เครื่องจักรเกี่ยวกับวอยอาร์ต- คำที่หมายถึงผลงานจิตรกรรม ประติมากรรม และภาพกราฟิกที่มีลักษณะและความหมายที่เป็นอิสระ ความหมายทางอุดมการณ์ของงานศิลปะขาตั้งไม่เปลี่ยนแปลงขึ้นอยู่กับสถานที่ที่พวกเขาอยู่ แม้ว่าเสียงทางศิลปะจะขึ้นอยู่กับเงื่อนไขของนิทรรศการก็ตาม คำว่า "ศิลปะขาตั้ง" มาจาก "เครื่องจักร" ที่ใช้สร้างสรรค์ผลงานศิลปะจำนวนมาก (เช่น ในการวาดภาพ มันคือขาตั้ง) ศิลปะขาตั้งได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางตั้งแต่สมัยเรอเนซองส์

อนุสาวรีย์ศิลปะ- ศิลปะประเภทหนึ่งซึ่งรวมถึงโครงสร้างทางสถาปัตยกรรม อนุสาวรีย์ประติมากรรม ภาพนูนต่ำนูนสูง ภาพวาดฝาผนัง โมเสก กระจกสี ฯลฯ ศิลปะอนุสรณ์สถานมุ่งเน้นไปที่การรับรู้ของมวลชนและพยายามที่จะมีอิทธิพลต่ออารมณ์และความคิดของผู้คนจำนวนมาก อนุสาวรีย์ประติมากรรมคืออนุสาวรีย์ อนุสาวรีย์ กลุ่มประติมากรรมที่เสริมสถาปัตยกรรม จิตรกรรมอนุสาวรีย์ ได้แก่ แผง จิตรกรรม โมเสก กระจกสี กราฟิกอนุสาวรีย์คือภาพกราฟิกบนผนังที่มีส่วนร่วมในการสร้างภาพที่ยิ่งใหญ่ ศิลปะที่ยิ่งใหญ่มีลักษณะเฉพาะด้วยสภาพแวดล้อมการดำรงอยู่ถาวรบางประการ คุณสมบัติ: พูดน้อย, น่าดึงดูด, สงบ, สมดุล, ชัดเจน, เรียบง่าย, ครบถ้วนและสง่างาม “ชีวประวัติ” ของงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่มีต้นกำเนิดมาจากการสร้างสรรค์ของมนุษย์ในยุคหิน ภาพวาดของอัลตามิราและลาสโกซ์ หินสโตนเฮนจ์ หินสูง (สูงถึง 20 ม.) ขุดในแนวตั้งลงไปในพื้นดิน ซึ่งมีความสำคัญทางศาสนา (“menhirs”) อนุสาวรีย์ดอกไม้. ศิลปะเกิดขึ้นพร้อมกับยุคที่จิตสำนึกส่วนรวมได้รับการพัฒนาอย่างมากและจิตสำนึกส่วนบุคคลยังไม่เพียงพอ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่วัฒนธรรมโบราณและวัฒนธรรมในยุคกลางทั้งหมดหันมาสนใจอนุสาวรีย์เป็นหลัก

4. ประเภทของศิลปกรรม

1.สถาปัตยกรรมหรือสถาปัตยกรรมเป็นทั้งศาสตร์และศิลป์ในการออกแบบอาคาร ในความหมายกว้างๆ สถาปัตยกรรมคือการจัดระเบียบของสภาพแวดล้อมของมนุษย์ เริ่มต้นด้วยการออกแบบเมือง ประเด็นของการจัดสภาพแวดล้อมในเมือง ภูมิสถาปัตยกรรม และลงท้ายด้วยการออกแบบเฟอร์นิเจอร์และการตกแต่งภายในอาคาร

2.จิตรกรรม: จิตรกรรมอนุสาวรีย์บนโครงสร้างโค้งและฐานนิ่งอื่นๆ (ปูนเปียก โมเสก กระจกสี) ขาตั้ง zhivo (ทิวทัศน์ ภาพบุคคล หุ่นนิ่ง zhivo ในครัวเรือน zhivo ประวัติศาสตร์)

3.กราฟิก- วิจิตรศิลป์ประเภทหนึ่งที่ใช้เส้น ลายเส้น และจุดเป็นวิธีหลักในการนำเสนอ (สามารถใช้สีได้ แต่ต่างจากการวาดภาพตรงที่มีบทบาทสนับสนุน)

4.ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่ง

5.ดีพีไอ- สาขาวิชามัณฑนศิลป์: การสร้างผลิตภัณฑ์ทางศิลปะที่มีจุดประสงค์ในทางปฏิบัติในชีวิตสาธารณะและชีวิตส่วนตัวและการแปรรูปสิ่งของที่เป็นประโยชน์ทางศิลปะ (ผ้าบาติก, พรม, กราฟิกด้าย, เซรามิก, งานเย็บปักถักร้อย)

6.ประติมากรรม- ศิลปกรรมประเภทหนึ่ง ซึ่งมีลักษณะเป็นสามมิติและทำจากวัสดุแข็งหรือพลาสติก

5. ประติมากรรมอันเป็นศิลปะรูปแบบหนึ่ง

ประติมากรรม [จาก lat. skulpo - ตัดออกแกะสลัก] - ประติมากรรมพลาสติกงานศิลปะประเภทหนึ่งผลงานที่มีรูปร่างสามมิติสามมิติและทำจากวัสดุแข็งหรือพลาสติก ประติมากรรม แสดงให้เห็นถึงความสัมพันธ์บางอย่างกับสถาปัตยกรรม: ยังเกี่ยวข้องกับอวกาศและปริมาตร เป็นไปตามกฎเปลือกโลก และเป็นวัตถุในธรรมชาติ แต่แตกต่างจากสถาปัตยกรรมตรงที่มันไม่ได้ใช้งานได้จริง แต่เป็นภาพลักษณะเฉพาะที่สำคัญของประติมากรรมคือลักษณะทางกายภาพ ความเป็นวัตถุ ความพูดน้อย และความเก่งกาจ สาระสำคัญของประติมากรรมถูกกำหนดโดยความสามารถของมนุษย์ในการรับรู้ปริมาตร แต่รูปแบบการสัมผัสสูงสุดในประติมากรรมซึ่งนำไปสู่การรับรู้ระดับใหม่คือความสามารถของบุคคลในการ "สัมผัสด้วยสายตา" รูปแบบที่รับรู้ผ่านประติมากรรม เมื่อดวงตาได้รับความสามารถในการเชื่อมโยงความลึกและความนูนของส่วนต่างๆ พื้นผิวโดยอยู่ภายใต้ความสมบูรณ์ของความหมายของการรับรู้ทั้งหมด สาระสำคัญของประติมากรรมปรากฏให้เห็นในความเป็นรูปธรรมของวัสดุซึ่งเมื่อเป็นรูปเป็นร่างแล้วก็เลิกเป็นความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์สำหรับมนุษย์และกลายเป็นผู้ขนส่งทางวัตถุของแนวคิดทางศิลปะ ประติมากรรมเป็นศิลปะแห่งการเปลี่ยนแปลงพื้นที่ผ่านปริมาตรแต่ละวัฒนธรรมนำความเข้าใจของตัวเองเกี่ยวกับความสัมพันธ์ระหว่างปริมาตรและอวกาศ: สมัยโบราณเข้าใจปริมาตรของร่างกายในฐานะที่ตั้งในอวกาศ ยุคกลาง - อวกาศในฐานะโลกแห่งความจริง คลาสสิก - ความสมดุลของอวกาศ ปริมาตร และรูปแบบ ความพูดน้อยของประติมากรรมนั้นเกิดจากการที่มัน แทบไม่มีโครงเรื่องและการเล่าเรื่อง- ความง่ายในการรับรู้ของประติมากรรมนั้นชัดเจนเท่านั้น ประติมากรรม เป็นสัญลักษณ์ ธรรมดา และเป็นศิลปะ ซึ่งหมายความว่ามีความซับซ้อนและลึกซึ้งในการรับรู้

