอกสารภาพวาดขนาดเล็กของ Ingres (ประมาณ 30 เซนติเมตร) Hockney ก็ประหลาดใจกับความสมจริงของภาพวาดเหล่านั้น และสำหรับเขาแล้วดูเหมือนว่าบทพูดของ Ingres จะเป็นอะไรบางอย่างสำหรับเขา
เตือน. ปรากฎว่าพวกเขาทำให้เขานึกถึงผลงานของวอร์ฮอล และวอร์ฮอลก็ทำสิ่งนี้ - เขาฉายภาพลงบนผืนผ้าใบแล้วร่างโครงร่าง

ซ้าย: รายละเอียดภาพวาดของ Ingres ขวา: ภาพวาดของเหมา เจ๋อตง ของวอร์ฮอล

สิ่งที่น่าสนใจ Hockney กล่าว เห็นได้ชัดว่า Ingres ใช้ Camera Lucida ซึ่งเป็นอุปกรณ์ที่มีโครงสร้างที่มีปริซึมซึ่งติดตั้งไว้บนขาตั้งบนแท็บเล็ต ดังนั้นศิลปินเมื่อมองภาพวาดของเขาด้วยตาข้างเดียวเห็นภาพจริงและอีกข้างหนึ่ง - ภาพวาดจริงและมือของเขา ผลลัพธ์ที่ได้คือภาพลวงตาที่ช่วยให้คุณสามารถถ่ายโอนสัดส่วนที่แท้จริงลงบนกระดาษได้อย่างแม่นยำ และนี่คือ "การรับประกัน" ความสมจริงของภาพอย่างแม่นยำ

การวาดภาพบุคคลโดยใช้กล้องลูซิดา 2350

จากนั้นฮอคนีย์ก็เริ่มสนใจภาพวาดและภาพวาดประเภท "ออปติคอล" อย่างจริงจัง ในสตูดิโอของเขา เขาและทีมงานแขวนภาพวาดจำลองหลายร้อยชิ้นที่สร้างขึ้นตลอดหลายศตวรรษไว้บนผนัง ผลงานที่ดู "ของจริง" และงานที่ไม่เป็นเช่นนั้น Hockney และทีมงานของเขามองเห็นการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในการวาดภาพในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 14-15 โดยจัดเรียงตามเวลาแห่งการสร้างสรรค์และภูมิภาค - เหนือบน ใต้ล่าง โดยทั่วไปแล้วทุกคนที่รู้เพียงเล็กน้อยเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะก็รู้เรื่องนี้ - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

บางทีพวกเขาอาจใช้กล้องลูซิด้าตัวเดียวกันก็ได้? ได้รับการจดสิทธิบัตรในปี 1807 โดย William Hyde Wollaston แม้ว่าในความเป็นจริงแล้ว อุปกรณ์ดังกล่าวได้รับการอธิบายโดยโยฮันเนส เคปเลอร์ ย้อนกลับไปในปี 1611 ในงานของเขา Dioptrice ถ้าอย่างนั้นพวกเขาอาจใช้อุปกรณ์ออพติคอลอื่น - กล้อง obscura เหรอ? เป็นที่รู้จักมาตั้งแต่สมัยอริสโตเติล และเป็นห้องมืดซึ่งมีแสงเข้ามาทางรูเล็กๆ ดังนั้นในห้องมืดจึงได้ภาพฉายสิ่งที่อยู่หน้าหลุมนั้น แต่จะกลับด้าน ทุกอย่างคงจะดีแต่ภาพที่ได้จากการฉายด้วยกล้องรูเข็มที่ไม่มีเลนส์ ถ้าจะพูดเบา ๆ ก็ไม่ได้คุณภาพสูง ไม่ชัดเจน ต้องใช้แสงจ้ามาก ขนาดไม่ต้องพูดถึง ของการฉายภาพ แต่เลนส์คุณภาพสูงแทบจะเป็นไปไม่ได้เลยจนกระทั่งถึงศตวรรษที่ 16 เนื่องจากในเวลานั้นไม่มีทางได้กระจกคุณภาพสูงเช่นนี้ ธุรกิจคิดว่า Hockney ซึ่งในเวลานั้นกำลังดิ้นรนกับปัญหากับนักฟิสิกส์ Charles Falco แล้ว

อย่างไรก็ตาม มีภาพวาดของแจน ฟาน เอค ปรมาจารย์จากเมืองบรูจส์ จิตรกรชาวเฟลมิชแห่งยุคเรอเนซองส์ตอนต้น ซึ่งมีเบาะแสอยู่ ภาพวาดนี้มีชื่อว่า "Portrait of the Arnolfini Couple"

ยาน ฟาน เอค "ภาพเหมือนของคู่รักอาร์โนลฟินี" ค.ศ. 1434

ภาพวาดนั้นเปล่งประกายด้วยรายละเอียดจำนวนมากซึ่งค่อนข้างน่าสนใจเพราะทาสีในปี 1434 เท่านั้น และเบาะแสที่แสดงให้เห็นว่าผู้เขียนสามารถก้าวไปข้างหน้าอย่างยิ่งใหญ่ในด้านความสมจริงของภาพได้อย่างไรก็คือกระจกเงา และยังมีเชิงเทียน - ซับซ้อนและสมจริงอย่างเหลือเชื่อ

ฮ็อคนีย์ระเบิดด้วยความอยากรู้อยากเห็น เขาได้สำเนาของโคมระย้าดังกล่าวมาและพยายามวาดมัน ศิลปินต้องเผชิญกับความจริงที่ว่าสิ่งที่ซับซ้อนเช่นนี้ยากที่จะวาดในมุมมอง จุดสำคัญอีกประการหนึ่งคือความสำคัญของภาพของวัตถุโลหะนี้ เมื่อวาดภาพวัตถุที่เป็นเหล็ก สิ่งสำคัญมากคือต้องวางตำแหน่งไฮไลท์ให้มีความสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ เนื่องจากจะทำให้มีความสมจริงอย่างมาก แต่ปัญหาของไฮไลท์เหล่านี้ก็คือ พวกมันจะเคลื่อนไหวเมื่อดวงตาของผู้ชมหรือศิลปินขยับ ซึ่งหมายความว่าไม่สามารถจับภาพได้ง่ายเลย และการพรรณนาโลหะและแสงสะท้อนที่สมจริงก็เป็นคุณลักษณะที่โดดเด่นของภาพวาดยุคเรอเนซองส์ด้วยซ้ำ ก่อนหน้านั้นศิลปินไม่เคยพยายามทำเช่นนี้ด้วยซ้ำ

ด้วยการสร้างโคมระย้าในรูปแบบ 3 มิติที่แม่นยำขึ้นมาใหม่ ทีมงานของฮอคนีย์ทำให้มั่นใจได้ว่าโคมระย้าในภาพพอร์ตเทรตอาร์โนลฟินีจะถูกวาดขึ้นในมุมมองอย่างแม่นยำด้วยจุดที่หายไปเพียงจุดเดียว แต่ปัญหาก็คือไม่มีอุปกรณ์เกี่ยวกับการมองเห็นที่แม่นยำ เช่น กล้องออบสคูราพร้อมเลนส์ จนกระทั่งประมาณหนึ่งศตวรรษหลังจากภาพวาดถูกสร้างขึ้น

ชิ้นส่วนของภาพวาด "ภาพเหมือนของคู่รัก Arnolfini" โดย Jan Van Eyck, 1434

ส่วนที่ขยายใหญ่ขึ้นแสดงให้เห็นว่ากระจกในภาพวาด "ภาพเหมือนของคู่รักอาร์โนลฟินี" นั้นนูนออกมา ซึ่งหมายความว่ามีกระจกอยู่ตรงกันข้าม - เว้า ยิ่งไปกว่านั้นในสมัยนั้นกระจกดังกล่าวถูกสร้างขึ้นในลักษณะนี้ - ทรงกลมแก้วถูกนำออกมาและก้นของมันถูกปกคลุมด้วยเงินจากนั้นทุกอย่างก็ถูกตัดออกยกเว้นด้านล่าง ด้านหลังของกระจกไม่ได้มืดลง ซึ่งหมายความว่ากระจกเว้าของ Jan Van Eyck อาจเป็นกระจกแบบเดียวกับที่แสดงในภาพวาด เพียงแต่มองจากด้านหลังเท่านั้น และนักฟิสิกส์คนใดก็ตามรู้ดีว่าเมื่อกระจกดังกล่าวสะท้อนออกมา ก็จะฉายภาพของสิ่งที่กำลังสะท้อนออกมา นี่คือจุดที่ Charles Falco นักฟิสิกส์เพื่อนของเขาช่วย David Hockney ในการคำนวณและการค้นคว้า

กระจกเว้าฉายภาพหอคอยนอกหน้าต่างลงบนผืนผ้าใบ

ส่วนที่โฟกัสชัดเจนของการฉายภาพมีขนาดประมาณ 30 ตารางเซนติเมตร ซึ่งเท่ากับขนาดของศีรษะในภาพบุคคลยุคเรอเนซองส์หลายๆ ภาพพอดี

Hockney สรุปโครงร่างของชายคนหนึ่งบนผืนผ้าใบ

นี่คือขนาดเช่นภาพเหมือนของ "Doge Leonardo Loredan" โดย Giovanni Bellini (1501) ภาพเหมือนของชายโดย Robert Campin (1430) ภาพเหมือนจริงของ Jan Van Eyck "ชายในผ้าโพกหัวสีแดง ” และภาพเหมือนของชาวดัตช์ในยุคแรกๆ อีกมากมาย

ภาพบุคคลยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

งานจิตรกรรมเป็นงานที่มีรายได้สูงและโดยธรรมชาติแล้วความลับทางธุรกิจทั้งหมดจะถูกเก็บไว้เป็นความลับอย่างเข้มงวดที่สุด เป็นประโยชน์สำหรับศิลปินที่คนที่ไม่ได้ฝึกหัดทุกคนเชื่อว่าความลับอยู่ในมือของอาจารย์และไม่สามารถขโมยได้ ธุรกิจนี้ปิดไม่ให้บุคคลภายนอกเข้ามา - ศิลปินเป็นสมาชิกของกิลด์ และยังรวมถึงช่างฝีมืออีกหลายคน ตั้งแต่คนทำอานม้าไปจนถึงคนทำกระจก และในกิลด์เซนต์ลุคซึ่งก่อตั้งในเมืองแอนต์เวิร์ปและกล่าวถึงครั้งแรกในปี 1382 (ในขณะนั้นกิลด์ที่คล้ายกันก็ได้เปิดขึ้นในเมืองทางตอนเหนือหลายเมือง และกิลด์ที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งคือกิลด์ในบรูจส์ เมืองที่ฟาน เอคอาศัยอยู่) มีผู้เชี่ยวชาญทำกระจกด้วย .

นี่คือวิธีที่ Hockney จำลองวิธีการทาสีโคมระย้าที่ซับซ้อนจากภาพวาดของ Van Eyck ไม่น่าแปลกใจเลยที่ขนาดของโคมระย้าที่ Hockney ฉายนั้นตรงกับขนาดของโคมระย้าในภาพวาด "Portrait of the Arnolfini Couple" ทุกประการ และแน่นอนว่าไฮไลท์บนโลหะ - ในการฉายภาพจะหยุดนิ่งและไม่เปลี่ยนแปลงเมื่อศิลปินเปลี่ยนตำแหน่ง

แต่ปัญหายังไม่ได้รับการแก้ไขทั้งหมด เนื่องจากการกำเนิดของเลนส์คุณภาพสูงซึ่งจำเป็นต้องใช้กล้อง obscura นั้นอยู่ห่างออกไป 100 ปีแล้ว และขนาดของการฉายภาพที่ได้รับจากกระจกมีขนาดเล็กมาก วิธีการวาดภาพที่มีขนาดใหญ่กว่า 30 ตารางเซนติเมตร? พวกมันถูกสร้างขึ้นมาเหมือนภาพต่อกัน - จากหลายมุมมอง มันเป็นเหมือนการมองเห็นทรงกลมที่มีจุดที่หายไปมากมาย Hockney เข้าใจสิ่งนี้เพราะเขาเองก็สร้างภาพเช่นนี้ - เขาสร้างภาพต่อกันมากมายที่ให้เอฟเฟกต์แบบเดียวกันทุกประการ

เกือบหนึ่งศตวรรษต่อมา ในช่วงทศวรรษที่ 1500 ในที่สุดก็เป็นไปได้ที่จะได้รับและแปรรูปกระจกอย่างดี - มีเลนส์ขนาดใหญ่ปรากฏขึ้น และในที่สุดพวกมันก็สามารถถูกสอดเข้าไปในกล้อง obscura ซึ่งเป็นหลักการทำงานที่รู้กันมาตั้งแต่สมัยโบราณ เลนส์ออบสคูราของกล้องถือเป็นการปฏิวัติวงการทัศนศิลป์อย่างเหลือเชื่อ เพราะการฉายภาพสามารถเป็นได้ทุกขนาด และอีกอย่างหนึ่ง ตอนนี้ภาพนั้นไม่ใช่ "มุมกว้าง" แต่เป็นมุมมองปกติโดยประมาณ นั่นคือ เหมือนกับในทุกวันนี้โดยประมาณเมื่อถ่ายภาพด้วยเลนส์ที่มีความยาวโฟกัส 35-50 มม.

