ตัวนำแห่งยุคโซเวียต การนำเสนอ "ผู้ควบคุมวงชาวรัสเซียในยุคของเรา" เขียนชื่อผู้ควบคุมโอเปร่าที่คุณรู้จัก
ก.โลมาคิน(พ.ศ. 2354-2428) ชื่อเสียงของครูสอนร้องเพลงที่มีพรสวรรค์มาที่ Lomakin แต่เนิ่นๆและแพร่กระจายไปทั่วเมืองหลวงทางตอนเหนืออย่างรวดเร็ว เขาได้รับเชิญให้สอนในสถาบันการศึกษาหลายแห่ง: นักเรียนนายร้อย นาวิกโยธินและเพจ ไลเซียม โรงเรียนการละคร และโรงเรียนกฎหมาย (ที่ P.I. Tchaikovsky เรียนอยู่ในเวลานั้น) G.Ya พบกันที่โรงเรียนแห่งนี้ Lomakin กับนักวิจารณ์ศิลปะ V.V. สตาซอฟ. นักวิจารณ์ชาวรัสเซียที่โดดเด่นได้กล่าวถึง "โรงเรียนที่ยอดเยี่ยม", "เส้นทางการเรียนรู้ที่ถูกต้อง", "ความสามารถโดยกำเนิด", "ความสำคัญและทักษะในการขับร้องประสานเสียง" ที่มีอยู่ใน Lomakin ซึ่งมีบทบาทที่เห็นได้ชัดเจนในอาชีพการงานของเรา เพื่อนร่วมชาติ ในปี พ.ศ. 2405 ร่วมกับนักแต่งเพลงชื่อดัง M.A. Balakirev Lomakin ได้จัดตั้งโรงเรียนดนตรีฟรีเพื่อการตรัสรู้และการศึกษาของประชาชน ที่โรงเรียน G.Ya. Lomakin ไม่เพียงแต่สร้างคณะนักร้องประสานเสียงใหม่ที่ยอดเยี่ยมเท่านั้น แต่ยังจัดการศึกษาของครูสอนดนตรีในอนาคตอีกด้วย นักเรียนของเขาหลายคนกลายเป็นนักดนตรีที่มีชื่อเสียง ไม่ว่าจะเป็นนักร้อง วาทยกร และครู Gavriil Yakimovich อุทิศช่วงปีสุดท้ายของชีวิตให้กับงานแต่งเพลง: ก่อนหน้านั้นเขาเขียนเพลงได้อย่างเหมาะสมและเริ่มต้นเท่านั้นในช่วงเวลาสั้น ๆ ระหว่างชั้นเรียนกับคณะนักร้องประสานเสียง ในช่วงเวลานั้น เขาได้สร้างผลงานมากมายให้กับคณะนักร้องประสานเสียงและเขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ หลายเรื่อง และในปี พ.ศ. 2426 เมื่อ ม.อ. เข้ามาเป็นผู้จัดการโบสถ์ศาล Balakirev, Lomakin ยังได้รับโอกาสที่หายากในการเผยแพร่ผลงานของเขา เขาอุทิศวันสุดท้ายของชีวิตเพื่อสรุปและแก้ไขเอกสารหลักฐาน
อ. อาร์คันเกลสกี (2389-2467)
โบสถ์ศาล
คณะนักร้องประสานเสียงอิสระ (2423)
โบสถ์ของเคานต์เชเรเมทเยฟ
เอส.วี. สโมเลนสกี (1848-1909)
ผู้อำนวยการโรงเรียน Synodal (พ.ศ. 2432-2444)
ผู้อำนวยการโบสถ์ร้องเพลงประจำศาล (พ.ศ. 2444-2446)
ผู้อำนวยการหลักสูตรผู้สำเร็จราชการเอกชน (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก)
ปะทะ ออร์ลอฟ (1856-1907)
คณะนักร้องประสานเสียงแห่งสมาคมนักร้องประสานเสียงแห่งรัสเซีย (พ.ศ. 2421-2429)
โบสถ์แห่งสมาคมนักร้องประสานเสียงแห่งรัสเซีย (พ.ศ. 2425-2431)
ผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์คณะนักร้องประสานเสียง Synodal (พ.ศ. 2429-2450)
อเล็กซานเดอร์ ดมิตรีเยวิช คาสตาลสกี้ (2399-2469)
คณะนักร้องประสานเสียง Synodal (ผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2444)
พาเวล กริกอรีวิช เชสโนคอฟ (2420-2487).
คณะนักร้องประสานเสียงจิตวิญญาณส่วนตัว A.P. คายูโตวา.
คณะนักร้องประสานเสียงแห่งสมาคมนักร้องประสานเสียงแห่งรัสเซีย (2459-2460)
ผู้สำเร็จราชการแห่งคริสตจักรมอสโก
นิโคไล มิคาอิโลวิช ดานิลิน (2399-2488).
คณะนักร้องประสานเสียง Synodal (พ.ศ. 2453-2461)
คณะนักร้องประสานเสียงส่วนตัว Kayutov (2458-2460)
โบสถ์วิชาการเลนินกราด
คณะนักร้องประสานเสียงแห่งรัฐล้าหลัง
สเวชนิคอฟ อเล็กซานเดอร์ วาซิลีวิช(พ.ศ. 2433-2523) ผู้ควบคุมวงประสานเสียงศิลปินประชาชนแห่งสหภาพโซเวียต (2499) วีรบุรุษแห่งแรงงานสังคมนิยม (2513) ในปี พ.ศ. 2479-37 ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของคณะนักร้องประสานเสียงแห่งรัฐสหภาพโซเวียตซึ่งจัดขึ้นบนพื้นฐานของชุดเสียงร้อง All-Union Radio ที่เขาสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2471; ในปี พ.ศ. 2480-2484 - เลนินกราด โบสถ์; พ.ศ. 2484 (ค.ศ. 1941) - คณะนักร้องประสานเสียงเพลงรัสเซียแห่งรัฐ (ต่อมาเป็นคณะนักร้องประสานเสียงรัสเซียเชิงวิชาการแห่งสหภาพโซเวียต) ผู้จัดงาน (2487) และผู้อำนวยการกรุงมอสโก โรงเรียนนักร้องประสานเสียง (ตั้งแต่ปี 1991 Academy of Choral Art ตั้งชื่อตาม S. ) ศาสตราจารย์ (ตั้งแต่ พ.ศ. 2489) อธิการบดี (พ.ศ. 2491-74) กรุงมอสโก เรือนกระจก รางวัลแห่งรัฐล้าหลัง (2489)
YURLOV อเล็กซานเดอร์ อเล็กซานโดรวิช (2470-16)ผู้ควบคุมวงประสานเสียงศิลปินประชาชนของ RSFSR (1970) อาเซอร์ไบจาน สสส. (1972) นักเรียนเอ.วี. สเวชนิโควา ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2501 ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์และหัวหน้าวาทยกรของสาธารณรัฐ มาตุภูมิ โบสถ์นักร้องประสานเสียง (ตั้งแต่ปี 1973 ตั้งชื่อตามเขา) ศาสตราจารย์ผู้สอนดนตรี. สถาบันที่ตั้งชื่อตาม กเนสซินส์ (ตั้งแต่ปี 1970) รางวัลแห่งรัฐล้าหลัง (2510)
เทฟลินผู้ควบคุมวงประสานเสียง Boris Grigorievich ศาสตราจารย์ (1981) หัวหน้าแผนกดำเนินการร้องเพลงประสานเสียงของ Conservatory แห่งรัฐมอสโกซึ่งตั้งชื่อตาม P. I. Tchaikovsky (2536-2550) ศิลปินประชาชนแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย (2538)
คาซัคคอฟเซมยอน อับราโมวิช (พ.ศ. 2452-2548) – อาจารย์, ศาสตราจารย์, หัวหน้าภาควิชาร้องเพลงประสานเสียงของเรือนกระจกแห่งรัฐคาซาน
มินิ Vladimir Nikolaevich (เกิด พ.ศ. 2472) ผู้ควบคุมวงประสานเสียงศิลปินประชาชนแห่งสหภาพโซเวียต (2531) นักศึกษา วี.จี. Sokolova, A.V. สเวชนิโควา ตั้งแต่ปี 1972 มือ มอสโกก่อตั้งโดยเขา นักร้องประสานเสียงในห้องตั้งแต่ปี 1987 (พร้อมกัน) ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของรัฐ มาตุภูมิ คณะนักร้องประสานเสียง ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2521 ศาสตราจารย์ (ในปี พ.ศ. 2514-2222 อธิการบดี) การสอนดนตรี สถาบันที่ตั้งชื่อตาม เกซินส์. รางวัลแห่งรัฐล้าหลัง (1982)
มิทรีอัค Gennady Aleksandrovich - นักร้องประสานเสียงและโอเปร่า-ซิมโฟนี ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งรัสเซีย ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์และหัวหน้าวาทยากรของคณะนักร้องประสานเสียงวิชาการแห่งรัฐรัสเซีย ตั้งชื่อตาม A.A. Yurlov และโบสถ์ Moscow Kremlin รองศาสตราจารย์ภาควิชา Choral Conducting ของ Russian Academy of Music กเนสซิน.
