ศิลปินต่างประเทศแห่งศตวรรษที่ 19: บุคคลที่โดดเด่นที่สุดในแวดวงวิจิตรศิลป์และมรดกของพวกเขา วัฒนธรรมศิลปะของยุโรปในคริสต์ศตวรรษที่ 19 ศิลปินตะวันตกในคริสต์ศตวรรษที่ 19
อิมเพรสชันนิสม์ สัญลักษณ์นิยม สมัยใหม่
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ทิศทางปรากฏในศิลปะตะวันตกซึ่งต่อมาเรียกว่า "สมัยใหม่" การเคลื่อนไหวครั้งแรกถือได้ว่าเป็นอิมเพรสชันนิสม์ซึ่งเกิดขึ้นในยุค 60 การเคลื่อนไหวนี้ยังไม่มีความทันสมัยอย่างสมบูรณ์ มันละทิ้งความสมจริงและเคลื่อนตัวออกห่างจากมันมากขึ้นเรื่อยๆ โดยไม่ทำลายมันโดยสิ้นเชิง อิมเพรสชันนิสม์ยังไม่ใช่สมัยใหม่ แต่มันไม่ใช่ความสมจริงอีกต่อไป ถือได้ว่าเป็นจุดเริ่มต้นของสมัยใหม่อย่างแม่นยำเนื่องจากมีคุณสมบัติหลักอยู่แล้ว
ประการแรกเกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงที่ชัดเจนในการเน้นจากวัตถุหนึ่งไปยังอีกวัตถุหนึ่ง จากความเป็นกลางและความจริงไปสู่ความรู้สึกเชิงอัตวิสัย ในลัทธิอิมเพรสชั่นนิสต์ สิ่งสำคัญไม่ใช่วัตถุที่ปรากฎ แต่เป็นการรับรู้ ความประทับใจที่ปลุกเร้าในตัวศิลปิน ความจงรักภักดีต่อวัตถุทำให้เกิดความจงรักภักดีในการรับรู้ ความจงรักภักดีต่อความรู้สึกที่หายวับไป หลักการของ "ความไม่ซื่อสัตย์ต่อวัตถุ" จะกลายเป็นหนึ่งในหลักการพื้นฐานของสุนทรียภาพแห่งสมัยใหม่ กลายเป็นหลักการของการเปลี่ยนรูปอย่างมีสติ การบิดเบือนและการสลายตัวของวัตถุ หลักการของการปฏิเสธวัตถุ ความเป็นกลาง และเป็นรูปเป็นร่าง ศิลปะกำลังกลายเป็นศิลปะในการแสดงออกถึงตัวตนของศิลปินมากขึ้นเรื่อยๆ
สัญญาณที่สองคือความสนใจเป็นพิเศษต่อการทดลอง การค้นหาวิธีการแสดงออก เทคนิคทางเทคนิคและศิลปะใหม่ๆ ในเรื่องนี้ ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ทำตามแบบอย่างของนักวิทยาศาสตร์ พวกเขามีส่วนร่วมอย่างกระตือรือร้นในการสลายตัวของโทนสี การเล่นการสะท้อนของสี และการผสมสีที่ผิดปกติ พวกเขาชอบความลื่นไหล ความแปรปรวน ความคล่องตัว พวกเขาไม่ทนต่อสิ่งที่แช่แข็งและคงที่ อิมเพรสชั่นนิสต์มีความสนใจเป็นพิเศษในกระบวนการปฏิสัมพันธ์ของวัตถุกับบรรยากาศ อากาศ แสง หมอก หมอกควัน และแสงแดด ด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงมีความก้าวหน้าและความสำเร็จครั้งสำคัญในด้านสีและรูปแบบ
ในอิมเพรสชันนิสม์ ความหลงใหลในการทดลอง การค้นหาเทคนิคใหม่ การแสวงหาความแปลกใหม่และความคิดริเริ่มยังไม่กลายเป็นจุดสิ้นสุดในตัวมันเอง อย่างไรก็ตามการเคลื่อนไหวสมัยใหม่ที่ตามมาหลายอย่างเกิดขึ้นอย่างแม่นยำซึ่งผลที่ตามมาคือการที่ศิลปินปฏิเสธผลลัพธ์สุดท้ายงานศิลปะซึ่งเข้าใจว่าเป็นสิ่งที่สมบูรณ์และสมบูรณ์
คุณลักษณะอีกประการหนึ่งของอิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่งส่วนหนึ่งเป็นผลตามมาและความต่อเนื่องโดยตรงจากสิ่งที่กล่าวไปแล้วนั้นเกี่ยวข้องกับการละทิ้งประเด็นทางสังคม ชีวิตจริงปรากฏอยู่ในผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์ แต่ปรากฏอยู่ในรูปแบบของการแสดงภาพ ดูเหมือนว่าการจ้องมองของศิลปินจะเหินไปเหนือพื้นผิวของปรากฏการณ์ทางสังคม โดยจับความรู้สึกของสีเป็นหลัก โดยไม่หยุดที่พวกมันและไม่จมดิ่งลงไป ในขบวนการสมัยใหม่ที่ตามมา แนวโน้มนี้ทวีความรุนแรงมากขึ้น ทำให้เป็นสังคมและแม้กระทั่งต่อต้านสังคม
บุคคลสำคัญของอิมเพรสชั่นนิสต์คือ C. Monet (1840-1926), C. Pissarro (1830 - 1903), O. Renoir (1841 - 1919)
อิมเพรสชันนิสม์ได้รวบรวมไว้ในผลงานของโมเนต์อย่างเต็มที่ที่สุด หัวข้อโปรดในผลงานของเขาคือทิวทัศน์ เช่น ทุ่งนา ป่าไม้ แม่น้ำ บ่อน้ำที่รกร้าง เขาให้คำจำกัดความความเข้าใจเกี่ยวกับภูมิทัศน์ไว้ดังนี้ “ทิวทัศน์คือความประทับใจที่เกิดขึ้นทันที” จากภาพวาด “พระอาทิตย์ขึ้น” "ความประทับใจ" เป็นชื่อของการเคลื่อนไหวทั้งหมด (ในภาษาฝรั่งเศส "ความประทับใจ" คือ "ความประทับใจ") “กองหญ้า” อันโด่งดังทำให้เขาได้รับชื่อเสียงสูงสุด นอกจากนี้เขายังแสดงความหลงใหลในการวาดภาพน้ำเป็นพิเศษอีกด้วย ด้วยเหตุนี้ เขาจึงสร้างเรือเวิร์คช็อปพิเศษขึ้นมา ซึ่งทำให้เขาใช้เวลาหลายชั่วโมงในการสังเกตพฤติกรรมของน้ำและการสะท้อนของวัตถุในนั้น ทั้งหมดนี้ Monet ประสบความสำเร็จอย่างน่าประทับใจ ซึ่งทำให้ E. Manet เรียกเขาว่า "ราฟาเอลแห่งน้ำ" ภาพวาด “อาสนวิหารรูอ็อง” ก็มีความโดดเด่นมากเช่นกัน
K. Pissaro ให้ความสำคัญกับภูมิทัศน์ของเมือง เช่น บ้าน ถนน ถนนที่เต็มไปด้วยรถม้า และภาพการเดินเล่นในที่สาธารณะในชีวิตประจำวัน
O. Renoir ให้ความสำคัญกับภาพเปลือยและภาพบุคคลเป็นอย่างมาก โดยเฉพาะภาพผู้หญิง ตัวอย่างที่โดดเด่นของงานศิลปะภาพเหมือนของเขาคือภาพเหมือนของศิลปินเจ. ซามารี นอกจากนี้เขายังวาดภาพ "อาบน้ำบนแม่น้ำแซน" และ "มูแลง เดอ ลา กาแลตต์"
ประมาณกลางทศวรรษที่ 80 อิมเพรสชั่นนิสต์เริ่มประสบกับวิกฤติและมีการเคลื่อนไหวอิสระสองประการเกิดขึ้น - นีโออิมเพรสชั่นนิสต์และโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์
คนแรกนำเสนอโดยศิลปิน J. Seurat และ P. Signac จากความสำเร็จของวิทยาศาสตร์สี พวกเขานำคุณลักษณะบางอย่างของอิมเพรสชันนิสม์ - การสลายตัวของโทนสีให้เป็นสีที่บริสุทธิ์และความหลงใหลในการทดลอง - เพื่อข้อสรุปเชิงตรรกะ ในแง่ศิลปะและสุนทรียศาสตร์ การเคลื่อนไหวนี้ไม่ได้กระตุ้นความสนใจมากนัก
โพสต์อิมเพรสชันนิสม์ “ดูเหมือนจะเป็นปรากฏการณ์ที่มีประสิทธิผลและน่าสนใจมากกว่ามาก บุคคลสำคัญคือ P. Cezanne (1839 - 1906), V. Van Gogh (1853 - 1890) และ P. Gauguin (1848 - 1903) ซึ่ง P. Cezanne โดดเด่นในจำนวนนี้
ในงานของเขา P. Cezanne ยังคงรักษาสิ่งที่สำคัญที่สุดในอิมเพรสชั่นนิสม์และในขณะเดียวกันก็สร้างงานศิลปะใหม่โดยพัฒนาแนวโน้มที่จะถอยห่างจากตัวแบบจากรูปลักษณ์ภายนอก ในเวลาเดียวกันเขาสามารถเอาชนะธรรมชาติลวงตาและชั่วคราวของสิ่งที่ปรากฎซึ่งเป็นลักษณะของอิมเพรสชั่นนิสต์
ด้วยการเสียสละความคล้ายคลึงภายนอกของวัตถุ P. Cezanne ถ่ายทอดคุณสมบัติและคุณสมบัติหลัก ความเป็นสาระสำคัญ ความหนาแน่น และความเข้มข้นของวัตถุด้วยพลังพิเศษ "ความเป็นสาระสำคัญของสิ่งใดสิ่งหนึ่ง" ในการสร้างผลงานต่างจากอิมเพรสชั่นนิสม์ เขาไม่เพียงใช้ความรู้สึกทางสายตาเท่านั้น แต่ยังใช้ประสาทสัมผัสทั้งหมดด้วย ในงานของเขา เขาแสดงออกถึงธรรมชาติส่วนตัวของเขาอย่างชัดเจนและทรงพลัง ดังที่ P. Picasso ตั้งข้อสังเกต P. Cezanne วาดภาพตัวเองมาตลอดชีวิต
ในบรรดาผลงานของ P. Cezanne สิ่งหนึ่งที่สามารถเน้นได้เช่น "ภาพเหมือนตนเอง", "ผลไม้", "Still Life with Drapery", "Banks of the Marne", "Lady in Blue" P. Cezanne มีอิทธิพลอย่างมากต่อความสมัยใหม่ที่ตามมาทั้งหมด A. Matisse เรียกเขาว่า "ครูทั่วไป" ของศิลปินรุ่นเยาว์มากมายซึ่งต่อมามีชื่อเสียงและโด่งดังในเวลาต่อมา
นอกเหนือจากการวาดภาพแล้ว อิมเพรสชันนิสม์ยังปรากฏให้เห็นในงานศิลปะรูปแบบอื่นอีกด้วย ในด้านดนตรีอิทธิพลของเขาสัมผัสได้จากนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส C. Debussy (พ.ศ. 2405 - 2461) ในงานประติมากรรม - โดยประติมากรชาวฝรั่งเศส O. Rodin (2383 - 2460)
ในยุค 80 การเคลื่อนไหวของสัญลักษณ์เกิดขึ้นในฝรั่งเศสซึ่งถือได้ว่าเป็นสมัยใหม่อย่างสมบูรณ์ แพร่หลายมากที่สุดในบทกวีและวรรณกรรม สัญลักษณ์นิยมยังคงดำเนินต่อไปในแนวโรแมนติกและ "ศิลปะเพื่อประโยชน์ของศิลปะ" ที่เต็มไปด้วยความรู้สึกผิดหวังในโลกรอบตัวเราโดยมุ่งเป้าไปที่การค้นหาความงามอันบริสุทธิ์และสุนทรียภาพอันบริสุทธิ์
ในแถลงการณ์ของพวกเขา Symbolists ประกาศตัวว่าเป็นนักร้องแห่งความเสื่อมโทรม ความเสื่อมโทรม และความตายของโลกชนชั้นกลาง พวกเขาต่อต้านตนเองต่อวิทยาศาสตร์และปรัชญาเชิงบวก โดยเชื่อว่าเหตุผลและตรรกศาสตร์ที่เป็นเหตุเป็นผลไม่สามารถเจาะเข้าไปในโลกแห่ง "ความเป็นจริงที่ซ่อนอยู่" "สาระสำคัญในอุดมคติ" และ "ความงามอันเป็นนิรันดร์" มีเพียงศิลปะเท่านั้นที่สามารถทำได้ - ต้องขอบคุณจินตนาการที่สร้างสรรค์ สัญชาตญาณของบทกวี และความเข้าใจอันลึกลับ การแสดงนัยแสดงถึงลางสังหรณ์อันน่าเศร้าของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมในอนาคต โดยยอมรับว่าสิ่งเหล่านี้เป็นบททดสอบที่ชำระล้างและการชำระเพื่ออิสรภาพทางจิตวิญญาณที่แท้จริง
บุคคลสำคัญของสัญลักษณ์ฝรั่งเศสคือกวี S. Mallarmé (1842 - 1898), P. Verlaine (1844 - 1896), A. Rimbaud (1854 - 1891) คนแรกถือเป็นผู้ก่อตั้งขบวนการ ส่วนที่สองสร้างผลงานชิ้นเอกของเนื้อเพลงที่สวยงาม A. Rimbaud กลายเป็นหนึ่งในกวีที่สร้างสรรค์และยอดเยี่ยมที่สุดของฝรั่งเศส เขามีอิทธิพลอย่างมากต่อกวีนิพนธ์ฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 20
สัญลักษณ์นิยมแพร่หลายในหลายประเทศในยุโรป ในอังกฤษ อันดับแรกเขาเป็นตัวแทนโดยนักเขียน O. Wilde (1854 - 1900) ผู้แต่งนวนิยายชื่อดังเรื่อง The Picture of Dorian Grey และบทกวี "The Ballad of Reading Gaol" ในออสเตรีย กวี R.M. Rilke (พ.ศ. 2418 - 2469) ใกล้เคียงกับสัญลักษณ์ซึ่งปรากฏให้เห็นเป็นพิเศษในผลงานของเขา "The Book of Images" และ "The Book of Hours" ตัวแทนที่โดดเด่นอีกประการหนึ่งของสัญลักษณ์คือนักเขียนบทละครชาวเบลเยียมและกวี M. Maeterlinck (พ.ศ. 2405 - 2492) ผู้แต่ง "Blue Bird" ที่มีชื่อเสียง
