ภาพวาดโดยศิลปินชาวอเมริกัน ภาพวาดอเมริกันร่วมสมัย - สิ่งที่น่าสนใจที่สุดในบล็อก
พวกเราใส่จิตวิญญาณของเราเข้าไปในไซต์ ขอบคุณสำหรับสิ่งนั้น
ว่าคุณกำลังค้นพบความงามนี้ ขอบคุณสำหรับแรงบันดาลใจและความขนลุก
เข้าร่วมกับเราบน เฟสบุ๊คและ VKontakte
จุดสว่าง สาดแสง และอากาศเป็นประกาย - ศิลปินเหล่านี้มองโลกว่าสวยงามน่าสัมผัสและมีสีสันที่น่ารื่นรมย์
เว็บไซต์นำเสนอการมองโลกผ่านสายตาของพ่อมดเหล่านี้ เรานำเสนอภาพวาดที่คัดสรรโดยนักอิมเพรสชั่นนิสต์สมัยใหม่ที่เชี่ยวชาญเรื่องสีและแสง
ผลงานของศิลปินชาวบัลแกเรีย Tsviatko Kinchev ในสไตล์อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นภาพวาดดิจิทัลซึ่งสร้างขึ้นบนคอมพิวเตอร์ใน Photoshop ผลงานสร้างสรรค์อันเขียวชอุ่มของศิลปินเน้นย้ำถึงความงดงามและความสดใสของโลกโดยรอบ
ศิลปินชาวดัตช์ William Henrits ทำงานด้านสีน้ำ สีอะครีลิก และสีพาสเทล ผลงานสร้างสรรค์ของเขาช่างอ่อนโยนอย่างน่าทึ่ง เสียงที่ดังก้องของสีของเขาหายใจออกมา และเส้นสายที่สง่างามของเขา ผลงานของวิลเลียมเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกในรูปแบบของโปสเตอร์และภาพพิมพ์หินคุณภาพสูง
Yuri Petrenko เกิดที่เมืองโซชี เขาทำงานวาดภาพอย่างมืออาชีพมาประมาณ 20 ปี สีสันสดใส บ้านน่ารัก เรือ และทะเล ภาพวาดของเขาชวนให้นึกถึงแสงแดดที่ร้อนระอุและสายลมเค็ม ผลงานของเขาอยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวในเกือบทุกประเทศทั่วโลก
ศิลปินชาวอาร์เมเนีย Hovik Zohrabyan เกิดมาในครอบครัวของศิลปินและประติมากรชื่อดัง Nikoghos Zohrabyan เบื้องหลังจังหวะอันเป็นเอกลักษณ์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ สไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของศิลปินเองก็ปรากฏออกมา เมืองที่เต็มไปด้วยสีสันอันอบอุ่นสบายและบ้านเรือนที่สว่างสดใสเต็มไปด้วยแสงแดดและความสุข
Linda Wilder เป็นศิลปินชาวแคนาดา ลินดาชอบวาดภาพทิวทัศน์ และมีดจานสีก็เป็นหนึ่งในเครื่องมือที่เธอชื่นชอบ ด้วยฝีแปรงที่สดใสและแม่นยำ เฉดสีและเส้นสายที่ละเอียดอ่อน ภาพวาดของลินดาจึงอยู่ในคอลเลกชันขององค์กรและส่วนตัวในแคนาดาและทั่วโลก
ศิลปินชาวอเมริกันเชื้อสายจีน Ken Hong Lung มีเซนส์ด้านสีสันและรู้วิธีถ่ายทอดความมหัศจรรย์แห่งสันติภาพ หมู่บ้านชาวประมงและภูมิทัศน์ริมชายฝั่งกลายเป็นที่ฮือฮาในแวดวงศิลปะฮ่องกง เคนถือเป็นศิลปินนีโออิมเพรสชั่นนิสต์ที่เก่งที่สุดคนหนึ่งของโลก เขาถูกเรียกว่าเป็นปรมาจารย์แห่งภูมิประเทศที่น่าหลงใหล อารมณ์ชวนฝัน และการสะท้อนแสงและสีอันมหัศจรรย์
Johan Messeli อาศัยและทำงานในเบลเยียม ภาพวาดของเขาสะท้อนให้เห็นถึงโลกอันอบอุ่นสบายของลานภายในจังหวัดอันร่มรื่น ประตูเก่า และหน้าต่างที่สวยงาม โยฮันรู้วิธีสื่อถึงความสงบและความสุขอย่างเงียบสงบด้วยความไม่ใส่ใจ ศิลปินทำงานในสีน้ำมันและสีพาสเทล
จิล จารุก เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวแคนาดา เธอทำงานในอุตสาหกรรมเสื้อผ้าและตกแต่งภายในมายี่สิบปี เธอชอบแสดงสีเกินจริงและเพิ่มคอนทราสต์ ภาพวาดอันมีชีวิตชีวาของเธอได้รับเสียงชื่นชมในระดับนานาชาติ และรวมอยู่ในคอลเลกชันงานศิลปะร่วมสมัยในอเมริกาเหนือ เม็กซิโก และยุโรป จิลใช้สีน้ำมันและอะคริลิกเป็นหลัก
ศิลปินชาวอเมริกันมีความหลากหลายมาก บางคนมีความเป็นสากลอย่างชัดเจน เหมือนกับซาร์เจนท์ เป็นชาวอเมริกันโดยกำเนิด แต่ใช้ชีวิตในวัยผู้ใหญ่เกือบทั้งชีวิตในลอนดอนและปารีส
ในหมู่พวกเขามีชาวอเมริกันแท้ๆ ที่วาดภาพชีวิตของเพื่อนร่วมชาติเท่านั้น เช่น Rockwell
และยังมีศิลปินที่ไม่ใช่ของโลกนี้เช่นพอลล็อคด้วย หรือผู้ที่งานศิลปะกลายเป็นผลผลิตของสังคมผู้บริโภค แน่นอนว่านี่เป็นเรื่องเกี่ยวกับวอร์ฮอล
อย่างไรก็ตาม พวกเขาทั้งหมดเป็นชาวอเมริกัน รักอิสระ กล้าหาญ สดใส อ่านประมาณเจ็ดรายการด้านล่าง
1. เจมส์ วิสต์เลอร์ (1834-1903)
เจมส์ วิสต์เลอร์. ภาพเหมือนตนเอง พ.ศ. 2415 สถาบันศิลปะในเมืองดีทรอยต์ สหรัฐอเมริกา วิสต์เลอร์แทบจะเรียกได้ว่าเป็นคนอเมริกันจริงๆ เมื่อโตขึ้นเขาอาศัยอยู่ในยุโรป และเขาใช้ชีวิตวัยเด็ก... ในรัสเซีย พ่อของเขาสร้างทางรถไฟในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ที่นั่นเด็กชายเจมส์ตกหลุมรักศิลปะโดยไปเยี่ยมชมอาศรมและปีเตอร์ฮอฟด้วยความผูกพันของพ่อของเขา (ในเวลานั้นพระราชวังเหล่านี้ยังคงเป็นพระราชวังที่ปิดไม่ให้สาธารณชนเข้าชม)
วิสต์เลอร์มีชื่อเสียงในเรื่องใด ไม่ว่าเขาจะเขียนในรูปแบบใดก็ตาม ตั้งแต่ความสมจริงไปจนถึงโทนนิยม* เขาสามารถรับรู้ได้เกือบจะในทันทีด้วยคุณลักษณะสองประการ สีและชื่อดนตรีที่ผิดปกติ
ภาพบุคคลของเขาบางส่วนเป็นการเลียนแบบของปรมาจารย์ผู้เฒ่า เช่น ภาพเหมือนอันโด่งดังของเขา “แม่ของศิลปิน”
เจมส์ วิสต์เลอร์. มารดาของศิลปิน จัดเรียงเป็นสีเทาและสีดำ พ.ศ. 2414 ศิลปินสร้างสรรค์ผลงานที่น่าทึ่งโดยใช้สีตั้งแต่สีเทาอ่อนไปจนถึงสีเทาเข้ม และสีเหลืองเล็กน้อย
แต่นี่ไม่ได้หมายความว่าวิสต์เลอร์ชอบสีดังกล่าว เขาเป็นคนพิเศษ เขาสามารถปรากฏตัวในสังคมได้อย่างง่ายดายโดยสวมถุงเท้าสีเหลืองและถือร่มสีสดใส และนี่คือตอนที่ผู้ชายแต่งกายด้วยชุดสีดำและสีเทาโดยเฉพาะ
เขายังมีผลงานที่เบากว่า “แม่” มากอีกด้วย เช่น “ซิมโฟนีในชุดขาว” นี่คือสิ่งที่นักข่าวคนหนึ่งในนิทรรศการเรียกว่าภาพวาดนี้ วิสต์เลอร์ชอบความคิดนี้ ตั้งแต่นั้นมา เขาได้ตั้งชื่อผลงานของเขาเกือบทั้งหมดทางดนตรี
เจมส์ วิสต์เลอร์. ซิมโฟนีในชุดขาว #1 พ.ศ. 2405 หอศิลป์แห่งชาติ วอชิงตัน สหรัฐอเมริกา แต่แล้วในปี พ.ศ. 2405 ประชาชนกลับไม่ชอบซิมโฟนี อีกครั้ง เนื่องจากโทนสีที่แปลกประหลาดของวิสต์เลอร์ ผู้คนคิดว่ามันแปลกที่วาดภาพผู้หญิงในชุดขาวบนพื้นหลังสีขาว
ในภาพเราเห็นนายหญิงผมแดงของวิสต์เลอร์ ค่อนข้างอยู่ในจิตวิญญาณของพวกก่อนราฟาเอล ท้ายที่สุดแล้วในเวลานั้นศิลปินเป็นเพื่อนกับ Gabriel Rossetti หนึ่งในผู้ก่อตั้งลัทธิพรีราฟาเอล ความงาม ดอกลิลลี่ องค์ประกอบที่ไม่ธรรมดา (หนังหมาป่า) ทุกอย่างเป็นไปตามที่ควรจะเป็น
แต่วิสต์เลอร์รีบย้ายออกจากลัทธิก่อนราฟาเอลอย่างรวดเร็ว เนื่องจากไม่ใช่ความงามภายนอกที่สำคัญสำหรับเขา แต่เป็นอารมณ์และอารมณ์ และพระองค์ทรงสร้างทิศทางใหม่ - โทนัลลิสต์
ภูมิทัศน์ของเขาในเวลากลางคืนในรูปแบบของวรรณยุกต์เป็นเหมือนดนตรีอย่างแท้จริง ขาวดำหนืด
วิสต์เลอร์เองกล่าวว่าชื่อเพลงช่วยเน้นไปที่ตัวภาพวาด ลายเส้น และสีสัน ขณะเดียวกันโดยไม่ได้คำนึงถึงสถานที่และผู้คนที่ปรากฎ
เจมส์ วิสต์เลอร์. Nocturne สีฟ้าและสีเงิน: Chelsea พ.ศ. 2414 เทตแกลเลอรี ลอนดอน 
แมรี่ แคสแซต. เด็กนอนหลับ. สีพาสเทลกระดาษ พ.ศ. 2453 พิพิธภัณฑ์ศิลปะดัลลัส สหรัฐอเมริกา แต่เธอยังคงยึดมั่นในสไตล์ของเธอจนถึงที่สุด อิมเพรสชันนิสม์ พาสเทลอ่อนๆ แม่กับลูก.