ข้อกำหนดสำหรับผู้ควบคุมวงประสานเสียง
มีความสามารถในการควบคุมเทคนิคการดำเนินการที่ดีเยี่ยม
สามารถจัดสมาชิกคณะนักร้องประสานเสียงออกเป็นส่วนต่างๆ ได้อย่างถูกต้องตามเสียงร้องและขอบเขต
นำทางความหลากหลายของผลงานดนตรีในสไตล์ ยุคสมัย การเคลื่อนไหวที่แตกต่างกันได้อย่างง่ายดาย รู้พื้นฐานทางทฤษฎีของการบันทึกและการอ่านคะแนนการร้องประสานเสียง
มีหูที่กระตือรือร้นในการฟังเพลง ความรู้สึกของจังหวะ และรสนิยมทางศิลปะที่พัฒนาแล้ว
ประเภทของเพลงประสานเสียง
วิลลาเนลลา(เพลงหมู่บ้านชาวอิตาลี) - เพลงอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 15-16 ส่วนใหญ่เป็นเสียง 3 เสียง โดยมีคู่อัล การเคลื่อนไหวของเสียง ตัวละครที่มีชีวิตชีวา เนื้อหาที่เป็นโคลงสั้น ๆ หรือตลกขบขัน
แคนนอน(บรรทัดฐานกรีก, กฎ) - โพลีโฟนิก ดนตรี. แบบฟอร์มตาม ในการเลียนแบบอย่างเข้มงวดอย่างต่อเนื่องซึ่งใน เสียงร้องซ้ำทำนองของเสียงนำเข้ามาก่อนที่เสียงก่อนหน้าจะจบลง Canon มีความโดดเด่นด้วยจำนวนเสียง ช่วงเวลาระหว่างเสียงเหล่านั้น (Canon ในพรีมา, ห้า, อ็อกเทฟ ฯลฯ) จำนวนธีมที่เลียนแบบพร้อมกัน (Canon แบบง่าย; สองเท่า เช่นในหมายเลข 4 ของ Requiem ของ Mozart เป็นต้น .) รูปแบบการเลียนแบบ (Canon เพิ่มขึ้น, ลดลง) ในสิ่งที่เรียกว่าหลักการไม่มีที่สิ้นสุด จุดสิ้นสุดของทำนองจะผ่านไปสู่จุดเริ่มต้น ดังนั้นเสียงจึงสามารถกลับเข้ามาใหม่กี่ครั้งก็ได้ ในหลักการที่มี "ตัวบ่งชี้ตัวแปร" (Vl. Protopopov) ในระหว่างการเลียนแบบรูปแบบและจังหวะอันไพเราะจะยังคงอยู่ แต่ช่วงเวลาจะเปลี่ยนไป การเลียนแบบตามแบบบัญญัติ ในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่ง มักใช้ในคณะนักร้องประสานเสียง ปฏิบัติการ.; มีบทละครที่เขียนในรูปแบบของ K. (“ Echo” โดย O. Lasso, “ Song of the Lark” โดย F. Mendelssohn, arr. โดย N.A. Rimsky-Korsakov“ I Walk with the Loaches” ฯลฯ )
คานท์(จากภาษาละติน cantus - การร้องเพลงเพลง) - เพลงประสานเสียงหรือวงดนตรีโบราณประเภทหนึ่ง หมวก มีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 16 ในโปแลนด์ต่อมา - ในยูเครนจากชั้น 2 ศตวรรษที่ 17 - ในรัสเซียแพร่หลายในฐานะเพลงเมืองยุคแรก ถึงจุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 18 - แนวเพลงโปรดประจำบ้านและดนตรีประจำวัน ในตอนแรกเพลงสรรเสริญพระบารมีเป็นเพลงสรรเสริญทางศาสนา ต่อมาก็ตื้นตันใจกับประเด็นทางโลก; ขอบปรากฏขึ้น โคลงสั้น ๆ ศิษยาภิบาล โต๊ะ การ์ตูน ค่าย ฯลฯ ในยุคของปีเตอร์มหาราช บทเพลง panegyric ที่เรียกว่า วีว่า; ดำเนินการโดยคณะนักร้องประสานเสียงในช่วงเทศกาลและขบวนแห่ฉลองชัยชนะ พร้อมด้วยการยิงปืนใหญ่ การประโคม และเสียงระฆัง ลักษณะโวหารของลาดเท: รูปแบบโคลงสั้น ๆ การอยู่ใต้จังหวะดนตรีต่อจังหวะบทกวี ความชัดเจนของจังหวะและความนุ่มนวลของทำนอง โครงสร้างเสียง 3 เสียงส่วนใหญ่พร้อมการเคลื่อนไหวแบบขนานของเสียงบน 2 เสียง เบสมักได้รับการพัฒนาอย่างไพเราะ การเลียนแบบก็เกิดขึ้นเช่นกัน ในลาดเทมีความสัมพันธ์ตามธรรมชาติระหว่างทำนองและความกลมกลืนความสมดุลของฟังก์ชันฮาร์มอนิก - ส่วนย่อย, ส่วนเด่น, โทนิค B. Asafiev ชี้ให้เห็นว่า “ในวิวัฒนาการของดนตรีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 คานท์กลายเป็นสารานุกรมสั้น ๆ ของสไตล์โฮโมโฟนิกที่มีชัยชนะ” (“Musical Form as a Process”, Leningrad, 1963, p. 288) คานต์ถูกแจกจ่ายในคอลเลกชันที่เขียนด้วยลายมือโดยไม่ระบุชื่อผู้แต่งข้อความและดนตรี แม้ว่าบทกวีสมัยใหม่ของ Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov และคนอื่น ๆ มักจะถูกนำมาใช้ก็ตาม ภาพแรกถูกสร้างขึ้นตามประเภทของลาดเท โฆษณา เพลง ความลาดเทมีความซับซ้อนมากขึ้นเรื่อย ๆ และได้รับคุณลักษณะของความโรแมนติค ต่อมา (ในศตวรรษที่ 19) เพลงของทหาร การดื่ม นักเรียน และเพลงปฏิวัติบางส่วนได้ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของความลาดเท อิทธิพลของคานท์ก็พบในภาษารัสเซียเช่นกัน ดนตรีคลาสสิก, Glinka ("Glory" จากโอเปร่า "Ivan Susanin") ฯลฯ
คันทาทา(Cantare ของอิตาลี - ร้องเพลง) - งานสำหรับนักร้องเดี่ยว นักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา ที่มีลักษณะเคร่งขรึมหรือเป็นโคลงสั้น ๆ แคนทาทาสอาจเป็นการร้องประสานเสียง (ไม่มีนักร้องเดี่ยว) แชมเบอร์ (ไม่มีนักร้องประสานเสียง) มีหรือไม่มีเปียโนประกอบ การเคลื่อนไหวเดี่ยว หรือประกอบด้วยตัวเลขเต็มหลายตัว แคนทาตามักจะแตกต่างจากบทออราโตริโอ (ซึ่งมีลักษณะคล้ายคลึงกันในวิธีการแสดงออก) ในเรื่องขนาดที่เล็กกว่า ความสม่ำเสมอของเนื้อหา และโครงเรื่องที่ได้รับการพัฒนาน้อยกว่า แคนทาตามีต้นกำเนิดในอิตาลี (ศตวรรษที่ 17) โดยเป็นท่อนแรกสำหรับการร้องเพลง (ตรงข้ามกับโซนาตา) ซึ่งหมายความว่าบทเพลงเกิดขึ้นในผลงานของ J. S. Bach ผู้เขียนบทบทเพลงเกี่ยวกับจิตวิญญาณ ตำนาน และเรื่องในชีวิตประจำวัน ในรัสเซีย Cantata ปรากฏในศตวรรษที่ 18 และมีการพัฒนาในศตวรรษที่ 19 และ 20: ละครเดี่ยว (“ Black Shawl” โดย Verstovsky), คำทักทาย, วันครบรอบ, โคลงสั้น ๆ, บทเพลงเชิงปรัชญา (“ เพลงอำลาของนักเรียนของ Catherine และ Smolny Institutes” โดย Glinka ; “Moscow”, “To Joy” โดย Rimsky-Korsakov; “John of Damascus”, “หลังจากอ่านสดุดี” โดย Taneyev, “Bells” โดย Rachmaninov; ถึง Glinka” โดย Balakirev ฯลฯ ง.)
