วัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 17 การนำเสนอในหัวข้อ “วัฒนธรรมทางศิลปะของศตวรรษที่ 17-18” ผลงานของ Bartalomeo Rastrelli

ศตวรรษที่ 17 กลายเป็นช่วงที่เอื้ออำนวยต่อการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะอย่างน่าประหลาดใจ ความสำเร็จของวิทยาศาสตร์ธรรมชาติได้ขยายและทำให้ความคิดของโลกซับซ้อนขึ้นอย่างมากในฐานะความสามัคคีที่ไร้ขอบเขตเปลี่ยนแปลงได้และขัดแย้งกัน มีความรู้สึกที่โดดเด่นถึงความเชื่อมโยงของมนุษย์กับโลกนี้อย่างแยกไม่ออก การพึ่งพาความเป็นจริงโดยรอบ สภาพและสถานการณ์ของการดำรงอยู่ของเขา นั่นคือเหตุผลว่าทำไมไม่เพียงแต่มนุษย์เท่านั้นที่จะกลายเป็นผู้ถือครองความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ แต่ยังรวมถึงความหลากหลายของความเป็นจริงด้วย ความเชื่อมโยงอันซับซ้อนระหว่างความคิดสร้างสรรค์กับมนุษย์ ด้วยเหตุนี้ ธีมของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะและบทละครจึงสมบูรณ์ยิ่งขึ้น มีการพัฒนาประเภทและสไตล์อิสระใหม่ ๆ และรูปแบบและรูปแบบที่พัฒนาขึ้นในยุควัฒนธรรมก่อนหน้านี้ก็ได้พัฒนาและลึกซึ้งยิ่งขึ้น ในศตวรรษที่ 17 เกือบจะพร้อมกันที่สไตล์ต่างๆ ถือกำเนิดขึ้นโดยมีลักษณะเฉพาะประจำชาติและเปิดรับงานศิลปะประเภทต่างๆ - คลาสสิคและบาโรก

ผลงานมี 1 ไฟล์

ศตวรรษที่ 17 กลายเป็นที่ชื่นชอบอย่างน่าประหลาดใจสำหรับการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะ.docx

- 17.56 Kb (ดาวน์โหลด)

วานิยา. นั่นคือเหตุผลว่าทำไมไม่เพียงแต่มนุษย์เท่านั้นที่จะกลายเป็นผู้ถือครองความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ แต่ยังรวมถึงความหลากหลายของความเป็นจริงด้วย ความเชื่อมโยงอันซับซ้อนระหว่างความคิดสร้างสรรค์กับมนุษย์ ด้วยเหตุนี้ ธีมของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะและบทละครจึงสมบูรณ์ยิ่งขึ้น มีการพัฒนาประเภทและสไตล์อิสระใหม่ ๆ และรูปแบบและรูปแบบที่พัฒนาขึ้นในยุควัฒนธรรมก่อนหน้านี้ก็ได้พัฒนาและลึกซึ้งยิ่งขึ้น ในศตวรรษที่ 17 เกือบจะพร้อมกัน รูปแบบที่มีลักษณะประจำชาติถือกำเนิดขึ้นและนำเอางานศิลปะประเภทต่างๆ เข้ามา - คลาสสิคและบาโรก

ลัทธิคลาสสิกมีการนำเสนอในวรรณคดีด้วยชื่อดังกล่าว - P. Corneille, J. Racine, J. B. Moliere (ฝรั่งเศส), D. Fonvizin (รัสเซีย); ในการวาดภาพ - N. Poussin, C. Lauren (ฝรั่งเศส); ในประติมากรรม - E. M. Falconet (ฝรั่งเศส), Thorvaldsen (เดนมาร์ก); ในสถาปัตยกรรม - J. A. Gabriel, C. N. Ledoux (ฝรั่งเศส); ในด้านดนตรี - K.V. Gluck, W.A. Mozart (ออสเตรีย)

ตัวแทนที่โดดเด่นของสไตล์บาโรกในวรรณคดี ได้แก่ Calderon (สเปน), D. Milton (อังกฤษ); ในการวาดภาพ - P. P. Rubens (เกิดในเยอรมนี) ในสถาปัตยกรรม - L. Bernini (อิตาลี); ในด้านดนตรี - J. S. Bach, G. F. Handel (เยอรมนี), A. Vivaldi (อิตาลี)

ศิลปะยุโรปแห่งศตวรรษที่ 18 ผสมผสานหลักการที่เป็นปฏิปักษ์สองประการเข้าด้วยกัน: ลัทธิคลาสสิกและแนวโรแมนติก ลัทธิคลาสสิกหมายถึงการอยู่ใต้บังคับบัญชาของมนุษย์ต่อระบบสังคม ในขณะที่การพัฒนาลัทธิโรแมนติกพยายามที่จะเพิ่มจุดเริ่มต้นส่วนบุคคลของแต่ละบุคคลให้สูงสุด อย่างไรก็ตามลัทธิคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 มีการเปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญเมื่อเทียบกับลัทธิคลาสสิกของศตวรรษที่ 17 โดยละทิ้งในบางกรณีหนึ่งในคุณสมบัติที่โดดเด่นที่สุดของสไตล์ - รูปแบบคลาสสิกโบราณ นอกจากนี้ ความคลาสสิก "ใหม่" ของการตรัสรู้ซึ่งเป็นแก่นแท้ของมันไม่ได้แปลกไปจากแนวโรแมนติก

การเริ่มต้นใหม่ที่สำคัญในงานศิลปะของศตวรรษที่ 18 คือการเกิดขึ้นของการเคลื่อนไหวที่ไม่มีเป็นของตัวเอง รูปแบบโวหารและไม่รู้สึกว่าจำเป็นต้องพัฒนามัน การเคลื่อนไหวทางวัฒนธรรมที่ใหญ่ที่สุดนี้เป็นหลัก อารมณ์อ่อนไหว,สะท้อนความคิดแห่งการตรัสรู้อย่างครบถ้วนถึงความบริสุทธิ์และความเมตตาดั้งเดิมของมนุษย์ที่สูญหายไปพร้อมกับ “สภาพธรรมชาติ” ดั้งเดิมของสังคมที่ห่างไกลจากธรรมชาติ ลัทธิเซนติเมนทอลนิยมมุ่งไปที่โลกภายใน ส่วนตัว และใกล้ชิดของความรู้สึกและความคิดของมนุษย์เป็นหลัก ดังนั้นจึงไม่จำเป็นต้องมีการออกแบบโวหารพิเศษ ความรู้สึกอ่อนไหวนั้นใกล้เคียงกับลัทธิโรแมนติกอย่างมาก บุคคลที่ "เป็นธรรมชาติ" ที่เขายกย่องย่อมประสบกับโศกนาฏกรรมของการปะทะกันกับองค์ประกอบทางธรรมชาติและทางสังคมกับชีวิตซึ่งกำลังเตรียมการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ลางสังหรณ์ซึ่งเติมเต็มวัฒนธรรมทั้งหมดของศตวรรษที่ 18

ลักษณะที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งของวัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้คือ กระบวนการเปลี่ยนหลักศาสนาทางศิลปะด้วยหลักทางโลกในศตวรรษที่ 18 สถาปัตยกรรมทางโลกมีความสำคัญเหนือกว่าสถาปัตยกรรมโบสถ์เป็นครั้งแรกในยุโรปเกือบทั้งหมด การรุกรานของฆราวาสนิยมในการวาดภาพทางศาสนาในประเทศเหล่านั้นซึ่งก่อนหน้านี้มีบทบาทสำคัญในนั้นก็ชัดเจนเช่นกัน - อิตาลี, ออสเตรีย, เยอรมนี ประเภทการวาดภาพซึ่งสะท้อนถึงการสังเกตชีวิตประจำวันของศิลปินเกี่ยวกับชีวิตจริงของคนจริงๆ กำลังแพร่หลายในเกือบทุกประเทศในยุโรป ซึ่งบางครั้งก็มุ่งมั่นที่จะเข้ามามีบทบาทหลักในงานศิลปะ ภาพพระราชพิธีที่ได้รับความนิยมมากในอดีตกำลังหลีกทางให้

ภาพบุคคลที่ใกล้ชิดและในการวาดภาพทิวทัศน์สิ่งที่เรียกว่า "ภูมิทัศน์อารมณ์" ปรากฏขึ้นและแพร่กระจายไปในประเทศต่างๆ (Watteau, Gainsborough, Guardi)

ลักษณะเฉพาะของการวาดภาพในศตวรรษที่ 18 คือความสนใจที่เพิ่มขึ้นต่อภาพร่างไม่เพียง แต่ในหมู่ศิลปินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ที่ชื่นชอบงานศิลปะด้วย การรับรู้ส่วนบุคคลและอารมณ์ของแต่ละบุคคลที่สะท้อนให้เห็นในภาพร่างบางครั้งกลายเป็นสิ่งที่น่าสนใจมากกว่าและทำให้เกิดผลกระทบทางอารมณ์และสุนทรียภาพมากกว่างานที่เสร็จสมบูรณ์ ภาพวาดและการแกะสลักมีคุณค่ามากกว่าภาพวาด เนื่องจากเป็นสิ่งเชื่อมโยงโดยตรงระหว่างผู้ชมและศิลปิน รสนิยมและความต้องการในยุคนั้นก็เปลี่ยนข้อกำหนดสำหรับ สีภาพวาด ในผลงานของศิลปินในศตวรรษที่ 18 ความเข้าใจในการตกแต่งของสีได้รับการปรับปรุงให้ดีขึ้น ภาพวาดไม่ควรเพียงแสดงออกและสะท้อนบางสิ่งบางอย่างเท่านั้น แต่ยังตกแต่งสถานที่ซึ่งภาพวาดนั้นตั้งอยู่ด้วย ดังนั้น นอกเหนือจากความละเอียดอ่อนของฮาล์ฟโทนและความละเอียดอ่อนของสีแล้ว ศิลปินยังมุ่งมั่นในการสร้างสรรค์สีสันที่หลากหลายและแม้กระทั่งความหลากหลาย

ผลผลิตของวัฒนธรรมทางโลกล้วนๆของการตรัสรู้คือรูปแบบ "โรโคโค",ซึ่งได้รับความสมบูรณ์แบบที่สุดในสาขาศิลปะประยุกต์ นอกจากนี้ยังแสดงให้เห็นในด้านอื่น ๆ ที่ศิลปินต้องแก้ปัญหาการตกแต่งและการออกแบบ: ในสถาปัตยกรรม - ในการวางแผนและการออกแบบภายใน, ในการทาสี - ในแผงตกแต่ง, ภาพวาด, หน้าจอ ฯลฯ สถาปัตยกรรมและการวาดภาพแบบโรโคโคมุ่งเน้นไปที่การสร้างความสะดวกสบายเป็นหลัก และพระคุณสำหรับผู้ที่จะใคร่ครวญและเพลิดเพลินกับการสร้างสรรค์ของพวกเขา ห้องขนาดเล็กดูไม่คับแคบด้วยภาพลวงตาของ "พื้นที่เล่น" ที่สร้างขึ้นโดยสถาปนิกและศิลปินที่ใช้วิธีการทางศิลปะที่หลากหลายเพื่อสิ่งนี้: เครื่องประดับ กระจก แผง สีพิเศษ ฯลฯ รูปแบบใหม่ได้กลายเป็นสไตล์ของคนจนเป็นหลัก บ้านซึ่งเขาได้นำเสนอจิตวิญญาณแห่งความผาสุกและสะดวกสบายโดยไม่เน้นความหรูหราและความเอิกเกริกด้วยเทคนิคเพียงเล็กน้อย ศตวรรษที่ 18 นำเสนอสิ่งของในครัวเรือนมากมายที่ให้ความสะดวกสบายและความสงบสุขแก่บุคคล ขัดขวางความปรารถนาของเขา ทำให้พวกเขากลายเป็นวัตถุแห่งศิลปะที่แท้จริงในเวลาเดียวกัน

แง่มุมที่สำคัญไม่แพ้กันของวัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้คือการดึงดูดใจให้จับความรู้สึกและความสุขของมนุษย์ (ทั้งทางจิตวิญญาณและทางกายภาพ) ด้วยวิธีการทางศิลปะ ในบรรดานักคิดที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเกี่ยวกับการตรัสรู้ (วอลแตร์, เฮลเวเทียส) เราพบ "ฉากที่กล้าหาญ" ซึ่งการประท้วงต่อต้านศีลธรรมอันศักดิ์สิทธิ์ในสมัยนั้นบางครั้งก็พัฒนาไปสู่ความเหลื่อมล้ำ ในฝรั่งเศสตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 18 ทั้งสาธารณชนและนักวิจารณ์เริ่มเรียกร้องงานศิลปะใหม่ ประการแรกคือ "น่าพอใจ" ข้อกำหนดดังกล่าวบังคับใช้กับภาพวาด ดนตรี และการแสดงละคร "น่าพอใจ" หมายถึงทั้ง "อ่อนไหว" และเย้ายวนอย่างแท้จริง วลีอันโด่งดังของวอลแตร์ที่ว่า "แนวเพลงทุกประเภทดี ยกเว้นแนวที่น่าเบื่อ" สะท้อนถึงความต้องการในยุคนี้อย่างชัดเจนที่สุด

แนวโน้มของวิจิตรศิลป์ที่จะให้ความบันเทิง การเล่าเรื่อง และวรรณกรรม อธิบายถึงการสร้างสายสัมพันธ์กับโรงละคร ศตวรรษที่ 18 มักถูกเรียกว่า "ยุคทองของโรงละคร" ชื่อของ Beaumarchais, Sheridan, Fielding, Gozzi, Goldoni ถือเป็นหน้าที่โดดเด่นที่สุดหน้าหนึ่งในประวัติศาสตร์ของละครโลก

โรงละครกลายเป็นละครที่ใกล้เคียงกับจิตวิญญาณแห่งยุคสมัย ชีวิตเองก็เคลื่อนเข้าหาเขาโดยแนะนำแผนการและการปะทะกันที่น่าสนใจเติมเต็มรูปแบบเก่าด้วยเนื้อหาใหม่ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เป็นช่วงยุคแห่งการตรัสรู้ที่งานรื่นเริงเวนิสอันโด่งดังไม่ได้เป็นเพียงวันหยุดเท่านั้น แต่ยังเป็นวิถีชีวิตซึ่งเป็นรูปแบบหนึ่งของชีวิตประจำวันอีกด้วย

ดนตรีมีบทบาทสำคัญในลำดับชั้นของคุณค่าทางจิตวิญญาณในศตวรรษที่ 18 หากวิจิตรศิลป์ของ Rococo มุ่งมั่นในการตกแต่งชีวิตโรงละครเป็นอันดับแรก -

เพื่อเปิดเผยและให้ความบันเทิง จากนั้นดนตรีแห่งการตรัสรู้จะทำให้บุคคลประหลาดใจด้วยขนาดและการวิเคราะห์เชิงลึกของมุมที่ซ่อนอยู่ที่สุดของจิตวิญญาณมนุษย์ ทัศนคติต่อดนตรีก็เปลี่ยนไปเช่นกันซึ่งในศตวรรษที่ 17 เป็นเพียงเครื่องมือประยุกต์ที่มีอิทธิพลทั้งในด้านวัฒนธรรมทางโลกและศาสนา ในฝรั่งเศสและอิตาลี ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ ดนตรี โอเปร่า รูปแบบใหม่ทางโลกเจริญรุ่งเรือง ในเยอรมนีและออสเตรียผลงานดนตรีรูปแบบที่ "จริงจัง" ที่สุดได้รับการพัฒนา - ออราทอริโอและมวลชน ความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรีแห่งยุคตรัสรู้นั้นเป็นผลงานของบาคและโมสาร์ทอย่างไม่ต้องสงสัย

ยุคแห่งการรู้แจ้งมีลักษณะเฉพาะคือความอยากผจญภัย การผจญภัย การเดินทาง และความปรารถนาที่จะเจาะเข้าไปในพื้นที่ "วัฒนธรรม" ที่แตกต่างออกไป พบการปรากฏตัวในละครโอเปร่าเวทมนตร์ที่มีการเปลี่ยนแปลงที่ไม่ธรรมดามากมาย ในเรื่องโศกนาฏกรรม เทพนิยาย ฯลฯ

การสนับสนุนที่โดดเด่นในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลกคือการตีพิมพ์สารานุกรมวิทยาศาสตร์ ศิลปหัตถกรรมขั้นพื้นฐาน ซึ่งเริ่มขึ้น ดี. ดิเดอโรต์(1713-1784) และ ดาล็องแบร์.สารานุกรมจัดระบบความสำเร็จทางวิทยาศาสตร์ที่สำคัญที่สุดของมนุษยชาติและอนุมัติระบบคุณค่าทางวัฒนธรรมที่สะท้อนถึงมุมมองที่ก้าวหน้าที่สุดในยุคนั้น

เขาสะท้อนให้เห็นสัญญาณของเวลาอย่างเต็มที่ ความซับซ้อนและความไม่สอดคล้องกันทั้งหมด - นักปรัชญา นักธรรมชาติวิทยา กวี และนักเขียนร้อยแก้ว - วอลแตร์.ผลงานที่ลึกซึ้งและเสียดสีที่สุดชิ้นหนึ่งของวอลแตร์ "แคนดิดหรือผู้มองโลกในแง่ดี"สะท้อนถึงแนวโน้มทั่วไปในการพัฒนาวรรณกรรมทางการศึกษาอย่างเต็มที่

ผู้ก่อตั้งแนวโรแมนติกทางการศึกษาในวรรณคดี - เจ.เจ. รุสโซ.อุดมคติทางศีลธรรมและสุนทรียภาพของเขาสะท้อนให้เห็นอย่างเต็มที่ในนวนิยายที่มีชื่อเสียงและสำคัญที่สุดของเขา “เอโลอิสคนใหม่”สาวกของลัทธิรัสเซียคือ Karamzin (“Poor Liza”), Goethe (“The Sorrows of Young Werther”), Chaderlos de Laclos (“Dangerous Liaisons”)

ยุคแห่งการตรัสรู้เป็นจุดเปลี่ยนสำคัญในการพัฒนาจิตวิญญาณของยุโรป ซึ่งมีอิทธิพลต่อชีวิตทางสังคม การเมือง และวัฒนธรรมในเกือบทุกด้าน หลังจากที่ได้หักล้างบรรทัดฐานทางการเมืองและกฎหมาย สุนทรียศาสตร์และจริยธรรมของสังคมชนชั้นเก่าแล้ว บรรดาผู้รู้แจ้งได้ทำงานอันใหญ่โตเพื่อสร้างระบบค่านิยมเชิงบวก ซึ่งกล่าวถึงมนุษย์เป็นหลัก โดยไม่คำนึงถึงความผูกพันทางสังคมของเขา ซึ่งโดยธรรมชาติแล้วกลายเป็นส่วนหนึ่งของเนื้อหนังและ เลือดแห่งอารยธรรมตะวันตก กุล-134

มรดกการท่องเที่ยวแห่งศตวรรษที่ 18 ยังคงน่าทึ่งด้วยความหลากหลายที่ไม่ธรรมดา ความหลากหลายของประเภทและสไตล์ ความเข้าใจอย่างลึกซึ้งในความปรารถนาของมนุษย์ การมองโลกในแง่ดีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด และความศรัทธาในตัวมนุษย์และจิตใจของเขา

การศึกษาวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ศิลปะ

คุณสมบัติลักษณะทั่วไป - 1) การแยกโลกศิลปะออกเป็นทรงกลมที่ค่อนข้างเป็นอิสระ; 2) การรับรู้ทางทฤษฎีเกี่ยวกับความสามัคคีเชิงคุณภาพ กระบวนการนี้เริ่มขึ้นในสมัยเรอเนซองส์ ถึงกระนั้น กิจกรรมทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์ก็เริ่มค่อยๆ แยกตัวออกจากงานฝีมือของกิลด์จำนวนมาก

วัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 17-18

แง่มุมของวัฒนธรรมองค์กร (สถาบัน):

ลักษณะทั่วไป 1)การแยกโลกศิลปะออกเป็นทรงกลมที่ค่อนข้างเป็นอิสระ 2) การรับรู้ทางทฤษฎีเกี่ยวกับความสามัคคีเชิงคุณภาพ- กระบวนการนี้เริ่มขึ้นในสมัยเรอเนซองส์ ถึงกระนั้น กิจกรรมทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์ก็เริ่มค่อยๆ แยกตัวออกจากงานฝีมือของกิลด์จำนวนมาก ศิลปกรรมเริ่มเข้ามารวมอยู่ในทรงกลมการแสวงหาทางปัญญา- ในศตวรรษที่ 17 Ch. Perrault เสนอให้เปลี่ยนแนวคิด”ศิลปศาสตร์"เกี่ยวกับแนวคิด "วิจิตรศิลป์".มีปัญหาเกิดขึ้นระหว่างทางรสชาติ - คริสต์ศตวรรษที่ 18 ขั้นต่อไปหลักการเอกภาพของวิจิตรศิลป์คือหลักการของการเลียนแบบสิ่งนี้ได้กำหนดและจัดระเบียบทรงกลมพื้นที่ทางวัฒนธรรม- คุณสมบัติหลัก: จินตนาการความสามารถในการให้ความเพลิดเพลินการมีส่วนร่วมในความงาม

การแยกขอบเขตของวิจิตรศิลป์นำไปสู่การการก่อตัวของความสัมพันธ์รูปแบบใหม่ระหว่างศิลปินกับโลกมันสืบทอดมาจากยุคเรอเนซองส์การอุปถัมภ์ (ชื่ออุปถัมภ์ของเศรษฐีชาวโรมันในศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช ผู้รักและผู้อุปถัมภ์วิทยาศาสตร์และศิลปะ) ผู้อุปถัมภ์ให้ความสำคัญกับความแตกต่างที่สร้างสรรค์ แต่ตามกฎแล้วศิลปินไม่ได้คาดหวังอะไรไปมากกว่านี้ ตำแหน่งศาลสูงเป็นข้อยกเว้น (เช่น เวลาซเกซเป็นจอมพล) ที่ราชสำนักฝรั่งเศส ศิลปินได้รับการแต่งตั้งให้ดำรงตำแหน่งคนรับใช้ (บริการนำรถไปจอด - ศิลปินแห่งศตวรรษที่ 17 ก. ซัคคีเป็นส่วนหนึ่งของคนรับใช้ในครัวเรือนของพระคาร์ดินัลอันโตนิโอ บาร์เบรินี นอกจากศิลปินในตำแหน่งนี้แล้วยังมีคนสวน คนแคระ และพี่เลี้ยงเด็กอีกด้วย จากนั้นเขาก็ถูกย้ายไปยังคนรับใช้ที่มีตำแหน่งสูงกว่า ซึ่งรวมถึงอาลักษณ์ กวี และเลขานุการ แต่ในศตวรรษที่ 17 ทัศนคติอีกประเภทหนึ่งต่อศิลปินได้เป็นรูปเป็นร่างแล้ว (ฮอลแลนด์) ซึ่งมีลักษณะเฉพาะคือทำลายความสัมพันธ์ส่วนตัวระหว่างศิลปินและลูกค้า- ศิลปินเริ่มทำงานให้กับตลาดนั่นคือเพื่อผู้ซื้อที่ไม่ระบุชื่อ ศิลปินมีอิสระมากขึ้น แต่พบว่าตัวเองเหงาและทำอะไรไม่ถูก

ในเรื่องนี้เริ่มเป็นรูปเป็นร่างและรูปแบบใหม่ของการติดต่อระหว่างบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์และ “ผู้บริโภคงานศิลปะ”: คอนเสิร์ต นิทรรศการ “ผู้บริโภค” รูปแบบใหม่ได้เกิดขึ้นแล้ว -ผู้ชมผู้ชมเหมือนอะไรบางอย่าง ส่วนรวมมวล- นิทรรศการศิลปะครั้งแรกในโรมและปารีสมีอายุย้อนกลับไปในช่วงปลายศตวรรษที่ 17

ลุกขึ้น การประพันธ์สองประเภท 1) องค์ประกอบหลักตามจริง; 2) ประสิทธิภาพรอง- และจากที่นี่ กองกำลังใหม่ของ "ตัวกลาง"- ผู้จัดพิมพ์ ผู้ขาย ผู้ประกอบการ ความไม่แตกต่างของการประพันธ์ในระดับประถมศึกษาและมัธยมศึกษาในละครกินเวลานานที่สุด: เช็คสเปียร์และโมลิแยร์เป็นนักแสดง

ความเป็นมืออาชีพทางศิลปะได้นำไปสู่ลิขสิทธิ์ที่บังคับใช้ตามกฎหมาย

การเผชิญหน้าและปฏิสัมพันธ์ของระบบศิลปะต่างๆ ลัทธิคลาสสิก กิริยานิยม บาโรก ความสมจริงทางการศึกษา ความรู้สึกอ่อนไหว

ละครที่โดดเด่นด้านสุนทรียศาสตร์.

ภาพลักษณ์ใหม่ของบุคคลอุดมคติของมนุษย์สากลได้สูญหายไป มาถึงอันดับหนึ่งแล้วละครภายในของชีวิตส่วนตัว- ในลัทธิคลาสสิก มีการปะทะกันอย่างมากระหว่างความหลงใหลและหน้าที่ ในลัทธิอารมณ์อ่อนไหว มีบทละครเกี่ยวกับพลังของการไม่มีเหตุผลเหนือมนุษย์ (ความหลงใหล ความปรารถนา ความศรัทธา) ในกิริยานิยมและบาโรก มีการเผชิญหน้าอย่างมากกับลัทธิเหตุผลนิยมของลัทธิคลาสสิก

ความหลากหลายและความหลากหลาย

ลักษณะทางสัณฐานวิทยา (ประเภทของลักษณะทางศิลปะของช่วงเวลา):

ในความคลาสสิคในแผน 1 โรงละคร- มันมีอิทธิพลต่อทุกประเภทและแนวเพลง

ในศิลปะดนตรีสิ่งนี้แสดงออกมาในการพัฒนาเป็นหลักโรงละครดนตรี(มอนเตแวร์ดี, สการ์ลัตติ, แปร์โกเลซี่, ลุลลี่, ราโม, เพอร์เซลล์, ฮันเดล, โมสาร์ท, กลุค) เฉพาะในเมืองเวนิสมีโรงละครถึง 7 แห่ง ทั้งโอเปร่าและบัลเล่ต์กำลังพัฒนา โอเปร่าประกอบด้วยตอนเต้นรำ ในฝรั่งเศส Moliere และ Lully มีส่วนร่วมในการสร้างการแสดงบัลเล่ต์ นี่คืออิทธิพลโดยตรงของโรงละคร อิทธิพลทางอ้อมละครของเพลงนั่นเอง- “ในภาษาดนตรีสมัยนั้นยังมี “โครงสร้างเวที” อยู่ (สตาโรบินสกี้ , 1964) ความลึกลับถูกแทนที่ด้วยโอเปร่า ซิมโฟนีเกิดขึ้นจากการทาบทามของละคร ลักษณะเฉพาะของดนตรีของเบโธเฟน "การแสดงดนตรีประสานเสียง", "หลักการโต้ตอบ", "การปะทะกันของความคิดและเจตจำนงที่ขัดแย้งกัน" (I.I. โซลเลอร์ตินสกี้).

