คุณสมบัติของวัฒนธรรมดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทเรียนวรรณกรรมดนตรี "ดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา"

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา, หรือ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา(ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฝรั่งเศส) - จุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมของชาวยุโรป ในอิตาลี เทรนด์ใหม่ปรากฏขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 13-14 ในประเทศยุโรปอื่น ๆ - ในศตวรรษที่ 15-16 ตัวเลขของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้รับการยอมรับว่ามนุษย์ - ความดีและสิทธิในการพัฒนาส่วนบุคคลของเขา - เป็นคุณค่าสูงสุด โลกทัศน์นี้เรียกว่า "มนุษยนิยม" (จากภาษาละติน humanus - "มนุษย์", "มนุษยธรรม") นักมานุษยวิทยาแสวงหาอุดมคติของบุคคลที่กลมกลืนกันในสมัยโบราณ และศิลปะกรีกและโรมันโบราณก็ทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ ความปรารถนาที่จะ "ฟื้นฟู" วัฒนธรรมโบราณทำให้ชื่อทั้งยุค - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาช่วงเวลาระหว่างยุคกลางและยุคใหม่ (ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 จนถึงปัจจุบัน)

โลกทัศน์ของยุคเรอเนซองส์สะท้อนให้เห็นอย่างเต็มที่ในงานศิลปะ รวมถึงดนตรีด้วย ในช่วงเวลานี้ เช่นเดียวกับในยุคกลาง สถานที่ชั้นนำเป็นของดนตรีแกนนำในโบสถ์ การพัฒนาพฤกษ์นำไปสู่การเกิดขึ้นของพฤกษ์ (จากภาษากรีก "โพลิส" - "จำนวนมาก" และ "โทรศัพท์" - "เสียง", "เสียง") ด้วยโพลีโฟนีประเภทนี้ ทุกเสียงในงานจึงเท่าเทียมกัน Polyphony ไม่เพียงแต่ทำให้งานซับซ้อนเท่านั้น แต่ยังทำให้ผู้เขียนสามารถแสดงความเข้าใจส่วนตัวเกี่ยวกับข้อความและทำให้ดนตรีมีอารมณ์ความรู้สึกมากขึ้น การแต่งเพลงแบบโพลีโฟนิกถูกสร้างขึ้นตามกฎเกณฑ์ที่เข้มงวดและซับซ้อน และต้องอาศัยความรู้เชิงลึกและทักษะอันชาญฉลาดจากผู้แต่ง ภายในกรอบของพฤกษ์ แนวคริสตจักรและฆราวาสได้รับการพัฒนา

โรงเรียนดัตช์โพลีโฟนิก เนเธอร์แลนด์เป็นภูมิภาคประวัติศาสตร์ในยุโรปตะวันตกเฉียงเหนือ ซึ่งรวมถึงดินแดนของเบลเยียม ฮอลแลนด์ ลักเซมเบิร์ก และฝรั่งเศสตะวันออกเฉียงเหนือสมัยใหม่ เมื่อถึงศตวรรษที่ 15 เนเธอร์แลนด์มีระดับเศรษฐกิจและวัฒนธรรมที่สูง และกลายเป็นประเทศในยุโรปที่เจริญรุ่งเรือง

ที่นี่เป็นที่ที่โรงเรียนโพลีโฟนิกของชาวดัตช์ถือกำเนิดขึ้น - หนึ่งในปรากฏการณ์ที่ใหญ่ที่สุดในดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา สำหรับการพัฒนาศิลปะในศตวรรษที่ 15 การสื่อสารระหว่างนักดนตรีจากประเทศต่างๆ และอิทธิพลร่วมกันของโรงเรียนสร้างสรรค์เป็นสิ่งสำคัญ โรงเรียนภาษาดัตช์ซึมซับประเพณีของอิตาลี ฝรั่งเศส อังกฤษ และเนเธอร์แลนด์เอง

ตัวแทนที่โดดเด่น: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (ประมาณ 1400 - 27/11/1474, Cambrai) นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส - เฟลมิชซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนชาวดัตช์ รากฐานของประเพณีโพลีโฟนิกในดนตรีดัตช์วางโดย Guillaume Dufay (ประมาณปี 1400 - 1474) เขาเกิดที่เมือง Cambrai ใน Flanders (จังหวัดทางตอนใต้ของเนเธอร์แลนด์) และร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ตั้งแต่อายุยังน้อย ในขณะเดียวกันนักดนตรีในอนาคตก็เรียนบทเรียนการเรียบเรียงส่วนตัว เมื่ออายุยังน้อย Dufay ไปอิตาลีซึ่งเขาเขียนผลงานเพลงแรกของเขา - เพลงบัลลาดและโมเท็ต ในปี ค.ศ. 1428-1437 เขาทำหน้าที่เป็นนักร้องในโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปาในโรม ในช่วงปีเดียวกันนั้นเขาได้เดินทางไปอิตาลีและฝรั่งเศส ในปี พ.ศ. 1437 ทรงแต่งตั้งนักประพันธ์เพลง ที่ราชสำนักของดยุคแห่งซาวอย (ค.ศ. 1437-1439) พระองค์ทรงแต่งเพลงสำหรับพิธีการและวันหยุด Dufay ได้รับความเคารพอย่างสูงจากขุนนาง - ในบรรดาผู้ชื่นชมของเขา ได้แก่ คู่รัก Medici (ผู้ปกครองเมืองฟลอเรนซ์ของอิตาลี) [ทำงานในอิตาลีและฝรั่งเศส ในปี 1428-37 เขาเป็นนักร้องในโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปาในกรุงโรมและเมืองอื่นๆ ในอิตาลี และในปี 1437-44 เขาได้ร่วมรับใช้กับดยุคแห่งซาวอย ตั้งแต่ปี 1445 แคนนอนและผู้อำนวยการกิจกรรมดนตรีที่อาสนวิหารคัมบราย ปรมาจารย์ด้านจิตวิญญาณ (มวลชน 3-, 4 เสียง, โมเท็ต) เช่นเดียวกับฆราวาส (ชานสันฝรั่งเศส 3-, 4 เสียง, เพลงอิตาลี, เพลงบัลลาด, rondos) ที่เกี่ยวข้องกับพหูพจน์พื้นบ้านและวัฒนธรรมมนุษยนิยมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะเดนมาร์กซึ่งซึมซับความสำเร็จของศิลปะดนตรียุโรป มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาดนตรีโพลีโฟนิกของยุโรปต่อไป นอกจากนี้เขายังเป็นนักปฏิรูปโน้ตดนตรีด้วย (D. ให้เครดิตกับการแนะนำโน้ตที่มีหัวสีขาว) ผลงานทั้งหมดของ D. ได้รับการตีพิมพ์ในโรม (ฉบับที่ 6, พ.ศ. 2494-2509)] Dufay เป็นคนแรกในบรรดานักแต่งเพลงที่เริ่มแต่งเพลงเป็นองค์ประกอบทางดนตรีที่สำคัญ การสร้างดนตรีในคริสตจักรต้องอาศัยความสามารถพิเศษ นั่นคือความสามารถในการแสดงแนวคิดที่เป็นนามธรรมและจับต้องไม่ได้ผ่านสื่อที่เป็นรูปธรรมและทางวัตถุ ปัญหาคือองค์ประกอบดังกล่าวไม่ทำให้ผู้ฟังเฉยเมยและในทางกลับกันไม่หันเหความสนใจจากการรับใช้และช่วยให้มีสมาธิในการอธิษฐานอย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้น มวลชนของ Dufay จำนวนมากได้รับแรงบันดาลใจ เต็มไปด้วยชีวิตภายใน ดูเหมือนว่าพวกเขาจะช่วยได้ครู่หนึ่งในการยกม่านแห่งการเปิดเผยอันศักดิ์สิทธิ์

บ่อยครั้งเมื่อสร้างมวลชน Dufay ได้นำทำนองเพลงที่รู้จักกันดีซึ่งเขาเพิ่มเข้าไปด้วย การกู้ยืมดังกล่าวเป็นลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ถือว่าสำคัญมากที่มวลจะต้องขึ้นอยู่กับท่วงทำนองที่คุ้นเคยซึ่งผู้สักการะสามารถจดจำได้ง่ายแม้ในงานโพลีโฟนิก มักใช้ส่วนหนึ่งของบทสวดเกรกอเรียน; งานฆราวาสก็ไม่ได้รับการยกเว้นเช่นกัน

นอกจากดนตรีในโบสถ์แล้ว Dufay ยังแต่งเพลงโมเท็ตตามข้อความทางโลกอีกด้วย เขายังใช้เทคนิคโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนอีกด้วย

จอสกิน เดเปรส (1440-1521) ตัวแทนของโรงเรียนโพลีโฟนิกชาวดัตช์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 มี Josquin Despres (ประมาณปี 1440-1521 หรือ 1524) ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อผลงานของนักประพันธ์เพลงรุ่นต่อไป ในวัยเยาว์เขาทำหน้าที่เป็นนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ใน Cambrai; เรียนดนตรีจาก Okegem เมื่ออายุยี่สิบปี นักดนตรีหนุ่มมาที่อิตาลี ร้องเพลงในมิลานร่วมกับ Sforza Dukes (ต่อมาศิลปินชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่อย่าง Leonardo da Vinci รับใช้ที่นี่) และในโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปาในกรุงโรม ในอิตาลี Despres อาจเริ่มแต่งเพลง ในตอนต้นของศตวรรษที่ 16 เขาย้ายไปปารีส เมื่อถึงเวลานั้น Despres มีชื่อเสียงอยู่แล้วและเขาได้รับเชิญให้ดำรงตำแหน่งนักดนตรีในราชสำนักโดยกษัตริย์ฝรั่งเศส Louis XII ตั้งแต่ปี 1503 Despres ได้ตั้งรกรากอีกครั้งในอิตาลีในเมือง Ferrara ที่ราชสำนักของ Duke d'Este ดนตรีของ Despres ได้รับการยอมรับอย่างรวดเร็วในแวดวงที่กว้างที่สุด: เป็นที่รักของทั้งขุนนางและ คนทั่วไป นักแต่งเพลงไม่เพียงสร้างผลงานในโบสถ์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานทางโลกด้วยโดยเฉพาะอย่างยิ่งเขาหันไปหาแนวเพลงพื้นบ้านของอิตาลี - fottola (ภาษาอิตาลี frottola จาก frotto - "ฝูงชน") ซึ่งโดดเด่นด้วยจังหวะการเต้นรำและ จังหวะที่รวดเร็ว Despres นำคุณลักษณะของผลงานทางโลกมาสู่ดนตรีของคริสตจักร: ความสดใหม่ น้ำเสียงที่มีชีวิตชีวาทำลายการปลดประจำการอย่างเข้มงวดและทำให้เกิดความรู้สึกมีความสุขและความสมบูรณ์ของชีวิต แต่นี่คือความลับของความนิยมในการสร้างสรรค์ของเขา

โยฮันเนส โอเกเกม (1430-1495), ยาโคบ โอเบรชท์ (1450-1505) ผู้ร่วมสมัยรุ่นน้องของ Guillaume Dufay คือ Johannes (Jean) Okeghem (ประมาณปี 1425-1497) และ Jacob Obrecht เช่นเดียวกับ Dufay Okegem มาจาก Flanders เขาทำงานหนักมาตลอดชีวิต นอกจากแต่งเพลงแล้ว เขายังทำหน้าที่เป็นหัวหน้าโบสถ์อีกด้วย นักแต่งเพลงสร้างมวลชนสิบห้าโมเท็ตสิบสามและชานสันมากกว่ายี่สิบเพลง ผลงานของ Okegöm โดดเด่นด้วยความเข้มงวด สมาธิ และพัฒนาการของบทเพลงอันไพเราะอันยาวนาน เขาให้ความสนใจอย่างมากกับเทคนิคโพลีโฟนิก โดยพยายามให้ทุกส่วนของมวลถูกรับรู้เป็นหนึ่งเดียว สไตล์ความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงสามารถแยกแยะได้จากเพลงของเขา - เกือบจะไร้ความเบาทางโลกในลักษณะตัวละครที่ชวนให้นึกถึงโมเท็ตมากกว่าและบางครั้งก็เป็นเศษเล็กเศษน้อย Johannes Okegem เป็นที่เคารพนับถือทั้งในบ้านเกิดและต่างประเทศ (เขาได้รับแต่งตั้งให้เป็นที่ปรึกษาของกษัตริย์แห่งฝรั่งเศส) Jacob Obrecht เป็นนักร้องประสานเสียงในอาสนวิหารของเมืองต่างๆ ในเนเธอร์แลนด์ และเป็นผู้นำคณะสวดมนต์ เขารับราชการที่ศาลของ Duke d'Este ในเมืองเฟอร์รารา (อิตาลี) เป็นเวลาหลายปี เขาเป็นผู้แต่งมวลชนยี่สิบห้าคน มอเท็ตสามสิบชานสัน ด้วยการใช้ความสำเร็จของรุ่นก่อน Obrecht ได้แนะนำสิ่งใหม่ ๆ มากมาย ประเพณีโพลีโฟนิก ดนตรีของเขาเต็มไปด้วยความแตกต่าง กล้าหาญ แม้ว่าผู้แต่งจะเปลี่ยนไปใช้แนวเพลงของโบสถ์แบบดั้งเดิมก็ตาม

ความเก่งกาจและความลึกของความคิดสร้างสรรค์ของ Orlando Lasso ประวัติศาสตร์ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดัตช์เสร็จสมบูรณ์โดยผลงานของ Orlando Lasso (ชื่อจริง Roland de Lasso ประมาณปี 1532-1594) ซึ่งคนรุ่นเดียวกันเรียกกันว่า "Belgian Orpheus" และ "Prince of Music" Lasso เกิดที่เมือง Mons (Flanders) ตั้งแต่วัยเด็กเขาร้องเพลงประสานเสียงในโบสถ์นักบวชที่น่าทึ่งด้วยเสียงอันไพเราะของเขา กอนซากา ดยุคแห่งเมืองมานตัวของอิตาลี บังเอิญได้ยินนักร้องหนุ่มคนนี้จึงเชิญเขาไปที่โบสถ์ของเขาเอง หลังจากมันตัว Lasso ทำงานช่วงสั้น ๆ ในเนเปิลส์แล้วย้ายไปโรม - ที่นั่นเขาได้รับตำแหน่งผู้อำนวยการโบสถ์ของมหาวิหารแห่งหนึ่ง เมื่ออายุได้ยี่สิบห้า Lasso เป็นที่รู้จักในฐานะนักแต่งเพลงและผลงานของเขาเป็นที่ต้องการของผู้เผยแพร่เพลง ในปี ค.ศ. 1555 มีการตีพิมพ์ผลงานชุดแรกซึ่งประกอบด้วยโมเท็ต มาดริกัล และชานสัน Lasso ศึกษาสิ่งที่ดีที่สุดทั้งหมดที่สร้างขึ้นโดยรุ่นก่อนของเขา (นักแต่งเพลงชาวดัตช์ ฝรั่งเศส เยอรมัน และอิตาลี) และใช้ประสบการณ์ของพวกเขาในงานของเขา Lasso เป็นคนพิเศษที่พยายามเอาชนะธรรมชาติที่เป็นนามธรรมของดนตรีในคริสตจักรและทำให้มันมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เพื่อจุดประสงค์นี้ บางครั้งผู้แต่งก็ใช้แนวเพลงและลวดลายในชีวิตประจำวัน (ธีมของเพลงพื้นบ้าน การเต้นรำ) จึงนำประเพณีของคริสตจักรและฆราวาสมารวมกัน Lasso ผสมผสานความซับซ้อนของเทคนิคโพลีโฟนิกเข้ากับอารมณ์ความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม เขาประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในมาดริกัลซึ่งตำราดังกล่าวเผยให้เห็นสภาพจิตใจของตัวละครเช่น "Tears of St. Peter" (1593) ที่สร้างจากบทกวีของกวีชาวอิตาลี Luigi Tranzillo มักเขียนบทเป็นจำนวนมาก ของเสียง (ห้าถึงเจ็ด) ดังนั้นงานของเขาจึงทำได้ยาก

ตั้งแต่ปี 1556 Orlando Lasso อาศัยอยู่ในมิวนิก (เยอรมนี) ซึ่งเขาเป็นหัวหน้าโบสถ์ ในช่วงบั้นปลายของชีวิต อำนาจของเขาในแวดวงดนตรีและศิลปะนั้นสูงมาก และชื่อเสียงของเขาก็แพร่กระจายไปทั่วยุโรป โรงเรียนโพลีโฟนิกของเนเธอร์แลนด์มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของยุโรป หลักการของพหุเสียงที่พัฒนาโดยนักแต่งเพลงชาวดัตช์กลายเป็นสากล และนักประพันธ์เพลงได้ใช้เทคนิคทางศิลปะมากมายในการทำงานของพวกเขาในศตวรรษที่ 20

ฝรั่งเศส. สำหรับฝรั่งเศส ศตวรรษที่ 15-16 กลายเป็นยุคแห่งการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญ: สงครามร้อยปี (1337-1453) กับอังกฤษสิ้นสุดลงในปลายศตวรรษที่ 15 การรวมรัฐเสร็จสมบูรณ์ ในศตวรรษที่ 16 ประเทศนี้ประสบสงครามทางศาสนาระหว่างชาวคาทอลิกและโปรเตสแตนต์ ในรัฐที่เข้มแข็งและมีระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ บทบาทของการเฉลิมฉลองในราชสำนักและการเฉลิมฉลองในที่สาธารณะก็เพิ่มมากขึ้น สิ่งนี้มีส่วนช่วยในการพัฒนางานศิลปะโดยเฉพาะดนตรีที่มาพร้อมกับเหตุการณ์ดังกล่าว จำนวนนักร้องและวงดนตรี (โบสถ์และมเหสี) ซึ่งประกอบด้วยนักแสดงจำนวนมากเพิ่มขึ้น ในระหว่างการรณรงค์ทางทหารในอิตาลี ชาวฝรั่งเศสเริ่มคุ้นเคยกับความสำเร็จของวัฒนธรรมอิตาลี พวกเขารู้สึกอย่างลึกซึ้งและยอมรับแนวคิดของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี - มนุษยนิยมความปรารถนาที่จะกลมกลืนกับโลกรอบตัวเพื่อเพลิดเพลินกับชีวิต

หากในอิตาลีดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความเกี่ยวข้องกับมวลชนเป็นหลักนักประพันธ์ชาวฝรั่งเศสพร้อมกับดนตรีในโบสถ์ก็ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับเพลงโพลีโฟนิกฆราวาส - ชานสัน ความสนใจในฝรั่งเศสเกิดขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16 เมื่อมีการตีพิมพ์คอลเลกชันละครเพลงของClément Janequin (ประมาณปี 1485-1558) นักแต่งเพลงคนนี้ถือเป็นหนึ่งในผู้สร้างประเภทนี้

โปรแกรมร้องเพลงประสานเสียงหลักทำงานโดย Clément Janequin (1475-1560) เมื่อตอนเป็นเด็ก Janequin ร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ในเมือง Chatellerault ซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา (ฝรั่งเศสตอนกลาง) ต่อจากนั้นตามที่นักประวัติศาสตร์ดนตรีแนะนำ เขาศึกษากับ Josquin Despres ปรมาจารย์ชาวดัตช์ หรือกับนักแต่งเพลงจากแวดวงของเขา หลังจากได้รับฐานะปุโรหิต Janequin ก็ทำงานเป็นผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ (ผู้อำนวยการคณะนักร้องประสานเสียง) และผู้แสดงออร์แกน จากนั้นเขาก็ได้รับเชิญให้รับใช้โดยดยุคแห่งกีส ในปี 1555 นักดนตรีกลายเป็นนักร้องของ Royal Chapel และในปี 1556-1557 - นักแต่งเพลงประจำราชสำนัก เคลมองต์ จาเนอวินสร้างชานสันสองร้อยแปดสิบบท (ตีพิมพ์ระหว่างปี 1530 ถึง 1572) เขียนเพลงในคริสตจักร - มวลชน, โมเท็ต, สดุดี เพลงของเขามักจะเป็นรูปเป็นร่างโดยธรรมชาติ ก่อนที่ตาของผู้ฟังจะมองเห็นภาพการต่อสู้ ("Battle of Marignano", "Battle of Renta", "Battle of Metz"), ฉากการล่าสัตว์ ("The Hunt"), ภาพธรรมชาติ ("Birdsong", "Nightingale" ", "สนุกสนาน" ), ฉากในชีวิตประจำวัน (“ แชทของผู้หญิง”) ด้วยความชัดเจนที่น่าทึ่งผู้แต่งสามารถถ่ายทอดบรรยากาศของชีวิตประจำวันในปารีสในเพลงชานสัน "Cries of Paris": เขาแนะนำข้อความอุทานของผู้ขาย ("นม!" - "พาย!" - "อาร์ติโชค!" - “ปลา!” - “ไม้ขีด!” - “นกพิราบ”) !” - "รองเท้าเก่า!" - "ไวน์!") Janequin แทบจะไม่ได้ใช้ธีมที่ยาวและราบรื่นสำหรับเสียงแต่ละเสียงและเทคนิคโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน โดยเลือกใช้การเรียกแบบม้วน การทำซ้ำ และการสร้างคำเลียนเสียงธรรมชาติ

อีกทิศทางหนึ่งของดนตรีฝรั่งเศสมีความเกี่ยวข้องกับขบวนการปฏิรูปทั่วยุโรป

ในพิธีทางศาสนา ชาวโปรเตสแตนต์ชาวฝรั่งเศส (ฮิวเกนอตส์) ละทิ้งภาษาละตินและพหุนาม ดนตรีศักดิ์สิทธิ์มีบุคลิกที่เปิดกว้างและเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของประเพณีดนตรีนี้คือ Claude Gudimel (ระหว่างปี 1514 ถึง 1520-1572) ผู้แต่งเพลงสดุดีที่มีเนื้อหาจากพระคัมภีร์และการร้องเพลงประสานเสียงของโปรเตสแตนต์

ชานสัน. แนวดนตรีหลักอย่างหนึ่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฝรั่งเศสคือชานซง (ชานซงฝรั่งเศส - "เพลง") ต้นกำเนิดอยู่ที่ศิลปะพื้นบ้าน (บทกลอนของนิทานมหากาพย์ถูกแต่งขึ้นเป็นดนตรี) ในศิลปะของคณะละครและคณะละครในยุคกลาง ในแง่ของเนื้อหาและอารมณ์ ชานสันอาจมีความหลากหลายมาก - มีเพลงรัก เพลงประจำวัน เพลงตลก เพลงเสียดสี ฯลฯ ผู้แต่งใช้บทกวีพื้นบ้านและบทกวีสมัยใหม่เป็นตำรา

อิตาลี. ด้วยการถือกำเนิดของยุคเรอเนซองส์ ดนตรีทุกวันที่เล่นด้วยเครื่องดนตรีหลากหลายก็แพร่กระจายไปในอิตาลี แวดวงคนรักดนตรีก็เกิดขึ้น ในสาขาอาชีพ มีโรงเรียนที่แข็งแกร่งที่สุดสองแห่งเกิดขึ้น: โรมันและเวนิส

มาดริกัล. ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทบาทของแนวเพลงฆราวาสเพิ่มขึ้น ในศตวรรษที่สิบสี่ มาดริกัลปรากฏในดนตรีอิตาลี (จาก Old Lat. matricale - "เพลงในภาษาพื้นเมือง") มันถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของเพลงพื้นบ้าน (คนเลี้ยงแกะ) Madrigals เป็นเพลงที่มีเสียงสองหรือสามเสียง มักไม่มีเครื่องดนตรีประกอบ พวกเขาเขียนบทกวีโดยกวีชาวอิตาลีสมัยใหม่ซึ่งพูดถึงความรัก มีเพลงในชีวิตประจำวันและวิชาในตำนาน