แนวเพลง Cantata ได้รับการพัฒนาในผลงานของนักแต่งเพลงชาวโซเวียต โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานในธีมประวัติศาสตร์ ความรักชาติ และสมัยใหม่ (“Alexander Nevsky” โดย Prokofiev, Symphony-cantata “On the Kulikovo Field” โดย Shaporin, “Cantata about the Motherland” โดย Harutyunyan ฯลฯ) นักแต่งเพลงชาวเยอรมันสมัยใหม่ K. Orff เขียนบทละครเวที (Carmina Burana และคนอื่น ๆ )
มาดริกัล(อิตาลี) - เพลงโคลงสั้น ๆ ในภาษาพื้นเมือง (ต่างจากบทสวดในภาษาละติน) เริ่มแรกเป็นแบบโมโนโฟนิก ในช่วงต้นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการ (ศตวรรษที่ 14) ดำเนินการด้วยเสียง 2-3 เสียง ในช่วงปลายยุคเรอเนซองส์ (ศตวรรษที่ 16) เพลงนี้ได้ครอบครองศูนย์กลาง ซึ่งเป็นสถานที่ในดนตรีฆราวาส เป็นตัวแทนของการเรียบเรียงเสียงร้องแบบท่อนเดียวหรือหลายท่อนของการแต่งเพลงแบบโพลีโฟนิกสำหรับ 4-5 เสียง; ยังจำหน่ายนอกประเทศอิตาลีด้วย แนวเพลงมาดริกัลมีลักษณะเป็นโคลงสั้น ๆ เป็นหลัก และมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับข้อความบทกวี (แม้กระทั่งถึงขั้นอธิบายคำศัพท์แต่ละคำ) ดนตรีมาดริกัลอันไพเราะได้รับการพัฒนาในแวดวงชนชั้นสูง (ต่างจาก frotolla, villanelle, chanson ฯลฯ) ซึ่งห่างไกลจากดนตรีพื้นบ้านและมักจะซับซ้อนเกินไป ในขณะเดียวกันก็มีความหมายที่ก้าวหน้าขยายขอบเขตของภาพและวิธีการแสดงออก มาดริกัลของอังกฤษในศตวรรษที่ 16-17 นั้นเรียบง่ายกว่า เกี่ยวข้องกับนิทานพื้นบ้าน และมีอารมณ์ความรู้สึกมากกว่า (ที. มอร์ลีย์, ดี. ดาวแลนด์, ดี. วิลบี) เมื่อถึงศตวรรษที่ 17 มาดริกัลออกจากรูปแบบการร้องแบบโพลีโฟนิก โดยเน้นเสียงโซโลพร้อมกับดนตรีบรรเลง ปรมาจารย์ด้านมาดริกัลที่โดดเด่น (ในระยะต่างๆ ของการพัฒนา) ได้แก่ Arkadelt, Willart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi
โมเท็ต(จากภาษาฝรั่งเศส mot - คำ) - ประเภทเสียงร้อง โพลีโฟนิค ดนตรี. ในขั้นต้นในฝรั่งเศส (ศตวรรษที่ 12-14) โมเท็ตหลายตัวถูกรวมเข้าด้วยกันเป็นโมเท็ต (ส่วนใหญ่มักจะ 3) ท่วงทำนองอิสระที่มีข้อความต่างกัน: ด้วยเสียงต่ำ (เทเนอร์) - โบสถ์ สวดมนต์ด้วยข้อความภาษาละติน กลาง (โมเตต์) และบน (triplum) - เพลงรักหรือการ์ตูนในภาษาพูดภาษาฝรั่งเศส คริสตจักรคาทอลิกต่อสู้กับ "โมเท็ตที่หยาบคาย" เช่นนี้โดยต่อต้านพวกเขา (ตั้งแต่ศตวรรษที่ 15) ด้วยการร้องเพลงโพลีโฟนิกตามข้อความละตินเดียว Madrigals เขียนขึ้นสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงหมวก (จากปลายศตวรรษที่ 16 และร่วมกับดนตรีประกอบ) ประกอบด้วยหลายส่วน (2, 3 หรือมากกว่า) ในรูปแบบโพลีโฟนิก และมักอยู่ในโครงสร้างคอร์ด ในศตวรรษที่ 17 โมเท็ตสำหรับศิลปินเดี่ยวที่มีเครื่องดนตรีเกิดขึ้น
นักร้องโอเปร่า- หนึ่งในองค์ประกอบหลักของการแสดงโอเปร่าสมัยใหม่ ในการเชื่อมโยงกับยุค ประเภท และบุคลิกภาพของผู้แต่ง คอรัสในโอเปร่ามีบทบาทที่แตกต่างจากการสร้างพื้นหลังในชีวิตประจำวัน องค์ประกอบการตกแต่ง ผู้เข้าร่วมในบทนำ สลับฉากในบทต่างๆ รักษาการแทน ในโอเปร่าเซเรีย (“โอเปร่าที่จริงจัง” ศตวรรษที่ 17–18) แทบไม่มีนักร้องประสานเสียงเลย ในโอเปร่าบัฟฟา (“โอเปร่าการ์ตูน” ศตวรรษที่ 18) ปรากฏเป็นระยะๆ (เช่น ในตอนจบ) บทบาทของคณะนักร้องในฐานะผู้ถือภาพลักษณ์ของผู้คนในโอเปร่าของ Gluck และ Cherubini ได้รับการเสริมสร้างความเข้มแข็งแม้ว่าจะมักจะเป็นคณะนักร้องประสานเสียงก็ตาม ฉากในฉากเหล่านั้นมีลักษณะคงที่แบบ oratorio การขับร้องในโอเปร่ายุโรปตะวันตกในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 19 มีความสำคัญอย่างมากยิ่งขึ้นใน Rossini ("William Tell"), Verdi ("Nabucco", "Battle of Legnano") พร้อมด้วยภาพลักษณ์ของผู้กล้า ; ในโอเปร่าของ Meyerbeer การมีส่วนร่วมของคณะนักร้องประสานเสียงเน้นย้ำถึงจุดสุดยอดที่น่าทึ่งในโอเปร่าบทกวีของศตวรรษที่ 19 คณะนักร้องประสานเสียงมีส่วนช่วยในการสร้างบรรยากาศสีประจำชาติอารมณ์ (op. Bizet, Verdi, Gounod) ในโอเปร่าพื้นบ้านการขับร้องมีลักษณะเป็นประเภทใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำ (op. Monyushko, Smetana) มาตุภูมิ ศิลปะการร้องเพลงประสานเสียงฆราวาสแสดงครั้งแรกโดยคณะนักร้องประสานเสียงโอเปร่า (ศตวรรษที่ 18, op. Fomin, Pashkevich ฯลฯ ); และในอนาคตนักร้องประสานเสียงจะครอบครองสถานที่ขนาดใหญ่ในภาษารัสเซีย โอเปร่าเป็น "หลักคำสอนหลักและการยืนยันสัญชาติและประชาธิปไตย" (B. Asafiev) ความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าและการร้องเพลงประสานเสียงของรัสเซีย ผู้แต่งมีความหลากหลายเป็นพิเศษ
ในโอเปร่าทางประวัติศาสตร์และความรักชาติ ("Ivan Susanin" โดย Glinka, "Prince Igor" โดย Borodin, "The Woman of Pskov" โดย Rimsky-Korsakov ฯลฯ ) คอรัสกลายเป็นตัวละครหลักพร้อมกับฮีโร่ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง (คณะนักร้องประสานเสียงได้รับความสำคัญอย่างมากในละครเพลงพื้นบ้านของ Mussorgsky (“ Boris Godunov”, “ Khovanshchina”) ซึ่งภาพลักษณ์ของผู้คนถูกนำเสนอในหลายแง่มุมในการพัฒนา ในโอเปร่าประจำวันของรัสเซียของ Verstovsky (“ Askold's Grave”), Dargomyzhsky (“ Rusalka”) , Serov (“ Enemy Power”), Tchaikovsky (“ Cherevichki”, “ The Enchantress”) และอื่น ๆ มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเพลงพื้นบ้าน ความคิดริเริ่มระดับชาติสะท้อนให้เห็นในการร้องเพลง ฉากของโอเปร่าที่เกี่ยวข้องกับธีมตะวันออก ("Ruslan และ Lyudmila" โดย Glinka, ". Demon" โดย Rubinstein, "Prince Igor" โดย Borodin ฯลฯ ใช้วิธีการร้องเพลงประสานเสียงในการพรรณนาถึงเทพนิยายโครงเรื่องมหัศจรรย์ (บทประพันธ์โดย Glinka, Verstovsky, Rimsky-Korsakov นักร้องประสานเสียงยังใช้ใน oratorio ซึ่งมักจะอยู่ในอารัมภบท (โอเปร่า) Glinka, Serov, Rubinstein, Borodin ฯลฯ ในการแสดงเพลงสวด ฯลฯ Orleans” โดย Tchaikovsky, “ Khovanshchina” โดย Mussorgsky ฯลฯ ) ประเพณีของการมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันของคณะนักร้องประสานเสียงในโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียยังคงดำเนินต่อไปในความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของโซเวียต: โอเปร่าโดยนักแต่งเพลงชาวโซเวียตชาวรัสเซีย "War and Peace", "Semyon Kotko" โดย Prokofiev, “Decembrists” โดย Shaporin, “Katerina Izmailova” โดย Shostakovich, “Emelyan Pugachev” โดย Koval, “Quiet Don” และ “Virgin Soil Upturned” โดย Dzerzhinsky, “October” โดย Muradeli, “Virineya” โดย Slonimsky และคนอื่นๆ อีกมากมาย โอเปร่าระดับชาติประกอบด้วยท่อนคอรัสแยกกันและฉากการร้องประสานเสียงที่พัฒนาแล้ว คณะนักร้องประสานเสียงโอเปร่ามีลักษณะการแสดงเฉพาะของตัวเอง: ประการแรกคือความสว่างที่ยอดเยี่ยมความแตกต่างที่โดดเด่น (คล้ายกับการออกแบบตกแต่ง) การเน้นข้อความความสามารถในการ "บินผ่านวงออเคสตรา" เข้าไปในหอประชุม เนื่องจากคณะนักร้องโอเปร่ามักจะเคลื่อนไหวอยู่เสมอ สมาชิกแต่ละคนจึงจำเป็นต้องมีความมั่นใจและความเป็นอิสระเป็นพิเศษ เพื่อพัฒนาคุณสมบัติเหล่านี้ ในบางกลุ่มนักร้องจะเรียนรู้จังหวะเวลาเมื่อศึกษาท่อนของตน การปรากฏตัวของฉากซึ่งคณะนักร้องประสานเสียงไม่เห็นผู้ควบคุมวง จำเป็นต้องมีสิ่งที่เรียกว่า การออกอากาศ (จังหวะของผู้ควบคุมวง) ดำเนินการจากเบื้องหลังโดยคณะนักร้องประสานเสียง ในเวลาเดียวกัน เพื่อให้บรรลุความซิงโครไนซ์ในการแสดง จึงมีการพัฒนา "คะแนน" ของผู้ควบคุมวงไปบ้าง (มากหรือน้อย ขึ้นอยู่กับความลึกของคณะนักร้องประสานเสียง)
ออราโทริโอ(จากภาษาละติน ว้าว - ฉันพูดว่า ฉันสวดภาวนา) - งานดนตรีขนาดใหญ่สำหรับคณะนักร้องประสานเสียง นักร้องเดี่ยว วงออเคสตรา; คอมพ์ จากวงดนตรีร้อง, อาเรีย, การบรรยาย, หมายเลขออเคสตราที่สมบูรณ์, oratorio เกิดขึ้นในอิตาลีในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 เกือบจะพร้อมกันกับแคนทาตาและโอเปร่าและมีโครงสร้างใกล้เคียงกับพวกเขา มันแตกต่างจากแคนตาตาในเรื่องขนาดที่ใหญ่กว่า โครงเรื่องที่พัฒนาแล้ว ตัวละครที่เป็นมหากาพย์และดราม่า และจากโอเปร่าที่เน้นองค์ประกอบการเล่าเรื่องมากกว่าการพัฒนาละคร oratorio พัฒนามาจากละคร laudas (เพลงสรรเสริญจิตวิญญาณ) ที่แสดงในห้องพิเศษที่โบสถ์ - oratorios oratorio ประเภทพิเศษคือ Passion; ในด้านโครงสร้างและประเภท oratorio ยังรวมถึงมวล บังสุกุล "Stabat Mater" ฯลฯ ประเภทของ oratorio มาถึงจุดสูงสุดในผลงานของ Bach และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Handel ผู้สร้างประเภทของ oratorio มหากาพย์ที่กล้าหาญ; บทประพันธ์ของ Haydn โดดเด่นด้วยแนวเพลงในชีวิตประจำวันและแนวเพลง-ปรัชญา ในศตวรรษที่ 19 แยง. แนวเพลง oratorio สร้างสรรค์โดย Mendelssohn, Schumann, Berlioz, Brahms, Dvorak, Liszt, Verdi และคนอื่นๆ ในศตวรรษที่ 20 - Honegger, Britten และคนอื่น ๆ ตัวแรกหมายถึง oratorio ของรัสเซีย "Minin และ Pozharsky" โดย Degtyarev; A. Rubinstein ได้สร้าง oratorios ขึ้นมาจำนวนหนึ่ง (“Babylonian Pandemonium”, “Paradise Lost” ฯลฯ) โอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียใช้เทคนิคสไตล์ oratorio ในรูปแบบของฉากการร้องประสานเสียงขนาดใหญ่ (“ Ivan Susanin”, “ Ruslan และ Lyudmila” โดย Glinka, “ Judith” โดย Serov, “ Prince Igor” โดย Borodin, “ Sadko” โดย Rimsky- คอร์ซาคอฟ ฯลฯ) แนวเพลง oratorio ถูกใช้อย่างกว้างขวางโดยนักแต่งเพลงชาวโซเวียตเมื่อรวบรวมธีมทางประวัติศาสตร์และสมัยใหม่ (“Emelyan Pugachev” โดย Koval, “The Tale of the Battle for the Russian Land” โดย Shaporin, “Song of the Forests” โดย Shostakovich, “On Guard of โลก” โดย Prokofiev, “ Requiem” โดย Kabalevsky, “ Mahogany" Zarina et al.)