อย่างไรก็ตาม ปัญหาในการใช้กล้องรูเข็มกับเลนส์ก็คือ การฉายภาพไปข้างหน้าจากเลนส์นั้นเป็นภาพสะท้อนในกระจก สิ่งนี้นำไปสู่จิตรกรที่ถนัดซ้ายจำนวนมากในช่วงแรกของการใช้ทัศนศาสตร์ เช่นเดียวกับภาพวาดจากปี 1600 จากพิพิธภัณฑ์ Frans Hals ที่คู่รักคนถนัดซ้ายกำลังเต้นรำ ชายชราที่ถนัดซ้ายกำลังเขย่านิ้วที่พวกเขา และลิงที่ถนัดซ้ายกำลังมองอยู่ใต้ชุดของผู้หญิงคนนั้น

ทุกคนในภาพนี้ถนัดซ้าย

ปัญหาได้รับการแก้ไขโดยการติดตั้งกระจกโดยหันเลนส์เข้าไป เพื่อให้ได้การฉายภาพที่ถูกต้อง แต่เห็นได้ชัดว่ากระจกที่ดีและเรียบและใหญ่นั้นมีราคาแพงมากดังนั้นจึงไม่ใช่ทุกคนจะมีมัน

ปัญหาอีกประการหนึ่งคือการมุ่งเน้น ความจริงก็คือบางส่วนของภาพ ณ ตำแหน่งหนึ่งของผืนผ้าใบภายใต้รังสีฉายภาพไม่อยู่ในโฟกัสและไม่ชัดเจน ในผลงานของ Jan Vermeer ซึ่งการใช้เลนส์ค่อนข้างชัดเจน ผลงานของเขาโดยทั่วไปจะดูเหมือนภาพถ่าย คุณยังสามารถสังเกตเห็นสถานที่ที่อยู่นอก "โฟกัส" ได้ด้วย คุณยังสามารถมองเห็นรูปแบบที่เลนส์สร้างขึ้น ซึ่งก็คือ “โบเก้” อันโด่งดัง เช่นในภาพนี้ ในภาพวาด "The Milkmaid" (1658) ตะกร้า ขนมปังในตะกร้า และแจกันสีน้ำเงินอยู่นอกโฟกัส แต่สายตามนุษย์ไม่สามารถมองเห็น "ไม่อยู่ในโฟกัส"

ภาพหลุดโฟกัสบางส่วน

จากทั้งหมดนี้ จึงไม่น่าแปลกใจเลยที่เพื่อนที่ดีของ Jan Vermeer คือ Anthony Phillips van Leeuwenhoek นักวิทยาศาสตร์และนักจุลชีววิทยา รวมถึงปรมาจารย์ผู้มีเอกลักษณ์เฉพาะที่สร้างกล้องจุลทรรศน์และเลนส์ของเขาเอง นักวิทยาศาสตร์กลายเป็นสจ๊วตมรณกรรมของศิลปิน สิ่งนี้ชี้ให้เห็นว่าเวอร์เมียร์วาดภาพเพื่อนของเขาบนผืนผ้าใบสองภาพ - "นักภูมิศาสตร์" และ "นักดาราศาสตร์"

เพื่อให้มองเห็นส่วนใดๆ ที่อยู่ในโฟกัส คุณจะต้องเปลี่ยนตำแหน่งของผืนผ้าใบใต้รังสีฉายภาพ แต่ในกรณีนี้เกิดข้อผิดพลาดในสัดส่วน ดังที่คุณเห็นที่นี่: ไหล่ใหญ่ของ "Anthea" โดย Parmigianino (ประมาณปี 1537) หัวเล็กของ "Lady Genovese" โดย Anthony Van Dyck (1626) ขาใหญ่ของชาวนาในภาพวาดของ Georges de La Tour .

ข้อผิดพลาดในสัดส่วน

แน่นอนว่าศิลปินทุกคนใช้เลนส์ต่างกัน บางส่วนมีไว้สำหรับสเก็ตช์ บางส่วนเรียบเรียงจากส่วนต่างๆ - ในที่สุดตอนนี้ก็เป็นไปได้ที่จะสร้างภาพบุคคลและทำทุกอย่างให้เสร็จสิ้นด้วยแบบจำลองอื่นหรือแม้แต่หุ่นจำลอง

แทบไม่เหลือภาพวาดของ Velazquez เลย อย่างไรก็ตามผลงานชิ้นเอกของเขายังคงอยู่ - ภาพเหมือนของสมเด็จพระสันตะปาปาอินโนเซนต์ที่ 10 (1650) มีแสงอันน่าอัศจรรย์บนเสื้อคลุมของสมเด็จพระสันตะปาปา - เห็นได้ชัดว่าเป็นผ้าไหม บลิคอฟ และการเขียนทั้งหมดนี้จากมุมมองเดียว ต้องใช้ความพยายามอย่างมาก แต่ถ้าคุณทำการฉายภาพ ความงามทั้งหมดนี้จะไม่หายไปไหน ไฮไลท์จะไม่ขยับอีกต่อไป คุณสามารถวาดด้วยลายเส้นที่กว้างและรวดเร็วเช่นของ Velasquez

Hockney จำลองภาพวาดของ Velazquez

ต่อจากนั้นศิลปินหลายคนสามารถซื้อกล้อง obscura ได้และมันก็ไม่เป็นความลับอีกต่อไป Canaletto ใช้กล้องอย่างกระตือรือร้นเพื่อสร้างทิวทัศน์ของเมืองเวนิสและไม่ได้ซ่อนมันไว้ เนื่องจากความแม่นยำของภาพวาดเหล่านี้ ทำให้เราสามารถพูดถึง Canaletto ในฐานะนักสารคดีได้ ต้องขอบคุณ Canaletto ที่คุณไม่เพียงแต่มองเห็นภาพที่สวยงามเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเรื่องราวด้วย คุณสามารถเห็นได้ว่าสะพานเวสต์มินสเตอร์แห่งแรกในลอนดอนมีลักษณะเป็นอย่างไรในปี 1746

Canaletto "สะพานเวสต์มินสเตอร์" 2289

ศิลปินชาวอังกฤษ เซอร์ โจชัว เรย์โนลด์ส เป็นเจ้าของกล้อง obscura และดูเหมือนจะไม่ได้บอกใครเกี่ยวกับเรื่องนี้เลย เนื่องจากกล้องของเขาพับขึ้นและดูเหมือนหนังสือ วันนี้อยู่ที่พิพิธภัณฑ์วิทยาศาสตร์ลอนดอน

กล้อง obscura ปลอมตัวเป็นหนังสือ

ในที่สุด ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 วิลเลียม เฮนรี ฟ็อกซ์ ทัลบอต ใช้กล้องลูซิดา ซึ่งเป็นกล้องที่คุณต้องมองด้วยตาข้างเดียวและวาดด้วยมือ ถูกสาปแช่ง โดยตัดสินใจว่าความไม่สะดวกดังกล่าวจะต้องยุติลงทันทีและอีกครั้ง ทั้งหมด และได้กลายเป็นหนึ่งในผู้ประดิษฐ์ภาพถ่ายเคมี และต่อมาก็กลายเป็นผู้มีชื่อเสียงที่เผยแพร่ภาพถ่ายดังกล่าวสู่มวลชน

ด้วยการประดิษฐ์ภาพถ่าย การผูกขาดการวาดภาพกับความสมจริงของภาพก็หายไป บัดนี้ การถ่ายภาพกลายเป็นผู้ผูกขาด และในที่สุด การวาดภาพก็หลุดพ้นจากเลนส์ และดำเนินต่อไปตามเส้นทางที่มันเปลี่ยนไปในช่วงทศวรรษที่ 1400 และแวนโก๊ะก็กลายเป็นผู้บุกเบิกงานศิลปะทั้งหมดแห่งศตวรรษที่ 20

ซ้าย: โมเสกไบแซนไทน์จากศตวรรษที่ 12 ขวา: Vincent Van Gogh ภาพเหมือนของ Monsieur Trabuc, 1889

การประดิษฐ์ภาพถ่ายเป็นสิ่งที่ดีที่สุดที่เกิดขึ้นกับการวาดภาพในประวัติศาสตร์ทั้งหมด ไม่จำเป็นต้องสร้างภาพที่แท้จริงอีกต่อไป ศิลปินก็เป็นอิสระอีกต่อไป แน่นอนว่าสาธารณชนต้องใช้เวลาหนึ่งศตวรรษในการติดตามศิลปินเกี่ยวกับความเข้าใจเกี่ยวกับดนตรีแนววิชวล และหยุดคิดว่าคนอย่าง Van Gogh นั้น "บ้า" ในขณะเดียวกัน ศิลปินก็เริ่มใช้ภาพถ่ายเป็น "ข้อมูลอ้างอิง" จากนั้นคนอย่าง Wassily Kandinsky เปรี้ยวจี๊ดชาวรัสเซีย Mark Rothko และ Jackson Pollock ก็ปรากฏตัวขึ้น ภายหลังการวาดภาพ สถาปัตยกรรม ประติมากรรม และดนตรีก็ปลดปล่อยตัวเองเช่นกัน จริงอยู่โรงเรียนวิชาการวาดภาพของรัสเซียติดอยู่กับเวลาและทุกวันนี้ในสถาบันการศึกษาและโรงเรียนยังคงถือว่าเป็นเรื่องน่าอับอายที่ใช้การถ่ายภาพเป็นตัวช่วยและความสำเร็จสูงสุดถือเป็นความสามารถทางเทคนิคล้วนๆในการวาดภาพให้สมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ด้วยมือเปล่า

ต้องขอบคุณบทความของนักข่าว Lawrence Weschler ซึ่งอยู่ในระหว่างการค้นคว้าของ David Hockney และ Falco ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจอีกประการหนึ่งก็ถูกเปิดเผย: ภาพเหมือนของคู่รัก Arnolfini โดย Van Eyck เป็นภาพเหมือนของพ่อค้าชาวอิตาลีใน Bruges Mr. Arnolfini เป็นคนเมืองฟลอเรนซ์ และยิ่งกว่านั้น เขาเป็นตัวแทนของธนาคาร Medici (ในทางปฏิบัติแล้วเป็นปรมาจารย์ของเมืองฟลอเรนซ์ในยุคเรอเนซองส์ พวกเขาถือเป็นผู้อุปถัมภ์ศิลปะในยุคนั้นในอิตาลี) สิ่งนี้หมายความว่า? ความจริงที่ว่าเขาสามารถนำความลับของกิลด์เซนต์ลุค - กระจก - ติดตัวเขาไปที่ฟลอเรนซ์ได้อย่างง่ายดายซึ่งตามที่เชื่อกันในประวัติศาสตร์ดั้งเดิมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มต้นขึ้นและศิลปินจากบรูจส์ (และดังนั้นปรมาจารย์คนอื่น ๆ ) ถือเป็น "พวกดึกดำบรรพ์"

มีการถกเถียงกันมากมายเกี่ยวกับทฤษฎี Hockney-Falco แต่มีความจริงอยู่ในนั้นอย่างแน่นอน สำหรับนักวิจารณ์ศิลปะ นักวิจารณ์ และนักประวัติศาสตร์ เป็นการยากที่จะจินตนาการว่างานทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับประวัติศาสตร์และศิลปะจำนวนเท่าใดที่กลายเป็นเรื่องไร้สาระโดยสิ้นเชิง แต่สิ่งนี้เปลี่ยนแปลงประวัติศาสตร์ศิลปะทั้งหมด ทฤษฎีและตำราทั้งหมดของพวกเขา

ข้อเท็จจริงของการใช้เลนส์ไม่ได้เบี่ยงเบนความสามารถของศิลปินแต่อย่างใด เพราะเทคโนโลยีเป็นสื่อกลางในการถ่ายทอดสิ่งที่ศิลปินต้องการ และในทางกลับกัน ความจริงที่ว่าภาพวาดเหล่านี้มีความเป็นจริงที่แท้จริงมากที่สุดเพียงแต่เพิ่มน้ำหนักให้กับพวกเขาเท่านั้น ท้ายที่สุดแล้ว นี่คือสิ่งที่ผู้คนในยุคนั้น สิ่งของ สถานที่ เมืองต่างๆ ดูเหมือน นี่คือเอกสารจริง

ในช่วงเวลาที่ยากลำบากของอิตาลี "ยุคทอง" อายุสั้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของอิตาลีเริ่มต้นขึ้น - ที่เรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงซึ่งเป็นจุดสูงสุดของการออกดอกของศิลปะอิตาลี ยุคเรอเนซองส์ขั้นสูงจึงเกิดขึ้นพร้อมกับช่วงเวลาแห่งการต่อสู้อันดุเดือดของเมืองต่างๆ ในอิตาลีเพื่อเอกราช ศิลปะในยุคนี้เต็มไปด้วยมนุษยนิยม ความศรัทธาในพลังสร้างสรรค์ของมนุษย์ ในความเป็นไปได้อันไร้ขอบเขตของความสามารถของเขา ในโครงสร้างที่สมเหตุสมผลของโลก ในชัยชนะแห่งความก้าวหน้า ในงานศิลปะปัญหาของหน้าที่พลเมือง, คุณสมบัติทางศีลธรรมสูง, การกระทำที่กล้าหาญ, ภาพลักษณ์ของวีรบุรุษฮีโร่ที่สวยงาม, ได้รับการพัฒนาอย่างกลมกลืน, แข็งแกร่งทั้งในด้านจิตวิญญาณและร่างกายที่สามารถยกระดับเหนือระดับชีวิตประจำวันได้มาถึงเบื้องหน้า การค้นหาศิลปะในอุดมคติดังกล่าวนำไปสู่การสังเคราะห์ การวางนัยทั่วไป การค้นพบรูปแบบทั่วไปของปรากฏการณ์ การระบุความสัมพันธ์เชิงตรรกะ ศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์สูงละทิ้งรายละเอียดและรายละเอียดที่ไม่มีนัยสำคัญในนามของภาพทั่วไป ในนามของความปรารถนาที่จะสังเคราะห์แง่มุมที่สวยงามของชีวิตอย่างกลมกลืน นี่เป็นหนึ่งในความแตกต่างที่สำคัญระหว่างยุคเรอเนซองส์สูงและยุคแรก

