ลักษณะสำคัญของศิลปะนามธรรม ศิลปะนามธรรมในงานศิลปะ

ในศตวรรษที่ผ่านมา การเคลื่อนไหวเชิงนามธรรมกลายเป็นความก้าวหน้าอย่างแท้จริงในประวัติศาสตร์ศิลปะ แต่มันก็ค่อนข้างเป็นธรรมชาติ - ผู้คนมักจะค้นหารูปแบบ คุณสมบัติ และแนวคิดใหม่ ๆ อยู่เสมอ แต่แม้กระทั่งในศตวรรษของเรา ศิลปะรูปแบบนี้ก็ยังมีคำถามมากมาย ศิลปะนามธรรมคืออะไร? เรามาพูดถึงเรื่องนี้กันต่อไป

ศิลปะนามธรรมในจิตรกรรมและศิลปะ

อย่างมีสไตล์ ความเป็นนามธรรมศิลปินใช้ภาษาภาพของรูปทรง รูปทรง เส้นและสีเพื่อตีความวัตถุ สิ่งนี้แตกต่างกับรูปแบบศิลปะแบบดั้งเดิมซึ่งใช้การตีความวรรณกรรมมากกว่าเพื่อสื่อถึง "ความเป็นจริง" นามธรรมนิยมเคลื่อนไปไกลจากวิจิตรศิลป์คลาสสิกมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ แสดงถึงโลกแห่งวัตถุประสงค์แตกต่างไปจากในชีวิตจริงอย่างสิ้นเชิง

ศิลปะนามธรรมท้าทายจิตใจของผู้สังเกตการณ์ตลอดจนอารมณ์ของเขา - เพื่อชื่นชมงานศิลปะอย่างเต็มที่ ผู้สังเกตการณ์จะต้องปลดปล่อยตัวเองจากความต้องการที่จะเข้าใจสิ่งที่ศิลปินพยายามจะพูด แต่ต้องรู้สึกถึงอารมณ์การตอบสนองสำหรับตัวเอง ทุกด้านของชีวิตมีการตีความผ่านศิลปะนามธรรม เช่น ความศรัทธา ความกลัว ความหลงใหล ปฏิกิริยาต่อดนตรีหรือธรรมชาติ การคำนวณทางวิทยาศาสตร์และคณิตศาสตร์ ฯลฯ

ขบวนการทางศิลปะนี้เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 20 พร้อมด้วยลัทธิคิวบิสม์ สถิตยศาสตร์ ดาดานิยม และอื่นๆ แม้ว่าจะไม่ทราบเวลาที่แน่นอนก็ตาม ตัวแทนหลักของรูปแบบศิลปะนามธรรมในการวาดภาพถือเป็นศิลปินเช่น Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka และ Piet Mondrian เราจะพูดคุยเพิ่มเติมเกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์และภาพวาดที่สำคัญของพวกเขา

ภาพวาดโดยศิลปินชื่อดัง: ศิลปะนามธรรม

วาซิลี คันดินสกี้

Kandinsky เป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกศิลปะนามธรรม เขาเริ่มค้นหาแนวอิมเพรสชั่นนิสต์และจากนั้นก็มาถึงรูปแบบของนามธรรมนิยม ในงานของเขา เขาใช้ประโยชน์จากความสัมพันธ์ระหว่างสีและรูปแบบเพื่อสร้างประสบการณ์เชิงสุนทรีย์ที่โอบรับทั้งวิสัยทัศน์และอารมณ์ของผู้ชม เขาเชื่อว่านามธรรมที่สมบูรณ์นั้นให้ขอบเขตสำหรับการแสดงออกที่ล้ำลึกและล้ำลึก และการคัดลอกความเป็นจริงเพียงแต่ขัดขวางกระบวนการนี้เท่านั้น

การวาดภาพถือเป็นจิตวิญญาณอย่างลึกซึ้งสำหรับคันดินสกี้ เขาพยายามที่จะถ่ายทอดความลึกของอารมณ์ของมนุษย์ผ่านภาษาภาพที่เป็นสากลของรูปทรงและสีนามธรรมที่จะก้าวข้ามขอบเขตทางกายภาพและวัฒนธรรม เขาเห็น ความเป็นนามธรรมเป็นโหมดภาพในอุดมคติที่สามารถแสดงถึง "ความจำเป็นภายใน" ของศิลปิน และถ่ายทอดความคิดและอารมณ์ของมนุษย์ เขาถือว่าตัวเองเป็นศาสดาพยากรณ์ที่มีภารกิจในการแบ่งปันอุดมคติเหล่านี้กับโลกเพื่อประโยชน์ของสังคม

"องค์ประกอบที่ 4" (2454)

ที่ซ่อนอยู่ในสีสดใสและเส้นสีดำที่ชัดเจนแสดงถึงคอสแซคหลายตัวที่มีหอก เช่นเดียวกับเรือ ตัวเลข และปราสาทบนยอดเขา เช่นเดียวกับภาพวาดหลายๆ ภาพในยุคนี้ มันจินตนาการถึงการต่อสู้ที่ล่มสลายที่จะนำไปสู่ความสงบสุขชั่วนิรันดร์

เพื่ออำนวยความสะดวกในการพัฒนารูปแบบการวาดภาพที่ไม่มีวัตถุประสงค์ตามที่อธิบายไว้ในผลงานของเขาเรื่อง On the Spiritual in Art (1912) Kandinsky ลดขนาดวัตถุให้เป็นสัญลักษณ์รูปภาพ ด้วยการลบการอ้างอิงถึงโลกภายนอกส่วนใหญ่ Kandinsky ได้แสดงวิสัยทัศน์ของเขาในรูปแบบที่เป็นสากลมากขึ้น โดยแปลแก่นแท้ทางจิตวิญญาณของเรื่องผ่านรูปแบบทั้งหมดเหล่านี้เป็นภาษาภาพ ตัวเลขเชิงสัญลักษณ์เหล่านี้จำนวนมากถูกทำซ้ำและปรับปรุงในผลงานชิ้นหลังของเขา จนกลายเป็นนามธรรมมากยิ่งขึ้น

คาซิเมียร์ มาเลวิช

แนวคิดของมาเลวิชเกี่ยวกับรูปแบบและความหมายในงานศิลปะนำไปสู่การมุ่งความสนใจไปที่ทฤษฎีรูปแบบศิลปะนามธรรม Malevich ทำงานกับรูปแบบการวาดภาพที่แตกต่างกัน แต่มุ่งเน้นไปที่การศึกษารูปทรงเรขาคณิตล้วนๆ (สี่เหลี่ยม สามเหลี่ยม วงกลม) และความสัมพันธ์ระหว่างกันในพื้นที่ภาพ

ด้วยการติดต่อของเขาทางตะวันตก Malevich จึงสามารถถ่ายทอดความคิดของเขาเกี่ยวกับการวาดภาพให้กับเพื่อนศิลปินในยุโรปและสหรัฐอเมริกาได้ และด้วยเหตุนี้จึงมีอิทธิพลอย่างลึกซึ้งต่อวิวัฒนาการของศิลปะสมัยใหม่

"แบล็กสแควร์" (2458)

ภาพวาดอันโด่งดัง "Black Square" ถูกแสดงครั้งแรกโดย Malevich ในนิทรรศการที่เมือง Petrograd ในปี 1915 งานนี้รวบรวมหลักการทางทฤษฎีของ Suprematism ที่พัฒนาโดย Malevich ในบทความของเขาเรื่อง "From Cubism and Futurism to Suprematism: New Realism in Painting"

บนผืนผ้าใบด้านหน้าผู้ชมมีรูปแบบนามธรรมในรูปแบบของสี่เหลี่ยมสีดำที่วาดบนพื้นหลังสีขาว - มันเป็นองค์ประกอบเดียวขององค์ประกอบ แม้ว่าภาพวาดจะดูเรียบง่าย แต่ก็มีองค์ประกอบต่างๆ เช่น ลายนิ้วมือและฝีแปรงที่มองเห็นได้ผ่านชั้นสีดำ

สำหรับ Malevich จัตุรัสหมายถึงความรู้สึก และสีขาวหมายถึงความว่างเปล่า ความว่างเปล่า เขามองเห็นจัตุรัสสีดำที่มีลักษณะเหมือนพระเจ้า เป็นไอคอน ราวกับว่ามันจะกลายเป็นภาพศักดิ์สิทธิ์ใหม่สำหรับงานศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง แม้แต่ในนิทรรศการ ภาพวาดนี้ก็ยังถูกวางไว้ในตำแหน่งที่มักจะวางไอคอนไว้ในบ้านของรัสเซีย

พีต มอนเดรียน

Piet Mondrian หนึ่งในผู้ก่อตั้งขบวนการ Dutch De Stijl ได้รับการยอมรับในเรื่องความบริสุทธิ์ของนามธรรมและการปฏิบัติตามระเบียบวิธีของเขา เขาทำให้องค์ประกอบต่างๆ ของภาพวาดของเขาเรียบง่ายขึ้นอย่างมากเพื่อนำเสนอสิ่งที่เขาเห็นไม่ใช่โดยตรง แต่เป็นรูปเป็นร่าง และเพื่อสร้างภาษาสุนทรีย์ที่ชัดเจนและเป็นสากลบนผืนผ้าใบของเขา

ในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 Mondrian ได้ลดรูปทรงของเขาลงเหลือเพียงเส้นและสี่เหลี่ยม และใช้จานสีของเขาให้เรียบง่ายที่สุด การใช้ความสมดุลแบบอสมมาตรกลายเป็นพื้นฐานในการพัฒนางานศิลปะสมัยใหม่ และผลงานนามธรรมอันเป็นเอกลักษณ์ของเขายังคงมีอิทธิพลในการออกแบบและคุ้นเคยกับวัฒนธรรมสมัยนิยมในปัจจุบัน

“ต้นไม้สีเทา” (2455)

"The Grey Tree" คือตัวอย่างของการเปลี่ยนแปลงไปสู่สไตล์ในช่วงแรกของ Mondrian ความเป็นนามธรรม- ไม้สามมิติถูกย่อให้เป็นเส้นและระนาบที่ง่ายที่สุด โดยใช้เพียงสีเทาและสีดำ

ภาพวาดนี้เป็นหนึ่งในผลงานชุดหนึ่งของ Mondrian ที่สร้างขึ้นด้วยแนวทางที่สมจริงมากขึ้น เช่น ต้นไม้ถูกนำเสนอในลักษณะที่เป็นธรรมชาติ ในขณะที่งานต่อมากลายเป็นนามธรรมมากขึ้น เช่น เส้นของต้นไม้ลดลงจนแทบไม่เห็นรูปร่างของต้นไม้และรองจากองค์ประกอบโดยรวมของเส้นแนวตั้งและแนวนอน

คุณยังเห็นความสนใจของ Mondrian ที่จะละทิ้งการจัดโครงสร้างเส้นสายที่จัดโครงสร้างไว้ที่นี่อีกด้วย ขั้นตอนนี้มีความสำคัญต่อการพัฒนานามธรรมอันบริสุทธิ์ของมอนเดรียน

โรเบิร์ต เดโลเนย์

Delaunay เป็นหนึ่งในศิลปินกลุ่มแรกสุดที่มีรูปแบบศิลปะนามธรรม งานของเขามีอิทธิพลต่อการพัฒนาทิศทางนี้โดยอิงจากความตึงเครียดในการเรียบเรียงที่เกิดจากการขัดแย้งของสี เขาตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของสีสันแบบนีโออิมเพรสชั่นนิสต์อย่างรวดเร็วและติดตามโทนสีของผลงานในรูปแบบของนามธรรมอย่างใกล้ชิด เขาถือว่าสีและแสงเป็นเครื่องมือหลักที่สามารถมีอิทธิพลต่อความเป็นจริงของโลกได้

ในปี 1910 Delaunay ได้มีส่วนสนับสนุน Cubism ในรูปแบบของภาพวาดสองชุดที่แสดงถึงมหาวิหารและหอไอเฟล ซึ่งผสมผสานรูปแบบลูกบาศก์ การเคลื่อนไหวแบบไดนามิก และสีสันสดใส วิธีใหม่ในการใช้ความกลมกลืนของสีนี้ช่วยแยกแยะสไตล์นี้จากลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมแบบออร์โธดอกซ์ กลายเป็นที่รู้จักในชื่อ Orphism และมีอิทธิพลต่อศิลปินชาวยุโรปในทันที ภรรยาของ Delaunay ศิลปิน Sonia Turk-Delone ยังคงวาดภาพในสไตล์เดียวกันต่อไป

"หอไอเฟล" (2454)

งานหลักของ Delaunay อุทิศให้กับหอไอเฟล ซึ่งเป็นสัญลักษณ์อันโด่งดังของฝรั่งเศส นี่เป็นหนึ่งในภาพวาดที่น่าประทับใจที่สุดในบรรดาภาพวาดสิบเอ็ดชุดที่อุทิศให้กับหอไอเฟลระหว่างปี 1909 ถึง 1911 ทาสีแดงสด ซึ่งทำให้เห็นความแตกต่างจากสีเทาของเมืองโดยรอบทันที ขนาดผืนผ้าใบที่น่าประทับใจยังช่วยเสริมความยิ่งใหญ่ของอาคารแห่งนี้อีกด้วย เช่นเดียวกับผี หอคอยแห่งนี้ตั้งตระหง่านเหนือบ้านเรือนโดยรอบ สั่นคลอนรากฐานของระเบียบเก่าในเชิงเปรียบเทียบ

ภาพวาดของ Delaunay สื่อถึงความรู้สึกของการมองโลกในแง่ดีอย่างไร้ขอบเขต ความไร้เดียงสา และความสดใหม่ของช่วงเวลาที่ยังไม่เคยพบเห็นสงครามโลกครั้งที่สองมาก่อน

ฟรานติเสก กุปก้า

František Kupka เป็นศิลปินชาวเชโกสโลวาเกียที่วาดภาพในสไตล์ดังกล่าว ความเป็นนามธรรมสำเร็จการศึกษาจากสถาบันศิลปะปราก ในฐานะนักเรียน เขาวาดภาพเกี่ยวกับความรักชาติเป็นหลักและเขียนเรียงความทางประวัติศาสตร์ ผลงานในช่วงแรกของเขาเป็นผลงานทางวิชาการมากกว่า อย่างไรก็ตาม สไตล์ของเขาได้พัฒนาไปตลอดหลายปีที่ผ่านมา และในที่สุดก็ได้ขยับเข้าสู่งานศิลปะนามธรรม เขียนขึ้นในลักษณะที่เหมือนจริงมาก แม้แต่ผลงานในช่วงแรกๆ ของเขาก็มีธีมและสัญลักษณ์เหนือจริงที่ลึกลับ ซึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้เมื่อเขียนนามธรรม

คุปก้าเชื่อว่าศิลปินและผลงานของเขามีส่วนร่วมในกิจกรรมสร้างสรรค์อย่างต่อเนื่อง ซึ่งมีธรรมชาติที่ไม่จำกัดเหมือนสิ่งสัมบูรณ์

“อมอร์ฟา. ความทรงจำในสองสี" (1907-1908)

เริ่มตั้งแต่ปี พ.ศ. 2450-2451 Kupka เริ่มวาดภาพเหมือนของเด็กผู้หญิงที่ถือลูกบอลอยู่ในมือราวกับว่าเธอกำลังจะเล่นหรือเต้นรำกับมัน จากนั้นเขาก็พัฒนาภาพแผนผังของมันมากขึ้นเรื่อยๆ และในที่สุดก็ได้รับชุดภาพวาดนามธรรมที่สมบูรณ์ พวกเขาถูกสร้างขึ้นมาในจานสีจำนวนจำกัดซึ่งประกอบด้วยสีแดง น้ำเงิน ดำ และขาว

ในปี 1912 ที่ Salon d'Automne ผลงานนามธรรมชิ้นหนึ่งเหล่านี้ได้รับการจัดแสดงต่อสาธารณะในปารีสเป็นครั้งแรก

รูปแบบของนามธรรมนิยมไม่สูญเสียความนิยมในการวาดภาพของศตวรรษที่ 21 - ผู้ชื่นชอบศิลปะสมัยใหม่ไม่รังเกียจที่จะตกแต่งบ้านด้วยผลงานชิ้นเอกเช่นนี้และผลงานในรูปแบบนี้ตกอยู่ใต้ค้อนในการประมูลต่างๆเพื่อเงินก้อนโต

วิดีโอต่อไปนี้จะช่วยให้คุณเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับนามธรรมในงานศิลปะ:

หนึ่งในกระแสหลักในศิลปะแนวหน้า หลักการสำคัญของศิลปะนามธรรมคือการปฏิเสธที่จะเลียนแบบความเป็นจริงที่มองเห็นได้และดำเนินการตามองค์ประกอบในกระบวนการสร้างผลงาน วัตถุทางศิลปะแทนที่จะเป็นความเป็นจริงของโลกโดยรอบกลายเป็นเครื่องมือในการสร้างสรรค์ทางศิลปะ - สีเส้นรูปร่าง โครงเรื่องถูกแทนที่ด้วยแนวคิดพลาสติก บทบาทของหลักการเชื่อมโยงในกระบวนการทางศิลปะเพิ่มขึ้นหลายเท่าตัว และยังเป็นไปได้ที่จะแสดงความรู้สึกและอารมณ์ของผู้สร้างในภาพนามธรรมที่ปราศจากเปลือกนอก ซึ่งสามารถมุ่งความสนใจไปที่หลักการทางจิตวิญญาณของปรากฏการณ์และ เป็นผู้ถือ (ผลงานเชิงทฤษฎีของ V.V. Kandinsky)

องค์ประกอบแบบสุ่มของนามธรรมสามารถระบุได้ในงานศิลปะโลกตลอดการพัฒนาทั้งหมด โดยเริ่มจากภาพวาดบนหิน แต่ควรค้นหาต้นกำเนิดของสไตล์นี้ในภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งพยายามแยกสีออกเป็นองค์ประกอบแต่ละส่วน ลัทธิโฟวิสม์พัฒนาแนวโน้มนี้อย่างมีสติ โดย "เปิดเผย" สี โดยเน้นความเป็นอิสระของมัน และทำให้มันเป็นเป้าหมายของภาพ ในบรรดาโฟวิสต์นั้น Franz Marc และ Henri Matisse เข้าใกล้สิ่งที่เป็นนามธรรมมากที่สุด (คำพูดของเขาแสดงอาการ: “ศิลปะทั้งหมดเป็นนามธรรม”) และนักเขียนภาพแบบเหลี่ยมชาวฝรั่งเศส (โดยเฉพาะ Albert Gleizes และ Jean Metzinger) และนักอนาคตนิยมชาวอิตาลี (Giacomo Balla และ Gino Severini) ก็เคลื่อนไปตามเส้นทางนี้เช่นกัน แต่ไม่มีใครสามารถหรือเต็มใจที่จะเอาชนะขอบเขตโดยนัยได้ “อย่างไรก็ตาม เรายอมรับว่าสิ่งเตือนใจบางประการเกี่ยวกับรูปแบบที่มีอยู่ไม่ควรถูกกำจัดออกไปโดยสิ้นเชิง อย่างน้อยก็ในปัจจุบัน” (A. Glaize, J. Metzinger. About Cubism. St. Petersburg, 1913. P. 14)