ศตวรรษที่ 19 มีความสำคัญขั้นพื้นฐานในประวัติศาสตร์ตะวันตก ในเวลานี้เองที่อารยธรรมรูปแบบใหม่กำลังเกิดขึ้นนั่นคืออุตสาหกรรม มันขึ้นอยู่กับความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี ดังนั้นหนึ่งในอุดมคติหลักของการตรัสรู้ซึ่งเป็นอุดมคติของความก้าวหน้าของเหตุผลจึงได้รับรูปลักษณ์ที่สมบูรณ์ที่สุดในนั้น
การเกิดขึ้นของระบอบประชาธิปไตยกระฎุมพีส่งผลให้เสรีภาพทางการเมืองขยายตัว สำหรับอุดมคติและคุณค่าอื่น ๆ ของมนุษยนิยมทางการศึกษาการนำไปปฏิบัติต้องเผชิญกับความยากลำบากและอุปสรรคร้ายแรง ดังนั้นการประเมินโดยทั่วไปของศตวรรษที่ 19 จึงไม่สามารถคลุมเครือได้
ในด้านหนึ่ง มีความสำเร็จและความสำเร็จของอารยธรรมที่ไม่เคยมีมาก่อน ในเวลาเดียวกัน อารยธรรมอุตสาหกรรมที่เกิดขึ้นใหม่เริ่มที่จะเบียดเบียนวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณมากขึ้นเรื่อยๆ
ประการแรก สิ่งนี้ส่งผลกระทบต่อศาสนา และวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณด้านอื่นๆ ได้แก่ ปรัชญา ศีลธรรม และศิลปะ โดยทั่วไปเราสามารถพูดได้ว่าในศตวรรษที่ 19 แนวโน้มที่เป็นอันตรายของการลดทอนความเป็นมนุษย์ของวัฒนธรรมเกิดขึ้นในโลกตะวันตกซึ่งผลที่ตามมาคือระบบลัทธิล่าอาณานิคมในช่วงปลายศตวรรษและในศตวรรษที่ 20 - สงครามโลกครั้งที่สอง
ศิลปะยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20
การก่อตัวของอารยธรรมอุตสาหกรรมมีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะยุโรป อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน มันมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับชีวิตทางสังคม ความต้องการทางจิตวิญญาณและวัตถุของผู้คน ในบริบทของการพึ่งพาซึ่งกันและกันที่เพิ่มมากขึ้นของผู้คน การเคลื่อนไหวทางศิลปะและความสำเร็จทางวัฒนธรรมได้แพร่กระจายไปทั่วโลกอย่างรวดเร็ว
จิตรกรรม. ยวนใจและความสมจริงแสดงออกด้วยพลังพิเศษในการวาดภาพ มีสัญญาณของความโรแมนติกมากมายในผลงานของศิลปินชาวสเปน Francisco Goya (1746-1828) ต้องขอบคุณความสามารถและการทำงานหนัก ลูกชายของช่างฝีมือผู้น่าสงสารจึงกลายเป็นจิตรกรที่ยิ่งใหญ่ ผลงานของเขาประกอบด้วยยุคทั้งหมดในประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป ภาพวาดศิลปะของผู้หญิงสเปนมีความงดงามมาก เขียนด้วยความรักและความชื่นชม เราอ่านความภาคภูมิใจในตนเอง ความภาคภูมิใจ และความรักของชีวิตบนใบหน้าของวีรสตรี โดยไม่คำนึงถึงต้นกำเนิดทางสังคมของพวกเขา
ความกล้าหาญที่ Goya จิตรกรในราชสำนักวาดภาพเหมือนกลุ่มของราชวงศ์ไม่เคยหยุดนิ่งที่จะประหลาดใจ ก่อนหน้าเราไม่ใช่ผู้ปกครองหรือผู้ชี้ขาดชะตากรรมของประเทศ แต่ค่อนข้างธรรมดา แม้แต่คนธรรมดาทั่วไป การที่ Goya หันมาสู่ความสมจริงยังเห็นได้จากภาพวาดของเขาที่อุทิศให้กับการต่อสู้อย่างกล้าหาญของชาวสเปนกับกองทัพของนโปเลียน
พระเจ้าชาร์ลส์ที่ 4 และครอบครัวของเขา เอฟ. โกยา. ด้านซ้าย (ในเงามืด) ศิลปินวาดภาพตัวเอง
บุคคลสำคัญในแนวโรแมนติกของยุโรปคือศิลปินชาวฝรั่งเศสชื่อดัง Eugene Delacroix (1798-1863) ในงานของเขา เขาให้ความสำคัญกับจินตนาการและจินตนาการเหนือสิ่งอื่นใด เหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์แนวโรแมนติกและศิลปะฝรั่งเศสทั้งหมดคือภาพวาดของเขา "Liberty Leading the People" (1830) ศิลปินทำให้การปฏิวัติในปี 1830 เป็นอมตะบนผืนผ้าใบ หลังจากภาพวาดนี้ Delacroix ไม่ได้หันไปหาความเป็นจริงของฝรั่งเศสอีกต่อไป เขาเริ่มสนใจหัวข้อเรื่องตะวันออกและประวัติศาสตร์ซึ่งความโรแมนติกที่กบฏสามารถปลดปล่อยจินตนาการและจินตนาการของเขาได้อย่างอิสระ
ศิลปินสัจนิยมที่ใหญ่ที่สุดคือ French Gustave Courbet (1819-1877) และ Jean Millet (1814-1875) ตัวแทนของเทรนด์นี้พยายามดิ้นรนเพื่อพรรณนาถึงธรรมชาติตามความเป็นจริง จุดเน้นอยู่ที่ชีวิตประจำวันและงานของมนุษย์ แทนที่จะเป็นวีรบุรุษทางประวัติศาสตร์และตำนานที่มีลักษณะคลาสสิกและแนวโรแมนติกคนธรรมดาก็ปรากฏตัวในงานของพวกเขา: ชาวเมืองชาวนาและคนงาน ชื่อของภาพเขียนพูดเพื่อตัวเอง: "Stone Crusher", "Knitters", "Gatherers of Ears"
เจ้าหน้าที่ของทหารพรานขี่ม้าของราชองครักษ์เข้าโจมตี พ.ศ. 2355 Theodore Gericault (พ.ศ. 2334-2367) ศิลปินคนแรกของขบวนการโรแมนติก ภาพวาดแสดงถึงความโรแมนติกของยุคนโปเลียน
Courbet เป็นคนแรกที่ใช้แนวคิดเรื่องความสมจริง เขากำหนดเป้าหมายของความคิดสร้างสรรค์ของเขาดังนี้: “เพื่อให้สามารถถ่ายทอดคุณธรรม ความคิด และรูปลักษณ์ของคนในยุคนั้นในการประเมินของฉัน ไม่เพียงแต่เป็นศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นพลเมืองด้วย เพื่อสร้างงานศิลปะที่มีชีวิต”
ในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ฝรั่งเศสกลายเป็นผู้นำในการพัฒนาศิลปะยุโรป มันเป็นภาพวาดฝรั่งเศสที่อิมเพรสชั่นนิสม์ถือกำเนิดขึ้น (จากความประทับใจของฝรั่งเศส - ความประทับใจ) ขบวนการใหม่กลายเป็นเหตุการณ์ที่มีความสำคัญในยุโรป ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์พยายามถ่ายทอดความประทับใจชั่วขณะบนผืนผ้าใบเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงอย่างต่อเนื่องและละเอียดอ่อนในสภาวะของธรรมชาติและมนุษย์
ในรถม้าชั้นสาม พ.ศ. 2405 O. Daumier (1808-1879) หนึ่งในศิลปินที่สร้างสรรค์ที่สุดในยุคของเขา บัลซัคเปรียบเทียบเขากับไมเคิลแองเจโล อย่างไรก็ตาม Daumier เริ่มมีชื่อเสียงจากการ์ตูนการเมืองของเขา "ในรถชั้นสาม" นำเสนอภาพลักษณ์ที่ไร้อุดมคติของชนชั้นแรงงาน
ผู้หญิงอ่านหนังสือ. เค. โครอต (1796-1875) ศิลปินชาวฝรั่งเศสผู้โด่งดังสนใจการเล่นแสงเป็นพิเศษและเป็นบรรพบุรุษของอิมเพรสชั่นนิสต์ ในขณะเดียวกัน งานของเขาก็มีตราประทับแห่งความสมจริง
อิมเพรสชั่นนิสต์ได้ทำการปฏิวัติเทคนิคการวาดภาพอย่างแท้จริง พวกเขามักจะทำงานกลางแจ้ง สีและแสงมีบทบาทในการทำงานมากกว่าการวาดภาพ ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ที่โดดเด่น ได้แก่ Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas อิมเพรสชั่นนิสต์มีอิทธิพลอย่างมากต่อปรมาจารย์พู่กันผู้ยิ่งใหญ่เช่น Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin
ความประทับใจ. พระอาทิตย์ขึ้น พ.ศ. 2425 Claude Monet (พ.ศ. 2383-2469) มักวาดภาพวัตถุเดียวกันในช่วงเวลาที่ต่างกันของวันเพื่อสำรวจผลกระทบของแสงที่มีต่อสีและรูปทรง
ดอกทานตะวันในแจกัน วี. แวนโก๊ะ (1853-1890)
โบสถ์ประจำหมู่บ้าน. วี. แวนโก๊ะ
เอีย โอรานา มาเรีย. พี. โกแกง (1848-1903) ความไม่พอใจของศิลปินต่อวิถีชีวิตชาวยุโรปทำให้เขาต้องออกจากฝรั่งเศสและอาศัยอยู่ในตาฮิติ ประเพณีศิลปะท้องถิ่นและความหลากหลายของโลกโดยรอบมีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของรูปแบบศิลปะของเขา
สีชมพูและสีเขียว อี. เดอกาส์ (1834-1917)
หญิงสาวกับพิณ 2453 ปาโบลปิกัสโซ (2424-2516) จิตรกรชาวสเปนที่ทำงานในฝรั่งเศส เมื่ออายุสิบขวบเขาเป็นศิลปินและเมื่ออายุได้สิบหกนิทรรศการครั้งแรกของเขาเกิดขึ้น ปูทางไปสู่ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม - การเคลื่อนไหวปฏิวัติในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 นักเขียนภาพแบบเหลี่ยมละทิ้งการพรรณนาถึงอวกาศและมุมมองทางอากาศ วัตถุและรูปร่างของมนุษย์ถูกแปลงเป็นการผสมผสานระหว่างเส้นเรขาคณิตและระนาบต่างๆ (ตรง เว้า และโค้ง) นักเขียนภาพแบบเหลี่ยมกล่าวว่าพวกเขาไม่ได้วาดภาพอย่างที่พวกเขาเห็น แต่อย่างที่พวกเขารู้
ร่ม. โอ เรอนัวร์
เช่นเดียวกับบทกวี ภาพวาดในยุคนี้เต็มไปด้วยลางสังหรณ์ที่คลุมเครือและวิตกกังวล ในเรื่องนี้ผลงานของศิลปินสัญลักษณ์ชาวฝรั่งเศสผู้มีความสามารถ Odilon Redon (1840-1916) มีลักษณะเฉพาะมาก โลดโผนของเขาในยุค 80 ภาพวาดแมงมุมเป็นลางร้ายของสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง แมงมุมมีใบหน้ามนุษย์ที่น่าขนลุก หนวดของมันเคลื่อนไหวและก้าวร้าว ผู้ชมเหลือความรู้สึกถึงหายนะที่กำลังจะเกิดขึ้น
สถาปัตยกรรม. การพัฒนาอารยธรรมอุตสาหกรรมมีผลกระทบอย่างมากต่อสถาปัตยกรรมยุโรป ความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีมีส่วนทำให้เกิดนวัตกรรม ในศตวรรษที่ 19 อาคารขนาดใหญ่ของรัฐและสาธารณะมีความสำคัญถูกสร้างขึ้นเร็วกว่ามาก ตั้งแต่นั้นมา ก็เริ่มมีการใช้วัสดุใหม่ๆ ในการก่อสร้าง โดยเฉพาะเหล็กและเหล็กกล้า ด้วยการพัฒนาของการผลิตในโรงงาน การขนส่งทางรถไฟ และเมืองใหญ่ โครงสร้างประเภทใหม่ปรากฏขึ้น - สถานีรถไฟ สะพานเหล็ก ธนาคาร ร้านค้าขนาดใหญ่ อาคารนิทรรศการ โรงละครใหม่ พิพิธภัณฑ์ ห้องสมุด
สถาปัตยกรรมในศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยรูปแบบที่หลากหลาย ความยิ่งใหญ่ และวัตถุประสงค์ในทางปฏิบัติ
