สามขั้นตอนหลักของแนวโรแมนติกทางดนตรียุโรปของศตวรรษที่ 19 - ช่วงต้นวัยผู้ใหญ่และช่วงปลาย - สอดคล้องกับขั้นตอนของการพัฒนาดนตรีโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมัน แต่ต้องระบุและชี้แจงช่วงเวลานี้ให้สอดคล้องกับเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในศิลปะดนตรีของแต่ละประเทศ
ยุคแรกของแนวโรแมนติกทางดนตรีเยอรมัน-ออสเตรียเกิดขึ้นตั้งแต่ปี 1910 ถึง 1920 ซึ่งประจวบกับจุดสูงสุดของการต่อสู้กับการปกครองของนโปเลียนและการโจมตีทางการเมืองที่มืดมนในเวลาต่อมา จุดเริ่มต้นของเวทีนี้โดดเด่นด้วยปรากฏการณ์ทางดนตรีเช่นโอเปร่า "Ondine" โดย Hoffmann (1913), "Silvana" (1810), "Abu Hasan" (1811) และชิ้นส่วนเปียโนของโปรแกรม "Invitation to the Dance" (1815 ) โดย Weber เพลงต้นฉบับอย่างแท้จริงเพลงแรกของชูเบิร์ต - "Margarita at the Spinning Wheel" (1814) และ "The Forest King" (1815) ในยุค 20 ความมั่งคั่งของแนวโรแมนติกในยุคแรกเริ่มต้นขึ้นเมื่ออัจฉริยะของชูเบิร์ตที่จางหายไปในยุคแรกเปิดตัวอย่างเต็มกำลังเมื่อ The Magic Shooter, Euryata และ Oberon ปรากฏตัว - สามโอเปร่าที่สมบูรณ์แบบที่สุดของ Beber ในปีที่การเสียชีวิต (พ.ศ. 2363) "ผู้ทรงคุณวุฒิ" ใหม่กำลังปรากฏบนขอบฟ้าทางดนตรี - Mendelssohn-Bartholdy ผู้แสดงคอนเสิร์ตที่ยอดเยี่ยม - A Midsummer Night's Dream
เวทีกลางตกอยู่ในช่วงทศวรรษที่ 30-40 เป็นหลัก ขอบเขตกำหนดโดยการปฏิวัติเดือนกรกฎาคมในฝรั่งเศส ซึ่งส่งผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อแวดวงที่ก้าวหน้าของออสเตรียและโดยเฉพาะอย่างยิ่งเยอรมนี และการปฏิวัติในปี 1848-1949 ซึ่งกวาดล้างอย่างทรงพลังผ่าน ดินแดนเยอรมัน-ออสเตรีย ในช่วงเวลานี้ ความคิดสร้างสรรค์ของ Mendelssohn (เสียชีวิตในปี 1147) และ Schumann เจริญรุ่งเรืองในเยอรมนี ซึ่งกิจกรรมการประพันธ์เพลงข้ามเส้นที่ระบุเพียงสองสามปีเท่านั้น
ยุคหลังการปฏิวัติของลัทธิโรแมนติกซึ่งกินเวลาหลายทศวรรษ (ตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 50 ถึงประมาณกลางทศวรรษที่ 90) มีความสัมพันธ์กับสถานการณ์ทางสังคมและการเมืองที่ตึงเครียด (การแข่งขันระหว่างออสเตรียและปรัสเซียในการรวมดินแดนเยอรมันเข้าด้วยกัน การเกิดขึ้น ของเยอรมนีที่เป็นเอกภาพภายใต้การปกครองของปรัสเซียที่มีกำลังทหารและการแยกตัวทางการเมืองขั้นสุดท้ายของออสเตรีย) ในเวลานี้ปัญหาของศิลปะดนตรีเยอรมันที่เป็นหนึ่งเดียวนั้นรุนแรงความขัดแย้งระหว่างกลุ่มสร้างสรรค์ต่างๆ และนักแต่งเพลงแต่ละคนได้รับการเปิดเผยอย่างชัดเจนยิ่งขึ้น และการดิ้นรนเพื่อกำหนดทิศทางก็เกิดขึ้น ซึ่งบางครั้งก็สะท้อนให้เห็นในการโต้เถียงอย่างเผ็ดร้อนบนหน้าสื่อ

ความพยายามที่จะรวมพลังทางดนตรีที่ก้าวหน้าของประเทศนั้นจัดทำขึ้นโดย Liszt ซึ่งย้ายไปอยู่ที่ประเทศเยอรมนี แต่หลักการสร้างสรรค์ของเขาที่เกี่ยวข้องกับแนวคิดเกี่ยวกับนวัตกรรมที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงโดยใช้ซอฟต์แวร์นั้นไม่ได้รับการแบ่งปันโดยนักดนตรีชาวเยอรมันทุกคน ตำแหน่งพิเศษถูกครอบครองโดยวากเนอร์ผู้ซึ่งสมบูรณาญาสิทธิราชย์บทบาทของละครเพลงในฐานะ "ศิลปะแห่งอนาคต" ในเวลาเดียวกัน Brahms ซึ่งในงานของเขาสามารถพิสูจน์ความสำคัญที่ยั่งยืนของประเพณีดนตรีคลาสสิกหลาย ๆ ประการเมื่อผสมผสานกับโลกทัศน์ใหม่ที่โรแมนติกกลายเป็นหัวหน้าของขบวนการต่อต้านลิซท์และต่อต้านวากเนอร์ในเวียนนา
ปี พ.ศ. 2419 มีความสำคัญในเรื่องนี้: รอบปฐมทัศน์ของ "Ring of the Nibelung" ของ Wagner เกิดขึ้นที่ Bayreuth และเวียนนาได้ทำความคุ้นเคยกับซิมโฟนีครั้งแรกของ Brahms ซึ่งเปิดช่วงเวลาแห่งการออกดอกสูงสุดในผลงานของเขา
ความซับซ้อนของสถานการณ์ทางดนตรีและประวัติศาสตร์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการมีอยู่ของทิศทางต่าง ๆ กับต้นกำเนิดของพวกเขา
อย่างไรก็ตาม แม้หลังจากช่วงกลางทศวรรษที่ 80 เมื่อแนวโรแมนติกเริ่มล้าสมัยอย่างชัดเจน ความคิดสร้างสรรค์โรแมนติกที่สดใสของแต่ละบุคคลยังคงปรากฏอยู่ในออสเตรียและเยอรมนี: ผลงานเปียโนชิ้นสุดท้ายของ Brahms และซิมโฟนีตอนปลายของ Bruckner ถูกปกคลุมไปด้วยแนวโรแมนติก นักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 - Mahler ชาวออสเตรียและ Richard Strauss ชาวเยอรมัน - บางครั้งก็แสดงตนว่าเป็นโรแมนติกทั่วไปในผลงานของยุค 80-90 โดยทั่วไปแล้ว นักแต่งเพลงเหล่านี้กลายเป็นตัวเชื่อมโยงระหว่างศตวรรษที่ 19 "โรแมนติก" และ "ต่อต้านโรแมนติก" ศตวรรษที่ 20)
"ความใกล้ชิดของวัฒนธรรมดนตรีของออสเตรียและเยอรมนีเนื่องจากประเพณีทางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ไม่ได้แยกความแตกต่างระดับชาติบางอย่างโดยธรรมชาติ ในเยอรมนีที่กระจัดกระจาย แต่เป็นเอกภาพในระดับชาติและในเอกภาพทางการเมือง แต่เป็นจักรวรรดิออสเตรียข้ามชาติ (“ งานเย็บปะติดปะต่อกัน”) ระบอบกษัตริย์”) แหล่งที่มาที่หล่อเลี้ยงความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและงานที่นักดนตรีเผชิญบางครั้งก็แตกต่างกัน ดังนั้นในเยอรมนีที่ล้าหลัง การเอาชนะความซบเซาของชนชั้นกลางและลัทธิจังหวัดแคบ ๆ จึงเป็นงานที่เร่งด่วนเป็นพิเศษซึ่งในทางกลับกันจำเป็นต้องมีกิจกรรมการศึกษาของต่างๆ นักแต่งเพลงชาวเยอรมันที่โดดเด่นไม่สามารถจำกัดตัวเองอยู่เพียงการแต่งเพลงจากตัวแทนชั้นนำด้านศิลปะเท่านั้น แต่ยังต้องกลายเป็นบุคคลสำคัญทางดนตรีและสังคมด้วย และแท้จริงแล้ว คีตกวีโรแมนติกชาวเยอรมันได้แสดงวัฒนธรรมและการศึกษาอย่างกระตือรือร้น งานและมีส่วนทำให้ระดับวัฒนธรรมดนตรีทั้งหมดในประเทศบ้านเกิดของพวกเขาเพิ่มขึ้น: เวเบอร์ - เหมือนนักร้องโอเปร่าและนักวิจารณ์เพลง Mendelssohn - ในฐานะวาทยากรคอนเสิร์ตและอาจารย์ใหญ่ผู้ก่อตั้งเรือนกระจกแห่งแรกในเยอรมนี Schumann - ในฐานะนักวิจารณ์เพลงที่มีนวัตกรรมและเป็นผู้สร้างนิตยสารเพลงรูปแบบใหม่ ต่อมา กิจกรรมทางดนตรีและสังคมของวากเนอร์ซึ่งหาได้ยากในความสามารถรอบด้าน เปิดตัวในฐานะผู้ควบคุมละครและซิมโฟนี นักวิจารณ์ ผู้เชี่ยวชาญด้านความงาม นักปฏิรูปโอเปร่า และผู้สร้างสรรค์โรงละครแห่งใหม่ในไบรอยท์
ในออสเตรีย ด้วยการรวมศูนย์ทางการเมืองและวัฒนธรรม (อำนาจกองทหารของเวียนนาในฐานะศูนย์กลางทางการเมืองและวัฒนธรรม) พร้อมด้วยภาพลวงตาของปิตาธิปไตย ความเจริญรุ่งเรืองในจินตนาการ และด้วยการครอบงำที่แท้จริงของปฏิกิริยาที่โหดร้ายที่สุด กิจกรรมทางสังคมในวงกว้างจึงเป็นไปไม่ได้1
ในเรื่องนี้ไม่มีใครสามารถดึงดูดความสนใจไปที่ความขัดแย้งระหว่างความน่าสมเพชของพลเมืองในงานของเบโธเฟนกับการบังคับสังคมเฉยเมยของนักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ เราจะพูดอะไรเกี่ยวกับชูเบิร์ตซึ่งก่อตั้งขึ้นในฐานะศิลปินในช่วงหลังการประชุมแห่งเวียนนาปี 1814-1815! วงกลมชูเบิร์ตที่มีชื่อเสียงเป็นรูปแบบเดียวที่เป็นไปได้ในการผสมผสานตัวแทนขั้นสูงของกลุ่มปัญญาชนทางศิลปะ แต่วงกลมดังกล่าวไม่สามารถสะท้อนต่อสาธารณะอย่างแท้จริงในกรุงเวียนนาของ Metternich กล่าวอีกนัยหนึ่ง ในออสเตรีย นักแต่งเพลงรายใหญ่ที่สุดคือผู้สร้างผลงานดนตรีเกือบทั้งหมด พวกเขาไม่สามารถแสดงออกในด้านดนตรีและกิจกรรมทางสังคมได้ สิ่งนี้ใช้ได้กับ Schubert และกับ Bruckner และกับลูกชายของ Johann Strauss และกับคนอื่นๆ บางคน

เฉพาะวัฒนธรรมดนตรีของออสเตรียคือการเผยแพร่ดนตรีเพื่อความบันเทิงหลากหลายรูปแบบอย่างกว้างขวาง - เซเรเนด, คาสเซชั่น, ความหลากหลายซึ่งครอบครองสถานที่สำคัญในผลงานของ Haydn และ Mozart คลาสสิกของเวียนนา ในยุคแห่งความโรแมนติก ความสำคัญของชีวิตประจำวัน ดนตรีเพื่อความบันเทิงไม่เพียงยังคงอยู่ แต่ยังแข็งแกร่งยิ่งขึ้นอีกด้วย ตัวอย่างเช่น เป็นการยากที่จะจินตนาการถึงภาพลักษณ์ที่สร้างสรรค์ของ Schubert โดยปราศจากกระแสเพลงพื้นบ้านในชีวิตประจำวันที่แทรกซึมอยู่ในดนตรีของเขา และย้อนกลับไปในงานปาร์ตี้เวียนนา ปิกนิก เที่ยวพักผ่อนในสวนสาธารณะ และทำดนตรีแนวสตรีทแบบสบายๆ
แต่ในสมัยของชูเบิร์ตก็เริ่มสังเกตเห็นการแบ่งชั้นภายในดนตรีมืออาชีพของเวียนนา และถ้าชูเบิร์ตยังคงผสมผสานซิมโฟนีและโซนาตากับเพลงวอลทซ์และแลนเดอร์สในงานของเขา ซึ่งปรากฏเป็นร้อยๆ1 เช่นเดียวกับการเดินขบวน สิ่งแวดล้อมเชิงนิเวศ และโพโลเนส แล้วล่ะก็ Lainer และ Strauss the Father ซึ่งเป็นรุ่นราวคราวเดียวกันของเขาก็สร้างดนตรีเต้นรำเป็นพื้นฐานของกิจกรรมของพวกเขา ต่อมา “การแบ่งขั้ว” นี้พบการแสดงออกในความสัมพันธ์ของผลงานของเพื่อนร่วมงานสองคน ได้แก่ ดนตรีคลาสสิกของการเต้นรำและโอเปร่า Johann Strauss the Son (1825-1899) และนักซิมโฟนิสต์ Bruckner (1824-1896)
แม้จะมีความแตกต่างเหล่านี้และความแตกต่างอื่น ๆ ในการพัฒนาดนตรีออสเตรียและเยอรมัน แต่ลักษณะทั่วไปในศิลปะโรแมนติกของทั้งสองประเทศนั้นชัดเจนกว่ามาก อะไรคือคุณสมบัติเฉพาะที่ทำให้งานของ Schubert, Weber และผู้สืบทอดที่ใกล้เคียงที่สุด - Mendelssohn และ Schumann - แตกต่างจากดนตรีโรแมนติกของประเทศในยุโรปอื่น ๆ
เนื้อเพลงที่ใกล้ชิดและเต็มไปด้วยอารมณ์ซึ่งเต็มไปด้วยความฝัน เป็นเรื่องปกติของ Schubert, Weber, Mendelssohn และ Schumann ดนตรีของพวกเขาโดดเด่นด้วยท่วงทำนองอันไพเราะซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากเสียงร้องล้วนๆ ซึ่งมักจะเกี่ยวข้องกับแนวคิดของคำว่า "โกหก" ในภาษาเยอรมัน สไตล์นี้เป็นลักษณะเฉพาะของเพลงและธีมเครื่องดนตรีอันไพเราะของ Schubert, บทเพลงโอเปร่าของ Weber, "Songs without Words" ของ Mendelssohn และภาพ "Ebsebievsky" ของ Schumann อย่างไรก็ตาม ท่วงทำนองที่มีอยู่ในสไตล์นี้แตกต่างไปจากบทเพลงโอเปร่า Cantilenas ของอิตาลีโดยเฉพาะ รวมถึงลักษณะที่เปลี่ยนอารมณ์และแสดงอารมณ์ของแนวโรแมนติกแบบฝรั่งเศส (Berlioz, Menerbere)
เมื่อเปรียบเทียบกับลัทธิโรแมนติกแบบฝรั่งเศสที่ก้าวหน้าซึ่งโดดเด่นด้วยความอิ่มเอิบและประสิทธิผลเต็มไปด้วยความน่าสมเพชทางแพ่งที่กล้าหาญและปฏิวัติลัทธิโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมันโดยทั่วไปแล้วดูเป็นการไตร่ตรองมากกว่าหมกมุ่นในตัวเองและมีโคลงสั้น ๆ ที่เป็นอัตวิสัย แต่จุดแข็งหลักของมันคือการเปิดเผยโลกภายในของมนุษย์ในจิตวิทยาเชิงลึกนั้น ซึ่งได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในดนตรีออสเตรียและเยอรมัน ซึ่งกำหนดผลกระทบทางศิลปะที่ไม่อาจต้านทานได้จากผลงานดนตรีหลายชิ้น นี้. อย่างไรก็ตาม ไม่ได้ยกเว้นการแสดงความกล้าหาญและความรักชาติที่สดใสของบุคคลในงานโรแมนติกในออสเตรียและเยอรมนี นั่นคือซิมโฟนีมหากาพย์มหากาพย์อันยิ่งใหญ่ใน C major ของ Schubert และเพลงบางเพลงของเขา (“ To the driver Kronos”, “ Group from Hell” และอื่น ๆ ), วงจรการร้องประสานเสียง“ Lyre and Sword” โดย Weber (อิงจากบทกวีของ กวีผู้รักชาติ T. Kerner “Symphonic Etudes” "Schumann เพลงของเขา "Two Grenadiers" ในที่สุดหน้าฮีโร่แต่ละคนในงานเช่น "Scottish Symphony" ของ Mendelssohn (apotheosis ในตอนจบ), "Carnival" ของ Schumann (ตอนจบที่สามของเขา ซิมโฟนี (การเคลื่อนไหวครั้งแรก) แต่ความกล้าหาญของแผนของเบโธเฟนไททันส์ของการต่อสู้ได้รับการฟื้นฟูบนพื้นฐานใหม่ในภายหลัง - ในละครเพลงมหากาพย์ที่กล้าหาญของวากเนอร์ในช่วงแรกของลัทธิโรแมนติกเยอรมัน - ออสเตรีย หลักการที่มีประสิทธิภาพมักแสดงออกมาในภาพที่น่าสมเพช ตื่นเต้น กบฏ แต่ไม่ไตร่ตรอง เช่นเดียวกับในเบโธเฟนที่มีจุดมุ่งหมายและได้รับชัยชนะ นั่นคือเพลง "Shelter" และ "Atlant" ของ Schumann " การทาบทาม Manfred, การทาบทาม “Run Blaz” ของ Mendelssohn

รูปภาพของธรรมชาติครอบครองสถานที่สำคัญอย่างยิ่งในผลงานของนักประพันธ์โรแมนติกชาวออสเตรียและเยอรมัน บทบาทของ "ความเห็นอกเห็นใจ" ของภาพของธรรมชาตินั้นยิ่งใหญ่เป็นพิเศษในวงจรเสียงของชูเบิร์ต และในวงจร "ความรักของกวี" ของชูมันน์
ความปรารถนาโรแมนติกในอุดมคติในดนตรีเยอรมัน-ออสเตรียพบการแสดงออกที่เฉพาะเจาะจง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในหัวข้อการพเนจร การค้นหาความสุขในดินแดนอื่นที่ไม่รู้จัก สิ่งนี้ปรากฏชัดเจนที่สุดในผลงานของชูเบิร์ต (“The Wanderer,” “The Beautiful Miller’s Wife,” “Winter Reise”) และต่อมาใน Wagner ในรูปของ Flying Dutchman, Wotan the Traveller และ Siegfried ผู้พเนจร
ประเพณีในยุค 80 นี้นำไปสู่วัฏจักรของ Mahler เรื่อง "Songs of the Wandering Apprentice"
สถานที่ขนาดใหญ่ที่มอบให้กับภาพที่น่าอัศจรรย์ยังเป็นลักษณะประจำชาติของแนวโรแมนติกเยอรมัน - ออสเตรีย (มีผลกระทบโดยตรงต่อ Berlioz โรแมนติกของฝรั่งเศส) ประการแรก นี่คือจินตนาการแห่งความชั่วร้าย Demonism ซึ่งพบรูปลักษณ์ที่ชัดเจนที่สุดใน "Siena ในหุบเขาหมาป่า" จากโอเปร่าเรื่อง "The Magic Shooter" ของ Weber ใน "The Vampire" โดย Marschner บทเพลง "Walpurgis Night ” โดย Mendelssohn และผลงานอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง ประการที่สองจินตนาการนั้นเบาบทกวีที่ละเอียดอ่อนผสมผสานกับภาพที่สวยงามและเต็มไปด้วยความกระตือรือร้นของธรรมชาติ: ฉากในโอเปร่า "Oberon" โดย Weber การทาบทาม "A Midsummer Night's Dream" โดย Mendelssohn จากนั้นภาพของ Lohengrin ของ Wagner - ผู้ส่งสารแห่งจอก สถานที่กลางที่นี่เป็นของรูปภาพ Schumann จำนวนมากที่ซึ่งจินตนาการรวบรวมจุดเริ่มต้นที่ยอดเยี่ยมและแปลกประหลาดโดยไม่ต้องเน้นที่ปัญหาแห่งความชั่วร้ายและความดีมากนัก

