ภาพลักษณ์ของบุคคลเปลี่ยนไปอย่างไร ภาพลักษณ์ของมนุษย์ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมศิลปะโลก

...และทำไมถึงมีความสวยงามในสมัยเรอเนซองส์

ทำไมเด็กในภาพเขียนยุคกลางถึงน่าเกลียดขนาดนี้? เพื่อหาคำตอบสำหรับคำถามนี้ Phil Edwards ผู้สื่อข่าว Vox ได้พูดคุยกับ Matthew Averett ศาสตราจารย์ด้านประวัติศาสตร์ศิลปะที่ Creighton University และบรรณาธิการของกวีนิพนธ์ " เด็กในศิลปะและประวัติศาสตร์สมัยใหม่ตอนต้น"(เด็กสมัยใหม่ตอนต้นในศิลปะและประวัติศาสตร์)

“น่าเกลียด” กำลังพูดอย่างอ่อนโยน เด็กทารกในภาพวาดยุคกลางดูเหมือนผู้ชายตัวเล็กๆ ที่น่ากลัวและมีคอเลสเตอรอลสูง

เหล่านี้คือลูกหลานของปี 1350:

เด็กทารกที่น่าขนลุกจากปี 1350 ในเพลง "Madonna of Veveří" โดยปรมาจารย์แห่งแท่นบูชา Vyshebrod -

หรือนี่คืออีกอันหนึ่งจาก 1333:

“มาดอนน่าและพระบุตร” วาดในอิตาลี โดยเปาโล เวเนเซียโน, ค.ศ. 1333 Mondadori ผลงาน / .

เมื่อมองดูคนตัวเล็กที่น่าเกลียดเหล่านี้ เราก็คิดว่าเราจะจัดการเปลี่ยนจากภาพเด็กในยุคกลางที่น่าเกลียดไปสู่ทารกเทวดาแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและสมัยใหม่ได้อย่างไร ด้านล่างนี้เป็นภาพสองภาพที่แสดงให้เห็นว่าความคิดเกี่ยวกับใบหน้าของเด็กเปลี่ยนไปมากแค่ไหน

.

ฟิลิปปิโน ลิปปี้/ .

ทำไมจึงมีเด็กน่าเกลียดมากมายในภาพวาด? เพื่อให้เข้าใจเหตุผล เราต้องดูประวัติศาสตร์ศิลปะ วัฒนธรรมยุคกลาง และแม้แต่แนวคิดสมัยใหม่เกี่ยวกับเด็ก

บางทีศิลปินยุคกลางอาจจะวาดรูปไม่เก่งใช่ไหม?

ภาพวาดสมัยศตวรรษที่ 15 นี้ฝีมือศิลปินชาวเวนิส จาโคโป เบลลินี แต่วาดภาพเด็กทารกในสไตล์ยุคกลาง -

เด็กถูกจงใจแสดงให้เห็นว่าน่าเกลียด เส้นแบ่งระหว่างยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีประโยชน์เมื่อพิจารณาถึงการเปลี่ยนจากเด็กที่ "น่าเกลียด" ไปเป็นเด็กที่น่ารักยิ่งขึ้น การเปรียบเทียบระหว่างยุคสมัยต่างๆ มักจะเผยให้เห็นความแตกต่างในคุณค่า

« เมื่อเราคิดถึงเด็กๆ ในมุมมองที่แตกต่างโดยพื้นฐาน สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในภาพวาด -เอเวอเรตต์กล่าว - นั่นคือทางเลือกของสไตล์ เราสามารถดูศิลปะยุคกลางแล้วบอกว่าคนเหล่านี้ดูไม่เหมาะสม แต่หากเป้าหมายคือการทำให้ภาพวาดดูเหมือนปิกัสโซ และคุณสร้างภาพที่สมจริง พวกเขาจะบอกคุณว่าคุณทำผิด แม้ว่านวัตกรรมทางศิลปะจะมาพร้อมกับยุคเรอเนซองส์ แต่ก็ไม่ใช่เหตุผลว่าทำไมทารกถึงสวยขึ้น».

บันทึก:
เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 14 ในเมืองฟลอเรนซ์ และจากนั้นก็แพร่กระจายไปทั่วยุโรป อย่างไรก็ตาม เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวทางปัญญาอื่น ๆ มันมีลักษณะทั้งกว้างและแคบเกินไป: กว้างเกินไปในแง่ของการสร้างความประทับใจว่าคุณค่าของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกิดขึ้นทันทีและทุกที่ และแคบเกินไปในการจำกัดการเคลื่อนไหวของมวลชนให้เหลือเพียงโซนเดียวของ นวัตกรรม . มีช่องว่างในยุคเรอเนซองส์ - คุณสามารถเห็นภาพเด็กน่าเกลียดได้อย่างง่ายดายในปี 1521 หากศิลปินมุ่งมั่นในสไตล์นั้น

เราสามารถติดตามเหตุผลสองประการว่าทำไมเด็กทารกในภาพวาดในยุคกลางจึงดูเป็นลูกผู้ชาย:

• ทารกในยุคกลางส่วนใหญ่เป็นภาพของพระเยซู ความคิดเรื่องพระเยซูผู้เป็นมนุษย์ (ที่ว่าพระองค์ประสูติในรูปลักษณ์ของผู้ใหญ่ไม่ใช่เด็ก) มีอิทธิพลต่อวิธีการแสดงภาพเด็กทุกคน

ตามกฎแล้วภาพเด็กในยุคกลางถูกสร้างขึ้นตามคำสั่งของคริสตจักร ซึ่งหมายความว่าภาพเหล่านั้นเป็นภาพพระเยซูหรือทารกอื่นๆ ในพระคัมภีร์ ในช่วงยุคกลาง ความคิดเกี่ยวกับพระเยซูได้รับอิทธิพลอย่างมากจากโฮมุนครุส ซึ่งแปลว่าตามตัวอักษร ชายร่างเล็ก. « ตามความคิดนี้ พระเยซูทรงปรากฏเป็นรูปที่สมบูรณ์และไม่เปลี่ยนแปลง -เอเวอเรตต์กล่าว - และถ้าเราเปรียบเทียบสิ่งนี้กับภาพวาดไบแซนไทน์ เราจะได้ภาพพระเยซูมาตรฐาน ในภาพเขียนบางภาพเขาดูเหมือนจะมีสัญญาณของศีรษะล้านแบบผู้ชาย».

จิตรกรรมโดยบาร์นาบา ดา โมเดนา (ใช้งานตั้งแต่ ค.ศ. 1361 ถึง ค.ศ. 1383) ภาพ: DeAgostini/.

พระเยซูผู้เป็นมนุษย์ (ดูเป็นผู้ใหญ่) กลายเป็นพื้นฐานสำหรับการวาดภาพของเด็กทุกคน เมื่อเวลาผ่านไป ผู้คนเริ่มคิดว่านี่คือวิธีที่ควรนำเสนอเด็กทารก

• ศิลปินยุคกลางไม่ค่อยสนใจเรื่องความสมจริง

การแสดงภาพพระเยซูที่ไม่สมจริงนี้สะท้อนถึงแนวทางที่กว้างกว่าสำหรับศิลปะยุคกลาง: ศิลปินในยุคกลางสนใจเรื่องความสมจริงหรือรูปแบบในอุดมคติน้อยกว่าศิลปินในสมัยเรอเนซองส์

« ความแปลกประหลาดที่เราเห็นในศิลปะยุคกลางเกิดจากการขาดความสนใจในลัทธิธรรมชาตินิยมและความโน้มเอียงมากขึ้นต่อประเพณีการแสดงออก"เอเวอเรตต์กล่าว

ในทางกลับกัน สิ่งนี้ทำให้คนส่วนใหญ่ในยุคกลางถูกมองว่าคล้ายคลึงกัน - ความคิดเรื่องเสรีภาพทางศิลปะในการดึงดูดผู้คนในแบบที่คุณต้องการจะเป็นเรื่องใหม่ อนุสัญญาได้รับการปฏิบัติตามในงานศิลปะ».

การยึดติดกับรูปแบบการวาดภาพนี้ทำให้เด็กทารกดูเหมือนพ่อที่ไม่สมส่วน อย่างน้อยก็จนถึงยุคเรอเนซองส์

วิธีที่เด็กๆ กลับมาสวยงามอีกครั้งในสมัยเรอเนซองส์

เด็กผู้น่ารักในภาพวาดของราฟาเอล ค.ศ. 1506 ภาพ: ภาพวิจิตรศิลป์/ภาพมรดก/

อะไรเปลี่ยนแปลงไปและส่งผลให้เด็ก ๆ กลับมาสวยอีกครั้ง?

• ศิลปะที่ไม่ใช่ศาสนาเจริญรุ่งเรือง และผู้คนไม่อยากให้ลูกๆ ของตนดูเหมือนคนตัวเล็กที่น่าขนลุก

« ในช่วงยุคกลาง เราจะเห็นภาพของชนชั้นกลางและคนทั่วไปน้อยลง"เอเวอเรตต์กล่าว

เมื่อถึงยุคเรอเนซองส์ สิ่งนี้เริ่มเปลี่ยนไปเมื่อชนชั้นกลางในฟลอเรนซ์เจริญรุ่งเรือง และผู้คนสามารถซื้อภาพเหมือนของลูกๆ ของตนได้ การถ่ายภาพบุคคลกำลังได้รับความนิยมเพิ่มมากขึ้น และลูกค้าต้องการให้ลูกๆ ของพวกเขาดูเหมือนเด็กทารกที่น่ารัก มากกว่าที่จะเป็นมนุษย์ที่น่าเกลียด นี่คือวิธีที่มาตรฐานทางศิลปะเปลี่ยนแปลงไปในหลายๆ ด้าน และท้ายที่สุดคือในการวาดภาพเหมือนของพระเยซู

• อุดมคตินิยมยุคเรอเนซองส์เปลี่ยนศิลปะ

« ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา -เอเวอเรตต์ พูดว่า - มีความสนใจใหม่ในการสังเกตธรรมชาติและพรรณนาสิ่งต่าง ๆ ตามที่เห็นจริง- และไม่ได้อยู่ในประเพณีการแสดงออกที่กำหนดไว้ก่อนหน้านี้ สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในภาพถ่ายบุคคลที่เหมือนจริงของเด็กทารก และในเครูบที่สวยงาม ซึ่งซึมซับส่วนที่ดีที่สุดจากคนจริงๆ

• เด็ก ๆ ได้รับการยอมรับว่าเป็นสิ่งมีชีวิตที่ไร้เดียงสา

Averett เตือนไม่ให้เข้มงวดเกินไปเกี่ยวกับบทบาทของเด็กในยุคเรอเนซองส์ พ่อแม่ในยุคกลางก็รักลูกๆ ของตนไม่ต่างไปจากในยุคเรอเนซองส์ แต่ความคิดเกี่ยวกับเด็กและการรับรู้ของพวกเขาเปลี่ยนไปตั้งแต่ผู้ใหญ่ตัวเล็กๆ ไปจนถึงสิ่งมีชีวิตที่ไร้เดียงสา

« ต่อมาเราเกิดความคิดว่าเด็กไร้เดียงสาบันทึกของเอเวอเรตต์ - ถ้าเด็กเกิดมาไม่มีบาปก็จะไม่สามารถรู้อะไรได้เลย».