เลโอนาร์โด ดาวินชี (1452-1519) เป็นศิลปินคนแรกที่รวบรวมความแตกต่างนี้ได้อย่างชัดเจน ครูคนแรกของ Leonardo คือ Andrea Verrocchio ร่างของเทวดาในภาพวาดของอาจารย์เรื่อง "บัพติศมา" แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความแตกต่างในการรับรู้ของศิลปินเกี่ยวกับโลกในยุคอดีตและยุคใหม่: ไม่มีความเรียบของส่วนหน้าของ Verrocchio ซึ่งเป็นแบบจำลองการตัดส่วนที่ดีที่สุดและจิตวิญญาณที่ไม่ธรรมดา ของภาพ - นักวิจัยระบุวันที่ของ "Madonna with a Flower" ("Benois Madonna" ตามที่ก่อนหน้านี้เรียกตามชื่อเจ้าของ) จนถึงเวลาที่ Verrocchio ออกจากเวิร์คช็อป ในช่วงเวลานี้ Leonardo ได้รับอิทธิพลจาก Botticelli มาระยะหนึ่งอย่างไม่ต้องสงสัย ตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 80 ของศตวรรษที่ 15 ผลงานประพันธ์ที่ยังสร้างไม่เสร็จของ Leonardo สองชิ้นรอดชีวิตมาได้: "The Adoration of the Magi" และ "St. เจอโรม” อาจเป็นช่วงกลางทศวรรษที่ 80 "มาดอนน่าลิตตา" ก็ถูกสร้างขึ้นโดยใช้เทคนิคอุบาทว์โบราณซึ่งมีการแสดงภาพความงามของผู้หญิงของเลโอนาร์โด: เปลือกตาที่หนักหน่วงลงครึ่งหนึ่งและรอยยิ้มอันละเอียดอ่อนทำให้ใบหน้าของมาดอนน่ามีจิตวิญญาณที่พิเศษ

การผสมผสานหลักการทางวิทยาศาสตร์และความคิดสร้างสรรค์ มีทั้งความคิดเชิงตรรกะและศิลปะ เลโอนาร์โดใช้เวลาทั้งชีวิตในการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ควบคู่ไปกับวิจิตรศิลป์ เขาดูเชื่องช้าและทิ้งงานศิลปะเล็กๆ น้อยๆ ไว้เบื้องหลัง ที่ศาลมิลาน เลโอนาร์โดทำงานเป็นศิลปิน ช่างเทคนิค นักประดิษฐ์ นักคณิตศาสตร์ และนักกายวิภาคศาสตร์ งานสำคัญชิ้นแรกที่เขาแสดงในมิลานคือ "Madonna of the Rocks" (หรือ "Madonna of the Grotto") นี่เป็นองค์ประกอบแท่นบูชาชิ้นแรกในยุคเรอเนซองส์สูง ซึ่งน่าสนใจเช่นกันเพราะมันแสดงลักษณะการเขียนของเลโอนาร์โดได้อย่างเต็มที่

ผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเลโอนาร์โดในมิลานซึ่งเป็นความสำเร็จสูงสุดในงานศิลปะของเขาคือภาพวาดผนังโรงอาหารของอารามซานตามาเรีย เดลลา กราซี ในเรื่องพระกระยาหารมื้อสุดท้าย (ค.ศ. 1495-1498) พระคริสต์ทรงพบกับสาวกของพระองค์เป็นครั้งสุดท้ายในงานเลี้ยงอาหารค่ำเพื่อประกาศให้พวกเขาทราบถึงการทรยศของหนึ่งในพวกเขา สำหรับเลโอนาร์โด ศิลปะและวิทยาศาสตร์ดำรงอยู่อย่างแยกจากกันไม่ได้ ในขณะที่ทำงานด้านศิลปะ เขาทำการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ การทดลอง การสังเกต เขาผ่านมุมมองในสาขาทัศนศาสตร์และฟิสิกส์ ผ่านปัญหาสัดส่วนในกายวิภาคศาสตร์และคณิตศาสตร์ ฯลฯ “ The Last Supper” เสร็จสิ้นทั้งขั้นตอนทางวิทยาศาสตร์ของศิลปิน วิจัย. นอกจากนี้ยังเป็นเวทีใหม่ในงานศิลปะอีกด้วย

เลโอนาร์โดสละเวลาจากการศึกษากายวิภาคศาสตร์ เรขาคณิต ป้อมปราการ การบุกเบิกที่ดิน ภาษาศาสตร์ การแปลความหมาย และดนตรี เพื่อมาทำงานในภาพยนตร์เรื่อง “The Horse” ซึ่งเป็นอนุสรณ์สถานขี่ม้าของฟรานเชสโก สฟอร์ซา ซึ่งเขาเดินทางมาที่มิลานเป็นหลักและได้สร้างเสร็จสมบูรณ์ในขนาดเต็ม ในช่วงต้นยุค 90 ในดินเหนียว อนุสาวรีย์ไม่ได้ถูกกำหนดให้เป็นสำริด: ในปี 1499 ชาวฝรั่งเศสบุกมิลานและนักธนูหน้าไม้ของ Gascon ยิงอนุสาวรีย์ขี่ม้า ในปี 1499 ปีแห่งการเร่ร่อนของเลโอนาร์โดเริ่มต้นขึ้น: มันตัว เวนิส และในที่สุด บ้านเกิดของศิลปินในฟลอเรนซ์ ซึ่งเขาวาดภาพกระดาษแข็ง "นักบุญ" แอนนากับแมรี่บนตักของเธอ” ซึ่งเขาสร้างภาพวาดสีน้ำมันในมิลาน (ซึ่งเขากลับมาในปี 1506)

ในฟลอเรนซ์ เลโอนาร์โดเริ่มวาดภาพอีกภาพหนึ่ง: ภาพเหมือนของโมนาลิซ่า ภรรยาของพ่อค้า เดล จิโอคอนโด ซึ่งได้กลายเป็นหนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

ภาพเหมือนของ Mona Lisa Gioconda ถือเป็นก้าวสำคัญในการพัฒนาศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

นับเป็นครั้งแรกที่ประเภทภาพบุคคลอยู่ในระดับเดียวกับการแต่งเพลงในธีมทางศาสนาและตำนาน แม้จะมีความคล้ายคลึงกันทางโหงวเฮ้งที่ไม่อาจปฏิเสธได้ แต่การถ่ายภาพบุคคลของ Quattrocento ก็มีความโดดเด่นด้วยข้อจำกัดภายใน (หากไม่ใช่ภายนอก) ความสง่างามของโมนาลิซาถ่ายทอดผ่านเพียงการเทียบเคียงกันของรูปร่างใหญ่โตของเธอที่เด่นชัด ซึ่งถูกผลักออกไปจนสุดขอบผืนผ้าใบอย่างแรง โดยมีทิวทัศน์ที่มีโขดหินและลำธารมองเห็นได้ราวกับมาจากที่ไกล ละลาย มีเสน่ห์ เย้ายวนใจ และด้วยเหตุนี้ แม้ว่า ความเป็นจริงของแม่ลายทั้งหมดนั้นยอดเยี่ยมมาก

ในปี 1515 ตามคำแนะนำของกษัตริย์ฝรั่งเศสฟรานซิสที่ 1 เลโอนาร์โดจึงเดินทางไปฝรั่งเศสตลอดไป

เลโอนาร์โดเป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา เป็นอัจฉริยะที่เปิดโลกทัศน์ใหม่ของศิลปะ เขาทิ้งผลงานไว้ไม่กี่ชิ้น แต่งานแต่ละชิ้นถือเป็นเวทีในประวัติศาสตร์วัฒนธรรม เลโอนาร์โดยังเป็นที่รู้จักในฐานะนักวิทยาศาสตร์ผู้รอบรู้ การค้นพบทางวิทยาศาสตร์ของเขา เช่น งานวิจัยของเขาในสาขาเครื่องบิน เป็นที่สนใจในยุคอวกาศของเรา ต้นฉบับของ Leonardo จำนวนหลายพันหน้าซึ่งครอบคลุมทุกสาขาความรู้เป็นพยานถึงความเป็นสากลของอัจฉริยะของเขา

แนวคิดเกี่ยวกับศิลปะที่ยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งประเพณีของสมัยโบราณและจิตวิญญาณของศาสนาคริสต์ผสมผสานกันพบว่ามีการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในผลงานของราฟาเอล (ค.ศ. 1483-1520) ในงานศิลปะของเขา งานหลักสองงานพบวิธีแก้ปัญหาที่สมบูรณ์: ความสมบูรณ์แบบของพลาสติกในร่างกายมนุษย์ การแสดงความสามัคคีภายในของบุคลิกภาพที่พัฒนาอย่างครอบคลุม ซึ่งราฟาเอลติดตามสมัยโบราณ และองค์ประกอบหลายร่างที่ซับซ้อนซึ่งสื่อถึงความหลากหลายทั้งหมดของ โลก. ราฟาเอลเสริมสร้างความเป็นไปได้เหล่านี้ บรรลุอิสรภาพอันน่าทึ่งในการวาดภาพอวกาศและการเคลื่อนไหวของร่างมนุษย์ในนั้น ความกลมกลืนที่ไร้ที่ติระหว่างสิ่งแวดล้อมและมนุษย์

ไม่มีปรมาจารย์ยุคเรอเนสซองส์คนใดที่รับรู้แก่นแท้ของศาสนาอิสลามในสมัยโบราณอย่างลึกซึ้งและเป็นธรรมชาติเท่ากับราฟาเอล ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลที่เขาถือเป็นศิลปินที่เชื่อมโยงประเพณีโบราณกับศิลปะยุโรปตะวันตกในยุคสมัยใหม่อย่างเต็มที่

Rafael Santi เกิดในปี 1483 ในเมือง Urbino ซึ่งเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของวัฒนธรรมทางศิลปะในอิตาลีที่ราชสำนักของ Duke of Urbino ในครอบครัวของจิตรกรและกวีในราชสำนักซึ่งเป็นครูคนแรกของปรมาจารย์ในอนาคต

งานของราฟาเอลในช่วงแรกนั้นมีความโดดเด่นอย่างสมบูรณ์แบบด้วยภาพวาดขนาดเล็กในรูปแบบของ tondo "Madonna Conestabile" ด้วยความเรียบง่ายและกระชับของรายละเอียดที่คัดสรรมาอย่างเข้มงวด (แม้จะมีความขี้ขลาดขององค์ประกอบ) และความพิเศษซึ่งมีอยู่ในงานทั้งหมดของราฟาเอล ผลงาน การแต่งบทเพลงที่ละเอียดอ่อน และความรู้สึกสงบ ในปี 1500 ราฟาเอลออกจากเออร์บิโนไปยังเปรูเกียเพื่อศึกษาในเวิร์คช็อปของศิลปินชื่อดังชาวอุมเบรียน เปรูจิโน ซึ่งอยู่ภายใต้อิทธิพลของการเขียน The Betrothal of Mary (1504) ความรู้สึกของจังหวะ สัดส่วนของมวลพลาสติก ระยะห่างเชิงพื้นที่ ความสัมพันธ์ระหว่างตัวเลขกับพื้นหลัง การประสานกันของโทนสีพื้นฐาน (ใน “พิธีหมั้น” จะเป็นสีทอง สีแดง และสีเขียว ประกอบกับพื้นหลังสีฟ้าอ่อน) สร้างความกลมกลืนที่ ปรากฏชัดอยู่แล้วในผลงานยุคแรกๆ ของราฟาเอล และทำให้เขาแตกต่างจากศิลปินในยุคก่อน

ตลอดชีวิตของเขา ราฟาเอลค้นหาภาพนี้ในพระแม่มารี ผลงานมากมายของเขาที่ตีความภาพพระแม่มารีทำให้เขามีชื่อเสียงไปทั่วโลก ข้อดีประการแรกของศิลปินคือเขาสามารถรวบรวมเฉดสีความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนที่สุดในแนวคิดเรื่องการเป็นแม่เพื่อผสมผสานบทกวีและอารมณ์ความรู้สึกที่ลึกซึ้งเข้ากับความยิ่งใหญ่ที่ยิ่งใหญ่ สิ่งนี้สามารถมองเห็นได้ในมาดอนน่าทั้งหมดของเขา เริ่มต้นด้วย "มาดอนน่าคอนสตาบิล" ที่ขี้อายในวัยเยาว์: ใน "มาดอนน่าแห่งกรีน", "มาดอนน่ากับโกลด์ฟินช์", "มาดอนน่าในอาร์มแชร์" และโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่จุดสุดยอดของจิตวิญญาณและทักษะของราฟาเอล - ใน "ซิสทีนมาดอนน่า"

“ The Sistine Madonna” เป็นหนึ่งในผลงานที่สมบูรณ์แบบที่สุดของราฟาเอลในแง่ของภาษา: ร่างของ Mary and the Child ซึ่งมีเงาอยู่กับท้องฟ้าอย่างเคร่งครัดถูกรวมเข้าด้วยกันด้วยจังหวะการเคลื่อนไหวร่วมกับร่างของนักบุญ คนป่าเถื่อนและพระสันตปาปาซิกตัสที่ 2 ซึ่งมีท่าทางจ่าหน้าถึงพระแม่มารี เช่นเดียวกับมุมมองของทูตสวรรค์สององค์ (คล้ายกับพระพุทธ ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคเรอเนซองส์) อยู่ที่ส่วนล่างขององค์ประกอบ ตัวเลขดังกล่าวยังรวมกันเป็นสีทองทั่วไปราวกับแสดงถึงความเปล่งประกายอันศักดิ์สิทธิ์ แต่สิ่งสำคัญคือใบหน้าของมาดอนน่าซึ่งรวบรวมเอาการสังเคราะห์อุดมคติแห่งความงามโบราณเข้ากับจิตวิญญาณของอุดมคติของคริสเตียนซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของโลกทัศน์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง

The Sistine Madonna เป็นผลงานช่วงปลายของราฟาเอล

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 16 โรมกลายเป็นศูนย์กลางวัฒนธรรมหลักของอิตาลี ศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์ขั้นสูงเริ่มบานสะพรั่งยิ่งใหญ่ที่สุดในเมืองนี้ โดยที่ศิลปินอย่าง Bramante, Michelangelo และ Raphael ต่างก็ทำงานไปพร้อมๆ กันตามความตั้งใจของพระสันตะปาปา Julius II และ Leo X