หลักการ "ความสามารถในการร้องเพลง" ที่ใช้กันอย่างแพร่หลายซึ่งเป็นแนวโน้มทั่วไปในผลงานของนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติกยังขยายไปถึงดนตรีบรรเลงด้วย
ช่วยให้เกิดความเป็นเอกเทศของทำนองเพลงได้มากขึ้นผ่านการผสมผสานระหว่างเพลงจริงและการเปลี่ยนเสียงประกาศ การร้องเพลงของมูลนิธิ โครมาไนเซชัน ฯลฯ ภาษาฮาร์โมนิกได้รับการเสริมสมรรถนะ: สูตรฮาร์โมนิคทั่วไปของเพลงคลาสสิกจะถูกแทนที่ด้วยความสามัคคีที่ยืดหยุ่นและหลากหลายมากขึ้น บทบาท ของการลอกเลียนแบบและขั้นตอนด้านข้างของโหมดเพิ่มขึ้น ด้านที่มีสีสันของมันกลายเป็นสิ่งสำคัญในความสามัคคี การแทรกซึมระหว่างวิชาเอกและวิชารองที่เพิ่มขึ้นอย่างค่อยเป็นค่อยไปก็เป็นลักษณะเฉพาะเช่นกัน ดังนั้น โดยพื้นฐานแล้วจาก Schubert จึงเป็นประเพณีของการเปรียบเทียบผู้เยาว์รายใหญ่ที่มีชื่อเดียวกัน (โดยปกติแล้วจะเป็นผู้รองรอง) เนื่องจากสิ่งนี้กลายเป็นเทคนิคที่ชื่นชอบในงานของเขา ขอบเขตของการประยุกต์ใช้ฮาร์มอนิกเมเจอร์กำลังขยายออกไป (ลักษณะเฉพาะของส่วนย่อยรองในจังหวะของงานหลัก) ในการเชื่อมโยงกับการเน้นไปที่ตัวบุคคลและการระบุรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ของภาพ ยังมีความสำเร็จในด้านการจัดเรียบเรียงอีกด้วย (ความสำคัญของการใช้สีโทนเสียงเฉพาะ บทบาทที่เพิ่มขึ้นของเครื่องดนตรีโซโล ความใส่ใจในการแสดงสัมผัสใหม่ๆ ของสาย ฯลฯ) แต่โดยพื้นฐานแล้ววงออเคสตราไม่ได้เปลี่ยนองค์ประกอบคลาสสิก
บทบาทของโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมันในการสร้างหลักการเรียบเรียงใหม่นั้นยอดเยี่ยมมาก วงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิกของดนตรีคลาสสิกถูกแทนที่ด้วยเครื่องดนตรีขนาดเล็ก การหมุนเวียนของย่อส่วนซึ่งพัฒนาขึ้นอย่างชัดเจนในขอบเขตของเนื้อเพลงร้องโดยชูเบิร์ตถูกถ่ายโอนไปยังดนตรีบรรเลง (ชูมันน์) การเรียบเรียงเพลงเดียวขนาดใหญ่ก็ปรากฏขึ้น โดยผสมผสานหลักการของโซนาต้าและวัฏจักร (เปียโนแฟนตาซีของชูเบิร์ตในซีเมเจอร์, Concertstückของเวเบอร์, การเคลื่อนไหวครั้งแรกของแฟนตาซีของชูมันน์ในซีเมเจอร์) ในทางกลับกัน วงจรโซนาตา-ซิมโฟนีก็มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในหมู่โรแมนติก และ "โซนาตาโรแมนติก" และ "ซิมโฟนีโรแมนติก" ประเภทต่างๆ ก็ได้เกิดขึ้น แต่ถึงกระนั้น ความสำเร็จหลักก็คือคุณภาพใหม่ของการคิดทางดนตรี ซึ่งกำหนดการสร้างสรรค์ผลงานย่อส่วนที่เต็มไปด้วยเนื้อหาและพลังแห่งการแสดงออก ซึ่งความเข้มข้นพิเศษของการแสดงออกทางดนตรีที่ทำให้เพลงที่แยกจากกันหรือท่อนเปียโนเพียงส่วนเดียวเป็นจุดสนใจของ ความคิดและประสบการณ์ที่ลึกซึ้ง

ผู้นำแนวโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมันที่กำลังพัฒนาอย่างรวดเร็วในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 คือบุคคลที่ไม่เพียงแต่มีพรสวรรค์อันชาญฉลาดเท่านั้น แต่ยังก้าวหน้าในมุมมองและแรงบันดาลใจของพวกเขาด้วย สิ่งนี้กำหนดความสำคัญที่ยั่งยืนของผลงานดนตรีของพวกเขา ความสำคัญของมันในฐานะ "คลาสสิกใหม่" ซึ่งชัดเจนในช่วงปลายศตวรรษ เมื่อดนตรีคลาสสิกของประเทศที่ใช้ภาษาเยอรมันเป็นตัวแทน ไม่เพียงแต่โดยนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่เท่านั้น ของศตวรรษที่ 18 และเบโธเฟน แต่ยังรวมถึงโรแมนติกอันยิ่งใหญ่ด้วย - ชูเบิร์ต , ชูมันน์, เวเบอร์, Mendelssohn ตัวแทนที่น่าทึ่งของแนวโรแมนติกทางดนตรีเหล่านี้แสดงความเคารพต่อรุ่นก่อนอย่างลึกซึ้งและพัฒนาความสำเร็จมากมายในเวลาเดียวกันเพื่อเปิดโลกใหม่ของภาพดนตรีและรูปแบบการเรียบเรียงที่สอดคล้องกับพวกเขา น้ำเสียงส่วนตัวที่มีอยู่ในงานของพวกเขาสอดคล้องกับอารมณ์และความคิดของมวลชนประชาธิปไตย พวกเขาสร้างลักษณะเฉพาะของการแสดงออกในดนตรีซึ่ง B.V. Asafiev อธิบายไว้อย่างเหมาะสมว่าเป็น "คำพูดที่มีชีวิตและเข้ากับคนง่ายจากใจสู่ใจ" และทำให้ Schubert และ Schumann มีความคล้ายคลึงกับ Chopin, Grieg, Tchaikovsky และ Verdi เกี่ยวกับคุณค่าทางมนุษยนิยมของทิศทางดนตรีโรแมนติก Asafiev เขียนว่า: “ จิตสำนึกส่วนบุคคลไม่ได้แสดงออกมาในความโดดเดี่ยวและภาคภูมิใจ แต่เป็นการสะท้อนทางศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์ของทุกสิ่งที่ผู้คนอาศัยอยู่ด้วยและนั่นทำให้พวกเขาตื่นเต้นอยู่เสมอและหลีกเลี่ยงไม่ได้ ในความเรียบง่ายเช่นนี้ ความคิดและการไตร่ตรองที่สวยงามเสมอเกี่ยวกับเสียงชีวิต - ความเข้มข้นของสิ่งที่ดีที่สุดที่มีอยู่ในตัวบุคคล”

สกริบินา สเวตลานา อนาโตเลฟนา

MBOU DOD DSHI Uvarovo ภูมิภาค Tambov

ครู

เชิงนามธรรม

“ผลงานเปียโนโดยนักประพันธ์เพลงโรแมนติก”

การแนะนำ.

2. ยวนใจในดนตรี

4. อิทธิพลของสไตล์โรแมนติกต่องานเปียโนของ F. Liszt

5. บทสรุป.

6. รายการข้อมูลอ้างอิง

การแนะนำ.

ยวนใจในฐานะที่เป็นขบวนการทางศิลปะ ก่อตั้งขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 ครั้งแรกในวรรณคดี (ในเยอรมนี บริเตนใหญ่ และประเทศอื่น ๆ ในยุโรปและอเมริกา) จากนั้นในดนตรีและศิลปะรูปแบบอื่น ๆ สไตล์โรแมนติกเป็นต้นฉบับ มหัศจรรย์ และประเสริฐ

ยุคแห่งความโรแมนติกมีบทบาทอย่างมากในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรี ยวนใจครอบคลุมทุกด้านของวัฒนธรรม: ปรัชญา สุนทรียภาพ การละคร วรรณกรรม ดนตรี และมนุษยศาสตร์อื่นๆ ในการเชื่อมต่อกับประเพณีของชาติและแง่มุมทางประวัติศาสตร์ต่างๆ แนวโรแมนติกการพัฒนาในประเทศต่าง ๆ ได้รับลักษณะประจำชาติที่แปลกประหลาด: ในหมู่ชาวเยอรมัน - ในเวทย์มนต์ในหมู่ชาวอังกฤษ - ในบุคลิกภาพที่จะต่อต้านตัวเองกับพฤติกรรมที่สมเหตุสมผลในหมู่ชาวฝรั่งเศส - ในลักษณะที่ผิดปกติ เรื่องราว สไตล์โรแมนติกมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการดึงดูดโลกภายในของบุคคลความปรารถนาในอารมณ์ซึ่งกำหนดความเป็นอันดับหนึ่งของวรรณกรรมและดนตรีในแนวโรแมนติก

ความเกี่ยวข้อง หัวข้อนี้อยู่ในความจริงที่ว่ายวนใจได้รับการสนับสนุนจากนักแต่งเพลงหลายคน และมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรี และยังผลักดันให้พัฒนาความคิดสร้างสรรค์เปียโนของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกอีกด้วย

วัตถุประสงค์ของงานนี้– ระบุลักษณะสำคัญของแนวโรแมนติกและศึกษาการสะท้อนในงานเปียโนของนักประพันธ์โรแมนติกโดยการแก้ปัญหาต่อไปนี้:

1. พิจารณาคุณสมบัติหลักของแนวโรแมนติก
2. ระบุอาการของแนวโรแมนติกในดนตรี
3. ศึกษาลักษณะโวหารของแนวโรแมนติกในดนตรีเปียโน
4. อธิบายผลงานเปียโนของ F. Liszt

เพื่อนำความคิดของพวกเขามาสู่ชีวิตนักประพันธ์เพลงโรแมนติกจึงหันมาใช้รูปแบบใหม่: เปียโนจิ๋ว, เพลงบัลลาด, เพลงกลางคืน, โปโลเนส, ทันควัน, งานเพลงโคลงสั้น ๆ; มีการใช้งานรูปแบบโซนาต้า - ซิมโฟนิกและรูปแบบต่างๆ อย่างอิสระมากขึ้น การสร้างรูปแบบการเคลื่อนไหวเดียวขนาดใหญ่ใหม่ - โซนาตา คอนแชร์โต บทกวีไพเราะ การใช้เทคนิคการพัฒนาพิเศษ - ดนตรีประกอบ ลัทธิ monothematicism การประกาศเสียงร้อง ลัทธิสี

1. ต้นกำเนิดของแนวโรแมนติกและคุณลักษณะของมัน

เนื่องจากการปฏิวัติกระฎุมพีในฝรั่งเศส ทัศนคติและแนวคิดของประชาชนจึงเปลี่ยนไป เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ทิ้งร่องรอยไว้บนจิตวิญญาณของทุกคนที่ได้เห็นการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ของการปฏิวัติ แนวคิดเรื่องความเสมอภาค ภราดรภาพ และเสรีภาพกลายมาใกล้ชิดกับศิลปิน นักเขียน และนักดนตรี ยุคแห่งการตรัสรู้จึงสิ้นสุดลง แต่ระเบียบทางสังคมใหม่ไม่ได้เป็นไปตามความคาดหวังของสังคมนั้น และความผิดหวังที่เกิดขึ้น และการเกิดขึ้นของระบบอุดมการณ์ใหม่ - ลัทธิจินตนิยม - กลายเป็นสิ่งที่ไม่สามารถย้อนกลับได้

ยวนใจเป็นการเคลื่อนไหวทางอุดมการณ์และศิลปะในวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของยุโรปและอเมริกาในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งมาแทนที่ลัทธิคลาสสิก การเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้งกำลังเกิดขึ้นในเนื้อหาของศิลปะ ในการเคลื่อนไหวของความคิดเชิงสุนทรีย์ และในธรรมชาติของภาพทางศิลปะ

ศูนย์กลางของโลกแห่งความโรแมนติกคือบุคลิกภาพของมนุษย์ที่มุ่งมั่นเพื่ออิสรภาพภายในที่สมบูรณ์ ความสมบูรณ์แบบ และการต่ออายุ เขาแสดงทัศนคติต่อชีวิตและโลกรอบตัวผ่านเนื้อเพลงของประสบการณ์ทางอารมณ์และความรู้สึก บทประพันธ์ของภาพศิลปะสะท้อนให้เห็นในช่วงเปลี่ยนผ่านของศิลปะ ซึ่งชี้นำการพัฒนา การเชื่อมโยงกับอดีต และการเคลื่อนไหวไปสู่อนาคต

พื้นฐานของแนวโรแมนติกคือแนวคิดของโลกคู่ (โลกแห่งความฝันและโลกแห่งความเป็นจริง) ความไม่ลงรอยกันระหว่างอุดมคติและความเป็นจริง ซึ่งเป็นลักษณะของการเคลื่อนไหวก่อนหน้านี้ ได้มาซึ่งความคมชัดและความเข้มข้นที่ไม่ธรรมดาในแนวโรแมนติก

ภารกิจหลักของแนวโรแมนติกคือการพรรณนาถึงโลกภายในชีวิตจิต ด้วยความโรแมนติกที่จิตวิทยาที่แท้จริงเริ่มปรากฏขึ้น ความยับยั้งชั่งใจและความอ่อนน้อมถ่อมตนถูกปฏิเสธ พวกเขาถูกแทนที่ด้วยอารมณ์ที่รุนแรงซึ่งมักจะถึงจุดสุดขั้ว ในบรรดาเรื่องโรแมนติก จิตวิทยาของมนุษย์ถูกปกคลุมไปด้วยเวทย์มนต์ มันถูกครอบงำโดยช่วงเวลาที่ไม่มีเหตุผล ไม่ชัดเจน และลึกลับ

โรแมนติกหันไปหาความเชื่อพื้นบ้านและเทพนิยายที่ลึกลับลึกลับและน่ากลัว การปฏิเสธชีวิตประจำวันของสังคมอารยะสมัยใหม่ที่ไม่มีสีและน่าเบื่อโรแมนติกพยายามดิ้นรนเพื่อทุกสิ่งที่ผิดปกติ พวกเขาสนใจนิยายวิทยาศาสตร์ ตำนานพื้นบ้าน และศิลปะพื้นบ้านโดยทั่วไป

ประการแรกฮีโร่แห่งแนวโรแมนติกคือซูเปอร์แมนปัจเจกชน สำหรับความโรแมนติก คนๆ หนึ่งคือจักรวาลเล็กๆ หรือพิภพเล็กๆ ความสนใจอย่างแรงกล้าในความรู้สึกที่แข็งแกร่งและสดใส ความหลงใหลที่กินเวลานานในการเคลื่อนไหวลับของจิตวิญญาณในด้าน "กลางคืน" ความอยากในสัญชาตญาณและหมดสติเป็นคุณสมบัติที่สำคัญของศิลปะโรแมนติก

2. ยวนใจในดนตรี

ในทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19 แนวโรแมนติกทางดนตรีเกิดขึ้นซึ่งเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของศิลปะวรรณกรรม นี่เป็นปรากฏการณ์ใหม่ทางประวัติศาสตร์ แม้ว่าจะมีการเปิดเผยความเชื่อมโยงอันลึกซึ้งกับดนตรี "คลาสสิก" ก็ตาม การศึกษาและการแสดงผลงานของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกเรารู้สึกถึงความอิ่มเอิบของโครงสร้างทางจิตวิญญาณและความรู้สึกที่ไร้ขีดจำกัด ความแตกต่างที่น่าทึ่ง ความน่าสมเพชที่ลึกซึ้ง การแต่งบทเพลงที่จริงใจ

ผู้ก่อตั้งยุคโรแมนติกคือนักแต่งเพลงเช่น Liszt, Chopin, Schumann, Grieg ในยุคต่อมา ละครเพลงเรื่อง "อิมเพรสชันนิสม์" ของเดบุสซี ราเวล และสเครอาบินก็เกิดขึ้น

เปียโนจิ๋วของ Schubert, "เพลงที่ไม่มีคำพูด" ของ Mendelssohn, วงจรเปียโน, กลางคืน, โหมโรงของ Schumann, เพลงบัลลาดของโชแปง - ความมั่งคั่งทั้งหมดนี้ได้เปลี่ยนแนวเพลงและรูปแบบเก่า ๆ เข้าสู่คลังดนตรีของโลกและได้รับความสำคัญในดนตรีคลาสสิก

สถานที่ที่โดดเด่นถูกครอบครองโดยรูปแบบของความรักมันเป็นสภาวะของจิตใจที่สะท้อนถึงความลึกและความแตกต่างของจิตใจมนุษย์อย่างครอบคลุมและครบถ้วนที่สุด ความรักที่บุคคลมีต่อบ้านของเขา ต่อบ้านเกิดของเขา ต่อประชาชนของเขาดำเนินไปราวกับเส้นด้ายผ่านผลงานของนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติกทุกคน

ความโรแมนติกมีภาพลักษณ์ของธรรมชาติที่เกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดและแยกไม่ออกกับหัวข้อการสารภาพโคลงสั้น ๆ เช่นเดียวกับภาพแห่งความรัก ภาพของธรรมชาติบ่งบอกถึงสภาพจิตใจของฮีโร่ ซึ่งมักถูกแต่งแต้มด้วยความรู้สึกไม่ลงรอยกันกับความเป็นจริง

ธีมแฟนตาซีมักจะแข่งขันกับรูปภาพของธรรมชาติ และสิ่งนี้เกิดขึ้นจากความปรารถนาที่จะหลบหนีจากการถูกจองจำในชีวิตจริง สำหรับนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติก เทพนิยาย ภาพที่ยอดเยี่ยมได้รับสีสันประจำชาติที่มีเอกลักษณ์ เพลงบัลลาดของโชแปงได้รับแรงบันดาลใจจากเพลงบัลลาดของ Mickiewicz, Schumann, Mendelssohn พวกเขาสร้างผลงานที่มีแผนการแปลกประหลาดอันน่าอัศจรรย์ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความศรัทธาที่ตรงกันข้ามซึ่งมุ่งมั่นที่จะย้อนกลับความคิดเรื่องความกลัวพลังแห่งความชั่วร้าย

ช่วงปลายของชีวิตและผลงานของลุดวิก ฟาน เบโธเฟน นักแต่งเพลงคลาสสิกผู้ยิ่งใหญ่คนสุดท้าย ใกล้เคียงกับช่วงรุ่งเรืองของผลงานของฟรานซ์ ชูเบิร์ต นักแต่งเพลงโรแมนติกผู้ยิ่งใหญ่คนแรก ความบังเอิญที่สำคัญนี้เป็นเครื่องพิสูจน์ถึงความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดระหว่างศิลปะดนตรีคลาสสิกและโรแมนติก แม้จะมีความต่อเนื่องระหว่างมรดกทั้งสองนี้ แต่ก็มีความแตกต่างที่สำคัญตามแบบฉบับของความสัมพันธ์ระหว่างผลงานของนักประพันธ์เพลงคลาสสิกและนักประพันธ์เพลงโรแมนติก ความแตกต่างที่สำคัญคือการเน้นเป็นพิเศษในดนตรีโรแมนติกในศูนย์รวมของภาพและอารมณ์ที่โคลงสั้น ๆ ชวนฝันและน่าสมเพชที่น่าตื่นเต้น

นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกเริ่มแสดงความสนใจอย่างมากต่อเอกลักษณ์ประจำชาติของดนตรีรัสเซียตลอดจนดนตรีของคนอื่น ในเรื่องนี้การศึกษาดนตรีพื้นบ้าน - ดนตรีพื้นบ้าน - เริ่มต้นอย่างรอบคอบ ในเวลาเดียวกันความสนใจในประวัติศาสตร์ชาติในอดีตในตำนานโบราณนิทานและนิทานก็เพิ่มขึ้นซึ่งเป็นพื้นฐานสำหรับการเกิดขึ้นของภาพที่น่าอัศจรรย์อันน่าทึ่ง ด้วยการเรียนรู้ธีมและรูปภาพใหม่ๆ ดนตรีโรแมนติกจึงเพิ่มปฏิสัมพันธ์กับบทกวีโรแมนติกและละครโรแมนติก สิ่งนี้กำหนดให้โอเปร่าโรแมนติกเฟื่องฟูอย่างรวดเร็วในศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นประเภทที่มีการสังเคราะห์งานศิลปะทุกประเภท หนึ่งในโอเปร่าโรแมนติกที่โดดเด่นที่สุดคือ “The Magic Shooter” โดยนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Carl Maria von Weber

ศิลปะดนตรีโรแมนติกก่อให้เกิดนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นมากมาย ซึ่งมักเป็นนักแสดงคอนเสิร์ตที่ยอดเยี่ยมเช่นกัน