ในด้านสถาปัตยกรรมและวิจิตรศิลป์อิทธิพลของละครมีหลายแง่มุมมาก สถาปัตยกรรมของยุคเรอเนซองส์มุ่งเน้นไปที่เอฟเฟกต์ที่งดงาม สถาปัตยกรรมของยุคใหม่มุ่งเน้นไปที่เอฟเฟกต์การแสดงละคร สถาปัตยกรรมมีการตกแต่งมากมาย มีแรงจูงใจที่สนุกสนานและสนุกสนาน จึงมีการกระจายเครื่องประดับอย่างกว้างขวาง เป็นอาการที่อิ. คานท์มองเห็นความงดงามอันบริสุทธิ์ของศิลปะในเครื่องประดับซึ่งเขาเปรียบเทียบกับความงามของดอกไม้ในธรรมชาติ การวาดภาพถือเป็นชั้นลอย แม้แต่ในภูมิประเทศ พื้นที่ก็ถูกสร้างขึ้นราวกับว่าเป็นลูกบาศก์ปิดของเวที (โครงสร้างคล้ายสไลด์) สิ่งนี้พบเห็นครั้งแรกในภาพวาดของชาวดัตช์ ประเภทของการวาดภาพต่อเนื่องเป็นลำดับของฉากที่เกี่ยวข้องกับโครงเรื่องกำลังแพร่กระจาย (โฮการ์ธ)

ในงานศิลปะที่เน้นความเป็นจริงอันดับที่ 1 ไม่ใช่โรงละคร แต่เป็นวรรณกรรมให้แม่นยำยิ่งขึ้น ประเภทมหากาพย์และประเภทมหากาพย์ข้อดีของวรรณกรรมคือ 1) ความสามารถในการรวบรวมพื้นที่และเวลาที่ไม่มีในเวทีและวิจิตรศิลป์; 2) โอกาสในการรวมผู้แต่งไว้ในโครงสร้างทางศิลปะ ในเรื่องนี้ผลงานละคร (คอเมดี้) เริ่มเขียนเป็นร้อยแก้ว (Beaumarchais, Goldoni, Diderot, Lessing) ในการวาดภาพ การเล่าเรื่องนำไปสู่ความจริงที่ว่าภาพเขียนถูกสร้างขึ้นบนหลักการของการปรับสภาพลักษณะทางสังคมตามสภาพแวดล้อม ดังนั้นการแบ่งประเภทคลาสสิกออกเป็นประเภทต่างๆ

ลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมทางศิลปะของการพัฒนาศตวรรษที่ 17-18การตระหนักรู้ในตนเองเกี่ยวกับวัฒนธรรมระบบศิลปะของบาโรกและลัทธิคลาสสิกได้พัฒนาทฤษฎีสุนทรียศาสตร์ของตนเอง

หลักการพื้นฐานของบาโรก:

เครื่องมือหลักของความคิดสร้างสรรค์ที่เฉียบคม จิตใจที่รวดเร็ว สัญชาตญาณที่สร้างสรรค์
กวีเชิงเปรียบเทียบ (ธรรมชาติเป็นอุปมาอุปไมยขนาดยักษ์และศิลปะคลี่คลายความลับ)

หลักการพื้นฐานของลัทธิคลาสสิค:

เลียนแบบตามกฎ; บรรทัดฐาน;
เป้าหมายของศิลปะคือการให้ความรู้แก่บุคคลที่ไม่ได้มีลักษณะเป็นนามธรรม แต่โดยพลเมืองมนุษย์
การครอบงำสิ่งทั่วไปเหนือปัจเจกบุคคล อุดมคติเหนือความเป็นจริง

หลักการพื้นฐานของการพัฒนาความสมจริง:

การเลียนแบบโดยตรงและเป็นกลาง (ความเป็นกลาง);
ศีลธรรม;
ความงามเป็นรูปแบบหนึ่งของความจริงและความดี

หน้า 2

รวมไปถึงผลงานอื่นๆที่คุณอาจสนใจ
35974.		แพลตฟอร์มหนุ่ม	47 กิโลไบต์
	พวกมันมีฐานพับอยู่ในยุคพาลีโอโซอิกและบางส่วนเป็นยุคพรีแคมเบรียนตอนปลาย ในบางส่วน การพับหลักเกิดขึ้นตรงกลางของยุคพาลีโอโซอิก เรียกว่า CALEDONIAN ตามชื่อโบราณของสกอตแลนด์ แคลิโดเนีย ซึ่งปรากฏชัดเจนมากก่อนยุคดีโวเนียน และโครงสร้างพับและเข็มขัดที่สร้างขึ้นโดย มันถูกเรียกว่า CALEDONIDS นอกจากนี้ยังมีพื้นที่พับที่อายุน้อยกว่าซึ่งมีการพัฒนา geosynclinal ไม่เพียงแต่ใน Paleozoic เท่านั้น แต่ยังรวมถึงในช่วง Mesozoic ส่วนใหญ่และสิ้นสุดเพียง...
35976.		การจำแนกทรัพยากรธรรมชาติทางเศรษฐศาสตร์	46 กิโลไบต์
	การจำแนกทรัพยากรธรรมชาติตามแหล่งกำเนิด ด้วยการตรวจสอบการปฏิบัติตามมาตรฐานเหล่านี้อย่างเข้มงวด ทรัพยากรป่าไม้จึงไม่เกิดการสูญเสีย ภูมิประเทศหรืออาณาเขตธรรมชาติแต่ละแห่งมีทรัพยากรธรรมชาติประเภทต่างๆ กัน

คำถามที่ 1 อะไรคือคุณลักษณะหลักของการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะในรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19?

คำตอบ. คุณลักษณะหลักของการพัฒนาวัฒนธรรมคือการดึงดูดความสนใจของสาธารณชนอย่างต่อเนื่องจากชนชั้นสูงของสังคมในด้านความคิดสร้างสรรค์ในหลากหลายประเภทรวมถึงการอภิปรายเชิงปรัชญาเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้น สิ่งนี้นำไปสู่การเร่งพัฒนาวัฒนธรรมและการเกิดขึ้นของรูปแบบใหม่ในด้านความคิดสร้างสรรค์ที่หลากหลาย

คำถามที่ 2 ตั้งชื่อตัวอย่างความคลาสสิกในสถาปัตยกรรมรัสเซียในยุคนี้ คุณสมบัติหลักของมันคืออะไร?

คำตอบ. รูปแบบคลาสสิกจนถึงขั้นสูงสุดของสไตล์จักรวรรดิมีขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 ในศตวรรษที่ 19 ก่อนการถือกำเนิดของสไตล์จักรวรรดิ พระราชวังมิคาอิลอฟสกี้ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เช่นเดียวกับการก่อสร้างอาคารสาธารณะของจักรวรรดิ ห้องสมุดสร้างเสร็จแล้ว คุณสมบัติลักษณะของสไตล์:

คำถามที่ 3 ยกตัวอย่างความรู้สึกอ่อนไหวในวรรณคดีรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษ

คำตอบ. ความรู้สึกอ่อนไหวเป็นกระแสในวรรณกรรมโลกที่ให้ความสำคัญเป็นพิเศษกับความราคะที่เกิดขึ้นเมื่ออ่านงานวรรณกรรม ในรัสเซียงานดังกล่าวถูกสร้างขึ้นในช่วงเวลาอันสั้น ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 นวนิยายเช่น "Poor Masha" โดย A. E. Izmailov (1801) และ "Journey to Midday Russia" (1802), "Henrietta หรือ Triumph of Deception over Weakness or Delusion" โดย Ivan Svechinsky (1802 ) เรื่องราวมากมายโดย G. P. Kamenev (“ The Story of Poor Marya”, “ Unhappy Margarita”, “ Beautiful Tatyana”) และอื่น ๆ

คำถามที่ 4. อะไรในความเห็นของคุณที่ทำให้เกิดและแพร่กระจายอย่างรวดเร็วของแนวโรแมนติกในวัฒนธรรมศิลปะรัสเซีย? ยกตัวอย่าง.

คำตอบ. ยวนใจในวรรณคดีโลกเกิดขึ้นจากการตอบสนองต่ออุดมคติของการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่และความผิดหวังอย่างรวดเร็วในการปฏิวัติครั้งนี้ซึ่งแทนที่จะนำไปสู่กระแสเลือดแทนที่จะเป็นสังคมแห่งเหตุผลที่ยุติธรรม นี่เป็นเหตุผลว่าทำไมฝูงชนจึงมักไม่เข้าใจพระเอกโรแมนติกซึ่งอาจขับไล่เขาโดยสิ้นเชิงหรือไม่เข้าใจ บิดเบือนและหยาบคายความคิดของเขา นับตั้งแต่สมัยของ Elizabeth Petrovna วัฒนธรรมรัสเซียมีความใกล้ชิดกับวัฒนธรรมฝรั่งเศส ซึ่งเป็นสาเหตุที่ทำให้แนวโรแมนติกแพร่กระจายอย่างรวดเร็วในรัสเซีย

คำถามที่ 5 แสดงตัวอย่างเฉพาะเกี่ยวกับการพัฒนาความสมจริงในวัฒนธรรมศิลปะของรัสเซีย

คำตอบ. ความสมจริงเริ่มต้นด้วยการแสดงลักษณะนิสัยอย่างหนึ่งของบุคคล สถานการณ์ หรือทั้งบุคคลอย่างชัดเจน แต่มีลักษณะค่อนข้างสั้น นี่คือเรื่องราวของ Nikolai Vasilyevich Gogol: "ชายในคดี", "เสื้อคลุม" ฯลฯ ผู้สร้างเริ่มแสดงให้เห็นถึงการผสมผสานประสบการณ์สถานการณ์และโชคชะตาโดยทั่วไปที่ซับซ้อนมากขึ้นทีละน้อย ตัวอย่างเช่นเป็นละครเรื่องแรกของ Alexander Nikolaevich Ostrovsky เรื่อง "Our People - We Will Be Numbered" แก่นเรื่องของทาสชาวนาไม่ได้ปรากฏในความสมจริงในทันที เฉพาะในช่วงกลางศตวรรษเท่านั้นที่มีการเปิดเผยใน "Notes of a Hunter" โดย Ivan Sergeevich Turgenev

คำถามที่ 6 เราจะอธิบายความจริงที่ว่าวรรณกรรมรัสเซียในยุคนี้มีอิทธิพลเหนือชีวิตฝ่ายวิญญาณของสังคมรัสเซียได้อย่างไร

คำตอบ. การอนุรักษ์ของหน่วยงานราชการมีเพิ่มมากขึ้น คนเหล่านั้นที่มีภารกิจทางจิตวิญญาณไม่สามารถหวังการเปลี่ยนแปลงในชีวิตจากรัฐบาลได้ นั่นเป็นเหตุผลที่พวกเขาหันไปหาผู้สร้างเพื่อเป็นแนวทางในชีวิต ในบรรดาความคิดสร้างสรรค์ทุกประเภท วรรณกรรมได้รับการทำซ้ำได้ดีที่สุดในสมัยนั้น ภาพวาดหรือประติมากรรมสามารถจัดแสดงได้ในที่เดียว ละครสามารถจัดแสดงในโรงละครหลายแห่งในคราวเดียว แต่ไม่ใช่ในโรงละครทั้งหมดที่มีคุณภาพเหมาะสม งานวรรณกรรมคุณภาพเดียวกันซึ่งผู้เขียนวางไว้สามารถอ่านได้พร้อมกันในร้านทั้งหมดในเมืองหลวงตลอดจนในเมืองอื่น ๆ ของจักรวรรดิและแม้แต่ในที่ดินห่างไกล ดังนั้น ก่อนการแพร่กระจายของภาพยนตร์ การอ่านหนังสือจึงเป็นความบันเทิงที่คุ้มค่าสำหรับผู้ที่มีการศึกษา ซึ่งต่างจากคนอื่นๆ ตรงที่รวมกับการตรัสรู้

คำถามที่ 7. คุณสมบัติใหม่ที่เป็นพื้นฐานอะไรบ้างที่บ่งบอกถึงชีวิตการแสดงละคร?

คำตอบ. คุณสมบัติใหม่โดยพื้นฐาน:

1) เป็นครั้งแรกที่โรงละครของจักรวรรดิถูกแบ่งออกเป็นคณะโอเปร่า บัลเล่ต์ และละคร

2) การวิจารณ์โรงละครและดนตรีของรัสเซียปรากฏขึ้น (ตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดคือ Vladimir Vasilyevich Stasov

คำถามที่ 8. มีอะไรใหม่โดยพื้นฐานในการพัฒนาศิลปะดนตรี?

คำตอบ. ศิลปะดนตรีส่วนใหญ่อยู่ภายใต้อิทธิพลของชัยชนะในปี พ.ศ. 2355 มีความรักชาติมากขึ้นโดยเฉพาะโอเปร่าในชีวิตประจำวันถูกแทนที่ด้วยโอเปร่าที่กล้าหาญซึ่งมักเป็นธีมของประวัติศาสตร์รัสเซีย ธีมประจำชาติของรัสเซียมีความเข้มแข็งอย่างต่อเนื่อง

คำถามที่ 9 ประเภทของภาพวาดในยุคนี้เป็นที่ชื่นชอบมากที่สุดในหมู่กลุ่มปัญญาชน?

คำตอบ. ความสนใจของศิลปินในบุคลิกภาพของมนุษย์ไม่เพียงแต่ในชีวิตของเทพเจ้าและกษัตริย์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงคนธรรมดาด้วย ดังนั้นประเภทหลักจึงเป็นภาพบุคคล

คำถามที่ 10 ศิลปินคนไหนเป็นผู้ก่อตั้งความสมจริงเชิงวิพากษ์ในภาพวาดรัสเซีย?

คำตอบ. พาเวล อันดรีวิช เฟโดตอฟ เขาเป็นคนแรกที่แสดงภาพความเป็นจริงที่ไม่มีการปรุงแต่งและทัศนคติเชิงวิพากษ์ของผู้เขียนต่อเรื่องเหล่านี้ในภาพวาดของเขา เหล่านี้คือ "ยามเช้าของทางการที่ได้รับไม้กางเขนครั้งแรก" (1846), "เจ้าสาวที่พิถีพิถัน" (1847) ฯลฯ

คำถามที่ 11 อะไรคือลักษณะเด่นที่สุดของสไตล์จักรวรรดิรัสเซีย? ยกตัวอย่างสไตล์นี้ในสถาปัตยกรรมรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19

คำตอบ. อาคารทหารเรือและอาสนวิหารคาซานในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ฯลฯ ถูกสร้างขึ้นในลักษณะนี้:

1) เส้นตรงที่เข้มงวดซึ่งสร้างมุมปกติ

2) องค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมที่เลียนแบบจักรวรรดิโรมได้มากที่สุด รวมถึงระเบียงและเสา

3) รูปแบบที่ยิ่งใหญ่ความยิ่งใหญ่ขนาด

4) การตกแต่งด้านหน้าอาคารที่หลากหลาย รวมถึงประติมากรรม

วัฒนธรรมทางศิลปะ
ศตวรรษที่ 17-18
เวลาใหม่
ข่าวมากมายในรอบ 20 ปี
และในอาณาจักรแห่งดวงดาว
และในบริเวณดาวเคราะห์
จักรวาลแตกสลายเป็นอะตอม
การเชื่อมต่อทั้งหมดขาดหายไป ทุกอย่างถูกแหลกเป็นชิ้น ๆ
รากฐานยังคงสั่นไหว
ทุกสิ่งกลายเป็นญาติสำหรับเรา
.
จอห์น ดอนน์ (1572-1631)
-การสังเคราะห์ศิลปะ นั่นคือ ปฏิสัมพันธ์เชิงรุกของประเภทต่างๆ
- สุดยอดศิลปะพลาสติก
- การเจริญรุ่งเรืองของวัฒนธรรมดนตรี
- ยุคทองของโรงละคร

2.

STYLE คือชุดของศิลปะ
วิธีการและวิธีการใช้งาน
ลักษณะของงานศิลปะ
ศิลปินคนใดก็ได้
ทิศทางศิลปะหรือทั้งหมด
ยุค.
ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 17 มีความเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกด้วย
การก่อตัวและการพัฒนาต่างๆ
สไตล์

3.

ศิลปะแห่งยุคสมัยนั้นกว้างกว่าขอบเขตของปรากฏการณ์ที่เรียกว่า
สไตล์. ถ้าศตวรรษที่ 17 มีความเกี่ยวข้องกับสไตล์บาร็อคแล้วล่ะก็
ไม่ได้หมายความว่าสไตล์นี้มีเพียงหนึ่งเดียว
นอกจากสไตล์บาโรกแล้ว สไตล์ที่แตกต่างกันก็ได้รับการพัฒนาในศตวรรษที่ 17:
-มารยาท
- โรโคโค
- คลาสสิค
- ความสมจริง

4.

ลักษณะนิสัย
(Italian Manierismo - เสแสร้ง) ดังนั้นเป็นภาษาอิตาลี
ศิลปินเรียกว่า “คนใหม่ สวยงาม
ลักษณะ" แยกแยะเทคนิคเก่าและใหม่
ความคิดสร้างสรรค์ มันเป็นแฟชั่นมากกว่าความยิ่งใหญ่
สไตล์.
สไตล์นี้มีต้นกำเนิดในช่วงกลางศตวรรษที่ 16
- เทคนิคอันชาญฉลาดอันประณีต
— - ความอวดดีของภาพความตึงเครียด
- เรื่องราวเหนือธรรมชาติ
— การทำลายความสามัคคีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและ
สมดุล

5.

เอล เกรโก
โดเมนิโก้ เธโอโตโคปูลี
(1541–1614)
โดดเด่นเป็นอันดับแรก
ศิลปินโรงเรียนสเปน
จิตรกรรม.
จิตรกรรม
"ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์"

6.

“พระคริสต์ทรงรักษาคนตาบอด”

7.

ภาพของนักบุญ
“อัครสาวกเปโตรและเปาโล”

8.

9.

ภาพบุคคลทางจิตวิทยา
ภาพเหมือนของอีดัลโก
นักบุญเจอโรมเป็นพระคาร์ดินัล

10.

โตเลโด. ปราสาทอัลคาซาร์
ภูมิทัศน์เดียว - ทิวทัศน์ของโทเลโด

11.

พิสดาร
บาร็อคเป็นสไตล์ยุโรป
ศิลปะและสถาปัตยกรรม XVII – XVIII
ศตวรรษก่อตั้งขึ้นในอิตาลี
ในช่วงเวลาต่างๆ คำว่า "บาโรก"
รวมเนื้อหาที่แตกต่างกัน
ตอนแรกเขาก้าวร้าว
ร่มเงาโดยนัย
ความไร้สาระ ความไร้สาระ (บางทีเขา
กลับไปใช้คำภาษาโปรตุเกสว่า
ความหมาย
ไข่มุกน่าเกลียด)

12.

13.

ลักษณะเฉพาะของสไตล์บาร็อค
เสริมสร้างประเด็นทางศาสนาโดยเฉพาะที่เกี่ยวข้องกับ
ความทรมาน ปาฏิหาริย์ นิมิต;
2. เพิ่มอารมณ์;
3. ความสำคัญอย่างยิ่งของผลกระทบและองค์ประกอบที่ไม่ลงตัว
4. คอนทราสต์ที่สดใส อารมณ์ของภาพ
5. ไดนามิกส์ (“ โลกแห่งบาโรกคือโลกที่ไม่มีความสงบสุข” บูนิน);
6. ค้นหาความสามัคคีในความขัดแย้งของชีวิต
7. ในทางสถาปัตยกรรม: วงรีในแนวอาคาร วงดนตรีสถาปัตยกรรม
8. ประติมากรรมด้อยกว่าการออกแบบตกแต่งโดยรวม

14.

15.

โรโคโค
ในฝรั่งเศสสิ่งนี้ปรากฏชัดเจนกว่าที่อื่น
สไตล์โรโคโค - จากภาษาฝรั่งเศส อ่างล้างจาน "rocaille" - สไตล์แห่งความประณีตและ
รูปทรงซับซ้อน เส้นสายสวยงาม
แผนการการผจญภัยและวันหยุด
ซึ่งมีวัตถุประสงค์หลักคือเพื่อสร้างความสนุกสนานและ
บันเทิง..บางครั้งก็ถือว่า
พิสดารประเภทหนึ่ง
สละความเป็นอนุสรณ์สถาน
Rococo - สไตล์เฉพาะ
วัฒนธรรมทางโลก สไตล์ก็ถือกำเนิดขึ้น
ในหมู่ชนชั้นสูงชาวฝรั่งเศส
ถ้อยคำของพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 “อย่างน้อยก็ตามหลังเรา
น้ำท่วม" ถือเป็นแถลงการณ์
ลักษณะสไตล์และอารมณ์
วงกลมศาล แทนที่จะเป็นมารยาท -
บรรยากาศไร้สาระความกระหาย
ความสุขและความสนุกสนาน มารยาท
ขุนนางได้หล่อหลอมสไตล์ของตนด้วย
แปลกและไม่แน่นอนของเขา
แบบฟอร์มตามอำเภอใจ

16.

สไตล์โรโคโคพัฒนาขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ปอมในเหล่านั้น
หลายปีที่ผ่านมามันไม่ดึงดูดสถาปนิกอีกต่อไป ศิลปะตามรสนิยมของขุนนาง
ได้รับความกรุณาและความเบิกบานอันสดใส คฤหาสน์หลังเล็ก
ดื่มด่ำไปกับความเขียวขจีของสวนภายในที่หรูหราและหรูหรา - นี่คือหลัก
ภาพสถาปัตยกรรมโรโคโค ความหรูหราผสมผสานกับสิ่งที่ดีที่สุดเกือบ
งานจิวเวลรี่เป็นลักษณะการตกแต่งห้อง ลวดลายที่แปลกใหม่
ดอกไม้ หน้ากากแฟนซี เปลือกหอย ก้อนหินแตก
- ทั้งหมดนี้สลับกับลวดลายที่ซับซ้อนซึ่งปกคลุมผนัง

17.

ลัทธิคลาสสิก

18.

ลัทธิคลาสสิกเป็นเทรนด์โวหารในยุโรป
ศิลปะ ซึ่งเป็นคุณลักษณะที่สำคัญที่สุดที่ดึงดูดใจ
ศิลปะโบราณเป็นมาตรฐานและการพึ่งพาประเพณี
อุดมคติที่กลมกลืนกันของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง
นักทฤษฎีลัทธิคลาสสิกยุคแรกเป็นกวี
นิโคลา บอยโล-เดอเพรอซ์ (1636-1711)
- “ความรักคิดในบทกวี” กล่าวคือ อารมณ์เป็นไปตามเหตุผล

19.

พัฒนาขึ้นตอนเลี้ยว
ศตวรรษที่ 17-18
ลักษณะเฉพาะ
ความสมจริงคือ
ความเป็นกลางใน
การถ่ายทอดสิ่งที่มองเห็นได้
ความแม่นยำ,
ความจำเพาะ,
ขาด
การทำให้เป็นอุดมคติ,
ใส่ใจกับธรรมชาติ
ความจริงใจของความรู้สึก
ความสมจริง

อังกฤษ รัสเซียกฎ

มหาวิทยาลัยสถาบันการศึกษาแห่งรัสเซีย

คุณสมบัติของบาโรกและคลาสสิค

รูปแบบหลักในงานศิลปะของศตวรรษที่ 17

เสร็จสิ้นโดย: นักศึกษาชั้นปีที่ 2

แผนกเต็มเวลา

การศึกษาวัฒนธรรมพิเศษ

ยาคูโบวา เค.เอ็น.

ครู: Mareeva N.S.