เพื่อประโยชน์ในการวาดภาพ Cassatt จึงละทิ้งความเป็นแม่ แต่ด้านความเป็นผู้หญิงของเธอก็ปรากฏให้เห็นมากขึ้นในผลงานอันอ่อนโยนเช่น "Sleeping Child" เป็นเรื่องน่าเสียดายที่สังคมอนุรักษ์นิยมเคยเผชิญหน้ากับเธอด้วยทางเลือกเช่นนี้
3. จอห์น ซาร์เจนท์ (1856-1925)
จอห์น ซาร์เจนท์. ภาพเหมือนตนเอง พ.ศ. 2435 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก จอห์น ซาร์เจนท์มั่นใจว่าเขาจะเป็นจิตรกรภาพบุคคลไปตลอดชีวิต อาชีพการงานของฉันเป็นไปด้วยดี พวกขุนนางเข้าแถวรับคำสั่งจากเขา
แต่แล้ววันหนึ่ง ตามสังคม ศิลปินก็ก้าวล้ำเส้นไป ตอนนี้เป็นเรื่องยากสำหรับเราที่จะเข้าใจว่าสิ่งใดที่ยอมรับไม่ได้ในภาพยนตร์เรื่อง “Madame X”
จริงอยู่ ในเวอร์ชั่นดั้งเดิม นางเอกได้ปลดสายรัดข้างหนึ่งลง ซาร์เจนท์ "เลี้ยงดู" เธอ แต่สิ่งนี้ไม่ได้ช่วยอะไร ออเดอร์เริ่มแห้งแล้ว
จอห์น ซาร์เจนท์. มาดามเอช. พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก พ.ศ. 2421 ประชาชนเห็นสิ่งลามกอนาจารอะไร? และความจริงที่ว่าซาร์เจนท์แสดงภาพนางแบบด้วยท่าทีมั่นใจในตัวเองมากเกินไป นอกจากนี้ผิวที่โปร่งแสงและหูสีชมพูยังมีคารมคมคายมาก
ในภาพดูเหมือนจะบอกว่าผู้หญิงที่มีเพศสัมพันธ์เพิ่มขึ้นนี้ไม่รังเกียจที่จะยอมรับความก้าวหน้าของผู้ชายคนอื่น อีกอย่างคือจะแต่งงานแล้ว
น่าเสียดายที่ผู้ร่วมสมัยไม่เห็นผลงานชิ้นเอกที่อยู่เบื้องหลังเรื่องอื้อฉาวนี้ ชุดเดรสสีเข้ม ผิวสีแทน ท่าโพสแบบไดนามิก - การผสมผสานที่เรียบง่ายซึ่งมีเพียงช่างฝีมือที่มีความสามารถที่สุดเท่านั้นที่จะพบได้
แต่เมฆทุกก้อนก็มีซับเงิน ซาร์เจนท์ได้รับอิสรภาพเป็นการตอบแทน ฉันเริ่มทดลองกับอิมเพรสชั่นนิสม์มากขึ้น เขียนถึงเด็กในสถานการณ์ฉุกเฉิน นี่คือลักษณะที่ปรากฏของงาน "คาร์เนชั่น ลิลลี่ ลิลลี่ โรส"
ซาร์เจนท์ต้องการถ่ายภาพช่วงเวลาพลบค่ำโดยเฉพาะ ดังนั้นฉันจึงทำงานเพียง 2 นาทีต่อวันเมื่อมีแสงสว่างเพียงพอ ทำงานในฤดูร้อนและฤดูใบไม้ร่วง และเมื่อดอกไม้เหี่ยวเฉาฉันก็แทนที่ด้วยดอกไม้ประดิษฐ์
จอห์น ซาร์เจนท์. ดอกคาร์เนชั่น ลิลลี่ ลิลลี่ กุหลาบ พ.ศ. 2428-2429 เทตแกลเลอรี่, ลอนดอน ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา ซาร์เจนท์ได้พัฒนารสนิยมแห่งอิสรภาพจนเขาเริ่มละทิ้งการถ่ายภาพบุคคลไปโดยสิ้นเชิง แม้ว่าชื่อเสียงของเขาจะได้รับการฟื้นฟูแล้วก็ตาม เขาถึงกับไล่ลูกค้ารายหนึ่งอย่างหยาบคาย โดยบอกว่าเขายินดีที่จะทาสีประตูของเธอมากกว่าใบหน้าของเธอ
จอห์น ซาร์เจนท์. เรือสีขาว. พ.ศ. 2451 พิพิธภัณฑ์บรูคลิน สหรัฐอเมริกา ผู้ร่วมสมัยปฏิบัติต่อซาร์เจนท์ด้วยการประชด ถือว่าล้าสมัยไปในยุคสมัยใหม่ แต่เวลาทำให้ทุกอย่างเข้าที่
ตอนนี้ผลงานของเขามีค่าไม่น้อยไปกว่าผลงานของนักสมัยใหม่ที่มีชื่อเสียงที่สุด ไม่มีอะไรจะพูดเกี่ยวกับความรักของสาธารณชน นิทรรศการผลงานของเขามักจะขายหมดเสมอ
4. นอร์แมน ร็อคเวลล์ (2437-2521)
นอร์แมน ร็อคเวลล์. ภาพเหมือนตนเอง ภาพประกอบสำหรับ The Saturday Evening Post ฉบับวันที่ 13 กุมภาพันธ์ 1960 เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการถึงศิลปินที่ได้รับความนิยมในช่วงชีวิตของเขามากกว่า Norman Rockwell ชาวอเมริกันหลายชั่วอายุคนเติบโตมาพร้อมกับภาพประกอบของเขา รักพวกเขาด้วยสุดจิตวิญญาณของฉัน
ท้ายที่สุดแล้ว Rockwell ก็แสดงให้เห็นถึงคนอเมริกันธรรมดาๆ แต่ในขณะเดียวกันก็แสดงชีวิตในด้านบวกที่สุดด้วย ร็อคเวลล์ไม่ต้องการแสดงพ่อที่ชั่วร้ายหรือแม่ที่ไม่แยแส และคุณจะไม่ได้พบกับเด็กที่ไม่มีความสุขร่วมกับเขา
นอร์แมน ร็อคเวลล์. ทั้งครอบครัวในวันหยุดและจากวันหยุด ภาพประกอบในนิตยสาร Evening Saturday Post 30 สิงหาคม 1947 พิพิธภัณฑ์ Norman Rockwell ในเมือง Stockbridge รัฐแมสซาชูเซตส์ สหรัฐอเมริกา ผลงานของเขาเต็มไปด้วยอารมณ์ขัน สีสันที่หลากหลาย และถ่ายทอดสีหน้าของชีวิตได้อย่างเชี่ยวชาญ
แต่เป็นภาพลวงตาว่างานนี้เป็นเรื่องง่ายสำหรับ Rockwell ในการสร้างภาพวาดหนึ่งภาพ ก่อนอื่นเขาอาจถ่ายรูปวัตถุของเขามากถึงร้อยภาพเพื่อจับท่าทางที่ถูกต้อง
ผลงานของ Rockwell มีอิทธิพลอย่างมากต่อจิตใจของชาวอเมริกันหลายล้านคน ท้ายที่สุดแล้ว เขามักจะพูดออกมาผ่านภาพวาดของเขา
ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 เขาตัดสินใจที่จะแสดงให้เห็นว่าทหารในประเทศของเขาต่อสู้เพื่ออะไร ยังได้สร้างภาพวาด "Freedom from Want" ด้วย ในรูปแบบของวันขอบคุณพระเจ้า ซึ่งสมาชิกทุกคนในครอบครัวได้รับอาหารเพียงพอและอิ่มเอมใจ ต่างชื่นชมยินดีในวันหยุดของครอบครัว
นอร์แมน ร็อคเวลล์. อิสรภาพจากความต้องการ พ.ศ. 2486 พิพิธภัณฑ์นอร์แมน ร็อคเวลล์ ในเมืองสต็อคบริดจ์ รัฐแมสซาชูเซตส์ สหรัฐอเมริกา หลังจากทำงานที่ Saturday Evening Post มา 50 ปี ร็อคเวลล์ก็ออกจากนิตยสาร Look ที่มีความเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น ซึ่งเขาสามารถแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับประเด็นทางสังคมได้
ผลงานที่โดดเด่นที่สุดในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือ “The Problem We Live With”
นอร์แมน ร็อคเวลล์. ปัญหาที่เราอยู่ด้วย พ.ศ. 2507 พิพิธภัณฑ์นอร์แมน ร็อกเวลล์ เมืองสต็อคบริดจ์ ประเทศสหรัฐอเมริกา นี่คือเรื่องจริงของเด็กสาวผิวดำที่ไปโรงเรียนคนผิวขาว เนื่องจากมีการออกกฎหมายว่าผู้คน (และสถาบันการศึกษาด้วย) ไม่ควรถูกแบ่งแยกด้วยเชื้อชาติอีกต่อไป
แต่ความโกรธของชาวเมืองนั้นไม่มีขีดจำกัด ระหว่างทางไปโรงเรียน เด็กหญิงถูกตำรวจคุ้มกัน นี่คือช่วงเวลา "ประจำ" ที่ Rockwell แสดงให้เห็น
หากคุณต้องการสัมผัสชีวิตชาวอเมริกันในแสงที่ประดับประดาเล็กน้อย (ตามที่พวกเขาอยากเห็น) อย่าลืมชมภาพวาดของ Rockwell
บางทีในบรรดาจิตรกรทั้งหมดที่นำเสนอในบทความนี้ Rockwell อาจเป็นศิลปินชาวอเมริกันมากที่สุด
5. แอนดรูว์ ไวเอธ (1917-2009)