เพลง- รูปแบบเสียงร้องที่เรียบง่ายและแพร่หลายที่สุดผสมผสานภาพบทกวีเข้ากับดนตรี ลักษณะของเพลงคือการมีท่วงทำนองที่ไพเราะสมบูรณ์ เป็นอิสระ มีโครงสร้างที่เรียบง่าย (โดยปกติจะเป็นช่วงหรือรูปแบบ 2-, 3 ส่วน) ดนตรีของเพลงสอดคล้องกับเนื้อหาทั่วไปของข้อความ โดยไม่มีรายละเอียด (เช่น ในเพลงกลอนทั่วไป) มีเพลงพื้นบ้านและเพลงมืออาชีพ (ผลิตโดยผู้แต่ง) ซึ่งมีแนวเพลงต้นกำเนิดการเรียบเรียง ฯลฯ ที่แตกต่างกัน แนวเพลงทั่วไปของเพลงประสานเสียงคือ: เพลงพื้นบ้าน (ชาวนาและในเมือง) เพลงมวลชนโซเวียต แผนก คณะนักร้องประสานเสียงของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียและโซเวียต ในดนตรียุโรปตะวันตก เพลงประสานเสียงได้รับการปลูกฝังโดยนักประพันธ์แนวโรแมนติก (Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms) ในความหมายโดยนัย คำนี้คือเพลง หรือเพลง (เพื่อเน้นย้ำถึงมหากาพย์ ความเคร่งขรึม ความประณีตของบทกวี) ใช้ในชื่อผลงานดนตรีที่สำคัญ บทเพลง (เช่น "บทเพลงแห่งโชคชะตา" "เพลงแห่งชัยชนะ" ของบราห์มส์)
คณะนักร้องประสานเสียง- บทสวดทางศาสนาในโบสถ์คาทอลิกและโปรเตสแตนต์ บทสวดโพลีโฟนิกโปรเตสแตนต์ (นำมาใช้ในศตวรรษที่ 16 โดยบุคคลสำคัญของการปฏิรูป) ดำเนินการโดยชุมชนทั้งหมดเป็นภาษาเยอรมัน (ตรงกันข้ามกับบทสวดเกรกอเรียนพร้อมเพรียงกัน ซึ่งร้องเป็นภาษาละตินโดยนักร้องชายพิเศษ) ท่วงทำนองของการร้องประสานเสียงมีลักษณะเป็นจังหวะที่อยู่ประจำ การร้องประสานเสียง (หรือเรียกง่ายๆว่าการร้องประสานเสียง) การนำเสนอคอร์ดของระยะเวลาสม่ำเสมอในแบบสโลว์โมชัน
วงจรของรายการคอนเสิร์ต(รัสเซีย, 2010). 10 ประเด็น
ไม่มีบุคคลที่น่าเชื่อถือในวัฒนธรรมดนตรีสมัยใหม่มากไปกว่าตัวแทนของนักดนตรีชั้นนำระดับโลก ผู้สร้างซีรีส์เลือกชื่อสำคัญสิบชื่อ ได้แก่ Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons รวมถึงเพื่อนร่วมงานชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียง ปัจจุบันพวกเขาเป็นปรมาจารย์และผู้อำนวยการวงออเคสตราหลักๆ ที่ได้รับการยอมรับในระดับสากล
แต่ละโปรแกรมจะขึ้นอยู่กับการแสดงของหนึ่งในเกจิชื่อดังร่วมกับวงออเคสตราของเขา
ศิลปินเดี่ยว: นักไวโอลิน Vadim Repin และ Sergei Krylov, นักโอโบ, Alexey Utkin, นักเปียโน Denis Matsuev และคนอื่น ๆ
โปรแกรมนี้มีความหลากหลายมาก - จาก I.S. Bach ถึง A. Schoenberg และ A. Pärt ผลงานทั้งหมดถือเป็นผลงานชิ้นเอกของดนตรีโลก
พิธีกรของวงจรคือเดนิส มัตสึเยฟ นักเปียโน
ฉบับที่ 1. -
วาดิม เรปิน ศิลปินเดี่ยว
โปรแกรม: I. Stravinsky ซิมโฟนีในสามการเคลื่อนไหว เอ็ม. บรูช. คอนแชร์โต้สำหรับไวโอลินและวงออเคสตราหมายเลข 1 ใน G minor; แอล. บีโธเฟน. ซิมโฟนีหมายเลข 7
ฉบับที่ 2. Vladimir Fedoseev และ Bolshoi Symphony Orchestra พี.ไอ. ไชคอฟสกี้.
โปรแกรม: แอล. บีโธเฟน ซิมโฟนีหมายเลข 4
บันทึกเสียงใน Golden Hall of the Musikverein ในกรุงเวียนนา
ฉบับที่ 3. "Maris Jansons และ Bavarian Radio Symphony Orchestra"
โปรแกรม : อาร์. วากเนอร์ บทนำและ "Death of Isolde" จากโอเปร่า "Tristan and Isolde"; อาร์. สเตราส์. ชุดเพลงวอลทซ์จากโอเปร่า "Der Rosenkavalier"
ฉบับที่ 4. "Daniel Barenboim และวง Divan Orchestra ตะวันตก-ตะวันออก"
ในโปรแกรม: V.A. โมสาร์ท. คอนแชร์โต้หมายเลข 7 ใน F เมเจอร์สำหรับเปียโน 3 ตัวและวงออเคสตรา ศิลปินเดี่ยว: Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said เอ. เชินเบิร์ก. การเปลี่ยนแปลงสำหรับวงออเคสตรา ก.แวร์ดี. ทาบทามให้กับโอเปร่า "พลังแห่งโชคชะตา"
ประเด็นที่ 5. "วลาดิมีร์ สปิวาคอฟ และวงดุริยางค์ฟิลฮาร์โมนิกแห่งชาติของรัสเซีย
เซอร์เกย์ โปรโคฟิเยฟ. คอนแชร์โต้หมายเลข 3 สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา ซิมโฟนีหมายเลข 1 "คลาสสิก" เดนิส มัตสึเยฟ ศิลปินเดี่ยว บันทึกเสียงใน Great Hall of the Moscow Conservatory ในปี 2551
ฉบับที่ 6. "ลอริน มาเซล และอาร์ตูโร ทอสคานินี ซิมโฟนี ออร์เคสตรา"
โปรแกรมการแข่งขัน : จิอัคคิโน รอสซินี ทาบทามให้กับโอเปร่า "Italian in Algiers"; โยฮันเนส บราห์มส์. ซิมโฟนีหมายเลข 2
บันทึกเสียงใน Great Hall of the Moscow Conservatory
ฉบับที่ 7. Yuri Temirkanov และ Academic Symphony Orchestra ของ St. Petersburg Philharmonic ดี.ดี. โชสตาโควิช.
ฉบับที่ 8. Yuri Bashmet และวงดนตรีแชมเบอร์ "Moscow Soloists"
โปรแกรม: Joseph Haydn - คอนแชร์โต้สำหรับเชลโลและวงออเคสตรา ศิลปินเดี่ยว Stephen Isserlis (บริเตนใหญ่), Niccolo Paganini - 5 caprices (เรียบเรียงโดย E. Denisov สำหรับไวโอลินและแชมเบอร์ออร์เคสตรา) ศิลปินเดี่ยว Sergei Krylov (อิตาลี); วีเอ โมสาร์ท - Divertimento หมายเลข 1
การลงทะเบียนใน BZK
ฉบับที่ 9. มิคาอิล เพลทเนฟ และวงดุริยางค์แห่งชาติรัสเซีย
วงดุริยางค์แห่งชาติรัสเซียจะแสดงชุดบัลเล่ต์โดย P.I. "Swan Lake" ของไชคอฟสกี แต่งโดย มิคาอิล เพลทเนฟ บันทึกเสียงที่โรงละครบอลชอยแห่งรัสเซียซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของเทศกาล Great RNO ปี 2552
ฉบับที่ 10. Valery Gergiev และ Mariinsky Theatre Symphony Orchestra
Mariinsky Theatre Symphony Orchestra ดำเนินการโดย Valery Gergiev จะแสดงเพลงฮิตของวงออเคสตรา - การทาบทามจากโอเปร่าโดย Rossini, Verdi, Wagner, เพลงวอลทซ์จากบัลเล่ต์ของ Tchaikovsky, ชิ้นส่วนจากบัลเล่ต์ Romeo and Juliet ของ Prokofiev
ยุคโซเวียตมีพรสวรรค์มากมาย ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลกประกอบด้วยชื่อของนักเปียโน นักไวโอลิน นักเชลโล นักร้อง และวาทยากรที่เก่งกาจชาวโซเวียต ในเวลานี้ความเข้าใจสมัยใหม่เกี่ยวกับบทบาทของผู้ควบคุมวง - ผู้นำผู้จัดงานปรมาจารย์ - ถูกสร้างขึ้น
พวกเขาเป็นอย่างไรผู้นำทางดนตรีแห่งยุคโซเวียต?