ผลงานนามธรรมชิ้นแรกปรากฏในช่วงปลายทศวรรษปี 1900 – ต้นปี 1910 ในงานของ Kandinsky ขณะที่เขียนข้อความ “On the Spiritual in Art” และภาพวาดนามธรรมชิ้นแรกของเขาถือเป็น “Painting with a Circle” ของเขา (1911. NMG) เหตุผลของเขาย้อนกลับไปในเวลานี้: “<...>เพียงแต่ว่าแบบใดถูกต้องเท่านั้น<...>ทำให้เนื้อหาเป็นจริงตามนั้น การพิจารณาด้านข้างทุกประเภทและในหมู่พวกเขาความสอดคล้องของรูปแบบกับสิ่งที่เรียกว่า "ธรรมชาติ" เช่น ธรรมชาติภายนอกนั้นไม่มีนัยสำคัญและเป็นอันตรายเนื่องจากพวกมันหันเหความสนใจไปจากงานเดียวของแบบฟอร์มนั่นคือศูนย์รวมของเนื้อหา แบบฟอร์มคือการแสดงออกทางวัตถุของเนื้อหานามธรรม” (เนื้อหาและแบบฟอร์ม พ.ศ. 2453 // Kandinsky 2544 ต. 1. หน้า 84)

ในระยะแรก ศิลปะนามธรรมซึ่งแสดงโดย Kandinsky เป็นสีที่สมบูรณ์ ในการศึกษาสีเชิงปฏิบัติและเชิงทฤษฎี Kandinsky ได้พัฒนาทฤษฎีสีของ Johann Wolfgang Goethe และวางรากฐานสำหรับทฤษฎีสีในการวาดภาพ (ในหมู่ศิลปินชาวรัสเซีย, M.V. Matyushin, G.G. Klutsis, I.V. Klyun และคนอื่น ๆ ศึกษาทฤษฎีสี) .

ในรัสเซียในปี พ.ศ. 2455-2458 ระบบการวาดภาพนามธรรมของ Rayonism (M.F. Larionov, 1912) และ Suprematism (K.S. Malevich, 1915) ถูกสร้างขึ้น ซึ่งส่วนใหญ่กำหนดวิวัฒนาการเพิ่มเติมของศิลปะนามธรรม การสร้างสายสัมพันธ์ด้วยศิลปะนามธรรมสามารถพบได้ในลัทธิคิวโบฟิวเจอร์ริสม์และอะโลจิสต์ ความก้าวหน้าสู่สิ่งที่เป็นนามธรรมคือภาพวาด "ความว่างเปล่า" ของ N.S. Goncharova (1914. Tretyakov Gallery) แต่ธีมนี้ไม่ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในงานของศิลปิน อีกแง่มุมที่ยังไม่เกิดขึ้นจริงของนามธรรมของรัสเซียคือการวาดภาพสีของ O.V. Rozanova (ดู: ศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์)

ในช่วงปีเดียวกันนั้น Frantisek Kupka ชาวเช็ก, Robert Delaunay และ Jacques Villon ชาวฝรั่งเศส, Piet Mondrian ชาวดัตช์ และชาวอเมริกัน Stanton MacDonald-Wright และ Morgan Russell ได้เดินตามเส้นทางของตนเองไปสู่การสร้างสรรค์ภาพนามธรรมในปีเดียวกันนี้ โครงสร้างเชิงพื้นที่เชิงนามธรรมแรกเป็นการบรรเทาทุกข์โดย V.E. Tatlin (1914)

การปฏิเสธลัทธิมอร์ฟนิยมและการอุทธรณ์ต่อหลักการทางจิตวิญญาณทำให้มีเหตุผลในการเชื่อมโยงศิลปะนามธรรมเข้ากับปรัชญา มานุษยวิทยา และแม้กระทั่งเรื่องลึกลับ แต่ศิลปินเองไม่ได้แสดงความคิดเห็นดังกล่าวในระยะแรกของการพัฒนาศิลปะนามธรรม

หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง การวาดภาพนามธรรมค่อยๆ ได้รับความนิยมในยุโรปและกลายเป็นอุดมการณ์ทางศิลปะสากล นี่คือการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่ทรงพลังซึ่งในแรงบันดาลใจนั้นไปไกลเกินขอบเขตของงานรูปภาพและพลาสติกและแสดงให้เห็นถึงความสามารถในการสร้างระบบสุนทรียศาสตร์และปรัชญาและแก้ไขปัญหาสังคม (ตัวอย่างเช่น "เมือง Suprematist" ของ Malevich ตามหลักการแห่งชีวิต -อาคาร). ในช่วงทศวรรษที่ 1920 ตามอุดมการณ์ของเขา สถาบันวิจัย เช่น Bauhaus หรือ Gienkhuk ได้ถือกำเนิดขึ้น คอนสตรัคติวิสต์ก็เติบโตจากนามธรรมเช่นกัน

นามธรรมเวอร์ชันรัสเซียเรียกว่าศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์

หลักการและเทคนิคหลายประการของศิลปะนามธรรมซึ่งต่อมาได้กลายเป็นศิลปะคลาสสิกในศตวรรษที่ 20 ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในการออกแบบ ศิลปะการแสดงละครและมัณฑนศิลป์ ภาพยนตร์ โทรทัศน์ และคอมพิวเตอร์กราฟิก

แนวคิดของศิลปะนามธรรมมีการเปลี่ยนแปลงไปตามกาลเวลา จนถึงคริสต์ทศวรรษ 1910 คำนี้ใช้กับการวาดภาพ โดยมีการแสดงรูปแบบในลักษณะทั่วไปและเรียบง่าย เช่น "นามธรรม" เทียบกับการนำเสนอที่มีรายละเอียดมากขึ้นหรือเป็นธรรมชาติ ในแง่นี้ คำนี้ส่วนใหญ่นำไปใช้กับศิลปะการตกแต่งหรือองค์ประกอบที่มีรูปแบบแบน

แต่ตั้งแต่ปี 1910 เป็นต้นมา “นามธรรม” ถูกนำมาใช้เพื่ออธิบายผลงานที่มีการนำเสนอรูปแบบหรือองค์ประกอบจากมุมที่ตัวแบบดั้งเดิมเปลี่ยนแปลงไปจนแทบจะจำไม่ได้ บ่อยครั้งที่คำนี้หมายถึงรูปแบบศิลปะที่มีพื้นฐานอยู่บนการจัดองค์ประกอบภาพเท่านั้น - รูปร่าง สี โครงสร้าง ขณะเดียวกันก็ไม่จำเป็นเลยที่จะต้องมีภาพลักษณ์เริ่มต้นในโลกวัตถุ

แนวคิดเรื่องความหมายในศิลปะนามธรรม (ทั้งความหมายในยุคแรกและระยะหลัง) ถือเป็นประเด็นที่ซับซ้อนที่มีการถกเถียงกันอยู่ตลอดเวลา รูปแบบนามธรรมยังหมายถึงปรากฏการณ์ที่ไม่ใช่การมองเห็น เช่น ความรัก ความเร็ว หรือกฎของฟิสิกส์ ซึ่งเชื่อมโยงกับเอนทิตีอนุพันธ์ (“สาระสำคัญ”) ด้วยจินตภาพหรือวิธีอื่นในการแยกออกจากรายละเอียด มีรายละเอียด และไม่จำเป็น โดยสุ่ม แม้ว่าจะไม่มีวัตถุที่เป็นตัวแทน แต่งานนามธรรมก็สามารถสะสมการแสดงออกได้อย่างมหาศาล และองค์ประกอบที่มีความหมายมากมาย เช่น จังหวะ การทำซ้ำ และสัญลักษณ์สี บ่งชี้ถึงความเกี่ยวข้องกับแนวคิดหรือเหตุการณ์เฉพาะภายนอกภาพ

วรรณกรรม:
ม.ซูฟอร์. L'Art abstrait, ses origin, ses premiers maîtres. ปารีส 2492;
เอ็ม.ไบรอัน. ลาอาร์ตนามธรรม ปารีส 2499; ดี.วาลิเยร์ ลาอาร์ตนามธรรม ปารีส 2510;
ร.คาปอน. ขอแนะนำจิตรกรรมนามธรรม ลอนดอน 2516;
ซี.บล็อก. Geschichte der abstrakten Kunst. พ.ศ. 2443–2503 เคิล์น 1975;
เอ็ม. ชาปิโร. ธรรมชาติของศิลปะนามธรรม (2480) // M. Schapiro ศิลปะสมัยใหม่ เอกสารที่เลือก นิวยอร์ก 2521;
สู่ศิลปะใหม่: บทความเกี่ยวกับความเป็นมาของจิตรกรรมนามธรรม พ.ศ. 2453-2463 เอ็ด เอ็ม. คอมป์ตัน. ลอนดอน, 1980;
จิตวิญญาณในงานศิลปะ จิตรกรรมนามธรรม พ.ศ. 2433-2528 พิพิธภัณฑ์ศิลปะลอสแอนเจลีสเคาน์ตี้ 1986/1987;
ข้อความโดย เอ็ม. ทัชแมน; บี. อัลท์ชูเลอร์. Avant-Garde ในนิทรรศการ ศิลปะใหม่ในศตวรรษที่ 20 นิวยอร์ก 2537;
นามธรรมในรัสเซีย ศตวรรษที่ XX ต. 1–2. พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย [แคตตาล็อก] เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 2544;
ความไม่มีจุดหมายและเป็นนามธรรม นั่ง. บทความ ตัวแทน เอ็ด จีเอฟ โควาเลนโก. ม. 2554;

