นักประพันธ์ฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส
จากหอยมุกเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 - จากเครื่องเคลือบ ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 วัสดุโพลีเมอร์ถูกนำมาใช้เป็นครั้งแรกสำหรับการทำขาเทียม 1. เซลลูอยด์ 2. ไม้มะเกลือ 3. ยาง 4.โพลีเมทิลเมทาคริเลต 5.ฟลูออโรพลาสติก 6.ซิลิโคน
นักวิจารณ์ศิลปะ Alpatov กล่าวถึงภาพวาดของรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ว่า "...หัวล้านโผล่ออกมาจากใต้วิก" เขาหมายถึงอะไรโดยการเปรียบเทียบนี้การแสดงออก? ให้ตัวอย่างอย่างน้อยสามตัวอย่าง
ฉันมีความคิดหนึ่ง: ศิลปินชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 เขียนในรูปแบบตะวันตก (บาโรก, อารมณ์อ่อนไหว ฯลฯ ) แต่ผ่านหลักการตะวันตกสไตล์รัสเซียพิเศษยังคงปรากฏออกมา (เช่น รัสเซียพิสดารปรากฏ เป็นต้น) แตกต่างจากตะวันตก . จากนั้น "วิกผม" ก็เป็นตัวตนของชาวตะวันตก (โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อวิกผมเข้ามาเป็นแฟชั่นในสมัยนั้น) และ "หัวล้าน" ก็เป็นลักษณะของรัสเซียที่ "แอบมอง" ผ่านหลักการของ "วิกผม"
ต้องการมากขึ้น สองความคิด โปรดช่วยด้วย
จากหอยมุกเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 - จากเครื่องเคลือบ ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 วัสดุโพลีเมอร์ถูกนำมาใช้เป็นครั้งแรกสำหรับการทำขาเทียม
1.เซลลูออยด์
4.โพลีเมทิลเมทาคริเลต
5.ฟลูออโรพลาสติก
6.ซิลิโคน
โปรดช่วยด้วย)))ในแต่ละคำถามจากสี่ชื่อผู้แต่งคุณต้องเลือกหนึ่งชื่อ))))
1. ตั้งชื่อผู้แต่งในยุคบาโรก
ก) วิวัลดี;
ข) โมสาร์ท;
ค) เบโธเฟน;
ง) ชูมันน์
2.ผู้แต่งคนใดเป็นเจ้าอาวาส?
ก) บาค;
ข) ฮันเดล;
ค) วิวัลดี;
ง) โมสาร์ท
3. ตั้งชื่อผู้แต่ง “The Well-Tempered Clavier”, “St. Matthew Passion”, “Inventions”
ก) บาค;
ข) เบโธเฟน;
ค) โชแปง;
ง) ชูมันน์
4. ใครเป็นคนเขียนโอเปร่าเรื่อง Fidelio?
ก) ไฮเดิน;
ข) โมสาร์ท;
ค) เบโธเฟน;
ง) โชแปง
5. นักแต่งเพลงคนไหนที่เขียนโอเปร่าเรื่อง "The Marriage of Figaro", "Don Giovanni"
ก) โมสาร์ท;
ข) เบโธเฟน;
c) เมนเดลโซห์น;
ง) รอสซินี
6. ผู้แต่งคนใดต่อไปนี้ไม่ใช่เพลงคลาสสิกของเวียนนา?
ก) ไฮเดิน;
b) ชูมันน์;
ค) โมสาร์ท;
ง) เบโธเฟน
7. ใครคือผู้แต่งโอเปร่า "Aida", "La Traviata", "Rigoletto"?
ก) โมสาร์ท;
ข) เบโธเฟน;
ค) รอสซินี;
ง) แวร์ดี
8. ใครเป็นคนเขียนโซนาต้าเปียโน 32 ตัว?
ก) บาค;
ข) โมสาร์ท;
ค) เบโธเฟน;
ง) โชแปง
9. ตั้งชื่อผู้แต่ง "Symphonies with tremolo timpani", "Farewell", "Children's"
ก) ไฮเดิน;
ข) โมสาร์ท;
ค) ชูมันน์;
ง) โชแปง
10. ใครถูกเรียกว่า "บิดาแห่งซิมโฟนีและควอร์เตต"?
ก) มาซาร์ท;
ข) เบโธเฟน;
ค) ไฮเดิน;
ง) บาค
11. นักแต่งเพลงคนไหนเป็นคนแรกที่เรียกงานของเขาว่าบทกวีไพเราะ?
ก) ขี้ค้างคาว;
b) แบร์ลิออซ;
ค) เบโธเฟน;
ง) ใบไม้;
12. ดนตรีแนวใดมีพื้นฐานมาจากความขัดแย้งของสองประเด็น?
ก) รูปแบบต่างๆ;
ข) วงเวียน;
c) รูปแบบโซนาต้า;
d) ความทรงจำ
13.ระบุชื่อผู้แต่งซิมโฟนีในตอนจบที่ใช้นักร้องประสานเสียง:
ก) ไฮเดิน;
ข) โมสาร์ท;
ค) ชูเบิร์ต;
ง) เบโธเฟน
14. นักแต่งเพลงคนไหนแต่งสำหรับเปียโนเท่านั้น?
ก) กูโนด;
ข) โชแปง;
ค) มาห์เลอร์;
ง) ชูมันน์;
15. นักแต่งเพลงคนใดต่อไปนี้แต่งเพลงให้กับละครเรื่อง Peer Gynt ของ Ibsen?
ก) โชแปง;
b) แบร์ลิออซ;
ค) มาห์เลอร์;
ง) ชูมันน์
16. ใครเป็นคนเขียนวงจรเสียง "The Beautiful Miller's Wife" และ "Winter Retreat"?
ก) ชูเบิร์ต;
b) ชูมันน์;
c) เมนเดลโซห์น;
ง) บิเซต
17. ตั้งชื่อผู้แต่ง “Unfinished Symphonies”:
ก) เบโธเฟน;
b) ไฮเดิน;
ค) ชูเบิร์ต;
ง) วากเนอร์
18. ใครเป็นคนเขียนวงจรเปียโน "Carnival"?
ก) เบโธเฟน;
ข) โมสาร์ท;
ค) ไฮเดิน;
ง) ใบไม้
19. ใครเขียนซิมโฟนีมากกว่า 100 เรื่อง?
ก) เบโธเฟน;
ข) โมสาร์ท;
ค) ไฮเดิน;
ง) ชูเบิร์ต
20. นักแต่งเพลง - นักไวโอลินชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18:
ก) อัลยาเบียฟ;
ข) โฟมิน;
c) Khandoshkin;
ง) เวอร์สตอฟสกี้
ประเพณีวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสเริ่มก่อตั้งขึ้นก่อนศตวรรษที่ 15 เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าได้รับอิทธิพลอย่างมากจากวัฒนธรรมของชนเผ่าดั้งเดิมและชนเผ่าเซลติกที่อาศัยอยู่ในดินแดนสมัยใหม่ของฝรั่งเศส การพัฒนาดนตรีในประเทศนี้เกิดขึ้นจากการมีปฏิสัมพันธ์กับความคิดสร้างสรรค์ของชาวประเทศเพื่อนบ้าน - ชาวอิตาลีและชาวเยอรมัน นั่นคือเหตุผลว่าทำไมมรดกทางดนตรีของฝรั่งเศสจึงมีสีสันและหลากหลายมาก
ต้นกำเนิด
ในขั้นต้น ดนตรีพื้นบ้านเข้ามามีบทบาทในฝรั่งเศส โดยที่คนธรรมดาไม่สามารถจินตนาการถึงการดำรงอยู่ของพวกเขาได้ ด้วยการถือกำเนิดของศาสนาคริสต์ ดนตรีในคริสตจักรถือกำเนิดขึ้น ซึ่งค่อยๆ เริ่มเปลี่ยนไปภายใต้อิทธิพลของผู้คน
นักเขียนพิธีกรรมที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนั้นเรียกว่าฮิลาเรียจากจังหวัดปัวตีเย เขาอาศัยอยู่ในศตวรรษที่ 3 และเป็นนักศาสนศาสตร์และอาจารย์ของคริสตจักรที่ฉลาดที่สุด
ประมาณศตวรรษที่ 10 ดนตรีฆราวาสเริ่มได้รับความนิยม จัดแสดงที่ศาลศักดินา ในจัตุรัสของเมืองใหญ่ และในอาราม เครื่องดนตรี ได้แก่ กลอง ฟลุต แทมบูรีน และพิต
ศตวรรษที่ 12 โดดเด่นด้วยการเปิดโรงเรียนดนตรีที่น็อทร์-ดาม ซึ่งเป็นอาสนวิหารอันยิ่งใหญ่ของปารีส ผู้แต่งกลายเป็นผู้สร้างแนวดนตรีใหม่ (วาทกรรม โมเตต)
ในศตวรรษที่ 13 อดัม เดอ ลา อัล กลายเป็นนักดนตรีที่โดดเด่นที่สุด ซึ่งคิดใหม่เกี่ยวกับผลงานของคณะนักร้องประสานเสียง และหลีกทางให้กับศิลปะดนตรีที่แท้จริง ผลงานที่น่าสนใจที่สุดของเขาคือ “The Game of Robin and Marion” เขากลายเป็นผู้ประพันธ์ทั้งบทกวีและดนตรีสำหรับละครเรื่องนี้ ซึ่งประสบความสำเร็จในการแสดงที่ราชสำนักของเคานต์แห่งอาร์ตัวส์
Ars nova - ทิศทางของดนตรียุโรปซึ่งได้รับการพัฒนาในฝรั่งเศสกลายเป็นศูนย์รวมของแนวคิดใหม่ ๆ ของนักดนตรี นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Guillaume de Machaut และ Philippe de Vitry กลายเป็นนักทฤษฎีหลักของช่วงเวลานี้ De Vitry เขียนดนตรีประกอบบทกวี "The Romance of Fauvel", de Machaut กลายเป็นผู้แต่ง "Mass of Notre Dame" นี่เป็นผลงานชิ้นแรกที่เขียนโดยนักแต่งเพลงคนหนึ่ง และไม่ได้ร่วมมือกับบุคคลอื่น
ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
ตั้งแต่กลางคริสต์ศตวรรษที่ 15 ถึงครึ่งหลังของคริสต์ศตวรรษที่ 16 ดนตรีฝรั่งเศสพัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของสำนักดัตช์และการเปลี่ยนแปลงทางการเมืองภายใน เช่น สงครามรวมฝรั่งเศส การสถาปนารัฐรวมศูนย์ และการเกิดขึ้นของชนชั้นกระฎุมพี
ภายใต้อิทธิพลของนักประพันธ์เพลงเช่น Gilles Benchois, Josquin Depres, Orlando di Lasso เลเยอร์ใหม่กำลังก่อตัวขึ้นในศิลปะดนตรีของฝรั่งเศส ราชสำนักไม่ยืนข้างกัน โบสถ์ต่างๆ ปรากฏขึ้นที่นั่นและมีการสถาปนาตำแหน่งหัวหน้าผู้รับผิดชอบด้านดนตรี คนแรกคือนักไวโอลินชาวอิตาลี Baltazarini di Belgioiso
ความมั่งคั่งของวัฒนธรรมดนตรีประจำชาติเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 เมื่อชานสันกลายเป็นแนวเพลง และดนตรีออร์แกนก็มีบทบาทสำคัญ Jean Titlouz กลายเป็นผู้ก่อตั้งและนักอุดมการณ์ของเทรนด์นี้
งานของชาวอูเกนอตแพร่หลาย แต่เนื่องจากความขัดแย้งทางศาสนา งานจึงถูกผลักไสให้อยู่เบื้องหลัง นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสซึ่งเป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของชั้นนี้ Claude Goudimel และ Claude Lejeune กลายเป็นผู้ประพันธ์เพลงสดุดีหลายร้อยบท ทั้งสองต้องทนทุกข์ทรมานในคืนเซนต์บาร์โธโลมิว
ศตวรรษที่ 17
ดนตรีแห่งศตวรรษนี้พัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ที่สถาปนาขึ้น ชีวิตในศาลภายใต้หลุยส์ 15 มีชื่อเสียงในด้านเอิกเกริกและความอุดมสมบูรณ์ ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่ในบรรดาความบันเทิงอื่น ๆ เช่นโอเปร่าและบัลเล่ต์ก็ปรากฏตัวขึ้น