ในช่วงศตวรรษที่ 15 ผู้แต่งแทบจะไม่หันไปสนใจแนวเพลงนี้เลย ความสนใจในเรื่องนี้ฟื้นขึ้นมาเฉพาะในศตวรรษที่ 16 เท่านั้น คุณลักษณะเฉพาะของมาดริกัลในศตวรรษที่ 16 คือความเชื่อมโยงที่ใกล้ชิดระหว่างดนตรีและบทกวี ดนตรีประกอบตามข้อความอย่างยืดหยุ่นและสะท้อนถึงเหตุการณ์ที่อธิบายไว้ในแหล่งที่มาของบทกวี เมื่อเวลาผ่านไป สัญลักษณ์อันไพเราะอันเป็นเอกลักษณ์ก็พัฒนาขึ้น ซึ่งแสดงถึงการถอนหายใจ น้ำตา ฯลฯ ในงานของนักแต่งเพลงบางคน สัญลักษณ์นั้นเป็นเชิงปรัชญา เช่น ในเพลง Madrigal ของ Gesualdo di Venosa เรื่อง "I Am Dying, Unfortunate" (1611)

ประเภทนี้เจริญรุ่งเรืองในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 บางครั้ง เนื้อเรื่องก็ถูกเล่นไปพร้อมกับการแสดงเพลงด้วย การแสดงมาดริกัลกลายเป็นพื้นฐานของการแสดงตลกมาดริกัล (การร้องประสานเสียงตามข้อความในละครตลก) ซึ่งเตรียมการแสดงโอเปร่า

โรงเรียนโรมันโพลีโฟนิก จิโอวานนี เด ปาเลสตรินา (1525-1594) หัวหน้าโรงเรียนโรมันคือ Giovanni Pierluigi da Palestrina หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคเรอเนซองส์ เขาเกิดในเมืองปาเลสตรินาของอิตาลี ซึ่งเขาได้รับนามสกุลของเขา ตั้งแต่วัยเด็ก Palestrina ร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ และเมื่อเข้าสู่วัยผู้ใหญ่เขาได้รับเชิญให้ดำรงตำแหน่งวาทยกร (หัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียง) ที่มหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ในโรม ต่อมาเขารับใช้ในโบสถ์ซิสทีน (โบสถ์ประจำศาลของสมเด็จพระสันตะปาปา)

โรม ซึ่งเป็นศูนย์กลางของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิก ดึงดูดนักดนตรีชั้นนำมากมาย ในแต่ละช่วงเวลา Guillaume Dufay และ Josquin Despres นักโพลีโฟนิสต์ชาวดัตช์ทำงานที่นี่ เทคนิคการเรียบเรียงที่พัฒนาขึ้นของพวกเขาบางครั้งทำให้ยากต่อการรับรู้ข้อความของบริการ: มันหายไปหลังการผสมผสานของเสียงและคำพูดอันประณีตในความเป็นจริงไม่ได้ยิน ดังนั้น เจ้าหน้าที่คริสตจักรจึงระวังงานดังกล่าวและสนับสนุนให้กลับมาใช้เสียงเดียวตามบทสวดเกรโกเรียน มีการพูดคุยกันถึงประเด็นเรื่องการยอมรับพฤกษ์ในดนตรีของคริสตจักรแม้กระทั่งในสภาเทรนต์ของคริสตจักรคาทอลิก (ค.ศ. 1545-1563) ใกล้กับสมเด็จพระสันตะปาปา ปาเลสตรินาโน้มน้าวผู้นำคริสตจักรถึงความเป็นไปได้ในการสร้างสรรค์ผลงานซึ่งเทคนิคการเรียบเรียงจะไม่รบกวนความเข้าใจในข้อความ เพื่อเป็นการพิสูจน์ เขาได้แต่งเพลง "มิสซาของสมเด็จพระสันตะปาปามาร์เชลโล" (1555) ซึ่งผสมผสานพหูพจน์ที่ซับซ้อนเข้ากับเสียงที่ชัดเจนและแสดงออกของแต่ละคำ ด้วยเหตุนี้ นักดนตรีจึง “ช่วย” ดนตรีโพลีโฟนิกมืออาชีพจากการข่มเหงโดยเจ้าหน้าที่คริสตจักร ในปี 1577 นักแต่งเพลงได้รับเชิญให้หารือเกี่ยวกับการปฏิรูปการค่อยเป็นค่อยไป - ชุดเพลงสวดอันศักดิ์สิทธิ์ของคริสตจักรคาทอลิก ในยุค 80 ปาเลสตรินารับคำสั่งอันศักดิ์สิทธิ์ และในปี 1584 เขาได้เข้าเป็นสมาชิกของ Society of Masters of Music ซึ่งเป็นสมาคมนักดนตรีที่รายงานตรงต่อสมเด็จพระสันตะปาปา

งานของ Palestrina เต็มไปด้วยโลกทัศน์ที่สดใส ผลงานที่เขาสร้างขึ้นทำให้ผู้ร่วมสมัยของเขาประหลาดใจทั้งในด้านทักษะและปริมาณสูงสุด (มากกว่าหนึ่งร้อยมวลชน, สามร้อยโมเท็ต, หนึ่งร้อยมาดริกัล) ความซับซ้อนของดนตรีไม่เคยเป็นอุปสรรคต่อการรับรู้ ผู้แต่งรู้วิธีหาจุดกึ่งกลางระหว่างความซับซ้อนของการเรียบเรียงของเขากับการเข้าถึงผู้ฟัง ปาเลสตรินามองว่างานสร้างสรรค์หลักของเขาคือการพัฒนางานขนาดใหญ่ที่สอดคล้องกัน แต่ละเสียงในบทสวดของเขาพัฒนาขึ้นอย่างเป็นอิสระ แต่ในขณะเดียวกันก็รวมเป็นหนึ่งเดียวกับเสียงอื่นๆ และบ่อยครั้งเสียงนั้นก็ก่อให้เกิดการผสมผสานคอร์ดที่โดดเด่น บ่อยครั้งที่ทำนองของเสียงด้านบนดูเหมือนจะลอยอยู่เหนือส่วนที่เหลือ โดยสรุปเป็น "โดม" ของพฤกษ์; เสียงทั้งหมดโดดเด่นด้วยความนุ่มนวลและพัฒนาการ

นักดนตรีรุ่นต่อไปถือว่าศิลปะของ Giovanni da Palestrina เป็นแบบอย่างและคลาสสิก นักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นหลายคนในศตวรรษที่ 19-8 ได้ศึกษาจากผลงานของเขา

อีกทิศทางหนึ่งของดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกี่ยวข้องกับผลงานของนักประพันธ์เพลงของโรงเรียน Venetian ผู้ก่อตั้งคือ Adrian Willart (ประมาณปี 1485-1562) นักเรียนของเขาคือนักออร์แกนและนักแต่งเพลง Andrea Gabrieli (ระหว่างปี 1500 ถึง 1520 - หลังปี 1586) นักแต่งเพลง Cyprian de Pope (1515 หรือ 1516-1565) และนักดนตรีคนอื่นๆ แม้ว่าผลงานของ Palestrina จะมีลักษณะที่ชัดเจนและการควบคุมอย่างเข้มงวด แต่ Willaert และผู้ติดตามของเขาก็ได้พัฒนารูปแบบการร้องประสานเสียงอันเขียวชอุ่ม เพื่อให้ได้เสียงเซอร์ราวด์และการเล่นกลอง พวกเขาใช้คณะนักร้องประสานเสียงหลายคณะในการเรียบเรียงซึ่งตั้งอยู่ตามสถานที่ต่างๆ ของวัด การใช้เสียงเรียกระหว่างคณะนักร้องประสานเสียงทำให้สามารถเติมเต็มพื้นที่ในโบสถ์ด้วยเอฟเฟกต์ที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน แนวทางนี้สะท้อนให้เห็นถึงอุดมคติด้านมนุษยนิยมของยุคนั้นโดยรวม - ด้วยความร่าเริง อิสรภาพ และประเพณีทางศิลปะของชาวเวนิส - ด้วยความปรารถนาทุกสิ่งที่สดใสและผิดปกติ ในงานของปรมาจารย์ชาวเวนิส ภาษาดนตรีก็มีความซับซ้อนมากขึ้นเช่นกัน มันเต็มไปด้วยการผสมผสานคอร์ดที่เป็นตัวหนาและเสียงประสานที่ไม่คาดคิด

บุคคลสำคัญในยุคเรอเนซองส์คือ Carlo Gesualdo di Venosa (ประมาณปี 1560-1613) เจ้าชายแห่งเมือง Venosa หนึ่งในปรมาจารย์ด้านมาดริกัลฆราวาสที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เขาได้รับชื่อเสียงในฐานะผู้ใจบุญ นักเล่นลูท และนักแต่งเพลง เจ้าชาย Gesualdo เป็นเพื่อนกับกวีชาวอิตาลี Torquato Tasso; มีจดหมายที่น่าสนใจบางฉบับที่ศิลปินทั้งสองหารือกันในประเด็นวรรณกรรม ดนตรี และวิจิตรศิลป์ Gesualdo di Venosa แต่งบทกวีของ Tasso หลายบทให้เป็นดนตรี - นี่คือลักษณะของมาดริกัลที่มีศิลปะชั้นสูงจำนวนหนึ่งปรากฏขึ้น ในฐานะตัวแทนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย นักแต่งเพลงได้พัฒนาเพลงมาดริกัลรูปแบบใหม่ โดยที่ความรู้สึก - พายุและคาดเดาไม่ได้ - มาก่อน ดังนั้นผลงานของเขาจึงมีลักษณะเฉพาะคือการเปลี่ยนแปลงของระดับเสียง น้ำเสียงที่คล้ายกับการถอนหายใจและแม้แต่เสียงสะอื้น คอร์ดที่ฟังดูคมชัด และการเปลี่ยนแปลงของจังหวะที่ตัดกัน เทคนิคเหล่านี้ทำให้ดนตรีของ Gesualdo มีบุคลิกที่แสดงออกและค่อนข้างแปลกประหลาด มันทำให้ประหลาดใจและในขณะเดียวกันก็ดึงดูดคนรุ่นราวคราวเดียวกัน มรดกของ Gesualdo di Venosa ประกอบด้วยคอลเลกชันเพลงมาดริกัลโพลีโฟนิกเจ็ดชุด; ในบรรดาผลงานทางจิตวิญญาณ - "เพลงสวดศักดิ์สิทธิ์" เพลงของเขาแม้ทุกวันนี้ไม่ได้ทำให้ผู้ฟังเฉยเมย

การพัฒนาแนวเพลงและรูปแบบของดนตรีบรรเลง ดนตรีบรรเลงยังโดดเด่นด้วยการเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งดนตรีคอนแชร์โต ไวโอลิน ฮาร์ปซิคอร์ด และออร์แกนค่อยๆ กลายเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว เพลงที่เขียนให้พวกเขาเปิดโอกาสให้ได้แสดงความสามารถของไม่เพียงแต่ผู้แต่งเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักแสดงด้วย สิ่งที่มีค่าเหนือสิ่งอื่นใดคือความสามารถพิเศษ (ความสามารถในการรับมือกับปัญหาทางเทคนิค) ซึ่งค่อยๆ กลายเป็นจุดจบในตัวเองและเป็นคุณค่าทางศิลปะสำหรับนักดนตรีหลายคน นักประพันธ์เพลงในศตวรรษที่ 17-18 ไม่เพียงแต่แต่งดนตรีเท่านั้น แต่ยังเล่นเครื่องดนตรีได้อย่างเชี่ยวชาญและมีส่วนร่วมในกิจกรรมการสอนอีกด้วย ความเป็นอยู่ที่ดีของศิลปินส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับลูกค้าเฉพาะราย ตามกฎแล้วนักดนตรีที่จริงจังทุกคนพยายามที่จะได้ที่นั่งในราชสำนักของกษัตริย์หรือขุนนางผู้มั่งคั่ง (สมาชิกในชนชั้นสูงหลายคนมีวงออเคสตราหรือโรงโอเปร่าเป็นของตัวเอง) หรือในวัด ยิ่งกว่านั้น นักประพันธ์เพลงส่วนใหญ่ผสมผสานดนตรีของคริสตจักรเข้ากับการรับใช้ผู้อุปถัมภ์ทางโลกได้อย่างง่ายดาย

อังกฤษ. ชีวิตทางวัฒนธรรมของอังกฤษในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการปฏิรูป ในศตวรรษที่ 16 ลัทธิโปรเตสแตนต์แพร่กระจายไปทั่วประเทศ คริสตจักรคาทอลิกสูญเสียตำแหน่งที่โดดเด่น คริสตจักรแองกลิกันกลายเป็นคริสตจักรของรัฐ ซึ่งปฏิเสธที่จะยอมรับหลักคำสอนบางประการ (บทบัญญัติพื้นฐาน) ของนิกายโรมันคาทอลิก; อารามส่วนใหญ่หยุดอยู่ เหตุการณ์เหล่านี้มีอิทธิพลต่อวัฒนธรรมอังกฤษ รวมทั้งดนตรีด้วย แผนกดนตรีเปิดทำการที่มหาวิทยาลัยออกซ์ฟอร์ดและเคมบริดจ์ มีการเล่นเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดในร้านเสริมสวยอันสูงส่ง: เวอร์จิเนล (ฮาร์ปซิคอร์ดชนิดหนึ่ง) ออร์แกนแบบพกพา (เล็ก) ฯลฯ การเรียบเรียงขนาดเล็กสำหรับการเล่นดนตรีในบ้านได้รับความนิยม ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของวัฒนธรรมดนตรีในยุคนั้นคือวิลเลียม เบิร์ด (ค.ศ. 1543 หรือ 1544-1623) ซึ่งเป็นผู้จัดพิมพ์โน้ตเพลง นักออร์แกน และนักแต่งเพลง เบิร์ดกลายเป็นผู้ก่อตั้งมาดริกัลของอังกฤษ ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยความเรียบง่าย (เขาหลีกเลี่ยงเทคนิคโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน) ความคิดริเริ่มของรูปแบบที่ตามข้อความ และอิสรภาพของฮาร์มอนิก วิธีการทางดนตรีทั้งหมดได้รับการออกแบบมาเพื่อยืนยันถึงความงดงามและความสุขของชีวิต ตรงข้ามกับความรุนแรงและความยับยั้งชั่งใจในยุคกลาง ผู้แต่งมีผู้ติดตามเพลงมาดริกัลมากมาย

เบิร์ดยังสร้างสรรค์งานด้านจิตวิญญาณ (มิสซา สดุดี) และดนตรีบรรเลง ในการประพันธ์เพลงหญิงพรหมจารีเขาใช้ลวดลายของเพลงและการเต้นรำพื้นบ้าน

ผู้แต่งต้องการให้เพลงที่เขาเขียน "มีความอ่อนโยน ผ่อนคลาย และความบันเทิงอย่างน้อยที่สุด" ดังที่วิลเลียม เบิร์ดเขียนไว้ในคำนำของคอลเลคชันเพลงชุดหนึ่งของเขา

เยอรมนี. ความเชื่อมโยงระหว่างวัฒนธรรมดนตรีเยอรมันกับขบวนการปฏิรูป ในศตวรรษที่ 16 การปฏิรูปเริ่มขึ้นในเยอรมนี ซึ่งทำให้ชีวิตทางศาสนาและวัฒนธรรมของประเทศเปลี่ยนไปอย่างมีนัยสำคัญ ผู้นำการปฏิรูปเชื่อมั่นถึงความจำเป็นในการเปลี่ยนแปลงเนื้อหาดนตรีของการนมัสการ นี่เป็นเพราะเหตุผลสองประการ ในช่วงกลางศตวรรษที่ 15 ทักษะด้านโพลีโฟนิกของนักแต่งเพลงที่ทำงานในแนวเพลงของคริสตจักรทำให้เกิดความซับซ้อนและความซับซ้อนเป็นพิเศษ บางครั้งงานถูกสร้างขึ้นซึ่งเนื่องจากความไพเราะของเสียงและการสวดมนต์ที่ยาวจึงไม่สามารถรับรู้และสัมผัสทางจิตวิญญาณโดยนักบวชส่วนใหญ่ นอกจากนี้ การบริการยังดำเนินการเป็นภาษาละติน ซึ่งชาวอิตาลีเข้าใจได้ แต่เป็นชาวต่างชาติสำหรับชาวเยอรมัน

มาร์ติน ลูเทอร์ (ค.ศ. 1483-1546) ผู้ก่อตั้งขบวนการปฏิรูป เชื่อว่าการปฏิรูปดนตรีของคริสตจักรเป็นสิ่งจำเป็น ประการแรก ดนตรีควรส่งเสริมการมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันของนักบวชในการนมัสการ (ซึ่งเป็นไปไม่ได้เมื่อทำการเรียบเรียงโพลีโฟนิก) และประการที่สอง สร้างความเห็นอกเห็นใจต่อเหตุการณ์ในพระคัมภีร์ (ซึ่งถูกขัดขวางโดยการให้บริการในภาษาละติน) ดังนั้นข้อกำหนดต่อไปนี้จึงถูกกำหนดไว้สำหรับการร้องเพลงในโบสถ์: ความเรียบง่ายและความชัดเจนของทำนอง จังหวะที่สม่ำเสมอ รูปแบบการร้องที่ชัดเจน บนพื้นฐานนี้การร้องเพลงประสานเสียงของโปรเตสแตนต์เกิดขึ้นซึ่งเป็นประเภทหลักของดนตรีคริสตจักรในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมัน ในปี ค.ศ. 1522 ลูเทอร์แปลพันธสัญญาใหม่เป็นภาษาเยอรมัน - ตั้งแต่บัดนี้เป็นต้นไปเป็นต้นไปจะสามารถปฏิบัติศาสนกิจในภาษาแม่ได้

ลูเทอร์เองและเพื่อนของเขาซึ่งเป็นนักทฤษฎีดนตรีชาวเยอรมันโยฮันน์วอลเตอร์ (ค.ศ. 1490-1570) มีส่วนร่วมในการเลือกท่วงทำนองสำหรับการร้องประสานเสียง แหล่งที่มาหลักของท่วงทำนองดังกล่าวคือเพลงพื้นบ้านและเพลงฆราวาสซึ่งเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางและเข้าใจง่าย ลูเทอร์แต่งทำนองสำหรับร้องประสานเสียงบางเพลงเอง หนึ่งในนั้นคือ “พระเจ้าทรงเป็นผู้อุปถัมภ์ของเรา” กลายเป็นสัญลักษณ์ของการปฏิรูปในช่วงสงครามศาสนาในศตวรรษที่ 16

Meistersingers และงานศิลปะของพวกเขา หน้าสดใสอีกหน้าหนึ่งของดนตรีเรอเนซองส์เยอรมันมีความเกี่ยวข้องกับผลงานของ Meistersinger (German Meistersinger - "นักร้องหลัก") - กวี - นักร้องจากบรรดาช่างฝีมือ พวกเขาไม่ใช่นักดนตรีมืออาชีพ แต่ก่อนอื่นเลยคือช่างฝีมือ - ช่างทำปืน, ช่างตัดเสื้อ, ช่างเคลือบ, ช่างทำรองเท้า, คนทำขนมปัง ฯลฯ สหภาพเมืองของนักดนตรีดังกล่าวรวมถึงตัวแทนของงานฝีมือต่างๆ ในศตวรรษที่ 16 สมาคม Mastersingers มีอยู่ในหลายเมืองในเยอรมนี

Mastersingers แต่งเพลงตามกฎเกณฑ์ที่เข้มงวด ความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ถูกจำกัดด้วยข้อจำกัดมากมาย ผู้เริ่มต้นต้องฝึกฝนกฎเหล่านี้ก่อน จากนั้นจึงเรียนรู้การแสดงเพลง จากนั้นแต่งเนื้อร้องตามทำนองของคนอื่น และจากนั้นเขาก็สามารถสร้างเพลงของตัวเองได้ ทำนองของ Meistersingers และ Minnesingers ที่มีชื่อเสียงถือเป็นทำนองตัวอย่าง

นักร้องประสานเสียงดีเด่นแห่งศตวรรษที่ 16 Hans Sachs (1494-1576) มาจากครอบครัวช่างตัดเสื้อ แต่ในวัยเด็กเขาออกจากบ้านพ่อแม่และเดินทางไปทั่วประเทศเยอรมนี ในระหว่างการเดินทาง ชายหนุ่มได้เรียนรู้งานฝีมือของช่างทำรองเท้า แต่ที่สำคัญที่สุด เขาเริ่มคุ้นเคยกับศิลปะพื้นบ้าน Sachs ได้รับการศึกษาดี มีความรู้เป็นเลิศเกี่ยวกับวรรณกรรมโบราณและยุคกลาง และอ่านพระคัมภีร์ฉบับแปลภาษาเยอรมัน เขาตื้นตันใจอย่างลึกซึ้งกับแนวคิดเรื่องการปฏิรูปดังนั้นเขาจึงไม่เพียงเขียนเพลงทางโลกเท่านั้น แต่ยังเขียนเพลงเกี่ยวกับจิตวิญญาณด้วย (รวมประมาณหกพันเพลง) Hans Sachs ยังมีชื่อเสียงในฐานะนักเขียนบทละคร (ดูบทความ "ศิลปะการละครแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา")

เครื่องดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา องค์ประกอบของเครื่องดนตรีได้ขยายออกไปอย่างมาก ในหมู่พวกเขาสถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยการละเมิด - ตระกูลสายธนูที่ทำให้ประหลาดใจกับความสวยงามและความสูงส่งของเสียงของพวกเขา รูปร่างมีลักษณะคล้ายกับเครื่องดนตรีในตระกูลไวโอลินสมัยใหม่ (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล) และยังถือเป็นเครื่องดนตรีรุ่นก่อนๆ ด้วยซ้ำ (มีอยู่ร่วมกันในการฝึกดนตรีจนถึงกลางศตวรรษที่ 18) อย่างไรก็ตาม ยังคงมีความแตกต่างและสำคัญอยู่ การละเมิดมีระบบการสะท้อนสตริง ตามกฎแล้วมีจำนวนมากพอๆ กับรายการหลัก (หกถึงเจ็ด) การสั่นของสายที่สะท้อนกลับทำให้เสียงของไวโอลินนุ่มนวลและนุ่มนวล แต่เครื่องดนตรีนี้ใช้งานในวงออเคสตราได้ยาก เนื่องจากมีสายจำนวนมาก จึงไม่ปรับแต่งอย่างรวดเร็ว

เป็นเวลานานแล้วที่เสียงการละเมิดถือเป็นแบบอย่างของความซับซ้อนทางดนตรี ตระกูลวิโอลามีสามประเภทหลัก วิโอลา ดา กัมบา เป็นเครื่องดนตรีขนาดใหญ่ที่นักแสดงวางในแนวตั้งและใช้เท้ากดจากด้านข้าง (คำภาษาอิตาลี กัมบา แปลว่า "เข่า") อีกสองสายพันธุ์ - viola da braccio (จากภาษาอิตาลี braccio - "forearm") และ viol d'amour (French viole d'amour - "viola of love") ถูกวางในแนวนอนและเมื่อเล่นพวกมันจะถูกกดไปที่ไหล่ วิโอลา ดา กัมบา อยู่ในระยะเสียงใกล้เคียงกับเชลโล วิโอลา ดา บราชโช อยู่ใกล้กับไวโอลิน และไวโอลิน d'amour อยู่ใกล้กับวิโอลา

ในบรรดาเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาในยุคเรอเนซองส์สถานที่หลักถูกครอบครองโดยพิณ (โปแลนด์ lutnia จากภาษาอาหรับ "alud" - "ต้นไม้") เครื่องดนตรีนี้มาถึงยุโรปจากตะวันออกกลางเมื่อปลายศตวรรษที่ 14 และเมื่อต้นศตวรรษที่ 16 ก็มีผลงานมากมายสำหรับเครื่องดนตรีชิ้นนี้ ประการแรก มีการร้องเพลงร่วมกับพิณ พิณมีลำตัวสั้น ส่วนบนแบนและส่วนล่างคล้ายซีกโลก คอจะติดอยู่กับคอกว้าง แบ่งด้วยเฟรต และส่วนหัวของเครื่องดนตรีจะงอไปด้านหลังจนเกือบเป็นมุมฉาก หากต้องการคุณสามารถเห็นความคล้ายคลึงกับชามในลักษณะของพิณ สิบสองสายถูกจัดกลุ่มเป็นคู่และเสียงจะถูกสร้างขึ้นด้วยนิ้วและแผ่นพิเศษ - คนกลาง