มอสโก 2010

บทนำ……………………………………………………………………3

ลักษณะของวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 17 …………………………………………… 4

2. บาโรกเป็นขบวนการทางศิลปะแห่งศตวรรษที่ 17 ……………… ..5

2.1. ข้อกำหนดเบื้องต้นและคุณลักษณะของบาโรก…………………………….…..5

2.2. บาโรกในสถาปัตยกรรม………………………………………….6

2.3. พิสดารในวรรณคดี………………………………………….8

2.4. บาโรกในจิตรกรรมและประติมากรรม……………………………..9

3. ลัทธิคลาสสิกในฐานะการเคลื่อนไหวทางศิลปะของศตวรรษที่ 17 …………………… ..10

3.1. ข้อกำหนดเบื้องต้นและคุณสมบัติของคลาสสิก………………………………….….10

3.2. ความคลาสสิคในวรรณคดี…………………………………………..……..11

3.3. ความคลาสสิกในสถาปัตยกรรมและจิตรกรรม…………………………………12

3.4. ความคลาสสิกในประติมากรรม………………………………….….13

บทสรุป………………………………………………………………………………….14

การอ้างอิง…………………………………………………………….15

การแนะนำ

หัวข้อการทดสอบของฉันคือ "ลัทธิคลาสสิกและบาโรกในวัฒนธรรมยุโรปของศตวรรษที่ 17: แนวคิดและการนำไปปฏิบัติ" หัวข้อนี้ถูกเลือกด้วยเหตุผลหลายประการ:

ประการแรก บาโรกและลัทธิคลาสสิกเป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่แพร่หลายและมีอิทธิพลมากที่สุดในยุคที่เป็นปัญหา

ประการที่สอง พื้นที่เหล่านี้มีความซับซ้อนและมีลักษณะเป็นสองขั้ว ซึ่งทำให้ปัญหานี้เป็นประเด็นความรู้ทางวัฒนธรรมที่เร่งด่วนที่สุดเรื่องหนึ่ง

ประการที่สาม บาโรกและลัทธิคลาสสิกมีส่วนสนับสนุนอย่างโดดเด่นต่อคลังศิลปะของโลก ซึ่งกระตุ้นความสนใจในความรู้ของพวกเขามากยิ่งขึ้น

จุดประสงค์ของงานของฉันคือเพื่อศึกษาแนวโน้มในงานศิลปะของศตวรรษที่ 17 เช่นศิลปะคลาสสิกและบาโรก

เพื่อให้บรรลุเป้าหมายนี้ ฉันจำเป็นต้องแก้ไขปัญหาหลายประการ:

· พิจารณารูปแบบทั่วไปของการพัฒนาวัฒนธรรมยุโรปในศตวรรษที่ 17

· สำรวจลักษณะเด่นของบาโรกและลัทธิคลาสสิกในฐานะการเคลื่อนไหวทางศิลปะหลักในยุคนี้

1. ลักษณะของวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 17

ศตวรรษที่ 17 เป็นศตวรรษของ Descartes และ Port-Royal, Pascal และ Spinoza, Rembrandt และ Milton, ศตวรรษของกะลาสีเรือผู้กล้าหาญ, การอพยพไปยังต่างประเทศ, การค้าขายที่กล้าหาญ, ความเจริญรุ่งเรืองของวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ, วรรณกรรมที่มีคุณธรรม - และ... ศตวรรษ ของวิกผมซึ่งมีความเอิกเกริกมากที่สุดในยุค 60 เป็นวิกผมที่ทุกคนสวมใส่ ตั้งแต่กษัตริย์ พลเรือเอก ไปจนถึงพ่อค้า

ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ศตวรรษที่ 17 จะเปิดช่วงเวลาของยุคใหม่ มันคือศตวรรษของมนุษย์ใหม่ วิทยาศาสตร์ใหม่ ศิลปะใหม่อย่างแท้จริง

ในยุโรป ยุคใหม่เผยให้เห็นตัวเองในการก่อตัวและการเสริมสร้างแนวโน้มของระบบทุนนิยม และในอังกฤษ ระบบทุนนิยมได้รับการจัดตั้งขึ้นอย่างชัดเจนที่สุดในความเป็นจริง ช่วงเวลาเดียวกันนี้เป็นช่วงเวลาของการปฏิวัติชนชั้นกลางครั้งแรกซึ่งเผยให้เห็นโศกนาฏกรรมและความไร้มนุษยธรรมของการเปลี่ยนแปลงที่รุนแรงในสังคมและความโหดร้ายของผู้จัดงาน

แนวทางที่มีเหตุผลต่อความเป็นจริงได้เกิดขึ้นและเข้มแข็งขึ้น เหตุผลเริ่มมีบทบาทหลักในโลก ประการแรกสิ่งนี้แสดงให้เห็นในรูปแบบของวิทยาศาสตร์ใหม่ทั้งเชิงทดลองและเชิงทฤษฎี ความสำเร็จทางวิทยาศาสตร์ของศตวรรษที่ 17 สร้างข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการพัฒนาวิทยาศาสตร์พื้นฐานต่อไปจนถึงปัจจุบัน และสร้างรากฐานของมุมมองเชิงปรัชญาใหม่ของโลก

ศตวรรษที่ 17 เป็นช่วงเริ่มต้นของการก่อตั้งรูปแบบการผลิตแบบกระฎุมพี นี่เป็นยุคที่ยากลำบากและขัดแย้งกันอย่างมากในชีวิตของรัฐในยุโรป ยุคแห่งการปฏิวัติกระฎุมพียุคแรกและการผงาดขึ้นของระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ช่วงเวลาแห่งการปฏิวัติทางวิทยาศาสตร์และขั้นตอนสุดท้ายของการต่อต้านการปฏิรูป ยุคแห่งความยิ่งใหญ่ บาโรกที่แสดงออก และความคลาสสิคที่มีเหตุผล

2. พิสดารเป็นขบวนการทางศิลปะของศตวรรษที่ 17

2.1. ความเป็นมาและลักษณะของยุคบาโรก

บาร็อค (อิตาลี: Barosso - แปลกแปลกประหลาด) เป็นหนึ่งในกระแสโวหารหลักในศิลปะของยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 - กลางศตวรรษที่ 18 มีต้นกำเนิดในอิตาลีและแพร่กระจายไปยังประเทศในยุโรปส่วนใหญ่ ด้วยการผสมผสานแนวคิดใหม่ๆ เกี่ยวกับความแปรปรวนชั่วนิรันดร์ของโลก พิสดารมุ่งไปสู่การแสดงที่ตระการตา ความแตกต่างที่ชัดเจน การผสมผสานระหว่างภาพลวงตากับความเป็นจริง และการผสมผสานของศิลปะ (วงดนตรีในเมืองและพระราชวังและสวนสาธารณะ โอเปร่า ดนตรีเกี่ยวกับศาสนา ออราโทริโอ) ในเวลาเดียวกัน - แนวโน้มไปสู่ความเป็นอิสระของแต่ละประเภท (คอนเสิร์ตกรอสโซ, โซนาต้า, ชุดในดนตรีบรรเลง)

สไตล์บาโรกเริ่มแพร่หลายอย่างแพร่หลายในประเทศคาทอลิกที่ได้รับผลกระทบจากกระบวนการต่อต้านการปฏิรูป คริสตจักรโปรเตสแตนต์ที่เกิดขึ้นระหว่างการปฏิรูปไม่ต้องการมากเกี่ยวกับความบันเทิงภายนอกของลัทธิ ความบันเทิงกลายเป็นแหล่งท่องเที่ยวหลักของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิก สไตล์บาโรกที่มีความสง่างาม บางครั้งการแสดงออกที่เกินจริง ความน่าสมเพช ความเอาใจใส่ต่อราคะ หลักการทางร่างกาย ซึ่งปรากฏชัดเจนมากแม้ในขณะที่พรรณนาถึงปาฏิหาริย์ นิมิต และความปีติยินดีทางศาสนา เหมาะอย่างยิ่งกับเป้าหมายในการคืนฝูงแกะกลับคืนสู่อ้อมอกของ โบสถ์คาทอลิก.

แต่แก่นแท้ของบาโรกนั้นกว้างกว่ารสนิยมของคริสตจักรคาทอลิกและขุนนางศักดินาซึ่งพยายามใช้ผลกระทบของลักษณะเฉพาะของบาโรกที่ยิ่งใหญ่และน่าตื่นตาเพื่อเชิดชูอำนาจ ความโอ่อ่า และความสง่างามของรัฐและ ที่อยู่อาศัยของผู้ใกล้ชิดราชบัลลังก์

สไตล์บาโรกแสดงออกด้วยความเฉียบแหลมโดยเฉพาะต่อวิกฤตของมนุษยนิยม, ความรู้สึกไม่ลงรอยกันในชีวิต, แรงกระตุ้นที่ไร้จุดหมายต่อสิ่งที่ไม่รู้จัก โดยพื้นฐานแล้ว เขาเผยให้เห็นโลกในสภาวะแห่งการเป็น และโลกแห่งการเป็นในตอนนั้นก็คือโลกแห่งชนชั้นกระฎุมพี และในโลกนี้ที่กำลังถูกค้นพบ ชนชั้นกระฎุมพีกำลังมองหาความมั่นคงและความสงบเรียบร้อย สำหรับเขา ความหรูหราและความมั่งคั่งมีความหมายเหมือนกันกับความมั่นคงของสถานที่ของเขาในโลกนี้ ปรากฎว่าสไตล์บาโรกผสมผสานสิ่งที่เข้ากันไม่ได้: ความยิ่งใหญ่กับความมีชีวิตชีวา, ความฉลาดทางการแสดงละครที่มีความแข็งแกร่ง, เวทย์มนต์, จินตนาการ, ความไร้เหตุผลด้วยความมีสติและเหตุผล, ประสิทธิภาพของชาวเมืองอย่างแท้จริง

ศูนย์กลางการพัฒนาศิลปะบาโรกในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 คือโรม วงดนตรีในสวนสาธารณะและพระราชวัง สถาปัตยกรรมทางศาสนา ภาพวาดและประติมากรรมตกแต่ง ภาพเหมือนในพิธี และต่อมาหุ่นนิ่งและภูมิทัศน์ กลายเป็นประเภทและประเภทหลักของศิลปะบาโรก

2.2. บาโรกในสถาปัตยกรรม

สถาปัตยกรรมบาโรก (L. Bernini, F. Borromini ในอิตาลี, B.F. Rastrelli ในรัสเซีย) มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยขอบเขตเชิงพื้นที่ ความสามัคคี และความลื่นไหลของรูปแบบที่ซับซ้อน ซึ่งมักจะเป็นเส้นโค้ง บ่อยครั้งที่มีเสาขนาดใหญ่, ประติมากรรมมากมายบนด้านหน้าและด้านใน, ก้นหอย, เหล็กดัดฟันจำนวนมาก, ด้านหน้าโค้งพร้อมค้ำยันตรงกลาง, คอลัมน์และเสาแบบชนบท โดมมีรูปทรงที่ซับซ้อน ซึ่งมักมีหลายชั้น เหมือนกับของอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์ในโรม รายละเอียดสไตล์บาโรกที่มีลักษณะเฉพาะ - เทลามอน (แอตลาส), คาริยาติด, มาสคารอน

ในสถาปัตยกรรมอิตาลี ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของศิลปะบาโรกคือคาร์โล มาแดร์นา (ค.ศ. 1556-1629) ซึ่งเลิกกับลัทธิแมนเนอริสม์และสร้างสไตล์ของตัวเองขึ้นมา ผลงานหลักของเขาคือด้านหน้าของโบสถ์โรมันซานตาซูซานนา (1603) บุคคลสำคัญในการพัฒนาประติมากรรมสไตล์บาโรกคือลอเรนโซ แบร์นีนี ซึ่งผลงานชิ้นเอกชิ้นแรกที่ดำเนินการในรูปแบบใหม่มีอายุย้อนกลับไปประมาณปี 1620 เบอร์นีนียังเป็นสถาปนิกอีกด้วย เขารับผิดชอบในการออกแบบจัตุรัสของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ในโรม และการตกแต่งภายในตลอดจนอาคารอื่นๆ มีส่วนสนับสนุนที่สำคัญโดย D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longhena, L. Vanvitelli, P. da Cortona ในซิซิลี หลังจากแผ่นดินไหวครั้งใหญ่ในปี ค.ศ. 1693 บาโรกสไตล์บาโรก-ซิซิลีรูปแบบใหม่ก็ปรากฏขึ้น

แก่นสารของบาโรกซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างภาพวาด ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมที่น่าประทับใจ ถือเป็นโบสถ์ Coranaro ในโบสถ์ Santa Maria della Vittoria (1645-1652)

สไตล์บาโรกเริ่มแพร่หลายในสเปน เยอรมนี เบลเยียม (ในสมัยแฟลนเดอร์ส) เนเธอร์แลนด์ รัสเซีย และฝรั่งเศส บาโรกแบบสเปนหรือ Churrigueresco ในท้องถิ่น (เพื่อเป็นเกียรติแก่สถาปนิก Churriguera) ซึ่งแพร่กระจายไปยังละตินอเมริกาด้วย อนุสาวรีย์ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของเขาคืออาสนวิหารในซานติอาโก เด กอมโปสเตลา ซึ่งเป็นหนึ่งในโบสถ์ที่ได้รับความเคารพนับถือมากที่สุดในสเปน ในละตินอเมริกา บาโรกผสมผสานกับสถาปัตยกรรมท้องถิ่น ถือเป็นเวอร์ชันที่ซับซ้อนที่สุด และเรียกว่าอัลตรา-บาโรก

ในฝรั่งเศส สไตล์บาโรกแสดงออกอย่างสุภาพเรียบร้อยมากกว่าในประเทศอื่นๆ ก่อนหน้านี้เชื่อกันว่ารูปแบบนี้ไม่ได้พัฒนาที่นี่เลยและอนุสาวรีย์สไตล์บาโรกถือเป็นอนุสรณ์สถานแห่งความคลาสสิก คำว่า "บาโรกคลาสสิก" บางครั้งใช้สัมพันธ์กับบาโรกเวอร์ชันภาษาฝรั่งเศสและอังกฤษ

วัฒนธรรมศิลปะของคริสต์ศตวรรษที่ 17-18 สมัยใหม่

ปัจจุบันพระราชวังแวร์ซายส์พร้อมกับสวนสาธารณะทั่วไป พระราชวังลักเซมเบิร์ก อาคาร French Academy ในปารีส และงานอื่นๆ ถือเป็นสไตล์บาโรกของฝรั่งเศส พวกเขามีคุณสมบัติแบบคลาสสิกบางอย่าง ลักษณะเฉพาะของสไตล์บาโรกคือรูปแบบปกติในการจัดสวนภูมิทัศน์ ตัวอย่างคือ สวนแวร์ซายส์

2.3. พิสดารในวรรณคดี

นักเขียนและกวีในยุคบาโรกมองว่าโลกแห่งความเป็นจริงเป็นเพียงภาพลวงตาและความฝัน คำอธิบายที่สมจริงมักใช้ร่วมกับการพรรณนาเชิงเปรียบเทียบ สัญลักษณ์ คำอุปมาอุปมัย เทคนิคการแสดงละคร ภาพกราฟิก (เส้นบทกวีประกอบเป็นภาพ) ความสมบูรณ์ของตัวเลขวาทศิลป์ สิ่งที่ตรงกันข้าม ความเท่าเทียม การไล่ระดับ และ oxymorons ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย มีทัศนคติที่ล้อเลียนเสียดสีต่อความเป็นจริง

วรรณกรรมบาโรกมีลักษณะพิเศษคือความปรารถนาในความหลากหลาย การสรุปความรู้เกี่ยวกับโลก ความครอบคลุม สารานุกรมซึ่งบางครั้งกลายเป็นความสับสนวุ่นวายและสะสมความอยากรู้อยากเห็น ความปรารถนาที่จะศึกษาการดำรงอยู่ในความแตกต่าง (วิญญาณและเนื้อหนัง ความมืดและแสงสว่าง เวลาและ ชั่วนิรันดร์) จริยธรรมแบบบาโรกถูกทำเครื่องหมายด้วยความอยากเป็นสัญลักษณ์ของกลางคืน แก่นเรื่องของความอ่อนแอและความไม่เที่ยง ชีวิตเหมือนความฝัน (F. de Quevedo, P. Calderon) ละครเรื่อง Life is a Dream ของคัลเดรอนมีชื่อเสียง ประเภทต่างๆ เช่น นวนิยายกล้าหาญกล้าหาญ (J. de Scudéry, M. de Scudéry) และนวนิยายในชีวิตประจำวันและเสียดสี (Furetière, C. Sorel, P. Scarron) ก็กำลังพัฒนาเช่นกัน ภายในกรอบของสไตล์บาโรก ความหลากหลายและทิศทางของมันถือกำเนิดขึ้น: ลัทธิมารินิสต์, กอนโกริซึม (ลัทธิคัลเทอเรนซ์), แนวความคิด (อิตาลี, สเปน), โรงเรียนเลื่อนลอย และลัทธิสละสลวย (อังกฤษ)

การกระทำของนวนิยายมักถูกถ่ายโอนไปยังโลกแห่งจินตนาการในสมัยโบราณ ส่วนในกรีซ สุภาพบุรุษและสุภาพสตรีในศาลถูกมองว่าเป็นคนเลี้ยงแกะและหญิงเลี้ยงแกะ ซึ่งเรียกว่าอภิบาล (Honoré d'Urfe, "Astraea") ความเสแสร้งและการใช้คำอุปมาอุปมัยที่ซับซ้อนเจริญรุ่งเรืองในบทกวี รูปแบบทั่วไป ได้แก่ โคลง rondo concetti (บทกวีสั้น ๆ ที่แสดงความคิดที่เฉียบแหลม) และมาดริกาล

ในโลกตะวันตกในสาขานวนิยายเรื่องนี้ ตัวแทนที่โดดเด่นคือ G. Grimmelshausen (นวนิยายเรื่อง Simplicissimus) ในสาขาละคร P. Calderon (สเปน) ในบทกวี V. Voiture (ฝรั่งเศส), D. Marino (อิตาลี) และ Don Luis de Gongora y Argote (สเปน) มีชื่อเสียง ในรัสเซีย วรรณกรรมบาโรก ได้แก่ S. Polotsky, F. Prokopovich และ M. Lomonosov ในยุคแรก ในฝรั่งเศสในช่วงเวลานี้ “วรรณกรรมล้ำค่า” เจริญรุ่งเรือง จากนั้นได้รับการปลูกฝังส่วนใหญ่ในร้านเสริมสวยของ Madame de Rambouillet ซึ่งเป็นหนึ่งในร้านเสริมสวยของชนชั้นสูงในปารีสซึ่งทันสมัยและมีชื่อเสียงที่สุด

วัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 17

ยุคใหม่ในการพัฒนาวัฒนธรรมบนธรณีประตูของยุคใหม่ การเปลี่ยนแปลงของโลกทัศน์แบบดั้งเดิม การเปลี่ยนแปลงกระบวนการทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรม

ปัจจัยที่มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของวัฒนธรรม:

1. การแทรกแซงจากต่างประเทศ

2. สงครามชาวนาและการลุกฮือ

3. การก่อตัวของสมบูรณาญาสิทธิราชย์ซึ่งเสร็จสิ้นการรวมศูนย์ของรัฐ

4. การทำให้ชาวนาและชาวเมืองเป็นทาสตามกฎหมาย (1649)

5. การก่อตัวของตลาดรัสเซียทั้งหมดซึ่งทำลายโครงสร้างปรมาจารย์

6. เพิ่มการควบคุมของรัฐในชีวิตสาธารณะ

7. การปฏิรูป Nikonian และความแตกแยกของคริสตจักร

8. ขยายความสัมพันธ์กับประเทศในยุโรปตะวันตก

9. ความสมบูรณ์ของประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซียโบราณซึ่งเต็มไปด้วยโลกทัศน์ของคริสตจักร การทำให้เป็นฆราวาสของวัฒนธรรม

ความสำเร็จหลัก:

1. ในด้านวิทยาศาสตร์ - การศึกษาและการสรุปประสบการณ์โดยมีวัตถุประสงค์เพื่อประยุกต์ใช้กับชีวิต

2. ในวรรณคดี - การก่อตัวของกระแสทางโลก

3. ในสถาปัตยกรรม - การบรรจบกันของรูปลักษณ์ของอาคารทางศาสนาและพลเรือน

4. ในการวาดภาพ - การทำลายหลักการยึดถือและการเกิดขึ้นของแนวโน้มที่สมจริง

พ.ศ. 2156 (ค.ศ. 1613) - การสถาปนาราชวงศ์โรมานอฟ ซาร์องค์แรกคือ มิคาอิล เฟโดโรวิช โรมานอฟ

การสอนการอ่านออกเขียนได้ในครอบครัวอุปกรณ์ช่วยการศึกษาและการฝึกอบรมที่บ้าน

พ.ศ. 2176 (ค.ศ. 1633) - ไพรเมอร์ของ Burtsev, ไวยากรณ์ของ Smotritsky

จนถึงศตวรรษที่ 17 — ตารางสูตรคูณของไพรเมอร์ของ K. Istomin

โรงเรียนมัธยมปรากฏว่ายังคงจิตวิญญาณยุคกลางในประเภท:

· ลูเธอรันในเนเมตสกายา สโลโบดา

·โรงเรียนเอกชนของ Boyar Rtishchev สำหรับขุนนางรุ่นเยาว์

· โรงเรียนในอารามเครมลินปาฏิหาริย์โดยค่าใช้จ่ายของศาลปิตาธิปไตย

· พ.ศ. 2208 (ค.ศ. 1665) - โรงเรียนที่อาราม Spassky นำโดย Simeon แห่ง Polotsk

· พ.ศ. 2230 (ค.ศ. 1687) - สถาบันสลาฟ-กรีก-ละตินเปิดในอาราม Donskoy โดยพระสังฆราช Macarius ซึ่งพี่น้อง Likhud สอน นักคณิตศาสตร์ Magnitsky, Lomonosov และ Metropolitan Platon สำเร็จการศึกษาจากมัน

การพัฒนาความรู้ทางวิทยาศาสตร์ธรรมชาติของความรู้ทางวิทยาศาสตร์ที่นำไปใช้ได้จริงและใช้งานได้จริงได้รับการเก็บรักษาไว้:

· ในทางการแพทย์ - การรักษาพื้นบ้าน ความรู้ได้รับการถ่ายทอดโดยมรดก โดยสรุปประสบการณ์หลายศตวรรษ มีการวางรากฐานของการแพทย์ของรัฐ มีการเปิดร้านขายยาและโรงพยาบาลแห่งแรก เปิด "School of Russian Doctors" เปิดงานทางวิทยาศาสตร์ชิ้นแรก

· n. ศตวรรษที่ 17 - "ภาพวาดเก่า" - แผนที่ของรัสเซียไม่รอด

· 1627 — “ภาพวาดใหม่”

· ข้อมูลทางภูมิศาสตร์มีอยู่ใน "หนังสือพื้นผิว" ซึ่งจัดทำขึ้นตามคำสั่ง Yamsky สำหรับโค้ช

· “Sibirsky Prikaz” รวบรวมข้อมูลเกี่ยวกับไซบีเรียและตะวันออกไกล นักสำรวจชาวรัสเซีย: Erofey Khabarov - ตะวันออกไกล, S. Dezhnev และ V. Poyarkov - ไซบีเรีย

· ปลายศตวรรษที่ 17 — S. Remezov รวบรวม “สมุดวาดภาพของไซบีเรีย”

ผลงานทางประวัติศาสตร์ประเภทใหม่:

· S. Medvedev “การไตร่ตรองสั้น ๆ ของปี”

· "เรื่องย่อ" ของ Gisel - ภาพรวมของประวัติศาสตร์รัสเซียซึ่งเป็นตำราเรียนประวัติศาสตร์รัสเซียเล่มเดียวที่ยังคงอยู่มาเป็นเวลานาน

· ช่วงเวลาแห่งความเสื่อมโทรมของงานประวัติศาสตร์รูปแบบโบราณ - พงศาวดาร ผลงานล่าสุดของประเภทนี้ ได้แก่ "Schismatic Chronicle", "Chronicle of Many Rebellions", "Siberian Chronicles"

วรรณกรรม

· การเปลี่ยนแปลงองค์ประกอบทางสังคมของผู้อ่านได้นำไปสู่ความต้องการใหม่ในวรรณกรรม ประเภทใหม่: เรื่องราวทางโลก, นิทาน, คอลเลกชันเนื้อหาทางวิทยาศาสตร์, เรื่องราวเสียดสี (“ The Tale of Shemyakin's Court”, “ The Tale of Ersha Ershovich”), ละคร, บทกวี (ผู้ก่อตั้งบทกวีคล้องจองคือ Simeon Polotsky ดำเนินการต่อโดย Karion Istomin และซิลเวสเตอร์ เมดเวเดฟ) "เรื่องราวของความโชคร้าย"

·ประเภทนักข่าวนิรนาม - "จดหมายนิรนาม"

· ชีวิตของนักบุญ - “ชีวิตของฮาบากุก” - อัตชีวประวัติ

·นิทานพื้นบ้าน - เทพนิยาย, นิทาน, นิทานในชีวิตประจำวัน, นิทานที่กล้าหาญ, มหากาพย์, เพลงประวัติศาสตร์เกี่ยวกับ Ermak และ Stenka Razin

· ไซเมียนแห่งโปลอตสค์ (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17) - นักประชาสัมพันธ์ เป็นพระภิกษุ ครูของราชบุตร ผู้สนับสนุนสถาบันกษัตริย์ที่ไม่จำกัด เขาแต่งบทกวีและเทศนา สื่อสารมวลชนเพื่อความรุ่งโรจน์ของระบอบเผด็จการ และวาดภาพในอุดมคติของกษัตริย์ที่ชาญฉลาด ผู้แต่งคอลเลกชันบทกวีชุดแรก "Multicolor Vertograd", "Rhythmologion"

การปฏิรูปและความแตกแยกในคริสตจักรในปี ค.ศ. 1653-1656ดำเนินการโดยพระสังฆราชนิคอนและซาร์อเล็กเซ มิคาอิโลวิช

· นักอุดมการณ์ - Avvakum และ Nikon

· Nikon - แก้ไขข้อผิดพลาดในหนังสือคริสตจักรและศุลกากร เขาแนะนำการรับบัพติศมาด้วยสามนิ้วซึ่งเป็นธรรมเนียม - ในวันอาทิตย์ปาล์มผู้เฒ่าขี่ลาเข้าไปในเครมลินและซาร์ก็นำลา

· ภาพวาด "Boyaryna Morozova" ของ V. Surikov อุทิศให้กับความแตกแยก

วัฒนธรรมทางศิลปะแห่งศตวรรษที่ 17-18 แห่งยุคใหม่

เธอปกป้องศรัทธาเก่า ๆ ยกมือขึ้นด้วยสองนิ้ว

สถาปัตยกรรม

พวกเขาพูดถึงสถาปัตยกรรมในยุคนี้: "นิทานไม้และเพลงหิน" การจากไปของศีล การบรรจบกันของการก่อสร้างทางศาสนาและพลเรือน ลักษณะเด่นคือ “ลวดลายมหัศจรรย์”

· การก่อสร้างกรุงเยรูซาเลมใหม่ - ผลงานของ Nikon

· ค.ศ. 1667-1668 - วังไม้ใน Kolomenskoye - จุดสุดยอดของสถาปัตยกรรมไม้ "Bethlehem รัสเซีย" สำหรับ Alexei Mikhailovich เรียกว่า “สิ่งมหัศจรรย์อันดับแปดของโลก” สถาปนิก Semyon Petrov และ Ivan Mikhailov Peter ฉันเกิดที่ Kolomenskoye

· ที่ดิน Izmailovo เป็นอีกหนึ่งที่ดินของราชวงศ์ ซึ่งเป็นฟาร์มรูปแบบใหม่: เครื่องจักร, โรงงานแก้ว, สวนเขาวงกต, โรงเลี้ยงสัตว์, โรงละคร

· Rostov Kremlin สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 17

โบสถ์เต็นท์และมหาวิหาร ประเภทขององค์ประกอบมีหลากหลาย: รูปทรงเต็นท์ - แปดเหลี่ยมบนรูปสี่เหลี่ยม; ฉัตร - การเพิ่มขึ้นของจตุรัสหรือออคเต็ตที่ลดลง, หลายหัว - Kizhi

· อาสนวิหารเทวทูตในนิจนีนอฟโกรอด

· โบสถ์แห่งการขอร้องใน Medvedkovo - ที่ดินของเจ้าชาย Pozharsky

· โบสถ์อัสสัมชัญ "มหัศจรรย์" ใน Uglich

· พระราชวัง Terem ในเครมลิน - Bazhen Ogurtsov, Larion Ushakov, Antipa Konstantinov, Shaturin