เมื่อทัศนคติของผู้ใหญ่ที่มีต่อเด็กเปลี่ยนไป สิ่งเดียวกันนี้ก็สะท้อนให้เห็นในภาพเด็กที่วาดโดยผู้ใหญ่ เด็กที่น่าเกลียด (หรือเด็กที่สวยงาม) สะท้อนถึงสิ่งที่สังคมคิดเกี่ยวกับเด็ก ๆ เกี่ยวกับศิลปะ และเกี่ยวกับงานในการเลี้ยงดูบุตร

ทำไมเรายังอยากให้ลูกๆ ของเราดูสวยงาม

ปัจจัยทั้งหมดนี้มีอิทธิพลต่อการที่เด็กๆ กลายเป็นตัวละครแก้มอ้วนที่เราคุ้นเคยในปัจจุบัน และสำหรับเราซึ่งเป็นผู้ชมยุคใหม่ สิ่งนี้เป็นเรื่องง่ายที่จะเข้าใจ เพราะเรายังคงมีอุดมคติเกี่ยวกับเด็กๆ ในยุคหลังยุคเรอเนซองส์อยู่บ้าง

ในความเห็นของเรา เป็นเรื่องดีที่ภาพลักษณ์ของเด็กเปลี่ยนไป ท้ายที่สุดแล้ว มีเพียงแม่เท่านั้นที่สามารถชอบใบหน้าเช่นนี้:

ไอคอนจาก 1304 บิตอนโต ภาพ: Mondadori Portfolio/.

ศิลปะแห่งยุคกลางสะท้อนให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงในความคิดของมนุษย์ยุคกลางจากภายนอกสู่ภายในอย่างเพียงพอมากที่สุดซึ่งเป็นการตกแต่งภายในของชีวิตฝ่ายวิญญาณของเขา อาสนวิหารยุคกลางต้อนรับผู้ศรัทธาเข้าสู่ตัวเองและมีอิทธิพลต่อเขาด้วยการตกแต่งภายในและผลงานประติมากรรมและภาพวาดที่กระจุกตัวอยู่ในวัด

ในการพัฒนาสถาปัตยกรรมในยุคกลางมีสองรูปแบบที่แตกต่างกัน: โรมัน (ศตวรรษที่ XI-XII) และโกธิค (ศตวรรษที่ XIII-XV) สไตล์โรมาเนสก์โดดเด่นด้วยโครงสร้างขนาดใหญ่ เช่น ปราสาทศักดินา ป้อมปราการเมือง มหาวิหาร ความชัดเจน มั่นคง น่าประทับใจเป็นคุณลักษณะของสถาปัตยกรรมโรมาเนสก์ Phantasmagoria ของการประพันธ์ประติมากรรม, สัญลักษณ์เปรียบเทียบทางวรรณกรรม, ความสยองขวัญและความอับอายของบาปของมนุษย์ต่อหน้าพระเจ้าผู้ไร้ความปรานีเป็นภาพของศิลปะยุคกลางตอนต้น

โกธิคเป็นรูปแบบหนึ่งของพฤกษ์ทั้งในด้านดนตรีและสถาปัตยกรรม ลักษณะที่ปรากฏในยุโรปมีความเกี่ยวข้องกับการเติบโตของจิตสำนึกสาธารณะและการเติบโตของความมั่นใจของมนุษย์ในความสามารถของตนเอง อาสนวิหารกอธิคเป็นป่าไม้โค้งสูงตระหง่าน มีกระจกสีแคบและใหญ่โต การก่อสร้างและตกแต่งใช้เวลาหลายทศวรรษและหลายศตวรรษ มีการจัดพิธีศักดิ์สิทธิ์ในมหาวิหาร การบรรยายในมหาวิทยาลัย การแสดงละคร และแม้กระทั่งการประชุมรัฐสภา

ความสำเร็จทางวัฒนธรรมในยุคนั้นคือการเกิดขึ้นของรูปแบบศิลปะที่ยิ่งใหญ่ซึ่งสังเคราะห์งานศิลปะประเภทอื่นๆ

3. การชมงานศิลปะในยุคเรอเนซองส์

ศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือยุคของมนุษยนิยมของยุโรป ลัทธิมานุษยวิทยา และการสร้างคุณค่าของบุคลิกภาพของมนุษย์ การขยายตัวของเมืองในอิตาลีและความเชี่ยวชาญของเมืองต่างๆ ทำให้ฟลอเรนซ์เป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมทางศิลปะและความคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ในยุคนั้น การเปลี่ยนแปลงทั้งหมดในชีวิตของสังคมมาพร้อมกับการต่ออายุวัฒนธรรมในวงกว้าง - ความเจริญรุ่งเรืองของวิทยาศาสตร์ธรรมชาติและที่แน่นอน วรรณกรรมในภาษาประจำชาติ และโดยเฉพาะอย่างยิ่งวิจิตรศิลป์ การถือกำเนิดของการพิมพ์เปิดโอกาสที่ไม่เคยมีมาก่อนในการเผยแพร่ผลงานวรรณกรรมและวิทยาศาสตร์

ด้วยความซับซ้อนและความคลุมเครือของสุนทรียภาพในยุคเรอเนซองส์ หลักการสำคัญประการหนึ่งจึงสามารถระบุได้ว่าเป็นการทำให้บุคลิกภาพของมนุษย์มีความสมบูรณ์อย่างสมบูรณ์ บทความเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และงานศิลปะในยุคเรอเนซองส์มีลักษณะเป็นความคิดในอุดมคติของมนุษย์ในฐานะที่เป็นเอกภาพของเหตุผลและราคะในฐานะความเป็นอยู่อิสระที่มีความเป็นไปได้ในการสร้างสรรค์ที่ไร้ขีดจำกัด มีความเกี่ยวข้องกับมานุษยวิทยาในสุนทรียภาพแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและความเข้าใจในความงดงาม ความประเสริฐ และความกล้าหาญ หลักการของบุคลิกภาพของมนุษย์ที่สวยงามและสร้างสรรค์ทางศิลปะนั้นถูกรวมเข้ากับนักทฤษฎีในยุคเรอเนซองส์ด้วยความพยายามที่จะคำนวณสัดส่วน ความสมมาตร และเปอร์สเปคทีฟทางคณิตศาสตร์ การคิดเชิงสุนทรีย์และศิลปะในยุคนี้เป็นครั้งแรกที่มีพื้นฐานจากการรับรู้ของมนุษย์เช่นนี้และจากภาพของโลกที่เย้ายวนใจ

สุนทรียศาสตร์ของศิลปะยุคเรอเนซองส์มุ่งสู่การเลียนแบบธรรมชาติ อย่างไรก็ตาม สิ่งแรกที่มาถึงที่นี้ไม่ได้เป็นธรรมชาติมากนักเท่ากับศิลปินที่ในกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขากลายเป็นเหมือนพระเจ้า ในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะ ซึ่งค่อย ๆ หลุดพ้นจากอุดมการณ์ของคริสตจักร สิ่งที่มีค่ามากที่สุดคือมุมมองทางศิลปะที่เฉียบแหลมต่อสิ่งต่างๆ ความเป็นอิสระทางวิชาชีพ และทักษะพิเศษ และการสร้างสรรค์ของเขาได้มาซึ่งอุปนิสัยแบบพอเพียง แทนที่จะเป็นคุณลักษณะอันศักดิ์สิทธิ์ . หลักการที่สำคัญที่สุดประการหนึ่งของการรับรู้งานศิลปะคือความสุข ซึ่งบ่งชี้ถึงแนวโน้มประชาธิปไตยที่มีนัยสำคัญ ซึ่งตรงข้ามกับการศึกษาทางศีลธรรมและวิชาการของทฤษฎีสุนทรียศาสตร์ก่อนหน้านี้

วิจิตรศิลป์ของยุคเรอเนซองส์ให้ความแตกต่างกับยุคกลางในหลายประการ นับเป็นการเกิดขึ้นของความสมจริงซึ่งกำหนดการพัฒนาวัฒนธรรมศิลปะของยุโรปมาเป็นเวลานาน

สิ่งนี้ส่งผลกระทบไม่เพียงแต่การแพร่กระจายของภาพทางโลก การพัฒนาภาพบุคคลและทิวทัศน์ หรือการตีความหัวข้อทางศาสนาแบบใหม่ที่บางครั้งเกือบจะจำเพาะเจาะจง แต่ยังรวมถึงการฟื้นฟูระบบศิลปะทั้งหมดอย่างรุนแรงด้วย ทฤษฎีนี้ซึ่งทำให้สามารถสร้างภาพสามมิติบนเครื่องบินโดยมุ่งเน้นไปที่ผู้ชมและคำนึงถึงมุมมองของเขา ซึ่งหมายถึงชัยชนะเหนือแนวคิดเรื่องภาพในยุคกลาง

ตัวแทนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาค้นพบบางสิ่งบางอย่างในวัฒนธรรมโบราณที่สอดคล้องกับแรงบันดาลใจของตนเอง - ความมุ่งมั่นต่อความเป็นจริง ความร่าเริง ความชื่นชมในความงามของโลกทางโลก เพื่อความยิ่งใหญ่ของการกระทำที่กล้าหาญ ในเวลาเดียวกัน ด้วยการพัฒนาในเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกัน โดยได้ซึมซับขนบธรรมเนียมประเพณีของสไตล์โรมาเนสก์และกอทิก ศิลปะของยุคเรอเนซองส์ยังคงประทับตราแห่งกาลเวลา เมื่อเปรียบเทียบกับศิลปะสมัยโบราณ โลกจิตวิญญาณของมนุษย์มีความซับซ้อนและหลากหลายมากขึ้นเรื่อยๆ ผลงานของศิลปินกลายเป็นลายเซ็นต์ กล่าวคือ มีลิขสิทธิ์อย่างชัดเจน มีภาพเหมือนตนเองเพิ่มมากขึ้นเรื่อยๆ สัญญาณที่ไม่ต้องสงสัยของการตระหนักรู้ในตนเองรูปแบบใหม่ก็คือ ศิลปินกำลังหลบเลี่ยงคำสั่งโดยตรงมากขึ้นเรื่อยๆ และอุทิศตนให้กับการทำงานโดยใช้แรงจูงใจภายใน ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 14 ตำแหน่งภายนอกของศิลปินในสังคมก็เปลี่ยนไปอย่างมากเช่นกัน ศิลปินเริ่มได้รับการยอมรับจากสาธารณชน ตำแหน่ง ตำแหน่ง กิตติมศักดิ์และการเงินทุกประเภท ตัวอย่างเช่น A. Michelangelo ได้รับการยกระดับให้สูงจนเขาปฏิเสธเกียรติยศอันสูงส่งที่มอบให้โดยไม่ต้องกลัวว่าจะทำให้ผู้ถือมงกุฎขุ่นเคือง ชื่อเล่นศักดิ์สิทธิ์ก็เพียงพอแล้วสำหรับเขา เขายืนยันว่าในจดหมายถึงเขาควรละเว้นชื่อเรื่องใดๆ และควรเขียนเพียงชื่อ Michelangelo Buonarotti

ศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแบ่งออกเป็นสี่ขั้นตอน: ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงปลายศตวรรษที่ 13 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 14 ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นศตวรรษที่ 15 ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงปลายศตวรรษที่ 15 สามทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 16 ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย กลางและครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16

โดยปกติแล้วเมื่อมีการพูดวลี "ยุคกลาง" ปราสาทกอธิคที่มืดมนก็ปรากฏขึ้นต่อหน้าต่อตาทุกสิ่งมืดมนถูกละเลยหมองคล้ำ... นี่เป็นแบบแผนที่พัฒนาขึ้นในใจของผู้คนด้วยเหตุผลบางประการ ภาพวาดในยุคนี้พิสูจน์ให้เห็นถึงสิ่งที่ตรงกันข้าม - ไม่เพียงแต่ไม่น่าเบื่อเท่านั้น แต่ยังมีสีสันอีกด้วย

ศิลปะแห่งยุคกลาง: คุณสมบัติและแนวโน้ม

ยุคกลางแสดงถึงช่วงเวลาตั้งแต่ศตวรรษที่ห้าถึงศตวรรษที่สิบเจ็ด คำนี้มีต้นกำเนิดมาจากอิตาลี เชื่อกันว่าคราวนี้เป็นความเสื่อมถอยทางวัฒนธรรม ยุคกลางถูกเปรียบเทียบกับยุคโบราณอยู่ตลอดเวลา และการเปรียบเทียบก็ไม่เป็นผลดีกับสมัยก่อน

ศิลปะยุคกลางมีลักษณะหลายประการและทั้งหมดมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับรากฐานและประเพณีที่แพร่หลายในสังคมในเวลานั้น ดังนั้นคริสตจักรและความเชื่อทางศาสนาจึงเข้มแข็ง นั่นคือสาเหตุที่ศาสนากลายเป็นเรื่องธรรมดาสำหรับวัฒนธรรมในยุคนั้น นอกจากนี้ลักษณะเฉพาะของมันคือการบำเพ็ญตบะการปฏิเสธประเพณีโบราณและในขณะเดียวกันก็มุ่งมั่นที่จะโบราณวัตถุการเอาใจใส่ต่อโลกภายในของมนุษย์และจิตวิญญาณของเขา

ยุคสมัยมักแบ่งออกเป็นหลายยุค: ยุคกลางตอนต้น(ก่อนศตวรรษที่สิบเอ็ด) พัฒนาแล้ว (ก่อนศตวรรษที่สิบห้า) และต่อมา (ก่อนศตวรรษที่สิบเจ็ด) แต่ละช่วงเวลาเหล่านี้ก็มีแนวโน้มของตัวเองเช่นกัน เป็นตัวอย่าง - ยุคกลางตอนต้นมีความโดดเด่นด้วยการปฏิเสธประเพณีโบราณโดยสิ้นเชิง ประติมากรรมจมลงสู่การลืมเลือน สถาปัตยกรรมไม้ และสิ่งที่เรียกว่ารูปสัตว์ก็เจริญรุ่งเรือง ตามกฎแล้วไม่มีการแสดงภาพผู้คนและงานศิลปะนั้น "ป่าเถื่อน" ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับสี

ในทางกลับกัน ยุคกลางที่พัฒนาแล้วมุ่งเน้นไปที่ศิลปะประยุกต์ - พรม การหล่อ และการทำหนังสือขนาดจิ๋ว ถือเป็นแฟชั่น

ในยุคที่ ยุคกลางตอนปลายสไตล์โรมาเนสก์และกอทิกเริ่มมีอิทธิพลเหนือ โดยเฉพาะอย่างยิ่งมีชัยในสถาปัตยกรรมซึ่งเป็นรูปแบบศิลปะหลักในช่วงเวลานี้

โดยทั่วไป ศิลปะในยุคกลางเป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป ได้แก่ เซลติก คริสเตียนยุคแรก ศิลปะในยุคอพยพของประชาชน ไบแซนไทน์ ยุคก่อนโรมาเนสก์ ศิลปะโรมาเนสก์ และกอทิก ต่อไป เราจะกล่าวถึงรายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับประเภท สไตล์ เทคนิค และหัวข้อของการวาดภาพในยุคกลาง มารำลึกถึงปรมาจารย์ผู้โด่งดัง

จิตรกรรมยุคกลาง

ในช่วงเวลาต่างๆ ของยุคกลาง งานศิลปะประเภทต่างๆ ปรากฏอยู่เบื้องหน้า เช่น ประติมากรรม สถาปัตยกรรม ไม่สามารถพูดได้ว่าภาพวาดยังคงอยู่ข้างสนาม เมื่อเวลาผ่านไปและภายใต้อิทธิพลของการเปลี่ยนแปลงในสังคม มันก็เปลี่ยนไปด้วย ผลที่ตามมาคือภาพวาดมีความสมจริงมากขึ้น และศิลปินก็ปรากฏเทคนิค ธีม และมุมมองใหม่สำหรับความคิดสร้างสรรค์ ตัวอย่างเช่นแม้ว่าแนวโน้มในการวาดภาพผืนผ้าใบที่มีธีมทางศาสนายังคงได้รับความนิยมในการวาดภาพยุคกลางในช่วงเวลาใดก็ตาม (อย่างไรก็ตามหลังจากศตวรรษที่ 13 เริ่มปรากฏให้เห็นไม่บ่อยนัก) ด้วยการศึกษาที่เพิ่มขึ้นพวกเขาก็มีมากขึ้น ทั่วไปสิ่งที่เรียกว่าภาพวาดฆราวาส - เนื้อหาในชีวิตประจำวันสะท้อนให้เห็นถึงชีวิตที่เรียบง่ายของคนธรรมดาสามัญ (รวมถึงชนชั้นสูงด้วย) นี่คือวิธีที่การวาดภาพเหมือนจริงเกิดขึ้นอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนในยุคนั้น ยุคกลางตอนต้น- ภาพวาดเริ่มไม่ได้แสดงถึงจิตวิญญาณ แต่เป็นโลกแห่งวัตถุ

หนังสือจิ๋วแพร่กระจาย - ด้วยวิธีนี้พวกเขาพยายามปรับปรุงและตกแต่งหนังสือทำให้ดึงดูดผู้ซื้อที่มีศักยภาพมากขึ้น ภาพวาดฝาผนังก็ปรากฏขึ้นเช่นเดียวกับโมเสกซึ่งตกแต่งผนังภายนอกและภายในของโบสถ์ด้วยเหตุนี้เราต้องขอบคุณคณะฟรานซิสกันซึ่งมีการสร้างโครงสร้างที่คล้ายกันจำนวนมาก ทั้งหมดนี้เกิดขึ้นหลังศตวรรษที่ 13 - ก่อนที่การวาดภาพจะไม่ได้รับความสนใจอย่างใกล้ชิด แต่ก็มีบทบาทรองและไม่ถือว่ามีความสำคัญ รูปภาพไม่ได้ทาสี - พวกเขา "ทาสี" และคำนี้สะท้อนถึงทัศนคติต่องานศิลปะประเภทนี้ในช่วงเวลานั้นอย่างเต็มที่

ด้วยความรุ่งเรืองของการวาดภาพในยุคกลาง ความเข้าใจเกิดขึ้นว่าการวาดภาพบนผืนผ้าใบเป็นกลุ่มคนที่รู้จักและชื่นชอบงานฝีมือชิ้นนี้อย่างแท้จริง ภาพวาดไม่ได้ถูก "ทาสี" อีกต่อไป ผลงานของพวกเขาไม่ได้รับการปฏิบัติเหมือนเป็นงานอดิเรกเพื่อความบันเทิงที่ทุกคนเข้าถึงได้อีกต่อไป ตามกฎแล้วภาพวาดแต่ละภาพมีลูกค้าของตัวเองและคำสั่งซื้อเหล่านี้จัดทำขึ้นเพื่อจุดประสงค์บางอย่างโดยเฉพาะ - ซื้อผืนผ้าใบสำหรับบ้านขุนนางสำหรับโบสถ์และอื่น ๆ เป็นลักษณะเฉพาะที่ศิลปินยุคกลางหลายคนไม่ได้ลงนามในผลงานของพวกเขา - นี่เป็นงานฝีมือทั่วไปสำหรับพวกเขาเช่นเดียวกับการผลิตซาลาเปาสำหรับคนทำขนมปัง แต่จิตรกรในยุคนั้นพยายามที่จะปฏิบัติตามกฎที่ไม่ได้พูด: มีอิทธิพลต่ออารมณ์ของผู้ที่จะมองผืนผ้าใบ ละเว้นมิติที่แท้จริง - เพื่อให้เกิดผลมากขึ้น แสดงถึงช่วงเวลาที่แตกต่างกันโดยมีฮีโร่คนเดียวกันในภาพ

ยึดถือ

เฟลมมิงส์

ศตวรรษที่สิบห้านำความรุ่งโรจน์มาสู่แฟลนเดอร์ส - ในบริเวณนี้มีเทคนิคพิเศษใหม่ปรากฏขึ้นซึ่งส่งผลกระทบอย่างมากต่องานศิลปะทั้งหมดและเมื่อถึงจุดหนึ่งก็ได้รับความนิยม เรากำลังพูดถึงการประดิษฐ์สีน้ำมัน ด้วยการเติมน้ำมันพืชลงในส่วนผสมของสีย้อม สีจึงมีความอิ่มตัวมากขึ้นและตัวสีเองก็แห้งเร็วกว่าสีเทมเพอราที่จิตรกรเคยใช้มาก่อนมาก เมื่อพยายามใช้เลเยอร์แล้วเลเยอร์ผู้เชี่ยวชาญก็เชื่อมั่นในความเป็นไปได้และโอกาสที่เปิดกว้างสำหรับพวกเขา - สีที่เล่นในรูปแบบใหม่โดยสิ้นเชิงและเอฟเฟกต์ที่ได้รับในลักษณะนี้บดบังความสำเร็จก่อนหน้านี้ทั้งหมดโดยสิ้นเชิง

ไม่มีใครทราบแน่ชัดว่าใครคือผู้ประดิษฐ์สีน้ำมันกันแน่ บ่อยครั้งที่การเกิดขึ้นของพวกเขาอาจมีสาเหตุมาจาก ปรมาจารย์เฟลมิชที่มีชื่อเสียงที่สุดโรงเรียน - ยาน ฟาน เอค แม้ว่าก่อนหน้าเขา Robert Campin ซึ่งในความเป็นจริงถือเป็นผู้ก่อตั้งภาพวาดเฟลมิชก็ได้รับความนิยมมาก อย่างไรก็ตาม ต้องขอบคุณ Van Eyck ที่ทำให้สีน้ำมันแพร่หลายไปทั่วยุโรป