ภาพถ่ายบุคคลห้าภาพจากแกลเลอรีของวาทยากรที่โดดเด่น
นิโคไล โกโลวานอฟ (1891–1953) 
เมื่ออายุได้หกขวบระหว่างเดินเล่นนิโคไลพยายามควบคุมวงออเคสตราของทหาร ในปี 1900 ผู้รักเสียงดนตรีรุ่นเยาว์ได้เข้าเรียนที่โรงเรียน Synodal ที่นี่เผยให้เห็นความสามารถในการร้อง การดำเนินเพลง และการแต่งเพลงของเขา
เมื่อกลายเป็นปรมาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่แล้ว Golovanov จะเขียนด้วยความรักอันยิ่งใหญ่เกี่ยวกับปีการศึกษาของเขา:“ โรงเรียน Synodal ให้ทุกสิ่งแก่ฉัน - หลักการทางศีลธรรม, หลักการของชีวิต, ความสามารถในการทำงานหนักและเป็นระบบ, ปลูกฝังวินัยอันศักดิ์สิทธิ์”
หลังจากทำงานเป็นผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์มาหลายปี Nikolai ก็เข้าสู่ชั้นเรียนการแต่งเพลงของ Moscow Conservatory ในปี พ.ศ. 2457 เขาสำเร็จการศึกษาด้วยเหรียญทองเล็กน้อย ตลอดชีวิตของเขา Nikolai Semenovich เขียนบทสวดจิตวิญญาณ เขายังคงทำงานประเภทนี้ต่อไปแม้ในขณะที่ศาสนาถูกประกาศว่าเป็น "ฝิ่นของประชาชน"
ส่วนของการแสดงทาบทามของไชคอฟสกี "1812"
ในปี 1915 Golovanov ได้รับการยอมรับเข้าสู่โรงละครบอลชอย ทุกอย่างเริ่มต้นด้วยตำแหน่งที่เรียบง่ายในฐานะผู้ช่วยนักร้องประสานเสียงและในปี พ.ศ. 2491 เขาก็กลายเป็นหัวหน้าวาทยกร ความสัมพันธ์กับโรงละครชื่อดังไม่ได้ราบรื่นเสมอไป: Nikolai Golovanov ต้องทนต่อการดูถูกและความผิดหวังมากมาย แต่ไม่ใช่พวกเขาที่ยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์ แต่เป็นการตีความโอเปร่ารัสเซียและไพเราะคลาสสิกที่ยอดเยี่ยมผลงานรอบปฐมทัศน์ที่ยอดเยี่ยมของนักแต่งเพลงร่วมสมัยและการออกอากาศทางวิทยุครั้งแรกของดนตรีคลาสสิกในสหภาพโซเวียตโดยการมีส่วนร่วมของเขา
ผู้ควบคุมวง Gennady Rozhdestvensky เล่าถึงอาจารย์ในลักษณะนี้:“ เขายืนตรงกลางไม่ได้ คนกลางที่ไม่แยแส ทั้งในแง่ความแตกต่าง ทั้งการใช้ถ้อยคำ และทัศนคติต่อเรื่องนี้”
แม้ว่า Golovanov จะไม่มีนักเรียนวาทยากร แต่การตีความเพลงคลาสสิกของรัสเซียของเขาก็กลายเป็นแบบอย่างสำหรับนักดนตรีรุ่นเยาว์ Alexander Gauk ถูกกำหนดให้เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนดนตรีของสหภาพโซเวียต
อเล็กซานเดอร์ กอค (1893–1963) 
Alexander Gauk ศึกษาที่ Petrograd Conservatory เขาศึกษาการประพันธ์เพลงในชั้นเรียนของ Alexander Glazunov ซึ่งดำเนินการในชั้นเรียนของ Nikolai Cherepnin
ในปี 1917 ช่วงเวลาแห่งดนตรีและการแสดงละครในชีวิตของเขาเริ่มต้นขึ้น: เขาทำงานที่โรงละครละครเพลง Petrograd จากนั้นที่โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์เลนินกราด
ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ดนตรีไพเราะกลายเป็นจุดสนใจของ Gauck เป็นเวลาหลายปีที่เขาเป็นผู้นำวงซิมโฟนีออร์เคสตราของ Leningrad Philharmonic และในปี 1936 เขาเป็นหัวหน้าวง State Symphony Orchestra ของสหภาพโซเวียตที่สร้างขึ้นใหม่ เขาไม่พลาดโรงละคร เขาเพียงเสียใจที่ไม่มีโอกาสได้แสดง "Queen of Spades" ของไชคอฟสกีคนโปรดของเขาเลย
เอ. ฮันเนกเกอร์
แปซิฟิก 231
ในปี 1953 Gauk กลายเป็นหัวหน้าวาทยากรของ Great Symphony Orchestra ของสถานีโทรทัศน์และวิทยุแห่งสหภาพโซเวียต งานนี้เข้มข้นและน่าสนใจมาก วงออเคสตราเล่นรายการตามที่พวกเขาพูดกันสดๆ ในปีพ.ศ. 2504 เกจิได้รับการส่ง "อย่างสุภาพ" เข้าสู่วัยเกษียณ
ความสุขของก๊วกคือการสอน Evgeny Mravinsky, Alexander Melik-Pashaev, Evgeny Svetlanov, Nikolai Rabinovich - พวกเขาทั้งหมดเป็นนักเรียนของเกจิ
Evgeniy Mravinsky ซึ่งเป็นปรมาจารย์ผู้มีชื่อเสียงอยู่แล้วจะเขียนถึงอาจารย์ของเขาในจดหมายแสดงความยินดี:“ คุณคือวาทยากรเพียงคนเดียวของเราที่สืบทอดประเพณีของวัฒนธรรมที่ยิ่งใหญ่อย่างแท้จริง”
เอเวเจนี มราวินสกี (1903–1988) 
ชีวิตทั้งชีวิตของ Mravinsky เชื่อมโยงกับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - เลนินกราด เขาเกิดมาในตระกูลขุนนาง แต่ในปีที่ยากลำบากเขาต้องจัดการกับเรื่องที่ "ไม่ใช่ขุนนาง" ตัวอย่างเช่น ทำงานเสริมที่โรงละคร Mariinsky บุคลิกของผู้กำกับละครเอมิลคูเปอร์แสดงบทบาทสำคัญในชะตากรรมของเขา:“ เขาเป็นคนที่แนะนำ“ เม็ดยาพิษ” ให้ฉันรู้จักซึ่งเชื่อมโยงฉันกับศิลปะแห่งการแสดงไปตลอดชีวิต”
เพื่อประโยชน์ด้านดนตรี Mravinsky ออกจากมหาวิทยาลัยและเข้าเรียนที่ Petrograd Conservatory ในตอนแรก นักเรียนทำงานหนักในการเรียบเรียง และจากนั้นก็เริ่มสนใจในการดำเนินรายการ ในปี 1929 เขาเข้าเรียนในชั้นเรียนของ Gauck และเชี่ยวชาญพื้นฐานของธุรกิจที่ซับซ้อนนี้ (หรือ "ความมืด" ตามที่ริมสกี-คอร์ซาคอฟกล่าวไว้) อย่างรวดเร็ว หลังจากสำเร็จการศึกษาจากเรือนกระจก Mravinsky ก็กลายเป็นผู้ช่วยวาทยากรของโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์เลนินกราด
ในปีพ. ศ. 2480 การพบกันครั้งแรกของผู้ควบคุมวงดนตรีกับดนตรีของ Dmitry Shostakovich เกิดขึ้น Mravinsky ได้รับความไว้วางใจให้แสดงรอบปฐมทัศน์ของ Fifth Symphony ของเขา
ในตอนแรกโชสตาโควิชรู้สึกหวาดกลัวกับวิธีการทำงานของผู้ควบคุมวง: “ ในทุกมาตรการและทุกความคิด Mravinsky สั่งให้ฉันสอบสวนอย่างแท้จริงโดยเรียกร้องให้ฉันตอบข้อสงสัยทั้งหมดที่เกิดขึ้นในตัวเขา แต่เมื่อถึงวันที่ห้าของการทำงานร่วมกัน ฉันก็รู้ว่าวิธีนี้ถูกต้องอย่างแน่นอน”
หลังจากการฉายรอบปฐมทัศน์นี้ ดนตรีของ Shostakovich จะกลายเป็นเพื่อนคู่หูในชีวิตของปรมาจารย์ผู้นี้
ในปี 1938 Mravinsky ชนะการแข่งขัน All-Union Conducting Competition ครั้งแรก และได้รับแต่งตั้งให้เป็นผู้อำนวยการของ Leningrad Philharmonic Orchestra ทันที ศิลปินของวงออเคสตราหลายคนมีอายุมากกว่าวาทยากร ดังนั้น พวกเขาจึงไม่ลังเลที่จะให้ “คำแนะนำอันทรงคุณค่า” แก่เขา แต่เวลาผ่านไปน้อยมาก บรรยากาศการทำงานจะเกิดขึ้นในการซ้อม และทีมนี้จะกลายเป็นความภาคภูมิใจของวัฒนธรรมของชาติ
การซ้อมของวง Leningrad Philharmonic Orchestra
ไม่บ่อยนักในประวัติศาสตร์ดนตรีที่เราพบตัวอย่างที่วาทยากรทำงานร่วมกับวงดนตรีชุดเดียวมานานหลายทศวรรษ Evgeny Mravinsky เป็นผู้นำวง Philharmonic Orchestra เป็นเวลาครึ่งศตวรรษ Evgeny Svetlanov เพื่อนร่วมงานที่อายุน้อยกว่าของเขาเป็นผู้นำวง State Orchestra เป็นเวลา 35 ปี
Dmitri Shostakovich ซิมโฟนีหมายเลข 8
เอฟเกนี สเวตลานอฟ (1928–2002) 
สำหรับ Svetlanov โรงละครบอลชอยคือบ้านในความหมายที่พิเศษของคำนี้ พ่อแม่ของเขาเป็นศิลปินเดี่ยวของคณะโอเปร่า เกจิในอนาคตเปิดตัวบนเวทีที่มีชื่อเสียงตั้งแต่อายุยังน้อย: เขารับบทเป็นลูกชายคนเล็ก Cio-Cio-san ในโอเปร่า Madama Butterfly ของ Puccini
เกือบจะในทันทีหลังจากสำเร็จการศึกษาจากเรือนกระจก Svetlanov มาที่โรงละครบอลชอยและเชี่ยวชาญการแสดงละครคลาสสิกทั้งหมด ในปีพ.ศ. 2506 เขาได้เป็นหัวหน้าวาทยากรของโรงละคร คณะเดินทางไปร่วมกับเขาเพื่อทัวร์มิลานไปยังลาสกาลา Svetlanov นำ "Boris Godunov", "Prince Igor", "Sadko" มาสู่สาธารณชนผู้เรียกร้อง
ในปี 1965 เขาเป็นหัวหน้าวง USSR State Symphony Orchestra (วงเดียวกับที่ Alexander Gauk อาจารย์ของเขาเคยเป็นผู้นำ) ร่วมกับกลุ่มนี้ซึ่งกลายเป็นนักวิชาการในปี 1972 Svetlanov ดำเนินโครงการขนาดใหญ่ - "กวีนิพนธ์ของดนตรีไพเราะรัสเซียในการบันทึก" ความสำคัญของงานนี้ได้รับการกำหนดไว้อย่างแม่นยำมากโดย Rene Goering ผู้อำนวยการเพลงของ Radio France ซึ่งทำงานร่วมกับผู้ควบคุมวงเป็นอย่างมาก: "นี่คือความสำเร็จที่แท้จริงของ Svetlanov ซึ่งเป็นหลักฐานอีกประการหนึ่งของความยิ่งใหญ่ของเขา"
