เนมูคิน วลาดิมีร์ นิโคลาวิช

เกิดที่มอสโกเมื่อวันที่ 12 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2468 ในครอบครัวชาวหมู่บ้านที่กลายมาเป็นคนงาน เขาใช้ชีวิตวัยเด็กในหมู่บ้าน Priluki (ภูมิภาค Kaluga) บนฝั่ง Oka ในปี พ.ศ. 2486-2489 เขาศึกษาที่สตูดิโอศิลปะมอสโกของสภาสหภาพการค้ากลางรัสเซียทั้งหมด เขาใช้คำแนะนำของศิลปิน P.E. Sokolov ซึ่งเขาค้นพบศิลปะแห่งโพสต์อิมเพรสชันนิสม์และลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ในช่วงระยะเวลาหนึ่ง (พ.ศ. 2495-2502) เขาหาเลี้ยงชีพด้วยการเป็นนักออกแบบและศิลปินโปสเตอร์ เขามีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในนิทรรศการส่วนตัวและสาธารณะของศิลปะแนวหน้ารวมถึงนิทรรศการ "รถปราบดิน" อื้อฉาวบนดินแดนรกร้างของมอสโกใน Belyaevo นับตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1960 ภาพวาดของเขาได้รับการยอมรับเพิ่มมากขึ้นในโลกตะวันตก อาศัยอยู่ในมอสโก

หลังจากวาดภาพทิวทัศน์ของ Okie ในยุคแรก ๆ ในลักษณะดั้งเดิม เช่นเดียวกับการทดลองในจิตวิญญาณของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและนามธรรมเชิงภาพ เขาพบว่าสไตล์ของเขาอยู่ในรูปแบบสุ่มของไพ่บนหาดทราย

ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 แนวคิดที่เกิดขึ้นเองนี้ก่อตัวขึ้นในรูปแบบกึ่งนามธรรม "หุ่นนิ่งพร้อมแผนที่" ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นการแสดงออกดั้งเดิมอย่างมากของ "ข้อมูลข่าวสาร" - การเคลื่อนไหวแบบนามธรรมพิเศษที่มีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างการแสดงออกทางรูปภาพที่บริสุทธิ์กับองค์ประกอบที่น่าทึ่งและสัญลักษณ์ . จากนั้น Nemukhin ก็ค้นพบสิ่งที่เขาค้นพบเป็นเวลาหลายปี โดยบางครั้งก็เปลี่ยนพื้นผิวของผืนผ้าใบให้กลายเป็นระนาบ "บรรเทาทุกข์" ซึ่งชวนให้นึกถึงกำแพงเก่าที่เก่าแก่หรือพื้นผิวของโต๊ะเล่น เขามักจะเขียนโดยใช้เทคนิคผสมรูปภาพและกราฟิกและบนกระดาษ (ซีรีส์ Jack of Diamonds ปลายทศวรรษ 1960 - ต้นปี 1970)
การเปรียบเทียบภาพวาดกับวัตถุทำให้ผลงานในช่วงปี 1980 ของเขามีความใกล้เคียงกับศิลปะป๊อปอาร์ตมากขึ้น ในช่วงเวลานี้ เขาหันไปสนใจงานประติมากรรมเชิงนามธรรมสามมิติ ชีวมอร์ฟิก หรือเรขาคณิตมากกว่าหนึ่งครั้ง จากนั้นบ่อยครั้งมากขึ้นเรื่อยๆ เมื่อจัดแสดงผลงานของเขา เขาได้แสดงร่วมกับภาพวาดและแผ่นกราฟิกที่มีการจัดวางขนาดใหญ่
“ไว้อาลัยให้กับบาค”

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20-21 ส่วนใหญ่อาศัยอยู่ในเยอรมนี (ดุสเซลดอร์ฟ) โดยไปเยือนรัสเซียอย่างต่อเนื่องโดยในปี 2000 ผลงานของเขาได้รับความนิยมในหอศิลป์ Tretyakov และพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่มอสโก ในปี 1999 หนังสือ Nemukhin Monologues ได้รับการตีพิมพ์
https://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/3/37/1008877.htm

ศุกร์ที่ 20/11/2552 - 16:58 น
ม้าลาย

ผู้เข้าร่วม

ซิทนิคอฟ, วาซิลี ยาโคฟเลวิช

เกิดในหมู่บ้าน Novo-Rakitino (เขต Lebedyansky จังหวัด Tambov) เมื่อวันที่ 19 สิงหาคม (1 กันยายน) พ.ศ. 2458 ในครอบครัวชาวนาที่ย้ายไปมอสโคว์ในปี พ.ศ. 2464 ในปี 1933 เขาศึกษาที่ Moscow Marine Mechanical College และติดการสร้างโมเดลเรือใบ ความพยายามที่จะเข้าสู่ Vkhutemas (1935) ไม่ประสบความสำเร็จ เขาทำงานเกี่ยวกับการก่อสร้างรถไฟใต้ดินในฐานะนักสร้างแอนิเมชันและผู้สร้างโมเดลให้กับผู้กำกับ A.L. Ptushko และแสดงแผ่นใสในการบรรยายโดยอาจารย์ที่สถาบันศิลปะ V.I. Surikov (จึงมีชื่อเล่นว่า "Vasya the Lamplighter") หลังจากตกเป็นเหยื่อของการใส่ร้ายในปี 2484 เขาถูกจับกุมประกาศป่วยทางจิตและถูกส่งตัวไปรับการรักษาภาคบังคับที่คาซาน เมื่อกลับถึงเมืองหลวง (พ.ศ. 2487) เขาทำงานแปลก ๆ ในช่วง "ละลาย" เขาได้เข้าร่วมขบวนการศิลปะ "อย่างไม่เป็นทางการ"
แหล่งที่มาอย่างเป็นทางการของงานของเขาคือระบบการสอนเชิงวิชาการแบบดั้งเดิมโดยอาศัยการทำงานโดยใช้ภาพเปลือยและการแรเงากราฟิกอย่างระมัดระวัง

อย่างไรก็ตามใน Sitnikov ลักษณะทางวิชาการกลายเป็นกามทางกามารมณ์เหนือจริงและการแรเงาเป็นองค์ประกอบอากาศที่ไม่มั่นคงซึ่งห่อหุ้มรูปแบบไว้ในรูปแบบของหมอกควันหิมะ หมอกหนองน้ำ หรือหมอกควันแห่งแสง

คุณลักษณะเฉพาะของ "สไตล์รัสเซีย" ได้เพิ่มเข้ามาในจิตวิญญาณของสัญลักษณ์และความทันสมัย นี่คือวิธีที่ซีรีส์ภาพวาดและกราฟิกของเขาในช่วงทศวรรษ 1960-1970 เกิดขึ้น - ภาพเปลือย, ภาพแปลกประหลาดทางเพศ, ประเภทที่มี "อารามที่มีเกล็ดหิมะ"
,
ทิวทัศน์ที่ราบกว้างใหญ่ (มักมีลวดลายกลางของอารามด้วย)
วิถีชีวิตของเขาคืองานที่เกิดขึ้นซึ่งเป็นความโง่เขลาทางศิลปะอย่างต่อเนื่องโดยเริ่มจากคำจารึกอันโด่งดัง“ ฉันจะมาเดี๋ยวนี้” ที่ประตูอพาร์ทเมนต์ซึ่งมีการเก็บสะสมโบราณวัตถุอันมีค่าของโบสถ์และพรมตะวันออกไว้ .
ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2494 ศิลปินได้สอนอย่างแข็งขันโดยตระหนักถึงความฝันของเขาในการเป็น "โฮมอะคาเดมี่"

ระบบการสอนของเขาประกอบด้วยความขัดแย้งที่น่าตกใจหลายประการ (คำแนะนำเกี่ยวกับวิธีเรียนรู้โทนเสียงด้วยการ "แรเงา" ภาพถ่ายในหนังสือพิมพ์ หรือวิธีวาดภาพทิวทัศน์ด้วยแปรงขัดพื้นจากรางน้ำด้วยสารละลายสีสันสดใส) ปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงจำนวนหนึ่ง (V.G. Weisberg, Yu.A. Vedernikov, M.D. Sterligova, A.V. Kharitonov ฯลฯ ) มีความเกี่ยวข้องกับ "โรงเรียน Sitnikov" - ทั้งผ่านการฝึกงานโดยตรงและการติดต่ออย่างสร้างสรรค์ อย่างไรก็ตาม โดยทั่วไปแล้ว ด้วยข้อยกเว้นบางประการ (เช่นที่ระบุไว้ข้างต้น) โรงเรียนแห่งนี้ได้เสื่อมถอยลงจนกลายเป็นการผลิตชุดรูปภาพ "ของที่ระลึกใต้ดิน" ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา

ในปี 1975 นายท่านได้อพยพผ่านออสเตรียไปยังสหรัฐอเมริกา เขาบริจาคชิ้นส่วนที่มีค่าที่สุดของคอลเลกชันไอคอนของเขาให้กับพิพิธภัณฑ์ศิลปะรัสเซียโบราณ Andrei Rublev ข้าวของของเขาเอง "กระจัดกระจาย" แทบไม่มีร่องรอย - ไม่นับการทำซ้ำและผลงานแต่ละชิ้นในพิพิธภัณฑ์ เขาไม่ประสบความสำเร็จในต่างประเทศ
Sitnikov เสียชีวิตในนิวยอร์กเมื่อวันที่ 28 พฤศจิกายน พ.ศ. 2530
จากผลงานยุคแรกๆ ด้วยจิตวิญญาณแห่งวิชาการ เขาย้ายในช่วงทศวรรษ 1950 (โดยหลักอยู่ในวงจร "บาดแผล" ซึ่งแสดงถึงความทรงจำอันเจ็บปวดของสงคราม) ไปสู่รูปแบบดั้งเดิมที่ผสมผสานคุณลักษณะของสัญลักษณ์นิยมและลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมเข้ากับการแสดงออกที่รุนแรง

ผลงานของเขามักจะหล่อด้วยทองสัมฤทธิ์ในองค์ประกอบที่ใหญ่ที่สุดประติมากรชอบคอนกรีต
ผลงานของ Neizvestny ซึ่งรวบรวมกระบวนการก่อตัวชั่วนิรันดร์ซึ่งเป็น "รูปแบบการไหล" ชนิดหนึ่งนั้นประกอบขึ้นเป็นวงจรขนาดใหญ่ทั้งงานประติมากรรมและกราฟิก (และภาพวาดในภายหลัง): Gigantomachy (ตั้งแต่ปี 1958), รูปภาพของ Dostoevsky (ตั้งแต่ปี 1963; ใน พ.ศ. 2513 ในซีรีส์ "อนุสรณ์สถานวรรณกรรม" ตีพิมพ์นวนิยายอาชญากรรมและการลงโทษพร้อมภาพประกอบ)

ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2499 ศิลปินได้ทำงานในแผนหลักที่ทะเยอทะยานที่สุดของเขา - ต้นไม้แห่งชีวิต
,
โครงการประติมากรรมขนาดยักษ์-สิ่งแวดล้อม ซึ่งผสมผสานลวดลายของมงกุฎต้นไม้ หัวใจมนุษย์ และ "แถบโมเบียส" เข้าด้วยกันอย่างประณีต ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการรวมตัวกันอย่างสร้างสรรค์ของศิลปะและวิทยาศาสตร์

บุคคลที่ไม่รู้จักได้รับคำสั่งอย่างเป็นทางการจำนวนมาก (อนุสาวรีย์เพื่อเป็นเกียรติแก่มิตรภาพของประชาชน ที่เรียกว่าดอกบัวบนเขื่อนอัสวานในอียิปต์ พ.ศ. 2514 ภาพนูนประดับตกแต่งสำหรับสถาบันอิเล็กทรอนิกส์ในเซเลโนกราด พ.ศ. 2517 และอาคารเดิมของ คณะกรรมการกลาง CPSU ในอาชกาบัต (ปัจจุบันคือสภารัฐบาลเติร์กเมนิสถาน 2518 ฯลฯ ) เมื่อได้พบกับ N.S. Khrushchev - อย่างไรก็ตามในระหว่างเรื่องอื้อฉาวในนิทรรศการในมอสโก Manege - ต่อมาเขาได้ประหารชีวิตหลุมฝังศพของเขา (1974) โดยเน้นย้ำถึงความไม่สอดคล้องกันของการปกครองของครุสชอฟด้วยความแตกต่างเชิงสัญลักษณ์ ในปี 1976 เขาอพยพ และตั้งแต่ปี 1977 เขาตั้งรกรากอยู่ในสหรัฐอเมริกา ใกล้กับนิวยอร์ก
เทฟี

ตั้งแต่ปี 1989 ปรมาจารย์มักมารัสเซีย ตามการออกแบบของเขา มีการสร้างอนุสรณ์สถานให้กับผู้ที่ตกเป็นเหยื่อของ Gulag ในมากาดาน (1996) โดยมีใบหน้าคอนกรีตขนาดยักษ์แห่งความเศร้าโศก - เช่นเดียวกับองค์ประกอบ Revival ในมอสโก (2000) ในปี 1996 เขาได้รับรางวัลระดับรัฐ

ตั้งแต่ปี 1962 (บทความ Discovering New Things ในนิตยสาร "ศิลปะ") และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงหลายทศวรรษของการอพยพ เขาได้ให้บทความทางทฤษฎีและการบรรยายในหัวข้อ "symbiosis of Faith and Knowledge" ในงานศิลปะ ซึ่งออกแบบมาเพื่อผสมผสานประสบการณ์ทางศิลปะของ เก่าแก่และเปรี้ยวจี๊ด เขาตีพิมพ์โองการเปล่าโดยแสดงความคิดเห็นเชิงเปรียบเทียบเกี่ยวกับผลงานศิลปะของเขา ใน Uttersberg (สวีเดน) มีพิพิธภัณฑ์ "ต้นไม้แห่งชีวิต" ซึ่งอุทิศให้กับผลงานของ Unknown

https://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/0/0c/1007903.htm
ว้าว เขาเก่งมาก ฉันเคยได้ยินแต่เรื่องแย่ๆ เกี่ยวกับเขามาก่อน!!!

ความไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของสหภาพโซเวียต

ทิศทาง

ศิลปะที่ไม่เป็นทางการของสหภาพโซเวียต (หรือศิลปะอื่น ๆ ศิลปะทางเลือก ศิลปะที่ไม่สอดคล้องกับศิลปะใต้ดิน ศิลปะใต้ดิน) - ภายใต้ชื่อนี้ พวกเขารวบรวมตัวแทนของขบวนการศิลปะต่าง ๆ ในวิจิตรศิลป์ของสหภาพโซเวียตในปี 1950-1980 ซึ่งสำหรับ เหตุผลของการเซ็นเซอร์ทางการเมืองและอุดมการณ์ถูกบังคับให้ออกจากชีวิตศิลปะสาธารณะโดยเจ้าหน้าที่ทางการ เนื่องจากการดำรงอยู่ของ "ใต้ดิน" ศิลปะที่ไม่เป็นทางการในสหภาพโซเวียตจึงมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับขบวนการเยาวชนนอกระบบ (เช่น นักมโนทัศน์และฮิปปี้ในมอสโก สมาคมวิจิตรศิลป์ทดลองเลนินกราด มิทคัสและนักโยก)

ท่ามกลางเหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะที่ไม่เป็นทางการคือนิทรรศการของ Moscow Union of Artists (1962) ซึ่งได้รับการวิพากษ์วิจารณ์โดย N. Khrushchev "นิทรรศการสิบสอง" (1967) ที่สโมสร Druzhba บนทางหลวง Entuziastov ในมอสโก นิทรรศการ Bulldozer (1974) นิทรรศการหนึ่งวันของปีเดียวกันใน Izmailovsky Park ในมอสโกนิทรรศการของศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดใน Palace of Culture ที่ได้รับการตั้งชื่อตาม กาซาและพระราชวังวัฒนธรรม Nevsky ในปี 1974-75 ในเลนินกราด นิทรรศการส่วนบุคคลที่ได้รับอนุญาตอย่างเป็นทางการครั้งแรกของศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดในเลนินกราดในปี 1978 (นิทรรศการของ Evgeny Mikhnov-Voitenko ในพระราชวังวัฒนธรรม Dzerzhinsky) นิทรรศการของแผนกจิตรกรรมของ กราฟิกของคณะกรรมการร่วมของศิลปินแห่งมอสโกในห้องนิทรรศการระดับตำนานบน Malaya Gruzinskaya อายุ 28 ปี (จัดในปี 1976) ตัวแทนงานศิลปะที่ไม่เป็นทางการหลายคนถูกเจ้าหน้าที่และ KGB ข่มเหงและอพยพออกจากสหภาพโซเวียตในช่วงหลายปีที่ผ่านมา

ในขณะเดียวกัน ปรากฏการณ์ที่คล้ายกันเกิดขึ้นในชีวิตวรรณกรรมและดนตรี และเกิดขึ้นในโรงละครและภาพยนตร์ ("ภาพยนตร์ชั้นวาง" การแสดงที่ถูกห้าม)

ทิศทาง "ทางใต้" ของศิลปะอย่างไม่เป็นทางการของสหภาพโซเวียตกลายเป็นศิลปะอย่างไม่เป็นทางการในโอเดสซาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20

ที่ต้นกำเนิดของ "เปรี้ยวจี๊ดที่สองของโอเดสซา" ตามที่นักประวัติศาสตร์ศิลปะคือ Oleg Sokolov จุดเริ่มต้นของ "ความไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของโอเดสซา" คือปี 1967 เมื่อศิลปินหนุ่ม Valentin Khrushch และ Stanislav Sychev จัดนิทรรศการ "รั้ว" ของผลงานของพวกเขา "Sychik + Khrushchik" บนรั้วของโรงละครโอเปร่า Odessa นิทรรศการนี้กินเวลาเพียงสามชั่วโมง ดังนั้นการเคลื่อนไหวของศิลปะอย่างไม่เป็นทางการของโอเดสซาจึงเริ่มต้นขึ้น

ศิลปินที่รวบรวมวัฒนธรรม "เอเลี่ยน" พบหนทางสู่ผู้ชมผ่าน "นิทรรศการอพาร์ทเมนท์" แกนกลางของขบวนการที่ไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของโอเดสซาคือ V. Khrushch, Lucien Dulfan, S. Sychev, Lyudmila Yastreb, A. Anufriev, V. Strelnikov กลุ่มหลักนี้ซึ่ง Lyudmila Yastreb ตั้งชื่อให้ว่า "ผู้ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใด" ต่อมาได้เข้าร่วมโดย E. Rakhmanin, O. Voloshinov, V. Tsyupko “ความไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของโอเดสซา” แตกต่างจากงานศิลปะอย่างไม่เป็นทางการของมอสโกตรงที่ขาดความเป็นการเมือง เปลี่ยนมาใช้ “ศิลปะบริสุทธิ์” และค้นหารูปแบบสุนทรีย์ในการแสดงออกถึงตัวตน

ฉบับ samizdat ปี 1980“ ศิลปิน Odessa” ให้รายชื่อศิลปินของ Odessa เปรี้ยวจี๊ด: Valentin Khrushch, Evgeniy Rakhmanin, Nikolai Morozov, Vladimir Tsyupko, Igor Bozhko, Alexander Stovbur, Valery Basanets, Mikhail Kovalsky, Sergei Knyazev, Vladimir Naumets, Nikolai Stepanov, Alexander Dmitriev, Nadezhda Gaiduk, Vitaly Sazonov, Victor Risovich, Mikhail Chereshnya, Evgeny Godenko, Ruslan Makoev, Anatoly Shopin, Oleg Sokolov, Yuri Egorov, Alexander Anufriev, Vladimir Strelnikov, Lyudmila Yastreb, Victor Marinyuk

สมาชิกกลุ่มส่วนใหญ่อพยพ เสียชีวิต หรือย้ายไปมอสโคว์ในช่วงทศวรรษ 1980 อเล็กซานเดอร์ รอยต์เบิร์ด (เกิด พ.ศ. 2504) เป็นศิลปินและภัณฑารักษ์ที่ดำเนินกิจกรรมสร้างสรรค์เพื่อส่งเสริมศิลปะโอเดสซาและยูเครนไปสู่ระดับนานาชาติ ความไม่เป็นไปตามแบบแผนของเปรี้ยวจี๊ดในยุคนั้น Valery Geghamyan (2468-2543) ซึ่งกลายเป็นผู้ก่อตั้งแผนกศิลปะและกราฟิกของ Odessa Pedagogical Institute และคณบดี Alexey Ilyushin (เกิด พ.ศ. 2469) อาจเป็นตัวแทนคนสุดท้ายของ "ความไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของโอเดสซา" ซึ่งอาศัยอยู่ในโอเดสซาและมองเห็นทุกช่วงเวลาเป็นผู้สร้างทิวทัศน์ที่สดใสและภาพวาดประเภทต่างๆ ซึ่งเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านองค์ประกอบที่รอบคอบ

ในปี 1990 ตัวอย่างมากมายของ "ศิลปะที่ไม่เป็นทางการ" รวมอยู่ในคอลเลกชันและนิทรรศการของ State Tretyakov Gallery, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่มอสโก, ศูนย์ศิลปะร่วมสมัยแห่งรัฐ (NCCA) ไม่ต้องพูดถึงแกลเลอรีส่วนตัว .

พิพิธภัณฑ์ศิลปะที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กถูกสร้างขึ้นโดย Free Culture Partnership ในปี 1998 โดยเป็นส่วนหนึ่งของศูนย์ศิลปะ "Pushkinskaya, 10"

ในปี 2000 พิพิธภัณฑ์ศิลปะอื่น ๆ ได้เปิดขึ้นที่ Russian State Humanitarian University (RGGU) มีพื้นฐานมาจากคอลเลกชันงานศิลปะที่ไม่เป็นทางการซึ่งรวบรวมโดยนักสะสมชาวมอสโกในตำนาน Leonid Prokhorovich Talochkin (2479-2545)

นี่เป็นส่วนหนึ่งของบทความ Wikipedia ที่ใช้ภายใต้ใบอนุญาต CC-BY-SA ข้อความเต็มของบทความที่นี่ →

ปัจจุบัน ศิลปะที่ไม่เป็นทางการแห่งทศวรรษ 1970 เริ่มดึงดูดความสนใจของนักสะสมและนักวิจัยมากขึ้นเรื่อยๆ ขณะเดียวกันก็ทำให้ทั้งสองคนท้อใจ ทั้งจากการขาดสิ่งพิมพ์ที่มีความหมาย และจากความเชื่อผิดๆ มากมายที่งอกออกมาจากข้อมูลที่ไม่น่าไว้วางใจและบางครั้งก็จงใจบิดเบือนที่มาจาก จากความชอบส่วนตัวของศิลปิน นักประวัติศาสตร์ศิลปะ และนักสะสม

บานนิคอฟ นิโคเลย์ (1942)
ความเยาว์. ทศวรรษ 1970

ยุคตั้งแต่ความพ่ายแพ้ของครุสชอฟทางปีกซ้ายของสหภาพศิลปินมอสโกใน Manege ในปี 2505 ไปจนถึง "นิทรรศการ Bulldozer" ในปี 1974 ได้รวบรวมกลุ่มอายุหกสิบเศษกลุ่มเล็ก ๆ - ผู้ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใด - ผู้ริเริ่มการดำเนินการจัดนิทรรศการซึ่งจบลงด้วยความพ่ายแพ้ของรถปราบดิน

บานนิคอฟ นิโคเลย์ (1942)
หญิงสาว. ทศวรรษ 1970

กระแสโฆษณาและเรื่องอื้อฉาวที่ตามมาในสื่อตะวันตกทำให้นักอุดมการณ์โซเวียตต้องลดแรงกดดันต่อศิลปินบางคนลงเล็กน้อย และอนุญาตให้จัดนิทรรศการ "เกินขนาด" ในห้องเล็กๆ ภายใต้การดูแลอย่างใกล้ชิดของ "เจ้าหน้าที่" สถานที่ดังกล่าวเป็นสหภาพแรงงานของศิลปินกราฟิกบน Malaya Gruzinskaya 28 ซึ่งมีการสร้างส่วนจิตรกรรมซึ่งรวมถึงศิลปินกลุ่มศิลปะที่ไม่เป็นทางการกลุ่มนี้โดยเฉพาะ นิทรรศการส่วนแรกเกิดขึ้นในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2519 ก่อนหน้านั้น มีการจัดนิทรรศการศิลปะอย่างไม่เป็นทางการสองรายการ: ในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2518 ในศาลาการเลี้ยงผึ้งและในเดือนกันยายนของปีเดียวกันในศาลา House of Culture ที่ VDNKh

บานนิคอฟ นิโคเลย์ (1942)
แซนเดอร์ 1968

การตัดสินใจลดการหย่อนยานสำหรับศิลปินผู้ดื้อรั้นกลุ่มเล็กๆ ไม่ใช่การกระทำด้วยความปรารถนาดี แต่เป็นการถูกบังคับให้ล่าถอยภายใต้การโจมตีของการกล่าวหาว่าป่าเถื่อนที่มาจากตะวันตก หลังจากเกิดเรื่องอื้อฉาวอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนเกี่ยวกับการทำลายภาพวาดในนิทรรศการชื่อเล่นว่า "รถปราบดิน" ".