3. ลักษณะโวหารของยุคโรแมนติกในดนตรีเปียโน

ในรูปแบบของดนตรียุคโรแมนติก กิริยาช่วยและฮาร์มอนิกมีบทบาทสำคัญมาก กระบวนการแรกของกระบวนการเหล่านี้ - ไดนามิก - คือความอิ่มตัวของคอร์ดในบทละครที่มีการดัดแปลงและความไม่สอดคล้องกัน ซึ่งทำให้ความไม่มั่นคงรุนแรงขึ้นและเพิ่มความตึงเครียดซึ่งต้องใช้ความละเอียดในการเล่นต่อไป คุณสมบัติดังกล่าวของผลงานของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกแสดงให้เห็นถึง "ความอ่อนล้า" ตามแบบฉบับของสไตล์นี้การไหลของความรู้สึกที่พัฒนา "ไม่มีที่สิ้นสุด" ซึ่งรวบรวมไว้ด้วยความสมบูรณ์เป็นพิเศษในผลงานของโชแปง, ชูมันน์และกริก สีสันและเสียงที่หลากหลายถูกดึงออกมาจากโหมดธรรมชาติ โดยเน้นที่ลักษณะดนตรีพื้นบ้านหรือโบราณ เมื่อวาดภาพที่น่าอัศจรรย์ เหลือเชื่อ หรือแปลกประหลาด มีบทบาทอย่างมากในโทนสีทั้งหมดและสเกลสี

แนวโน้มต่อไปนี้เกิดขึ้นในดนตรีไพเราะโรแมนติก: ความปรารถนาในความกว้างและความต่อเนื่องในการพัฒนาการใช้ถ้อยคำ นักแต่งเพลงในยุคโรแมนติกหลายคนมี "ท่วงทำนองที่ไม่มีที่สิ้นสุด" พร้อมด้วยผลงานหลายหลากในผลงานของพวกเขา สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในผลงานของโชแปง, ไชคอฟสกีและช่วงต้นยุค 80 - 90 ของรัคมานินอฟ (“ Elegy”, “ Melody”, “ Romance”, “ Serenade” และผลงานอื่น ๆ ของเขา)

เมื่อทำความรู้จักกับดนตรีของนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติก การผลิตเสียง และความรู้สึกของ "สไตล์" มีความสำคัญอย่างยิ่ง ในที่นี้ สิ่งสำคัญมากที่จะต้องทราบว่าเมื่อต้องเรียบเรียงถ้อยคำในผลงานชิ้นใดชิ้นหนึ่ง จำเป็นอย่างยิ่งที่วลีจะต้องหยิบยกขึ้นมา อีกอันเกาะติดกันเป็นมาลัยแต่มารวมกัน ขณะเดียวกัน ก็ไม่ทับซ้อนกัน

ศาสตราจารย์ของ Leningrad Conservatory V.Kh. Razumovskaya เขียนเกี่ยวกับลักษณะโวหารของการแสดงดนตรีของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกว่า: "ฉันต่อสู้กับความสมมาตรพยายามเอาชนะมิเตอร์และซ่อน "ตะเข็บทางวากยสัมพันธ์" เช่นนี้ การใช้ถ้อยคำและความแตกต่างเล็กๆ น้อยๆ ทำให้ได้ความลื่นไหลและความไพเราะของเสียงและถ่ายทอดความรู้สึกได้"

จำเป็นต้องรู้สึกถึงลมหายใจเมื่อแสดงโคลงสั้น ๆ สามารถสัมผัสได้: พื้นหลังที่เต็มไปด้วยอากาศ, เสียงเบสที่หายใจได้, คันเหยียบที่เรียบร้อย

เกี่ยวกับลักษณะโวหารของดนตรีของ F. Chopin Liszt กล่าวว่า: “ ดนตรีของเขาชวนให้นึกถึงดอกไม้มัดซึ่งแกว่งกลีบดอกไม้บนก้านที่บางผิดปกติกลีบดอกไม้ที่มีความสวยงามเป็นพิเศษเหล่านี้ทำจากผ้าที่มีกลิ่นหอมและละเอียดอ่อนเช่นนั้น ฉีกขาดแม้สัมผัสเพียงเล็กน้อย”โชแปงเป็น "จุดสุดยอด" ของศิลปะการแสดงแห่งยุคโรแมนติก

เมื่อแสดงผลงานดนตรีในยุคโรแมนติก คุณต้องจำไว้ว่าเพื่อให้ได้ "เสียง" ที่ต้องการ - นุ่มนวลและแปลกประหลาดคุณต้องมีของขวัญพิเศษ การทำงานหนัก และความรู้สึกมีสไตล์ ดังที่ Neuhaus กล่าวว่า: “เสียงเป็นศาลเจ้า ดูแลเสียงเหมือนทองคำ เหมือนอัญมณี มีต้นกำเนิดในบรรยากาศ presonic การกำเนิดของมันคือความลึกลับ การค้นหา "การวัดเสียง" ที่จำเป็นเป็นสิ่งสำคัญมาก

มาถึงเบื้องหน้าแล้วเมลอส ทำนองได้รับการอัปเดตตามระดับประเทศและองค์ประกอบ แหล่งที่มาของการต่ออายุน้ำเสียงที่แตกต่างกันสองแหล่งปรากฏขึ้น: คติชนและน้ำเสียงพูด สิ่งที่แตกต่างจากบรรทัดฐานคลาสสิกคือสิ่งแรกที่ดึงดูดความสนใจ นักคลาสสิกมีการบรรยาย (เชิงปราศรัย) แต่ในบรรดาแนวโรแมนติกนั้นมีความใกล้ชิดมากกว่า โคลงสั้น ๆ เปิดกว้างและสะเทือนอารมณ์

5. อิทธิพลของสไตล์โรแมนติกต่องานเปียโนของ F. Liszt

“ลิสท์ ในฐานะอัจฉริยะ เป็นปรากฏการณ์จากสิ่งเหล่านั้น

ที่ปรากฏทุกๆ สองสามศตวรรษ”

เซรอฟเขียน

ในผลงานของ F. Liszt ผลงานเปียโนถือเป็นมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ที่ดีที่สุดของเขา

เอกลักษณ์ทางศิลปะของ Liszt ในฐานะนักเปียโนและนักแต่งเพลงผสมผสานกันเพื่อช่วยเปิดเส้นทางใหม่ในศิลปะแห่งดนตรี

เขาฝากความคิด ความฝัน ความทุกข์ทรมาน และความสุขทั้งหมดไว้กับเปียโน และนั่นคือสาเหตุที่ Liszt เป็นคนแรกที่ค้นพบวิธีการแต่งเพลงและวิธีการแสดงออกแบบใหม่ในสาขาดนตรีเปียโน

F. Liszt เป็นนักเปียโนที่เก่งกาจ และด้วยการแสดงของเขา เขาสามารถโน้มน้าวและดึงดูดผู้ฟังนับพันคนได้ ในทำนองเดียวกัน ในการฝึกฝนนักแต่งเพลง เขาแสวงหาการนำเสนอความคิดทางดนตรีที่ชัดเจนและเข้าใจได้ ในทางกลับกัน ในฐานะศิลปินที่ค้นหาอยู่ตลอดเวลา มีพรสวรรค์ในการสร้างสรรค์อันยอดเยี่ยม เขาได้ปรับปรุงโครงสร้างและลักษณะของเสียงเปียโนทั้งหมด ทำให้เป็นไปตามที่ Stasov พูดอย่างเหมาะสมว่า "เป็นสิ่งที่ไม่เป็นที่รู้จักและไม่เคยได้ยินมาก่อน - a วงออเคสตราทั้งหมด”

ผู้แต่งได้นำการตีความเปียโนแบบไพเราะมาสู่การแสดงและความคิดสร้างสรรค์สมัยใหม่ ในการพัฒนาของเขา เขาได้รับเสียงออร์เคสตราอันทรงพลังของเครื่องดนตรีและเสริมด้วยความสามารถด้านสีสัน ในจดหมายฉบับหนึ่งของเขา Liszt ระบุว่าเป้าหมายของเขาคือ "... เพื่อแนะนำจิตวิญญาณของนักเปียโนที่แสดงให้รู้จักกับเอฟเฟกต์ออร์เคสตรา และภายในขอบเขตจำกัดของเปียโน เพื่อสร้างเอฟเฟกต์เสียงและเฉดสีเครื่องดนตรีที่หลากหลาย" ลิซต์ทำสิ่งนี้สำเร็จโดยทำให้งานเปียโนของเขาเต็มไปด้วยเสียงร้องและโครงสร้างอันไพเราะ ในชิ้นเปียโนของ Liszt มักมีคำแนะนำของผู้เขียน - เสมือนทรอมบา (ราวกับทรัมเป็ต), เสมือนฟลูโต (ราวกับขลุ่ย) ฯลฯ การเลียนแบบเชลโล (เช่นใน "The Valley of Oberman"), แตร ( etude “Hunt”) ระฆัง (“Geneva Bells”) อวัยวะ ฯลฯ Liszt ได้ขยายทรัพยากรที่แสดงออกของการเล่นเปียโนออกไปเบื้องหน้า โดยเน้นย้ำถึงพลัง ความสุกใส และสีสันของเสียง

F. Liszt ค้นพบเทคนิคใหม่ในเทคนิคเปียโน เขาพยายามใช้รีจิสเตอร์ทั้งหมดของเปียโน: เขาใช้เบสที่ให้เสียงที่หนักแน่นและทุ้มลึก โอนทำนองไปไว้ตรงกลาง รีจิสเตอร์ "เชลโล" และในรีจิสเตอร์ด้านบน เขาเผยให้เห็นเสียงที่โปร่งใสและชัดเจน เมื่อเปรียบเทียบรีจิสเตอร์ผู้แต่งใช้ข้อความเขาทำให้พวกมันอิ่มตัวด้วยคอร์ดคอมเพล็กซ์ในรูปแบบที่กว้าง ลิซท์ใช้เอฟเฟ็กต์ลูกคอจากวงออร์เคสตรา คอร์ดทริล หรืออ็อกเทฟมาร์เทลลาโตอย่างกว้างขวาง เพื่อถ่ายทอดช่วงเวลาที่น่าทึ่งหรือมีชีวิตชีวามากขึ้น เขาให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการกระจายของวัสดุเสียงระหว่างมือทั้งสองข้าง การถ่ายโอนและถ่ายโอนไปยังทะเบียนเปียโนต่างๆ เทคนิคทางเทคนิคยอดนิยมอื่นๆ ของ Liszt ได้แก่ ข้อความในอ็อกเทฟ โน้ตคู่ และเทคนิคการซ้อมที่ใช้อย่างเชี่ยวชาญ เทคนิคเหล่านี้มีอิทธิพลต่อการพัฒนาพื้นผิวหลายชั้นในผลงานของ Liszt การพัฒนาของพวกเขามีอยู่ในแผนไดนามิกและสีสันหลายประการ เช่นเดียวกับในงานออเคสตรา

ลิซท์ในฐานะนักปฏิรูปการเล่นเปียโนผู้ยิ่งใหญ่ ได้สอนนักเปียโนให้ "ทำความคุ้นเคยกับการสร้างสำเนียงและแรงจูงใจในการจัดกลุ่ม หยิบยกสิ่งที่สำคัญกว่าและรองลงมาในสิ่งที่สำคัญน้อยกว่า กล่าวอีกนัยหนึ่ง ทำให้วงออเคสตราเป็นบรรทัดฐานของพวกเขา"

คุณสมบัติของสไตล์เปียโนของ Liszt ไม่ได้เกิดขึ้นทันที สามารถแบ่งออกเป็นสี่ขั้นตอน ช่วงแรก (ยุค 20 - กลางทศวรรษที่ 30) เกี่ยวข้องกับการศึกษาความสามารถของเปียโนโดยเลียนแบบสไตล์ Bravura ของอัจฉริยะสมัยใหม่ ในช่วงที่สอง (ปลายยุค 30 - 40) ลิซท์พัฒนาสไตล์ของแต่ละบุคคลเพื่อเพิ่มคุณค่าให้กับเขา เทคนิคและภาษาดนตรีพร้อมความสำเร็จล่าสุดของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก (Paganini, Berlioz, Chopin) ขั้นตอนที่สาม (ปลายยุค 40 - 60) - จุดสุดยอดของความเชี่ยวชาญของ Liszt - โดดเด่นด้วยเหตุผลของเทคนิคทางเทคนิคทั้งหมดโดยข้อกำหนดของการแสดงออกและเนื้อหาการไม่มี "ส่วนเกิน" อัจฉริยะ ขั้นตอนที่สี่ (70-80) คือ ทำเครื่องหมายด้วยภารกิจใหม่: การปฏิเสธการออกแบบที่ยิ่งใหญ่ การค้นหาเสียงในห้อง และสีที่ละเอียดอ่อน

ประเพณีการเล่นเปียโนคอนเสิร์ต "Listov" ได้รับการพัฒนาในศิลปะของ A.G. Rubinstein, A. Siloti และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง S. Rachmaninov

บทสรุป.

ยวนใจในฐานะวิธีการและทิศทางในงานศิลปะเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและขัดแย้งกัน ในทุกประเทศมีการแสดงออกของชาติที่เข้มแข็ง ในงานวรรณกรรม ดนตรี ภาพวาด และละคร ไม่ใช่เรื่องง่ายที่จะพบคุณลักษณะที่รวม Chateaubriand และ Delacroix, Mickiewicz และ Chopin, Lermontov และ Kiprensky ไว้ด้วยกัน

พื้นที่ที่สำคัญที่สุดในการสร้างสรรค์ของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก ได้แก่ เนื้อเพลง แฟนตาซี ความคิดริเริ่มในการแสดงลวดลายประจำชาติที่มีลักษณะเฉพาะ (ตัวอย่าง E. Grieg) เริ่มต้นด้วยชูเบิร์ตและเวเบอร์ ผู้แต่งได้มีส่วนร่วมในภาษาดนตรีทั่วยุโรป ในรูปแบบน้ำเสียงของนิทานพื้นบ้านชาวนาโบราณในประเทศของตน

เนื้อหาเพลงใหม่จำเป็นต้องมีวิธีการแสดงออกแบบใหม่ ประการแรกคือความไพเราะที่ไพเราะมหาศาล เช่นเดียวกับความไพเราะของการนำเสนอเนื้อสัมผัสที่พัฒนาขึ้น ความซับซ้อนและสีสันที่เพิ่มขึ้นของภาษาฮาร์มอนิก

อ้างอิง.

1. อับดุลลิน, E.B., Nikolaeva, E.V. ทฤษฎีดนตรีศึกษา : หนังสือเรียนสำหรับนักศึกษาสถาบันการสอนขั้นสูง / E.B. อับดุลลิน อี.วี. นิโคเลฟ. - อ.: Academy, 2547. - 336 น.
2. อาลีฟ, ยู.บี. คู่มือครู-นักดนตรีประจำโรงเรียน / Yu.B. อาลีฟ. - ม.: VLADOS, 2000. - 336 หน้า
3. Bryantseva, V.N. วรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศ ปีที่สองของการศึกษา - ม.: ดนตรี, 2547.
4. ดรูสกิน, MS ประวัติศาสตร์ดนตรีต่างประเทศ ฉบับที่ 4: ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 / M.S. ดรูสกิน. ― SPb.: นักแต่งเพลง-เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 2007. ― 632 หน้า
5. Zhabinsky, K.A. พจนานุกรมดนตรีสารานุกรม / K.A. ซาบินสกี้. - อ.: ฟีนิกซ์ 2552 - 474 หน้า
6. เลเบเดวา, O.V. ดนตรีศึกษาพัฒนาการ / อ.ว. เลเบเดวา. - โคสโตรมา: KSU, 2544. - 69 น.
7. มินาโควา, A.S. มินาคอฟ เอส.เอ. ประวัติศาสตร์ดนตรีโลก: แนวเพลง สไตล์ ทิศทาง / A.S. มินาโควา เอส.เอ. มินาคอฟ. - อ.: เอกสโม 2553 - 544 หน้า

Kholopova, V.N. ทฤษฎีดนตรี: ทำนอง จังหวะ เนื้อสัมผัส ใจความ / V.N. โคโลโปวา ― ม.: ลัน

ช่วงเวลาโรแมนติก

ยุคโรแมนติกทางดนตรีกินเวลาตั้งแต่ประมาณปี ค.ศ. 1830 ถึงปี 1910 ในระดับหนึ่ง คำว่า “โรแมนติก” เป็นเพียงป้ายกำกับซึ่งเป็นแนวคิดที่ไม่สามารถนิยามได้อย่างเคร่งครัดเหมือนคนอื่นๆ ผลงานหลายชิ้นที่กล่าวถึงในทุกบทของหนังสือของเราสามารถเรียกได้ว่าเป็น "โรแมนติก" โดยไม่มีข้อยกเว้น

ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างช่วงเวลานี้กับช่วงอื่น ๆ ก็คือผู้แต่งในยุคนั้นให้ความสำคัญกับความรู้สึกและการรับรู้ทางดนตรีมากขึ้น โดยพยายามแสดงประสบการณ์ทางอารมณ์ด้วยความช่วยเหลือ ในเรื่องนี้พวกเขาแตกต่างจากนักแต่งเพลงในยุคคลาสสิกซึ่งสิ่งที่สำคัญที่สุดในดนตรีคือรูปแบบและผู้ที่พยายามปฏิบัติตามกฎเกณฑ์บางประการในการสร้างการเรียบเรียง

ในเวลาเดียวกัน องค์ประกอบของความโรแมนติกสามารถเห็นได้ในผลงานของนักประพันธ์เพลงในยุคคลาสสิกบางคน และองค์ประกอบของความโรแมนติกสามารถเห็นได้ในผู้แต่งในยุคโรแมนติก ดังนั้นทุกสิ่งที่เราพูดถึงข้างต้นจึงไม่ใช่กฎเกณฑ์ที่เข้มงวดแต่อย่างใด แต่เป็นเพียงลักษณะทั่วไปเท่านั้น

ประวัติศาสตร์ไม่ได้หยุดนิ่ง และทุกคนก็ไม่ได้กลายเป็นคนโรแมนติกในทันทีทันใด ซึ่งสนใจเฉพาะประสบการณ์ทางอารมณ์เท่านั้น นี่คือช่วงเวลาแห่งการกำเนิดของสังคมนิยม การปฏิรูปไปรษณีย์ และการก่อตั้ง Salvation Army ในเวลาเดียวกันมีการค้นพบวิตามินและเรเดียมสร้างคลองสุเอซ เดมเลอร์ออกแบบรถยนต์คันแรก และพี่น้องตระกูลไรท์ก็ทำการบินครั้งแรก มาร์โคนีคิดค้นวิทยุ ส่งข้อความไร้สายได้สำเร็จในระยะทางหนึ่งกิโลเมตรครึ่ง สมเด็จพระราชินีวิกตอเรียประทับบนบัลลังก์แห่งบริเตนใหญ่นานกว่ากษัตริย์อังกฤษองค์อื่นๆ การตื่นทองทำให้ผู้คนหลายพันคนเดินทางไปอเมริกา

เมื่อคุณพลิกดูหนังสือของเรา คุณจะสังเกตเห็นว่านี่เป็นบทที่ใหญ่ที่สุดในบรรดาบททั้งหมด โดยมีผู้แต่งไม่น้อยกว่า 37 คนกล่าวถึง หลายคนอาศัยและทำงานพร้อมกันในประเทศต่างๆ ดังนั้นเราจึงแบ่งบทนี้ออกเป็นสามส่วน: “โรแมนติกยุคแรก” “นักประพันธ์เพลงแห่งชาติ” และ “โรแมนติกตอนปลาย”

ดังที่คุณคงเดาได้แล้วว่าแผนกนี้ไม่ได้อ้างว่ามีความแม่นยำอย่างแน่นอน อย่างไรก็ตาม เราหวังว่าจะช่วยให้การเล่าเรื่องมีความสอดคล้อง แม้ว่าอาจไม่เป็นไปตามลำดับเวลาเสมอไปก็ตาม

เหล่านี้คือนักแต่งเพลงที่กลายเป็นสะพานเชื่อมระหว่างยุคคลาสสิกและยุคโรแมนติกตอนปลาย หลายคนทำงานในเวลาเดียวกันกับ "คลาสสิก" และงานของพวกเขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากโมซาร์ทและเบโธเฟน ในเวลาเดียวกัน หลายคนมีส่วนช่วยในการพัฒนาดนตรีคลาสสิกเป็นการส่วนตัว