แอนดรูว์ ไวเอธ. ภาพเหมือนตนเอง พ.ศ. 2488 สถาบันการออกแบบแห่งชาติ นิวยอร์ก ไวเอทไม่เหมือนกับร็อคเวลล์ในแง่บวก เป็นคนสันโดษโดยธรรมชาติ เขาไม่พยายามตกแต่งสิ่งใดๆ ในทางตรงกันข้าม เขาบรรยายถึงทิวทัศน์ที่ธรรมดาที่สุดและสิ่งที่ไม่ธรรมดา แค่ทุ่งข้าวสาลี แค่บ้านไม้ แต่เขายังสามารถมองเห็นบางสิ่งที่มหัศจรรย์ในตัวพวกเขาได้
ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ “โลกของคริสตินา” ไวเอทแสดงชะตากรรมของผู้หญิงคนหนึ่งซึ่งเป็นเพื่อนบ้านของเขา เธอคลานไปรอบๆ ฟาร์มของเธอด้วยความเป็นอัมพาตตั้งแต่เด็ก
ดังนั้นในภาพนี้จึงไม่มีอะไรโรแมนติกเหมือนอย่างที่เห็นในตอนแรก หากมองใกล้ ๆ ผู้หญิงคนนั้นจะผอมเพรียวอย่างเจ็บปวด และรู้ว่าขาของนางเอกเป็นอัมพาตก็เข้าใจด้วยความเศร้าว่ายังอยู่ไกลบ้านแค่ไหน
เมื่อมองแวบแรก ไวเอทเขียนสิ่งที่ธรรมดาที่สุด นี่คือหน้าต่างเก่าของบ้านเก่า ผ้าม่านโทรมที่เริ่มกลายเป็นเศษเล็กเศษน้อยแล้ว ป่าด้านนอกหน้าต่างมืด
แต่ทั้งหมดนี้มีความลึกลับอยู่บ้าง รูปลักษณ์อื่นบ้าง
แอนดรูว์ ไวเอธ. ลมจากทะเล. พ.ศ. 2490 หอศิลป์แห่งชาติ วอชิงตัน สหรัฐอเมริกา นี่คือวิธีที่เด็ก ๆ รู้วิธีมองโลกด้วยใจที่เปิดกว้าง ไวแอตต์ก็ดูเหมือนกัน และเราอยู่กับเขา
ภรรยาของเขาจัดการเรื่องทั้งหมดของไวเอท เธอเป็นผู้จัดงานที่ดี เธอเป็นผู้ติดต่อกับพิพิธภัณฑ์และนักสะสม
มีความโรแมนติกเล็กน้อยในความสัมพันธ์ของพวกเขา รำพึงต้องปรากฏตัว และเธอก็กลายเป็นเฮลกาที่เรียบง่าย แต่มีรูปลักษณ์ที่ไม่ธรรมดา นี่คือสิ่งที่เราเห็นในงานต่างๆ มากมาย
แอนดรูว์ ไวเอธ. Braids (จากซีรี่ส์ "Helga") 2522 ของสะสมส่วนตัว ดูเหมือนว่าเราจะเห็นเพียงภาพถ่ายของผู้หญิงคนหนึ่งเท่านั้น แต่ด้วยเหตุผลบางอย่างมันยากที่จะแยกตัวออกจากเธอ รูปลักษณ์ของเธอซับซ้อนเกินไป ไหล่ของเธอตึง ราวกับว่าเราตึงเครียดภายในร่วมกับเธอ พยายามหาคำอธิบายสำหรับความตึงเครียดนี้
ด้วยการพรรณนาความเป็นจริงในทุกรายละเอียด ไวเอทได้มอบอารมณ์ที่ไม่สามารถละเลยได้
ศิลปินไม่ได้รับการยอมรับมาเป็นเวลานาน ด้วยความสมจริง แม้จะมหัศจรรย์ แต่ก็ไม่เข้ากับกระแสสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 20
เมื่อคนงานพิพิธภัณฑ์ซื้อผลงานของเขา พวกเขาพยายามที่จะทำมันอย่างเงียบๆ โดยไม่ดึงดูดความสนใจ ไม่ค่อยมีการจัดนิทรรศการ แต่ด้วยความอิจฉาของคนสมัยใหม่ พวกเขามักจะประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม ผู้คนมากันเป็นฝูง และพวกเขาก็ยังมา
6. แจ็คสัน พอลล็อค (1912-1956)
แจ็คสัน พอลล็อค. 1950 ภาพถ่ายโดย Hans Namuth Jackson Pollock ไม่สามารถละเลยได้ เขาก้าวข้ามเส้นบางๆ ในงานศิลปะ หลังจากนั้นภาพวาดก็ไม่เหมือนเดิมอีกต่อไป เขาแสดงให้เห็นว่าในงานศิลปะโดยทั่วไปสามารถทำได้โดยไม่มีขอบเขต เมื่อฉันวางผ้าใบลงบนพื้นแล้วสาดสีลงไป
และศิลปินชาวอเมริกันคนนี้เริ่มต้นด้วยงานศิลปะนามธรรมซึ่งยังสามารถสืบย้อนเป็นรูปเป็นร่างได้ ในงานของเขาในยุค 40 "Stenographic Figure" เราจะเห็นโครงร่างของทั้งใบหน้าและมือ และแม้แต่สัญลักษณ์ที่เราเข้าใจในรูปของกากบาทและศูนย์
แจ็คสัน พอลล็อค. รูปชวเลข. พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก พ.ศ. 2485 (MOMA) ผลงานของเขาได้รับการยกย่อง แต่ผู้คนก็ไม่รีบร้อนที่จะซื้อมัน เขายากจนพอๆ กับหนูในโบสถ์ และเขาก็ดื่มอย่างไร้ยางอาย แม้จะแต่งงานกันอย่างมีความสุขก็ตาม ภรรยาของเขาชื่นชมความสามารถของเขาและทำทุกอย่างเพื่อความสำเร็จของสามี
แต่ในตอนแรกพอลลอคมีบุคลิกที่แตกสลาย ตั้งแต่เยาว์วัย การกระทำของเขาชัดเจนแล้วว่าความตายก่อนวัยอันควรคือโชคชะตาของเขา
ความแตกสลายนี้จะนำไปสู่การเสียชีวิตในที่สุดเมื่ออายุ 44 ปี แต่เขาจะมีเวลาปฏิวัติวงการศิลปะและมีชื่อเสียง
แจ็คสัน พอลล็อค. จังหวะฤดูใบไม้ร่วง (หมายเลข 30) พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน พ.ศ. 2493 ในเมืองนิวยอร์ก ประเทศสหรัฐอเมริกา และเขาได้ทำเช่นนี้ในช่วงสองปีแห่งความสุขุม เขาสามารถทำงานได้อย่างมีประสิทธิผลในปี พ.ศ. 2493-2495 เขาทดลองอยู่นานจนมาถึงเทคนิคหยด
เขาวางผ้าใบขนาดใหญ่บนพื้นโรงนาของเขา และเดินไปรอบๆ ราวกับอยู่ในภาพวาด และสาดหรือเทสีเพียงอย่างเดียว
ผู้คนเริ่มเต็มใจที่จะซื้อภาพวาดที่แปลกตาเหล่านี้จากเขาเนื่องจากมีความคิดริเริ่มและความแปลกใหม่อย่างไม่น่าเชื่อ
แจ็คสัน พอลล็อค. เสาสีน้ำเงิน. หอศิลป์แห่งชาติออสเตรเลีย กรุงแคนเบอร์รา พ.ศ. 2495 พอลลอคส์เต็มไปด้วยชื่อเสียงและตกอยู่ในภาวะซึมเศร้า โดยไม่เข้าใจว่าจะก้าวต่อไปอย่างไร ส่วนผสมที่ร้ายแรงของแอลกอฮอล์และความซึมเศร้าทำให้เขาไม่มีโอกาสรอดชีวิต วันหนึ่งเขาเมามากหลังพวงมาลัย เป็นครั้งสุดท้าย
7. แอนดี้ วอร์ฮอล (1928-1987)
แอนดี้ วอร์ฮอล. 1979 ภาพถ่ายโดย Arthur Tress เฉพาะในประเทศที่มีลัทธิการบริโภคเช่นเดียวกับในอเมริกาเท่านั้นที่สามารถถือกำเนิดศิลปะป๊อปอาร์ตได้ และแน่นอนว่าผู้ริเริ่มหลักคือ Andy Warhol
เขามีชื่อเสียงจากการนำสิ่งที่ธรรมดาที่สุดมาเปลี่ยนให้เป็นงานศิลปะ นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้นกับซุปกระป๋องของแคมป์เบลล์
ทางเลือกไม่ใช่เรื่องบังเอิญ แม่ของวอร์ฮอลเลี้ยงซุปนี้ให้ลูกชายของเธอทุกวันเป็นเวลานานกว่า 20 ปี แม้กระทั่งตอนที่เขาย้ายไปนิวยอร์คและพาแม่ไปด้วย
แอนดี้ วอร์ฮอล. กระป๋องซุปแคมป์เบลล์ โพลีเมอร์การพิมพ์ด้วยมือ 32 ภาพ ภาพละ 50x40 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก พ.ศ. 2505 (MOMA) หลังจากการทดลองนี้ Warhol เริ่มสนใจการพิมพ์สกรีน จากนั้นเป็นต้นมา เขาได้ถ่ายรูปดาราดังและวาดภาพด้วยสีต่างๆ
นี่คือลักษณะที่มาริลีนมอนโรทาสีอันโด่งดังของเขาปรากฏตัว
มีการผลิตดอกไม้กรดมาริลินจำนวนนับไม่ถ้วน วอร์ฮอลนำงานศิลปะมาสู่กระแส ตามที่ควรจะเป็นในสังคมผู้บริโภค
