ข้อความเกี่ยวกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานั้นสั้น วรรณคดียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ประวัติศาสตร์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มต้นขึ้นในช่วงนี้เรียกอีกอย่างว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ยุคเรอเนซองส์เปลี่ยนไปสู่วัฒนธรรมและกลายเป็นผู้บุกเบิกวัฒนธรรมยุคใหม่ และยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสิ้นสุดลงในศตวรรษที่ 16-17 เนื่องจากในแต่ละรัฐจะมีวันที่เริ่มต้นและสิ้นสุดเป็นของตัวเอง

ข้อมูลทั่วไปบางประการ

ตัวแทนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ได้แก่ Francesco Petrarca และ Giovanni Boccaccio พวกเขากลายเป็นกวีกลุ่มแรกที่เริ่มแสดงภาพและความคิดที่ยอดเยี่ยมในภาษาที่ตรงไปตรงมาและตรงไปตรงมา นวัตกรรมนี้ได้รับการตอบรับด้วยความกระตือรือร้นและเผยแพร่ไปยังประเทศอื่นๆ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและศิลปะ

ลักษณะเฉพาะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือร่างกายมนุษย์กลายเป็นแหล่งที่มาหลักของแรงบันดาลใจและเป็นหัวข้อการศึกษาสำหรับศิลปินในยุคนี้ จึงเน้นไปที่ความคล้ายคลึงระหว่างประติมากรรมและจิตรกรรมกับความเป็นจริง คุณสมบัติหลักของศิลปะในยุคเรอเนซองส์ ได้แก่ ความกระจ่างใส การใช้พู่กันอย่างประณีต การเล่นเงาและแสง ความใส่ใจในกระบวนการทำงาน และองค์ประกอบที่ซับซ้อน สำหรับศิลปินยุคเรอเนสซองส์ ภาพหลักมาจากพระคัมภีร์และตำนาน

ความคล้ายคลึงของคนจริงกับภาพของเขาบนผืนผ้าใบนั้นใกล้เคียงกันมากจนตัวละครดูมีชีวิตชีวา สิ่งนี้ไม่สามารถพูดได้เกี่ยวกับศิลปะแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (แนวโน้มหลักสรุปไว้ข้างต้น) มองว่าร่างกายมนุษย์เป็นจุดเริ่มต้นที่ไม่มีที่สิ้นสุด นักวิทยาศาสตร์และศิลปินพัฒนาทักษะและความรู้อย่างสม่ำเสมอโดยการศึกษาร่างกายของแต่ละบุคคล ทัศนะที่แพร่หลายในขณะนั้นคือมนุษย์ถูกสร้างขึ้นตามรูปลักษณ์และพระฉายาของพระเจ้า ข้อความนี้สะท้อนถึงความสมบูรณ์แบบทางกายภาพ วัตถุหลักและสำคัญของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือเทพเจ้า

ธรรมชาติและความงามของร่างกายมนุษย์

ศิลปะเรอเนซองส์ให้ความสำคัญกับธรรมชาติเป็นอย่างมาก องค์ประกอบที่เป็นลักษณะเฉพาะของภูมิประเทศคือพืชพรรณที่หลากหลายและเขียวชอุ่ม ท้องฟ้าสีฟ้าที่ถูกแสงอาทิตย์ส่องทะลุเมฆสีขาวเป็นฉากหลังอันงดงามสำหรับสิ่งมีชีวิตที่ลอยอยู่ ศิลปะเรอเนซองส์เคารพความงามของร่างกายมนุษย์ คุณลักษณะนี้แสดงออกมาในองค์ประกอบที่ได้รับการขัดเกลาของกล้ามเนื้อและร่างกาย ท่าทางที่ยากลำบากการแสดงออกทางสีหน้าและท่าทางจานสีที่กลมกลืนและชัดเจนเป็นลักษณะของงานของช่างแกะสลักและช่างแกะสลักในยุคเรอเนซองส์ ซึ่งรวมถึงทิเชียน, เลโอนาร์โด ดา วินชี, แรมแบรนดท์ และคนอื่นๆ

ในการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะของโลก ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นยุคที่มีความสำคัญอย่างยิ่ง คำว่า “ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา” (fr. renaissance) ถูกใช้ครั้งแรกโดยจิตรกร สถาปนิก และนักประวัติศาสตร์ศิลป์ที่มีชื่อเสียง ก. วาซารี(1512-74) วีในหนังสือ “ชีวประวัติของจิตรกร ประติมากร และสถาปนิกที่มีชื่อเสียงที่สุด” เขาหมายถึงการฟื้นฟูสมัยโบราณ ต่อมาส่วนใหญ่ด้วย ที่สิบแปดค. ยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีมีลักษณะเป็นยุคของการเกิดใหม่ของมนุษย์เป็นหลัก เช่นเดียวกับยุคของลัทธิมนุษยนิยม อย่างไรก็ตามต้นกำเนิดของการตีความวัฒนธรรมอิตาลีนี้ ที่สิบสี่- ที่สิบห้าศตวรรษ กำเนิด ในยุคนี้เองไม่ว่านักประวัติศาสตร์จะโต้แย้งมากเพียงใดว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นปรากฏการณ์ระดับโลกหรือว่ากระบวนการทางวัฒนธรรมนี้เป็นเอกลักษณ์เฉพาะของอิตาลีหรือไม่ ไม่ว่าในกรณีใด วัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลีที่มีเอกลักษณ์และเลียนแบบไม่ได้ก็ทำหน้าที่เป็นแบบจำลองที่ปรากฏการณ์การฟื้นฟูใน มีการเปรียบเทียบวัฒนธรรมของประเทศอื่น

ลักษณะสำคัญของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือ:มานุษยวิทยา, มนุษยนิยม, การปรับเปลี่ยนประเพณีคริสเตียนในยุคกลาง, ทัศนคติพิเศษต่อสมัยโบราณ - การฟื้นฟูอนุสรณ์สถานทางศิลปะและปรัชญาโบราณโบราณ, ทัศนคติใหม่ต่อโลกลักษณะเหล่านี้มีความสัมพันธ์กันอย่างใกล้ชิด การศึกษาเรื่องหนึ่งโดยแยกจากเรื่องอื่นๆ อาจสูญเสียความเที่ยงธรรมในการประเมินช่วงเวลาที่น่าสนใจนี้

วัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่ได้พัฒนาในทุกประเทศในยุโรป มันมีลักษณะที่แตกต่างและมีขอบเขตของเวลาที่แตกต่างกัน ประเทศคลาสสิกแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคืออิตาลี เมื่อปลายศตวรรษที่ 13 แล้ว โลกทัศน์ใหม่และงานศิลปะใหม่ปรากฏขึ้น (โปรโต-เรอเนซองส์);วัฒนธรรมนี้ได้รับการพัฒนาอย่างสดใสในศตวรรษที่ 15 (ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น)และถึงจุดสูงสุดเมื่อต้นศตวรรษที่ 16 (ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง)- (1490-1530) ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยากลายเป็นสิ่งที่ล้าสมัยในอิตาลีในช่วงทศวรรษที่ 30 เจ้าพระยาศตวรรษ แต่ในเวนิสยังคงดำเนินต่อไปจนถึงปลายศตวรรษ

เหตุใดประเทศอิตาลีจึงเป็นประเทศคลาสสิกในยุคเรอเนซองส์? บนคาบสมุทร Apennine ซึ่งเร็วกว่าประเทศอื่นๆ ในยุโรป ความสัมพันธ์ทางเศรษฐกิจใหม่เริ่มเป็นรูปเป็นร่าง ด้วยที่ตั้งทางภูมิศาสตร์ เมืองต่างๆ ในอิตาลีจึงกลายเป็นศูนย์กลางการค้าและการธนาคารระหว่างประเทศ เมืองดังกล่าว ได้แก่ ฟลอเรนซ์ ปิซา เซียนา เจนัว มิลาน เวนิส อิตาลีก็มีโครงสร้างทางการเมืองที่แตกต่างกันเช่นกัน ไม่ใช่ประเทศเดียว แต่เป็นตัวแทนของภูมิภาคและเมืองอิสระหลายแห่งที่แข่งขันและทำสงครามกันอย่างต่อเนื่อง เข้าแล้ว จิน- สิบสามศตวรรษ ในบางแห่งมีการปฏิวัติต่อต้านระบบศักดินาเกิดขึ้นอันเป็นผลมาจากเมืองเหล่านี้ได้รับเอกราชและสถาปนารัฐบาลในรูปแบบสาธารณรัฐ

ความเป็นอันดับหนึ่งในหมู่นครรัฐของอิตาลีเป็นของฟลอเรนซ์ เช่นเดียวกับเอเธนส์ในกรีซ เมืองนี้ถูกควบคุมโดยสภาหัวหน้าการประชุมเชิงปฏิบัติการต่างๆ ในปี 1289 ชาวนาได้รับการปลดปล่อยจากการเป็นทาส และในปี 1293 “การสถาปนาความยุติธรรม” ถูกนำมาใช้ซึ่งทำให้ผู้รักชาติไม่ได้รับสิทธิพิเศษทั้งหมด

และในที่สุด อิตาลีก็โดดเด่นด้วยสถานการณ์ที่สำคัญอีกประการหนึ่งจากมุมมองทางวัฒนธรรม: ที่นี่เป็นที่ที่มีการค้นพบโบราณวัตถุอีกครั้ง ผลงานของนักเขียนโบราณถูกค้นหาในที่เก็บที่ถูกลืม: เศษของเสา รูปปั้นกรีกและโรมันที่สวยงาม ภาพนูนต่ำนูนต่ำ และภาพนูนสูงได้รับการกู้คืน การวัดซากปรักหักพังของอาคารโบราณเผยให้เห็นรูปแบบของสัดส่วนฮาร์มอนิก

ที่เกี่ยวข้องกับคำจำกัดความของคุณสมบัติหลักคือ ลำดับเหตุการณ์ของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี (เรอเนซองส์)ช่วงเวลาในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมอิตาลีมักถูกกำหนดด้วยชื่อของศตวรรษ:

Ducento - (ศตวรรษที่ 13) - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดั้งเดิม;

Trecento (ศตวรรษที่ 14) - ความต่อเนื่องของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโปรโต;

Quattrocento (ศตวรรษที่ 15) - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น;

Cinquecento (ศตวรรษที่ 16) - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง

ในเวลาเดียวกันกรอบลำดับเหตุการณ์ของศตวรรษไม่ตรงกับช่วงการพัฒนาทางวัฒนธรรมบางช่วงอย่างสมบูรณ์ตัวอย่างเช่นยุคเรอเนซองส์ดั้งเดิมมีอายุย้อนกลับไปในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นสิ้นสุดในทศวรรษที่ 90 ศตวรรษที่ 15 และยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงเริ่มล้าสมัยในช่วงทศวรรษที่ 30 ศตวรรษที่สิบหก เฉพาะในเวนิสเท่านั้นที่คำว่า "Venetian Renaissance" หรือ "ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย" มักใช้กับช่วงเวลานี้มากกว่า

พื้นฐานของการเปลี่ยนแปลงในขอบเขตวัฒนธรรมคือ โลกทัศน์ใหม่เกิดจากการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในชีวิตของหลายประเทศในยุโรป ได้แก่ อิตาลี เนเธอร์แลนด์ ฝรั่งเศส เยอรมนี อังกฤษ การดำรงอยู่ของโลกถูกเรียกว่ามีอยู่จริงเพียงแห่งเดียว และมนุษย์ถูกเรียกว่าสวยงามหรือมุ่งมั่นเพื่อความงาม การบำเพ็ญตบะถูกปฏิเสธ และได้มีการประกาศสิทธิมนุษยชนที่จะชื่นชมยินดีทางโลก

มุมมองที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงของมนุษย์และโลกรอบตัวเขากำลังเกิดขึ้น ยุคกลางเป็นช่วงเวลาแห่งการครอบงำศาสนา ซึ่งยืนยันถึงความไม่สำคัญของมนุษย์เมื่ออยู่ต่อหน้าพระเจ้าผู้ทรงฤทธานุภาพ การบำเพ็ญตบะทางศาสนาประกาศว่าโลกทางโลกและมนุษย์เป็นศูนย์รวมของบาปและความชั่วร้าย เรียกร้องให้ต้องต่อสู้กับกิเลสตัณหา การกลับใจ การละทิ้งเนื้อหนัง ความอดทน และความอ่อนน้อมถ่อมตนอย่างต่อเนื่องโดยคาดหวังการเปลี่ยนแปลงไปสู่โลกอื่นที่ดีกว่า สิ่งสำคัญในโลกทัศน์มนุษยนิยมใหม่คือแนวคิดที่สูงผิดปกติของมนุษย์ มนุษย์ได้รับการประกาศให้เป็นศูนย์กลางของจักรวาลและเป็นเครื่องวัดทุกสิ่งโดยเป็นผู้สร้างตัวเขาเองวัตถุประสงค์อันสูงส่ง ศักดิ์ศรี และคุณค่า ความเป็นไปได้อันไร้ขีดจำกัดได้รับการยืนยันแล้ว ในอุดมคติกลายเป็น สามัคคีเข้มแข็ง อุดมด้วยจิตวิญญาณ พัฒนาอย่างรอบด้าน (homo universale - บุคคลสากล) บุคลิกภาพ. อิสรภาพคือการได้มาซึ่งคุณค่าที่สุดของบุคคล

นักมานุษยวิทยา (โดยหลักคืออิตาลี) พบตัวอย่างของความรักแบบนอกรีตที่มีคุณธรรมและสวยงามต่อทุกสิ่งบนโลกในมรดกแห่งสมัยโบราณ - อนุสรณ์สถานทางศิลปะ ประวัติศาสตร์ และปรัชญา ดังนั้นชื่อของยุค - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ในภาษาอิตาลี - Rinascimento ในภาษาฝรั่งเศส - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) แม้ว่าการศึกษาและความหลงใหลในสมัยโบราณจะเป็นผลมาจากความเข้าใจใหม่ของชีวิต

ในสาขาปรัชญา คำสอนโบราณได้รับการพัฒนาและเนื้อหาใหม่:

ลัทธิสโตอิกนิยม (เพทราร์ช)

ผู้มีรสนิยมสูง (บัลลาห์)

นีโอพลาโทนิซึม (ฟิซิโน, พิโก เดลลา มิรันโดลลา),

ลัทธิแพนเทวนิยม (N. Kuzansky, Paracelsus, Campanella, Bruno)ตาม มุมมองที่นับถือพระเจ้ากฎหมายที่ควบคุม

โลกก็มีกฎธรรมชาติภายในอยู่ พระเจ้าไม่ได้ถูกเข้าใจว่าเป็นพลังเหนือธรรมชาติภายนอก แต่ถูกระบุโดยธรรมชาติแนวคิดกรีกโบราณเกี่ยวกับอัตลักษณ์ของพิภพเล็ก (มนุษย์) และจักรวาลมหภาค (ธรรมชาติ) ก็ฟื้นขึ้นมาเช่นกัน

โรงเรียนมนุษยนิยมแห่งแรกก่อตั้งขึ้นในเมืองมานตัวในปี 1425 (V. da Feltre) ชื่อของมันคือ "บ้านแห่งความสุข"- เน้นย้ำถึงความปรารถนาที่จะให้การเรียนรู้ลักษณะของความสุขมากกว่าการยัดเยียด

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เวทีใหม่ในการพัฒนาวิทยาศาสตร์เริ่มต้นขึ้น ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่เกิดขึ้นในด้านดาราศาสตร์ ภูมิศาสตร์ กายวิภาคศาสตร์ และคณิตศาสตร์: คริสโตเฟอร์โคลัมบัสค้นพบอเมริกาในปี 1492; วาสโก เดอ แกมมาในปี ค.ศ. 1498 เขาได้เปิดเส้นทางทะเลไปยังอินเดีย อเมริโก เวสปุชชี(1499-1504), Magellan (1519-22) และนักเดินเรือคนอื่น ๆ พิสูจน์ความเป็นทรงกลมของโลก ระบบเฮลิโอเซนตริกกลายเป็นการปฏิวัติทางวิทยาศาสตร์ เอ็น. โคเปอร์นิคัส(เผยแพร่เมื่อ 1543) เจ. บรูโน่ภายใต้อิทธิพลของทฤษฎีโคเปอร์นิคัสและเอ็น. คูซานัส เขาได้สร้างหลักคำสอนเรื่องความไม่มีที่สิ้นสุดของจักรวาลและค้นพบสิ่งอื่น ๆ

วางแผน

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

1. ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น

อ. จอตโต้.

บี. บรูเนลเลสกี.

2. ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง

อ. บรามันเต

ไททันแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

1.เลโอนาร์โด ดา วินชี

2. ราฟาเอล สันติ.

3. ไมเคิลแองเจโล

4. ทิเชียน.

3. ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 14 - จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 15 ในยุโรป ได้แก่ ในอิตาลี วัฒนธรรมกระฎุมพียุคแรกเริ่มก่อตัวขึ้นเรียกว่า วัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (Renaissance)- คำว่า “เรอเนซองส์” บ่งบอกถึงความเชื่อมโยงของวัฒนธรรมใหม่กับสมัยโบราณ ในเวลานี้สังคมอิตาลีเริ่มให้ความสนใจอย่างแข็งขันในวัฒนธรรมของกรีกโบราณและโรมค้นหาต้นฉบับของนักเขียนโบราณดังนั้นจึงพบผลงานของซิเซโรและไททัสลิวี ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดดเด่นด้วยการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญมากในความคิดของผู้คนเมื่อเปรียบเทียบกับยุคกลาง แรงจูงใจทางโลกกำลังทวีความรุนแรงมากขึ้นในวัฒนธรรมยุโรป ขอบเขตต่างๆ ของชีวิตทางสังคมเริ่มเป็นอิสระและเป็นอิสระจากคริสตจักรมากขึ้นเรื่อยๆ - ศิลปะ ปรัชญา วรรณกรรม การศึกษา วิทยาศาสตร์ จุดเน้นของบุคคลในยุคเรอเนซองส์อยู่ที่มนุษย์ดังนั้นโลกทัศน์ของผู้ถือวัฒนธรรมนี้จึงถูกกำหนดโดยคำว่า " เห็นอกเห็นใจ"(จากภาษาละติน humanus - มนุษย์)

นักมานุษยวิทยายุคเรอเนซองส์เชื่อว่าสิ่งที่สำคัญในตัวบุคคลไม่ใช่ต้นกำเนิดหรือตำแหน่งทางสังคม แต่เป็นคุณสมบัติส่วนบุคคล เช่น ความฉลาด พลังงานสร้างสรรค์ กิจการ ความนับถือตนเอง ความตั้งใจ และการศึกษา บุคลิกภาพที่เข้มแข็ง มีความสามารถ และพัฒนาอย่างรอบด้าน เป็นผู้สร้างตนเองและโชคชะตา ได้รับการยอมรับว่าเป็น “บุคคลในอุดมคติ” ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาบุคลิกภาพของมนุษย์ได้รับคุณค่าที่ไม่เคยมีมาก่อนลัทธิปัจเจกชนกลายเป็นคุณลักษณะที่สำคัญที่สุดของแนวทางมนุษยนิยมต่อชีวิตซึ่งมีส่วนช่วยในการเผยแพร่แนวคิดเรื่องเสรีนิยมและเพิ่มระดับเสรีภาพของผู้คนในสังคมโดยทั่วไป ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักมนุษยนิยมซึ่งโดยทั่วไปไม่ต่อต้านศาสนาและไม่ท้าทายหลักคำสอนพื้นฐานของศาสนาคริสต์ ได้มอบหมายให้พระเจ้ามีบทบาทเป็นผู้สร้าง ผู้กำหนดโลกให้เคลื่อนไหว และไม่ก้าวก่ายชีวิตของผู้คนอีกต่อไป

ตามความเห็นของนักมานุษยวิทยาแล้ว บุคคลในอุดมคติคือ "บุคคลสากล" ซึ่งเป็นบุคคลที่เป็นผู้สร้าง นักสารานุกรม นักมานุษยวิทยายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเชื่อว่าความเป็นไปได้ของความรู้ของมนุษย์นั้นไร้ขีดจำกัด เพราะจิตใจของมนุษย์นั้นคล้ายคลึงกับจิตใจอันศักดิ์สิทธิ์ และมนุษย์เองก็เป็นเทพเจ้าแห่งความตาย และในที่สุดผู้คนก็จะเข้าสู่ดินแดนแห่งเทห์ฟากฟ้าและ ตั้งถิ่นฐานที่นั่นและเป็นเหมือนเทพเจ้า ผู้ที่ได้รับการศึกษาและมีพรสวรรค์ในช่วงเวลานี้ถูกรายล้อมไปด้วยบรรยากาศแห่งความชื่นชมและการนมัสการที่เป็นสากล พวกเขาได้รับเกียรติในฐานะนักบุญในยุคกลาง ความเพลิดเพลินในการดำรงอยู่ของโลก- นี่เป็นส่วนที่ขาดไม่ได้ของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น

การฟื้นฟูมีสถานที่พิเศษในความก้าวหน้าทางวัฒนธรรม ประเด็นไม่เพียงแต่ในประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติเท่านั้นที่มียุคสมัยไม่มากนักที่เน้นย้ำถึงความเข้มข้นของวัฒนธรรม โดยเฉพาะอย่างยิ่งศิลปะ ความคิดสร้างสรรค์ ความสามารถอันยอดเยี่ยมมากมาย และความสำเร็จอันรุ่งโรจน์มากมายเช่นนี้ อีกสิ่งหนึ่งที่น่าทึ่งไม่แพ้กัน: ห้าศตวรรษผ่านไป ชีวิตเปลี่ยนไปจนจำไม่ได้ และการสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ด้านศิลปะเรอเนซองส์ผู้ยิ่งใหญ่ไม่เคยหยุดที่จะสร้างความตื่นเต้นให้กับผู้คนรุ่นต่อ ๆ ไป

ความลับของพลังอันน่าทึ่งนี้คืออะไร? ไม่ว่ารูปร่างที่สมบูรณ์แบบจะทำให้เราหลงใหลมากแค่ไหน แต่เพียงอย่างเดียวก็ไม่เพียงพอสำหรับการมีอายุยืนยาวเช่นนี้ ความลับอยู่ที่ความเป็นมนุษย์ที่ลึกซึ้งที่สุดของงานศิลปะนี้ ในมนุษยนิยมที่แทรกซึมอยู่ หลังจากหนึ่งพันปีของยุคกลาง ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นความพยายามครั้งแรกที่ทรงพลังในการปลดปล่อยทางจิตวิญญาณของมนุษย์ การปลดปล่อยและการพัฒนาที่ครอบคลุมของความเป็นไปได้เชิงสร้างสรรค์ขนาดมหึมาที่ซ่อนอยู่ในตัวเขา ศิลปะที่เกิดจากยุคนี้มีคุณค่าทางจริยธรรมที่เป็นอมตะ ให้ความรู้ พัฒนาความรู้สึกที่มีมนุษยธรรม ปลุกความเป็นมนุษย์ในตัวบุคคล

ภาพวาดของไบแซนเทียมซึ่งอิทธิพลของศิลปินชาวอิตาลีเริ่มปลดปล่อยตัวเองในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 เท่านั้นที่สร้างผลงานชิ้นเอกที่กระตุ้นความชื่นชมของเรา แต่ไม่ได้พรรณนาถึงโลกแห่งความเป็นจริง

ศิลปะของศิลปินยุคกลางไม่ได้ทำให้ผู้ชมรู้สึกถึงปริมาณ ความลึก ไม่สร้างความประทับใจในอวกาศ และไม่ได้มุ่งมั่นเพื่อสิ่งนี้

ปรมาจารย์ชาวไบแซนไทน์ให้ความสำคัญกับความเป็นจริงเป็นหลักโดยพยายามถ่ายทอดแนวคิด ความเชื่อ และแนวคิดที่ประกอบขึ้นเป็นเนื้อหาทางจิตวิญญาณในยุคของตนเป็นอันดับแรก พวกเขาสร้างสัญลักษณ์ภาพอันงดงามและจิตวิญญาณอย่างยิ่ง และในภาพวาดและกระเบื้องโมเสค ร่างของมนุษย์ยังคงราวกับว่าไม่มีตัวตน ธรรมดา เช่นเดียวกับภูมิทัศน์และองค์ประกอบทั้งหมด

เพื่อให้งานศิลปะใหม่ที่สมจริงได้รับชัยชนะเหนือทั้งระบบศิลปะกอทิกและไบแซนไทน์ การปฏิวัติในการรับรู้ของผู้คนเกี่ยวกับโลกเป็นสิ่งจำเป็น ซึ่งอาจเรียกได้ว่าเป็นการปฏิวัติที่ก้าวหน้าที่สุดครั้งหนึ่งในประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติ

สิ่งที่เรียกกันทั่วไปว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือการยืนยันความต่อเนื่องของวัฒนธรรมโบราณที่ยิ่งใหญ่ การยืนยันอุดมคติของมนุษยนิยม นี่คือจุดสิ้นสุดของยุคกลางและเป็นจุดเริ่มต้นของยุคใหม่ ผู้สนับสนุนวัฒนธรรมใหม่เรียกตัวเองว่านักมานุษยวิทยาโดยได้มาจากคำนี้จากภาษาละติน humanus - "humane", "human" มนุษยนิยมที่แท้จริงประกาศสิทธิมนุษยชนที่จะมีเสรีภาพและความสุข ตระหนักถึงความดีของมนุษย์เป็นพื้นฐานของโครงสร้างทางสังคม และยืนยันหลักการของความเสมอภาค ความยุติธรรม และความเป็นมนุษย์ในความสัมพันธ์ระหว่างผู้คน

นักมานุษยวิทยาชาวอิตาลีค้นพบโลกแห่งยุคโบราณคลาสสิก ค้นหาผลงานของนักเขียนโบราณในแหล่งเก็บข้อมูลที่ถูกลืม และพยายามขจัดความบิดเบือนที่พระภิกษุในยุคกลางแนะนำ การค้นหาของพวกเขาถูกทำเครื่องหมายด้วยความกระตือรือร้นที่ร้อนแรง บ้างก็ขุดพบเศษเสา รูปปั้น รูปปั้นนูน และเหรียญกษาปณ์ “ฉันทำให้คนตายฟื้นขึ้นมา” นักมานุษยวิทยาชาวอิตาลีผู้อุทิศตนให้กับวิชาโบราณคดีคนหนึ่งกล่าว และในความเป็นจริง อุดมคติแห่งความงามโบราณได้ฟื้นคืนชีพขึ้นใหม่ภายใต้ท้องฟ้านั้นและบนโลกใบนั้นซึ่งเป็นที่รักชั่วนิรันดร์ และอุดมคติทางโลกมนุษย์ที่ลึกซึ้งและจับต้องได้นี้ให้กำเนิดผู้คนให้มีความรักอันยิ่งใหญ่ต่อความงามของโลกและความตั้งใจอันแน่วแน่ที่จะเข้าใจโลกนี้ การปฏิวัติครั้งใหญ่ในการรับรู้ของผู้คนเกี่ยวกับโลกนี้เกิดขึ้นบนดินอิตาลี หลังจากที่อิตาลีเริ่มดำเนินการบนเส้นทางใหม่ในการพัฒนาเศรษฐกิจและสังคม แล้วในศตวรรษที่ XI-XII การปฏิวัติต่อต้านระบบศักดินาเกิดขึ้นในอิตาลีพร้อมกับการจัดตั้งรัฐบาลในรูปแบบสาธารณรัฐในหลายเมือง

ในอดีต ในอิตาลี ช่องทางหลักของกิจกรรมสร้างสรรค์อันทรงพลังของยุคเรอเนซองส์ไม่ใช่กิจกรรมทางจิต หรือแม้แต่วรรณกรรมชั้นดี แต่เป็นงานศิลปะ มันเป็นความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่วัฒนธรรมใหม่ตระหนักในการแสดงออกที่ยิ่งใหญ่ที่สุด มันอยู่ในงานศิลปะที่รวบรวมไว้ในสมบัติซึ่งเวลาไม่มีอำนาจ บางทีอาจจะไม่เคยมีมาก่อน (อย่างน้อยก็ตั้งแต่สมัยสมัยโบราณ) หรือตั้งแต่นั้นมามนุษยชาติได้ประสบกับยุคสมัยที่วิจิตรศิลป์มีบทบาทพิเศษเช่นนี้ในชีวิตทางวัฒนธรรมและสังคม แนวคิดของ "วัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" ตื่นขึ้นมาในจิตใจ ประการแรกคือการสร้างสรรค์งานจิตรกรรม ประติมากรรม สถาปัตยกรรม อันน่าหลงใหลอย่างไร้ขอบเขตและน่าหลงใหล - สิ่งหนึ่งที่งดงามกว่าสิ่งอื่นใด ทั้งหมดนี้เกี่ยวข้องกับขอบเขตที่ยิ่งใหญ่ที่สุดจนถึงขั้นตอนสูงสุดของการพัฒนาวัฒนธรรมนี้ จนถึงช่วงเวลาสูงสุด ซึ่งไม่ใช่เหตุผลที่เรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง สิ่งที่เคยเป็นความพยายามมาก่อน เป็นเพียงความก้าวหน้าเท่านั้น ปรากฏอยู่ในความสมบูรณ์ของความคิด ความสมบูรณ์แบบของความสามัคคี ในกระแสอันเดือดดาลของการต่อสู้ของกองกำลังไททานิค อย่างไรก็ตามการขึ้นสู่จุดสูงสุดที่ยาวนานและยากลำบาก หากไม่มีมันก็จะไม่สามารถเข้าใจถึงจุดสุดยอดได้

ความสามัคคีและความงามจะพบพื้นฐานที่ไม่สั่นคลอนในสิ่งที่เรียกว่าอัตราส่วนทองคำ (คำนี้ถูกนำมาใช้โดย Leonardo da Vinci ต่อมาอีกคำหนึ่งถูกใช้: "สัดส่วนของพระเจ้า") ซึ่งรู้จักกันในสมัยโบราณ แต่ความสนใจเกิดขึ้นอย่างแม่นยำในวันที่ 15 ศตวรรษ. ที่เกี่ยวข้องกับการประยุกต์ใช้ทั้งในเรขาคณิตและงานศิลปะ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสถาปัตยกรรม นี่คือการแบ่งฮาร์มอนิกของเซ็กเมนต์ โดยส่วนที่ใหญ่กว่าคือสัดส่วนเฉลี่ยระหว่างเซกเมนต์ทั้งหมดกับส่วนที่เล็กกว่า ตัวอย่างคือร่างกายมนุษย์ ดังนั้น จิตใจของมนุษย์จึงเป็นพลังขับเคลื่อนเบื้องหลังศิลปะการก่อสร้าง นี่เป็นความเชื่อของสถาปนิก Quattrocento อยู่แล้ว และอีกร้อยปีต่อมา Michelangelo ก็พูดชัดเจนยิ่งขึ้น:

“สมาชิกทางสถาปัตยกรรมขึ้นอยู่กับร่างกายมนุษย์ และใครก็ตามที่ไม่ใช่หรือไม่ใช่ผู้เชี่ยวชาญด้านรูปร่างและกายวิภาคศาสตร์ ก็ไม่สามารถเข้าใจสิ่งนี้ได้”

ในความสามัคคีของโครงสร้างและการตกแต่งและการมองเห็นสถาปัตยกรรมเรอเนซองส์ได้เปลี่ยนรูปลักษณ์ของมหาวิหาร - โครงสร้างโดมที่อยู่ตรงกลางไม่ได้บดขยี้บุคคล แต่ไม่ได้ฉีกเขาออกจากพื้นดิน แต่ด้วยการเพิ่มขึ้นอย่างสง่างามของมันดูเหมือนว่าจะยืนยันถึงอำนาจสูงสุด ของมนุษย์ทั่วโลก

ทุกๆ ทศวรรษของศตวรรษที่ 15 การก่อสร้างทางโลกกำลังขยายขอบเขตมากขึ้นในอิตาลี ไม่ใช่วัด แม้แต่พระราชวัง แต่เป็นอาคารสาธารณะที่ได้รับเกียรติอย่างสูงในการเป็นบุตรหัวปีของสถาปัตยกรรมยุคเรอเนซองส์อย่างแท้จริง นี่คือ Florentine Foundling House ซึ่งเป็นการก่อสร้างที่ Brunelleschi เริ่มขึ้นในปี 1419

ความเบาและความสง่างามในยุคเรอเนสซองส์ที่บริสุทธิ์ทำให้การสร้างความแตกต่างระหว่างการสร้างสรรค์ของสถาปนิกชื่อดังซึ่งนำแกลเลอรีโค้งเปิดกว้างที่มีเสาบาง ๆ มาสู่ด้านหน้าของอาคารและด้วยเหตุนี้จึงเชื่อมโยงอาคารกับจัตุรัสสถาปัตยกรรม - "ส่วนหนึ่งของชีวิต" - กับส่วนหนึ่งของเมือง เหรียญน่ารักที่ทำจากดินเผาเคลือบพร้อมรูปทารกแรกเกิดที่ห่อตัวไว้ประดับแก้วหูขนาดเล็ก เติมสีสันให้องค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมทั้งหมดมีชีวิตชีวา

พระราชวังฟลอเรนซ์ได้รับการออกแบบอย่างเพรียวบางในด้านหน้าแนวนอนอันยิ่งใหญ่โดยไม่มีหอคอยและส่วนโค้งขึ้นมีความโอ่อ่าโอ่อ่าและงดงาม: Palazzo Pitti, Palazzo Ricardi, Palazzo Rucellai, Palazzo Strozzi และวิหารทรงโดมกลางอันงดงามของ Madonna delle Carceli ในปราโต ทั้งหมดนี้เป็นอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมที่มีชื่อเสียงของยุคเรอเนซองส์ตอนต้น

เรามาเพิ่มอีกสองคำเกี่ยวกับประเภทจิตรกรรมอีกประเภทหนึ่งที่เจริญรุ่งเรืองในฟลอเรนซ์ในศตวรรษที่ 15 เหล่านี้คือหีบหรือตลับที่หรูหราซึ่งเก็บสิ่งของชุดโปรดและโดยเฉพาะสินสอดของเด็กผู้หญิงไว้ นอกจากงานแกะสลักแล้ว พวกเขายังถูกปกคลุมไปด้วยภาพวาด ซึ่งบางครั้งก็ดูหรูหรามาก ทำให้มีความคิดที่ชัดเจนเกี่ยวกับแฟชั่นในยุคนั้น บางครั้งก็มีฉากที่ยืมมาจากเทพนิยายคลาสสิก

ที่ต้นกำเนิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ( แต่แรก ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) วี อิตาลียืนหยัดได้ดี ดันเต้ อลิกีเอรี(ค.ศ. 1265-1321) ผู้เขียนเรื่อง “ตลก” ซึ่งลูกหลานแสดงความชื่นชมเรียกว่า “ พระเจ้า ตลก- ดันเต้ใช้โครงเรื่องที่คุ้นเคยกับยุคกลางและจัดการด้วยพลังแห่งจินตนาการของเขาเพื่อนำทางผู้อ่านผ่านแวดวงนรกนรกและสวรรค์ ผู้ร่วมสมัยที่มีความคิดเรียบง่ายบางคนเชื่อว่าดันเต้เคยมาเยือนโลกหน้าแล้ว