นักแต่งเพลงยุคโรแมนติกคนแรกของเราคือดาราที่แท้จริงในยุคของเขา ในระหว่างการแสดง เขาได้แสดงให้เห็นถึงความมหัศจรรย์ของทักษะไวโอลินอัจฉริยะและการแสดงผาดโผนที่น่าทึ่ง เช่นเดียวกับนักกีตาร์ร็อคอัจฉริยะ Jimi Hendrix ซึ่งเกิดอีกหนึ่งร้อยหกสิบปีต่อมา นิคโคโล ปากานินีทำให้ผู้ชมประหลาดใจอยู่เสมอด้วยการเล่นที่หลงใหลของเขา

ปากานินีสามารถเล่นทั้งท่อนโดยใช้สายไวโอลินสองสายแทนที่จะเป็นสี่สาย บางครั้ง

เขาจงใจทำให้สายขาดระหว่างการแสดง หลังจากนั้นเขาก็ยังคงทำท่อนนี้จบได้อย่างยอดเยี่ยมจนได้รับเสียงปรบมือจากผู้ชมอย่างดัง

เมื่อตอนเป็นเด็ก ปากานินีเรียนดนตรีโดยเฉพาะ อย่างไรก็ตาม พ่อของเขาถึงกับลงโทษเขาที่ไม่ออกกำลังกายเพียงพอโดยไม่ให้อาหารหรือน้ำให้เขา

เมื่อโตเป็นผู้ใหญ่ ปากานินีเป็นปรมาจารย์ด้านไวโอลินซึ่งมีข่าวลือว่าเขาได้ทำสัญญากับปีศาจด้วยตัวเอง เนื่องจากไม่มีมนุษย์คนใดสามารถเล่นได้อย่างงดงามขนาดนี้ หลังจากนักดนตรีเสียชีวิต ในตอนแรกคริสตจักรก็ปฏิเสธที่จะฝังเขาไว้บนที่ดินด้วยซ้ำ

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าปากานินีเข้าใจถึงประโยชน์ทั้งหมดของการปรากฏตัวต่อสาธารณะโดยยืนยันว่า:

“ฉันน่าเกลียด แต่เมื่อผู้หญิงได้ยินฉันเล่น พวกเธอเองก็คลานมาที่เท้าของฉัน”

รูปแบบและโครงสร้างของการประพันธ์ดนตรียังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องทั้งในงานบรรเลงและโอเปร่า ในเยอรมนี ศิลปะโอเปร่าแนวหน้านำโดย คาร์ล มาเรีย ฟอน เวเบอร์,แม้ว่าเขาจะมีชีวิตอยู่หลายปีจนหลายคนไม่คิดว่าเป็นช่วงโรแมนติกก็ตาม

อาจกล่าวได้ว่าสำหรับ Webers โอเปร่าเป็นเรื่องของครอบครัว และคาร์ลเดินทางอย่างกว้างขวางตั้งแต่ยังเป็นเด็กกับคณะโอเปร่าของพ่อเขา โอเปร่าของเขา เกมยิงฟรี (เกมยิงเวทย์มนตร์)เข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรีเนื่องจากมีการใช้ลวดลายพื้นบ้าน

อีกไม่นานคุณจะได้เรียนรู้ว่าเทคนิคดังกล่าวถือเป็นลักษณะเฉพาะของยุคโรแมนติก

เวเบอร์ยังเขียนคอนแชร์โตคลาริเน็ตหลายอัน และด้วยเหตุนี้เขาจึงมีชื่อเสียงเป็นส่วนใหญ่ในปัจจุบัน

อิตาลีเป็นแหล่งกำเนิดของโอเปร่าและเป็นบุคคลของ โจอาชิโน อันโตนิโอ รอสซินีชาวอิตาลีโชคดีที่ได้พบกับฮีโร่คนใหม่ในประเภทนี้ เขาเขียนโอเปร่าทั้งเนื้อหาตลกและโศกนาฏกรรมด้วยความสำเร็จไม่แพ้กัน

รอสซินีเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่แต่งเพลงได้เร็ว และเพื่อที่จะเขียนโอเปร่า โดยปกติเขาจะใช้เวลาเพียงไม่กี่สัปดาห์เท่านั้น เมื่อเขามีชื่อเสียงโด่งดังครั้งหนึ่งเขาเคยกล่าวไว้ว่า:

“ส่งบิลค่าซักรีดมาให้ฉัน แล้วฉันจะเปิดเพลงให้”

พวกเขาพูดอย่างนั้น ช่างตัดผมของเซบียารอสซินีแต่งในเวลาเพียงสิบสามวัน การทำงานที่รวดเร็วดังกล่าวนำไปสู่ความจริงที่ว่าโอเปร่าใหม่ของเขาถูกจัดแสดงในโรงภาพยนตร์ทุกแห่งในอิตาลีอย่างต่อเนื่อง แต่เขาไม่ได้ปฏิบัติต่อผู้แต่งเพลงของเขาในทางที่ดีเสมอไปและเคยพูดถึงพวกเขาอย่างดูหมิ่นด้วยซ้ำ:

“โอเปร่าจะวิเศษขนาดไหนหากไม่มีนักร้องอยู่ในนั้น!”

แต่เมื่ออายุได้สามสิบเจ็ดปี Rossini ก็หยุดเขียนโอเปร่าและในช่วงเกือบสี่ทศวรรษที่ผ่านมาของชีวิตเขาสร้างขึ้นเท่านั้น Stabat Mater.

ยังไม่ชัดเจนว่าอะไรเป็นแนวทางให้เขาในการตัดสินใจ แต่เมื่อถึงเวลานั้นเงินจำนวนมากสะสมอยู่ในบัญชีธนาคารของเขา - ค่าลิขสิทธิ์จากโปรดักชั่น

นอกจากดนตรีแล้ว Rossini ยังหลงใหลในศิลปะการทำอาหาร และมีอาหารอีกมากมายที่ตั้งชื่อตามเขามากกว่านักแต่งเพลงคนอื่นๆ คุณยังสามารถจัดอาหารกลางวันทั้งมื้อได้ ซึ่งได้แก่ สลัดรอสซินี ไข่เจียวรอสซินี และรอสซินี ตูร์เนโด (Tournedos เป็นชิ้นเนื้อทอดในเกล็ดขนมปัง เสิร์ฟพร้อมกับปาเต้และทรัฟเฟิล)

ฟรานซ์ ชูเบิร์ต,ซึ่งมีอายุเพียงสามสิบเอ็ดปีก็สถาปนาตัวเองเป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์เมื่ออายุได้สิบเจ็ดปี ในช่วงชีวิตอันแสนสั้นของเขา เขาเขียนเพลงมากกว่าหกร้อยเพลง ซิมโฟนีเก้าบท โอเปร่าสิบเอ็ดเรื่อง และงานอื่นๆ อีกประมาณสี่ร้อยงาน ในปี ค.ศ. 1815 เพียงปีเดียว เขาแต่งเพลงได้หนึ่งร้อยสี่สิบสี่เพลง สองมิสซา ซิมโฟนีหนึ่งรายการ และผลงานอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง

เขาติดเชื้อซิฟิลิสในปี พ.ศ. 2366 และอีกห้าปีต่อมาในปี พ.ศ. 2371 เขาเสียชีวิตด้วยโรคไข้ไทฟอยด์ หนึ่งปีก่อนหน้านี้ เขาได้เข้าร่วมงานศพของไอดอล ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน

เป็นที่น่าสังเกตว่าชูเบิร์ตเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงรายใหญ่คนแรกที่มีชื่อเสียงในการแสดงผลงานของผู้อื่น ตัวเขาเองได้จัดคอนเสิร์ตใหญ่เพียงครั้งเดียวในปีที่เขาเสียชีวิตและถึงกระนั้นก็ยังถูกบดบังด้วยการแสดงของปากานินีซึ่งมาเวียนนาในเวลาเดียวกัน ชูเบิร์ตผู้น่าสงสารมากไม่เคยได้รับความเคารพอย่างที่เขาสมควรได้รับในช่วงชีวิตของเขา

ความลึกลับที่ใหญ่ที่สุดประการหนึ่งของชูเบิร์ตก็คือ ซิมโฟนีหมายเลข 8,รู้จักกันในนาม ยังไม่เสร็จเขาเขียนเพียงสองส่วนเท่านั้นแล้วก็หยุดทำงาน ไม่มีใครรู้ว่าทำไมเขาถึงทำสิ่งนี้ แต่ซิมโฟนีนี้ยังคงเป็นผลงานยอดนิยมชิ้นหนึ่งของเขา

เฮคเตอร์ แบร์ลิออซเกิดมาในครอบครัวแพทย์ ดังนั้นเขาจึงไม่ได้รับการศึกษาด้านดนตรีเต็มรูปแบบ ไม่เหมือนกับนักแต่งเพลงคนอื่นๆ ที่กล่าวถึงในหนังสือของเรา

ในตอนแรกเขาตัดสินใจเดินตามรอยพ่อและเป็นหมอซึ่งเขาไปปารีส แต่ที่นั่นเขาเริ่มใช้เวลาดูโอเปร่าบ่อยขึ้นเรื่อย ๆ ในที่สุดเขาก็ตัดสินใจที่จะไล่ตามดนตรี ซึ่งทำให้พ่อแม่ของเขาผิดหวังมาก

ภาพของ Berlioz อาจดูเหมือนเป็นภาพล้อเลียนซึ่งยังห่างไกลจากการเขียนถึงผู้คน

นักแต่งเพลงคนใดก็ตามสามารถจินตนาการได้: ประหม่าและหงุดหงิด, หุนหันพลันแล่น, มีอารมณ์แปรปรวนกะทันหันและแน่นอนว่าโรแมนติกผิดปกติในความสัมพันธ์กับเพศตรงข้าม วันหนึ่งเขาโจมตีคนรักเก่าด้วยปืนพกในมือและขู่ว่าจะวางยาพิษเธอ เขาไล่ตามอีกคนหนึ่งโดยแต่งกายด้วยชุดสตรี

แต่ประเด็นหลักของแรงบันดาลใจโรแมนติกของ Berlioz คือนักแสดงหญิง Harriet Smithson ซึ่งต่อมาต้องทนทุกข์ทรมานจากโรคทางประสาทอย่างรุนแรง - เห็นได้ชัดว่าเธอเป็นหนี้ Berlioz เป็นจำนวนมาก เขาพบเธอครั้งแรกในปี พ.ศ. 2370 แต่เขาสามารถพบเธอด้วยตนเองได้ในปี พ.ศ. 2375 เท่านั้น ในตอนแรก Smithson ปฏิเสธ Berlioz และเขาเขียนว่าต้องการบรรลุการตอบแทนซึ่งกันและกัน ซิมโฟนีที่ยอดเยี่ยมในที่สุดพวกเขาก็แต่งงานกันในปี 1833 แต่อย่างที่คาดไว้ไม่กี่ปีต่อมา Berlioz ตกหลุมรักผู้หญิงอีกคน

ในด้านดนตรี Berlioz ชอบขอบเขต ดูเขาเป็นตัวอย่าง บังสุกุลเขียนขึ้นสำหรับวงออเคสตราและคณะนักร้องประสานเสียงขนาดใหญ่ เช่นเดียวกับวงดนตรีทองเหลืองสี่วงที่วางอยู่ที่แต่ละมุมของเวที ความสมัครใจในรูปแบบขนาดใหญ่นี้ไม่ได้มีส่วนช่วยอย่างมากต่อชื่อเสียงมรณกรรมของเขา การแสดงผลงานในรูปแบบที่เขาตั้งใจไว้อาจมีราคาแพงมากและบางครั้งก็เป็นไปไม่ได้ด้วยซ้ำ แต่อุปสรรคดังกล่าวไม่ได้รบกวนเขาเลยและเขายังคงแต่งเพลงต่อไปด้วยความหลงใหลที่เขาสามารถทำได้ วันหนึ่งเขาพูดว่า:

“นักแต่งเพลงทุกคนรู้ดีถึงความเจ็บปวดและความสิ้นหวังที่เกิดจากการไม่มีเวลามากพอที่จะจดบันทึกสิ่งที่เขาคิดขึ้นมา”

เด็กนักเรียนคนไหนที่อ่านหนังสือเล่มนี้น่าจะรู้สึกอิจฉาคนแบบนี้ เฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น,แก่ผู้มีชื่อเสียงในวัยเด็ก

ดังที่เราเห็นจากตัวอย่างมากมาย สิ่งนี้ไม่ใช่เรื่องแปลกในโลกของดนตรีคลาสสิก

อย่างไรก็ตาม Mendelssohn ไม่เพียงแต่ประสบความสำเร็จในด้านดนตรีเท่านั้น เขาเป็นหนึ่งในไม่กี่คนที่จัดการเพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่ดีในทุกสิ่งที่พวกเขาทำ ไม่ว่าจะเป็นการวาดภาพ บทกวี กีฬา และภาษา

ไม่ใช่เรื่องยากสำหรับ Mendelssohn ที่จะเชี่ยวชาญเรื่องทั้งหมดนี้

Mendelssohn โชคดี - เขาเกิดมาในครอบครัวที่ร่ำรวยและเติบโตมาในบรรยากาศที่สร้างสรรค์ของแวดวงศิลปะในกรุงเบอร์ลิน แม้ในวัยเด็กเขาได้พบกับศิลปินและนักดนตรีที่มีพรสวรรค์มากมายที่มาเยี่ยมพ่อแม่ของเขา

Mendelssohn แสดงต่อสาธารณะครั้งแรกเมื่ออายุเก้าขวบ และเมื่อตอนที่เขาอายุสิบหก เขาได้แต่งเพลงแล้ว ออคเต็ตสตริงหนึ่งปีต่อมาเขาได้เขียนบททาบทามให้กับบทละครของเช็คสเปียร์ ความฝันคืนกลางฤดูร้อน.แต่เขาสร้างเพลงที่เหลือสำหรับหนังตลกเรื่องนี้เพียงสิบเจ็ดปีต่อมา (รวมถึงเพลงดังด้วย งานแต่งงานเดือนมีนาคม,ซึ่งยังคงทำกันในงานแต่งงานอยู่บ่อยครั้ง)

ชีวิตส่วนตัวของ Mendelssohn ก็ประสบความสำเร็จเช่นกัน ตลอดหลายปีของการแต่งงานที่ยาวนานและแข็งแกร่ง เขาและภรรยามีลูกห้าคน

เขาทำงานและเดินทางบ่อยครั้ง รวมทั้งในสกอตแลนด์ซึ่งเขาไม่ค่อยพูดถึงชาวเมือง:

“…[พวกเขา] ผลิตอะไรได้นอกจากวิสกี้ หมอก และสภาพอากาศเลวร้าย”

แต่นี่ไม่ได้หยุดเขาจากการเขียนผลงานที่ยอดเยี่ยมสองชิ้นที่อุทิศให้กับสกอตแลนด์ สิบสามปีหลังจากการเดินทางครั้งแรกสิ้นสุดลง สก็อตซิมโฟนี;พื้นฐาน การทาบทามของวานูอาตูท่วงทำนองของชาวสก็อตเริ่มเล่น Mendelssohn ยังเชื่อมโยงกับบริเตนใหญ่โดย oratorio Elijah ซึ่งจัดแสดงครั้งแรกในเบอร์มิงแฮมในปี พ.ศ. 2389 เขายังได้พบกับสมเด็จพระราชินีวิกตอเรียและทรงสอนดนตรีให้กับเจ้าชายอัลเบิร์ต

Mendelssohn เสียชีวิตด้วยโรคหลอดเลือดสมองตั้งแต่อายุยังน้อย - เมื่ออายุสามสิบแปดปี แน่นอนว่าเราสามารถพูดได้ว่าเขาไม่รู้สึกเสียใจกับตัวเองและเหนื่อยล้าจากการทำงานมากเกินไป แต่ส่วนใหญ่แล้วการตายของเขาเกิดจากการเสียชีวิตของแฟนนี น้องสาวสุดที่รักของเขา ซึ่งเป็นนักดนตรีที่มีพรสวรรค์เช่นกัน

ก่อนที่เราจะเป็นอีกคนที่โรแมนติกกับแก่นแท้ ในเวลาเดียวกัน เฟรเดริก โชแปงนอกจากนี้ เขายังโดดเด่นด้วยความทุ่มเทอย่างแรงกล้าต่อเครื่องดนตรีชิ้นเดียว และสิ่งนี้หาได้ยากมากสำหรับนักประพันธ์เพลงที่กล่าวถึงในหนังสือของเรา

การบอกว่าโชแปงชอบเปียโนนั้นเป็นการพูดที่น้อยเกินไป เขาชื่นชมมัน เขาอุทิศทั้งชีวิตเพื่อแต่งเพลงเปียโนและปรับปรุงเทคนิคการเล่น ดูเหมือนจะไม่มีเครื่องดนตรีอื่นสำหรับเขา ยกเว้นเป็นเพลงประกอบในงานออเคสตรา

โชแปงเกิดในปี พ.ศ. 2353 ในกรุงวอร์ซอ พ่อของเขาเป็นชาวฝรั่งเศสโดยกำเนิด และแม่ของเขาเป็นชาวโปแลนด์ เฟรเดอริกเริ่มแสดงเมื่ออายุได้ 7 ขวบ และการแต่งเพลงครั้งแรกของเขาเกิดขึ้นในช่วงเวลาเดียวกัน ต้องบอกว่าคุณลักษณะที่โดดเด่นของเขาคือการมุ่งเน้นไปที่อนาคตมาโดยตลอด

ต่อจากนั้นโชแปงมีชื่อเสียงในปารีสซึ่งเขาเริ่มสอนดนตรีให้กับคนรวยต้องขอบคุณตัวเขาเองที่ร่ำรวย เขามักจะให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับรูปลักษณ์ของเขาและเพื่อให้แน่ใจว่าตู้เสื้อผ้าของเขาจะสอดคล้องกับแฟชั่นล่าสุด

ในฐานะนักแต่งเพลง โชแปงมีระเบียบและละเอียดถี่ถ้วน เขาไม่เคยปล่อยให้ตัวเองประมาท เขาฝึกฝนทุกงานให้สมบูรณ์แบบ ไม่น่าแปลกใจเลยที่การแต่งเพลงเป็นกระบวนการที่เจ็บปวดสำหรับเขา

โดยรวมแล้วเขาแต่งผลงานเดี่ยวสำหรับเปียโนหนึ่งร้อยหกสิบเก้าชิ้น

ในปารีส โชแปงตกหลุมรักนักเขียนชาวฝรั่งเศสชื่อดังที่มีชื่อแฟนซีว่า Amandine Aurora Lucille Dupin หรือที่รู้จักกันดีในนามแฝง George Sand เธอเป็นคนค่อนข้างโดดเด่น: มักพบเห็นเธอเดินไปมาบนถนนในกรุงปารีสโดยสวมเสื้อผ้าผู้ชายและสูบซิการ์ซึ่งทำให้สาธารณชนผู้ดีตกใจ ความรักระหว่างโชแปงและจอร์จแซนด์นั้นรุนแรงและจบลงด้วยการเลิกราที่เจ็บปวด

เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงคนอื่นๆ ในยุคโรแมนติก โชแปงไม่ได้มีอายุยืนยาว - เขาเสียชีวิตด้วยโรควัณโรคเมื่ออายุได้สามสิบเก้าปี ไม่นานหลังจากการเลิกรากับจอร์จแซนด์

โรเบิร์ต ชูมันน์เป็นนักแต่งเพลงอีกคนที่ใช้ชีวิตสั้นและวุ่นวาย แม้ว่าในกรณีของเขาจะเต็มไปด้วยความบ้าคลั่งพอสมควรก็ตาม ปัจจุบันผลงานของชูมันน์ในด้านเปียโน เพลง และแชมเบอร์มิวสิคเป็นที่รู้จัก

ชูมันน์เป็นนักแต่งเพลงที่เก่งกาจ แต่ในช่วงชีวิตของเขาเขาอยู่ภายใต้เงาของภรรยาของเขา คลารา ชูมันน์,นักเปียโนผู้เก่งกาจในสมัยนั้น เธอไม่ค่อยมีใครรู้จักในฐานะนักแต่งเพลง แม้ว่าเธอจะเขียนเพลงที่ค่อนข้างน่าสนใจก็ตาม

Robert Schumann เองก็ไม่สามารถแสดงเป็นนักเปียโนได้เนื่องจากอาการบาดเจ็บที่มือ และมันเป็นเรื่องยากสำหรับเขาที่จะอยู่เคียงข้างผู้หญิงที่มีชื่อเสียงในสาขานี้

นักแต่งเพลงต้องทนทุกข์ทรมานจากโรคซิฟิลิสและโรคทางประสาท ครั้งหนึ่งเขาพยายามฆ่าตัวตายด้วยการกระโดดลงไปในแม่น้ำไรน์ เขาได้รับการช่วยเหลือและส่งเข้าโรงพยาบาลจิตเวช ซึ่งเขาเสียชีวิตในอีกสองปีต่อมา