มาคอฟ อีวาน (1938)
ความลับของชาวดัตช์บินได้ 1978

ดังนั้นแรงกดดันเชิงรุกจากภายใน จากกลุ่มนักเคลื่อนไหวของศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใด และจากภายนอก จากการโฆษณาชวนเชื่อเชิงอุดมการณ์ตะวันตก ได้สร้างแบบอย่างขึ้น: เจ้าหน้าที่ได้เปิดพื้นที่นิทรรศการที่ได้รับการตรวจสอบอย่างดี และลดเหตุผลในการวิพากษ์วิจารณ์จากเวกเตอร์ที่กล่าวถึงก่อนหน้านี้ลงอย่างมาก ของความกดดัน

บารินอฟ มิคาอิล (1947)
เที่ยง ครั้งที่ 1 พ.ศ. 2521

นี่คือจุดเริ่มต้นของประวัติศาสตร์ “มาลายา กรูซิงกา” ซึ่งนำเสนอการค้นพบนิทรรศการที่โดดเด่นที่สุดจนถึงปี 1980 การตัดสินใจของทางการไม่เพียงได้รับอิทธิพลจากเหตุการณ์ที่กล่าวมาข้างต้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงข้อเท็จจริงของการจัดนิทรรศการอพาร์ตเมนต์ในยุค 60 และต้นยุค 70 รวมถึงกิจกรรมของร้านเสริมสวยในอพาร์ตเมนต์บางแห่ง เช่น ร้านทำผม Sychev บน Rozhdestvensky Boulevard หรือของ Nika Shcherbakova ร้านเสริมสวยบนถนน Sadovo นักการทูตต่างประเทศก็มาเยือนที่นี่เช่นกัน พบปะกับผู้ไม่เห็นด้วย ซื้อภาพวาด จึงสนับสนุนงานศิลปะที่ไม่เป็นทางการ

เบลียูติน เอลี (1925)
พูดคุย. การบรรจบกัน 1981

มีความคิดเห็นในหมู่ผู้ร่วมสมัยของเหตุการณ์ที่อธิบายไว้ข้างต้นว่าด้วยการสร้าง "บ่อ" เล็ก ๆ สำหรับกิจกรรมนิทรรศการของศิลปินกบฏ KGB ทำให้งานในการควบคุมสถานการณ์ง่ายขึ้นและอาจระงับการยั่วยุตามอุดมการณ์ส่วนบุคคลในส่วนของผู้ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใด ในเวลาเดียวกันบทบาทของการจัดนิทรรศการอพาร์ทเมนท์ลดลงการติดตามซึ่งจำเป็นต้องมีการดำเนินงานที่ซับซ้อนมากขึ้น นอกจากนี้ยังมีความเห็นว่า KGB พยายามแยกกลุ่มศิลปินที่ไม่เป็นทางการออกเพื่อป้องกันไม่ให้พวกเขาพัฒนาตำแหน่งเดียว จำกัด ความคิดริเริ่มและการทดลองเชิงสร้างสรรค์ให้มากที่สุด

โวโรชิลอฟ อิกอร์ (2482-2532)
สอง. 1980

ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่กลุ่มศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดที่เริ่มต้นการเดินทางอย่างสร้างสรรค์ในช่วงรุ่งสางของทศวรรษที่ 70 บางครั้งถูกเรียกว่าเป็นรุ่น "คนนอกรีต" การดูถูกและความเกลียดชังจากตัวแทนงานศิลปะอย่างเป็นทางการทำให้พวกเขามีเหตุผลเพียงเล็กน้อยในการมองโลกในแง่ดี กรอบที่เข้มงวดของการยอมรับไม่ได้ทางอุดมการณ์ได้กำหนดลักษณะเฉพาะของผลงานของศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดในยุค 70 ยกเว้นศิลปะการประท้วง ไม่สามารถเน้นไปที่การสะท้อนทางสังคม การไตร่ตรอง การอภิปรายในวงกว้าง หรือความสำเร็จในเชิงพาณิชย์

เบลซ เซอร์เกย์ (1945)
องค์ประกอบหมายเลข 20 พ.ศ. 2518

ผู้ชมเป็นกลุ่มเพื่อนและผู้ชื่นชมในวงแคบๆ การทำงาน "บนโต๊ะ" หรือ "ที่มุมห้องทำงาน" เปิดทางให้ใครบางคนมีอิสระในการทดลอง การสำรวจพื้นที่ภายในของจิตสำนึก การขยายตัว คนอื่นๆ หมดหวังเพราะการดื่มสุรา มีการแบ่งชั้นของผู้ที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดกลุ่มเล็กๆ - บางคนเลือกการทดลองอย่างเป็นทางการด้วยไวยากรณ์ การออกแบบองค์ประกอบ องค์ประกอบทางเทคโนโลยีและโวหาร

เบลซ เซอร์เกย์ (1945)
องค์ประกอบหมายเลข 13 พ.ศ. 2517

อีกส่วนที่เล็กกว่าเข้าไปในการค้นหาทางจิตวิญญาณในส่วนลึกของเนื้อหาเลื่อนลอยของภาพในการศึกษาภาพในฐานะหม้อแปลงไฟฟ้าและผู้ระเหิดของจิตสำนึกของทั้งผู้สร้างและผู้ชม มันเป็นแง่มุมของการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ในขอบเขตของพื้นที่ความหมายของภาพวาดที่ทำให้ศิลปินบางคนในกลุ่มนี้เข้าใจเชิงทฤษฎีและจากนั้นก็นำไปสู่การพัฒนาประสบการณ์ทางศาสนาในทางปฏิบัติ

วูโลคห์ อิกอร์ (1938)
ทิวทัศน์. ทศวรรษ 1970

การขาดการติดต่อโดยตรงกับศิลปะตะวันตกสมัยใหม่และการไม่สามารถเข้าถึงข้อมูลเกี่ยวกับเปรี้ยวจี๊ดในประเทศในยุค 20 ทำให้เกิดบรรยากาศของสุญญากาศ "การทำอาหารในน้ำผลไม้ของตัวเอง" ซึ่งทำให้งานของผู้ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดในยุค 70 มีคุณลักษณะเฉพาะบางอย่าง . ข้อมูลที่เป็นกระจัดกระจายเกี่ยวกับเปรี้ยวจี๊ดตะวันตกมาจากนิตยสารศิลปะในประเทศสังคมนิยม ค่ายและ Skira รุ่นหายากที่ผ่านวงล้อม

ไกดุก นาเดซดา (1948)
โอเดสซา 1974

สิ่งนี้กระตุ้นกระบวนการสร้างตำนานบางอย่างเกี่ยวกับงานและชีวิตของศิลปินทั้งในระดับบุคคลและกลุ่ม ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บางครั้งคนอายุเจ็ดสิบถูกเรียกว่า "นักตำนานส่วนตัว" แม้จะมีความยากลำบาก กิจกรรมนิทรรศการที่วัดได้เพียงเล็กน้อยที่ Malaya Gruzinka 28 ก็กลายเป็นห้องทดลองสร้างสรรค์สำหรับศิลปินในสาขาการทดลองและเทคโนโลยีด้านโวหาร ซึ่งเป็นสาขาสำหรับการแลกเปลี่ยนประสบการณ์ทางวิชาชีพร่วมกัน การค้นหาและการเติบโตอย่างสร้างสรรค์ แนวความคิดของอายุหกสิบเศษนั้นเต็มไปด้วยการค้นพบใหม่ในด้านการสร้างรูปแบบและการทำให้เนื้อหาลึกซึ้งยิ่งขึ้น

ไกดุก นาเดซดา (1948)
เดิน. ในความทรงจำของ A. TIKHOMIROV 1981

นักเรียนกลุ่มหนึ่งของ Vasily Sitnikov พัฒนาขึ้นโดยก้าวไปสู่การเรียนรู้ระดับเลื่อนลอยและลึกลับของมิติการแต่งเพลง แนวความคิดดั้งเดิมของศิลปะนีโอไร้เดียงสา เช่นเดียวกับนีโอและโพสต์สัญลักษณ์ได้รับการพัฒนา เวอร์ชันส่วนตัวของสถิตยศาสตร์ ความเรียบง่าย และไฮเปอร์เรียลลิสม์ได้รับการพัฒนา แนวโน้มที่โดดเด่นในการวาดภาพด้วยธีมทางศาสนาเกิดขึ้น

ไกดุก นาเดซดา (1948)
ลานมอสโก 1976

ศิลปะการแสดงและการทำสมาธิแบบกลุ่ม การทดลองในด้านการเคลื่อนไหวบนเวที และการจัดฉากแนวหน้าได้เกิดขึ้นจริง ความคิดสร้างสรรค์ของ "การวาดภาพทันที" โดย Anatoly Zverev มาถึงรุ่งอรุณแล้ว การเคลื่อนไหวของนีโอเอ็กซ์เพรสชันนิสต์เป็นรูปเป็นร่างขึ้น จิตรกรรมแนวนีโอประวัติศาสตร์ จิตรกรรมภูมิทัศน์เลื่อนลอย และแม้แต่จิตรกรรมแนวใหม่ก็ได้พัฒนาขึ้น

กลูคอฟ วลาดิมีร์ (2480-2528)
ภูมิทัศน์.1970

การก่อตัวของภาษาศิลปะของผู้ที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดในยุคเจ็ดสิบเกิดขึ้นกับเบื้องหลังและขัดแย้งกับแนวทางการของสหภาพศิลปินโดยมีแนวทางปฏิบัติ บรรทัดฐาน ถ้อยคำที่เบื่อหูและข้อห้ามทางวิชาชีพ ในช่วงกลางทศวรรษที่ 70 "รูปแบบที่รุนแรง" กำลังลดลงและ "ฝ่ายซ้าย" ของสหภาพศิลปินมอสโกพยายามค้นหาภาษาพลาสติกใหม่ภายในขอบเขตของสิ่งที่ได้รับอนุญาต

กอร์ดีฟ มิทรี (1940)
ลานในหมู่บ้าน 1977

โดยพื้นฐานแล้ว สิ่งเหล่านี้เป็น "การเคลื่อนไหว" ที่ตีความได้จากสไตล์ที่ทันสมัยในตะวันตก ซึ่งสามารถนำไปปรับใช้กับ "แนวทั่วไป" ของสัจนิยมสังคมนิยมได้ ตัวอย่างเช่นนี่เป็นแนวของรูปแบบที่แตกต่างกันในธีมของ "ศิลปะไร้เดียงสา" ซึ่ง "หลุดออกไป" ภายใต้อุดมการณ์ของ "พื้นบ้าน, พื้นเมือง" - หรือแนวของ "นีโอคลาสซิซิสซึ่ม" โดยเริ่มต้นจากนักอนุรักษ์นิยมของโปรโตอิตาลี -ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

จห์ดาน วลาดิสลาฟ (1940)
หุ่นนิ่ง – ภาพเหมือน อุทิศให้กับ บี. พาสเทิร์นนัก. 1969

หรือตัวอย่างเช่น เวอร์ชันโซเวียตของลัทธิเหนือจริงแบบอเมริกัน ซึ่งสร้างความมั่นคงทางอุดมการณ์ด้วยทั้ง "โครงเรื่องสารคดี" และ "ความสมจริงของสิ่งที่ทำเสร็จแล้ว" และนำเสนอตัวเองว่าเป็นแนวทางที่ทันสมัยและสร้างสรรค์ของลัทธิสัจนิยมสังคมนิยม ในตอนท้ายของทศวรรษที่ 70 กลุ่มศิลปินด้านซ้ายของสหภาพศิลปินมอสโกได้กลายเป็นรูปแบบของการแสดงออกของชาวเยอรมันในยุค 20 ซึ่งปรับให้เข้ากับสัจนิยมสังคมนิยมรวมกับนวัตกรรมทางเทคโนโลยีของการแสดงออกแบบนีโออเมริกันในยุค 40-60 ของพอลแล็คและผู้ติดตามของเขา

ปรียาดิขิน วลาดิมีร์ (1947)
สำนักงาน. 1994

ดังนั้นในช่วงทศวรรษที่ 70 ขอบเขตของงานศิลปะอย่างเป็นทางการจึงขยายออกไปอย่างมาก รวมถึงการพัฒนาพลาสติกบางส่วนในกระแสหลักตะวันตก ซึ่งปรับให้เข้ากับอุดมการณ์และความคิดภายในประเทศของผู้ปฏิบัติงานด้านศิลปะที่ดำเนินการกระจายคำสั่งซื้อ นโยบายการจัดซื้อของกระทรวงวัฒนธรรม กองทุนศิลปะ และสหภาพศิลปิน

ซูบาเรฟ วลาดิสลาฟ (1937)
องค์ประกอบ. 1971

เส้นพลาสติกที่แยกจากพื้นหลังของชีวิตศิลปะในยุค 60-70 คือโรงเรียนของ Eliya Belutin และยังใกล้กับต้นยุค 80 อีกด้วยโรงเรียนของ Zubarev

คาลูกิน อเล็กซานเดอร์ (1949)
ความคาดหวัง 1972-73

สิ่งเหล่านี้เป็นความพยายามที่จะ "ทำให้คนเปรี้ยวจี๊ดถูกกฎหมาย" โดยใช้วิธีการสอนวิจิตรศิลป์ การออกแบบ และการจัดองค์ประกอบภาพ การทดลองนี้ "ถูกต้องตามกฎหมาย" ในโรงเรียนเหล่านี้ภายใต้กรอบของวิธีการสอนภาษาพลาสติก โดยถือว่าภาษานี้เป็นรูปแบบที่เป็นทางการ วิธีการเหล่านี้แม้จะดำเนินการภายในกรอบกระบวนการสอนในท้องถิ่นล้วนๆ แต่ก็มีอิทธิพลต่อจิตสำนึกและการก่อตัวของภาษาศิลปะของศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดจำนวนหนึ่ง

คิสลิตซิน อิกอร์ (1948)
โคมไฟ. 1974

ในระหว่างกิจกรรมนิทรรศการในยุค 70 ของชั้นใต้ดินบน Malaya Gruzinskaya ตัวแทนแต่ละคนของ "ปีกซ้าย" ของสหภาพศิลปินมอสโกได้เข้าร่วมในนิทรรศการจำนวนหนึ่ง แต่โดยทั่วไปแล้วศิลปินของปีกนี้ต่อต้านศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใด ไม่ต้องพูดถึงสมาชิกสหภาพศิลปินจำนวนมากที่อิจฉาและเป็นศัตรูกับงานของพวกเขา ลักษณะพิเศษของชีวิตนิทรรศการของชั้นใต้ดินบน Malaya Gruzinskaya คือการจัดแสดงศิลปินรุ่นต่างๆ ที่ถูกบังคับให้ออกจากงานศิลปะอย่างเป็นทางการหรือผู้ที่ต่อต้านตนเองอย่างเปิดเผย

