ศิลปินชาวยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ภาพวาดโบราณ

การก่อตัวของอารยธรรมอุตสาหกรรมมีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะยุโรป อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน มันมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับชีวิตทางสังคม ความต้องการทางจิตวิญญาณและวัตถุของผู้คน ในบริบทของการพึ่งพาซึ่งกันและกันที่เพิ่มมากขึ้นของผู้คน การเคลื่อนไหวทางศิลปะและความสำเร็จทางวัฒนธรรมได้แพร่กระจายไปทั่วโลกอย่างรวดเร็ว

จิตรกรรม

ยวนใจและความสมจริงแสดงออกด้วยพลังพิเศษในการวาดภาพ สัญญาณของความโรแมนติกหลายประการอยู่ในผลงานของศิลปินชาวสเปน Francisco Goya (1746-1828)ต้องขอบคุณความสามารถและการทำงานหนัก ลูกชายของช่างฝีมือผู้น่าสงสารจึงกลายเป็นจิตรกรที่ยิ่งใหญ่ ผลงานของเขาประกอบด้วยยุคทั้งหมดในประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป ภาพวาดศิลปะของผู้หญิงสเปนมีความงดงามมาก เขียนด้วยความรักและความชื่นชม เราอ่านความภาคภูมิใจในตนเอง ความภาคภูมิใจ และความรักของชีวิตบนใบหน้าของวีรสตรี โดยไม่คำนึงถึงต้นกำเนิดทางสังคมของพวกเขา

ความกล้าหาญที่ Goya จิตรกรประจำศาลวาดภาพเหมือนกลุ่มของราชวงศ์ไม่เคยหยุดนิ่งที่จะประหลาดใจ ก่อนหน้าเราไม่ใช่ผู้ปกครองหรือผู้ชี้ขาดชะตากรรมของประเทศ แต่ค่อนข้างธรรมดา แม้แต่คนธรรมดาทั่วไป การที่ Goya หันมาสู่ความสมจริงยังเห็นได้จากภาพวาดของเขาที่อุทิศให้กับการต่อสู้อย่างกล้าหาญของชาวสเปนกับกองทัพของนโปเลียน

บุคคลสำคัญในแนวโรแมนติกของยุโรปคือศิลปินชาวฝรั่งเศสชื่อดัง Eugene Delacroix (1798-1863)ในงานของเขา เขาให้ความสำคัญกับจินตนาการและจินตนาการเหนือสิ่งอื่นใด เหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์แนวโรแมนติกและศิลปะฝรั่งเศสทั้งหมดคือภาพวาดของเขา "Liberty Leading the People" (1830) ศิลปินทำให้การปฏิวัติในปี 1830 เป็นอมตะบนผืนผ้าใบ หลังจากภาพวาดนี้ Delacroix ไม่ได้หันไปหาความเป็นจริงของฝรั่งเศสอีกต่อไป เขาเริ่มสนใจหัวข้อเรื่องตะวันออกและประวัติศาสตร์ซึ่งความโรแมนติกที่กบฏสามารถปลดปล่อยจินตนาการและจินตนาการของเขาได้อย่างอิสระ

ศิลปินสัจนิยมที่ใหญ่ที่สุดคือ French Gustave Courbet (1819-1877) และ Jean Millet (1814-1875)ตัวแทนของเทรนด์นี้พยายามดิ้นรนเพื่อพรรณนาถึงธรรมชาติตามความเป็นจริง จุดเน้นอยู่ที่ชีวิตประจำวันและงานของมนุษย์ แทนที่จะเป็นวีรบุรุษทางประวัติศาสตร์และตำนานที่มีลักษณะคลาสสิกและแนวโรแมนติกคนธรรมดาก็ปรากฏตัวในงานของพวกเขา: ชาวเมืองชาวนาและคนงาน ชื่อของภาพเขียนพูดเพื่อตัวเอง: "Stone Crusher", "Knitters", "Gatherers of Ears"

เจ้าหน้าที่ของทหารพรานขี่ม้าของราชองครักษ์เข้าโจมตี พ.ศ. 2355 Theodore Gericault (พ.ศ. 2334-2367) ศิลปินคนแรกของขบวนการโรแมนติก ภาพวาดแสดงถึงความโรแมนติกของยุคนโปเลียน

Courbet เป็นคนแรกที่ใช้แนวคิดเรื่องความสมจริง เขากำหนดเป้าหมายของการสร้างสรรค์ไว้ดังนี้ “เพื่อให้สามารถถ่ายทอดคุณธรรม ความคิด รูปลักษณ์ของคนในยุคนั้นในการประเมินของผม ไม่เพียงแต่เป็นศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นพลเมืองด้วย เพื่อสร้างงานศิลปะที่มีชีวิต”

ในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ฝรั่งเศสกลายเป็นผู้นำในการพัฒนาศิลปะยุโรป มันเป็นภาพวาดฝรั่งเศสที่อิมเพรสชั่นนิสม์ถือกำเนิดขึ้น (จากความประทับใจของฝรั่งเศส - ความประทับใจ) ขบวนการใหม่กลายเป็นเหตุการณ์ที่มีความสำคัญในยุโรป ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์พยายามถ่ายทอดความประทับใจชั่วขณะบนผืนผ้าใบเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงอย่างต่อเนื่องและละเอียดอ่อนในสภาวะของธรรมชาติและมนุษย์

ในรถม้าชั้นสาม พ.ศ. 2405 O. Daumier (1808-1879) หนึ่งในศิลปินที่สร้างสรรค์ที่สุดในยุคของเขา บัลซัคเปรียบเทียบเขากับไมเคิลแองเจโล
อย่างไรก็ตาม Daumier เริ่มมีชื่อเสียงจากการ์ตูนการเมืองของเขา "ในรถชั้นสาม" นำเสนอภาพลักษณ์ที่ไร้อุดมคติของชนชั้นแรงงาน

ผู้หญิงอ่านหนังสือ. เค. โครอต (1796-1875) ศิลปินชาวฝรั่งเศสผู้โด่งดังสนใจการเล่นแสงเป็นพิเศษและเป็นบรรพบุรุษของอิมเพรสชั่นนิสต์
ในขณะเดียวกัน ผลงานของเขาก็มีตราประทับแห่งความสมจริง

อิมเพรสชั่นนิสต์ได้ทำการปฏิวัติเทคนิคการวาดภาพอย่างแท้จริง พวกเขามักจะทำงานกลางแจ้ง สีและแสงมีบทบาทในการทำงานมากกว่าตัวภาพวาดมาก ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ที่โดดเด่น ได้แก่ Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas อิมเพรสชั่นนิสต์มีอิทธิพลอย่างมากต่อปรมาจารย์พู่กันผู้ยิ่งใหญ่เช่น Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin

ความประทับใจ. พระอาทิตย์ขึ้น พ.ศ. 2425
Claude Monet (1840-1926) มักวาดภาพวัตถุเดียวกันในช่วงเวลาที่ต่างกันของวัน เพื่อสำรวจผลกระทบของแสงที่มีต่อสีและรูปร่าง

เอีย โอรานา มาเรีย. พี. โกแกง (1848-1903) ความไม่พอใจของศิลปินต่อวิถีชีวิตชาวยุโรปทำให้เขาต้องออกจากฝรั่งเศสและอาศัยอยู่ในตาฮิติ
ประเพณีศิลปะท้องถิ่นและความหลากหลายของโลกโดยรอบมีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของรูปแบบศิลปะของเขา

จิตรกรชาวสเปนที่ทำงานในฝรั่งเศส เมื่ออายุสิบขวบเขาเป็นศิลปินและเมื่ออายุได้สิบหกนิทรรศการครั้งแรกของเขาเกิดขึ้น ปูทางไปสู่ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม - การเคลื่อนไหวปฏิวัติในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 พวกคิวบิสต์ละทิ้งการพรรณนาถึงอวกาศและมุมมองทางอากาศ วัตถุและรูปร่างของมนุษย์ถูกแปลงเป็นการผสมผสานระหว่างเส้นเรขาคณิตและระนาบต่างๆ (ตรง เว้า และโค้ง) นักเขียนภาพแบบเหลี่ยมกล่าวว่าพวกเขาไม่ได้วาดภาพอย่างที่พวกเขาเห็น แต่อย่างที่พวกเขารู้