เนื้อหาจากวิกิพีเดีย – สารานุกรมเสรี

การวาดภาพขาตั้ง- จิตรกรรมประเภทหนึ่งผลงานที่มีความหมายอิสระและรับรู้โดยไม่คำนึงถึงสภาพแวดล้อม แท้จริงแล้ว - ภาพวาดที่สร้างขึ้นบนขาตั้ง

งานจิตรกรรมขาตั้ง - ภาพวาด - ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานที่ไม่อยู่กับที่ (ไม่เหมือนภาพวาดอนุสาวรีย์) และไม่เป็นประโยชน์ (ต่างจากภาพวาดตกแต่ง) (ผ้าใบ กระดาษแข็ง แผ่นกระดาน กระดาษ ผ้าไหม) และสันนิษฐานถึงการรับรู้ที่เป็นอิสระซึ่งไม่ได้กำหนดเงื่อนไขโดย สิ่งแวดล้อม

วัสดุหลักสำหรับการวาดภาพขาตั้ง ได้แก่ สีน้ำมัน, อุบาทว์และสีน้ำ, gouache, สีพาสเทล, อะคริลิก ในตะวันออกไกล ภาพวาดหมึก (ส่วนใหญ่เป็นภาพเอกรงค์) ซึ่งมักผสมผสานการประดิษฐ์ตัวอักษรกลายเป็นเรื่องแพร่หลาย

การวาดภาพขาตั้งได้รับการสอนในโรงเรียนศิลปะและสตูดิโอในโรงเรียนศิลปะระดับมัธยมศึกษาและสถาบันศิลปะซึ่งใหญ่ที่สุดในรัสเซียอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กโรงเรียนศิลปะ Ryazan ตั้งชื่อตาม G.K. Wagner ใน Ryazan และมอสโก

เขียนบทวิจารณ์เกี่ยวกับบทความ "ภาพวาดขาตั้ง"

ข้อความที่ตัดตอนมาจากภาพวาดขาตั้ง

และเพื่อตอบรับความจริงที่ว่ามีคริสตจักรมากกว่าสองร้อยแห่ง พระองค์ตรัสว่า
– ทำไมโบสถ์ถึงมีเหวขนาดนั้น?
“ รัสเซียมีความเคร่งครัดมาก” บาลาเชฟตอบ
“อย่างไรก็ตาม วัดและโบสถ์จำนวนมากมักเป็นสัญลักษณ์ของความล้าหลังของประชาชนเสมอ” นโปเลียนกล่าว เมื่อมองย้อนกลับไปที่ Caulaincourt เพื่อประเมินคำตัดสินนี้
Balashev ยอมให้ตัวเองไม่เห็นด้วยกับความคิดเห็นของจักรพรรดิฝรั่งเศสด้วยความเคารพ
“ทุกประเทศมีประเพณีของตนเอง” เขากล่าว
“แต่ไม่มีที่ไหนในยุโรปที่จะมีเรื่องแบบนี้” นโปเลียนกล่าว
“ข้าพเจ้าขออภัยต่อฝ่าพระบาท” บาลาเชฟกล่าว “นอกจากรัสเซียแล้ว ยังมีสเปนด้วย ซึ่งมีโบสถ์และอารามหลายแห่ง”
คำตอบจาก Balashev ซึ่งบอกเป็นนัยถึงความพ่ายแพ้ของฝรั่งเศสในสเปนเมื่อเร็ว ๆ นี้ได้รับการชื่นชมอย่างสูงในภายหลังตามเรื่องราวของ Balashev ที่ราชสำนักของจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์และตอนนี้ได้รับการชื่นชมน้อยมากในงานเลี้ยงอาหารค่ำของนโปเลียนและผ่านไปโดยไม่มีใครสังเกตเห็น
เห็นได้ชัดจากใบหน้าที่ไม่แยแสและงุนงงของเจ้าหน้าที่ตำรวจว่าพวกเขางุนงงว่าเรื่องตลกคืออะไรซึ่งน้ำเสียงของ Balashev บอกเป็นนัย “ถ้ามี แสดงว่าเราไม่เข้าใจเธอหรือเธอไม่มีไหวพริบเลย” สีหน้าของนายทหารกล่าว คำตอบนี้ได้รับการชื่นชมเพียงเล็กน้อยจนนโปเลียนไม่ได้สังเกตด้วยซ้ำและถาม Balashev อย่างไร้เดียงสาเกี่ยวกับเมืองใดบ้างที่มีถนนสายตรงไปมอสโกจากที่นี่ Balashev ผู้ตื่นตัวตลอดเวลาระหว่างรับประทานอาหารค่ำ ตอบว่า เชิญ chemin mene ถึงโรม เชิญ chemin mene ไปที่มอสโก [ตามสุภาษิตว่า ถนนทุกสายนำไปสู่กรุงโรม ถนนทุกสายก็มุ่งสู่มอสโกฉันนั้น ] ว่ามีถนนหลายสายและในบรรดาเส้นทางที่แตกต่างกันเหล่านี้คือถนนสู่ Poltava ซึ่ง Charles XII เลือกไว้ Balashev กล่าวด้วยความยินดีกับความสำเร็จของคำตอบนี้โดยไม่สมัครใจ ก่อนที่ Balashev จะมีเวลาพูดจบประโยคสุดท้าย: "Poltawa" Caulaincourt เริ่มพูดถึงความไม่สะดวกของถนนจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กไปมอสโกวและเกี่ยวกับความทรงจำในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กของเขา
หลังอาหารกลางวันเราไปดื่มกาแฟในห้องทำงานของนโปเลียนซึ่งเมื่อสี่วันก่อนเคยเป็นห้องทำงานของจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์ นโปเลียนนั่งลง สัมผัสกาแฟในแก้ว Sevres และชี้ไปที่เก้าอี้ของ Balashev