พระคาร์ดินัลมาซารินสนับสนุนการพัฒนางานศิลปะที่ได้รับการขัดเกลา ต้นกำเนิดภาษาอิตาลีของเขากลายเป็นสาเหตุของการเผยแพร่วัฒนธรรมของประเทศนี้ในฝรั่งเศส ความพยายามครั้งแรกในการสร้างโอเปร่าระดับชาติเป็นของ Elisabeth Jacquet de la Guerre ผู้เขียน Cephalus และ Procris ในปี 1694
Royal Opera House เปิดในปี 1671 ทำให้ประเทศมีนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยม Marc-Antoine Charpentier สร้างสรรค์ผลงานหลายร้อยชิ้น รวมถึงโอเปร่า "Orpheus's Descent into Hell", "Medea" และ "The Judgement of Paris" Andre Campra เป็นผู้แต่งโอเปร่าบัลเล่ต์ "Gallant Europe", "The Carnival of Venice", โศกนาฏกรรมทางดนตรี "Iphigenia in Tauris", "Achilles และ Deidamia"
ศตวรรษที่ 17 เป็นช่วงก่อตั้งโรงเรียนนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ในบรรดาผู้เข้าร่วม ได้แก่ Chambonnière และ Jean-Henri d'Anglebert
ศตวรรษที่ 18
ชีวิตทางดนตรีและสังคมกำลังเปลี่ยนแปลงไปอย่างมากในศตวรรษนี้ กิจกรรมคอนเสิร์ตไปไกลกว่าศาล ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1725 มีการจัดคอนเสิร์ตสาธารณะเป็นประจำในโรงละคร สมาคม "คอนเสิร์ตมือสมัครเล่น" และ "Friends of Apollo" ก่อตั้งขึ้นในกรุงปารีส ซึ่งมือสมัครเล่นสามารถเพลิดเพลินกับการแสดงดนตรีบรรเลง
ชุดฮาร์ปซิคอร์ดถึงจุดสูงสุดในช่วงทศวรรษที่ 30 François Couperin เขียนฮาร์ปซิคอร์ดมากกว่า 250 ชิ้นและมีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในประเทศบ้านเกิดของเขาเท่านั้น แต่ยังมีชื่อเสียงในต่างประเทศด้วย เขายังผลิตละครโอเปร่าและผลงานเกี่ยวกับออร์แกนด้วย
สำหรับดนตรีแห่งศตวรรษที่ 18 ผลงานของ Jean Philippe Rameau ซึ่งไม่เพียงแต่เป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์เท่านั้น แต่ยังเป็นนักทฤษฎีที่โดดเด่นในสาขาของเขาด้วยก็มีความสำคัญอย่างยิ่ง โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ของเขา "Castor and Pollux", "Hippolytus and Arisia" และบัลเล่ต์โอเปร่า "The Gallant Indians" ก็เป็นที่ต้องการของผู้กำกับยุคใหม่เช่นกัน
ผลงานดนตรีเกือบทั้งหมดจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 มีทั้งเกี่ยวกับศาสนาหรือเป็นตำนาน แต่อารมณ์ในสังคมต้องการการตีความและประเภทใหม่ๆ บนพื้นฐานนี้ โอเปร่าบัฟฟาได้รับความนิยมซึ่งแสดงให้เห็นถึงสังคมชั้นสูงและอำนาจของกษัตริย์จากการเสียดสี บทแรกสำหรับโอเปร่าดังกล่าวเขียนโดย Charles Favard
นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 มีอิทธิพลอย่างมากต่อรูปแบบโอเปร่าและพื้นฐานทางทฤษฎีดนตรีของประเภทนี้
ศตวรรษที่ 19
การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในวัฒนธรรมดนตรี เพลงทองเหลืองของทหารดังขึ้นมาข้างหน้า เปิดโรงเรียนพิเศษเพื่อฝึกนักดนตรีทหาร ขณะนี้โอเปร่าถูกครอบงำด้วยธีมความรักชาติพร้อมกับวีรบุรุษประจำชาติคนใหม่
ยุคฟื้นฟูถูกทำเครื่องหมายด้วยการเพิ่มขึ้นของโอเปร่าโรแมนติก นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Berlioz เป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดในเวลานี้ ผลงานรายการแรกของเขาคือ Fantastic Symphony ซึ่งสะท้อนถึงอารมณ์ความรู้สึกที่เกินจริงและอารมณ์ทั่วไปในยุคนั้น เขากลายเป็นผู้สร้างซิมโฟนีละคร "โรมิโอและจูเลียต" การทาบทาม "King Lear" โอเปร่า "Benvenuto Cellini" ในประเทศบ้านเกิดของเขา Hector Berlioz ได้รับการประเมินอย่างคลุมเครือ นี่เป็นเพราะเส้นทางสร้างสรรค์พิเศษที่เขาเลือกเอง ผลงานของเขาเต็มไปด้วยเอฟเฟกต์ออเคสตราอันน่าทึ่งซึ่งผู้แต่งเป็นคนแรกที่ใช้ในหมู่นักดนตรีชาวฝรั่งเศส
กลางศตวรรษที่ 19 เป็นจุดเริ่มต้นของการพัฒนาละครในประเทศ แต่ในช่วงทศวรรษที่ 1870 ดนตรีแนวโคลงสั้น ๆ เข้ามามีบทบาท แต่มีแนวโน้มที่สมจริง Charles Gounod ถือเป็นผู้ก่อตั้งแนวเพลงนี้ โอเปร่าของเขา - "The Reluctant Doctor", "Faust" และ "Romeo and Juliet" - แสดงถึงพัฒนาการทางนวัตกรรมทั้งหมดของนักแต่งเพลง
ผลงานหลายสิบชิ้นที่มีความสำคัญต่อวัฒนธรรมของฝรั่งเศสสร้างสรรค์โดย Georges Bizet ซึ่งมีอายุสั้น เขาศึกษาที่เรือนกระจกตั้งแต่อายุ 10 ขวบและมีความก้าวหน้าอย่างมากตั้งแต่แรกเริ่ม เขาชนะการแข่งขันดนตรีที่สำคัญหลายครั้งซึ่งทำให้นักดนตรีสามารถไปโรมได้หลายปี หลังจากที่เขากลับมาที่ปารีส Georges Bizet ก็เริ่มทำงานเกี่ยวกับโอเปร่าในชีวิตของเขา - Carmen รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2418 ประชาชนไม่ยอมรับหรือเข้าใจงานนี้ นักแต่งเพลงเสียชีวิตในปีเดียวกันนั้นโดยไม่เห็นชัยชนะของการ์เมน
ในช่วงปีสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 คีตกวีชาวฝรั่งเศสเขียนภายใต้อิทธิพลของชาวเยอรมัน โดยเฉพาะ Richard Wagner
ศตวรรษที่ 20
ศตวรรษใหม่โดดเด่นด้วยการแพร่กระจายของอิมเพรสชั่นนิสม์ในวัฒนธรรมดนตรี คีตกวีชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่กลายเป็นผู้นับถือสไตล์นี้ คนที่สว่างที่สุดคือ C. Debussy งานของเขาสะท้อนให้เห็นถึงคุณสมบัติหลักทั้งหมดที่มีอยู่ในทิศทางนี้ สุนทรียภาพของอิมเพรสชันนิสม์ไม่ได้อยู่ห่างไกลจากชาวฝรั่งเศสคนอื่น มอริซ ราเวลผสมผสานแนวโวหารต่างๆ เข้ากับผลงานของเขา
ศตวรรษที่ 20 เป็นช่วงเวลาแห่งการสร้างสมาคมสร้างสรรค์ โดยมีสมาชิกเป็นศิลปิน "French Six" อันโด่งดังซึ่งสร้างขึ้นภายใต้การนำของ Erik Satie และ Jean Cocteau กลายเป็นชุมชนนักแต่งเพลงที่ทรงอิทธิพลที่สุดในยุคนั้น
สมาคมได้รับชื่อเนื่องจากการเปรียบเทียบกับสหภาพนักแต่งเพลงแห่งรัสเซีย - Mighty Handful พวกเขาถูกนำมารวมกันด้วยความปรารถนาที่จะแยกตัวออกจากอิทธิพลจากต่างประเทศ (ในกรณีนี้คือภาษาเยอรมัน) และพัฒนาชั้นศิลปะระดับประเทศ
สมาคมดังกล่าว ได้แก่ Louis Durey ("การถวายโคลงสั้น ๆ", "ภาพเหมือนตนเอง"), Darius Milhaud (โอเปร่า "The Guilty Mother", บัลเล่ต์ "Creation of the World"), Arthur Honegger (โอเปร่า "Judith", บัลเล่ต์ "Shota Rustaveli" ), Georges Auric ( ดนตรีประกอบภาพยนตร์เรื่อง "The Princess of Cleves", "Roman Holiday"), Francis Poulenc (โอเปร่า "Dialogues of the Carmelites", cantata "Un ballo in maschera") และ Germaine Taillefer (โอเปร่า "The Little Mermaid" ”, บัลเล่ต์ “ The Bird Seller”)
ในปี พ.ศ. 2478 มีสมาคมอื่นเกิดขึ้น - Young France ผู้เข้าร่วม ได้แก่ Olivier Messiaen (โอเปร่า "St. Francis of Assisi"), Andre Jolivet (บัลเล่ต์ "Beauty and the Beast", "Ariadne")
การเคลื่อนไหวใหม่เช่นดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดปรากฏหลังปี 1950 ตัวแทนและผู้สร้างแรงบันดาลใจที่โดดเด่นคือปิแอร์ บูเลซ ซึ่งศึกษากับเมสเซียเอน ในปี 2010 เขาถูกรวมอยู่ในวาทยากรที่ดีที่สุด 20 อันดับแรกของโลก
การพัฒนาศิลปะสมัยใหม่ในฝรั่งเศสได้รับการอำนวยความสะดวกโดยกิจกรรมที่เป็นนวัตกรรมของเสาหลักด้านดนตรีเชิงวิชาการเช่น Debussy และ Ravel
เดบุสซี่
Achille-Claude Debussy เกิดใน Saint-Germain-en-Laye รู้สึกปรารถนาในความงามตั้งแต่วัยเด็ก เมื่ออายุ 10 ขวบเขาเข้า Paris Conservatory การเรียนเป็นเรื่องง่ายสำหรับเขา เด็กชายยังชนะการแข่งขันภายในเล็กๆ น้อยๆ อีกด้วย แต่โคลดรู้สึกหนักใจกับชั้นเรียนประสานเสียง เนื่องจากครูไม่เป็นมิตรกับการทดลองด้วยเสียงของเด็กชาย
หลังจากหยุดชะงักการเรียน Claude Debussy เดินทางไปกับเจ้าของที่ดินจากรัสเซีย N. von Meck ในฐานะนักเปียโนที่บ้าน การใช้เวลาบนดินแดนรัสเซียส่งผลดีต่อโคลด เขาชื่นชอบผลงานของ Tchaikovsky, Balakirev และนักแต่งเพลงคนอื่นๆ
เมื่อกลับมาที่ปารีส Debussy ยังคงเรียนที่เรือนกระจกและเขียนหนังสือต่อไป เขายังคงสร้างสไตล์ของเขาเอง จุดเปลี่ยนในชีวิตของ Claude คือการที่เขารู้จักกับ E. Satie ผู้ซึ่งมีความคิดสร้างสรรค์ที่สร้างสรรค์ได้แสดงให้เห็นหนทางสำหรับนักแต่งเพลงที่มีความมุ่งมั่น
สไตล์ที่เป็นผู้ใหญ่ของ Debussy เป็นรูปเป็นร่างอย่างสมบูรณ์ในปี พ.ศ. 2437 เมื่อเขาเขียนเพลง "The Afternoon of a Faun" ซึ่งเป็นบทโหมโรงไพเราะอันโด่งดังของเขา
ราเวล
Maurice Ravel เกิดทางตอนใต้ของฝรั่งเศส แต่ย้ายไปปารีสตั้งแต่อายุยังน้อยเพื่อเรียนรู้งานฝีมือที่เขาชื่นชอบ ครูของเขาคือ Charles de Bériot นักแต่งเพลง-นักเปียโนชาวฝรั่งเศส