ศิลปินที่มีชื่อเสียง

ภาพวาดในยุคกลางทำให้โลกมีชื่อที่น่าอัศจรรย์มากมาย Jan van Eyck ผู้ซึ่งกล่าวไปแล้วข้างต้นเป็นจิตรกรภาพเหมือนที่ยอดเยี่ยมซึ่งมีผลงานที่แตกต่างจากคนอื่นๆ ในการเล่นแสงและเงาที่น่าสนใจ คุณลักษณะเฉพาะของภาพวาดของเขาคือรายละเอียดที่เล็กที่สุดอย่างพิถีพิถัน โรเจียร์ ฟาน เดอร์ ไวเดน ชาวเฟลมิชอีกคนหนึ่งไม่ได้ใส่ใจในรายละเอียดมากนัก แต่เขาวาดโครงร่างที่ชัดเจนมากและเน้นไปที่เฉดสีที่มีสีสันสดใส

ในบรรดาปรมาจารย์ชาวอิตาลี นอกเหนือจากที่กล่าวมาข้างต้นแล้ว ยังเป็นที่น่าสังเกตว่า Duccio และ Cimabue ผู้ก่อตั้งความสมจริงและ Giovanni Bellini นอกจากนี้ ชาวสเปน El Greco, ชาวดัตช์ Hieronymus Bosch, Albrecht Durer ชาวเยอรมัน และคนอื่นๆ ยังได้ทิ้งร่องรอยอันยิ่งใหญ่ไว้ในงานศิลปะ

1. คำว่า "จิ๋ว" มาจากมินิเนียม - นี่คือชื่อภาษาละตินของมินิเนียมซึ่งใช้ในการเขียนตัวพิมพ์ใหญ่ในข้อความในยุคกลาง
2. พี่เลี้ยงสำหรับภาพวาด "The Last Supper" โดย Leonardo da Vinci เป็นคนขี้เมาธรรมดา
3. ในแต่ละศตวรรษใหม่ ปริมาณอาหารในหุ่นนิ่งเพิ่มขึ้น
4. ภาพวาดของทิเชียนเรื่อง "Earthly Love and Heavenly Love" เปลี่ยนไปสี่ครั้งก่อนที่จะได้รับชื่อดังกล่าว
5. ศิลปิน Giuseppe Arcimboldo แต่งผืนผ้าใบของเขาจากผัก ผลไม้ ดอกไม้ และอื่นๆ ผลงานของเขามาถึงเราน้อยมาก

ภาพวาดในยุคกลางเช่นเดียวกับวัฒนธรรมทั้งหมดในยุคนี้เป็นชั้นที่มีเอกลักษณ์ที่สามารถศึกษาได้มานานหลายศตวรรษ นอกจากนี้ นี่ยังเป็นผลงานชิ้นเอกของมรดกอย่างแท้จริง ซึ่งเป็นความรับผิดชอบโดยตรงของเราในการอนุรักษ์ไว้เพื่อลูกหลาน

ยุคกลางเป็นช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว สำหรับแต่ละประเทศนั้นเริ่มต้นและสิ้นสุดในเวลาที่ต่างกัน ตัวอย่างเช่นในยุโรปตะวันตก ยุคกลางถือเป็นช่วงเวลาตั้งแต่ศตวรรษที่ 5 ถึงศตวรรษที่ 15 ในรัสเซียตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 ถึงศตวรรษที่ 17 และในภาคตะวันออกตั้งแต่ศตวรรษที่ 4 ถึงศตวรรษที่ 18 ให้เราพิจารณาเพิ่มเติมว่าผู้สร้างในยุคนั้นเหลือมรดกทางวิญญาณอะไรบ้าง

ลักษณะทั่วไป

ศิลปะยุคกลางเป็นอย่างไร? พูดสั้นๆ ก็คือ มันรวมภารกิจทางจิตวิญญาณของปรมาจารย์ที่มีชีวิตอยู่ในเวลานั้นเข้าด้วยกัน แก่นหลักของการสร้างสรรค์ของพวกเขาถูกกำหนดโดยคริสตจักร เธอคือผู้ที่ทำหน้าที่เป็นลูกค้าหลักในตอนนั้น ในขณะเดียวกัน ประวัติศาสตร์ศิลปะยุคกลาง ไม่เพียงแต่เชื่อมโยงกับหลักคำสอนของคริสเตียนเท่านั้น ในความทรงจำของชาวบ้านในเวลานั้นยังคงมีสัญญาณของโลกทัศน์นอกรีตอยู่ ซึ่งสามารถเห็นได้ในประเพณี คติชน และพิธีกรรม

ดนตรี

หากไม่มีสิ่งนี้ เราก็ไม่สามารถพิจารณาศิลปะยุคกลางได้ ดนตรีถือเป็นองค์ประกอบสำคัญของชีวิตของผู้คนในยุคนั้น เธอมักจะมาพร้อมกับวันหยุด งานเฉลิมฉลอง และวันเกิดเสมอ เครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ได้แก่ แตร ฟลุต ระฆัง แทมบูรีน นกหวีด และกลอง พิณมาจากประเทศทางตะวันออกเข้าสู่ดนตรีในยุคกลาง มีพิธีกรรมตามลวดลายในสมัยนั้น ตัวอย่างเช่น ในช่วงต้นฤดูใบไม้ผลิ มีการแต่งเพลงพิเศษขึ้น ซึ่งผู้คนขับไล่วิญญาณแห่งฤดูหนาวออกไปและประกาศให้ทราบถึงการเริ่มต้นของความอบอุ่น ในช่วงคริสต์มาส ระฆังจะดังอยู่เสมอ พระองค์ทรงแจ้งข่าวดีเรื่องการปรากฏของพระผู้ช่วยให้รอด

สไตล์โรมาเนสก์

เต็มไปด้วยศิลปะยุคกลางของยุโรปตะวันตกในช่วงศตวรรษที่ 10 - 12 ในบางพื้นที่สไตล์นี้ยังคงอยู่มาจนถึงศตวรรษที่ 13 มันได้กลายเป็นหนึ่งในขั้นตอนที่สำคัญที่สุดในศิลปะยุคกลาง สไตล์โรมาเนสก์ผสมผสานระหว่างเมอโรแว็งยิอังและวัตถุโบราณตอนปลาย ซึ่งเป็นส่วนประกอบของยุคการอพยพครั้งใหญ่ องค์ประกอบไบแซนไทน์และตะวันออกเข้าสู่ศิลปะยุคกลางของยุโรปตะวันตก สไตล์โรมาเนสก์เกิดขึ้นในบริบทของการพัฒนาระบบศักดินาและการเผยแพร่อุดมการณ์ของคริสตจักรคาทอลิก การก่อสร้างหลัก การสร้างประติมากรรม และการออกแบบต้นฉบับดำเนินการโดยพระภิกษุ โบสถ์เป็นแหล่งเผยแพร่ศิลปะยุคกลางมาเป็นเวลานาน สถาปัตยกรรมก็โดดเด่นเช่นกัน ผู้จัดจำหน่ายรูปแบบหลักในเวลานั้นคือคำสั่งของสงฆ์ จนกระทั่งถึงปลายศตวรรษที่ 11 เท่านั้นที่งานศิลปะเร่ร่อนของช่างหินธรรมดาเริ่มปรากฏให้เห็น

สถาปัตยกรรม

ตามกฎแล้วอาคารและคอมเพล็กซ์ส่วนบุคคล (ปราสาท โบสถ์ อาราม) ในสไตล์โรมาเนสก์ถูกสร้างขึ้นในพื้นที่ชนบท พวกเขาครอบงำสภาพแวดล้อมของพวกเขา โดยรวบรวมรูปลักษณ์ของ "เมืองของพระเจ้า" หรือทำหน้าที่เป็นการแสดงออกถึงอำนาจของขุนนางศักดินา ศิลปะยุคกลางตะวันตกมีพื้นฐานมาจากความสามัคคี ภาพเงาที่ชัดเจนและรูปทรงกะทัดรัดของอาคารดูเหมือนจะซ้ำซากและทำให้ภูมิทัศน์สมบูรณ์ ใช้หินธรรมชาติเป็นวัสดุก่อสร้างหลัก มันเข้ากันได้อย่างลงตัวกับความเขียวขจีและดิน ลักษณะสำคัญของอาคารสไตล์โรมาเนสก์คือกำแพงขนาดใหญ่ ความหนักหน่วงของพวกเขาเน้นย้ำด้วยการเปิดหน้าต่างแคบและพอร์ทัลขั้นบันไดลึก (ทาง) หอคอยสูงถือเป็นหนึ่งในองค์ประกอบสำคัญขององค์ประกอบ อาคารแบบโรมาเนสก์เป็นระบบปริมาตรเชิงเดี่ยวสามมิติ ได้แก่ ปริซึม ลูกบาศก์ ทรงขนาน ทรงกระบอก พื้นผิวของพวกมันถูกแบ่งด้วยแกลเลอรี ใบมีด และลายสลักโค้ง องค์ประกอบเหล่านี้สอดคล้องกับความหนาแน่นของกำแพง แต่ไม่ได้ละเมิดความสมบูรณ์ของเสาหิน

วัด

พวกเขาพัฒนาประเภทของโบสถ์แบบศูนย์กลางและแบบบาซิลิกาที่สืบทอดมาจากสถาปัตยกรรมคริสเตียนยุคแรก ในยุคหลัง หอคอยหรือโคมไฟเป็นองค์ประกอบสำคัญ แต่ละส่วนหลักของวัดถูกสร้างขึ้นเป็นโครงสร้างเชิงพื้นที่ที่แยกจากกัน ทั้งภายนอกและภายในเธอถูกแยกออกจากส่วนที่เหลืออย่างชัดเจน ความประทับใจโดยรวมได้รับการปรับปรุงโดยห้องนิรภัย ส่วนใหญ่เป็นไม้กางเขน ทรงกระบอก หรือซี่โครงไขว้ มีการติดตั้งโดมในโบสถ์บางแห่ง