ด้านหน้าอาคารปารีสโอเปร่า สร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2404 - 2410 แสดงออกถึงทิศทางที่ผสมผสานโดยได้รับแรงบันดาลใจจากยุคเรอเนซองส์และบาโรก
ตลอดศตวรรษ สไตล์นีโอคลาสสิกเป็นสิ่งที่พบเห็นได้บ่อยที่สุด อาคารบริติชมิวเซียมในลอนดอนสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2366-2390 ให้แนวคิดที่ชัดเจนเกี่ยวกับสถาปัตยกรรมโบราณ (คลาสสิก) จนถึงยุค 60 "รูปแบบประวัติศาสตร์" ที่เรียกว่าเป็นแฟชั่นซึ่งแสดงออกด้วยการเลียนแบบสถาปัตยกรรมยุคกลางที่โรแมนติก ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 มีการหวนคืนสู่สไตล์โกธิคในการก่อสร้างโบสถ์และอาคารสาธารณะ (นีโอโกธิค เช่น โกธิคใหม่) เช่น รัฐสภาในลอนดอน ตรงกันข้ามกับนีโอโกธิค ทิศทางใหม่ อาร์ตนูโว (ศิลปะใหม่) เกิดขึ้น โดดเด่นด้วยโครงร่างที่เรียบลื่นของอาคาร สถานที่ และรายละเอียดภายใน ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 อีกทิศทางหนึ่งเกิดขึ้น - ความทันสมัย สไตล์อาร์ตนูโวโดดเด่นด้วยการใช้งานจริง ความเข้มงวด ความรอบคอบ และการขาดการตกแต่ง มันเป็นสไตล์นี้ที่สะท้อนถึงแก่นแท้ของอารยธรรมอุตสาหกรรมและมีความเกี่ยวข้องมากที่สุดกับยุคสมัยของเรา
ในอารมณ์ศิลปะยุโรปช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ตรงกันข้าม ในด้านหนึ่ง การมองโลกในแง่ดีและความสุขล้นเหลือของชีวิต ในทางกลับกัน ขาดศรัทธาในความสามารถเชิงสร้างสรรค์ของมนุษย์ และไม่ควรมองหาความขัดแย้งในเรื่องนี้ ศิลปะสะท้อนให้เห็นสิ่งที่เกิดขึ้นในโลกแห่งความเป็นจริงในแบบของตัวเองเท่านั้น สายตาของกวี นักเขียน และศิลปินมีความคมชัดและเฉียบแหลมมากขึ้น พวกเขาเห็นสิ่งที่คนอื่นไม่เห็นและมองไม่เห็น
หุ่นนิ่งโบราณ "ช่อดอกไม้พร้อมเมล็ดฝิ่น" ยุโรปตะวันตก สองในสามของศตวรรษที่ 19
หุ่นนิ่งโบราณ "ช่อดอกไม้องุ่นและลูกพีช" ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2382
ภูมิทัศน์ภูเขาที่มีซากปราสาท ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2389
วันหยุดพักผ่อนในสวนสาธารณะ ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2446
รูปโฉมของหญิงสาว ยุโรปตะวันตก ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19
องุ่นและดอกไม้ ยุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 19
แอปเปิ้ลและองุ่น ยุโรปตะวันตก. สามแรกของศตวรรษที่ 20
วินเทจยังมีชีวิตอยู่กับองุ่นและผลไม้ ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2412
หุ่นนิ่งโบราณด้วยดอกไม้ ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2364
หุ่นนิ่งโบราณกับดอกคาร์เนชั่น ยุโรปตะวันตกต้นศตวรรษที่ 20
วินเทจยังมีชีวิตอยู่กับเมลอน แอปเปิ้ล และองุ่น ยุโรปตะวันตกต้นศตวรรษที่ 20
แจกันหุ่นนิ่งโบราณพร้อมดอกเบญจมาศ ยุโรปตะวันตกต้นศตวรรษที่ 20
วินเทจยังมีชีวิตอยู่กับองุ่นและลูกพีช ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2419
แจกันยังมีชีวิตอยู่แบบวินเทจพร้อมฟักทอง ยุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 19
การต่อสู้ของทหารม้าอังกฤษกับทหารราบฝรั่งเศส ยุโรปตะวันตก ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19
ยังมีชีวิตอยู่กับเชอร์รี่และองุ่น ยุโรปตะวันตก กลางคริสต์ศตวรรษที่ 19
ภูมิทัศน์ฤดูหนาวของชาวดัตช์ ยุโรปตะวันตก ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 10
หุ่นนิ่งโบราณ: ต้นฟลอกส ยุโรปตะวันตกต้นศตวรรษที่ 20
เขื่อน. ยุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 19
ซีสเคป ยุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 19
หุ่นนิ่งโบราณ: ดอกแอสเตอร์ในแจกันไม้แกะสลักของยุโรปตะวันตก ต้นศตวรรษที่ 20
หุ่นนิ่งโบราณ: ดอกไม้ตัดกับพื้นหลังของน้ำพุ ยุโรปตะวันตก ฮอลแลนด์ กลางศตวรรษที่ 19
ภาพวาดโบราณ: "หุ่นนิ่งของชาวดัตช์" ยุโรปตะวันตก ต้นศตวรรษที่ 18
หุ่นนิ่งโบราณ: ช่อดอกไม้ ยุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 19
ทิวทัศน์โบราณ: "บนฝั่งทะเลสาบ" ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2437
จิตรกรรมโบราณ: "น้ำตกป่า" ยุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 19
จิตรกรรมโบราณ: "แคนแคน" ยุโรปตะวันตกต้นศตวรรษที่ 20
ภาพวาดโบราณ: "เด็กชายในเตา" ยุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 19
จิตรกรรมโบราณ: "ทิวทัศน์กับนักขี่ม้า" ยุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 17
หุ่นนิ่งโบราณ: ดอกทิวลิปในแจกันจีน ยุโรปตะวันตกต้นศตวรรษที่ 20
ภาพวาดโบราณ: "ทิวทัศน์ฤดูใบไม้ร่วง" ยุโรปตะวันตกต้นศตวรรษที่ 20
หุ่นนิ่งโบราณ: "ดอกไม้" ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2428
หุ่นนิ่งโบราณ: "แจกันพร้อมดอกแอสเตอร์และไฮเดรนเยีย" ยุโรปตะวันตกต้นศตวรรษที่ 20
จิตรกรรมโบราณ: "ทิวทัศน์เมือง" ยุโรปตะวันตก ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19
จิตรกรรมโบราณ: "ช่อดอกเบญจมาศ" ยุโรปตะวันตก ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20
ภาพวาดโบราณ: "พาโนรามาของปารีสพร้อมทิวทัศน์ของ Ile de la Cité" ยุโรปตะวันตก ค.ศ. 1840
สีน้ำโบราณ: "ภาพเหมือนของเด็ก ๆ ของศิลปิน" จากภาพวาดของรูเบนส์ ยุโรปตะวันตก คริสต์ทศวรรษ 1830
ภาพวาดโบราณ: "บนระเบียงของโรงแรม" ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2421
ภาพวาดโบราณ: "ที่บ่อน้ำ" ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2420
หุ่นนิ่งโบราณ: "ผลไม้และดอกไม้" ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2429
ภาพวาดโบราณ “น้ำตกในภูเขา” ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2395
ภาพวาดโบราณ: "ตัวอย่างไวน์" ยุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 19
ภาพวาดโบราณ: "เรือในอ่าวเนเปิลส์" ยุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 19
ภาพวาดโบราณ: "ทหารเสือกับขวดไวน์" ยุโรปตะวันตกต้นศตวรรษที่ 20
ภาพวาดโบราณ: "ชายฝั่งคอร์นิช" ยุโรปตะวันตกต้นศตวรรษที่ 20 ศิลปิน: G. Berlau,
ภาพวาดโบราณ: "ลานภายในของ Palazzo Vecchio ในฟลอเรนซ์" ยุโรปตะวันตก ไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19
หุ่นนิ่งโบราณ: "ดอกไม้ฤดูใบไม้ร่วงในกระถาง" ยุโรปตะวันตก ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19
ภาพวาดโบราณ: "ท่าเรือดัตช์" ยุโรปตะวันตก ศิลปิน: แจน คูเปอร์ส
ภาพวาดโบราณ “เครื่องบดออร์แกนกับทหารเสือ” ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2425
ภาพวาดโบราณ: "ฉากประเภทดัตช์" ยุโรปตะวันตก ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19
จิตรกรรมโบราณ: "หุ่นนิ่งกับดอกกุหลาบ" ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2420
ภูมิทัศน์ชายฝั่งที่มีเรือและเรือใบ ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2420 ศิลปิน: Moris H
จิตรกรรมโบราณ “สายน้ำ กลางป่า” ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2443
ภาพวาดโบราณ: "สุนัข" ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2442
ภาพวาดโบราณ: "ล่ากวาง" ยุโรปตะวันตก ค.ศ. 1840-1850
ภาพวาดโบราณ: "ภูมิทัศน์อิตาลีพร้อมแม่น้ำ" ยุโรปตะวันตก พ.ศ. 2378
ภาพวาดโบราณ: "ในคอกม้า" ยุโรปตะวันตก กลางคริสต์ศตวรรษที่ 19 ศิลปิน: Wouterus I VERSCHUUR
จิตรกรรมโบราณ: "ฉากประเภทอิตาลี" ยุโรปตะวันตก อิตาลี พ.ศ. 2387 ศิลปิน: Rauch I. N.
เป็นเรื่องที่น่าสนใจสำหรับฉัน: ชาวสลาฟพูดพล่อยๆเกี่ยวกับ "ยุโรปที่ยังไม่ได้ล้าง" มาก เหตุใดชาวสลาฟจึงไม่สามารถทิ้งภาพเดียวกันกับในยุโรปในช่วงเวลาเดียวกันได้: ช่วงเวลาของสงครามซาริรุสกี้ - คอนเด พระราชวงศ์ กับชาวสลาฟในปี พ.ศ. 2396-2464
ชาวสลาฟทำอะไร: ทหารโซเวียตโซเวียตนิโคเลฟแห่งกองกำลังแดง (ปรัสเซียน) เก่าของเอลสตัน-ซูมาโรคอฟทำอะไรในรัสเซียที่พวกเขายึดได้ในปี พ.ศ. 2404-2464 -
เช่นเดียวกับที่พวกเขายกเลิกการเป็นทาสเพื่อชาวยิวพุชกิน ผู้สืบเชื้อสายมาจากคนผิวดำที่น่าเกลียด และให้สิทธิทั้งหมดแก่ชาวยิว พวกเขาก็ทำอะไรไม่คุ้มค่าในรัสเซียที่พวกเขายึดครอง สิทธิเฉพาะสำหรับชาวยิวตั้งแต่ปี 1861 นั่นคือผลประโยชน์ทั้งหมดจากการปฏิวัติสลาฟของทหารโซเวียตชาวยิว Elston-Sumarokov เหตุใดกองทัพแดง (โซเวียต) ทั้งหมดของชาวสลาฟ ชาวคานาอัน จึงต่อสู้กับซาร์แห่งรัสเซียในปี พ.ศ. 2396-2464?
แต่สิ่งที่เกี่ยวกับเรื่องนี้? Tsariruski-Konde ผู้ชั่วร้าย นายพลผิวขาว เดินทางไปปารีสพร้อมกับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกทั้งหมด และส่งชาวสลาฟลงนรก ข้ารับใช้ของเรา ย้อนกลับไปในปี 1854 นานก่อนการตกเป็นทาสของทหารชาวยิว Elston-Sumarokov และพวกเขาปฏิเสธที่จะให้เงินสนับสนุนด้านวัตถุและความเป็นอยู่ที่ดีของชาวนาโซเวียตชาวสลาฟชาวยิวซึ่งเป็นผู้พิทักษ์แดง (ปรัสเซียน) เก่า
แล้วใครจะทำงานล่ะ! ไม่ใช่พวกเรา ชาวนาโซเวียตสลาฟ ทหารแดง (ปรัสเซียน) เก่า เผด็จการของชนชั้นกรรมาชีพ!