“The Divine Comedy” ประกอบด้วยสามส่วน: “นรก”, “นรก”, “สวรรค์” ในนรกที่อยู่ใต้ดินลึก คนบาปถูกทรมานด้วยความเจ็บปวดชั่วนิรันดร์ - ฆาตกร การฆ่าตัวตาย ผู้ทรยศ ผู้ข่มขืน ประสบกับความทรมานทั้งกายและใจชั่วนิรันดร์ ชาว Purgatory บนเกาะบนภูเขา เป็นคนฉลาดและมีความสมดุล คนเหล่านี้เป็นคนนอกศาสนาที่ชอบธรรมซึ่งไม่รู้จักพระคริสต์ ล้วนแต่เป็นคนดีที่นมัสการพระเท็จ ผู้ที่พบว่าตัวเองอยู่ที่นี่จะต้องเผชิญกับความคิดอันยาวนานและเจ็บปวดเกี่ยวกับพระเจ้า ความยุติธรรม และการชดใช้บาปอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ที่นี่ ในไฟชำระ พวกเขากำลังพยายามทำความเข้าใจจุดมุ่งหมายสูงสุดของจักรวาล ส่วนที่ดีที่สุดของ Purgatory อยู่ที่ยอดเขา นี่คือสวรรค์ของโลก ดวงวิญญาณของหลายๆ คนสามารถชำระตนเองจากบาป ชดใช้บาปด้วยการกลับใจ ขึ้นสู่สวรรค์บนดิน และกระทั่งบินขึ้นสู่สวรรค์ สู่สวรรค์บนสวรรค์ที่แท้จริง ในสรวงสรรค์สวรรค์ “พระสิริของผู้ขับเคลื่อนจักรวาลทั้งหมดหลั่งไหลส่องประกายอย่างทะลุทะลวง” ดันเต้อธิบายว่าเขาและเบียทริซไปเยือนสวรรค์บนสวรรค์และพูดคุยกับผู้ชอบธรรมที่นั่นได้อย่างไร ดวงจันทร์เป็นที่อยู่อาศัยของดวงวิญญาณของแม่ชีที่ถูกลักพาตัวไปจากวัดวาอารามและถูกบังคับให้แต่งงานซึ่งโดยไม่ได้ตั้งใจพวกเขาเองไม่รักษาคำสาบานที่จะเป็นพรหมจารี เหล่านี้คือวิญญาณแห่งดวงจันทร์ บนดาวพุธซึ่งเป็นทรงกลมสวรรค์ชั้นที่สอง อาศัยแสงแห่งดวงวิญญาณของบุคคลที่ทะเยอทะยานซึ่งมีชีวิตที่ชอบธรรม สวรรค์ชั้นที่สาม - ดาวศุกร์ - เป็นที่พำนักสำหรับผู้รักผู้ชอบธรรม ดวงตะวันเป็นที่อาศัยของดวงวิญญาณของนักเทววิทยา ปราชญ์ และนักปรัชญา ดวงวิญญาณของนักรบเพื่อความศรัทธารวมตัวกันบนดาวอังคาร ดาวพฤหัสบดีเป็นสถานที่ซึ่งดวงวิญญาณของผู้ชอบธรรมลอยอยู่ จิตวิญญาณของผู้ไตร่ตรองที่ชอบธรรมมุ่งมั่นเพื่อดาวเสาร์ ทรงกลมสวรรค์ลูกที่แปดถัดไปคือ "รังของเลดา" ในกลุ่มดาวราศีเมถุน ซึ่งดวงวิญญาณของผู้ชอบธรรมผู้ยิ่งใหญ่หาที่พักพิง ในกลุ่มดาวราศีเมถุนเดียวกันนั้นเป็นกลุ่มดาวสวรรค์ที่สูงที่สุดอันดับที่เก้า - Empyrean ใจกลางของมันคือจุดเล็ก ๆ ที่สว่างสดใส ซึ่งวงกลมสวรรค์อีกแปดวงหมุนวนอยู่ ดวงวิญญาณของเด็กทารกและผู้ที่ได้รับพรมาที่นี่ แสงนิรันดร์อันสูงสุดและสุกใสที่สุดเล็ดลอดออกมาจากที่นี่ ช่วยให้ได้รับความรู้และความจริงสูงสุด นี่คือ “ความรักที่ขับเคลื่อนดวงอาทิตย์และแสงสว่าง”

ดันเต้, ฟรานเชสโก เพทราร์ช(1304-1374) และ จิโอวานนี่ บอคคาชิโอ(1313-1375) - กวีชื่อดังแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นผู้สร้างภาษาวรรณกรรมอิตาลี ผลงานของพวกเขาในช่วงชีวิตของพวกเขากลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางไม่เพียง แต่ในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังเกินขอบเขตและเข้าสู่คลังวรรณกรรมโลก

บทกวีของ Petrarch เกี่ยวกับชีวิตและความตายของมาดอนน่าลอร่าได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก ตัวอย่างของพวกเขาคือโคลงหมายเลข 215 จาก "หนังสือเพลง"

ด้วยความสูงส่งของเลือด - ความสุภาพเรียบร้อยนี้

จิตใจที่เฉียบแหลมและหัวใจที่เรียบง่าย

ด้วยการปิดภายนอก - ความอบอุ่น

และผลสุกก็มาจากผลอ่อน

ใช่แล้ว ดาวเคราะห์ของเธอมีน้ำใจต่อเธอ

หรือมากกว่านั้นคือราชาแห่งผู้ทรงคุณวุฒิและความสูงส่งแห่งคุณธรรมของเธอ

ทุกลักษณะ

พวกเขาจะทำลายกวีผู้ยิ่งใหญ่

องค์พระผู้เป็นเจ้าทรงรวมความรักและเกียรติไว้ในเธอ

กอปรด้วยเสน่ห์ที่ลงตัว

ความงามของธรรมชาตินำความสุขมาสู่ดวงตา

และมีบางอย่างอยู่ในสายตาของเธอ

ว่าในเวลาเที่ยงคืนวันนั้นจะทำให้มันส่องแสงแวววาว

มันจะให้ความขมแก่น้ำผึ้งและบอระเพ็ด - ความหวาน

ยุคเรอเนซองส์มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยลัทธิความงาม โดยเฉพาะความงามของมนุษย์ ภาพวาดของอิตาลีซึ่งกลายเป็นรูปแบบศิลปะชั้นนำมาระยะหนึ่ง แสดงให้เห็นผู้คนที่สวยงามและสมบูรณ์แบบ การวาดภาพยุคเรอเนซองส์ตอนต้นแสดงด้วยความคิดสร้างสรรค์ บอตติเชลลี(พ.ศ. 1445-1510) ผู้สร้างผลงานเกี่ยวกับศาสนาและตำนาน ได้แก่ ภาพเขียน “ฤดูใบไม้ผลิ” และ “การกำเนิดของดาวศุกร์” ตลอดจน จอตโต้(ค.ศ. 1266-1337) ผู้ปลดปล่อยภาพวาดปูนเปียกของอิตาลีจากอิทธิพลของไบแซนไทน์

จิออตโต้

Trecento ยังไม่ใช่ยุคเรอเนซองส์ แต่เป็นยุคก่อนเรอเนซองส์หรือเรอเนซองส์โปรโต ยิ่งไปกว่านั้น เราสามารถพูดได้ว่าแนวโน้มก่อนยุคเรอเนซองส์ปรากฏในวัฒนธรรมอิตาลีและในโลกทัศน์ทั่วไปในศตวรรษที่ 13 และบางครั้งก็ในศตวรรษที่ 12 และ 11 ด้วยซ้ำ ยุคก่อนเรอเนซองส์ได้ยกคำขวัญของการเลียนแบบธรรมชาติขึ้นมาแล้ว ด้วยเหตุนี้เองที่นักมานุษยวิทยาจึงยกย่อง Giotto อย่างอบอุ่น Florentine Giotto เป็นผลงานชิ้นแรกในบรรดายักษ์ใหญ่แห่งยุคที่ยิ่งใหญ่ของศิลปะอิตาลี เขาเป็นจิตรกรเป็นหลัก แต่ยังเป็นประติมากรและสถาปนิกด้วย มีข้อมูลว่าเขาดูไม่ดีและมีชื่อเสียงในเรื่องสติปัญญา ความประทับใจที่เกิดขึ้นกับผู้ร่วมสมัยของเขาโดยการสร้างสรรค์ของ Giotto นั้นยิ่งใหญ่มาก Petrarch เขียนว่าต่อหน้าภาพของ Giotto คุณจะรู้สึกยินดีและถึงขั้นมึนงง และอีกหนึ่งร้อยปีต่อมา Ghiberti ประติมากรชื่อดังชาวฟลอเรนซ์พูดถึงเขาดังนี้:

“จอตโตมองเห็นสิ่งที่ผู้อื่นไม่สามารถเข้าถึงได้ในงานศิลปะ เขานำศิลปะธรรมชาติมา... เขาเป็นนักประดิษฐ์และผู้ค้นพบวิทยาศาสตร์อันยิ่งใหญ่ที่ถูกฝังไว้ประมาณหกร้อยปี”

“ศิลปะธรรมชาติ” เพราะมันขึ้นอยู่กับภาพของโลกรอบตัวเราตามที่ตาของเรามองเห็น

ที่นี่เป็นจุดเริ่มต้นของการแตกแยกจากศิลปะทางศาสนายุคกลาง ที่นั่นพระเจ้าที่เป็นสากลและไวต่อความรู้สึกถือเป็นความสมบูรณ์แบบสูงสุดและมีเพียงเขาเท่านั้นที่เป็นอุดมคติที่แท้จริงเท่านั้นที่ศิลปะควรมุ่งมั่น ทุกสิ่งทางโลกและทางธรรมชาติถูกประกาศว่าหลอกลวง เป็นภาพลวงตา ไม่ควรค่าแก่การชื่นชม ท้ายที่สุด มันก็หันเหความสนใจไปจากการไตร่ตรองถึงพระเจ้าที่มองไม่เห็น อย่างไรก็ตาม มันเป็นไปไม่ได้ที่จะพรรณนาและรับรู้ถึงสิ่งที่อยู่เหนือความรู้สึก ดังนั้นเพื่อที่จะพรรณนาถึงพระเจ้า เทวดา และนักบุญ เราจึงต้องใช้การวาดภาพคน และองค์ประกอบของธรรมชาติในระดับหนึ่ง แต่ภาพเหล่านี้ไม่ควรมีความหมายเชิงสุนทรีย์ที่เป็นอิสระ แต่ใช้เป็นเพียงคำใบ้ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของ "สวรรค์" ซึ่งเป็นพระเจ้าเท่านั้น การมองเห็นนั้นได้รับอนุญาตเพียงเพื่อเปลี่ยนความคิดของผู้คนให้กลายเป็นสิ่งที่มองไม่เห็นเท่านั้น

เริ่มต้นด้วย Giotto ธรรมชาติและมนุษย์กลายเป็นเป้าหมายที่น่าชื่นชม พวกเขาเริ่มมองหา (และพบ!) ความงามและความมั่งคั่งทางจิตวิญญาณในตัวพวกเขา ราวกับว่าโลกกำลังเปิดกว้างอีกครั้งต่อหน้าผู้คน ความสนใจ ความสนใจ และความรักของศิลปินมุ่งเน้นไปที่มนุษย์และทุกสิ่งที่อยู่รอบตัวเขามากขึ้น นี่คือจุดแข็งและข้อดีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนต้น การค้นพบทางปรัชญาและศิลปะที่ยิ่งใหญ่: แรงกระตุ้นต่อมนุษย์และธรรมชาติในฐานะที่เป็นขอบเขตของความงามและความดีหมายถึงการถ่ายโอนจุดศูนย์ถ่วงทางสุนทรีย์และจริยธรรมจากทรงกลมแห่งสวรรค์ ในจินตนาการ และเหนือธรรมชาติ สู่โลกมนุษย์ที่แท้จริง

แต่นี่คือจุดอ่อนของเขาเช่นกัน ด้วยความชื่นชมจากโลกที่เปิดกว้างก่อนหน้านี้ ศิลปะจึงอดไม่ได้ที่จะถูกพาตัวไปกับ "การตกแต่งที่หลากหลาย" และหลงทางไปสู่เส้นทางของธรรมชาตินิยมเล็กๆ น้อยๆ ได้อย่างง่ายดาย ศิลปินหลายคนไม่สามารถทนต่อการทดสอบและออกไปวาดภาพของลูกหลานซึ่งมีขบวนแห่ดอกไม้และแมลงวันวาดภาพอย่างชำนาญนั่งอยู่บนกระดาษเขียนลวก ๆ แต่ในกรณีที่บุคคลถูกวาดภาพตัวเล็ก ๆ อย่างไร้ความหมาย - เขาหลงทางในดิ้นเทศกาลหรือทุกวันนี้

อย่างไรก็ตาม ศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนต้นนั้นไม่ได้มีลักษณะเป็นธรรมชาติและเรียบง่ายอย่างเห็นได้ชัดในตัวเองเลย แม้จะมีข้อจำกัดทั้งหมดก็ตาม มันซับซ้อน ขัดแย้ง และความขัดแย้งภายในนี้นำมันไปข้างหน้า แม้ว่าจะดูแปลกเมื่อมองแวบแรกในศิลปะของยุคเรอเนซองส์ตอนต้นพร้อมกับรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ จากจุดเริ่มต้นอื่น ๆ แนวโน้มการสังเคราะห์ก็กำลังเกิดขึ้น: เชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับการสร้างภาพลักษณ์ทั่วไป อนุสาวรีย์ และความกล้าหาญของบุคคลที่สมบูรณ์แบบ .

ประติมากรที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในยุคนั้นคือ โดนาเทลโล(ค.ศ. 1386-1466) ผู้เขียนผลงานแนวเหมือนจริงจำนวนหนึ่งซึ่งเป็นครั้งแรกนับตั้งแต่สมัยโบราณนำเสนอร่างเปลือยเปล่าในงานประติมากรรม สถาปนิกที่ใหญ่ที่สุดแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น - บรูเนลเลสชิ(1377-1446) เขาพยายามผสมผสานองค์ประกอบของสไตล์โรมันและโกธิกโบราณเข้าด้วยกัน สร้างวัด พระราชวัง และโบสถ์น้อย

บรูเนลเลสชิ

ศิลปะเรอเนซองส์เริ่มต้นขึ้นในศตวรรษที่ 15 เมื่อในปีแรกของศตวรรษนี้ ชุมชนเมืองฟลอเรนซ์ได้ประกาศการแข่งขันเพื่อตกแต่งประตูสถานที่ทำพิธีศีลจุ่มซานจิโอวานนี ตัวอย่างที่ดีที่สุดคือภาพนูนต่ำนูนสูงที่นำเสนอโดยศิลปินหนุ่มสองคน ได้แก่ Filippo Brunelleschi และ Lorenzo Ghiberti ในหัวข้อเดียวกัน: การเสียสละของอับราฮัม ภาพนูนต่ำนูนทั้งสองมีความงดงาม ทั้งสองมีความกล้าหาญทั้งในด้านการออกแบบและภาษาภาพ ฝ่ามือที่มอบให้ Ghiberti อาจเป็นเพราะความโล่งใจของ Brunelleschi ร่างของ Isaac ซึ่งแต่งตัวเพื่อสังหารโดยพ่อของเขาดูเชื่อฟังพระเจ้ามากเกินไปนี่คือ "สิ่งมีชีวิตที่ตัวสั่น" เป็นทาสที่น่าสงสารและแทบไม่มีรูปร่างซึ่งอับราฮัมเหมือนคนไม่ตอบสนอง สัตว์ร้ายลากไปที่แท่นบูชา ไม่เหมือนกับ Ghiberti เลย อิสอัคของเขาเป็นคนต่างด้าวกับลักษณะของการไม่มีตัวตนที่น่าสมเพช เขาเป็นเด็กหนุ่มร่างผอมเพรียวที่กำลังเข้าสู่วัยรุ่น ความเป็นพลาสติกของมันช่างน่าหลงใหล ใช่แล้ว เขาถูกวางลงบนแท่นบูชา มือของเขาถูกมัดไว้ด้านหลัง แต่เขาก็ไม่ได้ก้มศีรษะอย่างยอมจำนน ในทางตรงกันข้ามเขาเลี้ยงดูเธออย่างภาคภูมิใจและเราเห็นว่าในตัวเธอมีความงามและศักดิ์ศรีมากเพียงใด ไม่มีเงาแห่งความกลัวบนใบหน้าของเขา มีการท้าทายที่น่าภาคภูมิใจต่อความอยุติธรรมอันดุเดือดที่พร้อมจะตกใส่เขา ความท้าทายเดียวกันนี้อยู่ในอกที่เปลือยเปล่า และหันไปสู่อันตรายอย่างไม่เกรงกลัว ชายหนุ่มผู้กล้าหาญคนนี้จะไม่คำนับพ่อผู้โหดเหี้ยมของเขาและอาจต่อหน้าพระเจ้าผู้ไม่อายที่จะออกคำสั่งที่ไร้มนุษยธรรมเช่นนี้

“Isaac” Ghiberti ไม่เพียงแสดงความเชื่อมั่นที่หาได้ยากต่อจิตวิญญาณแห่งความรักอิสระและกบฏของสาธารณรัฐฟลอเรนซ์เท่านั้น โดยพื้นฐานแล้วเขาเป็นคนแรกที่อยู่บนธรณีประตูของ Quattrocento ที่รวบรวมภาพลักษณ์ในอุดมคติของชายผู้ภาคภูมิใจและสวยงามแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

บรูเนลเลสกีมีแผนสำคัญ 2 ประการ ประการแรกคือการคืนสถาปัตยกรรมที่ดีกลับคืนสู่แสงตะวัน ประการที่สองคือค้นหาวิธีสร้างโดมของซานตามาเรีย เดล ฟิโอเร ในเมืองฟลอเรนซ์ หากเขาทำสำเร็จ

ความจริงก็คือในยุโรปยุคกลางพวกเขาไม่รู้วิธีสร้างโดมขนาดใหญ่อย่างแน่นอนดังนั้นชาวอิตาลีในยุคนั้นจึงมองดูวิหารโรมันโบราณด้วยความชื่นชมและอิจฉา

และนี่คือวิธีที่วาซารีประเมินโดมของมหาวิหารฟลอเรนซ์แห่งซานตามาเรียเดลฟิโอเร ซึ่งสร้างโดยบรูเนลเลสชิ:

“ อาจกล่าวได้อย่างแน่นอนว่าคนสมัยก่อนไม่ถึงความสูงขนาดนั้นในอาคารของพวกเขาและไม่กล้าเสี่ยงที่จะทำให้พวกเขาแข่งขันกับท้องฟ้าได้ในขณะที่โดมฟลอเรนซ์ดูเหมือนจะแข่งขันกับมันจริงๆ เพราะมันเป็นเช่นนั้น สูงเสียจนภูเขารอบๆ ฟลอเรนซ์ดูจะทัดเทียมกับเขา และแท้จริงแล้ว ใครๆ ก็คิดว่าท้องฟ้าอิจฉาเขา เพราะว่าฟ้าแลบฟาดเขาตลอดเวลาและบ่อยครั้งตลอดวัน”

พลังอันน่าภาคภูมิใจแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา! โดมฟลอเรนซ์ไม่ใช่การซ้ำซ้อนของโดมของวิหารแพนธีออนหรือโดมของนักบุญโซเฟียแห่งคอนสแตนติโนเปิล ซึ่งไม่ได้ทำให้เราพึงพอใจกับความสูงของพวกเขา ไม่แม้แต่กับความสง่างามของรูปลักษณ์ของพวกเขา แต่เหนือสิ่งอื่นใดคือความกว้างขวางที่พวกเขาสร้างขึ้น ภายในวิหาร.

โดมของ Brunelleschi พุ่งชนท้องฟ้าด้วยเทอะทะที่เพรียวบางทั้งหมด ซึ่งบ่งบอกถึงคนร่วมสมัย ไม่ใช่ความเมตตาจากสวรรค์ที่มีต่อเมือง แต่เป็นชัยชนะของเจตจำนงของมนุษย์ ชัยชนะของเมือง สาธารณรัฐฟลอเรนซ์ที่น่าภาคภูมิใจ ไม่ใช่ "ลงสู่มหาวิหารจากสวรรค์" แต่เติบโตขึ้นโดยธรรมชาติ มันถูกสร้างขึ้นเพื่อเป็นสัญลักษณ์ของชัยชนะและอำนาจตามลำดับ (ดูเหมือนว่าสำหรับเราแล้ว) เพื่อดึงดูดเมืองและผู้คนภายใต้ร่มเงาของมัน

ใช่ มันเป็นสิ่งใหม่ที่ไม่เคยมีมาก่อน ซึ่งเป็นเครื่องหมายแห่งชัยชนะของงานศิลปะแบบใหม่ หากไม่มีโดมนี้ ซึ่งสร้างขึ้นเหนืออาสนวิหารยุคกลางในยามรุ่งสางของยุคเรอเนซองส์ โดมเหล่านั้นซึ่งตามแบบของไมเคิลแองเจโล (เหนืออาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์) ก็ได้สวมมงกุฎอาสนวิหารหลายแห่งของยุโรปเกือบทั้งหมดในศตวรรษต่อๆ มา คงเป็นเรื่องที่คิดไม่ถึง

Brunelleschi เข้าสู่วัฒนธรรมโลกในฐานะผู้ก่อตั้งระบบสถาปัตยกรรมเรอเนซองส์และผู้นำคนแรกที่กระตือรือร้นในฐานะผู้เปลี่ยนแปลงสถาปัตยกรรมยุโรปทั้งหมดในฐานะศิลปินที่มีผลงานโดดเด่นด้วยบุคลิกที่สดใส ให้เราเสริมว่าเขาเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งทฤษฎีทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับเปอร์สเปคทีฟผู้ค้นพบกฎพื้นฐานซึ่งมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาภาพวาดทั้งหมดในยุคนั้น

ในยุคของมนุษยนิยม โลกดูเหมือนสวยงามสำหรับมนุษย์ และเขาต้องการที่จะเห็นความงามในทุกสิ่งที่เขาอยู่รอบตัวเขาในโลกนี้ ดังนั้นงานสถาปัตยกรรมจึงกลายเป็นการวางกรอบชีวิตมนุษย์ให้สวยงามที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ความงามจึงกลายเป็นเป้าหมายสูงสุดของสถาปัตยกรรม สำหรับคนในยุคเรอเนซองส์ ความงามถูกนำเสนอเป็นแนวคิดที่ชัดเจน มีการกำหนดอย่างเป็นกลาง และเหมือนกันสำหรับทุกคน

Leon Battista Alberti นักทฤษฎีศิลปะที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 15 ได้ให้คำจำกัดความกฎแห่งความงามไว้ดังนี้

“การประสานส่วนต่างๆ ให้เป็นส่วนรวมที่กลมกลืนกัน ดังนั้นจึงไม่สามารถถอดออกหรือเปลี่ยนแปลงส่วนใดๆ ได้โดยไม่เกิดความเสียหายต่อส่วนรวม”

และด้วยการยกย่องผลงานชิ้นหนึ่งของ Brunelleschi เขาเน้นย้ำว่า "ไม่มีบรรทัดใดอยู่ในนั้นอย่างเป็นอิสระ"

ศิลปะสมัยใหม่มีพื้นฐานอยู่บนตรรกะ บนการเปิดเผยของจิตใจมนุษย์ ซึ่งได้รับการยืนยันโดยการคำนวณทางคณิตศาสตร์ และจิตใจต้องการความชัดเจน ความกลมกลืน ความได้สัดส่วน

แต่มันเป็นไปไม่ได้ที่จะสานต่อประเพณีที่ดีที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนต้นโดยตรง - พวกเขาจำเป็นต้องเกิดใหม่อีกครั้งในคุณภาพใหม่ที่สูงขึ้น ศิลปะมนุษยนิยมต้องค้นหาความแข็งแกร่งและความกล้าหาญภายในตัวเองเพื่อปฏิเสธการล่อลวงของแนวโน้มที่ทันสมัยแต่เป็นเท็จและเสื่อมโทรมท่ามกลางความสับสนทางจิตวิญญาณ เพื่อเอาชนะวิกฤติ ก้าวไปข้างหน้าอย่างไม่เกรงกลัว เพื่อนำไปสู่จุดที่ศิลปะของยุคเรอเนซองส์ตอนต้นกำลังไปถึง แต่ที่ซึ่งไม่เคยจะขึ้นได้ ไททันเท่านั้นที่ทำได้ และพวกเขาก็ปรากฏตัวขึ้น

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง

ยุคทองของศิลปะอิตาลีเป็นยุคแห่งอิสรภาพ จิตรกรแห่งยุคเรอเนซองส์สูงเชี่ยวชาญการพรรณนาทุกรูปแบบ - ภาพวาดที่เฉียบคมและกล้าหาญซึ่งเผยให้เห็นโครงกระดูกของร่างกายมนุษย์ สีที่สื่อถึงอากาศ เงา และแสง กฎแห่งมุมมองนั้นถูกควบคุมโดยศิลปินในทันทีราวกับโดยไม่ต้องใช้ความพยายามใดๆ ร่างเหล่านั้นเคลื่อนไหวและบรรลุความสามัคคีในการปลดปล่อยโดยสมบูรณ์

การเคลื่อนไหวมีความมั่นใจมากขึ้น ประสบการณ์ลึกซึ้งยิ่งขึ้นและน่าหลงใหลมากขึ้น

ด้วยการเชี่ยวชาญรูปแบบ chiaroscuro และเชี่ยวชาญมิติที่สาม ศิลปินในยุคเรอเนซองส์ชั้นสูงจึงเชี่ยวชาญโลกที่มองเห็นได้ในความหลากหลายอันไม่มีที่สิ้นสุด ในทุกพื้นที่เปิดโล่งและที่ซ่อน เพื่อที่จะนำเสนอมันแก่เราไม่เป็นเศษส่วนอีกต่อไป แต่ใน ลักษณะทั่วไปอันทรงพลัง เต็มไปด้วยความงดงามอันเจิดจ้าของมัน

บรามันเต้

Bramante ควรได้รับการยอมรับว่าเป็นสถาปนิกที่เก่งกาจแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง งานของ Bramante กำหนดทิศทางทั่วไปของสถาปัตยกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงมานานหลายทศวรรษ บทบาทของเขาในด้านสถาปัตยกรรมไม่น้อยไปกว่าบรูเนลเลสคีในศตวรรษก่อน

สถาปัตยกรรม Cinquecento ยับยั้งการเคลื่อนไหวอันสนุกสนานของยุคเรอเนซองส์ตอนต้น และเปลี่ยนให้เป็นขั้นบันได รายละเอียดที่หลากหลายที่กะพริบหายไป Roman Palazzo Cancelleria ที่มีชื่อเสียง (ซึ่งเป็นที่ตั้งของสำนักงานของสมเด็จพระสันตปาปา) ซึ่ง Bramante เข้าร่วมเมื่อเสร็จสิ้น ถือเป็นชัยชนะของกำแพงเหนือคำสั่ง: มันเป็นกำแพงที่เพรียวบางที่สร้างการแยกตัวอันงดงามของส่วนหน้าขนาดใหญ่ และในวิหารเทมปิเอตโตทรงโดมเล็ก ๆ (สร้างขึ้นในโรมในปี 1502) โดยมีช่องทั้งภายในและภายนอก ล้อมรอบด้วยเสาหินแบบดอริกแบบโรมัน บรามันเตได้ให้ตัวอย่างของความยิ่งใหญ่อย่างยิ่งยวด โดยไม่ขึ้นอยู่กับขนาดของอาคาร จนคนรุ่นเดียวกันมองว่าวัดแห่งนี้เป็น "การสำแดงสถาปัตยกรรมใหม่"

เช่นเดียวกับอัจฉริยะที่แท้จริง Bramante เป็นคนดั้งเดิม อย่างไรก็ตาม ศิลปะของเขาได้รับการหล่อเลี้ยงจากวัฒนธรรมที่สูงมาก ตอนที่เขาทำงานในมิลาน เลโอนาร์โด ดาวินชีก็อยู่ที่นั่น ซึ่งเขาร่วมมือในการร่างผังเมืองด้วย

Bramante วัยเจ็ดสิบปีเสียชีวิตในปี 1514 ในระหว่างที่เขาทำงานเพื่อสร้างนครวาติกันขึ้นใหม่

ยุคเรอเนซองส์ตอนต้นสิ้นสุดลงในปลายศตวรรษที่ 15 และถูกแทนที่ด้วยยุคไฮ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา- ช่วงเวลาแห่งการออกดอกสูงสุดของวัฒนธรรมเห็นอกเห็นใจของอิตาลี ตอนนั้นเองที่ความคิดเกี่ยวกับเกียรติและศักดิ์ศรีของมนุษย์ จุดประสงค์อันสูงส่งของเขาบนโลกถูกแสดงออกมาด้วยความสมบูรณ์และพลังที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ไททันแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงคือ เลโอนาร์โด ใช่ วินชี(ค.ศ. 1456-1519) หนึ่งในบุคคลที่น่าทึ่งที่สุดในประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติ มีความสามารถและพรสวรรค์ที่หลากหลาย เลโอนาร์โดเป็นศิลปินนักทฤษฎีศิลปะประติมากรสถาปนิกนักคณิตศาสตร์นักฟิสิกส์นักดาราศาสตร์นักสรีรวิทยานักกายวิภาคศาสตร์ในเวลาเดียวกันและนี่ไม่ใช่รายการที่สมบูรณ์ของกิจกรรมหลักของเขา เขาเสริมคุณค่าวิทยาศาสตร์เกือบทุกแขนงด้วยการคาดเดาอันชาญฉลาด ผลงานศิลปะที่สำคัญที่สุดของเขาคือ "The Last Supper" - ภาพปูนเปียกในอารามซานตามาเรียเดลลากราซีของมิลานซึ่งพรรณนาถึงช่วงเวลาแห่งอาหารมื้อเย็นหลังจากพระวจนะของพระคริสต์: "หนึ่งในพวกคุณจะทรยศฉัน" เช่นเดียวกับ ภาพเหมือนที่โด่งดังไปทั่วโลกของ Florentine Mona Lisa ซึ่งมีชื่ออื่น - "Gioconda" ซึ่งตั้งชื่อตาม Giocondo สามีของเธอ

จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ก็เป็นไททันแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงเช่นกัน ราฟาเอล สันติ(ค.ศ. 1483-1520) ผู้สร้าง “ซิสทีน มาดอนน่า” ผลงานจิตรกรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโลก

ตัวแทนที่ยิ่งใหญ่คนสุดท้ายของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงคือ ไมเคิลแองเจโล บูโอนารอตติ(1475-1654) - ประติมากร, จิตรกร, สถาปนิกและกวี, ผู้สร้างรูปปั้นเดวิดที่มีชื่อเสียง, รูปแกะสลัก "เช้า", "เย็น", "กลางวัน", "กลางคืน" สร้างขึ้นสำหรับสุสานในโบสถ์เมดิชี Michelangelo ทาสีเพดานและผนังของโบสถ์ Sistine ของพระราชวังวาติกัน ภาพจิตรกรรมฝาผนังที่น่าประทับใจที่สุดแห่งหนึ่งคือฉากการพิพากษาครั้งสุดท้าย ในงานของ Michelangelo ชัดเจนกว่าในงานของรุ่นก่อน - Leonardo da Vinci และ Raphael Santi ได้ยินบันทึกที่น่าเศร้าซึ่งเกิดจากการตระหนักถึงขีด จำกัด ที่อยู่กับมนุษย์ความเข้าใจในข้อ จำกัด ของความสามารถของมนุษย์ ความเป็นไปไม่ได้ของ "ธรรมชาติที่เหนือกว่า"

ศิลปินที่โดดเด่นในยุคนี้คือ Giorgione (ค.ศ. 1477-1510) ผู้สร้างภาพเขียนชื่อดัง "Judith" และ "Sleeping Venus" และ ทิเชียน(ค.ศ. 1477-1576) เชิดชูความงามของโลกรอบข้างและผู้คน นอกจากนี้เขายังสร้างแกลเลอรีภาพวาดบุคคลอันงดงามของผู้มีอิทธิพลและร่ำรวยในยุคเดียวกัน

ไททันแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

อัจฉริยะสี่คนเปล่งประกายในอิตาลีในยุคนั้น อัจฉริยะสี่คน ซึ่งแต่ละคนเป็นโลกทั้งใบ สมบูรณ์ สมบูรณ์แบบ โดยซึมซับความรู้ทั้งหมด ความสำเร็จทั้งหมดของศตวรรษก่อน และยกระดับพวกเขาไปสู่ระดับที่มนุษย์ไม่สามารถเข้าถึงได้ก่อนหน้านี้: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian

เลโอนาร์โด ดา วินชี

Leonardo da Vinci เกิดในปี 1452 ในหมู่บ้าน Anchiano ใกล้กับเมือง Vinci ที่ตีนเขา Alban กึ่งกลางระหว่างฟลอเรนซ์และปิซา

ภูมิทัศน์ในสถานที่ที่วัยเด็กของเขาเกิดขึ้นนั้นตระการตา: แนวภูเขาที่มืดมิด, ไร่องุ่นอันเขียวขจีและระยะทางที่เต็มไปด้วยหมอก ด้านหลังภูเขามีทะเล ซึ่งมองไม่เห็นจากอันเชียโน สถานที่หายไป. แต่มีพื้นที่เปิดโล่งและสูงอยู่ใกล้เคียง

เลโอนาร์โดเป็นลูกนอกกฎหมายของทนายความปิเอโรดาวินชีซึ่งเป็นหลานชายและหลานชายของทนายความ เห็นได้ชัดว่าพ่อของเขาดูแลการเลี้ยงดูของเขา

ความสามารถพิเศษของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในอนาคตแสดงออกมาตั้งแต่เนิ่นๆ จากคำกล่าวของวาซารีในวัยเด็กเขาประสบความสำเร็จในวิชาเลขคณิตมากจนทำให้ครูอยู่ในตำแหน่งที่ยากลำบากในการถามคำถาม ในเวลาเดียวกัน เลโอนาร์โดศึกษาดนตรี เล่นพิณอย่างสวยงาม และ "ร้องเพลงด้นสดจากพระเจ้า" อย่างไรก็ตาม การวาดภาพและการสร้างแบบจำลองเป็นสิ่งกระตุ้นจินตนาการของเขาเป็นส่วนใหญ่ พ่อของเขานำภาพวาดไปให้ Andrea Verrocchio เพื่อนเก่าแก่ของเขา เขาประหลาดใจและบอกว่าหนุ่มเลโอนาร์โดควรอุทิศตนให้กับการวาดภาพโดยสิ้นเชิง ในปี ค.ศ. 1466 Leonardo ได้เข้าร่วมเวิร์กช็อป Florentine ของ Verrocchio ในฐานะเด็กฝึกงาน

หอศิลป์ Uffizi อันโด่งดังในฟลอเรนซ์เป็นที่จัดแสดงภาพวาดโดยปรมาจารย์ชาวเมืองฟลอเรนซ์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 Andrea Verrocchio “การบัพติศมาของพระคริสต์” มรดกทางศิลปะของ Verrocchio เขาเป็นจิตรกร ประติมากร ช่างแกะสลัก และช่างอัญมณี ทำให้เรามีความสุขมาจนถึงทุกวันนี้ แต่ในภาพนี้เราจะเน้นเฉพาะรูปเทวดาหน้าด้านซ้ายเท่านั้น

เมื่อเปรียบเทียบกับเธอแล้ว ร่างอื่นๆ ดูเหมือนมีข้อจำกัดในการเคลื่อนไหวเป็นเชิงมุม มีเพียงเขาเท่านั้น นางฟ้าองค์นี้เท่านั้นที่สามารถหันหลังกลับได้อย่างง่ายดาย หายใจได้อย่างอิสระ แม้ว่าพลังยังเยาว์วัยจะขี้อาย แต่ลมหายใจใหม่ก็อ่อนแอ

ภาพวาดนี้วาดในอายุเจ็ดสิบต้นๆ ของ Quattrocento โดยรวมแล้วเป็นเรื่องปกติมากสำหรับยุคนี้ แต่ดังที่สังเกตมานานแล้ว ทูตสวรรค์องค์นี้สัมผัสเราราวกับเสียงของโลกอื่น มันไม่ได้เขียนโดย Verrocchio แต่โดย Leonardo da Vinci นักศึกษาหนุ่มของเขา

วาซารีเขียนว่านางฟ้าของเลโอนาร์โดออกมาได้ดีกว่าร่างของแวร์ร็อคคิโอมาก แน่นอนว่า Verrocchio ควรจะประหลาดใจกับการสร้างสรรค์ของนักเรียน และไม่เพียงแต่เป็นข้อพิสูจน์ถึงความสามารถที่ยิ่งใหญ่กว่าของ Leonardo เท่านั้น ประเด็นนั้นแตกต่าง: ร่างที่วาดโดยเลโอนาร์โดทำเครื่องหมายว่าเป็นการเปลี่ยนไปสู่คุณภาพใหม่ที่ครูของเขาไม่รู้จักเพราะมันเป็นผลิตผลของโลกใหม่อีกโลกหนึ่งซึ่งถูกกำหนดให้แสดงออกมาในความงดงามและความแข็งแกร่งอย่างเต็มที่ หลังจากนั้นไม่กี่ทศวรรษเท่านั้น

ทูตสวรรค์องค์นี้เป็นธรรมชาติมากในพระคุณอันสมบูรณ์แบบของเขามีเสน่ห์ในจิตวิญญาณของเขาสง่างามมากด้วยการจ้องมองที่เปล่งประกายและลึกซึ้งนั้นเป็นสิ่งที่สร้างแล้วไม่ใช่ของยุคแรก แต่เป็นของยุคเรอเนซองส์สูงเช่น ยุคทองของศิลปะอิตาลีอย่างแท้จริง ร่างของเขาถูกปกคลุมไปด้วย Chiaroscuro ตามธรรมชาติ

ในงานยุคแรกของ Leonardo มีการเปิดเผยคุณลักษณะที่ไม่มีอยู่ในงานศิลปะของ Quattrocento นี่คือภาพวาดขนาดเล็ก - "Benois Madonna" แต่แฝงไปด้วยตัวมันเองมากแค่ไหน! แมรี่กับพระกุมารเยซูในอ้อมแขนของเธอถูกบรรยายหลายครั้งต่อหน้าเลโอนาร์โด และธีมนี้ไปไกลถึงความเป็นมนุษย์: แมรี่ในหมู่ศิลปินแห่งศตวรรษที่ 15 ไม่ได้นั่งบนบัลลังก์อีกต่อไป มงกุฎหายไปจากศีรษะของเธอ รัศมีสามารถเดาได้เท่านั้น - พระมารดาของพระเจ้าและมนุษย์พระเจ้าได้สูญเสียความเป็นพระเจ้าส่วนใหญ่ไป กลายเป็นแม่มนุษย์ที่มีลูก อย่างไรก็ตาม ความเป็นตัวแทนยังคงถูกรักษาไว้เกือบตลอดเวลา: แมรี่แสดงพระบุตรของพระเจ้าให้ผู้คนเห็น และเธอเองก็โพสท่าต่อหน้าพวกเขา เหล่านี้คือ "มาดอนน่า" ของศิลปิน Quattrocento ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เช่น Andrea Mantegna, Pietro Perugino, Giovanni Bellini