คุณสมบัติที่โดดเด่นของการตกแต่ง

ในช่วงแรกสไตล์โรมาเนสก์มีบทบาทหลัก ในช่วงปลายศตวรรษที่ 11 - ต้นศตวรรษที่ 12 เมื่อโครงสร้างของกำแพงและห้องใต้ดินมีความซับซ้อนมากขึ้น การตกแต่งวัดก็เต็มไปด้วยภาพนูนต่ำนูนสูง พวกเขาตกแต่งพอร์ทัล และมักจะเป็นผนังด้านหน้าทั้งหมด ภายในอาคารพวกเขาถูกนำไปใช้กับเมืองหลวงของเสา ในสไตล์โรมาเนสก์ตอนปลาย ภาพนูนแบบเรียบจะถูกแทนที่ด้วยรูปแบบที่สูงกว่า ซึ่งเต็มไปด้วยเอฟเฟกต์ของแสงและเงา แต่ยังคงรักษาความเชื่อมโยงตามธรรมชาติกับพื้นผิวของผนัง หัวข้อที่แสดงถึงพลังอำนาจที่น่าเกรงขามและไร้ขีดจำกัดของพระเจ้า เป็นศูนย์กลางในการวาดภาพและประติมากรรม ร่างของพระคริสต์มีองค์ประกอบที่สมมาตรอย่างเคร่งครัด สำหรับวงจรการเล่าเรื่องในหัวข้อพระกิตติคุณและพระคัมภีร์ พวกเขาใช้ตัวละครที่มีชีวิตชีวาและอิสระมากขึ้น ศิลปะพลาสติกแบบโรมาเนสก์มีความโดดเด่นด้วยการเบี่ยงเบนไปจากสัดส่วนตามธรรมชาติ ด้วยเหตุนี้ภาพลักษณ์ของบุคคลจึงกลายเป็นผู้ถือท่าทางที่แสดงออกมากเกินไปหรือองค์ประกอบของเครื่องประดับโดยไม่สูญเสียการแสดงออกทางจิตวิญญาณ

โกธิค

แนวคิดนี้ถูกนำมาใช้ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะกอธิคถือเป็น "ป่าเถื่อน" ความรุ่งเรืองของสไตล์โรมาเนสก์ถือเป็นศตวรรษที่ X - XII เมื่อกำหนดช่วงเวลานี้ กรอบการทำงานตามลำดับเวลาสำหรับสไตล์กอทิกก็มีจำกัด ดังนั้นระยะแรก ระยะสุก (สูง) และระยะปลาย (เพลิง) จึงมีความโดดเด่น การพัฒนาแบบโกธิกมีความเข้มข้นในประเทศเหล่านั้นที่นิกายโรมันคาทอลิกครอบงำ ส่วนใหญ่จะทำหน้าที่เป็นศิลปะลัทธิตามธีมทางศาสนาและจุดประสงค์ของมัน โกธิคมีความสัมพันธ์กับความเป็นนิรันดร์และพลังที่ไม่มีเหตุผลสูง

คุณสมบัติของการก่อตัว

ศิลปะกระจกสีในยุคกลาง ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมในสมัยกอทิกสืบทอดองค์ประกอบหลายอย่างจากสไตล์โรมาเนสก์ มหาวิหารครอบครองสถานที่พิเศษ การพัฒนาแบบโกธิกได้รับอิทธิพลจากการเปลี่ยนแปลงพื้นฐานในโครงสร้างทางสังคม ในช่วงเวลานั้น รัฐที่รวมศูนย์เริ่มก่อตัว เมืองต่างๆ เติบโตและแข็งแกร่งขึ้น กองกำลังทางโลกเริ่มปรากฏขึ้น - การค้า งานฝีมือ ในเมือง ศาล และแวดวงอัศวิน เมื่อจิตสำนึกทางสังคมพัฒนาขึ้นและเทคโนโลยีดีขึ้น โอกาสในการทำความเข้าใจเกี่ยวกับสุนทรียภาพของโลกโดยรอบก็เริ่มขยายออกไป แนวโน้มทางสถาปัตยกรรมใหม่เริ่มเป็นรูปเป็นร่าง การวางผังเมืองแพร่หลายมากขึ้น กลุ่มสถาปัตยกรรมของเมืองประกอบด้วยอาคารทางโลกและทางศาสนา สะพาน ป้อมปราการ และบ่อน้ำ ในหลายกรณี บ้านที่มีร้านค้า โกดัง และสถานที่เชิงพาณิชย์ชั้นล่างถูกสร้างขึ้นบนจัตุรัสหลักของเมือง ถนนสายหลักแตกแขนงออกไป ด้านหน้าอาคารแคบของบ้านสองชั้นส่วนใหญ่ (ไม่ค่อยมีสามชั้น) มีหน้าจั่วสูงเรียงรายอยู่ เมืองต่างๆ เริ่มถูกล้อมรอบด้วยกำแพงอันทรงพลังซึ่งตกแต่งด้วยหอคอยสำหรับเดินทาง ราชวงศ์เริ่มค่อยๆ กลายเป็นอาคารที่ซับซ้อนทั้งหมด รวมถึงอาคารทางศาสนา พระราชวัง และป้อมปราการ

ประติมากรรม

มันทำหน้าที่เป็นรูปแบบหลักของวิจิตรศิลป์ อาสนวิหารได้รับการตกแต่งทั้งภายนอกและภายในด้วยภาพนูนต่ำนูนสูงและรูปปั้นจำนวนมาก เมื่อเปรียบเทียบกับโรมาเนสก์แล้ว มีความโดดเด่นด้วยความมีชีวิตชีวา ตัวเลขที่หันหน้าเข้าหากันและผู้ฟัง เริ่มมีความสนใจในรูปแบบธรรมชาติ ความงาม และความรู้สึกของมนุษย์ หัวข้อเรื่องการเป็นแม่ ความเข้มแข็งในการเสียสละ และความทุกข์ทรมานทางศีลธรรมเริ่มได้รับการตีความในรูปแบบใหม่ ภาพลักษณ์ของพระคริสต์ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน ในภาษาโกธิก หัวข้อเรื่องการพลีชีพเริ่มปรากฏให้เห็น ลัทธิพระมารดาของพระเจ้าเริ่มเป็นรูปเป็นร่างในงานศิลปะ เรื่องนี้เกิดขึ้นเกือบจะพร้อมๆ กับการบูชาสาวงาม บ่อยครั้งลัทธิทั้งสองนี้เกี่ยวพันกัน ในงานหลายชิ้นพระมารดาของพระเจ้าทรงปรากฏเป็นหญิงสาวสวย ในเวลาเดียวกัน ผู้คนยังคงศรัทธาในปาฏิหาริย์ สัตว์ประหลาดในเทพนิยาย และสัตว์มหัศจรรย์ ภาพเหล่านี้สามารถพบได้ในแบบโกธิกได้บ่อยพอๆ กับในสไตล์โรมาเนสก์

อินเดีย

ประเทศนี้เป็นที่รู้จักไปทั่วโลกในด้านทรัพยากรธรรมชาติและงานฝีมืออันงดงามนับไม่ถ้วน ตั้งแต่อายุยังน้อย ลูก ๆ ของคนยากจนเคยชินกับการทำงาน การศึกษาของบุตรชายและบุตรสาวของขุนนางเริ่มขึ้นในปีที่ห้าของชีวิต พวกเขาได้รับการศึกษาในโรงเรียนที่โบสถ์หรือที่บ้าน เด็กจากวรรณะพราหมณ์ได้รับการสอนที่บ้านโดยครู เด็กต้องให้เกียรติครูและเชื่อฟังเขาในทุกสิ่ง บุตรชายของนักรบและเจ้าชายได้รับการฝึกฝนด้านการทหารและศิลปะการปกครอง วัดบางแห่งทำหน้าที่เป็นศูนย์การศึกษา การสอนที่นั่นดำเนินการในระดับสูงสุด ตัวอย่างเช่นศูนย์กลางดังกล่าวคืออารามในโนแลนด์ มันทำงานด้วยรายได้จากหนึ่งร้อยหมู่บ้าน เช่นเดียวกับของขวัญจากผู้ปกครอง บางเมืองในอินเดียยุคกลางมีหอดูดาว นักคณิตศาสตร์สามารถคำนวณปริมาตรของร่างกายและพื้นที่ของตัวเลข และจัดการกับเศษส่วนได้อย่างอิสระ ยาได้รับการพัฒนาอย่างดีในอินเดีย หนังสืออธิบายโครงสร้างของร่างกายมนุษย์และอวัยวะภายใน แพทย์ชาวอินเดียใช้เครื่องมือประมาณ 200 ชิ้นและวิธีการบรรเทาอาการปวดที่หลากหลาย ทำการผ่าตัดที่ซับซ้อน เพื่อทำการวินิจฉัย แพทย์จะวัดอุณหภูมิร่างกาย ชีพจร และตรวจสอบผู้ป่วยด้วยสายตา โดยคำนึงถึงสีของลิ้นและผิวหนัง ศิลปะและวิทยาศาสตร์ในอินเดียยุคกลางมีความเจริญรุ่งเรืองอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน

ประติมากรรมหิน

มันทำหน้าที่เป็นการตกแต่งทางสถาปัตยกรรม ตามกฎแล้วประติมากรรมจะแสดงด้วยการตกแต่งนูนสูง ในนั้นร่างทั้งหมดมีความเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิด การเคลื่อนไหว ท่าทาง และท่าทางของผู้คนดูสง่างามและแสดงออกอย่างน่าอัศจรรย์ เนื่องจากอิทธิพลต่อการพัฒนาประติมากรรมศิลปะการเต้นรำซึ่งแพร่หลายในอินเดียมาตั้งแต่สมัยโบราณ แม้แต่ภายใต้อโศก เซลล์ถ้ำและวัดสำหรับฤาษีก็เริ่มถูกสร้างขึ้นในหิน พวกมันมีขนาดเล็กและจำลองอาคารไม้ที่อยู่อาศัยขึ้นมาใหม่ ในพื้นที่ทางตอนเหนือของอินเดีย มีการสร้างวัดที่มีรูปร่างเป็นรูปวงรียาว (พาราโบลา) มีการสร้างร่มดอกบัวไว้ด้านบน ทางตอนใต้ของประเทศ วัดมีรูปทรงปิระมิดสี่เหลี่ยม ภายในห้องมืดและต่ำ พวกเขาถูกเรียกว่าสถานที่ศักดิ์สิทธิ์ ไม่ใช่ทุกคนที่สามารถเข้าไปได้ ลานของวัดตกแต่งด้วยประติมากรรมที่แสดงถึงฉากมหากาพย์หรือการตีความในรูปแบบสัญลักษณ์เพื่อแสดงความเคารพต่อเทพเจ้าซึ่งสร้างพระวิหารอันรุ่งโรจน์ ต่อมาในอินเดีย โดยเฉพาะอย่างยิ่งทางตอนใต้ของประเทศ มีองค์ประกอบทางประติมากรรมมากมายจนอาคารทางศาสนาทำหน้าที่เป็นฐานสำหรับสิ่งเหล่านั้น ตัวอย่างเช่นวัดในรัฐโอริสสา โกนารัก ขจุราโห