ราฟาเอลวาดภาพสองบทแรก ใน Stanza della Segnatura (ห้องแห่งลายเซ็น, ตราประทับ) เขาได้วาดภาพจิตรกรรมฝาผนังสี่ภาพเกี่ยวกับกิจกรรมทางจิตวิญญาณหลักของมนุษย์: ปรัชญา, บทกวี, เทววิทยา และนิติศาสตร์ , “การวัด สติปัญญา และความแข็งแกร่ง” "ในห้องที่สองเรียกว่า "Stanza of Eliodorus" ราฟาเอลวาดภาพจิตรกรรมฝาผนังในฉากทางประวัติศาสตร์และตำนานเพื่อเชิดชูพระสันตะปาปา: "การขับไล่เอลิโอโดรัส"

เป็นเรื่องปกติที่ศิลปะในยุคกลางและเรอเนซองส์ตอนต้นจะพรรณนาวิทยาศาสตร์และศิลปะในรูปแบบของบุคคลเชิงเปรียบเทียบ ราฟาเอลแก้ไขธีมเหล่านี้ในรูปแบบของการจัดองค์ประกอบภาพหลายร่าง ซึ่งบางครั้งก็เป็นตัวแทนของภาพบุคคลกลุ่มจริง ซึ่งน่าสนใจทั้งในด้านความเป็นปัจเจกบุคคลและลักษณะเฉพาะ

นักเรียนยังช่วยราฟาเอลในการวาดภาพระเบียงวาติกันที่อยู่ติดกับห้องของสมเด็จพระสันตะปาปา โดยวาดตามภาพร่างของเขาและภายใต้การดูแลของเขาด้วยลวดลายของเครื่องประดับโบราณ โดยส่วนใหญ่วาดมาจากถ้ำโบราณที่เพิ่งค้นพบใหม่ (จึงเป็นที่มาของชื่อ "พิสดาร")

ราฟาเอลแสดงผลงานประเภทต่างๆ ของขวัญของเขาในฐานะนักตกแต่ง เช่นเดียวกับผู้กำกับและนักเล่าเรื่อง ปรากฏให้เห็นอย่างสมบูรณ์ในชุดกระดาษแข็งแปดแผ่นสำหรับแขวนผ้าสำหรับโบสถ์ซิสทีนในฉากต่างๆ จากชีวิตของอัครสาวกเปโตรและพอล (“การจับปลาอย่างน่าอัศจรรย์” สำหรับ ตัวอย่าง). ภาพวาดเหล่านี้ตลอดช่วงศตวรรษที่ 16-18 ทำหน้าที่เป็นมาตรฐานสำหรับนักคลาสสิก

ราฟาเอลยังเป็นจิตรกรวาดภาพเหมือนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขาอีกด้วย (“Pope Julius II”, “Leo X”, เพื่อนของศิลปิน, นักเขียน Castiglione, “Donna Velata” ที่สวยงาม ฯลฯ ) และตามกฎแล้วในภาพบุคคลของเขาจะมีความสมดุลและความกลมกลืนภายใน

ในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา ราฟาเอลมีงานและคำสั่งที่หลากหลายอย่างไม่สมส่วน เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการว่าทั้งหมดนี้สามารถทำได้โดยคนเพียงคนเดียว เขาเป็นบุคคลสำคัญในชีวิตศิลปะของโรม หลังจากการตายของ Bramante (1514) เขาก็กลายเป็นหัวหน้าสถาปนิกของอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์ รับผิดชอบการขุดค้นทางโบราณคดีในกรุงโรมและบริเวณโดยรอบ และปกป้องอนุสรณ์สถานโบราณ

ราฟาเอลเสียชีวิตในปี 1520; การเสียชีวิตก่อนวัยอันควรของเขาเป็นเรื่องที่ไม่คาดคิดสำหรับคนรุ่นเดียวกัน ขี้เถ้าของเขาถูกฝังอยู่ในวิหารแพนธีออน

ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนที่สามของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง - Michelangelo - อายุยืนกว่า Leonardo และ Raphael มาก ครึ่งแรกของอาชีพสร้างสรรค์ของเขาเกิดขึ้นในช่วงรุ่งเรืองของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงและครั้งที่สอง - ระหว่างการต่อต้านการปฏิรูปและจุดเริ่มต้นของการก่อตัวของศิลปะบาโรก ในบรรดากาแล็กซีอันยอดเยี่ยมของศิลปินในยุคเรอเนซองส์สูง มิเกลันเจโลแซงหน้าทุกคนด้วยความสมบูรณ์ของภาพ ความน่าสมเพชของพลเมือง และความอ่อนไหวต่อการเปลี่ยนแปลงในอารมณ์สาธารณะ จึงเป็นศูนย์รวมความคิดสร้างสรรค์ของการล่มสลายของแนวคิดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) ในปี 1488 ในเมืองฟลอเรนซ์ เขาเริ่มศึกษาประติมากรรมโบราณอย่างรอบคอบ ความโล่งใจของเขา "Battle of the Centaurs" เป็นผลงานของยุคเรอเนซองส์สูงในด้านความสามัคคีภายใน ในปี 1496 ศิลปินหนุ่มเดินทางไปโรมซึ่งเขาได้สร้างผลงานชิ้นแรกที่ทำให้เขาโด่งดัง: "Bacchus" และ "Pieta" ถ่ายทอดด้วยภาพโบราณอย่างแท้จริง “ Pieta” เปิดผลงานทั้งชุดโดยปรมาจารย์ในหัวข้อนี้และนำเขาไปข้างหน้าในบรรดาประติมากรคนแรกของอิตาลี

เมื่อกลับมาที่ฟลอเรนซ์ในปี 1501 มิเกลันเจโลในนามของ Signoria ได้ดำเนินการแกะสลักร่างของเดวิดจากบล็อกหินอ่อนที่ได้รับความเสียหายต่อหน้าเขาโดยประติมากรผู้โชคร้าย ในปี 1504 ไมเคิลแองเจโลได้สร้างรูปปั้นอันโด่งดังซึ่งชาวฟลอเรนซ์เรียกว่า "ยักษ์" เสร็จ และวางไว้หน้า Palazzo Vecchia ซึ่งเป็นศาลากลาง การเปิดอนุสาวรีย์กลายเป็นการเฉลิมฉลองระดับชาติ ภาพลักษณ์ของเดวิดเป็นแรงบันดาลใจให้กับศิลปิน Quattrocento หลายคน แต่มิเกลันเจโลไม่ได้แสดงภาพเขาในฐานะเด็กผู้ชายเหมือนใน Donatello และ Verrocchio แต่เป็นชายหนุ่มที่เต็มเปี่ยมไปด้วยพละกำลังของเขา และไม่ใช่หลังจากการต่อสู้โดยมีหัวยักษ์อยู่ที่เท้าของเขา แต่ก่อนการต่อสู้ในขณะนี้ ของแรงตึงเครียดสูงสุด ในภาพอันงดงามของเดวิด ประติมากรได้ถ่ายทอดพลังอันมหาศาลของความหลงใหล ความตั้งใจแน่วแน่ ความกล้าหาญของพลเมือง และพลังอันไร้ขอบเขตของชายผู้เป็นอิสระ ด้วยใบหน้าอันเคร่งขรึมของเขา

ในปี 1504 Michelangelo (ดังที่ได้กล่าวไว้แล้วเกี่ยวกับ Leonardo) เริ่มทำงานในภาพวาด "Hall of the Five Hundred" ใน Palazzo Signoria

ในปี 1505 สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 เชิญมิเกลันเจโลไปที่โรมเพื่อสร้างสุสานของเขา แต่จากนั้นก็ปฏิเสธคำสั่งดังกล่าวและทรงสั่งให้วาดภาพเพดานโบสถ์น้อยซิสทีนที่พระราชวังวาติกันที่ดูอลังการน้อยกว่า

Michelangelo ทำงานคนเดียวในการวาดภาพเพดานของโบสถ์ Sistine ตั้งแต่ปี 1508 ถึง 1512 โดยวาดภาพพื้นที่ประมาณ 600 ตารางเมตร ม. (48x13 ม.) ที่ความสูง 18 ม.

ไมเคิลแองเจโลอุทิศส่วนกลางของเพดานให้กับฉากประวัติศาสตร์อันศักดิ์สิทธิ์ เริ่มตั้งแต่การสร้างโลก องค์ประกอบเหล่านี้ล้อมรอบด้วยบัวที่ทาสีแบบเดียวกัน แต่สร้างภาพลวงตาของสถาปัตยกรรม และถูกแยกออกจากกันด้วยแท่งไม้ที่งดงาม สี่เหลี่ยมที่งดงามเน้นและเสริมสร้างสถาปัตยกรรมที่แท้จริงของเพดาน ภายใต้บัวที่งดงาม Michelangelo วาดภาพศาสดาพยากรณ์และพี่น้อง (แต่ละร่างสูงประมาณสามเมตร) ในรูปแบบ lunettes (ส่วนโค้งเหนือหน้าต่าง) เขาวาดภาพตอนจากพระคัมภีร์และบรรพบุรุษของพระคริสต์ในฐานะคนธรรมดา ๆ ที่มีส่วนร่วมในกิจวัตรประจำวัน

องค์ประกอบหลักทั้งเก้าที่เปิดเผยเหตุการณ์ต่างๆ ของวันแรกแห่งการทรงสร้าง เรื่องราวของอาดัมและเอวา น้ำท่วมโลก และในความเป็นจริง ฉากทั้งหมดนี้ล้วนเป็นเพลงสรรเสริญบุคคลที่มีอยู่ในตัวเขา ไม่นานหลังจากทำงานใน Sistine เสร็จ Julius II ก็เสียชีวิตและทายาทของเขาก็กลับมามีความคิดเรื่องหลุมศพอีกครั้ง ในปี ค.ศ. 1513-1516 ไมเคิลแองเจโลแสดงหุ่นของโมเสสและทาส (เชลย) สำหรับหลุมศพนี้ ภาพลักษณ์ของโมเสสเป็นหนึ่งในผลงานที่ทรงพลังที่สุดของปรมาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่ เขาลงทุนในความฝันของผู้นำที่ฉลาดและกล้าหาญซึ่งเต็มไปด้วยความแข็งแกร่งการแสดงออกและความมุ่งมั่นซึ่งจำเป็นมากสำหรับการรวมบ้านเกิดของเขาเข้าด้วยกัน ร่างทาสไม่รวมอยู่ในเวอร์ชันสุดท้ายของหลุมฝังศพ

ตั้งแต่ปี 1520 ถึงปี 1534 Michelangelo ได้ทำงานชิ้นหนึ่งในผลงานประติมากรรมที่สำคัญและน่าเศร้าที่สุดบนหลุมฝังศพของ Medici (โบสถ์ Florentine แห่ง San Lorenzo) โดยแสดงประสบการณ์ทั้งหมดที่เกิดขึ้นกับตัวอาจารย์เอง บ้านเกิดของเขา และทั้งโลก ประเทศโดยรวม ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 20 อิตาลีถูกฉีกเป็นชิ้น ๆ จากศัตรูทั้งภายนอกและภายใน ในปี ค.ศ. 1527 ทหารรับจ้างเอาชนะกรุงโรม โปรเตสแตนต์ได้ปล้นสถานบูชาคาทอลิกแห่งเมืองนิรันดร์ ชนชั้นกระฎุมพีชาวฟลอเรนซ์โค่นล้มเมดิชีซึ่งปกครองอีกครั้งตั้งแต่ปี 1510

ในอารมณ์ของการมองโลกในแง่ร้ายอย่างรุนแรง ในสภาวะที่ศาสนาลึกซึ้งเพิ่มมากขึ้น Michelangelo ทำงานในสุสานเมดิชิ ตัวเขาเองได้สร้างส่วนต่อขยายให้กับโบสถ์ซานลอเรนโซในเมืองฟลอเรนซ์ ซึ่งเป็นห้องเล็กๆ แต่สูงมาก ปกคลุมด้วยโดม และตกแต่งผนังสองด้านของห้องศักดิ์สิทธิ์ (ภายใน) ด้วยป้ายหลุมศพที่เป็นประติมากรรม ผนังด้านหนึ่งตกแต่งด้วยรูปปั้นของลอเรนโซ ตรงข้ามกับจูเลียโน และด้านล่างที่เท้าของพวกเขามีโลงศพที่ตกแต่งด้วยภาพประติมากรรมเชิงเปรียบเทียบ - สัญลักษณ์ของเวลาที่ไหลเร็ว: "เช้า" และ "เย็น" ในหลุมศพของลอเรนโซ "กลางคืน" และ “วัน” บนป้ายหลุมศพของ Giuliano

ทั้งสองภาพ - Lorenzo และ Giuliano - ไม่มีความคล้ายคลึงกันในแนวตั้ง ซึ่งเป็นสาเหตุที่ทำให้ภาพเหล่านี้แตกต่างจากวิธีแก้ปัญหาแบบดั้งเดิมของศตวรรษที่ 15

ทันทีหลังจากการเลือกตั้งของเขา Paul III เริ่มเรียกร้องให้มีเกลันเจโลปฏิบัติตามแผนนี้อย่างต่อเนื่อง และในปี 1534 ขัดจังหวะงานบนหลุมฝังศพซึ่งเขาเสร็จในปี 1545 เท่านั้น Michelangelo เดินทางไปโรมซึ่งเขาเริ่มทำงานที่สองในโบสถ์ซิสทีน - ไปจนถึงภาพวาด "การพิพากษาครั้งสุดท้าย" (ค.ศ. 1535-1541) - ผลงานอันยิ่งใหญ่ที่แสดงถึงโศกนาฏกรรมของเผ่าพันธุ์มนุษย์ คุณลักษณะของระบบศิลปะใหม่ปรากฏชัดเจนยิ่งขึ้นในผลงานของ Michelangelo นี้ การตัดสินที่สร้างสรรค์ พระคริสต์ผู้ลงโทษถูกวางไว้ตรงกลางขององค์ประกอบ และรอบตัวเขาในการเคลื่อนที่เป็นวงกลมเป็นภาพคนบาปที่โยนตัวเองลงนรก คนชอบธรรมขึ้นสู่สวรรค์ และคนตายที่ฟื้นคืนชีพจากหลุมศพไปสู่การพิพากษาของพระเจ้า ทุกอย่างเต็มไปด้วยความหวาดกลัว ความสิ้นหวัง ความโกรธ ความสับสน