ไม่เหมือนเลโอนาร์โดเลย ทั้งแม่และลูกไม่หันไปทางผู้ชม พวกเขาไม่มองเขา พวกเขายุ่งอยู่กับงาน เบื้องหน้าเราคือฉากอันมีชีวิตชีวาของคุณแม่ยังสาว เด็กสาวเรียบง่าย เกือบเป็นเด็กผู้หญิง กำลังเล่นกับลูกหัวปี เกมดังกล่าวจับทั้งสองคนได้อย่างสมบูรณ์ ผู้เป็นแม่ยิ้มอย่างร่าเริง แม้กระทั่งหัวเราะชื่นชมลูกของเธอ ในความสุขแรกของเกมนี้ จิตวิญญาณอันชาญฉลาดของเธอ อิสรภาพภายในของเธอ ความรักของแม่ที่ยังเยาว์วัยถูกเปิดเผย ความหมายอันศักดิ์สิทธิ์นั้นแทบจะหมดสิ้นไปโดยสิ้นเชิง

ไม่เคยมีมาก่อนที่ศิลปินมุ่งความสนใจไปที่ด้านที่ยากที่สุดของธรรมชาติในการพรรณนา - ชีวิตภายในของบุคคลในการเคลื่อนไหวทางจิตของเขา และนี่คือหนึ่งในนวัตกรรมที่สำคัญที่สุดที่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงนำมาสู่ศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา “งานของศิลปิน” เลโอนาร์โดเขียน “คือการพรรณนาถึงขอบเขตที่แทบจะบรรลุไม่ได้: เพื่อแสดงโลกภายในและจิตวิญญาณของมนุษย์” นี่เป็นข้อกำหนดด้านโปรแกรมที่สำคัญที่สุดสำหรับศิลปะแนวมนุษยนิยมเชิงคุณภาพใหม่ ซึ่งเป็นหนึ่งในคุณลักษณะที่กำหนดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง

ผลที่ตามมาที่สำคัญเกิดขึ้นตามธรรมชาติจากทัศนคติพื้นฐานนี้ ซึ่งเปลี่ยนลักษณะของความสมจริงในขั้นตอนสูงสุดของศิลปะเรอเนซองส์อย่างมีนัยสำคัญ หากสิ่งสำคัญคือบุคคลและโดยเฉพาะอย่างยิ่งโลกภายในของเขา ทุกอย่างที่ไม่เกี่ยวข้อง รอง และไม่จำเป็นจะต้องถูกกำจัดออกจากภาพ ใน “Madonna Benois” ฉากที่เข้มข้นทางจิตใจทั้งหมดจะถูกเปิดเผยต่อหน้าผู้ชม แต่วิธีแก้ปัญหาของเธอช่างพูดน้อย! กลุ่มนี้ถูกจัดวางให้อยู่ในการตกแต่งภายใน แต่ในความเป็นจริงแล้ว ไม่มีการตกแต่งภายใน ไม่ใช่รายละเอียดของบ้านหรือเฟอร์นิเจอร์เลยแม้แต่น้อย ยกเว้นม้านั่งที่มาเรียนั่ง และแม้แต่ม้านั่งที่แทบไม่มีโครงร่างเลยด้วยซ้ำ มีเพียงหน้าต่างที่มีห้องนิรภัยครึ่งวงกลม (ทำซ้ำเส้นของครึ่งวงกลมที่ปิดองค์ประกอบทั้งหมดที่ด้านบนและรูปทรงด้านบนของศีรษะของแม่และเด็ก) แต่มันไม่ได้ถูกตัดออกเพื่อความแท้จริง นี่คือแหล่งที่มาของอากาศในภาพวาด มิฉะนั้น ภาพวาดอาจหายใจไม่ออก และ - จุดแสงที่มีโครงร่างอย่างสวยงามสีเขียวอมฟ้าทะลุผ่านดวงอาทิตย์เหมือนฝุ่นสีทอง มันมาพร้อมกับโทนสีของกลุ่มอย่างเบา ๆ และเบา ๆ - ทารก, คุณแม่ยังสาวและเสื้อผ้าของเธอนั่นคือมันไม่ได้หันเหความสนใจไปจากสิ่งสำคัญ แต่ในทางกลับกันทำหน้าที่ในการรวมทั้งหมดเข้าด้วยกัน

ดังนั้นในศิลปะที่เกิดขึ้นใหม่ของยุคเรอเนซองส์สูง การได้มาซึ่งคุณลักษณะใหม่โดยพื้นฐานทำให้เกิดการปฏิเสธคุณลักษณะบางอย่างของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการ - ขณะนี้ไม่มีที่เหลือสำหรับลักษณะธรรมชาตินิยมเล็ก ๆ น้อย ๆ ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนต้น มีเพียงการปฏิเสธความชื่นชมในรายละเอียดภายนอกเท่านั้นที่สามารถเรียนรู้ที่จะเข้าใจและชื่นชมชีวิตภายในของบุคคลได้ มีเพียงการละทิ้ง "ลัทธินิยม" แบบผิวเผินเท่านั้นจึงจะสามารถเปิดเผยความเป็นจริงสูงสุดในงานศิลปะได้ - ความมั่งคั่งของโลกฝ่ายวิญญาณของมนุษย์

ความสมบูรณ์แบบแบบ “อะพอลโลเนียน” ความมั่งคั่งจากใจจริง และจิตวิญญาณอันกล้าหาญที่บุคคลสามารถทำได้และควรบรรลุนั้น ได้รับการแสดงให้เห็นอย่างเต็มที่โดยศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงเท่านั้น ทั้งใน “เดวิด” ของไมเคิลแองเจโล และใน “ซิสทีน มาดอนน่า” ของราฟาเอล สิ่งที่อยู่ในศิลปะของ Quattrocento มีเพียงศักยภาพเท่านั้นที่เผยออกมาที่นี่ด้วยการออกดอกอันยิ่งใหญ่

อย่างไรก็ตาม อาจเป็นความผิดพลาดที่จะคิดว่าศิลปะของยุคเรอเนซองส์สูงนั้นเหมือนกับศิลปะของยุคเรอเนซองส์ตอนต้น เพียงแต่ "มีความงดงามเต็มที่ของการสำแดงออกมา" แม้ว่าความปรารถนาที่จะเปิดเผยโลกภายในของมนุษย์ทะลุทะลวงเข้าไปในผลงานที่ดีที่สุดของ Quattrocento แต่เพื่อให้แนวโน้มนี้เป็นจริง ความเข้าใจของมนุษย์ โลกภายในของเขาจึงต้องเปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญมาก

ในมรดกอันยาวนานของ Leonardo the Draftman มีคนประทับใจกับแกลเลอรี่ใบหน้าแปลก ๆ ที่มีลักษณะน่าเกลียดและมักน่ารังเกียจ ในวรรณคดีมักเรียกว่าการ์ตูนล้อเลียน แท้จริงแล้วภาพวาดเหล่านี้บางส่วนโดยเฉพาะภาพวาดกลุ่มมีลักษณะเสียดสีเด่นชัด: ความโหดร้ายความโง่เขลาความเย่อหยิ่งไหวพริบไหวพริบไม่สังเกตเห็นความน่ารังเกียจของรูปลักษณ์ของพวกเขา สิ่งเหล่านี้เป็นลักษณะทางสังคมและจิตวิทยาที่ระมัดระวังและโหดเหี้ยมในยุคนั้นซึ่งเป็นใบหน้าของความชั่วร้ายทางสังคม ในบรรดาพวกเขามีภาพใบหน้าที่เย่อหยิ่งและน่ารังเกียจของ "คนที่น่านับถือ" "ครีมแห่งสังคม" มากมาย

อย่างไรก็ตาม การวางแนวโดยทั่วไปของ "การ์ตูนล้อเลียน" นั้นกว้างกว่า โดยทั่วไปแล้วจะเป็นไปตามแนวอุดมการณ์มนุษยนิยม แม้ว่าจะนำเสนอสิ่งใหม่โดยสิ้นเชิงก็ตาม คนเหล่านี้คือผู้คน แต่ราวกับเคยเห็นเป็นครั้งแรกไม่ใช่เพราะความงาม ความเข้มแข็ง และความสูงส่ง ไม่ สิ่งที่เราเห็นส่วนใหญ่เป็นใบหน้าที่น่าเกลียด ถูกกัดกินโดยชีวิต บิดเบี้ยวด้วยความโลภ ตัณหาในอำนาจ ไหวพริบ ความตะกละ ความอิจฉาริษยา และความชั่วร้ายอื่น ๆ ก่อนหน้าเลโอนาร์โด ภาพผู้คนดังกล่าวไม่มีอยู่ในศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา โดยธรรมชาติแล้ว มีใบหน้ามากมายที่เสียโฉมจากชีวิตรอบตัว แต่ดูเหมือนว่าศิลปินจะไม่สังเกตเห็นพวกเขา ศิลปะไม่ได้พยายามที่จะส่องสว่างบุคคลจากด้านเงานี้

มันเป็นการเปิดเผย หากไม่มีเขา เลโอนาร์โดคงไม่สามารถสร้าง Last Supper อันน่าทึ่งของเขาได้เลย ความหลากหลายและการแสดงออกโดยทั่วไปของใบหน้าของอัครสาวกและแน่นอนว่า ใบหน้าของยูดาส ไม่สามารถถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินที่ถูกจำกัดการจ้องมองด้วยม่านสีรุ้งแห่งมนุษยนิยมในยุคแรกๆ การศึกษาบางส่วนเกี่ยวกับจิตรกรรมฝาผนังนี้ที่มาถึงเราบ่งชี้ว่า Leonardo ได้เตรียมมันไว้ในการค้นหาสถานที่ที่ยาวนานและต่อเนื่อง

“พระกระยาหารมื้อสุดท้าย” สะท้อนให้เห็นถึงขั้นตอนใหม่ของวุฒิภาวะของจิตสำนึกเห็นอกเห็นใจของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง มันสร้างความประหลาดใจด้วยความหลากหลายของประเภท ตัวละคร และการเคลื่อนไหวทางอารมณ์ของผู้คน ซึ่งถ่ายทอดออกมาได้อย่างชัดเจนที่สุดโดยศิลปิน ที่นี่ก็มีหลายคนจมอยู่กับชีวิตเช่นกัน แต่นี่ไม่ใช่สิ่งสำคัญในภาพ ศูนย์กลางความหมายของมันเป็นอะไรที่มากกว่านั้น - การทรยศหักหลังอันเลวร้ายชัยชนะของความชั่วร้ายที่น่าขยะแขยง “การค้นพบ” โศกนาฏกรรมในชีวิต ความกล้าหาญที่จะพูดอย่างเปิดเผยคือความสำเร็จของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง ซึ่งเป็นหนึ่งในช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดที่มีอยู่ในขั้นตอนใหม่เชิงคุณภาพในการพัฒนามนุษยนิยมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและศิลปะมนุษยนิยม นี่คือหนึ่งในประเด็นพื้นฐานของสันปันน้ำระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนต้นและระดับสูง

ใน "The Last Supper" มีหุ่นที่สวยงามและสง่างาม แต่ก็มีคนหัวล้าน ไม่มีฟัน และมีรอยบุบด้วย และที่สำคัญไม่มีความเชื่อมั่นว่าตนถูกไม่มีความสามัคคี ความสามัคคีนั้นปรากฏชัดเท่านั้น มันสลายไปต่อหน้าต่อตาเรา ถัดจากผู้กล้าบางคนพร้อมลงมือ - เหนื่อย ขี้ขลาด เฉยเมย กังวลแต่เรื่องของตัวเอง ภาพปูนเปียกของเลโอนาร์โดเผยให้เห็นถึงความชั่วร้ายที่กำลังเดินด้อม ๆ มองๆ ไปทั่วโลก - เมื่อเผชิญกับการทรยศ แต่ก็ไม่น้อยไปกว่าเมื่อเผชิญกับสิ่งที่ชั่วร้ายกลืนกิน - ความเฉยเมยของมนุษย์

นั่นคือเหตุผลที่ "กระยาหารมื้อสุดท้าย" เป็นหนึ่งในเหตุการณ์สำคัญที่เป็นจุดเริ่มต้นของยุคใหม่ของวัฒนธรรมเรอเนซองส์ - ยุคเรอเนซองส์สูง ชีวิตได้แสดงให้เห็นว่ามนุษย์มีความซับซ้อนมากกว่าแผนการมองโลกในแง่ดีด้านเดียวซึ่งมีทั้งจริยธรรมและสุนทรียศาสตร์ของยุคเรอเนซองส์ตอนต้นเป็นพื้นฐาน เลโอนาร์โดเป็นคนแรกที่กล้ามองข้ามแผนการนี้ และในงานศิลปะของเขาแสดงให้เห็นอีกด้านหนึ่งของเหรียญ เผยให้เห็นความซับซ้อนที่ขัดแย้งกันทั้งหมดของมนุษย์ โดยไม่เมินด้านที่น่าขยะแขยงที่สุดของเขา

มุมมองเชิงวิพากษ์คือสิ่งที่แยกระหว่างยุคเรอเนซองส์สูงจากยุคต้นเป็นหลัก แต่ยุคเรอเนซองส์สูงไม่ได้หันไปสู่การเกลียดชังมนุษย์ เขาไม่สูญเสียศรัทธาในมนุษย์ซึ่งหล่อเลี้ยงศิลปะมนุษยนิยมตั้งแต่แรกเริ่ม ในทางตรงกันข้าม มีเพียงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงเท่านั้นที่สามารถรวบรวมอุดมคติมนุษยนิยมของมนุษย์ในงานศิลปะได้อย่างลึกซึ้งและแข็งแกร่ง เฉพาะในผลงานของผู้ทรงคุณวุฒิในยุคเรอเนซองส์สูงเท่านั้นที่บุคคลในอุดมคติดูซับซ้อน คลุมเครือ แต่ฉลาด ทรงพลัง และสวยงามอย่างที่ยุคเรอเนซองส์ตอนต้นทำได้แต่ฝันถึง ภาพที่ลึกซึ้งและซับซ้อนเชิงปรัชญาเช่น La Gioconda นั้นเกินความสามารถของงานศิลปะ Quattrocento

ไม่ว่าพวกเขาจะพูดอะไรเกี่ยวกับ "La Gioconda" ไม่ต้องสงสัยเลยว่าต่อหน้าเราคือผู้หญิงที่พิเศษและเป็นผู้หญิงที่สวย ไม่ ไม่ใช่ด้วยความน่ารักหรือความงามอันโดดเด่น (เลโอนาร์โดชอบที่จะหลีกเลี่ยงการพรรณนาใบหน้าเช่นนั้น และหากจำเป็น เขาก็มอบงานส่วนใหญ่ให้กับนักเรียนของเขา) และคุณไม่สามารถเรียกเธอว่ายังเด็กได้ แต่จะดีแค่ไหนมีภายในแค่ไหน! มีศักดิ์ศรีมากเพียงใดในศีรษะอันภาคภูมิ ความตระหนักรู้ในตนเองสูงส่งออกมาจากใบหน้านี้ หน้าผากสูงสว่างไสวมีเสน่ห์มีเสน่ห์มากเพียงใด ในดวงตาลึก ๆ เต็มไปด้วยสติปัญญาและความเข้าใจภายในมากเพียงใด อิสรภาพอยู่ในสายตา! ความสมบูรณ์อันน่าทึ่งของภาพ ปิดล้อมด้วยวงแหวนมือที่สวยงาม ทำให้เกิดความรู้สึกสมบูรณ์แบบสูงสุด ในศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก่อนหน้านี้ทั้งหมด ไม่มีใครสามารถค้นพบศูนย์รวมของอุดมคติมนุษยนิยมของมนุษย์ที่มีจิตวิญญาณเท่าเทียมกัน - สวยงาม ประเสริฐ และมั่งคั่งทางจิตวิญญาณ

เสน่ห์ดึงดูดใจของ La Gioconda เป็นข้อพิสูจน์ถึงความลึกล้ำของเธอ และเห็นได้ชัดว่าเธอมีความจงรักภักดีต่อชีวิต ซึ่งหมายความว่าความลึกลับของภาพบุคคลนี้ไม่ใช่เรื่องไกลตัว แต่เป็นสิ่งที่สำคัญบางอย่างซึ่งเป็นสิ่งที่ผู้คนต้องการ - ประวัติศาสตร์และมนุษย์ ไม่ต้องสงสัยเลยว่าใน "La Gioconda" มีศูนย์รวมสูงสุดของอุดมคติยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของบุคคลที่ชาญฉลาดภูมิใจและสมบูรณ์แบบ แต่ไม่เพียงเท่านั้น รอยยิ้มแปลก ๆ ของเธอทั้งน่าหลงใหลและขมขื่นยังพูดถึงความตั้งใจอื่นของศิลปินและสภาพจิตใจที่พิเศษของธรรมชาติ

ระหว่างปี ค.ศ. 1513 ถึง ค.ศ. 1516 Leonardo da Vinci สร้างภาพวาด "John the Baptist" ซึ่งได้รับชื่อเสียงมายาวนานว่าอาจเป็นผลงานที่ลึกลับที่สุดในบรรดาผลงานของเขาทั้งหมด

แน่นอนว่างานทั้งหมดของเลโอนาร์โดมีความลึกลับมากมาย เป็นที่ทราบกันดีว่าเขาเก็บบันทึกทั้งหมดของเขาไว้ในการเขียนกระจก และความคิดที่กล้าหาญที่สุดหลายข้อของเขาถูกแต่งแต้มให้เป็นนิทาน อุปมา และคำพยากรณ์ในรูปแบบอีสเปีย งานศิลปะของ Vincianza ยังโดดเด่นด้วยความร่ำรวยทางปัญญาที่โดดเด่น ผลงานของนักคิดศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดรายนี้เต็มไปด้วยเนื้อหาเชิงอุดมการณ์ "หลายชั้น" ที่ลึกซึ้งจนไม่สามารถถอดรหัสด้วยวิธีผิวเผินได้ ทำให้เกิดคำถามที่น่าสงสัยมากมาย และบางครั้งก็มีการตัดสินที่ตรงกันข้ามด้วยซ้ำ

และที่สำคัญที่สุดทั้งหมดนี้ใช้ได้กับ “ยอห์นผู้ให้บัพติศมา” บางทีในงานศิลปะทั้งหมดของยุคเรอเนซองส์คลาสสิก แทบจะไม่มีงานอื่นใดที่จะทำให้เกิดข้อโต้แย้งเช่นภาพวาดนี้ บางคนชื่นชมมัน บางคนคิดว่ามันอ่อนแอมากจนพวกเขาปฏิเสธที่จะยอมรับการประพันธ์ของเลโอนาร์โด บ้างก็ยกย่อง บ้างก็พร้อมที่จะสาปแช่ง

เห็นได้ชัดว่าภาพวาดนี้วาดตามคำสั่งของฝรั่งเศส ซึ่งมีแนวโน้มมากที่สุดคือพระเจ้าหลุยส์ที่ 12 เมื่อสิ้นสุดการปกครองของเขาในมิลาน ตัดสินโดยสำเนาและการเลียนแบบของศิลปินจำนวนมากและจากคำให้การส่วนบุคคลของผู้คนที่ไปเยี่ยมชมศาลฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 และ 17 ภาพวาดนี้สร้างความยินดีให้กับคนรุ่นเดียวกันและกษัตริย์ฝรั่งเศสก็ภาคภูมิใจที่ภาพวาดนี้เป็นหนึ่งในไข่มุกแห่งการสะสมของพวกเขา ศิลปินเองก็ภูมิใจในตัวเธอ

ในภาพวาด "ยอห์นผู้ให้บัพติศมา" มีความรู้สึกไม่ลงรอยกันอย่างกรีดร้อง เรียกร้องให้คิดเกี่ยวกับสิ่งต่าง ๆ ในสวรรค์และที่นั่นในความมืดมิดที่ไม่อาจเข้าถึงได้เพื่อแสวงหาความรอด นักเทศน์ผู้บำเพ็ญตบะตัวเต็มวัยเองก็ยังคงไม่ถูกรบกวนในโลกบาปนี้ และความไม่ลงรอยกันนี้สอดคล้องกับความคลุมเครือของรอยยิ้มแดกดันของเขาโดยสิ้นเชิง ทั้งหมดนี้ไม่สอดคล้องกับแนวคิดดั้งเดิมของยอห์นผู้ให้บัพติศมาซึ่งในศตวรรษที่ 17 ได้มีการตั้งชื่อภาพที่สองว่า "แบคคัส" (แม้จะมีภาพไม้กางเขนก็ตาม)

ซึ่งหมายความว่าแทบจะไม่สมเหตุสมผลเลยที่จะตำหนิศิลปินว่าไม่ยึดติดกับ "ความถูกต้องทางประวัติศาสตร์" ของภาพลักษณ์ของตัวละครในพันธสัญญาใหม่ไม่เพียงพอ มันจะถูกต้องมากกว่าที่จะสรุปว่าเบื้องหลังยอห์นคนนี้มีบางสิ่งซ่อนอยู่ซึ่งยิ่งใหญ่กว่าใบหน้าหนึ่งของเรื่องราวพระกิตติคุณอย่างไม่มีใครเทียบได้ซึ่งเบื้องหลังเขาเป็นปรากฏการณ์ทั้งหมดและทัศนคติบางอย่างของศิลปินที่มีต่อเขา ในการสร้างสรรค์ครั้งล่าสุดของเขา ศิลปินนักมนุษยนิยมได้เปิดโปงความหน้าซื่อใจคดของการเทศนาแบบนักพรต และกล่าวถึงสิ่งที่เขาคิดเกี่ยวกับคริสตจักรคาทอลิก

ด้วยภาพวาด "พินัยกรรม" สุดท้ายของเขาเช่นเดียวกับคอร์ดที่คมชัด Leonardo เสร็จสิ้นการต่อสู้ของมนุษยนิยมกับการบำเพ็ญตบะซึ่ง Boccaccio, Bruni, Poggio, Valla และโดยพื้นฐานแล้วศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทั้งหมดเริ่มต้นและยืดเยื้ออย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย

ราฟาเอล ซานติ

ราฟาเอล สันติ คว้ารางวัลสูงสุดตั้งแต่เนิ่นๆ สมเด็จพระสันตะปาปาทรงประสงค์จะมอบรางวัลอันทรงเกียรติแก่พระองค์อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนสำหรับจิตรกร และมีเพียงการสิ้นพระชนม์ก่อนวัยอันควรของพระองค์เท่านั้นที่ทำให้ราฟาเอลไม่สามารถเป็นพระคาร์ดินัลได้

เราพบลักษณะแรกของราฟาเอลในจดหมายจากน้องสาวของ Duke of Urbino ซึ่งเรียกศิลปินว่า - ตอนนั้นเขาอายุยี่สิบเอ็ดปี (1504) - "ชายหนุ่มที่สุภาพและอ่อนหวาน" ควรให้คำอธิบายบุคลิกภาพของเขาตามวาซารีเกือบทั้งหมด

วาซารีเขียนว่า “เพื่อให้เข้าใจ” วาซารีเขียน “วิธีที่สวรรค์สามารถแสดงตนว่าไร้ประโยชน์และมีเมตตา โดยวางความมั่งคั่งและความงดงามอันไม่มีที่สิ้นสุดไว้บนหัวข้างเดียว ซึ่งโดยปกติแล้วมันจะแจกจ่ายให้กับบุคคลหลายๆ คนเป็นเวลานาน เราจะต้อง ดูยอดเยี่ยมพอ ๆ กันกับราฟาเอลแห่งเออร์บิโนที่สวยงาม เขาได้รับพรสวรรค์โดยธรรมชาติด้วยความสุภาพเรียบร้อยและความมีน้ำใจที่บางครั้งสามารถสังเกตได้ในผู้คนที่สามารถเพิ่มความปรารถนาดีตามธรรมชาติด้วยเครื่องประดับที่สวยงามที่สุดของความสุภาพที่มีเสน่ห์ซึ่งแสดงออกในทุกสิ่งและภายใต้ทุกสถานการณ์ที่อ่อนหวานและเท่าเทียมกัน เพลิดเพลิน. ธรรมชาติมอบของขวัญชิ้นนี้ให้กับโลก เมื่อถูกพิชิตโดยศิลปะของ Michelangelo Buonarroti แล้ว เธอต้องการที่จะพิชิตในเวลาเดียวกันด้วยงานศิลปะและมารยาทของราฟาเอล” ในราฟาเอล วาซารีเป็นพยานว่า “คุณสมบัติทางจิตวิญญาณที่หายากที่สุดได้ฉายออกมา ซึ่งรวมเอาความสง่างาม การทำงานหนัก ความงาม ความสุภาพเรียบร้อย และศีลธรรมอันดีเข้าด้วยกันจนเพียงพอที่จะแก้ตัวต่อความชั่วร้ายทั้งหมด ไม่ว่าพวกเขาจะน่าละอายเพียงใดก็ตาม ดังนั้น จึงยืนยันได้ว่าผู้ที่ได้รับพรสวรรค์อย่างมีความสุขอย่างราฟาเอลแห่งเออร์บิโนนั้นไม่ใช่มนุษย์ แต่เป็นเทพเจ้าแห่งมนุษย์ หากมีใครแสดงออกมาได้เช่นนั้น... ตลอดชีวิตของเขา เขาไม่เคยหยุดที่จะเป็นตัวอย่างที่ดีที่สุดของวิธีที่เราควรปฏิบัติต่อ ตัวเราเท่าเทียมกันและกับคนที่อยู่เบื้องบนและล่างเรา ในบรรดาคุณสมบัติที่หายากทั้งหมดของเขา มีสิ่งหนึ่งที่ทำให้ฉันประหลาดใจ: สวรรค์ได้มอบความสามารถในการประพฤติที่แตกต่างจากที่เป็นธรรมเนียมในหมู่ศิลปินที่เป็นพี่น้องกันของเรา ข้อตกลงดังกล่าวเกิดขึ้นระหว่างศิลปินทุกคนที่ทำงานภายใต้การนำของราฟาเอลว่าความคิดชั่วร้ายทุกอย่างหายไปเมื่อเห็นเขาและข้อตกลงดังกล่าวมีอยู่กับเขาเท่านั้น นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าพวกเขาทุกคนรู้สึกถึงความเหนือกว่าของตัวละครและพรสวรรค์ที่น่ารักของเขา แต่สาเหตุหลักมาจากธรรมชาติที่ยอดเยี่ยมของเขา เอาใจใส่อยู่เสมอและมีน้ำใจอย่างไม่สิ้นสุดในความโปรดปรานที่ผู้คนและสัตว์รู้สึกรักเขา... เขามีอยู่เสมอ นักเรียนหลายคนที่เขาช่วยเหลือและนำทางด้วยความรักแบบพ่อล้วนๆ ดังนั้นเมื่อขึ้นศาลจึงมักถูกรายล้อมไปด้วยศิลปิน 50 คน ล้วนแต่เป็นคนดีและกล้าหาญที่คอยตั้งคณะเพื่อเป็นเกียรติแก่เขา โดยพื้นฐานแล้ว เขาไม่ได้ใช้ชีวิตในฐานะศิลปิน แต่ใช้ชีวิตในฐานะเจ้าชาย”

แน่นอนว่าไม่มีใครสามารถถือว่าทัศนคติของคนรุ่นเดียวกันของเขากับอัจฉริยะของราฟาเอลเพียงอย่างเดียวได้ เห็นได้ชัดว่าธรรมชาติของความคิดสร้างสรรค์ของราฟาเอลและในขณะเดียวกันบุคลิกของเขาก็รวมทุกสิ่งที่ถือว่าสมบูรณ์แบบเข้าด้วยกัน ดังนั้นเขาจึงอยู่ใกล้และเข้าใจได้สำหรับทุกคน และดูเหมือนจะเป็นศูนย์รวมของคุณธรรมทั้งหมดของมนุษย์

ราฟาเอลเป็นนักเรียนของ Perugino และในวัยเยาว์ในฐานะศิลปิน เขามีความคล้ายคลึงกับครูของเขา อย่างไรก็ตาม แม้จะเป็นงานแรกสุดของเขา สไตล์ที่แตกต่างของศิลปินก็ยังเห็นได้ชัดเจน

ในหอศิลป์แห่งชาติของลอนดอนแขวนภาพวาดอันมีเสน่ห์ของเขา "A Knight's Dream" ซึ่งวาดในปี 1500 เช่น เมื่อราฟาเอลอายุเพียงสิบเจ็ดปี อัศวินซึ่งเป็นชายหนุ่มช่างฝันถูกแสดงโดยมีฉากหลังเป็นทิวทัศน์ที่สวยงาม เขาเต็มไปด้วยความสง่างามบางทีอาจยังไม่กล้าหาญพอ แต่เมื่อรวมกับความสมดุลภายในและความอุ่นใจแล้ว

ความสมดุลภายในนี้ส่องสว่างให้กับ Hermitage Madonna Conestabile อันโด่งดัง ซึ่งทาสีในอีกหนึ่งหรือสองปีต่อมา (ตั้งชื่อตามเจ้าของเดิม) ไม่มีภาพใดที่ไพเราะไปกว่าโคลงสั้น ๆ รวมถึงโครงสร้างภายในที่แข็งแกร่งกว่า ช่างเป็นความกลมกลืนในการจ้องมองของมาดอนน่า การเอียงศีรษะของเธอ และในต้นไม้ทุกต้นในภูมิประเทศ ในทุกรายละเอียดและองค์ประกอบโดยรวม!

ภาพเหมือนตนเองของราฟาเอลซึ่งวาดในปี 1506 (ฟลอเรนซ์, อุฟฟิซี) เมื่ออายุยี่สิบสามปี ย้อนกลับไปในสมัยฟลอเรนซ์ในผลงานของราฟาเอล ศีรษะและไหล่ของเขามีเส้นขอบที่ชัดเจนบนพื้นหลังเรียบ โครงร่างบางผิดปกติและเป็นคลื่นเล็กน้อย (ในฟลอเรนซ์ ราฟาเอลได้เข้าร่วมการค้นพบภาพวาดของเลโอนาร์โดแล้ว) รูปลักษณ์มีความคิดและชวนฝัน ราฟาเอลดูเหมือนจะมองโลกและตื้นตันใจกับความสามัคคีของมัน แต่ศิลปินยังคงขี้อาย อ่อนเยาว์ และความอ่อนโยนแผ่ซ่านไปทั่วใบหน้า อย่างไรก็ตาม ด้วยความไม่แน่นอนและความอ่อนล้าของเขา ทำให้จิตใจสงบขึ้นได้ ริมฝีปากล่างที่ยื่นออกมาอย่างแหลมคม เส้นปาก โค้งอย่างสวยงามและกระฉับกระเฉง และคางรูปวงรีทรยศต่อความมุ่งมั่นและอำนาจ

และเมื่อพิจารณาถึงภาพเหมือนตนเองของเขาแล้ว เราจะไม่เห็นด้วยกับนักเขียนชาวอิตาลี Dolce ซึ่งเป็นเด็กร่วมสมัยของเขาที่กล่าวว่าราฟาเอลชอบความสวยงามและความอ่อนโยนของรูปแบบ เพราะตัวเขาเองมีความสง่างามและเป็นมิตร ปรากฏต่อทุกคนว่ามีเสน่ห์พอ ๆ กับ ตัวเลขที่เขาพรรณนา

ในช่วงปีเดียวกันนั้น เขาเขียนเรื่อง "Madonna in Greenery", "Madonna with the Goldfinch", "The Beautiful Gardener" ซึ่งโดดเด่นด้วยภารกิจการเรียบเรียงใหม่ที่ซับซ้อนยิ่งขึ้นและทักษะระดับสูง ซึ่งมาจากประเพณีการวาดภาพที่ชัดเจนของโรงเรียนฟลอเรนซ์

นอกเหนือจากฟลอเรนซ์ก็คือโรม ในกรุงโรม งานศิลปะของราฟาเอลถึงจุดสูงสุด

อย่างไรก็ตาม การผสมผสานจิตวิญญาณแห่งอิสรภาพและความคิดที่สมบูรณ์และเป็นธรรมชาติที่สุดนั้นถูกรวบรวมโดยราฟาเอลในภาพปูนเปียก "The School of Athens" (1508-1511) บนขั้นบันไดของอาคารโบราณอันงดงามภายใต้ร่มเงาของรูปปั้นของเทพเจ้าที่สร้างสรรค์ที่สุดในสมัยโบราณ - อพอลโลและมิเนอร์วานักปราชญ์ที่มีชื่อเสียงในสมัยโบราณ - นักปรัชญานักคณิตศาสตร์นักจักรวาลวิทยา - รวมตัวกัน ตรงกลางการพบปะเคียงบ่าเคียงไหล่คือผู้ทรงคุณวุฒิของสองทิศทางหลักของความคิดเชิงปรัชญา - เพลโตและอริสโตเติล เพลโตผมหงอกยกมือชี้ขึ้นไปบนฟ้า: มีความจริง; ในทางกลับกัน อริสโตเติลที่อายุน้อยกว่ามากหันฝ่ามือที่เปิดออกไปทางพื้นด้วยท่าทางที่มีพลัง: ไม่ ความจริงอยู่ที่นี่ ทางด้านขวาและด้านซ้ายของบิดาแห่งปัญญาทั้งสองนี้คือลูกศิษย์และผู้สนับสนุนของพวกเขา บางคนฟังอย่างตั้งใจ บางคนคิดอย่างตั้งใจ บางคนรีบจดบันทึก บางคนไม่ปิดบังความสงสัย โต้เถียงอย่างดุเดือด โบกมืออย่างกระฉับกระเฉง และคนเหล่านั้นไม่รีบร้อนที่จะไม่สายสำหรับการอภิปรายทางวิทยาศาสตร์ แต่ละแวดวงดูเหมือนจะโดดเดี่ยว แต่พวกเขาก็ทำงานหนักทุกที่ ที่มุมขวาของภาพกลุ่มคนหนุ่มสาวที่แสดงออกโดยเฉพาะอย่างยิ่งซึ่งรวมตัวกันอยู่รอบ ๆ นักวิทยาศาสตร์ผู้มีชื่อเสียง (Archimedes? Euclid?) ก้มลงเหนือภาพวาดบางส่วน พวกเขาถูกสร้างขึ้นมาอย่างแข็งแรง ท่าทางและท่าทางของพวกเขาเต็มไปด้วยความสนใจอย่างเร่าร้อน ใบหน้าของพวกเขาเปล่งประกายด้วยความกระหายความรู้ พวกเขาพยายามเข้าใจและมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการแก้ปัญหาที่ยากลำบาก

และ - ไม่มีการบังคับ ในการเคลื่อนไหวของพวกเขา ด้วยความอยากรู้อยากเห็นที่มีชีวิตชีวา ทำให้เกิดความผ่อนคลายตามธรรมชาติ (และในเวลาเดียวกันก็สง่างาม) ภาพทั้งหมดเคลื่อนไหวและใช้ชีวิตอย่างอิสระ ทุกอิริยาบถ และทุกอิริยาบถ ตั้งแต่ความกระตือรือร้นไปจนถึงความสงสัยและการปฏิเสธ ผู้ชมไม่ต้องสงสัยเลย ไม่ว่านักปราชญ์เหล่านี้จะมีความขัดแย้งกันอย่างไร เราก็มีชุมชนจิตใจที่ยิ่งใหญ่ที่แสวงหาความจริงต่อหน้าเรา

เพื่อชื่นชมความแข็งแกร่งและความลึกของการสร้างสรรค์นี้คุณต้องพิจารณาว่าศิลปินได้รับมอบหมายงานที่ยากลำบากอย่างไม่น่าเชื่อ - เพื่อพรรณนาถึงปรัชญา (นี่คือชื่อดั้งเดิมของจิตรกรรมฝาผนัง) ราฟาเอลแก้ไขปัญหานี้อย่างชาญฉลาดและสมบูรณ์ด้วยจิตวิญญาณของยุคเรอเนซองส์สูง บางทีอาจจะไม่มีงานอื่นใดในศิลปะเรอเนซองส์ที่แยกและส่วนรวม บุคคลและส่วนรวม ผสานและแสดงออกมาด้วยความเชื่อมั่นทางศิลปะดังกล่าวด้วยความกลมกลืนอันทรงพลังเช่นนี้

“The School of Athens” อาจเป็นการสร้างสรรค์ทางศิลปะแบบโปรแกรมมากที่สุดของลัทธิมนุษยนิยมยุคเรอเนซองส์ แต่เหนือสิ่งอื่นใด มันเป็นเพลงสรรเสริญอิสรภาพและพลังแห่งความคิดของมนุษย์ ซึ่งเป็นความเวิ้งว้างของการบินของจิตใจที่เป็นอิสระและมีความรู้ความเข้าใจ ในภาพปูนเปียกของราฟาเอล ความคิดถูกนำเสนอว่าเป็นศูนย์รวมสูงสุดของเสรีภาพและศักดิ์ศรีของมนุษย์