เช่นเดียวกับบทกวี ภาพวาดในยุคนี้เต็มไปด้วยลางสังหรณ์ที่คลุมเครือและวิตกกังวล ในเรื่องนี้ผลงานของศิลปินสัญลักษณ์ชาวฝรั่งเศสผู้มีความสามารถ Odilon Redon (1840-1916) มีลักษณะเฉพาะมาก โลดโผนของเขาในยุค 80 ภาพวาดแมงมุมเป็นลางร้ายของสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง แมงมุมมีใบหน้ามนุษย์ที่น่าขนลุก หนวดของมันเคลื่อนไหวและก้าวร้าว ผู้ชมเหลือความรู้สึกถึงหายนะที่กำลังจะเกิดขึ้น

ดนตรี

ดนตรีไม่ได้มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเท่างานศิลปะรูปแบบอื่นๆ แต่ยังได้รับอิทธิพลจากอารยธรรมอุตสาหกรรม การปลดปล่อยแห่งชาติ และขบวนการปฏิวัติที่ทำให้ยุโรปสั่นสะเทือนตลอดศตวรรษ ในศตวรรษที่ 19 ดนตรีไปไกลกว่าพระราชวังของขุนนางและวัดในโบสถ์ มันกลายเป็นเรื่องทางโลกมากขึ้นและเข้าถึงได้ง่ายกว่าสำหรับประชากรในวงกว้าง การพัฒนาสำนักพิมพ์ส่งผลให้มีการพิมพ์แผ่นเพลงอย่างรวดเร็วและการจำหน่ายผลงานดนตรี ในขณะเดียวกันก็มีการสร้างเครื่องดนตรีใหม่และเครื่องดนตรีเก่าที่ได้รับการปรับปรุง เปียโนกลายเป็นสิ่งสำคัญในชีวิตประจำวันของชนชั้นกลางชาวยุโรป

จนกระทั่งปลายศตวรรษที่ 19 กระแสหลักทางดนตรีคือแนวโรแมนติก ต้นกำเนิดของมันคือร่างขนาดมหึมาของเบโธเฟน ลุดวิก ฟอน เบโธเฟน (ค.ศ. 1770-1827) เคารพมรดกคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 หากเขาเปลี่ยนแปลงกฎเกณฑ์ของศิลปะดนตรีที่กำหนดไว้ เขาก็ทำอย่างระมัดระวังโดยพยายามไม่ทำให้คนรุ่นก่อนขุ่นเคือง ในเรื่องนี้เขาแตกต่างจากกวีโรแมนติกหลายคนที่มักจะล้มล้างทุกคนและทุกสิ่ง บีโธเฟนเป็นอัจฉริยะที่แม้จะหูหนวก แต่เขาก็สามารถสร้างสรรค์ผลงานที่เป็นอมตะได้ Ninth Symphony และ Moonlight Sonata อันโด่งดังของเขาทำให้คลังศิลปะดนตรีสมบูรณ์ยิ่งขึ้น

นักดนตรีแนวโรแมนติกได้รับแรงบันดาลใจจากเพลงพื้นบ้านและจังหวะการเต้นรำ ในงานของพวกเขาพวกเขามักจะหันไปหางานวรรณกรรม - เชคสเปียร์, เกอเธ่, ชิลเลอร์ บางคนแสดงความชื่นชอบในการสร้างผลงานออเคสตราขนาดยักษ์ ซึ่งไม่เคยเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 ด้วยซ้ำ แต่ความปรารถนานี้สอดคล้องกับความก้าวหน้าอันทรงพลังของอารยธรรมอุตสาหกรรม! นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Hector Berlioz มีความโดดเด่นเป็นพิเศษในความยิ่งใหญ่ของแผนการของเขาด้วยเหตุนี้ เขาจึงเขียนบทประพันธ์สำหรับวงออเคสตราซึ่งประกอบด้วยเครื่องดนตรี 465 ชิ้น รวมทั้งเชลโล 120 ชิ้น เบส 37 ชิ้น เปียโน 30 ชิ้น และฮาร์ป 30 ชิ้น

เขามีเทคนิคอันชาญฉลาดจนมีข่าวลือว่าเป็นปีศาจเองที่สอนให้เขาเล่นไวโอลิน ในระหว่างการแสดงดนตรี นักไวโอลินสามารถหักสายสามสายและเล่นต่อไปได้อย่างชัดเจนเช่นเดียวกันกับสายที่เหลือเพียงสายเดียว

ในศตวรรษที่ 19 หลายประเทศในยุโรปได้มอบนักแต่งเพลงและนักดนตรีที่ยอดเยี่ยมให้กับโลก ในออสเตรียและเยอรมนี วัฒนธรรมระดับชาติและระดับโลกได้รับการเสริมสร้างโดย Franz Schubert และ Richard Wagner ในโปแลนด์ - Frederic Chopin ในฮังการี - Franz Liszt ในอิตาลี - Gioachino Rossini และ Giuseppe Verdi ในสาธารณรัฐเช็ก - Bedřich Smetana ในนอร์เวย์ - Edvard Grieg ในรัสเซีย - Glinka, Rimsky Korsakov, Borodin, Mussorgsky และ Tchaikovsky

ตั้งแต่ยุค 20 ศตวรรษที่สิบเก้า ในยุโรป ความคลั่งไคล้ในการเต้นรำครั้งใหม่เริ่มต้นขึ้น - เพลงวอลทซ์ เพลงวอลทซ์มีต้นกำเนิดในประเทศออสเตรียและเยอรมนีเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 โดยมีต้นกำเนิดมาจากเพลงออสเตรีย Ländler ซึ่งเป็นการเต้นรำของชาวนาแบบดั้งเดิม

สถาปัตยกรรม

การพัฒนาอารยธรรมอุตสาหกรรมมีผลกระทบอย่างมากต่อสถาปัตยกรรมยุโรป ความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีมีส่วนทำให้เกิดนวัตกรรม ในศตวรรษที่ 19 อาคารขนาดใหญ่ที่มีความสำคัญของรัฐและสาธารณะถูกสร้างขึ้นเร็วกว่ามาก ตั้งแต่นั้นมา ก็เริ่มมีการใช้วัสดุใหม่ๆ ในการก่อสร้าง โดยเฉพาะเหล็กและเหล็กกล้า ด้วยการพัฒนาของการผลิตในโรงงาน การขนส่งทางรถไฟ และเมืองใหญ่ โครงสร้างประเภทใหม่ปรากฏขึ้น - สถานีรถไฟ สะพานเหล็ก ธนาคาร ร้านค้าขนาดใหญ่ อาคารนิทรรศการ โรงละครใหม่ พิพิธภัณฑ์ ห้องสมุด

สถาปัตยกรรมในศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยรูปแบบที่หลากหลาย ความยิ่งใหญ่ และวัตถุประสงค์ในทางปฏิบัติ

ด้านหน้าอาคารปารีสโอเปร่า สร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2404 - 2410 แสดงออกถึงทิศทางที่ผสมผสานโดยได้รับแรงบันดาลใจจากยุคเรอเนซองส์และบาโรก

ตลอดศตวรรษ สไตล์นีโอคลาสสิกเป็นสิ่งที่พบเห็นได้บ่อยที่สุดอาคารบริติชมิวเซียมในลอนดอนสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2366-2390 ให้แนวคิดที่ชัดเจนเกี่ยวกับสถาปัตยกรรมโบราณ (คลาสสิก) จนถึงยุค 60 "รูปแบบประวัติศาสตร์" ที่เรียกว่าเป็นแฟชั่นซึ่งแสดงออกด้วยการเลียนแบบสถาปัตยกรรมยุคกลางที่โรแมนติก ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 มีการหวนคืนสู่สไตล์โกธิคในการก่อสร้างโบสถ์และอาคารสาธารณะ (นีโอโกธิค เช่น โกธิคใหม่)