โคโลเตฟ วาซิลี (1953)
การจับกุมนักโฆษณาชวนเชื่อ 1979

ภายในปี 1980 ศิลปินเหล่านี้บางคนออกจากสหภาพโซเวียต ในปีพ. ศ. 2524 ผู้นำของสหภาพแรงงานได้ดำเนินการ "ล้าง" ตำแหน่งของส่วนจิตรกรรมและไล่ออกจากที่นั่นภายใต้ข้ออ้างว่าขาดใบรับรองความร่วมมือที่ผิดปกติกับสำนักพิมพ์ซึ่งเป็นศิลปินฝ่ายค้านจำนวนหนึ่งที่น่ารังเกียจ

โคโลเตฟ วาซิลี (1953)
เพลาที่เก้า 1979

กิจกรรมนิทรรศการยังคงดำเนินต่อไปในยุค 80 แต่เมื่อถึงจุดเริ่มต้นของเปเรสทรอยกา ความไม่เป็นไปตามข้อกำหนดได้ถูกผลักดันมากขึ้นโดยร้านเสริมสวย ศิลปะศิลปไร้ค่า รูปแบบปลอมของหลอกเปรี้ยวจี๊ดซึ่งในช่วงปลายยุค 80 เริ่มมีชัย สร้าง อนิจจา ความคิดเห็นเชิงลบเกี่ยวกับภาพวาดที่จัดแสดงในห้องใต้ดินที่มีชื่อเสียงในขณะนี้

โครอตอฟ วิคเตอร์ (1945)
การอุทิศให้กับโกยา 1975

น่าเสียดายที่เวลาได้จัดการกับมรดกของผู้ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดในยุค 70 อย่างไร้ความปรานี เป็นไปไม่ได้ที่จะสร้างภาพที่สมบูรณ์ของกระบวนการสร้างสรรค์ในยุคนั้นขึ้นมาใหม่โดยประมาณ ประการแรกเนื่องจากผู้เข้าร่วมงานในยุคนี้เสียชีวิตทางร่างกายจำนวนมากทำให้ผลงานในต่างประเทศหายไปอย่างไร้ร่องรอย

โปรโวโตรอฟ วลาดิสลาฟ (1947)
วิสัยทัศน์ 1984

ประการที่สองการขาดการจัดนิทรรศการการอภิปรายสิ่งพิมพ์เกี่ยวกับปรากฏการณ์เช่นศิลปะที่ไม่เป็นทางการของยุค 70 ไม่เกี่ยวกับบุคลิกของแต่ละบุคคล แต่เกี่ยวกับกระบวนการโดยรวมนำไปสู่ความจริงที่ว่าหายไปจากความทรงจำทางสังคมไปมากและสิ่งที่เหลืออยู่ก็รกเกินไป กับตำนานบุคคลและกลุ่มทั้งผู้ประสงค์ร้ายและผู้รอดชีวิตที่เข้าร่วมงาน

คุซเน็ตซอฟ คอนสแตนติน (1944)
ซาริตซิโน. 1982

นิทรรศการขนาดเล็กที่นำเสนอนั้นเป็นงานที่ไม่ซับซ้อน - หากเป็นไปได้ จะต้องระบุและแนะนำผู้ชื่นชอบงานศิลปะและนักสะสมให้กับศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดอย่างน้อยบางส่วนจาก "การโทรครั้งแรก" ของกิจกรรมนิทรรศการของห้องโถงบน Malaya Gruzinskaya 28 ซึ่งรวมถึงพวกเขาจนถึง ต้นยุค 80 ศิลปินที่เป็นตัวแทนส่วนใหญ่มีส่วนร่วมในกระบวนการจัดนิทรรศการตั้งแต่การจัดนิทรรศการครั้งแรกในส่วนจิตรกรรมในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2519 การฉายภาพสำหรับอนาคตยังประกอบด้วยการแนะนำผู้ชมให้รู้จักผลงานของศิลปินเหล่านี้อย่างเต็มที่มากขึ้นในระดับส่วนตัว

เลเชนโก วลาดิมีร์ (1939)
อาร์เมเนีย 1982

นิทรรศการนี้เป็นการยกย่อง Norton Dodge นักสะสมงานศิลปะอย่างไม่เป็นทางการของโซเวียตชาวอเมริกันผู้โด่งดัง ผู้เขียนคำว่า "ความไม่ลงรอยกันของโซเวียต" ฉันอยากจะสังเกตความจริงที่ว่านักวิจัย ผู้ค้นพบ และผู้ใจบุญที่ยอดเยี่ยมคนนี้ไม่เพียงแต่ดึงดูดความสนใจไปที่แง่มุมทางการเมืองของการประท้วงของปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมนี้เท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงความเป็นเอกลักษณ์ในฐานะงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ด้วย

ชิบาโนวา นาตาเลีย (1948)
ยังมีชีวิตอยู่ 1972

ในฐานะส่วนหนึ่งของประวัติศาสตร์ศิลปะโลก N. Dodge ต้องขอบคุณคอลเลคชันพิพิธภัณฑ์ของเขาที่ได้อนุรักษ์และส่งต่อหน้าประวัติศาสตร์แห่งชาติที่มีอคติต่อนักวิจารณ์ศิลปะในประเทศและผู้ประสงค์ร้ายสมัยใหม่ - "นักความจริง" และเพื่อนร่วมงานของ โลกาภิวัตน์ของวัฒนธรรม - จงใจต้องการที่จะเงียบ

สมาชิกของสหภาพศิลปินมอสโก S.V. โปตาปอฟ

ตั้งแต่เดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2517 ทางการเริ่มดำเนินการตามการกระทำที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อปราบปรามการเคลื่อนไหวของศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใด ได้แก่ จิตรกร ประติมากร และศิลปินกราฟิกที่ไม่ยอมรับหลักคำสอนของศิลปะที่ยังไม่เกิดของสัจนิยมสังคมนิยมและปกป้องสิทธิ์ในการ เสรีภาพในการสร้างสรรค์

และก่อนหน้านี้ เป็นเวลาเกือบยี่สิบปี ความพยายามของศิลปินเหล่านี้ในการแสดงก็ไร้ผล นิทรรศการของพวกเขาถูกปิดทันทีและสื่อมวลชนเรียกผู้ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดว่าเป็น "ผู้กำหนดอุดมการณ์ชนชั้นกลาง" หรือ "คนโกงที่ไร้ความสามารถ" หรือเกือบจะเป็นผู้ทรยศต่อมาตุภูมิ ดังนั้นใคร ๆ ก็สามารถประหลาดใจกับความกล้าหาญและความอุตสาหะของปรมาจารย์เหล่านี้ซึ่งแม้จะมีทุกอย่างก็ยังคงซื่อสัตย์ต่อตนเองและศิลปะของพวกเขา

ดังนั้นในปี 1974 กองกำลัง KGB จึงถูกโยนเข้าใส่พวกเขา ศิลปินถูกควบคุมตัวบนถนน ถูกขู่เข็ญ และพาไปที่ Lubyanka ในมอสโกและบ้านหลังใหญ่ในเลนินกราด ตามลำดับ ถูกแบล็กเมล์ และพยายามติดสินบนพวกเขา

โดยตระหนักว่าหากพวกเขายังคงเงียบ พวกเขาจะถูกรัดคอตาย กลุ่มจิตรกรที่ไม่เป็นทางการจึงจัดนิทรรศการกลางแจ้งเมื่อวันที่ 15 กันยายน พ.ศ. 2517 ในที่ดินว่างในพื้นที่ Belyaevo-Bogorodskoye รถปราบดิน เครื่องรดน้ำ และตำรวจ ต่างออกมาต่อต้านนิทรรศการนี้ ภาพวาดสามภาพเสียชีวิตภายใต้หนอนผีเสื้อ สองภาพถูกเผาด้วยไฟที่จุดอยู่ตรงนั้น และหลายภาพขาดวิ่น ผู้ริเริ่มนิทรรศการนี้ ผู้นำของศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดในมอสโก ออสการ์ ราบิน และจิตรกรอีกสี่คนถูกจับกุม

รถปราบดินสังหารหมู่นี้ซึ่งลงไปในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียทำให้เกิดความขุ่นเคืองในตะวันตก วันรุ่งขึ้น ศิลปินประกาศว่าภายในสองสัปดาห์พวกเขาจะกลับมาพร้อมภาพวาดที่เดิม และในสถานการณ์เช่นนี้ผู้มีอำนาจก็ถอยกลับไป เมื่อวันที่ 29 กันยายน นิทรรศการศิลปะรัสเซียอย่างไม่เป็นทางการที่ได้รับอนุญาตอย่างเป็นทางการครั้งแรกจัดขึ้นที่สวนสาธารณะ Izmailovsky ซึ่งมีจิตรกรไม่สิบสองคน แต่มีจิตรกรมากกว่าเจ็ดสิบคนเข้าร่วม

แต่แน่นอนว่าผู้ที่ตัดสินใจปราบปรามงานศิลปะรัสเซียเสรีไม่ได้วางแขนลง ทันทีหลังจากนิทรรศการ Izmailovo บทความใส่ร้ายเกี่ยวกับศิลปินที่ไม่เป็นทางการก็ปรากฏในนิตยสารและหนังสือพิมพ์อีกครั้ง และหน่วยงานลงโทษก็โจมตีศิลปินที่กระตือรือร้นโดยเฉพาะและนักสะสมที่เข้าร่วมในการจัดนิทรรศการกลางแจ้งสองเดือนกันยายน และระหว่างปี 1974 ถึง 1980 ปรมาจารย์ส่วนใหญ่ที่อาศัยอยู่ในตะวันตกก็ออกจากประเทศไปในช่วงระหว่างปี 1974 ถึง 1980 มีมากกว่าห้าสิบคนรวมถึง Ernst Neizvestny, Oleg Tselkov, Lydia Masterkova, Mikhail Roginsky, Vitaly Komar และ Alexander Melamid, Alexander Leonov, Yuri Zharkikh และคนอื่น ๆ อีกมากมาย Oscar Rabin ถูกเพิกถอนสัญชาติโซเวียตในปี 1978 (ในปี 1990 ตามคำสั่งของประธานาธิบดี เขาได้คืนสัญชาติโซเวียตให้กับเขา) ก่อนหน้านี้ในอายุเจ็ดสิบต้น ๆ มิคาอิลเชมยาคินและยูริคูเปอร์ตั้งรกรากอยู่ในยุโรป

แน่นอนว่าจิตรกรที่ไม่เป็นทางการที่ยอดเยี่ยมของเรากลุ่มใหญ่ยังคงอยู่ในรัสเซีย (Vladimir Nemukhin, Ilya Kabakov, Dmitry Krasnopevtsev, Eduard Steinberg, Boris Sveshnikov, Vladimir Yankilevsky, Vyacheslav Kalinin, Dmitry Plavinsky, Alexander Kharitonov และคนอื่น ๆ ) แต่มีมากกว่านั้นในทางปฏิบัติ ไม่มีการจัดนิทรรศการฟรีอย่างแท้จริงและมีข่าวลืออย่างต่อเนื่องเกี่ยวกับผู้ที่จากไป (แม้แต่จดหมายก็ถูกส่งจากตะวันตก) พวกเขากล่าวว่าไม่มีใครในยุโรปและสหรัฐอเมริกาต้องการพวกเขา ไม่มีใครสนใจงานของพวกเขา พวกเขาเป็น หิวแทบตาย เจ้าหน้าที่ศิลปะเตือนผู้ที่ยังเหลืออยู่ว่า “หากคุณเริ่มกบฏ เราจะไล่คุณออก คุณจะยากจนที่นั่น”

ในขณะเดียวกันในความเป็นจริงในตะวันตกในเวลานั้น (ครึ่งหลัง - ปลายทศวรรษที่ 70) ความสนใจในศิลปะรัสเซียอย่างไม่เป็นทางการนั้นยอดเยี่ยมมากเป็นพิเศษ นิทรรศการขนาดใหญ่ของศิลปินชาวรัสเซียเกิดขึ้นในพิพิธภัณฑ์และห้องนิทรรศการในปารีส ลอนดอน เบอร์ลินตะวันตก โตเกียว วอชิงตัน และนิวยอร์ก ในปี 1978 Biennale of Russian Unofficial Art จัดขึ้นที่เมืองเวนิสและประสบความสำเร็จอย่างมาก ภายในหนึ่งเดือน มีผู้เยี่ยมชมนิทรรศการนี้ 160,000 คน “เราไม่มีผู้ชมมากขนาดนี้มานานแล้ว” คาร์โล ริปเป ดิ เมียนโน ประธาน Biennale กล่าว

จริงอยู่ ผู้คลางแคลงแย้งว่าความสนใจนี้มีลักษณะทางการเมืองล้วนๆ พวกเขากล่าวว่าเราต้องดูว่าเป็นภาพวาดประเภทใดที่ถูกห้ามในสหภาพโซเวียต แต่เมื่อพวกเขานึกถึงนักสะสมชาวตะวันตกที่เต็มใจซื้อภาพวาดและกราฟิกจากศิลปินชาวรัสเซียมากขึ้นเรื่อย ๆ ผู้คลางแคลงใจก็เงียบไป พวกเขาเข้าใจว่าไม่มีนักสะสมคนใดยอมเสียเงินไปกับภาพวาดเพราะว่ายังมีข้อพิจารณาทางการเมืองอยู่บ้าง และยิ่งไปกว่านั้น ด้วยเหตุผลดังกล่าว หอศิลป์ตะวันตกจะไม่ร่วมมือกับศิลปิน และแน่นอนว่า เนื่องจากการเมือง นักวิจารณ์ศิลปะที่จริงจังจะไม่เขียนเอกสารหรือบทความเกี่ยวกับศิลปินคนใด แต่มีบทความดังกล่าวจำนวนมากที่ได้รับการตีพิมพ์ เอกสารเกี่ยวกับผลงานของ Ernst Neizvestny, Oleg Tselkov, Vitaly Komar และ Alexander Melamid, Mikhail Shemyakin ได้รับการตีพิมพ์ในประเทศต่างๆ มีการเผยแพร่แคตตาล็อกนิทรรศการส่วนตัวและนิทรรศการกลุ่มอันน่านับถือหลายสิบรายการ

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 70 บทความเรื่อง "The Russian Front is Advancing" ปรากฏในนิตยสารศิลปะฉบับหนึ่งของฝรั่งเศส การตีพิมพ์เกิดจากการที่ปารีสมีการจัดนิทรรศการศิลปะรัสเซียร่วมสมัยสามครั้งพร้อมกัน นี่ดูเหมือนขาดความสนใจเลยเหรอ?