“ศิลปะมีความต้องการสำหรับบุคคลเช่นเดียวกับการกินและการดื่ม ความต้องการความงามและความคิดสร้างสรรค์ซึ่งรวมอยู่ด้วยนั้นแยกออกจากมนุษย์ไม่ได้” F. M. Dostoevsky เขียน

แท้จริงแล้ว ประวัติศาสตร์แสดงให้เห็นว่ามนุษย์แยกออกจากงานศิลปะไม่ได้เสมอไป ภาพวาดหินโบราณได้รับการเก็บรักษาไว้ในภูเขาและในถ้ำทั่วโลก ภาพวาดสัตว์และนักล่าที่แสดงออกถึงอารมณ์เหล่านี้ถูกสร้างขึ้นในสมัยที่ผู้คนไม่สามารถเขียนได้

อนุสรณ์สถานทางศิลปะบอกเราถึงความสำคัญอันยิ่งใหญ่ในชีวิตของมนุษย์และสังคมมนุษย์ ชาวกรีกโบราณสร้างตำนานอันน่าอัศจรรย์เกี่ยวกับรำพึง - น้องสาวชั่วนิรันดร์ซึ่งเป็นตัวเป็นตนของศิลปะและวิทยาศาสตร์ Melpomene เป็นรำพึงแห่งโศกนาฏกรรม Thalia - ตลก Terpsichore - การเต้นรำ Clio - รำพึงแห่งประวัติศาสตร์... ตำนานเล่าว่าเมื่อเทพเจ้าอพอลโล - ผู้อุปถัมภ์ศิลปะ บทกวี และดนตรี - ปรากฏตัวพร้อมกับรำพึง จากนั้นทั้งหมด ธรรมชาติฟังการร้องเพลงของพวกเขา... ดนตรี พิพิธภัณฑ์ - คำเหล่านี้มาจากคำว่า Muse

ตำนานบทกวีเกี่ยวกับน้องสาวรำพึงไม่ได้สูญเสียความหมาย ศิลปะแต่ละประเภทมีวิธีการแสดงออกที่แตกต่างกัน ในดนตรีคือเสียง ในวิจิตรศิลป์คือสี เส้น ฯลฯ ในวรรณคดีคือคำ แต่สาระสำคัญที่เกี่ยวข้องของทุกประเภทก็คือศิลปะเป็นรูปแบบหนึ่งของจิตสำนึกทางสังคมซึ่งมีพื้นฐานมาจากการสะท้อนเป็นรูปเป็นร่างของปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริง

วิจิตรศิลป์ที่เกี่ยวข้องกับการรับรู้ทางสายตา ได้แก่ จิตรกรรม ภาพกราฟิก และประติมากรรม ศิลปะเหล่านี้สร้างภาพบนเครื่องบิน (ภาพวาดและกราฟิก) และในอวกาศ (ประติมากรรม)

เราเรียกจิตรกรรม การวาดภาพ ภาพพิมพ์ ประติมากรรม ที่มีความหมายเป็นอิสระ กล่าวคือ ไม่เกี่ยวข้องกับวงดนตรีทางศิลปะใด ๆ หรือมีวัตถุประสงค์เชิงปฏิบัติล้วนๆ ขาตั้งทำงาน- คำจำกัดความนี้มาจากคำว่า "เครื่องจักร" (ในกรณีนี้คือขาตั้ง) ซึ่งจะใช้วางผืนผ้าใบไว้เมื่อวาดภาพ และแม้กระทั่งความจริงที่ว่าต้องแทรกภาพวาดลงในกรอบก็เน้นย้ำถึงความเป็นอิสระนั่นคือการแยกการวาดภาพขาตั้งออกจากสิ่งแวดล้อม กรอบแยกภาพวาดและสร้างโอกาสในการรับรู้ว่าเป็นงานศิลปะที่เป็นอิสระ ภาพวาดขาตั้งบางภาพมีการทำซ้ำในหนังสือ

ไม่เหมือนขาตั้ง จิตรกรรมที่ยิ่งใหญ่ในวัตถุประสงค์และธรรมชาติของมันมีความเชื่อมโยงกับกลุ่มสถาปัตยกรรม จิตรกรรมฝาผนัง กระเบื้องโมเสค แผง หน้าต่างกระจกสีรวมอยู่ในสถาปัตยกรรม เสริมและเพิ่มคุณค่าให้กับการออกแบบทางศิลปะของการตกแต่งภายในหรือทั้งอาคาร ตัวอย่างที่ดีของการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ ได้แก่ จิตรกรรมฝาผนังของราฟาเอลในวังวาติกันและภาพวาดของไมเคิลแองเจโลในโบสถ์ซิสทีน การวาดภาพอนุสาวรีย์ถึงระดับสูงสุดในศิลปะไบแซนไทน์และรัสเซียเก่า

ในปัจจุบัน ภาพวาดอนุสาวรีย์ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในพระราชวังแห่งวัฒนธรรม สโมสร โรงละคร สถานีรถไฟใต้ดิน สถานีรถไฟ ฯลฯ หลายๆ คนเคยเห็นภาพโมเสกในรถไฟใต้ดิน ซึ่งสร้างขึ้นตามภาพร่างของ P. Korin, A. Deineka และปรมาจารย์ชาวโซเวียตคนอื่นๆ . ภาพวาดภายในของสถานีขนส่งและพิพิธภัณฑ์กองทัพในมอสโก (ศิลปิน Yu. Korolev) ภาพวาดของพิพิธภัณฑ์ Tsiolkovsky ใน Kaluga (กลุ่มศิลปินนำโดย A. Vasnetsov) หน้าต่างกระจกสีโดยปรมาจารย์ชาวลิทัวเนีย และนูน แผงโดยศิลปินชาวจอร์เจียได้ตกแต่งอาคารใหม่หลายแห่งในเมืองของเรา

ศิลปะที่ยิ่งใหญ่ของเม็กซิโกสมัยใหม่ได้รับชื่อเสียงระดับนานาชาติ ภาพโมเสกของ Siqueiros และศิลปินชื่อดังคนอื่นๆ สะท้อนให้เห็นถึงการต่อสู้อย่างกล้าหาญของชาวเม็กซิกันเพื่ออิสรภาพของพวกเขา

ไม่สามารถวาดเส้นคมชัดระหว่างขาตั้งกับงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่ได้เสมอไป สิ่งนี้อธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าการวาดภาพขาตั้งมักจะมีคุณภาพที่ยิ่งใหญ่ และงานชิ้นเอกบางครั้งก็มีความสำคัญอย่างเป็นอิสระโดยถูกมองว่าเป็นภาพวาดขาตั้งที่เสร็จแล้ว