ลัทธินามธรรม (จากภาษาละติน abstractus - ระยะไกล, นามธรรม)- การเคลื่อนไหวที่กว้างขวางมากในงานศิลปะของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1910 ในหลายประเทศในยุโรป ลัทธินามธรรมมีลักษณะพิเศษคือการใช้องค์ประกอบที่เป็นทางการโดยเฉพาะเพื่อแสดงความเป็นจริง โดยที่การเลียนแบบหรือการนำเสนอความเป็นจริงอย่างถูกต้องไม่ใช่จุดสิ้นสุดในตัวมันเอง

คำว่านามธรรมมาจากภาษาละติน Abstraho - เพื่อดึงออกไปเบี่ยงเบนความสนใจ เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่านี่คือทิศทางหรือแม้แต่สไตล์ นามธรรมเป็นสิ่งที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงและผู้ที่ตีความแนวคิดนี้ในลักษณะนี้จะถูกเข้าใจผิดโดยไม่รู้ตัว ศิลปะนามธรรมเป็นที่เข้าใจของศิลปินและนักทฤษฎีศิลปะว่าเป็นวิธีการหนึ่งในการทำความเข้าใจความเป็นจริงผ่านวิธีการวิจิตรศิลป์ ซึ่งอยู่ภายใต้นามธรรมที่สมบูรณ์จากรูปแบบของวัตถุที่มองเห็นได้ของความเป็นจริงนั่นเอง เช่นเดียวกับศิลปะเชิงเปรียบเทียบ (เชิงวัตถุ) ลัทธินามธรรมแบ่งออกเป็นหลายรูปแบบและทิศทาง: เรขาคณิต โคลงสั้น ๆ ท่าทาง นามธรรมเชิงวิเคราะห์ และการเคลื่อนไหวเฉพาะอื่น ๆ เช่น ลัทธิซูพรีมาติซึม อรันฟอร์เมล ลัทธินูอาจ ลัทธิทาชิสเม ฯลฯ จริงๆ แล้ว การค้นหาของศิลปินทุกยุคทุกสมัยมักถูกจำกัดอยู่เพียงสองภาวะ hypostases เท่านั้น นั่นคือ ศิลปะที่เป็นรูปเป็นร่างและนามธรรม ไม่มีทางเลือกที่สามอย่างที่พวกเขาพูด

ผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรมคือศิลปินชาวรัสเซีย Wassily Kandinsky และ Kazimir Malevich, Dutchman Piet Mondrian, ชาวฝรั่งเศส Robert Delaunay และ Frantisek Kupka ชาวเช็ก วิธีการวาดภาพของพวกเขามีพื้นฐานอยู่บนความปรารถนาที่จะ "ประสานกัน" การสร้างการผสมสีและรูปทรงเรขาคณิตบางอย่างเพื่อทำให้เกิดการเชื่อมโยงต่างๆ ในตัวผู้ดู

ในนามธรรมนิยม สามารถแยกแยะทิศทางที่ชัดเจนได้สองทิศทาง: นามธรรมทางเรขาคณิต โดยพื้นฐานแล้วมีการกำหนดค่าที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน (Malevich, Mondrian) และนามธรรมที่เป็นโคลงสั้น ๆ ซึ่งองค์ประกอบถูกจัดระเบียบจากรูปแบบที่ไหลอย่างอิสระ (Kandinsky) นอกจากนี้ยังมีการเคลื่อนไหวอิสระขนาดใหญ่อื่นๆ อีกหลายอย่างในงานศิลปะนามธรรม

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 50 A. Matisse อิมเพรสชั่นนิสต์ผู้โด่งดังหันมาใช้ภาพวาดนามธรรมเป็นครั้งแรก และในปี 1950 ในปารีส ศิลปิน J. Devagne และ E. Pilet ได้เปิดเวิร์กช็อปโดยเริ่มสอนจิตรกรรุ่นเยาว์ถึงวิธีกำจัดการมองเห็นที่เหมือนจริง สร้างภาพวาดนามธรรมโดยใช้วิธีการแสดงภาพโดยเฉพาะ และใช้ไม่เกินสามโทนสีในองค์ประกอบภาพ เช่นเดียวกับในศิลปะนามธรรม ในความเห็นของพวกเขา รูปร่างส่วนใหญ่มักถูกกำหนดด้วยสี Devagne และ Pilet เชื่อว่าเงื่อนไขหลักในการสร้างภาพวาดนามธรรมที่ดีคือการเลือกสีที่แม่นยำที่สุด ภาพวาดนามธรรมของ Devan The Apotheosis of Marat (1951) ได้รับการตอบรับอย่างกระตือรือร้นจากนักวิจารณ์ พวกเขาเขียนเกี่ยวกับภาพวาดว่านี่ไม่เพียง แต่เป็นภาพเหมือนทางปัญญาของนักปฏิวัติที่มีชื่อเสียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึง "การเฉลิมฉลองของสีที่บริสุทธิ์การเล่นเส้นโค้งและเส้นตรงแบบไดนามิก" "สิ่งนี้เป็นข้อพิสูจน์ว่านามธรรมไม่เพียงแสดงออกถึงคุณค่าทางจิตวิญญาณเท่านั้น แต่ศิลปะที่เป็นรูปเป็นร่างก็สามารถกล่าวถึงเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์และการเมืองได้เช่นกัน”

ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 50 ศิลปะการจัดวางและศิลปะป๊อปอาร์ตเกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกา ซึ่งต่อมาได้ยกย่อง Andy Warhol ด้วยการหมุนเวียนภาพเหมือนของมาริลีน มอนโร และอาหารสุนัขกระป๋องอย่างไม่สิ้นสุด - ภาพปะติดนามธรรม ในศิลปกรรมแห่งทศวรรษที่ 60 รูปแบบนามธรรมแบบเรียบง่ายที่ก้าวร้าวน้อยที่สุดและคงที่ได้รับความนิยม ในเวลาเดียวกัน Barnett Newman ผู้ก่อตั้ง American Geometric Abstractionism ร่วมกับ A. Lieberman, A. Held และ K. Noland ประสบความสำเร็จในการพัฒนาแนวคิดเกี่ยวกับ Neoplasticism ของเนเธอร์แลนด์และ Suprematism ของรัสเซีย

การเคลื่อนไหวอีกอย่างหนึ่งของการวาดภาพอเมริกันเรียกว่านามธรรมแบบ "รงค์" หรือ "หลังจิตรกร" ตัวแทนของมันได้รับแรงบันดาลใจจากลัทธิโฟวิสม์และลัทธิหลังอิมเพรสชันนิสม์ในระดับหนึ่ง สไตล์ที่รุนแรงโครงร่างที่คมชัดเน้นย้ำของผลงานของ E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella ค่อยๆ หลีกทางให้กับภาพวาดที่มีลักษณะเศร้าโศกของการครุ่นคิด ในยุค 70 และ 80 ภาพวาดของอเมริกากลับมาเป็นรูปเป็นร่างอีกครั้ง ยิ่งกว่านั้น ปรากฏการณ์สุดโต่งอย่างความสมจริงด้วยแสงก็เริ่มแพร่หลายมากขึ้น นักประวัติศาสตร์ศิลปะส่วนใหญ่เห็นพ้องกันว่ายุค 70 เป็นช่วงเวลาแห่งความจริงสำหรับศิลปะอเมริกัน เนื่องจากในช่วงเวลานี้ในที่สุดมันก็หลุดพ้นจากอิทธิพลของยุโรปและกลายเป็นอเมริกันล้วนๆ อย่างไรก็ตาม แม้ว่าการกลับมาของรูปแบบและแนวเพลงแบบดั้งเดิม ตั้งแต่การวาดภาพบุคคลไปจนถึงการวาดภาพประวัติศาสตร์ แต่ลัทธินามธรรมก็ไม่ได้หายไป

ภาพวาดและผลงานศิลปะที่ "ไม่เป็นตัวแทน" ถูกสร้างขึ้นเหมือนเมื่อก่อน เนื่องจากการกลับคืนสู่ความสมจริงในสหรัฐอเมริกาไม่ได้ถูกเอาชนะโดยนามธรรมนิยมเช่นนี้ แต่โดยการบัญญัติให้เป็นนักบุญ การห้ามงานศิลปะที่เป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งระบุโดยหลักคือความสมจริงแบบสังคมนิยมของเรา และดังนั้นจึงอดไม่ได้ที่จะได้รับการพิจารณาว่าน่ารังเกียจในสังคม "ประชาธิปไตยเสรี" ซึ่งเป็นการห้ามประเภท "ต่ำ" เกี่ยวกับหน้าที่ทางสังคมของศิลปะ ในเวลาเดียวกันสไตล์ของการวาดภาพนามธรรมได้รับความนุ่มนวลบางอย่างที่มันขาดไปก่อนหน้านี้ - ปริมาตรที่เพรียวบาง, รูปทรงที่เบลอ, ความมีชีวิตชีวาของฮาล์ฟโทน, โทนสีที่ละเอียดอ่อน (E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. . เชส, เอ. .เบียโลโบรด). อย่างไรก็ตาม รูปแบบที่แข็งกระด้างไม่ได้หายไปอย่างสิ้นเชิง มันจางหายไปในพื้นหลังและได้รับการเก็บรักษาไว้ในผลงานของนักเรขาคณิตและศิลปินผู้แสดงออกในยุคก่อน (H. Buchwald, D. Ashbaugh, J. Gareth ฯลฯ )