ผลงานคลาสสิค

ในช่วงยุคกลาง พื้นที่ส่วนใหญ่ของอินเดียมีการใช้ภาษาเน็ตเพื่อสร้างสิ่งเหล่านี้ ในเวลาเดียวกันกวีหลายคนก็เขียนเป็นภาษาสันสกฤตด้วย วรรณกรรมนี้ในตอนแรกเป็นการนำตัวอย่างคลาสสิกมาปรับปรุงใหม่ อย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไป มันก็จะมีการปรับปรุงและออกแบบมาเพื่อข้าราชบริพารมากขึ้น ตัวอย่างเช่นงานดังกล่าวคือบทกวี "พระรามจาริตะ" แต่ละบทมีความหมายสองประการซึ่งสามารถถือเอาการกระทำของกษัตริย์ Rampal กับการใช้ประโยชน์จากมหากาพย์พระราม อย่างไรก็ตาม ในยุคกลาง กวีนิพนธ์ส่วนใหญ่ได้รับการพัฒนาในช่วงศตวรรษที่ 12-13 ท่าทางก็เริ่มปรากฏให้เห็นเช่นกัน ผลงานเขียนเป็นภาษาสันสกฤตในรูปแบบของเรื่องราวที่มีกรอบซึ่งเชื่อมโยงกันด้วยโครงเรื่องตั้งแต่ต้นจนจบ ยกตัวอย่างนี้คือเรื่องราวของกทัมพริ งานนี้บอกเล่าเรื่องราวของคู่รักสองคนที่อาศัยอยู่บนโลกสองครั้งในรูปแบบที่แตกต่างกัน นวนิยายเสียดสีเรื่อง "การผจญภัยของเจ้าชายทั้ง 10" เยาะเย้ยผู้ปกครอง นักพรต ผู้ทรงเกียรติ และแม้แต่เทพเจ้า

รุ่งเรือง

มันตรงกับศตวรรษที่ IV-VI ขณะนั้นทางตอนเหนือของอินเดียรวมตัวกันเป็นรัฐที่ทรงอำนาจ มันถูกปกครองโดยกษัตริย์แห่งราชวงศ์คุปตะ ศิลปะยุคกลางที่พัฒนาขึ้นในพื้นที่เหล่านี้แพร่กระจายไปยังดินแดนทางตอนใต้ ตัวอย่างอันเป็นเอกลักษณ์ของสมัยนั้นได้รับการเก็บรักษาไว้ในวัดพุทธและวัดในอชันตะ ในบริเวณนี้ตั้งแต่ศตวรรษที่ 2 ไปจนถึงเก้าศตวรรษถัดมา มีถ้ำ 29 แห่งปรากฏขึ้น เพดาน ผนัง เสาทาสีด้วยฉากจากตำนานและประเพณีทางพุทธศาสนา ตกแต่งด้วยงานแกะสลักและประติมากรรม อชันตะไม่เพียงแต่เป็นศูนย์กลางของศาสนาเท่านั้น แต่ยังเป็นศูนย์กลางของศิลปะและวิทยาศาสตร์อีกด้วย ปัจจุบันเป็นสัญลักษณ์ของความยิ่งใหญ่แห่งจิตวิญญาณแห่งสมัยโบราณ Ajanta ดึงดูดนักท่องเที่ยวจำนวนมากจากทั่วทุกมุมโลก

ภาพเหมือนยุคกลาง, ศิลปะภาพเหมือนของยุคกลาง- ขั้นตอนของการเสื่อมถอยบางอย่างในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาแนวภาพบุคคลซึ่งแสดงให้เห็นในการสูญเสียความสมจริงและความสนใจในจิตวิญญาณของภาพเหล่านั้นมากขึ้น

ในการถ่ายภาพบุคคลของยุคคริสเตียนตอนต้น การรำลึกถึงความสมจริงในสมัยโบราณยังคงอยู่มาเป็นเวลานาน ต่อมา - ในยุคการอแล็งเฌียงและโรมาเนสก์ - เส้นระหว่างไอคอนและภาพบุคคลถูกลบออกจนหมด ในช่วงยุคกลางที่เจริญรุ่งเรือง กระบวนการย้อนกลับได้เริ่มต้นขึ้น: ลัทธิธรรมชาติเริ่มกลับมาสู่งานแบบโกธิก ซึ่งจะวางรากฐานสำหรับการพัฒนาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ยุคกลางตอนต้น

จักรพรรดิธีโอโดเซียสที่ 2 - ประติมากรรมของจักรพรรดิไบแซนไทน์แห่งศตวรรษที่ 5 เป็นของยุคสุดท้ายของการพัฒนาภาพเหมือนประติมากรรมโรมันและแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงคุณสมบัติที่เกี่ยวข้องในภาพเหมือนของยุคกลาง - การสูญเสียความคล้ายคลึงภาพเหมือนโดยเน้นที่ ดวงตาที่สะท้อนถึงชีวิตฝ่ายวิญญาณ

อุดมการณ์

ศิลปะยุคกลางไม่รู้จักภาพเหมือนในความหมายสมัยใหม่ของแนวคิดนี้ นั่นคือ "ภาพที่เชื่อถือได้ในชีวิต รายบุคคลใบหน้าของมนุษย์” แตกต่างจากปรมาจารย์แห่งอียิปต์โบราณในสมัยโบราณหรือสมัยใหม่ในภายหลัง ศิลปินยุคกลางไม่ได้ติดตามงานที่ทำให้ภาพมีความคล้ายคลึงกับต้นฉบับ หลักการของ "การเลียนแบบธรรมชาติ" นั้นแตกต่างไปจากธรรมชาติด้านสุนทรียภาพของยุคกลาง แต่ดังที่ Viktor Grashchenkov เขียน คราวนี้ไม่ควรถือเป็น "การแตกหัก" ในวิวัฒนาการของประเภทภาพบุคคล ในยุคกลาง ภาพเหมือนยังคงพบสถานที่ (ค่อนข้างเรียบง่าย) และแสดงออกมาในรูปแบบที่ค่อนข้างเรียบง่ายและธรรมดา ภาพเหมือนนี้ดูไม่ชัดเจนซึ่งเกิดจากงานด้านสุนทรียศาสตร์ที่แตกต่างกันของปรมาจารย์ซึ่งโลกวัตถุที่มีรูปแบบเฉพาะตัวนั้นไม่สำคัญและยังคงเป็นเพียงภาพสะท้อนซึ่งเป็นเงาของโลกที่เหนือสัมผัส ในงานของพวกเขาปรมาจารย์ในยุคกลางพยายามดิ้นรนเพื่อให้ได้มาซึ่งธรรมชาติที่สมบูรณ์และเลียนแบบไม่ได้ แต่เป็นภาพลักษณ์อันเป็นนิรันดร์ของความงามของมนุษย์ นอกจากความหมายตามตัวอักษรแล้ว ทุกภาพยังมีความหมายเชิงเปรียบเทียบอีกด้วย

เนื่องจากมนุษย์ถูกสร้างขึ้น “ตามพระฉายาและอุปมาของพระเจ้า” การปรากฏตัวของใครก็ตามบนโลกนี้เป็นผลมาจากความบังเอิญ—และด้วยเหตุนี้เล็กน้อย—การเบี่ยงเบนไปจากอุดมคติสูงสุดที่เกิดจากบาปดั้งเดิม ดังนั้นศิลปินที่วาดภาพบุคคลจึงพยายามที่จะสื่อว่าไม่ใช่อะไร แยกแยะบุคคลหนึ่งจากอีกคนหนึ่งทางร่างกาย แต่เพื่อพรรณนาถึงสิ่งธรรมดานั่นคือ ทั่วไปสำหรับทุกคนโดยทั่วไป รวมพวกเขาไว้ในแก่นแท้ทางจิตวิญญาณและนำพวกเขาเข้าใกล้ต้นแบบที่พระเจ้าคิดขึ้น

ศิลปินยุคกลางต้องการวิธีการมองเห็นในจำนวนที่ค่อนข้างจำกัดเพื่อทำงานของเขาให้สำเร็จ - "เพื่อสะท้อนความหลากหลายที่มีอยู่ในความสม่ำเสมอ" เขาไม่เห็นความแตกต่างพื้นฐานในการพรรณนาถึงนักบุญผู้ล่วงลับหรือคนรุ่นราวคราวเดียวกัน พวกเขาครอบครองสถานที่ต่างกันในลำดับชั้นทางวิญญาณเท่านั้น

เมื่อวาดภาพใบหน้า ปรมาจารย์ในยุคกลางใช้แบบเหมารวมที่พัฒนาขึ้นครั้งแล้วครั้งเล่า โดยทำการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยในขณะที่เขาทำงาน ซึ่งจำเป็นสำหรับเขาในการแยกแยะตัวละครในโครงเรื่อง แบบเหมารวม (หลักการ) นี้มักจะไม่ได้ขึ้นอยู่กับศิลปิน แต่ขึ้นอยู่กับประเพณีการยึดถือและการวาดภาพของโรงเรียนศิลปะเอง เมื่อหลักการส่วนบุคคลเติบโตขึ้นในความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ หลักคำสอนนี้จะเริ่มสะท้อนถึงสไตล์ส่วนตัวของศิลปินมากขึ้น

เมื่อยุคกลางสิ้นสุดลง และความรู้สึกทางศาสนาแบบปัจเจกบุคคลจะแสวงหาการผสมผสานบุคลิกภาพ (บุคลิกภาพของลูกค้า) เข้ากับภาพลักษณ์อันศักดิ์สิทธิ์ได้โดยตรงมากขึ้น ภาพของบุคคลจะกลายเป็น "ภาพเหมือน" มากขึ้นเรื่อยๆ ด้วยคุณสมบัติเฉพาะตัว

จักรพรรดินีโซอี้

ขาดความคล้ายคลึงกัน

พระคริสต์ จักรพรรดินีโซอี้ และคอนสแตนตินที่ 9 โมโนมาคห์ โมเสกบนคณะนักร้องประสานเสียงของโซเฟียแห่งคอนสแตนติโนเปิล

ด้วยเหตุผลทั้งหมดนี้ “ภาพลักษณ์ของบุคลิกภาพของมนุษย์ที่แท้จริงจึงสูญเสียความเป็นปัจเจกบุคคลที่สำคัญในศิลปะยุคกลาง เขาเกือบจะละลายไปกับการไม่มีตัวตนอันเป็นเอกลักษณ์ โดยแสดงตัวตนออกมาในรูปแบบทางศิลปะที่สามารถนิยามได้ว่าเป็น “ภาพเหมือนเชิงสัญลักษณ์” ก่อนการถือกำเนิดของลัทธิธรรมชาตินิยมในศิลปะกอทิก ภาพเหมือนในยุคกลางยังห่างไกลจากความน่าเชื่อถือในเชิงสารคดี หลักการของแต่ละบุคคลแทรกซึมเข้าไปในหลักการและแบบเหมารวมเป็นครั้งคราวเท่านั้น และจากนั้นก็เป็นเพียงคำใบ้ที่ละเอียดอ่อน ซึ่งเป็นการกำหนดแบบเดิมๆ

ประเภทของอนุสาวรีย์

คริสตจักรอนุญาตให้มีการแสดงภาพบุคคลในสองกรณีเท่านั้น:

1. พิธีกรรม: ติดรูปเคารพศักดิ์สิทธิ์เพื่อรำลึกถึงการกระทำอันศักดิ์สิทธิ์บางประการ
2. อนุสรณ์สถาน: บนหลุมศพ