แต่เจตจำนงต่อเสรีภาพในยุคเรอเนซองส์ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงเสรีภาพในความรู้และกิจกรรมทางปัญญา ความคิดเห็นอกเห็นใจของโลกในฐานะขอบเขตของการตระหนักถึงศักยภาพของมนุษย์ทั้งหมดจำเป็นต้องรวมถึงการปลดปล่อยขอบเขตทางอารมณ์เสรีภาพของความรู้สึกของมนุษย์ อาจกล่าวได้ว่าความสุขอันน่ายินดีของการรับรู้ทางประสาทสัมผัสของโลกโดยตรง - เมื่อรวมเข้ากับมันแล้ว ชัยชนะของความรักที่มีความสุข ภาพเปลือยที่สวยงามในอกของธรรมชาติที่ไร้ขอบเขตและสดใส แสดงออกอย่างทรงพลังที่สุดโดยราฟาเอลคนเดียวกันในภาพปูนเปียก " ชัยชนะแห่งกาลาเทีย” (1513)

ทุกสิ่งที่นี่หายใจได้อย่างอิสระ - ทั้งความเปลือยเปล่าและการเคลื่อนไหวที่รุนแรงที่กลืนกินทุกคน - Nereids, นิวท์, คิวปิด, โลมา ใบหน้าและดวงตากลมโตของกาลาเทียเปล่งประกายด้วยความสุขและความตั้งใจ ลมพัดพัดผมของเธอ เขาคว้าขอบด้านบนของลานสวนสนามของเธอ แล้วเฆี่ยนมันขึ้น คลี่ออกเหมือนธง การเคลื่อนไหวที่โดดเด่นนี้สะท้อนให้เห็นโดยเส้นผมของ Nereid อีกอันที่กระพือไปในทิศทางเดียวกันในพื้นหลังทางด้านขวา และผ้าพันคอไหมสีทองโค้งของนางไม้ที่อยู่เบื้องหน้าทางด้านซ้าย แต่ข้อความสำคัญที่สำคัญยังคงอยู่ที่ขอบของเสื้อคลุมสีม่วงของกาลาเทียที่ถูกเหวี่ยงกลับไปด้วยแรงกระตุ้นของพายุ ซึ่งปลิวไสวเหนือศีรษะของร่างทางด้านซ้าย สิ่งนี้ทำให้การเคลื่อนไหวทั้งหมดของกลุ่มมีลักษณะของการบินฟรีที่ทำให้มึนเมา การหายใจขยายออก เรารู้สึกถึง “ความสุขอันไร้ขอบเขตของโลก”

โดยปกติจะสังเกตได้ว่าในภาพปูนเปียกนี้ราฟาเอลไม่เหมือนใครสามารถเข้าใจและแสดงออกถึงโลกทัศน์ "นอกรีต" ในสมัยโบราณซึ่งเต็มไปด้วยความสุขทางราคะของการเป็น นี่เป็นเรื่องจริงโดยทั่วไป แต่แทบจะไม่มีที่ใดในศิลปะสมัยโบราณที่ใครๆ ก็สามารถค้นพบพลวัตมากมายขนาดนี้ ไม่ใช่ความมึนเมาของบัคคานาเลีย แต่คือความกระหายที่ดีต่อสุขภาพเพื่ออิสรภาพและความสุข นี่เป็นมากกว่าการทำความคุ้นเคยกับจิตวิญญาณแห่งยุคโบราณ แต่เป็นศูนย์รวมของจิตวิญญาณอันเปี่ยมล้นแห่งยุคเรอเนซองส์ ภาพนี้เป็นการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดของการรับรู้ที่เสรี สนุกสนาน และตื่นตระหนกของโลกที่มีอยู่ในลัทธิมนุษยนิยมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

โลกสวย โลกดินของเรา! นี่คือสโลแกนของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทั้งหมด มนุษย์ได้ค้นพบและลิ้มรสความงามของโลกที่มองเห็นได้ และเขาชื่นชมว่ามันเป็นปรากฏการณ์ที่งดงามที่สุด สร้างขึ้นเพื่อความเบิกบานทางดวงตา เพื่อความเบิกบานทางจิตวิญญาณ ตัวเขาเองเป็นส่วนหนึ่งของโลกนี้ และด้วยเหตุนี้เขาจึงชื่นชมตัวเองในโลกนี้ ความสุขของการใคร่ครวญความงามทางโลกคือความสุขที่ให้ชีวิตและใจดี งานของศิลปินคือการเปิดเผยความกลมกลืนของโลกให้ชัดเจนมากขึ้นเรื่อยๆ และด้วยเหตุนี้จึงเอาชนะความสับสนวุ่นวาย ยืนยันลำดับที่สูงกว่าที่แน่นอน ซึ่งเป็นพื้นฐานที่วัดได้ ซึ่งเป็นความจำเป็นภายในที่ก่อให้เกิดความงาม

ในโบสถ์ยุคกลาง ภาพวาด โมเสก หรือหน้าต่างกระจกสีดูเหมือนจะผสานเข้ากับสถาปัตยกรรม ทำให้เกิดภาพรวมที่น่าจะทำให้เกิดอารมณ์เคร่งขรึมในตัวผู้สักการะ ในโบสถ์โรมาเนสก์หรือกอทิก บางครั้งผู้คนในยุคกลางไม่รู้ว่าด้านหน้าพวกเขาไม่เพียงแต่เป็นสัญลักษณ์เท่านั้น ภาพทั่วไปที่เชิดชูอุดมคติแห่งศรัทธาของพวกเขา แต่ยังรวมถึงงานศิลปะด้วย ดูเหมือนว่าภาพวาดของวิหารจะไม่ใช่ผลงานสร้างสรรค์ที่เป็นอิสระสำหรับพวกเขา เป็นการดีที่ได้ดูในขณะที่คณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์กำลังร้องเพลง ซึ่งเหมือนกับห้องใต้ดินของวิหารที่มีส่วนโค้งสูง ได้นำจินตนาการของพวกเขามาสู่โลก ความฝัน ความหวังอันปลอบโยน หรือความกลัวเรื่องโชคลาง ดังนั้นพวกเขาไม่ได้มองหาภาพลวงตาของความเป็นจริงในภาพนี้

ภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาจ่าหน้าถึงผู้ชม นิมิตอันแสนวิเศษปรากฏต่อหน้าต่อตาเขา ภาพที่พรรณนาถึงโลกที่ความสามัคคีปรองดอง ผู้คน ทิวทัศน์ และวัตถุต่างๆ บนสิ่งเหล่านั้นเหมือนกับที่เขาเห็นรอบๆ ตัวเขา แต่จะสว่างกว่าและแสดงออกได้มากกว่า ภาพลวงตาของความเป็นจริงนั้นสมบูรณ์ แต่ความเป็นจริงถูกเปลี่ยนแปลงไปโดยแรงบันดาลใจของศิลปิน และผู้ชมชื่นชมเธอชื่นชมศีรษะของเด็กที่มีเสน่ห์และศีรษะแก่ที่เข้มงวดไม่แพ้กันซึ่งอาจจะไม่น่าดึงดูดในชีวิตเลย บนผนังพระราชวังและมหาวิหารจิตรกรรมฝาผนังมักจะถูกวาดที่ระดับความสูงของสายตามนุษย์และในองค์ประกอบภาพร่างบางร่าง "มอง" ที่ผู้ชมโดยตรงเพื่อที่เขาจะได้ "สื่อสาร" กับคนอื่น ๆ ทั้งหมดผ่านมัน

ราฟาเอลเสร็จแล้ว งานศิลปะทั้งหมดของเขามีความกลมกลืนกันอย่างมากและเหตุผลสูงสุดก็รวมเข้ากับความใจบุญสุนทานและความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณในตัวเขา ศิลปะของเขาที่สนุกสนานและมีความสุข แสดงออกถึงความพึงพอใจทางศีลธรรม การยอมรับชีวิตในทุกความบริบูรณ์และแม้กระทั่งความหายนะ ต่างจากเลโอนาร์โดตรงที่ราฟาเอลไม่ทรมานเราด้วยความลับของเขาไม่ครอบงำเราด้วยความรอบรู้ของเขา แต่เชิญชวนให้เราเพลิดเพลินไปกับความงามทางโลกร่วมกับเขาด้วยความรัก ในช่วงชีวิตอันแสนสั้นของเขา เขาสามารถแสดงออกมาเป็นภาพวาดได้ อาจเป็นทุกอย่างที่เขาทำได้ นั่นคือ อาณาจักรแห่งความสามัคคี ความงดงาม และความดีที่สมบูรณ์

ในโรม อัจฉริยะของราฟาเอลเบ่งบานเต็มที่ในโรม ซึ่งในเวลานั้นความฝันในการสร้างรัฐที่ทรงอำนาจได้เกิดขึ้น และที่ซึ่งซากปรักหักพังของโคลอสเซียม ซุ้มประตูชัย และรูปปั้นของซีซาร์ทำให้นึกถึงความยิ่งใหญ่ของอาณาจักรโบราณ ความขี้อายและความเป็นผู้หญิงในวัยเยาว์หายไป มหากาพย์มีชัยเหนือบทกวี และศิลปะอันกล้าหาญของราฟาเอลซึ่งไร้คู่แข่งในความสมบูรณ์แบบได้ถือกำเนิดขึ้น

“ราฟาเอลตระหนักดี” วาซารีเขียน “ว่าในทางกายวิภาคศาสตร์เขาไม่สามารถมีความเหนือกว่ามิเกลันเจโลได้ ในฐานะชายผู้มีความเฉลียวฉลาด เขาตระหนักว่าการวาดภาพไม่ได้ประกอบด้วยเพียงการวาดภาพร่างกายที่เปลือยเปล่าเท่านั้น แต่ยังมีขอบเขตที่กว้างกว่า... เนื่องจากไม่สามารถเทียบเคียงมิเกลันเจโลได้ในพื้นที่นี้ ราฟาเอลจึงพยายามเทียบเคียงเขา และบางทีอาจเหนือกว่าเขาด้วยซ้ำ ในอีกทางหนึ่ง”

ราฟาเอลซึ่งแตกต่างจากเลโอนาร์โดและมิเกลันเจโลไม่ได้สับสนกับคนรุ่นเดียวกันกับความกล้าหาญในภารกิจของเขา: เขาพยายามอย่างหนักเพื่อการสังเคราะห์ที่สูงขึ้นเพื่อความสมบูรณ์ของทุกสิ่งที่ประสบความสำเร็จต่อหน้าเขาและการสังเคราะห์นี้ถูกค้นพบและรวบรวมโดยเขา

มาดอนน่าแห่งฟลอเรนซ์ของราฟาเอลมีความสวยงาม มีเสน่ห์ และน่าหลงใหลสำหรับคุณแม่ยังสาว มาดอนน่าที่สร้างโดยเขาในโรมเช่น ในช่วงที่วุฒิภาวะทางศิลปะเต็มที่ พวกเขาจะได้รับคุณสมบัติอื่น ๆ เหล่านี้เป็นเมียน้อยเทพีแห่งความดีและความงามมีอำนาจในความเป็นผู้หญิงทำให้โลกสูงส่งทำให้จิตใจมนุษย์อ่อนลง “มาดอนน่าในเก้าอี้นวม”, “มาดอนน่ากับปลา”, “มาดอนน่าเดลโฟลิกโน” และมาดอนน่าที่มีชื่อเสียงระดับโลกอื่น ๆ (จารึกไว้ในวงกลมหรือครองราชย์ด้วยความรุ่งโรจน์เหนือร่างอื่น ๆ ในองค์ประกอบแท่นบูชาขนาดใหญ่) ถือเป็นภารกิจใหม่ของราฟาเอล เส้นทางสู่ ความสมบูรณ์แบบในรูปลักษณ์ที่สมบูรณ์แบบของพระมารดาของพระเจ้า

ความเหมือนกันของภาพผู้หญิงบางประเภทในสมัยโรมันของราฟาเอลทำให้เกิดข้อสันนิษฐานว่าผู้หญิงคนเดียวกันซึ่งเป็นที่รักของเขาซึ่งมีชื่อเล่นว่า "ฟอร์นารินา" ซึ่งแปลว่าคนทำขนมปังทำหน้าที่เป็นนางแบบให้กับศิลปิน หญิงชาวโรมันผู้มีรูปร่างหน้าตาสง่างามและชัดเจน ผู้ได้รับความรักจากจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ เป็นลูกสาวของคนทำขนมปัง บางทีภาพลักษณ์ของเธออาจเป็นแรงบันดาลใจให้ราฟาเอล แต่เห็นได้ชัดว่าเขาไม่ใช่คนเดียว เพราะเราอ่านในจดหมายของราฟาเอลว่า “ฉันจะบอกคุณว่าการจะวาดภาพความงามได้นั้นฉันต้องเห็นความงามหลายอย่าง... แต่เนื่องจากขาดทั้งผู้พิพากษาที่ดีและผู้หญิงที่สวย ฉันเลยใช้ความคิดบางอย่างว่า มาถึงใจฉัน ฉันไม่รู้ว่ามันมีความสมบูรณ์แบบหรือเปล่า แต่ฉันพยายามอย่างหนักเพื่อให้บรรลุเป้าหมาย”

เรามาดูแนวคิดนี้ที่ผุดขึ้นมาในจิตใจของราฟาเอล ซึ่งเป็นแนวคิดที่เขาบ่มเพาะมาเป็นเวลานานก่อนที่จะตระหนักรู้ในเชิงศิลปะอย่างเต็มที่

พระแม่มารีซิสตีน (ตั้งชื่อตามอารามซึ่งมีการวาดภาพแท่นบูชานี้) เป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของราฟาเอล และอาจเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดเท่าที่เคยมีมา

แมรี่เดินบนก้อนเมฆอุ้มลูกของเธอ ความรุ่งโรจน์ของเธอไม่ได้ถูกเน้นด้วยสิ่งใดเลย เท้าเปล่า. แต่ในฐานะราชินี สมเด็จพระสันตะปาปาซิกตัส ทรงเครื่องนุ่งห่ม ทรงทักทายเธอด้วยการคุกเข่าลง นักบุญบาร์บาราหรี่ตาลงด้วยความเคารพ และทูตสวรรค์สององค์ก็เงยหน้าขึ้นมองอย่างฝันและครุ่นคิด

เธอไปหาผู้คนที่อายุน้อยและสง่างามโดยซ่อนบางสิ่งที่น่าตกใจไว้ในจิตวิญญาณของเธอ ลมทำให้เส้นผมของเด็กสั่น และดวงตาของเขามองดูเรา ในโลกที่มีพลังอันยิ่งใหญ่และแสงสว่างเช่นนั้น ราวกับว่าเขาเห็นชะตากรรมของเขาและชะตากรรมของมนุษย์ทั้งมวล

นี่ไม่ใช่ความจริง แต่เป็นปรากฏการณ์ ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ศิลปินเองก็ดึงม่านอันหนักหน่วงออกมาต่อหน้าผู้ชมในภาพ ปรากฏการณ์ที่เปลี่ยนแปลงความเป็นจริงด้วยความยิ่งใหญ่ของสรรพสิ่ง ภูมิปัญญา และความงาม ปรากฏการณ์ที่ยกระดับจิตวิญญาณด้วยความกลมกลืนอันสมบูรณ์แบบ พิชิตและทำให้เราสูงส่ง เป็นปรากฏการณ์ที่อิตาลีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงปรารถนาและพบในความฝันในที่สุด โลกที่ดีกว่า

และมีคำพูดที่สวยงามและเป็นจริงกี่คำที่กล่าวกันมานานแล้วทั่วโลกและโดยเฉพาะในรัสเซีย จริงๆ แล้วในศตวรรษที่ผ่านมา นักเขียนและศิลปินชาวรัสเซียได้เดินทางไปแสวงบุญที่เมืองเดรสเดนเพื่อเยี่ยมชม "Sistine Madonna" เรามาฟังความคิดเห็นของพวกเขาเกี่ยวกับหญิงสาวที่กำลังอุ้มทารกด้วยรูปลักษณ์ที่ดูเด็กและน่าทึ่ง เกี่ยวกับศิลปะของราฟาเอล และสิ่งที่เขาต้องการจะแสดงในภาพเหล่านี้

Zhukovsky: “ ต่อหน้าต่อตาคุณคือผืนผ้าใบ บนนั้นมีใบหน้าที่มีลักษณะต่างๆ และทุกสิ่งก็คับแคบในพื้นที่ขนาดเล็ก และถึงอย่างนั้น ทุกอย่างก็ใหญ่โต ทุกอย่างก็ไร้ขีดจำกัด... ม่านก็แยกออก และ ความลับแห่งสวรรค์ถูกเปิดเผยต่อสายตามนุษย์... ในพระมารดาของพระเจ้าเสด็จข้ามสวรรค์ไม่มีการเคลื่อนไหวใด ๆ ที่เห็นได้ชัดเจน แต่ยิ่งมองก็ยิ่งดูเหมือนใกล้เข้ามา”

Bryullov: “ยิ่งคุณมองมากเท่าไร คุณก็ยิ่งรู้สึกถึงความไม่เข้าใจของความงามเหล่านี้มากขึ้นเท่านั้น ทุกคุณลักษณะได้รับการคิดออกมา เปี่ยมล้นด้วยการแสดงออกถึงความสง่างาม ผสมผสานกับสไตล์ที่เข้มงวดที่สุด...”

เบลินสกี้: “ ในสายตาของเธอมีบางอย่างที่เข้มงวดและยับยั้งชั่งใจไม่มีความสง่างามและความเมตตา แต่ไม่มีความหยิ่งยโสดูถูกและแทนที่จะมีทั้งหมดนี้ กลับมีท่าทีโอ่อ่าบางอย่างที่ไม่ลืมความยิ่งใหญ่ของมัน”

Herzen: “โลกภายในของเธอถูกทำลาย เธอมั่นใจว่าลูกชายของเธอเป็นพระบุตรของพระเจ้า เธอเป็นพระมารดาของพระเจ้า เธอมองด้วยความกระตือรือร้นประหม่าโดยมีญาณทิพย์ของมารดาราวกับว่าเธอกำลังพูดว่า: "พาเขาไปเขาไม่ใช่ของฉัน" แต่ในขณะเดียวกันเธอก็กดดันเขาให้เข้ามาหาเธอเพื่อถ้าเป็นไปได้เธอก็จะหนีไปกับเขาที่ไหนสักแห่งในระยะไกลและจะกอดรัดและให้นมลูกไม่ใช่ผู้กอบกู้โลก แต่เป็นลูกชายของเธอ”

ดอสโตเยฟสกีมองเห็นใน "The Sistine Madonna" ซึ่งเป็นตัวชี้วัดที่สูงที่สุดของความสูงส่งของมนุษย์ ซึ่งเป็นการแสดงความเป็นอัจฉริยะสูงสุดของมารดา เธอสืบพันธุ์ขนาดใหญ่ครึ่งความยาวแขวนอยู่ในห้องของเขาซึ่งเขาเสียชีวิต

ดังนั้น ความงามอันไม่เสื่อมคลายของงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่อย่างแท้จริงจึงสร้างแรงบันดาลใจให้กับผู้มีพรสวรรค์และจิตใจที่ดีที่สุดในศตวรรษต่อๆ มา...

พระแม่มารีซิสทีนเป็นศูนย์รวมของอุดมคติแห่งความงามและความดีงามที่สร้างแรงบันดาลใจอย่างคลุมเครือให้กับจิตสำนึกของประชาชนในยุคของราฟาเอล และที่ราฟาเอลแสดงออกมาจนถึงตอนจบ โดยแยกม่านที่แยกชีวิตประจำวันออกจากความฝันที่ได้รับการดลใจ และแสดงอุดมคตินี้แก่ชาวโลก แก่เราทุกคนและผู้ที่จะมาภายหลังเรา

ราฟาเอลไม่เพียงแต่เป็นปรมาจารย์ด้านองค์ประกอบที่สร้างขึ้นอย่างสมบูรณ์แบบเท่านั้น สีของภาพวาดของเขาที่สดใสและในเวลาเดียวกันก็โปร่งใสและสว่างผสมผสานกับภาพวาดที่ชัดเจนอย่างน่าอัศจรรย์

จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ทิ้งร่องรอยไว้ในงานประติมากรรม ในบรรดาลูกศิษย์ของเขาคือประติมากร Lorenzo Lorenzetti จากภาพร่างและภายใต้การแนะนำของครูผู้ยิ่งใหญ่ของเขา เขาได้สร้างประติมากรรมหลายชิ้นสำเร็จ ซึ่งมีเพียงชิ้นเดียวเท่านั้นที่มาถึงเรา - "Dead Boy on a Dolphin" มันรวบรวมความงามในอุดมคติของราฟาเอล จังหวะและความกลมกลืนของหินอ่อนไว้ในหินอ่อน: ไม่มีความน่ากลัวของความตาย ดูเหมือนว่าเด็กกำลังหลับอย่างสงบ

ราฟาเอล! พระองค์สิ้นพระชนม์อย่างบานสะพรั่ง เมื่อถึงจุดสูงสุดแห่งความรุ่งโรจน์ - มีอายุสามสิบเจ็ดปี

มิเชลแองเจโล บูโอนาโรติ

ไมเคิลแองเจโลเกิดในปี 1475 และเสียชีวิตในปี 1564 โดยมีอายุยืนยาวกว่าเลโอนาร์โดและราฟาเอลถึงสี่ทศวรรษครึ่งและทิ้งไว้ข้างหลังยุคที่ยิ่งใหญ่ของลัทธิมนุษยนิยมและเสรีภาพแห่งจิตวิญญาณไปไกล อุดมคติอันน่าภาคภูมิใจเหล่านี้ไม่เคยเกิดขึ้นจริงในชีวิตสาธารณะของอิตาลีมาก่อน แต่ได้รับการสั่งสอนโดยนักปรัชญา กวี และศิลปิน และได้รับอนุมัติจากผู้ปกครองผู้รู้แจ้งที่สุด เวลาที่ต่างกันมาถึงแล้ว ในช่วงทศวรรษสุดท้ายของชีวิต มีเกลันเจโลได้เห็นว่าอุดมคติเหล่านี้ถูกเหยียบย่ำอย่างร้ายแรง และปฏิกิริยาของนักบวชและศักดินาได้รับชัยชนะ

Michelangelo Buonarroti เป็นทายาทของตระกูลขุนนางเก่าแก่แต่ยากจน เป็นผู้รักชาติและพรรคเดโมแครต ต่างจากเลโอนาร์โดตรงที่ความเป็นพลเมืองแทรกซึมโลกทัศน์ของเขา เขามีส่วนร่วมในการต่อสู้กับเผด็จการรับผิดชอบป้อมปราการทั้งหมดของฟลอเรนซ์บ้านเกิดของเขาซึ่งถูกกองทหารของจักรพรรดิและสมเด็จพระสันตะปาปาเยอรมันปิดล้อมและมีเพียงความรุ่งโรจน์ที่เขาได้รับในงานศิลปะเท่านั้นที่ช่วยเขาจากการตอบโต้ของผู้ชนะ

ไมเคิลแองเจโลรู้สึกอย่างลึกซึ้งถึงความเชื่อมโยงของเขากับคนพื้นเมืองของเขากับดินแดนบ้านเกิดของเขา

พยาบาลของเขาเป็นภรรยาของคนตัดหิน เมื่อนึกถึงเธอเขาจึงบอกกับวาซารีเพื่อนร่วมชาติของเขาว่า“ ฉันได้รับทุกสิ่งที่ดีจากความสามารถของฉันจากสภาพอากาศที่อบอุ่นของอาเรซโซบ้านเกิดของเราและจากนมของพยาบาลของฉันฉันก็สกัดสิ่วและค้อนที่ใช้สร้างรูปปั้นของฉัน” ประชาธิปไตยของ Michelangelo ไม่ได้เป็นที่ชื่นชอบของทุกคน ภาพขนาดยักษ์ของ Michelangelo บางครั้งถูกมองว่าเป็นการเชิดชูความแข็งแกร่งทางกายภาพที่ดุร้าย ดังนั้น นักวิจารณ์ศิลปะคนหนึ่งในยุคนั้นจึงกล่าวว่า "ราฟาเอลวาดภาพคนชั้นสูง และมิเกลันเจโลวาดภาพคนรับใช้"

ชะตากรรมอันน่าเศร้าของบ้านเกิดของเขา การลืมเลือนในอิตาลีในช่วงเวลานั้นด้วยความหวังอันสูงส่งที่เป็นแรงบันดาลใจให้กับงานทั้งหมดของเขา ทำให้จิตวิญญาณของ Michelangelo ได้รับบาดเจ็บสาหัส เขาต่อสู้เพื่ออุดมคติและศรัทธาของเขาอย่างดื้อรั้นจนถึงวาระสุดท้ายของเขา

อัจฉริยะของเลโอนาร์โดคือความตั้งใจที่จะเข้าใจโลกและเชี่ยวชาญด้านศิลปะ จิตสำนึกที่สมบูรณ์ และการยืนยันถึงความแข็งแกร่งและพลังของจิตใจมนุษย์

ราฟาเอลมอบความสุขให้กับมนุษยชาติในการชื่นชมโลกอย่างสงบด้วยความงามอันงดงามและน่าหลงใหลซึ่งเปิดเผยโดยอัจฉริยะของศิลปิน

อัจฉริยะของ Michelangelo แสดงออกถึงหลักการที่แตกต่างในงานศิลปะ

พื้นฐานของความศรัทธาและอุดมคติของ Michelangelo คือในบรรดาตัวแทนที่สำคัญทั้งหมดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาเชื่ออย่างต่อเนื่องและไม่มีเงื่อนไขมากที่สุดในความเป็นไปได้อันยิ่งใหญ่ที่มีอยู่ในตัวมนุษย์ ในความจริงที่ว่ามนุษย์สามารถปลอมแปลงภาพลักษณ์ของตัวเองได้โดยการกดดันเจตจำนงของเขาอยู่ตลอดเวลา สมบูรณ์และมีชีวิตชีวามากกว่าที่ธรรมชาติสร้างขึ้น และภาพนี้ Michelangelo ได้สร้างสรรค์งานศิลปะเพื่อให้เหนือกว่าธรรมชาติ จำเป็นไม่เพียงแต่เลียนแบบธรรมชาติเท่านั้น แต่ยังต้องเข้าใจ "ความตั้งใจ" ของมันด้วย เพื่อที่จะแสดงออกและเติมเต็มผลงานของธรรมชาติในงานศิลปะและด้วยเหตุนี้จึงอยู่เหนือมัน

เลโอนาร์โดและราฟาเอลต่อสู้ดิ้นรนเพื่อเป้าหมายนี้ แต่ไม่มีใครมาก่อนที่มิเคลันเจโลแสดงความกล้าหาญในความพยายามนี้ที่ทำให้คนรุ่นราวคราวเดียวกันตกตะลึง

วาซารีเขียนเพื่อแสดงความยินดีเป็นสากลว่ารูปปั้นเดวิดขนาดมหึมาซึ่งประหารโดยไมเคิลแองเจโล “ได้เอาความรุ่งโรจน์ของรูปปั้นทั้งหมด ทั้งสมัยใหม่และโบราณ ทั้งกรีกและโรมันไป” เดวิด ชายหนุ่มผู้สง่างามและสง่างาม เต็มไปด้วยความกล้าหาญและพละกำลังอันไร้ขอบเขต พร้อมที่จะต่อสู้กับความชั่วร้าย มั่นใจในความถูกต้องและชัยชนะของเขา ถือเป็นอนุสรณ์สถานที่แท้จริงสำหรับบุคลิกภาพที่กล้าหาญสำหรับมนุษย์อย่างที่ควรจะเป็น เป็นตัวแทนของมงกุฎอันสูงสุดแห่งธรรมชาติ

ด้วยงานศิลปะทั้งหมดของเขา Michelangelo ต้องการแสดงให้เราเห็นว่าสิ่งที่สวยงามที่สุดในธรรมชาติคือรูปร่างของมนุษย์ ยิ่งไปกว่านั้น ความงามภายนอกนั้นไม่มีอยู่จริงเลย และนี่เป็นเพราะว่าความงามภายนอกเป็นการแสดงออกถึงความงามทางจิตวิญญาณ และจิตวิญญาณของมนุษย์กลับแสดงออกถึงสิ่งสูงสุดและสวยงามที่สุดในโลกอีกครั้ง

“ไม่มีความหลงใหลของมนุษย์แม้แต่คนเดียวที่ยังคงแปลกสำหรับฉัน” และ: “ยังไม่มีใครเกิดมาที่จะรักผู้คนเหมือนฉัน”

ดังนั้น เพื่อยกย่องมนุษย์ด้วยความงามทางจิตวิญญาณและทางกายภาพ Michelangelo จึงวางประติมากรรมไว้เหนือศิลปะอื่น ๆ

เกี่ยวกับประติมากรรม Michelangelo กล่าวว่า "นี่เป็นศิลปะชิ้นแรก" ซึ่งหมายถึงตำนานในพระคัมภีร์ของพระเจ้าที่แกะสลักมนุษย์คนแรกคืออดัมจากโลก

“สำหรับฉันมันดูเหมือนเป็นเช่นนั้นเสมอ” ไมเคิลแองเจโลเขียนว่า ประติมากรรมนั้นเป็นแสงแห่งการวาดภาพ และระหว่างนั้นก็มีความแตกต่างเช่นเดียวกับระหว่างดวงอาทิตย์และดวงจันทร์”

ไมเคิลแองเจโลยังตั้งข้อสังเกตอีกว่า “ฉันหมายถึงด้วยประติมากรรมซึ่งเป็นงานศิลปะที่เกิดขึ้นได้จากการลดลง” ศิลปินหมายถึงการลดทุกสิ่งที่ไม่จำเป็น นี่คือบล็อกหินอ่อน: ความงามมีอยู่ในตัวคุณ คุณเพียงแค่ต้องดึงมันออกจากเปลือกหิน Michelangelo แสดงความคิดนี้ในข้อที่ยอดเยี่ยม (โดยวิธีการนี้เขาเป็นหนึ่งในกวีคนแรกในสมัยของเขา):

และอัจฉริยะสูงสุดจะไม่เพิ่ม

คนหนึ่งนึกถึงความจริงที่ว่าหินอ่อนนั้นเอง

มันปกปิดไว้มากมาย - และนั่นคือทั้งหมดที่เราต้องการ

มือที่เชื่อฟังเหตุผลจะเปิดเผย

ไมเคิลแองเจโลเชื่อว่าเช่นเดียวกับที่มีความงามในธรรมชาติ ก็มีความดีอยู่ในมนุษย์เช่นกัน เช่นเดียวกับประติมากร เขาต้องกำจัดทุกสิ่งที่หยาบ ไม่จำเป็น ทุกสิ่งที่ขัดขวางการแสดงความดีในตัวเขาเอง เขาพูดเกี่ยวกับเรื่องนี้ในข้อที่เต็มไปด้วยความหมายอันลึกซึ้งซึ่งอุทิศให้กับผู้นำทางจิตวิญญาณของเขา Vittoria Colonna:

เหมือนรูปปั้นมีชีวิตจากหิน

เราสกัดเอก

ซึ่งยิ่งสมบูรณ์ยิ่งขึ้น

ยิ่งเรากลายเป็นหินมากขึ้นเท่าไร -

การกระทำที่ดีดังนั้น

วิญญาณที่ถูกประหารด้วยความกลัว

ซ่อนเนื้อของเราเอง

ด้วยความอุดมสมบูรณ์ที่มากเกินไปและหยาบคาย...

ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่หันไปหากวีที่ทันสมัยในยุคนั้นซึ่งมักจะไร้ความหมายแม้จะมีรูปแบบที่สง่างาม แต่หนึ่งในผู้ชื่นชมที่มีน้ำใจมากที่สุดของ Michelangelo พูดถึงบทกวีของเขาในลักษณะนี้: "เขาพูดสิ่งต่าง ๆ แต่คุณพูดคำพูด"

... เมืองคาร์ราราตั้งอยู่ในแอ่งภูเขาลึก มีชื่อเสียงในด้านหินอ่อนมาแต่โบราณแล้ว ที่นั่น ไมเคิลแองเจโลกินแทบไม่มีอะไรเลยนอกจากขนมปัง และพักอยู่ที่นี่นานกว่าแปดเดือนเพื่อทุบหินอ่อนคาร์ราราสีขาวให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้และส่งไปยังกรุงโรม ความคิดที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเกิดขึ้นในจินตนาการของเขาเมื่อเขาเดินไปตามลำพังท่ามกลางโขดหิน เมื่อมองดูภูเขาที่ทำจากหินอ่อนทั้งหมด เขาใฝ่ฝันที่จะแกะสลักรูปปั้นขนาดมหึมาจากที่นั่น ซึ่งลูกเรือจะมองเห็นได้จากระยะไกลและทำหน้าที่เป็นสัญญาณสำหรับพวกเขา บนภูเขาลูกนี้เขาสามารถมองเห็นภาพขนาดยักษ์ที่ค้อนและสิ่วจะดึงออกมาจากเทอะทะนั้นได้

ไมเคิลแองเจโลไม่ได้ทำตามแผนนี้ อย่างไรก็ตาม สิ่งที่เขาทำสำเร็จนั้นไม่เคยมีมาก่อนในงานศิลปะโลก ไมเคิลแองเจโลมีประติมากรรมที่ยังคงรักษาโครงร่างของก้อนหินเอาไว้ นอกจากนี้ยังมีส่วนที่สิ่วไม่ได้สัมผัสกับหินแม้ว่าภาพจะปรากฏอย่างเต็มกำลังก็ตาม และนี่คือการปลดปล่อยความงามที่เรามองเห็นได้

Michelangelo คิดว่าตัวเองเป็นประติมากรเป็นอันดับแรกและสำคัญที่สุดและเป็นเพียงประติมากรเท่านั้น บางทีเขาอาจจะฝันว่าสิ่วของเขาไม่เพียงต้องการบล็อกหินอ่อนที่เขาเลือกไว้ใช้ทำงานเท่านั้น แต่ยังรวมถึงหิน ภูเขา ทุกสิ่งที่ไม่มีรูปร่าง และกองรวมกันอย่างสุ่มในโลกด้วย ท้ายที่สุดแล้ว ชะตากรรมของศิลปะคือการเติมเต็มผลงานของธรรมชาติ เพื่อยืนยันถึงความงดงาม และเขาเชื่อว่าสิ่งนี้สามารถจับคู่ได้โดยช่างแกะสลักเท่านั้น

บางครั้งมีเกลันเจโลก็พูดถึงการวาดภาพด้วยความเย่อหยิ่ง แม้กระทั่งการระคายเคือง แต่ไม่เกี่ยวกับงานฝีมือของเขา

เช่นเดียวกับประติมากรรมของ Michelangelo ภาพอันยิ่งใหญ่ที่สร้างขึ้นด้วยพู่กันของเขาทำให้ประหลาดใจกับการแสดงออกทางพลาสติกอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ในงานของเขา และบางทีอาจมีเฉพาะในตัวเขาเท่านั้น ประติมากรรมคือ "โคมไฟแห่งการวาดภาพ" อย่างแท้จริง สำหรับประติมากรรมช่วยให้ Michelangelo สามารถรวมตัวกันได้อย่างกลมกลืนและมีสมาธิในภาพเดียวโดยเฉพาะความงามพลาสติกที่ซ่อนอยู่ในร่างมนุษย์

การเริ่มต้นของ Michelangelo ในฐานะศิลปินเกิดขึ้นในสภาพที่ทำให้เขาคล้ายกับ Leonardo da Vinci เช่นเดียวกับเลโอนาร์โด เขาเป็นลูกศิษย์ของปรมาจารย์ Florentine Quattrocento ผู้โด่งดัง มีข้อมูลว่าอาจารย์คนนี้ Domenico Ghirlandaio เช่นเดียวกับอาจารย์ Leonardo Verrocchio รู้สึกอิจฉานักเรียนของเขา เช่นเดียวกับเลโอนาร์โด ศิลปะที่ประณีตและประณีตซึ่งเฟื่องฟูในราชสำนักของลอเรนโซผู้ยิ่งใหญ่ไม่สามารถสนองความต้องการของไมเคิลแองเจโลได้ และหนึ่งในผลงานชิ้นแรกของเขาคือ “Madonna of the Stairs” ซึ่งเขาแกะสลักด้วยหินอ่อนเมื่อตอนที่เขาอายุเพียงสิบหกปีเท่านั้น ไม่ใช่ขุนนางผู้เอาอกเอาใจหรือแม้แต่แม่ยังสาวที่สัมผัสถึงความรักที่เธอมีต่อลูก แต่เป็นหญิงสาวผู้เข้มงวดและสง่างาม ผู้ตระหนักถึงความรุ่งโรจน์ของเธอและรู้เกี่ยวกับบททดสอบอันน่าสลดใจที่เตรียมไว้สำหรับเธอ

มีเพียงตัวอย่างเดียวที่เชื่อถือได้อย่างสมบูรณ์ของการวาดภาพขาตั้งของ Michelangelo เท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้: tondo (ภาพวาดทรงกลม) ที่มีชื่อเสียง“ Madonna Doni” สันนิษฐานได้ว่าในองค์ประกอบนี้ Michelangelo วัยเกือบสามสิบปีซึ่งมีชื่อเสียงโด่งดังอยู่แล้วจินตนาการว่าจะเหนือกว่า Leonardo เพื่อยืนยันความเหนือกว่าของเขาเหนือพี่ชายของเขาซึ่งความสำเร็จด้านการถ่ายภาพถูกมองว่าเป็นการเปิดเผยในฟลอเรนซ์