เป็นเรื่องดีที่อย่างน้อยพวกเขาก็ไม่ได้รับอนุญาตให้เข้าไปในยุโรปโดยกองทัพแดง (ยิว) ทั้งหมดของชาวสลาฟแห่ง Elston-Sumarokov ในปี พ.ศ. 2396-2414 Tsariruski-Konde ราชาแห่งเทวดาขาวหนีออกจากยุโรป มิฉะนั้น ตอนนี้ยุโรปก็จะยืนอยู่ในรูปแบบเดียวกับรัสเซียที่ถูกยึดครองโดยชาวสลาฟ หลังจากการยึดครองของชาวสลาฟของสหภาพโซเวียตเป็นเวลา 150 ปี ได้แก่ ทหารโซเวียตชาวยิว ทหารองครักษ์แดง (ปรัสเซียน) เก่า
17.3 ภาพวาดยุโรปสมัยศตวรรษที่ 19
17.3.1 จิตรกรรมฝรั่งเศส - สองทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพฝรั่งเศสถูกกำหนดให้เป็นการปฏิวัติแบบคลาสสิก ตัวแทนที่โดดเด่นคือ J.L. เดวิด (1748– พ.ศ. 2368) ผลงานหลักที่เขาสร้างขึ้นในศตวรรษที่ 18 ผลงานของศตวรรษที่ 19 - นี่คือการทำงานด้วย จิตรกรประจำศาลของนโปเลียน– “นโปเลียนที่ช่องเขาเซนต์เบอร์นาร์ด”, “พิธีราชาภิเษก”, “ลีโอนีดาสที่เทอร์โมพีเล” เดวิดยังเป็นผู้เขียนภาพบุคคลที่สวยงามอีกด้วย เช่น ภาพเหมือนของมาดามเรกาเมียร์ เขาสร้างโรงเรียนขนาดใหญ่ที่มีนักเรียนและกำหนดลักษณะไว้ล่วงหน้า ศิลปะจากสไตล์จักรวรรดิ
ลูกศิษย์ของเดวิดคือ J.O. Ingres (1780– พ.ศ. 2410) ซึ่งเปลี่ยนศิลปะคลาสสิกให้เป็นศิลปะเชิงวิชาการมานานหลายปี ต่อต้านเพื่อความโรแมนติก Ingres - ผู้เขียนความจริง เฉียบพลันภาพวาดบุคคล (“L.F. Bertin”, “Madame Rivière” ฯลฯ) และภาพวาดในรูปแบบของ ลัทธิคลาสสิกทางวิชาการ ("Apotheosis of Homer", "Jupiter and Themis")
ยวนใจของภาพวาดฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19– ภาพเหล่านี้เป็นภาพวาดโดย T. Gericault (1791 – 1824) (“The Raft of the Medusa” และ “Epsom Derby, ฯลฯ”) และ E. เดลาครัวซ์ (ค.ศ. 1798 – 1863) ผู้เขียนผลงานจิตรกรรมชื่อดังเรื่อง “เสรีภาพนำประชาชน”
ทิศทางที่สมจริงในการวาดภาพในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษแรกแสดงโดยผลงานของ G. Courbet (1819– พ.ศ. 2420) ผู้เขียนคำว่า "ความสมจริง" และภาพวาด "Stone Crusher" และ "Funeral in Ornans" รวมถึงผลงานของ J. เอฟ ข้าวฟ่าง (1814 – 1875) นักเขียนชีวิตประจำวันของชาวนา และ (“The Gatherers,” “The Man with the Hoe,” “The Sower”)
ปรากฏการณ์สำคัญของวัฒนธรรมยุโรปในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีสไตล์ศิลปะที่เรียกว่าอิมเพรสชันนิสม์ซึ่งแพร่หลายไม่เพียง แต่ในการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีและนิยายด้วย แต่มันก็เกิดขึ้นในการวาดภาพ
ในศิลปะชั่วคราว การกระทำจะเกิดขึ้นตามเวลา การวาดภาพดูเหมือนจะสามารถบันทึกช่วงเวลาได้เพียงช่วงเวลาเดียวเท่านั้น ต่างจากภาพยนตร์ตรงที่มี "เฟรม" เดียวเสมอ จะสามารถถ่ายทอดความเคลื่อนไหวได้อย่างไร? หนึ่งในความพยายามที่จะจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงในด้านความคล่องตัวและความแปรปรวนคือความพยายามของผู้สร้างการเคลื่อนไหวในการวาดภาพที่เรียกว่าอิมเพรสชันนิสม์ (จากความประทับใจของฝรั่งเศส) การเคลื่อนไหวครั้งนี้ได้รวบรวมศิลปินต่างๆ มากมาย ซึ่งแต่ละคนมีลักษณะดังนี้ อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นศิลปินที่ถ่ายทอดความเป็นตัวเขา โดยตรงความประทับใจในธรรมชาติ เห็นความงามของความแปรปรวนและความไม่แน่นอนในนั้น สร้างความรู้สึกทางการมองเห็นของแสงแดดที่สดใส เล่นเงาสี โดยใช้จานสีที่บริสุทธิ์และไม่ผสม ซึ่งสีดำและสีเทาถูกขับออกไป
ในภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์เช่น C. Monet (1840-1926) และ O. Renoir (1841-1919) ในช่วงต้นทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ XIX สสารโปร่งสบายปรากฏขึ้น ไม่เพียงแต่มีความหนาแน่นที่เต็มพื้นที่เท่านั้น แต่ยังมีความคล่องตัวอีกด้วย กระแสแสงแดดและไอน้ำลอยขึ้นมาจากดินชื้น น้ำ หิมะที่ละลาย ดินที่ถูกไถ หญ้าที่ไหวในทุ่งหญ้าไม่มีโครงร่างที่ชัดเจนและแข็งตัว การเคลื่อนไหวซึ่งก่อนหน้านี้ถูกนำมาใช้ในภูมิประเทศเป็นภาพของบุคคลที่เคลื่อนไหวอันเป็นผลมาจากการกระทำของพลังธรรมชาติ- ลมที่พัดเมฆ ต้นไม้ที่ไหว บัดนี้กลับกลายเป็นความสงบสุข แต่ความสงบสุขของสสารที่ไม่มีชีวิตนี้เป็นรูปแบบหนึ่งของการเคลื่อนไหวซึ่งถ่ายทอดผ่านพื้นผิวของการวาดภาพ - ลายเส้นไดนามิกของสีที่ต่างกันไม่ถูกจำกัดด้วยเส้นแข็งของการวาดภาพ
การวาดภาพรูปแบบใหม่ไม่ได้รับการยอมรับจากสาธารณชนในทันที โดยกล่าวหาว่าศิลปินไม่ทราบวิธีวาดและโยนสีที่ขูดจากจานสีลงบนผืนผ้าใบ ดังนั้น อาสนวิหารรูอ็องสีชมพูของโมเนต์จึงดูไม่น่าชมสำหรับทั้งผู้ชมและเพื่อนศิลปิน– ผลงานจิตรกรรมที่ดีที่สุดของศิลปิน (“ยามเช้า”, “กับแสงแรกของดวงอาทิตย์”, “เที่ยง”) ศิลปินไม่ได้ พยายามนำเสนอมหาวิหารบนผืนผ้าใบในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน– เขาแข่งขันกับปรมาจารย์แห่งโกธิคเพื่อซึมซับผู้ชมในการไตร่ตรองเอฟเฟกต์แสงและสีอันมหัศจรรย์ ด้านหน้าของอาสนวิหารรูอ็องก็เหมือนกับอาสนวิหารโกธิกอื่นๆ ที่ซ่อนภาพอันลึกลับของผู้คนที่กลับมามีชีวิตอีกครั้ง x จากแสงแดดจากหน้าต่างกระจกสีสดใสภายในห้องโดยสาร แสงสว่างภายในอาสนวิหารจะเปลี่ยนไปขึ้นอยู่กับว่าดวงอาทิตย์ส่องมาจากด้านใด สภาพอากาศมีเมฆมากหรือแจ่มใส รังสีของดวงอาทิตย์ที่ลอดผ่านสีน้ำเงินและสีแดงอันเข้มข้นของกระจกสี กลายเป็นสีและตกเป็นไฮไลท์สีบนพื้น
คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" เกิดจากการปรากฏของภาพวาดชิ้นหนึ่งของโมเนต์ ภาพวาดนี้เป็นการแสดงออกถึงนวัตกรรมของวิธีการทาสีที่เกิดขึ้นใหม่อย่างแท้จริง และถูกเรียกว่า "พระอาทิตย์ขึ้นในเลออาฟวร์" ผู้รวบรวมแคตตาล็อกภาพวาดสำหรับนิทรรศการครั้งหนึ่งแนะนำว่าศิลปินเรียกมันว่าอย่างอื่นและโมเนต์ขีดฆ่า "ในเลออาฟวร์" ใส่ "ความประทับใจ" และหลายปีหลังจากการปรากฏตัวของผลงานของเขา พวกเขาเขียนว่าโมเนต์ "เผยให้เห็นชีวิตที่ไม่มีใครสามารถเข้าใจได้ก่อนหน้าเขา ซึ่งไม่มีใครรู้ด้วยซ้ำ" ในภาพวาดของโมเนต์ พวกเขาเริ่มสังเกตเห็นจิตวิญญาณอันน่าสยดสยองของการกำเนิดของยุคใหม่ ดังนั้น "ลัทธิอนุกรมนิยม" จึงปรากฏในงานของเขาในฐานะปรากฏการณ์ใหม่ของการวาดภาพ และเธอมุ่งความสนใจไปที่ปัญหาของเวลา ตามที่ระบุไว้ภาพวาดของศิลปินได้แย่ง "เฟรม" หนึ่งเดียวจากชีวิตด้วยความไม่สมบูรณ์และไม่สมบูรณ์ทั้งหมด และนี่เป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาซีรีส์โดยแทนที่กันตามลำดับ นอกจากอาสนวิหารรูอ็องแล้ว โมเนต์ยังสร้างผลงานชุด Gare Saint-Lazare ซึ่งภาพวาดเหล่านี้เชื่อมโยงถึงกันและเสริมซึ่งกันและกัน อย่างไรก็ตาม มันเป็นไปไม่ได้ที่จะรวม "กรอบ" ของชีวิตให้เป็นเทปเดียวของความประทับใจในการวาดภาพ นี่กลายเป็นหน้าที่ของภาพยนตร์ นักประวัติศาสตร์ภาพยนตร์เชื่อว่าสาเหตุของการเกิดขึ้นและการเผยแพร่อย่างกว้างขวางไม่เพียงแต่การค้นพบทางเทคนิคเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความต้องการทางศิลปะอย่างเร่งด่วนสำหรับภาพเคลื่อนไหวด้วย และภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์โดยเฉพาะโมเนต์ก็กลายเป็นอาการของความต้องการนี้ เป็นที่ทราบกันดีว่าหนึ่งในพล็อตของการแสดงภาพยนตร์เรื่องแรกในประวัติศาสตร์ที่จัดโดยพี่น้อง Lumière ในปี 1895 คือ "การมาถึงของรถไฟ" รถจักรไอน้ำ สถานี และรางรถไฟเป็นหัวข้อหนึ่งในชุดภาพวาดเจ็ดภาพ "แกร์แซงต์-ลาซาร์" โดยโมเนต์ ซึ่งจัดแสดงในปี พ.ศ. 2420
ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ที่โดดเด่นคือ O. Renoir ผลงานของเขา (“ดอกไม้”, “ชายหนุ่มเดินเล่นกับสุนัขในป่าฟงแตนโบล”, “แจกันดอกไม้”, “อาบน้ำในแม่น้ำแซน”, “ลิซ่ากับร่ม”, “ผู้หญิงในเรือ”, “ผู้ขับขี่” ใน Bois de Boulogne” , “ The Ball ที่ Le Moulin de la Galette”, “ Portrait of Jeanne Samary” และอื่น ๆ อีกมากมาย) คำพูดของศิลปินชาวฝรั่งเศส E. Delacroix“ คุณธรรมข้อแรกของทุกภาพ” นั้นค่อนข้างใช้ได้- เพื่อเป็นการเฉลิมฉลอง สำหรับดวงตา” ชื่อเรอนัวร์- คำพ้องความหมายสำหรับความงามและความเยาว์วัย ช่วงเวลาของชีวิตมนุษย์ที่ความสดชื่นของจิตใจและความเจริญรุ่งเรืองของความแข็งแกร่งทางกายภาพสอดคล้องกันอย่างสมบูรณ์ การใช้ชีวิตในยุคแห่งความขัดแย้งทางสังคมที่รุนแรง เขาทิ้งพวกเขาไว้นอกกรอบภาพโดยมุ่งความสนใจไปที่ ตื่นรู้ถึงด้านที่สวยงามและสดใสของการดำรงอยู่ของมนุษย์ และในตำแหน่งนี้เขาไม่ได้อยู่คนเดียวในหมู่ศิลปิน สองร้อยปีก่อนเขา Peter Paul Rubens ศิลปินชาวเฟลมิชผู้ยิ่งใหญ่ได้วาดภาพหลักการอันยิ่งใหญ่ที่ยืนยันชีวิต (“Perseus และ Andromeda”) ภาพดังกล่าวทำให้บุคคลมีความหวัง ทุกคนมีสิทธิที่จะมีความสุขและความหมายหลักของงานศิลปะของเรอนัวร์ก็คือภาพแต่ละภาพของเขายืนยันการขัดขืนไม่ได้ของสิทธินี้
ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 โพสต์อิมเพรสชันนิสม์ปรากฏในภาพวาดของยุโรป ตัวแทนของมัน- ป. เซซาน (1839 – 1906), V. แวนโก๊ะ (1853 – 1890), พี. โกแกง (พ.ศ. 2391 - 2446) รับมาจาก อิมเพรสชั่นนิสต์ความบริสุทธิ์ของสี เรากำลังค้นหา หลักการดำรงอยู่อย่างต่อเนื่อง วิธีการทั่วไปในการวาดภาพ แง่มุมเชิงปรัชญาและเชิงสัญลักษณ์ของความคิดสร้างสรรค์ ภาพวาดของเซซาน– ได้แก่ ภาพบุคคล (“ผู้สูบบุหรี่”) ทิวทัศน์ (“ธนาคารแห่ง Marne”) ภาพหุ่นนิ่ง (“ภาพหุ่นนิ่งกับตะกร้าผลไม้”)
ภาพวาดของแวนโก๊ะ- "กระท่อม", "หลังสายฝน", "ทางเดินของนักโทษ"
Gauguin มีคุณลักษณะของโลกทัศน์แนวโรแมนติก ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิตเขาหลงใหลในชีวิตของชนเผ่าโพลินีเซียนซึ่งในความเห็นของเขายังคงรักษาความบริสุทธิ์และความสมบูรณ์ดั้งเดิมไว้เขาจึงออกเดินทางไปยังหมู่เกาะโพลินีเซียที่ซึ่งเขาสร้างภาพวาดหลายภาพซึ่งมีพื้นฐานคือ การปฏิรูปรูปแบบความปรารถนาที่จะใกล้ชิดกับประเพณีทางศิลปะของชาวพื้นเมือง (“ ผู้หญิงถือผลไม้ ”, "Tahitian Pastoral", "Wonderful Spring")
ประติมากรที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 19 คือ O. Rodin (1840– พ.ศ. 2460) ซึ่งมารวมกันในงานของเขา ความประทับใจแนวโรแมนติกและการแสดงออกด้วย เหมือนจริงการค้นหา ความมีชีวิตชีวาของภาพ ละคร การแสดงออกของชีวิตภายในที่เข้มข้น ท่าทางที่ดำเนินไปตามเวลาและอวกาศ (คืออะไร ไม่สามารถจัดรูปปั้นนี้ให้เป็นดนตรีและบัลเล่ต์ได้) โดยจะจับความไม่มั่นคงในขณะนั้น- ทั้งหมดนี้ร่วมกันสร้างภาพลักษณ์ที่โรแมนติกและสมบูรณ์แบบ ความประทับใจวิสัยทัศน์ . ความปรารถนาที่จะสรุปปรัชญาเชิงลึก (“Bronze Age”, “ พลเมืองแห่งกาเลส์" ประติมากรรมที่อุทิศให้กับวีรบุรุษแห่งสงครามร้อยปีผู้เสียสละตัวเองเพื่อปกป้องเมืองที่ถูกปิดล้อม ทำงานให้กับ "ประตูนรก" รวมถึง "นักคิด") และความปรารถนาที่จะแสดงช่วงเวลาแห่งความสมบูรณ์ ความงามและความสุข ("Eternal Spring", "Pas de -de")– คุณสมบัติหลักของผลงานของศิลปินคนนี้
17.3.2 จิตรกรรมภาษาอังกฤษ วิจิตรศิลป์ของอังกฤษในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19- นี่คือการวาดภาพทิวทัศน์ที่สดใส ตัวแทนซึ่งเป็นเจ ตำรวจ (พ.ศ. 2319 – 2380) บรรพบุรุษชาวอังกฤษ อิมเพรสชั่นนิสต์(“รถเข็นหญ้าแห้งข้ามฟอร์ด” และ “ทุ่งไรย์”) และ U. เทิร์นเนอร์ (1775 – 1851) ซึ่งมีภาพวาดเช่น Rain, Steam และ Speed "ซากเรืออัปปาง"โดดเด่นด้วยความหลงใหลในภูตผีหลากสีสัน
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ F. M. Brown ได้สร้างผลงานของเขา (1821– พ.ศ. 2436 (ค.ศ. 1893) ซึ่งได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็น “โฮลเบียนแห่งศตวรรษที่ 19” บราวน์เป็นที่รู้จักจากผลงานทางประวัติศาสตร์ของเขา (ชอเซอร์ที่ราชสำนักเอ็ดเวิร์ดที่ 3 และเลียร์และคอร์เดเลีย) รวมถึงภาพวาดการแสดงของเขา ธีมประจำวันแบบดั้งเดิม (“Last Look at England”, “Labor”)
สมาคมสร้างสรรค์ “Pre-Raphaelite Brotherhood” (“Pre-Raphaelite”) เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2391 แม้ว่าแกนกลางที่รวมเป็นหนึ่งคือความหลงใหลในผลงานของศิลปินในยุคเรอเนซองส์ตอนต้น (ก่อนราฟาเอล) สมาชิกแต่ละคนของกลุ่มภราดรภาพนี้มีธีมของตัวเอง และลัทธิทางศิลปะของตัวเอง นักทฤษฎีเรื่องภราดรภาพคือนักวิทยาศาสตร์วัฒนธรรมชาวอังกฤษและผู้เชี่ยวชาญด้านความงาม เจ. รัสกิน ซึ่งสรุปแนวคิดเรื่องแนวโรแมนติกที่เกี่ยวข้องกับสภาพของอังกฤษในช่วงกลางศตวรรษ
รัสกินเชื่อมโยงศิลปะในงานของเขากับวัฒนธรรมระดับทั่วไปของประเทศโดยมองเห็นการแสดงออกของปัจจัยทางศีลธรรมเศรษฐกิจและสังคมในงานศิลปะพยายามที่จะโน้มน้าวใจชาวอังกฤษว่าข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับความงามคือความสุภาพเรียบร้อยความยุติธรรมความซื่อสัตย์ความบริสุทธิ์และไม่โอ้อวด .