เช่น รัฐสภาในลอนดอน ตรงกันข้ามกับนีโอโกธิค ทิศทางใหม่ อาร์ตนูโว (ศิลปะใหม่) เกิดขึ้น โดดเด่นด้วยโครงร่างที่เรียบลื่นของอาคาร สถานที่ และรายละเอียดภายใน ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 อีกทิศทางหนึ่งเกิดขึ้น - ความทันสมัย สไตล์อาร์ตนูโวโดดเด่นด้วยการใช้งานจริง ความเข้มงวด ความรอบคอบ และการขาดการตกแต่ง มันเป็นสไตล์นี้ที่สะท้อนให้เห็นถึงแก่นแท้ของอารยธรรมอุตสาหกรรมและมีความเกี่ยวข้องมากที่สุดกับยุคสมัยของเรา

ในอารมณ์ศิลปะยุโรปช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ตรงกันข้าม ในด้านหนึ่ง การมองโลกในแง่ดีและความสุขล้นเหลือของชีวิต ในทางกลับกัน ขาดศรัทธาในความสามารถเชิงสร้างสรรค์ของมนุษย์ และไม่ควรมองหาความขัดแย้งในเรื่องนี้ ศิลปะสะท้อนให้เห็นสิ่งที่เกิดขึ้นในโลกแห่งความเป็นจริงในแบบของตัวเองเท่านั้น สายตาของกวี นักเขียน และศิลปินมีความคมชัดและเฉียบแหลมมากขึ้น พวกเขาเห็นสิ่งที่คนอื่นไม่เห็นและมองไม่เห็น

นี่เป็นสิ่งที่น่าสนใจที่จะรู้

“ฉันชอบวาดภาพดวงตาของผู้คนมากกว่ามหาวิหาร... จิตวิญญาณมนุษย์ แม้แต่วิญญาณขอทานที่โชคร้าย... ในความคิดของฉัน มันน่าสนใจกว่ามาก” Vincent Van Gogh กล่าว ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ใช้ชีวิตทั้งชีวิตด้วยความยากจนและถูกกีดกันมักไม่มีเงินซื้อผ้าใบและทาสีและต้องพึ่งพาน้องชายของเขา ผู้ร่วมสมัยไม่รู้จักข้อดีในตัวเขา เมื่อแวนโก๊ะเสียชีวิต มีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่ติดตามโลงศพ มีเพียงสองหรือสามโหลในยุโรปเท่านั้นที่สามารถชื่นชมงานศิลปะของเขาซึ่งศิลปินผู้ยิ่งใหญ่กล่าวถึงอนาคต แต่หลายปีผ่านไปแล้ว ในศตวรรษที่ 20 ศิลปินได้รับชื่อเสียงที่สมควรได้รับแม้ว่าจะล่าช้าก็ตาม ปัจจุบันมีการจ่ายเงินจำนวนมหาศาลสำหรับภาพวาดของ Van Gogh ตัวอย่างเช่น ภาพวาด "ดอกทานตะวัน" ถูกขายทอดตลาดด้วยมูลค่าสูงสุดเป็นประวัติการณ์ที่ 39.9 ล้านเหรียญสหรัฐ แต่ความสำเร็จนี้ยังแซงหน้าภาพวาด "ไอริส" ซึ่งขายได้ในราคา 53.9 ล้านดอลลาร์
วรรณกรรมที่ใช้:

V. S. Koshelev, I. V. Orzhekhovsky, V. I. Sinitsa / ประวัติศาสตร์โลกยุคใหม่ XIX - ต้น ศตวรรษที่ XX พ.ศ. 2541

17.3 ภาพวาดยุโรปสมัยศตวรรษที่ 19 - สองทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพฝรั่งเศสถูกกำหนดให้เป็นการปฏิวัติแบบคลาสสิก ตัวแทนที่โดดเด่นคือ J.L. เดวิด (1748– พ.ศ. 2368) ผลงานหลักที่เขาสร้างขึ้นในศตวรรษที่ 18 ผลงานของศตวรรษที่ 19 - นี่คือการทำงานด้วย จิตรกรประจำศาลของนโปเลียน– “นโปเลียนที่ช่องเขาเซนต์เบอร์นาร์ด”, “พิธีราชาภิเษก”, “ลีโอนีดาสที่เทอร์โมพีเล” เดวิดยังเป็นผู้เขียนภาพบุคคลที่สวยงามอีกด้วย เช่น ภาพเหมือนของมาดามเรกาเมียร์ เขาสร้างโรงเรียนขนาดใหญ่ที่มีนักเรียนและกำหนดลักษณะไว้ล่วงหน้า ศิลปะจากสไตล์จักรวรรดิ

ลูกศิษย์ของเดวิดคือ J.O. Ingres (1780– พ.ศ. 2410) ซึ่งเปลี่ยนศิลปะคลาสสิกให้เป็นศิลปะเชิงวิชาการมานานหลายปี ต่อต้านเพื่อความโรแมนติก Ingres - ผู้เขียนความจริง เฉียบพลันภาพวาดบุคคล (“L.F. Bertin”, “Madame Rivière” ฯลฯ) และภาพวาดในรูปแบบของ ลัทธิคลาสสิกทางวิชาการ ("Apotheosis of Homer", "Jupiter and Themis")

ยวนใจของภาพวาดฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19– ภาพเหล่านี้เป็นภาพวาดโดย T. Gericault (1791 – 1824) (“The Raft of the Medusa” และ “Epsom Derby, ฯลฯ”) และ E. เดลาครัวซ์ (ค.ศ. 1798 – 1863) ผู้เขียนผลงานจิตรกรรมชื่อดังเรื่อง “เสรีภาพนำประชาชน”

ทิศทางที่สมจริงในการวาดภาพในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษแรกแสดงโดยผลงานของ G. Courbet (1819– พ.ศ. 2420) ผู้เขียนคำว่า "ความสมจริง" และภาพวาด "Stone Crusher" และ "Funeral in Ornans" รวมถึงผลงานของ J. เอฟ ข้าวฟ่าง (1814 – 1875) นักเขียนชีวิตประจำวันของชาวนา และ (“The Gatherers,” “The Man with the Hoe,” “The Sower”)

ปรากฏการณ์สำคัญของวัฒนธรรมยุโรปในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีสไตล์ศิลปะที่เรียกว่าอิมเพรสชันนิสม์ซึ่งแพร่หลายไม่เพียง แต่ในการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีและนิยายด้วย แต่มันก็เกิดขึ้นในการวาดภาพ

ในศิลปะชั่วคราว การกระทำจะเกิดขึ้นตามเวลา การวาดภาพดูเหมือนจะสามารถบันทึกช่วงเวลาได้เพียงช่วงเวลาเดียวเท่านั้น ต่างจากภาพยนตร์ตรงที่มี "เฟรม" เดียวเสมอ จะสามารถถ่ายทอดความเคลื่อนไหวได้อย่างไร? หนึ่งในความพยายามเหล่านี้ในการจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงในด้านความคล่องตัวและความแปรปรวนคือความพยายามของผู้สร้างการเคลื่อนไหวในการวาดภาพที่เรียกว่าอิมเพรสชันนิสม์ (จากความประทับใจของฝรั่งเศส) การเคลื่อนไหวครั้งนี้ได้รวบรวมศิลปินต่างๆ มากมาย ซึ่งแต่ละคนมีลักษณะดังนี้ อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นศิลปินที่ถ่ายทอดความเป็นตัวเขา โดยตรงความประทับใจในธรรมชาติ เห็นความงามของความแปรปรวนและความไม่แน่นอนในนั้น สร้างความรู้สึกที่มองเห็นได้ของแสงแดดที่สดใส การเล่นเงาสี โดยใช้จานสีบริสุทธิ์ที่ไม่ผสม ซึ่งสีดำและสีเทาถูกลบออกไป

ในภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์เช่น C. Monet (1840-1926) และ O. Renoir (1841-1919) ในช่วงต้นทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ XIX สสารโปร่งสบายปรากฏขึ้น ไม่เพียงแต่มีความหนาแน่นที่เต็มพื้นที่เท่านั้น แต่ยังมีความคล่องตัวอีกด้วย กระแสแสงแดดและไอน้ำลอยขึ้นมาจากดินชื้น น้ำ หิมะที่ละลาย ดินที่ถูกไถ หญ้าที่ไหวในทุ่งหญ้าไม่มีโครงร่างที่ชัดเจนและแข็งตัว การเคลื่อนไหวซึ่งก่อนหน้านี้ถูกนำมาใช้ในภูมิประเทศเป็นภาพของบุคคลที่เคลื่อนไหวอันเป็นผลมาจากการกระทำของพลังธรรมชาติ- ลมที่พัดเมฆ ต้นไม้ที่ไหว บัดนี้กลับกลายเป็นความสงบสุข แต่ความสงบสุขของสสารที่ไม่มีชีวิตนี้เป็นรูปแบบหนึ่งของการเคลื่อนไหวซึ่งถ่ายทอดผ่านพื้นผิวของการวาดภาพ - ลายเส้นไดนามิกของสีที่ต่างกันไม่ถูกจำกัดด้วยเส้นแข็งของการวาดภาพ

การวาดภาพรูปแบบใหม่ไม่ได้รับการยอมรับจากสาธารณชนในทันที โดยกล่าวหาว่าศิลปินไม่ทราบวิธีวาดภาพและโยนสีที่ขูดจากจานสีลงบนผืนผ้าใบ ดังนั้น อาสนวิหารรูอ็องสีชมพูของโมเนต์จึงดูไม่น่าชมสำหรับทั้งผู้ชมและเพื่อนศิลปิน– ผลงานจิตรกรรมที่ดีที่สุดของศิลปิน (“ยามเช้า”, “กับแสงแรกของดวงอาทิตย์”, “เที่ยง”) ศิลปินไม่ได้ พยายามนำเสนอมหาวิหารบนผืนผ้าใบในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน– เขาแข่งขันกับปรมาจารย์แห่งโกธิคเพื่อซึมซับผู้ชมในการไตร่ตรองเอฟเฟกต์แสงและสีอันมหัศจรรย์ ด้านหน้าของอาสนวิหารรูอ็องก็เหมือนกับอาสนวิหารโกธิกอื่นๆ ที่ซ่อนภาพอันลึกลับของผู้คนที่กลับมามีชีวิตอีกครั้ง x จากแสงแดดจากหน้าต่างกระจกสีสดใสภายในห้องโดยสาร แสงสว่างภายในอาสนวิหารจะเปลี่ยนไปขึ้นอยู่กับว่าดวงอาทิตย์ส่องมาจากด้านใด สภาพอากาศมีเมฆมากหรือแจ่มใส รังสีของดวงอาทิตย์ที่ลอดผ่านสีน้ำเงินและสีแดงอันเข้มข้นของกระจกสี กลายเป็นสีและตกเป็นไฮไลท์สีบนพื้น

คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" เกิดจากการปรากฏของภาพวาดชิ้นหนึ่งของโมเนต์ ภาพวาดนี้เป็นการแสดงออกถึงนวัตกรรมของวิธีการทาสีที่เกิดขึ้นใหม่อย่างแท้จริง และถูกเรียกว่า "พระอาทิตย์ขึ้นในเลออาฟวร์" ผู้รวบรวมแคตตาล็อกภาพวาดสำหรับนิทรรศการรายการหนึ่งแนะนำว่าศิลปินเรียกมันว่าอย่างอื่นและโมเนต์ขีดฆ่า "ในเลออาฟวร์" ใส่ "ความประทับใจ" และหลายปีหลังจากการปรากฏตัวของผลงานของเขา พวกเขาเขียนว่าโมเนต์ "เผยให้เห็นชีวิตที่ไม่มีใครสามารถเข้าใจได้ก่อนหน้าเขา ซึ่งไม่มีใครรู้ด้วยซ้ำ" ในภาพวาดของโมเนต์ พวกเขาเริ่มสังเกตเห็นจิตวิญญาณอันน่าสยดสยองของการกำเนิดของยุคใหม่ ดังนั้น "ลัทธิอนุกรมนิยม" จึงปรากฏในงานของเขาในฐานะปรากฏการณ์ใหม่ของการวาดภาพ และเธอมุ่งความสนใจไปที่ปัญหาของเวลา ตามที่ระบุไว้ภาพวาดของศิลปินได้แย่ง "เฟรม" เดียวจากชีวิตด้วยความไม่สมบูรณ์และไม่สมบูรณ์ทั้งหมด และนี่เป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาซีรีส์โดยแทนที่กันตามลำดับ นอกจากอาสนวิหารรูอ็องแล้ว โมเนต์ยังสร้างผลงานชุด Gare Saint-Lazare ซึ่งภาพวาดเหล่านี้เชื่อมโยงถึงกันและเสริมซึ่งกันและกัน อย่างไรก็ตาม มันเป็นไปไม่ได้ที่จะรวม "กรอบ" ของชีวิตให้เป็นเทปเดียวของความประทับใจในการวาดภาพ นี่กลายเป็นหน้าที่ของภาพยนตร์ นักประวัติศาสตร์ภาพยนตร์เชื่อว่าสาเหตุของการเกิดขึ้นและการเผยแพร่อย่างกว้างขวางไม่เพียงแต่การค้นพบทางเทคนิคเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความต้องการทางศิลปะอย่างเร่งด่วนสำหรับภาพเคลื่อนไหวด้วย และภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์โดยเฉพาะโมเนต์ก็กลายเป็นอาการของความต้องการนี้ เป็นที่ทราบกันดีว่าหนึ่งในพล็อตของการแสดงภาพยนตร์เรื่องแรกในประวัติศาสตร์ที่จัดโดยพี่น้อง Lumière ในปี 1895 คือ "การมาถึงของรถไฟ" รถจักรไอน้ำ สถานี และรางรถไฟเป็นหัวข้อหนึ่งในชุดภาพวาดเจ็ดภาพ "แกร์แซงต์-ลาซาร์" โดยโมเนต์ ซึ่งจัดแสดงในปี พ.ศ. 2420

ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ที่โดดเด่นคือ O. Renoir ผลงานของเขา (“ดอกไม้”, “ชายหนุ่มเดินเล่นกับสุนัขในป่าฟงแตนโบล”, “แจกันด้วยดอกไม้”, “อาบน้ำในแม่น้ำแซน”, “ลิซ่ากับร่ม”, “ผู้หญิงในเรือ”, “ผู้ขับขี่” ใน Bois de Boulogne” , “ The Ball ที่ Le Moulin de la Galette”, “ Portrait of Jeanne Samary” และอื่น ๆ อีกมากมาย) คำพูดของศิลปินชาวฝรั่งเศส E. Delacroix“ คุณธรรมข้อแรกของทุกภาพ” นั้นค่อนข้างใช้ได้- เพื่อเป็นการเฉลิมฉลอง สำหรับดวงตา” ชื่อเรอนัวร์- คำพ้องความหมายสำหรับความงามและความเยาว์วัย ช่วงเวลาของชีวิตมนุษย์ที่ความสดชื่นของจิตใจและความเจริญรุ่งเรืองของความแข็งแกร่งทางกายภาพสอดคล้องกันอย่างสมบูรณ์ เขาอาศัยอยู่ในยุคแห่งความขัดแย้งทางสังคมที่รุนแรง เขาทิ้งพวกเขาไว้นอกกรอบภาพโดยมุ่งความสนใจไปที่ ตื่นรู้ถึงด้านที่สวยงามและสดใสของการดำรงอยู่ของมนุษย์ และในตำแหน่งนี้เขาไม่ได้อยู่คนเดียวในหมู่ศิลปิน แม้กระทั่งสองร้อยปีก่อนเขา Peter Paul Rubens ศิลปินชาวเฟลมิชผู้ยิ่งใหญ่ได้วาดภาพหลักการอันยิ่งใหญ่ที่ยืนยันชีวิต (“Perseus และ Andromeda”) ภาพดังกล่าวทำให้บุคคลมีความหวัง ทุกคนมีสิทธิที่จะมีความสุขและความหมายหลักของงานศิลปะของเรอนัวร์ก็คือภาพแต่ละภาพของเขายืนยันการขัดขืนไม่ได้ของสิทธินี้