แนวโน้มทั้งหมดนี้วางรากฐานสำหรับการพัฒนานามธรรมสมัยใหม่ ไม่มีอะไรที่หยุดนิ่งหรือสิ้นสุดในความคิดสร้างสรรค์ได้ เพราะนั่นจะทำให้มันตายได้ แต่ไม่ว่านามธรรมนิยมจะใช้เส้นทางใดก็ตาม ไม่ว่ามันจะผ่านการเปลี่ยนแปลงใดก็ตาม แก่นแท้ของมันยังคงไม่เปลี่ยนแปลงอยู่เสมอ ลัทธินามธรรมนิยมในวิจิตรศิลป์เป็นวิธีที่เข้าถึงได้และสูงส่งที่สุดในการจับภาพการดำรงอยู่ส่วนบุคคล และในรูปแบบที่เหมาะสมที่สุด เช่น การพิมพ์ทางโทรสาร ในขณะเดียวกัน นามธรรมนิยมคือการสำนึกถึงอิสรภาพโดยตรง

ศิลปะนามธรรม ศิลปะนามธรรม

(ศิลปะนามธรรม) ทิศทางในศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ที่ปฏิเสธที่จะพรรณนาถึงวัตถุและปรากฏการณ์จริงในการวาดภาพ ประติมากรรม และภาพกราฟิก เกิดขึ้นในยุค 10 ในช่วงปลายยุค 40 - ต้นยุค 60 เป็นขบวนการทางศิลปะที่แพร่หลายที่สุด การเคลื่อนไหวบางอย่างของศิลปะนามธรรม (Suprematism, Neoplasticism) สะท้อนการค้นหาในสถาปัตยกรรมและอุตสาหกรรมศิลปะ สร้างโครงสร้างที่ได้รับคำสั่งจากเส้น รูปทรงเรขาคณิต และปริมาตร อื่นๆ (Tachisme) พยายามที่จะแสดงความเป็นธรรมชาติ การหมดสติของความคิดสร้างสรรค์ในพลวัตของจุดต่างๆ หรือเล่ม