ในปารีส พวกเขากล่าวว่าศิลปินประมาณหนึ่งแสนคนอาศัยและทำงานอยู่ ยังมีอีกมากในนิวยอร์ก ใครๆ ก็อยากร่วมงานกับแกลเลอรี การแข่งขันเป็นเรื่องยาก และในเวลาเดียวกัน ศิลปินผู้อพยพชาวรัสเซียจำนวนมากมีสัญญาถาวรกับแกลเลอรีในปารีสและนิวยอร์ก หรือจัดแสดงในแกลเลอรีบางแห่งในยุโรปและสหรัฐอเมริกาเป็นประจำ

เป็นเวลาหลายปีที่ Yuri Cooper, Boris Zaborov, Yuri Zharkikh, Mikhail Shemyakin (ก่อนที่จะย้ายไปสหรัฐอเมริกา) ทำงานและทำงานกับแกลเลอรีชื่อดังของปารีสต่อไป ในนิวยอร์ก Vitaly Komar และ Alexander Melamid, Ernst Neizvestny และ Shemyakin ผูกพันตามสัญญากับแกลเลอรี Oleg Tselkov ชาวปารีสทำงานร่วมกับแกลเลอรี Eduard Nakhamkin ในนิวยอร์กมาหลายปีแล้ว ออสการ์ ราบิน "ชาวฝรั่งเศส" ชาวรัสเซียอีกคนได้เซ็นสัญญากับแกลเลอรีแห่งหนึ่งในปารีส

Vladimir Titov, Mikhail Roginsky, Alexander Rabin จัดแสดงในแกลเลอรียุโรปอย่างต่อเนื่องและบ่อยครั้ง ในสหรัฐอเมริกา Lev Mezhberg, Leonid Sokov และจิตรกรและศิลปินกราฟิกคนอื่นๆ ประสบความสำเร็จในการทำงานร่วมกับแกลเลอรี

ในคอลเลกชันส่วนตัวของฝรั่งเศสและอเมริกาหลายรายการฉันได้พบผลงานของปรมาจารย์ข้างต้นซ้ำแล้วซ้ำอีก เช่นเดียวกับ Vladimir Grigorovich, Valentina Kropivnitskaya, Vitaly Dluga, Valentina Shapiro... ยิ่งไปกว่านั้นเป็นที่น่าสนใจว่าในตะวันตกโดยเฉพาะในปารีส ในช่วงกลางทศวรรษที่ 70 พวกเขาเริ่มมีนักสะสมงานศิลปะรัสเซียฟรีปรากฏตัว

“ศิลปินเหล่านี้อาศัยอยู่อย่างไรและทำงานที่ไหน” - ผู้อ่านอาจถาม.

ผมจะตอบว่าในส่วนของที่อยู่อาศัยและพื้นที่ทำงานทุกอย่างจัดวางอย่างเหมาะสม ในกรณีที่เลวร้ายที่สุด ห้องหนึ่งในอพาร์ทเมนท์ทำหน้าที่เป็นสตูดิโอสำหรับศิลปิน หลายแห่งมีสตูดิโอแยกกัน เช่น Komar, Melamid, Shemyakin, Zaborov, Sokov และบางคนถึงกับชอบที่จะมีอพาร์ทเมนต์และเวิร์กช็อปในที่เดียวโดยไม่ต้องเสียเวลาเดินทาง (ไม่ทราบ, Cooper, O. Rabin, Mezhberg)

“เป็นไปได้จริงหรือ” ผู้อ่านที่ไม่เชื่อบางคนจะถามว่า “ทุกอย่างดีสำหรับศิลปินผู้อพยพ ประสบความสำเร็จอย่างต่อเนื่องและประสบความสำเร็จหรือไม่”

ไม่แน่นอน ปรมาจารย์ผู้มีความสามารถของเราบางคนไม่สามารถค้นพบตัวเองในตะวันตก ไม่สามารถทนต่อการแข่งขัน และพังทลายลง ฉันไม่ต้องการเอ่ยชื่อที่นี่ มันเป็นเรื่องยากสำหรับคนแล้ว

แน่นอนว่ามีศิลปินที่ไม่สามารถดำรงชีวิตอยู่ได้ด้วยการขายผลงานของตน พวกเขาถูกบังคับให้หาเลี้ยงชีพด้วยงานประเภทอื่น แต่มีจำนวนมากในหมู่จิตรกรชาวตะวันตกและศิลปินกราฟิก สิ่งหนึ่งที่น่าประหลาดใจคือมีปรมาจารย์ชาวรัสเซียกี่คนเมื่อเปรียบเทียบกับจิตรกรชาวตะวันตก (ในรูปแบบเปอร์เซ็นต์) ที่อาศัยอยู่ในตะวันตกเป็นเวลานานเพียงเพราะความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขาเท่านั้น

แต่เป็นที่น่าสนใจว่าแม้แต่ศิลปินของเราที่พบว่าตนเองอยู่ในประเทศตะวันตกก็ไม่ได้อยู่ในสถานการณ์ทางการเงินที่ดีที่สุดและถูกบังคับให้หาเลี้ยงชีพไม่ว่าจะโดยการออกแบบทางอุตสาหกรรมหรือโดยการออกแบบหนังสือพิมพ์หรือหนังสือหรือด้วยวิธีอื่นใดก็ไม่ทำ ใส่ใจกับชะตากรรมของพวกเขาไม่เสียใจ ทำไม

ตอนที่ฉันเขียนหนังสือเกี่ยวกับศิลปินของเราที่อาศัยอยู่ในตะวันตก ซึ่งตีพิมพ์ในต่างประเทศในปี 1986 ฉันมีโอกาสสัมภาษณ์ค่อนข้างมาก จิตรกรคนหนึ่งซึ่งมีชะตากรรมไม่เจริญรุ่งเรืองในเวลานั้น (กลางทศวรรษที่ 80) บอกฉันว่า: "ไม่ ฉันไม่เสียใจอะไรเลย มันยากไหม? แน่นอนว่ามันยาก มันไม่เป็นที่พอใจที่ฉันจะต้องฉีกตัวเองออกจากขาตั้งเพื่อหาเลี้ยงชีพบางครั้งมันก็น่าเสียดายที่นักสะสมยังมาไม่ถึงฉัน แต่เรามาที่นี่เพื่อเงินเหรอ? เราจากไปเพื่อที่เราจะสามารถเขียนสิ่งที่เราต้องการและแสดงได้อย่างอิสระโดยไม่ต้องกลัวใครหรือสิ่งใดๆ และแสดงได้อย่างอิสระในที่ที่เราต้องการ อย่างไรก็ตาม ฉันยังเขียนอย่างอิสระในรัสเซียด้วย แต่อาจกล่าวได้ว่าไม่สามารถเข้าร่วมนิทรรศการได้ และที่นี่ในรอบสี่ปีฉันได้จัดแสดงมาแล้วสิบเอ็ดครั้ง และฉันก็ขายของบางอย่างในนิทรรศการเหล่านี้ด้วย นี่ไม่ใช่สิ่งสำคัญ แต่จากมุมมองของการรักษาจิตวิญญาณ มันยังคงสำคัญอยู่”

อย่างไรก็ตาม ด้วยรูปแบบที่แตกต่างกัน ฉันได้ยินสิ่งเดียวกันโดยประมาณจากศิลปินผู้อพยพคนอื่นๆ ที่ไม่ประสบความสำเร็จเช่นนี้ในตะวันตก เช่น Komar และ Melamid หรือ Yuri Cooper

และฉันไม่คิดว่าจะมีคนใดทำหน้าตาดีอย่างที่พวกเขาพูดเมื่อเล่นได้แย่ ท้ายที่สุดแล้ว โอกาสในการจัดแสดงอย่างกว้างขวางเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับศิลปินส่วนใหญ่ และสำหรับจิตรกรชาวรัสเซียที่ปราศจากสิ่งนี้ในบ้านเกิดปัจจัยนี้มีความสำคัญอย่างยิ่ง ตั้งแต่ปี 1979 ถึง 1986 ฉันเก็บบันทึกทางสถิติของนิทรรศการรัสเซียทางตะวันตก แต่ละครั้งมีมากกว่าเจ็ดสิบคนต่อปี นั่นเป็นจำนวนมาก และภูมิศาสตร์ของนิทรรศการเหล่านี้ก็กว้างขวาง ตัวอย่างเช่น นิทรรศการส่วนตัวของ Shemyakin จัดขึ้นที่ปารีส นิวยอร์ก โตเกียว และลอนดอน O. Rabin - ในนิวยอร์ก, ออสโลและปารีส; Cooper - ในฝรั่งเศส สหรัฐอเมริกา และสวิตเซอร์แลนด์ Zaborov - ในเยอรมนีตะวันตก สหรัฐอเมริกา และปารีส Komara และ Melamid - ในยุโรปและสหรัฐอเมริกา...

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมามีการจัดนิทรรศการกลุ่มศิลปะรัสเซียร่วมสมัยกี่กลุ่มซึ่งมีศิลปินผู้อพยพชาวรัสเซียเหล่านี้และศิลปินอพยพอื่น ๆ เข้าร่วมด้วย และภูมิศาสตร์ของพวกเขาก็กว้างขวางเช่นกัน: ฝรั่งเศส, อิตาลี, อังกฤษ, โคลอมเบีย, สหรัฐอเมริกา, เบลเยียม, ญี่ปุ่น, สวิตเซอร์แลนด์, แคนาดา...

และอย่างที่ฉันได้กล่าวไปแล้ว นักวิจารณ์ศิลปะตะวันตกและนักข่าวเขียนค่อนข้างมากเกี่ยวกับนิทรรศการเหล่านี้ (ทั้งส่วนตัวและเป็นกลุ่ม) เกือบทุกนิทรรศการสำคัญจะมาพร้อมกับการเปิดตัวแคตตาล็อก พวกเขาอยู่บนชั้นวางหนังสือของฉัน: Ernst Neizvestny, Yuri Cooper, Oscar Rabin, Mikhail Shemyakin, Boris Zaborov, Leonid Sokov, Vladimir Grigorovich, Harry Fife, Vitaly Komar, Alexander Melamid, Valentina Kropivnitskaya... และนี่คือแคตตาล็อกของนิทรรศการกลุ่ม ; “ศิลปะรัสเซียร่วมสมัย” (ปารีส), “ศิลปะรัสเซียใหม่” (วอชิงตัน), “ศิลปะรัสเซียอย่างไม่เป็นทางการ” (โตเกียว), “ศิลปะ Biennale of Russian” (ตูริน)... และนี่คือหนังสือ “ศิลปะรัสเซียอย่างไม่เป็นทางการจาก USSR” ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1977 ในลอนดอน และออกอีกครั้งในนิวยอร์กในปีถัดมา

อย่างที่คุณเห็นสำหรับศิลปินผู้อพยพชาวรัสเซียอาจจะไม่ใช่ทั้งหมด แต่สำหรับคนส่วนใหญ่แล้วชีวิตในโลกตะวันตกโดยทั่วไปกลับกลายเป็นไปด้วยดี ไม่มีใครหิวโหย พวกเขามีที่อยู่อาศัย หลายคนมีเวิร์คช็อป ทุกคนมีโอกาสซื้อผืนผ้าใบและสี บางส่วนทำงานร่วมกับแกลเลอรีอันทรงเกียรติ ทุกอย่างถูกเปิดเผย

และเป็นเรื่องดีที่รู้ว่าภาพวาดของคุณถูกซื้อโดยนักสะสม โดยเฉพาะพิพิธภัณฑ์หรือกระทรวงวัฒนธรรม เช่น ในฝรั่งเศส และมันก็น่ายินดีไม่น้อยที่ได้เห็นว่าคนรักศิลปะตะวันตกยืนเฉยๆ อยู่หน้าภาพวาดของคุณ อย่างไรก็ตาม ต่างจากนักวิจารณ์ศิลปะซึ่งส่วนสำคัญไม่ยอมรับศิลปินชาวรัสเซียที่ตกหลุมรักพวกเขาโดยไม่คาดคิดในทันที ผู้ชมชาวตะวันตกสามารถชื่นชมงานศิลปะรัสเซียฟรีได้อย่างรวดเร็ว ฉันได้ยินจากพวกเขามากกว่าหนึ่งครั้งในปารีส บรันสวิก และนิวยอร์กว่าในงานศิลปะรัสเซียนี้ พวกเขาพบบางสิ่งบางอย่างที่พวกเขาไม่สามารถหาได้ในงานศิลปะสมัยใหม่ของพวกเขา อะไรกันแน่? การมีชีวิตอยู่ด้วยความรู้สึกของมนุษย์ (ความเจ็บปวด ความเศร้าโศก ความรัก ความทุกข์ทรมาน...) ไม่ใช่แบบหล่อเย็น ซึ่งน่าเสียดายที่มักพบเห็นได้ในนิทรรศการหลายแห่งในแกลเลอรีในยุโรปและสหรัฐอเมริกา