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 โพสต์อิมเพรสชันนิสม์ปรากฏในภาพวาดของยุโรป ตัวแทนของมัน– ป. เซซาน (1839 – 1906), V. แวนโก๊ะ (1853 – 1890), พี. โกแกง (1848 – 1903) เริ่มจาก อิมเพรสชั่นนิสต์ความบริสุทธิ์ของสี เรากำลังค้นหา หลักการดำรงอยู่อย่างต่อเนื่อง วิธีการทั่วไปในการวาดภาพ แง่มุมเชิงปรัชญาและเชิงสัญลักษณ์ของความคิดสร้างสรรค์ ภาพวาดของเซซาน– ได้แก่ ภาพบุคคล (“ผู้สูบบุหรี่”) ทิวทัศน์ (“ธนาคารแห่ง Marne”) ภาพหุ่นนิ่ง (“ภาพหุ่นนิ่งกับตะกร้าผลไม้”)

ภาพวาดของแวนโก๊ะ- "กระท่อม", "หลังสายฝน", "ทางเดินของนักโทษ"

Gauguin มีคุณลักษณะของโลกทัศน์แนวโรแมนติก ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิตเขาหลงใหลในชีวิตของชนเผ่าโพลินีเซียนซึ่งในความเห็นของเขายังคงรักษาความบริสุทธิ์และความสมบูรณ์ดั้งเดิมไว้เขาจึงออกเดินทางไปยังหมู่เกาะโพลินีเซียที่ซึ่งเขาสร้างภาพวาดหลายภาพซึ่งมีพื้นฐานคือ การปฏิรูปรูปแบบความปรารถนาที่จะใกล้ชิดกับประเพณีทางศิลปะของชาวพื้นเมือง (“ ผู้หญิงถือผลไม้ ”, "Tahitian Pastoral", "Wonderful Spring")

ประติมากรที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 19 คือ O. Rodin (1840– พ.ศ. 2460) ซึ่งมารวมกันในงานของเขา ความประทับใจแนวโรแมนติกและการแสดงออกด้วย เหมือนจริงการค้นหา ความมีชีวิตชีวาของภาพ ละคร การแสดงออกของชีวิตภายในที่เข้มข้น ท่าทางที่ดำเนินไปตามเวลาและสถานที่ (อะไรคือ ไม่สามารถจัดประติมากรรมนี้เป็นดนตรีและบัลเล่ต์ได้) โดยจะจับความไม่มั่นคงของช่วงเวลานั้น- ทั้งหมดนี้ร่วมกันสร้างภาพลักษณ์ที่โรแมนติกและสมบูรณ์แบบ ความประทับใจวิสัยทัศน์ . ความปรารถนาที่จะสรุปปรัชญาเชิงลึก (“Bronze Age”, “ พลเมืองแห่งกาเลส์" ประติมากรรมที่อุทิศให้กับวีรบุรุษแห่งสงครามร้อยปีผู้เสียสละตัวเองเพื่อปกป้องเมืองที่ถูกปิดล้อม ทำงานให้กับ "ประตูนรก" รวมถึง "นักคิด") และความปรารถนาที่จะแสดงช่วงเวลาแห่งความงามที่แท้จริง และความสุข ("Eternal Spring", "Pas de -de")– คุณสมบัติหลักของผลงานของศิลปินคนนี้

17.3.2 จิตรกรรมภาษาอังกฤษ วิจิตรศิลป์ของอังกฤษในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19- นี่คือการวาดภาพทิวทัศน์ที่สดใส ตัวแทนซึ่งเป็นเจ ตำรวจ (พ.ศ. 2319 – 2380) บรรพบุรุษชาวอังกฤษ อิมเพรสชั่นนิสต์(“รถเข็นหญ้าแห้งข้ามฟอร์ด” และ “ทุ่งไรย์”) และ U. เทิร์นเนอร์ (1775 – 1851) ซึ่งมีภาพวาดเช่น Rain, Steam และ Speed "เรืออับปาง"โดดเด่นด้วยความหลงใหลในภูตผีหลากสีสัน

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ F. M. Brown ได้สร้างผลงานของเขา (1821– พ.ศ. 2436 (ค.ศ. 1893) ซึ่งได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็น “โฮลเบียนแห่งศตวรรษที่ 19” บราวน์เป็นที่รู้จักจากผลงานทางประวัติศาสตร์ของเขา (ชอเซอร์ที่ราชสำนักเอ็ดเวิร์ดที่ 3 และเลียร์และคอร์เดเลีย) รวมถึงภาพวาดการแสดงของเขา ธีมประจำวันแบบดั้งเดิม (“Last Look at England”, “Labor”)

สมาคมสร้างสรรค์ “Pre-Raphaelite Brotherhood” (“Pre-Raphaelite”) เกิดขึ้นในปี 1848 แม้ว่าแกนกลางที่รวมเป็นหนึ่งคือความหลงใหลในผลงานของศิลปินในยุคเรอเนซองส์ตอนต้น (ก่อนราฟาเอล) สมาชิกแต่ละคนของกลุ่มภราดรภาพนี้มีธีมของตัวเอง และลัทธิทางศิลปะของตัวเอง นักทฤษฎีเรื่องภราดรภาพคือนักวิทยาศาสตร์วัฒนธรรมชาวอังกฤษและผู้เชี่ยวชาญด้านความงาม เจ. รัสกิน ซึ่งสรุปแนวคิดเรื่องแนวโรแมนติกที่เกี่ยวข้องกับสภาพของอังกฤษในช่วงกลางศตวรรษ

รัสกินเชื่อมโยงศิลปะในงานของเขากับวัฒนธรรมระดับทั่วไปของประเทศโดยมองเห็นการแสดงออกของปัจจัยทางศีลธรรมเศรษฐกิจและสังคมในงานศิลปะพยายามที่จะโน้มน้าวใจชาวอังกฤษว่าข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับความงามคือความสุภาพเรียบร้อยความยุติธรรมความซื่อสัตย์ความบริสุทธิ์และไม่โอ้อวด .

พวกพรีราฟาเอลสร้างสรรค์ภาพวาดเกี่ยวกับศาสนาและวรรณกรรม ออกแบบหนังสืออย่างมีศิลปะและพัฒนางานศิลปะการตกแต่ง และพยายามรื้อฟื้นหลักการของงานฝีมือในยุคกลาง เข้าใจกระแสอันตรายของมัณฑนศิลป์- การลดความเป็นตัวตนโดยการผลิตเครื่องจักร ศิลปินชาวอังกฤษ กวี และบุคคลสาธารณะ W. มอร์ริส (พ.ศ. 2377 – พ.ศ. 2439) จัดเวิร์คช็อปทางศิลปะและอุตสาหกรรมสำหรับการผลิตสิ่งทอ ผ้า กระจกสี และของใช้ในครัวเรือนอื่น ๆ ซึ่งเป็นภาพวาดที่ใช้ สร้างเสร็จโดยตัวเขาเองและศิลปินยุคก่อนราฟาเอล

17.3.3 จิตรกรรมสเปน โกยา - ผลงานของฟรานซิสโก โกยา (ค.ศ. 1746)– พ.ศ. 2371) เป็นของสองศตวรรษ – XVIII และ XIX มันมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการก่อตัวของแนวโรแมนติกแบบยุโรป สร้างสรรค์เรา ชีวิตของศิลปินนั้นอุดมสมบูรณ์และหลากหลาย: ภาพวาด ภาพบุคคล กราฟิก จิตรกรรมฝาผนัง งานแกะสลัก งานแกะสลัก

Goya ใช้ธีมที่เป็นประชาธิปไตยมากที่สุด (โจร, คนลักลอบขนของ, ขอทาน, ผู้เข้าร่วมในการต่อสู้บนท้องถนนและเกม- ตัวละครในภาพวาดของเขา) ได้รับเมื่อ พ.ศ.2332 ชื่อเรื่อง ปรีดี ศิลปินปากเปล่า Goya แสดงภาพบุคคลจำนวนมาก: กษัตริย์, ราชินี, ข้าราชบริพาร (“ครอบครัวของ King Charles IV”) สุขภาพที่ย่ำแย่ของศิลปินทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในธีมงานของเขา ดังนั้นภาพวาดที่โดดเด่นด้วยจินตนาการที่สนุกสนานและแปลกประหลาด ("Carnival", "The Game of Blind Man's Bluff") จึงถูกแทนที่ด้วยผืนผ้าใบที่เต็มไปด้วยโศกนาฏกรรม ("Inquisition Tribunal", "Madhouse") และตามมาด้วยการแกะสลัก "Capriccios" 80 ชิ้นซึ่งศิลปินทำงานมานานกว่าห้าปี ความหมายของหลายความหมายยังไม่ชัดเจนจนถึงทุกวันนี้ ในขณะที่ความหมายอื่นๆ ถูกตีความตามข้อกำหนดทางอุดมการณ์ในยุคนั้น