“Madonna Doni” โดย Michelangelo และ “St. Anna” โดย Leonardo da Vinci... เส้นขนานนั้นชัดเจน และเป้าหมายร่วมกันนั้นชัดเจน: รวบรวมพลังแห่งการเคลื่อนไหวให้สูงสุด ควบคุมพลังงานเพื่อเปลี่ยนพวกมันให้กลายเป็นหินใหญ่ก้อนเดียวที่ไม่สั่นคลอน

สำหรับเลโอนาร์โด เป้าหมายนั้นสำเร็จได้ด้วยความสามัคคี โดยประสานความขัดแย้งทั้งหมด ความสามัคคี ราวกับว่าเกิดขึ้นโดยธรรมชาติ

มีเกลันเจโลมีจุดแข็งที่รวมศูนย์และทุกสิ่งคือการต่อสู้ซึ่งผู้คนที่สวยงามยิ่งขึ้น มีพลังมากขึ้น และกล้าหาญมากขึ้นเกิดมาภายใต้สิ่วหรือใต้พู่กันของเขา - ผู้กล้าหาญ ความตึงเครียดและความมีชีวิตชีวาขนาดมหึมาในทุกกล้ามเนื้อ ในทุกแรงกระตุ้น ทั้งทางร่างกายและจิตวิญญาณ

ต่างจากศิลปินในศตวรรษก่อนที่ทำงานอยู่ท่ามกลางผู้คน ศิลปิน Cinquecento เข้าร่วมกับกลุ่มผู้มีพระคุณระดับสูงสุด อุดมคติเรื่องเสรีภาพของประชาชนถูกเหยียบย่ำโดยลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ผู้ปกครองทางโลกและทางจิตวิญญาณต้องการศิลปะที่จะเชิดชูการกระทำของตน โดยดึงดูดจิตรกร ประติมากร และสถาปนิกที่มีชื่อเสียงที่สุดให้มารับใช้ สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 เรียกมิเกลันเจโลมาที่โรมเพื่อมอบหมายงานที่ยิ่งใหญ่ให้เขา: ชายผู้ทะเยอทะยานและดื้อรั้นคนนี้ซึ่งบางครั้งใฝ่ฝันที่จะสร้างอาณาจักรทางศาสนาที่มีพลังมากกว่าอาณาจักรของซีซาร์ ปรารถนาว่าในช่วงชีวิตของเขาจะมีการสร้างหลุมฝังศพให้เขา ซึ่งขนาดและความงดงามจะเกินกว่าทุกสิ่งที่สร้างขึ้นมาก่อนในโลกและตัดสินใจว่ามีเพียง Michelangelo เท่านั้นที่สามารถรับมือกับภารกิจดังกล่าวได้

สุสานของสมเด็จพระสันตะปาปาอันยิ่งใหญ่ตามที่ Michelangelo จินตนาการไว้ ซึ่งเป็นสุสานที่ตกแต่งด้วยรูปปั้นสี่สิบรูป ยังไม่เสร็จสมบูรณ์ Michelangelo ขุดหินอ่อนซึ่งเป็นปริมาณที่ทำให้ทั้งโรมประหลาดใจ และกำลังจะเริ่มทำงานเมื่อได้ยินทันใดว่าสมเด็จพระสันตะปาปาไม่ต้องการจ่ายค่าหินอ่อน เมื่อเขามาถึงจูเลียสที่ 2 พวกเขาไม่ยอมให้เขาเข้าไป พระองค์ทรงประกาศว่านี่คือคำสั่งของสมเด็จพระสันตะปาปาเอง

ด้วยความขุ่นเคือง Michelangelo จึงออกจากโรมทันที สมเด็จพระสันตะปาปาส่งติดตามเขาโดยเรียกร้องให้เขากลับมา แต่ศิลปินไม่เชื่อฟังซึ่งถือว่าไม่อวดดีมาก่อน

ความจริงก็คือ Julius II ตามคำแนะนำของ Bramante คู่แข่งของ Michelangelo ตัดสินใจสร้างมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ขึ้นใหม่เพื่อให้วัดแห่งนี้ซึ่งเป็นฐานที่มั่นของโบสถ์คาทอลิกจะกลายเป็นวัดที่ยิ่งใหญ่และงดงามที่สุดในโลกคริสเตียน . ส่งผลให้การก่อสร้างสุสานจางหายไปในเบื้องหลัง Michelangelo ถือว่าการตัดสินใจครั้งนี้เป็น "ความอิจฉาริษยา" ของ Bramante และถือว่าความสัมพันธ์ของเขากับสมเด็จพระสันตะปาปาจะพังทลายตลอดไป อย่างไรก็ตามสิ่งนี้ไม่ได้เกิดขึ้น การปรองดองเกิดขึ้นและ Michelangelo ได้รับคำสั่งใหม่จากสมเด็จพระสันตะปาปาซึ่งไม่ได้ด้อยไปกว่าขนาดที่วางแผนไว้

จูเลียสที่ 2 มอบหมายให้ไมเคิลแองเจโลทาสีเพดานโบสถ์น้อยซิสทีน ซึ่งเป็นโบสถ์ประจำบ้านของพระสันตปาปาในวาติกัน

ไม่มีจิตรกรชาวอิตาลีสักคนเดียวที่เคยวาดภาพขนาดยักษ์เช่นนี้มาก่อน: ประมาณหกร้อยตารางเมตร! และไม่ได้อยู่บนผนัง แต่อยู่บนเพดาน

มีเกลันเจโลเริ่มงานนี้ในวันที่ 10 พฤษภาคม ค.ศ. 1508 และสิ้นสุดในวันที่ 5 กันยายน ค.ศ. 1512 งานนี้ใช้เวลานานกว่าสี่ปีซึ่งต้องใช้ความพยายามทั้งทางจิตวิญญาณและร่างกายที่แทบจะเหนือมนุษย์ แนวคิดที่ชัดเจนเกี่ยวกับเรื่องนี้ได้รับจากข้อประชดประชันต่อไปนี้โดย Michelangelo:

สำหรับการคลอดของฉัน ฉันพบแต่โรคคอพอกและโรคภัยไข้เจ็บเท่านั้น

(นี่คือวิธีที่น้ำโคลนทำให้แมวบวม

ในลอมบาร์เดียมักมีปัญหา!)

ใช่แล้ว เขายัดคางเข้าไปในครรภ์

หน้าอกเหมือนฮาร์ปี้ กะโหลกศีรษะเพื่อประชดฉัน

ปีนขึ้นไปบนโคก และหนวดเคราของเขาก็ตั้งขึ้น

และโคลนก็ไหลจากแปรงมาสู่ใบหน้า

ทรงสวมผ้าปักให้ฉันเหมือนโลงศพ

สะโพกขยับเข้าไปในท้องจนสุด

ในทางตรงกันข้ามก้นก็พองตัวเป็นถัง

เท้าไม่แตะพื้นกะทันหัน

ผิวหนังห้อยไปข้างหน้า

และที่ด้านหลังรอยพับนั้นถูกแกะสลักเป็นตะเข็บ

และฉันก็โค้งเหมือนคันธนูซีเรีย

เขานอนบนนั่งร้านบนหลังของเขา เขาเขียนทุกอย่างด้วยตัวเอง กลัวที่จะมอบมันให้กับนักเรียนของเขา สมเด็จพระสันตะปาปารีบเขา แต่ Michelangelo ไม่อนุญาตให้ลูกค้าที่น่าเกรงขามเข้าไปในโบสถ์ระหว่างทำงานและเมื่อเขาเจาะเข้าไปใต้ส่วนโค้งของโบสถ์เขาก็โยนกระดานลงจากนั่งร้านซึ่งถูกกล่าวหาว่าบังเอิญโดยบังเอิญทำให้ชายชราผู้โกรธแค้นต้องหนี

ขณะวาดภาพโบสถ์น้อยซิสทีน มิเคลันเจโลเคยชินสายตาที่จะเงยหน้าขึ้นมองห้องนิรภัย ซึ่งต่อมาเมื่องานเสร็จสิ้นและเขาก็เริ่มตั้งศีรษะให้ตรงอีกครั้ง เขาแทบจะมองไม่เห็นอะไรเลย เมื่อเขาต้องอ่านจดหมายและเอกสาร เขาต้องยกมันไว้สูงเหนือศีรษะ และเขาเริ่มคุ้นเคยกับการอ่านอีกครั้งทีละน้อยโดยมองลงไปตรงหน้าเขา

บนเพดานของโบสถ์ซิสทีน มิเกลันเจโลสร้างภาพที่จนถึงทุกวันนี้เราเห็นการสำแดงสูงสุดของอัจฉริยะของมนุษย์และความกล้าหาญของมนุษย์ ในจดหมายถึงน้องชายของเขา เขาประกาศด้วยสิทธิเต็มที่ว่า “ฉันทำงานด้วยกำลัง มากกว่าบุคคลใดๆ ที่เคยมีมา”

ไททันซึ่งมีชื่อว่าไมเคิลแองเจโลได้รับโอกาสในการทาสีเพดานและเขาก็ปิดมันด้วยภาพไททานิคที่เกิดจากจินตนาการของเขา โดยไม่สนใจว่าพวกเขาจะ "มอง" จากด้านล่างอย่างไร ไม่ใช่แค่คุณและฉันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงพระสันตปาปาจูเลียสที่ 2 ผู้น่าเกรงขามด้วย อย่างไรก็ตาม เขาก็ต้องตกใจกับความยิ่งใหญ่ของสิ่งที่ถูกสร้างขึ้น และทุกคนในโรมในขณะนั้นก็ตกตะลึงเช่นเดียวกับเราทุกวันนี้ ตกใจแต่ไม่สะใจจนน่าใจหาย

ใช่ นี่เป็นงานศิลปะที่แตกต่างไปจากของราฟาเอลอย่างสิ้นเชิง ซึ่งยืนยันความสมดุลอันมหัศจรรย์ของโลกแห่งความเป็นจริง Michelangelo สร้างสรรค์โลกขนาดยักษ์ของเขาเอง ซึ่งเติมเต็มจิตวิญญาณของเราด้วยความยินดี แต่ในขณะเดียวกันก็สับสน เพราะเป้าหมายของเขาคือการก้าวข้ามธรรมชาติอย่างเด็ดขาด เพื่อสร้างไททันจากมนุษย์ ไมเคิลแองเจโล “รบกวนความสมดุลของโลกแห่งความเป็นจริง และปล้นเอาความเพลิดเพลินอันเงียบสงบของตัวมันเองในยุคเรอเนซองส์ไป”

ใช่ เขาปล้นศิลปะแห่งความสงบในยุคนี้ ทำลายสมดุลของราฟาเอลอันเงียบสงบ และปล้นโอกาสที่จะชื่นชมตัวเองอย่างสงบ แต่เขาต้องการแสดงให้คนเห็นว่าเขาควรเป็นอย่างไร เขาจะเป็นอย่างไรได้

Michelangelo สร้างภาพลักษณ์ของชายผู้สามารถพิชิตโลกได้และใครจะรู้บางทีอาจมากกว่าโลก!

การใช้เพดานสถาปัตยกรรมในการออกแบบของเขา Michelangelo สร้างสรรค์สถาปัตยกรรมใหม่ "ที่แสดงให้เห็น" ด้วยภาพวาดของเขา โดยแบ่งส่วนตรงกลางของเพดานตามเฉดสีของหน้าต่าง และเติมช่องสี่เหลี่ยมที่เกิดขึ้นด้วยองค์ประกอบของวัตถุ ขนาดของฉากนั้นไม่เหมือนกัน และขนาดของตัวเลขก็เปลี่ยนไปด้วย ความแตกต่างในด้านขนาดและการจัดเรียงเชิงพื้นที่ของฉากและตัวเลขแต่ละฉากได้รับการพิจารณาอย่างลึกซึ้งตามแผนสถาปัตยกรรมและภาพเดียว และด้วยเหตุนี้ "สัดส่วนของภาพเขียนต่อมวลทั้งหมดของเพดานจึงได้รับการดูแลอย่างหาที่เปรียบมิได้"

องค์ประกอบแต่ละอย่างมีอยู่พร้อมๆ กันทั้งในตัวมันเองและเป็นส่วนสำคัญขององค์ประกอบทั้งหมด เนื่องจากองค์ประกอบทั้งหมดมีความสอดคล้องกัน นี่เป็นความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ของการวาดภาพยุคเรอเนซองส์สูง ซึ่งนำมาที่นี่เพื่อความสมบูรณ์แบบโดย Michelangelo ในศิลปะของศตวรรษก่อน ความเป็นอิสระของแต่ละส่วนขัดขวางความสามัคคีของส่วนรวม และ Quattrocento มักจะลืมเรื่องนี้ไป ในศิลปะแห่งศตวรรษหน้านั่นคือ ในศิลปะสไตล์บาโรกโดยเฉพาะนั้นเป็นผู้ใต้บังคับบัญชาอย่างสมบูรณ์และดูเหมือนจะสูญเสียความเป็นอิสระไปในนั้น เฉพาะในยุคทองของศิลปะอิตาลีเท่านั้น ยุคของเลโอนาร์โด ราฟาเอล มิเกลันเจโล และทิเชียนมีความกลมกลืนระหว่างส่วนรวมและส่วนรวม ความเท่าเทียมกันโดยสมบูรณ์ของพวกเขาเป็นไปได้ - ดังนั้นศิลปะแห่งศตวรรษนี้จึงแสดงให้เราเห็นตามที่เป็นอยู่ ซึ่งเป็นต้นแบบของคำสั่งในอุดมคติ โดยที่ความเป็นปัจเจกบุคคลจะค้นพบการแสดงออกที่สมบูรณ์ในทีมที่มีการประสานงานอย่างกลมกลืน

... เป็นเวลาเกือบสิบห้าปี (ตั้งแต่ปี 1520) Michelangelo ทำงานบนหลุมฝังศพ Medici ในฟลอเรนซ์ - ตามคำสั่งของสมเด็จพระสันตะปาปา Clement VII ซึ่งมาจากตระกูล Medici

เรื่องนี้เป็นเรื่องของการสืบสานความทรงจำไม่ใช่ของอดีตเมดิชิผู้โด่งดัง แต่เป็นของตัวแทนของครอบครัวนี้ที่สถาปนาการปกครองแบบราชาธิปไตยอย่างเปิดเผยในฟลอเรนซ์ ดยุคสองคนที่เสียชีวิตก่อนกำหนดและไม่มีมาตรฐาน ภาพเหมือนเป็นคนต่างด้าวสำหรับ Michelangelo เขาพรรณนาถึงดยุคทั้งสองในเชิงเปรียบเทียบว่าเป็นผู้นำทางทหารในชุดเกราะส่องแสง คนหนึ่งดูกล้าหาญ มีพลัง แต่ไม่แยแสในความสงบ อีกคนหมกมุ่นอยู่กับความคิดที่ลึกซึ้ง และด้านข้างมีรูปของ "เช้า", "เย็น", "กลางวัน" และ "กลางคืน"

ความตึงเครียดภายในและในขณะเดียวกันก็ทำให้เกิดความสงสัย ลางสังหรณ์ถึงหายนะ - นี่คือสิ่งที่ตัวเลขเหล่านี้แสดงออกมา ความโศกเศร้าแพร่กระจายไปทั่วทุกสิ่งและเคลื่อนตัวจากผนังหนึ่งไปอีกผนังหนึ่ง

เพื่อเป็นเกียรติแก่บุคคลที่มีชื่อเสียงที่สุด - "กลางคืน" ที่สวยงาม - บทกวีต่อไปนี้ถูกแต่งขึ้น:

คืนนี้เป็นคืนที่หลับสบายมาก

ต่อหน้าคุณคือการสร้างนางฟ้า

เธอถูกสร้างขึ้นจากหิน แต่มีลมหายใจอยู่ในตัวเธอ:

แค่ปลุกเธอแล้วเธอก็จะพูด

แต่ไมเคิลแองเจโลไม่เห็นด้วยกับสิ่งนี้และตอบในนามของ "ไนท์" เอง:

เป็นการนอนที่ดี เป็นการดีที่เป็นหิน

โอ้ ในยุคนี้ อาชญากรและน่าละอาย

การไม่มีชีวิตอยู่ การไม่มีความรู้สึกเป็นสิ่งที่น่าอิจฉามากมาย

กรุณาเงียบๆ คุณไม่กล้าปลุกฉัน

ในช่วงทศวรรษที่สามสิบของศตวรรษที่ 16 สมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 มอบหมายให้มิเกลันเจโลวาดภาพข่าวประเสริฐเรื่อง "การพิพากษาครั้งสุดท้าย" บนกำแพงแท่นบูชาของโบสถ์น้อยซิสทีนแห่งเดียวกัน ไมเคิลแองเจโลทำงานบนจิตรกรรมฝาผนังนี้ซึ่งมีพื้นที่เกือบสองร้อยตารางเมตร (โดยมีการหยุดชะงักบ้าง) เป็นเวลาหกปี

V.N. Lazarev เขียนว่า: “ที่นี่เทวดาไม่สามารถแยกจากนักบุญ คนบาปจากคนชอบธรรม ผู้ชายจากผู้หญิง พวกเขาทั้งหมดถูกกระแสการเคลื่อนไหวที่ไม่มีวันหยุดยั้งพัดพาไป พวกเขาทั้งหมดดิ้นและบิดเบี้ยวจากความกลัวและความสยดสยองที่ครอบงำพวกเขา... มิเกลันเจโลทำให้ร่างของพระคริสต์เป็นศูนย์กลางของการเคลื่อนไหวที่ดำเนินไปเป็นวงกลม และยิ่งคุณดูองค์ประกอบโดยรวมของจิตรกรรมฝาผนังอย่างระมัดระวังมากเท่าไร คุณก็จะยิ่งรู้สึกว่าเบื้องหน้าคุณคือวงล้อแห่งโชคลาภขนาดใหญ่ที่หมุนวนอยู่ข้างหน้า ซึ่งเกี่ยวข้องกับชีวิตมนุษย์ใหม่ ๆ มากขึ้นเรื่อย ๆ ในการดำเนินไปอย่างรวดเร็ว ไม่ใช่อย่างใดอย่างหนึ่ง สามารถหลีกหนีชะตากรรมได้ ในการตีความภัยพิบัติแห่งจักรวาลดังกล่าว ไม่มีที่ว่างเหลือสำหรับวีรบุรุษและการกระทำที่กล้าหาญอีกต่อไป และไม่มีที่ว่างสำหรับความเมตตาอีกต่อไป ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่แมรีไม่ขอการอภัยจากพระคริสต์ แต่เกาะติดเขาอย่างหวาดกลัวและหวาดกลัวต่อองค์ประกอบที่บ้าคลั่ง การทำงานบนปูนเปียก "The Last Judgement" Michelangelo ต้องการแสดงให้เห็นถึงความไร้ประโยชน์ของทุกสิ่งบนโลกการเน่าเปื่อยของเนื้อหนังการทำอะไรไม่ถูกของมนุษย์ก่อนที่คนตาบอดจะกำหนดชะตากรรม ไม่ต้องสงสัยเลยว่านี่คือจุดประสงค์หลักของเขา และด้วยเหตุนี้เขาจึงต้องเปลี่ยนความคิดของมนุษย์และร่างมนุษย์อย่างรุนแรงซึ่งควรจะเปราะบางเบาและไม่มีตัวตน แต่สิ่งนี้กลับไม่เกิดขึ้น... เหมือนเมื่อก่อน เขาวาดภาพบุคคลที่ทรงพลังด้วยใบหน้าที่กล้าหาญ ไหล่กว้าง ลำตัวที่ได้รับการพัฒนามาอย่างดี และแขนขาที่มีกล้ามเนื้อ แต่ยักษ์ใหญ่เหล่านี้ไม่สามารถต้านทานโชคชะตาได้อีกต่อไป นั่นคือสาเหตุที่ใบหน้าของพวกเขาบิดเบี้ยวเพราะหน้าตาบูดบึ้ง นั่นคือเหตุผลว่าทำไมการเคลื่อนไหวทั้งหมดของพวกเขา แม้แต่การเคลื่อนไหวที่มีพลัง ตึงเครียด และหงุดหงิดที่สุด ก็ยังสิ้นหวังมาก... ไททันส์ที่ถึงวาระถึงความตายได้สูญเสียสิ่งที่ช่วยมนุษย์มาโดยตลอดในการต่อสู้กับธาตุ กองกำลัง พวกเขาสูญเสียความตั้งใจไปแล้ว!”

ในช่วงชีวิตของ Michelangelo "การพิพากษาครั้งสุดท้าย" ของเขาได้กระตุ้นให้เกิดการโจมตีอย่างดุเดือดจากผู้สนับสนุนการต่อต้านการปฏิรูป

ผลงานชิ้นหลังของ Michelangelo โดดเด่นด้วยความวิตกกังวล ความตระหนักรู้ถึงความเปราะบางของการดำรงอยู่ การเจาะลึกความฝันและความคิดที่โศกเศร้า และบางครั้งก็สิ้นหวัง

ในจิตรกรรมฝาผนังของเขาในโบสถ์วาติกัน Paolina ภาพบางภาพทำให้ประหลาดใจด้วยความหมายที่ทรงพลังและคมชัด แต่โดยทั่วไปแล้ว - การกระจายตัวขององค์ประกอบ, การลดลงของเจตจำนงการนำทางทั่วไป, หลักการของวีรบุรุษที่มีชัยชนะ - ฉากเหล่านี้เป็นพยานถึงการสลายทางจิตวิญญาณ ของผู้สร้างของพวกเขา ความคิดของ Michelangelo หันไปสู่ความตายมากขึ้นเรื่อยๆ และดังที่เขากล่าวไว้ในบทกวีบทหนึ่งของเขา ไม่ว่าแปรงหรือสิ่วก็ไม่ทำให้เขาลืมเลือน

“ใครก็ตามที่ต้องการค้นหาตัวเองและสนุกสนานไปกับตัวเอง” เขาเขียน “ไม่ควรแสวงหาความบันเทิงและความสนุกสนาน เขาต้องคิดถึงความตาย! เพราะความคิดนี้เท่านั้นที่ทำให้เรามีความรู้ในตนเองทำให้เราเชื่อในความแข็งแกร่งของเราและปกป้องเราจากความจริงที่ว่าญาติเพื่อนฝูงและอำนาจของโลกนี้จะไม่ฉีกเราเป็นชิ้น ๆ ด้วยความชั่วร้ายและความปรารถนาทั้งหมดของเราซึ่งทำให้บุคคลดูถูกเหยียดหยาม ของตัวเอง”

ประติมากรรมชิ้นสุดท้ายของเขาเต็มไปด้วยความคิดเรื่องความตาย ราวกับว่ากำลังใคร่ครวญถึงมัน เช่น "ปีเอต้า" (ฟลอเรนซ์) ซึ่งพลังที่เห็นพ้องต้องกันในชีวิตของปีก่อน ๆ ถูกแทนที่ด้วยความเจ็บปวดทางจิตใจที่น่าปวดหัว การแสดงออกที่น่าเศร้าและจิตวิญญาณอันเร่าร้อนของทั้งกลุ่มนั้นไร้ขอบเขตอย่างแท้จริง

อีกกลุ่มหนึ่ง “Pieta Rondanini” (มิลาน) เน้นความเหงาและความหายนะ ด้วยความพยายามที่พระมารดาของพระเจ้าสนับสนุนพระวรกายที่ยาวเหยียดของพระคริสต์ไม่มีตัวตนช่างไม่จริงรูปร่างที่โศกเศร้าของพวกเขาที่กดทับกันนั้นดูแสดงออกอย่างเจ็บปวด Michelangelo ยังคงทำงานในกลุ่มนี้หกวันก่อนที่เขาจะเสียชีวิต

มิเคลันเจโลค้นพบการลืมเลือนไม่ว่าจะในพู่กันหรือในสิ่ว มิเกลันเจโลหันมาใช้ดินสอมากขึ้นในช่วงสองทศวรรษที่ผ่านมาของชีวิต ในการศึกษากราฟิกในครั้งนี้ เส้นทึบเดิมของ Michelangelo หายไปในเงาแสงแห่งแสง เขาแทบจะไม่ได้ร่างโครงร่างเลย และถ่ายทอดประสบการณ์อันลึกล้ำและเงียบสงบของเขาที่โดดเด่นด้วยความโศกเศร้าอันเงียบสงบหรือความทุกข์ทรมานอันลึกล้ำในภาพวาดที่นุ่มนวลอย่างน่าทึ่ง

แต่ในงานศิลปะชิ้นหนึ่ง Michelangelo ยังคงยึดมั่นในอุดมคติของปีก่อนหน้าของเขา - นี่คือศิลปะแห่งสถาปัตยกรรม ที่นี่ศรัทธาของเขาในพลังสร้างสรรค์อันไร้ขีดจำกัดของศิลปินได้รับการแสดงออกมาอย่างเต็มที่อีกครั้ง ไม่จำเป็นต้องบรรยายถึงโลกที่มองเห็นได้ ปล่อยให้แรงกระตุ้นอันยิ่งใหญ่ที่เติมเต็มจิตวิญญาณของเขาอย่างต่อเนื่องพบว่าการแสดงออกนั้นไม่ใช่ในความเป็นจริงทางประสาทสัมผัส - มันหลอกลวงเกินไป! - แต่อยู่ในความสามัคคีการต่อสู้และชัยชนะของกองกำลังที่กลมกลืนและมั่นคงซึ่งมีชื่อว่าเสา, บัว, โดม, หน้าจั่ว ไม่มีการทรยศต่ออุดมคติแห่งความงามของมนุษย์ซึ่งเขาเชื่อและบูชา เพราะมิเกลันเจโลยืนยันว่าการพึ่งพาส่วนต่างๆ ทางสถาปัตยกรรมในร่างกายมนุษย์

แม้ว่าไมเคิลแองเจโลจะหันมาสนใจงานสถาปัตยกรรมสาย แต่เขาก็ยกย่องชื่อของเขาในงานศิลปะชิ้นนี้เช่นกัน เราเป็นหนี้สุสานเมดิชิสำหรับเขา ภายในห้องสมุด Laurenziana (เช่นในฟลอเรนซ์ซึ่งเป็นห้องสมุดสาธารณะแห่งแรกในยุโรป) ที่มีบันไดอันโด่งดังซึ่งตามข้อมูลของ V.N. Lazarev เปรียบเสมือน "กระแสลาวาที่ไหลมาจากทางเข้าประตูแคบ" และบันไดโค้งดูเหมือนกับเรา ให้เคลื่อนตัวอยู่ในนั้นชั่วนิรันดร ประหนึ่งอยู่ในกระแสสลับที่ไม่อาจควบคุมได้ เขามีส่วนร่วมในการบูรณะจัตุรัสศาลาว่าการโรมันโบราณอย่างยิ่งใหญ่ โดยมีการจัดแสดงอยู่ตรงกลางรูปปั้นนักขี่ม้าโบราณของจักรพรรดิมาร์คุส ออเรลิอุส และสวมมงกุฎ Palazzo Farnese ในโรมด้วยบัวขนาดใหญ่ ซึ่งเป็นผลงานชิ้นเอกของสถาปัตยกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

สถาปนิกที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนั้นได้ทำงานในการก่อสร้างมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์อันยิ่งใหญ่แห่งใหม่ซึ่งรัฐสันตะปาปาต้องการเชิดชูอำนาจของตน: Bramante, Raphael, Baldassare Peruzzi, Antonio da Sangallo the Younger ในปี ค.ศ. 1546 การบริหารงานส่งต่อไปยังมีเกลันเจโล

โดมของอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์เป็นมงกุฎแห่งความคิดสร้างสรรค์ทางสถาปัตยกรรมของไมเคิลแองเจโล เช่นเดียวกับการสร้างสรรค์แปรงและสิ่วที่สมบูรณ์แบบที่สุดของเขา พลังที่ดุเดือด ความขัดแย้งภายในของความแตกต่าง การเคลื่อนไหวในการเติมทั้งหมดถูกรวมไว้อย่างทรงพลังและเป็นธรรมชาติในสัดส่วนที่ปิดสนิท

Michelangelo เสียชีวิตเมื่อวันที่ 18 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1564 ขณะอายุได้แปดสิบเก้าปี หลังจากป่วยเป็นเวลาสั้นๆ ซึ่งทำให้เขาล้มลงระหว่างทำงาน

ทิเชียน เวเชลลิโอ

ยังไม่ได้กำหนดอายุที่แน่นอนของทิเชียน เขาเสียชีวิตในปี 1576 และเกิดตามแหล่งข้อมูลบางแห่งในช่วงปลายทศวรรษที่แปดสิบตามข้อมูลอื่น ๆ - ในช่วงปลายอายุเจ็ดสิบของศตวรรษที่ 15 หรือเร็วกว่านั้นด้วยซ้ำ

เราบอกได้เพียงด้วยความมั่นใจว่าทิเชียนมีชีวิตอยู่ไม่ต่ำกว่าแปดสิบปีและไม่เกินหนึ่งร้อยสามคน และดูเหมือนจะไม่ได้ตายด้วยวัยชรา แต่ด้วยโรคระบาด

ในช่วงชีวิตอันยาวนานของเขา ทิเชียนถูกกำหนดให้สังเกตความขัดแย้งอันน่าเศร้าระหว่างอุดมคติอันสูงส่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและความเป็นจริงอย่างน่าเศร้า เขายังคงซื่อสัตย์ต่ออุดมคติเหล่านี้อย่างสมบูรณ์และไม่ได้ทรยศต่อมนุษยนิยม

Titian Vecellio เกิดในครอบครัวทหารในเมืองภูเขา Pieve di Cadore ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของสมบัติของเวนิส ครอบครัวของเขาเก่าแก่และมีอิทธิพลในพื้นที่นี้ หลังจากได้แสดงความสนใจในการวาดภาพในวัยเด็กแล้ว เมื่ออายุได้เก้าขวบ เขาได้รับมอบหมายจากพ่อให้เข้าร่วมเวิร์คช็อปของศิลปินโมเสกชาวเวนิส อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้อยู่ที่นั่นนานนัก จากนั้นจึงศึกษาสลับกับคนต่างชาติ เบลลินีและจิโอวานนี เบลลินี เขาสนิทสนมกับจอร์โจเนและได้รับอิทธิพลอย่างมากจากเขา และหลังจากที่เขาเสียชีวิตก่อนวัยอันควรเขาก็กลายเป็นหัวหน้าโรงเรียน Venetian ที่ได้รับการยอมรับโดยทั่วไป

ชื่อเสียงของทิเชียนแพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทั่วอิตาลี และต่อมาก็ไปทั่วยุโรปตะวันตก สมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 ทรงเรียกทิเชียนมาที่โรม ซึ่งในฐานะปรมาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่ เขาได้คุ้นเคยกับผลงานของราฟาเอลและไมเคิลแองเจโลเป็นครั้งแรก จักรพรรดิชาร์ลส์ที่ 5 แห่งเยอรมันผู้มีอำนาจมากที่สุดในสมัยนั้นเชิญเขาไปที่เอาก์สบวร์กโดยมอบตำแหน่งเคานต์ให้เขาและสวมรอยให้ทิเชียนโดยถูกกล่าวหาว่าหยิบพู่กันที่ศิลปินทิ้งไว้ด้วยซ้ำ บุตรชายของชาร์ลส์ที่ 5 กษัตริย์ฟิลิปที่ 2 แห่งสเปนผู้โหดร้าย กษัตริย์ฟรานซิสที่ 1 แห่งฝรั่งเศส และกษัตริย์อิตาลีหลายคนก็เป็นลูกค้าของทิเชียนซึ่งดำรงตำแหน่งอย่างเป็นทางการของศิลปินแห่งสาธารณรัฐเวนิส

ตามคำกล่าวของโดลเช นักทฤษฎีศิลปะชาวเวนิส ทิเชียนเป็น “คู่สนทนาที่ชาญฉลาดและงดงาม ผู้รู้วิธีตัดสินทุกสิ่งในโลก”

ชีวิตที่ยืนยาวและมีความสุขท่ามกลางสังคมที่มีการศึกษาและประณีต ชีวิตที่เต็มไปด้วยความชื่นชมความงามของโลก และเชิดชูความงามนี้ในศิลปะการวาดภาพอันยิ่งใหญ่ งานของทิเชียนนั้นกว้างขวางมาก: ในแง่ของปริมาณการสร้างสรรค์นั้นเกือบจะเกินกว่างานของ Leonardo da Vinci, Raphael และ Michelangelo

ไม่มีใครในการวาดภาพก่อนหรือหลังทิเชียนร้องเพลงด้วยแรงบันดาลใจในขณะที่เขาแสดงความงามที่เปล่งประกายของผู้หญิง ความงามยามเที่ยงวันที่น่าหลงใหล ราวกับแสดงความสุขของการเป็น ความสุขทางโลก

ในงานชิ้นแรกๆ ของเขา ทิเชียนได้เปรียบเทียบระหว่าง "ความรักจากสวรรค์" ที่เป็นไปตามความพอใจในตนเองและไร้สาระ กับความรักทางโลกที่ไร้ขอบเขตและสวยงามตระการตาอย่างกล้าหาญ ซึ่งถือขวดในมือดูเหมือนจะเผยให้เห็นโลกที่ไร้ขอบเขตของ ธรรมชาติเสรี “Earthly Love และ Heavenly Love” เป็นภาพเชิงเปรียบเทียบ เต็มไปด้วยความสดใสร่าเริงเบิกบาน บ่งบอกถึงความเป็นไปได้ที่จะมีความสุขอันเปี่ยมล้นและเอื้อเฟื้อเช่นนี้ “ฟลอร่า” ร่วมสมัยของเธอแสดงออกถึงอุดมคติอันสูงส่งและความสุขอันบริสุทธิ์เช่นเดียวกัน โทนสีชมพูอบอุ่นของไหล่เปิดของเทพีแห่งดอกไม้ช่างอ่อนโยน ช่างเป็น “ภาพวาด” อันศักดิ์สิทธิ์อย่างแท้จริง ผสมผสานกับความขาวใสของเสื้อเชิ้ตและผ้ากำมะหยี่สีอ่อนของเสื้อคลุมหนา “Bacchanalia” และ “Feast of Venus” เป็นการเชื่อมโยงที่ยอดเยี่ยมในสายโซ่เดียวกัน

มงกุฎที่สูงที่สุดของอุดมคตินี้คือภาพวาด "วีนัสหน้ากระจก" ซึ่งวาดโดยทิเชียนในวัยชรา บางทีแปรงของเขาไม่เคยได้รับความงดงามเช่นนี้มาก่อน ที่นี่เรามีความเป็นผู้หญิงที่สง่างามอย่างแท้จริงในทุกสิริรุ่งโรจน์อันบริสุทธิ์ เทพีแห่งความรักในหน้ากากผมสีทองงดงามแสดงให้เราเห็นภาพความรักและความสุขที่สมบูรณ์แบบที่สุด ไม่มีอะไรเลวร้ายในภาพนี้ เช่นเดียวกับไม่มีอะไรเลวร้ายในความสุขที่สมบูรณ์ ความเสน่หา ความอ่อนหวาน และความเคารพอย่างไม่สิ้นสุดในการจ้องมองของเทพธิดา ใบหน้านี้และความงามอันเป็นเอกลักษณ์ที่สร้างขึ้นจากการวาดภาพทำให้เรามีความสุขเพียงใด!

แต่นี่คือภาพผู้หญิงอีกภาพหนึ่งที่ทิเชียนสร้างขึ้นในวัยชราเช่นกัน “เด็กหญิงกับผลไม้” ซึ่งอาจเป็นภาพเหมือนของลาวิเนียลูกสาวของเขา ความงามของผู้หญิงและความหรูหราของธรรมชาติ ทองคำจากท้องฟ้าและทองคำจากผ้า และความสง่าผ่าเผยเมื่อหันศีรษะของเธอในรูปลักษณ์ทั้งหมดของหญิงสาวชาวเวนิสที่กำลังเบ่งบานคนนี้! ช่างเป็นความสงบสุขที่สนุกสนานและงดงามความเพลิดเพลินในชีวิตที่สมบูรณ์ภาพรวมหายใจ!