นอกจากนี้ยังมีพื้นที่มัณฑนศิลป์และศิลปะประยุกต์ขนาดใหญ่มาก สิ่งเหล่านี้เป็นเฟอร์นิเจอร์ จาน เสื้อผ้า ผ้า พรม งานเย็บปักถักร้อย เครื่องประดับ ฯลฯ ที่สร้างสรรค์อย่างมีศิลปะ อย่างไรก็ตาม งานศิลปะตกแต่งและประยุกต์บางประเภท (พรม การพิมพ์ลายนูน ประติมากรรมตกแต่ง) ก็ถือได้ว่าเป็นผลงานอิสระเช่นกัน ภาพวาดที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อตกแต่งหรือเปิดเผยการออกแบบและวัตถุประสงค์ของวัตถุและไม่มีความหมายที่ชัดเจนชัดเจนเรียกว่าการตกแต่ง

ดังนั้นการวาดภาพจึงแบ่งออกเป็นขาตั้งแบบอนุสาวรีย์และแบบตกแต่ง

การวาดภาพด้วยขาตั้งเป็นเทคนิคที่ใช้สีลงบนพื้นผิวที่เคลื่อนย้ายได้เพื่อสร้างการวาดภาพที่เป็นอิสระ ชื่อของประเภทนี้มาจากคำว่า "เครื่องทอผ้า" ซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นขาตั้งของศิลปิน ปัจจุบันการวาดภาพขาตั้งเป็นศิลปะที่แพร่หลายที่สุด

ด้วยความคล่องตัวของผลงาน ทำให้ผู้ชมจำนวนมากสามารถเข้าถึงภาพวาดได้ นอกจากนี้ด้วยความสามารถในการเคลื่อนย้ายผืนผ้าใบ การฟื้นฟูภาพวาดขาตั้งจึงสะดวกอย่างมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเปรียบเทียบกับงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่

ประเภทของการวาดภาพ

การวาดภาพเป็นวิธีการแสดงออกและถ่ายทอดวิสัยทัศน์แห่งความเป็นจริงที่เก่าแก่ที่สุดวิธีหนึ่ง เธอสอนวิธีพรรณนาโลกรอบตัวเราโดยใช้ภาพ เทคนิค และเทคนิคที่ประกอบขึ้นเป็นภาษาวิจิตรศิลป์ มันถูกสร้างและพัฒนาโดยศิลปินและนักทฤษฎีมาเป็นเวลาหลายพันปี และในปัจจุบันนี้ช่วยให้จิตรกรสมัยใหม่สามารถสร้าง "เรื่องราว" ของตนเองได้

ตามเนื้อผ้าภาพวาดประเภทต่อไปนี้มีความโดดเด่น:

• ตกแต่ง - สร้างขึ้นเพื่อตกแต่งพื้นผิวและวัตถุที่มีจุดประสงค์อื่น ภาพวาดนี้ใช้ในการตกแต่งภายใน บนเฟอร์นิเจอร์ เครื่องประดับ เสื้อผ้า ฯลฯ
• ละคร - สร้างสรรค์ฉากและเครื่องแต่งกายสำหรับการผลิต
• อนุสาวรีย์ - ดำเนินการบนพื้นผิวคงที่ของอาคารทั้งด้านหน้าและภายใน เป็นศิลปะประเภทที่เก่าแก่ที่สุด มักเรียกว่าจิตรกรรมฝาผนัง ภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ยังรวมถึงกระเบื้องโมเสก กระจกสี และแผงต่างๆ
• ศิลปะขาตั้งมีอยู่ไม่ว่าจะสร้างขึ้นจากที่ไหนก็ตาม นี่คือภาพวาดประเภทที่แพร่หลายที่สุดได้รับการพัฒนาและหลากหลายประเภท

ความหมายและลักษณะของการวาดภาพด้วยขาตั้ง

งานขาตั้งเป็นวัตถุทางศิลปะอิสระ มันสามารถเคลื่อนที่ไปในอวกาศและแม้แต่ข้ามพรมแดนรัฐได้ นี่คือลักษณะสำคัญของการวาดภาพขาตั้ง - ไม่ควรผูกติดอยู่กับสถานที่แห่งการสร้างสรรค์

การวาดภาพเป็นเรื่องและผลของงานศิลปะดังกล่าว ปัจจุบันไม่มีความเห็นเป็นเอกฉันท์ว่าเทคนิคและวัสดุใดถือเป็นการวาดภาพด้วยขาตั้งและสิ่งใดถือเป็นกราฟิก เราจะยึดถือความเห็นที่ว่าการวาดภาพขาตั้งคือการทาสีทุกประเภทลงบนพื้นผิวที่สามารถเคลื่อนย้ายได้ โดยไม่คำนึงถึงวัสดุและขนาด ดังนั้นผลงานที่สร้างขึ้นด้วยสีน้ำ gouache และแม้แต่สีพาสเทลจึงเป็นตัวอย่างของเทคนิคนี้

เรื่องราว

ประวัติความเป็นมาของการวาดภาพขาตั้งเริ่มต้นด้วยการใช้แผ่นหินและแผ่นไม้ ผลงานที่วางรากฐานสำหรับความเข้าใจสมัยใหม่เกี่ยวกับงานศิลปะดังกล่าวถือเป็นสัญลักษณ์ ภาพพระคริสต์ที่ไม่อยู่กับที่ที่เก่าแก่ที่สุดมีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 6 และสร้างขึ้นบนแผงไม้ที่หุ้มด้วยผ้าที่ได้รับการดูแลเป็นพิเศษ

ภาพวาดบนไม้ชิ้นแรกมีลักษณะทางศาสนา แต่ไม่ใช่สัญลักษณ์ ผู้ริเริ่มการวาดภาพด้วยขาตั้งคือตัวแทนของยุคโปรโต-เรอเนซองส์ Giotto di Bondone เขาสร้างผลงานหลายชิ้น - ทั้งหมดทำด้วยสีฝุ่นบนแผ่นไม้ป็อปลาร์บาง ๆ คลุมด้วยผ้าใบที่ผสมปูนปลาสเตอร์และกาวสัตว์ เทคโนโลยีนี้ใช้เพื่อสร้างไอคอนใน Byzantium

ประเภทของการวาดภาพด้วยขาตั้ง

ขึ้นอยู่กับวัสดุที่ใช้ในการสร้างภาพวาด การวาดภาพขาตั้งแบ่งออกเป็นหลายประเภท:

• ขึ้นอยู่กับประเภทของพื้นผิว ภาพวาดจะมีความโดดเด่นบนผืนผ้าใบ, กระดาษแข็ง, กระดาษ, ไม้, ผ้าไหม, กระดาษ parchment, แผงโลหะและหิน พื้นผิวที่เคลื่อนย้ายได้เกือบทุกพื้นผิวที่ไม่ได้ทำหน้าที่เพิ่มเติมใด ๆ เหมาะเป็นพื้นฐานสำหรับการวาดภาพขาตั้ง
• การวาดภาพด้วยขาตั้งอาจเป็นสีน้ำมัน สีน้ำ เทมเพอรา อะคริลิก และพาสเทล ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับสีที่ใช้ ที่ใช้กันน้อยกว่าคือองค์ประกอบเช่น gouache และหมึก

นอกจากนี้ การวาดภาพด้วยขาตั้งยังช่วยให้สามารถใช้วัสดุเสริมได้หลายชนิด เช่น แปรง ฟองน้ำ ลูกกลิ้ง แถบกระดาษแข็ง มีดจานสี และกระป๋องสเปรย์

คุณสมบัติของเทคนิคการแสดง

ด้วยการพัฒนาทางศิลปะเทคโนโลยีการวาดภาพขาตั้งก็เปลี่ยนไปเช่นกัน โลกสมัยใหม่กำลังขยายการเข้าถึงความรู้และวัสดุ ทำให้เกิดพื้นที่อุดมสมบูรณ์สำหรับการทดลองและการค้นหาโอกาสใหม่ๆ ปัจจุบัน ภาพวาดขาตั้งสามารถสร้างขึ้นได้โดยใช้ลายฉลุและลวดลาย สีถูกสกัดจากวัสดุและเม็ดสีชนิดใหม่ เป็นเรื่องยากที่จะไม่หลงไปกับวังวนแห่งเงินทุนและทรัพยากรเช่นนี้

อย่างไรก็ตาม ภาพวาดสีน้ำมันและภาพวาดเทมเพอราขาตั้งนั้นได้ผ่านการพัฒนามาหลายศตวรรษ นั่นคือเหตุผลว่าทำไมในปัจจุบันจึงมีเทคนิคการวาดภาพขาตั้งแบบดั้งเดิมหรือเชิงวิชาการ ซึ่งเกี่ยวข้องกับการปฏิบัติตามกฎและประเพณีหลายประการ สีน้ำมันเป็นที่นิยมมากที่สุดเนื่องจากใช้งานง่ายและสามารถคงสีไว้ได้เป็นเวลานาน ในทางกลับกัน Tempera ก็มีความซับซ้อนมากขึ้น เทคนิคในการสร้างภาพวาดเทมเพอราขาตั้งมีกฎเฉพาะหลายประการ - ตัวอย่างเช่นการทำให้โทนสีเข้มขึ้นทำได้ดีที่สุดโดยการแรเงาหรือทาชั้นหนึ่งกับอีกชั้นหนึ่ง

ประเภทของการวาดภาพขาตั้ง

ความสมบูรณ์ของประเภทของการวาดภาพขาตั้งนั้นเกิดจากความคล่องตัว ท้ายที่สุดแล้ว การย้ายขาตั้งเข้าไปในป่าได้ง่ายกว่าต้นไม้ในบ้าน ดังนั้นการวาดภาพขาตั้งจึงขยายความเป็นไปได้ในการวาดภาพผืนผ้าใบจากชีวิต นี่เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งสำหรับประเภทต่างๆ เช่น ภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล และภาพหุ่นนิ่ง

ในบรรดาผู้ที่มีอิทธิพลมากที่สุดต่อรูปแบบและพัฒนาการของการวาดภาพขาตั้ง จำเป็นต้องเน้นประเภทศาสนาและตำนาน ตลอดจนประวัติศาสตร์ ภาพบุคคล และหัวข้อต่างๆ สำหรับการวาดภาพด้วยขาตั้งสมัยใหม่ ภาพบุคคล ทิวทัศน์ และหุ่นนิ่งมีความสำคัญเป็นพิเศษ

ภาพเหมือน

แนวเพลงประเภทนี้มีความหลากหลายมาก บางครั้งขอบเขตก็เบลอและผสานเข้ากับแนวเพลง เช่น ตำนาน เชิงเปรียบเทียบ และศาสนา สาระสำคัญของการถ่ายภาพบุคคลคือการใช้วิธีการทางศิลปะเพื่อพรรณนาบุคคลที่มีลักษณะลักษณะลักษณะใบหน้าและลักษณะนิสัยบนผืนผ้าใบ

ในการวาดภาพขาตั้ง รูปลักษณ์ของแบบจำลอง ลักษณะที่จับต้องได้และมองเห็นได้ ผสานกับคุณสมบัติภายในที่เป็นลักษณะเฉพาะ ทั้งหมดนี้ขึ้นอยู่กับการรับรู้ของผู้เขียนโดยตรง รวมถึงความเชื่อมโยงของศิลปินกับนางแบบและภาพเหมือน

ทิวทัศน์

ผลงานที่สร้างขึ้นในประเภทนี้แสดงถึงธรรมชาติ เช่นเดียวกับการถ่ายภาพบุคคล ทิวทัศน์มักจะเบลอขอบเขตของคำจำกัดความและลักษณะเฉพาะของประเภทที่เข้มงวด อาจเนื่องมาจากความจริงที่ว่ามานานหลายศตวรรษมันถูกใช้เป็นเพียงการเติมพื้นที่ในภาพวาดเท่านั้น ตอนนี้มันเป็นประเภทอิสระ แต่ยังคงใช้เพื่อสร้างพื้นหลังในงานประเภทอื่น

ภูมิทัศน์พรรณนาถึงธรรมชาติในรูปแบบต่างๆ มากมาย - ไม่ได้ถูกแตะต้องโดยมนุษย์ เปลี่ยนแปลงโดยมนุษย์ และมีปฏิสัมพันธ์กับเขา ในบรรดาประเภทย่อยต่างๆ ที่น่าสังเกตคือทิวทัศน์ทะเล เมือง และชนบท

ยังมีชีวิตอยู่

จากภาษาฝรั่งเศสชื่อนี้แปลว่า "ธรรมชาติที่ตายแล้ว" การวาดภาพด้วยขาตั้งประเภทนี้เน้นไปที่การพรรณนาถึงวัตถุที่ไม่มีชีวิต ในฐานะที่เป็นเทคนิคอิสระ หุ่นนิ่งจึงก่อตัวขึ้นในศตวรรษที่ 17 ด้วยความพยายามของปรมาจารย์ชาวยุโรปเหนือ ในช่วงยุคเรอเนซองส์ ได้รับความนิยมในการวาดภาพตกแต่ง และมักกลายเป็นของตกแต่งเฟอร์นิเจอร์และเครื่องใช้บนโต๊ะอาหาร

การวาดภาพขาตั้งประเภทอื่นๆ ที่ได้รับความนิยม ได้แก่ ชีวิตประจำวัน ภาพประกอบ การเปรียบเทียบ และการวาดภาพสัตว์

- นี่คือหนึ่งในวิจิตรศิลป์ประเภทหลัก เป็นการพรรณนาทางศิลปะเกี่ยวกับโลกวัตถุประสงค์โดยใช้สีบนพื้นผิว การวาดภาพแบ่งออกเป็น: ขาตั้ง, อนุสาวรีย์และการตกแต่ง

- นำเสนอโดยผลงานที่ใช้สีน้ำมันบนผ้าใบเป็นหลัก (กระดาษแข็ง แผ่นไม้ หรือภาพเปลือย) เป็นประเภทจิตรกรรมที่ได้รับความนิยมมากที่สุด เป็นประเภทนี้ที่มักใช้กับคำว่า " จิตรกรรม".