กลุ่มพรีราฟาเอลสร้างสรรค์ภาพวาดเกี่ยวกับศาสนาและวรรณกรรม ออกแบบหนังสืออย่างมีศิลปะและพัฒนางานศิลปะการตกแต่ง และพยายามรื้อฟื้นหลักการของงานฝีมือในยุคกลาง เข้าใจกระแสอันตรายของมัณฑนศิลป์- การลดความเป็นตัวตนโดยการผลิตเครื่องจักร ศิลปินชาวอังกฤษ กวี และบุคคลสาธารณะ W. มอร์ริส (พ.ศ. 2377 – พ.ศ. 2439) จัดเวิร์คช็อปทางศิลปะและอุตสาหกรรมสำหรับการผลิตสิ่งทอ ผ้า กระจกสี และของใช้ในครัวเรือนอื่น ๆ ซึ่งเป็นภาพวาดที่ใช้ สร้างเสร็จโดยตัวเขาเองและศิลปินยุคก่อนราฟาเอล
17.3.3 จิตรกรรมสเปน โกยา - ผลงานของฟรานซิสโก โกยา (ค.ศ. 1746)– พ.ศ. 2371) เป็นของสองศตวรรษ – XVIII และ XIX มันมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการก่อตัวของแนวโรแมนติกแบบยุโรป สร้างสรรค์เรา ชีวิตของศิลปินนั้นอุดมสมบูรณ์และหลากหลาย: ภาพวาด ภาพบุคคล กราฟิก จิตรกรรมฝาผนัง งานแกะสลัก งานแกะสลัก
Goya ใช้ธีมที่เป็นประชาธิปไตยมากที่สุด (โจร, คนลักลอบขนของ, ขอทาน, ผู้เข้าร่วมในการต่อสู้บนท้องถนนและเกม- ตัวละครในภาพวาดของเขา) ได้รับเมื่อ พ.ศ.2332 ชื่อเรื่อง ปรีดี ศิลปินปากเปล่า Goya แสดงภาพบุคคลจำนวนมาก: กษัตริย์, ราชินี, ข้าราชบริพาร (“ครอบครัวของ King Charles IV”) สุขภาพที่ย่ำแย่ของศิลปินทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในธีมงานของเขา ดังนั้นภาพวาดที่โดดเด่นด้วยจินตนาการที่สนุกสนานและแปลกประหลาด ("Carnival", "The Game of Blind Man's Bluff") จึงถูกแทนที่ด้วยผืนผ้าใบที่เต็มไปด้วยโศกนาฏกรรม ("Inquisition Tribunal", "Madhouse") และตามมาด้วยการแกะสลัก "Capriccios" 80 ชิ้นซึ่งศิลปินทำงานมานานกว่าห้าปี ความหมายของหลายความหมายยังไม่ชัดเจนจนถึงทุกวันนี้ ในขณะที่ความหมายอื่นๆ ถูกตีความตามข้อกำหนดทางอุดมการณ์ในยุคนั้น
การใช้ภาษาเชิงสัญลักษณ์และเชิงเปรียบเทียบ Goya วาดภาพที่น่าสะพรึงกลัวของประเทศในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ: ความไม่รู้ ความเชื่อทางไสยศาสตร์ ความใจแคบของผู้คน ความรุนแรง ความคลุมเครือ ความชั่วร้าย การแกะสลัก “การหลับใหลของเหตุผลทำให้เกิดสัตว์ประหลาด”– สัตว์ประหลาดที่น่ากลัวล้อมรอบคนนอนหลับ ค้างคาว นกฮูก และวิญญาณชั่วร้ายอื่น ๆ ศิลปินเองก็ให้คำอธิบายเกี่ยวกับผลงานของเขาดังนี้: “เชื่อมั่นว่าคำวิจารณ์นั้น มนุษย์ความชั่วร้ายและความเข้าใจผิด, แม้ว่าและดูเหมือนว่าสาขาการปราศรัยและกวีนิพนธ์อาจเป็นหัวข้อของคำอธิบายที่มีชีวิต ศิลปินเลือกสำหรับงานของเขาจากความฟุ่มเฟือยและความไร้สาระมากมายที่มีอยู่ในภาคประชาสังคมใด ๆ เช่นเดียวกับจากอคติและความเชื่อทางไสยศาสตร์ทั่วไปที่ทำให้ถูกต้องตามกฎหมายโดยประเพณี ความไม่รู้ หรือตนเอง -ดอกเบี้ย สิ่งที่เขาคิดว่าเหมาะสมอย่างยิ่งสำหรับการเยาะเย้ยและในขณะเดียวกันก็เพื่อใช้จินตนาการ”
17.3.4 ทันสมัย – สุดท้าย สไตล์ ยุโรป จิตรกรรม สิบเก้า วี . ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดที่สร้างขึ้นในภาพวาดยุโรปของศตวรรษที่ 19 ในสไตล์อาร์ตนูโวมีผลงานของศิลปินชาวอังกฤษ O. Beardsley (1872)– 1898). เขาภาพประกอบงานเกี่ยวกับ. ไวลด์ (“ซาโลเม”), สร้างสง่างามกราฟิกแฟนตาซี, หลงเสน่ห์ทั้งหมดรุ่นชาวยุโรป. เท่านั้นสีดำและสีขาวคือเครื่องมือเช่นเกี่ยวกับแรงงาน: กระดาษขาวหนึ่งแผ่นและขวดหมึกสีดำหนึ่งขวด และเทคนิคที่คล้ายกับลูกไม้ที่ดีที่สุด (“The Secret Rose Garden”, 1895) ภาพประกอบของ Beardsley ได้รับอิทธิพลจากภาพพิมพ์ของญี่ปุ่นและศิลปะโรโคโคแบบฝรั่งเศส รวมถึงลักษณะการตกแต่งแบบอาร์ตนูโว
สไตล์อาร์ตนูโวซึ่งเกิดขึ้นราวปี พ.ศ. 2433– 1910 ใช่., ลักษณะความพร้อมใช้งานคดเคี้ยวเส้น, ชวนให้นึกถึงหยิกผม, เก๋ดอกไม้และพืช, ภาษาเปลวไฟ. สไตล์นี้เคยเป็นกว้างทั่วไปและวีจิตรกรรมและวีสถาปัตยกรรม. นี้ภาพประกอบชาวอังกฤษบายrdsley โปสเตอร์และละครโดย A. Mucha ของเช็ก ภาพวาดโดย G. Klimt ชาวออสเตรีย โคมไฟและผลิตภัณฑ์โลหะโดย Tiffany สถาปัตยกรรมโดย A. Gaudi ชาวสเปน
อีกหนึ่งปรากฏการณ์ที่โดดเด่นของความทันสมัยแบบ fin-de-siècle– ภาษานอร์เวย์ศิลปินอี. แทะเล็ม (1863 – 1944). มีชื่อเสียงจิตรกรรมแทะเล็ม« กรีดร้อง (1893)– คอมโพสิตส่วนหนึ่งของเขาพื้นฐานวงจร"ผ้าสักหลาดชีวิต", ข้างบนที่ศิลปินได้ทำงานยาวปี. ต่อมางาน"กรีดร้อง"แทะเล็มซ้ำแล้วซ้ำเล่าวีภาพพิมพ์หิน. จิตรกรรม"กรีดร้อง"ส่งสถานะสุดขีดทางอารมณ์แรงดันไฟฟ้าบุคคล, เธอโอลิทสร้างความสิ้นหวังให้กับคนเหงาและเสียงร้องขอความช่วยเหลือที่ไม่มีใครสามารถให้ได้
ศิลปินที่ใหญ่ที่สุดในฟินแลนด์ A. Galen-Kallela (2408)– 1931) วีสไตล์ทันสมัยภาพประกอบมหากาพย์"กาเลวาลา". บนภาษาเชิงประจักษ์ความเป็นจริงมันเป็นสิ่งต้องห้ามบอกเกี่ยวกับชายชราในตำนาน– ช่างตีเหล็กอิลมาริเนน, ที่ปลอมแปลงท้องฟ้า, รวมกันนภา, ใส่กุญแจมือจากไฟนกอินทรี; โอมารดาเลมมินไกเนน, ฟื้นคืนชีพของเขาเสียชีวิตลูกชาย; โอนักร้องไวแนเมอเนเนอ, ที่"ฮัมเพลงทองต้นคริสต์มาส", กัลเลล- คาเลล่าจัดการส่งมอบนาร์พลังหนึ่งของอักษรรูน Karelian โบราณในภาษาแห่งความทันสมัย
การเคลื่อนไหวทางศิลปะที่หลากหลายในศตวรรษที่ 19 เป็นผลมาจากกระบวนการปรับปรุงให้ทันสมัย ชีวิตทางศิลปะของสังคมในปัจจุบันไม่เพียงแต่ถูกกำหนดโดยคำสั่งของคริสตจักรและแฟชั่นของแวดวงศาลเท่านั้น การเปลี่ยนแปลงโครงสร้างทางสังคมทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในการรับรู้ศิลปะในสังคม: ชนชั้นทางสังคมใหม่ของผู้มั่งคั่งและมีการศึกษากำลังเกิดขึ้น สามารถประเมินงานศิลปะได้อย่างอิสระ โดยมุ่งเน้นเฉพาะความต้องการด้านรสนิยมเท่านั้น ในศตวรรษที่ 19 วัฒนธรรมมวลชนเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง หนังสือพิมพ์และนิตยสารซึ่งตีพิมพ์นวนิยายเรื่องยาวที่มีโครงเรื่องสนุกสนานจากฉบับหนึ่งไปอีกฉบับหนึ่ง ได้กลายเป็นต้นแบบของซีรีส์ทางโทรทัศน์ในศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20
ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 การพัฒนาเมืองในระดับที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนได้เกิดขึ้นในยุโรป เมืองหลวงส่วนใหญ่ของยุโรป - ปารีส, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, เบอร์ลิน - มีรูปลักษณ์ที่มีลักษณะเฉพาะ บทบาทของอาคารสาธารณะในกลุ่มสถาปัตยกรรมเพิ่มขึ้น สัญลักษณ์ของปารีสคือหอไอเฟลอันโด่งดังซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2432 เพื่อเป็นการเปิดนิทรรศการโลก หอไอเฟลแสดงให้เห็นถึงความสามารถทางเทคนิคของวัสดุใหม่ - โลหะ อย่างไรก็ตาม การแก้ปัญหาเชิงศิลปะดั้งเดิมไม่ได้รับการยอมรับในทันที พวกเขาเรียกร้องให้ทำลายหอคอยและถูกเรียกว่าเป็นสิ่งมหึมา
นีโอคลาสสิกในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ประสบกับความรุ่งเรืองในช่วงปลายจนได้รับชื่อจักรวรรดิ (จาก "จักรวรรดิฝรั่งเศส") รูปแบบนี้แสดงถึงความยิ่งใหญ่ของจักรวรรดิที่นโปเลียนสร้างขึ้น ในช่วงกลางศตวรรษ ปัญหาหลักของสถาปัตยกรรมยุโรปคือการค้นหาสไตล์ อันเป็นผลมาจากความหลงใหลในความโรแมนติกในสมัยโบราณปรมาจารย์หลายคนพยายามที่จะรื้อฟื้นประเพณีทางสถาปัตยกรรมในอดีต - นี่คือวิธีที่นีโอโกธิค, นีโอเรเนสซองส์และนีโอบาร็อคเกิดขึ้น ความพยายามของสถาปนิกมักนำไปสู่การผสมผสาน - การผสมผสานเชิงกลขององค์ประกอบในสไตล์ที่แตกต่างกันทั้งเก่าและใหม่
ในชีวิตศิลปะในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 แนวโรแมนติกมีชัยซึ่งสะท้อนถึงความผิดหวังในอุดมการณ์ของการตรัสรู้ ยวนใจกลายเป็นโลกทัศน์และวิถีชีวิตที่พิเศษ อุดมคติโรแมนติกของบุคคลที่สังคมไม่เข้าใจเป็นตัวกำหนดพฤติกรรมของชั้นบน ยวนใจนั้นโดดเด่นด้วยการต่อต้านของสองโลก: ความจริงและจินตนาการ ความเป็นจริงที่แท้จริงถูกมองว่าไม่มีจิตวิญญาณ ไร้มนุษยธรรม ไม่คู่ควรกับมนุษย์ และต่อต้านเขา “ร้อยแก้วแห่งชีวิต” ในโลกแห่งความเป็นจริงนั้นตรงกันข้ามกับโลกแห่ง “ความเป็นจริงเชิงกวี” โลกแห่งอุดมคติ ความฝัน และความหวัง เมื่อมองเห็นโลกแห่งความชั่วร้ายในความเป็นจริงร่วมสมัย แนวโรแมนติกพยายามหาทางออกให้กับมนุษย์ ทางออกนี้เป็นการออกจากสังคมไปในรูปแบบต่างๆ กัน: ฮีโร่เข้าสู่โลกภายในของเขาเอง เกินขอบเขตของอวกาศจริง และไปสู่อีกเวลาหนึ่ง ยวนใจเริ่มทำให้อดีตกลายเป็นอุดมคติ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในยุคกลาง โดยมองเห็นความเป็นจริง วัฒนธรรม และคุณค่าของมัน
หัวหน้าแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสในการวาดภาพถูกกำหนดให้เป็น Eugene Delacroix (พ.ศ. 2341-2406) จินตนาการที่ไม่สิ้นสุดของศิลปินคนนี้สร้างโลกทั้งใบของภาพที่ยังคงมีชีวิตอยู่บนผืนผ้าใบด้วยชีวิตที่เข้มข้น เต็มไปด้วยการต่อสู้ดิ้นรนและความหลงใหล เดลาครัวซ์มักวาดลวดลายจากผลงานของวิลเลียม เชคสเปียร์, โยฮันน์ โวล์ฟกัง เกอเธ่, จอร์จ ไบรอน, วอลเตอร์ สก็อตต์ และหันไปหาเหตุการณ์ของการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่และตอนอื่น ๆ ของประวัติศาสตร์ชาติ (“การต่อสู้ที่ปัวติเยร์”) Delacroix ถ่ายภาพผู้คนทางตะวันออกได้จำนวนมาก โดยส่วนใหญ่เป็นชาวแอลจีเรียและชาวโมร็อกโก ซึ่งเขาได้เห็นระหว่างการเดินทางไปแอฟริกา ในงานของเขาเรื่อง "The Massacre on the Island of Chios" (1824) เดลาครัวซ์สะท้อนให้เห็นถึงการต่อสู้ของชาวกรีกกับการปกครองของตุรกี ซึ่งในขณะนั้นสร้างความกังวลให้กับทั่วทั้งยุโรป ศิลปินเปรียบเทียบกลุ่มชาวกรีกที่ถูกคุมขังในเบื้องหน้าของภาพกับผู้หญิงที่โศกเศร้าด้วยความโศกเศร้าและเด็กคลานไปที่หน้าอกของแม่ที่เสียชีวิตพร้อมกับกองกำลังลงโทษที่หยิ่งผยองและโหดร้าย เมืองที่ลุกไหม้และถูกทำลายมองเห็นได้ในระยะไกล ภาพนี้สร้างความประหลาดใจให้กับผู้ร่วมสมัยด้วยพลังอันน่าทึ่งของความทุกข์ทรมานของมนุษย์และการระบายสีที่หนาและมีเสียงดังผิดปกติ
เหตุการณ์การปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1830 ซึ่งจบลงด้วยความพ่ายแพ้ของการปฏิวัติและการฟื้นฟูสถาบันกษัตริย์เป็นแรงบันดาลใจให้เดลาครัวซ์สร้างภาพวาดชื่อดังเรื่อง "Liberty on the Barricades" (1830) ผู้หญิงที่ชูธงไตรรงค์ของสาธารณรัฐฝรั่งเศสแสดงถึงอิสรภาพ ภาพลักษณ์ของอิสรภาพบนเครื่องกีดขวางคือการแสดงตัวตนของการต่อสู้
ตัวแทนที่มีชื่อเสียงระดับโลกของแนวโรแมนติกคือศิลปินชาวสเปน Francisco Goya (1746–1828) Goya พัฒนาเป็นศิลปินหลักค่อนข้างช้า ความสำเร็จครั้งสำคัญครั้งแรกของเขาเกิดขึ้นจากผลงานผ้าทอจำนวนมากสองชุด (พ.ศ. 2319-2334) ที่สร้างขึ้นสำหรับโรงงานหลวงซานตาบาร์บาร่าในกรุงมาดริด (“The Umbrella”, “The Blind Guitar Player”, “The Crockery Seller”, “The เกมหน้าผาของคนตาบอด”, “งานแต่งงาน”) ในยุค 90 ในศตวรรษที่ 18 ในงานของ Goya ลักษณะของโศกนาฏกรรมและความเกลียดชังต่อสเปนในระบบศักดินา - เสมียนของ "ระเบียบเก่า" ได้เติบโตขึ้น Goya เผยให้เห็นความอัปลักษณ์ของรากฐานทางศีลธรรม จิตวิญญาณ และการเมืองในรูปแบบที่น่าสลดใจและน่าสลดใจ โดยอาศัยต้นกำเนิดของคติชนในการแกะสลักชุดใหญ่ "Caprichos" (80 แผ่นพร้อมความคิดเห็นของศิลปิน); ความแปลกใหม่ที่กล้าหาญของภาษาศิลปะ การแสดงออกที่เฉียบคมของเส้นและลายเส้น ความแตกต่างของแสงและเงา การผสมผสานระหว่างความแปลกประหลาดและความเป็นจริง ชาดกและแฟนตาซี การเสียดสีทางสังคมและการวิเคราะห์ความเป็นจริงอย่างมีสติเปิดแนวทางใหม่ในการพัฒนางานแกะสลักของยุโรป ในช่วงทศวรรษที่ 1790 - ต้นทศวรรษที่ 1800 การวาดภาพบุคคลของ Goya ออกดอกอย่างโดดเด่นซึ่งมีความรู้สึกโดดเดี่ยวที่น่าตกใจ (ภาพเหมือนของ Senora Bermudez) การเผชิญหน้าอย่างกล้าหาญและการท้าทายต่อสิ่งแวดล้อม (ภาพเหมือนของ F. Guillemardet) กลิ่นของความลึกลับและราคะที่ซ่อนเร้น (มาจาแต่งตัว " และ "มาฆะเปลือย"). ด้วยพลังอันน่าทึ่งของการเปิดเผย ศิลปินได้บันทึกภาพความเย่อหยิ่ง ความเลวร้ายทางร่างกายและจิตวิญญาณของราชวงศ์ไว้ในภาพเหมือนกลุ่ม “The Family of Charles IV” ภาพวาดขนาดใหญ่ของ Goya ที่อุทิศให้กับการต่อสู้กับการแทรกแซงของฝรั่งเศส ("การจลาจลเมื่อวันที่ 2 พฤษภาคม พ.ศ. 2351 ในกรุงมาดริด" "การประหารชีวิตกลุ่มกบฏในคืนวันที่ 3 พฤษภาคม พ.ศ. 2351") และชุดภาพแกะสลัก "ภัยพิบัติแห่งสงคราม" ซึ่ง เข้าใจชะตากรรมของผู้คนในเชิงปรัชญาตื้นตันใจกับลัทธิประวัติศาสตร์อันลึกซึ้งและการประท้วงอย่างกระตือรือร้น 82 แผ่น, 1810–1820)
ฟรานซิสโก โกยา “Caprichos”
หากในวรรณคดีความเป็นอัตวิสัยของการรับรู้ของศิลปินเผยให้เห็นถึงสัญลักษณ์ดังนั้นในการวาดภาพการค้นพบที่คล้ายกันนั้นเกิดขึ้นจากอิมเพรสชั่นนิสม์ อิมเพรสชันนิสม์ (จากความประทับใจของฝรั่งเศส - ความประทับใจ) เป็นความเคลื่อนไหวในการวาดภาพยุโรปที่มีต้นกำเนิดในประเทศฝรั่งเศสในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 อิมเพรสชั่นนิสต์หลีกเลี่ยงรายละเอียดใดๆ ในภาพวาดและพยายามจับภาพความประทับใจทั่วไปของสิ่งที่ตามองเห็นในช่วงเวลาใดเวลาหนึ่ง พวกเขาบรรลุผลนี้โดยใช้สีและพื้นผิว แนวคิดทางศิลปะของอิมเพรสชันนิสม์สร้างขึ้นจากความปรารถนาที่จะจับภาพโลกรอบตัวเราด้วยความแปรปรวนอย่างเป็นธรรมชาติและเป็นธรรมชาติ เพื่อถ่ายทอดความประทับใจที่เกิดขึ้นชั่วขณะของเรา ศิลปินของโรงเรียน Barbizon ได้เตรียมพื้นที่อันอุดมสมบูรณ์สำหรับการพัฒนาอิมเพรสชั่นนิสม์: พวกเขาเป็นคนแรกที่วาดภาพร่างจากชีวิต หลักการของ "การวาดภาพสิ่งที่คุณเห็นในแสงและอากาศ" เป็นพื้นฐานของการวาดภาพกลางแจ้งของอิมเพรสชั่นนิสต์
ในช่วงทศวรรษที่ 1860 ศิลปินรุ่นเยาว์ E. Manet, O. Renoir, E. Degas พยายามสูดดมความสดชื่นของการวาดภาพฝรั่งเศสและความเป็นธรรมชาติของการสังเกตชีวิตการพรรณนาถึงสถานการณ์ในทันทีความไม่มั่นคงและความไม่สมดุลของรูปแบบและองค์ประกอบมุมและจุดที่ผิดปกติของ ดู . การทำงานกลางแจ้งช่วยสร้างความรู้สึกของหิมะที่ระยิบระยับบนผืนผ้าใบ สีสันที่เป็นธรรมชาติ การละลายของวัตถุในสภาพแวดล้อม การสั่นสะเทือนของแสงและอากาศ ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับความสัมพันธ์ของวัตถุกับสภาพแวดล้อม โดยศึกษาการเปลี่ยนแปลงของสีและโทนสีของวัตถุในสภาพแวดล้อมที่เปลี่ยนแปลง ต่างจากแนวโรแมนติกและสัจนิยม พวกเขาไม่มีแนวโน้มที่จะพรรณนาถึงอดีตทางประวัติศาสตร์อีกต่อไป พื้นที่ที่พวกเขาสนใจคือความทันสมัย ชีวิตของร้านกาแฟเล็กๆ ในปารีส ถนนที่มีเสียงดัง ริมฝั่งแม่น้ำแซนอันงดงาม สถานีรถไฟ สะพาน ความงดงามที่ไม่เด่นชัดของภูมิประเทศในชนบท ศิลปินไม่ต้องการแก้ไขปัญหาสังคมที่เร่งด่วนอีกต่อไป
ผลงานของ Edouard Manet (พ.ศ. 2375-2426) นำหน้าทิศทางใหม่ในการวาดภาพ - อิมเพรสชั่นนิสม์ แต่ศิลปินเองก็ไม่ได้เข้าร่วมการเคลื่อนไหวนี้แม้ว่าเขาจะเปลี่ยนสไตล์การสร้างสรรค์ไปบ้างภายใต้อิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสต์ก็ตาม Manet ได้ประกาศโครงการของเขาว่า “เพื่อใช้เวลาและพรรณนาสิ่งที่คุณเห็นตรงหน้า ค้นพบความงามที่แท้จริงและบทกวีในชีวิตประจำวัน” ในเวลาเดียวกันผลงานส่วนใหญ่ของ Manet ไม่มีการดำเนินการใด ๆ เลยแม้แต่น้อย ปารีสกลายเป็นประเด็นหลักในงานของ Manet อย่างต่อเนื่อง ไม่ว่าจะเป็นฝูงชนในเมือง ร้านกาแฟและโรงละคร ตลอดจนถนนในเมืองหลวง
Edouard Manet “บาร์ที่ Folies Bergere”
Edourd Manet “ดนตรีในตุยเลอรี”
ชื่อของอิมเพรสชันนิสม์มีต้นกำเนิดมาจากภูมิทัศน์ของ Claude Monet (1840-1926) “ความประทับใจ พระอาทิตย์ขึ้น".