แอนดี้ วอร์ฮอล. มาริลิน มอนโร. การพิมพ์ซิลค์สกรีนกระดาษ พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก พ.ศ. 2510 (MOMA) วอร์ฮอลไม่ได้วาดภาพใบหน้าขึ้นมาเลย และอีกครั้งหนึ่ง มันก็ไม่ได้ปราศจากอิทธิพลจากผู้เป็นแม่ เมื่อตอนเป็นเด็ก ระหว่างที่ลูกชายของเธอป่วยเป็นเวลานาน เธอนำสมุดระบายสีมาให้เขา
งานอดิเรกในวัยเด็กนี้เติบโตขึ้นจนกลายมาเป็นจุดเด่นของเขาและทำให้เขาร่ำรวยมหาศาล
เขาไม่เพียงวาดภาพป๊อปสตาร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลงานชิ้นเอกของรุ่นก่อนด้วย ฉันก็เข้าใจเหมือนกัน
“วีนัส” เหมือนมาริลีนทำมาเยอะแล้ว ความพิเศษเฉพาะตัวของงานศิลปะถูก "ลบ" ให้เป็นผงโดยวอร์ฮอล ทำไมศิลปินถึงทำเช่นนี้?
เพื่อเผยแพร่ผลงานชิ้นเอกเก่า ๆ ? หรือในทางกลับกัน พยายามลดคุณค่าของมันลง? ทำให้ป๊อปสตาร์เป็นอมตะ? หรือเติมชีวิตชีวาด้วยการประชด?
แอนดี้ วอร์ฮอล. ดาวศุกร์ของบอตติเชลลี งานพิมพ์ซิลค์สกรีน อะครีลิค แคนวาส 122x183 ซม. 2525. พิพิธภัณฑ์ E. Warhol ในเมืองพิตต์สเบิร์ก สหรัฐอเมริกา ผลงานสีสันของเขาอย่างมาดอนน่า เอลวิส เพรสลีย์ หรือเลนินบางครั้งก็เป็นที่รู้จักมากกว่าภาพถ่ายต้นฉบับ
แต่ผลงานชิ้นเอกก็แทบจะไม่ถูกบดบัง ในทำนองเดียวกัน “วีนัส” อันเก่าแก่ยังคงไม่มีค่า
วอร์ฮอลเป็นพวกชอบสังสรรค์ ชอบสังสรรค์ และดึงดูดคนชายขอบจำนวนมาก ผู้ติดยา นักแสดงที่ล้มเหลว หรือบุคคลที่ไม่สมดุล หนึ่งในนั้นยิงเขาหนึ่งครั้ง
วอร์ฮอลรอดชีวิตมาได้ แต่ 20 ปีต่อมา เนื่องจากผลของบาดแผลที่เขาเคยประสบ เขาจึงเสียชีวิตเพียงลำพังในอพาร์ตเมนต์ของเขา
หม้อหลอมของสหรัฐฯ
แม้จะมีประวัติศาสตร์ศิลปะอเมริกันโดยย่อ แต่ก็มีขอบเขตกว้าง ในบรรดาศิลปินชาวอเมริกัน มีอิมเพรสชั่นนิสต์ (ซาร์เจนท์) นักสัจนิยมที่มีมนต์ขลัง (ไวเอธ) นักวาดภาพแนวนามธรรม (พอลล็อค) และผู้บุกเบิกศิลปะป๊อปอาร์ต (วอร์ฮอล)
คนอเมริกันรักเสรีภาพในการเลือกในทุกสิ่ง หลายร้อยนิกาย หลายร้อยชาติ รูปแบบศิลปะหลายร้อยแบบ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมมันถึงเป็นจุดหลอมละลายของสหรัฐอเมริกา
หากคุณคิดว่าศิลปินที่ยิ่งใหญ่ล้วนแต่อยู่ในอดีต คุณก็ไม่รู้ว่าคุณคิดผิดแค่ไหน ในบทความนี้คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีความสามารถที่สุดในยุคของเรา และเชื่อฉันเถอะว่าผลงานของพวกเขาจะยังคงอยู่ในความทรงจำของคุณไม่ลึกไปกว่าผลงานของเกจิจากยุคก่อน ๆ
วอจเซียค บับสกี้
Wojciech Babski เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ เขาสำเร็จการศึกษาที่ Silesian Polytechnic Institute แต่ก็เกี่ยวข้องกับตัวเองด้วย เมื่อเร็ว ๆ นี้เขาวาดภาพผู้หญิงเป็นหลัก มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของอารมณ์ มุ่งมั่นที่จะได้รับผลสูงสุดที่เป็นไปได้โดยใช้วิธีการง่ายๆ
ชอบสีแต่มักใช้เฉดสีดำและสีเทาเพื่อสร้างความประทับใจที่ดีที่สุด ไม่กลัวที่จะทดลองเทคนิคใหม่ๆ ที่แตกต่าง ล่าสุดเขาได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นในต่างประเทศ โดยเฉพาะในสหราชอาณาจักร ซึ่งเขาประสบความสำเร็จในการขายผลงานของเขา ซึ่งสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวมากมาย นอกจากศิลปะแล้ว เขายังสนใจจักรวาลวิทยาและปรัชญาอีกด้วย ฟังเพลงแจ๊ส ปัจจุบันอาศัยและทำงานในคาโตวีตเซ
วอร์เรน ช้าง
Warren Chang เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดในปี 1957 และเติบโตในเมืองมอนเทอเรย์ รัฐแคลิฟอร์เนีย เขาสำเร็จการศึกษาเกียรตินิยมจาก Art Center College of Design ในพาซาดีนาในปี 1981 ซึ่งเขาได้รับ BFA ตลอดสองทศวรรษต่อมา เขาทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบให้กับบริษัทต่างๆ ในแคลิฟอร์เนียและนิวยอร์ก ก่อนที่จะเริ่มต้นอาชีพศิลปินมืออาชีพในปี 2009
ภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาแบ่งได้เป็น 2 ประเภทหลัก ได้แก่ ภาพวาดชีวประวัติภายใน และภาพวาดบุคคลในที่ทำงาน ความสนใจของเขาในการวาดภาพรูปแบบนี้ย้อนกลับไปถึงผลงานของศิลปินโยฮันเนส เวอร์เมียร์ ในศตวรรษที่ 16 และครอบคลุมถึงวิชาต่างๆ การถ่ายภาพบุคคล ภาพเหมือนของสมาชิกในครอบครัว เพื่อน นักเรียน การตกแต่งภายในในสตูดิโอ ห้องเรียน และบ้าน เป้าหมายของเขาคือการสร้างอารมณ์และอารมณ์ในภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาผ่านการปรุงแต่งของแสงและการใช้สีที่ไม่ออกเสียง
ช้างเริ่มมีชื่อเสียงหลังจากเปลี่ยนมาใช้วิจิตรศิลป์แบบดั้งเดิม ตลอด 12 ปีที่ผ่านมา เขาได้รับรางวัลและเกียรติยศมากมาย โดยรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดคือ Master Signature จาก Oil Painters of America ซึ่งเป็นชุมชนภาพวาดสีน้ำมันที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา มีเพียง 1 คนจาก 50 คนเท่านั้นที่มีโอกาสได้รับรางวัลนี้ ปัจจุบัน Warren อาศัยอยู่ที่มอนเทอเรย์และทำงานในสตูดิโอของเขา และเขายังสอน (รู้จักกันในชื่อครูที่มีพรสวรรค์) ที่ San Francisco Academy of Art
ออเรลิโอ บรูนี่
ออเรลิโอ บรูนีเป็นศิลปินชาวอิตาลี เกิดที่เมืองแบลร์ วันที่ 15 ตุลาคม พ.ศ. 2498 เขาได้รับประกาศนียบัตรด้านฉากจากสถาบันศิลปะในสโปเลโต ในฐานะศิลปิน เขาเรียนรู้ด้วยตนเอง ในขณะที่เขา "สร้างบ้านแห่งความรู้" อย่างอิสระบนรากฐานที่วางไว้ในโรงเรียน เขาเริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำมันเมื่ออายุ 19 ปี ปัจจุบันอาศัยและทำงานในแคว้นอุมเบรีย
ภาพวาดยุคแรกๆ ของบรูนีมีรากฐานมาจากลัทธิเหนือจริง แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาเริ่มมุ่งเน้นไปที่ความใกล้ชิดของแนวโรแมนติกและสัญลักษณ์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ เสริมการผสมผสานนี้เข้ากับความซับซ้อนและความบริสุทธิ์ของตัวละครของเขา วัตถุที่เคลื่อนไหวและไม่มีชีวิตได้รับศักดิ์ศรีที่เท่าเทียมกันและดูเกือบจะสมจริงเกินไป แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ได้ซ่อนอยู่หลังม่าน แต่ช่วยให้คุณมองเห็นแก่นแท้ของจิตวิญญาณของคุณ ความเก่งกาจและความซับซ้อน ความเย้ายวนและความเหงา ความรอบคอบและประสิทธิผลเป็นจิตวิญญาณของ Aurelio Bruni ซึ่งหล่อเลี้ยงด้วยความงดงามของศิลปะและความกลมกลืนของดนตรี