คำสัญญาที่ยิ่งใหญ่ในเรื่องความสุข ความหวังในความสุข และความเพลิดเพลินในชีวิตอย่างสมบูรณ์ ถือเป็นรากฐานประการหนึ่งของงานของทิเชียน

“การอัสสัมชัญของพระแม่มารีย์” หรือ “อัสซุนตา” อันโด่งดังเป็นแท่นบูชาขนาดใหญ่โดยทิเชียนในโบสถ์ซานตามาเรีย โกลริโอซา เดย์ ฟรารี ในเมืองเวนิส ใช่ นี่เป็นความยิ่งใหญ่อย่างยิ่ง และใบหน้าที่ได้รับการดลใจของมารีย์ก็ไม่ได้ด้อยกว่าในด้านความแข็งแกร่งภายใน ความน่าสมเพช แรงกระตุ้นอันเร่าร้อนและสง่างามต่อภาพที่สง่างามที่สุดของโบสถ์ซิสติน

เบิร์นสันเขียนเกี่ยวกับภาพนี้ว่า “เต็มไปด้วยพลัง” “พระมารดาของพระเจ้าเสด็จขึ้นเหนือจักรวาลโดยยอมจำนนต่อเธอ... ดูเหมือนว่าในโลกทั้งโลกไม่มีพลังใดที่จะต้านทานการขึ้นสู่สวรรค์อย่างอิสระของเธอได้ เหล่าทูตสวรรค์ไม่สนับสนุนเธอ แต่ร้องเพลงถึงชัยชนะของการดำรงอยู่ของมนุษย์เหนือความอ่อนแอ”

ความยิ่งใหญ่ของโลกทัศน์และความเคร่งขรึมอันสูงส่งและสนุกสนานนี้เช่นเสียงฟ้าร้องของวงออเคสตรายังส่องสว่างด้วยความเปล่งประกายของการแต่งเพลงของทิเชียนไม่ใช่ความสนุกสนานในการวางแผนเลย แต่สร้างขึ้นโดยเขาในปีที่ดีที่สุดและสดใสที่สุดในชีวิตของเขาเมื่อเขา อุทิศตนอย่างเต็มที่เพื่อลัทธิความงามอันเป็นความดีอย่างแท้จริงซึ่งจะต้องได้รับชัยชนะในโลก สิ่งนี้ชัดเจนเป็นพิเศษในผลงานชิ้นเอกเช่น "การฝังศพ" ไม่ต้องสงสัยเลยว่านี่คือผลงานจิตรกรรมที่ไม่มีใครเทียบได้เพราะทุกสิ่งในภาพนี้สมบูรณ์แบบ: ความแตกต่างระหว่างพระวรกายที่ไร้ชีวิตและล้มลงของพระคริสต์กับร่างที่กล้าหาญของอัครสาวกที่หายใจด้วยความแข็งแกร่งและโศกนาฏกรรมขององค์ประกอบทั้งหมด ซึ่งมีความโศกเศร้าในความไพเราะที่เปี่ยมล้นด้วยความงดงามและความไพเราะดังกล่าว ความแข็งแกร่งจนดูเหมือนว่าไม่มีหรือไม่มีโทนสีที่สวยงามไปกว่านี้ในธรรมชาติ สีขาวอบอุ่น สีฟ้า สีชมพูทอง สีแทนเข้ม บางครั้งก็ลุกเป็นไฟ บางครั้งก็หายเข้าไปในความมืดมากกว่าที่ทิเชียนมอบให้กับภาพนี้

จากดนตรีแห่งสีสันจากความสามัคคีอันมหัศจรรย์ที่เขาสร้างขึ้นจาก "สสาร" พิเศษซึ่งอาจเรียกได้ว่าเป็นสิ่งมีชีวิตซึ่งเป็นวัสดุหลักของการวาดภาพทิเชียนสร้างภาพของเขาราวกับว่าแกะสลักพวกมันจากของเหลวที่ยอดเยี่ยมและบางครั้งก็เป็นของเหลว โปร่งแสง บางครั้งก็หนา ฉ่ำ อิ่มมาก ยอมจำนนต่อวัสดุที่กตัญญูเสมอ ภาพวาดดังกล่าวเป็น "ภาพวาดที่บริสุทธิ์" และความงามของแต่ละคนเป็น "ชิ้นส่วนของภาพวาด" เพราะมันเหมือนกับว่าไม่มีอะไรนอกจากภาพวาดในนั้น การวาดภาพเป็นองค์ประกอบของสีและแสงซึ่งได้รับคำสั่งจากอัจฉริยะของศิลปิน .

ในภาพวาดที่มีชื่อเสียงอีกภาพหนึ่งของทิเชียน "Denarius of Caesar" ตามตำนานพระวรสารพวกฟาริสีต้องการทำให้พระคริสต์อับอายถามเขาว่าเขาควรจ่ายภาษีให้ซีซาร์หรือไม่นั่นคือ ถึงจักรพรรดิแห่งโรมัน ซึ่งพระคริสต์ทรงตอบเขาว่า “สิ่งที่เป็นของพระเจ้าจงถวายแด่พระเจ้า และสิ่งที่เป็นของซีซาร์จงถวายแด่ซีซาร์” ต่อหน้าเรามีสองหน้า: ใบหน้าของพระคริสต์ซึ่งแกะสลักด้วยแสง และใบหน้าของฟาริสีซึ่งโผล่ออกมาจากความมืดที่ทิ้งร่องรอยไว้บนเขา ด้วยองค์ประกอบของสีและแสง ทิเชียนสื่อถึงความสูงส่งทางจิตวิญญาณของคนแรก ความต่ำต้อยและการทรยศหักหลังของวินาที ชัยชนะอันเจิดจ้าของคนแรกเหนือวินาที

ทิเชียนวาดภาพบุคคลจำนวนมาก และแต่ละภาพก็มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เพราะมันสื่อถึงเอกลักษณ์เฉพาะตัวที่มีอยู่ในตัวแต่ละคน ด้วยพู่กันของเขา เขาจับมันได้ทั้งหมด เน้นมันไปที่สีและแสง จากนั้นจึงเกลี่ยมันออกมาต่อหน้าเราเป็น “ชิ้นภาพวาด” อันงดงาม

ช่างแข็งแกร่ง พลังงานสำรอง และความโกรธที่อาจเกิดขึ้นในภาพเหมือนของ Pietro Aretino ในชายคนนี้ที่มีหน้าผากอันทรงพลัง จมูกอันทรงพลัง และเคราสีดำอันทรงพลัง! และเครื่องแต่งกายที่หรูหราและกว้างขวางของเขาดูเหมือนจะเน้นย้ำถึงขอบเขตของนิสัยที่หลงใหลและไร้ความปราณีของเขา

ผลงานชิ้นเอกอีกชิ้นของทิเชียนคือ "Madonna of Pesaro" (1519-1526) ภาพสร้างความประหลาดใจด้วยความสมบูรณ์และความยิ่งใหญ่ เสาอันทรงพลังสองอันลุกขึ้น ด้านหลังเป็นท้องฟ้าอันกว้างใหญ่ที่มีเมฆคิวมูลัสสีขาว ทางด้านขวาบนแท่นขนาดใหญ่ที่ฐานของเสาขนาดใหญ่ พระแม่มารีและพระกุมารตั้งอยู่อย่างกว้างไกลอย่างอิสระและในเวลาเดียวกันก็เรียบง่ายมาก ทางด้านซ้ายตรงข้ามกลุ่มนี้ยกขึ้นอย่างกระตือรือร้นด้วยมือของผู้ถือมาตรฐานและเอนตัวลงบนขั้นบันไดซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของดินแดนที่ถูกยึดครองธงผ้าไหมสีแดงพร้อมเสื้อคลุมแขนของบ้านผู้ดีแห่งเปซาโรกระพือปีกสูง อานม้าของมันซึ่งยกขึ้นเหนือศีรษะของพระมารดาของพระเจ้าดูเหมือนจะพิงท้องฟ้า จุดสว่างนี้สร้างสมดุลทางสีสัน (หากไม่สมดุล) กับกลุ่มของมาดอนน่า ซึ่งเสื้อผ้าของพระแม่มารีก็ถูกครอบงำด้วยผ้าไหมสีแดงเช่นกัน ในสีเดียวกันนั้นเสื้อคลุมยู่ยี่บนเข่าของอัครสาวกเปโตรที่อยู่ตรงกลางภาพและชุดหรูหราที่สวมใส่โดยหนึ่งในสมาชิกในตระกูลลูกค้าผู้สูงศักดิ์ซึ่งยืนอยู่ใต้พระแม่มารี ทุกสิ่งเต็มไปด้วยความยิ่งใหญ่และจิตวิญญาณอันสูงส่ง

แนวของความขุ่นเคืองเฉียบพลันต่อความชั่วร้ายที่ครอบงำความไม่เชื่ออย่างขมขื่นในชัยชนะของพลังแห่งความดีตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 1540 ได้รับการพัฒนาในงานของทิเชียน: พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ "มงกุฎของพระคริสต์ที่มีหนาม" - พายุโหดร้ายโศกนาฏกรรม; และ “จงดูชายคนนั้น” (1543) ภาพสุดท้ายไม่มีฉากทรมานแต่ก็น่าตกใจไม่น้อยและสะท้อนสังคมได้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ด้วยความทรมาน ก้มศีรษะลง พระคริสต์ผู้สิ้นหวังถูกนำตัวออกไปที่ระเบียงสูงหลังจากการทรมาน เขาเสีย. ปีลาตยิ้มอย่างไม่เต็มใจ เห็นไหมว่าเขาเป็นแค่ผู้ชาย ในกลุ่มฝูงชนที่มีความหลากหลายและหลากหลายในจัตุรัส บุคคลหลักที่อยู่เบื้องหน้าคือขุนนางผู้มั่งคั่งอ้วนท้วนในชุดคลุมสีแดงสดทับเสื้อคลุมผ้าทออันหรูหรา (นี่เป็นคำใบ้ถึงลำดับชั้นสูงสุดของคริสตจักรคาทอลิกหรือไม่) ด้วยการเคลื่อนไหวศีรษะโกนอย่างสบายใจบนคออันอ้วนของเขา ด้วยท่าทางที่แสดงออกทางมือขวา ดูเหมือนว่าเขาจะพูดว่า: "แน่นอน ฉันไม่สงสัยเลย เขาเป็นเพียงผู้ชายเท่านั้น" ห่างออกไปอีกหน่อย หญิงงามชุดขาว (รูปร่างคู่ขนานชัดเจน) ก้มศีรษะเศร้าโศกและอุ้มลูกชายตัวน้อย มองดูขุนนางอย่างไม่พอใจ ชายหนุ่มโดดเดี่ยวที่มุมซ้ายล่างของภาพ ใต้บันไดระเบียงหน้าบ้าน กรีดร้องอะไรบางอย่างด้วยความหวาดกลัวและขุ่นเคือง แต่ไม่มีใครฟังเขา ฝูงชนในจัตุรัสส่งเสียงดัง อยากรู้อยากเห็น และเยาะเย้ย คริสหมดแรงแล้ว

ระหว่างปี ค.ศ. 1572 ถึง ค.ศ. 1575 ทิเชียนสร้าง "มงกุฎหนาม" อันที่สอง พระคริสต์ที่ยังมีชีวิตอยู่แทบจะไม่ถูกทรมานโดยถูกมัดมือด้วยความอ่อนล้าและถูกทุบตีบนศีรษะด้วยไม้ พวกเขาลากไม้มากขึ้น และทุกคนก็พยายามที่จะทำให้มันไกลขึ้นและเจ็บปวดมากขึ้น พวกเขากำลังถือขวานอยู่แล้ว และทั้งหมดนี้เกิดขึ้นในความมืดมิดซึ่งไม่หายไป แต่ถูกเน้นย้ำด้วยแสงที่เป็นลางร้ายและเป็นไข้ของตะเกียงที่มีควัน (ดูเหมือนว่าคุณจะได้ยินเสียงไฟแตก) ภาพเต็มไปด้วยโศกนาฏกรรมที่น่าสะเทือนใจ ซึ่งดูจางลงเมื่อเปรียบเทียบกับความประทับใจอันน่าขนลุกที่เกิดจากเวอร์ชันแรกของธีมเดียวกัน ศิลปินแสดงภาพนี้ถึงชัยชนะของความเป็นมนุษย์และความไร้อำนาจแห่งความดี

ในบรรดาภาพวาดของทิเชียน มีสองภาพเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก คนเหล่านี้คือ "ผู้สำนึกผิดมารีย์ แม็กดาเลน" และ "นักบุญเซบาสเตียน" แม้ว่าทั้งสองจะแยกจากกันเป็นเวลากว่าทศวรรษ แต่ทั้งสองถูกวาดโดยศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ในวัยชราของเขา เมื่อเขาประสบความสำเร็จเหนือสีและสามารถใช้มันเพียงลำพังเพื่อสร้างองค์ประกอบที่ไร้ที่ติและเป็นพลาสติกเหมือนกับของราฟาเอล

ความโศกเศร้าอันเจ็บปวดของคนบาปที่กลับใจถูกฝังอีกครั้งในความงดงามของการวาดภาพ ถือเป็นชัยชนะของหลักธรรมที่เห็นพ้องต้องกันถึงชีวิตที่มีอยู่ในงานทั้งหมดของทิเชียน ใบหน้าของแม็กดาเลนงดงาม น้ำตาที่ไหลในดวงตาของเธอช่างสวยงาม ลอยขึ้นสู่ท้องฟ้าด้วยศรัทธาเช่นนั้น และสำหรับเราในภาพนี้มีความปีติเป็นสีรุ้ง: หญิงสาวชาวเวนิสที่กำลังเบ่งบานคนนี้ด้วยปากที่อวบอิ่มครึ่งปาก ผิวนุ่มดุจกำมะหยี่ และผมเปียหนานุ่มดุจแพรไหมอย่างน่าพิศวง และทิวทัศน์ยามเย็นในฤดูใบไม้ร่วงซึ่งก่อให้เกิดความสมบูรณ์ที่แยกไม่ออกกับเธอและความเศร้าโศกของเธอ .

“นักบุญเซบาสเตียน” เขียนโดยทิเชียนไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต หัวข้อเรื่องเป็นเรื่องน่าเศร้า แต่ก็ไม่ได้ทำให้ทิเชียนหวาดกลัว เขาต้องการเอาชนะความทุกข์ทรมาน ความหายนะ และความวิตกกังวลอันยิ่งใหญ่ของมนุษย์ที่ยึดครองจิตวิญญาณของเขาในวัยชรา และแสดงให้เราเห็นอย่างเต็มที่

เมื่อมองใกล้ ๆ ดูเหมือนว่าภาพรวมทั้งหมดจะเต็มไปด้วยความสับสนวุ่นวายของฝีแปรง ต้องชมภาพวาดของทิเชียนผู้ล่วงลับในระยะไกล แล้วความวุ่นวายก็หายไป: ในความมืดเราเห็นชายหนุ่มคนหนึ่งตายอยู่ใต้ลูกศรท่ามกลางกองไฟที่ลุกโชน

จานสีของทิเชียนสร้างซิมโฟนีสีที่น่าหวาดกลัว ราวกับประกาศภัยพิบัติของจักรวาลด้วยความสยองขวัญและความสิ้นหวัง แต่เสียงร้องแห่งความสิ้นหวังก็ถูกเอาชนะที่นี่เช่นกัน จากซิมโฟนีแห่งฝีแปรงนี้ ปรากฏร่างที่สวยงามอย่างกล้าหาญของผู้พลีชีพ และสัดส่วนในอุดมคตินี้ก็แกะสลักจากสีทั้งหมดเช่นกัน

นักเรียนคนหนึ่งของทิเชียนทิ้งคำอธิบายโดยละเอียดเกี่ยวกับวิธีการทำงานของอาจารย์ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ทำให้ซิมโฟนีแห่งสีสันนี้สมบูรณ์แบบ:

“ทิเชียนคลุมผืนผ้าใบของเขาด้วยสีจำนวนมาก ราวกับว่าทำหน้าที่เป็นเตียงหรือรากฐานสำหรับสิ่งที่เขาต้องการจะแสดงในอนาคต ตัวฉันเองเคยเห็นภาพเขียนด้านล่างที่มีพลังเช่นนี้ ซึ่งใช้แปรงที่มีสีอิ่มตัวอย่างหนาในโทนสีแดงบริสุทธิ์ ซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อร่างโครงร่างฮาล์ฟโทนหรือด้วยสีขาว ด้วยแปรงอันเดียวกัน จุ่มสีแดงก่อน บางครั้งก็เป็นสีดำ บางครั้งก็เป็นสีเหลือง เขาจึงวาดภาพนูนของส่วนที่ส่องสว่าง ด้วยทักษะที่ยอดเยี่ยมแบบเดียวกันด้วยความช่วยเหลือเพียงสี่สี เขาทำให้คำสัญญาของรูปร่างที่สวยงามจากการลืมเลือน... จากนั้นเขาก็คลุมโครงกระดูกเหล่านี้ซึ่งเป็นตัวแทนของสารสกัดจากทุกสิ่งที่สำคัญที่สุดด้วยร่างกายที่มีชีวิต ปิดท้ายด้วยการปัดซ้ำหลายครั้งจนดูเหมือนกับเขา: สิ่งเดียวที่ขาดหายไปคือการหายใจ... เขารีทัชครั้งสุดท้ายด้วยการตีนิ้วเบา ๆ เพื่อทำให้การเปลี่ยนจากไฮไลท์ที่สว่างที่สุดไปเป็นฮาล์ฟโทนราบรื่นขึ้น และลูบสีหนึ่งไปสู่อีกสีหนึ่ง บางครั้งเขาก็ใช้นิ้วเดียวกันลงเงาหนาๆ ในบางมุมเพื่อทำให้สถานที่แห่งนี้ดูดีขึ้น หรือเขาเคลือบด้วยโทนสีแดงเหมือนหยดเลือดเพื่อทำให้พื้นผิวของภาพดูมีชีวิตชีวา... ในตอนท้ายเขาวาดภาพด้วยมือของเขามากกว่าจริงๆ ด้วยแปรง”

แนวโศกนาฏกรรมในงานของทิเชียนถึงจุดสุดยอดในภาพวาดสุดท้ายของเขา - "ความคร่ำครวญของพระคริสต์" (1573-1576) ซึ่งยังคงสร้างไม่เสร็จ การกระทำเกิดขึ้นใกล้กับช่องหนักๆ ด้านหลังเป็นกำแพงว่างเปล่า ความสิ้นหวังและสิ้นหวังนี้บ่งบอกว่าศิลปินวัยเกือบ 90 ปีในภาพนี้โศกเศร้ากับตัวเอง และเห็นได้ชัดว่ามีความจริงบางอย่างในสมมติฐานนี้ แต่สิ่งที่เขาบรรยายนั้นไปไกลกว่าเรื่องส่วนตัว

ธีมการไว้ทุกข์แบบดั้งเดิมได้รับการตีความด้วยวิธีดั้งเดิมและเป็นอิสระมาก แมรี่เต็มไปด้วยชีวิตชีวาและในเวลาเดียวกันก็โศกเศร้าอย่างแสนสาหัส แมรี่จึงคุกเข่าลงที่พระวรกายของพระคริสต์ และพระวรกายก็ลื่นไถลและเริ่มพังทลายลง ความประทับใจก็คือเขาเพิ่งเสียชีวิต หรือแม้กระทั่งตอนนี้เขากำลังจะตายในอ้อมแขนของเธอ สีหน้าเหมือนยังพยายามสู้ชีวิตอยู่เหมือนอยากจะพูดอะไรบางอย่าง (ปากก็เปิดอยู่ครึ่งหนึ่งเช่นกัน) แต่ก็ทำไม่ได้อีกต่อไป ตาปิด มือซ้ายตก ไม่มีพลัง ความประทับใจนี้ได้รับความเข้มแข็งขึ้นด้วยท่าทางและการเคลื่อนไหวของนิโคเดมัสที่เพิ่งคุกเข่าลง (เสื้อคลุมของเขาหลุดออกจากไหล่ของเขาอย่างกะทันหัน) เพื่อช่วย: เขาแตะมือที่ห้อยอยู่ของพระคริสต์แล้วเงยหน้าขึ้นมองหน้าเขาหรือต้องการฟัง คำพูดสุดท้ายของเขา แต่มันก็สายเกินไปที่พระคริสต์สิ้นพระชนม์ และด้วยความตกใจกับสิ่งที่เกิดขึ้น แม็กดาเลนจึงกระโดดลุกขึ้นยืนและกรีดร้องอย่างสิ้นหวัง เธอไม่ได้ร้องไห้ แต่หันไปในทิศทางตรงกันข้าม - ไปทางซ้ายแล้วยื่นมือที่ยกขึ้นตรงนั้นเธอตะโกนว่าพระคริสต์สิ้นพระชนม์เธอโทรหาทุกคน แต่ไม่มีใครไม่มีใครรีบรับสาย ใกล้ผู้เสียชีวิตมีเพียงสามร่างเท่านั้น

ทิเชียนรับเสรีภาพอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน เขาละทิ้งการบรรยายพระกิตติคุณที่เป็นแก่นแท้ และไม่ใช่การไว้ทุกข์ต่อศพที่ถูกนำออกจากไม้กางเขน แต่เป็นการสิ้นพระชนม์ของพระเยซู ไม่ใช่บนไม้กางเขน แต่อยู่ในอ้อมแขนของมารดาของเขา ขณะนั้นต่อหน้าผู้ชม ทั้งหมดนี้ให้เหตุผลที่คิดว่าศิลปินในงานนี้โศกเศร้ากับความตายที่ใกล้เข้ามาของเขาเอง อย่างไรก็ตาม ความตื่นเต้นสุดขีดของมักดาเลน แรงกระตุ้นอันเร่าร้อนของเธอที่ส่งถึงผู้คน และการประณามเผ่าพันธุ์มนุษย์อย่างขุ่นเคือง ซึ่งรูปปั้นหินของโมเสสระเบิดออกมา เป็นพยานอย่างไม่อาจปฏิเสธได้ถึงความสำคัญทางสังคมและคำเตือนที่กว้างกว่าอย่างไม่มีใครเทียบของการสร้างสรรค์ครั้งสุดท้ายของทิเชียน นี่เป็นพินัยกรรมฝ่ายวิญญาณของเขาอย่างแท้จริง

และที่นี่เรามีศิลปินคนนี้เองที่เชี่ยวชาญองค์ประกอบของสีต่อหน้าเราในที่สุดก็เอาชนะบทบาทที่โดดเด่นของโครงร่างและด้วยเหตุนี้จึงเปิดหน้าใหม่ในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพ ศิลปินผู้มอบงานศิลปะที่สนุกสนาน เคร่งขรึม และรื่นเริงมากที่สุดในโลก ศิลปินผู้ซึ่งทั้งความเสื่อมถอยของมนุษยนิยมและความคิดเรื่องความตายไม่สามารถบดบังได้ แม้ในช่วงวัยชราที่สุดของเขาก็ตาม เขาสง่างาม สงบ และเข้มงวดในการถ่ายภาพตนเองครั้งสุดท้าย ภูมิปัญญา ความซับซ้อนที่สมบูรณ์ และจิตสำนึกในพลังสร้างสรรค์ของตนเองหายใจเข้าในใบหน้าที่น่าภาคภูมิใจนี้ด้วยจมูกอันแหลมคม หน้าผากที่สูง และรูปลักษณ์ที่เปี่ยมด้วยจิตวิญญาณและทะลุทะลวง ลักษณะเด่นของทิเชียนแกะสลักจากสีเพลิงของทิเชียน ตรงกันข้ามกับเสื้อคลุมสีดำที่ปรากฏบนผืนผ้าใบเพื่อเป็นอนุสรณ์สถานนิรันดร์สำหรับผู้ถือมาตรฐานแห่งงานศิลปะอันยิ่งใหญ่ ซึ่งเป็นอนุสาวรีย์ที่สร้างขึ้นโดยตัวเขาเองเพื่อความรุ่งโรจน์ของงานศิลปะชิ้นนี้

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาปลาย

ขั้นต่อไปในวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายซึ่งโดยทั่วไปเชื่อกันว่ามีมาอย่างต่อเนื่องตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 40 ศตวรรษที่ 16 ถึงปลายศตวรรษที่ 16 - ปีแรกของศตวรรษที่ 17

อิตาลีซึ่งเป็นแหล่งกำเนิดของยุคเรอเนซองส์ยังเป็นประเทศแรกที่ปฏิกิริยาของคาทอลิกเริ่มขึ้น ในยุค 40 ศตวรรษที่สิบหก ที่นี่การสืบสวนซึ่งข่มเหงผู้นำของขบวนการมนุษยนิยมได้รับการจัดระเบียบใหม่และเสริมกำลัง ในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 สมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 4 ทรงรวบรวม "ดัชนีหนังสือต้องห้าม" ซึ่งต่อมาได้รับการเติมด้วยผลงานใหม่หลายครั้ง รายการนี้รวมถึงงานที่ผู้เชื่อถูกห้ามไม่ให้อ่านภายใต้การคุกคามของการคว่ำบาตรเนื่องจากในความเห็นของคริสตจักร งานเหล่านั้นขัดแย้งกับหลักคำสอนพื้นฐานของศาสนาคริสต์และส่งผลเสียต่อจิตใจของผู้คน ดัชนียังรวมผลงานของนักมานุษยวิทยาชาวอิตาลีบางคน โดยเฉพาะ Giovanni Boccaccio หนังสือต้องห้ามถูกเผา ชะตากรรมเดียวกันอาจเกิดขึ้นกับผู้เขียนและผู้คัดค้านทุกคนที่ปกป้องความคิดเห็นของตนอย่างแข็งขันและไม่ต้องการประนีประนอมกับคริสตจักรคาทอลิก นักคิดและนักวิทยาศาสตร์ชั้นนำหลายคนเสียชีวิตบนความเสี่ยง ดังนั้นในปี 1600 ในกรุงโรมในจัตุรัสดอกไม้ Giordano Bruno ผู้ยิ่งใหญ่ (1540-1600) ผู้เขียนผลงานชื่อดัง "On Infinity, the Universe and Worlds" จึงถูกเผา

จิตรกร กวี ประติมากร และสถาปนิกหลายคนละทิ้งแนวคิดเรื่องมนุษยนิยม โดยมุ่งมั่นที่จะรับเอาเฉพาะ "ลักษณะ" ของบุคคลสำคัญแห่งยุคเรอเนซองส์เท่านั้น ศิลปินที่สำคัญที่สุดที่ทำงานในรูปแบบนี้ มารยาทมี Pontormo (1494-1557), Bronzino (1503-1572), ประติมากร Cellini (1500-1573) ผลงานของพวกเขาโดดเด่นด้วยความซับซ้อนและความเข้มข้นของภาพ ในเวลาเดียวกัน ศิลปินบางคนยังคงพัฒนาประเพณีการวาดภาพที่สมจริง: Veronense (1528-1588), Tintoretto (1518-1594), Caravaggio (1573-1610) พี่น้อง Caracci ผลงานของบางคน เช่น คาราวัจโจ มีอิทธิพลอย่างมากต่อพัฒนาการของการวาดภาพ ไม่เพียงแต่ในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในฝรั่งเศส สเปน แฟลนเดอร์ส และฮอลแลนด์ด้วย การแทรกซึมของวัฒนธรรมเริ่มลึกซึ้งมากขึ้นเรื่อยๆ และด้วยเหตุนี้ วัฒนธรรมทั่วยุโรป หรืออารยธรรมทั่วยุโรปจึงได้ก่อตั้งขึ้น

ขบวนการเห็นอกเห็นใจเป็นปรากฏการณ์ทั่วยุโรป: ในศตวรรษที่ 15 ลัทธิมนุษยนิยมไปไกลเกินขอบเขตของอิตาลีและแพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทั่วทั้งประเทศในยุโรปตะวันตก แต่ละประเทศมีลักษณะเฉพาะของตนเองในการพัฒนาวัฒนธรรมยุคเรอเนซองส์ ความสำเร็จในระดับชาติของตนเอง และผู้นำของตนเอง

ใน เยอรมนีแนวคิดเรื่องมนุษยนิยมเป็นที่รู้จักในกลางศตวรรษที่ 15 โดยมีอิทธิพลอย่างมากต่อแวดวงมหาวิทยาลัยและกลุ่มปัญญาชนที่ก้าวหน้า

ตัวแทนที่โดดเด่นของวรรณกรรมแนวมนุษยนิยมของเยอรมันคือ Johann Reuchlin (1455-1522) ผู้ซึ่งพยายามแสดงให้เห็นความศักดิ์สิทธิ์ในมนุษย์ เขาเป็นผู้แต่งผลงานเสียดสีชื่อดังเรื่อง Letters of Dark People ซึ่งมีกลุ่มคนที่โง่เขลาและมืดมนถูกดึงออกมา - อาจารย์และปริญญาตรีซึ่งมีวุฒิการศึกษา

การฟื้นฟูในเยอรมนีมีความเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับปรากฏการณ์ของการปฏิรูป - การเคลื่อนไหวเพื่อการปฏิรูปคริสตจักรคาทอลิกเพื่อสร้าง "คริสตจักรราคาถูก" โดยไม่มีการขู่กรรโชกและการจ่ายเงินสำหรับพิธีกรรมเพื่อชำระล้างคำสอนของคริสเตียนจากตำแหน่งที่ไม่ถูกต้องทั้งหมด หลีกเลี่ยงไม่ได้ในประวัติศาสตร์เก่าแก่หลายศตวรรษของศาสนาคริสต์ ขบวนการปฏิรูปในเยอรมนีนำโดยมาร์ติน ลูเทอร์ (ค.ศ. 1483-1546) แพทย์ด้านเทววิทยาและนักบวชแห่งอารามออกัสติเนียน เขาเชื่อว่าศรัทธาคือสภาพภายในของบุคคล ความรอดนั้นมอบให้บุคคลโดยตรงจากพระเจ้า และคนๆ หนึ่งสามารถมาหาพระเจ้าได้โดยไม่ต้องอาศัยการไกล่เกลี่ยของนักบวชคาทอลิก ลูเทอร์และผู้สนับสนุนปฏิเสธที่จะกลับไปที่คริสตจักรคาทอลิกและประท้วงข้อเรียกร้องที่จะละทิ้งความคิดเห็นของพวกเขา ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของขบวนการโปรเตสแตนต์ในศาสนาคริสต์ มาร์ติน ลูเทอร์เป็นคนแรกที่แปลพระคัมภีร์เป็นภาษาเยอรมัน ซึ่งมีส่วนช่วยอย่างมากต่อความสำเร็จของการปฏิรูป

ชัยชนะของการปฏิรูปในกลางศตวรรษที่ 16 ทำให้เกิดความเจริญก้าวหน้าทางสังคมและวัฒนธรรมของชาติ วิจิตรศิลป์เจริญรุ่งเรืองอย่างน่าทึ่ง จิตรกรและช่างแกะสลักชื่อดัง Albrecht Durer (1471-1528) ศิลปิน Hans Holbein the Younger (1497-1543) Lucas Cranach the Elder (1472-1553) ทำงานในบริเวณนี้

วรรณกรรมเยอรมันมีการเติบโตอย่างเห็นได้ชัด กวีชาวเยอรมันที่ใหญ่ที่สุดในยุคปฏิรูปคือ Hans Sachs (ค.ศ. 1494-1576) ผู้เขียนนิทาน เพลง และผลงานละครที่เสริมสร้างความเข้าใจมากมาย และ Johann Fischart (1546-1590) ผู้เขียนผลงานเสียดสีที่รุนแรง เป็นตัวแทนคนสุดท้ายของ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมัน

ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาใน เนเธอร์แลนด์คือเอราสมุสแห่งรอตเตอร์ดัม (ค.ศ. 1496-1536) ความสำคัญของผลงานของนักมานุษยวิทยาและนักการศึกษาผู้ยิ่งใหญ่ รวมถึง "In Praise of Stupidity" อันโด่งดังของเขา เพื่อการศึกษาเรื่องการคิดอย่างอิสระและทัศนคติเชิงวิพากษ์ต่อลัทธินักวิชาการและความเชื่อโชคลางนั้นมีค่าอย่างยิ่งอย่างแท้จริง ผลงานเสียดสีของเขาได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในเยอรมนี ฝรั่งเศส สเปน และอังกฤษ ด้วยรูปแบบที่ยอดเยี่ยมและเนื้อหาที่ลึกซึ้ง พวกเขาค้นหาผู้อ่านมานานหลายศตวรรษ

หนึ่งในผู้บุกเบิกและผู้ก่อตั้งลัทธิเสรีนิยมถือได้ว่าเป็นเดิร์ก คูร์นเฮิร์ต ซึ่งเป็นตัวแทนของแนวคิดเรื่องเสรีภาพ ความอดทนทางศาสนา และลัทธิสากลนิยม ผลงานของ Philip Aldohonde ผู้แต่งเพลงชาติเนเธอร์แลนด์ และศิลปิน Pieter Bruegel (1525-1569), Frans Hals (1580-1660) มีอายุย้อนไปถึงช่วงเวลาเดียวกัน คุณลักษณะของชีวิตทางวัฒนธรรมของประเทศเนเธอร์แลนด์คือสังคมวาทศิลป์ซึ่งไม่เพียงจัดขึ้นในเมืองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงหมู่บ้านและแม้แต่หมู่บ้านเล็ก ๆ ด้วย สมาชิกของสังคมเหล่านี้ (และใครๆ ก็สามารถเข้าร่วมได้) แข่งขันกันแต่งบทกวี เพลง ละคร และเรื่องราว สังคมวาทศิลป์มีส่วนช่วยในการเผยแพร่การศึกษาในสังคมและยกระดับวัฒนธรรม

ใน อังกฤษศูนย์กลางของแนวคิดเห็นอกเห็นใจคือมหาวิทยาลัยออกซ์ฟอร์ดซึ่งนักวิทยาศาสตร์ชั้นนำในยุคนั้นทำงาน - Grosin, Linacre, Colet การพัฒนามุมมองมนุษยนิยมในสาขาปรัชญาสังคมมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของโทมัสมอร์ (1478-1535) ผู้เขียน "ยูโทเปีย" ซึ่งนำเสนอต่อผู้อ่านในอุดมคติในความคิดเห็นของเขาสังคมมนุษย์: ในนั้นทุกคน เท่าเทียมกันไม่มีทรัพย์สินส่วนตัวและทองคำไม่มีมูลค่า - ใช้ทำโซ่ให้อาชญากร นักเขียนที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Philip Sidney (1554-1586), Edmund Spencer (1552-1599)

บุคคลที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอังกฤษคือ William Shakespeare (1564-1616) ผู้สร้างโศกนาฏกรรมที่โด่งดังระดับโลก "Hamlet", "King Lear", "Othello", บทละครประวัติศาสตร์ "Henry VI", "Richard III" และโคลง . เช็คสเปียร์เป็นนักเขียนบทละครที่ Globe Theatre ในลอนดอน ซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่ประชาชน ผู้คนทุกชนชั้นมาเยี่ยมชมโรงละครอังกฤษในยุคนั้น - ขุนนาง, เจ้าหน้าที่, พ่อค้า, เสมียน, ชาวนา, คนงาน, ช่างฝีมือ, กะลาสีเรือ การเพิ่มขึ้นของศิลปะการละคร ลักษณะสาธารณะและเป็นประชาธิปไตย มีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาโครงสร้างประชาธิปไตยในสังคมอังกฤษ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาใน สเปนเป็นที่ถกเถียงกันมากกว่าประเทศอื่นๆ ในยุโรป นักมานุษยวิทยาจำนวนมากที่นี่ไม่ได้ต่อต้านนิกายโรมันคาทอลิกและคริสตจักรคาทอลิก ความรักของอัศวินและนวนิยายเรื่อง Picaresque ก็แพร่หลายไป ประเภทนี้แสดงครั้งแรกโดย Fernando de Rojas ผู้แต่งโศกนาฏกรรมอันโด่งดัง "Celestina" (เขียนประมาณ ค.ศ. 1492-1497) บรรทัดนี้ได้รับการต่อยอดและพัฒนาโดย Miguel de Cervantes นักเขียนชาวสเปนผู้ยิ่งใหญ่ (1547-1616) ผู้แต่งเรื่อง "Don Quixote" ที่เป็นอมตะ และนักเสียดสี Francisco de Quevedo (1580-1645) ผู้สร้างนวนิยายชื่อดังเรื่อง "The Life Story of เป็นคนโกง”

ผู้ก่อตั้งละครระดับชาติของสเปนคือ Lope de Vega ผู้ยิ่งใหญ่ (1562-1635) ผู้แต่งผลงานวรรณกรรมมากกว่า 1,800 เรื่อง รวมถึง "The Dog in the Manger" และ "The Dancing Teacher"

จิตรกรรมสเปนประสบความสำเร็จอย่างมาก สถานที่พิเศษในนั้นถูกครอบครองโดย El Greco (1541-1614) และ Diego Velazquez (1599-1660) ซึ่งงานของเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาการวาดภาพไม่เพียง แต่ในสเปนเท่านั้น แต่ยังอยู่ในประเทศอื่น ๆ ด้วย

ใน ฝรั่งเศสขบวนการเห็นอกเห็นใจเริ่มแพร่กระจายเมื่อต้นศตวรรษที่ 16 เท่านั้น ตัวแทนที่โดดเด่นของมนุษยนิยมชาวฝรั่งเศสคือ Francois Rabelais (1494-1553) ผู้เขียนนวนิยายเสียดสีเรื่อง Gargantua และ Pantagruel ในยุค 40 ศตวรรษที่สิบหก ในฝรั่งเศส ขบวนการวรรณกรรมได้เกิดขึ้นในประวัติศาสตร์ภายใต้ชื่อ "กลุ่มดาวลูกไก่" กระแสนี้นำโดยกวีชื่อดัง Pierre de Ronsard (1524-1585) และ Joaquin du Bellay (1522-1566) กวีที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ในยุคเรอเนซองส์ของฝรั่งเศส ได้แก่ Agrippa d'Orbagne (1552-1630) และ Louise Labé (1525-1565)

หัวข้อที่สำคัญที่สุดในกวีนิพนธ์ยุคเรอเนซองส์คือการเฉลิมฉลองความรัก สิ่งบ่งชี้ในเรื่องนี้คือโคลงของปิแอร์รอนซาร์ดซึ่งมีชื่อเล่นว่า "เจ้าชายแห่งกวี" ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนากวีนิพนธ์ฝรั่งเศสโดยรวม