การใช้ภาษาเชิงสัญลักษณ์และเชิงเปรียบเทียบ Goya วาดภาพที่น่าสะพรึงกลัวของประเทศในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ: ความไม่รู้ ความเชื่อทางไสยศาสตร์ ความใจแคบของผู้คน ความรุนแรง ความคลุมเครือ ความชั่วร้าย การแกะสลัก “การหลับใหลของเหตุผลทำให้เกิดสัตว์ประหลาด”– สัตว์ประหลาดที่น่ากลัวล้อมรอบคนนอนหลับ ค้างคาว นกฮูก และวิญญาณชั่วร้ายอื่น ๆ ศิลปินเองก็ให้คำอธิบายเกี่ยวกับผลงานของเขาดังนี้: “เชื่อมั่นว่าคำวิจารณ์นั้น มนุษย์ความชั่วร้ายและความเข้าใจผิด, แม้ว่าและดูเหมือนว่าสาขาการปราศรัยและกวีนิพนธ์อาจเป็นหัวข้อของคำอธิบายที่มีชีวิต ศิลปินเลือกสำหรับงานของเขาจากความฟุ่มเฟือยและความไร้สาระมากมายที่มีอยู่ในภาคประชาสังคมใด ๆ เช่นเดียวกับจากอคติและความเชื่อโชคลางทั่วไปที่ทำให้ถูกต้องตามกฎหมายโดยประเพณี ความไม่รู้ หรือตนเอง -ดอกเบี้ย สิ่งที่เขาคิดว่าเหมาะสมอย่างยิ่งสำหรับการเยาะเย้ยและในขณะเดียวกันก็เพื่อใช้จินตนาการ”

17.3.4 ทันสมัย – สุดท้าย สไตล์ ยุโรป จิตรกรรม สิบเก้า วี . ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดที่สร้างขึ้นในภาพวาดยุโรปของศตวรรษที่ 19 ในสไตล์อาร์ตนูโวมีผลงานของศิลปินชาวอังกฤษ O. Beardsley (1872)– 1898). เขาภาพประกอบงานเกี่ยวกับ. ไวลด์ (“ซาโลเม”), สร้างสง่างามกราฟิกแฟนตาซี, หลงเสน่ห์ทั้งหมดรุ่นชาวยุโรป. เท่านั้นสีดำและสีขาวคือเครื่องมือเช่นเกี่ยวกับแรงงาน: กระดาษขาวหนึ่งแผ่นและขวดหมึกสีดำหนึ่งขวด และเทคนิคที่คล้ายกับลูกไม้ที่ดีที่สุด (“The Secret Rose Garden”, 1895) ภาพประกอบของ Beardsley ได้รับอิทธิพลจากภาพพิมพ์ของญี่ปุ่นและศิลปะโรโคโคแบบฝรั่งเศส รวมถึงลักษณะการตกแต่งแบบอาร์ตนูโว

สไตล์อาร์ตนูโวซึ่งเกิดขึ้นราวปี พ.ศ. 2433– 1910 ใช่., มีลักษณะเฉพาะความพร้อมใช้งานคดเคี้ยวเส้น, ชวนให้นึกถึงหยิกผม, เก๋ดอกไม้และพืช, ภาษาเปลวไฟ. สไตล์นี้เคยเป็นกว้างทั่วไปและวีจิตรกรรมและวีสถาปัตยกรรม. นี้ภาพประกอบชาวอังกฤษบายrdsley โปสเตอร์และละครโดย A. Mucha ของเช็ก ภาพวาดโดย G. Klimt ชาวออสเตรีย โคมไฟและผลิตภัณฑ์โลหะโดย Tiffany สถาปัตยกรรมโดย A. Gaudi ชาวสเปน

อีกหนึ่งปรากฏการณ์ที่โดดเด่นของความทันสมัยแบบ fin-de-siècle– ภาษานอร์เวย์ศิลปินอี. แทะเล็ม (1863 – 1944). มีชื่อเสียงจิตรกรรมแทะเล็ม« กรีดร้อง (1893)– คอมโพสิตส่วนหนึ่งของเขาพื้นฐานวงจร"ผ้าสักหลาดชีวิต", เกินที่ศิลปินทำงานยาวปี. ต่อมางาน"กรี๊ด"แทะเล็มซ้ำแล้วซ้ำเล่าวีภาพพิมพ์หิน. จิตรกรรม"กรี๊ด"ส่งสถานะสุดขีดทางอารมณ์แรงดันไฟฟ้าบุคคล, เธอโอลิทสร้างความสิ้นหวังให้กับคนเหงาและเสียงร้องขอความช่วยเหลือที่ไม่มีใครสามารถให้ได้

ศิลปินที่ใหญ่ที่สุดในฟินแลนด์ A. Galen-Kallela (2408)– 1931) วีสไตล์ทันสมัยภาพประกอบมหากาพย์"กาเลวาลา". บนภาษาเชิงประจักษ์ความเป็นจริงมันเป็นสิ่งต้องห้ามบอกเกี่ยวกับชายชราในตำนาน– ช่างตีเหล็กอิลมาริเนน, ที่ปลอมแปลงท้องฟ้า, ใส่กันนภา, ใส่กุญแจมือจากไฟนกอินทรี; โอมารดาเลมมินไกเนน, ฟื้นคืนชีพของเขาเสียชีวิตลูกชาย; โอนักร้องไวแนเมอเนเนอ, ที่"ฮัมเพลงทองต้นคริสต์มาส”, กัลเลล- คาเลล่าจัดการส่งมอบนาร์พลังหนึ่งของอักษรรูน Karelian โบราณในภาษาแห่งความทันสมัย

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 การวาดภาพมีความสำคัญในศิลปะของยุโรปตะวันตก ตัวแทนของนีโอคลาสสิกคือ Jacques Louis David (1748-1825) ภาพวาด "คำสาบานของ Horatii" (พ.ศ. 2327) ซึ่งได้รับมอบหมายจากรัฐทำให้เขามีชื่อเสียง หลังการปฏิวัติ เดวิดได้รับเลือกเข้าสู่อนุสัญญา จากนั้นเขาก็มีส่วนร่วมในการเมืองปฏิวัติในสาขาศิลปะ ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดแห่งยุคปฏิวัติ "The Death of Marat" (1793) เป็นของพู่กันของเดวิด Jean Paul Marat เป็นหนึ่งในผู้นำรัฐประหารของ Jacobin เขาถูกชาร์ลอตต์ คอร์เดย์ ฆ่า ในภาพวาด เดวิดบรรยายถึงมารัตที่ถูกสังหาร เดวิดรู้สึกประทับใจกับการเสียชีวิตอันน่าสลดใจของ Marat มากจนเขาวาดภาพเสร็จภายในสามเดือน และถูกแขวนไว้ก่อนในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ซึ่งมีผู้คนหลายพันเดินผ่านภาพนั้น จากนั้นในห้องประชุมของอนุสัญญา

ในรัชสมัยของนโปเลียน ดาวิดได้รับคำสั่งจากราชสำนัก นโปเลียนเลือกเดวิดเป็นจิตรกรคนแรก โดยคาดเดาองค์ประกอบการโฆษณาชวนเชื่อของพรสวรรค์ของเขาได้อย่างน่ามหัศจรรย์ ภาพวาดของนโปเลียนโดยเดวิดเชิดชูจักรพรรดิในฐานะวีรบุรุษของชาติคนใหม่ (“Bonaparte's Crossing of the Saint-Bernard Pass”, “Portrait of Napoleon”) ภาพเหมือนอันน่าทึ่งของ Madame Recamier มีความโดดเด่นด้วยความสมบูรณ์แบบ ซึ่งเป็นเครื่องยืนยันถึงความมุ่งมั่นของผู้เขียนที่มีต่อลัทธิคลาสสิก