ในงานของโมเนต์ องค์ประกอบของแสงได้รับความสำคัญเป็นลำดับต้นๆ ในช่วงทศวรรษที่ 70 ศตวรรษที่สิบเก้า ซึ่งรวมถึง "Boulevard des Capucines" ที่น่าทึ่ง ซึ่งลายเส้นพู่กันถูกโยนลงบนผืนผ้าใบสื่อถึงมุมมองของถนนที่พลุกพล่านถอยห่างออกไปในระยะไกล รถม้าที่วิ่งไปมาอย่างไม่สิ้นสุด และฝูงชนที่รื่นเริงร่าเริง เขาวาดภาพเขียนหลายชิ้นด้วยวัตถุสังเกตแบบเดียวกัน แต่มีแสงสว่างต่างกัน เช่น กองหญ้าในตอนเช้า เที่ยง ตอนเย็น พระจันทร์ ท่ามกลางสายฝน เป็นต้น
ความสำเร็จมากมายของอิมเพรสชั่นนิสต์เกี่ยวข้องกับผลงานของปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์ (พ.ศ. 2384-2462) ซึ่งลงไปในประวัติศาสตร์ศิลปะในฐานะ "จิตรกรแห่งความสุข" เขาสร้างโลกพิเศษของผู้หญิงและเด็กอันเงียบสงบในภาพวาดของเขา ธรรมชาติที่สนุกสนานและดอกไม้ที่สวยงาม เรอนัวร์วาดภาพทิวทัศน์ตลอดชีวิตของเขา แต่อาชีพของเขายังคงเป็นภาพของมนุษย์ เขาชอบวาดภาพประเภทต่างๆ โดยที่เขาได้จำลองความพลุกพล่านของถนนและถนนในปารีส ความเกียจคร้านของร้านกาแฟและโรงละคร ความมีชีวิตชีวาของการเดินเล่นในชนบท และการเฉลิมฉลองกลางแจ้ง ภาพวาดทั้งหมดนี้ซึ่งวาดในที่โล่งมีความโดดเด่นด้วยความดังของสี ภาพวาด “Moulin de la Galette” (ลูกบอลของประชาชนในสวนของห้องเต้นรำมงต์มาร์ต) เป็นผลงานชิ้นเอกของอิมเพรสชั่นนิสม์ของเรอนัวร์ ในนั้นเราสามารถมองเห็นจังหวะการเต้นรำที่มีชีวิตชีวา ใบหน้าที่อ่อนเยาว์ที่วูบวาบ ไม่มีการเคลื่อนไหวอย่างกะทันหันในองค์ประกอบภาพ และความรู้สึกของไดนามิกนั้นถูกสร้างขึ้นตามจังหวะของจุดสี การจัดระเบียบเชิงพื้นที่ของภาพวาดนั้นน่าสนใจ: เบื้องหน้าได้รับจากด้านบน ร่างที่นั่งไม่บดบังนักเต้น ภาพบุคคลจำนวนมากถูกครอบงำโดยเด็กและหญิงสาว ภาพบุคคลเหล่านี้เผยให้เห็นทักษะของเขา: "เด็กชายกับแมว", "หญิงสาวกับพัด"
Edgar Degas (พ.ศ. 2377 - 2460) ผู้เข้าร่วมอย่างแข็งขันในนิทรรศการทั้งหมดอยู่ห่างไกลจากหลักการทั้งหมดของอิมเพรสชั่นนิสต์: เขาเป็นฝ่ายตรงข้ามของ Plein Air ไม่ได้วาดภาพจากชีวิตและไม่ได้พยายามที่จะจับภาพตัวละครของรัฐต่างๆ ธรรมชาติ. สถานที่สำคัญในงานของเดกาส์ถูกครอบครองโดยภาพวาดหลายชุดที่แสดงภาพร่างของผู้หญิงที่เปลือยเปล่า ภาพวาดหลายชิ้นของเขาในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาอุทิศให้กับ “ผู้หญิงที่ห้องน้ำ” ในงานหลายชิ้น เดอกาส์แสดงให้เห็นถึงพฤติกรรมและรูปลักษณ์ภายนอกของผู้คนที่สร้างขึ้นโดยลักษณะเฉพาะของชีวิต เผยให้เห็นกลไกของท่าทางมืออาชีพ ท่าทาง การเคลื่อนไหวของบุคคล ความงามแบบพลาสติกของเขา (“ ผู้หญิงรีดผ้า”, “ ผู้หญิงซักผ้าด้วยผ้าลินิน” "). การยืนยันถึงความสำคัญทางสุนทรีย์ของชีวิตผู้คนและกิจกรรมในแต่ละวันของพวกเขา สะท้อนให้เห็นถึงความมีมนุษยธรรมอันเป็นเอกลักษณ์ของผลงานของ Degas ศิลปะของเดอกาส์มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการผสมผสานระหว่างความสวยงาม บางครั้งก็น่าอัศจรรย์ และความธรรมดา: ถ่ายทอดจิตวิญญาณแห่งการเฉลิมฉลองของโรงละครในฉากบัลเล่ต์หลายฉาก ("Ballet Star", "Ballet School", "Dancing Lesson")
Post-Impressionism ครอบคลุมช่วงเวลาตั้งแต่ปี 1886 ซึ่งเป็นช่วงที่มีการจัดนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ครั้งสุดท้าย ซึ่งมีการนำเสนอผลงานของ Neo-Impressionists เป็นครั้งแรก จนถึงทศวรรษที่ 1910 ซึ่งเป็นการประกาศการกำเนิดของศิลปะใหม่อย่างสมบูรณ์ในรูปแบบของ Cubism และ Fauvism คำว่า "โพสต์อิมเพรสชันนิสม์" ได้รับการแนะนำเป็นภาษาอังกฤษโดยนักวิจารณ์ชาวอังกฤษ Roger Fry ซึ่งแสดงถึงความประทับใจโดยทั่วไปต่อนิทรรศการศิลปะฝรั่งเศสสมัยใหม่ที่เขาจัดขึ้นในลอนดอนในปี 1910 ซึ่งนำเสนอผลงานของ Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cezanne และศิลปินอื่นๆ
นักโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งหลายคนเคยยึดติดกับอิมเพรสชันนิสม์มาก่อนเริ่มมองหาวิธีการแสดงออกไม่เพียงแต่ชั่วขณะและชั่วคราวเท่านั้น - ทุกขณะพวกเขาเริ่มเข้าใจสถานะระยะยาวของโลกโดยรอบ โพสต์อิมเพรสชันนิสม์มีลักษณะเฉพาะโดยระบบและเทคนิคการสร้างสรรค์ที่แตกต่างกันซึ่งมีอิทธิพลต่อการพัฒนางานศิลปะในเวลาต่อมา ผลงานของ Van Gogh คาดว่าจะมีการถือกำเนิดของ Expressionism ส่วน Gauguin ได้ปูทางไปสู่ Art Nouveau
Vincent Van Gogh (1853-1890) สร้างสรรค์ภาพศิลปะที่มีสีสันสดใสที่สุดผ่านการสังเคราะห์ (การผสมผสาน) ของการวาดภาพและการใช้สี เทคนิคของแวนโก๊ะคือจุด จุลภาค เส้นแนวตั้ง จุดทึบ ถนน เตียง และร่องของมันทอดยาวไปไกลมาก และพุ่มไม้ก็ไหม้อยู่บนพื้นเหมือนกองไฟ เขาพรรณนาถึงช่วงเวลาหนึ่งที่จับภาพไม่ได้ แต่เป็นช่วงเวลาต่อเนื่องกัน เขาไม่ได้บรรยายถึงผลกระทบที่ได้รับจากต้นไม้ที่โค้งงอตามสายลม แต่เป็นการเติบโตของต้นไม้จากพื้นดิน แวนโก๊ะรู้วิธีเปลี่ยนทุกสิ่งแบบสุ่มให้กลายเป็นจักรวาล จิตวิญญาณของแวนโก๊ะต้องการสีสันที่สดใส เขาบ่นกับพี่ชายอยู่ตลอดเวลาเกี่ยวกับความแข็งแกร่งที่ไม่เพียงพอของแม้แต่สีเหลืองสดใสที่เขาชื่นชอบ
Starry Night ไม่ใช่ความพยายามครั้งแรกของ Van Gogh ในการวาดภาพท้องฟ้ายามค่ำคืน ในปีพ.ศ. 2431 ที่เมืองอาร์ลส์ เขาได้วาดภาพ Starry Night เหนือแม่น้ำโรน แวนโก๊ะต้องการพรรณนาค่ำคืนที่เต็มไปด้วยดวงดาวเป็นตัวอย่างของพลังแห่งจินตนาการ ซึ่งสามารถสร้างธรรมชาติที่น่าทึ่งได้มากกว่าที่เรารับรู้เมื่อมองดูโลกแห่งความเป็นจริง
การรับรู้ถึงความเป็นจริงและความไม่มั่นคงทางจิตที่เพิ่มมากขึ้นทำให้ Van Gogh มีอาการป่วยทางจิต โกแกงมาอยู่ที่อาร์ลส์ แต่ความแตกต่างเชิงสร้างสรรค์ทำให้เกิดการทะเลาะกัน Van Gogh ขว้างแก้วใส่ศีรษะของศิลปิน จากนั้นหลังจากที่ Gauguin ประกาศความตั้งใจที่จะจากไป ก็รีบวิ่งเข้ามาหาเขาด้วยมีดโกน ด้วยความบ้าคลั่งในตอนเย็นของวันเดียวกัน ศิลปินจึงตัดหูของเขา (“ภาพเหมือนตนเองพร้อมผ้าพันหู”)
ผลงานของ Paul Gauguin (1848-1903) แยกออกจากชะตากรรมอันน่าเศร้าของเขาไม่ได้ สิ่งที่สำคัญที่สุดในแนวคิดโวหารของ Gauguin คือความเข้าใจเรื่องสีของเขา เกี่ยวกับ. ตาฮิติซึ่งศิลปินจากไปในปี พ.ศ. 2434 ภายใต้อิทธิพลของรูปแบบดั้งเดิมของศิลปะโพลีนีเซียน เขาวาดภาพเขียนที่โดดเด่นด้วยการตกแต่ง รูปทรงแบน และสีที่บริสุทธิ์เป็นพิเศษ ภาพวาด "แปลกใหม่" ของ Gauguin - "คุณอิจฉาหรือเปล่า", "เธอชื่อ Vairaumati", "ผู้หญิงถือผลไม้" - สะท้อนให้เห็นถึงคุณสมบัติตามธรรมชาติของวัตถุไม่มากเท่ากับสถานะทางอารมณ์ของศิลปินและความหมายเชิงสัญลักษณ์ของ ภาพที่เขาคิดขึ้น ลักษณะเฉพาะของสไตล์การวาดภาพของ Gauguin อยู่ที่การตกแต่งที่เด่นชัดความปรารถนาที่จะทาสีพื้นผิวขนาดใหญ่ของผืนผ้าใบด้วยสีเดียวและความรักในการตกแต่งซึ่งมีอยู่บนผ้าเสื้อผ้าพรมและพื้นหลังแนวนอน
Paul Gauguin “เมื่อไหร่จะแต่งงาน” “ผู้หญิงถือผลไม้”
ความสำเร็จทางวัฒนธรรมที่สำคัญที่สุดของศตวรรษที่ 19 คือการเกิดขึ้นของศิลปะการถ่ายภาพและการออกแบบ กล้องตัวแรกของโลกถูกสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2382 โดย Louis Jacques Mande Daguerre
ความพยายามในช่วงแรกๆ ของ Daguerre ในการสร้างกล้องที่ใช้งานได้ไม่ประสบผลสำเร็จ ในปี 1827 เขาได้พบกับ Joseph Niepce ผู้ซึ่งพยายาม (และประสบความสำเร็จเพิ่มขึ้นอีกเล็กน้อยในตอนนั้น) เช่นกันในการประดิษฐ์กล้อง สองปีต่อมาพวกเขาก็กลายเป็นหุ้นส่วนกัน Niépceเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2376 แต่ดาเกร์เรยังคงทำงานหนักต่อไป ในปี ค.ศ. 1837 ในที่สุดเขาก็สามารถพัฒนาระบบการถ่ายภาพที่ใช้งานได้จริงที่เรียกว่า daguerreotype ได้ภาพ (ดาแกรีไทป์) บนแผ่นเงินที่บำบัดด้วยไอโอดีน หลังจากสัมผัสเป็นเวลา 3-4 ชั่วโมง จานได้รับการพัฒนาในไอปรอทและตรึงด้วยสารละลายร้อนของเกลือแกงหรือไฮโปซัลไฟต์ Daguerreotypes มีความโดดเด่นด้วยคุณภาพของภาพที่สูงมาก แต่สามารถได้ภาพถ่ายเพียงภาพเดียวเท่านั้น
ในปี พ.ศ. 2382 Daguerre ตีพิมพ์สิ่งประดิษฐ์ของเขา แต่ไม่ได้ยื่นขอรับสิทธิบัตร เพื่อเป็นการตอบสนอง รัฐบาลฝรั่งเศสจึงมอบเงินบำนาญตลอดชีวิตให้เขาและพระราชโอรสของ Niepce การประกาศสิ่งประดิษฐ์ของ Daguerre ทำให้เกิดความรู้สึกที่ยิ่งใหญ่ Daguerre กลายเป็นฮีโร่ในยุคนั้น ชื่อเสียงตกอยู่กับเขา และวิธีการ daguerreotype ก็นำไปใช้ได้อย่างกว้างขวางอย่างรวดเร็ว