จิตรกร ประติมากร กวี ไมเคิลแองเจโล ก็เป็นสถาปนิกที่เก่งกาจเช่นกัน เขาสร้างบันไดของห้องสมุด Florentine Laurentian เสร็จ ออกแบบจัตุรัส Capitol Square ในโรม สร้างประตู Pius (Porta Pia) และตั้งแต่ปี 1546 เขาได้ทำงานในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์ เริ่มโดยบรามันเต ไมเคิลแองเจโลเป็นเจ้าของภาพวาดและภาพวาดของโดม ซึ่งประหารชีวิตหลังจากการสิ้นพระชนม์ของปรมาจารย์ และยังคงเป็นหนึ่งในองค์ประกอบหลักที่โดดเด่นในทัศนียภาพอันงดงามของเมือง

Michelangelo เสียชีวิตในกรุงโรมเมื่ออายุ 89 ปี ร่างของเขาถูกนำตัวไปยังฟลอเรนซ์ในเวลากลางคืนและฝังไว้ในโบสถ์ที่เก่าแก่ที่สุดในบ้านเกิดของเขาที่ซานตาโครเช ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของงานศิลปะของ Michelangelo ผลกระทบต่อผู้ร่วมสมัยและยุคต่อๆ มานั้นแทบจะประเมินค่าสูงไปไม่ได้เลย นักวิจัยชาวต่างประเทศบางคนตีความว่าเขาเป็นศิลปินและสถาปนิกคนแรกของยุคบาโรก แต่เหนือสิ่งอื่นใดเขามีความน่าสนใจในฐานะผู้ถือประเพณีอันยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ชื่อเล่น Giorgione (1477-1510) เป็นผู้ติดตามโดยตรงของอาจารย์ของเขาและเป็นศิลปินทั่วไปของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง เขาเป็นคนแรกบนแผ่นดินเวนิสที่หันไปสนใจวรรณกรรมและวิชาในตำนาน ภูมิทัศน์ ธรรมชาติ และเรือนร่างมนุษย์ที่สวยงามเปลือยเปล่ากลายเป็นหัวข้อศิลปะและบูชาสำหรับเขา

ในงานแรกที่รู้จักคือ "Madonna of Castelfranco" (ประมาณปี 1505) Giorgione ปรากฏตัวในฐานะศิลปินที่มีชื่อเสียงเต็มรูปแบบ ภาพของมาดอนน่าเต็มไปด้วยบทกวี ความเพ้อฝัน เต็มไปด้วยอารมณ์เศร้าที่เป็นลักษณะเฉพาะของภาพผู้หญิงทั้งหมดของจอร์โจเน ในช่วงห้าปีที่ผ่านมาในชีวิตศิลปินได้สร้างผลงานที่ดีที่สุดของเขาโดยใช้เทคนิคน้ำมันซึ่งเป็นงานหลักในโรงเรียนเวนิสในเวลานั้น - ในภาพวาดปี 1506 เรื่อง “พายุฝนฟ้าคะนอง” จอร์จิโอเนบรรยายภาพมนุษย์เป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติ ผู้หญิงที่กำลังให้นมลูก ชายหนุ่มที่มีไม้เท้า (ซึ่งอาจเข้าใจผิดว่าเป็นนักรบที่มีง้าวได้) จะไม่เป็นหนึ่งเดียวกันด้วยการกระทำใดๆ แต่ถูกรวมเป็นหนึ่งเดียวกันในภูมิประเทศอันงดงามนี้ด้วยอารมณ์ร่วม ซึ่งเป็นสภาพจิตใจที่เหมือนกัน ภาพของ "ดาวศุกร์ที่กำลังหลับไหล" (ประมาณปี ค.ศ. 1508-1510) เต็มไปด้วยจิตวิญญาณและบทกวี ร่างกายของเธอเขียนได้ง่าย อิสระ และสง่างาม ไม่ใช่ว่าไม่มีเหตุผลที่นักวิจัยพูดถึง "ความเป็นดนตรี" ของจังหวะของจอร์โจเน มันไม่ได้ขาดเสน่ห์เย้ายวน "คอนเสิร์ตชนบท" (1508-1510)

Titian Vecellio (1477?-1576) เป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเวนิส เขาสร้างผลงานทั้งในเรื่องเทพนิยายและคริสเตียน ทำงานในรูปแบบภาพเหมือน พรสวรรค์ด้านสีสันของเขานั้นยอดเยี่ยมมาก ความคิดสร้างสรรค์ในการเรียบเรียงของเขานั้นไม่สิ้นสุด และอายุขัยที่มีความสุขของเขาทำให้เขาสามารถทิ้งมรดกทางความคิดสร้างสรรค์อันมั่งคั่งซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อลูกหลานของเขา

ในปี 1516 เขากลายเป็นจิตรกรคนแรกของสาธารณรัฐและจากยุค 20 - ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดของเวนิส

ประมาณปี ค.ศ. 1520 ดยุคแห่งเฟอร์ราราได้สั่งให้เขาวาดภาพชุดหนึ่งซึ่งทิเชียนปรากฏเป็นนักร้องในสมัยโบราณซึ่งสามารถสัมผัสได้และที่สำคัญที่สุดคือรวบรวมจิตวิญญาณของลัทธินอกรีต (“ Bacchanalia”, “ Feast of Venus”, “ แบคคัสและเอเรียดเน”)

ผู้รักชาติชาวเวนิสผู้มั่งคั่งมอบหมายให้ทิเชียนสร้างแท่นบูชาและเขาสร้างไอคอนขนาดใหญ่: "การอัสสัมชัญของแมรี", "มาดอนน่าแห่งเปซาโร"

“การนำเสนอของพระแม่มารีย์ในพระวิหาร” (ประมาณปี ค.ศ. 1538), “พระวีนัส” (ประมาณปี ค.ศ. 1538)

(ภาพหมู่ของสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 กับหลานชายออตตาวิโอและอเล็กซานเดอร์ ฟาร์เนเซ ค.ศ. 1545-1546)

เขายังคงเขียนเรื่องโบราณมากมาย (“Venus and Adonis”, “The Shepherd and the Nymph”, “Diana and Actaeon”, “Jupiter and Antiope”) แต่หันมาใช้ธีมของคริสเตียนมากขึ้น ไปสู่ฉากการพลีชีพที่คนนอกรีต ความร่าเริงความสามัคคีในสมัยโบราณถูกแทนที่ด้วยทัศนคติที่น่าเศร้า ("การเฆี่ยนตีของพระคริสต์", "ผู้สำนึกผิดแมรีแม็กดาเลน", "นักบุญเซบาสเตียน", "คร่ำครวญ")

แต่ในตอนท้ายของศตวรรษ ลักษณะของยุคใหม่ในงานศิลปะที่กำลังใกล้เข้ามา ทิศทางทางศิลปะใหม่ ชัดเจนอยู่แล้วที่นี่ สิ่งนี้สามารถเห็นได้ในผลงานของศิลปินหลักสองคนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษนี้ - Paolo Veronese และ Jacopo Tintoretto

เปาโล กายารี ชื่อเล่น Veronese (เขาเกิดที่เมืองเวโรนา ค.ศ. 1528-1588) ถูกกำหนดให้เป็นนักร้องคนสุดท้ายของเทศกาลเวนิสที่รื่นเริงและครึกครื้นแห่งศตวรรษที่ 16

: “งานเลี้ยงในบ้านเลวี” “การแต่งงานในคานาแห่งกาลิลี” สำหรับห้องโถงของอารามซานจอร์โจ มัจจอเร

Jacopo Robusti เป็นที่รู้จักในงานศิลปะในชื่อ Tintoretto (1518-1594) (“tintoretto” -ผู้ย้อม: พ่อของศิลปินเป็นคนย้อมผ้าไหม) “ปาฏิหาริย์ของนักบุญมาระโก” (1548)

(“การช่วยเหลือของอาร์ซิโนเอ”, 1555), “คำนำเข้าพระวิหาร” (1555)

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro ใน Piombino, Villa Rotonda ใน Vicenza สร้างเสร็จหลังจากการตายของเขาโดยนักศึกษาตามการออกแบบของเขา อาคารหลายแห่งใน Vicenza) ผลการศึกษาสมัยโบราณของเขาคือหนังสือ "Roman Antiquities" (1554), "Four Books on Architecture" (1570-1581) แต่โบราณวัตถุเป็น "สิ่งมีชีวิต" สำหรับเขา ตามการสังเกตอย่างยุติธรรมของนักวิจัย

จิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของชาวดัตช์เริ่มต้นด้วย "ฉากแท่นบูชาเกนต์" โดยสองพี่น้องฮูเบิร์ต (เสียชีวิตในปี 1426) และยาน (ราวปี 1390-1441) ฟาน เอค สร้างเสร็จโดยแจน ฟาน เอคในปี 1432 ฟาน เอคได้ปรับปรุงเทคนิคการใช้น้ำมัน: น้ำมันเป็นคนสร้างมันขึ้นมา เป็นไปได้ที่จะถ่ายทอดความเก่งกาจความลึกความสมบูรณ์ของโลกวัตถุประสงค์ซึ่งดึงดูดความสนใจของศิลปินชาวดัตช์ความดังอันมีสีสันของมันเป็นไปได้ที่จะถ่ายทอดความเก่งกาจความลึกและความสมบูรณ์มากขึ้น

ในบรรดามาดอนน่าหลายรูปโดย Jan van Eyck ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ “Madonna of Chancellor Rollin” (ประมาณปี 1435)

(“Man with a Carnation”; “Man in a Turban”, 1433; ภาพเหมือนของ Margaret van Eyck ภรรยาของศิลปิน, 1439

ศิลปะดัตช์มีส่วนช่วยอย่างมากในการแก้ปัญหาดังกล่าวโดย Rogier van der Weyden (1400?-1464) “The Descent from the Cross” เป็นผลงานทั่วไปของ Weyden

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 กล่าวถึงผลงานของปรมาจารย์ผู้มีความสามารถพิเศษ Hugo van der Goes (ประมาณปี ค.ศ. 1435-1482) เรื่อง "The Death of Mary")

เฮียโรนีมัส บอช (ค.ศ. 1450-1516) ผู้สร้างนิมิตอันมืดมนลึกลับ ซึ่งเขายังหันไปหาลัทธิเปรียบเทียบในยุคกลาง "สวนแห่งความยินดี"

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าจุดสุดยอดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดัตช์คือผลงานของ Pieter Bruegel the Elder ซึ่งมีชื่อเล่นว่า Muzhitsky (1525/30-1569) (“Kitchen of the Skinny”, “Kitchen of the Fat”) วงจร "ฤดูกาล" (ชื่ออื่น - "นักล่าในหิมะ", 2108), "การต่อสู้ของเทศกาลคาร์นิวัลและเข้าพรรษา" (1559)

อัลเบรชท์ ดูเรอร์ (1471-1528)

“ เทศกาลแห่งสายประคำ” (อีกชื่อหนึ่งคือ“ มาดอนน่าพร้อมลูกประคำ”, 1506), “ นักขี่ม้า, ความตายและปีศาจ”, 1513; "เซนต์. เจอโรม" และ "เศร้าโศก"

Hans Holbein the Younger (1497-1543), ภาพ "ชัยชนะแห่งความตาย" ("การเต้นรำแห่งความตาย") ของเจน ซีมัวร์, 1536

อัลเบรชท์ อัลท์ดอร์เฟอร์ (1480-1538)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ลูคัส ครานัค (ค.ศ. 1472-1553)

Jean Fouquet (ประมาณ ค.ศ. 1420-1481) ภาพเหมือนของ Charles VII

Jean Clouet (ประมาณปี 1485/88-1541) บุตรชายของ François Clouet (ประมาณปี 1516-1572) เป็นศิลปินที่สำคัญที่สุดของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 ภาพเหมือนของเอลิซาเบธแห่งออสเตรีย ประมาณปี 1571 (ภาพเหมือนของเฮนรีที่ 2, แมรี สจ๊วต ฯลฯ)

จิตรกรรมยุคเรอเนซองส์ถือเป็นกองทุนทองคำไม่เพียงแต่ของยุโรปเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงศิลปะโลกด้วย ยุคเรอเนซองส์เข้ามาแทนที่ยุคกลางอันมืดมิด อยู่ภายใต้หลักคำสอนของคริสตจักร และนำหน้าการตรัสรู้และยุคใหม่ในเวลาต่อมา

การคำนวณระยะเวลาของระยะเวลานั้นคุ้มค่าขึ้นอยู่กับประเทศ ยุคแห่งความเจริญรุ่งเรืองทางวัฒนธรรม ดังที่เรียกกันทั่วไปว่าเริ่มต้นในอิตาลีในศตวรรษที่ 14 จากนั้นแพร่กระจายไปทั่วยุโรปและมาถึงจุดสูงสุดในปลายศตวรรษที่ 15 นักประวัติศาสตร์แบ่งช่วงเวลานี้ในงานศิลปะออกเป็นสี่ช่วง: ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดั้งเดิม ยุคต้น ยุคสูงและปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แน่นอนว่าภาพวาดเรอเนซองส์ของอิตาลีมีคุณค่าและความสนใจเป็นพิเศษ แต่ปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศส เยอรมัน และดัตช์ก็ไม่ควรมองข้าม เป็นเรื่องเกี่ยวกับพวกเขาในบริบทของช่วงเวลาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่จะกล่าวถึงต่อไปในบทความ

โปรโต-เรอเนซองส์

ยุคโปรโต-เรอเนซองส์กินเวลาตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13 จนถึงศตวรรษที่ 14 มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับยุคกลางซึ่งอยู่ในช่วงปลายยุคนั้น Proto-Renaissance เป็นบรรพบุรุษของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและผสมผสานประเพณีไบแซนไทน์ โรมาเนสก์ และกอทิกเข้าด้วยกัน กระแสของยุคใหม่ปรากฏตัวครั้งแรกในงานประติมากรรม และจากนั้นก็เฉพาะในการวาดภาพเท่านั้น หลังมีโรงเรียนสองแห่งในเซียนาและฟลอเรนซ์