· โบสถ์ของเอลียาห์ผู้เผยพระวจนะในยาโรสลัฟล์

·เต็นท์เหนือหอคอย Spasskaya ในเครมลิน - Bazhen Ogurtsov

รูปแบบใหม่ - มอสโกหรือ Naryshkin พิสดารในยุค 90 ของศตวรรษที่ 17

· โบสถ์ทรินิตีในนิกิตนิกิ

· โบสถ์แห่งการประสูติในเมืองปูตินกิ กรุงมอสโก

Voznesenskaya ใน Veliky Ustyug

· โบสถ์แห่งการขอร้องใน Fili ซึ่งก่อสร้างโดย Lev Naryshkin ลุงของ Peter I ในที่ดินของเขา

คุณสมบัติที่โดดเด่น:

kokoshniks การออกแบบหลายชั้น ความสมมาตรและความสมดุลของมวล เทคนิคการจัดองค์ประกอบหลัก: สี่ชิ้นที่ฐาน แปดชิ้นบนนั้น หนึ่งวินาทีด้านบนสร้างด้วยกลองที่มีหัว ผลของการเคลื่อนตัวขึ้นในแนวตั้ง อิฐสีแดงและสีขาวสำหรับการตกแต่งตกแต่งและสง่างามหน้าต่างถูกล้อมรอบด้วยเสาเหนือบัวมีสิ่งที่เรียกว่า "หงอนไก่" - ลายขององค์ประกอบตกแต่งแกะสลัก ภาพวาดด้านในครอบคลุมทุกพื้นผิว สร้างความประทับใจให้กับสวนเอเดน

สถาปัตยกรรมโยธา - บ้านของเสมียน Duma Averky Kirillov, Golitsyn, Troekurov ในมอสโก, Korobov ใน Kaluga

คอมเพล็กซ์อาราม: Joseph-Volokolamsky, Spaso-Evfimiev, Novodevichy, เยรูซาเลมใหม่, Trinity-Sergius Lavra

จิตรกรรม

การพัฒนาต้องผ่าน 2 ระยะ คือช่วงครึ่งแรกและครึ่งหลังของศตวรรษ

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษ การต่อสู้ระหว่างสองโรงเรียน:

· "โรงเรียน Godunov" - ชื่อนี้มาจากการที่ไอคอนต่างๆ ได้รับมอบหมายจาก B. Godunov หรือญาติของเขา พวกเขาสนับสนุนประเพณีเก่าแก่ที่ยิ่งใหญ่และยึดมั่นในศีลอย่างเคร่งครัด ไอคอน “มันคุ้มค่าที่จะกิน”

· “โรงเรียน Stroganov” - เสริมสร้างหลักการด้านสุนทรียศาสตร์: การวาดภาพที่ดี, การทำรายละเอียดอย่างละเอียด, การตกแต่ง, การเพิ่มสี โพรโคเปียส ชิริน, นิกิฟอร์ ซาวิน, เอเมลยัน มอสโควิติน

ขั้นที่สองคือการละทิ้งประเพณี การก่อตัวของอุดมคติทางสุนทรีย์ใหม่ การพัฒนาหลักการมนุษยนิยมของศิลปะตะวันตก ความปรารถนาที่จะมีภาพลักษณ์ทางศิลปะที่สมจริง มีบทความเกี่ยวกับทฤษฎีศิลปะปรากฏ

ตัวแทน: Simon Ushakov (1626-1686) และ Joseph Vladimirov - นักเขียนไอโซกราฟ

เงื่อนไขหลักของการทาสีคือการปฏิบัติตามความจริงของชีวิต จิตรกรรมคือกระจกสะท้อนโลก “ Trinity” โดย S. Ushakov ไอคอน “ Our Lady of Vladimir” หรือ “ ปลูกต้นไม้แห่งรัฐรัสเซีย”, “ พระผู้ช่วยให้รอดไม่ได้ทำด้วยมือ” ถูกวาดโดยใช้ chiaroscuro โดยคำนึงถึงโครงสร้างทางกายวิภาคของใบหน้า

ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 - ในการวาดภาพ มีความสนใจในการวาดภาพบุคคล เพิ่มความสมจริง ประเภทฆราวาสประเภทแรกปรากฏขึ้นซึ่งเป็นรุ่นก่อนของภาพบุคคล - พาร์ซุนจากการบิดเบือน “บุคคล” (“Skopin-Shuisky”)

ภาพวาดที่ยิ่งใหญ่กำลังประสบกับการเติบโตครั้งสุดท้าย:

ภาพวาดค. Trinity ใน Nikitniki - S. Ushakov และ Vladimirov

ค. Elijah the Prophet ใน Yaroslavl - Gury Nikitin, Sila Savin พร้อมทีมของเขา

ห้องคลังอาวุธควบคุมกิจกรรมของศิลปิน ศูนย์กลางทางศิลปะของประเทศ การประชุมเชิงปฏิบัติการการผลิตมัณฑนศิลป์และศิลปะประยุกต์สำหรับราชสำนัก:

· “เครื่องแต่งกายที่ยอดเยี่ยม” สำหรับซาร์มิคาอิล เฟโดโรวิช - มงกุฎ คทา ลูกโลก

โรงภาพยนตร์

พ.ศ. 2215 (ค.ศ. 1672) - Johann Gottfried Gregory ในนามของซาร์อเล็กซี่ มิคาอิโลวิช ได้รวบรวมคณะนักแสดงเพื่อแสดงละครในภาษาเยอรมันและรัสเซียตามหัวข้อในพระคัมภีร์ ผู้ริเริ่มการสร้างโรงละครคือ Boyar A. Matveev หลังจากพระราชาสิ้นพระชนม์ โรงละครก็ปิด

สิเมโอนแห่งโปลอตสค์ -ผู้ก่อตั้งละครรัสเซีย

พ.ศ. 2216 (ค.ศ. 1673) - “ The Ballet of Orpheus และ Eurydice” - กำเนิดของบัลเล่ต์รัสเซีย

⇐ ก่อนหน้า12345678910ถัดไป ⇒

ข้อมูลที่เกี่ยวข้อง:

ค้นหาบนเว็บไซต์:

รูปแบบศิลปะชั้นนำในศตวรรษที่ 17 กลายเป็นยุคบาโรก พิสดารเป็นรูปแบบศิลปะในช่วงปลายคริสต์ศตวรรษที่ 16 – กลางคริสต์ศตวรรษที่ 18 โดดเด่นด้วยพลวัตและการแสดงออกทางอารมณ์ สไตล์นี้มีต้นกำเนิดในอิตาลี สไตล์ของตัวเองในยุคปัจจุบันเรียกว่า "ศิลปะใหม่" หรือ "สไตล์สมัยใหม่" (moderno, art nuovo) แปลจากภาษาอิตาลี บารอกโกวิธี แปลก, มีศิลปะ, อย่างกระทันหันและแปลจากภาษาโปรตุเกสแปลว่า ไข่มุกที่มีรูปร่างไม่สม่ำเสมอ- ชื่อ "บาโรก" ได้รับการตั้งขึ้นในศตวรรษที่ 18 ฝ่ายตรงข้ามของสไตล์นี้นักทฤษฎีคลาสสิก

บาโรกปรากฏตัวในชีวิตมนุษย์ในหลากหลายรูปแบบ ตั้งแต่เสื้อผ้าสตรีไปจนถึงสถาปัตยกรรม ในเสื้อผ้าสตรี การเริ่มต้นของสไตล์บาโรกปรากฏให้เห็นในความจริงที่ว่าชุดสเปนที่เข้มงวดถูกแทนที่ด้วยชุดฝรั่งเศสที่มีคัตเอาท์และลูกไม้ ในด้านสถาปัตยกรรม ตัวแทนของยุคบาโรกพยายามที่จะแสดงการเคลื่อนไหวของรูปแบบทางสถาปัตยกรรมและในขณะเดียวกันก็สร้างความสมดุลให้กับพวกเขา ในรูปแบบสถาปัตยกรรมบาโรก แสงรูปแบบสถาปัตยกรรมสวรรค์มุ่งมั่นที่จะสอดคล้องกับโครงสร้างสถาปัตยกรรมขนาดใหญ่ที่พวกเขาพักผ่อน บาร็อคแสดงออกไม่เพียง แต่ในรูปลักษณ์ภายนอกของอาคารเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการตกแต่งภายในด้วย ทิศทางสไตล์นี้เห็นได้ชัดเจนโดยเฉพาะในฝรั่งเศสในการตกแต่งภายใน ในอังกฤษ บาโรกไม่มีการแสดงออกที่ชัดเจนและยังมีคุณลักษณะที่ชัดเจนของลัทธิคลาสสิกอีกด้วย

วัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 17-18

ภาษาอังกฤษแบบบาโรกมักถูกเรียกว่า ถูกทำลายด้วยความคลาสสิค.

ในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษเดียวกัน ทิศทางอื่นในงานศิลปะได้พัฒนาขึ้นในฝรั่งเศส - ลัทธิคลาสสิก(ตั้งแต่ lat. คลาสสิค – เป็นแบบอย่าง). ลัทธิคลาสสิกเป็นรูปแบบศิลปะในศิลปะยุโรปสมัยคริสต์ศตวรรษที่ 17 – ต้นคริสต์ศตวรรษที่ 19 ลักษณะสำคัญประการหนึ่งคือการดึงดูดรูปแบบของศิลปะโบราณให้เป็นมาตรฐานทางสุนทรียภาพ ลัทธิคลาสสิกพยายามที่จะแสดงออกถึงความเข้มงวด ตรรกะ และความชัดเจนของรูปแบบ ทิศทางนี้ขึ้นอยู่กับแนวคิดเกี่ยวกับโครงสร้างที่มีเหตุผลของโลกซึ่งเข้าใจว่าเป็นกลไกที่จัดอย่างมีเหตุผล ลัทธิคลาสสิกเป็นสัญลักษณ์ของการอยู่ใต้บังคับบัญชาของผลประโยชน์ส่วนตัวต่อผลประโยชน์ทั่วไปตลอดจนการเสริมสร้างอำนาจกลางและการรวมชาติภายใต้การนำ

ในรัสเซีย ตัวอย่างที่โดดเด่นของสถาปัตยกรรมคลาสสิกคือ พระราชวังฤดูหนาวของ Bartolomeo Rastrelli และพระบรมมหาราชวังใน Peterhof

ในดนตรีคลาสสิกปรากฏในผลงานของ K.V. กลัค (1714–1787), เอฟ.เจ. ไฮเดิน (1732–1809), V.A. โมซาร์ท (1756–1791), ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน (1770–1827) นักแต่งเพลงคนหลังศึกษากับ Salieri ตอนนี้เพลงอมตะของ L.V. Beethoven สามารถได้ยินได้ไม่เพียงแต่ในสังคมดนตรีเท่านั้น แต่ยังได้ยินในพิธีการของสหภาพยุโรปด้วย เนื่องจาก Ninth Symphony ของเขาเป็นเพลงสรรเสริญพระบารมีอย่างเป็นทางการของสหภาพยุโรปมาตั้งแต่ปี 1972

ในยุคปัจจุบันมีรูปแบบหนึ่งเกิดขึ้น โรโคโค(จากคำภาษาฝรั่งเศส โรเซล – จม, รูปทรงการตกแต่งเป็นรูปเปลือกหอย- นักประวัติศาสตร์ศิลปะบางคนถือว่าโรโกโกเป็นศิลปะบาโรกที่หลากหลายซึ่งละทิ้งความยิ่งใหญ่ นักประวัติศาสตร์ศิลปะหลายคนเชื่อมโยงการกำเนิดของโรโคโคกับวิกฤตการณ์สมบูรณาญาสิทธิราชย์และความปรารถนาของมนุษย์ที่จะหนีจากชีวิต เพื่อซ่อนตัวจากความเป็นจริงในโลกแห่งจินตนาการและตำนาน Rococo มุ่งสู่สิ่งเล็ก ๆ ไปสู่ความรู้สึกผิวเผินบนพื้นฐานของแนวเพลง Rococo เช่นเทพนิยายเชิงอภิบาลและนวนิยายที่กล้าหาญ สไตล์นี้เน้นการสร้างความหรูหราและความสะดวกสบายในชีวิตประจำวัน ในโรโกโกคุณยังสามารถเห็นองค์ประกอบของวัฒนธรรมตะวันออกได้อีกด้วย

ในช่วงเวลานี้ วรรณกรรมก็ได้พัฒนาขึ้น อารมณ์อ่อนไหว- ในปี ค.ศ. 1768 หนังสือของ Laurence Sterne เรื่อง "Sentimental Journey Through France and Italy" ได้รับการตีพิมพ์ ซึ่งมีประเด็นโต้แย้งที่มีความชัดเจนทางการศึกษาในการประเมินการกระทำและความคิดของมนุษย์

ตั้งชื่อผลงานวรรณกรรมในยุคปัจจุบันตอนต้นซึ่งมีวีรบุรุษวรรณกรรมผู้เข้มแข็งและกล้าหาญแสดง คุณจะรู้ได้อย่างไรว่าทำไมผู้เขียนผลงานจึงแสดงตัวละครของพวกเขาในสถานการณ์ที่ซับซ้อนน่าเศร้าและไม่ธรรมดา?

การนำเสนอประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมศิลปะ “วัฒนธรรมศิลปะแห่งศตวรรษที่ 17-18”

คำตอบ:

เราควรเริ่มต้นด้วยช่วงเวลาใดที่เรียกว่ายุคสมัยใหม่ตอนต้น นี่เป็นช่วงประมาณศตวรรษที่ 17 - 18 แม้จะเริ่มต้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ซึ่งอันที่จริงถือเป็นจุดสิ้นสุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ดังนั้นคำตอบเกี่ยวกับ Nikolai Ostrovsky (ศตวรรษที่ 20) จึง“ อยู่ในทุ่งหญ้าสเตปป์ที่ผิด” รายชื่อหนังสือสามารถดูได้ที่นี่: หนังสือยอดนิยมในหมวด “วรรณกรรมยุโรปยุคใหม่ตอนต้น (ก่อนศตวรรษที่ 18)” ผลงานที่สำคัญที่สุดของนักเขียนชาวต่างประเทศในศตวรรษที่ 18 การกระทำของวีรบุรุษผู้มีความมุ่งมั่นและกล้าหาญเช่น ใน Daniel Defoe (Robinson Crusoe) ใน Miguel Cervantes ( Don Quixote) จาก I. -V. เกอเธ่ (เฟาสต์) ในฟรีดริช ชิลเลอร์ (วิลเลียม เทล) แนวโน้มโวหารหลักในวรรณคดียุคนี้คือบาโรก คลาสสิค เซนติเมนทัลลิซึม และโรแมนติก ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 “สไตล์บาโรกมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการผสมผสานระหว่างสิ่งที่ไม่เข้ากัน ในด้านหนึ่งคือความสนใจในรูปแบบที่สวยงาม ความขัดแย้ง การอุปมาอุปไมยและการเปรียบเทียบที่ซับซ้อน การแสดงความเห็นผิดและวาจา และอีกด้านหนึ่งคือโศกนาฏกรรมที่ลึกซึ้งและความรู้สึกถึงหายนะ ตัวอย่างเช่น ในโศกนาฏกรรมสไตล์บาโรกของกริฟอุส Eternity เองก็อาจปรากฏบนเวทีและแสดงความคิดเห็นด้วยความประชดอันขมขื่นเกี่ยวกับความทุกข์ทรมานของเหล่าฮีโร่” “ในแง่ของแนวเพลง คลาสสิคนิยมชอบโศกนาฏกรรมและบทกวี “ในความขัดแย้งชั่วนิรันดร์ของเหตุผลและความรู้สึก ความรู้สึกและหน้าที่ ซึ่งเป็นที่รักของนักเขียนแนวคลาสสิคนิยม ในที่สุดความรู้สึกก็พ่ายแพ้ “ความโรแมนติกนำมาซึ่งแนวเพลงใหม่ โศกนาฏกรรมและบทกวีคลาสสิกถูกแทนที่ด้วยความสง่างาม ละครโรแมนติก บทกวี... โครงเรื่องมีความซับซ้อนมากขึ้น: อุปกรณ์พล็อตที่ขัดแย้งกัน ความลับร้ายแรง การจบลงที่ไม่คาดคิด ได้รับความนิยม... ส่วนใหญ่แล้วฮีโร่โรแมนติกจะเป็นผู้ถือความหลงใหลอย่างหนึ่ง ความคิดหนึ่ง สิ่งนี้ทำให้ฮีโร่โรแมนติกเข้าใกล้ฮีโร่แนวคลาสสิคมากขึ้นแม้ว่าสำเนียงทั้งหมดจะถูกวางไว้แตกต่างกันก็ตาม "(สำหรับคำถามที่ว่าทำไมผู้เขียนผลงานจึงแสดงตัวละครของตนในสถานการณ์ที่ยากลำบาก น่าเศร้า และไม่ธรรมดา - เพื่อแสดงให้เห็นถึงคุณสมบัติทางจิตวิญญาณที่โดดเด่นและถ่ายทอดแนวคิดที่ผู้เขียนต้องการแสดงแก่ผู้อ่าน)

ภาพวาดยุโรปยุคใหม่

⇐ ก่อนหน้าหน้า 20 จาก 23 ถัดไป ⇒

ศิลปะสะท้อนถึงปัญหาและคุณค่ามากมายในยุคที่ปั่นป่วน การผสมผสานระหว่างความสัมพันธ์ระหว่างระบบศักดินาและทุนนิยม รูปแบบต่างๆ ของรัฐบาลการเมือง การต่อสู้เพื่อการปฏิรูปและการต่อต้านการปฏิรูป การพัฒนาวิทยาศาสตร์อย่างเข้มข้น และการค้นพบดินแดนใหม่ๆ นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงในโลกทัศน์ของผู้คน ปัจจัยเหล่านี้สั่นคลอนความคิดเรื่องความพิเศษเฉพาะของมนุษย์ในโลก และเผชิญหน้ากับปัญหาความไม่มั่นคงจากองค์ประกอบทางธรรมชาติ การเปลี่ยนแปลงทางสังคม และเจตจำนงแห่งโชคชะตา ความรู้สึกของการเปลี่ยนแปลงและความยั่งยืนของชีวิตนั้นรวมอยู่ในธีมและโครงเรื่องทางศิลปะที่สอดคล้องกัน ความเป็นเอกลักษณ์ของวัฒนธรรมยุโรปในศตวรรษที่ 17-18 นั้นชัดเจนที่สุด - สะท้อนให้เห็นในรูปแบบศิลปะของบาโรก, คลาสสิค, โรโคโค, โปรโต - เรียลลิสม์.

ใน จิตรกรรมประเภทปรากฏขึ้น ยังมีชีวิตอยู่ มุ่งทำความเข้าใจความเข้ากันได้ของสี พื้นที่ รูปร่าง และปริมาตร ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 มีภาพวาดใหม่เกิดขึ้นโดยนักทฤษฎี เหมือนจริง - การสำแดงความเฉพาะเจาะจงของสุนทรียภาพแห่งยุคใหม่ในการวาดภาพคือ « การคาราวัจโจ- มิเกลันเจโล ดา คาราวัจโจเป็นคนแรกที่แนะนำฉากชีวิตพื้นบ้านที่สมจริงในการวาดภาพ

การทำลายล้างหลักการทางชนชั้นอย่างค่อยเป็นค่อยไปยังนำมาซึ่งการเปลี่ยนแปลงของศิลปะที่ได้รับอนุมัติจากศาสนาอีกด้วย มีหลายอย่าง ทิศทางศิลปะแตกต่างกันไม่มากในรูปแบบแนวอุดมการณ์และอุดมการณ์

บทสรุปทางศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายคือ พิสดารซึ่งถือได้ว่าเป็นช่วงเปลี่ยนผ่านสู่ยุคแห่งการตรัสรู้ พิสดาร (อิตาลี: แปลกแปลก) - ทิศทางสไตล์ในศิลปะของยุโรป, ก. 16 - กลาง ศตวรรษที่ 18 มีต้นกำเนิดในอิตาลีและแพร่กระจายไปยังประเทศในยุโรปส่วนใหญ่ บาโรกมุ่งไปสู่ประสิทธิภาพ ความเปรียบต่าง การผสมผสานระหว่างภาพลวงตาและของจริง การสังเคราะห์ศิลปะ และการแบ่งแยกลักษณะเฉพาะของแนวเพลงที่แม่นยำไปพร้อมๆ กัน

ยุคบาโรกก่อให้เกิดมุมมองที่เป็นเอกลักษณ์ของมนุษย์และความหลงใหลในทุกสิ่งในการแสดงละครซึ่งปรากฏอยู่ในสโลแกน: โลกทั้งใบคือโรงละคร ("As You Like It" ของเช็คสเปียร์) ท่าเรืออันอุดมสมบูรณ์ในอัมสเตอร์ดัมได้เปิดโรงละครในเมืองในปี 1638 เหนือทางเข้าซึ่งใครๆ ก็สามารถอ่านบทประพันธ์ของวอนเดล กวีชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่ที่สุด: “โลกของเราคือเวที ทุกคนที่นี่มีบทบาทเป็นของตัวเอง และทุกคนจะได้รับสิ่งที่พวกเขาสมควรได้รับ ” และในสเปนซึ่งแข่งขันกับฮอลแลนด์ Calderon de la Varca ร่วมสมัยของ Vondel ได้สร้างผลงานชิ้นเอกที่มีชื่อเสียงของเขา "The Great Theatre of the World" ซึ่งเป็นตัวแทนของโลกในฐานะเวทีในความรู้สึกแบบบาโรกอย่างแท้จริง

ผู้คนในสมัยนั้นรู้สึกถึงพระเนตรของพระเจ้าและความสนใจของคนทั้งโลกอยู่เสมอ แต่สิ่งนี้ทำให้พวกเขารู้สึกเคารพตนเอง ความปรารถนาที่จะทำให้ชีวิตของพวกเขาสดใสและมีความหมายดังที่ปรากฏในภาพวาด ประติมากรรม และ ละคร. พระราชวังสไตล์บาโรกสะท้อนภาพลักษณ์ตนเองของผู้สร้าง เช่นเดียวกับภาพวาดบุคคล สิ่งเหล่านี้เป็นการยกย่องสรรเสริญในศิลา เป็นการเชิดชูคุณธรรมของผู้ที่อยู่ในนั้น ผลงานในยุคบาโรกที่เชิดชูความยิ่งใหญ่และความสำเร็จของพวกเขา ทำให้เราประหลาดใจกับความท้าทายของพวกเขา และในขณะเดียวกันก็แสดงให้เห็นถึงความพยายามที่จะกลบความเศร้าโศกของผู้สร้างของพวกเขา

เงาแห่งความผิดหวังอยู่เหนือศิลปะบาโรกตั้งแต่แรกเริ่ม ความรักในการแสดงละครและอุปมาบนเวทีเผยให้เห็นถึงความตระหนักรู้ว่าการแสดงออกภายนอกใดๆ นั้นเป็นภาพลวงตา การสรรเสริญผู้ปกครองและวีรบุรุษ - ในบทละครของนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศส Corneille กวีชาวอังกฤษ Dryden และนักเขียนและนักเขียนบทละครชาวเยอรมัน Gryphius - อาจเป็นความพยายามที่จะชะลอการลืมเลือนซึ่งขู่ว่าจะกลืนกินทุกสิ่งอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ แม้แต่ผู้ยิ่งใหญ่ที่สุด จักรพรรดิแห่งโรมันติตัสในโศกนาฏกรรมของคอร์เนย์เรื่อง "ติตัสและเบเรนิซ" กล่าวว่า: "ทุกช่วงเวลาของชีวิตคือการก้าวไปสู่ความตาย"

เหตุผลทางวิทยาศาสตร์ที่กำหนดโดยนักดาราศาสตร์ชาวเยอรมันเคปเลอร์สำหรับการเคลื่อนที่ของดาวเคราะห์ในวงรีและการจัดเรียงวัตถุท้องฟ้าอย่างต่อเนื่องแม้จะมีการเคลื่อนไหวชั่วนิรันดร์ แต่ก็สอดคล้องกับแนวคิดเรื่องพลวัตโครงร่างรูปไข่และรูปแบบสถาปัตยกรรมที่กำหนดไว้ล่วงหน้า และวรรณคดียุคบาโรก ความรู้สึกเฉียบพลันของเวลาที่เร่งรีบดูดซับทุกสิ่งและทุกคน ความรู้สึกไร้ประโยชน์ของทุกสิ่งบนโลกซึ่งกวีและนักเทศน์ทั่วยุโรปกล่าวซ้ำแล้วซ้ำอีก ป้ายหลุมศพที่รอทุกคนอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้และเตือนว่าเนื้อหนังเป็นมนุษย์มนุษย์เป็นฝุ่น - ทั้งหมดนี้น่าแปลกที่นำไปสู่ความรักที่ผิดปกติในชีวิตและการยืนยันชีวิต ความขัดแย้งนี้กลายเป็นประเด็นหลักของบทกวีบาโรก ผู้เขียนเรียกร้องให้ผู้คนเลือกดอกไม้แห่งความสุขในขณะที่ฤดูร้อนโหมกระหน่ำอยู่รอบตัวพวกเขา รักและเพลิดเพลินไปกับการสวมหน้ากากหลากสีแห่งชีวิต การรู้ว่าชีวิตจะจบลงเหมือนความฝันเผยให้เห็นความหมายและคุณค่าที่แท้จริงแก่ผู้โชคดี แม้จะได้รับความสนใจเป็นพิเศษในเรื่องของความอ่อนแอของทุกสิ่ง แต่วัฒนธรรมบาโรกก็มอบผลงานวรรณกรรมระดับโลกที่มีความรักต่อชีวิตและความแข็งแกร่งอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน

ภายใต้พระเจ้าหลุยส์ที่ 15 ลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์กำลังเสื่อมถอย: เงินจำนวนมหาศาลถูกใช้ไปกับความฟุ่มเฟือยและความสนุกสนานตามหลักการ "ตามหลังเรา แม้แต่น้ำท่วม" ในสภาวะเหล่านี้ สไตล์ผู้กล้าหาญถือกำเนิดและพัฒนาอย่างรวดเร็ว - โรโคโคซึ่งมีลักษณะเฉพาะโดย:

· ธีมการเฉลิมฉลอง การสวมหน้ากาก งานอภิบาล การเกี้ยวพาราสีเบาๆ

· ความสง่างามและความซับซ้อน

· พลวัตภายใน

·การย่อขนาดแบบฟอร์ม

· ความร่าเริง

· การตกแต่งและการตกแต่งมากมาย (โดยเฉพาะในรูปแบบของลอนผม)