กล่าวอีกนัยหนึ่ง ในงานศิลปะรัสเซียเสรี พวกเขาพบหลักการทางจิตวิญญาณที่มีลักษณะเฉพาะของศิลปะรัสเซียของแท้มาโดยตลอด แม้แต่งานศิลปะที่ล้ำหน้าที่สุดก็ตาม ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่หนังสือของ Wassily Kandinsky ผู้ยิ่งใหญ่ถูกเรียกว่า "On the Spiritual in Art"

บทความที่นำเสนอให้คุณสนใจมีศิลปิน 13 คน บทความที่อุทิศให้กับพวกเขาจะไม่จัดเรียงตามตัวอักษร พวกเขาแบ่งออกเป็นสามกลุ่มซึ่งสอดคล้องกับปรมาจารย์ด้านศิลปะรัสเซียที่ไม่เป็นทางการสามชั่วอายุคน (ตามที่เรียกว่าในสมัยก่อนเปเรสทรอยกา)

ฉันหวังว่าด้วยความคิดริเริ่มของสำนักพิมพ์ Znanie ผู้ชื่นชอบศิลปะร่วมสมัยจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับชะตากรรมของจิตรกรของเราที่ครั้งหนึ่งถูกบังคับให้ออกจากบ้านเกิดเพื่อเสรีภาพในการสร้างสรรค์

การไม่ปฏิบัติตามข้อกำหนด

50-60ส "ละลาย" วันที่ 1 มีนาคม พ.ศ. 2496 สตาลินเสียชีวิต ปัญญาชนหลายคนในยุคนั้นมีความสุขมากและตัดสินใจว่าในที่สุดทุกอย่างจะแตกต่างออกไป ประเทศเริ่มกลับสู่ชีวิตปกติหลังจากความล้มเหลวทางวัฒนธรรมที่เกิดขึ้นในสมัยสตาลิน ศิลปะโดดเด่นด้วยลัทธิอนุรักษ์นิยมที่ยิ่งใหญ่ สัจนิยมสังคมนิยม (อิงจากภาพวาด Peredvizhniki ปลาย นีโอคลาสสิก และประติมากรรมศตวรรษที่ 20 ตามที่ Maillol และ Bourdelle ตีความ) ได้รับการสนับสนุน นี่เป็นกลยุทธ์ต่อต้านสมัยใหม่ที่มีประสิทธิผล สำหรับกระบวนการทางศิลปะที่มีชีวิต นี่เป็นความล้มเหลวครั้งใหญ่ การปราบปรามความขัดแย้ง ทายาทของทุกสิ่งที่ล้าหลังที่สุดมาอยู่ภายใต้การควบคุมของรัฐบาลแห่งชาติ ช่วงปิดเทอม. ศิลปินละทิ้งความคิดและการพัฒนาของตน สัจนิยมสังคมนิยมมีความแตกต่างกันโดยสิ้นเชิง แต่ก็ยังมีการรวมเป็นหนึ่งเดียวกันสำหรับทั้งประเทศ ปิกัสโซพูดอย่างแดกดันว่าศิลปินโซเวียตต้องมีสีพิเศษสำหรับเครื่องแบบและรองเท้าบู๊ต เอกลักษณ์ของศิลปินไม่ปรากฏให้เห็น ในสมัยโซเวียต ไม่มีศิลปินอิสระ (นักแปลอิสระ) เลย ทุกอย่างถูกจัดระเบียบอย่างเคร่งครัด ต้นไม้ที่งดงาม (เหมือนโรงงาน) ได้รับใบสมัครสำหรับการเรียบเรียงที่นั่น ต้นไม้ที่ยิ่งใหญ่ โรงงานประติมากรรม... ศิลปินสามารถดำเนินการตามคำสั่งเพียงลำพัง หรือเป็นกลุ่มก็ได้ ศิลปินมีงานทำและรายได้ก็ดี มีกลไกที่ซับซ้อนในการให้และรับงาน: ทั้งบุคคลที่โดดเด่นของโรงงานและผู้ที่ได้รับเชิญบางคนประเมิน ไม่มีแรงบันดาลใจและความหลงใหลที่เหมาะสม มีงานจำนวนมากจึงไม่มีเวลาจัดการงานทั้งหมดอย่างมีความรับผิดชอบ มีช่องว่างของส่วนต่าง ๆ ของร่างกายและสิ่งอื่น ๆ (คุณสามารถประกอบเลนินทีละชิ้นได้) ในรัสเซีย มีการคาดหวังสิ่งที่ยอดเยี่ยมจากศิลปินมาโดยตลอด แต่ศิลปินโซเวียตส่วนใหญ่มักจะเป็นคนแฮ็กอย่างมีมโนธรรม ศิลปะในช่วงปีสุดท้ายของรัชสมัยของสตาลินและผลงานชิ้นแรกของยุคละลายไม่ตรงกับความน่าสมเพชของปีก่อน ๆ (เบื่อกับศิลปะสตาลิน: ภาพวาด "Deuce Again" โดย Fyodor Reshetnikov เป็นงานเล็ก ๆ น้อย ๆ ) สิทธิในความเป็นส่วนตัวกลับคืนมา

ละลาย: คนรุ่นเก่าที่มีความเหนื่อยล้าสะสม (ศิลปะอนุรักษ์นิยมของ Reshetnikov) และคนรุ่นใหม่ที่ตระหนักถึงการกดขี่ที่ทนไม่ได้ (ตรงกับจุดเริ่มต้นของนโยบายที่เปิดกว้างมากขึ้น)

ในช่วงทศวรรษที่ 50 มีการจัดนิทรรศการหลายครั้ง (เทศกาลเยาวชนและนักเรียน) การแสดงออกทางนามธรรมนั้นน่าทึ่งมาก ในพิพิธภัณฑ์ไม่มีแม้แต่ Vrubel และ Serov มีการสร้างภาพศิลปะโลกโดยเฉพาะ ดังนั้นศิลปะล่าสุดของตะวันตกจึงตกเป็นของโซเวียตที่ไม่ได้เตรียมตัวไว้ ไม่มีอะไรที่จะเปรียบเทียบการเปิดเผยดังกล่าวด้วย การล่มสลายของกระบวนทัศน์โลกทัศน์

ความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของศิลปินของเราเพื่อเอาชนะความซบเซาดังกล่าว:

สไตล์หยาบ

แบ่งออกเป็นทางขวา (ความมุ่งมั่นต่อศตวรรษที่ 19 ผู้พเนจร) และทางซ้าย (Andronov, Nikonov หันไปหามรดกของทิศทางก่อนเปรี้ยวจี๊ดและเปรี้ยวจี๊ด OST "a)

นิโคไล อันโดรนอฟ “จันทัน”, พ.ศ. 2503-2504

แสดงถึงการประกาศเวลาใหม่คนใหม่ ความสมัครใจต่ออิมเพรสชั่นนิสม์ของรัสเซีย เป็นเรื่องที่คิดไม่ถึงสำหรับศิลปินในยุคสตาลินที่จะละทิ้งความสมบูรณ์ของภาพวาด มีภาพผู้คนที่โชคชะตายากลำบาก ตอกย้ำความเป็นอนุสาวรีย์ ฟอร์มนั้นเรียบง่ายกว่า แข็งแกร่งกว่า และยิ่งใหญ่กว่า เน้นเงาของฮีโร่ กลยุทธ์การถ่ายภาพ Neo-OST นี่คือคำเทศนา คู่มือคุณธรรม (“คุณควรจะเป็นผู้สร้างอนาคตที่เรียบง่ายของเรา”) การวางตำแหน่งที่ผิดปรกติของรูปโดยหันหลังเป็นการแสดงภาพที่เป็นตัวหนา

ศิลปะที่คนทั่วไปเข้าถึงได้ ศิลปินสไตล์ฮาร์ดจะกลายเป็นกระแสหลัก การกดขี่ทางอุดมการณ์ที่อ่อนแอลงและการเปิดกว้างทางวัฒนธรรมโดยทั่วไปทำให้ศิลปินจำนวนมากมีชีวิตขึ้นมาซึ่งไม่เกี่ยวข้องกับวงการศิลปะทั่วไปและกับการศึกษาศิลปะ ศิลปินเกิดจากโบฮีเมียที่เพิ่งตั้งขึ้นใหม่ (Oscar Rabin, Ilya Kabakov)

ศิลปะแบ่งออกเป็นชั้นๆ ที่ไม่เกี่ยวข้องกัน

Vladimir Yakovlev "แมวและนก", 2524

ทำให้ฉันนึกถึงปิกัสโซ คอมเพล็กซ์รอง คงที่ของศิลปินโซเวียต คุณจะเห็นว่าศิลปินพยายามลดช่องว่างที่เกิดขึ้นอย่างไร คำพูดมากมาย ศิลปินหลายคนยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์ในฐานะล่ามโดยไม่มีความเป็นตัวของตัวเอง และผู้ที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดจำนวนมากได้รับบาดเจ็บจากลักษณะรองนี้

ร่างของพระเมสสิยานิกในอายุหกสิบเศษ ซึ่งเป็นบทบาทในการพยากรณ์

การส่งเสริมวัฒนธรรมที่ทรงพลัง แต่ไม่ใช่ทุกสิ่งจะดีนัก ในตอนแรกเจ้าหน้าที่มองว่าพวกเขาเป็นเรื่องแปลกประหลาด แต่เมื่อถึงยุค 60 พวกเขาไม่สามารถละเลยได้อีกต่อไป พ.ศ. 2505 - นิทรรศการ "ความเป็นจริงใหม่" (Yankilevsky, Unknown ฯลฯ ) ผู้สื่อข่าวชาวยุโรปตะวันตกไปเยี่ยมชมนิทรรศการนี้โดยไม่ได้ตั้งใจและเขียนข้อความสั้น ๆ ซึ่งทำให้ครุสชอฟตกใจ (ในยุโรปทุกคนรู้เรื่องนี้ แต่ที่นี่เราไม่ทำ?!) นี่เป็นงานศิลปะที่ไม่ถูกต้องที่ถูกจัดแสดงในสภาพแวดล้อมที่เหมาะสม นิทรรศการที่อุทิศให้กับวันครบรอบสามสิบของสหภาพศิลปินมอสโกกำลังจัดขึ้นที่ Manege ซึ่งมีการแสดง "ความเป็นจริงใหม่" ของ Deineka, Falk และคนอื่น ๆ ที่นั่น ฝ่ายบริหารของเราไม่เคยไปเยี่ยมชมนิทรรศการจำนวนเท่านี้มาก่อน "อาการตกเลือดในสหภาพศิลปินมอสโก" ครุสชอฟเผชิญกับลัทธิเซซานและการทดลองใหม่อื่นๆ พวกเขาได้รับฉายาว่า "โรงงานแห่งความประหลาด"

วันรุ่งขึ้นพวกเขาเขียนเกี่ยวกับนิทรรศการนี้บนหน้าแรกของหนังสือพิมพ์ปราฟดา

เอิร์นส์ เนซเวสท์นี

ประติมากรรม “เซนทอร์ยกมือ” พ.ศ. 2505

มีการติดต่อกับเฮนรี มัวร์เป็นเวลานาน ตัวละครหลักของโลกสร้างสรรค์ของ Unknown คือเซนทอร์ ส่วนหนึ่งเป็นสัตว์ ส่วนหนึ่งเป็นมนุษย์ และส่วนหนึ่งเป็นเครื่องจักร มีความคล้ายคลึงกับเครื่องมือกล โดยเฉพาะการแสดงออก ไม่มีท่าทีสงบนิ่ง งานศิลปะพลาสติกของเขาได้รับอิทธิพลจาก Rodin, Moore และคนอื่นๆ แนวคิดเกี่ยวกับหน้าที่พลเมืองของศิลปิน

"มือแห่งนรก" 2514

มีรูมากมายในองค์ประกอบ

เหมือนร่างกายคนบาดเจ็บ

เขานำรูปแบบบังคับออกจากสงคราม

“ต้นไม้แห่งชีวิต”

ตอนแรกฉันต้องการโครงสร้างของประติมากรรมหลายชิ้น ภายในจะมีอาคารอยู่ ประติมากรรมเหล่านี้ควรจะแสดงถึงประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติตั้งแต่เริ่มแรก มันถูกติดตั้งในเวอร์ชันแชมเบอร์

“ศิลาหลุมศพของครุสชอฟ” ศิลาจารึกที่สำคัญที่สุด ใช้สีเป็นวิธีการแสดงออก

อนุสาวรีย์จำนวนหนึ่งสำหรับเหยื่อของการปราบปราม

“หน้ากากแห่งความโศกเศร้า” ใกล้มากาดาน

วาดิม ซิดูร์

สำเร็จการศึกษาจาก Stroganovka เขาผ่านสงครามและได้รับบาดเจ็บสาหัส

“เครื่องจำลองตัวเอง” ช่วงปลายยุค 50 ประติมากรรมที่เทียบเท่ากับกลไก ความชื่นชมในรถยนต์ทำให้เกิดความสยดสยอง