ในศตวรรษที่ 15-16 มีคีย์บอร์ดหลายประเภทเกิดขึ้น เครื่องดนตรีประเภทหลักดังกล่าว - ฮาร์ปซิคอร์ด, คลาวิคอร์ด, ฉิ่ง, เวอร์จิเนล - ถูกนำมาใช้อย่างแข็งขันในดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แต่ความเจริญรุ่งเรืองที่แท้จริงของพวกเขามาในภายหลัง

ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเช่นเดียวกับศิลปกรรมและวรรณกรรมกลับคืนสู่คุณค่าของวัฒนธรรมโบราณ เธอไม่เพียงแต่ทำให้หูพอใจเท่านั้น แต่ยังมีผลกระทบทางจิตวิญญาณและอารมณ์ต่อผู้ฟังอีกด้วย

การฟื้นตัวของศิลปะและวิทยาศาสตร์ในศตวรรษที่ 14-16 เป็นยุคแห่งการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ ถือเป็นการเปลี่ยนผ่านจากวิถีชีวิตยุคกลางไปสู่ความทันสมัย การแต่งเพลงและการแสดงดนตรีมีความสำคัญเป็นพิเศษในช่วงเวลานี้ นักมานุษยวิทยาที่ศึกษาวัฒนธรรมโบราณของกรีกและโรมประกาศว่าการแต่งเพลงเป็นกิจกรรมที่มีประโยชน์และมีเกียรติ เชื่อกันว่าเด็กทุกคนควรเรียนรู้การร้องเพลงและการเล่นเครื่องดนตรีอย่างเชี่ยวชาญ ด้วยเหตุนี้ ครอบครัวที่มีชื่อเสียงจึงต้อนรับนักดนตรีเข้ามาในบ้านเพื่อสอนลูกๆ และให้ความบันเทิงแก่แขก

เครื่องมือยอดนิยม ในศตวรรษที่ 16 เครื่องดนตรีใหม่ปรากฏขึ้น ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือเพลงที่คนรักดนตรีเล่นได้ง่ายและสะดวก โดยไม่ต้องใช้ทักษะพิเศษใดๆ ที่พบมากที่สุดคือวิโอลาและดอกไม้ที่ดึงออกมาที่เกี่ยวข้อง วิโอลาเป็นบรรพบุรุษของไวโอลิน และเล่นได้ง่ายด้วยเฟรต (แถบไม้พาดที่คอ) ที่ช่วยให้คุณตีโน้ตได้ถูกต้อง เสียงวิโอลานั้นเงียบ แต่ฟังได้ดีในห้องโถงเล็กๆ พวกเขาร้องเพลงร่วมกับเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาอีกตัวหนึ่งอย่างหงุดหงิดเหมือนเช่นตอนนี้ด้วยกีตาร์

สมัยนั้นหลายคนชอบเล่นเครื่องอัดเสียง ฟลุต และแตร ดนตรีที่ซับซ้อนที่สุดเขียนขึ้นสำหรับเพลงที่สร้างขึ้นใหม่ ได้แก่ ฮาร์ปซิคอร์ด เวอร์จิเนล (ฮาร์ปซิคอร์ดภาษาอังกฤษ โดดเด่นด้วยขนาดที่เล็ก) และออร์แกน ในเวลาเดียวกันนักดนตรีก็ไม่ลืมที่จะแต่งเพลงที่เรียบง่ายซึ่งไม่ต้องใช้ทักษะการแสดงสูง ในเวลาเดียวกันมีการเปลี่ยนแปลงในการเขียนดนตรี: บล็อกการพิมพ์ไม้หนักถูกแทนที่ด้วยประเภทโลหะที่สามารถเคลื่อนย้ายซึ่งคิดค้นโดยชาวอิตาลี Ottaviano Petrucci ผลงานดนตรีที่ตีพิมพ์ขายหมดอย่างรวดเร็ว และผู้คนเริ่มมีส่วนร่วมในดนตรีมากขึ้นเรื่อยๆ

ทิศทางดนตรี.

เครื่องดนตรีชนิดใหม่ การพิมพ์ดนตรี และความนิยมอย่างกว้างขวางของดนตรีมีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาแชมเบอร์มิวสิค ตามชื่อของมัน ตั้งใจที่จะเล่นในห้องโถงเล็กๆ ต่อหน้าผู้ชมกลุ่มเล็กๆ มีนักแสดงหลายคน การแสดงเสียงร้องมีอำนาจเหนือกว่า เนื่องจากศิลปะการร้องเพลงในเวลานั้นได้รับการพัฒนามากกว่าการทำดนตรีมาก นอกจากนี้ นักมานุษยวิทยายังแย้งว่าผู้ฟังได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก "การผสมผสานอันมหัศจรรย์" ของศิลปะสองประเภท - ดนตรีและบทกวี ดังนั้นในฝรั่งเศส ชานซง (เพลงที่มีหลายเสียง) จึงกลายเป็นแนวเพลง และในอิตาลี เพลงมาดริกัล

ชานสันและมาดริกัลส์

Chansons ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาแสดงด้วยเสียงหลายเสียงไปจนถึงบทกวีที่มีเนื้อหาหลากหลายตั้งแต่ธีมที่ยอดเยี่ยมของความรักไปจนถึงชีวิตประจำวันในชนบท ผู้แต่งแต่งทำนองบทกวีที่เรียบง่ายมาก ต่อจากนั้นมาดริกัลถือกำเนิดขึ้นจากประเพณีนี้ - เป็นผลงานที่มีเสียง 4 หรือ 5 เสียงในธีมบทกวีอิสระ

ต่อมาในศตวรรษที่ 16 นักประพันธ์เพลงได้ข้อสรุปว่าเพลงมาดริกัลขาดความลึกและพลังของเสียงที่กรีกและโรมโบราณแสวงหามาโดยตลอด และเริ่มฟื้นฟูเครื่องดนตรีโบราณ ในเวลาเดียวกัน การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วของจังหวะที่รวดเร็วและราบรื่น สะท้อนถึงการเปลี่ยนแปลงของอารมณ์และสภาวะทางอารมณ์

ดังนั้นดนตรีจึงเริ่ม "ระบายสีคำ" และสะท้อนความรู้สึก ตัวอย่างเช่น น้ำเสียงที่ขึ้นอาจหมายถึงจุดสูงสุด (อารมณ์) น้ำเสียงที่ลงอาจหมายถึงหุบเขา (หุบเขาแห่งความโศกเศร้า) จังหวะที่ช้าอาจหมายถึงความโศกเศร้า จังหวะที่เร็วขึ้น และท่วงทำนองที่ประสานกันน่าฟังอาจหมายถึงความสุข และ ความไม่ลงรอยกันที่คมชัดและยาวนานอย่างจงใจอาจหมายถึงความโศกเศร้าและความทุกข์ทรมาน ในเพลงสมัยก่อนมีความสามัคคีและการเชื่อมโยงกัน ปัจจุบันมีพื้นฐานมาจากพหุนามและความแตกต่าง ซึ่งสะท้อนถึงโลกภายในอันอุดมสมบูรณ์ของมนุษย์ ดนตรีมีความลึกมากขึ้นจนกลายเป็นตัวละครส่วนตัว

ดนตรีประกอบ.

การเฉลิมฉลองและการเฉลิมฉลองถือเป็นจุดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ผู้คนในยุคนั้นเฉลิมฉลองทุกสิ่งตั้งแต่สมัยนักบุญจนถึงฤดูร้อน ในระหว่างขบวนแห่ตามท้องถนน นักดนตรีและนักร้องอ่านเพลงบัลลาดจากเวทีที่ตกแต่งอย่างหรูหราบนล้อ แสดงเพลงมาดริกัลที่ซับซ้อน และแสดงละคร ประชาชนต่างตั้งตารอชม "ภาพมีชีวิต" เป็นพิเศษพร้อมดนตรีประกอบและการตกแต่งในรูปแบบของเมฆกล ซึ่งเป็นสิ่งที่เทพจินตนาการไว้ในบทภาพยนตร์

ในเวลาเดียวกันก็มีการแต่งเพลงที่ไพเราะที่สุดสำหรับคริสตจักร ตามมาตรฐานของวันนี้คณะนักร้องประสานเสียงมีขนาดไม่ใหญ่นัก - จาก 20 ถึง 30 คน แต่เสียงของพวกเขาถูกขยายด้วยเสียงของทรอมโบนและทรัมเป็ต - คอร์เน็ตที่นำเข้าสู่วงออเคสตราและในวันหยุดสำคัญ ๆ (เช่นคริสต์มาส) นักร้องก็รวมตัวกันจาก ทั่วทั้งพื้นที่กลายเป็นคณะนักร้องประสานเสียงขนาดใหญ่เพียงคณะเดียว มีเพียงคริสตจักรคาทอลิกเท่านั้นที่เชื่อว่าดนตรีควรเรียบง่ายและเข้าใจได้ ดังนั้นจึงเป็นตัวอย่างของดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของจิโอวานนี ปาเลสเตรนา ผู้เขียนงานสั้นเกี่ยวกับตำราทางจิตวิญญาณ ควรสังเกตว่าในเวลาต่อมาเกจิเองก็ตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของดนตรี "ใหม่" ที่แสดงออกและทรงพลังและเริ่มเขียนผลงานที่ยิ่งใหญ่และมีสีสันซึ่งต้องใช้ทักษะการร้องเพลงประสานเสียงอย่างมาก

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ ดนตรีบรรเลงมีการพัฒนาอย่างกว้างขวาง เครื่องดนตรีหลัก ได้แก่ ลูต พิณ ฟลุต โอโบ ทรัมเป็ต อวัยวะประเภทต่าง ๆ (เชิงบวก แบบพกพา) ฮาร์ปซิคอร์ดประเภทต่างๆ ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน แต่ด้วยการพัฒนาเครื่องสายใหม่ๆ เช่น ไวโอลิน ไวโอลินจึงกลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีชั้นนำ

หากความคิดของยุคใหม่ตื่นขึ้นเป็นครั้งแรกในบทกวีและได้รับการพัฒนาอย่างยอดเยี่ยมในด้านสถาปัตยกรรมและการวาดภาพ ดนตรีที่เริ่มต้นด้วยเพลงพื้นบ้านก็แทรกซึมอยู่ในทุกขอบเขตของชีวิต แม้แต่ดนตรีในโบสถ์ก็ยังถูกมองว่ามีขอบเขตมากขึ้น เช่นเดียวกับภาพวาดของศิลปินในหัวข้อพระคัมภีร์ ไม่ใช่สิ่งที่ศักดิ์สิทธิ์ แต่เป็นสิ่งที่นำมาซึ่งความสุขและความเพลิดเพลิน ซึ่งผู้แต่ง นักดนตรี และคณะนักร้องประสานเสียงเองก็ใส่ใจ

กล่าวอีกนัยหนึ่ง เช่น บทกวี จิตรกรรม สถาปัตยกรรม จุดเปลี่ยนเกิดขึ้นในการพัฒนาดนตรี ด้วยการพัฒนาสุนทรียศาสตร์และทฤษฎีทางดนตรี ด้วยการสร้างสรรค์แนวเพลงใหม่ๆ โดยเฉพาะงานศิลปะสังเคราะห์ เช่น โอเปร่า และ บัลเล่ต์ซึ่งควรจะมองว่าเป็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการที่ถ่ายทอดมาหลายศตวรรษ

ดนตรีของเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 15 - 16 อุดมไปด้วยชื่อของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ในหมู่พวกเขา Josquin Despres (1440 - 1524) ซึ่ง Zarlino เขียนเกี่ยวกับผู้ที่ Zarlino เขียนและรับใช้ในศาลฝรั่งเศสที่โรงเรียน Franco-Flemish พัฒนาขึ้น เชื่อกันว่าความสำเร็จสูงสุดของนักดนตรีชาวดัตช์คือการร้องเพลงประสานเสียงแบบคาเปลลา ซึ่งสอดคล้องกับการผลักดันของมหาวิหารกอทิกที่สูงขึ้น

ศิลปะออร์แกนกำลังพัฒนาในประเทศเยอรมนี ในฝรั่งเศส มีการสร้างห้องสวดมนต์ในศาลและมีการจัดเทศกาลดนตรี ในปี ค.ศ. 1581 พระเจ้าเฮนรีที่ 3 ได้สถาปนาตำแหน่ง "หัวหน้าฝ่ายดนตรี" ในศาล "หัวหน้าผู้รับผิดชอบด้านดนตรี" คนแรกคือนักไวโอลินชาวอิตาลี Baltazarini de Belgioso ซึ่งจัดแสดง "The Queen's Comedy Ballet" ซึ่งเป็นการแสดงที่มีการนำเสนอดนตรีและการเต้นรำเป็นการแสดงบนเวทีเป็นครั้งแรก นี่คือวิธีที่บัลเล่ต์ในศาลเกิดขึ้น

Clément Janequin (ประมาณปี 1475 - ประมาณปี 1560) นักแต่งเพลงที่โดดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฝรั่งเศส เป็นหนึ่งในผู้สร้างแนวเพลงโพลีโฟนิก เป็นงานที่มีเสียง 4-5 เสียง เหมือนเพลงแฟนตาซี เพลงโพลีโฟนิกฆราวาส - ชานสัน - แพร่หลายนอกประเทศฝรั่งเศส

ในศตวรรษที่ 16 การพิมพ์เพลงเริ่มแพร่หลายเป็นครั้งแรก ในปี ค.ศ. 1516 Andrea Antico ซึ่งเป็นเครื่องพิมพ์แบบโรมัน-เวเนเชียน ได้ตีพิมพ์ชุดฟรอตโตลาสำหรับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด อิตาลีกลายเป็นศูนย์กลางของการสร้างสรรค์ฮาร์ปซิคอร์ดและไวโอลิน มีการเปิดเวิร์คช็อปการทำไวโอลินหลายแห่ง หนึ่งในปรมาจารย์คนแรกคือ Andrea Amati ผู้โด่งดังจาก Cremona ซึ่งเป็นผู้วางรากฐานสำหรับราชวงศ์แห่งช่างทำไวโอลิน เขาได้ทำการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในการออกแบบไวโอลินที่มีอยู่ ซึ่งทำให้เสียงดีขึ้นและทำให้มันใกล้เคียงกับรูปลักษณ์ที่ทันสมัยมากขึ้น

Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - นักลูเตนและนักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่โดดเด่นในยุคเรอเนซองส์ สร้างชื่อเสียงให้อิตาลีในฐานะประเทศแห่งนักดนตรีอัจฉริยะ เขายังคงถือว่าเป็นนักลูเทนิสต์ที่เก่งที่สุดตลอดกาล หลังจากการเสื่อมถอยของยุคกลางตอนปลาย ดนตรีกลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของวัฒนธรรม

ในปี 1537 วิทยาลัยดนตรีแห่งแรก Santa Maria di Loreto ถูกสร้างขึ้นในเนเปิลส์โดยนักบวชชาวสเปน Giovanni Tapia ซึ่งทำหน้าที่เป็นต้นแบบให้กับเรือนกระจกรุ่นต่อๆ ไป

Adrian Willaert (ค.ศ. 1490-1562) - นักแต่งเพลงและครูชาวดัตช์ ทำงานในอิตาลี เป็นตัวแทนของโรงเรียนโพลีโฟนิก Franco-Flemish (ดัตช์) ผู้ก่อตั้งโรงเรียน Venetian Willaert พัฒนาดนตรีสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงคู่ ซึ่งเป็นประเพณีของดนตรีหลายกลุ่มที่จะถึงจุดสูงสุดในช่วงต้นยุคบาโรกในผลงานของ Giovanni Gabrieli

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ มาดริกัลถึงจุดสุดยอดของการพัฒนาและกลายเป็นแนวดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุคนั้น มาดริกัลในยุคเรอเนซองส์แตกต่างจากเพลงมาดริกัลในยุคแรกและเรียบง่ายกว่าของ Trecento เพลงมาดริกัลในยุคเรอเนซองส์เขียนขึ้นสำหรับเสียงหลายเสียง (4-6) บ่อยครั้งเขียนโดยชาวต่างชาติที่ทำงานในราชสำนักของครอบครัวทางเหนือที่มีอิทธิพล ชาวมาดริกาลิสต์พยายามสร้างงานศิลปะชั้นสูง โดยมักใช้บทกวีที่ได้รับการปรับปรุงใหม่ของกวีชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคกลางตอนปลาย ได้แก่ Francesco Petrarch, Giovanni Boccaccio และคนอื่นๆ คุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของมาดริกัลคือการไม่มีหลักโครงสร้างที่เข้มงวด หลักการสำคัญคือการแสดงออกทางความคิดและความรู้สึกอย่างอิสระ

นักประพันธ์เพลงเช่นโรงเรียน Venetian ของ Cipriano de Rore และโรงเรียน French-Flemish ของ Roland de Lassus (ออร์แลนโดดิลาสโซในอาชีพชาวอิตาลีของเขา) ทดลองกับการเพิ่มสี ความกลมกลืน จังหวะ เนื้อสัมผัส และวิธีการอื่นในการแสดงออกทางดนตรี ประสบการณ์ของพวกเขาจะดำเนินต่อไปและสิ้นสุดในยุคลัทธินิยมของ Carlo Gesualdo

เพลงโพลีโฟนิกที่สำคัญอีกรูปแบบหนึ่งคือวิลลาเนล มีต้นกำเนิดจากเพลงยอดนิยมในเนเปิลส์ และแพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทั่วอิตาลี และต่อมาก็แพร่ขยายไปยังฝรั่งเศส อังกฤษ และเยอรมนี วิลลาเนลชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 16 เป็นแรงผลักดันอย่างมากต่อการพัฒนาขั้นตอนของคอร์ดและผลที่ตามมาคือโทนเสียงฮาร์โมนิก

การกำเนิดของโอเปร่า (ฟลอเรนซ์ คาเมราตา)

การสิ้นสุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถูกทำเครื่องหมายด้วยเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีนั่นคือการกำเนิดของโอเปร่า

กลุ่มนักมานุษยวิทยา นักดนตรี และกวีรวมตัวกันในฟลอเรนซ์ภายใต้การอุปถัมภ์ของผู้นำของพวกเขา เคานต์จิโอวานนี เด บาร์ดี (1534 - 1612) กลุ่มนี้ถูกเรียกว่า "Camerata" สมาชิกหลักคือ Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (บิดาของนักดาราศาสตร์ Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri และ Ottavio Rinuccini เมื่ออายุยังน้อย

การประชุมที่ได้รับการบันทึกไว้ครั้งแรกของกลุ่มเกิดขึ้นในปี 1573 และปีที่มีการใช้งานมากที่สุดของ Florentine Camerata คือปี 1577 - 1582

พวกเขาเชื่อว่าดนตรี "แย่ลง" และพยายามกลับคืนสู่รูปแบบและสไตล์ของกรีกโบราณ โดยเชื่อว่าศิลปะแห่งดนตรีสามารถปรับปรุงได้ และสังคมก็จะดีขึ้นตามนั้น คาเมราตาวิพากษ์วิจารณ์ดนตรีที่มีอยู่สำหรับการใช้พหุโฟนีมากเกินไป โดยสูญเสียความสามารถในการเข้าใจข้อความและสูญเสียองค์ประกอบทางบทกวีของงาน และเสนอให้สร้างรูปแบบดนตรีใหม่ซึ่งมีข้อความในรูปแบบโมโนดิกร่วมกับดนตรีบรรเลง การทดลองของพวกเขานำไปสู่การสร้างรูปแบบเสียงร้องและดนตรีใหม่ - การบรรยายซึ่งใช้ครั้งแรกโดย Emilio de Cavalieri ซึ่งต่อมาเกี่ยวข้องโดยตรงกับการพัฒนาโอเปร่า

โอเปร่าแรกที่ได้รับการยอมรับอย่างเป็นทางการซึ่งเป็นไปตามมาตรฐานสมัยใหม่คือ Daphne ซึ่งแสดงครั้งแรกในปี 1598 ผู้แต่ง Daphne คือ Jacopo Peri และ Jacopo Corsi บทโดย Ottavio Rinuccini โอเปร่านี้ไม่รอด โอเปร่าแรกที่ยังมีชีวิตอยู่คือ Euridice (1600) โดยผู้เขียนคนเดียวกัน - Jacopo Peri และ Ottavio Rinuccini สหภาพสร้างสรรค์แห่งนี้ยังได้สร้างสรรค์ผลงานมากมาย ซึ่งส่วนใหญ่สูญหายไป

การฟื้นฟูภาคเหนือ.

ดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือก็น่าสนใจเช่นกัน เมื่อถึงศตวรรษที่ 16 มีนิทานพื้นบ้านมากมายโดยเน้นเสียงร้องเป็นหลัก ได้ยินเสียงดนตรีทุกที่ในเยอรมนี ในงานเทศกาล ในโบสถ์ งานสังคม และในค่ายทหาร สงครามชาวนาและการปฏิรูปทำให้เกิดความคิดสร้างสรรค์เพลงพื้นบ้านเพิ่มขึ้นครั้งใหม่ มีเพลงสวดนิกายลูเธอรันที่แสดงออกถึงอารมณ์หลายเพลงซึ่งไม่ทราบผู้แต่ง การร้องเพลงประสานเสียงกลายเป็นรูปแบบสำคัญของการนมัสการของนิกายลูเธอรัน การร้องเพลงประสานเสียงของโปรเตสแตนต์มีอิทธิพลต่อการพัฒนาดนตรียุโรปทั้งหมดในเวลาต่อมา

ดนตรีหลากหลายรูปแบบในประเทศเยอรมนีในคริสต์ศตวรรษที่ 16 มันน่าทึ่งมาก: มีการแสดงบัลเล่ต์และโอเปร่าใน Maslenitsa เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่เอ่ยชื่อเช่น K. Paumann, P. Hofheimer เหล่านี้เป็นนักแต่งเพลงที่แต่งเพลงฆราวาสและเพลงในโบสถ์โดยเฉพาะสำหรับออร์แกน พวกเขาเข้าร่วมโดยนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส - เฟลมิชที่โดดเด่นซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนชาวดัตช์ O. Lasso เขาทำงานในหลายประเทศในยุโรป เขาสรุปและพัฒนาความสำเร็จของโรงเรียนดนตรียุโรปหลายแห่งในยุคเรอเนซองส์อย่างสร้างสรรค์ ปริญญาโทสาขาดนตรีประสานเสียงทางศาสนาและฆราวาส (มากกว่า 2,000 บทเพลง)

แต่การปฏิวัติอย่างแท้จริงในดนตรีเยอรมันประสบความสำเร็จโดย Heinrich Schütz (1585-1672) นักแต่งเพลง หัวหน้าวงดนตรี นักออร์แกน และอาจารย์ ผู้ก่อตั้งโรงเรียนการแต่งเพลงแห่งชาติ ซึ่งเป็นโรงเรียนที่ใหญ่ที่สุดในบรรดาสถาบัน I.S. บาค. Schützเขียนโอเปร่าเยอรมันเรื่องแรก "Daphne" (1627), โอเปร่าบัลเล่ต์ "Orpheus and Eurydice" (1638); มาดริกาล งานแคนตาตา-โอราทอริโอทางจิตวิญญาณ (“ความหลงใหล” คอนแชร์โต มอเตต สดุดี ฯลฯ)

1. แนวโน้มทั่วไปในการพัฒนาศิลปะดนตรีในสมัยเรอเนซองส์
2. การศึกษาด้านดนตรีในยุคเรอเนซองส์
3. ทฤษฎีดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทความเกี่ยวกับดนตรี

• บูติค-โครงการ

1. แนวโน้มทั่วไปในการพัฒนาศิลปะดนตรีในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ศตวรรษที่ XIV-XVII ในยุโรปตะวันตกกลายเป็นช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงทางสังคมครั้งใหญ่ คราวนี้ลงไปในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมภายใต้ชื่อยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ช่วงเวลานี้ได้รับชื่อจากการฟื้นตัวของความสนใจในศิลปะโบราณซึ่งต่อมาได้กลายเป็นอุดมคติสำหรับบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมในยุคปัจจุบัน นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรี (J. Tinctoris, G. Tzarlino, Glarean และคนอื่นๆ) ศึกษาบทความดนตรีกรีกโบราณ ในงานของ Josquin Despres ตามคำกล่าวของโคตร "ความสมบูรณ์แบบที่หายไปของดนตรีของชาวกรีกโบราณได้รับการฟื้นคืนชีพ"; ปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 และต้นศตวรรษที่ 17 โอเปร่าได้รับคำแนะนำจากกฎแห่งการละครโบราณ

การพัฒนาวัฒนธรรมยุคเรอเนซองส์สัมพันธ์กับความเจริญรุ่งเรืองของสังคมทุกด้าน โลกทัศน์ใหม่ถือกำเนิดขึ้น - มนุษยนิยม (จากภาษาละติน humanus - "มนุษยธรรม") การปลดปล่อยพลังสร้างสรรค์นำไปสู่การพัฒนาอย่างรวดเร็วของวิทยาศาสตร์ การค้า งานฝีมือ และความสัมพันธ์แบบทุนนิยมรูปแบบใหม่ได้เป็นรูปเป็นร่างขึ้นในระบบเศรษฐกิจ การประดิษฐ์การพิมพ์มีส่วนช่วยในการเผยแพร่การศึกษา การค้นพบทางภูมิศาสตร์ครั้งยิ่งใหญ่และระบบเฮลิโอเซนทริกของโลกของเอ็น. โคเปอร์นิคัสได้เปลี่ยนความคิดเกี่ยวกับโลกและจักรวาล

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ ศิลปะ รวมทั้งดนตรี มีอิทธิพลอย่างมากต่อสาธารณะและแพร่หลายอย่างมาก ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะเกือบทุกประเภทมีความเจริญรุ่งเรืองเป็นพิเศษ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีขอบเขตตามลำดับเวลาที่ไม่เท่ากันในประเทศต่างๆ ในยุโรป ในอิตาลีเริ่มต้นในศตวรรษที่ 14 ในเนเธอร์แลนด์เริ่มต้นในศตวรรษที่ 15 และในฝรั่งเศส เยอรมนี และอังกฤษ สัญญาณของสัญญาณดังกล่าวปรากฏชัดเจนที่สุดในศตวรรษที่ 16 ขณะเดียวกันการพัฒนาความเชื่อมโยงระหว่างโรงเรียนสร้างสรรค์ต่างๆ การแลกเปลี่ยนประสบการณ์ระหว่างนักดนตรีที่ย้ายจากประเทศหนึ่งไปอีกประเทศหนึ่ง ทำงานในโบสถ์ต่างๆ กลายเป็นสัญลักษณ์แห่งยุคสมัยและทำให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับกระแสที่มีร่วมกันตลอดยุคสมัย .