ชูมันน์มีแนวทางเชิงปฏิบัติต่องานศิลปะ ทราบข้อความต่อไปนี้ของเขา:

“ในการแต่งเพลง คุณเพียงแค่ต้องมีทำนองที่ไม่เคยเกิดขึ้นกับใครมาก่อน”

หากปากานินีสามารถเรียกได้ว่าเป็นราชาแห่งนักไวโอลิน - นักแสดงแล้วในหมู่นักเปียโน - ความโรแมนติกของชื่อนี้เป็นของโดยชอบธรรม ฟรานซ์ ลิซท์.เขายังมีส่วนร่วมในการสอนและแสดงผลงานของนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ อย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยโดยเฉพาะแวกเนอร์ซึ่งจะกล่าวถึงในภายหลัง

งานเปียโนของ Liszt ทำได้ยากมาก แต่เขาเขียนตามเทคนิคการเล่นของเขา โดยรู้ดีว่าไม่มีใครเล่นได้ดีกว่าเขา

นอกจากนี้ Liszt ยังถอดเสียงผลงานของนักแต่งเพลงคนอื่นลงบนเปียโน: Beethoven, Berlioz, Rossini และ Schubert ภายใต้นิ้วของเขาพวกเขาได้รับความคิดริเริ่มที่แปลกประหลาดและเริ่มฟังดูใหม่ เมื่อพิจารณาว่าแต่เดิมเขียนขึ้นสำหรับวงออเคสตรา มีเพียงคนๆ หนึ่งเท่านั้นที่ประหลาดใจกับทักษะของนักดนตรีที่สามารถเรียบเรียงเพลงเหล่านี้ได้อย่างแม่นยำอย่างน่าอัศจรรย์ด้วยเครื่องดนตรีชิ้นเดียว

ลิซท์เป็นดาราตัวจริงในยุคของเขา หนึ่งร้อยปีก่อนการประดิษฐ์ร็อกแอนด์โรล เขามีชีวิตที่คู่ควรกับนักดนตรีร็อคทุกคน รวมถึงเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ของเขาด้วย แม้แต่การตัดสินใจรับคำสั่งศักดิ์สิทธิ์ก็ไม่ได้หยุดเขาจากเรื่องต่างๆ

ลิซท์ยังทำให้การแสดงเป็นที่นิยมด้วยเปียโนและวงออเคสตรา ซึ่งเป็นแนวเพลงที่ยังคงพบเห็นได้ทั่วไปในปัจจุบัน เขาชอบที่จะมองดูแฟนๆ ชื่นชม และฟังเสียงกรีดร้องอย่างกระตือรือร้นของผู้ชมที่ดูนิ้วของเขาปลิวไปเหนือคีย์ เขาจึงหมุนเปียโนเพื่อให้ผู้ฟังสามารถติดตามการแสดงของนักเปียโนได้ ก่อนหน้านี้พวกเขานั่งหันหลังให้ผู้ชม

คนทั่วไปก็รู้ จอร์จ บิเซ็ตในฐานะผู้สร้างโอเปร่า คาร์เมนแต่รายชื่อที่ตีพิมพ์ในตอนท้ายของหนังสือของเรามีผลงานอีกชิ้นของเขาด้วย วัด Au Fond du Temple Saint(หรือเรียกอีกอย่างว่า เพลงคู่ของ Nadir และ Zurga)จากโอเปร่า ผู้แสวงหาไข่มุกโดยได้รับการจัดอันดับให้อยู่ในอันดับต้นๆ ของขบวนพาเหรดยอดนิยมอย่างต่อเนื่องนับตั้งแต่ที่เราเริ่มรวบรวมรายชื่อผลงานยอดนิยมในหมู่ผู้ฟัง Classic FM ในปี 1996

Bizet เป็นเด็กอัจฉริยะอีกคนที่แสดงให้เห็นถึงความสามารถทางดนตรีที่ยอดเยี่ยมของเขาตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เขาเขียนซิมโฟนีครั้งแรกเมื่ออายุสิบเจ็ด จริงอยู่ที่เขายังเสียชีวิตเร็วเมื่ออายุได้สามสิบหกปีโดยรวมอยู่ในรายชื่ออัจฉริยะที่จากไปก่อนวัยอันควร

แม้ว่าเขาจะมีความสามารถ แต่ Bizet ก็ไม่เคยได้รับการยอมรับอย่างแท้จริงในช่วงชีวิตของเขา โอเปร่า นักดำน้ำไข่มุกได้รับการจัดฉากด้วยความสำเร็จที่แตกต่างกันและรอบปฐมทัศน์ คาร์เมนมันจบลงด้วยความล้มเหลวโดยสิ้นเชิง - ประชาชนผู้มีชื่อเสียงในยุคนั้นไม่ยอมรับมัน เป็นที่โปรดปรานของนักวิจารณ์และผู้ที่ชื่นชอบดนตรีอย่างแท้จริง คาร์เมนชนะหลังจากผู้แต่งเสียชีวิตเท่านั้น นับตั้งแต่นั้นมาก็ได้จัดแสดงในโรงอุปรากรชั้นนำของโลกทุกแห่ง

นี่เป็นอีกคำจำกัดความที่คลุมเครืออย่างยิ่ง “ นักชาตินิยม” สามารถเรียกได้ว่าถูกต้องไม่เพียง แต่นักประพันธ์เพลงโรแมนติกทุกคนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงตัวแทนของยุคบาโรกและคลาสสิกด้วยในระดับหนึ่งด้วย

อย่างไรก็ตาม ในส่วนนี้เราจะแสดงรายชื่อนักประพันธ์เพลงชั้นนำ 14 คนในยุคโรแมนติกซึ่งมีผลงานเขียนในรูปแบบที่แม้แต่ผู้ฟังที่ไม่คุ้นเคยกับดนตรีคลาสสิกก็สามารถบอกได้ว่าสิ่งนี้หรือปรมาจารย์นั้นมาจากไหน

บางครั้งผู้แต่งเหล่านี้ถูกจัดว่าเป็นของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติแห่งใดแห่งหนึ่ง แม้ว่าแนวทางนี้จะไม่ถูกต้องทั้งหมดก็ตาม

โดยปกติแล้ว เมื่อเราได้ยินคำว่า "โรงเรียน" เราจะจินตนาการถึงห้องเรียนที่เด็กๆ ทำงานแบบเดียวกันภายใต้การแนะนำของครู

ถ้าเราพูดถึงนักประพันธ์เพลง พวกเขารวมกันเป็นหนึ่งเดียวกัน และแต่ละคนก็เดินตามเส้นทางของตัวเอง พยายามค้นหาวิธีการแสดงออกทางดนตรีที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง

หากดนตรีคลาสสิกของรัสเซียมีพ่อ - ผู้ก่อตั้งนี่คือไม่ต้องสงสัยเลย มิคาอิล อิวาโนวิช กลินกานักดนตรีชาตินิยมมีความโดดเด่นอย่างชัดเจนจากการใช้ท่วงทำนองพื้นบ้านในงานของพวกเขา กลินกาได้รับการแนะนำให้รู้จักกับเพลงรัสเซียโดยคุณยายของเขา

แตกต่างจากนักประพันธ์เพลงที่มีความสามารถคนอื่น ๆ ที่มักกล่าวถึงในหน้าหนังสือของเรา Glinka เริ่มศึกษาดนตรีอย่างจริงจังตั้งแต่อายุค่อนข้างปลาย - ในวัยยี่สิบต้นๆ ในตอนแรกท่านดำรงตำแหน่งเป็นข้าราชการในกระทรวงรถไฟ

เมื่อ Glinka ตัดสินใจเปลี่ยนอาชีพ เขาไปอิตาลี ซึ่งเขาแสดงเป็นนักเปียโน ที่นั่นเขาเริ่มต้นความรักอันลึกซึ้งต่อโอเปร่า เมื่อกลับถึงบ้านเขาแต่งโอเปร่าเรื่องแรก ชีวิตเพื่อกษัตริย์ประชาชนจำได้ทันทีว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงร่วมสมัยชาวรัสเซียที่เก่งที่สุด โอเปร่าที่สองของเขา รุสลันและมิลามิลาก็ไม่ประสบความสำเร็จเท่าที่ควร แม้ว่าจะยืนหยัดผ่านการทดสอบของเวลาได้ดีกว่าก็ตาม

อเล็กซานเดอร์ ปอร์ฟิรีวิช โบโรดินเป็นของผู้แต่งที่นอกเหนือจากดนตรีแล้วยังมีส่วนร่วมในกิจกรรมอื่น ๆ อีกด้วย สำหรับ Borodin เขาเริ่มอาชีพของเขาในฐานะนักวิทยาศาสตร์ - นักเคมี เรียงความเรื่องแรกของเขามีชื่อว่า "ผลกระทบของเอทิลไอโอไดด์ต่อไฮโดรเบนซาไมด์และอมรินทร์" และแน่นอนว่าคุณจะไม่เคยได้ยินเรื่องนี้ทาง Classic FM เนื่องจากเป็นงานทางวิทยาศาสตร์ที่ไม่เกี่ยวข้องกับดนตรี

Borodin เป็นบุตรนอกกฎหมายของเจ้าชายจอร์เจีย เขารับเอาความรักในดนตรีและความสนใจในศิลปะโดยทั่วไปมาจากแม่ของเขา และรักษาไว้ตลอดชีวิต

เนื่องจากงานยุ่งตลอดเวลา เขาจึงสามารถตีพิมพ์ผลงานได้เพียงประมาณ 20 ชิ้น ซึ่งรวมถึงซิมโฟนี เพลง และแชมเบอร์มิวสิค

กันด้วย มิลี บาลาคิเรฟ, นิโคไล ริมสกี-คอร์ซาคอฟ, ซีซาร์ กุยและ Mussorgsky เจียมเนื้อเจียมตัว Borodin เป็นสมาชิกของชุมชนดนตรี "The Mighty Handful" ความสำเร็จของนักประพันธ์เพลงเหล่านี้ยิ่งน่าทึ่งมากขึ้นเพราะพวกเขามีกิจกรรมอื่นนอกเหนือจากดนตรี

ในเรื่องนี้พวกเขาแตกต่างไปจากผู้แต่งคนอื่นๆ ส่วนใหญ่ที่กล่าวถึงในหนังสือเล่มนี้อย่างแน่นอน

ผลงานยอดนิยมของ Borodin คือ การเต้นรำของชาวโปลอฟเชียนจากโอเปร่าของเขา เจ้าชายอิกอร์ควรกล่าวว่าตัวเขาเองไม่เคยทำเสร็จ (แม้ว่าเขาจะทำงานมาสิบเจ็ดปีแล้วก็ตาม) โอเปร่าสร้างเสร็จโดยเพื่อนของเขา Rimsky - Korsakov ซึ่งเราจะพูดถึงรายละเอียดเพิ่มเติมในภายหลัง

ตามความเห็นของเรา เจียมเนื้อเจียมตัว Petrovich Mussorgskyเป็นผู้สร้างสรรค์และมีอิทธิพลมากที่สุดในบรรดาผู้แต่งเพลง "Mighty Handful" แม้ว่าเขาในฐานะบุคคลที่ไม่ธรรมดาจะไม่ได้หลบหนีจากความชั่วร้ายหนึ่งหรือสองประการที่มีอยู่ในตัวแทนของวิชาชีพสร้างสรรค์หลายคน

หลังจากออกจากกองทัพ Mussorgsky ได้งานราชการ ในวัยหนุ่มเขารักการเดินเล่นอย่างที่พวกเขาพูดเขาโดดเด่นด้วยความประทับใจและในช่วงบั้นปลายชีวิตเขาต้องทนทุกข์ทรมานจากโรคพิษสุราเรื้อรัง ด้วยเหตุนี้ เขาจึงมักถูกมองว่ามีผมรุงรังและจมูกสีแดงผิดปกติ

บ่อยครั้งที่ Mussorgsky ทำงานไม่เสร็จ และเพื่อน ๆ ของเขาก็ทำเพื่อเขา - บางครั้งก็ไม่ใช่ในแบบที่เขาตั้งใจไว้ ดังนั้นตอนนี้เราไม่แน่ใจว่าเจตนาดั้งเดิมของผู้เขียนคืออะไร วงดนตรีโอเปร่า บอริส โกดูนอฟจัดแจง Rimsky-Korsakov ใหม่รวมถึง "ภาพดนตรี" ที่มีชื่อเสียง คืนบนภูเขาหัวโล้น(ใช้ในภาพยนตร์ดิสนีย์ แฟนตาซี)เรียบเรียงเพื่อ ภาพจากนิทรรศการเขียน Maurice Ravel และในเวอร์ชันนี้พวกเขาเป็นที่รู้จักในยุคของเรา

แม้ว่า Mussorgsky จะมาจากครอบครัวที่ร่ำรวยและมีความสามารถมากมายทั้งในฐานะนักเปียโนและนักแต่งเพลง แต่เขาเสียชีวิตเมื่ออายุเพียงสี่สิบสองปีจากโรคพิษสุราเรื้อรัง

ผู้ปกครอง นิโคไล ริมสกี้ – คอร์ซาคอฟฝันว่าลูกชายของพวกเขาจะรับราชการในกองทัพเรือ และเขาก็ทำตามความคาดหวังของพวกเขา แต่หลังจากรับราชการในกองทัพเรือหลายปีและเดินทางทางทะเลหลายครั้ง เขาก็กลายเป็นนักแต่งเพลงและครูสอนดนตรี ซึ่งสร้างความประหลาดใจให้กับครอบครัวของเขาอย่างไม่ต้องสงสัย เพื่อบอกความจริง Rimsky-Korsakov สนใจดนตรีมาโดยตลอดและเริ่มแต่งเพลงด้วยซ้ำ ซิมโฟนีหมายเลข 1,เมื่อเรือของเขาจอดอยู่ในเขตอุตสาหกรรม Gravesend ในปากแม่น้ำเทมส์ นี่อาจเป็นหนึ่งในสถานที่โรแมนติกน้อยที่สุดในการเขียนเพลงที่กล่าวถึงในหนังสือเล่มนี้

นอกเหนือจากข้อเท็จจริงที่ว่า Rimsky-Korsakov เสร็จสิ้นและปรับปรุงผลงานบางส่วนของ Mussorgsky แล้ว เขาเองก็สร้างโอเปร่าสิบห้าเรื่องในธีมจากชีวิตชาวรัสเซีย แม้ว่าผลงานของเขาจะรู้สึกถึงอิทธิพลของประเทศที่แปลกใหม่ก็ตาม ตัวอย่างเช่น เชเฮราซาดสร้างจากนิทานเรื่อง หนึ่งพันหนึ่งราตรี

ริมสกี-คอร์ซาคอฟเก่งเป็นพิเศษในการแสดงความงดงามของเสียงของวงออเคสตราทั้งหมด เขาให้ความสนใจอย่างมากกับสิ่งนี้ในกิจกรรมการสอนของเขา และด้วยเหตุนี้จึงมีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงชาวรัสเซียหลายคนที่ทำงานตามเขามา โดยเฉพาะ Stravinsky

ปีเตอร์ อิลิช ไชคอฟสกียังใช้ท่วงทำนองพื้นบ้านของรัสเซียในการเรียบเรียงของเขา แต่ไม่เหมือนกับนักแต่งเพลงระดับชาติชาวรัสเซียคนอื่น ๆ เขาประมวลผลมันด้วยวิธีของเขาเองราวกับเป็นมรดกทางดนตรีของยุโรปทั้งหมด

ชีวิตส่วนตัวของไชคอฟสกีซึ่งปกคลุมไปด้วยความลับต่างๆ (มีข่าวลืออย่างกว้างขวางเกี่ยวกับความโน้มเอียงในการรักร่วมเพศของเขา) ไม่ใช่เรื่องง่าย ตัวเขาเองเคยกล่าวไว้ว่า:

“มันคงจะเป็นอะไรที่คลั่งไคล้จริงๆ ถ้าไม่ใช่เพราะดนตรี!”

เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาโดดเด่นด้วยความประทับใจ และเมื่อโตเป็นผู้ใหญ่ เขามักจะมีอาการเศร้าโศกและซึมเศร้า เขาคิดฆ่าตัวตายมากกว่าหนึ่งครั้ง ในวัยเด็กเขาศึกษากฎหมายและทำงานในกระทรวงยุติธรรมมาระยะหนึ่ง แต่ไม่นานก็ลาออกจากราชการเพื่ออุทิศตนให้กับดนตรีโดยสิ้นเชิง เมื่ออายุได้สามสิบเจ็ดปีเขาแต่งงานโดยไม่คาดคิด แต่การแต่งงานของเขากลายเป็นความทรมานอย่างแท้จริงสำหรับทั้งตัวเขาเองและภรรยาของเขา ในที่สุดภรรยาของเขาก็เข้ารับการรักษาในโรงพยาบาลจิตเวชและเธอก็เสียชีวิต ไชคอฟสกีเองก็ต้องทนทุกข์ทรมานเป็นเวลานานจากการเลิกราซึ่งเกิดขึ้นเพียงสองเดือนหลังจากงานแต่งงาน

ผลงานในช่วงแรกๆ ของไชคอฟสกีไม่ได้รับการยอมรับจากสาธารณชนทั่วไป และสิ่งนี้ทำให้เขาต้องทนทุกข์ทรมานมากมาย ที่น่าสนใจคือผลงานเหล่านี้หลายชิ้นได้แก่ คอนแชร์โต้สำหรับไวโอลินและวงออเคสตราและ คอนแชร์โต้สำหรับเปียโนและวงออเคสตราหมายเลข 1 ในกำลังได้รับความนิยมอย่างมากในปัจจุบัน บันทึก เปียโนคอนแชร์โต้หมายเลข 1โดยทั่วไปแล้ว การบันทึกเสียงดนตรีคลาสสิกครั้งแรกที่ได้รับสถานะ Golden Disc จากการขายหนึ่งล้านชุด

ไชคอฟสกีเขียนโอเปร่า 10 เรื่อง รวมทั้ง เยฟเจเนีย โอเนจิน่าและดนตรีบัลเลต์อาทิเช่น แคร็กเกอร์ เจ้าหญิงนิทราและ ทะเลสาบสวอน.เมื่อฟังเพลงนี้ คุณจะตระหนักได้ทันทีถึงความยิ่งใหญ่ของพรสวรรค์ของไชคอฟสกี ผู้รู้วิธีสร้างท่วงทำนองที่กลมกลืนและน่าตื่นเต้นอย่างยิ่ง บัลเล่ต์ของเขายังคงแสดงบนเวทีโลกบ่อยครั้งและดึงดูดความชื่นชมจากสาธารณชนอยู่เสมอ ด้วยเหตุผลเดียวกัน วลีดนตรีจากซิมโฟนีและคอนแชร์โตของเขาจึงเป็นที่รู้จักแม้กระทั่งกับผู้ที่มีความรู้ด้านดนตรีคลาสสิกเพียงเล็กน้อยก็ตาม

เป็นเวลาหลายปีที่ไชคอฟสกีได้รับความโปรดปรานจากหญิงม่ายผู้มั่งคั่งชื่อ Nadezhda von Meck ซึ่งส่งเงินจำนวนมากให้เขาโดยมีเงื่อนไขว่าพวกเขาจะไม่เคยพบหน้ากัน ค่อนข้างเป็นไปได้ว่าหากพวกเขาพบกันด้วยตนเอง พวกเขาก็จะจำกันและกันไม่ได้

สถานการณ์การเสียชีวิตของผู้แต่งยังไม่ชัดเจนนัก ตามข้อสรุปอย่างเป็นทางการ ไชคอฟสกีเสียชีวิตด้วยอหิวาตกโรค: เขาดื่มน้ำที่ปนเปื้อนไวรัส แต่มีเวอร์ชั่นหนึ่งที่เขาฆ่าตัวตายด้วยกลัวว่าความสัมพันธ์แบบรักร่วมเพศของเขาจะถูกเปิดเผยต่อสาธารณะ

หาก Glinka ถือเป็นบิดาแห่งดนตรีคลาสสิกของรัสเซีย ดนตรีคลาสสิกของเช็กก็จะมีบทบาทเดียวกันนี้ เบดริช สเมทาน่า.