นักเรียนของ David คือ Antoine Gros (1771-1835) ในภาพวาด "นโปเลียนบนสะพานอาร์โคล" ศิลปินได้บันทึกช่วงเวลาที่กล้าหาญที่สุดครั้งหนึ่งในชีวิตของจักรพรรดิในอนาคต นายพลโบนาปาร์ตหนุ่มเป็นผู้นำการโจมตีด้วยตนเอง ยกธงที่ล้มลง และการต่อสู้ก็ได้รับชัยชนะ Gro สร้างภาพวาดทั้งชุดเกี่ยวกับจักรพรรดิโดยเชิดชูความกล้าหาญความสูงส่งและความเมตตาของเขา (ตัวอย่างเช่น "โบนาปาร์ตไปเยี่ยมเยียนโรคระบาดในจาฟฟา")

Jean Aposte Dominique Ingres (1780-1867) ยังเป็นผู้สนับสนุนอุดมคติคลาสสิกอีกด้วย ในฐานะศิลปิน เขาทำงานเพื่อบุคคลทั่วไปเป็นจำนวนมาก แต่ก็ปฏิบัติตามคำสั่งของรัฐบาลด้วย Ingres ศึกษากับ David และยังคงเป็นแชมป์ของลัทธิคลาสสิกมาตลอดชีวิต ในผลงานของเขา Ingres มีทักษะสูงและมีความโน้มน้าวใจทางศิลปะและรวบรวมแนวคิดเรื่องความงามของแต่ละบุคคลอย่างลึกซึ้ง

ศิลปิน Theodore Gericault (1791-1824) เป็นปรมาจารย์ที่มีชื่อเกี่ยวข้องกับความสำเร็จอันยอดเยี่ยมครั้งแรกของแนวโรแมนติกในฝรั่งเศส ในภาพเขียนในยุคแรกๆ ของเขา (ภาพเหมือนของทหาร ภาพม้า) อุดมคติในสมัยโบราณได้ถดถอยลง และมีสไตล์เฉพาะตัวที่ลึกซึ้งได้ถือกำเนิดขึ้น ภาพวาดของ Gericault "The Raft of the Medusa" กลายเป็นสัญลักษณ์ของฝรั่งเศสร่วมสมัยสำหรับศิลปิน ผู้คนที่หนีจากเรืออับปางพบกับทั้งความหวังและความสิ้นหวัง ภาพนี้ไม่เพียงบอกเล่าเรื่องราวของความพยายามครั้งสุดท้ายของผู้ที่อยู่ในความทุกข์ยากเท่านั้น แต่ยังกลายเป็นสัญลักษณ์ของฝรั่งเศสในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ซึ่งเปลี่ยนจากความสิ้นหวังไปสู่ความหวังด้วย

หัวหน้าแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสในการวาดภาพคือ Eugene Delacroix (พ.ศ. 2341-2406) ศิลปินสร้างภาพทั้งหมด: ฉากจาก Inferno ของ Dante, ฮีโร่จากผลงานของ Byron, Shakespeare และ Goethe, การต่อสู้ของชาวกรีกกับการปกครองของตุรกีซึ่งทำให้ทั้งยุโรปกังวล ในปี ค.ศ. 1830 เหตุการณ์ทางการเมืองหลักคือการปฏิวัติเดือนกรกฎาคม ซึ่งจบลงด้วยความพ่ายแพ้และการฟื้นฟูสถาบันกษัตริย์ในฝรั่งเศส ในปี พ.ศ. 2373 เดลาครัวซ์ได้วาดภาพเขียนเรื่อง "เสรีภาพนำประชาชน (28 กรกฎาคม พ.ศ. 2373)" ผู้หญิงที่ชูธงไตรรงค์ของสาธารณรัฐฝรั่งเศสแสดงถึงอิสรภาพ ลิเบอร์ตี้เป็นผู้นำกลุ่มกบฏขณะที่พวกเขาขึ้นไปบนเครื่องกีดขวาง ตอนหนึ่งของการต่อสู้บนท้องถนนกลายเป็นภาพที่ยิ่งใหญ่ และภาพลักษณ์ของ Freedom on the barricade กลายเป็นตัวตนของการต่อสู้ สำหรับคนฝรั่งเศสหลายชั่วอายุคน ภาพวาดของ Delacroix กลายเป็นอนุสรณ์สถานแห่งความกล้าหาญของประชาชนซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของสาธารณรัฐ

ในประเทศเยอรมนี ตัวแทนของแนวโรแมนติกคือ Caspar David Friedrich (1774-1840) ภาพวาดธรรมชาติของเขานำเสนอขบวนการโรแมนติกแก่สาธารณชนชาวเยอรมันเป็นครั้งแรก ประเด็นหลักในงานของเขาคือการสูญเสียมนุษย์อย่างน่าสลดใจในโลก แนวคิดที่พบบ่อยเกี่ยวกับภูมิประเทศของเขาคือยอดเขา ความเวิ้งว้างของทะเล และต้นไม้ที่แปลกประหลาด ตัวละครที่คงที่ในผลงานของเขาคือภาพลักษณ์ที่โรแมนติกของผู้พเนจรผู้ไตร่ตรองถึงธรรมชาติในฝัน ผลงานของ Caspar David Friedrich ได้รับการชื่นชมอย่างแท้จริงในศตวรรษที่ 20 เท่านั้น

ในยุโรปในคริสต์ศตวรรษที่ 19 ชีวิตทางศิลปะส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยการเกิดขึ้นของกลุ่มศิลปินที่มีความคิดเห็นเกี่ยวกับศิลปะคล้ายกันมาก ในเยอรมนี พวกนาซารีนซึ่งเลียนแบบจิตรกรชาวเยอรมันและอิตาลีในศตวรรษที่ 18 เกิดความขัดแย้งกับพวกนีโอคลาสสิก และผู้ที่หันเข้าหาศิลปะทางศาสนาและความนับถือศาสนาคริสต์ แก่นกลางของการวาดภาพ Bieder-Meier (รูปแบบพิเศษในงานศิลปะของเยอรมนีและออสเตรีย) คือชีวิตประจำวันของบุคคลซึ่งเชื่อมโยงกับบ้านและครอบครัวของเขาอย่างแยกไม่ออก ความสนใจของ Biedermeier ไม่ใช่ในอดีต แต่ในปัจจุบัน ไม่ใช่ในสิ่งที่ยิ่งใหญ่ แต่ในสิ่งเล็กๆ มีส่วนทำให้เกิดแนวโน้มที่สมจริงในการวาดภาพ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ความสมจริงกลายเป็นหลักการสำคัญในงานศิลปะ ศิลปินชาวฝรั่งเศส Camille Corot (พ.ศ. 2339-2418) เลือกประเภทของภูมิทัศน์ซึ่งไม่ได้รับการยอมรับในแวดวงวิชาการ Corot ถูกดึงดูดเป็นพิเศษต่อสภาวะการเปลี่ยนผ่านของธรรมชาติ ซึ่งทำให้สามารถสลายร่างและต้นไม้ในหมอกควันที่โปร่งสบาย

กลุ่มศิลปินที่ตั้งรกรากอยู่ในหมู่บ้านบาร์บิซอนทำให้ชื่อนี้กลายเป็นอมตะในประวัติศาสตร์การวาดภาพ จิตรกรของโรงเรียน Barbizon มองหาวิชาที่เรียบง่าย มักจะหันไปหาทิวทัศน์และพัฒนารูปแบบการวาดภาพพิเศษที่เป็นอิสระและไพเราะ พวกเขาเพียงวาดภาพธรรมชาติ แต่ทำได้โดยการถ่ายทอดการเปลี่ยนสีที่ละเอียดอ่อน แสดงถึงการเล่นของแสงและอากาศ ในภาพวาดของบาร์บิซอน นักประวัติศาสตร์ศิลป์มองเห็นแหล่งที่มาของลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์ในอนาคต เนื่องจากชาวบาร์บิซอนพยายามถ่ายทอดความประทับใจที่มีชีวิตต่อธรรมชาติ