นักวิจัยพิจารณาว่าโรโคโคเป็นบาโรกที่เสื่อมโทรม (เรากำลังพูดถึงสไตล์โรโคโคของไตรมาสที่สองและกลางศตวรรษที่ 18) มุมมองนี้ค่อนข้างถูกต้องตามกฎหมายจากมุมมองของวิวัฒนาการของรูปแบบ - พลวัต, จังหวะ, ความสัมพันธ์ระหว่างส่วนทั้งหมดและส่วนหนึ่ง แท้จริงแล้ว พลวัตเชิงพื้นที่อันทรงพลัง ความแตกต่างที่โดดเด่น และการเล่นพลาสติกที่น่าประทับใจของรูปแบบบาโรกถูกแทนที่ด้วยสไตล์ที่ดูเหมือนว่าจะถ่ายโอนโครงสร้างโค้งของบาโรกไปสู่รูปแบบใหม่ โรโกโกเล่นซิมโฟนีประดับบนผนังและเพดานของการตกแต่งภายในโดยไม่สนใจส่วนหน้าอาคารและสานลวดลายลูกไม้ ในเวลาเดียวกัน Rococo มาถึงจุดสูงสุดของความมีคุณธรรม ความสง่างาม และความฉลาด แต่สูญเสียความยิ่งใหญ่ ความแข็งแกร่ง และความแข็งแกร่งสไตล์บาโรกไปโดยสิ้นเชิง

เป็นที่ทราบกันดีว่าสถาปัตยกรรมที่มุ่งเน้นคำสั่งต่อมนุษย์และในขณะเดียวกันก็ทำให้การดำรงอยู่ของเขาเป็นวีรบุรุษ สถาปนิก Rococo (ทรงกลมของตัวเองคือการตกแต่งภายใน) หันไปหาคนจริงที่มีความต้องการที่แท้จริงของเขา ดูเหมือนพวกเขาจะลืมเกี่ยวกับตัวอาคาร ตัวสถาปัตยกรรม และเปลี่ยนไปใช้สิ่งที่ตั้งใจไว้จริงๆ พวกเขาเริ่มใส่ใจเรื่องความสะดวกสบาย โดยรายล้อมบุคคลด้วยบรรยากาศของความสะดวกสบายและความสง่างาม สิ่งสำคัญคือรูปแบบใหม่กลายเป็นสไตล์ของบ้านที่เรียบง่ายซึ่งเขานำเสนอจิตวิญญาณแห่งความผาสุกและความสะดวกสบายแบบเดียวกันโดยไม่เน้นความหรูหราด้วยเทคนิคเล็กน้อย

อีกทิศทางหนึ่ง - ความคลาสสิคของศตวรรษที่ 18- ยังถูกมองว่าเป็น คลาสสิค "ไลต์"ศตวรรษก่อน ท้ายที่สุดแล้ว มันมีความแม่นยำทางโบราณคดีมากกว่ารุ่นก่อน มีความสง่างาม การประดิษฐ์ และความหลากหลายมากกว่า แต่ก็ยังขาดน้ำหนักและความแข็งแกร่งอีกด้วย มีการล่อลวงให้พิจารณาคลาสสิกแบบ "ที่สอง" เป็นฉบับปรับปรุงของ "ครั้งแรก" เนื่องจากเราสามารถติดตามได้ว่าลัทธิคลาสสิกแบบหนึ่งส่งผ่านไปยังอีกแบบหนึ่งได้อย่างไร แม้กระทั่งในผลงานของสถาปนิก เช่น ตระกูลบลอนเดล อย่างไรก็ตามทั้งโรโกโกและคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 เป็นตัวแทนของสิ่งใหม่โดยพื้นฐานที่เกี่ยวข้องกับรุ่นก่อนโดยตรงตลอดจนสไตล์ที่มีอยู่แล้วโดยทั่วไป

ความแตกต่างนี้บ่งชี้ว่าจุดเปลี่ยนระหว่างวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 17 และ 18 มีลักษณะภายในที่ซ่อนเร้นอยู่ นักประวัติศาสตร์ศิลปะสังเกตว่าโรโกโกเป็นศิลปะยุโรปรูปแบบแรกที่ไม่เป็นระเบียบมานานหลายศตวรรษ

โลกทัศน์ของเขามีพื้นฐานอยู่บนแนวคิดเรื่องระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ หลักฐานทางปรัชญาของลัทธิคลาสสิกคือเหตุผลนิยม ข้อกำหนดหลักสำหรับศิลปินคลาสสิกคือ "ความสูงส่งของการออกแบบ" ลัทธิคลาสสิกมุ่งสู่ประวัติศาสตร์ของเหตุการณ์ต่างๆ ความเป็นจริงด้วยภูมิทัศน์และภาพวาดบุคคลถือเป็นประเด็นรองที่มีความสำคัญ พื้นฐานของลัทธิคลาสสิกคือหลักการบังคับตามหลักการเลียนแบบสมัยโบราณ นักคลาสสิกก่อให้เกิดปัญหาการขัดเกลาทางสังคมของแต่ละบุคคล ความงามทางจิตวิญญาณเริ่มได้รับการยกย่องเหนือความงามทางกายภาพ และงานศิลปะเหนือธรรมชาติ ธรรมชาติเลิกเป็นแบบอย่างอีกต่อไป

นักคลาสสิกมุ่งมั่นในการพิมพ์ หลักการสร้างประเภทนั้นขึ้นอยู่กับการเน้นคุณลักษณะที่สว่างที่สุดประการหนึ่งในตัวละครซึ่งจงใจปรากฏออกมา ภาพทั่วไปกลายเป็นสิ่งที่เป็นนามธรรม ลักษณะทั่วไปของนักคลาสสิกนั้นไร้ความแตกต่าง

การเริ่มต้นใหม่ที่สำคัญในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 18 นอกจากนี้ยังมีการเกิดขึ้นของแนวโน้มที่ไม่มีรูปแบบโวหารของตัวเองและไม่จำเป็นต้องพัฒนา การเคลื่อนไหวทางอุดมการณ์ที่ใหญ่ที่สุดเช่นนี้จึงกลายเป็น อารมณ์อ่อนไหวที่เกี่ยวข้องกับแนวคิดการศึกษาเกี่ยวกับหลักการแห่งความเมตตาและความบริสุทธิ์ที่มีมาแต่กำเนิดต่อมนุษย์ซึ่งสูญหายไปพร้อมกับสภาพดั้งเดิมตามธรรมชาติ ความรู้สึกอ่อนไหวไม่จำเป็นต้องมีการออกแบบโวหารพิเศษเนื่องจากไม่ได้กล่าวถึงภายนอก แต่เพื่อภายในไม่ใช่เพื่อสากล แต่เพื่อส่วนบุคคล- แต่การระบายสีแบบพิเศษ ความรู้สึกพิเศษในการเจาะเข้าไปในโลกส่วนตัว ความละเอียดอ่อนของอารมณ์ แม้แต่ความรู้สึกของสัดส่วนและความโปร่งสบายของพื้นผิวนั้นเชื่อมโยงกับอารมณ์อ่อนไหวไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ทั้งหมดนี้สร้างความรู้สึกสง่างามอ่อนโยน ใกล้ชิดธรรมชาติ และความสูงส่งภายใน ความรู้สึกอ่อนไหวกลายเป็นก่อนโรแมนติก : “มนุษย์ปุถุชน” ขัดแย้งกับองค์ประกอบทางสังคมและธรรมชาติ พร้อมด้วยพายุอันมืดมนและความวุ่นวายของชีวิต ลางสังหรณ์ที่ฝังอยู่ในวัฒนธรรมทั้งหมดของศตวรรษที่ 18

การปะทะกันของปัจเจกชนกับสังคมด้วยโศกนาฏกรรมของการดำรงอยู่การเปลี่ยนแปลงของอุดมคติไปสู่ขอบเขตของจินตนาการที่ไม่สมจริงนำไปสู่ศตวรรษที่ 19 เมื่อลัทธิปัจเจกนิยมของชนชั้นกลางและการทำให้เป็นอะตอมของสังคมยุติปรากฏการณ์ของสไตล์ในฐานะประวัติศาสตร์ที่สำคัญ และหมวดศิลปะ

⇐ ก่อนหน้า14151617181920212223ถัดไป ⇒

I. ศิลปะและสถาปัตยกรรมรัสเซียของศตวรรษที่ 17

1. พัฒนาการของจิตรกรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 17

ในการพัฒนาภาพวาดรัสเซียในศตวรรษที่ 17 กระแสทั้งสองขัดแย้งกัน ในด้านหนึ่ง ประเพณีของศีลยังคงแข็งแกร่งในการวาดภาพ และมีการพยายามอย่างต่อเนื่องเพื่อทำให้ประเพณีเป็นสิ่งที่ขัดขืนไม่ได้ ในทางกลับกัน ในศตวรรษที่ 17 รู้สึกได้ถึงความปรารถนาที่จะหลุดพ้นจากแรงกดดันของประเพณีที่ล้าสมัย ประเพณีของยุโรปตะวันตกเริ่มแทรกซึม และคริสตจักรก็กลายเป็นฆราวาส

ความแตกแยกของคริสตจักรยิ่งทำให้ความขัดแย้งในการพัฒนาวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 17 รุนแรงขึ้น ความขัดแย้งระหว่างความแตกแยกและคริสตจักรอย่างเป็นทางการในสาขาศิลปะส่งผลให้เกิดการต่อสู้กันระหว่างสองมุมมองเชิงสุนทรีย์ ผู้สนับสนุนสิ่งใหม่พยายามให้แน่ใจว่าไอคอนนั้นสวยงามเป็นอันดับแรกดังนั้นจึงเปลี่ยนแนวคิดเรื่องพระเจ้าด้วยแนวคิดเรื่องความงาม เกณฑ์ด้านสุนทรียศาสตร์ในการประเมินภาพวาดเป็นสิ่งสำคัญอันดับแรก ความพยายามที่จะนำศิลปะเข้าใกล้ความเป็นจริงมากขึ้นเรื่อยๆ ในทางตรงกันข้าม ผู้ปกป้องประเพณีได้ปกป้องทัศนคติของพวกเขาที่มีต่อไอคอนในฐานะวัตถุของลัทธิในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ ซึ่งในทุกคุณลักษณะและแม้แต่กระดานไอคอนเองก็มีความศักดิ์สิทธิ์ ศิลปะทางศาสนาตามความคิดของพวกเขาไม่เกี่ยวข้องกับความเป็นจริงและความเป็นจริง ตัวอย่างเช่น ใบหน้าของนักบุญไม่สามารถเหมือนกับใบหน้าของคนธรรมดาได้

โรงเรียนสอนวาดภาพ

ในการวาดภาพในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 มีสองแนวโน้มที่โดดเด่น ประเพณีการวาดภาพไอคอนยังคงมีอยู่โดยมุ่งเน้นไปที่การทำซ้ำสไตล์การวาดภาพของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต: Andrei Rublev และ Dionysius - สิ่งที่เรียกว่า โรงเรียน Godunovskaya , ก่อตั้งขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 ซึ่งตัวแทนทำงานตามคำสั่งจากราชสำนักและจึงเป็นตัวแทนของทิศทาง "ทางการ" ในงานศิลปะ นักเขียนไอโซกราฟิของ Godunov สืบทอดประเพณีอันยิ่งใหญ่ของอดีตโดยปฏิบัติตามหลักการยึดถืออย่างเคร่งครัดโดยพยายามรื้อฟื้นจิตวิญญาณที่เสื่อมโทรมของศิลปะรัสเซียโบราณ อย่างไรก็ตามในงานของโรงเรียน Godunov มีความปรารถนาอย่างเห็นได้ชัดที่จะถ่ายทอดสาระสำคัญของวัตถุแม้ว่าจะดำเนินการเพียงขั้นตอนแรกในทิศทางนี้ก็ตาม

ในเวลาเดียวกัน ปรากฏการณ์ทางศิลปะใหม่ก็เกิดขึ้น - โรงเรียนสโตรกานอฟ ซึ่งได้รับชื่อมาจากพ่อค้า Stroganov ซึ่งเป็นเจ้าของความมั่งคั่งทางการเงินจำนวนมหาศาลและทำหน้าที่เป็นผู้อุปถัมภ์และลูกค้า ไม่เพียงแต่จิตรกรไอคอน Stroganov เท่านั้น แต่ยังรวมถึงมอสโก ปรมาจารย์ในราชวงศ์และปรมาจารย์ด้วย ไอคอน "Stroganov" มีขนาดเล็ก ไม่ใช่ภาพสวดมนต์เท่าของจิ๋วอันล้ำค่า โดดเด่นด้วยการตกแต่งและออกแบบมาสำหรับผู้ที่ชื่นชอบงานศิลปะ โดดเด่นด้วยการเขียนที่ละเอียดประณีตมาก การวาดภาพอย่างเชี่ยวชาญ การตกแต่งที่เข้มข้น และความอุดมสมบูรณ์ของทองคำและเงิน ข้อดีของปรมาจารย์ "Stroganov" คือเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพรัสเซียโบราณที่พวกเขาค้นพบความงามและบทกวีของภูมิทัศน์

ไซมอน เฟโดโรวิช อูชาคอฟ

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 Armory Chamber ได้กลายเป็นศูนย์กลางทางศิลปะไม่เพียงแต่ในมอสโกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทั่วทั้งประเทศด้วย พลังทางศิลปะที่ดีที่สุดรวมตัวกันอยู่ที่นี่ ที่นี่เป็นครั้งแรกที่เชิญชาวต่างชาติเป็นครั้งแรก จากนั้นปรมาจารย์ชาวรัสเซียก็เริ่มวาดภาพเหมือนของซาร์ พระสังฆราช และโบยาร์ที่ใกล้ชิดกับซาร์ งานจิตรกรรมทั้งหมดในคลังอาวุธนำโดยปรมาจารย์ ไซมอน อูชาคอฟ ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญในงานศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 Ushakov เป็นคนยุคใหม่ นักคิดและผู้สร้างรูปแบบใหม่ เขาละทิ้งประเพณีการวาดภาพแบนๆ ที่แยกออกจากกัน ซึ่งมีมาตั้งแต่ศิลปะไบแซนไทน์ และพยายามทำให้ภาพนั้นมีความคล้ายคลึงกับชีวิตจริง เพื่อให้ได้ "ความเหมือนจริง" และเรียกร้องจากจิตรกรถึงภาพที่เป็นจริงและสมจริง

ตั้งแต่ปีแรกของความคิดสร้างสรรค์อิสระ Ushakov ให้ความสนใจในการวาดภาพใบหน้ามนุษย์ หัวข้อโปรดของเขากลายเป็น พระผู้ช่วยให้รอดไม่ได้ทำด้วยมือ- ศิลปินพยายามที่จะกำจัดหลักการทั่วไปของการวาดภาพไอคอนและได้ผิวที่มีสีเนื้อ ปริมาณ และลักษณะที่เกือบจะคลาสสิก ด้วยเหตุนี้ เขาจึงอาจทำให้พระฉายาตามธรรมเนียมดั้งเดิมของพระเจ้ามีมนุษยธรรมโดยไม่รู้ตัว. ในปี ค.ศ. 1668 Ushakov วาดภาพไอคอนของพระแม่แห่งวลาดิมีร์ที่เรียกว่า “ การปลูกต้นไม้ของรัฐรัสเซีย”- ไอคอนนี้ถือได้ว่าเป็นภาพแห่งชัยชนะของมลรัฐรัสเซีย ในส่วนล่างของภาพเป็นภาพกำแพงมอสโกเครมลิน ด้านหลังเป็นอาสนวิหารอัสสัมชัญ ซึ่งเป็นศาลเจ้าหลักของรัฐรัสเซีย ที่เชิงมหาวิหาร เจ้าชาย Ivan Kalita นักสะสมดินแดนรัสเซีย และ Metropolitan Peter ซึ่งเป็นคนแรกที่ย้ายเก้าอี้นครหลวงจาก Vladimir ไปยัง Moscow กำลังปลูกต้นไม้ของรัฐรัสเซีย บนกิ่งก้านมีเหรียญที่มีรูปบุคคลสำคัญทางการเมืองของ Ancient Rus เหรียญตรงกลางแสดงสัญลักษณ์ของแม่พระแห่งวลาดิเมียร์ ซึ่งได้รับการเคารพในฐานะผู้อุปถัมภ์มอสโก

พาร์ซัน

ลางสังหรณ์ของศิลปะแห่งยุคอนาคตคือการเกิดขึ้นของประเภททางโลกล้วนๆ - ภาพเหมือน พวกเขาถูกเรียกว่า พาร์ซัน (จากคำบิดเบี้ยว "บุคคล" - บุคลิกภาพ) ประเภทนี้เกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 รูปภาพของ Ivan IV, ปริ๊นซ์ เอ็ม.วี. สโกปิน-ชูสกี้ในแง่ของวิธีการนำไปใช้ พวกเขายังคงอยู่ใกล้กับไอคอน แต่มีความคล้ายคลึงกันในแนวตั้งอยู่แล้ว นอกจากนี้ยังมีการเปลี่ยนแปลงภาษาของภาพด้วย สำหรับความไร้เดียงสาของรูปแบบ ความคงที่ และสถานที่ แม้จะขี้อาย แต่ก็มีความพยายามในการสร้างแบบจำลองแสงและเงาอยู่แล้ว ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 พาร์ซันบางส่วนถูกวาดโดยศิลปินชาวต่างชาติ เชื่อกันว่าพู่กันของชาวดัตช์ วูคเตอร์สเป็นของ ภาพพระสังฆราชนิคอนพร้อมคณะสงฆ์. Parsuns ของสจ๊วต V. Lyutkin, แอล. นาริชกินาปลายศตวรรษที่ 17 เรียกได้ว่าเป็นภาพบุคคลเต็มรูปแบบแล้ว

จิตรกรรมปูนเปียก

ในกลุ่มจิตรกรรมฝาผนังของศตวรรษที่ 17 จิตรกรรมฝาผนังจะปกคลุมผนังและเสาด้วยรูปแบบเดียวต่อเนื่องกัน ซึ่งในฉากประเภทต่างๆ จะเกี่ยวพันกับเครื่องประดับที่สลับซับซ้อน เครื่องประดับครอบคลุมถึงสถาปัตยกรรม หุ่นมนุษย์ เครื่องแต่งกาย และพื้นหลังทิวทัศน์ที่เติบโตจากจังหวะประดับ การตกแต่งเป็นหนึ่งในคุณสมบัติที่โดดเด่นของจิตรกรรมฝาผนังในศตวรรษที่ 17 คุณลักษณะที่สองคือการเฉลิมฉลองและความสนใจอย่างต่อเนื่องของมนุษย์ในชีวิตประจำวันของเขาโดยเน้นในเรื่องราวของพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์เกี่ยวกับความงามของธรรมชาติแรงงานมนุษย์นั่นคือชีวิตในความหลากหลายทั้งหมด ในจิตรกรรมฝาผนังดังกล่าว ฉากจากพระคัมภีร์มักจะถูกแปลงเป็นเรื่องราวที่น่าสนใจ ซึ่งในแง่ฆราวาสมักจะมีอิทธิพลเหนือเนื้อหาทางศาสนาโดยตรง ตัวอย่างของการวาดภาพดังกล่าวคือ ภาพจิตรกรรมฝาผนังของโบสถ์ Elijah the Prophet ในเมือง Yaroslavl วาดในปี 1681 โดยปรมาจารย์จากคลังอาวุธ กูเรียม นิกิตินกับอาร์เทลของเขา ธีมหลักในภาพวาดของโบสถ์เป็นเรื่องราวที่น่าสนใจเกี่ยวกับโลกที่สวยงามซึ่งนักบุญที่มีนักพรตไม่มากนักอาศัยและกระทำ แต่เป็นปุถุชนธรรมดา สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นจากความหลงใหลของศิลปินในการวาดภาพบุคคลที่สวยงามที่รายล้อมไปด้วยภูมิทัศน์ที่สวยงามไม่แพ้กันและสถาปัตยกรรมอันอุดมสมบูรณ์

ดังนั้นในศตวรรษที่ 17 แนวคิดจึงชัดเจนไม่มากก็น้อยว่างานจิตรกรรมคือการสะท้อนความเป็นจริงที่แท้จริง ในศตวรรษที่ 17 ศิลปะเริ่มพูดถึงบุคคล "ทางโลก" ที่เรียบง่าย อย่างไรก็ตาม การสังเกตตามความเป็นจริงที่กระจัดกระจายยังไม่ได้ถือเป็นวิธีการสร้างสรรค์ใหม่ทั้งหมด ซึ่งเป็นแนวทางใหม่สู่ความเป็นจริงสำหรับศิลปิน นี่คืองานประวัติศาสตร์ของศิลปะแห่งศตวรรษหน้า

พัฒนาการของจิตรกรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 17

2. อนุสรณ์สถานสถาปัตยกรรมรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 17 ศตวรรษ.

ต้น XVII ศตวรรษถูกทำเครื่องหมายด้วยปัญหา เศรษฐกิจของประเทศตกต่ำ: ทุ่งนาเต็มไปด้วยพุ่มไม้และในเมืองช่างฝีมือจำนวนมากถูกบังคับให้ละทิ้งงานฝีมือของตน ดังนั้นจนถึงอายุ 20 ศตวรรษที่ 17 ไม่มีการก่อสร้างในมอสโก เมื่อซาร์มิคาอิล โรมานอฟองค์ใหม่ตัดสินใจรำลึกถึงชัยชนะครั้งสุดท้ายเหนือชาวต่างชาติด้วยการสร้างวิหารในที่ดินของ Rubtsov การก่อสร้างกลายเป็นสิ่งที่ยิ่งใหญ่ เรียบง่าย และหยาบกระด้าง - ราวกับว่าช่างก่อหินระดับปรมาจารย์ลืมวิธีถือเครื่องมือง่ายๆ ไปแล้ว

ในช่วงอายุ 30 เท่านั้น ศตวรรษที่ 17 สถาปัตยกรรมรัสเซียเข้าสู่เส้นทางการพัฒนาใหม่ เหตุการณ์สำคัญบนเส้นทางนี้คือมอสโก โบสถ์ทรินิตี้ในนิกิตนิกิ จัดแสดงที่ลานบ้านของพ่อค้าผู้มั่งคั่ง Grigory Nikitnikov มันมีขนาดเล็ก - พ่อค้าและครอบครัวของเขาไม่ต้องการวัดขนาดใหญ่ - แต่มันก็สง่างาม เมื่อเทียบกับพื้นหลังสีแดงของกำแพงอิฐ รายละเอียดหินสีขาวโดดเด่น: แผ่นโลหะที่สลับซับซ้อน คอลัมน์คู่ที่ประกบด้านหน้าและบัวแกะสลัก ที่ด้านบนสุดจะมีการวาง kokoshniks แหลมเป็นแถวเรียงกันทำให้ด้านบนของวิหารมีความคล้ายคลึงกับกรวยซีดาร์ kokoshniks มีห้าหัวและหัวอ่อนที่มีหน้าต่างมีเพียงหัวตรงกลางและด้านข้างถูกเพิ่มเข้ามาเพื่อความสวยงาม โบสถ์แห่งนี้มีโบสถ์เล็กๆ สองแห่งที่แยกจากกัน รวมถึงห้องแสดงภาพ ระเบียง และหอระฆัง หอระฆังดังกล่าวไม่เคยถูกสร้างขึ้นมาก่อน โดยวางเต็นท์ไว้เหนือทรงแปดเหลี่ยมสูง (ทรงแปดหน้า) และมีการสร้างหน้าต่างในเต็นท์ จุดจบเหล่านี้เรียกว่าข่าวลือ จำเป็นเพื่อไม่ให้เสียงระฆังจางหายไปใต้ส่วนโค้งของเต็นท์ แต่ออกไปข้างนอก

คริสตจักรรัสเซียก่อนหน้านี้ทั้งหมดดูเคร่งครัดอย่างยิ่ง ในทางกลับกัน Church of the Trinity ใน Nikitniki สร้างความประหลาดใจให้กับความมีชีวิตชีวา ความหลากหลาย และดูเหมือนว่าจะเป็นผลมาจากชีวิตที่วุ่นวายของเมืองการค้าของจีน ชิ้นส่วนทั้งหมดถูกวางไว้อย่างไม่สมมาตร ทุกอย่างดูเติบโต เคลื่อนไหว พัฒนาต่อหน้าต่อตาเรา ภายในโบสถ์มีบรรยากาศสบายๆ ไม่มีเสา มีแสงลอดเข้ามาจากหน้าต่างบานใหญ่ และพื้นที่ก็สว่างและสงบ ภาพวาดหลากสีสันปกคลุมผนังด้วยพรมต่อเนื่องกัน ผู้คนมาที่นี่เพื่อไม่ได้อธิษฐานต่อพระเจ้าที่พวกเขาเกรงกลัว แต่อธิษฐานต่อผู้ที่ช่วยเหลือมนุษย์ในกิจวัตรประจำวันทางโลกของเขา สถาปัตยกรรมที่สนุกสนานนี้ไม่ได้ยกระดับ แต่ก็ไม่ได้ทำให้จิตใจมนุษย์หวาดกลัว

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 รัสเซียฟื้นตัวเต็มที่จากผลที่ตามมาของช่วงเวลาแห่งปัญหา อุตสาหกรรมและการค้าเริ่มมีการพัฒนาอย่างแข็งขัน ยาโรสลาฟล์ในเวลานั้นอยู่ในอันดับที่สองรองจากมอสโกในแง่ของจำนวนผู้อยู่อาศัยและสินค้าที่ผลิต พ่อค้า Yaroslavl ซึ่งเป็นพี่น้อง Skripin สร้างทุนมหาศาลจากการค้าขนสัตว์และเกือบจะร่ำรวยกว่าซาร์ เมื่อมิคาอิล Fedorovich ต้องการเงินเขาก็หันไปหา Skripins ซึ่งกลายเป็นนายธนาคารของราชวงศ์ และด้วยความขอบคุณสำหรับเงินกู้ที่มอบให้กษัตริย์จึงมอบของที่ระลึกอันน่าอัศจรรย์แก่พี่น้องซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของเสื้อคลุมของพระคริสต์ (เสื้อผ้า) พี่น้องทั้งสองตัดสินใจแสดงความขอบคุณพระเจ้าด้วยการสร้างพระวิหารขนาดใหญ่ โบสถ์เอลียาห์ผู้เผยพระวจนะในยาโรสลัฟล์ (ค.ศ. 1647 - 1650) มีขนาดไม่ด้อยไปกว่ามหาวิหารแห่งมอสโกเครมลินมากนัก และมันไม่ได้ถูกสร้างขึ้นบนจัตุรัสหรือแม้แต่บนถนน แต่บนลาน Skripinsky ท่ามกลางที่อยู่อาศัยและห้องเก็บของเช่นเดียวกับโบสถ์ Moscow Trinity Church - ในลานของ Nikitnikovs