ซาวครีมได้รับแรงบันดาลใจมาจากวัฒนธรรมพื้นบ้านของเช็กและธรรมชาติของประเทศบ้านเกิดมาโดยตลอด นี่เป็นความรู้สึกโดยเฉพาะอย่างยิ่งในวงจรของบทกวีไพเราะของเขา บ้านเกิดของฉัน Smetana ใช้เวลาแปดปีในการเขียน

ผลงานยอดนิยมในซีรีย์นี้ในปัจจุบันคือ วัลตาวา,อุทิศให้กับแม่น้ำเช็กที่ใหญ่ที่สุดสายหนึ่งที่ไหลผ่านกรุงปราก

ในช่วงบั้นปลายของชีวิต Bedřich Smetana ป่วยหนัก (น่าจะเป็นซิฟิลิส) กลายเป็นคนหูหนวกและเสียสติ เขาเสียชีวิตเมื่ออายุหกสิบ

ดนตรีของเขามีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงคนต่อไปในรายชื่อของเรา Antonin Dvořák ซึ่งผลงานของเขาได้รับการยอมรับไปไกลเกินขอบเขตของสาธารณรัฐเช็ก

อันโตนิน ดโวรัคเป็นวีรบุรุษของชาติเช็กอย่างแท้จริงผู้รักบ้านเกิดของเขาอย่างหลงใหล เพื่อนร่วมชาติของเขาตอบสนองความรู้สึกของเขาและชื่นชอบเขา

ผลงานของ Dvorak ได้รับการส่งเสริมอย่างกว้างขวางจาก Brahms (ซึ่งจะกล่าวถึงในภายหลังเล็กน้อย) ชื่อของ Dvorak ค่อยๆเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ตัวอย่างเช่น เขาได้รับแฟนๆ ในอังกฤษ ซึ่งเขาแสดงตามคำเชิญของ Royal Philharmonic Society รวมถึงในงานเทศกาลในเบอร์มิงแฮมและลีดส์

หลังจากนั้น Dvorak ตัดสินใจไปสหรัฐอเมริกาซึ่งในปี 1890 เขาได้รับตำแหน่งผู้ควบคุมวงเรือนกระจกแห่งชาติในนิวยอร์กซึ่งเขาดำรงตำแหน่งเป็นเวลาสามปี Dvorak คิดถึงบ้านเกิดของเขาอย่างมาก แต่ไม่เคยหยุดสนใจดนตรีท้องถิ่น ความประทับใจของเธอสะท้อนให้เห็นในตัวเขา ซิมโฟนีหมายเลข 9,เรียกว่า จากโลกใหม่.

ในท้ายที่สุด Dvorak ตัดสินใจกลับบ้านและใช้เวลาปีสุดท้ายในชีวิตของเขาในปรากเพื่อสอนหนังสือ

นอกจากดนตรีแล้ว Dvorak ยังสนใจรถไฟและเรือ และความหลงใหลนี้มีส่วนทำให้เขาตกลงที่จะไปเยือนสหรัฐอเมริกา แม้ว่าค่าธรรมเนียมจำนวนมากที่เสนอให้เขาอาจมีบทบาทชี้ขาดก็ตาม

d ตัวแทนของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติเช็กยังรวมถึง โจเซฟ ซุก, ลีโอส จานาเชคและ โบกุสลาฟ มาร์ตินู.

ภาษานอร์เวย์ เอ็ดวาร์ด กริกเป็นของกลุ่มนักแต่งเพลงที่รักบ้านเกิดของตนอย่างหลงใหล และบ้านเกิดของเขาก็ตอบสนองความรู้สึกของเขา ในประเทศนอร์เวย์ ผลงานของเขายังคงได้รับความนิยมอย่างมาก แต่สิ่งต่างๆ อาจแตกต่างออกไป เนื่องจากครอบครัวของ Grieg มีต้นกำเนิดมาจากสก็อตแลนด์ ปู่ทวดของเขาอพยพไปสแกนดิเนเวียหลังจากพ่ายแพ้ในการต่อสู้กับอังกฤษที่ Culloden

Grieg สร้างสรรค์ผลงานประเภทเล็กๆ ได้ดีที่สุด เช่น บทละครโคลงสั้น ๆสำหรับเปียโน แต่คอนเสิร์ตที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ คอนเสิร์ตเปียโนด้วยบทนำอันน่าประทับใจซึ่งเสียงเปียโนดูเหมือนจะหล่นลงมาใต้ลูกคอของกลองทิมปานี

d ตัวแทนของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติสแกนดิเนเวียยังรวมถึง คาร์ล นีลเซ่นและ โยฮัน สเวนเซ่น.

แม้ว่าดนตรีคลาสสิกจะเขียนในสเปนในศตวรรษที่ 19 เช่นกัน แต่มีนักแต่งเพลงไม่กี่คนที่อาศัยอยู่ที่นั่นและมีชื่อเสียงไปทั่วโลก ข้อยกเว้นประการหนึ่งคือ ไอแซค อัลเบนิซ,ในวัยเยาว์เขาไม่โดดเด่นด้วยนิสัยใจง่าย

พวกเขาบอกว่าอัลเบนิซเรียนรู้การเล่นเปียโนตั้งแต่อายุหนึ่งขวบ สามปีต่อมาเขาได้แสดงต่อสาธารณะ และเมื่ออายุได้แปดขวบเขาก็เริ่มออกทัวร์ เมื่ออายุได้ 15 ปี เขาเคยไปเยือนอาร์เจนตินา คิวบา สหรัฐอเมริกา และอังกฤษ

อัลเบนิซประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในการแสดงด้นสด: เขาสามารถสร้างทำนองขึ้นมาได้ทันทีและเล่นได้หลายรูปแบบทันที นอกจากนี้เขายังแสดงให้เห็นถึงความมหัศจรรย์ของการเรียนรู้เครื่องดนตรีอย่างเชี่ยวชาญ - เขาเล่นโดยหันหลังให้กับมัน ยิ่งไปกว่านั้น เขายังแต่งกายด้วยชุดทหารเสือทุกครั้ง ซึ่งจะช่วยเพิ่มความน่าตื่นตาตื่นใจให้กับการแสดงของเขา

เมื่อโตเป็นผู้ใหญ่เขานั่งลงเล็กน้อยและทำให้สาธารณชนประหลาดใจไม่ใช่กับพฤติกรรมที่น่าตกใจของเขา แต่ด้วยการแต่งเพลงของเขา วงจรการเล่นเปียโนของเขามีชื่อเสียงเป็นพิเศษ ไอบีเรียด้วยความสำเร็จของเขาผู้แต่งคนนี้จึงนำสเปนออกมาจากเงามืดและดึงดูดความสนใจของชุมชนดนตรีโลก

d Albéniz มีอิทธิพลอย่างมากต่อนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ ของ Spanish National School รวมทั้งด้วย ปาโบล เด ซาราซาเต, เอ็นริเก้ กรานาดอส, มานูเอล เด ฟาลลาและ เฮตอร์ วิลล่า – โลโบซ่า(ซึ่งเป็นชาวบราซิล)

อาเธอร์ ซัลลิแวนเป็นที่รู้จักกันดีในปัจจุบัน แต่ประวัติศาสตร์ไม่ได้ปฏิบัติต่อเขาอย่างยุติธรรมเกินไป เนื่องจากทุกวันนี้ผลงานที่ดีที่สุดของเขายังไม่เป็นที่จดจำ ในช่วงทศวรรษที่ 1870 เขาเริ่มทำงานร่วมกับกวีและนักประพันธ์ W. S. Gilbert พวกเขาร่วมกันเขียนบทละครการ์ตูนหลายเรื่อง: การพิจารณาคดีโดยคณะลูกขุน, โจรสลัดแห่งเพนแซนซ์, ผ้าอ้อมฟริเกตของฝ่าพระบาท, เจ้าหญิงไอด้า, เดอะมิคาโดะ, โยแมนแห่งองครักษ์และอื่น ๆ

แม้จะประสบความสำเร็จอย่างมากในการทำงานร่วมกัน แต่ผู้เขียนสองคนนี้ก็เข้ากันไม่ได้ดีนัก และท้ายที่สุดหลังจากการทะเลาะวิวาทกันอย่างดุเดือด พวกเขาก็หยุดสื่อสารกันโดยสิ้นเชิง การทะเลาะวิวาทเหล่านี้ว่างเปล่า

ตัวอย่างเช่น หนึ่งในนั้นเกี่ยวข้องกับพรมใหม่ที่โรงละครซาวอยในลอนดอน ซึ่งโดยปกติแล้วละครของพวกเขาจะถูกจัดแสดง

ซัลลิแวนใฝ่ฝันที่จะมีชื่อเสียงในฐานะนักแต่งเพลงที่จริงจัง แต่ตอนนี้ผลงานของเขาที่ไม่ได้อยู่ในประเภทโอเปร่าได้ถูกลืมไปแล้ว

อย่างไรก็ตามเขาเขียนโอเปร่า ไอแวนโฮ,ค่อนข้างน่าสนใจ ซิมโฟนีใน E minorและเพลงสรรเสริญพระบารมี “ไปข้างหน้า กองทัพของพระคริสต์!”– บางทีอาจจะเป็นงานที่เขาแสดงบ่อยที่สุด

d ตัวแทนของ English National School of Music ก็ประกอบด้วย อาร์โนลด์ แบ็กซ์, ฮูเบิร์ต แพร์รี่, ซามูเอล โคเลอริดจ์ - เทย์เลอร์, ชาร์ลส วิลลิเยร์ส สแตนฟอร์ดและ จอร์จ บัตเตอร์เวิร์ธ.

บทละครของกิลเบิร์ตและซัลลิแวนแบบฝรั่งเศสสามารถเรียกได้ว่าเป็นผลงาน ฌาคส์ ออฟเฟนบัค,ผู้ชายที่มีอารมณ์ขันอย่างแน่นอน เขาเกิดที่เมืองโคโลญจน์และบางครั้งก็เซ็นชื่อตัวเองว่า "โอ" จากโคโลญ" (“O. de Cologne” เสียงเหมือน “โคโลญ”)

ในปี 1858 ออฟเฟนบาคทำให้ชาวปารีสประหลาดใจ แคนแคนจากละคร ออร์ฟัสในนรก- สำหรับสาธารณชนที่มีความซับซ้อนการเต้นรำของคนทั่วไปนั้นดูดุร้ายและลามกอนาจารอย่างไรก็ตามบทละครเองก็ถือว่าอื้อฉาว

อย่างไรก็ตามหากคุณคุ้นเคยกับชื่อนี้ ก็ควรค่าแก่การจดจำว่าเพลงสำหรับตำนานของ Orpheus เขียนโดย Peri, Monteverdi และ Gluck ในศตวรรษก่อน ๆ เวอร์ชันของออฟเฟนบาคเป็นการเสียดสี มีจุดประสงค์เพื่อความบันเทิง จึงมีฉากที่ไร้สาระมากด้วย อย่างไรก็ตาม แม้จะมีความประทับใจครั้งแรก แต่ในที่สุดสาธารณชนก็ตกหลุมรักละครนี้ ดังนั้น Offenbach เองก็แทบจะไม่มีเหตุผลใด ๆ ที่จะเสียใจกับสิ่งที่เขาเขียน

ผลงานอื่นๆ ของเขาคือโอเปร่าที่จริงจัง นิทานของฮอฟฟ์มันน์,ซึ่งมันฟังดู บาร์คาโรล.

ลีโอ เดลิเบสเป็นนักแต่งเพลงที่มีอิทธิพลไม่น้อยไปกว่า Offenbach แม้ว่าตอนนี้มีเพียงโอเปร่าเดียวของเขาเท่านั้นที่จำได้เป็นส่วนใหญ่ - ลามีซึ่งมีเสียงอันโด่งดัง ดอกไม้คู่,ใช้ในสกรีนเซฟเวอร์ทางโทรทัศน์และโฆษณามากมาย

ในบรรดาคนรู้จักของ Delibes นั้นเป็นนักดนตรีที่ยอดเยี่ยมเช่น Berlioz และ Bizet ซึ่งเขาทำงานเป็นผู้อำนวยการคณะนักร้องประสานเสียง Lyric Theatre ในปารีส

d ตัวแทนโรงเรียนดนตรีแห่งชาติฝรั่งเศส ได้แก่ อเล็กซิส – เอ็มมานูเอล ชาบริเยร์, ชาร์ลส์ มารี วิดอร์, โจเซฟ คันเตต์ – หลับและ จูลส์ แมสเซเนต์,โอเปร่า ชาวไทยซึ่งรวมถึงอินเตอร์เมซโซด้วย ภาพสะท้อน (การทำสมาธิ)เป็นที่นิยมในหมู่นักไวโอลินสมัยใหม่หลายคน

นักแต่งเพลงโรแมนติกระดับชาติสองคนสุดท้ายของเราเป็นพ่อและลูกชาย แม้ว่าอายุที่แตกต่างกัน (ยี่สิบเอ็ดปี) จะไม่ยิ่งใหญ่นักสำหรับประวัติศาสตร์ โยฮันน์ สเตราส์ ซีเนียร์ถือเป็น "บิดาแห่งเพลงวอลทซ์" เขาเป็นนักไวโอลินที่ยอดเยี่ยมและเป็นผู้นำวงออเคสตราที่แสดงไปทั่วยุโรปและได้รับเงินจำนวนมากจากมัน

อย่างไรก็ตามชื่อของ "Waltz King" เป็นของลูกชายของเขาอย่างถูกต้องซึ่งมีชื่อว่า Johann Strauss ด้วย พ่อของเขาไม่ต้องการให้เขาเป็นนักไวโอลิน แต่โยฮันน์ผู้เป็นน้องยังคงอุทิศชีวิตให้กับดนตรีและจัดวงออเคสตราของตัวเองซึ่งแข่งขันกับวงออเคสตราของพ่อเขา สเตราส์ที่อายุน้อยกว่ามีความเฉียบแหลมทางธุรกิจที่ดีซึ่งเขาสามารถเสริมความแข็งแกร่งให้กับสถานะทางการเงินของเขาได้

ทั้งหมด โยฮันน์ สเตราส์ - ลูกชายเขียนเพลงวอลทซ์หนึ่งร้อยหกสิบแปดเพลงรวมถึงเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุด - บนแม่น้ำดานูบสีฟ้าที่สวยงามในท้ายที่สุด มีวงออเคสตรามากถึงหกวงที่ได้รับการตั้งชื่อตามสเตราส์ ซึ่งวงหนึ่งนำโดยโจเซฟ น้องชายของโยฮันน์ผู้น้อง และอีกวงหนึ่งโดยเอดูอาร์ด น้องชายของเขา (แต่ละวงแต่งเพลงประมาณสามร้อยเพลง)

เพลงวอลทซ์และลายโพลก้าของ Johann ได้รับความนิยมอย่างมากในร้านกาแฟในเวียนนา และสไตล์ที่สดใสและขี้เล่นของเขากลายเป็นมาตรฐานสำหรับดนตรีเต้นรำทั่วยุโรป

ผู้ชื่นชอบดนตรีคลาสสิกบางคนยังถือว่าการแต่งเพลงของสเตราส์นั้นหยาบคายและไม่สำคัญเกินไป อย่าไว้ใจพวกเขาและอย่าตกอยู่ภายใต้การยั่วยุของพวกเขา! ครอบครัวนี้รู้วิธีการเขียนผลงานที่ยอดเยี่ยมอย่างแท้จริง ยกระดับ และน่าจดจำเป็นเวลานานทันทีหลังจากฟังครั้งแรก

นักแต่งเพลงหลายคนในยุคนี้ยังคงเขียนเพลงต่อไปในศตวรรษที่ 20 อย่างไรก็ตาม เราพูดถึงพวกเขาที่นี่ ไม่ใช่ในบทถัดไป ด้วยเหตุผลที่ว่าจิตวิญญาณแห่งความโรแมนติกแข็งแกร่งในดนตรีของพวกเขา

ควรสังเกตว่าบางคนยังคงรักษาความสัมพันธ์ที่ใกล้ชิดและแม้กระทั่งมิตรภาพกับนักแต่งเพลงที่กล่าวถึงในส่วนย่อย "โรแมนติกในยุคแรก" และ "ผู้รักชาติ"

นอกจากนี้ควรระลึกไว้ว่าในช่วงเวลานี้นักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยมจำนวนมากทำงานในประเทศยุโรปต่างๆ ซึ่งการแบ่งส่วนใด ๆ ตามหลักการใด ๆ ก็ตามจะมีเงื่อนไขโดยสิ้นเชิง หากในวรรณคดีต่างๆ ที่กล่าวถึงช่วงเวลาคลาสสิกและยุคบาโรก มีการกล่าวถึงกรอบเวลาเดียวกันโดยประมาณ ช่วงเวลาโรแมนติกก็ถูกกำหนดแตกต่างกันไปในทุกที่ ดูเหมือนว่าเส้นแบ่งระหว่างปลายยุคโรแมนติกกับต้นศตวรรษที่ 20 ในด้านดนตรีนั้นเบลอมาก

นักแต่งเพลงชั้นนำของอิตาลีในศตวรรษที่ 19 ไม่ต้องสงสัยเลย จูเซปเป้ แวร์ดี.ชายผู้มีหนวดและคิ้วหนาคนนี้ มองมาที่เราด้วยดวงตาเป็นประกาย ยืนสูงกว่าผู้แต่งโอเปร่าคนอื่นๆ ทั้งหมด

ผลงานทั้งหมดของ Verdi เต็มไปด้วยท่วงทำนองที่สดใสและน่าจดจำ โดยรวมแล้วเขาเขียนโอเปร่าถึง 26 เรื่อง ซึ่งส่วนใหญ่จัดแสดงเป็นประจำในปัจจุบัน หนึ่งในนั้นคือผลงานศิลปะโอเปร่าที่มีชื่อเสียงและโดดเด่นที่สุดตลอดกาล

ดนตรีของ Verdi ได้รับการยกย่องอย่างสูงในช่วงชีวิตของนักแต่งเพลง ในรอบปฐมทัศน์ ฮาเดสผู้ชมปรบมืออย่างยาวนานจนศิลปินต้องโค้งคำนับมากถึงสามสิบสองครั้ง

แวร์ดีเป็นคนรวย แต่เงินไม่สามารถช่วยชีวิตทั้งภรรยาของนักแต่งเพลงและลูกสองคนจากการเสียชีวิตก่อนวัยอันควรได้ จึงมีช่วงเวลาที่น่าเศร้าในชีวิตของเขา เขามอบโชคลาภให้กับที่พักพิงของนักดนตรีเก่า ๆ ที่สร้างขึ้นภายใต้การนำของเขาในมิลาน แวร์ดีเองก็ถือว่าการสร้างที่พักพิงเป็นความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขา ไม่ใช่ดนตรี

แม้ว่าชื่อแวร์ดีจะเกี่ยวข้องกับโอเปร่าเป็นหลัก แต่เมื่อพูดถึงเขาแล้วก็เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึง บังสุกุลซึ่งถือเป็นตัวอย่างหนึ่งของดนตรีประสานเสียงที่ดีที่สุด มันเต็มไปด้วยดราม่า และลักษณะบางอย่างของโอเปร่าก็ปรากฏอยู่ในนั้น

นักแต่งเพลงคนต่อไปของเราไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นคนที่มีเสน่ห์ที่สุด โดยทั่วไปแล้วนี่เป็นบุคคลที่อื้อฉาวและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในบรรดาทั้งหมดที่กล่าวถึงในหนังสือของเรา ถ้าเราจะทำรายการตามลักษณะบุคลิกภาพเท่านั้นล่ะก็ ริชาร์ด วากเนอร์ฉันจะไม่มีวันได้เข้าไปในนั้น อย่างไรก็ตาม เราได้รับคำแนะนำจากเกณฑ์ทางดนตรีโดยเฉพาะ และประวัติศาสตร์ของดนตรีคลาสสิกจะคิดไม่ถึงหากไม่มีบุคคลนี้

พรสวรรค์ของวากเนอร์ไม่อาจปฏิเสธได้ จากปากกาของเขาผลงานดนตรีที่สำคัญและน่าประทับใจที่สุดบางชิ้นตลอดช่วงเวลาแห่งความโรแมนติก - โดยเฉพาะโอเปร่า ในเวลาเดียวกัน เขาถูกอธิบายว่าต่อต้านยิว เหยียดเชื้อชาติ เทปแดง ผู้หลอกลวงขั้นสูงสุด และแม้กระทั่งหัวขโมย ผู้ไม่ลังเลที่จะเอาทุกสิ่งที่เขาต้องการ และหยาบคายโดยไม่สำนึกผิด วากเนอร์มีความรู้สึกภาคภูมิใจในตนเองเกินจริง และเขาเชื่อว่าอัจฉริยะของเขายกระดับเขาเหนือคนอื่นๆ ทั้งหมด

วากเนอร์เป็นที่จดจำจากการแสดงโอเปร่าของเขา นักแต่งเพลงคนนี้ได้ยกระดับโอเปร่าเยอรมันขึ้นอีกระดับหนึ่ง และแม้ว่าเขาจะเกิดพร้อมกับแวร์ดี แต่ดนตรีของเขาก็แตกต่างอย่างมากจากผลงานของอิตาลีในยุคนั้น

นวัตกรรมอย่างหนึ่งของวากเนอร์คือตัวละครหลักแต่ละคนจะได้รับธีมดนตรีของตัวเอง ซึ่งจะแสดงซ้ำทุกครั้งที่เขาเริ่มมีบทบาทสำคัญในเวที

วันนี้ดูเหมือนจะชัดเจนในตัวเอง แต่ในเวลานั้นความคิดนี้ทำให้เกิดการปฏิวัติอย่างแท้จริง

ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของวากเนอร์คือวงจร แหวนแห่งนิเบลุง,ประกอบด้วยโอเปร่า 4 เรื่อง ได้แก่ ไรน์โกลด์, วาลคิรี, ซิกฟรีดและ ความตายของเหล่าทวยเทพ.โดยปกติจะแสดงในช่วงเย็นสี่ครั้งติดต่อกันและใช้เวลาทั้งหมดประมาณสิบห้าชั่วโมง การแสดงโอเปร่าเหล่านี้เพียงอย่างเดียวก็เพียงพอที่จะยกย่องผู้ประพันธ์เพลงของพวกเขา แม้จะมีความคลุมเครือของวากเนอร์ในฐานะบุคคล แต่ก็ต้องยอมรับว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงที่โดดเด่น

ลักษณะเด่นของโอเปร่าของวากเนอร์คือความยาว โอเปร่าครั้งสุดท้ายของเขา พาร์ซิฟาลกินเวลานานกว่าสี่ชั่วโมง

วาทยกร David Randolph เคยกล่าวถึงเธอว่า:

“นี่คือโอเปร่าประเภทหนึ่งที่เริ่มตอนหกโมงเย็น และเมื่อสามชั่วโมงต่อมาคุณดูนาฬิกาข้อมือ ปรากฎว่าแสดงเวลา 6:20 น.”