เช่นเดียวกับเดบุสซี มอริซได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการพบปะกับเอริก ซาตี หลังจากเธอ ราเวลเริ่มแต่งเพลงด้วยพลังที่ได้รับแรงบันดาลใจจากสุนทรพจน์และแนวคิดของผู้แต่ง
ในขณะที่ยังเรียนอยู่ที่เรือนกระจก Ravel ได้เขียนผลงานหลายชิ้นโดยใช้ลวดลายภาษาสเปน ("Habanera", "Ancient Minuet") ซึ่งได้รับการตอบรับอย่างอบอุ่นจากเพื่อนนักดนตรี อย่างไรก็ตาม สไตล์ของผู้แต่งครั้งหนึ่งเคยเล่นตลกกับเขาอย่างโหดร้าย ราเวลไม่ได้รับอนุญาตให้เข้าร่วมการแข่งขันเพื่อชิงรางวัล Rome Prize อันทรงเกียรติ โดยอ้างถึงข้อจำกัดด้านอายุ แต่ผู้แต่งยังอายุไม่ถึง 30 ปีและสามารถส่งการเรียบเรียงของเขาได้ตามกฎ ในปี 1905 สิ่งนี้ทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวครั้งใหญ่ในโลกดนตรี
หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่งซึ่งราเวลอาสา หลักการทางอารมณ์ถือเป็นหลักในงานของเขา สิ่งนี้อธิบายถึงการเปลี่ยนแปลงที่ชัดเจนจากการเขียนโอเปร่าไปเป็นงานบรรเลง (ชุด "Tomb of Couperin") นอกจากนี้เขายังร่วมมือกับ Sergei Diaghilev และเขียนเพลงสำหรับบัลเล่ต์ Daphnis และ Chloe
ในเวลาเดียวกันผู้แต่งเริ่มทำงานที่สำคัญที่สุดของเขา - "Bolero" ดนตรีเสร็จสมบูรณ์ในปี พ.ศ. 2471
ผลงานชิ้นสุดท้ายของมอริซ ราเวลคือ "Three Songs" ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับฟีโอดอร์ ชาเลียปิน
เลแกรนด์
สำหรับผู้ชมชาวรัสเซีย ชื่อของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสคนหนึ่งฟังดูคุ้นเคยมาก นี่คือ Michel Legrand ผู้สร้างเพลงสำหรับภาพยนตร์แนวลัทธิ
Michel Jean เกิดในครอบครัววาทยากรและนักเปียโน ตั้งแต่วัยเด็ก เด็กชายหลงใหลในศิลปะดนตรี ด้วยเหตุนี้เขาจึงเข้าเรียนที่ Paris Conservatory หลังจากสำเร็จการศึกษา เขาได้เดินทางไปสหรัฐอเมริกา ซึ่งเขาเริ่มเขียนเพลงสำหรับภาพยนตร์
ในฝรั่งเศสเขาทำงานร่วมกับผู้กำกับชื่อดัง Jean-Luc Godard และ Jacques Demy ผลงานยอดนิยมของเขาคือเพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "The Umbrellas of Cherbourg"
เขียนเพลงแจ๊ส ตั้งแต่ทศวรรษ 1960 เขาทำงานในฮอลลีวูด ผลงานที่โด่งดังของนักแต่งเพลง ได้แก่ เพลง "The Thomas Crown Affair" และ "The Other Side of Midnight" Michel Legrand เป็นผู้ชนะรางวัลออสการ์สามครั้ง
ศตวรรษที่ 21
ดนตรีวิชาการยังคงเป็นที่ต้องการในฝรั่งเศส มีเทศกาลและรางวัลมากมายที่จัดขึ้นเพื่อความสำเร็จในพื้นที่นี้ ในปารีสซึ่งเป็นศูนย์กลางวัฒนธรรมของประเทศ มีเรือนกระจกแห่งชาติ โรงละครโอเปร่าบาสตีย์ โรงละครโอเปร่าการ์นีเยร์ และโรงละครเธอาตร์เดชองเซลิเซ่ มีวงออเคสตราหลายสิบวงที่รู้จักทั่วโลก
เพลงของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสกลายเป็นที่รู้จักของสาธารณชนทั่วไปด้วยภาพยนตร์ นอกเหนือจากโอเปร่าและดนตรีไพเราะแล้ว พวกเขายังเขียนบทภาพยนตร์ด้วย งานเหล่านี้ส่วนใหญ่ทำงานให้กับอุตสาหกรรมภาพยนตร์ฝรั่งเศส แต่นักประพันธ์เพลงบางคนก็ไปถึงระดับนานาชาติด้วย คีตกวีชาวฝรั่งเศสที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในศตวรรษที่ 21 ได้แก่:
- อองตวน ดูฮาเมล ("Stolen Kisses", "Belle Epoque")
- มอริซ จาร์ (Doctor Zhivago, A Walk in the Clouds)
- วลาดิมีร์ คอสมา ("Injection with an Umbrella", "Dads")
- บรูโน คูเลต์ ("Belphegor the Phantom of the Louvre", "Choristers")
- Louis Aubert (โอเปร่า "The Blue Forest", "Enchanting Night")
- ฟิลิปป์ ซาร์ด ("ลูกสาวของ D'Artagnan", "เจ้าหญิงเดอมงต์ปองซิเยร์")
- เอริก เซอร์รา (เพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "Leon", "Joan of Arc", "The Fifth Element")
- Gabriel Yared (ผู้ป่วยชาวอังกฤษ, Cold Mountain)
คลาวิซิน [ฝรั่งเศส] clavecin จาก Lat ปลาย clavicymbalum จากละติน clavis - คีย์ (เพราะฉะนั้นกุญแจ) และฉาบ - ฉาบ] - เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่ดึงออกมา เป็นที่รู้จักตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 (เริ่มสร้างขึ้นในศตวรรษที่ 14) ข้อมูลแรกเกี่ยวกับฮาร์ปซิคอร์ดมีอายุย้อนไปถึงปี 1511 เครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่ซึ่งผลิตในอิตาลีมีอายุย้อนไปถึงปี 1521
ฮาร์ปซิคอร์ดมีต้นกำเนิดมาจาก psalterium (อันเป็นผลมาจากการสร้างใหม่และเพิ่มกลไกของคีย์บอร์ด)
ในขั้นต้น ฮาร์ปซิคอร์ดมีรูปร่างเป็นสี่เหลี่ยมและมีลักษณะคล้ายกับคลาวิคอร์ด "อิสระ" ตรงกันข้ามกับสายที่มีความยาวต่างกัน (แต่ละคีย์สอดคล้องกับสายพิเศษที่ปรับตามโทนเสียงที่แน่นอน) และกลไกของคีย์บอร์ดที่ซับซ้อนมากขึ้น สายของฮาร์ปซิคอร์ดสั่นสะเทือนโดยการถอนออกโดยใช้ขนนกที่ติดอยู่บนไม้เท้าซึ่งเป็นตัวดัน เมื่อกดปุ่ม ตัวดันที่อยู่ด้านหลังจะลอยขึ้นและขนนกก็เกี่ยวเข้ากับเชือก (ต่อมา มีการใช้ปิ๊กหนังแทนขนนก)
โครงสร้างของส่วนบนของตัวดัน: 1 - สตริง, 2 - แกนของกลไกการปล่อย, 3 - languette (จากภาษาฝรั่งเศส), 4 - ปิ๊ก (ลิ้น), 5 - แดมเปอร์
เสียงของฮาร์ปซิคอร์ดนั้นไพเราะ แต่ไม่ได้ร้อง (สั้น) - ซึ่งหมายความว่ามันไม่คล้อยตามการเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิก (ดังกว่า แต่แสดงออกน้อยกว่านั้น) การเปลี่ยนแปลงความแรงและเสียงต่ำของเสียงไม่ได้ขึ้นอยู่กับ ลักษณะของการตีที่ปุ่ม เพื่อเพิ่มความดังของฮาร์ปซิคอร์ด จึงมีการใช้สายสองเท่า สามเท่า และสี่เท่า (สำหรับแต่ละโทนเสียง) ซึ่งได้รับการปรับพร้อมกัน อ็อกเทฟ และบางครั้งก็เป็นช่วงอื่น ๆ
วิวัฒนาการ
ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 17 แทนที่จะใช้สายใน มีการใช้สายโลหะเพื่อเพิ่มความยาว (จากเสียงแหลมเป็นเสียงเบส) เครื่องดนตรีนี้มีรูปทรงปีกสามเหลี่ยมซึ่งมีการจัดเรียงสายตามยาว (ขนานกับแป้น)
ในศตวรรษที่ 17-18 เพื่อให้ฮาร์ปซิคอร์ดมีเสียงที่หลากหลายมากขึ้น เครื่องดนตรีจึงถูกสร้างขึ้นโดยใช้คีย์บอร์ดแบบแมนนวล 2 ตัว (บางครั้ง 3 ตัว) ซึ่งจัดวางในลักษณะคล้ายระเบียง โดยตัวหนึ่งอยู่เหนืออีกตัวหนึ่ง (โดยปกติแล้วตัวคีย์บอร์ดด้านบนจะถูกปรับให้สูงกว่าระดับแปดเสียง) เช่นเดียวกับสวิตช์รีจิสเตอร์สำหรับขยายเสียงแหลม การเพิ่มเสียงเบสเป็นสองเท่า และการเปลี่ยนแปลงสีของโทนเสียง (ลูทรีจิสเตอร์ เบสซูน ฯลฯ)
รีจิสเตอร์ควบคุมโดยคันโยกที่อยู่ด้านข้างของคีย์บอร์ด หรือโดยปุ่มที่อยู่ใต้คีย์บอร์ด หรือโดยแป้นเหยียบ สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดบางตัว เพื่อให้มีเสียงที่หลากหลายมากขึ้น คีย์บอร์ดตัวที่ 3 จะถูกจัดเรียงโดยใช้สีของเสียงที่มีลักษณะเฉพาะ ซึ่งมักจะชวนให้นึกถึงลูต (หรือที่เรียกว่า ลูตคีย์บอร์ด)
รูปร่าง
ภายนอก ฮาร์ปซิคอร์ดมักจะได้รับการตกแต่งอย่างหรูหรามาก (ลำตัวตกแต่งด้วยภาพวาด การฝัง และการแกะสลัก) พื้นผิวของเครื่องดนตรีสอดคล้องกับเฟอร์นิเจอร์ที่มีสไตล์ในยุคพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 ในศตวรรษที่ 16-17 ฮาร์ปซิคอร์ดของปรมาจารย์แห่งแอนต์เวิร์ป Rukkers โดดเด่นด้วยคุณภาพเสียงและการออกแบบทางศิลปะ
ฮาร์ปซิคอร์ดในประเทศต่างๆ
ชื่อ "ฮาร์ปซิคอร์ด" (ในฝรั่งเศส; ฮาร์ปซิคอร์ด - ในอังกฤษ, คีลฟลูเกล - ในเยอรมนี, คลาวิเชมบาโลหรือฉิ่งแบบย่อ - ในอิตาลี) ถูกเก็บรักษาไว้สำหรับเครื่องดนตรีรูปปีกขนาดใหญ่ที่มีช่วงสูงสุด 5 อ็อกเทฟ นอกจากนี้ยังมีเครื่องดนตรีขนาดเล็กๆ ซึ่งมักจะเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า มีสายเดี่ยวและมีช่วงเสียงถึง 4 อ็อกเทฟ เรียกว่า เอพิเนต์ (ในฝรั่งเศส) พิณ (ในอิตาลี) เวอร์จิเนล (ในอังกฤษ)
ฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลำตัวแนวตั้ง - . ฮาร์ปซิคอร์ดถูกใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว วงดนตรีแชมเบอร์ และออร์เคสตรา
ผู้สร้างสไตล์ฮาร์ปซิคอร์ดที่เก่งกาจคือนักแต่งเพลงชาวอิตาลีและนักฮาร์ปซิคอร์ด D. Scarlatti (เขาเป็นเจ้าของผลงานมากมายสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด); ผู้ก่อตั้งโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศสคือ J. Chambonnière ("ชิ้นส่วนฮาร์ปซิคอร์ด" ของเขา หนังสือ 2 เล่ม 1670 ได้รับความนิยม)
ในบรรดานักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และ 18 - , เจ.เอฟ. ราโม, แอล. ดาควิน, เอฟ. ไดดริเยอ. ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสเป็นศิลปะที่มีรสนิยมประณีต มีกิริยาที่ประณีต ชัดเจนอย่างมีเหตุผล อยู่ภายใต้มารยาทของชนชั้นสูง เสียงฮาร์ปซิคอร์ดที่นุ่มนวลและเย็นชาประสานกับ "น้ำเสียงที่ดี" ของสังคมชนชั้นสูง
สไตล์ที่กล้าหาญ (โรโกโก) พบว่ามีความชัดเจนในหมู่นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ธีมที่ชื่นชอบของย่อส่วนฮาร์ปซิคอร์ด (จิ๋วเป็นรูปแบบลักษณะเฉพาะของศิลปะโรโคโค) คือภาพผู้หญิง ("น่ารัก", "เจ้าชู้", "มืดมน", "ขี้อาย", "น้องสาวโมนิกา", "ฟลอเรนซ์" โดย Couperin), การเต้นรำที่กล้าหาญ (minuet) ครอบครองสถานที่ขนาดใหญ่ , gavette ฯลฯ ), รูปภาพอันงดงามของชีวิตชาวนา (“ The Reapers”, “ Grape Pickers” โดย Couperin), ภาพจำลองการสร้างคำเลียนเสียง (“ Chicken”, “ Clock”, “ Cheeping” โดย Couperin, “Cuckoo” โดย Daquin ฯลฯ) คุณลักษณะทั่วไปของดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดคือการปรุงแต่งอันไพเราะมากมาย
ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ผลงานของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสเริ่มหายไปจากละครของนักแสดง เป็นผลให้เครื่องดนตรีซึ่งมีประวัติศาสตร์อันยาวนานและมีมรดกทางศิลปะอันยาวนานจึงถูกบังคับให้ออกจากการฝึกดนตรีและแทนที่ด้วยเปียโน และไม่ใช่แค่ถูกแทนที่เท่านั้น แต่ยังถูกลืมไปอย่างสิ้นเชิงในศตวรรษที่ 19
สิ่งนี้เกิดขึ้นอันเป็นผลมาจากการเปลี่ยนแปลงความชอบด้านสุนทรียภาพอย่างรุนแรง สุนทรียศาสตร์แบบบาโรกซึ่งมีพื้นฐานมาจากแนวคิดที่กำหนดไว้อย่างชัดเจนหรือรู้สึกได้อย่างชัดเจนของทฤษฎีผลกระทบ (โดยสรุป แก่นแท้: หนึ่งอารมณ์ ผลกระทบ - สีเสียงเดียว) ซึ่งฮาร์ปซิคอร์ดเป็นวิธีการแสดงออกในอุดมคติ ยอมแพ้ก่อน สู่โลกทัศน์ของความรู้สึกอ่อนไหวจากนั้นไปสู่ทิศทางที่แข็งแกร่งยิ่งขึ้น - ลัทธิคลาสสิคและสุดท้ายคือแนวโรแมนติก ในรูปแบบเหล่านี้ทั้งหมด ความคิดที่น่าดึงดูดและได้รับการปลูกฝังมากที่สุดคือ ตรงกันข้าม ความคิดเรื่องการเปลี่ยนแปลง - ความรู้สึก รูปภาพ อารมณ์ และเปียโนก็สามารถแสดงสิ่งนี้ได้ โดยหลักการแล้วฮาร์ปซิคอร์ดไม่สามารถทำทั้งหมดนี้ได้เนื่องจากลักษณะเฉพาะของการออกแบบ
ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 ความเป็นอันดับหนึ่งในการพัฒนาดนตรีคีย์บอร์ดส่งต่อจากนักบริสุทธิ์ชาวอังกฤษไปจนถึงนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส เป็นเวลานานเกือบหนึ่งศตวรรษที่โรงเรียนแห่งนี้มีอิทธิพลมากที่สุดในยุโรปตะวันตก ถือเป็นบรรพบุรุษของมันฌาค ชองบอนนีแยร์
เป็นที่รู้จักในฐานะนักเล่นออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ดที่ยอดเยี่ยม เป็นครูและนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์ คอนเสิร์ตดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศสมักจัดขึ้นในห้องโถงและพระราชวังของชนชั้นสูง หลังจากพูดคุยหรือเต้นรำเบาๆ สภาพแวดล้อมดังกล่าวไม่เอื้อต่องานศิลปะเชิงลึกและจริงจัง ในดนตรี ความซับซ้อนที่สง่างาม ความประณีต ความเบา และไหวพริบเป็นสิ่งที่มีคุณค่า ในขณะเดียวกันก็นิยมเล่นละครขนาดเล็ก - แบบย่อส่วน“ไม่มีอะไรยาว น่าเบื่อ หรือจริงจังเกินไป” - นี่เป็นกฎหมายที่ไม่ได้เขียนไว้ซึ่งนักประพันธ์เพลงในราชสำนักฝรั่งเศสควรปฏิบัติตามไม่น่าแปลกใจที่นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสแทบจะไม่หันไปใช้รูปแบบขนาดใหญ่และวงจรการเปลี่ยนแปลง - พวกเขามุ่งความสนใจไปที่
ห้องสวีท
โรงเรียนของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสมีชื่อแทน L. Marchand, J.F. แดนดริเยอ, F. Dazhenkura, L.-C. ดาควิน, หลุยส์ คูเปริน.
ผู้แต่งเหล่านี้ประสบความสำเร็จมากที่สุดในภาพอภิบาลอันงดงาม (“Cuckoo” และ “Swallow” โดย Daken; “Bird Cry” โดย Dandrieu) โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสถึงจุดสูงสุดในผลงานของอัจฉริยะสองคน -ฟรองซัวส์ คูเปแปง (1668–1733) และรุ่นน้องของเขา (1685–1764).
ฌอง ฟิลิปป์ ราโม
ผู้ร่วมสมัยเรียกฟรองซัวส์ คูเปแปงว่า “ฟรองซัวส์มหาราช” ไม่มีนักฮาร์ปซิคอร์ดคนใดสามารถแข่งขันกับเขาในเรื่องความนิยมได้ เขาเกิดในครอบครัวนักดนตรีที่สืบทอดมาและใช้เวลาเกือบทั้งชีวิตในปารีสและแวร์ซายส์ในตำแหน่งนักเล่นออร์แกนในราชสำนักและเป็นครูสอนดนตรีให้กับราชโองการ ผู้แต่งทำงานในหลายประเภท (ยกเว้นละคร)
ส่วนที่มีค่าที่สุดของมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของเขาคือห้องฮาร์ปซิคอร์ด 27 ห้อง (ประมาณ 250 ชิ้นในสี่คอลเลกชัน)
Couperin เป็นผู้สร้างห้องชุดแบบฝรั่งเศสซึ่งแตกต่างจากรุ่นเยอรมันและประกอบด้วยชิ้นส่วนโปรแกรมเป็นหลัก ในหมู่พวกเขามีภาพร่างของธรรมชาติ ("ผีเสื้อ", "ผึ้ง", "กก") และฉากประเภท - รูปภาพของชีวิตในชนบท ("ผู้เก็บเกี่ยว", "คนเก็บองุ่น", "ผู้ถัก"); แต่โดยเฉพาะภาพดนตรีมากมายเหล่านี้เป็นภาพของผู้หญิงในสังคมและเด็กสาวธรรมดา ๆ – นิรนาม ("ผู้เป็นที่รัก", "ผู้เดียว") หรือระบุไว้ในชื่อบทละคร ("เจ้าหญิงแมรี่", "มานอน", "ซิสเตอร์โมนิกา") บ่อยครั้งที่ Couperin วาดภาพไม่ใช่บุคคลใดบุคคลหนึ่ง แต่เป็นตัวละครมนุษย์ ("ทำงานหนัก", "สนุกสนาน", "ดอกไม้ทะเล", "งี่เง่า") หรือแม้แต่พยายามแสดงตัวละครประจำชาติต่างๆ ("ผู้หญิงสเปน", "ผู้หญิงฝรั่งเศส")
นอกเหนือจากผลงานฮาร์ปซิคอร์ดที่น่าทึ่งของเขาแล้ว Rameau ยังเขียน "โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ" หลายเรื่องรวมถึง "Treatise on Harmony" (1722) ที่เป็นนวัตกรรมใหม่ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงในฐานะนักทฤษฎีดนตรีคนสำคัญ
การพัฒนาเพลงจากคีย์บอร์ดภาษาอิตาลีมีความเกี่ยวข้องกับชื่อ โดเมนิโก้ สการ์ลัตติ.
งานเชิงโปรแกรมคืองานที่มีโครงเรื่องเฉพาะ - “โปรแกรม” ซึ่งมักจำกัดอยู่เพียงชื่อเดียว แต่อาจมีคำอธิบายโดยละเอียด
อาจเป็นไปได้ว่ารูปลักษณ์ของการตกแต่งมีความเกี่ยวข้องกับความไม่สมบูรณ์ของฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งเสียงที่หายไปทันทีและเสียงไหลรินหรือ gruppetto สามารถชดเชยการขาดนี้ได้บางส่วนทำให้เสียงของเสียงอ้างอิงยาวนานขึ้น
ในยุโรปตะวันตก (โดยเฉพาะภาษาอิตาลี-สเปน) รูปหลายเหลี่ยม กระทะ ดนตรีของยุคกลางตอนปลายและยุคเรอเนซองส์ (โมเท็ต มาดริกัล ฯลฯ) ในรูปแบบด้นสด
ตั้งแต่ครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 16 ฟรี O. พัฒนา ch. อ๊าก ในอิตาลีโดยเฉพาะในรูปแบบทำนองอันเป็นเอกลักษณ์ ความร่ำรวยของกระทะเดี่ยว ดนตรีเช่นเดียวกับไวโอลินซึ่งมีแนวโน้มที่จะมีคุณธรรม ดนตรี. สมัยนั้นเล่นไวโอลิน ไวบราโต ซึ่งให้การแสดงออกถึงเสียงที่ขยายออกไป ยังไม่พบการใช้อย่างแพร่หลายในดนตรี และการตกแต่งท่วงทำนองอย่างเข้มข้นก็เข้ามาแทนที่ เมลิซมาติค เครื่องราชอิสริยาภรณ์ (เครื่องประดับ อุปกรณ์ตกแต่ง) ได้รับการพัฒนาเป็นพิเศษในงานศิลปะฝรั่งเศส นักลูเทนและนักฮาร์ปซิคอร์ดในศตวรรษที่ 17 และ 18 ซึ่งมีลักษณะเฉพาะจากการพึ่งพาการเต้นรำ ประเภทที่มีสไตล์ที่ละเอียดอ่อน ในภาษาฝรั่งเศส ดนตรีมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดระหว่างเครื่องดนตรี
ชาวฝรั่งเศสย้ายออกจากเสื้อผ้าเสรีไปสู่การตกแต่งที่มีการควบคุม นักฮาร์ปซิคอร์ดได้รับมอบหมายให้ดูแลออร์ค ดนตรีโดย เจ.บี. ลัลลี่ อย่างไรก็ตามชาวฝรั่งเศส กฎระเบียบของเครื่องประดับไม่ได้เข้มงวดนัก เนื่องจากแม้แต่ตารางที่มีรายละเอียดมากที่สุดก็ระบุการตีความที่แน่นอนสำหรับกรณีการใช้งานทั่วไปเท่านั้น การเบี่ยงเบนเล็กน้อยเป็นที่ยอมรับได้เพื่อให้เหมาะกับลักษณะเฉพาะของดนตรี ผ้า
ขึ้นอยู่กับศิลปะและรสนิยมของนักแสดงและในสิ่งพิมพ์ที่มีการถอดเสียงเป็นลายลักษณ์อักษร - เกี่ยวกับโวหาร ความรู้ หลักการ และรสนิยมของบรรณาธิการ การเบี่ยงเบนที่คล้ายกันเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้เมื่อแสดงละครโดยผู้ทรงคุณวุฒิชาวฝรั่งเศส การแสดงฮาร์ปซิคอร์ดของ P. Couperin ซึ่งยืนกรานเรียกร้องให้มีการนำกฎของเขาไปใช้อย่างถูกต้องในการถอดรหัสการตกแต่ง ฟรานซ์.