M. Balakirev ซิมโฟนีหมายเลข 2 ตอนจบ
เมื่อทำงานร่วมกับ State Conservatory ผู้ควบคุมวงไม่ลืมเกี่ยวกับโรงละครบอลชอย ในปี 1988 การผลิต "The Golden Cockerel" (กำกับโดย Georgy Ansimov) กลายเป็นเรื่องที่น่าตื่นเต้น Svetlanov เชิญนักร้อง "ที่ไม่ใช่โอเปร่า" Alexander Gradsky มารับบทโหราจารย์ที่ซับซ้อนอย่างยิ่งซึ่งเพิ่มความคิดริเริ่มให้กับการแสดงมากยิ่งขึ้น
คอนเสิร์ต “ฮิตแห่งศตวรรษขาออก”
หนึ่งในความสำเร็จที่สำคัญที่สุดของ Evgeny Svetlanov คือการแนะนำให้ผู้ฟังในวงกว้างรู้จักดนตรีของนักแต่งเพลงที่โดดเด่น Nikolai Myaskovsky ซึ่งไม่ค่อยแสดงโดยวงออเคสตราของสหภาพโซเวียต
การกลับมาของผลงานที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักบนเวทีคอนเสิร์ตได้กลายเป็นหนึ่งในภารกิจสำคัญของเกจิ Gennady Rozhdestvensky
เกนนาดี รอซเดสเตฟนสกี้ (เกิดปี 1931) 
วาทยากรเล่นเครื่องดนตรีหรือแต่งเพลงไม่ใช่เรื่องแปลก แต่วาทยากรที่สามารถพูดคุยเกี่ยวกับดนตรีได้นั้นหายาก Gennady Rozhdestvensky เป็นคนที่มีเอกลักษณ์อย่างแท้จริง: เขาสามารถพูดและเขียนเกี่ยวกับผลงานดนตรีในยุคต่างๆได้อย่างน่าทึ่ง
Rozhdestvensky ศึกษาวาทยกรจากพ่อของเขา Nikolai Anosov วาทยากรชื่อดัง แม่นักร้อง Natalya Rozhdestvenskaya ทำหลายอย่างเพื่อพัฒนารสนิยมทางศิลปะของลูกชายของเธอ ยังไม่สำเร็จการศึกษาจากเรือนกระจก Gennady Rozhdestvensky ได้รับการยอมรับให้เข้าสู่โรงละครบอลชอย การแสดงเรื่องแรกของเขาคือ The Sleeping Beauty ของไชคอฟสกี ในปี 1961 Rozhdestvensky เป็นหัวหน้าวง Great Symphony Orchestra ของ Central Television and Radio Broadcasting ในเวลานี้ ความชอบด้านละครของผู้ควบคุมวงก็ปรากฏขึ้น
เขาเชี่ยวชาญดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 ด้วยความสนใจอย่างมากและยังแนะนำให้สาธารณชนรู้จักกับเพลงที่ "ไม่ฮิต" นักดนตรีวิทยาดุษฎีบัณฑิตสาขาประวัติศาสตร์ศิลปะ Viktor Tsukkerman ยอมรับในจดหมายถึง Rozhdestvensky: "ฉันอยากจะแสดงความเคารพอย่างสุดซึ้งมานานแล้วและชื่นชมความเสียสละของคุณบางทีอาจเป็นกิจกรรมนักพรตในการแสดงผลงานที่ถูกลืมโดยไม่สมควรหรืองานที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก"
แนวทางที่สร้างสรรค์ในการแสดงละครได้กำหนดผลงานของเกจิกับวงออเคสตราอื่น ๆ ทั้งเยาวชนและ "ผู้ใหญ่" ที่เป็นที่รู้จักและไม่เป็นที่รู้จัก
วาทยกรที่มีความมุ่งมั่นทุกคนใฝ่ฝันที่จะเรียนกับศาสตราจารย์ Rozhdestvensky: เป็นเวลา 15 ปีแล้วที่เขาเป็นหัวหน้าภาควิชาโอเปร่าและการแสดงซิมโฟนีที่ Moscow Conservatory
อาจารย์รู้คำตอบของคำถาม “ใครคือวาทยากร?”: “นี่เป็นสื่อกลางระหว่างผู้เขียนและผู้ฟัง หรือถ้าคุณต้องการ ฟิลเตอร์บางอย่างที่ส่งผ่านกระแสที่ปล่อยออกมาจากคะแนน แล้วพยายามส่งผ่านไปยังผู้ชม"
ภาพยนตร์เรื่อง "สามเหลี่ยมแห่งชีวิต"
(พร้อมเศษการแสดงของผู้ควบคุมวง) แบ่งเป็นสามส่วน
10 ธันวาคม 2014
วัฒนธรรมดนตรีไม่สามารถดำรงอยู่ได้หากไม่มีวาทยากร เช่นเดียวกับอุตสาหกรรมภาพยนตร์ที่ไม่มีผู้กำกับ อุตสาหกรรมวรรณกรรมและสิ่งพิมพ์ที่ไม่มีบรรณาธิการ และโครงการแฟชั่นที่ไม่มีนักออกแบบ หัวหน้าวงออร์เคสตราจะดูแลให้มีปฏิสัมพันธ์ตามธรรมชาติของเครื่องดนตรีทั้งหมดในระหว่างการแสดง วาทยากรเป็นตัวละครหลักบนเวทีของสมาคมฟิลฮาร์โมนิก คอนเสิร์ตฮอลล์ หรือสถานที่แสดงดนตรีอื่นๆ
อัจฉริยะ
ความสอดคล้องกันของวงซิมโฟนีออร์เคสตราและเสียงที่ประสานกันของเครื่องดนตรีหลายชนิดเกิดขึ้นได้ผ่านทักษะของผู้ควบคุมวง ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่คนที่มีความสามารถมากที่สุดจะได้รับรางวัลตำแหน่งและตำแหน่งระดับสูงต่างๆ และคนนิยมเรียกว่า "อัจฉริยะ" แท้จริงแล้ว การควบคุมกระบองของผู้ควบคุมวงอย่างไร้ที่ติทำให้นักดนตรีแต่ละคนนั่งอยู่ในหลุมวงออเคสตราเพื่อถ่ายทอดความแตกต่างเล็กๆ น้อยๆ ของแรงกระตุ้นที่สร้างสรรค์ จู่ๆ วงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดใหญ่ก็เริ่มมีเสียงเป็นวงเดียว และองค์ประกอบทางดนตรีก็เผยออกมาอย่างงดงามอลังการ
วาทยกรที่มีชื่อเสียงรวมตัวกันบนพื้นฐานของทักษะ พวกเขาทั้งหมดผ่านโรงเรียนศิลปะชั้นสูง ความนิยมและการยอมรับของประชาชนทั่วไปไม่ได้มาหาพวกเขาในทันที ได้รับความนิยมในช่วงหลายปีที่ผ่านมา นอกเหนือจากกิจกรรมคอนเสิร์ตแล้ว วาทยกรที่มีชื่อเสียงส่วนใหญ่ยังมีส่วนร่วมในการสอน จัดหลักสูตรฝึกอบรมสำหรับนักดนตรีรุ่นเยาว์ตลอดจนชั้นเรียนปริญญาโทอีกด้วย
การเสียสละตนเอง
ศิลปะในการดำเนินวงออเคสตราต้องอาศัยการฝึกฝนหลายปี มีการปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง ซึ่งส่งผลให้มีการซ้อมไม่รู้จบ วาทยากรที่มีชื่อเสียงบางคนมีความโดดเด่นด้วยความดื้อรั้นในการสร้างสรรค์เป็นพิเศษ โดยมีการเสียสละตนเอง เมื่อชีวิตส่วนตัวถูกผลักไสให้อยู่ด้านหลังและมีเพียงดนตรีเท่านั้นที่ยังคงอยู่ อย่างไรก็ตาม สถานการณ์เช่นนี้เป็นผลดีต่องานศิลปะ
วาทยากรที่มีชื่อเสียงที่สุดมีสัญญากับกลุ่มดนตรีบางกลุ่มและนี่ทำให้พวกเขามีโอกาสได้แสดงผลงานดนตรีในระดับสูง ในเวลาเดียวกันจำเป็นต้องมีความเข้าใจร่วมกันซึ่งจะเป็นกุญแจสำคัญในการดำเนินกิจกรรมคอนเสิร์ตให้ประสบความสำเร็จ
วาทยากรโอเปร่าที่มีชื่อเสียง
ในลำดับชั้นดนตรีโลกมีชื่อที่ทุกคนรู้จัก ชื่อของวาทยากรโอเปร่าที่มีชื่อเสียงสามารถพบได้บนโปสเตอร์ ป้ายโฆษณา และเรือสำราญที่ตั้งชื่อตามชื่อเหล่านั้น ความนิยมนี้สมควรได้รับอย่างดีเนื่องจากมีเพียงไม่กี่คนที่ยังสามารถอุทิศทั้งชีวิตให้กับดนตรีอย่างไร้ร่องรอย วาทยากรที่มีชื่อเสียงที่สุดเดินทางไปทั่วโลก ออกทัวร์กับวงดนตรีต่างๆ หรือวงออเคสตราชั้นนำในศูนย์ดนตรีหลักๆ การแสดงโอเปร่าจำเป็นต้องได้รับความร่วมมือเป็นพิเศษจากวงออเคสตราเมื่อใช้ร่วมกับท่อนร้อง อาเรีย และคาวาติน่า ในเอเจนซี่เพลงทุกแห่ง คุณสามารถค้นหาชื่อของผู้ควบคุมโอเปร่าที่มีชื่อเสียงซึ่งสามารถได้รับเชิญให้เข้าร่วมฤดูกาลหรือการแสดงหลายชุดได้ อิมเพรสเซอร์รีโอที่มีประสบการณ์จะรู้ถึงสไตล์การทำงานและลักษณะนิสัยของแต่ละคน สิ่งนี้ช่วยให้พวกเขาตัดสินใจได้ถูกต้อง
วาทยากรชื่อดังของรัสเซีย
ดนตรี โดยเฉพาะโอเปร่า มีองค์ประกอบหลายอย่าง นอกจากนี้ยังมีวงออเคสตราซึ่งประกอบด้วยเครื่องดนตรีหลากหลายชนิด เช่น เครื่องลม เครื่องสาย คันธนู และเครื่องเพอร์คัชชัน นักร้องเดี่ยว นักร้องประสานเสียง และผู้เข้าร่วมการแสดงคนอื่นๆ ชิ้นส่วนที่แตกต่างกันของการแสดงโอเปร่าจะถูกรวมเป็นหนึ่งเดียวโดยผู้อำนวยการการแสดงและผู้ควบคุมวงออเคสตรา นอกจากนี้ฝ่ายหลังยังมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการดำเนินการตั้งแต่ต้นจนจบ ในรัสเซียมีวาทยากรที่นำดนตรีของพวกเขามาแสดงโอเปร่าตามเส้นทางที่แท้จริงเพียงเส้นทางเดียวที่นำผู้ชมไปสู่งานศิลปะที่แท้จริง
ตัวนำที่มีชื่อเสียงของรัสเซีย (รายการ):
- อเล็กซานดรอฟ อเล็กซานเดอร์ วาซิลีวิช
- บาชเม็ต ยูริ อับราโมวิช
- เบซรอดนายา สเวตลานา โบริซอฟนา
- โบโกสลอฟสกี้ นิกิตา วลาดิมิโรวิช
- โบรเนวิทสกี้ อเล็กซานเดอร์ อเล็กซานโดรวิช
- วาซิเลนโก เซอร์เกย์ นิกิโฟโรวิช
- การันยัน จอร์จี อับราโมวิช.