“พิการ” ส่วนกลางดูเหมือนเครื่องบดเนื้อ

GrobArt เป็นรูปแบบป๊อปอาร์ตที่น่าขัน

“Man from the Coffin” (“Dead Man”) เรียบเรียงจากสิ่งของที่พบในหลุมฝังกลบ

"ศาสดา" อุปกรณ์เติมน้ำและถุงมือพองลม

เขาทำงานมากในฐานะประติมากรผู้ยิ่งใหญ่

“อนุสรณ์สถานผู้เสียชีวิตจากระเบิด” 1965

ประติมากรที่มีสัดส่วนที่น่าเศร้า

“อนุสรณ์สถานผู้เสียชีวิตด้วยความรัก”

"ความเศร้าโศก" 2515

“อนุสรณ์สถานผู้ถูกสังหารด้วยความรุนแรง” พ.ศ. 2508

“ผู้โทร” ความแม่นยำของการแก้ปัญหาอย่างเป็นทางการ ศีรษะถูกแทนที่ด้วยท่าทางอันทรงพลังของฝ่ามือที่เปิดออก

เอไลย์ เบลูติน

เขาเขียนหนังสือเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของเฟอร์นิเจอร์ และโดยทั่วไปแล้วเขาเป็นนักออกแบบตกแต่งภายในที่ประสบความสำเร็จ เขาก่อตั้งหอพักสร้างสรรค์ส่วนกลางและจัดนิทรรศการในป่า

"งานศพของเลนิน", 2505

ผืนผ้าใบเล่าเรื่องที่มีความสำเร็จของการวาดภาพนามธรรม ความกว้างของท่าทางภาพ ขอบเขตอันมหัศจรรย์ ความยาวของผืนผ้าใบคือ 4 เมตร การจดจำภาพเหมือนของเลนิน ความขัดแย้งอันมหัศจรรย์ สิ่งที่ไม่มีอยู่จริง เกิดขึ้นได้ง่ายด้วยกระแสความกระตือรือร้นที่สร้างสรรค์ หนึ่งในผลงานการวาดภาพที่กล้าหาญและสร้างสรรค์ที่สุดในยุค 60

“ผู้หญิงและเด็ก” ทำให้ฉันนึกถึงปิกัสโซผู้ล่วงลับไปแล้ว รูปแบบขนาดใหญ่ การใช้สีที่เป็นตัวหนา

ศิลปะขึ้นอยู่กับศิลปะตะวันตก ศิลปะในประเทศมักจะตามทันเสมอ สถิตยศาสตร์ขาดหายไปโดยสิ้นเชิง ต่อมาความสนใจเกิดขึ้นในตัวเขาในฐานะปรากฏการณ์ที่พลาดไป แม้ว่าในเวลานั้นจะไม่ใช่เรื่องใหม่เลย แต่โดยทั่วไปแล้วประวัติศาสตร์แล้ว

ฮูโล ซูสเตอร์

งานศิลปะของเขาที่ใกล้เคียงที่สุดคือ Max Ernst แก้ไขบนแม่ลายไข่

"ไข่แดง" พ.ศ. 2507 เนื้อหยาบและรอยเปื้อน

วลาดิมีร์ ยานคิเลฟสกี้

“พื้นที่แห่งประสบการณ์” 2504 “มีคนตามทันมิโระ!”

ชุมชนศิลปะ Lianozovskaya รอบๆ ครอบครัว Kropivnitsky (Evgeny Rukhin, Oscar Rabin, Nemukhin ดาราจักรแห่งกวี...)

ออสการ์ ราบิน

ศิลปินคนก่อนๆ อยู่ในกรอบของระบบ แต่เขาไม่มีทางสอดคล้องกับความเป็นจริงเลย อยู่ในตำแหน่งผู้ถูกขับไล่

มีวัฒนธรรมของกลุ่ม Jack of Diamonds แนวหน้าชาวรัสเซีย ล้มเหลวในการสำเร็จการศึกษาด้านศิลปะของเขา ในภาพวาดมี "เชอร์นูคา มืดมน ชีวิตประจำวัน"

“หนังสือเดินทาง” เป็นผลงานที่โด่งดังและอื้อฉาวที่สุด ทำให้ฉันนึกถึง Jasper Johns (ธง) มุ่งสู่สมการของหนังสือเดินทางและเครื่องบิน เพราะงานนี้เขาจึงถูกไล่ออกจากประเทศ

ในอพาร์ตเมนต์ของเขาใน Lianozovo องค์ประกอบทางศิลปะที่ไม่เป็นทางการทั้งหมดของมอสโกมารวมตัวกัน จัดงานศิลปะอย่างไม่เป็นทางการของกรุงมอสโก ศิลปินทุกคนผสมผสานชีวิตทางกฎหมายเข้ากับกิจกรรมทางศิลปะที่ถูกโค่นล้ม

อนาโตลี ซเวเรฟ

ฉันเรียนที่พยัคฆ์ตากเป็นเวลาหนึ่งปี ได้รับรางวัลใหญ่จากนิทรรศการเยาวชนและนักศึกษา การแสดงด้นสดที่ยอดเยี่ยม ที่จริงแล้วเขาเป็นคนไร้บ้าน เขาไม่ได้สร้างระบบศิลปะของตัวเอง เขามีชื่อเสียงในด้านการแสดงออกอย่างสร้างสรรค์

วลาดิเมียร์ เนมูคิน

“หุ่นนิ่งกับการ์ด” 2532

โดยทั่วไปแล้ว ไพ่เป็นแนวคิดหลักในผลงานของเขา ภาพนี้บ่งบอกถึงปรากฏการณ์หลังเปรี้ยวจี๊ด ซึ่งเป็นความพยายามที่จะเอาชนะเปรี้ยวจี๊ด สถานะเส้นขอบระหว่างรูปภาพและวัตถุ การ์ดเป็นหนึ่งในโมดูลพลาสติก ลัทธิซูพรีมาติสต์ตามอัตภาพ สถานะเส้นเขตแดนของวัตถุจริงและองค์ประกอบทางเรขาคณิต ภาพวาดนั้นเป็นวัตถุ ควบคู่ไปกับโต๊ะกระดาษแข็งและเครื่องบิน การเคลื่อนไหวเพิ่มเติมระบุไว้ด้วยชอล์ก

"เล่นไพ่คนเดียวที่ยังไม่เสร็จ" 2509

การแสดงความเคารพต่อ Tachisme (การวาดภาพด้วยท่าทาง)

"โป๊กเกอร์ออนเดอะบีช" 2517 เมื่อมองแวบแรก จะมีการเน้นการแบ่งแยกภาพลวงตาที่เป็นนามธรรม

เอดูอาร์ด สไตน์เบิร์ก

ศิลปินสร้างสรรค์ ไม่ทราบเบลูติน

เขาไม่ได้ซับซ้อนเกี่ยวกับการพึ่งพาศิลปะแห่งยุค 20 เขารู้สึกเหมือนเป็นผู้ริเริ่มแม้ว่าเขาจะตอบสนองต่อสิ่งที่ถูกประดิษฐ์ขึ้นแล้วก็ตาม แต่เขาไม่ได้พยายามที่จะฟื้นคืนชีพลัทธิซูพรีมาติสอย่างแท้จริง ไม่มีความแตกต่างของสีแดงดำขาวที่คมชัด

องค์ประกอบจากปี 1972 สี่เหลี่ยมจัตุรัสถูกใช้เป็นจุดอ้างอิง แต่จะมีขนาดเล็กลง ดังนั้นจึงทำให้เกิดเงาที่คมชัด พัฒนาการอันประณีตของลัทธิซูพรีมาติสม์ วิสัยทัศน์ที่บิดเบี้ยวเกี่ยวกับงานของ Malevich

“การจัดองค์ประกอบด้วยส่วนวงกลม” ระนาบหมุน ตัดกัน ซึ่งเป็นรูปแบบหนึ่งของการสร้างนามธรรมทางเรขาคณิต

“องค์ประกอบ 1983” การหมุนวงกลม ความเป็นจริงเหนือธรรมชาติเลื่อนลอยกำลังใช้งานอยู่ในเวลานี้

มิทรี พลาวินสกี้

ประเภทของศิลปินดิน มุ่งเน้นไปที่ปัญหาชีวิตชาวรัสเซีย กล่าวถึงโลกที่ถูกลืมของหมู่บ้านรัสเซีย เศษกระท่อมท่อนไม้ (อุปมาอุปไมยในการทำลายชีวิตชนพื้นเมืองรัสเซีย)

"ก้นใหญ่" 2521

ศิลปินเป็นนักปรัชญา คำอุปมาอุปมัยที่ชัดเจนในภาพกระท่อมที่เน่าเปื่อย

นิโคไล คาริโตนอฟ

ภาพอันงดงามดั้งเดิม ลัทธิอนุรักษ์นิยม-ดินนิยมในจิตรกรรมอภิปรัชญาของมอสโก ผืนผ้าใบส่วนใหญ่อุทิศให้กับโบสถ์รัสเซียเก่าแก่ สิ่งที่คล้ายกับงานศิลปะของ Kustodiev ความสอดคล้องกับนีโออิมเพรสชั่นนิสม์ เมื่อเทียบกับฉากหลังของศิลปะโลกแล้วดูมีความต่างจังหวัดมาก ภาพลักษณ์ของคนนอกรีตสุดโรแมนติก

"วันหยุด"

มีหลายวิธีในการทำข้อตกลงกับความเป็นจริง ศิลปินบางคนกระโจนลึกเข้าไปในความเป็นจริงของสหภาพโซเวียตที่น่าเกลียด การอยู่ร่วมกันในชุมชนของสหภาพโซเวียตกำลังกลายเป็นหนึ่งในประเด็นสำคัญของงานศิลปะที่ไม่เป็นทางการของมอสโก

มิคาอิล โรกินสกี้

เขาวาดภาพกาน้ำชา เตาพรีมัส ไม้ขีด... ขนานกับศิลปะป๊อปอาร์ต แต่เรามีวิถีชีวิตที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง อย่างไรก็ตาม ความเศร้าโศกของ Rabin นั้นแปลกสำหรับเขา เขาไม่ได้ดูหมิ่นความเป็นจริง

"กาน้ำชา" 2506

ภาพวาดหนาทึบเน้นย้ำ แสดงถึงคุณภาพพลาสติกจากธรรมชาติ เมื่อมองดูสภาพแวดล้อม ฉันจึงเลือกรูปแบบภาพที่เหมาะสมสำหรับสภาพแวดล้อมนั้น ต่อต้านสุนทรียภาพสาธิต

“ในแผนกเนื้อสัตว์” พ.ศ. 2524-2525

เทคนิคการถ่ายภาพและสถานการณ์ทางจิตวิทยามีความสำคัญ

“Sniper Pavlyuchenko” 1966 ภาพของวัตถุในชีวิตประจำวันถูกขยายให้ใหญ่ขึ้น กล่องมีขนาดใหญ่กว่าขนาดของภาพวาด ขนานที่ใกล้เคียงที่สุดกับศิลปะป๊อป

โอเล็ก เซลคอฟ

ทำงานอย่างแข็งขันในยุค 60-70 ศิลปินเป็นนักปัจเจกนิยมและหลีกเลี่ยงการเคลื่อนไหวทั่วไป ธีมของสิ่งมีชีวิตที่เป็นมนุษย์ (ปากกระบอกปืน, รูปภาพ) สิ่งมีชีวิตรูปร่างประหลาดที่วาดด้วยสีสันสดใส หน้ากากแปลกๆ บุคคลทั่วไปในระบอบเผด็จการ วีรบุรุษผู้ไร้หน้าของระบบ มันเชื่อมโยงทุกคนเข้าด้วยกัน

"นักกายกรรมและแมลงปอ" 2517 กองเนื้อหลากสี

"มรณกรรม" 2514 พิธีศพอันน่าสะพรึงกลัวและงดงามราวกับภาพวาด หน้าแดงเชียว.