เป็นเรื่องปกติที่นักฮาร์ปซิคอร์ดจะใช้การตกแต่งแบบจิ๋วภายใต้การควบคุมของเผด็จการ ซึ่งพวกเขาเขียนไว้โดยเฉพาะในรูปแบบต่างๆ ใช้เวลา
การออกดอกอย่างสูงของเวียนนาคลาสสิกนิยมตามมาด้วยสุนทรียภาพใหม่
พัฒนาการของฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศสมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเงื่อนไขของศาลและชีวิตอันสูงส่ง ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว ลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ของฝรั่งเศสมีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะ วรรณกรรม ภาพวาด ประติมากรรม ดนตรีและการละครถูกนำมาใช้เพื่อเชิดชูอำนาจของกษัตริย์และสร้างรัศมีอันเจิดจ้ารอบ “ราชาแห่งดวงอาทิตย์” (เนื่องจากพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ได้รับฉายาจากชนชั้นสูงในยุคเดียวกัน) ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ระหว่างรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 ลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ของฝรั่งเศสประสบความเสื่อมถอยลงอย่างค่อยเป็นค่อยไป กลายเป็นอุปสรรคต่อเส้นทางการพัฒนาสังคมของประเทศ เงินทุนจำนวนมหาศาลที่กษัตริย์และขุนนางได้รับจากมรดกแห่งที่สามนั้นถูกใช้ไปกับความฟุ่มเฟือยและความสุขทางสังคม หลักคำสอนในชีวิตของพวกเขาแสดงออกมาอย่างเหมาะสมด้วยวลีอันโด่งดัง: “ตามเรามา แม้แต่น้ำท่วม!” ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ สไตล์ที่กล้าหาญ (หรือโรโกโก) ก็เริ่มแพร่หลาย สะท้อนชีวิตความเป็นอยู่ของสังคมฆราวาสอย่างชัดเจน การเฉลิมฉลอง งานเต้นรำ การสวมหน้ากาก งานอภิบาล - สิ่งเหล่านี้คือหัวข้อที่ใช้บ่อยโดยเฉพาะในงานศิลปะโรโกโก จิตรกรชาวฝรั่งเศสที่มีพรสวรรค์ในเวลานี้ Antoine Watteau ได้สร้างชุดภาพวาดในหัวข้อที่คล้ายกัน “ลูกบอลใต้โคลอนเนด”, “การเฉลิมฉลองที่แวร์ซาย”, “ล่องเรือสู่เกาะไซเธอรา” (เทพีแห่งความรัก - วีนัส) และอื่นๆ อีกมากมาย
การเกี้ยวพาราสีเล็กน้อย การประดับประดา และ "ความรักอันกล้าหาญ" ทำให้ความสนุกสนานของขุนนางมีความพิเศษเป็นพิเศษ ผู้หญิงสังคมเป็นจุดสนใจของความบันเทิงและศิลปะนี้ มีการเขียนบทกวีเกี่ยวกับเธอ เธอวาดภาพและอุทิศผลงานดนตรีให้กับเธอ
ศิลปะโรโคโคมีลักษณะเป็นรูปย่อส่วน ศิลปินสร้างภาพวาดขนาดเล็กเป็นส่วนใหญ่ โดยมีรูปร่างของคนดูเหมือนตุ๊กตา และฉากก็เหมือนของเล่น เป็นที่น่าสังเกตว่าในชีวิตประจำวันคนฆราวาสรายล้อมตัวเองด้วยเครื่องประดับเล็ก ๆ น้อย ๆ ที่ไม่มีที่สิ้นสุด แม้แต่หนังสือก็ถูกพิมพ์ด้วยขนาดที่เล็กผิดปกติ
ความหลงใหลในของจิ๋วสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนจากการใช้เครื่องประดับอย่างล้นเหลือ
การตกแต่งภายใน เฟอร์นิเจอร์ และเสื้อผ้าก็ตกแต่งด้วยเครื่องประดับ นักวิจารณ์ศิลปะคนหนึ่งคำนวณว่าหากคลี่คันธนูจำนวนนับไม่ถ้วนที่ใช้ประดับชุดสูทในสมัยนั้นออกและเชื่อมต่อเข้าด้วยกัน ผลลัพธ์ที่ได้จะเป็นริบบิ้นยาวหลายสิบเมตร
ฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสได้รับการพัฒนาตามศิลปะอันกล้าหาญนี้เป็นหลัก ตัวละครของเขาถูกกำหนดโดยความต้องการของสังคมโลกเป็นส่วนใหญ่
หากต้องการจินตนาการให้ชัดเจนยิ่งขึ้น ให้เราพาตัวเองไปที่ร้านทำผมสไตล์ฝรั่งเศสในยุคนั้นด้วยการตกแต่งที่หรูหรา เฟอร์นิเจอร์มีสไตล์ และฮาร์ปซิคอร์ดที่ตกแต่งอย่างหรูหราบนขาโค้งบาง ๆ ท่านสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษผู้กล้าหาญที่สวมวิกกำลังพูดคุยกันแบบเป็นกันเอง ด้วยความต้องการที่จะให้ความบันเทิงแก่แขก เจ้าของร้านเสริมสวยจึงเชิญนักดนตรีประจำบ้านหรือมือสมัครเล่นที่รู้จัก "พรสวรรค์" ของเธอมา "ลอง" เครื่องดนตรี นักแสดงที่นี่ไม่ได้คาดหวังให้สร้างสรรค์ผลงานศิลปะเชิงลึก ซึ่งเต็มไปด้วยแนวคิดที่สำคัญและความหลงใหลอันแรงกล้า โดยพื้นฐานแล้วการเล่นของนักฮาร์ปซิคอร์ดควรดำเนินต่อไปด้วยคำพูดเล็กๆ น้อยๆ แบบเดิม ซึ่งแสดงในภาษาของเสียงดนตรีเท่านั้น
ทัศนคติต่อศิลปะในร้านเสริมสวยของชนชั้นสูงคืออะไรสามารถเห็นได้จากบทกวีของกวีชาวฝรั่งเศสในยุครุ่งเรืองของสไตล์โรโคโค Desforges Meillard:
ความสามัคคีถูกสร้างขึ้นด้วยมือของคุณ
โอบกอดด้วยเสน่ห์อันน่าพิศวงและอ่อนหวาน
สับสนฉันมอบวิญญาณของฉันเข้าไปในอำนาจของเขา
ฉันเห็นว่านิ้วเบาเหมือนกามเทพ -
โอ้พ่อมดผู้ชาญฉลาด! โอ้ผู้ทรราชผู้อ่อนโยน! -
พวกเขาเดินไปตามกุญแจที่เชื่อฟัง
พวกมันโบยบินด้วยการแสดงตลกอันน่าหลงใหลนับพัน
เด็กๆ ชาวไซปรัส ขี้เล่นและน่ารักจริงๆ
แต่การขโมยหัวใจถึงแม้จะไม่มีพวกเขาก็ตาม
ก็เพียงพอแล้วที่พี่ชายและแม่ของพวกเขาจะได้รับชัยชนะ
พวกมันครอบงำบนริมฝีปากของคุณและเป็นประกายในดวงตาของคุณ** (153, หน้า 465)
(แปลโดย E. N. Alekseeva)
กาแล็กซีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 ฉายแสงด้วยชื่อต่างๆ เช่น Francois Couperin, Jean-Philippe Rameau, Louis Daquin และ Francois Dandrieu คุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของสไตล์โรโคโคนั้นแสดงออกมาอย่างชัดเจนในงานของพวกเขา
ในเวลาเดียวกันนักดนตรีเหล่านี้มักจะเอาชนะข้อกำหนดด้านสุนทรียภาพที่มีอยู่และเกินขอบเขตของศิลปะโซเวียตที่สนุกสนานและธรรมดาอย่างแท้จริง
Couperin เป็นผู้แต่งผลงานฮาร์ปซิคอร์ดสี่ชุด ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1713, 1717, 1722 และ 1730 ซึ่งเป็นผลงานวงดนตรีสำหรับคลาเวียร์ที่มีเครื่องสายและเครื่องลม รวมถึงผลงานอื่นๆ ในบรรดาละครของเขามีเรื่องอภิบาลมากมาย (“The Reapers”, “Grape Pickers”, “Pastoral”) และ “ภาพเหมือนของผู้หญิง” ซึ่งรวบรวมภาพที่หลากหลาย (“Florentina”, “Twilight”, “Sister Monica”, “ เด็กสาววัยรุ่น”) คุณสามารถพบลักษณะทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนในตัวพวกเขาได้ ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ผู้แต่งเขียนไว้ในคำนำของสมุดบันทึกเล่มแรกของบทละครของเขาว่าเขาพบว่า "ภาพบุคคล" เหล่านี้ "ค่อนข้างคล้ายกัน"
บทละครของ Couperin บางส่วนมีพื้นฐานมาจากการสร้างคำที่มีไหวพริบ: "The Alarm Clock", "The Chirping", "The Knitters"
ชื่อเหล่านี้ทั้งหมดเป็นไปตามอำเภอใจเป็นส่วนใหญ่ และมักจะสามารถถ่ายโอนจากชิ้นหนึ่งไปยังอีกชิ้นหนึ่งได้โดยไม่กระทบต่อความเข้าใจในความหมายของดนตรี
ในเวลาเดียวกันต้องยอมรับว่าผู้แต่งมักจะสามารถสร้าง "ภาพร่างจากธรรมชาติ" ที่มีลักษณะเฉพาะและเป็นความจริง
ในบทละครของ Couperin และนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ ในสมัยของเขา ท่วงทำนองที่ตกแต่งอย่างหรูหราครอบงำเสียงอื่นๆ อย่างชัดเจน บ่อยครั้งที่มีเพียงสองคนเท่านั้น (ดังนั้นเมื่อรวมกับทำนองแล้วจึงสร้างผ้าสามเสียง) เสียงที่ตามมามักจะได้รับการดูแลตลอดทั้งงานและบางครั้งก็ได้รับความสำคัญอย่างเป็นอิสระ
การประดับประดาในบทละครของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสมีความหลากหลายและหลากหลาย ในทางโวหารมีความเกี่ยวข้องกับเครื่องประดับที่ทาสีและปูนปั้นของโรโคโค Melismas ล้อมรอบกรอบของแนวทำนองเหมือนไม้เลื้อยพันรอบลำต้นของต้นไม้ เพิ่มความซับซ้อน ความหวือหวา และ "ความโปร่งโล่ง" ให้กับทำนอง เป็นลักษณะเฉพาะที่ในฝรั่งเศสที่การตกแต่ง "พันรอบ" โน้ตอันไพเราะเริ่มแพร่หลายและแบบทั่วไปส่วนใหญ่คือ groupetto ถูกกำหนดเป็นกราฟิกเป็นครั้งแรกโดยนักดนตรีชาวฝรั่งเศส (Chambonnière) Trills, Grace Notes และ Mordents ยังใช้กันอย่างแพร่หลายในดนตรีฝรั่งเศส
ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับปัญหาการไพเราะของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส มีคำถามที่สำคัญมากเกิดขึ้น - เกี่ยวกับความเชื่อมโยงของงานของพวกเขากับดนตรีพื้นบ้าน เมื่อมองแวบแรกอาจดูเหมือนแยกจากดินประชาชน อย่างไรก็ตามข้อสรุปนี้คงจะรวดเร็วและผิดพลาด ความคิดของ K. A. Kuznetsov นั้นถูกต้องอย่างลึกซึ้งเมื่อเขายืนยันว่าใน Couperin "ผ่านเครื่องแต่งกายอันละเอียดอ่อนของชนชั้นสูงจากท่อนฮาร์ปซิคอร์ดของเขา ดนตรีของการเต้นรำรอบหมู่บ้าน เพลงของหมู่บ้าน ซึ่งมีโครงสร้างของมันดำเนินไป" (56, p. 120 ).