ไม่ใช่สมาชิกนักบวชทุกคนชอบแฟชั่นที่แพร่หลายสำหรับ “เสื้อผ้าที่มีลวดลาย” พระสังฆราชนิคอนสั่งห้ามการก่อสร้างโบสถ์กระโจมและพยายามสร้างสำเนาของโบสถ์แห่งการฟื้นคืนชีพและสุสานศักดิ์สิทธิ์ในกรุงเยรูซาเล็มในอารามนิวเยรูซาเลมใกล้กรุงมอสโกบนดินรัสเซีย อย่างไรก็ตาม Nikon เองก็ไม่จำเป็นต้องปกครองเป็นเวลานาน ซาร์ไม่พอใจกับการอ้างอำนาจสูงสุดของรัฐของพระสังฆราช ช่องว่างระหว่าง Nikon และ Alexei Mikhailovich นำไปสู่การเนรเทศและการทับถมของพระสังฆราช และสถาปัตยกรรมที่มีลวดลายยังคงดำเนินต่อไปอย่างมีชัยทั่วประเทศ

ในศตวรรษที่ 17 พระราชวัง อาคารบริหาร อาคารที่พักอาศัย และลานรับแขกได้ถูกสร้างขึ้นในขนาดที่ไม่เคยมีมาก่อน รูปลักษณ์ทางสถาปัตยกรรมของพวกเขาไม่เพียงสะท้อนถึงความปรารถนาของสถาปนิกที่จะปฏิบัติตามประเพณีที่ดีที่สุดในอดีตเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความปรารถนาที่จะสร้างอาคารประเภทใหม่ที่สมบูรณ์และพัฒนารูปแบบใหม่

พระราชวังเทเรมแห่งมอสโกเครมลิน สร้างขึ้นในปี 1635 - 1636 ด้วยขนาดและการตกแต่งอันอลังการ ดูเหมือนจะท้าทายประเพณีการก่อสร้างของศตวรรษก่อนๆ การสลับปริมาตรแบบขั้นบันไดแบบดั้งเดิมความไม่สมมาตรของส่วนขยายที่งดงามหลังคาแหลมถูกรวมเข้ากับองค์ประกอบของสไตล์ใหม่ - สมมาตรและความสม่ำเสมอ ด้านหน้าแบ่งเท่า ๆ กันด้วยเสาและช่องหน้าต่างสร้างจังหวะที่ชัดเจน กรอบหน้าต่างตกแต่งด้วยลวดลายดอกไม้ตลอดจนใบมีดนูนและบัวด้วยกระเบื้องทำให้พวกเขาสง่างามและสง่างาม สถาปัตยกรรมของพระราชวังเทเรมมีความล้ำหน้าไปหลายทศวรรษ และมีอิทธิพลต่อการก่อสร้างอาคารอื่นๆ ในเครมลิน

การสร้างสถาปัตยกรรมรัสเซียอันเป็นเอกลักษณ์ของศตวรรษที่ 17 เคยเป็น วังไม้ในหมู่บ้าน Kolomenskoye ใกล้กรุงมอสโก สร้างขึ้นเมื่อ พ.ศ. 1667 - 1669 ประกอบด้วยคฤหาสน์หลายหลังที่วางอยู่บนชั้นใต้ดิน (ชั้นล่างที่มีความสำคัญทางเศรษฐกิจ) ด้านหน้าของห้องด้านหน้าที่อยู่อาศัยได้รับการตกแต่งอย่างหรูหราด้วยแผ่นไม้แกะสลักและการตกแต่งต่างๆ ในรูปแบบของเต็นท์ ถัง หลังคาแบบกล่องและแบบขั้นบันได องค์ประกอบที่งดงามของบ้านไม้ซุงพร้อมเฉลียงและรายละเอียดสีสันสดใสสร้างความประทับใจในเทศกาล ตามคำบอกเล่าของชาวต่างชาติ เจ. ไรเทนเฟลส์ พระราชวังนี้มีลักษณะคล้ายกับ “อัญมณีที่เพิ่งแกะออกจากกล่อง” พระราชวังที่แท้จริงใน Kolomenskoye ไม่รอด (ถูกรื้อถอนเนื่องจากสภาพทรุดโทรมในศตวรรษที่ 18) แต่ใคร ๆ ก็สามารถเข้าใจรูปลักษณ์ของมันได้ด้วยภาพวาดและแบบจำลอง ในตอนต้นของศตวรรษที่ 21 มีการสร้างพระราชวังที่มีชื่อเสียงขึ้นมาใหม่ในเมือง Kolomenskoye

อาคารพลเรือนประเภทต่างๆ ยังรวมถึงอาคารที่อยู่อาศัย สนามหญ้า ห้องขังและห้องเก็บของของอาราม ห้องโกดัง หอคอย และประตูพิธีการ อาคารบริหารต่างๆ ตั้งแต่ห้องโค้งเล็กๆ ไปจนถึงหอคอย Sukharev อันสง่างาม (ปลายศตวรรษที่ 17) ไม่เพียงแต่ในเมืองใหญ่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงในเขตชานเมืองด้วย สถาปนิกชาวรัสเซียได้สร้างผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงของสถาปัตยกรรมโยธา

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 ศตวรรษที่ชานเมืองมอสโกในหมู่บ้าน Fili ญาติของซาร์ปีเตอร์เลฟคิริลโลวิชนาริชคินผู้เยาว์สั่งให้สร้างโบสถ์ Naryshkin ไม่ต้องการห้องขนาดใหญ่ เพราะคริสตจักรมีไว้สำหรับครอบครัวของเขา แต่เขาต้องการให้อาคารสูงและเป็นตัวแทน โบสถ์แห่งการขอร้องในหมู่บ้าน Fili - รูปแบบใหม่สำหรับรัสเซียที่มาจากยูเครน ฐานของมันคือลูกบาศก์ (สี่เหลี่ยม) โครงครึ่งวงกลมติดกับลูกบาศก์ทุกด้านเพื่อให้แผนผังของโบสถ์ดูเหมือนดอกไม้ที่มีสี่กลีบ ทรงแปดหน้ากว้าง (แปดเหลี่ยม) วางอยู่ด้านบนของลูกบาศก์ และอีกอันที่แคบกว่าวางอยู่ด้านบน มีช่องสำหรับระฆังและด้านบนของส่วนที่สาม - ฐานแปดเหลี่ยมของบทนั้นสูงมั่นคง แต่มันไม่ได้พุ่งขึ้นไปเหมือนหอกเล็งไปที่ท้องฟ้า แต่ลุกขึ้นอย่างเคร่งขรึมและราบรื่น ช่างฝีมือไม่ได้สำรองหินสีขาวไว้สำหรับการตกแต่ง: แผ่นจานที่สลับซับซ้อนวางกรอบหน้าต่าง, เสายืดออกตรงมุม, และแต่ละชั้นของอาคารจบลงด้วยสันเขาที่ชวนให้นึกถึงโฟมหินสีขาว - "หงอนไก่" การตกแต่งทางสถาปัตยกรรมใหม่มีความคล้ายคลึงกับการตกแต่งที่ทันสมัยในยุโรปตะวันตก นี่ไม่ใช่รูปแบบเดิมอีกต่อไป แต่เป็นลางสังหรณ์ของการเปลี่ยนแปลงในอนาคต หินสีขาวและอิฐสีแดงดูสง่างามเมื่อเทียบกับท้องฟ้า ล้อมรอบด้วยใบไม้สีเขียวในฤดูร้อนหรือหิมะสีขาวในฤดูหนาว นักวิจัยเรียกสถาปัตยกรรมนี้ว่า มอสโกหรือ Naryshkin, Baroque.

อาคารของ Naryshkin มีความเป็นธรรมชาติ ความสมบูรณ์ และความสมบูรณ์แบบทางศิลปะที่น่าทึ่ง พวกเขากลายเป็นสะพานเชื่อมระหว่างเก่าและใหม่ ระหว่างไบแซนไทน์และยุโรป ระหว่างมอสโกของซาร์อเล็กเซ มิคาอิโลวิชและพัลไมราตอนเหนือของจักรพรรดิปีเตอร์มหาราช พระราชโอรสของเขา

สถาปัตยกรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 17

สถาปัตยกรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 17

ครั้งที่สอง ศิลปะรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18

การปฏิรูปดำเนินการโดยปีเตอร์ฉัน ไม่เพียงส่งผลกระทบต่อฝ่ายบริหาร กองทัพ และเศรษฐกิจในรัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานศิลปะด้วย เป้าหมายของจักรพรรดิรัสเซียองค์แรกคือการทำให้ศิลปะรัสเซียทัดเทียมกับศิลปะยุโรป เพื่อล้อมรอบราชสำนักด้วยสถาปนิก ศิลปิน ประติมากร และเพื่อส่งเสริมการแพร่กระจายความสนใจใน "ศิลปะ" ในหมู่ประชาชนผู้รู้แจ้ง ทั้งเปโตรและรัชทายาทของเขาในศตวรรษที่ 18 เชื่อว่าสถาปัตยกรรม ประติมากรรม และภาพวาดควรเชิดชูอำนาจของรัฐรัสเซีย ชัยชนะและความสำเร็จอื่นๆ ของรัสเซีย และเผยแพร่การตรัสรู้และความศรัทธา

ในศตวรรษที่ 17 รัสเซียในยุคกลางค่อยๆ ทีละน้อย เริ่มพัฒนาไปสู่รัฐสมัยใหม่ ในศตวรรษที่ 18 ในเวลาเพียงสองทศวรรษศิลปะรัสเซียเปลี่ยนจากศาสนาไปสู่ฆราวาสโดยเชี่ยวชาญรูปแบบใหม่ (บาโรกในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ - ลัทธิคลาสสิก) ประเภทต่างๆ (เช่นภาพบุคคลทิวทัศน์และภาพหุ่นนิ่งในการวาดภาพ) และ ธีมส์ (ตำนาน ประวัติศาสตร์) ในตอนต้นของศตวรรษ คนหนุ่มสาวที่มีความสามารถหลายสิบคนศึกษาศิลปะในต่างประเทศ และปรมาจารย์จากต่างประเทศก็กลายเป็นครูในรัสเซีย ในช่วงกลาง - ครึ่งหลังของศตวรรษ Academy of Arts เริ่มเปิดดำเนินการซึ่งเป็นไปได้ที่จะเรียนรู้จากเพื่อนร่วมชาติและทำงานร่วมกับชาวต่างชาติอย่างเท่าเทียมกัน ในตอนท้ายของศตวรรษ ศิลปะรัสเซียปรากฏขึ้นในรูปแบบใหม่ โดยมีคอลเลกชันงานศิลปะมากมายที่ไม่ด้อยกว่าคอลเลกชันที่เก่าแก่ที่สุดของยุโรปในด้านขนาดและคุณภาพ

1. สถาปัตยกรรมยุคบาโรกของพระเจ้าปีเตอร์มหาราช (ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 18)

ด้วยอาศัยมรดกทางสถาปัตยกรรมอันยาวนานของรัสเซียและทฤษฎีสถาปัตยกรรมโลก สถาปนิกในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 18 สามารถสร้างอาคารอันงดงามมากมายและที่สำคัญที่สุดคือวางรากฐานของโรงเรียนสถาปัตยกรรมรัสเซียแห่งใหม่

อาคารหลังแรกที่ผสมผสานประเพณีรัสเซียและตะวันตกเข้าด้วยกันอย่างชัดเจนปรากฏในมอสโกเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 หนึ่งในนั้นคือผู้มีชื่อเสียง หอคอยซูคาเรฟสกายา (ซูคาเรฟ) สร้างโดยสถาปนิก มิคาอิล โชโกลคอฟ หอคอยแห่งนี้ได้รับการตั้งชื่อเพื่อเป็นเกียรติแก่ Lavrenty Sukharev ซึ่งกองทหารปืนไรเฟิลเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 ได้เข้ามาปกป้อง Peter ในช่วงขัดแย้งกับเจ้าหญิงโซเฟีย ด้วยความสำนึกคุณ กษัตริย์จึงทรงโปรดให้สร้างประตูหินใหม่พร้อมนาฬิกาแทนประตูเก่า ต่อมาโรงเรียนการเดินเรือที่มีชื่อเสียงและหอดูดาวแห่งแรกในรัสเซียได้ตั้งอยู่ในอาคารประตูแห่งนี้ น่าเสียดายที่ในปี 1934 หอคอยถูกรื้อออกเนื่องจาก... "รบกวนการเคลื่อนไหว" ยังไม่ได้ดำเนินโครงการฟื้นฟู แต่มันก็รอดมาได้ หอคอยเมนชิคอฟ – โบสถ์อัครเทวดากาเบรียล วัดแห่งนี้สร้างขึ้นในปี 1707 ตามคำสั่งของ Alexander Menshikov ผู้เขียนถือเป็น Ivan Zarudny พื้นฐานขององค์ประกอบคือหอระฆังขนาดใหญ่และสูงในสไตล์บาโรก

ในทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 18 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กกลายเป็นศูนย์กลางของการพัฒนาสถาปัตยกรรมรัสเซีย ปีเตอร์ก่อตั้งขึ้นในช่วงสงครามเหนือเพื่อเป็นป้อมปราการเพื่อปกป้องดินแดนที่ถูกยึดครอง ปีเตอร์ชอบปีเตอร์สเบิร์กทันทีฉัน ที่ไม่ชอบมอสโกเก่าและใฝ่ฝันที่จะสร้าง "สวรรค์" ที่นี่ - เมืองในอุดมคติและสมบูรณ์แบบ หลังจากชัยชนะที่ Poltava ซาร์ก็ตัดสินใจย้ายเมืองหลวงของรัสเซียมาที่นี่ เชิญสถาปนิกชาวต่างชาติที่เก่งที่สุดมาที่นี่ ซึ่งเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของรัสเซียที่จัดทำแผนการก่อสร้าง (แผนของ Leblon, แผนของ Trezzini) ทางหลวงสายหลักกลายเป็นเนวาซึ่งมีกิ่งก้าน ช่องทาง และแม่น้ำสาขามากมาย รวมถึงคลองขุด เช่นเดียวกับในอัมสเตอร์ดัม สะพานไม่ได้ถูกสร้างขึ้นโดยเจตนาเพื่อให้ชาวเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กคุ้นเคยกับธาตุน้ำ มีการให้ความสนใจอย่างมากกับรูปลักษณ์และการปรับปรุงของเมือง: บ้านเรือนถูกสร้างขึ้น "ในเส้นสีแดง" ถนนเป็นเส้นตรงและกว้างซึ่งส่วนใหญ่เป็นปูลาดก่อนที่โคมไฟถนนจะปรากฏในเมืองหลวงของยุโรปหลายแห่ง การออกแบบบ้านมาตรฐานได้รับการพัฒนาสำหรับพลเมืองประเภทต่างๆ เจ้าของมีหน้าที่รักษาความสะอาดในพื้นที่ การก่อสร้างด้วยหินถูกห้ามทั่วรัสเซียเพื่อให้เมืองหลวงใหม่สามารถฟื้นคืนความงดงามได้อย่างรวดเร็ว คุณสามารถจินตนาการถึงการปรากฏตัวของปีเตอร์สเบิร์กของพระเจ้าปีเตอร์มหาราชได้จากภาพแกะสลักโบราณ จากอนุสาวรีย์ที่ยังหลงเหลืออยู่ จากผังถนนบนแอดมิรัลเตสกี หมู่เกาะวาซิลีฟสกี และฝั่งเปโตรกราดสกายา ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ลักษณะพิเศษของศูนย์กลางก็ยังคงอยู่ โดยที่แม่น้ำกว้างล้อมรอบด้วยเขื่อนที่ได้รับการดูแลเป็นอย่างดีพร้อมบ้านแถวที่เป็นระเบียบเรียบร้อย และอาคารสูงที่โดดเด่นทำให้ภูมิทัศน์ที่ราบเรียบงดงาม

อาคารสิบสองวิทยาลัย บนเกาะ Vasilievsky มีวัตถุประสงค์เพื่อใช้เป็นที่ตั้งของวุฒิสภา Synod และเพื่อนร่วมงานซึ่งเป็นหน่วยงานสูงสุดของรัฐบาลรัสเซียซึ่งก่อตั้งโดย Peter I ตามแผนของซาร์ Spit of Vasilievsky Island จะกลายเป็นศูนย์กลางพิธีการของเมืองซึ่ง ที่ถูกปิดจากทิศตะวันตกด้วยการก่อสร้างอันโอ่อ่า ดังนั้นอาคารที่ยาวของ Twelve Colleges จึงหันหน้าไปทาง Neva โดยมีส่วนหน้าอาคารสิ้นสุดและแบ่งออกเป็นอาคารสามชั้นที่เป็นอิสระ แต่มีขนาดเท่ากัน ในศตวรรษที่ 18 อาคารแต่ละหลังมีหลังคาแยกกันและมีทางเข้าเป็นของตัวเอง ทั้งหมดถูกรวมเข้าด้วยกันเป็นองค์ประกอบเส้นตรงเดียว (ความยาวรวม - ประมาณ 400 เมตร) ด้านหน้าได้รับการประมวลผลเหมือนกันในจิตวิญญาณของยุคบาโรกของปีเตอร์มหาราช พวกเขาทาสีส้มแดงซึ่งมีเสาสีขาว ใบมีด และกรอบหน้าต่างโดดเด่นด้วยความโล่งใจ แผนของอาคารเป็นสัญลักษณ์: สะท้อนให้เห็นถึงความเป็นอิสระของแต่ละกระดานและในขณะเดียวกันก็เน้นย้ำถึงความเหมือนกันในการแก้ปัญหาของรัฐ หลังจากการตายของปีเตอร์ฉัน วัตถุประสงค์ของการสร้างและบทบาทของเกาะ Vasilievsky โดยรวมเปลี่ยนไป เนื่องจากสภาพอากาศทางตอนเหนือและน้ำท่วมที่ไม่แน่นอน เกาะแห่งนี้จึงมักถูกตัดขาดจากพื้นที่หลักของเมือง ด้วยเหตุนี้ตามแผนใหม่ที่ได้รับการอนุมัติในปี 1737 ภายใต้ Anna Ioannovna ฝ่ายทหารเรือจึงกลายเป็นศูนย์กลางของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งหน่วยงานรัฐบาลที่สูงที่สุดเริ่มตั้งอยู่ อาคารของวิทยาลัยทั้งสิบสองว่างเปล่าบางส่วน ในศตวรรษที่ 19 สถานที่ส่วนหนึ่งของอาคาร Twelve Collegium ถูกย้ายไปที่ Main Pedagogical Institute จากนั้นไปที่มหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ดังนั้นจึงได้รับการสร้างขึ้นใหม่บางส่วน

โดเมนิโก เทรซซินี (ประมาณปี 1670 - 1734) สถาปนิกผู้ออกแบบอาคารของวิทยาลัยทั้ง 12 เป็นหนึ่งในช่างฝีมือที่ประสบความสำเร็จและอุดมสมบูรณ์ที่สุดที่ทำงานในปีเตอร์สเบิร์กของปีเตอร์ เรารู้น้อยมากเกี่ยวกับ Trezzini เขาเป็นชาวอิตาลีโดยกำเนิด ได้รับการศึกษาที่ดี และเดินทางมายังรัสเซียจากโคเปนเฮเกน เมืองหลวงของเดนมาร์ก พันธมิตรของรัสเซีย ซึ่งหมายความว่าเขารู้จักสไตล์ของบาโรกตอนเหนือแล้ว ซึ่งเป็นเวอร์ชันบาโรกคาทอลิกที่มีการควบคุมมากกว่า ปีเตอร์ชอบสไตล์นี้หลังจากเดินทางไปฮอลแลนด์ Domenico Trezzini กลายเป็นหัวหน้าสถาปนิกของ Peter's Petersburg ตามการออกแบบของเขา Kronstadt และ Alexander Nevsky Lavra ก่อตั้งขึ้นในปี 1706 การบูรณะป้อม Peter และ Paul ขึ้นใหม่ด้วยหินเริ่มขึ้น ส่วนหนึ่งของรูปแบบปกติของเกาะ Vasilievsky นั้นเสร็จสมบูรณ์ พระราชวังฤดูร้อน Peter I ในสวนฤดูร้อน ประตูเปตรอฟสกี้ และ มหาวิหารปีเตอร์และพอล ป้อม Peter และ Paul, ท่าเรือ Galernaya และอาคารอื่นๆ จำนวนมากที่ไม่ได้รับการอนุรักษ์อีกต่อไป (เช่น Gostiny Dvor, พระราชวังฤดูหนาวที่ 2) เขาเป็นผู้พัฒนาการออกแบบมาตรฐานสำหรับอาคารพักอาศัยส่วนตัว อาคารของ Trezzini โดดเด่นด้วยรูปทรงเรขาคณิตที่เข้มงวดและ "ความสม่ำเสมอ" ของแผน การตกแต่งที่เรียบง่าย และการผสมผสานระหว่างองค์ประกอบแต่ละอย่างเข้ากับรายละเอียดสไตล์บาโรก อาคารทั้งหมดได้รับการตกแต่งด้วยเสาแบนที่มีหัวเสาที่สง่างาม บัวที่ยืดออก การตกแต่งแบบชนบท กรอบแผ่นที่มี "หู" มีหลังคาทรงสูงแบบดัตช์ "ที่มีการแตกหัก" และภาพวาดทูโทนที่หรูหรา

มหาวิหารปีเตอร์และพอล และตอนนี้มันดูไม่ปกติสำหรับคริสตจักรออร์โธดอกซ์ ตัวอาคารไม่ได้ถูกครอบงำด้วยโดม แต่มียอดแหลมแหลมของหอระฆังหลายชั้น ไม่มีแท่นบูชาตามปกติ ผนังมีหน้าต่างบานใหญ่ซึ่งเมื่อรวมกับภาพวาดฝาผนังหินอ่อนเทียม โคมไฟระย้าที่หรูหรา และสัญลักษณ์แกะสลักสีทองแวววาวในรูปทรงของประตูชัย (ปรมาจารย์ Ivan Zarudny) มีลักษณะคล้ายกับการตกแต่งภายในของพระราชวัง อาสนวิหารปีเตอร์และพอลเป็นตัวอย่างหนึ่งของวิหารที่สร้างขึ้นในสไตล์ปีเตอร์มหาราชบาโรก

อาคารสำคัญอื่นๆ ของปีเตอร์สเบิร์กของปีเตอร์ที่รอดมาจนถึงทุกวันนี้ ได้แก่ พระราชวังเมนชิคอฟ (D. Fontana, I. Schedel) อาคาร Kunstkamera (G. Mattarnovi, N. Gerbel, G. Chiaveri และ M. Zemtsov) มหาวิหารแซมป์สัน , พระราชวังปีเตอร์ ครั้งที่สอง และคนอื่นๆ บ้าง

สถาปัตยกรรมยุคบาโรกของพระเจ้าปีเตอร์มหาราช

2. สถาปัตยกรรมแห่งยุคบาโรกอันงดงามของรัสเซีย (เอลิซาเบธ) (กลางศตวรรษที่ 18)

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ศิลปะบาโรกในรัสเซียถึงจุดสูงสุด การสร้างสรรค์สถาปัตยกรรมที่โดดเด่นที่สุดนั้นกระจุกตัวอยู่ในเมืองหลวงใหม่ของรัฐ - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในบรรดาปรมาจารย์ที่ทำงานในเมือง Bartolomeo Francesco (Bartholomew Varfolomeevich) Rastrelli โดดเด่นด้วยความสามารถและประสิทธิภาพของเขา

Francesco Bartolomeo Rastrelli เกิดเมื่อปี 1700 ที่ปารีส ในปี 1716 เขามาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กพร้อมกับพ่อของเขาซึ่งเป็นประติมากร Bartolomeo Carlo Rastrelli ซึ่งเขาเริ่มทำงานอย่างแท้จริงในวันรุ่งขึ้น ในตอนแรกเขาช่วยพ่อของเขา จากนั้นเขาก็ไปฝรั่งเศสซึ่งเขาสำเร็จการศึกษา เขากลับไปรัสเซียกลายเป็นปรมาจารย์อิสระและทำงานเฉพาะในประเทศของเราเท่านั้น

Rastrelli ดำรงตำแหน่งในราชสำนักรัสเซียเป็นเวลา 48 ปี และสร้างพระราชวัง คฤหาสน์ และอาคารทางศาสนาอันงดงาม ซึ่งบางแห่งโดดเด่นด้วยความกล้าหาญในการแก้ปัญหาทางสถาปัตยกรรมและขนาด พระราชวังของเคานต์โวรอนต์ซอฟบนถนน Sadovaya (1749), พระราชวังหลวงใน Peterhof (1747 - 1752), พระราชวังของเคานต์สโตรกานอฟบน Nevsky (1753), อาราม Smolny (1748 - 1754), พระราชวังแคทเธอรีนใน Tsarskoe Selo (1752 - 1757) และการสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด พระราชวังฤดูหนาว (ค.ศ. 1754 - 1762) - Rastrelli ดำรงตำแหน่ง "หัวหน้าสถาปนิก" ของศาลมานานกว่า 20 ปีและเป็นผู้นำอย่างเป็นทางการของกิจกรรมทางสถาปัตยกรรมทั้งหมดของรัฐบาลและกำหนดรูปลักษณ์ของเมืองหลวงใหม่ของรัสเซีย - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเป็นส่วนใหญ่

หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของ Francesco Bartolomeo Rastrelli - อาราม Smolny (การฟื้นคืนชีพ Novodevichy) ได้รับมอบหมายให้เป็นสถาปนิกโดยจักรพรรดินี Elizaveta Petrovna โครงสร้างโดมห้าโดมแบบดั้งเดิมของรัสเซีย ซึ่งมีรูปร่างในรูปแบบบาโรกอันวิจิตรบรรจง ที่นี่ผสานเข้ากับส่วนหลักของอาคารอาสนวิหารอย่างเป็นธรรมชาติ โดมหลักสูงสองชั้นที่มีโดมกระเปาะอยู่ด้านบน ล้อมรอบด้วยหอคอยสูงด้านข้างทั้งสี่ด้าน การฉายภาพผนังที่ชัดเจนตกแต่งด้วยเสาจำนวนมาก หน้าจั่วรูปทรงต่าง ๆ ลอนก้นหอย บัวที่ยื่นออกมาสร้างแสงและเงาที่น่าทึ่ง รายละเอียดสีขาวบนพื้นหลังสีฟ้าของผนังและการปิดทองจำนวนมากเน้นย้ำถึงความสัมพันธ์ที่ยอดเยี่ยมระหว่างรูปแบบและสัดส่วนของอาคาร อาสนวิหารซึ่งมีรูปทรงไม้กางเขนปลายเท่ากันก็ดูดีไม่แพ้กันจากทุกด้าน การก่อสร้างอาสนวิหารล่าช้าและไม่เคยแล้วเสร็จเมื่อจักรพรรดินีเอลิซาเบธสิ้นพระชนม์ สถาปนิก วี.พี. Stasov ซึ่งก่อสร้างอารามเสร็จในปี พ.ศ. 2375-2378 ได้ละทิ้งการตกแต่งสไตล์บาโรกอันหรูหราและให้การตกแต่งภายในมีลักษณะที่เข้มงวดมากขึ้นซึ่งตรงกันข้ามกับแผนของ F.B. ราสเทรลลี่.