ศิลปะนามธรรม

ศิลปะนามธรรม (ศิลปะนามธรรม ศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์ (ซม.ศิลปะที่ไม่ใช่วัตถุประสงค์)ศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง) ชุดของกระแสในวิจิตรศิลป์ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งแทนที่การสร้างความเป็นจริงทางธรรมชาติโดยตรงด้วยสัญลักษณ์และสัญลักษณ์ที่เป็นรูปภาพและพลาสติกหรือการเล่นรูปแบบทางศิลปะที่ "บริสุทธิ์" ควรรับรู้ถึงนามธรรมที่ "บริสุทธิ์" แบบมีเงื่อนไข เนื่องจากแม้ในภาพที่เป็นนามธรรมที่สุดจากธรรมชาติที่เป็นรูปธรรม เราก็สามารถเดาลวดลายและต้นแบบที่เป็นวัตถุเป็นรูปเป็นร่างได้เสมอ - หุ่นนิ่ง ภูมิทัศน์ สถาปัตยกรรม ฯลฯ
ศิลปะแห่งเครื่องประดับทำหน้าที่เป็นแหล่งสะสมรูปแบบประเภทนี้มาโดยตลอด สารตั้งต้นทางประวัติศาสตร์ที่สำคัญของศิลปะนามธรรมก็คือความหลงใหลในสมัยโบราณของศิลปินที่มีภาพแอนะมอร์โฟส (หรือที่เรียกกันว่าเป็นภาพ "สุ่ม") ซึ่งมองเห็นได้จากพื้นผิวตามธรรมชาติ (เช่น ในส่วนของแร่ธาตุ) เช่นเดียวกับหลักการของ non-finito ซึ่งเกิดขึ้นในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ซม.ไม่สิ้นสุด)(ความไม่สมบูรณ์ภายนอก ทำให้สามารถชื่นชมการเล่นของเส้นและสีได้โดยไม่คำนึงถึงรูปแบบโครงเรื่อง) ศิลปะการตกแต่งที่โดดเด่นของศาสนาอิสลาม เช่นเดียวกับการประดิษฐ์ตัวอักษรแบบตะวันออกไกล ซึ่งปลดปล่อยพู่กันจากความจำเป็นในการเลียนแบบธรรมชาติภายนอกอย่างต่อเนื่อง ได้รับการพัฒนาในทิศทางที่ไม่มีวัตถุประสงค์ตลอดยุคกลาง (ซม.ในยุโรป ในยุคของแนวโรแมนติกและสัญลักษณ์ นั่นคือในศตวรรษที่ 19 ศิลปินบางครั้งมักจะอยู่ในขั้นตอนร่างภาพ แต่บางครั้งในผลงานที่เสร็จสมบูรณ์แล้วได้เข้าสู่โลกแห่งนิมิตที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง (สิ่งเหล่านี้เป็นจินตนาการส่วนบุคคลของ เจ.เอ็ม.ดับเบิลยู เทิร์นเนอร์ ผู้ล่วงลับไปแล้วเทิร์นเนอร์ วิลเลียม)
หรือภาพร่างโดย G. Moreau); แต่สิ่งเหล่านี้เป็นเพียงข้อยกเว้นเพียงอย่างเดียว และจุดเปลี่ยนที่สำคัญเกิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1910 เท่านั้น
ศิลปะแห่ง "จิตวิญญาณอันยิ่งใหญ่" (ซม.ภาพวาดนามธรรมที่เกิดขึ้นจริงชิ้นแรกถูกสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2453-2454 วี.วี. คันดินสกี้คันดินสกี้ วาซิลี วาซิลีวิช) (ซม.และเช็ก เอฟ. คุปก้าซื้อฟรานติเสก) (ซม.และในปี 1912 คนแรกของพวกเขาได้ยืนยันการค้นพบเชิงสร้างสรรค์ของเขาโดยละเอียดในเรียงความแบบเป็นโปรแกรมเรื่อง "On the Spiritual in Art" ในอีก 12 ปีข้างหน้า เหตุการณ์สำคัญอื่น ๆ เกิดขึ้น: ประมาณปี 1913 M. F. Larionovลาริโอนอฟ มิคาอิล เฟโดโรวิช) (ซม.และ N.S. Goncharovaกอนชาโรวา นาตาเลีย เซอร์กีฟนา) (ซม.ย้ายไปที่ศิลปะนามธรรมจากลัทธิแห่งอนาคต (Larionov เรียกวิธีการใหม่ว่า "rayonism"); ในเวลาเดียวกัน งานของ G. Balla ชาวอิตาลีก็เกิดการเปลี่ยนแปลงที่คล้ายกันบัลลา จาโคโม) (ซม.- ในปี พ.ศ. 2455-2456 “ลัทธิออร์ฟิส” อันไร้จุดหมายของ R. Delaunay ถือกำเนิดขึ้นเดลาเนย์ โรเบิร์ต) (ซม.และในปี พ.ศ. 2458-2460 - ศิลปะนามธรรมเวอร์ชันเรขาคณิตที่เข้มงวดยิ่งขึ้นซึ่งสร้างโดย K. S. Malevichมาเลวิช คาซิเมียร์ เซเวริโนวิช) (ซม.ในรัสเซีย (Suprematism) และโดย P. Mondrianในประเทศเนเธอร์แลนด์ (neoplasticism) เป็นผลให้เกิดสนามทดลองขึ้นโดยที่รูปแบบเปรี้ยวจี๊ดเกือบทั้งหมดในยุคนั้นมาบรรจบกัน ตั้งแต่ลัทธิแห่งอนาคตไปจนถึงดาด้า
ความคิดสร้างสรรค์เชิงนามธรรมสามทิศทางเกิดขึ้นทันที: 1) เรขาคณิต; 2) สัญลักษณ์ (เช่น เน้นไปที่สัญลักษณ์หรือรูปสัญลักษณ์) 3) ออร์แกนิกตามจังหวะของธรรมชาติ (ในรัสเซียผู้สนับสนุนที่ใหญ่ที่สุดของออร์แกนิกเชิงนามธรรมดังกล่าวคือ P. N. Filonov เป็นหลัก (ซม.ฟิโลนอฟ พาเวล นิโคลาวิช)- อย่างไรก็ตาม การจัดหมวดหมู่ดังกล่าวเกี่ยวข้องกับลักษณะภายนอกที่เป็นทางการเท่านั้น เนื่องจากงานศิลปะนามธรรมยุคแรกทุกเวอร์ชันมีลักษณะเป็นสัญลักษณ์ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง และทั้งหมดได้รับแรงบันดาลใจจาก "จังหวะของจักรวาล" ของธรรมชาติไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง Orphism ของ Delaunay ซึ่งมีพื้นฐานมาจากระดับสีที่บริสุทธิ์ ก่อให้เกิดทิศทางพิเศษที่สามารถเรียกตามอัตภาพว่า "สี"
เบื้องหลังความแตกต่างอย่างเป็นทางการมีความคล้ายคลึงกันของเนื้อหาภายใน มีประสบการณ์กับอิทธิพลอันแข็งแกร่งของทฤษฎีและการเคลื่อนไหวลึกลับที่คล้ายกัน (เช่น อิทธิพลของผู้เขียนเช่น H. P. Blavatsky (ซม.บลาวัตสกายา เอเลน่า เปตรอฟน่า)และผู้ติดตามของเธอ เช่นเดียวกับ P.D. Uspensky (ซม.ยูเพนสกี้ ปีเตอร์ เดเมียโนวิช)ในรัสเซียและ M. Schoenmaekers ในเนเธอร์แลนด์), Kandinsky, Kupka, Malevich และ Mondrian เชื่อมั่นว่าภาพวาดของพวกเขาซึ่งโลกเก่าหายไปอย่างชัดเจนในจักรวาล "ไม่มีอะไร" เป็นตัวแทนของการเปิดเผยทางศิลปะหรือกล่าวอีกนัยหนึ่งแสดงให้ผู้ชมเห็น ขีดจำกัดนั้นซึ่งเปิด "ยุคแห่งจิตวิญญาณอันยิ่งใหญ่" ใหม่ (คันดินสกี้) และ "นำโลกเข้าสู่ความเจริญรุ่งเรือง" (ฟิโลนอฟ) การเริ่มต้นของช่วงเวลาแห่งสงครามและการปฏิวัติมีแต่ทำให้ความเชื่อในอุดมคติแบบโรแมนติกเหล่านี้แข็งแกร่งขึ้นเท่านั้น
การออกแบบและเนื้อเพลง
ในช่วงทศวรรษที่ 1920 ศิลปะนามธรรมที่ยังคงรักษาพื้นฐานยูโทเปียไว้ (แต่ไม่ใช่ "สันทราย" อีกต่อไป) กลายมาเป็นศิลปะเชิงปฏิบัติมากขึ้นและลึกลับน้อยลง “เบาเฮาส์ (ซม.เบาเฮาส์)“ในประเทศเยอรมนี ได้ฝึกฝนศักยภาพเชิงสร้างสรรค์ของตนอย่างแข็งขัน (โดยหลักแล้วเป็นรุ่นเรขาคณิต) เพื่ออัปเดตการออกแบบ และใช้ชีวิตทางสังคมโดยทั่วไป นามธรรมนิยมเริ่มเข้ามาในชีวิต รวมถึงแฟชั่น (เช่น S. Delaunay-Turk (ซม.โซเนีย เดโลน)ใช้ลวดลายจากภาพวาดของสามีมาออกแบบผ้า ตกแต่งภายใน หรือแม้แต่รถยนต์) มันเป็นศิลปะนามธรรมที่มีส่วนอย่างมากในการก่อตัวของสิ่งที่เริ่มเรียกว่า "สไตล์สมัยใหม่" ของความคิดสร้างสรรค์ในการตกแต่ง ในทางกลับกันการไม่เป็นกลางได้รับการฝึกฝนอย่างแข็งขันในงานประติมากรรมทั้งขาตั้งและการตกแต่งแบบอนุสาวรีย์ (H. Arp (ซม.เออาร์พี ฮันส์ (ฌอง)), ซี. แบรนคูซี่ (ซม.บรันคูซี่ คอนสแตนติน), เอ็น กาโบ (ซม.กาโบ นอุม อับราโมวิช), อ. เพฟซเนอร์ ฯลฯ ) กิจกรรมของสมาคมฝรั่งเศส "การสร้างนามธรรม" มีส่วนทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงของศิลปะนามธรรมจากยูโทเปียเชิงปรัชญาไปสู่ภาพที่ใคร่ครวญและโคลงสั้น ๆ มากขึ้น
อย่างไรก็ตามทิศทางที่สี่ใหม่ของงานศิลปะนี้ในที่สุดเรียกว่า “นามธรรมเชิงโคลงสั้น ๆ” (ซึ่งต่อมากลายเป็นการสารภาพและแสดงออกถึงตัวตนของศิลปินในแบบของตัวเอง) ก่อตัวขึ้นในภายหลังในช่วงทศวรรษที่ 1940 ในนิวยอร์ก มันเป็นการแสดงออกเชิงนามธรรมซึ่งโดดเด่นด้วยฝีแปรงที่มีพื้นผิวขนาดใหญ่มากราวกับว่าถูกโยนลงบนผืนผ้าใบอย่างเป็นธรรมชาติ (J. Pollock (ซม.พอลล็อค แจ็คสัน), ดับเบิลยู เดอ คูนนิ่ง (ซม.คุนหนิง วิลเล็ม)ฯลฯ) ความตึงเครียดอันน่าทึ่งที่มีอยู่ในหลายสิ่งเหล่านี้ทำให้เกิดมิติใหม่ในยุโรปตะวันตกในช่วงทศวรรษที่ 1940 และ 1950 ตัวละครที่น่าเศร้ายิ่งกว่าในสิ่งที่เรียกว่า “ข้อมูล (ซม.ข้อมูล)"(Vols, A. Tapies, J. Fautrier) ในขณะที่อยู่ใน Tachisme (ซม.ทาคิสม์)ในทางตรงกันข้าม จุดเริ่มต้นที่สำคัญหรือมหากาพย์หรือภูมิทัศน์แบบอิมเพรสชั่นนิสม์มีชัย (J. Mathieu, P. Tal-Coat, H. Hartung ฯลฯ ); ในตอนแรก จุดสนใจของทั้งสองทิศทางนี้ (ซึ่งบางครั้งชื่ออาจใช้พ้องความหมายกัน) คือปารีส ในช่วงเวลาเดียวกัน ยังมีจุดบรรจบกันระหว่างศิลปะนามธรรมกับการประดิษฐ์ตัวอักษรตะวันออกไกล (ตัวอย่างเช่นในงานของ American M. Toby และ Chinese Zao-Wuki ซึ่งทำงานในฝรั่งเศส)
ระหว่างใต้ดินกับชื่อเสียง
การรับรู้อย่างเป็นทางการของศิลปะนามธรรมในตะวันตกเกิดขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ในช่วงเวลาแห่งการครอบงำของรูปแบบสากลในสถาปัตยกรรม (รูปแบบที่ไม่ใช่วัตถุประสงค์ - รูปภาพหรือประติมากรรม - รูปแบบที่มีชีวิตชีวาอย่างมากต่อความน่าเบื่อหน่ายของโครงสร้างคอนกรีตแก้ว) ควบคู่ไปกับสิ่งนี้ แฟชั่นเกิดขึ้นสำหรับ "การวาดภาพสนามสี" โดยสำรวจความเป็นไปได้ที่แสดงออกของพื้นผิวสีที่ทาสีขนาดใหญ่เท่ากัน (หรือด้วยการเปลี่ยนแปลงโทนสีเล็กน้อย) (B. Newman, M. Rothko (ซม.ร็อตโก้ มาร์ค)) และในทศวรรษ 1960 - สำหรับคอนทัวร์คม “ขอบแข็ง” หรือ “การทาสีขอบใส” ตามกฎแล้วศิลปะนามธรรมในภายหลังไม่ได้แยกจากกันในเชิงโวหารอีกต่อไปโดยผสมผสานกับศิลปะป๊อปอาร์ต op art และการเคลื่อนไหวหลังสมัยใหม่อื่น ๆ
ในโซเวียตรัสเซียศิลปะนามธรรมมาเป็นเวลานาน (ตั้งแต่ทศวรรษที่ 1930) ได้รับการพัฒนาจริง ๆ ใต้ดินเนื่องจากได้รับการพิจารณาอย่างเป็นทางการว่าเป็นจุดสนใจของ "อิทธิพลของปฏิกิริยาแบบเป็นทางการของตะวันตก" (โดยลักษณะเฉพาะคำว่า "นามธรรมนิยม" และ "สมัยใหม่" มักจะ ใช้ในสื่อโซเวียตเป็นคำพ้องความหมาย) ในช่วง "ละลาย" สถาปัตยกรรมทำหน้าที่เป็นทางออกสำหรับเขา ซึ่งมักจะรวมองค์ประกอบนามธรรมหรือกึ่งนามธรรมในการออกแบบ ศิลปะนามธรรมแนวใหม่ของรัสเซียเผยแพร่สู่สาธารณะในช่วงปีเปเรสทรอยกา แสดงให้เห็นถึงกระแสนิยมที่หลากหลาย (โดยเฉพาะในภาพวาดและกราฟิก) ซึ่งถือเป็นจุดเริ่มต้นของศิลปะแนวเปรี้ยวจี๊ดในยุคแรกๆ ของรัสเซียอย่างมีเอกลักษณ์ ในบรรดาปรมาจารย์ที่ได้รับการยอมรับของเขา (พ.ศ. 2503-2533) คือ E. M. Belyutin (ซม.เบลีติน เอลี มิคาอิโลวิช), ยู. เอส. ซลอตนิคอฟ, อี. แอล. โครปิฟนิตสกี้ (ซม. KROPIVNITSKY เยฟเกนีย์ เลโอนิโดวิช), M. A. Kulakov, L. Ya. Masterkova, V. N. Nemukhin (ซม.เนมูคิน วลาดิเมียร์ นิโคลาวิช), แอล.วี. นุสเบิร์ก (ซม.นุสเบิร์ก เลฟ วัลเดมาโรวิช), วี. แอล. สเลเปียน, อี. เอ. สไตน์เบิร์ก (ซม.สตีนเบิร์ก เอดูอาร์ด อาร์คาเดวิช).