อันที่จริง ถ้าเราจินตนาการถึงแนวทำนองของบทละครเหล่านี้บางบทโดยไม่มีการตกแต่งประดับประดา เราจะได้ยินแนวคิดที่เรียบง่ายในจิตวิญญาณของเพลงพื้นบ้านของฝรั่งเศส
งานของคูเปรินเผยให้เห็นอาการการสลายตัวของห้องชุด แม้ว่าโดยทางผู้แต่งจะรวมบทละครของเขาเข้ากับวัฏจักร (เขาเรียกมันว่า ordres - ชุด) แต่ก็ไม่มีการเชื่อมโยงกันระหว่างแต่ละส่วนของชุด ข้อยกเว้นในเรื่องนี้หาได้ยาก สิ่งเหล่านี้อาจรวมถึงความพยายามที่น่าสนใจในการรวมบทละครหลายเรื่องเข้ากับแนวคิดโปรแกรมทั่วไป (ชุด "Young Years" รวมถึงบทละคร: "The Birth of the Muse", "Childhood", "Teenage Girl" และ "Delights" หรือ “โดมิโน” วงจร 12 ชิ้น วาดภาพหน้ากาก).
Couperin โดดเด่นด้วยภารกิจในสาขาของจิ๋วซึ่งสอดคล้องกับภารกิจในการรวบรวมอารมณ์ที่หลากหลายและงาน "เครื่องประดับ" ที่ดีในรายละเอียดไม่ใช่การค้นหารูปแบบที่ยิ่งใหญ่ที่สามารถถ่ายทอดแนวคิดทางอุดมการณ์ขนาดใหญ่ได้
ที่นี่เขาแสดงให้เห็นว่าตัวเองเป็นศิลปินที่ยึดมั่นในตำแหน่งสุนทรียะของโรโคโค
Jean-Philippe Rameau (1683-1764) เป็นตัวแทนของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสรุ่นหลัง และถึงแม้ผลงานของเขาจะเรียงตามลำดับเวลากับของ Couperon แต่ก็มีคุณสมบัติใหม่เมื่อเปรียบเทียบกับรุ่นหลัง
สิ่งใหม่ใน Rameau เห็นได้ชัดว่าถูกกำหนดโดยธรรมชาติของกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขาที่ค่อนข้างแตกต่างไปจากของ Couperin และโดยหลักแล้วคือข้อเท็จจริงที่ว่าในช่วงแรกของชีวิตของเขา - ในช่วงหลายปีของการสร้างสรรค์งานคลาเวียร์ - เขามีความเกี่ยวข้อง กับวงสังคมอื่นๆ
ราโมเกิดในครอบครัวนักดนตรี ในวัยเด็ก เขาทำงานเป็นนักไวโอลินในคณะโอเปร่าซึ่งเขาเดินทางไปทั่วอิตาลี จากนั้นก็เป็นนักออร์แกนในเมืองต่างๆ ในฝรั่งเศส ในเวลาเดียวกัน Rameau มีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์ ในบรรดาผลงานอื่นๆ เขาได้สร้างบทละครมากมายและวงดนตรีสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดจำนวนหนึ่ง สิ่งสำคัญคือต้องทราบว่า Rameau ยังเขียนเพลงในช่วงหลายปีที่ผ่านมาสำหรับแนวประชาธิปไตยเช่นคอเมดีที่ยุติธรรม เขาใช้เพลงนี้บางส่วนเป็นฮาร์ปซิคอร์ด (อาจเป็นไปตามที่ T. N. Livanova แนะนำใน "แทมบูรีน" และ "หญิงชาวนา") ที่มีชื่อเสียง
Rameau นักแต่งเพลงโอเปร่าและฮาร์ปซิคอร์ดที่โดดเด่นยังเป็นนักทฤษฎีดนตรีที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี
มุมมองทางดนตรีที่กว้างขวาง งานสร้างสรรค์ในประเภทต่างๆ ตั้งแต่โอเปร่าไปจนถึงการแสดงตลกในเทศกาลฝรั่งเศส ประสบการณ์การแสดงที่หลากหลายในฐานะนักออร์แกน นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและนักไวโอลิน ทั้งหมดนี้สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะบนคีย์บอร์ดของ Rameau ในบางแง่มุมมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับงานของ F. Couperin มีบทละครหลายบทของนักประพันธ์เพลงเหล่านี้ที่มีสไตล์ใกล้เคียงกันมาก ไม่ต้องสงสัยเลยว่าผู้ร่วมสมัยที่โดดเด่นสองคนไม่ได้หลีกเลี่ยงอิทธิพลซึ่งกันและกัน
นวัตกรรมพื้นผิวที่ท้าทายที่สุดของ Rameau เกี่ยวข้องกับภาพที่นอกเหนือไปจากธีม Rococo ตามปกติ ในละครเรื่อง "The Solonskaya Simpletons" ซึ่งจำลองการเต้นรำในหมู่บ้าน การนำเสนอรูปปั้นอย่างกว้างๆ ปรากฏที่มือซ้าย (หมายเหตุ 12)
เมื่อถ่ายทอดภาพลักษณ์ของ "ยิปซี" ที่เร่าร้อนและใจร้อน Rameau ยังใช้ตัวเลขที่ไม่ธรรมดาสำหรับสไตล์โรโคโคในรูปแบบของอาร์เพจจิโอที่แตกหัก (หมายเหตุ 13)
Rameau ใช้เนื้อสัมผัสที่แปลกตาในผลงานชิ้น “Whirlwinds” โดยที่อาร์เพจจิโอแสดงสลับกันด้วยมือทั้งสองข้าง ครอบคลุมช่วงอ็อกเทฟหลายอ็อกเทฟ (หมายเหตุ 14)
ในบรรดาบทละครของนักฮาร์ปซิคอร์ดคนอื่นๆ ในโรงเรียนภาษาฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18< Кукушка» Дакена — действительно
очень талантливое произведение, мастерски созданное на основе одного мотива
— «кукования» кукушки. Значительный художественный интерес представляют
некоторые пьесы Дандриё («Дудочки» и другие). Среди его сочинений обращает
на себя внимание рондо «Страждущая» (или «Воздыхающая»), написанное в
сугубо чувствительных тонах и свидетельствующее об усилении во французском
клавесинизме к середине столетия тенденций сентиментализма (прим. 15).
ให้เราสรุปโดยย่อถึงคุณลักษณะเฉพาะของสไตล์ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสในยุคโรโกโกตามที่ปรากฏในผลงานของตัวแทนที่ดีที่สุด
เราเห็นว่าแม้จะมีความชัดเจนและมั่นใจในโวหาร แต่เพลงนี้ก็เต็มไปด้วยความขัดแย้ง
เพื่อเป็นการยกย่องธีมดั้งเดิมของโรโคโค นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในผลงานที่ดีที่สุดของพวกเขาสร้างองค์ประกอบของศิลปะความจริงแห่งชีวิต โดยสรุปทิศทางแนวเพลง - ภาพ และโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยาในระดับหนึ่ง
ทำนองของฮาร์ปซิคอร์ดโรโคโคซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นหลักที่แสดงออกของเพลงนี้ - แม้จะมีการตกแต่งที่ทันสมัย แต่ก็เผยให้เห็นความเชื่อมโยงกับฤดูใบไม้ผลิแห่งศิลปะพื้นบ้านที่ให้ชีวิตและในระดับหนึ่งก็คาดการณ์ถึงภาษาดนตรีของคลาสสิกของปลายศตวรรษที่ 18
สะท้อนให้เห็นถึงลักษณะทั่วไปของศิลปะ Rococo: ความประณีต ความประณีต ความน่าดึงดูดต่อของจิ๋ว การปรับ "มุมที่แหลมคม" ให้เรียบขึ้น ฮาร์ปซิคอร์ดจิ๋วรอนโดในเวลาเดียวกันก็เตรียมความแตกต่าง ไดนามิก และความยิ่งใหญ่ของโซนาตาคลาสสิก
นอกเหนือจากความไม่สอดคล้องกันนี้แล้ว ยังเป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจว่าทำไมมรดกที่ดีที่สุดของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสยังคงดึงดูดเราแม้กระทั่งในปัจจุบันนี้ ทั้งนักแสดงและผู้ฟังที่ดำเนินชีวิตตามอุดมคติด้านสุนทรียภาพที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง
ความเจริญรุ่งเรืองของฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสไม่เพียงแสดงออกมาในด้านการประพันธ์ดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปะการแสดงและการสอนด้วย
แหล่งข้อมูลที่สำคัญที่สุดสำหรับการศึกษาศิลปะดนตรีในสาขาเหล่านี้ นอกเหนือจากอนุสรณ์สถานแห่งความคิดสร้างสรรค์ของผู้แต่งแล้ว ก็คือคู่มือคีย์บอร์ด
สิ่งที่สำคัญที่สุดคือบทความของ F. Couperin เรื่อง "ศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ด" (1716) ซึ่งจัดระบบหลักการแสดงลักษณะของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสและให้คำแนะนำการสอนที่น่าสนใจมากมายซึ่งบางส่วนไม่ได้สูญเสียความสำคัญของสิ่งนี้ วัน.