เป็นเทคนิคการทาสีผนังเมื่อตกแต่งอาคารและองค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมในอาคาร โดยเฉพาะในยุโรป ปูนเปียก - ภาพวาดอันยิ่งใหญ่บนปูนปลาสเตอร์เปียกด้วยสีละลายน้ำ เทคนิคการวาดภาพนี้เป็นที่รู้จักกันดีมาตั้งแต่สมัยโบราณ ต่อมาเทคนิคนี้ถูกนำมาใช้ในการออกแบบโบสถ์คริสต์และห้องนิรภัยหลายแห่ง

ภาพวาดตกแต่ง — (จากคำภาษาละตินจาก decoro - ถึงการตกแต่ง) เป็นวิธีการวาดภาพและการประยุกต์ภาพกับวัตถุและรายละเอียดภายใน ผนัง เฟอร์นิเจอร์ และวัตถุตกแต่งอื่น ๆ หมายถึง ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์

ความเป็นไปได้ของงานศิลปะภาพได้รับการเปิดเผยอย่างชัดเจนโดยการวาดภาพด้วยขาตั้งมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 นับตั้งแต่มีการใช้สีน้ำมันเป็นจำนวนมาก มีเนื้อหาที่หลากหลายเป็นพิเศษและรูปแบบที่ได้รับการพัฒนาอย่างล้ำลึก หัวใจของวิธีการทางศิลปะด้านภาพคือสี (ความเป็นไปได้ของสี) ความสามัคคีที่แยกไม่ออกกับ Chiaroscuro และเส้น; สีและไคอาโรสคูโรได้รับการพัฒนาและพัฒนาโดยเทคนิคการวาดภาพที่มีความสมบูรณ์และความสว่างซึ่งงานศิลปะประเภทอื่นไม่สามารถเข้าถึงได้ สิ่งนี้จะกำหนดความสมบูรณ์แบบของการสร้างแบบจำลองเชิงปริมาตรและเชิงพื้นที่ที่มีอยู่ในการวาดภาพเหมือนจริง การแสดงความเป็นจริงที่สดใสและแม่นยำ ความเป็นไปได้ในการตระหนักถึงแผนการที่ศิลปินคิดขึ้น (และวิธีการสร้างองค์ประกอบ) และข้อดีด้านภาพอื่น ๆ

ความแตกต่างอีกประการหนึ่งในความแตกต่างระหว่างประเภทของการทาสีคือเทคนิคการดำเนินการตามประเภทของสี สัญญาณทั่วไปไม่เพียงพอที่จะตัดสินใจเสมอไป เส้นแบ่งระหว่างภาพวาดและกราฟิกในแต่ละกรณี เช่น งานที่สร้างด้วยสีน้ำหรือสีพาสเทลสามารถเป็นของทั้งสองพื้นที่ได้ ขึ้นอยู่กับแนวทางของศิลปินและงานที่เขากำหนด แม้ว่าภาพวาดบนกระดาษจะถูกจัดประเภทเป็นกราฟิก แต่การใช้เทคนิคการวาดภาพที่แตกต่างกันในบางครั้งอาจทำให้ความแตกต่างระหว่างการวาดภาพและกราฟิกไม่ชัดเจน

ต้องคำนึงว่าคำว่า "ภาพวาด" เชิงความหมายนั้นเป็นคำในภาษารัสเซีย ถูกนำมาใช้เป็นคำระหว่างการก่อตัวของวิจิตรศิลป์ในรัสเซียในยุคบาโรก การใช้คำว่า “จิตรกรรม” ในขณะนั้นใช้กับการวาดภาพเหมือนจริงบางประเภทเท่านั้น แต่เดิมนั้นมาจากเทคนิคของคริสตจักรในการวาดภาพไอคอนซึ่งใช้คำว่า “เขียน” (ที่เกี่ยวข้องกับการเขียน) เพราะคำนี้เป็นการแปลความหมายในตำราภาษากรีก (คำเหล่านี้คือ “หลงทางในการแปล”) การพัฒนาโรงเรียนศิลปะของตนเองในรัสเซียและการสืบทอดความรู้ทางวิชาการของยุโรปในสาขาศิลปะได้พัฒนาขอบเขตของคำว่า "การวาดภาพ" ของรัสเซียโดยจารึกไว้ในคำศัพท์ทางการศึกษาและภาษาวรรณกรรม แต่ในภาษารัสเซียลักษณะเฉพาะของความหมายของคำกริยา "เขียน" ถูกสร้างขึ้นโดยสัมพันธ์กับการเขียนและการวาดภาพ

ประเภทของการวาดภาพ

ในระหว่างการพัฒนาวิจิตรศิลป์ได้มีการสร้างภาพเขียนคลาสสิกหลายประเภทขึ้นซึ่งได้รับลักษณะและกฎเกณฑ์ของตนเอง

ภาพเหมือนเป็นการแสดงภาพที่สมจริงของบุคคลที่ศิลปินพยายามทำให้มีความคล้ายคลึงกับต้นฉบับ หนึ่งในประเภทจิตรกรรมที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ลูกค้าส่วนใหญ่ใช้ความสามารถของศิลปินเพื่อสานต่อภาพลักษณ์ของตัวเอง หรืออยากได้ภาพลักษณ์ของคนที่รัก ญาติ ฯลฯ ลูกค้าพยายามที่จะได้ภาพเหมือน (หรือแม้แต่การตกแต่ง) โดยทิ้งรูปลักษณ์ไว้ในประวัติศาสตร์ การถ่ายภาพบุคคลในหลากหลายสไตล์เป็นส่วนที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในนิทรรศการของพิพิธภัณฑ์ศิลปะและคอลเลกชันส่วนตัวส่วนใหญ่ ประเภทนี้ยังรวมถึงประเภทของภาพบุคคลเช่น ภาพเหมือนตนเอง - ภาพของศิลปินเองที่วาดเอง