- เจอร์กีฟ วาเลรี อบิซาโลวิช
- โกเรนชไตน์ มาร์ก โบริโซวิช
- ไดอากีเลฟ เซอร์เก อเล็กซานโดรวิช
- เอฟตูเชนโก อเล็กเซย์ มิคาอิโลวิช
- เออร์มาโควา ลุดมิลา วลาดิมีรอฟนา
- คาบาเลฟสกี้ มิทรี โบริโซวิช
- คาซเลฟ มูราด มาโกเมโดวิช.
- โคแกน พาเวล เลโอนิโดวิช.
- ลุนด์สเตรม โอเลก เลโอนิโดวิช
- มราวินสกี้ เยฟเกนีย์ อเล็กซานโดรวิช
- สเวตลานอฟ เยฟเจนี เฟโดโรวิช
- สปิวาคอฟ วลาดิมีร์ เทโอโดโรวิช
วาทยกรชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงทุกคนสามารถเป็นผู้นำวงซิมโฟนีออร์เคสตราจากต่างประเทศได้สำเร็จ การซ้อมเพียงไม่กี่ครั้งก็เพียงพอแล้ว ความเป็นมืออาชีพของนักดนตรีช่วยในการเอาชนะทั้งอุปสรรคทางภาษาและความแตกต่างในรูปแบบ
ดาราดังระดับโลก
วาทยกรที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกคือนักดนตรีที่มีพรสวรรค์ซึ่งเป็นที่ยอมรับของสาธารณชนทั่วไป
พาเวล โคแกน
วาทยากรชาวรัสเซียผู้โด่งดังที่สุดผู้มอบงานศิลปะให้กับโลกมานานกว่าสี่สิบปี ความนิยมของเขาเป็นประวัติการณ์ ชื่อของเกจิอยู่ในรายชื่อผู้ควบคุมวงสมัยใหม่ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสิบคน นักดนตรีเกิดในครอบครัวนักไวโอลินชื่อดัง Leonid Kogan และ Elizaveta Gilels ตั้งแต่ปี 1989 เขาเป็นผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ถาวร เช่นเดียวกับหัวหน้าวาทยากรของ Moscow State Symphony Orchestra (Moscow State Symphony Orchestra) ในเวลาเดียวกัน เขาเป็นตัวแทนของรัสเซียในศูนย์ดนตรีหลักๆ ในอเมริกา
Pavel Kogan แสดงไปทั่วโลกด้วยวงซิมโฟนีออเคสตร้าที่ดีที่สุด ศิลปะของเขาถือว่าไม่มีใครเทียบได้ เกจิคนนี้เป็นผู้ได้รับรางวัล State Prize of Russia และได้รับฉายาว่า "ศิลปินประชาชนแห่งรัสเซีย" Pavel Kogan ยังมีรางวัลมากมาย รวมถึง Order of Merit for the Fatherland และ Order of the Arts
เฮอร์เบิร์ต ฟอน คาราจัน
เฮอร์เบิร์ต ฟอน คาราจัน (พ.ศ. 2451-2532) วาทยกรชาวออสเตรียผู้มีชื่อเสียงระดับโลกเกิดในครอบครัวผู้อพยพชาวกรีก เมื่ออายุแปดขวบเขาเข้าเรียนที่ Mozarteum Conservatory ในซาลซ์บูร์กซึ่งเขาศึกษามาเป็นเวลา 10 ปีและได้รับทักษะเบื้องต้นในการเป็นตัวนำ ในเวลาเดียวกัน Karayan หนุ่มก็เชี่ยวชาญการเล่นเปียโน
การเปิดตัวครั้งแรกเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2472 ที่โรงละครซาลบูร์กเฟสติวัล เฮอร์เบิร์ตแสดงโอเปร่า Salome ของ Richard Strauss ในช่วงระหว่างปี พ.ศ. 2472 ถึง พ.ศ. 2477 เขาเป็นหัวหน้า Kapellmeister ในโรงละครแห่งเมือง Ulm ของประเทศเยอรมนี จากนั้น Karajan ก็ยืนอยู่ที่จุดยืนของผู้ควบคุมวง Vienna Philharmonic Orchestra เป็นเวลานาน ในเวลาเดียวกันเขาได้แสดงโอเปร่าเรื่อง Walpurgis Night ของ Charles Gounod
ชั่วโมงที่ดีที่สุดของวาทยกรเกิดขึ้นในปี 1938 เมื่อการแสดงโอเปร่าเรื่อง Tristan and Isolde ของ Richard Wagner ประสบความสำเร็จอย่างมาก หลังจากนั้นเฮอร์เบิร์ตก็เริ่มถูกเรียกว่า "ปาฏิหาริย์คาราจัน"
ลีโอนาร์ด เบิร์นสไตน์
วาทยกรชาวอเมริกัน ลีโอนาร์ด เบิร์นสไตน์ (พ.ศ. 2461-2533) เกิดมาในครอบครัวชาวยิวอพยพ การศึกษาด้านดนตรีเริ่มต้นสำหรับลีโอนาร์ดตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เขาเรียนรู้การเล่นเปียโน อย่างไรก็ตามเด็กชายค่อยๆคุ้นเคยกับการนำและในปี 1939 เขาได้เดบิวต์ - หนุ่มเบิร์นสไตน์ได้แสดงผลงานเพลงของเขาเองชื่อ The Birds พร้อมวงออเคสตราขนาดเล็ก
ด้วยความเป็นมืออาชีพที่สูงของเขา Leonard Bernstein ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็วและในช่วงวัยเยาว์ของเขาได้เป็นผู้นำ New York Philharmonic Orchestra ในฐานะผู้มีความคิดสร้างสรรค์ผู้ควบคุมวงจึงศึกษาวรรณกรรม เขาเขียนหนังสือเกี่ยวกับดนตรีหลายสิบเล่ม
วาเลรี เกอร์กีฟ
Valery Abisalovich Gergiev วาทยากรชื่อดังเกิดเมื่อวันที่ 2 พฤษภาคม พ.ศ. 2496 ที่กรุงมอสโก เมื่ออายุได้ 19 ปี เขาเข้าเรียนที่ Leningrad Conservatory ในฐานะนักเรียนเขาได้เข้าร่วมการแข่งขันการแสดงระดับนานาชาติในกรุงเบอร์ลินซึ่งเขาได้อันดับที่สอง
หลังจากสำเร็จการศึกษาจากเรือนกระจกในปี พ.ศ. 2520 วาทยากรหนุ่มก็ได้รับการยอมรับให้เป็นผู้ช่วยที่โรงละครคิรอฟ Yuri Temirkanov กลายเป็นที่ปรึกษาของเขา และในปี 1978 Valery Gergiev ยืนอยู่ในการควบคุมและแสดงโอเปร่าเรื่อง "War and Peace" ของ Prokofiev ในปี 1988 เขาเข้ามาแทนที่ Yuri Temirkanov หลังจากที่เขาออกจาก Leningrad Philharmonic
ปี 1992 มีการกลับมาที่โรงละคร Kirov ในชื่อทางประวัติศาสตร์ "โรงละคร Mariinsky" ผู้ชมละครในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเพื่อเข้าร่วมการแสดงโอเปร่าต้องจองล่วงหน้าหลายเดือนล่วงหน้า ปัจจุบัน Valery Gergiev เป็นหัวหน้าวาทยกรของโรงละครและผู้กำกับศิลป์
เยฟเจนีย์ สเวตลานอฟ
Evgeniy Fedorovich Svetlanov (พ.ศ. 2471-2545) วาทยกรผู้โด่งดังทั้งชาวรัสเซียและต่างประเทศได้ทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนไว้ในมรดกทางวัฒนธรรมของรัสเซีย เขาดำรงตำแหน่ง "วีรบุรุษแห่งแรงงานสังคมนิยม" และ "ศิลปินประชาชนแห่งสหภาพโซเวียต" เขาเป็นผู้ได้รับรางวัลเลนินและรางวัลแห่งรัฐของสหภาพโซเวียต
อาชีพสร้างสรรค์ของ Svetlanov เริ่มต้นทันทีหลังจากสำเร็จการศึกษาจากสถาบัน Gnessin ในปี 2494 เขาศึกษาต่อที่ Moscow Conservatory ในชั้นเรียนการแสดงโอเปร่าและซิมโฟนีและการเรียบเรียง