งานสอนที่น่าสนใจอีกงานหนึ่งในยุคนั้นคือ "Method of Finger Mechanics" ของ Rameau ซึ่งตีพิมพ์ในสมุดบันทึกเล่มที่สองเกี่ยวกับชิ้นส่วนฮาร์ปซิคอร์ดของเขา (1724) ทุ่มเทให้กับปัญหาเดียวเท่านั้น - การพัฒนาด้านเทคนิคของนักเรียน
จากบทความเหล่านี้และแหล่งข้อมูลอื่น ๆ ที่เรามีอยู่ ให้เราสังเกตลักษณะที่สำคัญที่สุดของศิลปะการแสดงและการสอนของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 และกล่าวถึงปัญหาบางประการที่เกิดขึ้นเมื่อตีความผลงานของพวกเขา
งานที่สำคัญที่สุดประการหนึ่งของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดคือความสามารถในการตกแต่งทำนองเพลงอย่างละเอียดและมีรสนิยม ในศตวรรษที่ 17 นักแสดงส่วนใหญ่ทำการตกแต่งทำนองเพลง “ในการเลือกใช้เครื่องประดับ” แซงต์-แลมเบิร์ตเขียนไว้ในคู่มือของเขา “มีอิสระอย่างสมบูรณ์ ในชิ้นส่วนที่คุณกำลังเรียนรู้ คุณสามารถเล่นของตกแต่งได้แม้ในสถานที่ที่ไม่ได้แสดงไว้ก็ตาม
คุณสามารถโยนของตกแต่งในละครทิ้งได้หากพบว่าไม่เหมาะสม และแทนที่ด้วยสิ่งอื่นที่คุณเลือก” (190, หน้า 124) เมื่อเวลาผ่านไป ทัศนคติต่อการเปลี่ยนแปลงแบบด้นสดในเมลิสมาสก็แตกต่างออกไป การพัฒนางานฝีมือที่ละเอียดอ่อนและซับซ้อนซึ่งรายละเอียดประดับที่เล็กที่สุดได้รับความสำคัญอย่างยิ่งและทำหน้าที่เป็นตัวบ่งชี้ถึง "รสนิยมที่แท้จริง" ของนักดนตรีได้ผูกมัดหลักการด้นสดในศิลปะการแสดง
เมื่อพิจารณาจากคำกล่าวของ Couperin ในช่วงเวลาที่เขาอยู่ในโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส การแสดงด้นสดเริ่มค่อยๆ ลดลง พวกเขาเริ่มเปรียบเทียบมันกับศิลปะการแสดงโดยอาศัยการเรียนรู้การเรียบเรียงที่เขียนไว้ล่วงหน้าอย่างรอบคอบและคิดอย่างถี่ถ้วนในรายละเอียดทั้งหมด
Couperin ไม่ยอมประนีประนอมกับการเปลี่ยนแปลงการตกแต่งผลงานของเขาแบบด้นสด ในคำนำของบทละครฮาร์ปซิคอร์ดสมุดบันทึกเล่มที่สามเขาด้วยความพากเพียรอย่างน่าทึ่งแม้ในน้ำเสียงที่ค่อนข้างหงุดหงิดซึ่งผิดปกติมากสำหรับสไตล์วรรณกรรมของเขาเขายืนยันว่าจำเป็นต้องติดตามรายละเอียดทั้งหมดของข้อความอย่างแท้จริงเนื่องจากเป็นอย่างอื่นเขากล่าว บทละครของเขาจะไม่สร้างความประทับใจให้กับผู้ที่มีรสนิยมอย่างแท้จริง
เรานำเสนอตัวอย่างบางส่วนของ Melismas ของ F. Couperin และการถอดรหัสตามคำแนะนำของผู้แต่ง (หมายเหตุ 16)
ข้อจำกัดในแง่ของจานสีไดนามิกตามลักษณะของเครื่องดนตรี นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสดูเหมือนจะพยายามชดเชยความน่าเบื่อของไดนามิกด้วยเสียงที่หลากหลาย สันนิษฐานได้ว่า เช่นเดียวกับผู้เล่นฮาร์ปซิคอร์ดสมัยใหม่ พวกเขาเปลี่ยนสีเมื่อเล่นท่อนคอรัส rondo ซ้ำ หรือเพิ่มความแตกต่างระหว่างท่อนและท่อนคอรัส โดยใช้เสียงต่ำในการกำจัด การใช้รีจิสเตอร์ต่างๆ อย่างเชี่ยวชาญ (ลูต บาสซูน และอื่นๆ) ช่วยให้ฮาร์ปซิคอร์ดมีบุคลิกและความสว่างมากขึ้นอย่างไม่ต้องสงสัย เพื่อเป็นตัวอย่างของการลงทะเบียนฮาร์ปซิคอร์ดจิ๋วโดยนักแสดงสมัยใหม่ ลองพิจารณาการตีความบทละครที่มีชื่อเสียงของ Couperin “The Reapers” ของ Zuzana Ruzickova (หมายเหตุ 17)
เธอแสดงบทละเว้นทั้งหมด ยกเว้นบทที่สาม ลักษณะโคลงสั้น ๆ ของสองข้อแรกถูกเปิดเผยโดยโทนสีที่เบากว่าและแตกต่างออกไป ความแตกต่างระหว่างท่อนร้องกับท่อนที่สามซึ่งเป็นจุดสุดยอดในแง่ของระดับเสียง ถูกเน้นโดยการแสดงที่สูงกว่าระดับแปดเสียงและเสียงต่ำสีเงิน ดังนั้นการลงทะเบียนจึงเป็นไปตามแนวการพัฒนาทั่วไปของข้อที่ผู้แต่งระบุไว้จนถึงจุดสุดยอด "เงียบ" ในข้อที่สามและช่วยเพิ่มความโล่งใจของการต่อต้านของสองทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่าง - "กลุ่ม" และ " การเต้นรำแบบเป็นรายบุคคล (ซึ่งอำนวยความสะดวกด้วยจังหวะ - กำหนดไว้อย่างมากในบทเพลงและมีองค์ประกอบของ rubato ในข้อ)
นักเปียโนจะต้องดูแลสีสันของการแสดงอย่างไม่เหน็ดเหนื่อยด้วยการใช้ความสามารถไดนามิกที่หลากหลายของเปียโน เนื่องจากเป็นการยากที่จะบรรลุผลสำเร็จเป็นพิเศษ เพื่อเพิ่มสีสันให้กับจานเสียงคุณต้องใช้ไดนามิกและคันเหยียบอย่างชำนาญ ไม่ใช่ทุกคันเหยียบและไม่ใช่ทุกลำโพงที่จะช่วยเพิ่มสีสันให้กับการแสดงของคุณ บางครั้งวิธีการแสดงออกเหล่านี้อาจมีผลตรงกันข้าม เพื่อให้บรรลุถึงความหลากหลายของโทนสี คุณควรใช้สีแป้นเหยียบที่ตัดกันหรือที่เรียกว่าไดนามิก "รูปทรงเฉลียง" การผสมสีแป้นเหยียบที่ตัดกัน เราไม่ได้หมายถึงการใช้แป้นเหยียบอย่างต่อเนื่อง แต่เป็นการสลับรูปแบบแป้นเหยียบแบบไม่มีแป้น (หรือเกือบไม่มีแป้น) และแป้นเหยียบหนัก ในรูปแบบที่ต้องการเสียงที่โปร่งใส บางครั้งคุณต้องใช้จังหวะการเหยียบที่เบาที่สุด ความสำคัญของการถีบประเภทนี้ในการส่งชิ้นฮาร์ปซิคอร์ดไปยังเปียโนนั้นเน้นโดย N. I. Golubovskaya ในคำนำของเธอเกี่ยวกับผลงานของนักบริสุทธิ์ชาวอังกฤษ “บทบาทที่สำคัญอย่างยิ่งในการแสดงฮาร์ปซิคอร์ด” กล่าว “คือความเชี่ยวชาญในการไล่สีอย่างละเอียดในส่วนลึกของแรงกดแป้นเหยียบ แป้นเหยียบที่ไม่สมบูรณ์และแทบไม่มีการกดบางครั้งจะรักษาความโปร่งใสของโพลีโฟนิก และทำให้โทนเสียงที่แห้งนุ่มนวลลง” (32, หน้า 4)
หลักการของไดนามิกแบบ "เหมือนระเบียง" ประกอบด้วยการใช้การเปรียบเทียบการไล่ระดับความดังของเสียงเป็นหลัก แน่นอนว่านี่ไม่ได้หมายความว่าจะไม่รวมการใช้เฉดสีไดนามิกอื่น ๆ ประเด็นก็คือเพียงหลักการกำหนดคือความแตกต่าง และไม่ใช่ความราบรื่นของการเปลี่ยนจากจุดแข็งของเสียงดังหนึ่งไปยังอีกจุดหนึ่ง ภายในส่วนหนึ่งของสเกลไดนามิก เช่น ภายในเปียโนหรือมือขวา สามารถใช้ไดมินูเอนโดและเครเซนโดเล็กน้อยได้
คีตกวีหลายคนในยุคนั้นเขียนบทเพลงที่ไพเราะช้าๆ สำหรับฮาร์ปซิคอร์ด
Couperin และนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ มีผลงานประเภทนี้มากมาย เป็นลักษณะเฉพาะที่นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดแนะนำให้เล่นดนตรีที่สอดคล้องกันที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ในเพลงที่ต้องใช้เสียงที่ไพเราะ ในกรณีเช่นนี้ บางครั้ง Couperin แนะนำให้ใช้การแทนที่นิ้วบนคีย์เดียว
ในเรื่องนี้เขาแสดงบทละครโดย F. Couperin และ J.-F. Hélène Bosky นักเปียโน Rameau (บันทึกโดย Supraphone บริษัทเช็ก) พวกเขาปรากฏตัวในเสน่ห์ของความซับซ้อนทางศิลปะและในเวลาเดียวกันโดยไม่ได้เน้นองค์ประกอบของกิริยาท่าทางมารยาทในพิธีการลักษณะพิเศษของศิลปะสไตล์โรโคโคเป็นพิเศษ เช่นเดียวกับRužičkova Boschi มุ่งความสนใจไปที่การระบุเนื้อหาทางอารมณ์ของบทละครเป็นหลัก ความสมบูรณ์ของเฉดสีแห่งความรู้สึกที่บันทึกไว้ ในเวลาเดียวกันนักเปียโนจะทำซ้ำคุณสมบัติ Timbro-Dynamic ของเสียงฮาร์ปซิคอร์ดในระดับหนึ่ง แต่ด้วยการใช้ความสามารถในการแสดงออกของเปียโนทำให้การพัฒนาความคิดทางดนตรีมีความแปรปรวนของน้ำเสียงและการแสดงออกที่มากขึ้น ตัวอย่างทั่วไปคือการตีความ Sarabande h-moll ของ F. Couperin ผู้เขียนเรียกสิ่งนี้ว่า "The One" ซึ่งดูเหมือนจะแสดงทัศนคติพิเศษของเขาต่อภาพที่ถ่ายไว้ในนั้น ในแกลเลอรี "ภาพบุคคลหญิง" ของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส Sarabande โดดเด่นด้วยความเข้มข้นที่ผิดปกติของทรงกลมทางอารมณ์ พลังของการยับยั้งชั่งใจ แต่พร้อมที่จะระเบิดความรู้สึกที่น่าทึ่ง ซึ่งบางครั้งก็ส่องสว่างด้วยแสงของถ้อยคำที่จริงใจ บทละครดึงดูดใจด้วยท่วงทำนองที่สื่อถึงอารมณ์ ซึ่งเนื้อหาโทนเสียงจะถูกแรเงาอย่างเด่นชัดด้วยการหมุนฮาร์โมนิกหลากสีสัน ซึ่งเป็นตัวหนาในยุคนั้น
ไม่สามารถถ่ายทอดความไพเราะของดนตรีจิ๋วด้วยฮาร์ปซิคอร์ดได้อย่างเต็มที่ ในความเป็นจริง: เราจะบรรลุความยืดหยุ่นของเสียงพูดและคำพูดที่จำเป็นในการออกเสียงทำนองได้อย่างไรซึ่งต้องมีการเปลี่ยนแปลงความแรงของเสียงอย่างต่อเนื่อง (งานมีความซับซ้อนเพิ่มเติมด้วยเมลิสมาสมากมายซึ่งควรผสานเข้ากับเสียงหลักของทำนองอย่างเป็นธรรมชาติ) ( หมายเหตุ 18)?
จะเชื่อมโยงแนวทำนองที่เปลี่ยนแปลงแบบไดนามิกนี้กับเสียงที่ตามมาซึ่งบางครั้งทำหน้าที่เป็นพื้นหลังที่นุ่มนวล บางครั้งเหมือนเสียงเบสในหน่วยที่สองที่มาถึงข้างหน้าได้อย่างไร วิธีเปิดเผยเสน่ห์แห่งบทกวีของขั้นต่ำ VI ในแถบที่สี่และห้า เอฟเฟกต์อันละเอียดอ่อนของ "ล้น" ของความสามัคคีจากการลงทะเบียนต่ำไปยังแถบบน เมื่อมันปรากฏในแสงสีสันสดใสที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ทำให้เกิด มากด้วย “แสง” ของเสียงอันไพเราะที่เข้มข้นเป็นพิเศษ?