ทิวทัศน์- หนึ่งในประเภทจิตรกรรมยอดนิยมที่ศิลปินพยายามพรรณนาถึงธรรมชาติ ความงาม หรือความแปลกประหลาด ธรรมชาติประเภทต่างๆ (อารมณ์ของฤดูกาลและสภาพอากาศ) มีผลกระทบทางอารมณ์อย่างมากต่อผู้ชมทุกคน - นี่คือลักษณะทางจิตวิทยาของบุคคล ความปรารถนาที่จะได้รับความประทับใจทางอารมณ์จากทิวทัศน์ทำให้ประเภทนี้เป็นหนึ่งในประเภทที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในด้านความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ

- ประเภทนี้มีลักษณะคล้ายกับทิวทัศน์ในหลาย ๆ ด้าน แต่มีคุณสมบัติที่สำคัญ: ภาพวาดแสดงถึงทิวทัศน์โดยมีส่วนร่วมของวัตถุทางสถาปัตยกรรม อาคาร หรือเมือง จุดสนใจพิเศษคือวิวถนนของเมืองที่สื่อถึงบรรยากาศของสถานที่นั้นๆ อีกทิศทางหนึ่งของประเภทนี้คือการพรรณนาถึงความงามของสถาปัตยกรรมของอาคารโดยเฉพาะ - ลักษณะหรือภาพการตกแต่งภายใน

- ประเภทที่เนื้อหาหลักของภาพเขียนเป็นเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์หรือการตีความโดยศิลปิน สิ่งที่น่าสนใจคือภาพวาดจำนวนมากในธีมพระคัมภีร์อยู่ในประเภทนี้ เนื่องจากในยุคกลาง ฉากในพระคัมภีร์ถือเป็นเหตุการณ์ "ทางประวัติศาสตร์" และลูกค้าหลักของภาพวาดเหล่านี้คือโบสถ์ หัวข้อพระคัมภีร์ "ประวัติศาสตร์" ปรากฏอยู่ในผลงานของศิลปินส่วนใหญ่ การเกิดครั้งที่สองของการวาดภาพประวัติศาสตร์เกิดขึ้นในช่วงเวลาของนีโอคลาสซิซิสซึ่ม เมื่อศิลปินหันไปหาหัวข้อทางประวัติศาสตร์ที่มีชื่อเสียง เหตุการณ์จากสมัยโบราณ หรือตำนานระดับชาติ

- สะท้อนฉากสงครามและการสู้รบ ความผิดปกติไม่เพียง แต่เป็นความปรารถนาที่จะสะท้อนถึงเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์เท่านั้น แต่ยังเป็นการถ่ายทอดให้ผู้ชมเห็นถึงการยกระดับอารมณ์ของความสำเร็จและความกล้าหาญอีกด้วย ต่อจากนั้นประเภทนี้ก็กลายเป็นเรื่องการเมืองทำให้ศิลปินสามารถถ่ายทอดมุมมองของเขา (ทัศนคติ) ต่อผู้ชมต่อสิ่งที่เกิดขึ้นแก่ผู้ชมได้ เราสามารถเห็นผลที่คล้ายกันของการเน้นทางการเมืองและความแข็งแกร่งของความสามารถของศิลปินในผลงานของ V. Vereshchagin

เป็นประเภทของการวาดภาพที่มีการจัดองค์ประกอบจากสิ่งไม่มีชีวิต โดยใช้ดอกไม้ ผลิตภัณฑ์ และอาหาร ประเภทนี้เป็นหนึ่งในประเภทล่าสุดและก่อตั้งขึ้นในโรงเรียนการวาดภาพของชาวดัตช์ บางทีรูปร่างหน้าตาของมันอาจมีสาเหตุมาจากลักษณะเฉพาะของโรงเรียนชาวดัตช์ ความเจริญทางเศรษฐกิจในศตวรรษที่ 17 ในฮอลแลนด์ทำให้เกิดความต้องการความหรูหรา (ภาพวาด) ในราคาที่เอื้อมถึงในหมู่ประชากรจำนวนมาก สถานการณ์นี้ดึงดูดศิลปินจำนวนมากมาที่ฮอลแลนด์ ทำให้เกิดการแข่งขันที่รุนแรงในหมู่พวกเขา แบบจำลองและเวิร์คช็อป (ผู้ที่แต่งตัวเหมาะสม) ไม่มีให้บริการสำหรับศิลปินที่ยากจน เมื่อวาดภาพเพื่อขาย พวกเขาใช้วิธีการ (วัตถุ) แบบด้นสดในการเขียนภาพเขียน สถานการณ์ในประวัติศาสตร์ของโรงเรียนดัตช์นี้เป็นเหตุผลในการพัฒนาการวาดภาพประเภทต่างๆ

ประเภทจิตรกรรม — หัวข้อของภาพวาดคือฉากในชีวิตประจำวันหรือวันหยุด โดยปกติจะมีคนธรรมดามีส่วนร่วม เช่นเดียวกับหุ่นนิ่ง งานศิลปะนี้แพร่หลายในหมู่ศิลปินชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 ในช่วงยุคโรแมนติกและนีโอคลาสสิกแนวนี้เกิดใหม่ ภาพวาดไม่ได้พยายามสะท้อนชีวิตประจำวันมากนัก แต่เพื่อทำให้โรแมนติกเพื่อแนะนำความหมายหรือศีลธรรมบางอย่างให้กับโครงเรื่อง

มารีน่า- ทิวทัศน์ประเภทหนึ่งที่แสดงทิวทัศน์ของท้องทะเล ทิวทัศน์ชายฝั่งที่มองเห็นทะเล พระอาทิตย์ขึ้นและตกในทะเล เรือ หรือแม้แต่การต่อสู้ทางเรือ แม้ว่าจะมีประเภทการต่อสู้ที่แยกจากกัน แต่การรบทางเรือยังคงเป็นประเภท "ท่าจอดเรือ" การพัฒนาและการแพร่หลายของประเภทนี้อาจเป็นผลมาจากโรงเรียนชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 เขาได้รับความนิยมในรัสเซียด้วยผลงานของ Aivazovsky

— คุณลักษณะของประเภทนี้คือการสร้างภาพวาดที่เหมือนจริงซึ่งแสดงถึงความงามของสัตว์และนก คุณสมบัติที่น่าสนใจอย่างหนึ่งของประเภทนี้คือการมีภาพวาดที่แสดงภาพสัตว์ที่ไม่มีอยู่จริงหรือสัตว์ในตำนาน ศิลปินที่เชี่ยวชาญด้านภาพสัตว์เรียกว่า นักเลี้ยงสัตว์.