การพัฒนาการถ่ายภาพนำไปสู่การทบทวนหลักการทางศิลปะในด้านกราฟิก จิตรกรรม ประติมากรรม รวมไปถึงศิลปะและสารคดี ซึ่งไม่สามารถทำได้ในงานศิลปะรูปแบบอื่น พื้นฐานสำหรับการออกแบบนี้จัดขึ้นโดยนิทรรศการอุตสาหกรรมนานาชาติในลอนดอนเมื่อปี พ.ศ. 2393 การออกแบบดังกล่าวถือเป็นการสร้างสายสัมพันธ์ของศิลปะและเทคโนโลยีและเป็นจุดเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์รูปแบบใหม่
Louis Daguerre, Nicéphore Niepce และ Camera Obscura ของ Niepce
โจเซฟ นีเซโฟเร เนียปซ์. ภาพถ่ายแรกของโลกที่ถ่ายโดยใช้โลหะผสมของดีบุกและตะกั่ว ในปี 1826
ภาพถ่ายของ Daguerre “สตูดิโอของศิลปิน”, 1837
ในทศวรรษที่ 1870 นักประดิษฐ์สองคนคือ เอลีชา เกรย์ และอเล็กซานเดอร์ เกรแฮม เบลล์ พัฒนาอุปกรณ์อย่างอิสระที่สามารถส่งสัญญาณคำพูดผ่านไฟฟ้า ซึ่งต่อมาเรียกว่าโทรศัพท์ ทั้งสองได้ยื่นสิทธิบัตรของตนไปยังสำนักงานสิทธิบัตร โดยเวลาในการยื่นต่างกันเพียงไม่กี่ชั่วโมงเท่านั้น อย่างไรก็ตาม Alexander Graham Bell ได้รับสิทธิบัตรก่อน
โทรศัพท์และโทรเลขเป็นระบบไฟฟ้าที่ใช้สายไฟ ความสำเร็จของอเล็กซานเดอร์ เบลล์ หรือสิ่งประดิษฐ์ของเขานั้นค่อนข้างเป็นธรรมชาติ เนื่องจากเขาพยายามปรับปรุงโทรเลขด้วยการประดิษฐ์โทรศัพท์ เมื่อเบลล์เริ่มทดลองสัญญาณไฟฟ้า โทรเลขได้ถูกนำมาใช้เป็นวิธีการสื่อสารมาประมาณ 30 ปีแล้ว แม้ว่าเครื่องโทรเลขจะเป็นระบบที่ประสบความสำเร็จพอสมควรในการส่งข้อมูลโดยใช้รหัสมอร์ส โดยมีการแสดงตัวอักษรโดยใช้จุดและขีดกลาง อย่างไรก็ตาม ข้อเสียใหญ่ของโทรเลขก็คือข้อมูลถูกจำกัดให้รับและส่งข้อความครั้งละหนึ่งข้อความเท่านั้น
Alexander Bell พูดถึงโทรศัพท์รุ่นแรก
โทรศัพท์เครื่องแรกที่สร้างขึ้นโดยอเล็กซานเดอร์ เกรแฮม เบลล์ เป็นอุปกรณ์ที่ใช้ส่งเสียงคำพูดของมนุษย์โดยใช้ไฟฟ้า (พ.ศ. 2418) เมื่อวันที่ 2 มิถุนายน พ.ศ. 2418 อเล็กซานเดอร์ เกรแฮม เบลล์ ทดลองเทคนิคของเขาซึ่งเขาเรียกว่า "โทรเลขฮาร์มอนิก" ค้นพบว่าเขาได้ยินเสียงผ่านสายไฟ มันเป็นเสียงนาฬิกา
ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเบลล์เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 10 มีนาคม พ.ศ. 2419 เมื่อพูดโทรศัพท์กับผู้ช่วยของเขา โทมัส วัตสัน ซึ่งอยู่ในห้องถัดไป เบลล์ก็เอ่ยคำพูดที่ทุกคนรู้จักตอนนี้ว่า “มิสเตอร์.. วัตสัน - มานี่ - ฉันอยากเจอคุณ” (มิสเตอร์วัตสัน - มานี่ - ฉันอยากเจอคุณ) ในเวลานี้ ไม่เพียงแต่โทรศัพท์ถือกำเนิดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเครื่องโทรเลขหลายเครื่องที่เสียชีวิตด้วย ศักยภาพในการสื่อสารในการแสดงให้เห็นว่าไฟฟ้าสามารถพูดได้นั้นแตกต่างอย่างมากจากสิ่งที่โทรเลขซึ่งมีระบบจุดและขีดกลางสามารถให้ได้
แนวคิดเรื่องภาพยนตร์ปรากฏครั้งแรกในเวอร์ชันภาษาฝรั่งเศส - "ภาพยนตร์" ซึ่งแสดงถึงระบบการสร้างและฉายภาพยนตร์ที่พัฒนาโดยสองพี่น้อง Louis Jean และ Auguste Lumière ภาพยนตร์เรื่องแรกถ่ายทำโดยใช้กล้องถ่ายรูปโดยชาวฝรั่งเศส Louis Aimé Augustin Le Prinesy (พ.ศ. 2385-2433) ในเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2431 ในบริเตนใหญ่และประกอบด้วยสองส่วน: ในภาพแรก - 10-12 ภาพต่อวินาทีในวินาที - 20 ภาพต่อวินาที แต่มีการพิจารณาอย่างเป็นทางการว่าโรงภาพยนตร์มีต้นกำเนิดในวันที่ 28 ธันวาคม พ.ศ. 2438 ในวันนี้ ในร้านทำผมสไตล์อินเดีย “Grand Café” บนถนน Boulevard des Capucines (ปารีส ประเทศฝรั่งเศส) มีการฉายภาพยนตร์เรื่อง “The Cinematograph of the Lumière Brothers” ต่อสาธารณะ ในปีพ.ศ. 2439 พี่น้องทั้งสองได้ออกทัวร์รอบโลกพร้อมกับสิ่งประดิษฐ์ของพวกเขา โดยไปเยือนลอนดอน นิวยอร์ก และบอมเบย์
Louis Jean Lumiere สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนอุตสาหกรรม เป็นช่างภาพ และทำงานในโรงงานวัสดุถ่ายภาพที่พ่อของเขาเป็นเจ้าของ ในปี พ.ศ. 2438 Lumière ได้ประดิษฐ์กล้องถ่ายภาพยนตร์สำหรับถ่ายทำและฉาย “ภาพถ่ายเคลื่อนไหว” น้องชายของเขา Auguste Lumière มีส่วนร่วมในงานของเขาในการประดิษฐ์ภาพยนตร์ อุปกรณ์ดังกล่าวได้รับการจดสิทธิบัตรและเรียกว่าภาพยนตร์ โปรแกรมภาพยนตร์เรื่องแรกของ Lumiere แสดงฉากที่ถ่ายทำในสถานที่: “Workers Exit from the Lumiere Factory” “Arrival of a Train” “Child’s Breakfast” “Waterer” และอื่นๆ สิ่งที่น่าสนใจคือคำว่า lumiere แปลว่า "แสง" ในภาษาฝรั่งเศส บางทีนี่อาจเป็นอุบัติเหตุหรือบางทีชะตากรรมของผู้สร้างภาพยนตร์อาจถูกตัดสินล่วงหน้า
Oleg คุณมีมุมมองของตัวเองและต้องการยัดเยียดมันให้ฉัน เข้าใจว่าฉันมีประวัติศาสตร์รัสเซียที่ได้รับการฟื้นฟูซึ่งถูกกองทัพโซเวียตยึดครอง และไม่ควรตรงกับเวอร์ชันของผู้ยึดครองโซเวียต หากเพื่อนของคุณบินเหมือนไม้อัดไปทั่วปารีสหลังจากซื้อของไร้สาระ นั่นก็เป็นปัญหาของเขา จำเป็นต้องศึกษาประวัติศาสตร์ที่แท้จริง ไม่ใช่สิ่งที่เขาทำมาตลอดชีวิต หากเขาไม่สามารถแยกแยะความแตกต่างจากคุณค่าทางวัฒนธรรมและศิลปะที่แท้จริงได้
หากเขาลงทุนในสิ่งที่ผิดและล้มเหลวกับธุรกิจ นั่นก็คือปัญหาของเขา และตั้งแต่เมื่อไหร่ที่ประกาศนียบัตรการศึกษาที่ได้รับค่าจ้างสูงกลายเป็นใบรับรองสำหรับบุคคล? ความฉลาดเกิดขึ้นตั้งแต่แรกเกิด ทุกสิ่งทุกอย่างคือการเรียนรู้
อ่านบทความกล่าวว่าชาวนาโซเวียตซึ่งทำลายรัสเซียที่พวกเขายึดครองและตอนนี้มีชีวิตที่เลวร้ายยิ่งกว่าใคร ๆ ในยุโรปมีความกล้าที่จะขว้างโคลนไปทั่วยุโรปโดยเล่าถึงสิ่งประดิษฐ์กักขฬะของพวกเขาเกี่ยวกับยุโรปที่ไม่เคยอาบน้ำ และยิ่งกว่านั้น เป็นการพูดถึงกษัตริย์และสังคมชั้นสูงที่ชาวนาของเราไม่เคยเห็นด้วยซ้ำ ถึงตอนนี้พวกเขาจะไม่ได้รับอนุญาตให้เข้าสู่ธรณีประตู ไม่ใช่แค่ในพระราชวังเท่านั้น แต่ยังเข้าไปในอพาร์ตเมนต์สไตล์ยุโรปทั่วไปด้วย
พวกเขากล้าพูดคุยเกี่ยวกับวิธีที่กษัตริย์และสังคมชั้นสูงอาศัยอยู่ในยุโรปในยุคกลางหรือไม่? พวกเขาอยู่ที่นั่นไหม? พวกเขาได้รับอนุญาตให้เข้าไปที่นั่นบนธรณีประตู หรือพวกเขาบินไปที่นั่นด้วยไทม์แมชชีน?
ดังนั้นฉันจึงแสดงภาพวาดของศิลปินชาวยุโรปตะวันตกในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ซึ่งมีจำนวนมากในยุโรป นี่คือสิ่งที่รอดมาได้ และอีกอย่างมันตั้งอยู่ในรัสเซีย
แล้วภาพที่ชาวสลาฟชาวนาโซเวียตวาดในช่วงเวลาเดียวกันอยู่ที่ไหน: ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19? และก่อนการยึดรัสเซียโดยชาวสลาฟในปี พ.ศ. 2396-2414 ทั้งรัสเซียสมัยใหม่และยุโรปสมัยใหม่ต่างก็เป็นรัฐรวมศูนย์เดียวกัน นั่นคือกองทัพแห่งคารัส ซึ่งมีประชากรเท่ากัน มีกฎหมายเหมือนกัน และมีระบบการศึกษาฟรีแบบเดียวกัน
ตอนนี้ ตอบคำถามของฉัน: ทำไมหลังจากสงครามเดียวกันกับชาวสลาฟ ซึ่งดำเนินต่อไปทั่วยุโรปในปี พ.ศ. 2396-2414 ในยุโรปซึ่งชาวสลาฟไม่ได้รับอนุญาตให้เข้าร่วมกับกองทัพแดง พวกเขามีชีวิตและมีชีวิตที่ดีกว่าในรัสเซียที่ถูกยึดครองโดยชาวสลาฟมาก
วัฒนธรรมยุโรปทั้งหมดไปจากรัสเซียที่ชาวสลาฟยึดครองมาจากไหน? ศิลปินชาวยุโรปคนเดียวกันหายไปไหนก่อนสงครามปี 1853-1871? อาศัยอยู่ทั่วรัสเซียในฐานะประชากรพื้นเมืองของรัสเซีย
คุณตอบคำถามเหล่านี้ฉันไม่ต้องการนักเขียนยุคใหม่เหล่านี้ซึ่งบนพื้นฐานของเทพนิยายที่เขียนใหม่ของชาวยิวพุชกิน (คลาร์กเคนเนดีชาวอังกฤษ) ได้แต่งสิ่งที่รัสเซียเป็นอย่างไรซึ่งถูกจับโดยชาวสลาฟก่อน ทำสงครามกับชาวสลาฟ พ.ศ. 2396-2414
ฉันพบหลักฐานว่าก่อนสงครามกับชาวสลาฟในปี พ.ศ. 2396-2414 , สลาฟ: ทหารยิวแดง (ปรัสเซียน) ของโซเวียต Elston-Sumarokov ไม่ได้อาศัยอยู่ในรัสเซียยุคใหม่ พวกเขาโจมตีรัสเซียในปี พ.ศ. 2396 และหลังสงครามพวกเขาก็ตั้งรกรากอยู่ในดินแดนของรัสเซียที่พวกเขายึดได้
ดังนั้นการพูดคุยทั้งหมดเกี่ยวกับชาวสลาฟที่ชาวรัสเซียอาศัยอยู่ในรัสเซียที่พวกเขายึดครองจนถึงปี 1853 จึงถูกยกเลิก
ชาวสลาฟเป็นทหารชาวยิวปรัสเซียนของเอลสตัน-ซูมาโรคอฟ และจนถึงปี ค.ศ. 1853 ชาวสลาฟก็อาศัยอยู่ทั่วยุโรป ไม่ใช่แค่ในรัสเซียที่พวกเขายึดครองได้
ชาวสลาฟไม่มีที่ตั้งสำหรับกองทัพแดงของเอลสตัน-ซูมาโรคอฟในเวลา พ.ศ. 2395
ดินแดนแห่งแรกของปรัสเซียจากชาวสลาฟ: ทหารชาวยิวปรัสเซียนแห่งเอลสตันคือเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกที่ยึดครองโดยพวกเขา ในปี พ.ศ. 2404 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกถูกเปลี่ยนชื่อครั้งแรกเป็นปรัสเซีย ในปี พ.ศ. 2414 เป็นเยอรมนี และในปี พ.ศ. 2439 เป็นรัสเซีย จากนั้นก็มีสหภาพโซเวียตและชาวสลาฟทั้งหมดเป็นโซเวียต และตอนนี้ไปรัสเซียอีกครั้งและชาวสลาฟโซเวียตทั้งหมดก็กลายเป็นชาวสลาฟรัสเซีย คริสเตียนชาวยิว Elston-Sumarokov?
มีชื่อมากเกินไปสำหรับชาวนาโซเวียตธรรมดาที่มีดาบปลายปืนเยอรมันตั้งแต่ปี 1853-1921 หรือไม่?