อเล็กซานเดอร์ บาลอส
Alkasander Balos เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ที่เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพสีน้ำมัน เกิดในปี 1970 ในเมืองกลิวิซ ประเทศโปแลนด์ แต่ตั้งแต่ปี 1989 เขาอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกา ในเมืองชาสตา รัฐแคลิฟอร์เนีย
เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาศึกษาศิลปะภายใต้การแนะนำของแจน พ่อของเขา ซึ่งเป็นศิลปินและประติมากรที่เรียนรู้ด้วยตนเอง ดังนั้นตั้งแต่อายุยังน้อย กิจกรรมทางศิลปะจึงได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากพ่อแม่ทั้งสอง ในปี 1989 เมื่ออายุได้ 18 ปี Balos ออกจากโปแลนด์ไปยังสหรัฐอเมริกา โดยที่ครูในโรงเรียนและศิลปินพาร์ทไทม์ Katie Gaggliardi สนับสนุนให้ Alkasander ลงทะเบียนเรียนในโรงเรียนศิลปะ จากนั้น Balos ก็ได้รับทุนการศึกษาเต็มจำนวนจากมหาวิทยาลัยมิลวอกี รัฐวิสคอนซิน ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพกับศาสตราจารย์ปรัชญา Harry Rozin
หลังจากสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีในปี 1995 บาลอสก็ย้ายไปชิคาโกเพื่อศึกษาที่ School of Fine Arts ซึ่งมีพื้นฐานมาจากผลงานของ Jacques-Louis David ความสมจริงเชิงเปรียบเทียบและการวาดภาพบุคคลถือเป็นผลงานส่วนใหญ่ของ Balos ในช่วงทศวรรษที่ 90 และต้นทศวรรษ 2000 ปัจจุบัน บาลอสใช้ร่างมนุษย์เพื่อเน้นย้ำถึงคุณลักษณะและข้อบกพร่องของการดำรงอยู่ของมนุษย์ โดยไม่ต้องเสนอวิธีแก้ปัญหาใดๆ
การจัดองค์ประกอบภาพเขียนของเขามุ่งหมายให้ผู้ชมตีความอย่างอิสระ จากนั้นภาพเขียนจะได้รับความหมายทางโลกและอัตนัยที่แท้จริง ในปี 2005 ศิลปินย้ายไปอยู่ที่แคลิฟอร์เนียตอนเหนือ นับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา หัวข้องานของเขาก็ขยายออกไปอย่างมาก และตอนนี้มีวิธีการวาดภาพที่อิสระมากขึ้น รวมถึงนามธรรมและสไตล์มัลติมีเดียต่างๆ ที่ช่วยแสดงความคิดและอุดมคติของการดำรงอยู่ผ่านการวาดภาพ
อลิสสา มังค์
Alyssa Monks เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดเมื่อปี 1977 ในเมืองริดจ์วูด รัฐนิวเจอร์ซีย์ ฉันเริ่มสนใจการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เธอศึกษาที่ The New School ในนิวยอร์กและมหาวิทยาลัย Montclair State และสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีจากวิทยาลัยบอสตันในปี 1999 ในเวลาเดียวกัน เธอศึกษาการวาดภาพที่ Lorenzo de' Medici Academy ในฟลอเรนซ์
จากนั้นเธอก็ศึกษาต่อในหลักสูตรปริญญาโทที่ New York Academy of Art ในภาควิชา Figurative Art ซึ่งสำเร็จการศึกษาในปี 2544 เธอสำเร็จการศึกษาจาก Fullerton College ในปี 2549 บางครั้งเธอบรรยายในมหาวิทยาลัยและสถาบันการศึกษาทั่วประเทศ โดยสอนการวาดภาพที่ New York Academy of Art เช่นเดียวกับ Montclair State University และ Lyme Academy of Art College
“การใช้ฟิลเตอร์ เช่น แก้ว ไวนิล น้ำ และไอน้ำ ฉันสามารถบิดเบือนร่างกายมนุษย์ได้ ฟิลเตอร์เหล่านี้ช่วยให้คุณสร้างพื้นที่ขนาดใหญ่ของการออกแบบเชิงนามธรรม โดยมีเกาะหลากสีที่มองผ่าน - ส่วนต่างๆ ของร่างกายมนุษย์
ภาพวาดของฉันเปลี่ยนมุมมองสมัยใหม่ของท่าทางและท่าทางดั้งเดิมของผู้หญิงอาบน้ำที่จัดตั้งขึ้นแล้ว พวกเขาสามารถบอกผู้ชมที่เอาใจใส่ได้มากมายเกี่ยวกับสิ่งที่ดูเหมือนชัดเจนในตัวเอง เช่น ประโยชน์ของการว่ายน้ำ การเต้นรำ และอื่นๆ ตัวละครของฉันกดตัวเองแนบกับกระจกหน้าต่างห้องอาบน้ำ บิดเบือนร่างกายของตัวเอง โดยตระหนักว่าสิ่งเหล่านี้มีอิทธิพลต่อการจ้องมองของผู้ชายที่ฉาวโฉ่ต่อผู้หญิงที่เปลือยเปล่า ชั้นสีหนาผสมกันเพื่อเลียนแบบแก้ว ไอน้ำ น้ำ และเนื้อจากระยะไกล อย่างไรก็ตาม เมื่อมองอย่างใกล้ชิด คุณสมบัติทางกายภาพอันน่าทึ่งของสีน้ำมันก็ปรากฏชัดเจน จากการทดลองโดยใช้สีและสีหลายชั้น ฉันพบจุดที่ฝีแปรงแบบนามธรรมกลายเป็นอย่างอื่น
เมื่อฉันเริ่มวาดภาพร่างกายมนุษย์ครั้งแรก ฉันรู้สึกทึ่งและหมกมุ่นอยู่กับมันทันที และเชื่อว่าฉันต้องทำให้ภาพวาดของฉันสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ฉัน “ยอมรับ” ความสมจริงจนกระทั่งมันเริ่มคลี่คลายและเผยให้เห็นความขัดแย้งในตัวเอง ตอนนี้ฉันกำลังสำรวจความเป็นไปได้และศักยภาพของรูปแบบการวาดภาพที่ซึ่งการวาดภาพเป็นตัวแทนและนามธรรมมาบรรจบกัน หากทั้งสองรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในเวลาเดียวกัน ฉันจะทำเช่นนั้น”
อันโตนิโอ ฟิเนลลี
ศิลปินชาวอิตาลี – “ ผู้สังเกตการณ์เวลา” – อันโตนิโอ ฟิเนลลี เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2528 ปัจจุบันอาศัยและทำงานในอิตาลีระหว่างโรมและกัมโปบาสโซ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในแกลเลอรี่หลายแห่งในอิตาลีและต่างประเทศ: โรม, ฟลอเรนซ์, โนวารา, เจนัว, ปาแลร์โม, อิสตันบูล, อังการา, นิวยอร์ก และยังสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวและสาธารณะ
ภาพวาดดินสอ” ผู้สังเกตการณ์เวลา“อันโตนิโอ ฟิเนลลีพาเราเดินทางสู่โลกชั่วนิรันดร์ผ่านโลกภายในแห่งกาลเวลาของมนุษย์และการวิเคราะห์โลกนี้อย่างถี่ถ้วนที่เกี่ยวข้อง องค์ประกอบหลักคือการเดินผ่านกาลเวลาและร่องรอยที่ทิ้งไว้บนผิวหนัง
ฟิเนลลีวาดภาพคนทุกวัย เพศ และสัญชาติ ซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าบ่งบอกถึงการผ่านกาลเวลา และศิลปินยังหวังที่จะพบหลักฐานของความไร้ความปรานีแห่งกาลเวลาบนร่างของตัวละครของเขา อันโตนิโอให้คำจำกัดความผลงานของเขาด้วยชื่อทั่วไปว่า "ภาพเหมือนตนเอง" เพราะในภาพวาดดินสอของเขาเขาไม่เพียงแต่พรรณนาถึงบุคคลเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้ชมได้ไตร่ตรองถึงผลลัพธ์ที่แท้จริงของกาลเวลาที่ผ่านไปในตัวบุคคลอีกด้วย