ชีวิต แอนตัน บรัคเนอร์ในฐานะนักแต่งเพลง นี่เป็นบทเรียนว่าจะไม่ยอมแพ้และยืนหยัดเพื่อตนเองอย่างไร เขาฝึกฝนสิบสองชั่วโมงต่อวันทุ่มเทเวลาทั้งหมดในการทำงาน (เขาเป็นนักเล่นออร์แกน) และเรียนรู้มากมายเกี่ยวกับดนตรีด้วยตัวเขาเองจบการเรียนรู้ศิลปะการแต่งเพลงโดยการโต้ตอบเมื่ออายุพอสมควร - เมื่ออายุสามสิบเจ็ดปี

ทุกวันนี้คนส่วนใหญ่มักจำซิมโฟนีของ Bruckner ซึ่งเขาเขียนทั้งหมดเก้าเพลง บางครั้งเขาก็ถูกเอาชนะด้วยความสงสัยเกี่ยวกับคุณค่าของเขาในฐานะนักดนตรี แต่เขาก็ยังคงได้รับการยอมรับ แม้ว่าจะเป็นช่วงบั้นปลายของชีวิตก็ตาม หลังจากทำการแสดงแล้ว ซิมโฟนีหมายเลข 1ในที่สุดนักวิจารณ์ก็ยกย่องผู้แต่งซึ่งตอนนั้นอายุสี่สิบสี่ปีแล้ว

โยฮันเนส บราห์มส์พูดได้ว่าไม่ใช่นักประพันธ์เพลงคนหนึ่งที่เกิดมาโดยมีแท่งเงินอยู่ในมือ เมื่อถึงเวลาที่เขาเกิด ครอบครัวนี้ได้สูญเสียความมั่งคั่งในอดีตและแทบจะไม่สามารถหารายได้ได้ เมื่อเป็นวัยรุ่น เขาหาเลี้ยงชีพด้วยการเล่นในซ่องโสเภณีในเมืองฮัมบูร์ก ซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา เมื่อบราห์มส์เป็นผู้ใหญ่ ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเขาจะคุ้นเคยกับแง่มุมที่น่าสนใจน้อยลงของชีวิตแล้ว

ดนตรีของ Brahms ได้รับการส่งเสริมโดย Robert Schumann เพื่อนของเขา หลังจากการตายของชูมันน์ Brahms ก็สนิทสนมกับ Clara Schumann และในที่สุดก็ตกหลุมรักเธอด้วยซ้ำ ไม่มีใครรู้แน่ชัดว่าพวกเขามีความสัมพันธ์แบบไหนแม้ว่าความรู้สึกที่มีต่อเธออาจมีบทบาทบางอย่างในความสัมพันธ์ของเขากับผู้หญิงคนอื่น - เขาไม่ได้มอบหัวใจให้กับพวกเขาคนใดเลย

บราห์มส์เป็นคนค่อนข้างไม่ควบคุมและหงุดหงิด แต่เพื่อนของเขาอ้างว่ามีความอ่อนโยนในตัวเขา แม้ว่าเขาจะไม่ได้แสดงให้คนรอบข้างเห็นเสมอไปก็ตาม วันหนึ่ง เมื่อกลับถึงบ้านจากงานปาร์ตี้ เขาพูดว่า:

“ถ้าฉันไม่ได้ทำให้ใครขุ่นเคืองที่นั่น ฉันก็ต้องขออภัยโทษพวกเขาด้วย”

Brahms คงไม่สามารถชนะการแข่งขันสำหรับนักประพันธ์เพลงที่ทันสมัยและแต่งตัวหรูหราที่สุดได้ เขาเกลียดการซื้อเสื้อผ้าใหม่ และมักจะสวมกางเกงขาบานขาจั๊มแบบเดิมๆ เกือบจะสั้นเกินไปสำหรับเขาเสมอ ในระหว่างการแสดงครั้งหนึ่ง กางเกงของเขาเกือบหลุด อีกครั้งหนึ่งเขาต้องถอดเน็คไทแล้วสวมแทนเข็มขัด

สไตล์ดนตรีของ Brahms ได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก Haydn, Mozart และ Beethoven และนักประวัติศาสตร์ดนตรีบางคนถึงกับโต้แย้งว่าเขาเขียนด้วยจิตวิญญาณของความคลาสสิกแต่ในขณะนั้นก็ล้าสมัย ในเวลาเดียวกัน เขายังเป็นเจ้าของแนวคิดใหม่ๆ หลายประการ เขาสามารถพัฒนาข้อความดนตรีขนาดเล็กเป็นพิเศษและทำซ้ำได้ตลอดงาน - สิ่งที่ผู้แต่งเรียกว่า "บรรทัดฐานที่ซ้ำกัน"

บราห์มส์ไม่ได้เขียนโอเปร่า แต่เขาลองตัวเองในดนตรีคลาสสิกประเภทอื่น ๆ เกือบทั้งหมด ดังนั้น เขาจึงสามารถเรียกได้ว่าเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่กล่าวถึงในหนังสือของเรา ซึ่งเป็นผู้ยิ่งใหญ่แห่งดนตรีคลาสสิกอย่างแท้จริง ตัวเขาเองพูดสิ่งนี้เกี่ยวกับงานของเขา:

“การเรียบเรียงไม่ใช่เรื่องยาก แต่การจดโน้ตเพิ่มเติมไว้ใต้โต๊ะเป็นเรื่องยากอย่างน่าประหลาดใจ”

แม็กซ์ บรูชบังเกิดหลังจากบราห์มส์เพียงห้าปี และอย่างหลังนี้คงจะบดบังพระองค์อย่างแน่นอน ถ้าไม่ใช่เพราะงานประการเดียว ไวโอลินคอนแชร์โต้หมายเลข 1

Bruch เองก็ยอมรับความจริงข้อนี้โดยยืนยันด้วยความสุภาพเรียบร้อยซึ่งผิดปกติสำหรับนักแต่งเพลงหลายคน:

“ห้าสิบปีต่อจากนี้ บราห์มส์จะถูกเรียกว่าเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล และผมจะถูกจดจำจากการแต่งไวโอลินคอนแชร์โตในเพลง G minor”

และเขาก็พูดถูก จริงอยู่ที่บรูชเองก็มีบางอย่างที่ต้องจำ! เขาแต่งผลงานอื่นๆ อีกมากมาย - รวมประมาณสองร้อย - โดยเฉพาะเขาเขียนผลงานมากมายสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงและโอเปร่า ซึ่งไม่ค่อยมีการจัดแสดงในทุกวันนี้ ดนตรีของเขาไพเราะ แต่เขาไม่ได้มีส่วนช่วยในการพัฒนาอะไรใหม่ๆ เป็นพิเศษ เมื่อเปรียบเทียบกับเขาแล้ว นักแต่งเพลงคนอื่นๆ หลายคนในยุคนั้นดูเหมือนจะเป็นผู้ริเริ่มอย่างแท้จริง

ในปี 1880 Bruch ได้รับแต่งตั้งให้เป็นผู้ควบคุมวงดนตรีของ Royal Liverpool Philharmonic Society แต่สามปีต่อมาเขาก็กลับมาที่เบอร์ลิน นักดนตรีวงออเคสตราไม่พอใจเขา

ในหน้าหนังสือของเราเราได้พบกับนักดนตรีอัจฉริยะมากมายแล้วและ คามิลล์ เซนต์ – แซนส์อันดับไม่น้อยในหมู่พวกเขา เมื่ออายุได้ 2 ขวบ Saint-Saens ได้เลือกทำนองเพลงบนเปียโนแล้ว และเขาเรียนรู้ที่จะอ่านและเขียนเพลงไปพร้อมๆ กัน เมื่ออายุได้สามขวบเขาเล่นบทละครที่แต่งเอง ตอนอายุสิบขวบเขาแสดงของโมสาร์ทและเบโธเฟนได้อย่างสวยงาม ในเวลาเดียวกัน เขาเริ่มสนใจกีฏวิทยาอย่างจริงจัง (ผีเสื้อและแมลง) และจากนั้นก็สนใจวิทยาศาสตร์อื่นๆ รวมถึงธรณีวิทยา ดาราศาสตร์ และปรัชญา ดูเหมือนว่าเด็กที่มีความสามารถเช่นนี้ไม่สามารถจำกัดตัวเองอยู่เพียงสิ่งเดียวได้

หลังจากสำเร็จการศึกษาที่ Paris Conservatory แล้ว Saint-Saens ก็ทำงานเป็นนักออร์แกนเป็นเวลาหลายปี เมื่อเขาโตขึ้น เขาเริ่มมีอิทธิพลต่อชีวิตทางดนตรีในฝรั่งเศส และต้องขอบคุณเขาที่ทำให้ดนตรีของนักแต่งเพลงเช่น J. S. Bach, Mozart, Handel และ Gluck เริ่มมีการแสดงบ่อยขึ้น

ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของแซ็ง-ซ็องคือ งานรื่นเริงสัตว์,ซึ่งผู้แต่งห้ามไม่ให้แสดงในช่วงชีวิตของเขา เขากังวลว่านักวิจารณ์เพลงเมื่อได้ยินผลงานนี้จะคิดว่ามันไม่สำคัญเกินไป ท้ายที่สุดแล้ว มันตลกดีเมื่อวงออเคสตราบนเวทีแสดงภาพสิงโต ไก่กับไก่ เต่า ช้าง จิงโจ้ พิพิธภัณฑ์สัตว์น้ำที่มีปลา นก ลา และหงส์

Saint-Saens เขียนผลงานอื่นๆ ของเขาเกี่ยวกับการผสมผสานเครื่องดนตรีที่ไม่ธรรมดา ซึ่งรวมถึงผลงานที่มีชื่อเสียงด้วย "ออร์แกน" ซิมโฟนี หมายเลข 3,ได้ยินในภาพยนตร์เรื่อง "เบ๊บ"

ดนตรีของแซ็ง-ซ็องมีอิทธิพลต่อผลงานของคีตกวีชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ รวมไปถึง กาเบรียล ฟอร์.ชายหนุ่มคนนี้สืบทอดตำแหน่งนักเล่นออร์แกนในโบสถ์เซนต์แมกดาเลนแห่งปารีส ซึ่งแซงต์-ซ็องเคยยึดครองมาก่อน

แม้ว่าพรสวรรค์ของFauréจะเทียบไม่ได้กับพรสวรรค์ของครูของเขา แต่เขาก็ยังเป็นนักเปียโนที่ยอดเยี่ยม

Faure ไม่ใช่คนรวยดังนั้นจึงทำงานหนัก เล่นออร์แกน เป็นผู้นำคณะนักร้องประสานเสียงและให้บทเรียน เขาเขียนในเวลาว่างซึ่งมีน้อยมาก แต่ถึงอย่างนี้เขาก็สามารถตีพิมพ์ผลงานของเขาได้มากกว่าสองร้อยห้าสิบชิ้น บางงานใช้เวลานานมากในการเรียบเรียง เช่น การทำงาน เป็นต้น บังสุกุลกินเวลานานกว่ายี่สิบปี

ในปี 1905 Fauré กลายเป็นผู้อำนวยการ Paris Conservatoire ซึ่งเป็นบุคคลที่ต้องอาศัยการพัฒนาดนตรีฝรั่งเศสในยุคนั้นเป็นหลัก สิบห้าปีต่อมา โฟเรก็เกษียณ ในช่วงบั้นปลายของชีวิตเขาต้องทนทุกข์ทรมานจากการสูญเสียการได้ยิน

ปัจจุบัน Fauré ได้รับความเคารพนับถือนอกประเทศฝรั่งเศส แม้ว่าเขาจะมีคุณค่ามากที่สุดที่นั่นก็ตาม

สำหรับแฟนเพลงอังกฤษรูปร่างหน้าตาเช่น เอ็ดเวิร์ด เอลการ์,มันคงจะดูเหมือนเป็นปาฏิหาริย์จริงๆ นักประวัติศาสตร์ดนตรีหลายคนเรียกเขาว่านักแต่งเพลงชาวอังกฤษคนสำคัญคนแรกหลังจาก Henry Purcell ซึ่งทำงานในยุคบาโรกแม้ว่าเราจะกล่าวถึง Arthur Sullivan ก่อนหน้านี้เล็กน้อยก็ตาม

เอลการ์รักอังกฤษมาก โดยเฉพาะวูสเตอร์ไชร์ ซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา ซึ่งเขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในชีวิตเพื่อค้นหาแรงบันดาลใจในทุ่งนาของเนินเขามัลเวิร์น

เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาถูกรายล้อมไปด้วยดนตรีทุกที่ พ่อของเขาเป็นเจ้าของร้านขายอุปกรณ์ดนตรีในท้องถิ่น และสอนเอลการ์ตัวน้อยให้เล่นเครื่องดนตรีต่างๆ เมื่ออายุได้ 12 ขวบ เด็กชายได้เข้ามารับตำแหน่งแทนนักเล่นออร์แกนในพิธีที่โบสถ์แล้ว

หลังจากทำงานในสำนักงานทนายความ Elgar ตัดสินใจอุทิศตัวเองให้กับอาชีพที่น่าเชื่อถือน้อยกว่ามากจากมุมมองทางการเงิน บางครั้งเขาทำงานนอกเวลาโดยสอนไวโอลินและเปียโนเล่นในวงออเคสตราท้องถิ่นและแม้แต่แสดงเพียงเล็กน้อย

ชื่อเสียงของ Elgar ค่อยๆ เติบโตขึ้นในฐานะนักแต่งเพลง แม้ว่าเขาจะประสบปัญหาในการออกนอกเขตบ้านเกิดของเขาก็ตาม ทำให้เขามีชื่อเสียง การเปลี่ยนแปลงในธีมดั้งเดิมซึ่งปัจจุบันรู้จักกันดีในนาม ปริศนารูปแบบต่างๆ

ปัจจุบันดนตรีของ Elgar ถูกมองว่าเป็นภาษาอังกฤษมากและได้ยินในช่วงงานสำคัญระดับชาติ เมื่อได้ยินเสียงแรกๆ เชลโล่คอนแชร์โต้ชนบทอังกฤษก็ปรากฏขึ้นทันที นิมรอดจาก รูปแบบต่างๆมักเล่นในพิธีการอย่างเป็นทางการและ พิธีเฉลิมฉลองการเดินขบวนครั้งที่ 1รู้จักกันในนาม ดินแดนแห่งความหวังและศักดิ์ศรีจัดแสดงในงานพร็อมทั่วสหราชอาณาจักร

Elgar เป็นคนในครอบครัวและรักชีวิตที่สงบและเป็นระเบียบ อย่างไรก็ตาม เขาได้ทิ้งร่องรอยไว้ในประวัติศาสตร์ นักแต่งเพลงที่มีหนวดหนาเป็นพวงนี้สามารถเห็นได้ทันทีบนธนบัตรยี่สิบปอนด์ เห็นได้ชัดว่าผู้ออกแบบธนบัตรรู้สึกว่าขนบนใบหน้านั้นปลอมแปลงได้ยากมาก

ในอิตาลี ผู้สืบทอดศิลปะโอเปร่าของ Giuseppe Verdi คือ จาโคโม ปุชชินี่,ถือว่าเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ด้านศิลปะรูปแบบนี้ที่ได้รับการยอมรับทั่วโลก

ครอบครัวปุชชินีเกี่ยวข้องกับดนตรีในโบสถ์มานานแล้ว แต่เมื่อจาโกโมได้ยินโอเปร่าเป็นครั้งแรก ไอด้าแวร์ดี เขาตระหนักว่านี่คือหน้าที่ของเขา

หลังจากเรียนที่มิลาน ปุชชินีก็แต่งโอเปร่า มานอน เลสคัต,ซึ่งทำให้เขาประสบความสำเร็จอย่างยิ่งใหญ่เป็นครั้งแรกในปี พ.ศ. 2436 หลังจากนั้น การผลิตที่ประสบความสำเร็จอย่างหนึ่งตามมาด้วย: โบฮีเมียในปี พ.ศ. 2439 ความปรารถนาในปี 1900 และ มาดามบัตเตอร์ฟลายในปี 1904

โดยรวมแล้วปุชชินีแต่งโอเปร่าสิบสองเรื่องซึ่งเรื่องสุดท้ายคือ ทูรานดอตเขาเสียชีวิตโดยที่ยังทำงานนี้ให้เสร็จไม่ได้ และนักแต่งเพลงอีกคนก็ทำงานนี้ให้เสร็จ ในรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า ผู้ควบคุมวง Arturo Toscanini ได้หยุดวงออเคสตราตรงจุดที่ปุชชินีหยุด เขาหันไปหาผู้ฟังแล้วพูดว่า:

“ที่นี่ความตายมีชัยเหนือศิลปะ”

เมื่อปุชชินีเสียชีวิต ยุครุ่งเรืองของโอเปร่าอิตาลีก็สิ้นสุดลง หนังสือของเราจะไม่กล่าวถึงผู้แต่งโอเปร่าชาวอิตาลีอีกต่อไป แต่ใครจะรู้ว่าอนาคตจะเป็นอย่างไรสำหรับเรา?