แนวคิดเรื่องการฟื้นฟูอุดมคติมนุษยนิยมโบราณและการสูญเสียตำแหน่งของคริสตจักรแพร่กระจายไปตลอดชีวิตทางวัฒนธรรม ซึ่งส่งผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อการศึกษาด้านดนตรี ความสนใจด้านวิทยาศาสตร์ที่เพิ่มมากขึ้นได้นำไปสู่การเผยแพร่การศึกษาในหลากหลายสาขา หากในยุคกลางประเพณีทางศาสนามีชัย ปราบปรามฆราวาสเกือบทั้งหมด (ซึ่งมีส่วนใหญ่อยู่ในรูปแบบของวัฒนธรรมนักร้อง) และห้ามวัฒนธรรมพื้นบ้าน ในยุคเรอเนซองส์ ดนตรีคริสตจักรและสาขาศาสนาของการศึกษาดนตรีในขณะที่ ปฏิบัติหน้าที่ต่อไป เสียตำแหน่ง สาขาการทำดนตรีและการศึกษาด้านดนตรีทางโลกมีลักษณะที่เพิ่มมากขึ้น วัฒนธรรมการทำดนตรีทางโลกก็มีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับดนตรีพื้นบ้าน ตัวอย่างเช่นนักดนตรีที่ผสมผสานประเพณีพื้นบ้านและฆราวาสในงานของพวกเขามักจะเริ่มยังคงอยู่ในราชสำนักของผู้สูงศักดิ์สูงสุดในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยางานของพวกเขากลายเป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาการทำดนตรีฆราวาส ในช่วงยุคเรอเนซองส์ ดนตรีไม่เพียงทำหน้าที่ในการแสวงหาความสุขเท่านั้น แม้ว่าจะมีความสำคัญในการสร้างดนตรีทางโลกด้วยก็ตาม เป้าหมายของการศึกษาด้านดนตรีเช่นเดียวกับความรู้ด้านศิลปะได้รับการหยิบยกขึ้นมาเช่นเดียวกับในยุคโบราณซึ่งเป็นการพัฒนาคุณธรรมของมนุษย์ จุดเริ่มต้นของการพิมพ์เพลงและความเจริญรุ่งเรืองของการทำดนตรีสมัครเล่นย้อนกลับไปในเวลานี้ ในเวลานี้ กระบวนการคิดใหม่เกี่ยวกับสถานะทางสังคมของดนตรีก็เริ่มขึ้น สไตล์และแนวเพลงเริ่มแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับวัตถุประสงค์ทางสังคม ดนตรี "พื้นบ้าน" และดนตรี "วิชาการ" ปรากฏขึ้นสำหรับ "มือสมัครเล่นที่ไม่มีประสบการณ์" และสำหรับ "หูที่ประณีต" สำหรับ "ผู้อาวุโสและเจ้าชาย" แนวโน้มของชนชั้นสูงในด้านดนตรีศึกษาเห็นได้ชัดเจน ในปี ค.ศ. 1528 มีการเขียนบทความชื่อดังเรื่อง The Courtier โดย B. Castiglione ซึ่งเป็นรหัสพฤติกรรมสังคมชั้นสูงประเภทหนึ่ง เอกสารนี้ชี้ให้เห็นว่าความเชี่ยวชาญในการร้องเพลงและเครื่องดนตรีทำหน้าที่เป็นสัญลักษณ์ของความซับซ้อนทางจิตวิญญาณและการเลี้ยงดูทางโลกอย่างแท้จริง บทบาทที่เพิ่มขึ้นของประเพณีทางโลกของการศึกษาดนตรีได้นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงประเภทของการศึกษา หากประเพณีของคริสตจักรอาศัยการร้องเพลงประสานเสียงเป็นหลัก ประเพณีทางโลกก็มีลักษณะเฉพาะคือความสนใจในเครื่องดนตรี การร้องเพลงไม่ได้ถูกแทนที่ แต่ใช้รูปแบบต่างๆ มากมาย รวมทั้งการร้องเดี่ยวแบบฆราวาสและการทำดนตรีทั้งชุด ในช่วงยุคเรอเนซองส์ การร้องเพลงด้วยเสียงเดียวทำให้เกิดการร้องเพลงแบบโพลีโฟนิก นักร้องประสานเสียงคู่และสามคนปรากฏขึ้น การเขียนโพลีโฟนิกในสไตล์ที่เข้มงวดถึงจุดสูงสุด และการแบ่งคณะนักร้องประสานเสียงออกเป็นสี่ส่วนการร้องประสานเสียงหลักได้รับการจัดตั้งขึ้นอย่างมั่นคง: นักร้องเสียงโซปราโน อัลโตส เทเนอร์ , เบส นอกเหนือจากดนตรีที่มีไว้สำหรับร้องเพลงประสานเสียงในโบสถ์แล้ว ดนตรีประสานเสียงฆราวาส (โมเท็ต บัลลาด มาดริกัล ชานสัน) ก็กำลังยืนยันสิทธิ์ของตน

กระบวนการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีซึ่งแยกจากดนตรีร้องดำเนินไปอย่างรวดเร็วและรวดเร็ว การทำดนตรีบรรเลงได้รับความเป็นอิสระในฐานะกิจกรรมดั้งเดิมของมนุษย์ เครื่องดนตรีหลักๆ ได้แก่ ลูต ฮาร์ป ฟลุต โอโบ ทรัมเป็ต ออร์แกนประเภทต่างๆ (โพซิซิทีฟ แบบพกพา) และฮาร์ปซิคอร์ดแบบต่างๆ ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน แต่ด้วยการพัฒนาเครื่องสายใหม่ๆ เช่น ไวโอลิน ไวโอลินจึงกลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีชั้นนำ วิโอลาอีกประเภทหนึ่งคือ วิโอลา ดา กัมบา กลายเป็นเชลโล การเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีซึ่งเริ่มขึ้นในยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 14 และดำเนินต่อไปไม่เพียงแต่ตลอดยุคเรอเนซองส์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงในยุคต่อๆ มาด้วย เป็นการแสดงออกถึงความต้องการทางจิตวิญญาณของผู้คน ซึ่งดนตรีของคริสตจักรไม่เป็นที่พอใจอีกต่อไป (เว็บไซต์) โดยทั่วไปเราสามารถระบุลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้ดังต่อไปนี้: การพัฒนาอย่างรวดเร็วของดนตรีฆราวาส (การแพร่กระจายของแนวฆราวาสอย่างกว้างขวาง: มาดริกัล, ฟรอตโตล, วิลลาเนลส์, "ชานสัน" ของฝรั่งเศส, โพลีโฟนิกภาษาอังกฤษและเยอรมัน เพลง) การโจมตีวัฒนธรรมดนตรีของคริสตจักรเก่า ซึ่งมีอยู่คู่ขนานกับฆราวาส;

แนวโน้มดนตรีที่สมจริง: โครงเรื่องใหม่ ภาพที่สอดคล้องกับมุมมองมนุษยนิยม และเป็นผลให้มีวิธีการแสดงออกทางดนตรีแบบใหม่

ทำนองเพลงพื้นบ้านเป็นจุดเริ่มต้นสำคัญของงานดนตรี เพลงพื้นบ้านใช้เป็น Cantus Firmus (ทำนองหลักที่ไม่เปลี่ยนแปลงในเทเนอร์ในงานโพลีโฟนิก) และในดนตรีโพลีโฟนิก (รวมถึงดนตรีคริสตจักร) ทำนองจะนุ่มนวลขึ้น ยืดหยุ่นขึ้น ไพเราะมากขึ้น และเป็นการแสดงออกถึงประสบการณ์ของมนุษย์โดยตรง

การพัฒนาอันทรงพลังของดนตรีโพลีโฟนิกและ "สไตล์ที่เข้มงวด" (หรือ "โพลีโฟนีเสียงคลาสสิก" เนื่องจากเน้นไปที่การแสดงเสียงร้องและการร้องประสานเสียง) รูปแบบที่เข้มงวดถือว่าต้องปฏิบัติตามกฎที่กำหนดไว้ ปรมาจารย์แห่งสไตล์ที่เข้มงวดเชี่ยวชาญเทคนิคการหักล้างการเลียนแบบและหลักการ การเขียนที่เข้มงวดมีพื้นฐานอยู่บนระบบของรูปแบบคริสตจักรแบบไดโทนิก ความสอดคล้องมีอิทธิพลเหนือความสามัคคี การใช้ความไม่สอดคล้องกันถูกจำกัดโดยกฎพิเศษอย่างเคร่งครัด เพิ่มโหมดหลักและโหมดรองและระบบนาฬิกาแล้ว เนื้อหาหลักคือบทสวดแบบเกรกอเรียน แต่มีการใช้ท่วงทำนองฆราวาสด้วย โดยเน้นที่พฤกษ์เพลงของ D. Palestrina และ O. Lasso เป็นหลัก

การก่อตัวของนักดนตรีประเภทใหม่ - มืออาชีพที่ได้รับการศึกษาด้านดนตรีพิเศษแบบครบวงจร แนวคิดเรื่อง “นักแต่งเพลง” ปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรก

การก่อตั้งโรงเรียนดนตรีแห่งชาติ (อังกฤษ ดัตช์ อิตาลี เยอรมัน ฯลฯ)

การปรากฏตัวของนักแสดงคนแรกในพิณ, ไวโอลิน, ไวโอลิน, ฮาร์ปซิคอร์ด, ออร์แกน; ความเจริญรุ่งเรืองของการทำดนตรีสมัครเล่น

การเกิดขึ้นของการพิมพ์เพลง

2.การศึกษาด้านดนตรีในยุคเรอเนซองส์

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถือเป็นการเปลี่ยนผ่านจากยุคกลางไปสู่ยุคใหม่ และเหนือสิ่งอื่นใด ไปสู่วัฒนธรรมของสังคมชนชั้นกลางตอนต้นซึ่งมีต้นกำเนิดในเมืองต่างๆ ของอิตาลี จากนั้นจึงพัฒนาในเมืองต่างๆ ของประเทศอื่นๆ ในยุโรป วัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีลักษณะเห็นอกเห็นใจและยืนยันถึงอุดมคติของบุคลิกภาพของมนุษย์ที่พัฒนาอย่างกลมกลืน ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการยุติการบำเพ็ญตบะในยุคกลางโดยนำความสำเร็จทางวัฒนธรรมของสมัยโบราณมาเติมเต็มด้วยความหมายใหม่

ในสมัยโบราณ ศิลปะถูกนำมาใช้เพื่อการศึกษาเป็นหลัก ดนตรีถือเป็นวิธีการและเป้าหมายที่สำคัญของการศึกษาสาธารณะ เนื่องจากมีการปฐมนิเทศทางศีลธรรม และดนตรีของบุคคลถือเป็นคุณค่าทางสังคมและกำหนดคุณภาพของแต่ละบุคคล การศึกษาศิลปะในสมัยนั้นถือเป็นพื้นฐานของการศึกษาโดยทั่วไป คำพ้องความหมายสำหรับคำว่า "ดนตรี" คือคำว่า "การศึกษา" ดนตรี วรรณกรรม ไวยากรณ์ การวาดภาพ และยิมนาสติกเป็นเนื้อหาหลักของการศึกษา ซึ่งออกแบบมาเพื่อพัฒนาความสามารถในการรับของจิตวิญญาณ คุณธรรมของแรงบันดาลใจและความรู้สึก ตลอดจนความแข็งแกร่งและความงามของร่างกาย การศึกษาทางสังคมในหมู่ชาวกรีกแยกออกจากการศึกษาด้านสุนทรียศาสตร์ซึ่งมีพื้นฐานมาจากดนตรี พวกเขาเข้าใจว่าดนตรีเป็นวิธีสากลและมีความสำคัญในการศึกษาสาธารณะและเป้าหมาย (Spartans, Pythagoras, Plato, Aristotle) ดังนั้น พีทาโกรัสจึงถือว่าจักรวาลเป็น "ดนตรี" เช่นเดียวกับที่รัฐจัด "ทางดนตรี" (นั่นคืออย่างกลมกลืน) และอยู่ภายใต้โหมด "ถูกต้อง" และเนื่องจากดนตรีสะท้อนถึงความสามัคคี เป้าหมายสูงสุดของบุคคลคืองานที่จะทำให้ร่างกายและจิตวิญญาณของเขามีดนตรี ลัทธิแห่งความสามัคคี ความงามทางกายและจิตวิญญาณ ความแข็งแกร่ง สุขภาพ การรับรู้ทางประสาทสัมผัสของชีวิต กลายเป็นหลักการของศิลปะในยุคเรอเนซองส์ นี่เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนารูปแบบการศึกษาด้านสุนทรียศาสตร์ อุดมคติของยุคนี้คือศิลปินที่รอบรู้ - บุคลิกสร้างสรรค์ที่มีอิสระมีพรสวรรค์มากมายมุ่งมั่นที่จะสร้างความงามและความกลมกลืนในโลกรอบตัวเขา ตัวอย่างเช่น ที่โรงเรียน Mantuan ของ Vittorino de Feltre คนหนุ่มสาวเรียนรู้ที่จะรู้สึกถึงความสามัคคีทางดนตรี ในด้านการศึกษา ความสามารถในการร้องเพลงมีความสำคัญอย่างยิ่ง ผู้ก่อตั้งโรงเรียนเชื่อว่าดนตรีพัฒนาความรู้สึกของเวลา และที่สำคัญที่สุดคือการศึกษาประกอบด้วยในการพัฒนาความอ่อนไหวและการรับรู้ ดังนั้นองค์ประกอบด้านสุนทรียภาพจึงมีบทบาทอย่างมากในวิธีการศึกษาของเขา

แนวคิดใหม่ๆ สะท้อนให้เห็นในบทความเกี่ยวกับการศึกษาหลายฉบับ ซึ่งแต่ละบทความได้กำหนดความหมายและบทบาทของศิลปะในการศึกษาอย่างแน่นอน หนึ่งในนั้นคือ “On the Noble Morals and Free Sciences” โดย Paulo Vergerio, “On the Education of Children and their Good Morals” โดย Mateo Veggio, “On the Order of Teaching and Learning” โดย Battisto Guarino, “Treatise on Free Education” โดย เอเนโอ ซิลวิโอ พิคโคโลมินี และคนอื่นๆ ในแวดวงสังคมชั้นสูง ควบคู่ไปกับการอ่านและการเขียน มารยาททางโลกจำเป็นต้องมีความสามารถในการเล่นเครื่องดนตรีหลายชนิดและพูดได้ 5 - 6 ภาษา จากบทความที่กล่าวถึงข้างต้นโดย Baldasare Castiglione "On the Courtier" (ศตวรรษที่ 16) คุณสามารถค้นหาข้อกำหนดสำหรับขุนนางในด้านการศึกษาดนตรี: "... ฉันไม่พอใจกับข้าราชบริพารถ้าเขาไม่ นักดนตรีไม่รู้วิธีอ่านเพลงจากแผ่นงานและไม่รู้อะไรเลยเกี่ยวกับเครื่องดนตรีต่าง ๆ เพราะถ้าคุณคิดอย่างรอบคอบ คุณจะไม่พบการพักผ่อนที่มีเกียรติและน่ายกย่องจากการทำงานและยาสำหรับดวงวิญญาณที่ป่วยมากกว่าดนตรี ดนตรีเป็นสิ่งจำเป็นอย่างยิ่งที่ศาล เนื่องจากนอกเหนือจากการให้ความบันเทิงจากความเบื่อหน่ายแล้ว ดนตรียังมอบความสุขให้กับสุภาพสตรีอีกด้วย ซึ่งจิตวิญญาณที่อ่อนโยนและนุ่มนวล เปี่ยมไปด้วยความสามัคคีและเต็มไปด้วยความอ่อนโยนได้อย่างง่ายดาย” แล้วเราก็พูดถึงดนตรีประเภทไหนที่ไพเราะ: ร้องเพลงจากสายตาอย่างมั่นใจและด้วยท่าทางที่ดี, ร้องเพลงโซโลด้วยการละเมิด, เล่นคีย์บอร์ดหรือเครื่องดนตรีโค้งทั้งสี่ อย่างไรก็ตามไม่มีที่ไหนที่ Castiglione ยกย่องดนตรีประสานเสียงโพลีโฟนิกโดยพิจารณาว่าโดยพื้นฐานแล้วมันมีวัตถุประสงค์พิเศษเท่านั้น - ในโบสถ์ในงานเฉลิมฉลองอย่างเป็นทางการ

การวางแนวการศึกษาแบบฆราวาสแสดงให้เห็นในการขยายขอบเขตและเนื้อหาของการศึกษาด้านดนตรีในโรงเรียนตำบล สถานเลี้ยงเด็กกำพร้า รวมถึง "เรือนกระจก" ที่ปรากฏในเวลานั้น - ที่พักพิงเฉพาะทางที่เด็กที่มีพรสวรรค์ทางดนตรีสามารถเรียนได้ "เรือนกระจก" แห่งแรกปรากฏในเวนิส พวกเขาดูแลเด็กกำพร้าและให้การศึกษาระดับประถมศึกษา เด็กผู้ชายได้รับการสอนงานฝีมือต่างๆ และเด็กผู้หญิงได้รับการสอนการร้องเพลง วัดหลายแห่งในอิตาลีต้องการนักร้องหลายคนสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ ในปี 1537 วิทยาลัยดนตรีแห่งแรก "Santa Maria di Loreto" ถูกสร้างขึ้นในเนเปิลส์โดยนักบวชชาวสเปน Giovanni Tapia ซึ่งทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับรุ่นต่อๆ ไป (เว็บไซต์) นักเรียนหลั่งไหลเข้ามามากมายจนจำเป็นต้องเปิด “เรือนกระจก” อีกสามแห่งในเมืองเดียวกัน ในช่วงศตวรรษที่ 16 และ 17 มีการเปิดสถานพักพิงดังกล่าวหลายแห่งในอิตาลี การสอนดนตรีเริ่มเข้ามามีบทบาทหลักในพวกเขาทีละน้อย ไม่เพียงแต่นักเรียนของสถานเลี้ยงเด็กกำพร้าเท่านั้นที่สามารถเรียนได้ แต่ยังรวมถึงนักเรียนภายนอกด้วยโดยมีค่าธรรมเนียม ชื่อ "เรือนกระจก" ซึ่งสูญเสียความหมายเดิมไปแล้วเริ่มหมายถึงสถาบันการศึกษาด้านดนตรี

การศึกษาที่สำคัญรูปแบบหนึ่งในยุคนั้นคือโรงเรียนสอนร้องเพลงในโบสถ์คาทอลิก - เมตริซ Metriza (ครูสอนภาษาฝรั่งเศส) เป็นโรงเรียนประจำด้านดนตรีในฝรั่งเศสและเนเธอร์แลนด์ ซึ่งฝึกอบรมคณะนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ เมทริซแรกเป็นที่รู้จักในศตวรรษที่ 8 ระบบการศึกษาในโรงเรียนดังกล่าวได้รับการพัฒนาย้อนกลับไปในยุคกลาง: การศึกษาดำเนินการตั้งแต่วัยเด็กและร่วมกับวิชาการศึกษาทั่วไปรวมถึงการร้องเพลง การเล่นออร์แกน และการศึกษาทฤษฎีดนตรี ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ได้มีการเพิ่มการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีอื่นๆ ในแต่ละเมทริซมีนักร้องประมาณ 20-30 คนที่ได้รับการฝึกฝนภายใต้การแนะนำของนักร้องประสานเสียง (maôtre de Chapelle) Metriz มีบทบาทสำคัญในการเผยแพร่การศึกษาด้านดนตรีระดับมืออาชีพ นักแต่งเพลงโพลีโฟนิสต์ชาวฝรั่งเศสและดัตช์ที่โดดเด่นหลายคน G. Dufay, J. Obrecht, J. Okegem และคนอื่น ๆ ศึกษาใน metriz

คุณลักษณะหลักของการสอนแบบเห็นอกเห็นใจคือการมุ่งเน้นไปที่การก่อตัวของบุคคลที่มีการศึกษามีคุณธรรมที่สมบูรณ์แบบและมีการพัฒนาทางร่างกายโดยมีการวางแนวทางสังคมที่ชัดเจนซึ่งแสดงให้เห็นในลักษณะการปฏิบัติของการศึกษาด้านดนตรี รูปแบบการเล่นดนตรีหลัก ได้แก่ โบสถ์ ร้านเสริมสวย โรงเรียน และที่บ้าน โดยธรรมชาติแล้วระดับและความเป็นไปได้ของการศึกษาดนตรีในสังคมชั้นต่างๆ นั้นแตกต่างกัน การศึกษาที่ครอบคลุมและการพัฒนาที่กลมกลืนมีไว้สำหรับชนกลุ่มน้อยในสังคมเป็นหลัก ในชั้นทางสังคมที่สูงที่สุดของสังคม ธรรมชาติเชิงปฏิบัติของการศึกษาด้านดนตรีจะค่อยๆ ลดน้อยลงไปสู่การปฏิบัติจริง ทำให้เกิดทัศนคติเชิงปฏิบัติต่อดนตรี ซึ่งพิจารณาจากการพิจารณาของแฟชั่น ศักดิ์ศรี ผลประโยชน์ ฯลฯ การร้องเพลงในโบสถ์ เทศกาลพื้นบ้าน และงานรื่นเริงยังคงเป็นรูปแบบของการแนะนำดนตรีโดยทั่วไป โดยทั่วไป การสอนของยุคเรอเนซองส์ได้ปลุกความสนใจของนักเรียนในความรู้และการพัฒนาทักษะการปฏิบัติของพวกเขา โรงเรียนปรากฏว่ามีการสร้างบรรยากาศแห่งการเรียนรู้ที่ทำให้กระบวนการเรียนรู้กลายเป็นกิจกรรมที่สนุกสนานและน่าสนใจสำหรับตัวนักเรียนเอง ในช่วงเวลานี้ ทัศนศิลป์ทุกชนิด เกม และบทเรียนในป่าถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย การมีส่วนร่วมอย่างมากในการสอนทั่วไปเกิดขึ้นโดยนักสังคมนิยมยูโทเปียยุคแรก T. More (1478-1535) และ T. Campanella (1568-1639), E. Rotterdam (1466-1536), Fr. ราเบเลส์ (1494-1553) การประดิษฐ์การพิมพ์เพลงและการผลิตฉบับเพลงตั้งแต่ปีแรกของศตวรรษที่ 16 มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาทางดนตรี การศึกษา และการเผยแพร่ผลงานทางดนตรีในประเทศต่างๆ Ottaviano Petrucci ในอิตาลีเริ่มตีพิมพ์มวลชนของ Josquin Despres, Obrecht และผลงานของคนรุ่นเดียวกัน สิ่งพิมพ์ดนตรีที่เป็นแบบอย่างเรื่องแรกของเขาคือคอลเลกชั่นเพลงชานสันที่มีชื่อว่า "Harmoniae musices Odhecaton" รวมถึงการดัดแปลงเพลงเดียวกันของผู้แต่งหลายคน (เช่น "การตั้งถิ่นฐานของ Fors") รวมถึงผลงานของ Bunois, Obrecht, Pierre de La Rue, Agricola, Ghiselin ต่อจากนั้น Petrucci ได้เปิดตัวคอลเลกชันเพลงโพลีโฟนิกของอิตาลีจำนวนหนึ่ง - frottola ซึ่งแพร่หลายในสังคม Ottaviano Scotto และ Antonio Gardane ในเวนิส, Pierre Attennan ในปารีส และ Tilman Suzato ใน Antwerp ต่างก็กลายเป็นผู้เผยแพร่เพลงรายใหญ่ในยุคนั้น

• ทฤษฎีดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทความเกี่ยวกับดนตรี

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ ทฤษฎีดนตรีได้ก้าวไปข้างหน้าอย่างมาก โดยนำเสนอนักทฤษฎีที่น่าทึ่งจำนวนหนึ่ง รวมถึง Johannes Tinctoris (ผู้เขียนบทความเกี่ยวกับดนตรี 12 เล่ม), Ramos di Pareja, Heinrich Loriti แห่ง Glarus ( กลาเรียน)(ผู้ก่อตั้งหลักคำสอนเรื่องทำนอง) โจเซฟโฟ ซารลิโน(หนึ่งในผู้สร้างศาสตร์แห่งความสามัคคี) หลักคำสอนของรูปแบบ, การเผยแพร่ความรู้ทางดนตรี, การตัดสินเกี่ยวกับนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้นและการพัฒนาทางดนตรีในศตวรรษที่ 15-16, ความสนใจที่ตื่นขึ้นในคุณลักษณะเฉพาะของศิลปะพื้นบ้าน, การอภิปรายปัญหาของการแสดงดนตรี - พื้นที่เหล่านี้ครอบคลุมโดยวิทยาศาสตร์ดนตรีตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 15 และตลอดศตวรรษที่ 16 นักทฤษฎีหลักๆ ทุกคนต่างกระตือรือร้นในการสอน

โยฮันเนส (จอห์น) ทิงทอริส(ราวปี ค.ศ. 1435 - 1511) - นักทฤษฎีและนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส-เฟลมิช เขาศึกษา "ศิลปศาสตร์" และกฎหมาย และเป็นที่ปรึกษาของคณะนักร้องประสานเสียงเด็กชายของอาสนวิหารชาตร์ ตั้งแต่ปี 1472 เขาดำรงตำแหน่งในราชสำนักของกษัตริย์เนเปิลส์ เฟอร์ดินันด์ที่ 1 และเป็นครูสอนดนตรีของลูกสาวของเขา เบียทริซ ซึ่งกลายเป็นราชินีแห่งฮังการีในปี 1476 Tinctoris อุทิศบทความเชิงทฤษฎีดนตรีสามชิ้นให้กับนักเรียนของเขา Beatrice รวมถึงบทความที่มีชื่อเสียงเรื่อง "Definition of Music" เป็นที่ทราบกันดีว่าในปี 1487 เฟอร์ดินานด์ ฉันได้ส่งทิงทอริสไปยังฝรั่งเศสเพื่อไปหากษัตริย์ชาร์ลส์ที่ 8 โดยมีคำสั่งให้รับสมัครนักร้องสำหรับรอยัลชาเปล แม้แต่ในช่วงชีวิตของเขา Tinctoris ก็มีชื่อเสียงอย่างมาก เขาได้รับการกล่าวถึงในหมู่นักดนตรีที่มีชื่อเสียงที่สุด มีบทความ 12 เรื่องของ Tinctoris หลงเหลืออยู่ โดยบทความที่มีชื่อเสียงที่สุดคือบทความ "Definition of Music" ("Terminorum musicae diffinitorum", ประมาณ ค.ศ. 1472-73)

พจนานุกรมคำศัพท์ทางดนตรีที่เป็นระบบฉบับแรกในประวัติศาสตร์ดนตรี มีประมาณ 300 คำศัพท์ ให้เราแสดงรายการผลงานที่เหลือของ Tinctoris:

บทความ "Complexus effectuum musices" ราวปี ค.ศ. 1473-74) เป็นการจำแนกประเภทและคำอธิบายที่มีสีสันของจุดประสงค์ของดนตรี

บทความ "สัดส่วนทางดนตรี" ("ดนตรีสัดส่วน" แคลิฟอร์เนีย ค.ศ. 1473-74) ได้พัฒนาหลักคำสอนแบบพีทาโกรัสโบราณเกี่ยวกับพื้นฐานเชิงตัวเลขของศิลปะดนตรี ด้วยความซับซ้อนของความสัมพันธ์ของจังหวะประจำเดือนอย่างถึงขีดสุด Tinctoris จึงมีจังหวะในสัดส่วน 7:4, 8:5, 17:8, 13:5, 14:5 (ตรงกับจังหวะต่อเนื่องของศตวรรษที่ 20)

- “หนังสือแห่งความไม่สมบูรณ์ของโน้ตดนตรี” (“Liber imperfectionum notarum Musicalium”, แคลิฟอร์เนีย ค.ศ. 1474-75) (เว็บไซต์)

“Treatise on the Rules of Note Durations” (“Tractatus de Regulari valore notarum”, ca. 1474-75) และ “Treatise on Notes and Pauses” (“Tractatus de notis et pausis”, ca. 1474-75) อุทิศให้กับ การจัดจังหวะดนตรี

- “หนังสือเกี่ยวกับลักษณะและคุณสมบัติของโหมดต่างๆ” (“Liber de natura et proprietate tonorum”, 1476)

เกี่ยวกับโครงสร้างของระบบโมดอล

- “หนังสือเกี่ยวกับศิลปะแห่งความแตกต่าง” (“Liber de arte contrapuncti”, 1477)

หลักคำสอนพื้นฐานขององค์ประกอบที่ขัดแย้งกันซึ่งกำหนด "กฎทั่วไป 8 ข้อของความแตกต่าง" แยกความแตกต่างระหว่างความแตกต่างระหว่าง "เรียบง่าย" และ "ดอกไม้" ความแตกต่างระหว่างงานที่มีข้อความที่มั่นคงและข้อความชั่วคราว ฯลฯ );

- “บทความเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลง” (“Tractatus alterationum” หลังปี 1477)

- “ บทความเกี่ยวกับประเด็นทางดนตรี” (“ Scriptum super punctis Musicalibus” หลังปี 1477) - ตามจังหวะ;

- "คำอธิบายของมือ" ("Guidonova") ("Expositio manus" หลังปี 1477) - เกี่ยวกับเสียงของระบบดนตรี

- “เกี่ยวกับการประดิษฐ์และการใช้ดนตรี” (“De Invente et usu musicae”, 1487) - เกี่ยวกับการร้องเพลงและนักร้อง เครื่องดนตรี และนักแสดง
ทิงทอริสเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกที่แนะนำแนวคิดของ "นักแต่งเพลง" ซึ่งก็คือผู้เขียนผลงาน "ที่เขียนบทเพลงใหม่"

หนึ่งในนักวิทยาศาสตร์ดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - กลาเรียน(ค.ศ. 1488 - 1563) เขาเป็นเจ้าของบทความเรื่อง “ชายสิบสองสาย” (ค.ศ. 1547) Glarean เกิดที่สวิตเซอร์แลนด์ ศึกษาที่มหาวิทยาลัยโคโลญจน์ที่คณะศิลปะ หลังจากสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาโทสาขาศิลปศาสตร์แล้ว เขาสอนบทกวี ดนตรี คณิตศาสตร์ ภาษากรีกและละตินในเมืองบาเซิล ที่นี่ในบาเซิลเขาได้พบกับเอราสมุสแห่งรอตเตอร์ดัม กลาเรียนแย้งว่าดนตรีก็เหมือนกับภาพวาด ควรอยู่นอกเหนือการสอนศาสนา ก่อนอื่นเลย ให้ความเพลิดเพลิน เป็น "มารดาแห่งความสุข" Glarean พิสูจน์ให้เห็นถึงข้อดีของดนตรีแบบโมโนดิกมากกว่าโพลีโฟนี ในขณะที่เขาพูดถึงนักดนตรีสองประเภท: โฟโนและซิมโฟนี แบบแรกมีแนวโน้มที่จะแต่งทำนองโดยธรรมชาติ แบบหลัง - พัฒนาทำนองสำหรับสองหรือสามเสียงขึ้นไป เขายืนยันความคิดเรื่องความสามัคคีของดนตรีและบทกวี การแสดงดนตรี และข้อความ ในทฤษฎีดนตรี กลาเรียนได้ยืนยันแนวคิดเรื่องเมเจอร์และไมเนอร์ และอภิปรายเกี่ยวกับระบบสิบสองโทน นอกจากนี้ นอกเหนือจากปัญหาของทฤษฎีดนตรีแล้ว นักทฤษฎียังพิจารณาประวัติศาสตร์ของดนตรี การพัฒนาของมันด้วย แต่เฉพาะในกรอบของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา โดยไม่สนใจดนตรีในยุคกลาง Glarean ศึกษาผลงานของนักแต่งเพลงร่วมสมัย Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue

รามอส ดิ ปาเรฆา(1440-1490) - นักทฤษฎี นักแต่งเพลง และอาจารย์ชาวสเปน ทำงานที่อิตาลีเป็นหลัก ในช่วงทศวรรษที่ 1470 เขาเป็นที่รู้จักในฐานะนักทฤษฎีและอาจารย์ดนตรีที่น่าเชื่อถือ เขาเป็นผู้เขียนบทความเรื่อง "ดนตรีเชิงปฏิบัติ" ("Musica practica") บทความนี้ก่อให้เกิดความขัดแย้งและการวิพากษ์วิจารณ์ในระยะยาวจากนักทฤษฎีชาวอิตาลีอนุรักษ์นิยม Ramos di Pareja แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับหลักคำสอนเรื่องรูปแบบและความสอดคล้อง เขาเปรียบเทียบระบบยุคกลางของสเกลหกขั้นตอน (เฮกซาคอร์ด) กับสเกลหลักแปดขั้นตอน และจัดประเภทที่สามและหกเป็นความสอดคล้องกัน (ตามแนวคิดเก่าๆ มีเพียงอ็อกเทฟและห้าเท่านั้นที่ถือว่ามีความสอดคล้องกัน) ในสาขาหลักคำสอนเรื่องจังหวะและโน้ต รามอส ดิ ปาเรจา โต้เถียงกับทินก์ทอริสและกาฟูริ ซึ่งเป็นผู้สนับสนุนโน้ตประจำเดือน

นักทฤษฎีและนักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่โดดเด่น โจเซฟโฟ ซารลิโน(ค.ศ. 1517-1590) เป็นสมาชิกคณะฟรานซิสกัน ศึกษาวิชาอักษรศาสตร์ ประวัติศาสตร์ และคณิตศาสตร์ Zarlino ศึกษาดนตรีกับนักแต่งเพลงชื่อดัง Adrian Villaert (Villart) Zarlino มีความเกี่ยวข้องกับศิลปินที่โดดเด่นในสมัยของเขา โดยเฉพาะ Titian และ Tintoretto ตัวซาร์ลิโนเองก็เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางและเป็นสมาชิกของ Venetian Academy of Fame ในปี 1565 Zarlino กลายเป็นผู้อำนวยการดนตรีของโบสถ์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ยี่ห้อ. โพสต์ที่สำคัญนี้ทำให้ Zarlino ไม่เพียงมีส่วนร่วมในการแต่งเพลงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานเขียนเชิงทฤษฎีด้วย เช่น "Establishments of Harmony" (1588), "Proof of Harmony" (1571), "Musical Additions" (1588) ผลงานที่สำคัญที่สุดของ Zarlino คือบทความ "การสถาปนาความสามัคคี" ซึ่งเขาแสดงหลักการพื้นฐานของสุนทรียภาพทางดนตรียุคเรอเนซองส์ เช่นเดียวกับนักคิดส่วนใหญ่ในยุคนี้ Zarlino เป็นผู้ชื่นชอบสุนทรียภาพแบบโบราณอย่างกระตือรือร้น ผลงานของเขามีการอ้างอิงถึง Plato, Aristotle, Aristoxenus, Quintilian และ Boethius มากมาย Zarlino ใช้หลักคำสอนเรื่องรูปแบบและสสารของอริสโตเติลอย่างกว้างขวาง ทั้งในการจัดการกับปัญหาหลายประการทางดนตรีและเมื่อสร้างโครงสร้างของบทความของเขา

ศูนย์กลางในสุนทรียศาสตร์ของ Zarlino ถูกครอบครองโดยหลักคำสอนเรื่องธรรมชาติของความกลมกลืนทางดนตรี เขาอ้างว่าโลกทั้งโลกเต็มไปด้วยความสามัคคีและจิตวิญญาณของโลกก็มีความสามัคคี ในเรื่องนี้เขาตีความแนวคิดเรื่องความสามัคคีของจุลภาคและมหภาคอย่างถี่ถ้วน ในบทความของ Tsarlino แนวคิดเรื่องความเป็นสัดส่วนระหว่างความสามัคคีตามวัตถุประสงค์ของโลกกับความสามัคคีเชิงอัตวิสัยที่มีอยู่ในจิตวิญญาณมนุษย์ซึ่งเป็นลักษณะของสุนทรียศาสตร์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้รับการพัฒนาอย่างเป็นระบบ เพื่อยืนยันความคิดนี้ Zarlino อาศัยหลักคำสอนเรื่องอารมณ์ซึ่งเป็นที่นิยมในสมัยของเขา เขาใช้แนวคิดที่มาจาก Cardano และ Telesio ที่ว่าอารมณ์ของบุคคลถูกสร้างขึ้นโดยอัตราส่วนหนึ่งขององค์ประกอบทางวัตถุ เช่น ความเย็นและร้อน เปียกและแห้ง เป็นต้น อัตราส่วนตามสัดส่วนขององค์ประกอบเหล่านี้รองรับทั้งความหลงใหลและความหลงใหลในดนตรีของมนุษย์ . ความสามัคคี. ความหลงใหลของมนุษย์จึงเป็นภาพสะท้อนของ "ร่างกาย" ของความสามัคคีซึ่งเป็นสิ่งที่คล้ายคลึงกัน บนพื้นฐานนี้ Zarlino พยายามอธิบายธรรมชาติของอิทธิพลของดนตรีที่มีต่อจิตใจของมนุษย์ ความสำคัญมากในบทความของ Tsarlino อยู่ที่บุคลิกภาพของผู้แต่ง มันต้องการจากเขาไม่เพียง แต่ความรู้เกี่ยวกับทฤษฎีดนตรี, ไวยากรณ์, เลขคณิต, วาทศาสตร์ แต่ยังรวมถึงทักษะการปฏิบัติในสาขาดนตรีด้วย อุดมคติของเขาคือนักดนตรีที่เชี่ยวชาญทั้งทฤษฎีและปฏิบัติดนตรีพอๆ กัน

ในบทความของเขา Zarlino ได้เสนอการจำแนกประเภทศิลปะใหม่ ซึ่งแตกต่างจากแนวคิดดั้งเดิมของสุนทรียศาสตร์ยุคเรอเนซองส์ ตามกฎแล้วผู้มีบทบาทนำในยุคนี้ได้รับมอบหมายให้วาดภาพในขณะที่ดนตรีได้รับการยอมรับว่าเป็นศิลปะรอง Zarlino ทำลายระบบการจัดหมวดหมู่ทางศิลปะที่เป็นที่ยอมรับ ให้ความสำคัญกับดนตรีเป็นอันดับแรก การพัฒนาคำสอนแบบดั้งเดิมเกี่ยวกับรูปแบบต่างๆ Zarlino ได้ให้คำอธิบายเชิงสุนทรีย์เกี่ยวกับรูปแบบหลักและรูปแบบย่อย โดยกำหนดให้กลุ่มหลักสามกลุ่มเป็นความร่าเริงและสดใส ส่วนกลุ่มย่อยคือความเศร้าและโศกเศร้า ดังนั้นการยอมรับเมเจอร์และไมเนอร์ว่าเป็นเสาหลักทางอารมณ์ของความสามัคคีทางดนตรีจึงเป็นที่ยอมรับในจิตสำนึกทางดนตรีของยุโรปในที่สุด สุนทรียศาสตร์ของ Zarlino เป็นจุดสูงสุดในการพัฒนาทฤษฎีดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและในขณะเดียวกันก็เป็นผลและความสมบูรณ์ของมัน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในช่วงชีวิตของเขา Tsarlino ได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางจากคนรุ่นราวคราวเดียวกัน

อ้างอิง:

1. อเล็กเซเยฟ เอ.ดี. ประวัติศาสตร์ศิลปะเปียโน ส่วนที่ 1 และ 2 - ม. 2531
2. Bakhtin M. M. ผลงานของ Francois Rabelais และวัฒนธรรมพื้นบ้านของยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ฉบับที่ 2 - ม., 1990.
3. Hertsman E. การคิดทางดนตรีโบราณ - ล., 1986.
4. กรูเบอร์ อาร์.ไอ. วัฒนธรรมดนตรีของโลกยุคโบราณ - ล., 2480.
5. Evdokimova Yu.K., Simakova N.A. ดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ม., 2528.
6. Krasnova O. B. สารานุกรมศิลปะแห่งยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - โอลมา-เพรส, 2545.
7. โลเซฟ เอ.เอฟ. สุนทรียศาสตร์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - อ.: Mysl, 1978.
8. สุนทรียภาพทางดนตรีของยุคกลางของยุโรปตะวันตกและยุคเรอเนซองส์ - ม., 2509.
9. Fedorovich E.N. ประวัติการศึกษาด้านดนตรี - เอคาเทรินเบิร์ก, 2003.

ในปี 1501 เครื่องพิมพ์ชาวเวนิส Ottaviano Petrucci ได้ตีพิมพ์ Harmonice Musices Odhecaton ซึ่งเป็นคอลเลคชันดนตรีฆราวาสชุดใหญ่ชุดแรก นี่เป็นการปฏิวัติการเผยแพร่ดนตรี และยังมีส่วนทำให้สไตล์ฝรั่งเศส-เฟลมมิชกลายเป็นภาษาดนตรีที่โดดเด่นของยุโรปในศตวรรษหน้า เนื่องจากเปตรุชชีเป็นชาวอิตาลี จึงรวมดนตรีของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส-เฟลมมิชไว้ในคอลเลกชันของเขาเป็นหลัก . ต่อมาเขาได้ตีพิมพ์ผลงานมากมายของคีตกวีชาวอิตาลี ทั้งทางโลกและทางศักดิ์สิทธิ์ ในปี ค.ศ. 1516 Andrea Antico ซึ่งเป็นเครื่องพิมพ์แบบโรมัน-เวเนเชียน ได้ตีพิมพ์ชุดฟรอตโตลาสำหรับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด

เมื่อถึงศตวรรษที่ 18 มีเมตรมากกว่า 400 เมตรในฝรั่งเศส ระหว่างการปฏิวัติกระฎุมพีในปี พ.ศ. 2334 สิ่งเหล่านี้ก็ถูกยกเลิกไป

กระทรวงศึกษาธิการแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย

มหาวิทยาลัยการสอนเปิดแห่งรัฐมอสโก

พวกเขา. ม.อ. โชโลโควา

ภาควิชาสุนทรียศึกษา

เร เฟ รา ที

"ดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา"

นักศึกษาชั้นปีที่ 5

เต็มเวลา - แผนกจดหมาย

โปเลเกวา ลิวบอฟ ปาฟลอฟนา

ครู:

ซัตเซปินา มาเรีย โบริซอฟนา

มอสโก 2548

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นยุคแห่งความเจริญรุ่งเรืองของวัฒนธรรมของยุโรปตะวันตกและยุโรปกลางในช่วงการเปลี่ยนผ่านจากยุคกลางสู่สมัยใหม่ (ศตวรรษที่ XV-XVII) วัฒนธรรมของยุคเรอเนซองส์ไม่ได้มีลักษณะเป็นชนชั้นแคบและมักสะท้อนถึงอารมณ์ของมวลชนในวงกว้าง ในวัฒนธรรมดนตรี วัฒนธรรมดังกล่าวเป็นตัวแทนของโรงเรียนสร้างสรรค์ที่ทรงอิทธิพลใหม่ๆ หลายแห่ง แกนหลักทางอุดมการณ์หลักของวัฒนธรรมทั้งหมดในช่วงเวลานี้คือมนุษยนิยม - แนวคิดใหม่ที่ไม่เคยมีมาก่อนของมนุษย์ในฐานะสิ่งมีชีวิตที่เป็นอิสระและพัฒนาอย่างครอบคลุมซึ่งมีความสามารถในการก้าวหน้าอย่างไร้ขีด จำกัด มนุษย์เป็นวิชาหลักของศิลปะและวรรณกรรมซึ่งเป็นผลงานของตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - F. Petrarch และ D. Boccaccio, Leonardo da Vinci และ Michelangelo, Raphael และ Titian บุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมในยุคนี้ส่วนใหญ่เป็นคนที่มีความสามารถหลากหลาย ดังนั้น Leonardo da Vinci ไม่เพียงแต่เป็นศิลปินที่โดดเด่นเท่านั้น แต่ยังเป็นประติมากร นักวิทยาศาสตร์ นักเขียน สถาปนิก นักแต่งเพลงอีกด้วย ไมเคิลแองเจโลไม่เพียงเป็นที่รู้จักในฐานะประติมากรเท่านั้น แต่ยังเป็นจิตรกร กวี และนักดนตรีอีกด้วย

การพัฒนาโลกทัศน์และวัฒนธรรมทั้งหมดของช่วงเวลานี้ได้รับอิทธิพลจากการปฏิบัติตามแบบจำลองโบราณ ในด้านดนตรี พร้อมด้วยเนื้อหาใหม่ รูปแบบและแนวเพลงใหม่ๆ ก็กำลังพัฒนาเช่นกัน (เพลง, มาดริกัล, บัลลาด, โอเปร่า, แคนตาตาส, oratorios)

แม้จะมีความสมบูรณ์และความสมบูรณ์ของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยหลัก แต่ก็มีลักษณะของความไม่สอดคล้องกันที่เกี่ยวข้องกับการผสมผสานองค์ประกอบของวัฒนธรรมใหม่กับวัฒนธรรมเก่า แก่นเรื่องทางศาสนาในศิลปะของยุคนี้ไม่เพียงแต่ยังคงมีอยู่เท่านั้น แต่ยังต้องพัฒนาอีกด้วย ในขณะเดียวกันก็เปลี่ยนไปมากจนผลงานที่สร้างขึ้นบนพื้นฐานของมันถูกมองว่าเป็นฉากประเภทจากชีวิตของขุนนางและคนธรรมดา

วัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีต้องผ่านขั้นตอนการพัฒนาบางประการ: เกิดขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 14 และถึงจุดสูงสุดในช่วงกลางศตวรรษที่ 15 - ต้นศตวรรษที่ 16 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ปฏิกิริยาศักดินาในระยะยาวเกิดขึ้นเนื่องจากความเสื่อมถอยทางเศรษฐกิจและการเมืองของประเทศ มนุษยนิยมอยู่ในภาวะวิกฤติ อย่างไรก็ตาม ความเสื่อมโทรมของศิลปะไม่ปรากฏชัดเจนในทันที: เป็นเวลาหลายทศวรรษแล้วที่ศิลปินและกวีชาวอิตาลี ประติมากรและสถาปนิกสร้างผลงานที่มีความสำคัญทางศิลปะสูงสุด การพัฒนาความเชื่อมโยงระหว่างโรงเรียนสร้างสรรค์ต่างๆ การแลกเปลี่ยนประสบการณ์ระหว่างนักดนตรีที่ย้ายจากประเทศหนึ่งไปอีกประเทศหนึ่ง การทำงานในโบสถ์ต่างๆ กลายเป็นสัญญาณบอกเวลาและทำให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับกระแสที่มีร่วมกันตลอดยุคสมัย

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นหนึ่งในหน้าที่ยอดเยี่ยมในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมดนตรียุโรป กลุ่มดาวชื่อผู้ยิ่งใหญ่ Josquin, Obrecht, Palestrina, O. Lasso, Gesualdo ผู้ซึ่งเปิดโลกทัศน์ใหม่ให้กับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีในแง่ของการแสดงออก ความมีชีวิตชีวาของพหูพจน์ ขนาดของรูปแบบ; การต่ออายุประเภทดั้งเดิมที่เฟื่องฟูและมีคุณภาพ - โมเท็ต, มวล; การสถาปนาจินตภาพใหม่ น้ำเสียงใหม่ๆ ในด้านการแต่งเพลงแบบโพลีโฟนิก การพัฒนาอย่างรวดเร็วของดนตรีบรรเลงซึ่งเกิดขึ้นเบื้องหน้าหลังจากตำแหน่งรองเกือบห้าศตวรรษ: การทำดนตรีรูปแบบอื่น การเติบโตของความเป็นมืออาชีพในทุกด้าน ขอบเขตของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรี: มุมมองที่เปลี่ยนแปลงเกี่ยวกับบทบาทและความเป็นไปได้ของศิลปะดนตรี, การก่อตัวของเกณฑ์ความงามใหม่: มนุษยนิยมในฐานะกระแสที่ประจักษ์อย่างแท้จริงในงานศิลปะทุกแขนง - ทั้งหมดนี้เชื่อมโยงกับแนวคิดของเราเกี่ยวกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา วัฒนธรรมทางศิลปะของยุคเรอเนซองส์เป็นจุดเริ่มต้นส่วนบุคคลบนพื้นฐานของวิทยาศาสตร์ ทักษะที่ซับซ้อนผิดปกติของนักโพลีโฟนิสต์ในศตวรรษที่ 15 - 16 เทคนิคอันชาญฉลาดของพวกเขาอยู่ร่วมกับศิลปะการเต้นรำอันยอดเยี่ยมในชีวิตประจำวันและความซับซ้อนของแนวเพลงฆราวาส บทกวีและละครมีการแสดงออกมากขึ้นในผลงานของเขา นอกจากนี้พวกเขายังเปิดเผยบุคลิกภาพของผู้แต่งและความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินได้ชัดเจนยิ่งขึ้น (นี่เป็นเรื่องปกติไม่เพียง แต่สำหรับศิลปะดนตรีเท่านั้น) ซึ่งช่วยให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับความเป็นมนุษย์ในฐานะหลักการสำคัญของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในเวลาเดียวกันดนตรีในคริสตจักรซึ่งมีแนวเพลงหลักเช่นมวลชนและโมเท็ตยังคงแนว "โกธิค" ในศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในระดับหนึ่งโดยมุ่งเป้าไปที่การสร้างหลักคำสอนที่มีอยู่แล้วขึ้นมาใหม่และผ่าน สิ่งนี้เป็นการถวายเกียรติแด่พระเจ้า

ผลงานประเภทหลักๆ เกือบทั้งหมด ทั้งทางโลกและทางศักดิ์สิทธิ์ สร้างขึ้นจากเนื้อหาทางดนตรีบางประเภทที่รู้จักก่อนหน้านี้ อาจเป็นแหล่งกำเนิดเสียงเดียวในโมเท็ตและแนวเพลงฆราวาสต่างๆ การเรียบเรียงเครื่องดนตรี สิ่งเหล่านี้อาจเป็นสองเสียงที่ยืมมาจากการแต่งเพลงสามเสียงและรวมอยู่ในงานใหม่ของประเภทเดียวกันหรือประเภทอื่นและสุดท้ายก็เต็มสามหรือสี่เสียง (โมเตต มาดริกัล มีบทบาทเป็นเบื้องต้น” แบบจำลอง” ของงานที่มีรูปแบบใหญ่กว่า (มวล)

แหล่งที่มาหลักเป็นเพลงที่ได้รับความนิยมและเป็นที่รู้จักพอๆ กัน (เพลงประสานเสียงหรือเพลงฆราวาส) และการเรียบเรียงของผู้แต่งบางส่วน (หรือเสียงจากเพลงนั้น) ประมวลผลโดยผู้แต่งคนอื่น และด้วยเหตุนี้ จึงทำให้เกิดแนวคิดทางศิลปะที่แตกต่างออกไป

ตัวอย่างเช่นในประเภท motet แทบจะไม่มีผลงานใดเลยที่ไม่มีต้นฉบับดั้งเดิมบางประเภท นักแต่งเพลงส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 15 - 16 ก็มีแหล่งที่มาหลักเช่นกัน ตัวอย่างเช่น ในปาลิสตรินา จากทั้งหมดมากกว่าหนึ่งร้อยกลุ่ม เราพบว่ามีเพียงหกคนเท่านั้นที่เขียนบนพื้นฐานที่ไม่ต้องยืม คุณพ่อ Lasso ไม่ได้เขียนมิสซาแม้แต่รายการเดียว (จากทั้งหมด 58 ชิ้น) โดยอิงจากเนื้อหาต้นฉบับ

สังเกตได้ว่าช่วงของแหล่งข้อมูลหลักที่ผู้เขียนพึ่งพานั้นมีการกำหนดไว้ค่อนข้างชัดเจน G. Dufay, I. Ockeghem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso และคนอื่นๆ ดูเหมือนจะแข่งขันกัน หันไปหาท่วงทำนองเดียวกันครั้งแล้วครั้งเล่า โดยดึงเอาแรงกระตุ้นทางศิลปะใหม่ๆ มาสู่ผลงานของพวกเขาในแต่ละครั้ง โดยเข้าใจใน ท่วงทำนองรูปแบบใหม่เป็นต้นแบบน้ำเสียงเริ่มต้นสำหรับรูปแบบโพลีโฟนิก

เมื่อปฏิบัติงานเทคนิคที่ใช้คือโพลีโฟนี Polyphony คือ Polyphony ที่ทุกเสียงมีสิทธิเท่าเทียมกัน ทุกเสียงร้องซ้ำทำนองเดียวกัน แต่ในเวลาต่างกันเหมือนเสียงสะท้อน เทคนิคนี้เรียกว่าการเลียนแบบโพลีโฟนี

เมื่อถึงศตวรรษที่ 15 สิ่งที่เรียกว่าพหุนามของ "การเขียนที่เข้มงวด" กำลังเป็นรูปเป็นร่างขึ้น กฎ (บรรทัดฐานของการนำทางด้วยเสียง รูปแบบ ฯลฯ) ได้ถูกบันทึกไว้ในบทความทางทฤษฎีในเวลานั้น และเป็นกฎที่ไม่เปลี่ยนรูปสำหรับการสร้างสรรค์ ของดนตรีคริสตจักร

การรวมกันอีกอย่างหนึ่ง เมื่อนักแสดงออกเสียงท่วงทำนองและข้อความต่างกันในเวลาเดียวกัน เรียกว่าพร็อกซีที่ตัดกัน โดยทั่วไป สไตล์ที่ "เข้มงวด" จำเป็นต้องสันนิษฐานถึงพฤกษ์สองประเภท: เลียนแบบหรือตัดกัน เป็นการเลียนแบบและโพลีโฟนีที่ตัดกันซึ่งทำให้สามารถแต่งโมเท็ตโพลีโฟนิกและมวลชนสำหรับพิธีในโบสถ์ได้

โมเทตเป็นเพลงประสานเสียงเล็กๆ ซึ่งโดยปกติจะเรียบเรียงตามทำนองเพลงยอดนิยม โดยส่วนใหญ่มักเป็นเพลงสวดในโบสถ์โบราณเพลงหนึ่ง (“เพลงสวดเกรโกเรียน” และแหล่งที่มาอื่นๆ ตามรูปแบบบัญญัติ เช่นเดียวกับดนตรีพื้นบ้าน)

เมื่อต้นศตวรรษที่ 15 คุณลักษณะที่มีอยู่ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มปรากฏชัดเจนยิ่งขึ้นในวัฒนธรรมดนตรีของประเทศต่างๆ ในยุโรป Guillaume Dufay (Dufay) ที่โดดเด่นที่สุดในบรรดานักโพลีโฟนิสต์ยุคแรกๆ ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการดัตช์ เกิดที่เมืองแฟลนเดอร์ส ประมาณปี ค.ศ. 1400 ในความเป็นจริงผลงานของเขาเป็นตัวแทนของประวัติศาสตร์มากกว่าครึ่งศตวรรษในประวัติศาสตร์ของโรงเรียนดนตรีดัตช์ซึ่งเกิดขึ้นในไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 15

ดูเฟย์เป็นผู้นำโบสถ์หลายแห่ง รวมถึงโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปาในโรม ทำงานในฟลอเรนซ์และโบโลญญา และใช้ชีวิตช่วงปีสุดท้ายในคัมบรายซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา มรดกของ Dufay อุดมสมบูรณ์และอุดมสมบูรณ์: ประกอบด้วยเพลงประมาณ 80 เพลง (แนวเพลง - vireles, ballads, rondos), ประมาณ 30 motets (ทั้งเนื้อหาทางจิตวิญญาณและฆราวาส "เพลง"), 9 เพลงที่สมบูรณ์และแต่ละส่วน

นักดนตรีที่เก่งกาจซึ่งได้รับความอบอุ่นจากโคลงสั้น ๆ และการแสดงออกของท่วงทำนองซึ่งหาได้ยากในยุคที่มีสไตล์ที่เข้มงวดเขาเต็มใจที่จะหันไปหาท่วงทำนองพื้นบ้านโดยทำให้พวกเขาได้รับการประมวลผลที่เชี่ยวชาญที่สุด Dufay แนะนำสิ่งใหม่ ๆ มากมายให้กับมวลชน: เขาขยายองค์ประกอบของเพลงทั้งหมดให้กว้างขึ้น และใช้ความแตกต่างของเสียงร้องประสานเสียงอย่างอิสระมากขึ้น ผลงานที่ดีที่สุดบางส่วนของเขาคือเพลง "The Pale Face" และ "The Armed Man" ซึ่งใช้ท่วงทำนองที่ยืมมาจากเพลงที่มีชื่อเดียวกัน เพลงเหล่านี้ในเวอร์ชันต่างๆ ก่อให้เกิดน้ำเสียงที่ขยายวงกว้างและเป็นพื้นฐานเฉพาะเรื่องที่รวบรวมความสามัคคีของวงจรการร้องประสานเสียงขนาดใหญ่ไว้ด้วยกัน ในการพัฒนาโพลีโฟนิกของนักค้ามนุษย์ที่น่าทึ่ง พวกเขาเผยให้เห็นความงามที่ไม่รู้จักมาก่อนและความเป็นไปได้ในการแสดงออกที่ซ่อนอยู่ในส่วนลึกของพวกเขา ทำนองของ Dufay ผสมผสานความสดชื่นของเพลงดัตช์เข้ากับความไพเราะของอิตาลีที่นุ่มนวลและความสง่างามของฝรั่งเศสได้อย่างกลมกลืน พฤกษ์เลียนแบบของเขาปราศจากการประดิษฐ์และความยุ่งเหยิง บางครั้งความกระจัดกระจายก็มากเกินไปและความว่างเปล่าก็ปรากฏขึ้น สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นถึงไม่เพียง แต่เยาวชนแห่งศิลปะซึ่งยังไม่พบความสมดุลในอุดมคติของโครงสร้าง แต่ยังรวมถึงความปรารถนาที่เป็นลักษณะเฉพาะของปรมาจารย์ของ Cumbrian เพื่อให้ได้ผลลัพธ์ทางศิลปะและการแสดงออกด้วยวิธีการที่เรียบง่ายที่สุด

ผลงานของผู้ร่วมสมัยรุ่นน้องของ Dufay - Johannes Ockeghem และ Jacob Obrecht - มีสาเหตุมาจากสิ่งที่เรียกว่าโรงเรียนดัตช์แห่งที่สองแล้ว คีตกวีทั้งสองคนเป็นบุคคลสำคัญในยุคนั้น โดยกำหนดพัฒนาการของพหุโฟนีของชาวดัตช์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15

Johannes Ockeghem (1425 - 1497) ทำงานเกือบทั้งชีวิตที่โบสถ์ของกษัตริย์ฝรั่งเศส ในบุคคลของ Ockeghem ก่อนยุโรปหลงใหลในการแต่งบทเพลงที่ไพเราะและไพเราะของ Dufay ความไพเราะที่อ่อนโยนและสดใสอย่างไร้เดียงสาของมวลชนและ motets ของเขาศิลปินที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงปรากฏตัว - "นักเหตุผลนิยมด้วยสายตาที่ไร้เหตุผล" และความซับซ้อน ปากกาทางเทคนิคซึ่งบางครั้งหลีกเลี่ยงการแต่งเนื้อร้องและพยายามบันทึกเสียงดนตรีอย่างรวดเร็ว มีกฎทั่วไปบางประการของการดำรงอยู่ตามวัตถุประสงค์ เขาค้นพบทักษะที่น่าทึ่งในการพัฒนาแนวทำนองในวงดนตรีโพลีโฟนิก ดนตรีของเขามีลักษณะแบบโกธิก เช่น จินตภาพ การแสดงออกที่ไม่เป็นตัวของตัวเอง ฯลฯ เขาสร้างมวลชนทั้งหมด 11 ฉบับ (และหลายส่วน) รวมถึงหนึ่งในธีม "The Armed Man" 13 โมเท็ตและ 22 เพลง มันเป็นแนวโพลีโฟนิกขนาดใหญ่ที่มาเป็นอันดับแรกสำหรับเขา เพลงบางเพลงของ Ockeghem ได้รับความนิยมในหมู่คนรุ่นเดียวกันและใช้เป็นพื้นฐานสำหรับการเรียบเรียงโพลีโฟนิกในรูปแบบที่ใหญ่กว่าหลายครั้ง

ตัวอย่างที่สร้างสรรค์ของ Ockeghem ในฐานะปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่และนักโพลีโฟนีผู้บริสุทธิ์มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อคนรุ่นราวคราวเดียวกันและผู้ติดตามของเขา การมุ่งเน้นอย่างแน่วแน่ของเขาไปที่ปัญหาพิเศษของพหุนามเป็นแรงบันดาลใจให้เกิดความเคารพ หากไม่ใช่ความชื่นชม มันก็ก่อให้เกิดตำนานและล้อมรอบชื่อของเขาด้วยรัศมี

ในบรรดาผู้ที่เชื่อมโยงศตวรรษที่ 15 กับศตวรรษถัดไปไม่เพียง แต่ตามลำดับเวลาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสาระสำคัญของการพัฒนาเชิงสร้างสรรค์ด้วยสถานที่แรกเป็นของ Jacob Obrecht อย่างไม่ต้องสงสัย เขาเกิดในปี 1450 ที่เมืองแบร์เกนออปซูม Obrecht ทำงานในโบสถ์เล็ก ๆ ในเมือง Antwerp, Cambrai, Bruges ฯลฯ และยังทำงานในอิตาลีอีกด้วย

มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของ Obrecht ประกอบด้วยพิธีมิสซา 25 ชิ้น โมเท็ตประมาณ 20 ชิ้น เพลงโพลีโฟนิก 30 เพลง จากรุ่นก่อนและรุ่นพี่รุ่นก่อน เขาได้สืบทอดเทคนิคโพลีโฟนิกที่ได้รับการพัฒนาอย่างสูง แม้กระทั่งเทคนิคโพลีโฟนิกแบบอัจฉริยะ เทคนิคเลียนแบบและเป็นที่ยอมรับของโพลีโฟนี ในดนตรีของ Obrecht ซึ่งเป็นดนตรีแบบโพลีโฟนิกทั้งหมด บางครั้งเราได้ยินความแข็งแกร่งพิเศษของอารมณ์ที่ไม่ใช่ส่วนตัว ความกล้าหาญของความแตกต่างภายในขอบเขตขนาดใหญ่และเล็ก "ทางโลก" อย่างสมบูรณ์ การเชื่อมต่อเกือบทุกวันในธรรมชาติของเสียงและรายละเอียดของรูปแบบ . โลกทัศน์ของเขาสิ้นสุดลงแบบโกธิก

เขากำลังมุ่งหน้าสู่ Josquin Despres ซึ่งเป็นตัวแทนที่แท้จริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในศิลปะดนตรี

ช่วงที่สามแรกของศตวรรษที่ 16 ในอิตาลีเป็นช่วงเวลาของยุคเรอเนซองส์สูงซึ่งเป็นช่วงเวลาของการเติบโตอย่างสร้างสรรค์และความสมบูรณ์แบบอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนซึ่งรวมอยู่ในผลงานอันยิ่งใหญ่ของ Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo ชั้นทางสังคมบางอย่างกำลังเกิดขึ้น โดยมีการจัดการแสดงละครและเทศกาลดนตรี กิจกรรมของสถาบันศิลปะต่างๆกำลังพัฒนา

หลังจากนั้นไม่นาน ช่วงเวลาที่รุ่งเรืองอย่างมากในวงการดนตรีก็เริ่มขึ้น ไม่เพียงแต่ในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในเยอรมนี ฝรั่งเศส และประเทศอื่นๆ ด้วย การประดิษฐ์การพิมพ์เพลงมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการเผยแพร่ผลงานดนตรี

ประเพณีของโรงเรียนโพลีโฟนิกยังคงแข็งแกร่ง (โดยเฉพาะอย่างยิ่งการพึ่งพาแบบจำลองยังคงมีความสำคัญเหมือนเมื่อก่อน) แต่ทัศนคติต่อการเลือกหัวข้อกำลังเปลี่ยนไปความร่ำรวยทางอารมณ์และอุปมาอุปไมยของงานกำลังเพิ่มขึ้นและความเป็นส่วนตัว องค์ประกอบเผด็จการมีความเข้มแข็ง คุณลักษณะทั้งหมดนี้ปรากฏชัดอยู่แล้วในผลงานของนักแต่งเพลงชาวอิตาลี Josquin Despres ซึ่งเกิดราวปี 1450 ในเบอร์กันดี และเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งของโรงเรียนชาวดัตช์ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 และต้นศตวรรษที่ 16 ด้วยพรสวรรค์ด้านเสียงและการได้ยินอันไพเราะ ตั้งแต่วัยรุ่น เขารับใช้เป็นนักร้องในคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ในบ้านเกิดและในประเทศอื่นๆ การติดต่ออย่างใกล้ชิดตั้งแต่เนิ่นๆและใกล้ชิดกับศิลปะการร้องเพลงประสานเสียงระดับสูงการดูดซึมที่กระตือรือร้นและการปฏิบัติของสมบัติทางศิลปะอันยิ่งใหญ่ของดนตรีลัทธิส่วนใหญ่จะกำหนดทิศทางที่ความเป็นเอกเทศของปรมาจารย์ผู้เก่งกาจในอนาคตสไตล์และความสนใจแนวเพลงของเขาเป็นรูปเป็นร่าง

ในวัยเด็ก Despres ศึกษาศิลปะการประพันธ์ร่วมกับ I. Ockeghem ซึ่งเขาได้พัฒนาการเล่นเครื่องดนตรีต่างๆ ด้วย

ต่อจากนั้น Josquin Despres ได้ลองใช้แนวดนตรีทั้งหมดที่มีอยู่ในเวลานั้นโดยสร้างเพลงสดุดี motets มวลชน ดนตรีสำหรับ Passion of the Lord การแต่งเพลงเพื่อเป็นเกียรติแก่นักบุญแมรีและเพลงฆราวาส

สิ่งแรกที่ดึงดูดสายตาของคุณในผลงานของ Depre คือเทคนิคการขัดกันที่น่าทึ่งซึ่งช่วยให้เราถือว่าผู้เขียนเป็นอัจฉริยะที่ขัดแย้งกันอย่างแท้จริง อย่างไรก็ตาม แม้ว่า Despres จะเชี่ยวชาญเนื้อหามาโดยสมบูรณ์ แต่ Despres ก็เขียนได้ช้ามาก โดยพิจารณางานของเขาอย่างมีวิจารณญาณ ในระหว่างการทดลองแสดงผลงานประพันธ์ของเขา เขาได้เปลี่ยนแปลงองค์ประกอบต่างๆ มากมาย โดยพยายามเพื่อให้ได้เสียงที่ไพเราะไร้ที่ติ ซึ่งเขาไม่เคยเสียสละให้กับพื้นผิวที่ผิดธรรมชาติ

ในบางกรณีผู้แต่งจะทำให้เสียงบนมีท่วงทำนองที่ไพเราะสวยงามเป็นพิเศษด้วยการใช้รูปแบบโพลีโฟนิกเท่านั้น ซึ่งผลงานของเขาไม่เพียงแต่โดดเด่นด้วยความไพเราะเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทำนองด้วย

ไม่ต้องการก้าวไปไกลกว่าจุดแตกต่างที่เข้มงวด Despres เพื่อลดความไม่ลงรอยกัน จึงเตรียมสิ่งเหล่านั้นดังที่เคยเป็นมา โดยใช้บันทึกที่ไม่สอดคล้องกันในเสียงพยัญชนะก่อนหน้าในรูปแบบของเสียงพยัญชนะ Despres ยังประสบความสำเร็จอย่างมากในการใช้ความไม่ลงรอยกันเป็นวิธีในการปรับปรุงการแสดงออกทางดนตรี

ควรสังเกตว่า J. Despres ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องไม่เพียง แต่เป็นนักดนตรีที่มีความสามารถและนักดนตรีที่ละเอียดอ่อนเท่านั้น แต่ยังเป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยมที่สามารถถ่ายทอดความรู้สึกและอารมณ์ที่หลากหลายที่สุดในผลงานของเขาได้

Josquin มีความแข็งแกร่งทางเทคนิคและสุนทรีย์มากกว่านักโพลีโฟนิสต์ชาวอิตาลีและฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 15 นั่นคือเหตุผลว่าทำไมในแวดวงดนตรีล้วนๆ เขามีอิทธิพลเหนือพวกเขามากกว่าที่เขาได้รับอิทธิพลจากพวกเขา ก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Despres เป็นผู้นำโบสถ์ที่ดีที่สุดในโรม ฟลอเรนซ์ และปารีส เขาทุ่มเทให้กับงานของเขาในการส่งเสริมการเผยแพร่และการยอมรับทางดนตรีมาโดยตลอด เขายังคงเป็นชาวดัตช์ ซึ่งเป็น “ปรมาจารย์จากกงเด” และไม่ว่าความสำเร็จและเกียรติยศจากต่างประเทศจะมอบให้กับ "เจ้าแห่งดนตรี" (ตามที่คนรุ่นเดียวกันเรียกเขา) ในช่วงชีวิตของเขาที่ยอดเยี่ยมเพียงใด เขาก็เชื่อฟัง "เสียงเรียกแห่งโลก" ที่ไม่อาจต้านทานได้กลับไปยังฝั่งของ Scheldt ในของเขา หลายปีที่ถดถอยลงและยุติการเดินทางของชีวิตในฐานะหลักธรรมอย่างสุภาพ

ในอิตาลีในช่วงยุคเรอเนซองส์สูง แนวเพลงฆราวาสเจริญรุ่งเรือง แนวเพลงกำลังพัฒนาในสองทิศทางหลัก - หนึ่งในนั้นใกล้เคียงกับเพลงและการเต้นรำในชีวิตประจำวัน (frotolas, villanelles ฯลฯ ) ส่วนอีกอันเกี่ยวข้องกับประเพณีโพลีโฟนิก (มาดริกัล)

มาดริกัลเป็นรูปแบบดนตรีและบทกวีพิเศษที่ให้โอกาสพิเศษในการแสดงความเป็นตัวตนของนักแต่งเพลง เนื้อหาหลักคือเนื้อเพลงและฉากแนวเพลง แนวเพลงบนเวทีเฟื่องฟูในโรงเรียนเวนิส (ความพยายามที่จะรื้อฟื้นโศกนาฏกรรมโบราณ) รูปแบบเครื่องดนตรี (เครื่องดนตรีประเภทพิต วิหาร ออร์แกน และเครื่องดนตรีอื่นๆ) ได้รับอิสรภาพ

อ้างอิง:

เอฟรีโมวา ที.เอฟ. พจนานุกรมใหม่ของภาษารัสเซีย คำอธิบาย - การสร้างคำ - ม.: มาตุภูมิ หลาง.., 2000 –ท. 1: A-O – 1209 น.