ตัวแทนวัฒนธรรมฝรั่งเศสที่ใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 16 มิเชล เดอ มงแตญ (ค.ศ. 1533-1592) งานหลักของเขา “การทดลอง” เป็นการสะท้อนหัวข้อทางปรัชญา ประวัติศาสตร์ และจริยธรรม Montaigne พิสูจน์ให้เห็นถึงความสำคัญของความรู้เชิงทดลองและการยกย่องธรรมชาติในฐานะครูของมนุษย์ “ประสบการณ์” ของ Montaigne มุ่งต่อต้านลัทธินักวิชาการและลัทธิคัมภีร์ ซึ่งยืนยันแนวคิดเรื่องลัทธิเหตุผลนิยม งานนี้มีผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อการพัฒนาความคิดของยุโรปตะวันตกในเวลาต่อมา

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ความสนใจในศิลปะของกรีกโบราณและโรมถูกปลุกให้ตื่นขึ้น ซึ่งกระตุ้นให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในยุโรปที่เป็นจุดสิ้นสุดของยุคกลางและจุดเริ่มต้นของยุคสมัยใหม่ ช่วงเวลานี้ไม่เพียงแต่เป็นช่วงเวลาแห่ง "การฟื้นฟู" ของอดีตโบราณเท่านั้น แต่ยังเป็นช่วงเวลาแห่งการค้นพบและการวิจัย ช่วงเวลาแห่งแนวคิดใหม่ๆ ตัวอย่างคลาสสิกเป็นแรงบันดาลใจให้เกิดความคิดใหม่ โดยให้ความสนใจเป็นพิเศษต่อบุคลิกภาพของมนุษย์ การพัฒนาและการสำแดงความสามารถ แทนที่จะเป็นข้อจำกัดซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคกลาง การสอนและการวิจัยไม่ได้เป็นเพียงงานของคริสตจักรอีกต่อไป มีโรงเรียนและมหาวิทยาลัยใหม่เกิดขึ้น มีการทดลองทางวิทยาศาสตร์ธรรมชาติและการแพทย์ ศิลปินและประติมากรต่างต่อสู้ดิ้นรนในการทำงานเพื่อความเป็นธรรมชาติ เพื่อสร้างโลกและมนุษย์ขึ้นมาใหม่อย่างสมจริง ศึกษารูปปั้นคลาสสิกและกายวิภาคของมนุษย์ ศิลปินเริ่มใช้เปอร์สเปคทีฟโดยละทิ้งภาพแบนๆ วัตถุทางศิลปะ ได้แก่ ร่างกายมนุษย์ วิชาคลาสสิกและสมัยใหม่ รวมถึงประเด็นทางศาสนา ความสัมพันธ์แบบทุนนิยมกำลังเกิดขึ้นในอิตาลี และการทูตเริ่มถูกนำมาใช้เป็นเครื่องมือในความสัมพันธ์ระหว่างนครรัฐ การค้นพบทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี เช่น การประดิษฐ์การพิมพ์ มีส่วนช่วยในการเผยแพร่แนวคิดใหม่ๆ แนวคิดใหม่ๆ ค่อยๆ เข้ามาครอบงำทั่วทั้งยุโรป

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ไททันแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้:

เอส.เอ็ม.สแตม ผู้ทรงคุณวุฒิแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ซาราตอฟ, 1991

เลฟ ลิยูบีมอฟ ศิลปะแห่งยุโรปตะวันตก มอสโก "การตรัสรู้", 2539

วัฒนธรรมวิทยา ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก เรียบเรียงโดยศาสตราจารย์ A.N. Markova มอสโก "วัฒนธรรมและกีฬา" สำนักพิมพ์ สมาคม “ความสามัคคี”, 1995

ดี. ชิสโฮล์ม. ประวัติศาสตร์โลกในวันที่ มอสโก, "รอสแมน", 2537

XIV, XV, XVI ศตวรรษ ส่วนหนึ่งถูกกำหนดไว้ในประวัติศาสตร์ศิลปะอิตาลีโดยคำว่า "trecento" (เช่น 300s), "quattrocento" (เช่น 400s) และ "cinquecento" (เช่น 500s)

การสิ้นสุดของ Quattrocento ถือเป็นการเปลี่ยนผ่านจากยุคเรอเนซองส์ตอนต้นไปสู่ยุคเรอเนซองส์สูง

Glaze - ทาสีโปร่งใสบาง ๆ โดยให้มองเห็นชั้นล่างได้

เนื้อหาของบทความ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาช่วงเวลาในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมของยุโรปตะวันตกและยุโรปกลางในช่วงศตวรรษที่ 14-16 เนื้อหาหลักคือการก่อตัวของภาพโลกใหม่ "ทางโลก" ที่เป็นฆราวาสโดยเนื้อแท้ซึ่งแตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากยุคกลาง ภาพใหม่ของโลกพบการแสดงออกในมนุษยนิยม การเคลื่อนไหวทางอุดมการณ์ชั้นนำของยุคสมัย และปรัชญาธรรมชาติที่ประจักษ์ในศิลปะและวิทยาศาสตร์ ซึ่งก่อให้เกิดการเปลี่ยนแปลงเชิงปฏิวัติ วัสดุก่อสร้างสำหรับอาคารดั้งเดิมของวัฒนธรรมใหม่คือสมัยโบราณซึ่งหันไปทางหัวของยุคกลางและซึ่งในขณะนั้น "เกิดใหม่" สู่ชีวิตใหม่ - ดังนั้นชื่อของยุค - "ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ” หรือ “ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา” (ในลักษณะภาษาฝรั่งเศส) มอบให้ในภายหลัง ถือกำเนิดในอิตาลีซึ่งเป็นวัฒนธรรมใหม่ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 ผ่านเทือกเขาแอลป์ซึ่งเป็นผลมาจากการสังเคราะห์ประเพณีของอิตาลีและท้องถิ่นทำให้เกิดวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนเหนือ ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา วัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาใหม่อยู่ร่วมกับวัฒนธรรมของยุคกลางตอนปลาย ซึ่งเป็นเรื่องปกติโดยเฉพาะในประเทศที่ตั้งอยู่ทางตอนเหนือของอิตาลี

ศิลปะ.

ด้วยความที่เทวนิยมและการบำเพ็ญตบะของภาพยุคกลางของโลก ศิลปะในยุคกลางจึงรับใช้ศาสนาเป็นหลัก ถ่ายทอดโลกและมนุษย์ในความสัมพันธ์ของพวกเขากับพระเจ้า ในรูปแบบปกติ และมุ่งความสนใจไปที่พื้นที่ของพระวิหาร ทั้งโลกที่มองเห็นและมนุษย์ไม่สามารถเป็นงานศิลปะอันทรงคุณค่าได้ในตัวมันเอง ในศตวรรษที่ 13 กระแสใหม่ถูกพบเห็นในวัฒนธรรมยุคกลาง (คำสอนอันร่าเริงของนักบุญฟรานซิส งานของดันเต้ ผู้บุกเบิกลัทธิมนุษยนิยม) ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13 นับเป็นจุดเริ่มต้นของยุคเปลี่ยนผ่านในการพัฒนาศิลปะอิตาลี - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดั้งเดิม (กินเวลาจนถึงต้นศตวรรษที่ 15) ซึ่งเตรียมหนทางสำหรับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ผลงานของศิลปินบางคนในยุคนี้ (G. Fabriano, Cimabue, S. Martini ฯลฯ ) ซึ่งค่อนข้างเป็นยุคกลางในการยึดถือนั้นตื้นตันใจกับจุดเริ่มต้นที่ร่าเริงและเป็นฆราวาสมากขึ้นตัวเลขเหล่านี้ได้รับปริมาณสัมพัทธ์ ในประติมากรรมเอาชนะความไม่มีตัวตนแบบโกธิกของตัวเลขอารมณ์แบบโกธิกลดลง (N. Pisano) นับเป็นครั้งแรกที่มีการแบ่งแยกประเพณีในยุคกลางอย่างชัดเจนในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 - หนึ่งในสามแรกของศตวรรษที่ 14 ในจิตรกรรมฝาผนังของ Giotto di Bondone ผู้แนะนำความรู้สึกของพื้นที่สามมิติในการวาดภาพวาดภาพร่างให้ใหญ่โตมากขึ้นให้ความสนใจกับสถานการณ์มากขึ้นและที่สำคัญที่สุดคือแสดงให้เห็นถึงความพิเศษของมนุษย์ต่างดาวในสไตล์โกธิคที่สูงส่งความสมจริงในการพรรณนา ของประสบการณ์ของมนุษย์

บนดินที่ได้รับการฝึกฝนโดยปรมาจารย์แห่งยุคโปรโต-เรอเนซองส์ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีเกิดขึ้น ซึ่งผ่านหลายขั้นตอนในการวิวัฒนาการ (ต้น สูง ปลาย) เมื่อเชื่อมโยงกับโลกทัศน์ใหม่ที่เป็นฆราวาสที่แสดงโดยนักมานุษยวิทยา ทำให้สูญเสียการเชื่อมโยงกับศาสนาอย่างแยกไม่ออก ภาพวาดและรูปปั้นที่แผ่ขยายออกไปนอกวัด ด้วยความช่วยเหลือของการวาดภาพ ศิลปินได้เชี่ยวชาญโลกและมนุษย์ตามที่ปรากฏต่อตา โดยใช้วิธีการทางศิลปะแบบใหม่ (การถ่ายโอนพื้นที่สามมิติโดยใช้เปอร์สเปคทีฟ (เชิงเส้น ทางอากาศ สี) สร้างภาพลวงตาของปริมาตรพลาสติก โดยคงไว้ซึ่ง สัดส่วนของตัวเลข) ความสนใจในบุคลิกภาพและลักษณะส่วนบุคคลผสมผสานกับความสมบูรณ์แบบของบุคคล การค้นหา "ความงามที่สมบูรณ์แบบ" เรื่องของประวัติศาสตร์อันศักดิ์สิทธิ์ไม่ได้ละทิ้งงานศิลปะ แต่ต่อจากนี้ไปการพรรณนาของพวกเขานั้นเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับภารกิจในการควบคุมโลกและรวบรวมอุดมคติของโลก (ดังนั้นความคล้ายคลึงกันระหว่างแบคคัสและยอห์นผู้ให้บัพติศมาโดยเลโอนาร์โดวีนัสและพระมารดาของพระเจ้า โดยบอตติเชลลี) สถาปัตยกรรมเรอเนซองส์สูญเสียความปรารถนาแบบโกธิกขึ้นไปบนท้องฟ้าและได้รับความสมดุลและสัดส่วนแบบ "คลาสสิก" สัดส่วนกับร่างกายมนุษย์ ระบบคำสั่งโบราณกำลังได้รับการฟื้นฟู แต่องค์ประกอบของคำสั่งไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของโครงสร้าง แต่เป็นการตกแต่งที่ประดับทั้งแบบดั้งเดิม (วัด วังของหน่วยงาน) และอาคารประเภทใหม่ (พระราชวังในเมือง วิลล่าในชนบท)

ผู้ก่อตั้งยุคเรอเนซองส์ตอนต้นถือเป็นจิตรกรชาวฟลอเรนซ์ มาซาชโช ผู้ซึ่งหยิบยกประเพณีของจอตโต บรรลุถึงรูปร่างที่จับต้องได้เกือบจะเป็นประติมากรรม ใช้หลักการของมุมมองเชิงเส้น และย้ายออกจากแบบแผนในการวาดภาพสถานการณ์ การพัฒนาจิตรกรรมเพิ่มเติมในศตวรรษที่ 15 ไปโรงเรียนในฟลอเรนซ์, อุมเบรีย, ปาดัว, เวนิส (F. Lippi, D. Veneziano, P. della Francesco, A. Palaiolo, A. Mantegna, C. Crivelli, S. Botticelli และอื่น ๆ อีกมากมาย) ในศตวรรษที่ 15 ประติมากรรมยุคเรอเนซองส์ถือกำเนิดและพัฒนา (L. Ghiberti, Donatello, J. della Quercia, L. della Robbia, Verrocchio และคนอื่นๆ โดนาเทลโลเป็นคนแรกที่สร้างรูปปั้นทรงกลมตั้งได้เองซึ่งไม่เกี่ยวข้องกับสถาปัตยกรรม เป็นคนแรกที่พรรณนาภาพเปลือยเปล่า ร่างกายที่แสดงออกถึงความเย้ายวน) และสถาปัตยกรรม (F. Brunelleschi, L.B. Alberti ฯลฯ) ปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 15 (โดยหลักคือ L.B. Alberti, P. della Francesco) เป็นผู้สร้างทฤษฎีวิจิตรศิลป์และสถาปัตยกรรม

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือจัดทำขึ้นโดยการเกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1420 - 1430 บนพื้นฐานของโกธิคตอนปลาย (ไม่ใช่โดยไม่ได้รับอิทธิพลทางอ้อมจากประเพณี Giottian) ซึ่งเป็นรูปแบบใหม่ในการวาดภาพที่เรียกว่า "ars nova" - "ใหม่ ศิลปะ” (ศัพท์ของ E. Panofsky) นักวิจัยกล่าวว่าพื้นฐานทางจิตวิญญาณของมันคือสิ่งแรกสุดที่เรียกว่า "ความกตัญญูใหม่" ของอาถรรพ์ทางตอนเหนือของศตวรรษที่ 15 ซึ่งสันนิษฐานว่าเป็นลัทธิปัจเจกนิยมที่เฉพาะเจาะจงและการยอมรับแบบแพนเทวนิยมของโลก ต้นกำเนิดของรูปแบบใหม่คือจิตรกรชาวดัตช์ Jan van Eyck ซึ่งเป็นผู้ปรับปรุงสีน้ำมันด้วย และปรมาจารย์จาก Flemalle ตามมาด้วย G. van der Goes, R. van der Weyden, D. Bouts, G. tot Sint Jans I. Bosch และคนอื่น ๆ (กลาง - ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15) ภาพวาดใหม่ของเนเธอร์แลนด์ได้รับการตอบรับอย่างกว้างขวางในยุโรป: ในช่วงทศวรรษที่ 1430–1450 ตัวอย่างแรกของภาพวาดใหม่ปรากฏในเยอรมนี (L. Moser, G. Mulcher โดยเฉพาะ K. Witz) ในฝรั่งเศส (ปรมาจารย์แห่งการประกาศจาก Aix และแน่นอน J .Fouquet) รูปแบบใหม่นี้โดดเด่นด้วยความสมจริงพิเศษ: การถ่ายโอนพื้นที่สามมิติผ่านเปอร์สเปคทีฟ (แม้ว่าตามกฎแล้วโดยประมาณ) ความปรารถนาในปริมาตร “ศิลปะใหม่” ที่เคร่งศาสนาอย่างลึกซึ้งสนใจในประสบการณ์ของแต่ละบุคคล ลักษณะของบุคคล การเห็นคุณค่าในตัวเขา ประการแรกคือความอ่อนน้อมถ่อมตนและความกตัญญู สุนทรียภาพของเขานั้นแปลกไปจากความน่าสมเพชของอิตาลีในเรื่องความเป็นมนุษย์ที่สมบูรณ์แบบ ความหลงใหลในรูปแบบคลาสสิก (ใบหน้าของตัวละครไม่ได้สัดส่วนอย่างสมบูรณ์ แต่เป็นเชิงมุมแบบโกธิค) ธรรมชาติและชีวิตประจำวันได้รับการถ่ายทอดด้วยความรักและรายละเอียดเป็นพิเศษ ตามปกติแล้วสิ่งต่าง ๆ ที่ทาสีอย่างระมัดระวังมีความหมายทางศาสนาและสัญลักษณ์

จริงๆ แล้ว ศิลปะของยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือถือกำเนิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 15-16 อันเป็นผลมาจากปฏิสัมพันธ์ของประเพณีศิลปะและจิตวิญญาณประจำชาติของประเทศทรานส์อัลไพน์กับศิลปะเรอเนซองส์และมนุษยนิยมของอิตาลีกับการพัฒนาของมนุษยนิยมทางตอนเหนือ ศิลปินคนแรกของประเภทเรอเนซองส์ถือได้ว่าเป็นปรมาจารย์ชาวเยอรมัน A. Durer ที่โดดเด่นซึ่งยังคงรักษาจิตวิญญาณแบบโกธิกไว้โดยไม่สมัครใจ G. Holbein the Younger สามารถทำลายสถาปัตยกรรมแบบกอธิคได้อย่างสมบูรณ์ด้วยสไตล์การวาดภาพแบบ "เป็นกลาง" ของเขา ในทางกลับกันภาพวาดของ M. Grunewald นั้นเต็มไปด้วยความสูงส่งทางศาสนา ยุคเรอเนซองส์ของเยอรมันเป็นผลงานของศิลปินรุ่นหนึ่งและมลายหายไปในทศวรรษที่ 1540 ในประเทศเนเธอร์แลนด์ในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 16 กระแสน้ำที่มุ่งเน้นไปที่ยุคเรอเนซองส์สูงและลัทธิมารยาทนิยมของอิตาลีเริ่มแพร่กระจาย (J. Gossaert, J. Scorel, B. van Orley ฯลฯ) สิ่งที่น่าสนใจที่สุดในภาพวาดของชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 16 - นี่คือการพัฒนาประเภทของการวาดภาพขาตั้งในชีวิตประจำวันและแนวนอน (K. Masseys, Patinir, Luke Leydensky) ศิลปินดั้งเดิมระดับประเทศมากที่สุดในคริสต์ทศวรรษ 1550-1560 คือพี. บรูเกลผู้อาวุโส ซึ่งเป็นเจ้าของภาพวาดในชีวิตประจำวันและแนวทิวทัศน์ ตลอดจนภาพวาดอุปมา ซึ่งมักจะเกี่ยวข้องกับนิทานพื้นบ้านและมุมมองที่น่าขันอย่างขมขื่นเกี่ยวกับชีวิตของตัวศิลปินเอง ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในประเทศเนเธอร์แลนด์สิ้นสุดลงในทศวรรษที่ 1560 ยุคเรอเนซองส์ของฝรั่งเศสซึ่งมีลักษณะของราชสำนักโดยสิ้นเชิง (ในเนเธอร์แลนด์และเยอรมนี ศิลปะมีความเกี่ยวข้องกับชาวเมืองมากกว่า) อาจเป็นงานคลาสสิกที่สุดในยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือ ศิลปะยุคเรอเนซองส์ใหม่ค่อยๆ ได้รับความแข็งแกร่งภายใต้อิทธิพลของอิตาลี เติบโตเต็มที่ในช่วงกลาง - ครึ่งหลังของศตวรรษในผลงานของสถาปนิก P. Lescot ผู้สร้างพิพิธภัณฑ์ลูฟร์, F. Delorme, ประติมากร J. Goujon และ J . Pilon จิตรกร F. Clouet, J. ลูกพี่ลูกน้องอาวุโส. “โรงเรียน Fontainebleau” ก่อตั้งขึ้นในฝรั่งเศสโดยศิลปินชาวอิตาลี Rosso และ Primaticcio ซึ่งทำงานในรูปแบบกิริยานิยม มีอิทธิพลอย่างมากต่อจิตรกรและประติมากรที่กล่าวมาข้างต้น แต่ปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสไม่ได้กลายเป็นพวกมีมารยาทโดยยอมรับรูปแบบคลาสสิก อุดมคติที่ซ่อนอยู่ภายใต้หน้ากากแห่งมารยาท ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในศิลปะฝรั่งเศสสิ้นสุดในทศวรรษที่ 1580 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีและประเทศอื่น ๆ ในยุโรปค่อยๆ หลีกทางให้กับกิริยาท่าทางและยุคบาโรกตอนต้น

ศาสตร์.

เงื่อนไขที่สำคัญที่สุดสำหรับขนาดและความสำเร็จในการปฏิวัติของวิทยาศาสตร์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือโลกทัศน์แบบมนุษยนิยม ซึ่งกิจกรรมการสำรวจโลกถูกเข้าใจว่าเป็นองค์ประกอบของชะตากรรมทางโลกของมนุษย์ ในการนี้เราจะต้องเพิ่มการฟื้นฟูของวิทยาศาสตร์โบราณ ความต้องการการนำทาง การใช้ปืนใหญ่ การสร้างโครงสร้างไฮดรอลิก ฯลฯ มีบทบาทสำคัญในการพัฒนา การเผยแพร่ความรู้ทางวิทยาศาสตร์และการแลกเปลี่ยนระหว่างนักวิทยาศาสตร์คงเป็นไปไม่ได้หากไม่มีการประดิษฐ์การพิมพ์ 1445.

ความสำเร็จแรกๆ ในสาขาคณิตศาสตร์และดาราศาสตร์มีขึ้นตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 15 และส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับชื่อของ G. Peyerbach (Purbach) และ I. Muller (Regiomontanus) มุลเลอร์สร้างตารางดาราศาสตร์ใหม่ที่ทันสมัยกว่า (แทนที่ตารางอัลฟองเซียนของศตวรรษที่ 13) - "เอเฟเมอริเดส" (ตีพิมพ์ในปี 1492) ซึ่งโคลัมบัส, วาสโก ดา กามา และนักเดินเรือคนอื่น ๆ ใช้ในการเดินทางของพวกเขา การมีส่วนร่วมสำคัญในการพัฒนาพีชคณิตและเรขาคณิตนั้นเกิดขึ้นโดยนักคณิตศาสตร์ชาวอิตาลีในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ L. Pacioli ในศตวรรษที่ 16 ชาวอิตาลี N. Tartaglia และ G. Cardano ค้นพบวิธีใหม่ในการแก้สมการระดับที่สามและสี่

เหตุการณ์ทางวิทยาศาสตร์ที่สำคัญที่สุดของศตวรรษที่ 16 คือการปฏิวัติทางดาราศาสตร์ของโคเปอร์นิคัส นิโคเลาส์ โคเปอร์นิคัส นักดาราศาสตร์ชาวโปแลนด์ในบทความของเขา ว่าด้วยการปฏิวัติของทรงกลมท้องฟ้า(ค.ศ. 1543) ปฏิเสธภาพของโลกแบบทอเลมี-อริสโตเติลที่มีศูนย์กลางทางภูมิศาสตร์ที่โดดเด่น และไม่เพียงแต่ตั้งสมมติฐานการหมุนของเทห์ฟากฟ้ารอบดวงอาทิตย์และโลกรอบแกนของมันเท่านั้น แต่ยังเป็นครั้งแรกที่แสดงรายละเอียดด้วย (Geocentrism เป็นการคาดเดาที่เกิดขึ้น ในกรีกโบราณ) ตามระบบดังกล่าวเป็นไปได้ที่จะอธิบายข้อมูลทั้งหมดของการสังเกตการณ์ทางดาราศาสตร์ได้ดีกว่าเมื่อก่อนมาก ในศตวรรษที่ 16 โดยทั่วไประบบโลกใหม่ไม่ได้รับการสนับสนุนในชุมชนวิทยาศาสตร์ มีเพียงกาลิเลโอเท่านั้นที่ให้หลักฐานที่น่าเชื่อถือเกี่ยวกับความจริงของทฤษฎีของโคเปอร์นิคัส

จากประสบการณ์ นักวิทยาศาสตร์บางคนในศตวรรษที่ 16 (ในจำนวนนี้คือ เลโอนาร์โด บี. วาร์ชี) แสดงความสงสัยเกี่ยวกับกฎของกลศาสตร์ของอริสโตเติล ซึ่งปกครองสูงสุดจนถึงเวลานั้น แต่ไม่ได้เสนอแนวทางแก้ไขปัญหาของตนเอง (ภายหลังกาลิเลโอจะทำเช่นนี้) . การฝึกฝนการใช้ปืนใหญ่มีส่วนช่วยในการกำหนดและแก้ไขปัญหาทางวิทยาศาสตร์ใหม่: Tartaglia ในบทความของเขา วิทยาศาสตร์ใหม่พิจารณาประเด็นเรื่องขีปนาวุธ Cardano ศึกษาทฤษฎีคันโยกและตุ้มน้ำหนัก Leonardo da Vinci กลายเป็นผู้ก่อตั้งระบบไฮดรอลิกส์ การวิจัยเชิงทฤษฎีของเขาเกี่ยวข้องกับการก่อสร้างโครงสร้างไฮดรอลิก งานถมที่ดิน การก่อสร้างคลอง และการปรับปรุงประตูน้ำ แพทย์ชาวอังกฤษ ดับเบิลยู กิลเบิร์ต ได้ริเริ่มการศึกษาปรากฏการณ์แม่เหล็กไฟฟ้าโดยการตีพิมพ์บทความ เกี่ยวกับแม่เหล็ก(ค.ศ. 1600) ซึ่งเขาบรรยายถึงคุณสมบัติของมัน

ทัศนคติที่สำคัญต่อเจ้าหน้าที่และการพึ่งพาประสบการณ์แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในการแพทย์และกายวิภาคศาสตร์ Flemish A. Vesalius ในผลงานอันโด่งดังของเขา เกี่ยวกับโครงสร้างของร่างกายมนุษย์(ค.ศ. 1543) บรรยายรายละเอียดร่างกายมนุษย์อย่างละเอียด โดยอาศัยข้อสังเกตมากมายของเขาเมื่อผ่าศพ วิพากษ์วิจารณ์กาเลนและเจ้าหน้าที่อื่นๆ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 16 นอกเหนือจากการเล่นแร่แปรธาตุแล้ว iatrochemistry ก็เกิดขึ้น - เคมียาซึ่งพัฒนายารักษาโรคชนิดใหม่ หนึ่งในผู้ก่อตั้งคือ F. von Hohenheim (Paracelsus) ในความเป็นจริงเขาไม่ได้ไปไกลจากพวกเขาในทางทฤษฎีด้วยการปฏิเสธความสำเร็จของรุ่นก่อน แต่ในฐานะผู้ประกอบวิชาชีพเขาได้แนะนำยาใหม่จำนวนหนึ่ง

ในศตวรรษที่ 16 แร่วิทยา พฤกษศาสตร์ และสัตววิทยาได้รับการพัฒนา (Georg Bauer Agricola, K. Gesner, Cesalpino, Rondelet, Belona) ซึ่งในยุคเรอเนซองส์อยู่ในขั้นตอนของการรวบรวมข้อเท็จจริง มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาวิทยาศาสตร์เหล่านี้โดยรายงานจากนักวิจัยของประเทศใหม่ซึ่งมีคำอธิบายของพืชและสัตว์

ในศตวรรษที่ 15 การทำแผนที่และภูมิศาสตร์กำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน ข้อผิดพลาดของปโตเลมีได้รับการแก้ไขโดยอาศัยข้อมูลในยุคกลางและสมัยใหม่ ในปี 1490 M. Beheim ได้สร้างลูกโลกลูกแรก ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 - ต้นศตวรรษที่ 16 การค้นหาเส้นทางทะเลระหว่างอินเดียและจีนของชาวยุโรป ความก้าวหน้าในการทำแผนที่และภูมิศาสตร์ ดาราศาสตร์และการต่อเรือสิ้นสุดลงในการค้นพบชายฝั่งอเมริกากลางโดยโคลัมบัส ซึ่งเชื่อว่าเขาได้ไปถึงอินเดียแล้ว (ทวีปที่เรียกว่าอเมริกาปรากฏตัวครั้งแรกบนเรือของWaldseemüller แผนที่ในปี 1507) ในปี ค.ศ. 1498 ชาวโปรตุเกส วาสโก ดา กามา เดินทางมาถึงอินเดียโดยล่องเรือรอบแอฟริกา แนวคิดในการเข้าถึงอินเดียและจีนโดยเส้นทางตะวันตกนั้นเกิดขึ้นจริงโดยคณะสำรวจของมาเจลลัน - เอลคาโนของสเปน (ค.ศ. 1519–1522) ซึ่งเดินทางรอบอเมริกาใต้และเดินทางรอบโลกครั้งแรก (พิสูจน์ความเป็นทรงกลมของโลกแล้ว) ในทางปฏิบัติ!) ในศตวรรษที่ 16 ชาวยุโรปมั่นใจว่า “โลกทุกวันนี้เปิดกว้างและเผ่าพันธุ์มนุษย์ทั้งหมดเป็นที่รู้จัก” การค้นพบครั้งยิ่งใหญ่ได้เปลี่ยนแปลงภูมิศาสตร์และกระตุ้นการพัฒนาการทำแผนที่

ศาสตร์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีผลกระทบเพียงเล็กน้อยต่อกำลังการผลิตที่พัฒนาไปตามเส้นทางของการปรับปรุงประเพณีอย่างค่อยเป็นค่อยไป ในเวลาเดียวกัน ความสำเร็จของดาราศาสตร์ ภูมิศาสตร์ และการทำแผนที่ถือเป็นข้อกำหนดเบื้องต้นที่สำคัญที่สุดสำหรับการค้นพบทางภูมิศาสตร์ครั้งใหญ่ ซึ่งนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงขั้นพื้นฐานในการค้าโลก การขยายอาณานิคม และการปฏิวัติราคาในยุโรป ความสำเร็จของวิทยาศาสตร์ในยุคเรอเนซองส์กลายเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการกำเนิดของวิทยาศาสตร์คลาสสิกในยุคปัจจุบัน

มิทรี ซาโมโตวินสกี้

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานำมาซึ่งการเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้งในทุกด้านของวัฒนธรรม - ปรัชญา วิทยาศาสตร์ และศิลปะ หนึ่งในนั้นก็คือ ซึ่งเป็นอิสระจากศาสนามากขึ้นเรื่อยๆ เลิกเป็น "สาวใช้ของเทววิทยา" แม้ว่าจะยังห่างไกลจากความเป็นอิสระโดยสมบูรณ์ก็ตาม เช่นเดียวกับวัฒนธรรมอื่นๆ คำสอนของนักคิดสมัยโบราณ โดยเฉพาะเพลโตและอริสโตเติล กำลังได้รับการฟื้นฟูในปรัชญา Marsilio Ficino ก่อตั้ง Platonic Academy ในเมืองฟลอเรนซ์ และแปลผลงานของชาวกรีกผู้ยิ่งใหญ่เป็นภาษาละติน แนวคิดของอริสโตเติลกลับคืนสู่ยุโรปก่อนหน้านี้ก่อนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ระหว่างยุคเรอเนซองส์ ตามคำบอกเล่าของลูเทอร์ “ผู้ปกครองในมหาวิทยาลัยในยุโรป ไม่ใช่พระคริสต์”

ประกอบกับคำสอนโบราณที่ว่า ปรัชญาธรรมชาติหรือปรัชญาแห่งธรรมชาติ ได้รับการเทศนาโดยนักปรัชญาเช่น B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno ผลงานของพวกเขาพัฒนาแนวความคิดที่ว่าปรัชญาไม่ควรศึกษาพระเจ้าที่เหนือธรรมชาติ แต่ศึกษาธรรมชาติเอง ว่าธรรมชาติเชื่อฟังกฎภายในของตัวเอง พื้นฐานของความรู้คือประสบการณ์และการสังเกต ไม่ใช่การเปิดเผยของพระเจ้า มนุษย์เป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติ

การเผยแพร่มุมมองเชิงปรัชญาธรรมชาติได้รับการอำนวยความสะดวกโดย ทางวิทยาศาสตร์ช่องเปิด สิ่งสำคัญคือ ทฤษฎีเฮลิโอเซนทริคเอ็น. โคเปอร์นิคัสซึ่งได้ทำการปฏิวัติแนวคิดเกี่ยวกับโลกอย่างแท้จริง

อย่างไรก็ตาม ควรสังเกตว่ามุมมองทางวิทยาศาสตร์และปรัชญาในยุคนั้นยังคงได้รับอิทธิพลอย่างเห็นได้ชัดจากศาสนาและเทววิทยา มุมมองแบบนี้มักจะอยู่ในรูปแบบ การนับถือพระเจ้าซึ่งในการดำรงอยู่ของพระเจ้าไม่ได้ถูกปฏิเสธ แต่พระองค์ทรงสลายไปในธรรมชาติและถูกระบุด้วยสิ่งนั้น ในการนี้เราต้องเพิ่มอิทธิพลของสิ่งที่เรียกว่าศาสตร์ไสยศาสตร์ - โหราศาสตร์ การเล่นแร่แปรธาตุ เวทย์มนต์ เวทมนตร์ ฯลฯ ทั้งหมดนี้เกิดขึ้นแม้กระทั่งกับนักปรัชญาอย่าง D. Bruno ก็ตาม

การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญที่สุดที่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกิดขึ้นคือ วัฒนธรรมศิลปะศิลปะในบริเวณนี้การแตกแยกของยุคกลางกลายเป็นเรื่องที่ลึกซึ้งและรุนแรงที่สุด

ในยุคกลาง ศิลปะส่วนใหญ่เป็นลักษณะของการประยุกต์ มันถูกถักทอเข้ากับชีวิตและควรจะประดับประดามัน ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะได้รับคุณค่าที่แท้จริงเป็นครั้งแรก มันกลายเป็นพื้นที่แห่งความงามที่เป็นอิสระ ในเวลาเดียวกัน ความรู้สึกทางศิลปะและสุนทรีย์ล้วนๆ ก่อตัวขึ้นในผู้ชมที่รับรู้เป็นครั้งแรก ความรักในศิลปะเพื่อประโยชน์ของตัวมันเอง และตื่นขึ้นเป็นครั้งแรก ไม่ใช่เพื่อจุดประสงค์ที่มันให้บริการ

ศิลปะไม่เคยได้รับเกียรติและความเคารพอย่างสูงเช่นนี้มาก่อน แม้แต่ในสมัยกรีกโบราณ ผลงานของศิลปินยังด้อยกว่าอย่างเห็นได้ชัดในด้านความสำคัญทางสังคมต่องานของนักการเมืองและพลเมือง ศิลปินครอบครองสถานที่ที่เรียบง่ายยิ่งขึ้นในกรุงโรมโบราณ

ตอนนี้ สถานที่และบทบาทของศิลปินในสังคมมีเพิ่มมากขึ้นอย่างนับไม่ถ้วน นับเป็นครั้งแรกที่เขาถูกมองว่าเป็นมืออาชีพ นักวิทยาศาสตร์ และนักคิดอิสระและเป็นที่เคารพนับถือ เป็นบุคคลที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะถูกมองว่าเป็นหนึ่งในวิธีการมีความรู้ที่ทรงพลังที่สุด และด้วยเหตุนี้ จึงเทียบได้กับวิทยาศาสตร์ Leonardo da Vinci มองว่าวิทยาศาสตร์และศิลปะเป็นสองวิธีในการศึกษาธรรมชาติที่เท่าเทียมกันโดยสิ้นเชิง เขาเขียนว่า: “การวาดภาพเป็นวิทยาศาสตร์และเป็นลูกสาวที่ถูกต้องตามกฎหมายของธรรมชาติ”

ศิลปะในฐานะความคิดสร้างสรรค์มีคุณค่ามากยิ่งขึ้น ในแง่ของความสามารถในการสร้างสรรค์ ศิลปินยุคเรอเนซองส์นั้นเทียบได้กับพระเจ้าผู้สร้าง จึงเป็นที่ชัดเจนว่าเหตุใดราฟาเอลจึงได้รับคำเพิ่มเติมว่า "ศักดิ์สิทธิ์" ในชื่อของเขา ด้วยเหตุผลเดียวกัน "ตลก" ของดันเต้จึงถูกเรียกว่า "ศักดิ์สิทธิ์"

การเปลี่ยนแปลงเชิงลึกกำลังเกิดขึ้นในตัวศิลปะเองมันเปลี่ยนจากสัญลักษณ์ยุคกลางอย่างเด็ดขาดและลงนามเป็นภาพที่สมจริงและภาพที่น่าเชื่อถือ วิธีการแสดงออกทางศิลปะกำลังกลายเป็นสิ่งใหม่ ปัจจุบันมีพื้นฐานอยู่บนมุมมองเชิงเส้นและทางอากาศ ปริมาตรสามมิติ และหลักคำสอนเรื่องสัดส่วน ศิลปะมุ่งมั่นที่จะทำทุกอย่างให้เป็นจริงตามความเป็นจริง เพื่อให้บรรลุถึงความเป็นกลาง ความแท้จริง และความมีชีวิตชีวา

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นภาษาอิตาลีเป็นหลัก ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจเลยที่งานศิลปะในอิตาลีในช่วงเวลานี้มีการเติบโตและเจริญรุ่งเรืองสูงสุด ที่นี่เป็นที่ที่มีชื่อไททัน อัจฉริยะ ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่และมีความสามารถมากมาย นอกจากนี้ยังมีชื่อที่ยอดเยี่ยมในประเทศอื่น ๆ แต่อิตาลีอยู่นอกเหนือการแข่งขัน

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีมักมีหลายขั้นตอน:

• ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดั้งเดิม: ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13 - ศตวรรษที่สิบสี่
• ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น: เกือบตลอดศตวรรษที่ 15
• ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง: ปลายศตวรรษที่ 15 - สามแรกของศตวรรษที่ 16
• ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย: สองในสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 16

บุคคลสำคัญของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุคแรกคือกวี Dante Alighieri (1265-1321) และจิตรกร Giotto (1266/67-1337)