บุคคลสำคัญในยุคนั้นคือศิลปินและสถาปนิก Giotto di Bondone ตัวแทนของโรงเรียนจิตรกรรมฟลอเรนซ์กลายเป็นนักปฏิรูป เขาได้สรุปเส้นทางที่จะพัฒนาต่อไป ลักษณะของจิตรกรรมยุคเรอเนซองส์มีต้นกำเนิดมาอย่างแม่นยำในช่วงเวลานี้ เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่า Giotto สามารถเอาชนะรูปแบบการวาดภาพไอคอนที่ไบแซนเทียมและอิตาลีพบเห็นได้ทั่วไปในผลงานของเขา เขาสร้างพื้นที่นี้ไม่ใช่แบบสองมิติ แต่เป็นสามมิติ โดยใช้ไคอาโรสคูโรเพื่อสร้างภาพลวงตาของความลึก ภาพถ่ายแสดงภาพวาด "The Kiss of Judas"

ตัวแทนของโรงเรียนฟลอเรนซ์ยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและทำทุกอย่างเพื่อดึงภาพวาดออกมาจากความซบเซาในยุคกลางอันยาวนาน

ยุคโปรโตเรอเนซองส์แบ่งออกเป็นสองช่วง: ก่อนและหลังการเสียชีวิตของเขา จนถึงปี 1337 ปรมาจารย์ที่ฉลาดที่สุดได้ทำงานและการค้นพบที่สำคัญที่สุดก็เกิดขึ้น ต่อมาอิตาลีก็โดนโรคระบาดระบาด

จิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: สั้น ๆ เกี่ยวกับช่วงต้น

ยุคเรอเนซองส์ตอนต้นครอบคลุมระยะเวลา 80 ปี: ตั้งแต่ปี 1420 ถึง 1500 ในเวลานี้ ยังไม่ได้ละทิ้งประเพณีในอดีตโดยสิ้นเชิงและยังคงเกี่ยวข้องกับศิลปะในยุคกลาง อย่างไรก็ตาม รู้สึกถึงลมหายใจของเทรนด์ใหม่แล้ว ปรมาจารย์เริ่มหันมาใช้องค์ประกอบของสมัยโบราณบ่อยขึ้น ท้ายที่สุดแล้ว ศิลปินก็ละทิ้งสไตล์ยุคกลางไปโดยสิ้นเชิง และเริ่มใช้ตัวอย่างที่ดีที่สุดของวัฒนธรรมโบราณอย่างกล้าหาญ โปรดทราบว่ากระบวนการค่อนข้างช้าทีละขั้นตอน

ตัวแทนที่สดใสของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น

ผลงานของศิลปินชาวอิตาลี Piero della Francesca เป็นผลงานของยุคเรอเนซองส์ตอนต้นโดยสิ้นเชิง ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยความสูงส่ง ความงามและความกลมกลืน มุมมองที่แม่นยำ สีสันอันนุ่มนวลที่เต็มไปด้วยแสง ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต นอกเหนือจากการวาดภาพแล้ว เขายังศึกษาคณิตศาสตร์เชิงลึกและเขียนบทความของตัวเองอีกสองเรื่องอีกด้วย ลูกศิษย์ของเขาเป็นจิตรกรชื่อดังอีกคนหนึ่งคือ Luca Signorelli และสไตล์นี้สะท้อนให้เห็นในผลงานของปรมาจารย์ชาวอัมเบรียหลายคน ในภาพด้านบนเป็นส่วนหนึ่งของจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์ซานฟรานเชสโกในอาเรซโซ “ประวัติศาสตร์ของราชินีแห่งชีบา”

โดเมนิโก เกอร์ลันไดโอเป็นตัวแทนที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งของโรงเรียนฟลอเรนซ์แห่งการวาดภาพเรอเนซองส์ในยุคแรกๆ เขาเป็นผู้ก่อตั้งราชวงศ์ศิลปะที่มีชื่อเสียงและเป็นหัวหน้าเวิร์คช็อปที่ Michelangelo รุ่นเยาว์เริ่มต้นขึ้น Ghirlandaio เป็นปรมาจารย์ผู้มีชื่อเสียงและประสบความสำเร็จซึ่งไม่เพียงแต่มีส่วนร่วมในการวาดภาพปูนเปียกเท่านั้น (โบสถ์ Tornabuoni, Sistine) แต่ยังวาดภาพขาตั้งด้วย (“Adoration of the Magi”, “Nativity”, “Old Man with Grandson”, “Portrait of Giovanna Tornabuoni” - ภาพด้านล่าง)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง

ช่วงเวลานี้ซึ่งรูปแบบการพัฒนาอย่างวิจิตรงดงามเกิดขึ้นในช่วงปี ค.ศ. 1500-1527 ในเวลานี้ ศูนย์กลางศิลปะอิตาลีได้ย้ายจากฟลอเรนซ์ไปยังโรม สิ่งนี้เกี่ยวข้องกับการขึ้นสู่บัลลังก์ของสมเด็จพระสันตะปาปาของจูเลียสที่ 2 ผู้ทะเยอทะยานและกล้าได้กล้าเสียซึ่งดึงดูดศิลปินที่ดีที่สุดของอิตาลีมาที่ศาลของเขา โรมกลายเป็นเหมือนเอเธนส์ในช่วงเวลาของ Pericles และมีประสบการณ์การเติบโตและการก่อสร้างที่เฟื่องฟูอย่างไม่น่าเชื่อ ในขณะเดียวกันก็มีความกลมกลืนระหว่างสาขาศิลปะ: ประติมากรรม สถาปัตยกรรม และจิตรกรรม ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานำพวกเขามารวมกัน ดูเหมือนพวกเขาจะจับมือกัน เกื้อกูลกัน และมีปฏิสัมพันธ์กัน

สมัยโบราณได้รับการศึกษาอย่างถี่ถ้วนยิ่งขึ้นในช่วงยุคเรอเนซองส์สูงและทำซ้ำด้วยความแม่นยำ ความเข้มงวด และความสม่ำเสมอสูงสุด ศักดิ์ศรีและความเงียบสงบเข้ามาแทนที่ความงามอันเย้ายวนใจ และประเพณีในยุคกลางก็ถูกลืมไปอย่างสิ้นเชิง จุดสุดยอดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดดเด่นด้วยผลงานของปรมาจารย์ชาวอิตาลีสามคนที่ยิ่งใหญ่ที่สุด: Raphael Santi (ภาพวาด "Donna Velata" ในภาพด้านบน), Michelangelo และ Leonardo da Vinci ("Mona Lisa" - ในภาพแรก)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายครอบคลุมช่วงเวลาตั้งแต่ทศวรรษที่ 1530 ถึง 1590 ถึง 1620 ในอิตาลี นักวิจารณ์ศิลปะและนักประวัติศาสตร์ลดผลงานในยุคนี้ให้เหลือเพียงส่วนร่วมที่มีแบบแผนในระดับสูง ยุโรปตอนใต้อยู่ภายใต้อิทธิพลของการต่อต้านการปฏิรูปที่ได้รับชัยชนะซึ่งรับรู้ด้วยความระมัดระวังอย่างยิ่งต่อความคิดอิสระใด ๆ รวมถึงการฟื้นคืนชีพของอุดมคติในสมัยโบราณ

ในฟลอเรนซ์ มีการครอบงำของลัทธิลักษณะนิสัย โดยมีลักษณะเฉพาะด้วยสีสังเคราะห์และเส้นที่ขาดๆ หายๆ อย่างไรก็ตามเขาไปถึงปาร์มาซึ่งคอร์เรจจิโอทำงานอยู่หลังจากปรมาจารย์เสียชีวิตเท่านั้น ภาพวาดเวนิสของยุคเรอเนซองส์ตอนปลายมีเส้นทางการพัฒนาของตัวเอง Palladio และ Titian ซึ่งทำงานที่นั่นจนถึงทศวรรษ 1570 เป็นตัวแทนที่ฉลาดที่สุด งานของพวกเขาไม่เกี่ยวข้องกับกระแสใหม่ในโรมและฟลอเรนซ์

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือ

คำนี้ใช้เพื่ออธิบายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทั่วยุโรป นอกอิตาลีโดยทั่วไป และในประเทศที่พูดภาษาเยอรมันโดยเฉพาะ มันมีคุณสมบัติหลายประการ ยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือไม่เหมือนกันและมีลักษณะเฉพาะในแต่ละประเทศ นักประวัติศาสตร์ศิลป์แบ่งออกเป็นหลายทิศทาง: ฝรั่งเศส เยอรมัน ดัตช์ สเปน โปแลนด์ อังกฤษ ฯลฯ

การตื่นขึ้นของยุโรปต้องใช้สองเส้นทาง: การพัฒนาและการเผยแพร่โลกทัศน์ทางโลกที่มีมนุษยนิยม และการพัฒนาแนวความคิดสำหรับการรื้อฟื้นประเพณีทางศาสนา พวกเขาทั้งคู่สัมผัสกัน บางครั้งก็รวมกัน แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็เป็นศัตรูกัน อิตาลีเลือกเส้นทางแรกและยุโรปเหนือ - เส้นทางที่สอง

ยุคเรอเนซองส์แทบจะไม่มีอิทธิพลต่อศิลปะทางเหนือเลยแม้แต่ภาพวาด จนกระทั่งถึงปี ค.ศ. 1450 ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1500 ก็ได้แผ่ขยายไปทั่วทั้งทวีป แต่ในบางแห่งอิทธิพลของโกธิคตอนปลายยังคงอยู่จนกระทั่งถึงยุคบาโรก

ยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือมีลักษณะเฉพาะด้วยอิทธิพลที่สำคัญของสไตล์กอทิก การให้ความสนใจกับการศึกษาโบราณวัตถุและกายวิภาคของมนุษย์น้อยกว่า ตลอดจนเทคนิคการเขียนที่ละเอียดและรอบคอบ การปฏิรูปมีอิทธิพลทางอุดมการณ์ที่สำคัญต่อเขา

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือของฝรั่งเศส

สิ่งที่ใกล้เคียงกับภาษาอิตาลีมากที่สุดคือภาพวาดฝรั่งเศส ยุคเรอเนซองส์เป็นเวทีสำคัญของวัฒนธรรมฝรั่งเศส ในเวลานี้ความสัมพันธ์ระหว่างกษัตริย์และชนชั้นกลางมีความเข้มแข็งมากขึ้น แนวคิดทางศาสนาในยุคกลางก็จางหายไปในเบื้องหลัง ทำให้เกิดกระแสมนุษยนิยม ตัวแทน: Francois Quesnel, Jean Fouquet (ในภาพคือชิ้นส่วนของ "Melen Diptych" ของปรมาจารย์), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนเหนือของเยอรมันและดัตช์

ผลงานที่โดดเด่นของยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือถูกสร้างขึ้นโดยปรมาจารย์ชาวเยอรมันและเฟลมิช-ดัตช์ ศาสนายังคงมีบทบาทสำคัญในประเทศเหล่านี้ และมีอิทธิพลอย่างมากต่อการวาดภาพ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาใช้เส้นทางที่แตกต่างออกไปในเนเธอร์แลนด์และเยอรมนี ต่างจากผลงานของปรมาจารย์ชาวอิตาลี ศิลปินของประเทศเหล่านี้ไม่ได้วางมนุษย์ไว้ที่ศูนย์กลางของจักรวาล ตลอดเกือบตลอดศตวรรษที่ 15 พวกเขาวาดภาพเขาในสไตล์โกธิค: สว่างและไม่มีตัวตน ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดัตช์ ได้แก่ Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Campen, Hugo van der Goes, ชาวเยอรมัน - Albert Durer, Lucas Cranach the Elder, Hans Holbein, Matthias Grunewald

ภาพถ่ายแสดงภาพเหมือนตนเองของ A. Durer จากปี 1498

แม้ว่าผลงานของปรมาจารย์ทางภาคเหนือจะแตกต่างอย่างมากจากผลงานของจิตรกรชาวอิตาลี แต่พวกเขาก็ได้รับการยอมรับว่าเป็นนิทรรศการวิจิตรศิลป์อันล้ำค่า

การวาดภาพยุคเรอเนซองส์ก็เหมือนกับวัฒนธรรมอื่นๆ โดยรวม มีลักษณะเฉพาะด้วยลักษณะทางโลก มนุษยนิยม และสิ่งที่เรียกว่ามานุษยวิทยา หรืออีกนัยหนึ่งคือความสนใจหลักในมนุษย์และกิจกรรมของเขา ในช่วงเวลานี้มีความสนใจในงานศิลปะโบราณเป็นอย่างมากและการฟื้นฟูก็เกิดขึ้น ยุคนั้นทำให้โลกเต็มไปด้วยประติมากร สถาปนิก นักเขียน กวี และศิลปินที่เก่งกาจ ไม่เคยมีมาก่อนหรือตั้งแต่นั้นมาความเจริญรุ่งเรืองทางวัฒนธรรมได้แพร่หลายขนาดนี้มาก่อน

ชื่อของศิลปินยุคเรอเนซองส์ได้รับการยอมรับจากสากลมายาวนาน การตัดสินและการประเมินมากมายเกี่ยวกับสิ่งเหล่านั้นได้กลายเป็นสัจพจน์ อย่างไรก็ตาม การปฏิบัติต่อพวกเขาอย่างมีวิพากษ์วิจารณ์ไม่เพียงแต่เป็นสิทธิเท่านั้น แต่ยังเป็นหน้าที่ของประวัติศาสตร์ศิลปะด้วย ศิลปะของพวกเขาเท่านั้นจึงจะรักษาความหมายที่แท้จริงสำหรับลูกหลานได้

ในบรรดาปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในช่วงกลางและครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 จำเป็นต้องอาศัยอยู่กับสี่คน: Piero della Francesca, Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci พวกเขาเป็นผู้ร่วมสมัยของการสถาปนา seigneuries อย่างกว้างขวางและจัดการกับราชสำนักของเจ้าชาย แต่นี่ไม่ได้หมายความว่างานศิลปะของพวกเขานั้นเป็นเจ้าชายโดยสิ้นเชิง พวกเขารับสิ่งที่พวกเขาสามารถให้ได้จากลอร์ดจ่ายด้วยความสามารถและความกระตือรือร้นของพวกเขา แต่ยังคงเป็นผู้สืบทอดของ "บิดาแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" จดจำคำสั่งของพวกเขาเพิ่มความสำเร็จมุ่งมั่นที่จะเอาชนะพวกเขาและบางครั้งก็เหนือกว่าพวกเขาจริงๆ ในช่วงหลายปีแห่งการตอบโต้อย่างค่อยเป็นค่อยไปในอิตาลี พวกเขาสร้างงานศิลปะที่ยอดเยี่ยม

ปิเอโร เดลลา ฟรานเชสก้า

Piero della Francesca เป็นที่รู้จักและยอมรับน้อยที่สุดจนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้ อิทธิพลของปรมาจารย์ชาวฟลอเรนซ์ในช่วงต้นศตวรรษที่ 15 ที่มีต่อ Piero della Francesca รวมถึงอิทธิพลซึ่งกันและกันของเขาที่มีต่อคนรุ่นราวคราวเดียวกันและผู้สืบทอดโดยเฉพาะอย่างยิ่งในโรงเรียน Venetian ได้รับการสังเกตอย่างถูกต้อง อย่างไรก็ตาม ตำแหน่งที่โดดเด่นและโดดเด่นของปิเอโร เดลลา ฟรานเชสกาในภาพวาดภาษาอิตาลียังไม่เป็นที่ตระหนักรู้เพียงพอ เมื่อเวลาผ่านไปการจดจำของเขาจะเพิ่มขึ้นเท่านั้น

ปิเอโร เดลลา ฟรานเชสกา (ค.ศ. 1420-1492) ศิลปินและนักทฤษฎีชาวอิตาลี เป็นตัวแทนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนต้น

Piero della Francesca เป็นเจ้าของความสำเร็จทั้งหมดของ "ศิลปะใหม่" ที่สร้างขึ้นโดยชาวฟลอเรนซ์ แต่ไม่ได้อยู่ในฟลอเรนซ์ แต่กลับไปบ้านเกิดของเขาที่จังหวัด สิ่งนี้ช่วยเขาจากรสนิยมของผู้ดี เขาได้รับชื่อเสียงจากความสามารถของเขา เจ้าชายและแม้แต่พระสันตะปาปาก็มอบหมายงานให้เขา แต่เขาไม่ได้เป็นศิลปินในศาล เขายังคงซื่อสัตย์ต่อตัวเองเสมอ ความปรารถนาของเขา รำพึงที่มีเสน่ห์ของเขา ในบรรดาศิลปินรุ่นราวคราวเดียวกัน เขาเป็นศิลปินเพียงคนเดียวที่ไม่รู้จักความขัดแย้ง ความเป็นคู่ หรืออันตรายของการก้าวไปผิดทาง เขาไม่เคยพยายามที่จะแข่งขันกับงานประติมากรรมหรือหันไปใช้วิธีการแสดงออกทางประติมากรรมหรือกราฟิก ทุกอย่างพูดในภาษาการวาดภาพของเขา

ผลงานที่ใหญ่ที่สุดและสวยงามที่สุดของเขาคือจิตรกรรมฝาผนังในหัวข้อ "The History of the Cross" ใน Arezzo (1452-1466) งานนี้ดำเนินการตามความประสงค์ของพ่อค้าท้องถิ่น Bacci บางทีนักบวชซึ่งเป็นผู้ดำเนินการตามเจตจำนงของผู้ตายอาจมีส่วนร่วมในการพัฒนาโครงการ Piero della Francesca อาศัยสิ่งที่เรียกว่า "Golden Legend" ของ J. da Voragine เขายังมีรุ่นก่อนในหมู่ศิลปินด้วย แต่เห็นได้ชัดว่าแนวคิดหลักเป็นของเขา ภูมิปัญญา วุฒิภาวะ และความอ่อนไหวทางบทกวีของศิลปินส่องประกายอย่างชัดเจน

แทบจะไม่มีภาพวงจรเดียวในอิตาลีในเวลานั้น “ประวัติศาสตร์แห่งไม้กางเขน” ที่มีความหมายสองประการ ในอีกด้านหนึ่งทุกสิ่งถูกนำเสนอที่นี่ซึ่งบอกเล่าในตำนานเกี่ยวกับวิธีการที่ต้นไม้ที่ไม้กางเขนคัลวารีถูกสร้างขึ้นและวิธีที่พลังอันน่าอัศจรรย์ของมันสำแดงออกมาในภายหลัง แต่เนื่องจากภาพวาดแต่ละภาพไม่ได้เรียงตามลำดับเวลา ความหมายตามตัวอักษรนี้จึงดูเหมือนจะถอยห่างออกไป ศิลปินจัดเรียงภาพวาดในลักษณะที่พวกเขาให้ความคิดเกี่ยวกับรูปแบบต่างๆของชีวิตมนุษย์: เกี่ยวกับปิตาธิปไตย - ในฉากการตายของอาดัมและในการถ่ายโอนไม้กางเขนโดย Heraclius เกี่ยวกับฆราวาสศาล , ในเมือง - ในฉากของราชินีแห่งเชบาและในการตามหาไม้กางเขนและสุดท้ายเกี่ยวกับการทหารการต่อสู้ - ใน "ชัยชนะของคอนสแตนติน" และใน "ชัยชนะของเฮราคลิอุส" โดยพื้นฐานแล้ว Piero della Francesca ครอบคลุมเกือบทุกด้านของชีวิต วัฏจักรของพระองค์ประกอบด้วย ประวัติศาสตร์ ตำนาน ชีวิต งาน ภาพธรรมชาติ และภาพเหมือนของคนร่วมสมัย ในเมืองอาเรสโซในโบสถ์ซานฟรานเชสโกซึ่งอยู่ใต้บังคับบัญชาทางการเมืองของฟลอเรนซ์มีวงจรปูนเปียกที่น่าทึ่งที่สุดของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี

ศิลปะของปิเอโร เดลลา ฟรานเชสกามีความสมจริงมากกว่าอุดมคติ หลักการที่มีเหตุผลครอบงำอยู่ในตัวเขา แต่ไม่ใช่ความมีเหตุผลซึ่งสามารถกลบเสียงของหัวใจได้ และในแง่นี้ Piero della Francesca แสดงให้เห็นถึงพลังที่ฉลาดและมีผลมากที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

อันเดรีย มานเทญ่า

ชื่อของ Mantegna มีความเกี่ยวข้องกับแนวคิดของศิลปินแนวมนุษยนิยมผู้รักโบราณวัตถุของโรมันซึ่งมีความรู้กว้างขวางเกี่ยวกับโบราณคดีโบราณ ตลอดชีวิตของเขาเขารับใช้ Dukes of Mantua d'Este เป็นจิตรกรประจำศาลของพวกเขาทำตามคำแนะนำของพวกเขารับใช้พวกเขาอย่างซื่อสัตย์ (แม้ว่าพวกเขาจะไม่ได้ให้สิ่งที่เขาสมควรได้รับแก่เขาเสมอไป) แต่ลึกลงไปในจิตวิญญาณของเขาและในงานศิลปะเขาก็เป็น เป็นอิสระ อุทิศตนเพื่ออุดมคติอันสูงส่งของความกล้าหาญในสมัยโบราณ ซื่อสัตย์อย่างคลั่งไคล้ต่อความปรารถนาของเขาที่จะมอบความแม่นยำของช่างอัญมณีให้กับงานของเขา สิ่งนี้ต้องการความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณจำนวนมหาศาล ศิลปะของ Mantegna นั้นรุนแรง บางครั้งก็โหดร้ายจนถึงขั้นไร้ความปรานี มันแตกต่างจากศิลปะของ Piero della Francesca และเข้าใกล้ Donatello

อันเดรีย มานเทญ่า. ภาพเหมือนตนเองในโบสถ์ Ovetari

จิตรกรรมฝาผนังยุคแรกโดย Mantegna ในโบสถ์ Eremitani แห่งปาดัวเกี่ยวกับชีวิตของนักบุญ เจมส์และการพลีชีพของเขาเป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของจิตรกรรมฝาผนังของชาวอิตาลี Mantegna ไม่คิดที่จะสร้างสิ่งที่คล้ายกับศิลปะโรมันเลย (ภาพวาดที่กลายเป็นที่รู้จักในตะวันตกหลังจากการขุดค้น Herculaneum) โบราณวัตถุไม่ใช่ยุคทองของมนุษยชาติ แต่เป็นยุคเหล็กของจักรพรรดิ

เขาเชิดชูความกล้าหาญของโรมัน เกือบจะดีกว่าชาวโรมันเองเสียอีก ฮีโร่ของเขาสวมชุดเกราะและรูปปั้น ภูเขาหินของเขาถูกแกะสลักอย่างแม่นยำด้วยสิ่วของประติมากร แม้แต่เมฆที่ลอยอยู่บนท้องฟ้าก็ดูเหมือนจะถูกหล่อหลอมจากโลหะ ในบรรดาฟอสซิลและการหล่อเหล่านี้ วีรบุรุษผู้แข็งแกร่งจากการต่อสู้ กล้าหาญ เข้มงวด แน่วแน่ อุทิศตนให้กับความรู้สึกของหน้าที่ ยุติธรรม และพร้อมสำหรับการเสียสละตนเอง ผู้คนเคลื่อนไหวอย่างอิสระในอวกาศ แต่เมื่อพวกเขาเข้าแถวกันเป็นแถว พวกเขาก่อตัวเป็นภาพนูนต่ำนูนสูงจากหิน โลกของ Mantegna นี้ไม่ได้ทำให้ดวงตาต้องมนต์เสน่ห์ แต่ทำให้หัวใจรู้สึกหนาวสั่น แต่ก็อดไม่ได้ที่จะยอมรับว่ามันถูกสร้างขึ้นโดยแรงกระตุ้นทางจิตวิญญาณของศิลปิน ดังนั้น สิ่งสำคัญอย่างยิ่งที่นี่คือความรอบรู้ด้านมนุษยนิยมของศิลปิน ไม่ใช่คำแนะนำจากเพื่อนที่ได้เรียนรู้ แต่เป็นจินตนาการอันทรงพลัง ความหลงใหลที่ผูกมัดด้วยความตั้งใจ และทักษะที่มั่นใจ

ปรากฏการณ์ที่สำคัญประการหนึ่งในประวัติศาสตร์ศิลปะต่อหน้าเราคือ ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ยืนอยู่ในแนวเดียวกับบรรพบุรุษที่อยู่ห่างไกลด้วยพลังแห่งสัญชาตญาณของพวกเขา และบรรลุผลสำเร็จในสิ่งที่ศิลปินรุ่นหลังผู้ศึกษาในอดีตแต่ไม่สามารถทัดเทียมพวกเขาล้มเหลว

ซานโดร บอตติเชลลี

บอตติเชลลีถูกค้นพบโดยกลุ่มพรีราฟาเอลในอังกฤษ อย่างไรก็ตามแม้ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ด้วยความชื่นชมในความสามารถของเขาพวกเขาไม่ได้ "ให้อภัย" เขาสำหรับการเบี่ยงเบนไปจากกฎที่ยอมรับกันโดยทั่วไป - มุมมอง, chiaroscuro, กายวิภาคศาสตร์ ต่อมามีการตัดสินใจว่าบอตติเชลลีหันกลับไปใช้สไตล์กอทิก สังคมวิทยาที่หยาบคายสรุปคำอธิบายสำหรับสิ่งนี้: "ปฏิกิริยาศักดินา" ในฟลอเรนซ์ การตีความเชิงสัญลักษณ์ได้สร้างความสัมพันธ์ของบอตติเชลลีกับกลุ่มนักนีโอพลาโตนิสต์ชาวฟลอเรนซ์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งปรากฏชัดในภาพวาดชื่อดังของเขา "ฤดูใบไม้ผลิ" และ "กำเนิดของดาวศุกร์"

ภาพเหมือนตนเองของซานโดร บอตติเชลลี ส่วนหนึ่งขององค์ประกอบแท่นบูชา "ความรักของโหราจารย์" (ประมาณ ค.ศ. 1475)

หนึ่งในล่ามที่น่าเชื่อถือที่สุดของบอตติเชลลี "สปริง" ยอมรับว่าภาพนี้ยังคงเป็นปริศนาและเป็นเขาวงกต ไม่ว่าในกรณีใดสามารถพิจารณาได้ว่าเมื่อสร้างมันขึ้นมาผู้เขียนรู้จักบทกวี "การแข่งขัน" ของ Poliziano ซึ่ง Simonetta Vespucci ผู้เป็นที่รักของ Giuliano de 'Medici ได้รับการยกย่องเช่นเดียวกับกวีโบราณโดยเฉพาะ บรรทัดเริ่มต้นเกี่ยวกับอาณาจักรแห่งวีนัสในบทกวีของ Lucretius เรื่อง "เกี่ยวกับธรรมชาติของสรรพสิ่ง" . เห็นได้ชัดว่าเขารู้จักผลงานของ M. Vicino ซึ่งได้รับความนิยมในฟลอเรนซ์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาด้วย ลวดลายที่ยืมมาจากผลงานทั้งหมดนี้มองเห็นได้ชัดเจนในภาพวาดที่ได้รับในปี 1477 โดยแอล. เด เมดิชี ลูกพี่ลูกน้องของลอเรนโซผู้ยิ่งใหญ่ แต่คำถามยังคงอยู่: ผลแห่งความรู้เหล่านี้มาอยู่ในภาพได้อย่างไร? ไม่มีข้อมูลที่เชื่อถือได้เกี่ยวกับเรื่องนี้