พจนานุกรมสั้นๆ เกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ ม., Politizdat, 2507. 543 หน้า

ประวัติศาสตร์ดนตรียอดนิยม

Tikhonova A.I. การฟื้นฟูและบาร็อค: หนังสือสำหรับการอ่าน - M.: LLC Publishing House "ROSMEN - PRESS", 2546. - 109 น.

สุนทรียศาสตร์ทางดนตรีของยุคเรอเนซองส์ได้รับการพัฒนาโดยนักประพันธ์และนักทฤษฎีอย่างเข้มข้นพอๆ กับในงานศิลปะรูปแบบอื่นๆ ท้ายที่สุดแล้ว เช่นเดียวกับที่ Giovanni Boccaccio เชื่อว่า Dante ได้มีส่วนในการฟื้นคืนของแรงบันดาลใจและหายใจชีวิตเข้าสู่บทกวีที่ตายแล้ว ผ่านงานของเขา เช่นเดียวกับที่ Giorgio Vasari พูดถึงการฟื้นฟูศิลปะ ดังนั้น Josepho Zarlino ในบทความของเขา "การสถาปนาของ Harmony” (1588) เขียนว่า “อย่างไรก็ตาม มันเป็นเวลาที่ร้ายกาจสำหรับความรู้สึกผิดหรือความประมาทเลินเล่อของมนุษย์ แต่ผู้คนเริ่มให้ความสำคัญกับดนตรีเพียงเล็กน้อยเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวิทยาศาสตร์อื่นๆ ด้วย และเมื่อนางขึ้นไปถึงที่สูงที่สุด นางก็ตกลงสู่ที่ต่ำที่สุด และหลังจากที่เธอได้รับเกียรติที่ไม่เคยได้ยินมาก่อน พวกเขาก็เริ่มมองว่าเธอน่าสงสาร ไม่มีนัยสำคัญ และได้รับความเคารพนับถือน้อยมากจนแม้แต่ผู้รอบรู้ก็แทบจะจำเธอไม่ได้และไม่ต้องการให้เธอตามสมควร”

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 13-14 บทความ "ดนตรี" ของปรมาจารย์ด้านดนตรี John de Groheo ได้รับการตีพิมพ์ในปารีส ซึ่งเขาได้แก้ไขแนวคิดยุคกลางเกี่ยวกับดนตรีอย่างมีวิจารณญาณ เขาเขียนว่า: “บรรดาผู้ที่ชอบเล่านิทานกล่าวว่าดนตรีประดิษฐ์ขึ้นโดยรำพึงที่อาศัยอยู่ใกล้น้ำ บางคนบอกว่ามันถูกประดิษฐ์ขึ้นโดยนักบุญและศาสดาพยากรณ์ แต่โบติอุส ชายผู้มีความสำคัญและมีเกียรติ มีมุมมองที่แตกต่าง... เขากล่าวในหนังสือของเขาว่าพีทาโกรัสเป็นผู้ค้นพบจุดเริ่มต้นของดนตรี ผู้คนร้องเพลงตั้งแต่แรกเริ่ม เนื่องจากดนตรีมีมาโดยธรรมชาติ ดังที่เพลโตและโบเอทิอุสอ้างสิทธิ์ แต่รากฐานของการร้องเพลงและดนตรีไม่เป็นที่ทราบแน่ชัดจนกระทั่งถึงสมัยพีทาโกรัส…”

ดนตรี เช่นเดียวกับบทกวีและภาพวาด ได้รับคุณสมบัติใหม่เฉพาะในศตวรรษที่ 15 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในศตวรรษที่ 16 ซึ่งมาพร้อมกับการปรากฏตัวของบทความใหม่เกี่ยวกับดนตรีมากขึ้นเรื่อยๆ

Glarean (Henry Loris แห่ง Glarus, 1488-1563) ผู้แต่งเรียงความเกี่ยวกับดนตรี "The Twelve-Stringed Man" (1547) เกิดที่สวิตเซอร์แลนด์ ศึกษาที่มหาวิทยาลัยโคโลญจน์ที่คณะศิลปะ ศิลปศาสตรมหาบัณฑิตมีส่วนร่วมในการสอนบทกวี ดนตรี คณิตศาสตร์ ภาษากรีกและละตินในเมืองบาเซิล ซึ่งพูดถึงความสนใจที่เร่งด่วนของยุคนั้น ที่นี่เขากลายเป็นเพื่อนกับ Erasmus of Rotterdam

กลาเรียน

กลาเรียนเข้าถึงดนตรี โดยเฉพาะดนตรีในโบสถ์ เช่นเดียวกับศิลปินที่ยังคงวาดภาพเขียนและจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์ ดนตรีก็เหมือนกับภาพวาด นอกเหนือจากการสอนและการไตร่ตรองทางศาสนา ประการแรกทั้งหมดควรให้ความเพลิดเพลิน เป็น "มารดาของ ความพึงพอใจ."

Glarean พิสูจน์ข้อดีของดนตรีโมโนดิกกับโพลีโฟนี ในขณะที่เขาพูดถึงนักดนตรีสองประเภท: โฟโนและซิมโฟนิสต์: ประเภทแรกมีความโน้มเอียงตามธรรมชาติในการแต่งทำนอง ส่วนประเภทหลัง - พัฒนาทำนองสำหรับเสียงสอง สามเสียงขึ้นไป

นอกเหนือจากการพัฒนาทฤษฎีดนตรี Glarean ยังคำนึงถึงประวัติศาสตร์ของดนตรีการพัฒนาของมันตามที่ปรากฏภายใต้กรอบของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยไม่สนใจดนตรีในยุคกลางโดยสิ้นเชิง เขายืนยันความคิดเรื่องความสามัคคีของดนตรีและบทกวี การแสดงดนตรี และข้อความ ในการพัฒนาทฤษฎีดนตรี Glarean ได้ทำให้ถูกต้องตามกฎหมายด้วยการใช้โทนเสียง 12 โทน โหมด Aeolian และ Ionian ดังนั้นจึงเป็นการพิสูจน์แนวคิดของเมเจอร์และไมเนอร์ในทางทฤษฎี

Glarean ไม่ได้จำกัดตัวเองอยู่แค่การพัฒนาทฤษฎีดนตรี แต่สำรวจผลงานของนักแต่งเพลงสมัยใหม่ Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue เขาพูดถึง Josquin Despres ด้วยความรักและความสุข เช่นเดียวกับที่ Vasari เกี่ยวกับ Michelangelo

Gioseffo Zarlino (1517 - 1590) ซึ่งเป็นคำพูดที่เราคุ้นเคยอยู่แล้วได้เข้าร่วมคณะฟรานซิสกันในเมืองเวนิสเป็นเวลา 20 ปีด้วยคอนเสิร์ตดนตรีและการออกดอกของภาพวาดซึ่งปลุกกระแสเรียกของเขาในฐานะนักดนตรีนักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรี ในปี ค.ศ. 1565 เขาได้เป็นหัวหน้าโบสถ์ของนักบุญ ยี่ห้อ. เชื่อกันว่าในการแต่งเพลง "การสถาปนาความสามัคคี" Zarlino แสดงออกในรูปแบบคลาสสิกถึงหลักการพื้นฐานของสุนทรียภาพทางดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

โจเซฟโฟ ซารลิโน

แน่นอนว่า Zarlino ผู้ซึ่งพูดถึงความเสื่อมถอยของดนตรีในยุคกลาง อาศัยสุนทรียภาพแบบโบราณในการพัฒนาหลักคำสอนของเขาเกี่ยวกับธรรมชาติของความกลมกลืนทางดนตรี “ดนตรีได้รับการยกย่องและนับถือว่าศักดิ์สิทธิ์เพียงใดนั้น มีหลักฐานชัดเจนจากงานเขียนของนักปรัชญาและโดยเฉพาะอย่างยิ่งชาวพีทาโกรัส เพราะพวกเขาเชื่อว่าโลกถูกสร้างขึ้นตามกฎของดนตรี การเคลื่อนไหวของทรงกลมเป็นสาเหตุของความสามัคคี และของเรา วิญญาณถูกสร้างขึ้นตามกฎเดียวกัน ตื่นจากเพลงและเสียง และดูเหมือนว่าสิ่งเหล่านี้จะส่งผลต่อคุณสมบัติของวิญญาณ”

Zarlino มีแนวโน้มที่จะถือว่าดนตรีเป็นศิลปะหลักในศิลปศาสตร์ เช่นเดียวกับที่ Leonardo da Vinci ยกย่องจิตรกรรม แต่ความหลงใหลในงานศิลปะบางประเภทไม่ควรทำให้เราสับสน เพราะเรากำลังพูดถึงความสามัคคีในฐานะหมวดหมู่สุนทรียภาพที่ครอบคลุม

Josephfo Zarlino เช่นเดียวกับทิเชียนซึ่งเขาร่วมงานด้วย ได้รับชื่อเสียงอย่างกว้างขวางและได้รับเลือกให้เป็นสมาชิกของ Venetian Academy of Fame สุนทรียภาพทำให้สถานะของดนตรีในยุคเรอเนซองส์ชัดเจนขึ้น ผู้ก่อตั้งโรงเรียนดนตรีเวนิสคือ Adrian Willaert (ระหว่างปี 1480/90 - 1568) ชาวดัตช์โดยกำเนิด Tsarlino เรียนดนตรีกับเขา ดนตรีเวนิสก็เหมือนกับการวาดภาพ มีความโดดเด่นด้วยชุดเสียงที่หลากหลาย ซึ่งในไม่ช้าก็ได้รับคุณลักษณะแบบบาโรก

นอกจากโรงเรียนเวนิสแล้ว โรงเรียนที่ใหญ่ที่สุดและมีอิทธิพลมากที่สุดคือโรงเรียนโรมันและฟลอเรนซ์ ชุมชนของกวี นักวิทยาศาสตร์ด้านมนุษยนิยม นักดนตรี และผู้รักเสียงดนตรีในฟลอเรนซ์เรียกว่า Camerata นำโดยวินเชนโซ กาลิเลอี (ค.ศ. 1533 - 1591) เมื่อคิดถึงความสามัคคีของดนตรีและบทกวีและในขณะเดียวกันกับโรงละครพร้อมกับการแสดงบนเวทีสมาชิกของ Camerata ก็ได้สร้างแนวเพลงใหม่ - โอเปร่า

โอเปร่าเรื่องแรกถือเป็น "Daphne" โดย J. Peri (1597) และ "Eurydice" ตามข้อความของ Rinuccini (1600) ที่นี่มีการเปลี่ยนแปลงจากสไตล์โพลีโฟนิกไปเป็นโฮโมโฟนิก มีการแสดง oratorio และ cantata ที่นี่เป็นครั้งแรก

ดนตรีของเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 15 - 16 อุดมไปด้วยชื่อของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ในหมู่พวกเขา Josquin Despres (1440 - 1524) ซึ่ง Zarlino เขียนเกี่ยวกับผู้ที่ Zarlino เขียนและรับใช้ในศาลฝรั่งเศสที่โรงเรียน Franco-Flemish พัฒนาขึ้น เชื่อกันว่าความสำเร็จสูงสุดของนักดนตรีชาวดัตช์คือการร้องเพลงประสานเสียงแบบคาเปลลา ซึ่งสอดคล้องกับการผลักดันของมหาวิหารกอทิกที่สูงขึ้น

จอสควิน เดเปรส

ศิลปะออร์แกนกำลังพัฒนาในประเทศเยอรมนี ในฝรั่งเศส มีการสร้างห้องสวดมนต์ในศาลและมีการจัดเทศกาลดนตรี ในปี ค.ศ. 1581 พระเจ้าเฮนรีที่ 3 ได้สถาปนาตำแหน่ง "หัวหน้าฝ่ายดนตรี" ในศาล "หัวหน้าผู้รับผิดชอบด้านดนตรี" คนแรกคือนักไวโอลินชาวอิตาลี Baltazarini de Belgioso ซึ่งจัดแสดง "The Queen's Comedy Ballet" ซึ่งเป็นการแสดงที่มีการนำเสนอดนตรีและการเต้นรำเป็นการแสดงบนเวทีเป็นครั้งแรก นี่คือวิธีที่บัลเล่ต์ในศาลเกิดขึ้น

Clément Janequin (ประมาณปี 1475 - ประมาณปี 1560) นักแต่งเพลงที่โดดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฝรั่งเศส เป็นหนึ่งในผู้สร้างแนวเพลงโพลีโฟนิก เป็นงานที่มีเสียง 4-5 เสียง เหมือนเพลงแฟนตาซี เพลงโพลีโฟนิกฆราวาส - ชานสัน - แพร่หลายนอกประเทศฝรั่งเศส

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ ดนตรีบรรเลงมีการพัฒนาอย่างกว้างขวาง เครื่องดนตรีหลัก ได้แก่ ลูต พิณ ฟลุต โอโบ ทรัมเป็ต อวัยวะประเภทต่าง ๆ (เชิงบวก แบบพกพา) ฮาร์ปซิคอร์ดประเภทต่างๆ ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน แต่ด้วยการพัฒนาเครื่องสายใหม่ๆ เช่น ไวโอลิน ไวโอลินจึงกลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีชั้นนำ

ลูตเป็นเครื่องดนตรียอดนิยมและเป็นที่ชื่นชอบมากที่สุดในประเทศต่างๆ ของยุโรปตะวันตกในยุคเรอเนซองส์ เธอเป็นที่รู้จักในเกือบทุกแวดวงสังคม มีการเล่นในราชสำนัก เจ้าชาย และดยุกโดยนักดนตรีฝีมือดีและผู้รักศิลปะชั้นสูง มักได้ยินในแวดวงมนุษยนิยมใน "สถาบันการศึกษา" ต่างๆ ของศตวรรษที่ 16 ในชีวิตบ้านของชาวเมือง ในที่โล่ง วงดนตรีต่างๆ รวมทั้งละครด้วย

ในช่วงศตวรรษที่ 16 นักประพันธ์เพลงลูเทนผู้สร้างสรรค์ผลงานอันยอดเยี่ยมได้ปรากฏตัวขึ้นในหลายประเทศในยุโรป ที่ใหญ่ที่สุด ได้แก่ Francesco Canova da Milano (1497-1543) และ Vincenzo Galilei (ประมาณปี 1520-1591) ในอิตาลี Luis de Milan (ประมาณปี 1500 - หลังปี 1560) และ Miguel de Fuenllana (หลังปี 1500 - ประมาณปี 1579 ) ในสเปน, ฮันส์ (ค.ศ. 1556) และเมลคีออร์ (ค.ศ. 1507-1590) นอยซีดเลอร์ในเยอรมนี, จอห์น ดาวแลนด์ (ค.ศ. 1562-1626) ในอังกฤษ, ฮังการีโดยกำเนิด วาเลนไทน์ เกรฟ แบ็คฟาร์ก (ค.ศ. 1507-1576), วอจซีค ดลูโกราช (ประมาณ ค.ศ. 1550 - หลังปี 1619) และ Jakub Reis ในโปแลนด์ ในฝรั่งเศส นักประพันธ์เพลงลูเตนที่สำคัญที่สุดปรากฏตัวขึ้นในศตวรรษที่ 17 และถึงแม้ว่านอกเหนือจากปรมาจารย์ระดับสูงที่กล่าวถึงข้างต้นแล้วนักลูเทนิสต์หรือนักไวฮูเอลที่โดดเด่นหลายคนก็แสดงไปทุกที่ (สเปนอุดมไปด้วยพวกเขาเป็นพิเศษ) อย่างไรก็ตามผลงานสำหรับลูตจำนวนมากก็ถูกเผยแพร่ในยุโรปโดยไม่มีชื่อของ ผู้เขียน ดนตรีที่ไม่เปิดเผยตัวตนในชีวิตประจำวันนี้ดูเหมือนจะเป็นของทุกคน: ประเทศต่างๆ ดูเหมือนจะแลกเปลี่ยนเพลงของพวกเขา การเต้นรำแบบเยอรมันปรากฏในคอลเลกชันของอิตาลี และภาษาอิตาลี โปแลนด์ และฝรั่งเศสในภาษาเยอรมัน การกำหนดบทละครมีความรัดกุมมาก: "Excellent Passamezzo", "Good Thing", "French Correnta", "Italian", "Venetian" ฯลฯ

คอลเลกชันที่สองที่เขียนด้วยลายมือในเวลาต่อมายังมีบทละครมากกว่าร้อยบทอีกด้วย ครึ่งหนึ่งเป็นการเต้นรำ: passamezzo, Saltarello, Pavane, Galliard, Correnta แบบฝรั่งเศส, การเต้นรำแบบโปแลนด์, การเต้นรำแบบเยอรมัน หรือเรียกง่ายๆ ว่า "Nachtanz" หรือ "Danza", allemande นอกจากนี้ละครหลายเรื่องที่มีชื่อ "Masquerade", "Veneziana", "Bergamasca", "Fyamenga" มีลักษณะเป็นการเต้นรำ อย่างที่คุณเห็นต้นกำเนิดของการเต้นรำคือภาษาอิตาลี ฝรั่งเศส เยอรมัน โปแลนด์ และสเปน เหนือละครทั้งหมดนี้ Passamezzo มีชัยอย่างแน่นอน (บางครั้งเรียกว่า "Passo mezzo bonissimo" หรือ "Milanese" หรือ "Moderno") - การเต้นรำสองจังหวะหรือสี่จังหวะด้วย "ครึ่งก้าว" ไม่เร่งรีบ รวมเข้าด้วยกันแล้วด้วย "คู่" ของมัน - Saltarello (เต้นรำ " ด้วยการกระโดด" เร็ว สามจังหวะ)

Francesco da Milano นักแต่งเพลงลูเตนนิสต์ชาวอิตาลีที่โด่งดังที่สุดในยุคของเขา (ซึ่งรับใช้ในราชสำนักของ Duke of Gonzaga ในเมือง Mantua ซึ่งในขณะนั้นเป็นของพระคาร์ดินัล Ippolito de 'Medici) เริ่มตีพิมพ์ผลงานของเขาในปี 1536 และได้รับชื่อเสียงอย่างรวดเร็วทั้งในอิตาลีและ ในประเทศอื่น ๆ

ธีออร์โบ เจอราร์ด แตร์ บอร์ช (1617-1681) ประมาณปี 1658

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 และต่อจากนั้น ดนตรีพิณโดยทั่วไปก็เปลี่ยนไปอย่างเห็นได้ชัด ตัวอย่างเช่น ในอิตาลี เขากลายเป็นคนเก่งและเหมือนคอนเสิร์ตในแบบของเขาเอง เมื่อเวลาผ่านไป การเต้นรำและเพลงได้รับการปฏิบัติที่ซับซ้อนมากขึ้น และบางครั้งก็ฟุ่มเฟือย แม้ว่าพวกเขาจะไม่ได้ขาดการติดต่อกับแหล่งข้อมูลในชีวิตประจำวันก็ตาม พิณที่อยู่ในมือของผู้แต่งดูเหมือนจะพยายามทำให้ความสามารถของมันหมดลง ในบรรดาละครคอนเสิร์ตของ G. A. Terzi (1593) มีการนำเสนอพาสซาเมซโซอย่างเชี่ยวชาญและวงจรการเต้นรำทั้งหมด เช่น "Ballo Tedesco et Francese"

Vincenzo Galilei บิดาของนักดาราศาสตร์ผู้ยิ่งใหญ่ดึงดูดความสนใจของคนรุ่นราวคราวเดียวกันในช่วงทศวรรษที่ 1570 และ 1580 ด้วยเพลงอันน่าทึ่งของเขาพร้อมพิณและในที่สุดก็มีบทบาทสำคัญในการเตรียมการโมโนดี้ที่มาพร้อมกับโอเปร่าครั้งแรก ในอิตาลีก็เกิดขึ้น

ดนตรีของ Vihuela เฟื่องฟูอย่างมากในสเปนในศตวรรษที่ 16 ระหว่างปี 1535 ถึง 1576 คอลเลกชันของผู้แต่งของนักประพันธ์เพลง Vihuelist Luis Milan ("Maestro", Valencia, 1535-1536), Luis de Narvaez (Valladolid, 1538), Alonso Mudarra (Seville, 1546), Enriquez de Valderrabano (Valladolid, 1538) ตีพิมพ์ที่นั่น ค.ศ. 1547), Diego Pisador (Salamanca, 1552), Miguel de Fuenllana ("Orphenica lyra", Seville, 1554), Esteban Das (Valladolid, 1576) และปรมาจารย์คนอื่นๆ

สิ่งที่สำคัญไม่แพ้กันคือบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์ของ Miguel de Fuenllana ซึ่งตาบอดตั้งแต่แรกเกิด และเป็นอัจฉริยะในวิหาร เขาเกิดที่เมือง Navalcarnaro ใกล้กรุงมาดริด เป็นนักดนตรีประจำวงให้กับ Marquis de Tarifa ตั้งแต่ปี 1562-1569 จากนั้นรับราชการในราชสำนักของพระเจ้าฟิลิปที่ 2 และในที่สุดก็กลายเป็นนักดนตรีประจำศาลให้กับ Isabella Valois คอลเลกชันของเขา "Orpheus 'Lyre" ประกอบด้วยหนังสือหกเล่มและมีผลงาน 188 ชิ้น ในหมู่พวกเขาการดัดแปลงการเรียบเรียงเสียงร้องของผู้อื่นมีอิทธิพลเหนือมีจินตนาการมากมายและมีเพียงไม่กี่ฉากเท่านั้น ราวกับว่าไม่มีอะไรใหม่ในแง่ของประเภท: พวกมันก็พบได้ในมิลานด้วย แต่โดยพื้นฐานแล้ว Fuenllana เข้าใกล้ทั้งองค์ประกอบของจินตนาการและการดัดแปลงต้นฉบับเสียงร้องทางจิตวิญญาณและทางโลกค่อนข้างแตกต่างออกไป จินตนาการของเขาช่างสันโดษมากกว่าของมิลานเพราะผู้แต่งพยายามนำเสนอแบบโพลีโฟนิกอย่างยั่งยืน (เสียงสองและสี่เสียง) ซึ่งเมื่อพิจารณาถึงความสามารถอันเรียบง่ายของวิหารแล้วทำให้จินตนาการของเขาติดขัด ในการเรียบเรียงของเขา Fuenllana อาศัยผลงานการร้องของนักแต่งเพลงชาวสเปน C. Morales, X. Vázquez, P. และ F. Guerrero และยังหันไปหาดนตรีของ Josquin Depres, A. Villart, F. Verdelo, N. Gombert C. Festa, J. Arkadelta, Jacquet, L. Heritier, Lupus และคนอื่นๆ เขาถูกดึงดูดโดยคนจำนวนมาก โมเท็ต มาดริกัล และ vnliansikos ในการจัดเตรียมของเขา เขามักจะไม่ "เปลี่ยน" ตัวอย่างเสียงร้องแบบโพลีโฟนิกเหล่านี้สำหรับไวฮูเอลา แต่สร้างรูปแบบต่างๆ ขึ้น เช่น สำหรับเสียงที่มีไวฮูเอลาหรือสองเสียง สิ่งหนึ่งที่น่าประหลาดใจก็คือการที่นักดนตรีตาบอดสามารถเจาะลึกเข้าไปในโครงสร้างโพลีโฟนิกด้วยวิธีนี้และ "แปลง" มันในแบบของเขาเองโดยไม่ต้องมีโอกาสฟังต้นฉบับหลายครั้งและไม่มีโน้ต (ยังไม่มีอยู่จริง) เช่นนี้) - อย่างน้อยก็เพื่อศึกษาสิ่งเหล่านี้ด้วยความช่วยเหลือจากเพื่อนหรือเพื่อนร่วมงาน