พจนานุกรมสารานุกรม. 2009 .

คำพ้องความหมาย:

ดูว่า "ศิลปะนามธรรม" ในพจนานุกรมอื่น ๆ คืออะไร:

- (จากภาษาละติน abstractus abstract), นามธรรมนิยม, ศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์, ศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง, การเคลื่อนไหวสมัยใหม่ที่ละทิ้งการพรรณนาวัตถุจริงโดยพื้นฐานในการวาดภาพ ประติมากรรม และกราฟิก โปรแกรม… … สารานุกรมศิลปะ

ศิลปะนามธรรม- ศิลปะนามธรรม วี.วี. คันดินสกี้. องค์ประกอบ. สีน้ำ. พ.ศ. 2453 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งชาติ ปารีส. Abstract ART (ศิลปะนามธรรม) การเคลื่อนไหวในศิลปะแนวเปรี้ยวจี๊ด (ดู Avant-garde) ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ปฏิเสธ... ... พจนานุกรมสารานุกรมภาพประกอบ

- ทิศทาง (ไม่ใช่วัตถุประสงค์ไม่ใช่เป็นรูปเป็นร่าง) ในการวาดภาพของศตวรรษที่ 20 ซึ่งละทิ้งการพรรณนาถึงรูปแบบของความเป็นจริง หนึ่งในหลัก แนวโน้มเปรี้ยวจี๊ด นามธรรมแรก ผลงานนี้ถูกสร้างขึ้นในปี 1910 โดย V. Kandinsky และในปี 1912 โดย F. Kupka... สารานุกรมวัฒนธรรมศึกษา

- (นามธรรม) ทิศทางในศิลปะเปรี้ยวจี๊ด (ดู Avant-garde) ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งปฏิเสธที่จะพรรณนาถึงวัตถุและปรากฏการณ์จริงในการวาดภาพ ประติมากรรม และกราฟิก เกิดขึ้นในยุค 10 เป็นของแพร่หลายที่สุด... ... สารานุกรมสมัยใหม่

- (ศิลปะนามธรรม ศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์ ศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง) ชุดของแนวโน้มในวัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 20 แทนที่ความเป็นธรรมชาติที่เป็นธรรมชาติและจดจำได้ง่ายด้วยการเล่นเส้น สี และรูปร่างอย่างอิสระไม่มากก็น้อย (โครงเรื่อง และเรื่อง...... พจนานุกรมสารานุกรมขนาดใหญ่

คำนามจำนวนคำพ้องความหมาย: 1 นามธรรมนิยม (2) พจนานุกรมคำพ้องความหมาย ASIS วี.เอ็น. ทริชิน. 2013… พจนานุกรมคำพ้องความหมาย

ศิลปะนามธรรม- ทิศทางในการวาดภาพประติมากรรมและกราฟิกของศตวรรษที่ 20 นามธรรมนิยม Kandinsky ชอบที่จะเปรียบเทียบการวาดภาพกับดนตรีเป็นพิเศษดังนั้นศิลปะนามธรรมจากมุมมองของเขาจึงเป็นการสกัดเสียงที่บริสุทธิ์ (Reinhardt) ... พจนานุกรมยอดนิยมของภาษารัสเซีย

ศิลปะนามธรรม ศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์ ศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง การเคลื่อนไหวในศิลปะของหลายประเทศ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นทุนนิยม ซึ่งได้ละทิ้งร่องรอยของการวาดภาพวัตถุจริงโดยพื้นฐานแล้ว... ... สารานุกรมผู้ยิ่งใหญ่แห่งสหภาพโซเวียต

พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งชาติ ปารีส... สารานุกรมถ่านหิน

Abstractionism (คำละติน “abstractio” การกำจัด การเบี่ยงเบนความสนใจ) เป็นแนวทางหนึ่งของศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่างที่ละทิ้งการพรรณนารูปแบบที่ใกล้เคียงกับความเป็นจริงในการวาดภาพและประติมากรรม เป้าหมายประการหนึ่งของศิลปะนามธรรมคือการบรรลุ "การประสานกัน"... Wikipedia

หนังสือ

Gleb Bogomolov งานศิลปะ "นามธรรม" ที่ไม่เป็นรูปเป็นร่างซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีในหมู่มืออาชีพและผู้ชมที่จริงจัง - ส่วนหนึ่งเป็นเพียงตำนาน ศิลปินคนใดวาดภาพตามความเป็นจริงเท่านั้น อย่างไรก็ตามมีความจริงและความเป็นจริง...

ลัทธินามธรรม(นามธรรมละติน - การกำจัด การเบี่ยงเบนความสนใจ) หรือศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง - ทิศทางของศิลปะที่ละทิ้งการพรรณนารูปแบบในการวาดภาพและประติมากรรมที่ใกล้เคียงกับความเป็นจริง เป้าหมายประการหนึ่งของศิลปะนามธรรมคือการบรรลุ "การประสานกัน" โดยการวาดภาพการผสมสีและรูปทรงเรขาคณิตบางอย่าง ทำให้ผู้ชมรู้สึกถึงความสมบูรณ์และความสมบูรณ์ขององค์ประกอบภาพ บุคคลสำคัญ: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova และ Mikhail Larionov, Piet Mondrian

ภาพวาดนามธรรมชิ้นแรกวาดโดย Wassily Kandinsky ในปี 1909 ปัจจุบันอยู่ในพิพิธภัณฑสถานแห่งชาติจอร์เจีย - จึงเป็นการเปิดหน้าใหม่ในการวาดภาพโลก - นามธรรมนิยมที่ยกระดับการวาดภาพเป็นดนตรี

ในภาพวาดของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 ตัวแทนหลักของลัทธินามธรรมคือ Wassily Kandinsky (ซึ่งเสร็จสิ้นการเปลี่ยนไปใช้องค์ประกอบนามธรรมของเขาในเยอรมนี), Natalya Goncharova และ Mikhail Larionov ผู้ก่อตั้ง "Rauchism" ในปี 1910-1912 ผู้สร้าง Suprematism ในฐานะ ความคิดสร้างสรรค์รูปแบบใหม่ Kazimir Malevich ผู้แต่ง "Black Square" และ Evgeny Mikhnov-Voitenko ซึ่งมีผลงานที่โดดเด่นเหนือสิ่งอื่นใดโดยใช้วิธีการนามธรรมที่หลากหลายอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนซึ่งนำมาใช้ในงานของเขา (จำนวน รวมถึง "สไตล์กราฟฟิตี" ศิลปินเป็นคนแรกที่ใช้ไม่เพียงแต่กับปรมาจารย์ในประเทศเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงชาวต่างชาติด้วย)

การเคลื่อนไหวที่เกี่ยวข้องกับนามธรรมนิยมคือลัทธิเขียนภาพแบบคิวบิสม์ ซึ่งพยายามพรรณนาถึงวัตถุจริงด้วยระนาบที่ตัดกันจำนวนมาก สร้างภาพของตัวเลขที่เป็นเส้นตรงบางอันที่ทำซ้ำธรรมชาติที่มีชีวิต ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมคือผลงานในยุคแรกๆ ของปาโบล ปิกัสโซ

ประวัติศาสตร์ศิลปะนามธรรม

ในปี พ.ศ. 2453-2458 จิตรกรในรัสเซีย ยุโรปตะวันตก และสหรัฐอเมริกาเริ่มสร้างสรรค์ผลงานศิลปะแนวนามธรรม ในบรรดานักนามธรรมกลุ่มแรกๆ นักวิจัยชื่อ Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich และ Piet Mondrian ปีเกิดของงานศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์ถือเป็นปี 1910 เมื่อ Kandinsky เขียนผลงานนามธรรมชิ้นแรกในเมือง Murnau ประเทศเยอรมนี แนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของนักนามธรรมกลุ่มแรกสันนิษฐานว่าความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะสะท้อนให้เห็นถึงกฎของจักรวาลที่ซ่อนอยู่เบื้องหลังปรากฏการณ์ภายนอกที่ผิวเผินของความเป็นจริง รูปแบบเหล่านี้ซึ่งศิลปินเข้าใจโดยสัญชาตญาณ แสดงออกผ่านความสัมพันธ์ของรูปแบบนามธรรม (จุดสี เส้น ปริมาตร รูปทรงเรขาคณิต) ในงานนามธรรม ในปีพ.ศ. 2454 คันดินสกีได้ตีพิมพ์หนังสือชื่อดังของเขาที่เมืองมิวนิกเรื่อง "On the Spiritual in Art" ซึ่งเขาได้ไตร่ตรองถึงความเป็นไปได้ในการรวบรวมสิ่งที่จำเป็นภายใน จิตวิญญาณ ตรงข้ามกับภายนอก โดยไม่ได้ตั้งใจ "พื้นฐานเชิงตรรกะ" สำหรับนามธรรมของ Kandinsky ขึ้นอยู่กับการศึกษาผลงานเชิงปรัชญาและมานุษยวิทยาของ Helena Blavatsky และ Rudolf Steiner ในแนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของ Piet Mondrian องค์ประกอบหลักของรูปแบบคือสิ่งที่ตรงข้ามกันหลัก ได้แก่ แนวนอน - แนวตั้ง เส้น - ระนาบ สี - ไม่ใช่สี ในทฤษฎีของ Robert Delaunay ตรงกันข้ามกับแนวคิดของ Kandinsky และ Mondrian อภิปรัชญาในอุดมคติถูกปฏิเสธ งานหลักของนามธรรมนิยมสำหรับศิลปินคือการศึกษาคุณสมบัติไดนามิกของสีและคุณสมบัติอื่น ๆ ของภาษาศิลปะ (ทิศทางที่ก่อตั้งโดย Delaunay เรียกว่า Orphism) มิคาอิล ลาริโอนอฟ ผู้สร้าง "เรยอนนิสต์" พรรณนาถึง "การเปล่งแสงสะท้อน; ฝุ่นสี”

ศิลปะนามธรรมถือกำเนิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1910 ศิลปะนามธรรมมีการพัฒนาอย่างรวดเร็ว โดยปรากฏอยู่ในงานศิลปะแนวหน้าหลายแขนงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 แนวคิดเรื่องนามธรรมสะท้อนให้เห็นในผลงานของพวก Expressionists (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), Cubists (Fernand Léger), Dadaists (Jean Arp), Surrealists (Joan Miró), Italian Futurists (Gino Severini, Giacomo Balla, Enrico Prampolini), Orphists (Robert Delaunay, Frantisek Kupka), Suprematists รัสเซีย (Kazimir Malevich), “Radiants” (Mikhail Larionov และ Natalya Goncharova) และ Constructivists (Lyubov Popova, Lazar Lisitsky, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova), Neoplasticists ชาวดัตช์ (Piet Mondrian, Theo van Doesburg , Bart van der Leck) ประติมากรชาวยุโรปจำนวนหนึ่ง (Alexander Archipenko, Constantin Brancusi, Umberto Boccioni, Antoine Pevzner, Naum Gabo, Laszlo Moholy-Nagy, Vladimir Tatlin) ไม่นานหลังจากการเกิดขึ้นของศิลปะนามธรรม ทิศทางหลักสองประการในการพัฒนางานศิลปะนี้ก็ได้เกิดขึ้น: นามธรรมทางเรขาคณิตซึ่งโน้มไปทางรูปทรงเรขาคณิตปกติและมีเสถียรภาพ "สำคัญ" (Mondrian, Malevich) และนามธรรมโคลงสั้น ๆ ซึ่งชอบรูปแบบที่อิสระและ กระบวนการแบบไดนามิก (Kandinsky, Kupka) สมาคมศิลปินนามธรรมระดับนานาชาติแห่งแรก (“Circle and Square”, “Abstract-Creativity”) ก่อตั้งขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1920 - ต้นทศวรรษ 1930 ในปารีส

โปรแกรมสุนทรียศาสตร์ของนักนามธรรมมีลักษณะเฉพาะโดยลัทธิสากลนิยม ศิลปะนามธรรมถูกนำเสนอในรูปแบบสากลของระเบียบโลกรวมทั้งโครงสร้างของสิ่งแวดล้อมและโครงสร้างของสังคม การทำงานกับองค์ประกอบหลักของภาษาภาพ นักนามธรรมหันไปใช้หลักการทั่วไปในการจัดองค์ประกอบภาพและกฎของการสร้างรูปร่าง ไม่น่าแปลกใจที่นักนามธรรมพบว่ามีการใช้รูปแบบที่ไม่เป็นตัวแทนในศิลปะอุตสาหกรรม การออกแบบทางศิลปะ และสถาปัตยกรรม (กิจกรรมของกลุ่ม “สไตล์” ในเนเธอร์แลนด์และโรงเรียน Bauhaus ในเยอรมนี งานของ Kandinsky ที่ VKHUTEMAS สถาปนิกและโครงการออกแบบ ของ Malevich; “โทรศัพท์มือถือ” ของ Alexander Calder; การออกแบบของ Vladimir Tatlin ผลงานของ Naum Gabo และ Antoine Pevzner) กิจกรรมของนักนามธรรมมีส่วนช่วยในการพัฒนาสถาปัตยกรรมสมัยใหม่ ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ และการออกแบบ

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 ลัทธิการแสดงออกทางนามธรรมซึ่งก่อตั้งขึ้นบนพื้นฐานของลัทธินามธรรมที่เป็นโคลงสั้น ๆ ได้รับการพัฒนาในสหรัฐอเมริกา ตัวแทนของการแสดงออกเชิงนามธรรม (Pollock, Mark Tobey, Willem de Kooning, Mark Rothko, Arshile Gorky, Franz Kline) ประกาศว่าเป็นวิธี "การหมดสติ" และความคิดสร้างสรรค์อัตโนมัติเอฟเฟกต์ที่คาดไม่ถึง (“ การวาดภาพแอ็คชั่น”) แนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของพวกเขาไม่มีอภิปรัชญาในอุดมคติอีกต่อไป และบางครั้งองค์ประกอบที่ไม่มีวัตถุประสงค์ก็กลายเป็นวัตถุแบบพอเพียงซึ่งไม่รวมความสัมพันธ์กับความเป็นจริง อะนาล็อกของยุโรปในการแสดงออกเชิงนามธรรมคือ Tachisme ซึ่งมีตัวแทนที่โดดเด่นคือ Hans Hartung, Pierre Soulages, Volsa, Georges Mathieu ศิลปินพยายามที่จะใช้การผสมสีและพื้นผิวที่ไม่ได้มาตรฐานโดยไม่คาดคิด ประติมากร (Eduardo Chillida, Seymour Lipton และคนอื่น ๆ ) สร้างองค์ประกอบที่แปลกประหลาดและใช้วิธีการแปรรูปวัสดุที่ผิดปกติ

ในทศวรรษที่ 1960 ด้วยการลดลงของการแสดงออกเชิงนามธรรม ศิลปะทางเลือกซึ่งพัฒนาหลักการของนามธรรมทางเรขาคณิตและใช้ภาพลวงตาของการรับรู้วัตถุแบนและเชิงพื้นที่ กลายเป็นแนวโน้มที่เห็นได้ชัดเจนในนามธรรมนิยม อีกทิศทางหนึ่งในการพัฒนานามธรรมทางเรขาคณิตคือศิลปะจลน์ศาสตร์ซึ่งเล่นกับผลกระทบของการเคลื่อนไหวที่แท้จริงของงานทั้งหมดหรือส่วนประกอบแต่ละอย่าง (Alexander Calder, Jean Tinguely, Nicholas Schöffer, Jesus Soto, Taxis) ในทางคู่ขนาน นามธรรมหลังจิตรกรเกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกา โดยมีหลักการคือการลดขนาดและทำให้รูปแบบรูปภาพง่ายขึ้นอย่างมาก การสืบทอดรูปทรงเรขาคณิตปกติจากนามธรรมทางเรขาคณิต รอบนามธรรมหลังจิตรกร และทำให้พวกมัน "อ่อนลง" ตัวแทนที่โดดเด่นของเทรนด์นี้คือ Frank Stella, Elsworth Kelly และ Kenneth Noland การแสดงออกถึงนามธรรมทางเรขาคณิตขั้นสุดยอดในงานประติมากรรมคือความเรียบง่าย ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงทศวรรษปี 1960 และ 1970

นามธรรมสมัยใหม่ในการวาดภาพ

สีขาวได้กลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของภาษานามธรรมสมัยใหม่ สำหรับ Marina Kastalskaya, Andrei Krasulin, Valery Orlov, Leonid Pelikh พื้นที่ของสีขาว - ความตึงเครียดสูงสุดของสี - โดยทั่วไปจะเต็มไปด้วยความเป็นไปได้ของตัวแปรที่ไม่มีที่สิ้นสุด ทำให้สามารถใช้ทั้งแนวคิดทางอภิปรัชญาเกี่ยวกับกฎทางจิตวิญญาณและแสงของการสะท้อนแสง

อวกาศในฐานะหมวดหมู่แนวความคิดมีความหมายที่แตกต่างกันในงานศิลปะสมัยใหม่ ตัวอย่างเช่น มีพื้นที่ของป้าย ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ที่โผล่ออกมาจากส่วนลึกของจิตสำนึกที่เก่าแก่ บางครั้งก็เปลี่ยนเป็นโครงสร้างที่ชวนให้นึกถึงอักษรอียิปต์โบราณ มีพื้นที่ของต้นฉบับโบราณซึ่งภาพที่กลายเป็นสิ่งที่ดูน่าสนใจที่สุดในองค์ประกอบของ Valentin Gerasimenko

ในลัทธินามธรรมสมัยใหม่ ทิศทางของโครงเรื่องกำลังพัฒนา (Gennady Rybalko) ในขณะที่ยังคงรักษาความไม่เที่ยงธรรม ภาพนามธรรมจะถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่กระตุ้นให้เกิดการเชื่อมโยงเฉพาะ - ในระดับต่างๆ ของนามธรรม: จากสถานการณ์ที่เป็นวัตถุประสงค์ไปจนถึงระดับเชิงปรัชญาของหมวดหมู่นามธรรม ในทางกลับกันภาพอาจดูเหมือนภาพของโลกแฟนตาซี - สถิตยศาสตร์เชิงนามธรรม หน่อของมันคือการแสดงภาพนามธรรมเชิงปริมาตร