ในปี ค.ศ. 1746 - 1755 สถาปนิกได้ทำงานเกี่ยวกับการสร้างชุด Peterhof พระราชวังปีเตอร์ฮอฟอันยิ่งใหญ่ ห้องโถงเปิดโล่งกว้างขวางมองออกไปเห็น Upper Garden และถนนที่ทอดยาวไปตามที่ดิน ด้านหน้าอาคารหลักของพระราชวังหันหน้าไปทางทะเล จากชั้นล่างของสวนสาธารณะที่มีน้ำพุ ระเบียงกว้างนำไปสู่ยอดสันเขาซึ่งเป็นที่ก่อสร้างพระราชวัง พระราชวังตั้งตระหง่านเหนือระเบียง พยายามจะแยกตัวออกจากพื้นดิน อาคารใหม่นี้มีความยาวเกือบ 300 เมตร สีฟ้าของท้องทะเล, เสียงไอพ่นน้ำพุที่ส่งเสียงกรอบแกรบ, ผนังสีฟ้าครามของพระราชวังกับท้องฟ้า, แสงสีขาวของหลังคา, การปิดทองของเครื่องประดับแกะสลักที่ส่องประกายระยิบระยับท่ามกลางแสงแดด - ทุกสิ่งผสานเข้าด้วยกันเป็นชุดเดียว และในทุกกรณี ความหรูหราที่น่าทึ่งของการออกแบบตกแต่งภายในด้วยกระจกมากมาย งานแกะสลักปิดทอง และภาพวาดตกแต่ง Alexander Benois นักประวัติศาสตร์ศิลป์และศิลปินชื่อดังแห่งศตวรรษที่ 20 เขียนชื่นชมผลงานสร้างสรรค์ของ Rastrelli ว่า “ดูเหมือนว่า Peterhof จะกำเนิดมาจากฟองคลื่นแห่งท้องทะเล Peterhof เป็นที่ประทับของราชาแห่งท้องทะเล”

พระราชวังฤดูหนาว - ผลงานการสร้างสรรค์ที่ยอดเยี่ยมที่สุดของ Rastrelli สถาปัตยกรรมของที่นี่เป็นเพลงสรรเสริญที่แท้จริงเพื่อเป็นเกียรติแก่ยุคบาโรกของรัสเซีย โครงสร้างที่ซับซ้อนตามโครงร่าง เข้าใกล้รูปทรงสี่เหลี่ยมจัตุรัสและมีลานปิด ด้านหน้าหันหน้าไปทางเขื่อนเนวาได้รับการออกแบบให้มองจากระยะไกล ส่วนด้านหน้าด้านตรงข้ามหันหน้าไปทางจัตุรัสพระราชวังด้านหน้า ซึ่งหันหน้าไปทางเมือง

พระราชวังมีขนาดที่น่าทึ่งมาก มีห้องและห้องแยกกันมากกว่า 1,050 ห้อง ประตู 1,886 ประตู หน้าต่าง 1,945 บาน และบันได 177 ขั้น ไม่มีส่วนหน้าใดซ้ำกันในการออกแบบ จินตนาการของผู้เขียนดูเหมือนจะไม่มีขอบเขต จังหวะที่ซับซ้อนของเสา ความสมบูรณ์และความหลากหลายของรูปแบบแผ่น รายละเอียดของปูนปั้นมากมาย แจกันและรูปปั้นตกแต่งมากมายที่อยู่เหนือเชิงเทินและเหนือหน้าจั่วจำนวนมากทำให้เกิดการตกแต่งอาคารซึ่งมีความโดดเด่นในด้าน เอิกเกริกและสง่างามของมัน ด้านหน้าอาคารด้านทิศใต้ถูกตัดผ่านด้วยซุ้มประตูทางเข้า 3 ซุ้มซึ่งนำไปสู่ลานด้านหน้า ซึ่งทางเข้ากลางของพระราชวังตั้งอยู่ตรงกลางอาคารด้านเหนือ

Rastrelli อาศัยอยู่เป็นเวลาเจ็ดสิบเอ็ดปี ส่วนใหญ่อยู่ในรัสเซีย เมื่อมาถึงเมืองหลวงทางตอนเหนือเมื่อยังเป็นชายหนุ่มซึ่งเป็นลูกศิษย์ของพ่อเขาจึงได้รับเกียรติสูงสุดสำหรับสถาปนิก แต่เนื่องจากรสนิยมของลูกค้าที่เปลี่ยนไป (จักรพรรดินีแคทเธอรีนคนใหม่ครั้งที่สอง ชอบสไตล์คลาสสิก) เสียชีวิตอย่างเกียจคร้านในความเจริญรุ่งเรืองเล็กน้อย (พ.ศ. 2314) ไม่ทราบสถานที่ฝังศพของสถาปนิกผู้ยิ่งใหญ่ แต่พระราชวังและวัดที่เขาสร้างขึ้น - ทั้งที่รอดชีวิตและที่ได้รับการฟื้นคืนชีพจากซากปรักหักพังหลังสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่สอง - ในปัจจุบันทำให้เรารู้สึกชื่นชมอย่างแท้จริง เพราะพวกเขาเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณและศิลปะที่เราสืบทอดมา

นอกจาก Rastrelli แล้ว ปรมาจารย์ผู้มีความสามารถคนอื่นๆ ยังสร้างอาคารของพวกเขาในยุคบาโรกรัสเซียอันงดงาม: ตามการออกแบบของ S.I. Chevakinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, มหาวิหารกองทัพเรือเซนต์นิโคลัสและ "บ้านน้ำพุ" ที่มีชื่อเสียงถูกสร้างขึ้น - พระราชวัง Sheremetev บน Fontanka (ร่วมกับ F.S. Argunov), D.V. Ukhtomsky ออกแบบหอระฆังของอาราม Trinity-Sergius ใน Sergiev Posad เป็นต้น

สถาปัตยกรรมบาโรกของเอลิซาเบธ

3. สถาปัตยกรรมรัสเซียในยุคคลาสสิก (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18)

ลัทธิคลาสสิก (จากภาษาละติน classicus - เป็นแบบอย่าง) การเคลื่อนไหวสไตล์ในศิลปะและสถาปัตยกรรมซึ่งมีพื้นฐานอยู่บนลัทธิแห่งเหตุผลและระเบียบในอุดมคติและใช้มรดกโบราณเป็นแหล่งที่มา สถาปัตยกรรมของลัทธิคลาสสิกนั้นโดดเด่นด้วยรูปทรงเรขาคณิตที่เข้มงวดของปริมาตร, สมมาตร, ลำดับทางสถาปัตยกรรมเป็นแรงจูงใจหลักของการตกแต่ง, โครงสร้างขนาดใหญ่, การเรียงลำดับชั้นของรูปแบบ, การสังเคราะห์ด้วยภาพวาดและประติมากรรม

ลัทธิคลาสสิกของรัสเซียเป็นหนึ่งในหน้าที่สว่างที่สุดในประวัติศาสตร์สถาปัตยกรรมโลก สไตล์คลาสสิกมีต้นกำเนิดในยุโรปในศตวรรษที่ 17 และแทรกซึมเข้าสู่รัสเซียในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ผ่านการพัฒนาหลายขั้นตอนและถึงจุดสูงสุดในปลายศตวรรษที่ 18 ในรัชสมัยของแคทเธอรีนครั้งที่สอง

ช่วงแรกของการพัฒนาสถาปัตยกรรมคลาสสิก (60-70 ของศตวรรษที่ 18) สามารถมีลักษณะเป็นการนำส่ง: ในอาคารในขณะที่ลักษณะของคลาสสิกมีความโดดเด่น แต่องค์ประกอบบาโรกยังคงอยู่ ตัวอย่างคือเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก อาคารสถาบันศิลปะ ,สร้างตามโครงการ อเล็กซานเดอร์ เฟโดโรวิช โคโครินอฟในความร่วมมือกับ ฌ็อง-บัปติสต์ วัลแลง-เดลาโมเต- ศูนย์กลางของส่วนหน้าอาคารหลักเป็นระเบียงสี่เสาอันตระการตา ซึ่งค่อยๆ ไหลเข้าสู่ปีกอาคารที่ขยายออกไป ในเทคนิคนี้เราจะเห็นเสียงสะท้อนของบาโรกที่ส่งออกไป อีกตัวอย่างหนึ่ง - พระราชวังหินอ่อน ที่สร้างโดยโครงการ อันโตนิโอ รินัลดี- ด้านหน้าของอาคารหันหน้าไปทาง Neva ได้รับการออกแบบอย่างเรียบง่ายและเคร่งครัด ส่วนอาคารกลางที่หันหน้าไปทางลานภายในนั้นเน้นด้วย risalit ขนาดเล็ก ปิดท้ายด้วยห้องใต้หลังคาที่มีป้อมปืนสไตล์บาโรกอันสง่างาม

ลัทธิคลาสสิกที่เข้มงวด (ยุค 80-90 ของศตวรรษที่ 18) เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับสไตล์บาร็อคโดยสิ้นเชิงซึ่งเป็นสิ่งที่ตรงกันข้าม เขาโดดเด่นด้วยการใช้รูปแบบและเทคนิคของสถาปัตยกรรมคลาสสิกในสมัยโบราณที่เข้มงวดและสม่ำเสมอ ไม่อนุญาตให้ใช้ลวดลายตกแต่งใด ๆ ในรูปลักษณ์ภายนอกและไม่รวมการใช้ประติมากรรม ในมอสโกปรมาจารย์ลัทธิคลาสสิกที่เข้มงวดที่สุดคือ มัตวีย์ เฟโดโรวิช คาซาคอฟ- อาคารของพระองค์ซึ่งโดดเด่นที่สุดคือ อาคารวุฒิสภาในมอสโกเครมลิน และ โรงพยาบาลโกลิทซินสกายา โดดเด่นด้วยความเรียบง่าย จังหวะที่สดใส ความชัดเจนของภาพเงา อาคารถูกยกขึ้นสู่ชั้นล่างที่มีพื้นเรียบสูง โดยมีมุขวางไว้ตรงกลางขององค์ประกอบ

ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตัวอย่างที่ดีที่สุดของลัทธิคลาสสิกที่เข้มงวดคือ อาคารสถาบันวิทยาศาสตร์ บนเขื่อน Universitetskaya ของเกาะ Vasilievsky (สถาปนิก จาโคโม กวาเรงกี) และ พระราชวังทอไรด์ (สถาปนิก เช่น. สตารอฟ).

Ivan Egorovich Starov (1745-1808) เป็นปรมาจารย์ด้านศิลปะคลาสสิกของรัสเซียที่โดดเด่น เขาศึกษาที่โรงยิมที่มหาวิทยาลัยมอสโกจากนั้นไปที่ Academy of Arts ที่เพิ่งก่อตั้งซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาในปี พ.ศ. 2305 ไม่นานหลังจากกลับจากการเกษียณอายุและได้รับตำแหน่งนักวิชาการ งานภาคปฏิบัติที่กว้างขวางของ Starov ก็เริ่มขึ้นรวมถึงการวางผังเมืองการก่อสร้าง ของอาคารสาธารณะ พระราชวังในเมือง ที่ดิน วัด ตามการออกแบบของเขา มหาวิหารทรินิตี้ของอเล็กซานเดอร์ เนฟสกี้ ลาฟรา บ้านที่ดินของเดมิดอฟในเทตซี และพระราชวังของแคทเธอรีนได้ถูกสร้างขึ้นครั้งที่สอง ใน Pele รูปแบบของ Ekaterinoslav (ปัจจุบันคือ Dnepropetrovsk ในยูเครน) โครงการจำนวนหนึ่งสำหรับ Nikolaev และอาคารจำนวนมากในมอสโกและภูมิภาคมอสโกได้รับการพัฒนา แต่ในประวัติศาสตร์สถาปัตยกรรมรัสเซีย ชื่อของ Starov มีความเกี่ยวข้องกับการก่อสร้างเป็นหลัก พระราชวังทอไรด์ – ที่ดินในเมืองใหญ่ของ G.A. โพเทมคิน

ในส่วนลึกของลานด้านหน้าซึ่งแยกออกจากถนนด้วยรั้วเตี้ย มีอาคาร 2 ชั้นตรงกลางพร้อมระเบียง 6 เสา ประดับด้วยโดมแบนบนกลองเตี้ย ระนาบเรียบของผนังถูกตัดผ่านด้วยหน้าต่างสูง และปิดท้ายด้วยการออกแบบที่เข้มงวดพร้อมผ้าสักหลาดไตรกลิฟ รูปลักษณ์เรียบง่ายมาก ผนังเรียบเสมอกัน คำสั่ง Doric ที่พูดน้อยจะกำหนดขนาดหลักของโครงสร้างทั้งหมด อาคารหลักรวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยแกลเลอรีชั้นเดียวโดยมีอาคารสองชั้นด้านข้างล้อมรอบลานด้านหน้ากว้าง

ในขั้นต้น พระราชวัง Tauride เปิดให้ Neva ซึ่งมีคลองสิ้นสุดที่ท่าเรือถัง มุมมองทางสถาปัตยกรรมนี้ ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของทัศนียภาพอันงดงามของริมฝั่งแม่น้ำเนวา มีอยู่ก่อนการก่อสร้างในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ตรงข้ามหอเก็บน้ำวังและโครงสร้างอื่นๆ ของการประปาเซ็นทรัลซิตี้ ความสุภาพเรียบร้อยและความเรียบง่ายอันงดงามของด้านหน้าของพระราชวัง Tauride ตรงกันข้ามกับความหรูหราและความงดงามของการตกแต่งภายใน แต่การตกแต่งภายในได้รับการเก็บรักษาไว้เพียงไม่กี่ห้องโถงเท่านั้นและเพียงบางส่วนเท่านั้น สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกจากการปรับปรุงพระราชวังหลายครั้งที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงในชะตากรรม

ในตอนท้ายของวันที่ 18 - สามแรกของศตวรรษที่ 19 สไตล์คลาสสิกในรัสเซียถึงจุดสูงสุด ยุคนี้จะกล่าวถึงในบทเรียนหน้า

ความคลาสสิกในสถาปัตยกรรมรัสเซียของศตวรรษที่ 18

4. ภาพวาดรัสเซียในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 18

จนถึงต้นศตวรรษที่ 18 ประเพณีการวาดภาพไอคอนส่วนใหญ่ได้รับการพัฒนาในวิจิตรศิลป์รัสเซีย อย่างไรก็ตาม ในศตวรรษที่ 18 การวาดภาพเริ่มมีลักษณะแบบยุโรปทีละน้อย กล่าวคือ ศิลปินเชี่ยวชาญเปอร์สเปคทีฟเชิงเส้น พยายามถ่ายทอดปริมาตรของวัตถุอย่างถูกต้องโดยใช้ไคอาโรสคูโร และศึกษากายวิภาคศาสตร์เพื่อพรรณนาถึงร่างกายมนุษย์ได้อย่างแม่นยำ เทคนิคการวาดภาพสีน้ำมัน (ไอคอนถูกวาดด้วยสีฝุ่น) และแนวเพลงใหม่ๆ ได้รับการพัฒนา การถ่ายภาพบุคคลครอบครองสถานที่พิเศษในงานศิลปะรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18 ตัวอย่างแรกสุดของประเภทนี้เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 อยู่ใกล้กับพาร์ซูนา - ตัวละครในนั้นนิ่งและเคร่งขรึม

อีวาน นิกิติช นิกิติน (ประมาณ ค.ศ. 1680 - 1742) เป็นหนึ่งในจิตรกรภาพเหมือนชาวรัสเซียคนแรกๆ เขาเกิดในครอบครัวของนักบวช Nikita Nikitin ซึ่งรับใช้ในเมือง Izmailovo ใกล้กรุงมอสโก Nikitin อาจเริ่มศึกษาศิลปะการวาดภาพภายใต้การแนะนำของ Dutchman A. Schonebeck ในเวิร์คช็อปการแกะสลักที่ Moscow Armory เห็นได้ชัดว่าเขาเรียนรู้ที่จะวาดภาพบุคคลด้วยตัวเองศึกษาและคัดลอกผลงานของอาจารย์ต่างชาติที่มีอยู่ในรัสเซีย อยู่ในผลงานยุคแรกของเขาแล้ว - รูปน้องสาวของปีเตอร์ ฉัน Natalia Alekseevna และลูกสาวของเขา Anna Petrovna สร้างขึ้นราวปี ค.ศ. 1715-1716 Nikitin ถ่ายทอดปริมาณและท่าทางที่เป็นธรรมชาติของนางแบบที่มีทักษะที่หายากในยุคนั้น จริงอยู่ในเวลาเดียวกัน เขายังไม่รู้ว่าจะจัดฟิกเกอร์ให้เข้ากับสิ่งแวดล้อมได้อย่างไร ถ่ายทอดโครงสร้างของฟิกเกอร์ และแสดงพื้นผิวของวัสดุได้อย่างไร

ในปี ค.ศ. 1716-1719 Nikitin ศึกษาที่เวนิสและฟลอเรนซ์ และหลังจากกลับมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาก็กลายเป็น Hofmahler (ศิลปินในศาล) ตามคำสั่งของปีเตอร์ ศิลปินได้เริ่มสร้างเวิร์คช็อปด้านทหารเรือบน "แม่น้ำมิเอะ" ใกล้สะพานสีน้ำเงินโดยใช้ค่าใช้จ่ายของคลัง ซึ่งสร้างไม่เสร็จในช่วงชีวิตของซาร์ การเดินทางไปอิตาลีมีส่วนทำให้ทักษะของจิตรกรเพิ่มขึ้น การวาดภาพของเขามีความซับซ้อนมากขึ้น และเขาก็สามารถปลดปล่อยตัวเองจากข้อจำกัดที่มีอยู่ในการวาดภาพภาษาพาร์ซันรัสเซียได้ ในยุค 20 ศตวรรษที่ 18 Nikitin สร้างผลงานที่ดีที่สุดของเขา: “ ภาพเหมือนของ Count G. I. Golovkin”, “ ภาพเหมือนของ Hetman พื้น” และมีชื่อเสียง "ภาพเหมือนของ Peter I" ใน “ภาพเหมือนของฟลอร์ เฮตแมน” เราเห็นชายคนหนึ่งหมกมุ่นอยู่กับความคิดของตัวเอง ท่าทางที่เหนื่อยล้าของเขา ศีรษะลดลงเล็กน้อย ผมยุ่งเหยิง แดงเล็กน้อย เปลือกตาอักเสบ ริมฝีปากที่บีบแน่น - ทุกสิ่งเน้นย้ำเส้นทางชีวิตที่ยากลำบากของชายที่แข็งแกร่งและกล้าหาญ แม้จะมีความยากลำบากและความยากลำบาก แต่ความเข้มแข็งของเขาก็ไม่ลดลงและพลังของเขาก็ไม่จางหายไป

หลังจากการสิ้นพระชนม์ของซาร์ Nikitin ยังคงอยู่ที่เจ้าหน้าที่ศาล แต่แทบไม่มีงานทำ ชะตากรรมต่อไปของเขาน่าทึ่งมาก ในเดือนสิงหาคม ค.ศ. 1732 เขาถูกจับในข้อหาครอบครองสมุดบันทึกที่มีเนื้อหาหมิ่นประมาท Feofan Prokopovich Nikitin อยู่ภายใต้การสอบสวนของ Secret Chancellery, ถูกกักขังเดี่ยวในป้อม Peter และ Paul, ถูกตัดสินให้ถูกเฆี่ยนตีและเนรเทศไปยัง Tobolsk “เพื่อมีชีวิตอยู่อย่างปลอดภัยตลอดไป” มีการออกพระราชกฤษฎีกาสามฉบับเกี่ยวกับการอภัยโทษของเขา: โดย Anna Ioannovna ก่อนที่เธอจะเสียชีวิต, โดย Anna Leopoldovna เมื่อขึ้นครองราชย์ และโดย Elizaveta Petrovna ระหว่างทางจากการถูกเนรเทศไปยังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กศิลปินเสียชีวิต

ผลงานสั้นๆ แต่ยอดเยี่ยมของจิตรกรมีขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 20 - 30 ของศตวรรษที่ 18 อังเดร มัตเวเยฟ (1701-1739)- Matveev ใช้เวลามากกว่า 10 ปีในฮอลแลนด์และแฟลนเดอร์สกลายเป็นปรมาจารย์ชาวรัสเซียคนแรกที่รู้วิธี "เขียนเรื่องราวและบุคคล" นั่นคือไม่เพียง แต่ภาพบุคคลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพวาดในวิชาตำนานและประวัติศาสตร์ด้วย ศิลปินหนุ่มกลับไปรัสเซียหลังจากการตายของผู้อุปถัมภ์ของเขา - Peter I และ Catherine I จากเอกสารเป็นที่รู้กันว่า Matveev วาดภาพการต่อสู้สำหรับ Summer House ภาพวาดของ Peterhof เข้าร่วมในภาพวาดของมหาวิหาร Peter และ Paul และออกแบบประตูชัย Anichkov และ Admiralty ที่ไม่ได้รับการอนุรักษ์

สิ่งที่น่าสนใจที่สุดในมรดกที่เหลืออยู่ของ Andrei Matveev คือภาพบุคคลของเขา มีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้ในสมัยของเรา หนึ่งในนั้นคือผู้มีชื่อเสียง "ภาพเหมือนของคู่สมรส" ซึ่งเป็นไปได้มากว่าศิลปินวาดภาพตัวเองกับภรรยาของเขานั่นคือนี่เป็นภาพเหมือนตนเองครั้งแรกในภาพวาดรัสเซีย Matveev ถ่ายทอดความรู้สึกของความรักและความอ่อนโยนซึ่งกันและกันที่ครอบงำในครอบครัวอย่างละเอียดอย่างน่าประหลาดใจ ศิลปินกอดไหล่ภรรยาของเขาอย่างระมัดระวังโดยแทบไม่สัมผัส ทั้งคู่ประพฤติตัวเรียบง่ายและเป็นธรรมชาติ เปล่งประกายพลังที่ดี โทนสีที่ไม่ออกเสียงเน้นความใกล้ชิดของภาพบุคคล

Andrei Matveev เช่นเดียวกับศิลปินชาวรัสเซียหลายคนเสียชีวิตด้วยความยากจน ในเดือนเมษายน ค.ศ. 1739 หญิงม่ายเขียนคำร้องว่า "เธอถูกสามีของเธอ Matveev ทิ้งไว้กับลูกเล็กๆ ของเขา และไม่มีอะไรจะฝังศพสามีของเธอเข้าไป"

การสร้าง อีวาน ยาโคฟเลวิช วิชเนียคอฟ (1699-1761)เชื่อมโยงกับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งเขาได้มาถึงท่ามกลาง "ช่างฝีมือ" ที่นำเข้ามาเพื่อสร้างและตกแต่งเมืองหลวงใหม่ ตรงกันข้ามกับผู้ร่วมสมัยที่มีอายุมากกว่าของเขา I. Nikitin และ A. Matveev, Vishnyakov ไม่ได้ศึกษาในต่างประเทศ - งานศิลปะของเขาก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลของโรงเรียนวาดภาพรัสเซียในยุคก่อน Petrine

Vishnyakov ได้รับการยอมรับส่วนใหญ่เป็นจิตรกรภาพบุคคล การปรับแต่งภาพ, ความอบอุ่นของอารมณ์, การขาดกิริยาท่าทาง, สีเงิน - นี่คือลักษณะเฉพาะของสไตล์ศิลปะของเขา ประณีตที่สุด ภาพเหมือน วิษณยาโควา รับบทเป็น ซาราห์ เอเลนอร์ เฟอร์มอร์ ลูกสาวของหัวหน้าสำนักนายกรัฐมนตรี (พ.ศ. 2292) เด็กสาวในชุดเดรสผ้าซาตินสีเทาเงินสุดหรูที่ปักด้วยดอกไม้กำลังเตรียมตัวที่จะพูดจาห้วนๆ เธอถือพัดในมืออย่างสง่างาม ภาพวาดลูกไม้อันละเอียดอ่อนและพื้นหลังแนวนอนตกแต่งซึ่งมีลวดลายที่สะท้อนถึงการปักบนชุดก็ดึงดูดความสนใจเช่นกัน

Ivan Nikitin, Andrei Matveev และ Ivan Vishnyakov ไม่ได้เขย่ารากฐานของศิลปะโลกด้วยความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขา แต่พวกเขามีส่วนช่วยอย่างมากในการพัฒนาภาพวาดของรัสเซียโดยทำตามขั้นตอนแรกอย่างมั่นใจในการพัฒนาประเภทภาพเหมือน

ภาพวาดรัสเซียต้นศตวรรษที่ 18

เมื่อรวบรวมข้อความจะใช้สื่อจาก Y. Pelevin และ G. Danilova

5. ศิลปินชาวรัสเซียในช่วงกลางครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18วี.