ประวัติความเป็นมาของการวาดภาพ

ความต้องการภาพที่สมจริงนั้นมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ แต่มีข้อเสียหลายประการเนื่องจากขาดเทคโนโลยี โรงเรียนที่เป็นระบบและการศึกษา ในสมัยโบราณเราสามารถพบตัวอย่างการวาดภาพแบบประยุกต์และแบบอนุสาวรีย์ได้บ่อยกว่าด้วยเทคนิคการวาดภาพบนปูนปลาสเตอร์ ในสมัยโบราณให้ความสำคัญกับความสามารถของนักแสดงมากขึ้น ศิลปินถูกจำกัดในด้านเทคโนโลยีในการทำสีและโอกาสที่จะได้รับการศึกษาอย่างเป็นระบบ แต่ในสมัยโบราณความรู้เฉพาะทางและผลงานได้ถูกสร้างขึ้น (Vitruvius) ซึ่งจะเป็นพื้นฐานสำหรับการออกดอกใหม่ของศิลปะยุโรปในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ภาพวาดตกแต่งได้รับการพัฒนาที่สำคัญในสมัยกรีกและโรมันโบราณ (โรงเรียนสูญหายไปในยุคกลาง) ซึ่งมาถึงระดับนี้หลังจากศตวรรษที่ 15 เท่านั้น

จิตรกรรมปูนเปียกแบบโรมัน (ปอมเปอี ศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช) ตัวอย่างของระดับเทคโนโลยีของการวาดภาพโบราณ:

"ยุคมืด" ของยุคกลาง ศาสนาคริสต์ที่เข้มแข็ง และการสืบสวน นำไปสู่การห้ามการศึกษามรดกทางศิลปะของสมัยโบราณ ประสบการณ์มากมายของปรมาจารย์โบราณ ความรู้ในสาขาสัดส่วน องค์ประกอบ สถาปัตยกรรม และประติมากรรมเป็นสิ่งต้องห้าม และสมบัติทางศิลปะจำนวนมากถูกทำลายเนื่องจากการอุทิศให้กับเทพโบราณ การกลับคืนสู่คุณค่าของศิลปะและวิทยาศาสตร์ในยุโรปเกิดขึ้นเฉพาะในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (การเกิดใหม่)

ศิลปินในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น (การฟื้นฟู) ต้องตามทันและฟื้นฟูความสำเร็จและระดับของศิลปินโบราณ สิ่งที่เราชื่นชมในผลงานของศิลปินยุคเรอเนซองส์ยุคแรกคือระดับปรมาจารย์แห่งกรุงโรม ตัวอย่างที่ชัดเจนของการสูญเสียการพัฒนาศิลปะยุโรป (และอารยธรรม) เป็นเวลาหลายศตวรรษในช่วง "ยุคมืด" ของยุคกลาง ศาสนาคริสต์ที่เข้มแข็งและการสืบสวน - ความแตกต่างระหว่างภาพวาดสมัยศตวรรษที่ 14 เหล่านี้!

การเกิดขึ้นและการแพร่กระจายของเทคโนโลยีในการทำสีน้ำมันและเทคนิคการวาดภาพกับพวกเขาในศตวรรษที่ 15 ทำให้เกิดการพัฒนาภาพวาดขาตั้งและผลิตภัณฑ์พิเศษของศิลปิน - ภาพวาดสีด้วยสีน้ำมันบนผืนผ้าใบหรือไม้ที่ลงสีพื้นแล้ว

การวาดภาพได้รับการพัฒนาอย่างก้าวกระโดดอย่างมากในการพัฒนาเชิงคุณภาพในช่วงยุคเรอเนซองส์ โดยส่วนใหญ่ต้องขอบคุณผลงานของ Leon Battista Alberti (1404-1472) เขาเป็นคนแรกที่วางรากฐานของมุมมองในการวาดภาพ (บทความ "On Painting" ปี 1436) โรงเรียนศิลปะแห่งยุโรปเป็นหนี้เขา (ผลงานของเขาเกี่ยวกับการจัดระบบความรู้ทางวิทยาศาสตร์) การเกิดขึ้น (การฟื้นฟู) ของมุมมองที่สมจริงและสัดส่วนที่เป็นธรรมชาติในภาพวาดของศิลปิน ภาพวาดที่มีชื่อเสียงและคุ้นเคยโดย Leonardo da Vinci “มนุษย์วิทรูเวียน”(สัดส่วนของมนุษย์) ในปี 1493 ซึ่งอุทิศให้กับการจัดระบบความรู้โบราณของ Vitruvius เกี่ยวกับสัดส่วนและองค์ประกอบ ถูกสร้างขึ้นโดย Leonardo ครึ่งศตวรรษหลังจากบทความ "On Painting" ของ Alberti และงานของเลโอนาร์โดคือความต่อเนื่องของการพัฒนาโรงเรียนศิลปะแห่งยุโรป (อิตาลี) ในยุคเรอเนซองส์

แต่การวาดภาพได้รับการพัฒนาที่สดใสและยิ่งใหญ่ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 และ 17 เมื่อเทคนิคการวาดภาพสีน้ำมันแพร่หลายเทคโนโลยีต่าง ๆ ในการทำสีก็ปรากฏขึ้นและโรงเรียนการวาดภาพก็ถูกสร้างขึ้น เป็นระบบความรู้และการศึกษาด้านศิลปะ (เทคนิคการวาดภาพ) ผสมผสานกับความต้องการงานศิลปะของชนชั้นสูงและพระมหากษัตริย์ ซึ่งนำไปสู่ความเจริญรุ่งเรืองอย่างรวดเร็วของวิจิตรศิลป์ในยุโรป (ยุคบาโรก)

ความสามารถทางการเงินอันไม่จำกัดของสถาบันกษัตริย์ ขุนนาง และผู้ประกอบการในยุโรป กลายเป็นดินที่ดีเยี่ยมสำหรับการพัฒนาจิตรกรรมต่อไปในศตวรรษที่ 17-19 และอิทธิพลที่อ่อนแอของคริสตจักรและวิถีชีวิตทางโลก (คูณด้วยการพัฒนาของลัทธิโปรเตสแตนต์) ทำให้เกิดวิชารูปแบบและการเคลื่อนไหวมากมายในการวาดภาพ (บาโรกและโรโคโค)

ในระหว่างการพัฒนาวิจิตรศิลป์ ศิลปินได้พัฒนารูปแบบและเทคนิคมากมายที่นำไปสู่ความสมจริงในระดับสูงสุดในงานของพวกเขา ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 (ด้วยการถือกำเนิดของขบวนการสมัยใหม่) การเปลี่ยนแปลงที่น่าสนใจเริ่มขึ้นในการวาดภาพ

ความพร้อมของการศึกษาด้านศิลปะ การแข่งขันในวงกว้าง และความต้องการทักษะของศิลปินที่สูงจากสาธารณชน (และผู้ซื้อ) กำลังก่อให้เกิดทิศทางใหม่ในวิธีการแสดงออก