ในทั้งสองกรณี ภาพเหมือนไม่ได้ถูกติดตาม; รูปภาพอาจมีเงื่อนไขโดยสมบูรณ์และชดเชยด้วยคุณลักษณะหรือคำจารึก

ในหมวดหมู่แรก (จารึกไว้ในภาพศักดิ์สิทธิ์) ส่วนใหญ่มักจะมีภาพของจักรพรรดิกษัตริย์และพระมหากษัตริย์อื่น ๆ รวมถึงลำดับชั้นทางจิตวิญญาณ - พระสันตปาปาและบาทหลวง นั่นคือ ผู้พิทักษ์ที่ซื่อสัตย์ของคริสตจักร ผู้บริจาค (ktitors) และผู้คลั่งไคล้ความกตัญญู

พระคริสต์ทรงสวมมงกุฎ Roger II, Martorana

• ยึดถือคริสเตียนยุคแรก:จักรพรรดิ ผู้เฒ่า และข้าราชบริพารเป็นภาพถัดจากพระคริสต์และนักบุญในฐานะผู้เข้าร่วมในพิธีสวดอันศักดิ์สิทธิ์ ลัทธิอำนาจของจักรพรรดิมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับลัทธิคริสเตียนซึ่งยังใหม่อยู่ (ภาพโมเสกของ San Vitale ในราเวนนา ศตวรรษที่ 4)
• ช่วงต่อมา:ภาพของผู้ปกครองเริ่มครอบครองสถานที่ที่เรียบง่ายมากขึ้นในระบบการตกแต่งวัดโดยย้ายไปที่ห้องทึบและคณะนักร้องประสานเสียง จักรพรรดิเริ่มล้มลงแทบพระบาทของพระคริสต์และวิสุทธิชนเพื่ออธิษฐานขอการวิงวอน อีกทางเลือกหนึ่งคือนำภาพกษัตริย์ไปติดไว้ในโบสถ์เพื่อเตือนใจนักบวชถึงต้นกำเนิดอันศักดิ์สิทธิ์ของอำนาจทางโลก ในภาพดังกล่าว พระมหากษัตริย์ได้รับมงกุฎจากพระหัตถ์ของพระคริสต์ ปรากฏต่อหน้าเขาพร้อมทั้งครอบครัวของเขา (กษัตริย์ซิซิลี โรเจอร์ที่ 2 ในภาพโมเสกของ Martorana ในปาแลร์โม ศตวรรษที่ 12; จักรพรรดิในสุเหร่าโซเฟีย คอนสแตนติโนเปิล; ยาโรสลาฟ the Wise กับเขา ครอบครัวในเคียฟ โซเฟีย)
• ภาพของพระมหากษัตริย์ไม่เกี่ยวข้องกับภาพของโบสถ์ภาพบุคคลดังกล่าวปรากฏอยู่เสมอในช่วงกระแสความคิดของจักรวรรดิโรมันอันศักดิ์สิทธิ์และลัทธิลัทธิของจักรพรรดิที่เข้มข้นขึ้น (ตั้งแต่ชาร์ลมาญถึงเฟรดเดอริกที่ 2) ประเพณีนี้ย้อนกลับไปถึงระบบการเชิดชู “บุรุษผู้ยิ่งใหญ่” ที่มีอยู่ในสมัยโบราณ พระสันตปาปายังใช้พระสันตะปาปาอีกด้วย: สมเด็จพระสันตะปาปาลีโอมหาราชทรงสั่งให้ "ภาพบุคคล" ของบรรพบุรุษของพระองค์ถูกวาดในซานเปาโล ฟูโอรี เลอ มูรา ภาพชุดที่คล้ายกันสองชุดอยู่ในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ และอีกภาพหนึ่งในมหาวิหารลาเตรัน
• สามารถแยกแยะกลุ่มแยกต่างหากได้ ภาพเหมือนตนเองของอาจารย์ยังมีเงื่อนไขค่อนข้างมาก ส่วนใหญ่แล้วสิ่งเหล่านี้คือภาพประกอบในต้นฉบับที่แสดงถึงผู้เขียนที่นำเสนอต้นฉบับที่เขาสร้างให้กับลูกค้า นอกจากนี้ยังมีตัวอย่างที่หายากของการถ่ายภาพตนเองที่สร้างโดยช่างแกะสลัก - ปรมาจารย์โรงหล่อ (ปรมาจารย์มักเดบูร์กที่ประตู Korsun แห่งโซเฟียแห่งโนฟโกรอดศตวรรษที่ 12)

ภาพเหมือนในสไตล์โกธิกผู้ใหญ่

ในแบบโกธิก ภาพบุคคลจะกลายเป็นปรากฏการณ์ที่สมบูรณ์และประสบความสำเร็จมากขึ้น ศิลปะกอทิกจะมีลักษณะเป็น "ธรรมชาตินิยม" (ตามคำพูดของ M. Dvorak) ซึ่งแน่นอนว่าจะส่งผลต่อภาพลักษณ์ของมนุษย์ ลักษณะทั่วไปของศิลปะกอทิกในวัยผู้ใหญ่คือความสนใจในการแสดงรูปลักษณ์ของมนุษย์ให้ถูกต้องแม่นยำในชีวิต

ประการแรก ความเป็นธรรมชาตินี้จะปรากฏในประติมากรรมทรงกลม ตัวอย่างของอนุสาวรีย์:

• รูปปั้นแร็งส์ ชาตร์ และบัมแบร์ก (ไตรมาสที่ 2 ของศตวรรษที่ 13)
• รูปปั้น 12 ของผู้ก่อตั้งวิหาร Naumburg (กลางศตวรรษที่ 13) ซึ่งแม้จะเป็นภาพเหมือนมรณกรรม แต่ก็ค่อนข้างสมจริง

Tombstones ซึ่งมีคุณสมบัติประเภทต่างๆ ยังเปิดโอกาสให้ภาพบุคคลได้รับการเก็บรักษาและพัฒนาอีกด้วย

เฟรเดอริกแห่งเวตติน

พระเจ้าซิกฟรีดที่ 3 แห่งเอพเพนชไตน์

ตัวอย่างการเป็นตัวแทนของผู้เสียชีวิต - ซึ่งมักจะเป็นสมาชิกของนักบวชชั้นสูง - ในรูปแบบของภาพนูนต่ำนูนสูงหรือประติมากรรมบนแท่นบูชา มีอายุย้อนกลับไปในยุคกลางตอนต้นหรือตอนปลาย ตัวอย่างเช่น หลุมฝังศพของอาร์ชบิชอปเฟรดเดอริกแห่งเวตติน (ประมาณปี 1152) อาสนวิหารมักเดบูร์กหรือของพระเจ้าซิกฟรีดที่ 3 แห่งเอพเพนชไตน์ (สวรรคต . 1249) (อาสนวิหารไมนซ์) เป็นภาพการสวมมงกุฎกษัตริย์ขนาดย่อสององค์

หลุมศพในยุคกลาง (เช่น ราชวงศ์ในแซงต์-เดอนีส์) แสดงให้เห็นถึงวิวัฒนาการ: ในตอนแรก ร่างของผู้ตายถูกสร้างขึ้นด้วยการตีความใบหน้าอ่อนเยาว์ตามแบบแผนในอุดมคติ ในรูปแบบของหน้ากากแช่แข็ง ซึ่งเคลื่อนไหวโดยมาตรฐาน "โกธิค" ยิ้ม” โดยไม่มีความคล้ายคลึงกับภาพเหมือนเลย แต่เมื่อถึงปลายศตวรรษที่ 13 สถานการณ์ก็เริ่มเปลี่ยนไป นักวิจัยได้เสนอแนะ (ไม่ได้รับการพิสูจน์) ว่าบางทีในเวลานี้ช่างแกะสลักเริ่มใช้หน้ากากแห่งความตาย (ตัวอย่างเช่น สำหรับรูปปั้นของราชินีชาวฝรั่งเศส Isabella แห่งอารากอน, โคเซนซา; หลุมฝังศพของ Philip the Fair, Saint-Denis, 1298-1307) เวอร์ชันนี้เกิดจากการที่บุคลิกลักษณะบางอย่างเริ่มปรากฏให้เห็นบนใบหน้า

ภาพเหมือนแบบกอธิคตอนปลาย

การกำเนิดของประเภทภาพบุคคลที่แท้จริงเกิดขึ้นในช่วงปลายยุคกอทิก เนื่องจากการตื่นตัวทางจิตวิญญาณของยุโรป ซึ่งเริ่มขึ้นในปลายศตวรรษที่ 12 กระบวนการนี้มีการพัฒนามาอย่างยาวนานและนำไปสู่ความจริงที่ว่าเมื่อถึงศตวรรษที่ 15 ขณะที่ในอิตาลี แนวคิดมนุษยนิยมใหม่ๆ เกี่ยวกับมนุษย์ได้ถูกวางเป็นพื้นฐานของวัฒนธรรม แต่ยุโรปเหนือก็มีพื้นฐานอยู่บนความศรัทธาใหม่ (ความศรัทธาสมัยใหม่)ญาณภาคเหนือ

เมื่อเวลาผ่านไป กอทิกได้แทรกซึมเข้าไปในอิตาลีและในช่วงแรกได้ชะลอการพัฒนาของยุคเรอเนซองส์ดั้งเดิมลง จากนั้นเธอก็สามารถทำให้เขามั่งคั่งได้ ในเวลาเดียวกัน การพิชิตที่สมจริงของ Giotto (ในการนำเสนอแบบโกธิกของเซียนาและภาพวาดฟลอเรนซ์บางส่วนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 14) แทรกซึมเข้าไปในฝรั่งเศสและประเทศทรานส์อัลไพน์อื่น ๆ และถูกนำมาใช้โดยงานศิลปะของพวกเขา

โกธิคตอนปลายประสบกับวิกฤติและความต้องการการเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้ง ดังนั้นจึงเปิดรับความสมจริงของ Trecento อย่างแข็งขัน หากในแบบโกธิกที่เป็นผู้ใหญ่ ทุกอย่างมุ่งความสนใจไปรอบ ๆ อาสนวิหาร ในศตวรรษที่ 14 การล่มสลายของความสามัคคีในสไตล์กอธิคของอาสนวิหารแห่งนี้เริ่มต้นขึ้น นอกเหนือจากรูปแบบที่ยิ่งใหญ่แล้ว ประเภทห้องที่ได้รับการพัฒนา (โดยเฉพาะหนังสือย่อส่วน) คริสตจักรและชุมชนในเมืองกำลังสูญเสียบทบาทผู้นำในชีวิตทางศิลปะ ซึ่งกำลังถูกถ่ายโอนไปยังอธิปไตยทางโลก ที่อยู่อาศัยของพวกเขากลายเป็นแหล่งรวมของพลังสร้างสรรค์ที่ดีที่สุด

ศูนย์หลัก

ภาพเหมือนของยุคกลางอิตาลี (โปรโต-เรอเนซองส์)