อเล็กเซย์ อันโตรปอฟ (1716-1795)

ในผลงานของ Alexei Petrovich Antropov มีความต่อเนื่องที่ชัดเจนระหว่างจิตรกรที่เกษียณอายุในยุคของ Peter I และศิลปินในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ปรมาจารย์ประสบความสำเร็จสูงสุดในประเภทแนวตั้ง ในด้านนี้ที่ Antropov มีบทบาทสำคัญในการเสริมสร้างประเพณีของชาติโดยแสดงออกในการสะท้อนความเป็นจริงที่แม่นยำและเป็นกลางอย่างสมจริง

A.P. Antropov เกิดในครอบครัวของ "ช่างทำกุญแจ" ที่ Armory Chamber เขาเริ่มต้นการเดินทางอันสร้างสรรค์อันยาวนานในรัชสมัยของ Anna Ioannovna A.P. Antropov ใช้เวลาหลายปีภายใต้การแนะนำของศิลปินชื่อดัง Ivan Vishnyakov ศิลปินผู้มุ่งมั่นทำงานเกี่ยวกับการตกแต่งพระราชวังและมหาวิหาร มีส่วนร่วมในการวาดภาพพระราชวังฤดูร้อน ฤดูหนาว อนิชคอฟ ปีเตอร์ฮอฟ และแคทเธอรีน สิ่งสำคัญอย่างยิ่งสำหรับการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของเขาคืองานของเขาในเคียฟเกี่ยวกับสัญลักษณ์และภาพวาดในอาสนวิหารเซนต์แอนดรูว์ผู้ถูกเรียกครั้งแรกซึ่งถูกสร้างขึ้นใหม่ตามการออกแบบของ F. B. Rastrelli

งานขาตั้งในยุคแรกโดย A.P. Antropov เช่นภาพเหมือนของจักรพรรดินีเอลิซาเบธ Petrovna และภาพเหมือนคู่ของ Grand Duke Peter Fedorovich และ Grand Duchess Ekaterina Alekseevna ได้รับการดำเนินการตามมาตรฐานที่กำหนดและทดสอบจาก "ตัวอย่างภาพวาด" ที่สร้างขึ้นโดยปรมาจารย์ศาลต่างประเทศ ในปี ค.ศ. 1758 เวทีใหม่ในผลงานของศิลปินเริ่มขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในปีที่สี่สิบสองของชีวิต เขาเริ่มศึกษาการวาดภาพบุคคลกับ Pietro Rotari ศิลปินชาวอิตาลีที่ราชสำนักของ Elizabeth Petrovna อาจารย์ชาวอิตาลีพอใจกับลูกศิษย์ของเขาและถึงกับเรียกเขาว่า "จิตรกรที่เก่งที่สุดในรัสเซีย"

ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1750 เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับจุดเริ่มต้นของอาชีพศิลปินอิสระของ A.P. Antropov จิตรกรภาพบุคคล ผลงานที่สำคัญที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาถือเป็นภาพเหมือน อนาสตาเซีย มิคาอิลอฟนา อิซไมโลวา แม่บ้านอาวุโสของจักรพรรดินีเอลิซาเบธ เปตรอฟนา จิตรกรพรรณนาถึงสุภาพสตรีแห่งรัฐโดยตรงและเรียบง่ายโดยไม่มีการหักมุมใด ๆ ด้วยความซื่อสัตย์อย่างยิ่ง: บุคคลในศาลถูกมองว่าเป็นหญิงชราที่หย่อนยานโดยมีหน้าแดงเทียมโดยจงใจ คิ้วที่ถักนิตติ้งและดวงตาที่เปียกน้ำเล็กน้อย ภาพบุคคลสะท้อนให้เห็นถึงคุณลักษณะหลักของวิธีการทางศิลปะของ A.P. Antropov - ความถูกต้องตามธรรมชาติของรูปลักษณ์ของแบบจำลองความรุ่งเรืองของงานของเขาเกิดขึ้นในยุค 60 เมื่อเขาสร้างสรรค์ผลงานที่ดีที่สุด เช่น ภาพวาดของ M. A. Rumyantseva, V. วี. เฟอร์มอร์, เอ. วี. บูตูร์ลินา. ในงานทั้งหมดนี้ ศิลปินไม่ได้พยายามเจาะเข้าไปในโลกที่ซับซ้อนของประสบการณ์ทางจิตวิญญาณของผู้ที่เขาวาดภาพเลย แต่เพียงจับภาพรูปลักษณ์ของพวกเขาด้วยความแม่นยำสูงสุดเท่านั้น ในเวลาเดียวกันในรูปแบบภาพเหมือนของ A.P. Antropov ตลอดระยะเวลาการทำงานของเขาเราสามารถสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของประเพณีการวาดภาพเก่า ๆ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 18 ความเชื่อมโยงกับเทคนิคไอคอนและพาร์ซูนาปรากฏชัดเจนในผลงานหลายชิ้นของเขา นอกจากนี้เราไม่ควรลืมว่า A.P. Antropov วาดไอคอนมาตลอดชีวิตของเขา การมุ่งเน้นที่คล้ายกันส่งผลกระทบต่อผลงานหลายชิ้นของ A.P. Antropov เช่นภาพเหมือนของ A.L. Apraksina รวมถึงภาพเหมือนของนักบวชจำนวนมากซึ่งเขามักจะต้องวาดภาพในฐานะศิลปินที่เป็นสมาชิกของ Synod

ในปี ค.ศ. 1762 หลังจากการสิ้นพระชนม์ของ Elizabeth Petrovna และการขึ้นครองราชย์ของ Peter III ขึ้นสู่บัลลังก์ Holy Synod ได้มอบหมายให้ A.P. Antropov จัดทำภาพเหมือนในพิธีของจักรพรรดิองค์ใหม่ โอกาสอันแท้จริงเกิดขึ้นเพื่อแสดงตนในราชสำนัก โชคดูเหมือนจะยิ้มให้กับศิลปิน A.P. Antropov วาดภาพบุคคลในพิธีการขนาดใหญ่สามภาพของอธิปไตย อย่างไรก็ตาม จักรพรรดิองค์ใหม่ทรงครองราชย์ได้เพียงหกเดือนและถูกโค่นล้มโดยภรรยาของเขา ซึ่งก็คือจักรพรรดินีแคทเธอรีนที่ 2 ในอนาคต A.P. Antropov ไม่เคยเป็นจิตรกรในศาลซึ่งเป็นอุปสรรคต่อความนิยมของเขาในสังคม - อย่างไรก็ตามในรัสเซียเป็นไปได้ที่จะได้รับชื่อเสียงเกียรติยศและเงินระดับสากลโดยผ่านการยอมรับจากบุคคลที่เดือนสิงหาคมที่สุดเท่านั้น

ในช่วงทศวรรษที่ 1770-1780 พลังสร้างสรรค์ของ A.P. Antropov เริ่มลดลง ในช่วงสุดท้าย A.P. Antropov ทำงานน้อยลงจากชีวิต แต่สร้างไอคอนมากมาย จนกระทั่งสิ้นอายุขัย พระศาสดาทรงวาดภาพ “เพื่อถวายแก่บุคคลสูงสุด” สมัชชามอบหมายให้เขาทำงานต่างๆ ที่เกี่ยวข้องกับการควบคุมจิตรกรไอคอนเท่านั้น ดังนั้นเขาจึงถูกส่งไปยังมอสโกเพื่อตรวจสอบมหาวิหารเครมลิน ในปี ค.ศ. 1789 ศิลปินได้กระทำการสำคัญ - เขาโอนบ้านของตัวเองไปที่ Order of Public Charity เพื่อก่อตั้งโรงเรียนรัฐบาลในนั้น นอกจากนี้เขายังเปิดโรงเรียนสอนวาดภาพส่วนตัวซึ่งมีนักเรียนเป็นจิตรกรภาพบุคคลผู้ยิ่งใหญ่ในอนาคต D. G. Levitsky

Antropov เสียชีวิตในปี พ.ศ. 2338 และถูกฝังไว้ใน Alexander Nevsky Lavra ซึ่งครั้งหนึ่งเขาเคยวาดภาพไอคอนและภาพบุคคล หลุมฝังศพบนหลุมศพของเขายังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ Alexey Petrovich Antropov ครองตำแหน่งที่คู่ควรในวัฒนธรรมศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ความสามารถพิเศษของจิตรกร ความจริงใจที่เข้มงวดในการวาดภาพธรรมชาติ ตลอดจนกิจกรรมการสอนทำให้อาจารย์ได้รับการยอมรับอย่างสมควร

ฟีโอดอร์ โรโคตอฟ (1735?-1808)

Fyodor Stepanovich Rokotov จิตรกรภาพบุคคลชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ถูกลูกหลานของเขาลืมไปโดยสิ้นเชิง ผลงานของเขาต้องถูกค้นพบอีกครั้งเมื่อต้นศตวรรษที่ 20

ต้นกำเนิดของ Rokotov ไม่เป็นที่ทราบแน่ชัด เขาเกิดที่มอสโก ตามแหล่งข่าวบางแห่ง Fyodor Stepanovich มาจากครอบครัวทาสตามสมมติฐานอื่นเขาเป็นลูกนอกกฎหมายของ Prince P. I. Repnin ข้อมูลเกี่ยวกับครูคนแรกของศิลปินยังไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ บางทีในวัยหนุ่มเขาศึกษาที่มอสโกกับจิตรกรไอคอน ในปี 1760 Rokotov ได้เข้าเรียนที่ Academy of Arts "ตามคำสั่งด้วยวาจา" ศิลปินหนุ่มมีความก้าวหน้าอย่างรวดเร็วและเห็นได้ชัดเจน การขึ้นบันไดแห่งการยอมรับของเขาได้รับการอำนวยความสะดวกโดยคำสั่งของพระราชวัง Rokotov เขียนว่า "ภาพเหมือนของ Grand Duke Pavel Petrovich เมื่อยังเป็นเด็ก" เมื่อแคทเธอรีนที่ 2 ขึ้นครองบัลลังก์ Rokotov ก็ถูกนำตัวเข้ามาใกล้ศาลมากขึ้น ในปี พ.ศ. 2306 เขาได้วาดภาพเหมือนในพระราชพิธีของจักรพรรดินีที่เกี่ยวข้องกับพิธีราชาภิเษกของเธอในมอสโก สำหรับการสร้างสรรค์นี้เขาได้รับรางวัล ศิลปินยังได้รับความไว้วางใจให้วาดภาพ Grigory Orlov ผู้เป็นที่รักของราชวงศ์และ Alexei Bobrinsky ลูกชายนอกสมรสของ Catherine II และ Grigory Orlov

ศิลปินประสบความสำเร็จ: เขามีเวิร์คช็อปของตัวเอง เขามีนักเรียน เขาสร้างแกลเลอรีภาพของตัวแทนของตระกูลผู้สูงศักดิ์ที่สุด: Yusupovs, Kurakins, Bestuzhevs-Ryumins, Golenishchevs-Kutuzovs Rokotov เช่นเดียวกับศิลปินคนอื่น ๆ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ยังคงใส่ใจสถานะทางสังคมของแบบจำลองอย่างใกล้ชิด: เขาพรรณนาถึงเครื่องแบบ เครื่องราชกกุธภัณฑ์ คำสั่ง ฯลฯ ได้อย่างแม่นยำ อย่างไรก็ตามในช่วงต้นของเวทีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กทัศนคติต่อแบบจำลองได้แสดงออกมาในงานของเขาโดยมีความสนใจในคุณสมบัติส่วนบุคคลของบุคคลในโลกส่วนตัวของเขา

ตลอดเวลานี้ Rokotov ทำงานที่ Academy of Arts แต่ศิลปินใช้เวลามากและรบกวนความคิดสร้างสรรค์ของเขา หลังจากได้รับตำแหน่งนักวิชาการ Rokotov ก็ลาออกจากราชการและระหว่างปี 1765 ถึง 1767 เขาย้ายไปมอสโคว์ซึ่งเห็นได้ชัดว่าเขายังคงอยู่จนกระทั่งสิ้นสุดชีวิตของเขา ในบ้านเกิดของเขา ศิลปินทำงานตามค่าคอมมิชชั่นส่วนตัวเป็นหลัก Rokotov จึงกลายเป็นหนึ่งใน "ศิลปินอิสระ" กลุ่มแรกๆ ในรัสเซีย โดยไม่ขึ้นอยู่กับการรับราชการ ในเวลานี้ศิลปินหลีกเลี่ยงการถ่ายภาพบุคคลอย่างเป็นทางการที่โอ่อ่า เขาถูกดึงดูดด้วยงานจิตรกรรมอื่นๆ: การสร้างห้อง ผืนผ้าใบส่วนตัวที่จะสะท้อนความคิดของอาจารย์เกี่ยวกับโครงสร้างทางจิตวิญญาณอันประเสริฐของวีรบุรุษของเขา เขาสร้างภาพเหมือนที่สอดคล้องกับแนวคิดของปัญญาชนผู้สูงศักดิ์เกี่ยวกับเกียรติยศ ศักดิ์ศรี วัฒนธรรม และ "พระคุณทางจิตวิญญาณ" จิตรกรภาพเหมือนได้รับอิทธิพลอย่างไม่ต้องสงสัยจากแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ซึ่งมีปัญหาเกี่ยวกับลักษณะทางศีลธรรมของชนชั้นที่มีสิทธิพิเศษและ "ศักดิ์ศรีที่แท้จริงของขุนนาง"

ความคิดสร้างสรรค์ที่เพิ่มขึ้นของจิตรกรพบการแสดงออกในภาพผู้หญิงที่สวยงามทั้งชุด แต่ละคนมีความมหัศจรรย์ในแบบของตัวเอง ใบหน้าของผู้หญิงโผล่ออกมาจากความมืดมิดและดูเหมือนการมองเห็นบางอย่างในหมอกควันสีอ่อน ๆ เต็มไปด้วยบทกวีอันประเสริฐและสุนทรียภาพอันน่ารื่นรมย์ Uknyagini E. N. Orlova มีดวงตากลมโต เศร้า และครุ่นคิด ภาพลักษณ์ของเธอเต็มไปด้วยความบริสุทธิ์อันเจิดจ้าและความงามชั่วนิรันดร์ของวัยเยาว์V. N. Surovtseva เป็นผู้หญิงที่มีเสน่ห์ ด้วยใบหน้ารัสเซียที่เรียบง่ายและดวงตาที่เปล่งประกาย “ภาพเหมือนของเคาน์เตส อี.วี. สันติ” มีเสน่ห์ด้วยโทนสีที่ผสมผสานโทนสีเขียว ชมพู และเหลืองได้อย่างน่าทึ่ง แต่ดวงตาของคุณหญิงนั้นเย็นชาและห่างไกลไม่มีความอบอุ่นอยู่ในนั้น

ผู้คนในภาพเขียนของ Rokotov ดูเหมือนจะปกปิดบางสิ่งที่ใกล้ชิดและสำคัญไว้ในตัวพวกเขาเอง เบื้องหลังความสงบและความยับยั้งชั่งใจ เราสามารถรับรู้ถึงการเคลื่อนไหวภายในได้ แม้ว่าจะยังไม่รู้สึกตัวเต็มที่ก็ตาม นี่คือภาพเหมือนของ Alexandra Struyskaya

รอยยิ้มครึ่งหนึ่งอันลึกลับของนางเอก ดวงตาที่เปิดกว้างของเธอ หมอกควันที่งดงามราวกับภาพวาด และพื้นหลังสีเข้มซึ่งมีโครงร่างที่ไม่ชัดเจนของร่างปรากฏขึ้น สร้างหนึ่งในภาพที่เปี่ยมด้วยจิตวิญญาณที่สุดในงานศิลปะภาพเหมือนของรัสเซีย

ไม่ค่อยมีใครรู้เกี่ยวกับช่วงทศวรรษสุดท้ายของชีวิตของศิลปิน ในช่วงทศวรรษที่ 1790 ความต้องการถ่ายภาพบุคคลของ Rokotov ลดลงอย่างมาก ในวัยที่ตกต่ำ พระศาสดาทรงรับสั่งสอน ในวัยชรา เห็นได้ชัดว่าศิลปินไม่ได้ทำงานอีกต่อไป เขาใช้ชีวิตในมอสโกอย่างสันโดษที่สุด เขาไม่มีครอบครัวของตัวเอง ญาติสนิท และทายาทคือหลานชายของเขา Fyodor Stepanovich Rokotov เสียชีวิตเมื่อวันที่ 12 ธันวาคม (แบบเก่า) พ.ศ. 2351 และถูกฝังไว้ในอาราม Novospassky หลุมศพของเขาหายไป เหลือเพียงรายการในทะเบียนสุสานของอารามเท่านั้น

งานของ Rokotov ถือเป็นเวทีทั้งหมดในประวัติศาสตร์การวาดภาพบุคคลของรัสเซีย ปรมาจารย์พยายามค้นหาอุดมคติแห่งความงาม โดยไม่ต้องพยายามทำให้เป็นวีรบุรุษหรือทำให้เข้าใกล้มาตรฐานที่เป็นนามธรรมมากขึ้น ตลอดชีวิตของเขา Rokotov วาดภาพตัวแทนของชนชั้นสูงโดยเฉพาะตั้งแต่จักรพรรดิไปจนถึงเจ้าของที่ดินในจังหวัด ในยุคนี้ชนชั้นสูงเป็นผู้ถือครองวัฒนธรรม การตรัสรู้ และการศึกษา อย่างไรก็ตามศิลปินได้นำลักษณะบุคลิกภาพที่มีคุณค่าของมนุษย์ที่เป็นสากลมาไว้ข้างหน้า เขาสร้างภาพในอุดมคติที่ยอดเยี่ยมและกวาดล้างทุกสิ่งที่เป็นส่วนตัวและไม่จำเป็นออกไป นอกจากนี้เขาไม่เคยทำให้ภาพของเขามีความชัดเจนในลักษณะแนวตั้งเลย เขาสรุปคุณลักษณะของแบบจำลองในเชิงกวีเขาเลี้ยงดูบุคคลทำให้เขาดีขึ้นและสะอาดขึ้น นั่นคือเหตุผลว่าทำไมใบหน้าที่ "ลึกลับ" และได้รับแรงบันดาลใจบนผืนผ้าใบของ F. S. Rokotov จึงมีเสน่ห์มาก

มิทรี เลวิตสกี้ (1735-1822)

ในที่สุด Levitsky ก็ตั้งรกรากในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ช่วงเวลาที่มีผลมากที่สุดในชีวิตของเขาเริ่มต้นขึ้น เป็นเวลาหลายปีที่เขาเชื่อมโยงตัวเองกับ Academy of Arts ซึ่งในเวลานั้นเป็นศูนย์กลางของชีวิตศิลปะในรัสเซีย ในปี พ.ศ. 2314 ศิลปินเป็นหัวหน้าชั้นเรียนวาดภาพเหมือนและเป็นผู้นำอย่างต่อเนื่องมาเกือบสิบเจ็ดปี ในเวลาเดียวกันเขาเริ่มได้รับคำสั่งศาลคำสั่งจาก Academy และบุคคลทั่วไปจากชนชั้นสูงผู้สูงศักดิ์ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ในบรรดาผลงานที่ยังมีชีวิตอยู่ของ Levitsky ในช่วงทศวรรษที่ 1770 มีภาพบุคคลในพิธีการหลายรูปแบบเหนือกว่า วัตถุประสงค์หลักของภาพบุคคลดังกล่าวคือการเชิดชูบุคคลที่มีสถานะทางสังคมสูง บุคคลที่ปรากฎภาพปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมในรูปแบบที่เป็นตัวแทนมากที่สุด - ในเครื่องแบบพร้อมคำสั่ง เครื่องราชอิสริยาภรณ์ และกำลังใจจากราชวงศ์ เครื่องตกแต่งและคุณลักษณะควรแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความสำคัญของบุคคลและการกระทำของเขา จนถึงระดับศักดิ์ศรีที่บรรลุ ตัวอย่างคือภาพเหมือนของสถาปนิก A.F. Kokorinov อธิการบดีของ Academy of Arts และหนึ่งในผู้เขียนอาคารบนเกาะ Vasilyevsky Kokorinov ถูกถ่ายภาพในห้องทำงานของเขา ซึ่งเป็นสถานที่ทั่วไปสำหรับวาดภาพเจ้าหน้าที่ระดับสูงของรัฐ สถาปนิกแสดงท่าทางต่อแผนของอาคาร Academy of Arts ที่วางอยู่ตรงหน้าเขาซึ่งเป็นผลิตผลที่เขาชื่นชอบ สถาปนิกสวมชุดสูทหรูหราที่มีพื้นผิวที่ตัดเย็บอย่างเชี่ยวชาญ - เสื้อชั้นในสตรีปักด้วยทองคำและคาฟตันขลิบด้วยขนสัตว์ ผู้ชมจะได้พบกับขุนนางซึ่งมีคุณธรรมจากผลงานของเขาเพื่อการพัฒนาศิลปะในรัสเซีย อย่างไรก็ตาม การเจาะลึกทางจิตวิทยาเข้าไปในโลกภายในของมนุษย์ยังไม่บรรลุผลสำเร็จ

อายุเจ็ดสิบของศตวรรษที่สิบแปดเป็นทศวรรษแห่งพลังสร้างสรรค์ที่เพิ่มขึ้นสูงสุดสำหรับ Levitsky วิธีการทางศิลปะของจิตรกรภาพเหมือนได้รับการพัฒนาให้สอดคล้องกับลัทธิคลาสสิกของการตรัสรู้: เบื้องหน้าในการทำความเข้าใจของบุคคลคือการปฏิบัติตามแบบจำลองของพลเมืองในอุดมคติคุณสมบัติทางศีลธรรมของเขา Levitsky ยังสร้างภาพที่จริงใจซึ่งเผยให้เห็นตัวตนภายในของบุคคลที่มีคุณสมบัติส่วนตัวกระตุ้นความเห็นอกเห็นใจของอาจารย์ เทรนด์นี้มีชัยในการถ่ายภาพบุคคลแบบใกล้ชิด เนื่องจากเป็นเรื่องปกติที่จะเรียกภาพหน้าอกหรือความยาวเอวที่มีขนาดเล็กโดยมีพื้นหลังที่เป็นกลาง โดยไม่มีการตกแต่งใดๆ อาจารย์สร้างแกลเลอรีภาพบุคคลที่มีจิตวิญญาณใกล้ชิดกับเขา - นักเขียน A. V. Khrapovitsky นักปรัชญาการตรัสรู้ชาวฝรั่งเศส Denis Diderot, M. A. Dyakova

ความสำเร็จที่ได้รับการยอมรับโดยทั่วไปของจิตรกรคือชุดภาพวาดของ Smolyankas ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของสมาคมการศึกษาสำหรับ Noble Maidens ที่อาราม Smolny (ต่อมา - สถาบัน Smolny) นักเรียนที่มีความโดดเด่นในด้านความสำเร็จโดยเฉพาะในด้านวิทยาศาสตร์และศิลปะได้รับเลือกให้เป็นจิตรกรภาพเหมือน งานในซีรีส์นี้เสร็จสมบูรณ์ในปี พ.ศ. 2319 ซึ่งตรงกับการสำเร็จการศึกษาครั้งแรกของนักเรียน รูปภาพที่จับคู่ของ F. S. Rzhevskaya และ A. M. Davydova, E. N. Khrushcheva และ E. N. Khovanskaya เต้นรำอย่างสง่างามโดย N. เอส. บอร์เชวา, อี. I. Nelidova และ A.P. Levshina เปิดเผยประเภทใหม่สำหรับงานศิลปะรัสเซีย - "ภาพเหมือนในบทบาท" ผืนผ้าใบเผยให้เห็นเรื่องราวที่งดงามราวกับภาพวาดเกี่ยวกับวีรสตรีที่ใช้ชีวิตทั้งในรูปแบบละครและในโลกปิดของเยาวชนที่กำลังเติบโต

ในช่วงทศวรรษที่ 1780 Dmitry Grigorievich Levitsky เป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงและได้รับความนิยม เขาไม่ได้ขาดคำสั่งอันทรงเกียรติสำหรับการถ่ายภาพบุคคลในพิธี หนึ่งในภาพวาดที่เป็นตัวแทนเหล่านี้ซึ่งกลายเป็นเหตุการณ์สำคัญในเส้นทางสร้างสรรค์ของปรมาจารย์คือ "Catherine II - Legislator" งานนี้ไม่ธรรมดาสำหรับศิลปิน: ในนั้นแนวคิดเกี่ยวกับภาพบุคคลถูกเปิดเผยผ่านองค์ประกอบเชิงเปรียบเทียบ งานนี้ประสบความสำเร็จอย่างมากและผู้เขียนได้สร้างสรรค์ผลงานของเขาซ้ำหลายครั้ง

ในช่วงทศวรรษที่ 1790 Levitsky วาดภาพบุคคลที่ได้รับมอบหมายจำนวนมาก เหล่านี้คือผู้บัญชาการที่มีชื่อเสียงของสงครามของ Catherine P. A. Rumyantsev-Zadunaisky, A. V. Suvorov, N. V. Repnin; นักการทูตและที่ปรึกษาที่มีชื่อเสียงของ Catherine II G. A. Potemkin, A. A. Bezborodko ภาพบุคคลในซีรีส์นี้แสดงถึงภาพตัวแทนด้านการศึกษารูปแบบใหม่ที่พัฒนาโดย Levitsky หลังจากละทิ้งความเอิกเกริกสไตล์บาโรกและของกระจุกกระจิกแบบคลาสสิก ศิลปินจึงพิจารณาแบบจำลองของเขาอย่างมีสติและมีประสิทธิภาพ เขาไม่ได้มองหาวิธีแก้ปัญหาการจัดองค์ประกอบภาพ ท่าทางที่น่าตื่นตาตื่นใจ หรือท่าทางใหม่ๆ ความเรียบง่ายและความนับถือตนเองคือ “พระหรรษทานทางจิตวิญญาณ” ที่เขาเน้นย้ำ

ความรุ่งโรจน์ของ Levitsky จางหายไปในช่วงครึ่งหลังของปี 1810 หลังจากสิ้นสุดสงครามกับนโปเลียน ชื่อของเขาหายไปจากหน้าวารสารและรายงานของสภาวิชาการ และเขาไม่ได้รับคำสั่งอย่างเป็นทางการ เมื่อวันที่ 7 เมษายน พ.ศ. 2365 ชีวิตของ Dmitry Grigorievich Levitsky ถูกขัดจังหวะ

วัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 17 การนำเสนอในหัวข้อ “วัฒนธรรมทางศิลปะของศตวรรษที่ 17-18” ผลงานของ Bartalomeo Rastrelli

ผลงานมี 1 ไฟล์

ศตวรรษที่ 17 กลายเป็นที่ชื่นชอบอย่างน่าประหลาดใจสำหรับการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะ.docx

รวมไปถึงผลงานอื่นๆที่คุณอาจสนใจ

2.

3.

4.

5.

6.

7.

8.

9.

10.

11.

12.

13.

14.

15.

16.

17.

18.

19.

วัฒนธรรมศิลปะของคริสต์ศตวรรษที่ 17-18 สมัยใหม่

วัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 17

วัฒนธรรมทางศิลปะแห่งศตวรรษที่ 17-18 แห่งยุคใหม่

วัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 17-18

การนำเสนอประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมศิลปะ “วัฒนธรรมศิลปะแห่งศตวรรษที่ 17-18”

คำตอบ:

ภาพวาดยุโรปยุคใหม่

สถาปัตยกรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 17