ฟลามิเนีย คาร์โลนี
Flaminia Carloni เป็นศิลปินชาวอิตาลีวัย 37 ปี เป็นลูกสาวของนักการทูต เธอมีลูกสามคน เธออาศัยอยู่ในโรมเป็นเวลาสิบสองปี และสามปีในอังกฤษและฝรั่งเศส เธอได้รับปริญญาด้านประวัติศาสตร์ศิลปะจาก BD School of Art จากนั้นเธอก็ได้รับประกาศนียบัตรในฐานะนักบูรณะงานศิลปะ ก่อนที่จะค้นพบอาชีพและอุทิศตนให้กับการวาดภาพ เธอทำงานเป็นนักข่าว นักวาดภาพ นักออกแบบ และนักแสดง
ความหลงใหลในการวาดภาพของ Flaminia เกิดขึ้นในวัยเด็ก สื่อหลักของเธอคือน้ำมัน เพราะเธอชอบ "coiffer la pate" และชอบเล่นกับวัสดุด้วย เธอจำเทคนิคที่คล้ายกันในผลงานของศิลปิน Pascal Torua Flaminia ได้รับแรงบันดาลใจจากปรมาจารย์ด้านการวาดภาพผู้ยิ่งใหญ่ เช่น Balthus, Hopper และ François Legrand รวมถึงการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่หลากหลาย เช่น สตรีทอาร์ต ความสมจริงแบบจีน สถิตยศาสตร์ และความสมจริงแบบเรอเนซองส์ ศิลปินคนโปรดของเธอคือคาราวัจโจ ความฝันของเธอคือการค้นพบพลังแห่งศิลปะในการบำบัด
เดนิส เชอร์นอฟ
Denis Chernov เป็นศิลปินชาวยูเครนผู้มีความสามารถ เกิดในปี 1978 ในเมือง Sambir ภูมิภาค Lviv ประเทศยูเครน หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Kharkov Art School ในปี 1998 เขายังคงอยู่ที่ Kharkov ซึ่งปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ นอกจากนี้เขายังศึกษาที่ Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphic Arts โดยสำเร็จการศึกษาในปี 2547
เขามีส่วนร่วมในนิทรรศการศิลปะเป็นประจำจนถึงปัจจุบันมีมากกว่าหกสิบรายการทั้งในยูเครนและต่างประเทศ ผลงานของเดนิส เชอร์นอฟส่วนใหญ่ถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัวในยูเครน รัสเซีย อิตาลี อังกฤษ สเปน กรีซ ฝรั่งเศส สหรัฐอเมริกา แคนาดา และญี่ปุ่น ผลงานบางส่วนถูกขายที่ Christie's
เดนิสทำงานในเทคนิคกราฟิกและการระบายสีที่หลากหลาย ภาพวาดดินสอเป็นหนึ่งในวิธีการวาดภาพที่เขาชื่นชอบมากที่สุด รายการธีมในภาพวาดดินสอของเขานั้นมีความหลากหลายมาก เขาวาดภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพเปลือย การเรียบเรียงประเภท ภาพประกอบในหนังสือ การสร้างใหม่ทางวรรณกรรมและประวัติศาสตร์ และจินตนาการ
ในปี พ.ศ. 2319 อเมริกาประกาศเอกราช และตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา การพัฒนาศิลปกรรมแห่งชาติก็เริ่มขึ้นจริง ๆ ซึ่งออกแบบมาเพื่อสะท้อนถึงประวัติศาสตร์ของประเทศ
ศิลปินแห่งศตวรรษที่ 18 ส่วนใหญ่เรียนด้วยตนเองและอิงตามสไตล์ศิลปะอังกฤษ
และในศตวรรษที่ 19 โรงเรียนสอนวาดภาพแห่งแรกได้ถูกสร้างขึ้นแล้ว - โรงเรียนแม่น้ำฮัดสัน
โรงเรียนแม่น้ำฮัดสัน
โรงเรียนแม่น้ำฮัดสันเป็นชื่อของกลุ่มจิตรกรภูมิทัศน์ชาวอเมริกัน งานของพวกเขาได้รับการพัฒนาในรูปแบบของแนวโรแมนติก ภาพวาดแสดงถึงหุบเขาแม่น้ำฮัดสันและบริเวณโดยรอบ ศิลปินมักวาดภาพสัตว์ป่าอเมริกันและตั้งคำถามถึงความเป็นไปได้ของความก้าวหน้าทางเทคโนโลยี
โธมัส โคล "อ็อกซ์โบว์" (1836) พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตัน (นิวยอร์ก)
โรงเรียนแม่น้ำฮัดสันไม่ใช่ปรากฏการณ์ที่เป็นเนื้อเดียวกันในการวาดภาพในเวลานั้น: ตัวอย่างเช่นมีหน่อในรูปแบบของอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งเรียกว่า ความส่องสว่าง- การส่องสว่างให้ความสนใจอย่างมากต่อการรับรู้แสงของศิลปิน การส่องสว่างนั้นแตกต่างจากอิมเพรสชั่นนิสต์ตรงที่การใส่ใจในรายละเอียดมากขึ้นและมีการสร้างฝีแปรงที่ซ่อนอยู่ แต่โดยทั่วไปแล้วทั้งสองสไตล์นี้จะคล้ายกัน
ฟิทซ์เฮนรี่เลน "เรือในสายหมอก" (2403)
ผู้ก่อตั้งโรงเรียนคือศิลปินโทมัสโคล เขาออกเดินทางบนแม่น้ำฮัดสันในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2368 จากนั้นเขาก็เข้าร่วมกับเพื่อนสนิทของเขา แอชเชอร์ บราวน์ ดูรันด์ ศิลปินคนอื่นๆ ของโรงเรียน:
อัลเบิร์ต เบียร์สตัดท์
จอห์น วิลเลียม คาซิลิเยร์
โบสถ์เฟรเดริก เอ็ดวิน
โทมัส โคล
ซามูเอล โคลแมน
แจสเปอร์ ฟรานซิส ครอปซีย์
โธมัส โดตี
โรเบิร์ต สก็อตต์ ดันแคนสัน
แซนฟอร์ด โรบินสัน กิฟฟอร์ด
เจมส์ แมคดูกัล ฮาร์ต
วิลเลียม ฮาร์ต
วิลเลียม สแตนลีย์ ฮาเซลไทน์
มาร์ติน จอห์นสัน เฮดี และคณะ
ภาพวาดของศิลปินโรงเรียนฮัดสันโดดเด่นด้วยความเรียบง่ายและเป็นธรรมชาติ
โธมัส โคล (1801-1848)
โธมัส โคล เกิดที่อังกฤษ ในปี พ.ศ. 2361 ครอบครัวของเขาอพยพไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกา โคลเรียนรู้พื้นฐานของอาชีพของเขาจากสไตน์ ศิลปินวาดภาพเหมือนนักเดินทาง แต่การถ่ายภาพบุคคลไม่ประสบความสำเร็จสำหรับเขา และเขาเริ่มวาดภาพทิวทัศน์ นอกจากนี้เขายังประสบความสำเร็จในการวาดภาพเปรียบเทียบเช่นชุด "การเดินทางแห่งชีวิต" ซึ่งประกอบด้วยภาพวาดเกี่ยวกับสี่ช่วงชีวิตของบุคคล: วัยเด็ก เยาวชน วุฒิภาวะ และวัยชรา วัฏจักรนี้ถูกเก็บไว้ในหอศิลป์แห่งชาติ (วอชิงตัน สหรัฐอเมริกา)
ต. โคล "วัยเด็ก"
ในภาพวาดแรก ศิลปินวาดภาพเด็กในเรือที่ลอยไปตามแม่น้ำแห่งชีวิต เรือลำนี้มีนางฟ้าคอยนำทาง เพราะ... เด็กยังไม่สามารถเป็นอิสระได้ ขอบฟ้าของเขาเหมือนกับในภาพวาดที่มีจำกัด รูปร่างที่หัวเรือถือนาฬิกาทรายซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของเวลา
ที.โคล "เยาวชน"
เรือลำเดียวกัน แต่มีชายหนุ่มอยู่ในนั้นแล้ว เขาควบคุมเรือด้วยตัวเขาเองแล้ว แต่นางฟ้าก็ยังไม่ทิ้งเขาไป - เขาเฝ้าดูเขาจากฝั่ง
ทูตสวรรค์ยังคงเฝ้าดูชายคนนั้นต่อไป แต่เขาจมอยู่กับปัญหาของตัวเองที่ครอบงำเขา - สิ่งนี้เน้นไปที่การระบายสีที่มืดมนของภาพ ต้นไม้ที่ล้มลงเนื่องจากพายุ...