การอ่านความคิดเห็นของนักวิชาการสมัยใหม่เกี่ยวกับภาพวาดนี้เป็นเรื่องยากที่จะเชื่อว่าตัวศิลปินเองสามารถเจาะลึกเข้าไปในโครงเรื่องของตำนานเพื่อสร้างรายละเอียดปลีกย่อยทุกประเภทในการตีความตัวเลขซึ่งแม้แต่ทุกวันนี้ก็ยังไม่สามารถเข้าใจได้อย่างรวดเร็ว แต่ในสมัยก่อนเห็นได้ชัดว่าเข้าใจได้เฉพาะในแก้วเมดิชิเท่านั้น มีแนวโน้มมากกว่าที่พวกเขาจะได้รับการแนะนำให้รู้จักกับศิลปินโดยนักปราชญ์บางคนและเขาก็สามารถบรรลุความจริงที่ว่าศิลปินเริ่มแปลลำดับวาจาเป็นเส้นในเชิงภาพ สิ่งที่น่ายินดีที่สุดเกี่ยวกับภาพวาดของบอตติเชลลีคือบุคคลและกลุ่มบุคคล โดยเฉพาะกลุ่มของ Three Graces แม้ว่าจะมีการทำซ้ำมานับครั้งไม่ถ้วน แต่ก็ไม่ได้สูญเสียเสน่ห์ไปจนทุกวันนี้ ทุกครั้งที่คุณพบเธอ คุณจะพบกับการโจมตีแห่งความชื่นชมครั้งใหม่ แท้จริงแล้วบอตติเชลลีสามารถถ่ายทอดความเยาว์วัยชั่วนิรันดร์ให้กับการสร้างสรรค์ของเขาได้ นักวิจารณ์นักวิชาการคนหนึ่งเกี่ยวกับภาพวาดแนะนำว่าการเต้นรำของพระหรรษทานเป็นการแสดงออกถึงความคิดเรื่องความสามัคคีและไม่ลงรอยกันซึ่งนัก Neoplatonists ชาวฟลอเรนซ์มักพูดถึง

บอตติเชลลีเป็นเจ้าของภาพประกอบที่ไม่มีใครเทียบได้สำหรับ Divine Comedy ใครก็ตามที่ได้เห็นผ้าปูที่นอนของเขาจะจำมันได้เสมอเมื่ออ่านดันเต้ เขาตื้นตันใจกับจิตวิญญาณของบทกวีของดันเต้ไม่เหมือนใคร ภาพวาดบางส่วนของดันเต้มีลักษณะเหมือนตัวห้อยกราฟิกของบทกวี แต่สิ่งที่สวยงามที่สุดคือสิ่งที่ศิลปินจินตนาการและแต่งขึ้นด้วยจิตวิญญาณของดันเต้ นี่เป็นเรื่องธรรมดาที่สุดในบรรดาภาพประกอบเรื่องสวรรค์ ดูเหมือนว่าสวรรค์แห่งการวาดภาพจะเป็นสิ่งที่ยากที่สุดสำหรับศิลปินยุคเรอเนซองส์ผู้รักโลกที่มีกลิ่นหอมและทุกสิ่งของมนุษย์ บอตติเชลลีไม่ละทิ้งมุมมองของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา การแสดงผลเชิงพื้นที่ขึ้นอยู่กับมุมมองของผู้ชม แต่ในสวรรค์เขาลุกขึ้นไปสู่การถ่ายโอนสาระสำคัญที่ไม่ใช่มุมมองของวัตถุเอง ร่างของเขาไร้น้ำหนัก เงาก็หายไป แสงทะลุผ่านพวกมัน มีอวกาศอยู่นอกพิกัดโลก วัตถุเหล่านั้นประกอบกันเป็นวงกลมเพื่อเป็นสัญลักษณ์ของทรงกลมท้องฟ้า

เลโอนาร์โด ดา วินชี

เลโอนาร์โดเป็นหนึ่งในอัจฉริยะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่ได้รับการยอมรับโดยทั่วไป หลายคนคิดว่าเขาเป็นศิลปินคนแรกในยุคนั้น ไม่ว่าในกรณีใด ชื่อของเขาเป็นสิ่งแรกที่นึกถึงเมื่อพูดถึงผู้คนที่น่าทึ่งในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา และด้วยเหตุนี้จึงเป็นเรื่องยากมากที่จะเบี่ยงเบนไปจากความคิดเห็นปกติและพิจารณามรดกทางศิลปะของเขาด้วยจิตใจที่เป็นกลาง

ภาพเหมือนตนเองที่เลโอนาร์โดแสดงตนว่าเป็นปราชญ์ผู้เฒ่า ภาพวาดนี้ถูกเก็บไว้ในหอสมุดหลวงแห่งตูริน 1512

แม้แต่คนรุ่นเดียวกันของเขาก็ชื่นชมความเป็นสากลของบุคลิกภาพของเขา อย่างไรก็ตาม วาซารีแสดงความเสียใจแล้วที่เลโอนาร์โดให้ความสำคัญกับสิ่งประดิษฐ์ทางวิทยาศาสตร์และทางเทคนิคของเขามากกว่าความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ ชื่อเสียงของเลโอนาร์โดถึงจุดสูงสุดในศตวรรษที่ 19 บุคลิกภาพของเขากลายเป็นตำนาน เขาถูกมองว่าเป็นศูนย์รวมของ "หลักการเฟาเชียน" ของวัฒนธรรมยุโรปทั้งหมด

เลโอนาร์โดเป็นนักวิทยาศาสตร์ผู้ยิ่งใหญ่ นักคิดที่ชาญฉลาด นักเขียน ผู้แต่งบทความ และวิศวกรผู้สร้างสรรค์ ความครอบคลุมของเขาทำให้เขาอยู่เหนือระดับของศิลปินส่วนใหญ่ในเวลานั้นและในขณะเดียวกันก็ทำให้เขาเป็นงานที่ยากลำบาก - เพื่อผสมผสานวิธีการวิเคราะห์ทางวิทยาศาสตร์เข้ากับความสามารถของศิลปินในการมองเห็นโลกและยอมจำนนต่อความรู้สึกโดยตรง ต่อมางานนี้ได้ครอบครองศิลปินและนักเขียนหลายคน สำหรับเลโอนาร์โด มันเป็นลักษณะของปัญหาที่ไม่สามารถแก้ไขได้

ลองลืมทุกสิ่งที่ตำนานอันมหัศจรรย์เกี่ยวกับศิลปิน - นักวิทยาศาสตร์กระซิบกับเราซักพักแล้วมาตัดสินภาพวาดของเขาในแบบที่เราตัดสินภาพวาดของปรมาจารย์คนอื่น ๆ ในยุคของเขา อะไรทำให้งานของเขาโดดเด่นจากผลงานของพวกเขา? ประการแรก ความระมัดระวังในการมองเห็นและศิลปะระดับสูงในการดำเนินการ พวกเขาประทับตราของงานฝีมือที่ประณีตและรสชาติที่ดีที่สุด ในภาพวาดของอาจารย์ Verrocchio เรื่อง "The Baptism" เลโอนาร์โดรุ่นเยาว์วาดภาพทูตสวรรค์องค์หนึ่งอย่างประณีตและประณีตจนข้างๆ เขาเทวดาผู้น่ารัก Verrocchio ดูเรียบง่ายและเป็นฐาน ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา “ชนชั้นสูงด้านสุนทรียภาพ” ได้ทวีความรุนแรงมากขึ้นในงานศิลปะของเลโอนาร์โด นี่ไม่ได้หมายความว่าที่ราชสำนักของอธิปไตยงานศิลปะของเขากลายเป็นแบบราชสำนักและราชสำนัก ไม่ว่าในกรณีใด Madonnas ของเขาจะไม่มีวันถูกเรียกว่าผู้หญิงชาวนา

เขาเป็นคนรุ่นเดียวกับบอตติเชลลี แต่พูดอย่างไม่เห็นด้วย แม้จะเยาะเย้ยเขา เมื่อพิจารณาถึงเขาที่อยู่เบื้องหลังยุคสมัย เลโอนาร์โดเองก็พยายามที่จะค้นหาบรรพบุรุษของเขาในงานศิลปะต่อไป เขาไม่ได้จำกัดตัวเองอยู่แค่พื้นที่และปริมาตรเท่านั้น เขาตั้งภารกิจให้ตัวเองควบคุมสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศที่ห่อหุ้มวัตถุต่างๆ นี่หมายถึงขั้นตอนต่อไปในการทำความเข้าใจทางศิลปะของโลกแห่งความเป็นจริงและในระดับหนึ่งได้เปิดทางให้กับสีสันของชาวเวนิส

คงจะผิดที่จะบอกว่าความหลงใหลในวิทยาศาสตร์ของเขาขัดขวางความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะของเลโอนาร์โด อัจฉริยะของชายผู้นี้ยิ่งใหญ่มาก ทักษะของเขาสูงมาก แม้แต่ความพยายามที่จะ "ยืนหยัดในลำคอของบทเพลง" ก็ไม่สามารถทำลายความคิดสร้างสรรค์ของเขาได้ ของขวัญของเขาในฐานะศิลปินทะลุข้อจำกัดทั้งหมดอย่างต่อเนื่อง สิ่งที่น่าหลงใหลในการสร้างสรรค์ของเขาคือความเที่ยงตรงของดวงตาที่ไม่ผิดเพี้ยน ความชัดเจนของจิตสำนึก ความเชื่อฟังของพู่กัน และเทคนิคอันชาญฉลาด พวกเขาทำให้เราหลงใหลด้วยเสน่ห์ของพวกเขาราวกับความหลงใหล ใครก็ตามที่เคยดู La Gioconda จะจำได้ว่าการฉีกตัวเองออกจากมันนั้นยากแค่ไหน ในห้องโถงแห่งหนึ่งของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ซึ่งเธอพบว่าตัวเองอยู่ข้างๆ ผลงานชิ้นเอกที่ดีที่สุดของโรงเรียนภาษาอิตาลี เธอได้รับชัยชนะและครองราชย์เหนือทุกสิ่งที่อยู่รอบตัวเธออย่างภาคภูมิใจ

ภาพวาดของเลโอนาร์โดไม่ได้เชื่อมโยงกันเหมือนศิลปินยุคเรอเนสซองส์คนอื่นๆ ในงานแรกของเขา เช่น Madonna ของ Benoit มีความอบอุ่นและเป็นธรรมชาติมากกว่า แต่ถึงแม้ในนั้น การทดลองก็ยังทำให้ตัวเองรู้สึกได้ "ความรัก" ใน Uffizi - และนี่คือภาพวาดด้านล่างที่ยอดเยี่ยมภาพลักษณ์ที่เจ้าอารมณ์และมีชีวิตชีวาของผู้คนหันไปหาผู้หญิงที่สง่างามโดยมีลูกน้อยอยู่บนตักด้วยความเคารพ ใน "Madonna of the Rocks" นางฟ้าซึ่งเป็นเด็กผมหยิกมองออกมาจากภาพนั้นมีเสน่ห์ แต่ความคิดแปลก ๆ ในการย้ายไอดีลไปสู่ความมืดมิดของถ้ำนั้นน่ารังเกียจ “Last Supper” อันโด่งดังมีความยินดีเสมอกับการแสดงตัวละครที่เหมาะสม เช่น จอห์นผู้อ่อนโยน ปีเตอร์ที่เข้มงวด และยูดาสผู้ชั่วร้าย อย่างไรก็ตาม ความจริงที่ว่าตัวเลขที่มีชีวิตชีวาและตื่นเต้นดังกล่าวถูกจัดเรียงเป็นสามตัวติดต่อกันที่ด้านหนึ่งของโต๊ะ ดูเหมือนการประชุมที่ไม่ยุติธรรม ความรุนแรงต่อธรรมชาติที่มีชีวิต อย่างไรก็ตาม นี่คือ Leonardo da Vinci ผู้ยิ่งใหญ่ และเนื่องจากเขาวาดภาพในลักษณะนี้ นั่นหมายความว่าเขาตั้งใจให้เป็นเช่นนี้ และความลึกลับนี้จะคงอยู่นานหลายศตวรรษ

การสังเกตและความระมัดระวังซึ่งเลโอนาร์โดเรียกว่าศิลปินในบทความของเขาไม่ได้จำกัดความสามารถในการสร้างสรรค์ของเขา เขาจงใจพยายามกระตุ้นจินตนาการของเขาโดยมองดูผนังที่แตกร้าวตามอายุซึ่งผู้ชมสามารถจินตนาการถึงพล็อตเรื่องใดก็ได้ ในภาพวาดวินด์เซอร์อันโด่งดังของ "พายุฝนฟ้าคะนอง" ที่ร่าเริงโดยเลโอนาร์โด สิ่งที่ถูกเปิดเผยด้วยการจ้องมองของเขาจากยอดเขาบางแห่งได้ถูกถ่ายทอด ชุดภาพวาดของวินด์เซอร์ในหัวข้อน้ำท่วมเป็นหลักฐานที่แสดงถึงความเข้าใจอันชาญฉลาดของศิลปินและนักคิดรายนี้ ศิลปินสร้างป้ายที่ไม่มีคำตอบแต่กลับให้ความรู้สึกประหลาดใจผสมกับความสยดสยอง ภาพวาดถูกสร้างขึ้นโดยปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในความเพ้อฝันเชิงพยากรณ์บางประเภท ทุกอย่างพูดเป็นภาษามืดตามนิมิตของยอห์น

ความไม่ลงรอยกันภายในของเลโอนาร์โดในวันที่ตกต่ำทำให้ตัวเองรู้สึกได้ในผลงานสองชิ้นของเขา: พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ "จอห์นเดอะแบปทิสต์" และภาพเหมือนตนเองของตูริน ในการวาดภาพตนเองของตูรินตอนปลาย ศิลปินที่เข้าสู่วัยชราแล้วมองดูตัวเองในกระจกด้วยสายตาที่เปิดกว้างจากด้านหลังคิ้วที่ขมวดคิ้วของเขา - เขามองเห็นใบหน้าของเขาถึงลักษณะความเสื่อมทราม แต่เขาก็มองเห็นสติปัญญาเช่นกัน สัญลักษณ์ของ "ฤดูใบไม้ร่วงแห่งชีวิต"