โชคชะตาทำให้ดันเต้พบกับการทดลองมากมาย เขาถูกข่มเหงเพราะเข้าร่วมในการต่อสู้ทางการเมือง เขาเร่ร่อน และเสียชีวิตในต่างแดนในราเวนนา การมีส่วนร่วมของเขาในด้านวัฒนธรรมเป็นมากกว่าบทกวี เขาไม่เพียงเขียนเนื้อเพลงรักเท่านั้น แต่ยังเขียนบทความเชิงปรัชญาและการเมืองด้วย ดันเต้เป็นผู้สร้างภาษาวรรณกรรมอิตาลี บางครั้งเขาถูกเรียกว่ากวีคนสุดท้ายของยุคกลางและเป็นกวีคนแรกของยุคสมัยใหม่ หลักการทั้งสองนี้ทั้งเก่าและใหม่มีความเกี่ยวพันกันอย่างใกล้ชิดในงานของเขา

ผลงานชิ้นแรกของดันเต้ - "ชีวิตใหม่" และ "งานเลี้ยง" - เป็นบทกวีโคลงสั้น ๆ ที่มีเนื้อหาความรักซึ่งอุทิศให้กับเบียทริซอันเป็นที่รักของเขาซึ่งเขาพบครั้งหนึ่งในฟลอเรนซ์และเสียชีวิตไปเจ็ดปีหลังจากการพบกัน กวีเก็บความรักของเขาไปตลอดชีวิต ในแง่ของแนวเพลง เนื้อเพลงของ Dante สอดคล้องกับบทกวีในราชสำนักยุคกลาง โดยเป้าหมายของการสวดมนต์คือภาพลักษณ์ของ "Beautiful Lady" อย่างไรก็ตามความรู้สึกที่กวีแสดงออกมานั้นเป็นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอยู่แล้ว เกิดจากการประชุมและงานจริงที่เต็มไปด้วยความอบอุ่นจริงใจและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว

จุดสุดยอดของความคิดสร้างสรรค์ของดันเต้คือ "ตลกขั้นเทพ""ซึ่งได้ครอบครองสถานที่พิเศษในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก ในการก่อสร้างบทกวีนี้ยังสอดคล้องกับประเพณีในยุคกลางด้วย เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับการผจญภัยของชายคนหนึ่งที่พบว่าตัวเองอยู่ในชีวิตหลังความตาย บทกวีมีสามส่วน - นรก ไฟชำระ และสวรรค์ แต่ละส่วนมี 33 เพลงที่เขียนเป็นบทสามบรรทัด

เลข “สาม” ซ้ำๆ สะท้อนหลักคำสอนของคริสเตียนเรื่องตรีเอกานุภาพโดยตรง ในระหว่างเรื่องราว ดันเต้ปฏิบัติตามข้อกำหนดหลายประการของศาสนาคริสต์อย่างเคร่งครัด โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขาไม่อนุญาตให้สหายของเขาผ่านนรกทั้งเก้าและนรก - กวีชาวโรมัน Virgil - ขึ้นสู่สวรรค์เพราะคนนอกรีตถูกลิดรอนสิทธิ์ดังกล่าว ที่นี่กวีมาพร้อมกับเบียทริซอันเป็นที่รักผู้ล่วงลับของเขา

อย่างไรก็ตาม ในความคิดและการตัดสินของเขา ในทัศนคติของเขาต่อตัวละครที่ปรากฎและบาปของพวกเขา ดันเต้แตกต่างจากคำสอนของคริสเตียนบ่อยครั้งและมีนัยสำคัญมาก ดังนั้น. แทนที่คริสเตียนจะประณามความรักทางราคะว่าเป็นบาป เขาพูดถึง "กฎแห่งความรัก" ซึ่งความรักทางราคะรวมอยู่ในธรรมชาติของชีวิตด้วย ดันเต้ปฏิบัติต่อความรักของฟรานเชสก้าและเปาโลด้วยความเข้าใจและความเห็นอกเห็นใจ แม้ว่าความรักของพวกเขาจะเกี่ยวข้องกับการทรยศของฟรานเชสก้าต่อสามีของเธอก็ตาม ชัยชนะของจิตวิญญาณแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในดันเต้ในกรณีอื่นๆ เช่นกัน

ในบรรดากวีชาวอิตาลีที่มีความโดดเด่นอีกด้วย ฟรานเชสโก เปตราร์ก้า.ในวัฒนธรรมโลกเขาเป็นที่รู้จักในเรื่องของเขาเป็นหลัก โคลงในเวลาเดียวกัน เขาเป็นนักคิด นักปรัชญา และนักประวัติศาสตร์ที่หลากหลาย เขาได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้ก่อตั้งวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทั้งหมด

งานของ Petrarch ส่วนหนึ่งยังอยู่ในกรอบของบทกวีในราชสำนักยุคกลาง เช่นเดียวกับดันเต้ เขามีคนรักชื่อลอร่า ซึ่งเขาอุทิศหนังสือเพลงให้ ในเวลาเดียวกัน Petrarch ก็ทำลายความสัมพันธ์กับวัฒนธรรมยุคกลางอย่างเด็ดขาดยิ่งขึ้น ในงานของเขาความรู้สึกที่แสดงออกมา - ความรัก, ความเจ็บปวด, ความสิ้นหวัง, ความเศร้าโศก - ดูเฉียบแหลมและเปลือยเปล่ามากขึ้น องค์ประกอบส่วนบุคคลแข็งแกร่งขึ้นในตัวพวกเขา

ตัวแทนวรรณกรรมที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งคือ จิโอวานนี่ บอคคาชิโอ(1313-1375) นักเขียนชื่อดังระดับโลก เดคาเมรอน” Boccaccio ยืมหลักการสร้างคอลเลกชันเรื่องสั้นและโครงเรื่องจากยุคกลาง ทุกสิ่งทุกอย่างตื้นตันไปด้วยจิตวิญญาณแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ตัวละครหลักของเรื่องสั้นคือคนธรรมดาและคนธรรมดา เขียนด้วยภาษาพูดที่สดใส มีชีวิตชีวา และน่าประหลาดใจ ไม่มีศีลธรรมที่น่าเบื่อ ในทางกลับกัน เรื่องสั้นหลายเรื่องเปล่งประกายด้วยความรักในชีวิตและความสนุกสนาน แผนการบางเรื่องมีความรักและธรรมชาติที่เร้าอารมณ์ นอกจาก Decameron แล้ว Boccaccio ยังเขียนเรื่อง Fiametta ซึ่งถือเป็นนวนิยายแนวจิตวิทยาเรื่องแรกในวรรณคดีตะวันตก

จิออตโต ดิ บอนโดเน่เป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของอิตาลีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุคแรกเริ่มในแวดวงวิจิตรศิลป์ ประเภทหลักของเขาคือการวาดภาพปูนเปียก ทั้งหมดนี้เขียนขึ้นในหัวข้อในพระคัมภีร์ไบเบิลและตามตำนาน โดยบรรยายถึงฉากชีวิตของครอบครัวศักดิ์สิทธิ์ ผู้ประกาศข่าวประเสริฐ และนักบุญ อย่างไรก็ตาม การตีความแปลงเหล่านี้ถูกครอบงำโดยหลักการยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอย่างชัดเจน ในงานของเขา Giotto ละทิ้งแบบแผนในยุคกลางและหันไปสู่ความสมจริงและความสมจริง เขาคือผู้ที่ได้รับการยกย่องในคุณงามความดีของการฟื้นฟูการวาดภาพให้เป็นคุณค่าทางศิลปะในตัวมันเอง

ผลงานของเขาถ่ายทอดภูมิทัศน์ทางธรรมชาติได้ค่อนข้างสมจริง โดยมองเห็นต้นไม้ หิน และวัดได้ชัดเจน ตัวละครที่เข้าร่วมทั้งหมด รวมถึงนักบุญเอง ปรากฏเป็นคนที่มีชีวิต กอปรด้วยเนื้อหนัง ความรู้สึก และความหลงใหลของมนุษย์ เสื้อผ้าของพวกเขาแสดงรูปทรงตามธรรมชาติของร่างกาย ผลงานของ Giotto โดดเด่นด้วยสีสันที่สดใสและงดงามและเป็นพลาสติกที่ละเอียดอ่อน

ผลงานหลักของ Giotto คือภาพวาดของ Chapel del Arena ในปาดัว ซึ่งเล่าถึงเหตุการณ์ในชีวิตของครอบครัวศักดิ์สิทธิ์ สิ่งที่น่าประทับใจที่สุดคือวงจรกำแพง ซึ่งรวมถึงฉาก “การบินสู่อียิปต์” “จูบของยูดาส” และ “ความคร่ำครวญของพระคริสต์”

ตัวละครทุกตัวที่ปรากฎในภาพวาดดูเป็นธรรมชาติและน่าเชื่อถือ ตำแหน่งของร่างกาย ท่าทาง สถานะทางอารมณ์ การมอง ใบหน้า ทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นด้วยความโน้มน้าวใจทางจิตวิทยาที่หาได้ยาก ในขณะเดียวกันพฤติกรรมของทุกคนก็สอดคล้องกับบทบาทที่ได้รับมอบหมายอย่างเคร่งครัด แต่ละฉากมีบรรยากาศที่เป็นเอกลักษณ์

ดังนั้นในฉาก “บินสู่อียิปต์” น้ำเสียงทางอารมณ์ที่สงบนิ่งและโดยทั่วไปจึงมีชัย “The Kiss of Judas” เต็มไปด้วยความมีชีวิตชีวา การกระทำที่เฉียบคมและเด็ดขาดของตัวละครที่ต่อสู้กันอย่างแท้จริง และมีเพียงผู้เข้าร่วมหลักสองคนเท่านั้น - ยูดาสและพระคริสต์ - แข็งตัวโดยไม่เคลื่อนไหวและต่อสู้ด้วยสายตา

ฉาก “Mourning of Christ” มีจุดเด่นเป็นละครพิเศษ เธอเต็มไปด้วยความสิ้นหวังอันน่าสลดใจ ความเจ็บปวดและความทุกข์ทรมานอย่างเหลือจะทน ความโศกเศร้าและความโศกเศร้าอย่างไม่อาจปลอบใจได้

ในที่สุดยุคเรอเนซองส์ตอนต้นก็ได้สถาปนาขึ้นในที่สุด หลักสุนทรียะและศิลปะใหม่ของศิลปะในเวลาเดียวกัน เรื่องราวในพระคัมภีร์ยังคงได้รับความนิยมอย่างมาก อย่างไรก็ตาม การตีความของพวกเขาแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ยุคกลางยังเหลืออยู่เพียงเล็กน้อย

บ้านเกิด ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นฟลอเรนซ์กลายเป็นและสถาปนิกถือเป็น "บิดาแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" ฟิลิปเป้ บรูเนลเลสกี(1377-1446) ประติมากร โดนาเทลโล(1386-1466) จิตรกร มาซาชโช (1401 -1428).

Brunelleschi มีส่วนช่วยอย่างมากในการพัฒนาสถาปัตยกรรม เขาวางรากฐานของสถาปัตยกรรมเรอเนซองส์และค้นพบรูปแบบใหม่ๆ ที่คงอยู่มานานหลายศตวรรษ เขาทำอะไรมากมายเพื่อพัฒนากฎแห่งมุมมอง

งานที่สำคัญที่สุดของบรูเนลเลสกีคือการสร้างโดมเหนือโครงสร้างของอาสนวิหารซานตามาเรียเดลฟิโอเรในฟลอเรนซ์ที่สร้างเสร็จเรียบร้อยแล้ว เขาต้องเผชิญกับงานที่ยากมาก เนื่องจากโดมที่ต้องการจะต้องมีขนาดมหึมา - เส้นผ่านศูนย์กลางประมาณ 50 ม. ด้วยความช่วยเหลือจากการออกแบบดั้งเดิม เขาจึงสามารถเอาชนะสถานการณ์ที่ยากลำบากได้อย่างยอดเยี่ยม ด้วยวิธีการแก้ปัญหาที่พบ ไม่เพียงแต่ตัวโดมเท่านั้นที่กลับกลายเป็นแสงสว่างอย่างน่าประหลาดใจและราวกับลอยอยู่เหนือเมือง แต่อาคารทั้งหลังของมหาวิหารได้รับความสามัคคีและความสง่างาม

ผลงานที่สวยงามไม่แพ้กันของ Brunelleschi คือโบสถ์ Pazzi ที่มีชื่อเสียงซึ่งสร้างขึ้นในลานภายในของโบสถ์ Santa Croce ในฟลอเรนซ์ เป็นอาคารทรงสี่เหลี่ยมเล็กๆ ตรงกลางมีโดมปกคลุม ด้านในปูด้วยหินอ่อนสีขาว เช่นเดียวกับอาคารอื่นๆ ของ Brunelleschi ห้องสวดมนต์แห่งนี้โดดเด่นด้วยความเรียบง่าย ความชัดเจน ความสง่างาม และความสง่างาม

งานของบรูเนลเลสกีมีความโดดเด่นตรงที่เขาก้าวไปไกลกว่าอาคารทางศาสนา และสร้างอาคารอันงดงามที่เป็นสถาปัตยกรรมแบบฆราวาส ตัวอย่างที่ดีของสถาปัตยกรรมดังกล่าวคือบ้านพักพิงทางการศึกษาที่สร้างขึ้นในรูปของตัวอักษร "P" พร้อมเฉลียงเฉลียงที่มีหลังคาคลุม

โดนาเทลโลประติมากรชาวฟลอเรนซ์เป็นหนึ่งในผู้สร้างที่โดดเด่นที่สุดในยุคเรอเนซองส์ตอนต้น เขาทำงานในหลากหลายประเภท แสดงให้เห็นนวัตกรรมที่แท้จริงในทุกที่ ในงานของเขา Donatello ใช้มรดกโบราณโดยอาศัยการศึกษาธรรมชาติอย่างลึกซึ้งและปรับปรุงวิธีการแสดงออกทางศิลปะอย่างกล้าหาญ

เขามีส่วนร่วมในการพัฒนาทฤษฎีเปอร์สเปคทีฟเชิงเส้น ฟื้นภาพเหมือนประติมากรรมและภาพร่างเปลือยเปล่า และหล่ออนุสาวรีย์สำริดแห่งแรก ภาพที่เขาสร้างขึ้นเป็นศูนย์รวมของอุดมคติแบบเห็นอกเห็นใจของบุคลิกภาพที่พัฒนาอย่างกลมกลืน ด้วยผลงานของเขา Donatello มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาประติมากรรมยุโรปในเวลาต่อมา

ความปรารถนาของ Donatello ที่จะสร้างอุดมคติให้กับบุคคลที่แสดงภาพนั้นแสดงออกมาอย่างชัดเจน รูปปั้นของหนุ่มเดวิดในงานนี้ เดวิดปรากฏเป็นชายหนุ่มรูปงามที่เต็มไปด้วยความแข็งแกร่งทั้งกายและใจ ความงามของร่างกายที่เปลือยเปล่าของเขาถูกเน้นด้วยลำตัวที่โค้งงออย่างสง่างามของเขา ใบหน้าอ่อนเยาว์แสดงถึงความครุ่นคิดและความโศกเศร้า รูปปั้นนี้ตามมาด้วยรูปปั้นเปลือยจำนวนหนึ่งในประติมากรรมยุคเรอเนซองส์

หลักการที่กล้าหาญฟังดูหนักแน่นและชัดเจน รูปปั้นเซนต์ จอร์จ,ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์ของโดนาเทลโล ที่นี่เขาประสบความสำเร็จอย่างเต็มที่ในการรวบรวมแนวคิดเรื่องบุคลิกภาพที่แข็งแกร่ง เบื้องหน้าเราคือนักรบผู้สูงเพรียว กล้าหาญ สงบ และมั่นใจในตนเอง ในงานนี้ปรมาจารย์ได้พัฒนาประเพณีที่ดีที่สุดของประติมากรรมโบราณอย่างสร้างสรรค์

ผลงานคลาสสิกของ Donatello คือรูปปั้นทองสัมฤทธิ์ของผู้บัญชาการ Gattamelatta ซึ่งเป็นอนุสาวรีย์ขี่ม้าแห่งแรกในศิลปะเรอเนซองส์ ที่นี่ประติมากรผู้ยิ่งใหญ่เข้าถึงระดับสูงสุดของลักษณะทั่วไปทางศิลปะและปรัชญาซึ่งทำให้งานนี้ใกล้ชิดกับสมัยโบราณมากขึ้น

ในเวลาเดียวกัน Donatello ได้สร้างภาพบุคคลที่มีบุคลิกเฉพาะตัวและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ผู้บัญชาการปรากฏเป็นวีรบุรุษยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่แท้จริง เป็นคนกล้าหาญ สงบ และมั่นใจในตนเอง รูปปั้นนี้โดดเด่นด้วยรูปแบบที่พูดน้อย ความเป็นพลาสติกที่ชัดเจนและชัดเจน และความเป็นธรรมชาติของท่าทางของผู้ขี่และม้า ด้วยเหตุนี้อนุสาวรีย์จึงกลายเป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงของงานประติมากรรมที่ยิ่งใหญ่

ในช่วงสุดท้ายของการสร้างสรรค์ Donatello ได้สร้างกลุ่มทองสัมฤทธิ์ "Judith and Holofernes" งานนี้เต็มไปด้วยพลวัตและดราม่า: จูดิธเป็นภาพในขณะที่เธอยกดาบขึ้นเหนือโฮโลเฟิร์นที่ได้รับบาดเจ็บแล้ว เพื่อทำให้เขาจบสิ้น

มาซาชโชถือว่าเป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนต้นอย่างถูกต้อง เขาสานต่อและพัฒนาเทรนด์ที่มาจาก Giotto มาซาชโชมีอายุเพียง 27 ปีและทำอะไรได้เพียงเล็กน้อย อย่างไรก็ตาม จิตรกรรมฝาผนังที่เขาสร้างขึ้นได้กลายเป็นโรงเรียนสอนวาดภาพอย่างแท้จริงสำหรับศิลปินชาวอิตาลีรุ่นต่อๆ ไป ตามคำกล่าวของวาซารี ผู้ร่วมสมัยในยุคเรอเนซองส์สูงและนักวิจารณ์ที่เชื่อถือได้ “ไม่มีเจ้านายคนใดเข้าใกล้ปรมาจารย์ยุคใหม่ได้มากเท่ากับมาซาชโช”

ผลงานหลักของมาซาชโชคือจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์ Brancacci ของโบสถ์ซานตามาเรียเดลคาร์มิเนในฟลอเรนซ์ ซึ่งบอกเล่าเรื่องราวตอนต่างๆ จากตำนานของนักบุญเปโตร และยังแสดงภาพฉากในพระคัมภีร์สองฉาก - "การล่มสลาย" และ "การขับออกจากสวรรค์" ”

แม้ว่าจิตรกรรมฝาผนังจะบอกถึงปาฏิหาริย์ที่ทำโดยนักบุญ ปีเตอร์ ไม่มีอะไรเหนือธรรมชาติหรือลึกลับในตัวพวกเขาเลย ภาพพระคริสต์ เปโตร อัครสาวก และผู้เข้าร่วมคนอื่นๆ ในเหตุการณ์นี้ดูเหมือนจะเป็นคนทางโลกโดยสมบูรณ์ พวกเขามีลักษณะเฉพาะตัวและประพฤติตนตามธรรมชาติและเป็นมนุษย์อย่างสมบูรณ์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในฉาก “บัพติศมา” มีการแสดงชายหนุ่มเปลือยที่ตัวสั่นจากความหนาวเย็นได้อย่างน่าประหลาดใจ Masaccio สร้างองค์ประกอบภาพของเขาไม่เพียงแต่เป็นเส้นตรงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงมุมมองทางอากาศด้วย

สมควรได้รับการกล่าวถึงเป็นพิเศษตลอดทั้งวงจร ปูนเปียก "ขับไล่จากสวรรค์"นับเป็นผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกที่แท้จริง ภาพปูนเปียกมีความกระชับมากไม่มีอะไรฟุ่มเฟือยในนั้น เหนือพื้นหลังของภูมิประเทศที่คลุมเครือ มองเห็นร่างของอาดัมและเอวาที่ออกจากประตูสวรรค์ได้ชัดเจน เหนือนั้นมีทูตสวรรค์ถือดาบบินวนอยู่ ความสนใจทั้งหมดมุ่งเน้นไปที่แม่และเอวา

มาซาชโชเป็นบุคคลแรกในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพที่วาดภาพร่างเปลือยอย่างน่าเชื่อและเป็นจริง เพื่อถ่ายทอดสัดส่วนตามธรรมชาติ เพื่อให้มีความมั่นคงและเคลื่อนไหว สภาพภายในของตัวละครก็น่าเชื่อและแสดงออกอย่างชัดเจนไม่แพ้กัน เมื่อเดินอย่างกว้างขวาง อดัมก้มศีรษะลงด้วยความอับอายและเอามือปิดหน้า อีฟสะอื้นสะอื้นกลับไปด้วยความสิ้นหวังพร้อมอ้าปากค้าง ภาพปูนเปียกนี้เปิดศักราชใหม่ในงานศิลปะ

สิ่งที่ Masaccio ทำคือศิลปินเช่น อันเดรีย มานเทญ่า(1431-1506) และ ซานโดร บอตติเชลลี(1455-1510) คนแรกมีชื่อเสียงในด้านภาพวาดเป็นหลักซึ่งมีสถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยจิตรกรรมฝาผนังที่เล่าเกี่ยวกับตอนสุดท้ายของชีวิตของนักบุญ ยาโคบ - ขบวนสู่การประหารชีวิตและการประหารชีวิต บอตติเชลลีชอบวาดภาพขาตั้ง ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ "Spring" และ "The Birth of Venus"

นับตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 15 เมื่องานศิลปะของอิตาลีมีความเจริญรุ่งเรืองสูงสุด ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงสำหรับอิตาลีช่วงนี้ถือว่ายากมาก มันถูกกระจัดกระจายและไม่สามารถป้องกันได้ มันถูกทำลายล้างอย่างแท้จริง ถูกปล้นและทำให้เลือดขาวโดยการรุกรานจากฝรั่งเศส สเปน เยอรมนี และตุรกี อย่างไรก็ตาม ศิลปะในช่วงเวลานี้มีความเจริญรุ่งเรืองอย่างที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน ในเวลานี้เองที่ยักษ์ใหญ่อย่าง Leonardo da Vinci สร้างขึ้น ราฟาเอล. ไมเคิลแองเจโล, ทิเชียน.

ในทางสถาปัตยกรรม จุดเริ่มต้นของยุคเรอเนซองส์สูงมีความเกี่ยวข้องกับความคิดสร้างสรรค์ โดนาโต บรามันเต้(1444-1514) เขาคือผู้สร้างสไตล์ที่กำหนดการพัฒนาสถาปัตยกรรมในยุคนี้

ผลงานในยุคแรกๆ ของเขาคือโบสถ์ของอารามซานตามาเรีย เดลลา กราซีในมิลาน ในโรงอาหารซึ่งเลโอนาร์โด ดา วินชีจะวาดภาพปูนเปียกอันโด่งดังของเขาเรื่อง "The Last Supper" ชื่อเสียงของพระองค์เริ่มต้นจากโบสถ์เล็กๆ ที่เรียกว่า เทมเปตโต(1502) สร้างขึ้นในกรุงโรมและกลายเป็น "แถลงการณ์" ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง โบสถ์มีรูปทรงโค้งมน โดดเด่นด้วยความเรียบง่ายของวิธีการทางสถาปัตยกรรม ความกลมกลืนของส่วนต่างๆ และการแสดงออกที่หาได้ยาก นี่เป็นผลงานชิ้นเอกเพียงเล็กน้อยจริงๆ

จุดสุดยอดในผลงานของ Bramante คือการบูรณะนครวาติกันขึ้นใหม่และการเปลี่ยนแปลงอาคารต่างๆ ให้กลายเป็นชุดเดียว เขายังพัฒนาการออกแบบอาสนวิหารเซนต์. ปีเตอร์ ซึ่งไมเคิลแองเจโลจะทำการเปลี่ยนแปลงและเริ่มนำไปใช้

ดูเพิ่มเติม: มิเกลันเจโล บูโอนาร์โรติ

ในศิลปะยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีสถานที่พิเศษตรงบริเวณ เวนิสโรงเรียนที่พัฒนาที่นี่แตกต่างอย่างมากจากโรงเรียนในฟลอเรนซ์ โรม มิลาน หรือโบโลญญา ลัทธิหลังมุ่งเน้นไปที่ประเพณีที่มั่นคงและความต่อเนื่อง พวกเขาไม่โน้มเอียงไปสู่การฟื้นฟูที่รุนแรง มันเป็นโรงเรียนเหล่านี้ที่ความคลาสสิกของศตวรรษที่ 17 อาศัย และนีโอคลาสสิกในศตวรรษต่อมา

โรงเรียนเวนิสทำหน้าที่เป็นตัวถ่วงและต่อต้านพวกเขา จิตวิญญาณแห่งนวัตกรรมและการต่ออายุการปฏิวัติที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงครอบงำอยู่ที่นี่ ในบรรดาตัวแทนของโรงเรียนภาษาอิตาลีอื่น ๆ เลโอนาร์โดอยู่ใกล้กับเมืองเวนิสมากที่สุด บางทีความหลงใหลในการค้นหาและการทดลองของเขาอาจพบความเข้าใจและการยอมรับได้ที่นี่ ในข้อพิพาทอันโด่งดังระหว่างศิลปิน "เก่าและใหม่" ฝ่ายหลังอาศัยตัวอย่างของเวนิส นี่คือที่มาของกระแสที่นำไปสู่ยุคบาโรกและยวนใจ แม้ว่าชาวโรแมนติกจะเคารพราฟาเอล แต่เทพเจ้าที่แท้จริงของพวกเขาก็คือทิเชียนและเวโรนีส ในเมืองเวนิส El Greco ได้รับหน้าที่สร้างสรรค์ซึ่งทำให้เขาสามารถเขย่าภาพวาดภาษาสเปนได้ เวลาซเกซผ่านเมืองเวนิส เช่นเดียวกันกับศิลปินชาวเฟลมิช Rubens และ Van Dyck

ในฐานะเมืองท่า เวนิสพบว่าตัวเองอยู่ที่ทางแยกระหว่างเส้นทางเศรษฐกิจและการค้า ได้รับอิทธิพลจากเยอรมนีตอนเหนือ ไบแซนเทียม และตะวันออก เวนิสได้กลายเป็นสถานที่แสวงบุญของศิลปินมากมาย A. Durer มาที่นี่สองครั้ง - ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 และต้นศตวรรษที่ 16 เกอเธ่มาเยี่ยมเธอ (พ.ศ. 2333) วากเนอร์ฟังการร้องเพลงของคนแจวเรือที่นี่ (พ.ศ. 2400) ภายใต้แรงบันดาลใจที่เขาเขียนองก์ที่สองของ Tristan และ Isolde Nietzsche ยังฟังเสียงร้องเพลงของคนแจวเรือ เรียกว่าเป็นการร้องเพลงแห่งจิตวิญญาณ

ความใกล้ชิดของทะเลทำให้เกิดของเหลวและรูปแบบการเคลื่อนไหวมากกว่าโครงสร้างทางเรขาคณิตที่ชัดเจน เวนิสไม่ได้สนใจเหตุผลมากนักกับกฎเกณฑ์ที่เข้มงวด แต่กับความรู้สึกซึ่งเป็นที่มาของบทกวีที่น่าทึ่งของศิลปะเวนิส จุดเน้นของบทกวีนี้คือธรรมชาติ - วัตถุที่มองเห็นและจับต้องได้ ผู้หญิง - ความงามที่น่าตื่นเต้นของเนื้อหนังของเธอ ดนตรี - เกิดจากการเล่นสีและแสง และจากเสียงที่น่าหลงใหลของธรรมชาติที่จิตวิญญาณ

ศิลปินของโรงเรียนเวนิสไม่ได้ให้ความสำคัญกับรูปแบบและการออกแบบ แต่ชอบเรื่องสี การเล่นแสงและเงา เพื่อสื่อถึงธรรมชาติ พวกเขาพยายามถ่ายทอดแรงกระตุ้นและการเคลื่อนไหว ความแปรปรวน และความลื่นไหลของมัน พวกเขาเห็นความงามของร่างกายผู้หญิงไม่มากนักในความกลมกลืนของรูปแบบและสัดส่วน แต่เห็นในสิ่งมีชีวิตและความรู้สึกของเนื้อหนังเอง

ความน่าเชื่อถือและความถูกต้องตามความเป็นจริงยังไม่เพียงพอสำหรับพวกเขา พวกเขาพยายามเปิดเผยความร่ำรวยที่มีอยู่ในการวาดภาพ สำหรับเวนิสแล้วข้อดีของการค้นพบหลักการของภาพที่บริสุทธิ์หรือความงดงามในรูปแบบที่บริสุทธิ์นั้นถือเป็นของ ศิลปินชาวเวนิสเป็นคนแรกที่แสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ในการแยกภาพที่งดงามออกจากวัตถุและรูปแบบความเป็นไปได้ในการแก้ปัญหาการวาดภาพด้วยความช่วยเหลือของสีเดียววิธีการแสดงภาพล้วนๆความเป็นไปได้ในการพิจารณาภาพที่งดงามเป็นจุดสิ้นสุดในตัวเอง การวาดภาพที่ตามมาทั้งหมดซึ่งขึ้นอยู่กับการแสดงออกและการแสดงออกจะเป็นไปตามเส้นทางนี้ ตามที่ผู้เชี่ยวชาญบางคนกล่าวว่าจาก Titian เราสามารถไปยัง Rubens และ Rembrandt จากนั้นไปที่ Delacroix และจากเขาไปยัง Gauguin, Van Gogh, Cezanne เป็นต้น

ผู้ก่อตั้งโรงเรียนเวเนเชี่ยนคือ จอร์โจเน(1476-1510) ในงานของเขาเขาทำหน้าที่เป็นผู้ริเริ่มที่แท้จริง ในที่สุดหลักการทางโลกก็มีชัยเหนือเขา และแทนที่จะเขียนเรื่องในพระคัมภีร์ เขาชอบเขียนในรูปแบบที่เป็นตำนานและวรรณกรรม ในงานของเขามีการสร้างภาพวาดขาตั้งซึ่งไม่มีลักษณะคล้ายกับไอคอนหรือรูปแท่นบูชาอีกต่อไป

Giorgione เปิดศักราชใหม่ของการวาดภาพ โดยเป็นคนแรกที่ได้วาดภาพจากชีวิตจริง เป็นครั้งแรกที่เขาวาดภาพธรรมชาติ โดยเน้นไปที่ความคล่องตัว ความแปรปรวน และความลื่นไหล ตัวอย่างที่ดีของเรื่องนี้คือภาพวาด "พายุฝนฟ้าคะนอง" ของเขา จอร์จิโอเนคือผู้ที่เริ่มมองหาความลับของการวาดภาพในแสงและการเปลี่ยนผ่านในการเล่นแสงและเงา โดยทำหน้าที่เป็นบรรพบุรุษของคาราวัจโจและคาราวัจโจ

Giorgione สร้างสรรค์ผลงานประเภทและธีมต่างๆ - "Rural Concert" และ "Judith" ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ "ดาวศุกร์หลับ"- ภาพนี้ไม่มีเนื้อเรื่องใดๆ เธอเชิดชูความงามและเสน่ห์ของร่างกายเปลือยเปล่าของผู้หญิง ซึ่งเป็นตัวแทนของ "การเปลือยเพื่อประโยชน์ของตัวมันเอง"

หัวหน้าโรงเรียนเวเนเชี่ยนคือ ทิเชียน(ประมาณ ค.ศ. 1489-1576) ผลงานของเขา - ร่วมกับผลงานของ Leonardo, Raphael และ Michelangelo - ถือเป็นจุดสุดยอดของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ชีวิตอันยาวนานของเขาส่วนใหญ่อยู่ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

ในผลงานของทิเชียน ศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์มีความเจริญรุ่งเรืองและการออกดอกสูงสุด ผลงานของเขาผสมผสานการค้นหาที่สร้างสรรค์และนวัตกรรมของ Leonardo ความงามและความสมบูรณ์แบบของราฟาเอล ความลึกซึ้งทางจิตวิญญาณ ละคร และโศกนาฏกรรมของ Michelangelo พวกเขาโดดเด่นด้วยความเย้ายวนที่ไม่ธรรมดาเนื่องจากมีผลกระทบอย่างมากต่อผู้ชม ผลงานของทิเชียนมีดนตรีและไพเราะอย่างน่าประหลาดใจ

ดังที่รูเบนส์ตั้งข้อสังเกตว่า การวาดภาพของทิเชียนได้รสชาติของมัน และตามคำกล่าวของเดลาครัวซ์และแวนโก๊ะ ดนตรี ผืนผ้าใบของเขาทาสีด้วยลายเส้นเปิดซึ่งในเวลาเดียวกันก็สว่าง อิสระ และโปร่งใส ในผลงานของเขา สีดูเหมือนจะละลายและดูดซับรูปแบบ และหลักการวาดภาพได้รับความเป็นอิสระเป็นครั้งแรกและปรากฏในรูปแบบที่บริสุทธิ์ ความสมจริงในผลงานของเขากลายเป็นบทกวีที่มีเสน่ห์และละเอียดอ่อน

ในงานยุคแรก ทิเชียนยกย่องความสุขของชีวิตอย่างไร้กังวล ความเพลิดเพลินในสิ่งของทางโลก พระองค์ทรงเชิดชูหลักการทางราคะ เนื้อมนุษย์ที่เปี่ยมไปด้วยสุขภาพ ความงามอันเป็นนิรันดร์ของร่างกาย ความสมบูรณ์แบบทางกายภาพของมนุษย์ ภาพวาดของเขาเช่น "Earthly and Heavenly Love", "Feast of Venus", "Bacchus and Ariadne", "Danae", "Venus and Adonis" อุทิศให้กับสิ่งนี้

หลักการทางความรู้สึกมีอิทธิพลเหนือในภาพ “แม็กดาเลนผู้สำนึกผิด” แม้ว่าจะทุ่มเทให้กับสถานการณ์ที่น่าทึ่งก็ตาม แต่ที่นี่เช่นกัน คนบาปที่กลับใจมีเนื้อหนังที่น่าหลงใหล ร่างกายที่น่าหลงใหลเปล่งประกาย ริมฝีปากที่อิ่มเอิบ แก้มสีดอกกุหลาบ และผมสีทอง ผืนผ้าใบ "Boy with Dogs" เต็มไปด้วยบทกวีที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ

ในงานช่วงที่สองหลักการทางความรู้สึกยังคงอยู่ แต่เสริมด้วยจิตวิทยาและการละครที่เพิ่มมากขึ้น โดยรวมแล้ว ทิเชียนค่อยๆ เปลี่ยนแปลงจากกายภาพและราคะไปสู่จิตวิญญาณและละคร การเปลี่ยนแปลงที่กำลังดำเนินอยู่ในงานของทิเชียนนั้นมองเห็นได้ชัดเจนในรูปแบบของธีมและหัวข้อที่ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่กล่าวถึงสองครั้ง ตัวอย่างทั่วไปในเรื่องนี้คือภาพวาด "นักบุญเซบาสเตียน" ในเวอร์ชั่นแรก ชะตากรรมของผู้ทนทุกข์ที่ถูกผู้คนทอดทิ้งไม่ได้ดูเศร้าเกินไป ในทางตรงกันข้ามนักบุญที่ปรากฎนั้นมีความมีชีวิตชีวาและความงามทางร่างกาย ในภาพวาดเวอร์ชันต่อมาซึ่งตั้งอยู่ในอาศรม ภาพเดียวกันนี้ใช้ลักษณะของโศกนาฏกรรม

ตัวอย่างที่โดดเด่นยิ่งกว่านั้นคือภาพวาด "The Crowning of Thorns" ที่อุทิศให้กับเหตุการณ์หนึ่งจากชีวิตของพระคริสต์ ในตอนแรกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ พระคริสต์ทรงปรากฏเป็นนักกีฬาที่มีร่างกายสวยงามและแข็งแกร่ง สามารถต่อต้านผู้ข่มขืนได้ ในเวอร์ชันมิวนิกซึ่งสร้างขึ้นในอีก 20 ปีต่อมา ตอนเดียวกันนี้ถ่ายทอดได้ลึกกว่า ซับซ้อนกว่า และมีความหมายมากกว่ามาก พระคริสต์ทรงสวมเสื้อคลุมสีขาว พระเนตรของเขาปิดลง เขาอดทนต่อการทุบตีและความอัปยศอดสูอย่างใจเย็น ตอนนี้สิ่งสำคัญไม่ใช่การสวมมงกุฎและการทุบตีไม่ใช่ปรากฏการณ์ทางกายภาพ แต่เป็นปรากฏการณ์ทางจิตวิทยาและจิตวิญญาณ ภาพนี้เต็มไปด้วยโศกนาฏกรรมอันลึกซึ้งเป็นการแสดงออกถึงชัยชนะของจิตวิญญาณความสูงส่งทางวิญญาณเหนือความแข็งแกร่งทางร่างกาย

ในงานต่อมาของทิเชียน เสียงโศกนาฏกรรมเริ่มเข้มข้นขึ้นเรื่อยๆ สิ่งนี้เห็นได้จากภาพวาด "คร่ำครวญของพระคริสต์"