ปัญหาเหล่านี้ค่อนข้างจะแก้ไขได้บนเปียโน ประสิทธิภาพของ Boschi สามารถใช้เป็นข้อพิสูจน์เรื่องนี้ได้ ในช่วงเวลาที่สำคัญที่สุด - ในระหว่างการใช้จุดไคลแม็กซ์ "เงียบ" (มาตรการที่สองและสามของตัวอย่างที่ 18 6) ความสนใจของผู้ฟังไม่เพียงถูกดึงดูดด้วยความนุ่มนวลเป็นพิเศษของเสียงของคอร์ดที่หกของผู้เยาว์ที่อาร์เพจจิเอตเท่านั้น แต่ยังไพเราะอีกด้วย เสียงแต่ก็มีจังหวะช้าลงเล็กน้อยเช่นกัน ความทรงจำที่รักดูเหมือนจะผุดขึ้นมาในจินตนาการของคุณและคุณอยากจะหวนคิดถึงมันอีกครั้ง
ให้เราสังเกตการดำเนินการของคอร์ดที่เจ็ดที่ลดลงที่จุดเริ่มต้นของแถบถัดไป
คอร์ดที่เจ็ดที่ลดลงซึ่งถูก "ใช้ประโยชน์" อย่างไร้ความปราณีโดยนักประพันธ์โรแมนติกฟังดูสดชื่นยิ่งขึ้นในสมัยของ Couperin การปรากฏตัวครั้งแรกและครั้งเดียวของเขาในละครเรื่องนี้ควรจะให้ความรู้สึกถึงความไม่ปกติของฮาร์โมนิก
นั่นคือสิ่งที่นักเปียโนได้ยินเขา เธอให้สีที่เงียบลงเล็กน้อย และด้วยการแรเงาสีตามอารมณ์อย่างกะทันหันนี้ เตรียมการรับรู้ถึงการพัฒนาที่เร่งรีบและน่าทึ่งของดนตรีต่อไป
ในการถ่ายทอดเฉดสีความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนดังกล่าว ซึ่งต้องอาศัยการเปลี่ยนแปลงของเสียงแบบทิมโบรไดนามิกที่ยืดหยุ่น วิธีการแสดงอารมณ์ของเปียโนจึงมีความจำเป็นมากกว่าการแสดงส่วนแรกของงานชิ้นนี้เสียอีก
สิ่งสำคัญอย่างยิ่งในการตีความฮาร์ปซิคอร์ดขนาดจิ๋วคือการถ่ายทอดจังหวะเมโทรการเต้นที่ละเอียดอ่อนของนักแสดง ซึ่งทำให้หลายชิ้นที่ยังไม่สูญเสียความเชื่อมโยงกับการเต้นมีเสน่ห์พิเศษและความมีชีวิตชีวาอย่างแท้จริง
หลักการด้านระเบียบวิธีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสที่สนับสนุนการศึกษาทักษะยนต์ได้รับการกำหนดไว้อย่างชัดเจนที่สุดโดย Rameau ในงานการสอนของเขาที่กล่าวถึงแล้ว โดยทั่วไปแล้ว ระบบมุมมองนี้มีความก้าวหน้าในช่วงเวลานั้น
ในบรรดาทัศนคติที่ก้าวหน้าที่สุดของ Rameau จำเป็นต้องสังเกตการสนับสนุนของเขาเกี่ยวกับความเป็นไปได้อันยิ่งใหญ่ของมนุษย์ในการพัฒนาความโน้มเอียงตามธรรมชาติของเขา ขึ้นอยู่กับการทำงานอย่างต่อเนื่อง เด็ดเดี่ยว และมีสติ “แน่นอนว่าไม่ใช่ทุกคนที่มีความสามารถเหมือนกัน” ราโมเขียน - อย่างไรก็ตาม เว้นแต่จะมีข้อบกพร่องพิเศษบางประการที่รบกวนการเคลื่อนไหวตามปกติของนิ้วมือ ความเป็นไปได้ในการพัฒนานิ้วให้สมบูรณ์แบบเพื่อให้สามารถเพลิดเพลินกับเกมของเรานั้นขึ้นอยู่กับตัวเราเองทั้งหมด และฉันกล้าพูดว่าขยันและดี- การทำงานที่ได้รับมอบหมายนั้นเป็นความพยายามที่จำเป็น และบางครั้งอาจทำให้นิ้วของคุณยืดตรงขึ้นอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ แม้แต่คนที่มีพรสวรรค์น้อยที่สุดก็ตาม ใครจะเสี่ยงพึ่งพาความสามารถตามธรรมชาติเท่านั้น? เราจะหวังที่จะค้นพบพวกมันได้อย่างไรโดยไม่ต้องทำงานเบื้องต้นที่จำเป็นเพื่อระบุพวกมัน? แล้วความสำเร็จจะมาจากอะไรได้ถ้าไม่ใช่งานนี้โดยเฉพาะ”
(186, หน้า XXXV) คำพูดเหล่านี้ของบุคคลสำคัญในวัฒนธรรมกระฎุมพีในช่วงเวลาของการก่อตัว ซึ่งเปี่ยมไปด้วยความมั่นใจอย่างไม่สั่นคลอนในพลังของจิตใจมนุษย์ ในความสามารถในการเอาชนะความยากลำบากที่สำคัญ แตกต่างอย่างมากกับการประดิษฐ์ของนักวิทยาศาสตร์กระฎุมพีสมัยใหม่บางคนที่เผยแพร่ลัทธิร้ายแรง การกำหนดไว้ล่วงหน้าของการพัฒนาความสามารถของมนุษย์โดยความโน้มเอียงโดยกำเนิดของเขา
หลักการที่ได้ผลมากที่สุดประการหนึ่งของเทคนิคฮาร์ปซิคอร์ดในบริเวณมอเตอร์คือการต่อสู้อย่างไม่เหน็ดเหนื่อยกับความตึงเครียดของกล้ามเนื้อที่เป็นอันตราย ความต้องการอิสระของระบบมอเตอร์เมื่อเล่นถูกเน้นย้ำโดย Couperin ซ้ำแล้วซ้ำเล่า
เชื่อกันอย่างกว้างขวางว่า J.S. Bach “คิดค้น” เทคนิคนี้ มันมาจากมืออันเบาของ F. E. Bach ซึ่งแสดงออกมาในงานระเบียบวิธีของเขา
ในขณะเดียวกัน มีเหตุผลเพียงพอที่จะไม่ถือว่านวัตกรรมนี้เกิดจาก J.S. Bach เพียงอย่างเดียว เริ่มแพร่หลายในโรงเรียนระดับชาติต่างๆ และในฝรั่งเศส อาจจะเร็วกว่าในเยอรมนีด้วยซ้ำ
การวางนิ้วแรกถือเป็นนวัตกรรมที่มีความสำคัญอย่างมาก มันก้าวหน้าอย่างรวดเร็วในการพัฒนาเทคโนโลยีคีย์บอร์ด ในเวลาเดียวกัน เทคนิคนี้ช่วยให้เอาชนะปัญหาทางเทคนิคต่างๆ ได้ง่ายขึ้น ซึ่งมักจะเกิดขึ้นในกรณีเช่นนี้ ในทางกลับกัน ก็มีอิทธิพลต่อการพัฒนาพื้นผิวของกระดูกเคลเวียร์ ซึ่งทำให้เกิดภาวะแทรกซ้อนตามมา หลักการการใช้นิ้วแบบใหม่เริ่มนำไปใช้โดยผู้เชี่ยวชาญที่โดดเด่นที่สุดในยุคนั้น ค่อยๆ แพร่กระจายไปในหมู่นักแสดงทั่วไป อย่างไรก็ตาม ต้องใช้เวลาหลายทศวรรษกว่าจะเป็นที่ยอมรับในทางปฏิบัติในที่สุด ตลอดศตวรรษที่ 18 นอกจากการวางนิ้วแรกแล้ว การใช้นิ้วแบบโบราณที่ใช้นิ้วกลางก็ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายเช่นกัน แม้กระทั่งในช่วงปลายศตวรรษ D. G. Turk ครูสอนเปียโนที่เชื่อถือได้คนหนึ่งได้เขียนไว้ในคู่มือของเขาว่าเขาไม่กล้าทิ้งนิ้วนี้ แม้ว่าเขาจะอนุญาตให้ใช้เฉพาะในกรณีที่หายากเท่านั้น
เฉพาะในศตวรรษที่ 19 เท่านั้นที่หลักการของการวางนิ้วแรกได้รับการยอมรับอย่างมั่นคงในการสอนเปียโน ส่วนเทคนิคการวางนิ้วก็ไม่ได้หายไปจากการฝึกฝนแต่อย่างใด ใช้เมื่อเล่นโน้ตคู่ในรูปแบบโพลีโฟนีในบางตอน (ดูตัวอย่าง Chopin's Etude a minor op. 10)
ในความพยายามที่จะกำจัดการเคลื่อนไหวของมือให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ Rameau บอกว่ามันควรจะ "ราวกับว่าตายแล้ว" และทำหน้าที่เพียงเพื่อ "พยุงนิ้วที่ติดอยู่และย้ายไปยังตำแหน่งบนคีย์บอร์ดที่พวกเขาไม่สามารถเข้าถึงได้ ของพวกเขาเอง” (186, p. XXXVI)
หลังจาก "วาง" นิ้วของคุณบนแป้นพิมพ์แล้ว Ramo แนะนำให้เริ่มเล่นแบบฝึกหัด - "บทเรียนแรก" “บทเรียนแรก” นี้ไม่มีอะไรมากไปกว่าลำดับของเสียงห้าเสียง: do, re, mi, fa, sol ผู้เขียนแนะนำให้สอนด้วยมือแต่ละข้างแยกกันก่อน จากนั้น “ในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ จนกว่าคุณจะรู้สึกว่ามือของคุณได้รับทักษะจนไม่มีอะไรต้องกลัวอีกต่อไปจากการละเมิดความถูกต้องของการเคลื่อนไหว” (186, p. XXXVII)
จากมุมมองของผู้ติดตามโซเวียต หลักการข้างต้นของ Rameau ไม่สามารถทนต่อการวิพากษ์วิจารณ์ได้ ไม่ต้องพูดถึงความผิดพลาดในการลดแบบฝึกหัดให้เป็น "กลศาสตร์ง่าย ๆ" การพยายามให้มือราวกับว่า "ตาย" เป็นเรื่องผิด ไม่เหมาะสมที่จะเริ่มด้วยแบบฝึกหัดเช่น "บทเรียนแรก" ของ Rameau ทันที
อย่างไรก็ตาม ในช่วงเวลานั้น ระบบหลักการของมอเตอร์นี้มีความก้าวหน้าไปแล้ว
มันสะท้อนให้เห็นถึงแนวโน้มที่ก้าวหน้าไปสู่การแนะนำวิธีการคิดทางวิทยาศาสตร์ในศิลปะการสอนและไปสู่การหาเหตุผลเข้าข้างตนเองของกระบวนการการศึกษาด้านเทคนิคของนักเรียน มีความเกี่ยวข้องกับการฝึกซ้อมการแสดงฮาร์ปซิคอร์ด โดยอาศัยเทคนิคการใช้นิ้วละเอียดภายในช่วงความถี่ที่ค่อนข้างเล็กของเครื่องดนตรี
นักดนตรีชาวรัสเซียยังแสดงความสนใจในผลงานของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ให้เราระลึกถึงการแสดงผลงานของ Couperin และ Rameau โดย Anton Rubinstein ในคอนเสิร์ตประวัติศาสตร์ของเขา ตัวอย่างที่น่าทึ่งของการตีความฮาร์ปซิคอร์ดจิ๋วแบบดั้งเดิมคือการแสดงของ "The Cuckoo" โดย Daken โดย Rachmaninov ต่างจากนักเปียโนบางคนที่ทำให้งานชิ้นนี้มีบุคลิกที่สง่างามและอิดโรย นักเปียโนที่เก่งกาจคนนี้ได้ขัดเกลาคุณลักษณะโดยธรรมชาติของอารมณ์ขันที่สง่างามและความกระตือรือร้นที่ร่าเริง รายละเอียดที่มีไหวพริบมีบทบาทสำคัญในการสร้างภาพดังกล่าว - "การวาด" จังหวะที่แข็งแกร่งของเสียงสั้น ๆ ในบรรทัดฐาน "นกกาเหว่า"
ในบรรดานักแสดงโซเวียตของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสเราสังเกตเห็น E. Bekman-Shcherbina, N. Golubovskaya, G. Kogan, M. Nemenova-Lunts, N. Perelman
G. Kogan ยังมีส่วนร่วมในการส่งเสริมมรดกฮาร์ปซิคอร์ดด้วยการบรรยายและบทความของเขา
มีฉบับตีพิมพ์ทางวิชาการเกี่ยวกับผลงานทั้งหมดของ F. Couperin จัดทำโดยกลุ่มนักดนตรีชาวฝรั่งเศส นำโดย Maurice Cauchy (ปารีส, 1932-1933 และผลงานของ Rameau เรียบเรียงโดย C. Saint-Saëns (Paris, 1895- 2461)