ในช่วงชีวิต กุสตาฟ มาห์เลอร์เป็นที่รู้จักกันดีในฐานะวาทยากรมากกว่าในฐานะนักแต่งเพลง เขาแสดงในช่วงฤดูหนาวและในฤดูร้อนตามกฎแล้วเขาชอบเขียนมากกว่า

ว่ากันว่าเมื่อตอนเป็นเด็ก มาห์เลอร์พบเปียโนในห้องใต้หลังคาของบ้านยายของเขา สี่ปีต่อมา เมื่ออายุได้สิบขวบ เขาได้แสดงครั้งแรก

มาห์เลอร์ศึกษาที่ Vienna Conservatory ซึ่งเขาเริ่มแต่งเพลง ในปี พ.ศ. 2440 เขาได้เป็นผู้อำนวยการของ Vienna State Opera และในอีกสิบปีข้างหน้าก็ได้รับชื่อเสียงอย่างมากในสาขานี้

ตัวเขาเองเริ่มเขียนโอเปร่าสามเรื่อง แต่ไม่เคยจบเลย ในสมัยของเรา เขาเป็นที่รู้จักกันดีในฐานะนักแต่งเพลงซิมโฟนี ในประเภทนี้เขาเป็นเจ้าของหนึ่งใน "เพลงฮิต" ที่แท้จริง - ซิมโฟนีหมายเลข 8,นักดนตรีและนักร้องมากกว่าพันคนมีส่วนร่วมในการแสดง

หลังจากมาห์เลอร์เสียชีวิต ดนตรีของเขาก็เลิกเป็นที่นิยมไปประมาณห้าสิบปี แต่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ก็กลับมาได้รับความนิยมอีกครั้ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในบริเตนใหญ่และสหรัฐอเมริกา

ริชาร์ด สเตราส์เกิดในประเทศเยอรมนีและไม่ได้อยู่ในราชวงศ์เวียนนาสเตราส์ แม้ว่านักแต่งเพลงคนนี้จะมีชีวิตอยู่เกือบครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 แต่เขาก็ยังถือว่าเป็นตัวแทนของแนวโรแมนติกทางดนตรีของเยอรมัน

ความนิยมทั่วโลกของ Richard Strauss ได้รับผลกระทบบ้างจากการที่เขาตัดสินใจอยู่ในเยอรมนีหลังปี 1939 และหลังสงครามโลกครั้งที่สอง เขาถูกกล่าวหาว่าร่วมมือกับพวกนาซีด้วยซ้ำ

สเตราส์เป็นผู้ควบคุมวงที่ยอดเยี่ยม ทำให้เขาเข้าใจอย่างถ่องแท้ว่าเครื่องดนตรีชนิดใดในวงออเคสตราควรมีเสียงอย่างไร เขามักจะนำความรู้นี้ไปใช้ในทางปฏิบัติ นอกจากนี้เขายังให้คำแนะนำต่างๆ แก่ผู้แต่งคนอื่นๆ เช่น:

“อย่ามองทรอมโบน คุณแค่ให้กำลังใจพวกเขาเท่านั้น”

“อย่าเหงื่อออกขณะแสดง ผู้ฟังเท่านั้นที่ควรรู้สึกร้อนแรง”

ปัจจุบัน สเตราส์เป็นที่จดจำเกี่ยวกับงานของเขาเป็นหลัก ศาราธุสตราตรัสดังนี้ว่าอินโทรที่สแตนลีย์ คูบริกใช้ในภาพยนตร์เรื่อง 2001: A Space Odyssey แต่เขายังเขียนโอเปร่าเยอรมันที่ดีที่สุดบางเรื่องอีกด้วย เดอร์ โรเซนคาวาเลียร์, ซาโลเมและ เอเรียดเนบนนักซอสหนึ่งปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิตเขาก็แต่งได้งดงามมากเช่นกัน สี่เพลงสุดท้าย.สำหรับเสียงร้องและวงออเคสตรา โดยทั่วไปแล้ว เพลงเหล่านี้ไม่ใช่เพลงสุดท้ายของสเตราส์ แต่กลายเป็นเพลงสุดท้ายของกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา

จนถึงตอนนี้ในบรรดาผู้แต่งที่กล่าวถึงในหนังสือเล่มนี้มีตัวแทนของสแกนดิเนเวียเพียงคนเดียวเท่านั้น - Edvard Grieg แต่ตอนนี้เราถูกพาไปยังภูมิภาคที่โหดร้ายและหนาวเย็นนี้อีกครั้ง - คราวนี้ไปที่ฟินแลนด์ซึ่งเป็นที่ที่ฉันเกิด ฌอง ซิเบลิอุสอัจฉริยะทางดนตรีที่ยอดเยี่ยม

ดนตรีของ Sibelius ซึมซับตำนานและตำนานของบ้านเกิดของเขา ผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขา ฟินแลนด์,ถือเป็นศูนย์รวมของจิตวิญญาณประจำชาติฟินแลนด์ เช่นเดียวกับในบริเตนใหญ่ ผลงานของ Elgar ได้รับการยอมรับว่าเป็นสมบัติของชาติ ยิ่งไปกว่านั้น Sibelius เช่นเดียวกับ Mahler ยังเป็นปรมาจารย์ด้านซิมโฟนีอย่างแท้จริง

สำหรับความหลงใหลอื่น ๆ ของนักแต่งเพลง ในชีวิตประจำวันเขาชอบดื่มและสูบบุหรี่มากเกินไปจนเมื่ออายุได้สี่สิบเขาจึงล้มป่วยด้วยโรคมะเร็งลำคอ เขามักจะขาดเงิน และรัฐก็ให้เงินบำนาญแก่เขาเพื่อที่เขาจะได้เขียนเพลงต่อไปได้โดยไม่ต้องกังวลเรื่องความเป็นอยู่ทางการเงินของเขา แต่กว่ายี่สิบปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Sibelius ก็หยุดเขียนอะไรเลย เขาใช้ชีวิตที่เหลืออยู่อย่างสันโดษ เขาเข้มงวดกับผู้ที่ได้รับเงินจากการวิจารณ์เพลงของเขาเป็นพิเศษ:

“อย่าใส่ใจกับสิ่งที่นักวิจารณ์พูด จนถึงขณะนี้ ยังไม่มีใครได้รับรูปปั้นจากนักวิจารณ์แม้แต่คนเดียว”

คนสุดท้ายในรายชื่อนักแต่งเพลงในยุคโรแมนติกของเรามีชีวิตอยู่จนถึงเกือบกลางศตวรรษที่ 20 แม้ว่าเขาจะเขียนผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาส่วนใหญ่ในช่วงทศวรรษ 1900 ก็ตาม ถึงกระนั้นเขาก็ถือว่าเป็นคนโรแมนติกและสำหรับเราแล้วดูเหมือนว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงที่โรแมนติกที่สุดในกลุ่มทั้งหมด

เซอร์เกย์ วาซิลีวิช รัคมานินอฟเกิดมาในตระกูลขุนนางซึ่งเวลานั้นก็หมดเกลี้ยงไปมากแล้ว เขาแสดงความสนใจในดนตรีในวัยเด็ก และพ่อแม่ของเขาส่งเขาไปเรียนที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก่อน จากนั้นจึงไปที่มอสโก

Rachmaninov เป็นนักเปียโนที่มีพรสวรรค์ที่น่าทึ่งและเขาก็กลายเป็นนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมด้วย

ของฉัน เปียโนคอนแชร์โต้หมายเลข 1เขาเขียนเมื่ออายุสิบเก้า เขาหาเวลาสำหรับการแสดงโอเปร่าเรื่องแรกของเขา อเลโก้.

แต่ตามกฎแล้วนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ไม่ค่อยพอใจกับชีวิตมากนัก ในรูปถ่ายหลายรูป เราเห็นผู้ชายโกรธและขมวดคิ้ว Igor Stravinsky นักแต่งเพลงชาวรัสเซียอีกคนเคยตั้งข้อสังเกตว่า:

“ แก่นแท้ของ Rachmaninov คือความเศร้าโศกของเขา เขาหน้าบูดบึ้งสูงหกฟุตครึ่ง...เขาเป็นคนที่น่ากลัว”

เมื่อรัชมานินอฟรุ่นเยาว์เล่นให้กับไชคอฟสกี้ เขาดีใจมากที่ได้ให้คะแนน A พร้อมข้อดีสี่ประการ ซึ่งเป็นเกรดสูงสุดในประวัติศาสตร์ทั้งหมดของ Moscow Conservatory ในไม่ช้าคนทั้งเมืองก็พูดถึงพรสวรรค์ของรุ่นเยาว์

อย่างไรก็ตามโชคชะตายังคงไร้ความกรุณาต่อนักดนตรีมาเป็นเวลานาน

นักวิจารณ์ก็รุนแรงมากเกี่ยวกับเรื่องนี้ ซิมโฟนีหมายเลข 1,รอบปฐมทัศน์ซึ่งจบลงด้วยความล้มเหลว สิ่งนี้ทำให้รัคมานินอฟมีประสบการณ์ทางอารมณ์ที่ยากลำบากเขาสูญเสียศรัทธาในความสามารถของเขาและไม่สามารถเขียนอะไรได้เลย

ในท้ายที่สุดมีเพียงความช่วยเหลือจากจิตแพทย์ผู้มีประสบการณ์ Nikolai Dahl เท่านั้นที่ทำให้เขาหลุดพ้นจากวิกฤติได้ ในปี 1901 รัคมานินอฟเล่นเปียโนคอนแชร์โตเสร็จ ซึ่งเขาทำงานอย่างหนักมาหลายปีและอุทิศให้กับดร. ดาห์ล คราวนี้ผู้ชมต่างทักทายผลงานของผู้แต่งด้วยความยินดี ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา เปียโนคอนแชร์โต้หมายเลข 2ได้กลายเป็นเพลงคลาสสิกอันเป็นที่ชื่นชอบของวงดนตรีต่างๆ ทั่วโลก

Rachmaninov เริ่มทัวร์ยุโรปและสหรัฐอเมริกา เมื่อกลับไปรัสเซียเขาดำเนินการและแต่งเพลง

หลังการปฏิวัติในปี พ.ศ. 2460 Rachmaninov และครอบครัวของเขาไปชมคอนเสิร์ตในสแกนดิเนเวีย เขาไม่เคยกลับบ้าน แต่เขาย้ายไปสวิตเซอร์แลนด์ ซึ่งเขาซื้อบ้านริมชายฝั่งทะเลสาบลูเซิร์น เขารักแหล่งน้ำมาโดยตลอด และตอนนี้เมื่อเขากลายเป็นคนรวยแล้ว เขาก็สามารถพักผ่อนบนชายฝั่งและชื่นชมทิวทัศน์ที่เปิดกว้างได้

Rachmaninov เป็นผู้ควบคุมวงที่ยอดเยี่ยมและให้คำแนะนำต่อไปนี้แก่ผู้ที่ต้องการสร้างความแตกต่างในสาขานี้เสมอ:

“ตัวนำที่ดีจะต้องเป็นคนขับรถที่ดี ทั้งสองอย่างต้องการคุณสมบัติที่เหมือนกัน นั่นคือ สมาธิ ความเอาใจใส่อย่างเข้มข้นอย่างต่อเนื่อง และการมีอยู่ของจิตใจ วาทยากรจำเป็นต้องรู้เพียงเล็กน้อยเกี่ยวกับดนตรีเท่านั้น…”

ในปี 1935 Rachmaninov ตัดสินใจตั้งถิ่นฐานในสหรัฐอเมริกา ตอนแรกเขาอาศัยอยู่ที่นิวยอร์กแล้วย้ายไปลอสแองเจลิส ที่นั่นเขาเริ่มสร้างบ้านหลังใหม่ให้กับตัวเองเหมือนกับบ้านหลังที่เขาทิ้งไว้ในมอสโกว

เมื่อรัคมานินอฟโตขึ้น เขาก็เริ่มแต่งเพลงน้อยลงเรื่อยๆ และแทบจะหยุดเขียนเพลงไปเลย เขามีชื่อเสียงโด่งดังในฐานะนักเปียโนที่ยอดเยี่ยม

แม้ว่าเขาจะคิดถึงบ้าน แต่รัคมานินอฟก็ชอบมันในสหรัฐอเมริกา เขาภูมิใจในรถคาดิลแลคคันใหญ่ของเขา และมักจะเชิญแขกให้นั่งรถเพื่ออวดรถคันนี้

ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Rachmaninov ได้รับสัญชาติสหรัฐอเมริกา เขาถูกฝังในประเทศนี้

เราให้ความสนใจกับช่วงเวลาโรแมนติกในหนังสือของเรามากกว่าดนตรีคลาสสิกยุคอื่นๆ ทั้งหมด

ในยุคนี้มีสิ่งที่น่าสนใจมากมายเกิดขึ้นในหลายประเทศจนเป็นไปไม่ได้เลยที่จะเล่าทุกอย่างในบทความสั้น ๆ ดนตรีคลาสสิกมีการเปลี่ยนแปลงไปมาก เช่นเดียวกับเสียงของมัน ซึ่งมีความสมบูรณ์และเข้มข้นมากขึ้นด้วยวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตร้าขนาดใหญ่ ในหลาย ๆ ด้าน ผลงานของรัชมานินอฟเป็นตัวอย่างในอุดมคติของเสียงนี้ หากคุณเปรียบเทียบเขากับเบโธเฟน จะเห็นได้ชัดว่าการเปลี่ยนแปลงยิ่งใหญ่เพียงใด

แต่ไม่ว่าการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในโลกแห่งดนตรีในช่วงประมาณแปดสิบปีของยุคโรแมนติกจะดูมีนัยสำคัญเพียงใด ก็เทียบไม่ได้กับสิ่งที่เกิดขึ้นในภายหลัง และต่อมาดนตรีก็มีความหลากหลายและแปลกประหลาดมากขึ้นซึ่งตามความเห็นของเราก็ไม่ได้เป็นประโยชน์เสมอไป

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 การเคลื่อนไหวทางศิลปะเช่นแนวโรแมนติกปรากฏขึ้น ในยุคนี้ ผู้คนใฝ่ฝันถึงโลกในอุดมคติและ "หนี" ไปสู่โลกแห่งจินตนาการ สไตล์นี้พบว่ามีรูปแบบที่สดใสและเต็มไปด้วยจินตนาการที่สุดในดนตรี ในบรรดาตัวแทนของแนวโรแมนติกนักประพันธ์เพลงชื่อดังแห่งศตวรรษที่ 19 ได้แก่ Karl Weber

โรเบิร์ต ชูมันน์, ฟรานซ์ ชูเบิร์ต, ฟรานซ์ ลิซท์ และริชาร์ด วากเนอร์

ฟรานซ์ ลิซท์

อนาคตเกิดในครอบครัวนักเล่นเชลโล พ่อของเขาสอนดนตรีให้เขาตั้งแต่อายุยังน้อย เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงและเรียนรู้การเล่นออร์แกน เมื่อฟรานซ์อายุ 12 ขวบ ครอบครัวของเขาย้ายไปปารีสเพื่อให้เด็กชายได้เรียนดนตรี อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้รับการยอมรับให้เข้าเรียนในเรือนกระจก เนื่องจากเขาอายุ 14 ปี เขาจึงได้แต่งเพลง etudes ศิลปินในศตวรรษที่ 19 เช่น Berlioz และ Paganini มีอิทธิพลอย่างมากต่อเขา

ปากานินีกลายเป็นไอดอลที่แท้จริงของลิซท์ และเขาตัดสินใจฝึกฝนทักษะการเล่นเปียโนของตัวเอง กิจกรรมคอนเสิร์ตในปี พ.ศ. 2382-2390 มาพร้อมกับชัยชนะอันยอดเยี่ยม ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Ferenc ได้สร้างคอลเลกชันบทละครชื่อดัง "Years of Wanderings" นักเปียโนฝีมือดีและเป็นที่ชื่นชอบของสาธารณชนกลายเป็นตัวแทนที่แท้จริงของยุคนั้น

Franz Liszt แต่งเพลง เขียนหนังสือหลายเล่ม สอน และจัดชั้นเรียนแบบเปิด นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 19 จากทั่วยุโรปมาหาเขา เราสามารถพูดได้ว่าเขาเกี่ยวข้องกับดนตรีมาเกือบทั้งชีวิตนับตั้งแต่เขาสร้างมา 60 ปี จนถึงทุกวันนี้ ความสามารถและทักษะทางดนตรีของเขาเป็นแบบอย่างให้กับนักเปียโนยุคใหม่

ริชาร์ด วากเนอร์

อัจฉริยะสร้างดนตรีที่ไม่สามารถปล่อยให้ใครเฉยได้ เธอมีทั้งแฟนและคู่ต่อสู้ที่ดุร้าย วากเนอร์หลงใหลในโรงละครมาตั้งแต่เด็ก และเมื่ออายุ 15 ปี เขาตัดสินใจสร้างโศกนาฏกรรมด้วยดนตรี เมื่ออายุ 16 ปี เขานำผลงานของเขาไปที่ปารีส

เขาพยายามแสดงโอเปร่าอย่างไร้ประโยชน์เป็นเวลา 3 ปี แต่ไม่มีใครอยากจัดการกับนักดนตรีที่ไม่รู้จัก นักประพันธ์เพลงยอดนิยมในศตวรรษที่ 19 เช่น Franz Liszt และ Berlioz ซึ่งเขาพบในปารีส ไม่ได้นำโชคมาให้เขา เขายากจนและไม่มีใครอยากสนับสนุนแนวคิดทางดนตรีของเขา

หลังจากล้มเหลวในฝรั่งเศส นักแต่งเพลงจึงกลับไปที่เดรสเดนซึ่งเขาเริ่มทำงานเป็นผู้ควบคุมวงในโรงละครในศาล ในปี ค.ศ. 1848 เขาอพยพไปยังสวิตเซอร์แลนด์ โดยถูกประกาศว่าเป็นอาชญากรหลังจากเข้าร่วมในการจลาจล วากเนอร์ตระหนักถึงความไม่สมบูรณ์ของสังคมชนชั้นกลางและตำแหน่งที่ต้องพึ่งพาของศิลปิน

ในปี พ.ศ. 2402 เขายกย่องความรักในโอเปร่า Tristan และ Isolde ผลงาน "ปาร์ซิฟาล" นำเสนอวิสัยทัศน์ยูโทเปียเกี่ยวกับภราดรภาพสากล ความชั่วร้ายพ่ายแพ้ และความยุติธรรมและสติปัญญาก็มีชัย นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 19 ทุกคนได้รับอิทธิพลจากดนตรีของวากเนอร์และเรียนรู้จากผลงานของเขา

ในศตวรรษที่ 19 มีการก่อตั้งโรงเรียนการแต่งเพลงและการแสดงระดับชาติขึ้นในรัสเซีย ดนตรีรัสเซียมีสองช่วง: แนวโรแมนติกยุคแรกและคลาสสิก คนแรกรวมถึงนักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19 เช่น A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev

มิคาอิล กลินกา

มิคาอิล กลินกา ก่อตั้งโรงเรียนสอนแต่งเพลงในประเทศของเรา จิตวิญญาณของรัสเซียมีอยู่ในตัวเขาทั้งหมด โอเปร่าที่มีชื่อเสียงเช่น "Ruslan และ Lyudmila", "A Life for the Tsar" นั้นเต็มไปด้วยความรักชาติ กลินกาสรุปลักษณะเฉพาะของดนตรีพื้นบ้านและใช้ทำนองและจังหวะดนตรีพื้นบ้านโบราณ นักแต่งเพลงยังเป็นผู้ริเริ่มละครเพลงอีกด้วย งานของเขาคือการเจริญรุ่งเรืองของวัฒนธรรมของชาติ

นักแต่งเพลงชาวรัสเซียมอบผลงานอันยอดเยี่ยมมากมายให้กับโลกซึ่งยังคงดึงดูดใจผู้คนจนทุกวันนี้ ในบรรดานักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียที่เก่งกาจแห่งศตวรรษที่ 19 ชื่อเช่น M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky นั้นเป็นอมตะ

ดนตรีคลาสสิกสะท้อนโลกภายในของบุคคลได้อย่างเต็มตาและเย้ายวน เหตุผลนิยมที่เข้มงวดถูกแทนที่ด้วยความรักของศตวรรษที่ 19

การนำเสนอให้ข้อมูลแก่ผู้คนหลากหลายรูปแบบและหลากหลายวิธี วัตถุประสงค์ของงานแต่ละชิ้นคือการถ่ายโอนและการดูดซึมข้อมูลที่เสนอ และสำหรับวันนี้พวกเขาใช้วิธีการต่างๆ: ตั้งแต่กระดานดำพร้อมชอล์กไปจนถึงโปรเจ็กเตอร์ราคาแพงพร้อมแผง

งานนำเสนออาจเป็นชุดรูปภาพ (ภาพถ่าย) ที่ใส่กรอบพร้อมข้อความอธิบาย แอนิเมชันคอมพิวเตอร์ในตัว ไฟล์เสียงและวิดีโอ และองค์ประกอบเชิงโต้ตอบอื่นๆ

บนเว็บไซต์ของเราคุณจะพบกับการนำเสนอจำนวนมากในหัวข้อที่คุณสนใจ หากคุณมีปัญหาใด ๆ ให้ใช้การค้นหาไซต์

บนเว็บไซต์ คุณสามารถดาวน์โหลดงานนำเสนอเกี่ยวกับดาราศาสตร์ได้ฟรี ทำความรู้จักกับตัวแทนของพืชและสัตว์บนโลกของเราในการนำเสนอเกี่ยวกับชีววิทยาและภูมิศาสตร์ ในระหว่างบทเรียนในโรงเรียน เด็กๆ จะสนใจเรียนรู้เกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของประเทศของตนผ่านการนำเสนอประวัติศาสตร์

ในบทเรียนดนตรี ครูสามารถใช้การนำเสนอดนตรีแบบโต้ตอบซึ่งคุณสามารถได้ยินเสียงเครื่องดนตรีต่างๆ คุณยังสามารถดาวน์โหลดการนำเสนอเกี่ยวกับ MHC และการนำเสนอเกี่ยวกับสังคมศึกษาได้ ผู้ชื่นชอบวรรณกรรมรัสเซียก็ไม่ได้รับความสนใจเช่นกัน ฉันขอนำเสนอ PowerPoint ของฉันในภาษารัสเซีย

มีส่วนพิเศษสำหรับนักเทคโนโลยี: และการนำเสนอทางคณิตศาสตร์ และนักกีฬาสามารถทำความคุ้นเคยกับการนำเสนอเกี่ยวกับกีฬาได้ สำหรับผู้ที่ชอบสร้างสรรค์ผลงานของตนเอง ก็มีส่วนที่ใครๆ ก็สามารถดาวน์โหลดพื้นฐานการทำงานจริงได้