นักเล่นลูท บาร์โธโลมีโอ เวเนโต

ลอเรนโซ่ คอสต้า. "คอนเสิร์ต" - ภาพวาดยุคเรอเนซองส์

ในแง่ของขนาดความสามารถและความสัมพันธ์ของเขากับประเทศต่างๆ ในยุโรป ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 บุคคลสำคัญที่มีความคิดสร้างสรรค์ของ Valentin Greff Backfark มีความโดดเด่น เขาเกิดในปี 1507 ในเมืองบราสโซ (ครอนสตัดท์, ซีเบนเบอร์เกน) และมีเชื้อสายฮังการี (Greff เป็นนามสกุลของแม่ของเขา) เห็นได้ชัดว่าเขาใช้เวลาหลายปีในการฝึกดนตรีในราชสำนักของกษัตริย์จานอสแห่งฮังการี และต่อมานักดนตรีหนุ่มก็รับราชการจนกระทั่งกษัตริย์สิ้นพระชนม์ในปี 1540 จากนั้น Bakfark อาจไปเยือนฝรั่งเศสและในปี 1549 เขาก็กลายเป็นนักดนตรีในราชสำนักของกษัตริย์ Sigismund Augustus II แห่งโปแลนด์ ตั้งแต่ปี 1551 ถึงปี 1554 เขาและผู้อุปถัมภ์คนหนึ่งไปเยี่ยมเคอนิกสเบิร์ก ดานซิก วุตต์แบร์ก เอาก์สบวร์ก ลียง อยู่ที่ปารีสที่ศาล ต่อมาในโรม เวนิส - และกลับไปที่ศาลโปแลนด์ในเมืองวิลนา ในปี ค.ศ. 1553 มีการตีพิมพ์คอลเลคชันผลงานเกี่ยวกับพิณของเขาในเมืองลียง เมื่อถึงเวลานั้น Bakfark ได้กลายเป็น "นักประพันธ์เพลง - ลูเทน" ที่มีชื่อเสียงไปแล้ว ในปี 1665 ผลงานชุดใหม่ของเขาได้รับการตีพิมพ์ในคราคูฟ ในปี 1566-1568 Bakfark ทำงานที่ราชสำนักของจักรพรรดิแม็กซิมิเลียนที่ 2 ในกรุงเวียนนาหลังจากนั้นเขา กลับไปยังบ้านเกิดของเขาในSiebenbürgen ในที่สุดในปี 1571 เราก็พบเขาในอิตาลีในปาดัวที่นั่น Bakfark เสียชีวิตด้วยโรคระบาด

ในอังกฤษและฝรั่งเศส ดนตรีสำหรับลูตที่แทบจะไม่ถึงจุดสูงสุด ดูเหมือนจะถ่ายทอดประสบการณ์ไปยังเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด ได้แก่ หญิงพรหมจารีในอังกฤษ และฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศส นักลูเทนิสต์ชาวอังกฤษผู้ยิ่งใหญ่ที่สุด จอห์น ดาวแลนด์ ทำงานเคียงข้างกับนักลูเทนิสต์ในยุคแรกๆ ของเขา นักลูเทนิสต์ที่ดีที่สุดในฝรั่งเศส รวมถึงเดนิส โกติเยร์ มีบทบาทอยู่แล้วในศตวรรษที่ 17 และทายาทในทันทีของพวกเขาเป็นตัวแทนของนักฮาร์ปซิคอร์ดรุ่นแรก

ยุคแห่งการก่อตั้งชาติสะท้อนให้เห็นอย่างกว้างขวางในดนตรีและที่สำคัญที่สุดคือในเพลงพื้นบ้าน ประเทศต่างๆ ยังไม่ได้ก่อตั้งขึ้นอย่างสมบูรณ์ แต่เพลงพื้นบ้านของประเทศได้เกิดขึ้นแล้ว - ฝรั่งเศสและสเปน เช็กและโปแลนด์ เซอร์เบียและฮังการี เยอรมันและดัตช์ อิตาลีและอังกฤษ โดยมีธีม แนวเพลง และโครงสร้างน้ำเสียงที่มีลักษณะเฉพาะ ที่สุดของเพลงและท่วงทำนองที่แสดงออกถึงลักษณะเฉพาะ ความรู้สึก และความคิดของประชาชนได้ชัดเจนที่สุด ค่อยๆ พัฒนาจากนิทานพื้นบ้านสู่นิทานพื้นบ้านของชาติ

มาดริกัลของอิตาลี เพลงโพลีโฟนิกของฝรั่งเศส (ชานสัน) อาเรียและเพลงบัลลาดของอังกฤษ - ทำซ้ำรูปภาพของธรรมชาติพื้นเมือง ชีวิตในชนบทและในเมือง เปิดเผยประสบการณ์ภายในสุดของบุคคลทีละขั้นตอนปลดปล่อยตัวเองจากพันธนาการของความสัมพันธ์แบบปิตาธิปไตยประเพณีและอคติแบบเก่า

การฟื้นฟูชีวิตทางดนตรีและศิลปะหมายถึงการทำให้เป็นประชาธิปไตย ดึงดูดความคิดสร้างสรรค์ของเพลงพื้นบ้านในวงกว้างและโดดเด่นยิ่งขึ้น ดนตรีระดับมืออาชีพ - ศักดิ์สิทธิ์และฆราวาสดึงมาจากที่นี่มากมาย

การอุทธรณ์ต่อต้นกำเนิดของดนตรีพื้นบ้าน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในยุโรปตะวันตกเฉียงเหนือ อังกฤษ และเนเธอร์แลนด์ มีส่วนทำให้ดนตรีโพลีโฟนิกแพร่หลายมากขึ้น มีการสร้างแนวเพลงที่หลากหลาย: มวล, motet, adrigal, เพลงโพลีโฟนิก การเดินขบวนแห่งชัยชนะของโพลีโฟนีสอดคล้องกับการพัฒนาทำนองเพลงในระดับที่สูงขึ้นไปแล้ว

ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่ได้พัฒนาอย่างเท่าเทียมกันใน "กระแสที่ต่อเนื่อง" แต่อยู่ใน "วงจร" ที่แปลกประหลาดซึ่งแว่บเข้ามาและเสื่อมลง ผลักดันประเทศใดประเทศหนึ่งในยุโรปไปข้างหน้า

ในศตวรรษที่สิบสี่ เบื้องหน้าคือศิลปะเชิงนวัตกรรมอันสดใสของเมืองทางตอนเหนือของอิตาลี ศตวรรษที่ 15 ซึ่งมี "การกล่อม" ในอิตาลีกลายเป็นช่วงเวลาของการพัฒนาอย่างรวดเร็วของหนึ่งในขบวนการเรอเนซองส์ที่ทรงพลังและกว้างขวางที่สุดในวงการดนตรีในยุคนั้น - โพลีโฟนีของชาวดัตช์ ในศตวรรษที่ 16 โรงเรียนชาวดัตช์ซึ่งประสบความสำเร็จในยุครุ่งเรืองในบ้านเกิดได้เริ่มอพยพไปยังประเทศอื่นและวัฒนธรรมประจำชาติ ในขณะที่อิตาลีเข้าสู่ยุคใหม่ที่สดใสที่เกี่ยวข้องกับจุดสุดยอดอันยอดเยี่ยมของแนวเพลงมาดริกัลและลัทธิพ้องเสียงหลายศาสนา หรืออีกครั้ง: ในช่วงเวลาที่ยุคเรอเนซองส์ชั้นสูงของอิตาลีได้หลีกทางให้กับ Counter-Reformation แล้ว แนวเพลงชั้นยอดของดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของฝรั่งเศส - เพลงโพลีโฟนิก (ชานสัน) - มาถึงจุดสูงสุด

แนวเพลงซึ่งตามจิตวิญญาณของสุนทรียศาสตร์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและแรงบันดาลใจของตัวแทนที่มีการศึกษามากที่สุดควรจะกลายเป็นดอกไม้ที่สมบูรณ์และสูงสุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - โอเปร่าเพื่อการฟื้นฟูโรงละครโบราณ - ถือกำเนิดเมื่อชาวอิตาลีเท่านั้น (ศตวรรษที่ 16) สิ้นสุดลงแล้ว และวัฒนธรรมทางดนตรีที่เพิ่งสร้างใหม่ต้องได้รับอิทธิพลจากรูปแบบอื่นและอุดมคติทางศิลปะ

เมืองทางตอนเหนือของอิตาลี - ฟลอเรนซ์และโบโลญญา, ปาดัวและปิซา, เปรูจาและริมินี - สร้างสรรค์งานศิลปะทางดนตรีแนวใหม่ของตนเอง นักดนตรีที่โดดเด่นในยุคเรอเนซองส์ตอนต้น - จอห์นแห่งฟลอเรนซ์, กิราเดลโล, ฟรานเชสโกแลนดิโน, ปิเอโตรคาเซลลา - ได้ทิ้งผลงานหลายชิ้นในประเภทโคลงสั้น ๆ และโคลงสั้น ๆ ในชีวิตประจำวันไว้สำหรับการร้องเพลงร่วมกับลูตและเครื่องสายอื่น ๆ การเรียบเรียงบางส่วนของพวกเขายังแสดงโดยวงดนตรีบรรเลงด้วย เพลงนี้มีความเกี่ยวพันกับต้นกำเนิดพื้นบ้าน และได้รับอิทธิพลอย่างมากจากลัทธิมนุษยนิยมของชาวอิตาลีในยุคแรก จิตวิญญาณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาปรากฏให้เห็นอย่างกว้างขวางและสมบูรณ์เป็นครั้งแรกในโรงเรียนศิลปะทางโลกล้วนๆ ที่มีความเป็นมืออาชีพสูง - โรงเรียนที่ต่อต้านอย่างเปิดเผยต่อพหุเสียงของคริสตจักรใน "รูปแบบเก่า" และเหนือกว่าเนื้อเพลงทางโลก "กึ่งมืออาชีพ" ของนักร้องส่วนใหญ่และ trouvères ซึ่งเป็นบรรพบุรุษของดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเหล่านี้

นับเป็นครั้งแรกที่ท่วงทำนองที่ไพเราะและยืดหยุ่นกว่าของปรมาจารย์ในยุคกลางซึ่งฟังดูสอดคล้องกับกลอนภาษาอิตาลี (Petrarch และกวีคนอื่น ๆ ) ตามภาพ มิเตอร์ และจังหวะ ภาพเหล่านี้เป็นภาพแนวสมจริงในหัวข้อต่างๆ เช่น การล่าสัตว์บนภูเขาด้วยเสียงแตรและเสียงร้องของนักล่า เดินเล่นและตกปลาอย่างสนุกสนาน พ่อค้าในตลาดแข่งขันกันเพื่อเชิญชวนผู้ซื้อ

ที่ใจกลางของขบวนการ ars nova มีรูปปั้นของ Francesco Landini อยู่สูง ซึ่งเป็นศิลปินผู้มั่งคั่งและมีความสามารถหลากหลาย ซึ่งสร้างความประทับใจอย่างมากต่อศิลปินร่วมสมัยที่ก้าวหน้าของเขา Landini เกิดที่เมือง Fiesole ใกล้เมืองฟลอเรนซ์ในปี 1325 ในครอบครัวของจิตรกร หลังจากป่วยไข้ทรพิษในวัยเด็ก เขาก็ตาบอดถาวร เขาเริ่มเรียนดนตรีตั้งแต่เนิ่นๆ (ร้องเพลงก่อนแล้วจึงเล่นเครื่องสายและออร์แกน) - "เพื่อบรรเทาความสยดสยองในค่ำคืนนิรันดร์ด้วยการปลอบใจ" การพัฒนาทางดนตรีของเขาดำเนินไปอย่างรวดเร็วและทำให้คนรอบข้างประหลาดใจ เขาศึกษาการออกแบบเครื่องดนตรีหลายอย่างอย่างสมบูรณ์แบบ (“ราวกับว่าเขาได้เห็นมันด้วยตาของเขาเอง”) ทำการปรับปรุงและคิดค้นการออกแบบใหม่ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Francesco Landini แซงหน้านักดนตรีชาวอิตาลีในยุคของเขาทั้งหมด เขามีชื่อเสียงเป็นพิเศษจากการเล่นออร์แกนซึ่งเขาสวมมงกุฎด้วยลอเรลในเวนิสต่อหน้า Petrarch ในปี 1364 เห็นได้ชัดว่าเมื่อถึงเวลานั้น Landini ยังไม่รู้จักในฐานะนักแต่งเพลงและบางทีเขาอาจจะเริ่มแต่งเพลง เฉพาะในช่วงกลางทศวรรษที่ 1360 เท่านั้น นักวิจัยสมัยใหม่ระบุผลงานในช่วงแรกของเขาจนถึงปี 1365-1370 เป็นที่ทราบกันดีว่าในฟลอเรนซ์ Landini สื่อสารกับกวีมากมายแต่งบทกวีด้วยตัวเองและเข้าร่วมอย่างเท่าเทียมในการอภิปรายเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ที่เรียนรู้ของนักมานุษยวิทยา Landini เสียชีวิตในฟลอเรนซ์และถูกฝังอยู่ในโบสถ์ San Lorenzo; วันที่บนหลุมศพของเขาคือวันที่ 2 กันยายน ค.ศ. 1397 เป็นเวลานานแล้วที่มีการตีพิมพ์งานเขียนของ Landini เพียงไม่กี่ชิ้น วันนี้รู้จักการเรียบเรียง 154 รายการ

ฟรานเชสโก แลนดินี่

ในศตวรรษที่ 15 แนวเสียงร้องใหม่ที่เป็นประชาธิปไตยปรากฏขึ้นซึ่งตอบสนองต่อรูปแบบชีวิตทางดนตรีทางสังคมที่กว้างขึ้น เปิดกว้าง Frottola ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ชื่อที่มีความหมายว่า "เพลงของฝูงชน" อย่างแท้จริงนั้นได้พูดถึงธรรมชาติอันไพเราะของมันแล้ว นักแต่งเพลง Frottolist เขียนในรูปแบบที่ใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านของเมืองในอิตาลี Frottolas แตกต่างจากแนวเพลงของศตวรรษที่ 14 ในเรื่องทำนองที่ไพเราะและแสดงออก รวมถึงสเกลหลักที่ชัดเจน

แต่ศตวรรษที่ 16 ถือเป็นเหตุการณ์ที่ร่ำรวยที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะดนตรีอิตาลี โดยนำเสนอภาพที่ซับซ้อนมากขึ้นในเวลานี้มากกว่าในศตวรรษก่อนๆ แนวโน้มบางอย่างมาถึงจุดสูงสุดที่นี่อันเป็นผลมาจากการพัฒนาในระยะยาว (ดนตรีแนวโพลีโฟนิกที่มีสไตล์ที่เข้มงวด) แนวโน้มอื่น ๆ เกิดขึ้นและพัฒนาอย่างเข้มข้นซึ่งเกิดจากบรรยากาศทางจิตวิญญาณในช่วงเวลานี้โดยเฉพาะ (ดนตรีฆราวาสในประเภทมาดริกัล) แนวโน้มอื่น ๆ เตรียมพร้อมอย่างไม่น่าเชื่อก่อนถึงจุดเปลี่ยนใหม่ที่เกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16 เมื่อยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงสิ้นสุดลง

การผงาดขึ้นของโรงเรียนโรมันที่นำโดยปาเลสตรินาไม่สามารถเกี่ยวข้องภายนอกกับช่วงเวลาของการต่อต้านการปฏิรูปได้ อย่างไรก็ตาม แก่นแท้ที่แท้จริงของงานศิลปะของ Palestrina ยืนยันความคิดเห็นที่ว่าความคิดสร้างสรรค์ที่สำคัญของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้เกิดขึ้นจริงในนั้น ซึ่งอย่างไรก็ตาม ได้รับรูปลักษณ์ที่มีเอกลักษณ์ในเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ใหม่

การเริ่มดำเนินการปฏิรูปต่อต้านส่งผลต่อการเปลี่ยนแปลงโดยทั่วไปในบรรยากาศทางจิตวิญญาณซึ่งศิลปะพัฒนาขึ้นตั้งแต่กลางถึงปลายศตวรรษที่ 16 ศิลปินขั้นสูงอดไม่ได้ที่จะรู้สึกถึงการกดขี่ของปฏิกิริยาคาทอลิกที่ข่มเหง "คนนอกรีต" การกระทำของการสืบสวนข้อ จำกัด ของความคิดที่ก้าวหน้านั่นคือโครงการปฏิบัติการต่อต้านยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นพื้นฐานที่พระสันตะปาปานำมาใช้และดำเนินการ . ความสมดุลทางศิลปะสูงสุดที่ประสบความสำเร็จในศิลปะของยุคเรอเนซองส์สูงนั้นถูกสั่นคลอนและหยุดชะงักอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

Giovanni Pierluigi da Palestrina เกิดประมาณปี 1525 และได้รับชื่อเล่นจากสถานที่เกิดของเขา (Palestrina ใกล้กรุงโรม) ตั้งแต่วัยเด็กเขาร้องเพลงในมหาวิหารของเมืองบ้านเกิดของเขาและในปี 1534 เขาก็กลายเป็นนักร้องในโบสถ์ในกรุงโรม ตั้งแต่นั้นมา Palestrina เกือบตลอดชีวิตของเขามีความเกี่ยวข้องกับโบสถ์ที่มีชื่อเสียงในเมืองหลวงของสมเด็จพระสันตะปาปา ความเชื่อมโยงในยุคแรกเริ่มนี้กับลัทธิคาทอลิกและแวดวงคาทอลิก ซึ่งเป็นศาสนาอันลึกซึ้งที่มีอยู่ในโลกทัศน์ของเขา ไม่สามารถส่งผลกระทบต่องานของเขาได้ หลังจากการประชุมสภาเทรนท์ ปาเลสตรินาได้รับตำนานของ "ผู้กอบกู้ดนตรีของคริสตจักร"; มิสซาคนหนึ่งของเขาซึ่งแสดงในบ้านของพระคาร์ดินัลทำให้นักบวชระดับสูงเชื่อว่าดนตรีโพลีโฟนิกไม่สามารถปิดบังความหมายของคำได้ดังนั้นจึงไม่ละเมิดความศรัทธาในคริสตจักร จนกระทั่งสิ้นยุคสมัย ปาเลสตรินาไม่อยากเปลี่ยนวิถีชีวิตของเขา แม้ว่าผู้ปกครองหลายคนจะเชิญเขาไปที่ราชสำนักก็ตาม ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ปาเลสตรินาต้องการกลับบ้านเกิด ซึ่งอาจจะเบื่อหน่ายกับหน้าที่ของเขาในโรม แต่การสิ้นพระชนม์เมื่อวันที่ 2 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1594 ไม่ได้ทำให้ความตั้งใจเหล่านี้เป็นจริง

จิโอวานนี ปิเอร์ลุยจิ ดา ปาเลสตรินา

มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของ Paletrina มีความโดดเด่นในระดับหนึ่ง พระองค์ทรงสร้างมวลชนมากกว่า 100 ครั้ง โมเท็ตมากกว่า 300 โมเท็ต มาดริกัลมากกว่า 100 อัน ดนตรีของเขาเต็มไปด้วยอารมณ์ของการจดจ่อ สงบ และการไตร่ตรองอย่างประเสริฐ การออกดอกอย่างสร้างสรรค์ของ Palestrina เกิดขึ้นได้เมื่อยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสำหรับศิลปะอื่น ๆ กลายเป็นเรื่องในอดีตไปแล้ว นอกจากนี้เขายังสร้างจุดสุดยอดทางดนตรีของวัฒนธรรมนี้และรวบรวมแนวคิดหลัก - แนวคิดเรื่องความกลมกลืนที่สมบูรณ์แบบของมนุษย์และโลก - ด้วยความงามในอุดมคติและเป็นภาพรวมที่ยังเป็นไปไม่ได้ทั้งต่อหน้าเขาและหลังจากนั้น - ไม่สามารถทำได้อีกต่อไป ศิลปะการร้องประสานเสียงของอิตาลี

ผลงานทั้งหมดของเขาโดดเด่นด้วยการตีความแบบเรอเนซองส์อย่างชัดเจน ได้แก่ ความใกล้ชิดกับนิทานพื้นบ้านและโนเอล การบันทึกเสียงที่มีสีสัน และลวดลายล้อเลียนที่ปรากฏอยู่ตรงนี้และที่นั่น

ในขณะที่ยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี ฝรั่งเศส และสเปนทางตอนใต้ของยุโรปกำลังเผยหน้าหนังสือที่ยอดเยี่ยมที่สุดหน้าหนึ่งในประวัติศาสตร์วรรณกรรมและศิลปะโลก ทางตะวันตกเฉียงเหนือของทวีปในประเทศเนเธอร์แลนด์ ซึ่งก่อตั้งขึ้นในศตวรรษที่ 15 . โรงเรียนอันทรงพลังแห่งการร้องเพลงประสานเสียง ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรีของประเทศของเธอ มันกลายเป็นจุดสุดยอด ด้วยความเร็วอันน่าทึ่ง กิ่งก้านของมันจึงได้ขยายไปยังประเทศอื่น ๆ ศิลปะโพลีโฟนิกของอิตาลี ฝรั่งเศส สเปน และเยอรมนีได้เรียนรู้และเติบโตจากประสบการณ์อันมีค่าของเธอ มันได้รับความสำคัญระดับนานาชาติ ศตวรรษที่ XV-XVI - ยุครุ่งเรืองของดนตรีดัตช์

นักดนตรีเดินทางไปทั่วทุกแห่งเพื่อสร้างโรงเรียนของตนเองในเมืองบรูจส์และศูนย์อื่นๆ ในโบสถ์ในช่วงเวลาว่างจากการบริการจะมีการแสดงดนตรีออร์แกน โรงเรียนสถานเลี้ยงเด็กกำพร้าแบบปิดหรือที่เรียกว่า Metrizes ซึ่งฝึกอบรมนักร้องและนักเล่นออร์แกนมืออาชีพตั้งแต่วัยเด็ก เป็นศูนย์กลางของการศึกษาและทฤษฎีดนตรี จาก Metriz นักโพลีโฟนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่เช่น Guillaume Dufay, Gilles Benchois และคนอื่น ๆ

จุดสุดยอดในประวัติศาสตร์ของโรงเรียนดัตช์คือผลงานของ Orlando di Lasso เป็นชนพื้นเมืองของแฟลนเดอร์ส (เกิดในมอนส์, Hainaut ในปี 1532) เขาเติบโตในอิตาลีและเช่นเดียวกับรุ่นก่อน ๆ เขาเริ่มอาชีพนักดนตรีในฐานะนักร้องประสานเสียง Lasso ใช้ชีวิตเร่ร่อนอย่างไม่สงบตามแบบฉบับของบุคคลในยุคเรอเนซองส์ อิตาลีและอังกฤษ ฝรั่งเศส และแอนต์เวิร์ป เขาใช้เวลา 38 ปีที่ผ่านมาในมิวนิกในฐานะวาทยากรในราชสำนักของดยุคแห่งบาวาเรีย ซึ่งเขาเสียชีวิตในปี 1594 เขาเป็นนักดนตรีที่มีความเป็นอัจฉริยะในด้านความลึกและพลังของงานศิลปะของเขา มีพิสัยอันกว้างใหญ่และพลังสร้างสรรค์ ซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ที่ ถูกเรียกว่าเป็นไททันแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ออร์ลันโด ดิ ลาสโซ

นักแต่งเพลง O. Lasso ดำเนินวงออเคสตรา

ดังนั้นศิลปะดนตรีแห่งยุคเรอเนซองส์จึงมีเอกลักษณ์เฉพาะไม่เพียงแค่ความสำเร็จของโรงเรียนสร้างสรรค์ระดับชาติและระดับท้องถิ่น (เช่น โรมัน เวนิส และอื่น ๆ ) เท่านั้น แต่ยังมีความใกล้ชิด (บางครั้งก็เป็นเอกภาพ) ของกระแสสร้างสรรค์ที่สำคัญอีกด้วย