ที. โคล "วัยชรา"
และตอนนี้การเดินทางในชีวิตของบุคคลกำลังจะสิ้นสุดลง ร่างที่มีนาฬิกาทรายไม่ได้อยู่บนเรืออีกต่อไป - เวลาของชีวิตบนโลกสิ้นสุดลงแล้ว และเรือก็ทรุดโทรมไปหมด...
เทวดาผู้พิทักษ์ลงมาหาเขาเพื่อนำทางเขาไปสู่อีกโลกหนึ่ง และเทวดาองค์อื่นก็มองเห็นได้ในระยะไกล โคลกล่าวถึงภาพนี้: “พันธนาการของการดำรงอยู่ทางร่างกายหลุดออกไป และจิตใจก็สามารถเห็นแวบหนึ่งของชีวิตนิรันดร์ได้แล้ว”
วินสโลว์ โฮเมอร์ (1836-1910)
ภาพถ่ายจากปี 1880
ศิลปินและกราฟิกชาวอเมริกัน ผู้ก่อตั้งการวาดภาพแบบสมจริง เป็นที่รู้จักดีที่สุดจากทิวทัศน์ท้องทะเลของเขา เขาวาดภาพด้วยสีน้ำมันและสีน้ำ งานของเขามีอิทธิพลต่อการพัฒนาจิตรกรรมอเมริกันในเวลาต่อมาทั้งหมด
โฮเมอร์ได้รับอิทธิพลจากการเคลื่อนไหวทางศิลปะต่างๆ แต่มีพื้นฐานมาจากวิชาอเมริกันล้วนๆ
ภาพวาดของเขาในยุคแรกนั้นสว่างและเงียบสงบ ในขณะที่ยุคสุดท้ายโดดเด่นด้วยโทนสีมืดและธีมที่น่าเศร้า
W. Homer “สัญญาณหมอก” พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์บอสตัน (สหรัฐอเมริกา)
ธีมของภาพวาดคือการต่อสู้ของมนุษย์กับทะเล ความสัมพันธ์ระหว่างชีวิตมนุษย์ที่เปราะบางกับธรรมชาตินิรันดร์
โธมัส คาวเพิร์ธเวต เอคินส์ (เอคินส์) (1844-1916)
ศิลปิน ช่างภาพ ครู ตัวแทนชั้นนำของการวาดภาพแบบสมจริงของอเมริกา
ที. เอคินส์. ภาพเหมือนตนเอง (1902)
เขาสำเร็จการศึกษาจากสถาบันวิจิตรศิลป์แห่งเพนซิลเวเนีย และพัฒนาทักษะของเขาเพิ่มเติมในยุโรป โดยส่วนใหญ่อยู่ในปารีสภายใต้การแนะนำของฌอง ลีออน เกอโรม เขาสอนที่ Academy of Fine Arts และเป็นผู้อำนวยการ
เขาให้ความสนใจอย่างมากกับการศึกษาและการพรรณนาภาพเปลือยโดยแสดงความคิดอิสระซึ่งเขาถูกไล่ออก ในภาพวาดและภาพถ่ายของ Eakins ร่างกายที่เปลือยเปล่าและกึ่งเปลือยเป็นจุดศูนย์กลาง เขาเป็นเจ้าของภาพนักกีฬามากมาย เอคินส์สนใจเป็นพิเศษในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์
ต. เอกินส์ "ว่ายน้ำ" (2438)
เขาวาดภาพบุคคลในสภาพแวดล้อมที่มีหลายร่าง
ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ “The Gross Clinic”
ต. เอกินส์ "คลินิกรวม" (2418)
ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นถึงศัลยแพทย์ชื่อดังชาวฟิลาเดลเฟีย ซามูเอล กรอสส์ ซึ่งเป็นผู้นำการผ่าตัดต่อหน้านักศึกษาในสถาบันการแพทย์ ศิลปินวาดภาพดร. กรอสส์ว่าเป็นอัจฉริยะด้านความคิดของมนุษย์ แต่ภาพดังกล่าวทำให้คนรุ่นเดียวกันตกตะลึงด้วยความสมจริง
T. Eakins ยังเป็นที่รู้จักจากภาพบุคคลที่สำคัญหลายภาพ รวมถึงภาพเหมือนของกวีและนักประชาสัมพันธ์ชาวอเมริกัน Walt Whitman (พ.ศ. 2430-2431) ซึ่งกวีเองก็ถือว่าดีที่สุด
ที. เอคินส์. ภาพเหมือนของวิทแมน (2430)
เจมส์ แอบบอตต์ แมคนีล วิสต์เลอร์ (1834-1903)
ศิลปินแองโกล-อเมริกัน จิตรกรภาพบุคคล ช่างแกะสลัก และช่างพิมพ์หิน บรรพบุรุษของอิมเพรสชันนิสม์และสัญลักษณ์นิยม
ดี. วิสต์เลอร์. ภาพเหมือนตนเอง สถาบันศิลปะ (ดีทรอยต์)
เกิดที่เมืองโลเวลล์ รัฐแมสซาชูเซตส์ พ่อของเขา George Washington Whistler ซึ่งเป็นวิศวกรการรถไฟชื่อดัง ได้รับเชิญให้สร้างถนนในรัสเซียในปี 1842 เขาเป็นผู้ออกแบบทางรถไฟ Nikolaev ในรัสเซีย เจมส์เข้าเรียนที่ Academy of Arts ในสหรัฐอเมริกาเขาเรียนที่โรงเรียนเตรียมทหาร แต่ถูกไล่ออกเนื่องจากผลการเรียนไม่ดี
D. Whistler “การจัดเรียงเป็นสีเทาและสีดำ แม่ของศิลปิน (2414) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ (ปารีส)
นี่คือผลงานที่โด่งดังที่สุดของ James Whistler
เขาศึกษาการวาดภาพในปารีส จากนั้นในเวนิส (เขาศึกษาภาพร่างสีน้ำและการแกะสลัก)
ในช่วงแรกของการทำงาน วิสต์เลอร์มีความใกล้ชิดกับลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ด้วยความปรารถนาที่จะบันทึกความประทับใจครั้งแรกของวัตถุ ไม่ว่าจะเป็นทิวทัศน์หรือบุคคล แต่ในหลายประเด็นเขาไม่เห็นด้วยกับแนวอิมเพรสชั่นนิสต์: เขาไม่เห็นด้วยกับลัทธิ Plein Air และคิดถึงโทนสีล่วงหน้า ในงานชิ้นหลังของเขา วิสต์เลอร์ใช้สีโปร่งใสเหมือนสีน้ำที่เจือจางมาก ซึ่งสื่อถึงความรู้สึกของการเคลื่อนไหวที่ไม่มั่นคงของสภาพแวดล้อมในชั้นบรรยากาศ
D. Whistler “ซิมโฟนีในมหาสมุทรสีเทาและสีเขียว” (2409-2415)
ประเภทในชีวิตประจำวัน
การพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ในการวาดภาพอเมริกันในศตวรรษที่ 19 ได้รับประเภทครัวเรือน ในตอนแรกแนวนี้มีพื้นฐานมาจากการบรรยายภาพชีวิตในต่างจังหวัดด้วยไพ่ การเต้นรำ ฯลฯ
อีสต์แมนจอห์นสัน "ความสุขของ Stagecoach ที่ถูกทิ้งร้าง" (2414)
แต่หลังจากการปฏิวัติอุตสาหกรรมและการขยายตัวของเมืองเริ่มขึ้นในสหรัฐอเมริกา ศิลปินก็เริ่มวาดภาพชีวิตของผู้อยู่อาศัยในเมืองใหญ่
John Gast "ความก้าวหน้าของอเมริกา" (ประมาณปี 1872)
ภาพวาดนี้แสดงถึงโคลอมเบียเชิงเปรียบเทียบโดยมีหนังสือเรียนอยู่ในมือ เธอนำอารยธรรมไปทางทิศตะวันตกพร้อมกับผู้ตั้งถิ่นฐานชาวอเมริกัน โดยขึงสายโทรเลขตลอดทาง ภาพแสดงกิจกรรมทางเศรษฐกิจประเภทต่างๆ ของผู้ตั้งถิ่นฐานกลุ่มแรก ประวัติความเป็นมาของการขนส่ง มีภาพชาวอินเดียและสัตว์ป่ากำลังหนีจากผู้ตั้งถิ่นฐาน
“โรงเรียนถังขยะ”
ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 สหรัฐอเมริกาประสบกับการเติบโตอย่างรวดเร็วของเมืองใหญ่ กล้องในยุคนั้นยังไม่สามารถนำมาใช้ถ่ายภาพเหตุการณ์ได้อย่างรวดเร็ว หนังสือพิมพ์ข่าวจึงจ้างศิลปินมาวาดภาพ สิ่งนี้ได้ก่อตั้งโรงเรียนถังขยะขึ้น ซึ่งรวมถึง Robert Henry, Glenn Coleman, Jerome Myers และ George Bellows ประเด็นหลักของภาพร่างของสตูดิโอคือท้องถนนซึ่งมีตัวแทนทั่วไป ได้แก่ เด็กเร่ร่อน โสเภณี นักแสดงข้างถนน และผู้อพยพ ต้นกำเนิด การศึกษา และมุมมองทางการเมืองของศิลปินเหล่านี้มีความหลากหลาย แต่โรเบิร์ตเฮนรี่เชื่อว่าชีวิตและกิจกรรมของคนจน ชนชั้นกรรมาชีพ และชนชั้นกลางมีค่าควรแก่การแสดงให้เห็นในการวาดภาพ - นี่คือความเป็นจริงของเวลา
George Bellows "ความช่วยเหลือของพยาบาล Edith Cavell" (1918)
“โรงเรียนถังขยะ” ปฏิวัติทัศนศิลป์ของสหรัฐอเมริกาเป็นผู้บุกเบิก
อลีนา วานตยาเอวา
การวาดภาพทิวทัศน์ของอเมริกาในศตวรรษที่ 19 มีสองการเคลื่อนไหวหลัก: แนวโรแมนติกและความสมจริง ด้วยการผนวกดินแดนใหม่เข้ากับสหรัฐอเมริกา รวมถึงการเคลื่อนไหวของผู้ตั้งถิ่นฐานไปทางทิศตะวันตก ขอบเขตอันกว้างไกลของแรงบันดาลใจที่ไม่รู้จักมาก่อนได้เปิดกว้างขึ้นสำหรับศิลปิน การพรรณนาถึงธรรมชาติของอเมริกาและเอกลักษณ์ประจำชาติกลายเป็นประเด็นหลักในศิลปะภูมิทัศน์
หนึ่งในโรงเรียนสอนวาดภาพที่มีชื่อเสียงและมีอิทธิพลมากที่สุดในสหรัฐอเมริกาในศตวรรษที่ 19 คือโรงเรียน Hudson River ซึ่งก่อตั้งขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1850 โดยผู้ติดตามผลงานของศิลปินภูมิทัศน์ Thomas Cole (ช่วงรุ่งเรืองของงานของเขาอยู่ในทศวรรษที่ 20-40 ของศตวรรษที่ 19) โรงเรียนส่วนใหญ่ประกอบด้วยศิลปินจาก New York National Academy of Arts รวมถึงสมาคมสร้างสรรค์อื่นๆ ภาพวาดของศิลปินโรงเรียนฮัดสันและวิสัยทัศน์ด้านสุนทรียภาพของโลกได้รับอิทธิพลจากการเคลื่อนไหวที่โรแมนติกในงานศิลปะ แรงจูงใจหลักของการทำงานของตัวแทนมากกว่า 50 คนคือภาพลักษณ์ของสัตว์ป่าอเมริกัน ซึ่งมักแสดงออกมาในเชิงอุดมคติ บ่อยครั้งที่หุบเขาฮัดสันและพื้นที่โดยรอบตลอดจนภูเขากลายเป็นเป้าหมายของภาพ โรงเรียนฮัดสันเป็นกลุ่มคนที่ได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดที่มีร่วมกันมากกว่าสถาบันการศึกษา
ภาพวาดของศิลปินโรงเรียนฮัดสันริเวอร์ไม่เพียงแต่บรรยายถึงความงามของธรรมชาติของอเมริกาเท่านั้น แต่ยังมีลักษณะเฉพาะด้วย ผืนผ้าใบบรรยายฉากการค้นพบ การสำรวจ และการตั้งถิ่นฐานของทวีปอเมริกา คุณลักษณะอย่างหนึ่งของการพรรณนาภูมิทัศน์ของอเมริกาคือการอยู่ร่วมกันอย่างสันติและกลมกลืนของมนุษย์และธรรมชาติอย่างเหลือเชื่อ ในผลงานของศิลปิน ธรรมชาติถูกพรรณนาว่าเป็นมาตรฐานของความบริสุทธิ์และความบริสุทธิ์ และเน้นย้ำถึงความศักดิ์สิทธิ์ของต้นกำเนิดของมัน
ศิลปินที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียน Hudson River ได้แก่ Albert Bierstadt (1830-1902) และโบสถ์ Frederic Edwin (1826-1902)
ในบรรดาภาพวาดที่น่าทึ่งและมีชื่อเสียงที่สุดที่เขียนโดยคริสตจักรและเน้นความงามตามธรรมชาติของน้ำ ภูเขา และท้องฟ้า ได้แก่ "น้ำตกไนแองการา" และ "หัวใจแห่งเทือกเขาแอนดีส"
“น้ำตกไนแอการา”, พ.ศ. 2400, หอศิลป์คอร์โครัน ในกรุงวอชิงตัน ดี.ซี.
“หัวใจแห่งเทือกเขาแอนดีส” พ.ศ. 2402 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนนิวยอร์ก
ศิลปินชาวอเมริกันที่มีรากฐานมาจากภาษาเยอรมัน Albert Bierstadt ทำให้สาธารณชนประหลาดใจด้วยทิวทัศน์ภูเขาบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ ภาพวาดที่น่าประทับใจที่สุดชิ้นหนึ่งของศิลปินคือ “เทือกเขาร็อกกี้”
“เทือกเขาร็อกกี” โดย Albert Bierstadt, 1863, พิพิธภัณฑ์ Metropolitan, นิวยอร์ก
ตรงกันข้ามกับการรับรู้ในอุดมคติของโลกโดยรอบของศิลปินของโรงเรียนฮัดสัน ศิลปะที่เหมือนจริงของวินสโลว์ โฮเมอร์ (พ.ศ. 2379-2453) ได้แสดง นอกจากนี้เขายังศึกษาที่ National Academy of Arts แต่ความเป็นจริงของกลางศตวรรษที่ 19 กลายเป็นหัวข้อของภาพบนผืนผ้าใบของเขา ในช่วงสงครามกลางเมืองอเมริกา (พ.ศ. 2404-2408) โฮเมอร์เป็นศิลปินสงคราม ความจริงของการมีส่วนร่วมในการปฏิบัติการทางทหารมีอิทธิพลต่อความจริงของการพรรณนาฉากทางทหาร ภาพวาดที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือ "นักโทษจากแนวหน้า" หลังจากสิ้นสุดสงคราม W. Homer วาดภาพบนผืนผ้าใบโดยได้รับแรงบันดาลใจจากชีวิตที่สงบสุขในชีวิตประจำวัน อย่างไรก็ตาม เขาก็พบหัวข้อที่น่าสนใจในนั้นด้วย
“นักโทษจากแนวหน้า” โดย W. Homer, 1866, พิพิธภัณฑ์เมโทรโพลิตันในนิวยอร์ก
ศตวรรษที่ 19 นำมาซึ่งบททดสอบอันยากลำบากสำหรับชาวอเมริกัน อย่างไรก็ตาม แม้จะมีความยากลำบากในการสร้างสังคมอเมริกันขึ้นมาใหม่ แต่ก็ยังได้รับอะไรอีกมากมาย ด้วยการรวมดินแดนใหม่เข้าไปในสหรัฐอเมริกา พื้นที่ใหม่และความสวยงามของแผ่นดินอเมริกาจึงเปิดกว้างให้กับผู้คน และเหตุการณ์ต่างๆ ในสงครามกลางเมืองทำให้ผู้คนมี "อาหารแห่งความคิด" ประสบการณ์ของคนอเมริกันอดไม่ได้ที่จะสะท้อนให้เห็นในงานศิลปะ นี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมการวาดภาพทิวทัศน์ของอเมริกาถึงจุดสูงสุดในศตวรรษที่ 19