“อัจฉริยะอายุหกสิบเศษ” เป็นปัจเจกนิยมพิเศษ ความปรารถนาที่จะสร้างสไตล์ของคุณเอง จากนั้นก็เริ่มทำให้พวกเขาหงุดหงิดใจ รุ่นหลังเปรี้ยวจี๊ดคนที่สองแตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากพวกเขา

แนวคิดโรแมนติกของมอสโก

(คำนี้ถูกนำมาใช้โดย Boris Groys)

ตัวแทน: อิลยา คาบาคอฟ, เอริค บูลาตอฟ, วิคเตอร์ พิโววารอฟ, โอเล็ก วาซิลีเยฟ, อันเดรย์ โมนาสเตอร์สกี้

บูรณาการเข้ากับระบบได้ดี เราแสดงภาพประกอบหนังสือสำหรับเด็ก (ส่วนที่ได้กำไรจากสัญญาของรัฐบาล) วรรณกรรมสำหรับเด็กมีโอกาสมากมายในการแสดงออกและค้นหารูปแบบใหม่ๆ จริยธรรมในแวดวงของ Kabakov คือการทำให้การแฮ็กเป็นไปอย่างมีมโนธรรม

60-70ส - แนวความคิด

แนวความคิดของมอสโก

โจเซฟ โคสุท ยกประเด็นแนวคิดนี้ขึ้นมาเป็นประเด็นหลักในงานศิลปะ การมีความคิดเป็นตัวกำหนดคุณค่าของงาน

Fauvism, Cubism - การตีความใหม่ของเรื่องนี้

ศิลปินชาวรัสเซียโหยหาบางสิ่งที่อยู่นอกโลกศิลปะ Kandinsky และ Malevich ขับไล่เรื่องออกจากพื้นที่ที่ศิลปินสนใจ สำหรับศิลปินชาวรัสเซีย หัวข้อนี้ไม่สำคัญนัก (ยกเว้นผลงานของ Monastyrsky) ความขัดแย้งทางภาษา ไม่ใช่การประลองกับเรื่อง ทุกอย่างเป็นนิยายและแฟนตาซี

ในศิลปะโซเวียตมีข้อขัดแย้งระหว่างภาษาคำอธิบาย (ภาษาของโฆษณาในครัวเรือน) คำศัพท์ลามกอนาจารมีความสำคัญมากในแนวความคิด คนในยุคหกสิบแสดงภาษาเดียว - แต่ละคนเป็นภาษาของตนเอง

“ แนวความคิดไม่ใช่ภาพวาด แต่คือผู้ชม” (I. Kabakov)

สำหรับนักวางแนวความคิด ผู้ดูคือผู้สมรู้ร่วมคิด นักมโนทัศน์เป็นพลเมืองโซเวียตที่มีมโนธรรม คนที่ประสบความสำเร็จ ไม่ใช่คนชายขอบ พฤติกรรมประเภทอื่นในงานศิลปะรัสเซียที่แม้แต่ผู้ที่ "รู้" ก็ไม่สามารถเข้าใจได้

การแสดงออกของเนื้อหา (ศิลปะรัสเซียมักเกี่ยวกับบางสิ่งเสมอ ศิลปินพยายามบอกบางสิ่ง) พวกเขาหันไปหาคนที่พูด นี่ไม่ใช่คำพูดของศิลปิน แต่เป็นตัวละครสมมติ

อิลยา คาบาคอฟ

“นี่แมลงวันของใคร” ทศวรรษ 1960

ดูเหมือนกระดานข่าวของโซเวียต ตรงกลางมีแมลงวัน ด้านบนมีบทสนทนาเกี่ยวกับแมลงวัน เรื่องเศร้าเกี่ยวกับชีวิตชุมชน ข้อความมีส่วนร่วมอย่างเต็มที่ แบบอักษรก็เหมือนกับหนังสือพิมพ์ติดผนัง

การติดตั้งทั้งหมดเป็นพื้นที่รวมสำหรับการใช้งานศิลปะหลายประเภท

การติดตั้งทั้งหมดคือการติดตั้งที่สร้างขึ้นโดยให้ผู้ดูอยู่ภายในตัวมันเอง ซึ่งออกแบบมาเพื่อตอบสนองภายในพื้นที่ปิดโดยไม่มี "หน้าต่าง" ซึ่งมักประกอบด้วยหลายห้อง ความสำคัญหลักที่สำคัญในกรณีนี้คือบรรยากาศ กลิ่นอายที่เกิดขึ้นเนื่องจากการทาสีผนัง แสง การจัดวางห้อง ฯลฯ ในขณะที่ผู้เข้าร่วม "ธรรมดา" จำนวนมากในการติดตั้ง - วัตถุ ภาพวาด ภาพวาด ข้อความ - กลายเป็นส่วนประกอบธรรมดาของทั้งหมด ไอ. คาบาคอฟ. เกี่ยวกับการติดตั้งทั้งหมด คานซ์, 1994.

“ครัวส่วนกลาง”

กล่าวถึงหัวข้อของพิพิธภัณฑ์อย่างเต็มใจ

“กระดานอธิบาย 3 คำอธิบายจาก 6 ภาพวาด” ข้อความคำแนะนำครอบครองสถานที่สำคัญมาก มีคำแนะนำ แต่ไม่มีรูปภาพ รูปภาพไม่สำคัญ แต่คำแนะนำนั้นเป็นอมตะ คุณภาพทางศิลปะอยู่ในระดับเดียวกัน

เขาสนใจคนทั่วไป ไม่ใช่อัจฉริยะ

ภาพประกอบหนังสือเด็กเรื่อง The Tale of Terro Ferro

ศิลปะรัสเซียร่วมสมัยทั้งหมดเป็นผลมาจากความคิดสร้างสรรค์

หนึ่งในผู้เชี่ยวชาญการติดตั้งคนแรกๆ

"ชายผู้บินออกจากห้องของตัวเอง" 2529

ความคิดในการหลบหนีและการก้าวข้ามขอบเขตเป็นหัวข้อที่พบบ่อย มันนำสถานการณ์ไปสู่จุดที่ไร้สาระ ชาวโซเวียตคนหนึ่งวางแผนการหลบหนีอย่างระมัดระวัง มีรูขนาดใหญ่บนเพดาน รองเท้าที่อยู่บนพื้นคือสิ่งที่เหลืออยู่ของชายคนนี้ ห้องมีขนาดเล็ก มีเตียงพับ เก้าอี้ อะไรประมาณโต๊ะ ผนังทั้งหมดติดโปสเตอร์ พิพิธภัณฑ์ขนาดเล็กแห่งวัฒนธรรมมวลชนโซเวียต ผลงานการติดตั้งเกี่ยวกับการหลบหนีของบุคคลจากลัทธิสังคมนิยมในปัจจุบัน หลีกเลี่ยงข้อความ การเล่าเรื่องที่หายไปจะต้องได้รับการกู้คืนอย่างละเอียด ทัศนคติเดี่ยวสูงสุดของผู้เขียน

“ชายผู้บินเข้าไปในภาพของเขาเอง” คำใบ้ของสถานการณ์ที่ไร้สาระบางอย่าง เอาชนะขอบเขตระหว่างความเป็นจริงและภาพลวงตา เก้าอี้ - การไม่มีและการปรากฏตัวของบุคคล

ดึงดูดใจในการวาดภาพจากวัฏจักร

"วันหยุด" หรือ "วันหยุด", 2530

ภาพตัดปะแบบสุ่ม ฉากชีวิตโซเวียตที่มีความสุข ตัดดอกไม้ด้านบนออก

วงจรที่เข้าใจยาก

“ภาพวาดรัสเซียเป็นการเปลี่ยนแปลงอย่างต่อเนื่องของ simulacra ซึ่งเป็นของปลอม”

ในการวาดภาพ เขาสนใจลักษณะการใช้ภาพแบบธรรมดา ธรรมดา ไม่ใช้ภาษาภาพ

การไม่คำนึงถึงความสมบูรณ์ของภาพเป็นการแสดงให้เห็นอย่างชัดเจน ส่วนที่โดดเด่นของการจัดองค์ประกอบภาพเต็มไปด้วยฉากในชีวิตประจำวัน เปรียบเทียบฉากการดื่มชาและว่ายน้ำ ชีวิตประจำวันอันแสนสุขของพลเมืองโซเวียต

Kabakov มักใช้สไตล์การวาดภาพโดยเฉลี่ย

Charles Rosenthal เป็นตัวละครที่เป็นศิลปินที่ถูกลืมโดยเฉลี่ย นักเรียนที่หายไปของ Malevich ตัวละครพิสดารที่ผสมผสานทิศทางที่แตกต่างกัน มีคุณค่าในฐานะศิลปินที่ล้มเหลวโดยเฉลี่ย ประวัติศาสตร์ศิลปะคือประวัติศาสตร์ของอัจฉริยะ และเขาไม่สนใจพวกเขา เขาสนใจในบรรทัดฐาน เขามี "ประวัติศาสตร์ศิลปะทางเลือก" ของตัวเอง เขาประดิษฐ์ศิลปิน "ธรรมดา" ที่มีเส้นทางสร้างสรรค์และการพัฒนาของตนเองด้วย ไม่ใช่ชะตากรรมทางศิลปะที่กำหนดไว้ แต่เป็นประเภทที่เป็นแบบอย่าง

“รถสีแดง” อ้างอิงการติดตั้ง

ประวัติศาสตร์โซเวียตกำลังถูกบีบอัดเป็นหนึ่งเดียว ความเป็นจริงของสหภาพโซเวียต ภาพร่างมีความชัดเจนมากกว่าการติดตั้งเอง แบ่งงานออกเป็นสามส่วน การก่อสร้างแบบมีเงื่อนไข: นั่งร้านที่ซับซ้อนเป็นพิเศษพร้อมบันได ผู้ชมสามารถเข้าไปที่นั่นได้ การแสดงความคิดเป็นการเคลื่อนไหวที่สูงขึ้น คำอุปมาของการมองโลกในแง่ดีอย่างไม่มีการควบคุม การก่อสร้างไม่มีจุดหมาย - พวกเขาสร้างเพียงรถม้าสีแดงเท่านั้น ไม่ตรงกันระหว่างความทะเยอทะยานและผลลัพธ์ รถม้าเปรียบเสมือนพื้นที่ปิดอันน่าสะพรึงกลัว ส่วนสุดท้ายของการติดตั้งคือการฝังกลบ ผลของความพยายามทั้งหมด นี่คือจุดที่ประวัติศาสตร์โซเวียตเป็นผู้นำ ความพยายามที่จะรวบรวมประวัติศาสตร์โซเวียตเป็นรูปเป็นร่าง

ในช่วงเวลาสั้น ๆ เขาก็กลายเป็นศิลปินรัสเซียที่โด่งดังที่สุดในต่างประเทศ สร้างภาพลักษณ์ของศิลปินชาวรัสเซียทั่วไป มันตกอยู่ในความคิดโบราณว่าศิลปะรัสเซียมีการรับรู้ในต่างประเทศอย่างไร

ข้อความรูปภาพ เอริก บูลาตอฟ

พวกเขาพบในหมู่ศิลปินต่าง ๆ ในวิจิตรศิลป์รัสเซียพวกเขาถูกนำมาใช้ในเปรี้ยวจี๊ดและคอนสตรัคติวิสต์

“Glory to the CPSU” ความขัดแย้งภายในกับภาพลักษณ์ดั้งเดิม ความเป็นจริงของข้อความที่ฉายสู่ความเป็นจริง เสร็จงานเย็นมาก.

สไตล์ชิชกิน ใกล้กับวงกลมของ Bulatov เช่น Oleg Vasiliev

รูปภาพของผู้นำ สโลแกน มุมมองของ VDNKh - เบื้องหลังทั้งหมดนี้ไม่มีข้อมูลที่กล่าวหา เขาเพียงแค่มองเห็นและค้นหาวิธีที่ถูกต้องในการนำเสนอสิ่งที่เขาเห็น

"ศตวรรษที่ XX รัสเซีย"

โอเล็ก วาซิลีฟ

"การหมุน"

มักจะให้แนวคิดเรื่องแสงสว่างเช่นเดียวกับในงานนี้ ดำเนินการใน grisaille ได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปินในศตวรรษที่ 19

"ถนน"

มีเพียงเครื่องหมายจราจรเท่านั้นที่บ่งบอกถึงความทันสมัย ภูมิทัศน์แบบดั้งเดิม

วิคเตอร์ พิโววารอฟ

ใช้แบบฟอร์มสำเร็จรูป

“กระดานข้อความ” ที่เก็บองค์ประกอบเกี่ยวกับการทำงานของเครื่องดับเพลิง การป้องกันอัคคีภัย ฯลฯ ความแตกต่างแปลกๆ ระหว่างภาษาและเนื้อหา

“Maria Maksimovna กาต้มน้ำของคุณกำลังเดือด” เยาะเย้ยความเห็นอกเห็นใจของรัสเซียต่อวรรณกรรม เผยให้ผู้ชมเห็นสิ่งที่เขาต้องการเห็นที่นั่น ชอบความขัดแย้ง

“ไม่ คุณจำฉันไม่ได้” 1975

ใกล้กับ Dadaist และภูมิประเทศเหนือจริง

นักแนวความคิดมีช่วงเวลาแห่งความเหนือจริง

ทำงานร่วมกับรูปแบบที่ไร้สาระ

เขาทำงานมากด้วยการทำความเข้าใจประเด็นทางศิลปะด้วยตัวเอง

คอนสแตนติน ซเวซโดเชตอฟ

“ สองวีรบุรุษ” 2548

ภาษาก็น่าเศร้ากว่า เงาที่เรียบง่าย ภาพถูกตีความในสไตล์ Pivovarov

“วิโอลาบนโต๊ะ”

การปฏิเสธจากภาพลักษณ์ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่จากคุณภาพของภาพวาดในพิพิธภัณฑ์

Konstantin Zvezdochetov, Sven Gundlach, พี่น้อง Mironenko

ตัวละครขี้เล่นเด่นชัด การบำบัดแบบฮูลิแกนฟรี และไม่ใช่งานศิลปะที่โดดเด่นเป็นพิเศษ การกลับใจปฏิบัติแนวความคิด พลังหนุ่มที่กล้าหาญและน่าตกใจ การกระทำนั้นสนุกสนาน กล้าหาญ และอันตราย วันหนึ่งพวกเขาฝังสมาชิกกลุ่มคนหนึ่งไว้ในป่าและค้นหาเขาเป็นเวลาสองชั่วโมงจนกระทั่งพวกเขารู้ว่าพวกเขาไม่รู้จริงๆว่าเขาอยู่ที่ไหน การติดต่ออย่างรุนแรงกับผู้ชม การล้อเลียนการกระทำร่วมกัน พวกเขาใช้การยั่วยุ ปฏิเสธความจริงจังของนักมโนทัศน์อย่างชัดเจน ลดความต้องการพลาสติกอย่างชัดเจน การใช้ภาพวาดของเด็กสาธิต ศิลปะป๊อปแบบโฮมเมด

“รูเบิลยาว” ความโง่เขลาและความสนุกสนานเกินจริง

รุ่นก่อนของการประมูลในมอสโก

พวกเขาบันทึก "Golden Album" ซึ่งเป็นการรวมบทกวีตลกขบขันและการล้อเลียนเพลงป๊อป จัดทำขึ้นเป็นเรื่องตลกสำหรับเพื่อนๆ แต่ความสำเร็จที่ไม่คาดคิดก็เกิดขึ้น