ลักษณะและอนุสาวรีย์ของยุโรปเหนือ

รูดอล์ฟที่ 4 สวมมงกุฎของท่านดยุค ภาพเหมือนครึ่งหน้าครั้งแรกในยุโรปตะวันตก

จุดสุดยอดของศิลปะกอทิกตอนปลายคือ กอทิกสากล วิวัฒนาการของภาพเหมือนแบบโกธิกตอนปลายส่วนหนึ่งอยู่ภายใต้อิทธิพลของอิตาลี และยังมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาภาพเหมือนในพลาสติกซึ่ง "ยืนด้วยเท้า" อย่างมั่นคงอยู่แล้ว

ภาพโปรไฟล์ในสไตล์ของซิโมเน มาร์ตินี ซึ่งโดดเด่นที่สุดโดยมัตเตโอ จิโอวานเนตติแห่งวิแตร์โบ เป็นตัวอย่างโดยตรงสำหรับศิลปินกอทิกตอนเหนือ สิ่งเหล่านี้อาจไม่ใช่แค่ภาพของผู้บริจาคและจิตรกรรมฝาผนังเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพขาตั้งที่ยังมาไม่ถึงเราด้วย รูปแบบของภาพเหมือนในราชสำนักฝรั่งเศสพัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของพวกเขา ตัวอย่างแรกคือภาพเหมือนของจอห์นที่ 2 ผู้ดี ทาสีเมื่อประมาณ ค.ศ. ค.ศ. 1360 เชื่อโดย Girard d'Orléans (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ตามประเพณีของอิตาลี พื้นหลังเป็นสีทอง รูปโปรไฟล์และความยาวหน้าอก แต่เขาใช้รูปทรงที่แสดงออกและรายละเอียดใบหน้าอย่างละเอียด ซึ่งสื่อถึงความคล้ายคลึงกันโดยไม่มีอุดมคติซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของนางแบบชาวอิตาลี เขาเผยให้เห็นความชัดเจนและความเป็นกลางตามความเป็นจริงซึ่งจะกลายเป็นหลักการทางโปรแกรมของภาพเหมือนทั้งหมดของยุโรปเหนือ

แม้ว่าภาพเหมือนของอิตาลีจะรักษาความเชื่อมโยงกับรูปแบบและรูปแบบทั่วไปของจิตรกรรมฝาผนัง แต่ภาพเหมือนของฝรั่งเศสเผยให้เห็นถึงการพึ่งพาโดยตรงต่อศิลปะของภาพย่อส่วนแบบโกธิก ตัวอย่างเช่น ดูภาพผู้บริจาคของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 5 และโจนแห่งบูร์บงในองค์ประกอบเอกรงค์ด้วยปากกาบนผ้าไหม - "ชุดนอร์บอนน์" (ประมาณปี 1375 พิพิธภัณฑ์ลูฟร์)

มาสเตอร์ธีโอดริก (?) ภาพปฏิญาณของบาทหลวง Jan Oczko ส่วนที่เป็นรูปจักรพรรดิชาร์ลส์

"Walton Diptych": กษัตริย์ริชาร์ดที่ 2 กับ Sts. Edmund the Martyr, Edward the Confessor และ John the Baptist ปรากฏตัวต่อหน้าพระแม่มารี

ภาพเหมือนของอาวีญงเป็นเพียงหนึ่งในแหล่งที่มาของภาพเหมือนขาตั้งแบบโกธิก แนวเพลงกอทิกตอนปลายจำเป็นต้องมีแนวนี้ และแนวเพลงนี้ก็จะปรากฏโดยไม่ได้รับอิทธิพลจากอิตาลี ดังนั้นในเวลาเดียวกันภาพขาตั้งประเภทที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงก็ปรากฏขึ้นในหมู่ปรมาจารย์ชาวเยอรมันและเช็ก - แบบจำลองนั้นไม่ได้แสดงให้เห็นในโปรไฟล์ แต่ในสามในสี่ ตัวอย่างแรกคือภาพเหมือนของอาร์คดยุครูดอล์ฟที่ 4 แห่งออสเตรีย (ประมาณปี 1365 เวียนนา อาสนวิหาร และพิพิธภัณฑ์สังฆมณฑล) ผู้เขียนไม่ทราบชื่อได้รับคำแนะนำจากสไตล์ของปรมาจารย์แห่งกรุงปราก Theodoric (โบสถ์น้อยในปราสาท Karlštejn ประมาณปี 1365 โดยที่ภาพครึ่งร่างของนักบุญจะปรากฎเป็นสามในสี่รอบ) เช่นเดียวกับภาพเหมือนของจักรพรรดิชาร์ลส์ที่ 4 และเวนเซสลาสพระโอรสของเขาบนแท่นบูชาซึ่งรับหน้าที่โดยอาร์คบิชอปยาน ออคซ์โก (ประมาณปี 1371-75, ปราก, หอศิลป์แห่งชาติ, ฝีมือของปรมาจารย์ธีโอโดริก) เห็นได้ชัดว่าการแก้ปัญหาการจัดองค์ประกอบภาพบุคคลนี้เกิดขึ้นจากงานประติมากรรม

อาจารย์บูซิคัต. พระเจ้าชาร์ลส์ที่ 6 ทรงพูดคุยกับนายกรัฐมนตรีปิแอร์ แซลมอนต่อหน้าเจ้าชาย 1955 “บทสนทนาของปิแอร์แซลมอน” เจนีวา ห้องสมุดสาธารณะและมหาวิทยาลัย

ในภาพเหมือนของอาร์คดยุครูดอล์ฟที่ 4 ปรมาจารย์พยายามสร้างพื้นที่สามมิติบนเครื่องบินด้วยความเป็นธรรมชาติที่ไร้เดียงสา โดยไม่รู้กฎของการลดเปอร์สเปคทีฟ โครงสร้างจมูกและตาโดยประมาณสอดคล้องกับการหันศีรษะ ปากเหยียดตรง และประดับมงกุฎด้วยงานปะติด ภาพบุคคลให้ความรู้สึกเหมือนภาพขนาดย่อที่ขยายใหญ่ขึ้น

ภาพลักษณ์รูปแบบใหม่นี้มีศักยภาพในการถ่ายทอดบุคลิกภาพได้อย่างทรงพลังยิ่งขึ้น แต่ในช่วงแรกนั้นมันยังคงดั้งเดิมและด้อยกว่าในความสมบูรณ์ของรูปโปรไฟล์แบบดั้งเดิม ตัวเลือกทั้งสองจะมีอยู่ในเงื่อนไขที่เท่าเทียมกันในการวาดภาพและภาพย่อจนถึงไตรมาสที่ 1 ของศตวรรษที่ 15 ขัดจังหวะด้วยชัยชนะของหลักการที่สมจริงเท่านั้น อาสโนวา.

ภาพเหมือนกลายเป็นประเภทอิสระอย่างรวดเร็วในเงื่อนไขของวัฒนธรรมศาล เขาได้รับบทบาทสำคัญในชีวิตส่วนตัวและสาธารณะ ภาพจะถูกรวบรวม ส่งโดยศาลที่เป็นมิตรพร้อมสถานทูต และใช้เป็นเอกสารในการสรุปสัญญาการแต่งงาน นอกเหนือจากภาพวาดของจอห์นเดอะกู๊ดและรูดอล์ฟแล้ว งานอื่นๆ ทั้งหมดที่กล่าวถึงในแหล่งที่มาก็ไม่รอด การสูญเสียของพวกเขาได้รับการชดเชยด้วยภาพวาดบุคคลในภาพทางศาสนา (เช่น Walton Diptych of King Richard II, ประมาณปี 1395, ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) และภาพย่อส่วน

ในภาพย่อส่วน การถ่ายภาพบุคคลมีลักษณะเป็นผู้บริจาค และยังรวมอยู่ในฉากทางสังคมด้วย พวกเขาพัฒนาเทคนิคการจัดองค์ประกอบภาพที่เป็นเอกลักษณ์ ซึ่งจะส่งผลต่อการสร้างภาพในการถ่ายภาพพอร์ตเทรตแบบขาตั้ง Grashchenkov แสดงให้เห็นว่าการปรากฏตัวในภาพเหมือนของฝรั่งเศส - เบอร์กันดีในศตวรรษที่ 15 ขององค์ประกอบกึ่งร่างโปรไฟล์ซึ่งรวมถึงมืออยู่แล้วสามารถอธิบายได้โดยใช้ลวดลายจากภาพย่อในเวลานั้นพร้อมฉากชีวิตในศาล ผลงานดังกล่าวรวมถึงผลงานของสองพี่น้อง Limburg (โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Magnificent Book of Hours, 1413-16) และงานย่อของ Master Boucicaut (1412, Geneva) ตัวอย่างทั่วไปของเทรนด์นี้คือภาพขนาดย่อที่แสดงถึงการนำเสนอต้นฉบับที่ส่องสว่างโดยศิลปินหรือลูกค้าต่อกษัตริย์หรือผู้อุปถัมภ์คนอื่นๆ รวมถึงฉากสวดมนต์และพิธีในโบสถ์

ภาพเหมือนของวงเวียนฟรังโก-เฟลมิช

ภาพเหมือนของพระเจ้าหลุยส์ที่ 2 แห่งอ็องฌู (ศิลปินไม่ทราบชื่อ ประมาณ ค.ศ. 1412-15, ปารีส, หอสมุดแห่งชาติ)

ศิลปินนิรนามแห่งวงการฟรังโก-เบอร์กันดี ภาพเหมือนของผู้หญิง แคลิฟอร์เนีย 1410-1420. วอชิงตัน, หอศิลป์แห่งชาติ.

ภาพเหมือนของวง Franco-Flemish-Burgundian จำนวนหนึ่งถูกสร้างขึ้นในช่วงปี 1400-1420 (มาถึงในต้นฉบับและสำเนา) ทั้งหมดมีประวัติและเขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของพี่น้อง Limburg และ Jean Maluel ในบรรดาภาพเหล่านั้น ภาพสีน้ำของพระเจ้าหลุยส์ที่ 2 แห่งอองชู (ศิลปินนิรนาม ประมาณ ค.ศ. 1412-15) มีความโดดเด่นเล็กน้อย ซึ่งยังคงสานต่อประเพณี "การทำให้เป็นอิตาลี" ของโรงเรียนในปารีสโดยตรง แต่แนวโน้มที่สมจริงที่กำหนดโดย Limburgs ก็สลายไปอย่างรวดเร็วในรูปแบบกอธิคที่มีมารยาทของศิลปินในราชสำนักของ John the Fearless - ดูตัวอย่างภาพเหมือนของ Duke เองที่เก็บรักษาไว้ในสำเนา (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์): การยืดตัวที่ไม่สมส่วนของ รูปร่าง หัวเล็ก มือมีมารยาท ขาดมิติเชิงลึก ภาพเงาแบนๆ ภาพเหมือนของผู้หญิงคนหนึ่งจากวอชิงตันที่ได้รับการประดิษฐ์อักษรวิจิตรก็ดูน่ารักและซับซ้อนเช่นเดียวกัน