การเปิดตัวเกิดขึ้นในปี 1954 บนเวทีโรงละครบอลชอยในการผลิตโอเปร่าเรื่อง The Pskov Woman ของ Rimsky-Korsakov ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2506 ถึง พ.ศ. 2508 เขาเป็นหัวหน้าวาทยากรของโรงละครบอลชอย ในระหว่างที่เขาทำงาน ระดับการแสดงโอเปร่าเพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด
ในปี พ.ศ. 2508-2543 งานรวมในฐานะผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์และหัวหน้าวาทยกรของ State Symphony Orchestra ของสหภาพโซเวียต (ต่อมาคือรัสเซีย)
วลาดิเมียร์ สปิวาคอฟ
วาทยกรชาวรัสเซีย Vladimir Teodorovich Spivakov เกิดเมื่อปี 2487 ในเมืองอูฟา เขาสำเร็จการศึกษาจาก Moscow Conservatory ในปี พ.ศ. 2511 และศึกษาระดับสูงกว่าปริญญาตรีในปี พ.ศ. 2513
Vladimir Spivakov ศึกษางานฝีมือของเขาที่ Gorky Conservatory กับศาสตราจารย์ Israel Gusman ต่อมาเขาได้เข้าเรียนหลักสูตรพิเศษในสหรัฐอเมริการ่วมกับลีโอนาร์ด เบิร์นสไตน์ และลอริน มาเซล
ปัจจุบันเขาเป็นผู้อำนวยการถาวรและผู้ควบคุมวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตรา Moscow Virtuosi ซึ่งเขาจัดขึ้นเป็นการส่วนตัวในปี 1979 เขาได้แสดงร่วมกับวงออเคสตราของยุโรปและกลุ่มดนตรีของสหรัฐอเมริกา เขาได้แสดงที่โรงละคร La Scala, Accademia Cecilia, Philharmonic แห่งเมืองโคโลญจน์ในเยอรมนี และ French Radio เขาเป็นประธานของ International House of Music ในมอสโก
ยูริ บาชเม็ต
วาทยกรชาวรัสเซีย Bashmet Yuri Abramovich เกิดเมื่อวันที่ 24 มกราคม พ.ศ. 2496 ที่เมือง Rostov-on-Don ศิลปินประชาชนแห่งสหภาพโซเวียต ผู้ชนะเลิศสี่รางวัลแห่งรัฐของสหพันธรัฐรัสเซีย
ในปี 1976 เขาสำเร็จการศึกษาจาก Moscow Conservatory ในปี 1972 ขณะที่ยังเป็นนักเรียน เขาได้รับไวโอลินวิโอลาโดย Paolo Testore ปรมาจารย์ชาวอิตาลี ซึ่งผลิตในปี 1758 Bashmet ยังคงเล่นเครื่องดนตรีที่เป็นเอกลักษณ์นี้มาจนถึงทุกวันนี้
เขาเริ่มกิจกรรมคอนเสิร์ตในปี 1976 และอีกสองปีต่อมาได้รับตำแหน่งสอนที่ Moscow Conservatory ในปี 1996 ยูริ แบชเม็ตได้สร้าง "แผนกวิโอลาทดลอง" ซึ่งมีการศึกษาท่อนวิโอลาในซิมโฟนิก โอเปร่า และแชมเบอร์มิวสิค ในเวลาเดียวกันเขาได้รับตำแหน่งศาสตราจารย์ที่ Moscow Conservatory ปัจจุบันมีส่วนร่วมในกิจกรรมการกุศลและสังคม
ชื่อของเฮอร์เบิร์ต ฟอน คาราจันในจิตสำนึกของโลกเชื่อมโยงกับซาลซ์บูร์กอย่างแยกไม่ออก วาทยากรที่เกิดในปี 1908 ในเมืองซาลซ์บูร์ก เป็นเวลาหลายสิบปีที่หล่อหลอมชีวิตทางวัฒนธรรมของเมืองโมสาร์ทในแบบของเขาเอง และเป็นหัวหน้าฝ่ายจัดงานต่างๆ
ตามรอยเท้าของผู้ควบคุมวง
เมื่อเดินไปรอบ ๆ เมืองซาลซ์บูร์กคุณจะพบว่าตัวเองอยู่ในสถานที่ที่เกี่ยวข้องกับชีวิตและผลงานของผู้ควบคุมวงที่โดดเด่นอยู่เสมอ รูปปั้นทองสัมฤทธิ์ขนาดเท่าตัวจริง ตั้งอยู่ในใจกลางเมืองเก่าของซาลซ์บูร์ก ติดกับสะพานคนเดินมาการ์ต ในสวนของธนาคารไรฟไฟเซน ชวนให้นึกถึงเฮอร์เบิร์ต ฟอน คาราจัน คำจารึกบนแผ่นโลหะในอาคารใกล้เคียงระบุว่า Karajan เกิดในบ้านหลังนี้เมื่อวันที่ 5 เมษายน พ.ศ. 2451 เมืองซาลซ์บูร์กยกย่องลูกชายผู้มีชื่อเสียงด้วยการตั้งชื่อจัตุรัสอันโดดเด่นแห่งหนึ่งในย่านเฟสติวัล เฮอร์เบิร์ต ฟอน คาราจัน พลัทซ์
หลุมศพของเขาตั้งอยู่ในสุสานใน Anif ซึ่งเป็นสถานที่เล็ก ๆ ใกล้เมืองซาลซ์บูร์กที่ Herbert von Karajan อาศัยอยู่เป็นเวลาหลายปี เมื่อเวลาผ่านไป หลุมศพกลายเป็นสถานที่แสวงบุญสำหรับผู้ชื่นชมพรสวรรค์ของ Karajan จากทั่วทุกมุมโลก
Herbert von Karajan และเทศกาลฤดูร้อนซาลซ์บูร์ก
ในช่วงหลังสงคราม ยุคของเฮอร์เบิร์ต ฟอน คาราจันเริ่มต้นขึ้นในเมืองซาลซ์บูร์ก ในปี 1948 เขาแสดงละครโอเปร่าเรื่อง Orpheus ของ Gluck เป็นครั้งแรก ในปี 1956 เขาได้รับแต่งตั้งให้เป็นผู้กำกับศิลป์ และในปี 1957 เขาได้แสดงเปิดตัวในฐานะผู้กำกับในโอเปร่า Fidelio ของ Beethoven
ในปี 1960 เฮอร์เบิร์ต ฟอน คาราจันได้เปิดอาคารใหม่ของ Great Festival Hall ของโรงละครด้วยการผลิตโอเปร่า Der Rosenkavalier ของ Richard Strauss และประกาศการเริ่มต้นของยุคใหม่ แม้ว่า Karajan ซึ่งเริ่มตั้งแต่เดือนกันยายน พ.ศ. 2503 จะไม่ได้เป็นผู้กำกับศิลป์เพียงคนเดียวอีกต่อไป แต่ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2507 อยู่ในคณะกรรมการบริหาร เขาก็ยังคงเป็นคนที่กุมเส้นด้ายขององค์กรไว้ในมือของเขาเสมอและทำการตัดสินใจที่สำคัญที่สุด: ในฐานะ “เจ้าผู้เผด็จการองค์สุดท้าย” หมายถึงคำกล่าวในข่าวมรณกรรมครั้งหนึ่งของเขาหลังจากการสวรรคตของเขาในปี 1989
ในปี 1967 เขาได้ก่อตั้งเทศกาลอีสเตอร์ซาลซ์บูร์กซึ่งเขากำกับจนกระทั่งเสียชีวิต ทุกปีเขาจะจัดการแสดงโอเปร่าโดยร่วมมือกับ Berlin Philharmonic Orchestra ซึ่งจัดโดยวุฒิสภาเบอร์ลิน และต่อมาได้จัดคอนเสิร์ตในซาลซ์บูร์กในช่วง Holy Trinity
ยุคคาราจัน
Karajan ช่วยให้เทศกาลฤดูร้อนซาลซ์บูร์กมีสถานะเป็นสากล ในขณะที่หลายทศวรรษก่อนหน้านี้ คณะละครแห่งรัฐเวียนนาเป็นหัวหน้าทีมนักแสดง แต่ปัจจุบันซาลซ์บูร์กได้กลายเป็นสถานที่พบปะของดาราระดับนานาชาติที่พูดได้หลายภาษา ซึ่งในฐานะศิลปินอิสระ จะรู้สึกเหมือนอยู่บ้านบนเวทีที่มีชื่อเสียงตั้งแต่มิลานถึงนิวยอร์ก
เริ่มดึงดูดแขกจากต่างประเทศจำนวนมาก
ผู้ควบคุมวงมาหลายทศวรรษติดต่อกันไม่เหมือนใครไม่เพียง แต่เป็นตัวเป็นตนในฉากดนตรีเท่านั้น แต่ยังเร่งการพัฒนาเอกสารประกอบดนตรีอีกด้วย ในปีสุดท้ายของชีวิต ด้วยความสนใจและพลังงานอย่างมาก - ส่วนใหญ่อยู่ภายใต้การนำของวงออเคสตราของเขาเอง - เขารวบรวมและบันทึกผลงานทางดนตรีชิ้นเอกสำหรับโลก