ภาพวาดของ Jean François Millet (1814-1875) และ Gustave Courbet (1819-1877) ก็สามารถจัดได้ว่าเป็นธรรมชาตินิยม งานของ Millet ได้รับอิทธิพลจาก Barbizons (ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เมื่อบั้นปลายชีวิตเขาเริ่มสนใจทิวทัศน์มาก) ธีมหลักของงานของเขาคือชีวิตชาวนาและธรรมชาติ ในภาพวาดของศิลปิน เราเห็นตัวละครที่ก่อนหน้านี้ถือว่าไม่คู่ควรกับพู่กันของจิตรกร: ชาวนาที่เหนื่อยล้า เหนื่อยล้าจากการทำงานหนัก คนยากจนและคนถ่อมตัว ข้าวฟ่างพัฒนาธีมทางสังคมในรูปแบบใหม่โดยสิ้นเชิงซึ่งยังคงดำเนินต่อไปใน Gustave Courbet Courbet แสดงความเข้าใจเกี่ยวกับบทบาทของศิลปะด้วยคำต่อไปนี้:

“เพื่อให้สามารถแสดงออกถึงคุณธรรม การปรากฏตัวของยุคสมัยตามการประเมินของฉันเอง ไม่เพียงแต่เป็นศิลปินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงบุคคลในการสร้างสรรค์งานศิลปะที่มีชีวิตด้วย นี่คืองานของฉัน” ตำแหน่งของ Courbet ในฐานะนักสู้เพื่องานศิลปะใหม่ทำให้เขาเป็นผู้มีส่วนร่วมในกิจกรรมของประชาคมปารีส

ความเป็นธรรมชาติในฐานะรูปแบบการวาดภาพสะท้อนให้เห็นในผลงานของจิตรกรชาวเยอรมัน เช่น Adolf von Menzel (1815-1905) และ Wilhelm Leibl (1844-1900) ศิลปินสนใจภาพชีวิตประจำวันเป็นครั้งแรกที่ได้ยินธีมอุตสาหกรรมและธีมของแรงงานชาวนาและวิถีชีวิตของพวกเขา

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ศิลปะแห่งอังกฤษสะท้อนให้เห็นถึงแนวโน้มของทั้งนีโอคลาสสิกและแนวโรแมนติก

William Blake (1757-1827) ไม่เพียงแต่เป็นศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นกวีอีกด้วย เขาทำงานในเทคนิคอุบาทว์และสีน้ำ วาดภาพฉากจากพระคัมภีร์ จากงานวรรณกรรม เช่น เช็คสเปียร์ และสร้างภาพประกอบให้กับดันเต้ ในประวัติศาสตร์ศิลปะอังกฤษ ผลงานของเบลคมีความโดดเด่น ศิลปินเสียชีวิตด้วยความยากจนและได้รับการยอมรับเฉพาะในศตวรรษที่ 20 เท่านั้น

ศิลปินภูมิทัศน์ชาวอังกฤษเปิดหน้าใหม่ในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพ John Constable (1776-1837) วาดภาพร่างด้วยสีน้ำมันซึ่งแสดงถึงสถานที่ที่เขาคุ้นเคยตั้งแต่วัยเด็ก ด้วยความปรารถนาที่จะถ่ายทอดความสดชื่นของความประทับใจตามธรรมชาติ เขาจึงละทิ้งรายละเอียดที่เขียนอย่างระมัดระวัง ผลงานของตำรวจมีชื่อเสียงในฝรั่งเศส ซึ่งมีอิทธิพลต่อการพัฒนาศิลปะฝรั่งเศส Theodore Gericault รอดชีวิตจากความหลงใหลในสิ่งนี้

ภูมิทัศน์ของวิลเลียม เทิร์นเนอร์ (ค.ศ. 1775-1851) ได้รับการยกระดับความโรแมนติก ศิลปินชอบวาดภาพพายุในทะเล ฝนและพายุฝนฟ้าคะนอง เขาทำงานทั้งสีน้ำและสีน้ำมัน

ตำแหน่งที่โดดเด่นในการวาดภาพภาษาอังกฤษได้รับการดูแลโดยโรงเรียนวิชาการ ผลงานของสมาชิกของ Royal Academy of Arts ซึ่งดำเนินการในรูปแบบดั้งเดิมได้รับความนิยมจากสาธารณชน อย่างไรก็ตาม ในอังกฤษ มีการก่อตั้งสมาคมศิลปินขึ้น เรียกว่ากลุ่มภราดรภาพก่อนราฟาเอล พวกเขาถูกดึงดูดโดยจิตวิญญาณทางศาสนาของปรมาจารย์ยุคโปรโตเรอเนซองส์ (ศิลปินที่ทำงานก่อนราฟาเอล) ในงานของพวกเขา พวกพรีราฟาเอลได้แสดงทัศนคติที่โรแมนติกต่อยุคอื่นๆ (ด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงหลงใหลในยุคกลาง) ผลงานของกลุ่มพรีราฟาเอลได้รับการสนับสนุนจาก John Ruskin (1819-1900) นักเขียนและนักวิจารณ์ศิลปะซึ่งกลายเป็นผู้แต่งหนังสือ "Modern Painters" ชาวพรีราฟาเอลหันไปหาวิชาในพันธสัญญาใหม่ วาดภาพจากชีวิตมากมาย และเปลี่ยนเทคนิคการวาดภาพแบบดั้งเดิม: ผืนผ้าใบของพวกเขาโดดเด่นด้วยโทนสีสดใสและสดใหม่

ในบรรดาจิตรกรในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 Edouard Manet (1832-1883) โดดเด่นด้วยพรสวรรค์อันยอดเยี่ยมของเขา ธีมทางประวัติศาสตร์เป็นที่คุ้นเคยสำหรับเขา แต่ไม่ได้ดึงดูดใจศิลปิน เขาเริ่มพรรณนาถึงชีวิตชาวปารีสมากมาย คำวิจารณ์อย่างเป็นทางการไม่ยอมรับศิลปิน ภาพวาดเชิงสร้างสรรค์ของเขาถูกประณามและทำให้เกิดการประท้วง นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้นกับภาพวาดที่โด่งดังที่สุดของ Manet นั่นคือ Luncheon on the Grass และ Olympia สาธารณชนพบว่าภาพร่างของผู้หญิงที่เปลือยเปล่าเป็นสิ่งที่ท้าทาย และที่สำคัญที่สุดคือท่าทางของผู้เขียนในการพยายามสื่อถึงความสมบูรณ์ของแสงแดด ปารีสกลายเป็นประเด็นหลักในงานของ Manet อย่างต่อเนื่อง ไม่ว่าจะเป็นฝูงชนในเมือง ร้านกาแฟและโรงละคร ตลอดจนถนนในเมืองหลวง งานของมาเนตรนำหน้าทิศทางใหม่ในการวาดภาพ - อิมเพรสชันนิสม์,แต่ศิลปินเองก็ไม่ได้เข้าร่วมขบวนการนี้แม้ว่าเขาจะเปลี่ยนสไตล์การสร้างสรรค์ไปบ้างภายใต้อิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสต์ก็ตาม ในช่วงบั้นปลายชีวิตของ Manet เขาได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางและได้รับรางวัล Legion of Honor

เวิร์คช็อปของ Edouard Manet ซึ่งครั้งหนึ่งเคยกลายเป็นศูนย์กลางของชีวิตศิลปะได้รวมศิลปินกลุ่มหนึ่งที่ประทับใจกับการค้นพบภาพวาดของเจ้าของ คณะลูกขุนของ Salon ปฏิเสธภาพวาดของพวกเขาเช่นเดียวกับภาพวาดของ Manet พวกเขาจัดแสดงเป็นการส่วนตัวในสิ่งที่เรียกว่า "Salon of the Rejected" (นั่นคือจิตรกรที่ถูกคณะลูกขุนของ Salon อย่างเป็นทางการปฏิเสธนิทรรศการ) ในนิทรรศการที่จัดขึ้นในสตูดิโอถ่ายภาพเมื่อปี พ.ศ. 2417 โดยเฉพาะภาพวาด "ความประทับใจ" ของโกลด โมเนต์ พระอาทิตย์ขึ้น". ตามชื่อนี้ นักวิจารณ์คนหนึ่งเรียกผู้เข้าร่วมว่าอิมเพรสชั่นนิสต์ (ความประทับใจในภาษาฝรั่งเศสคือ "ความประทับใจ") ดังนั้นจากชื่อเล่นที่น่าขันจึงเกิดชื่อของขบวนการทางศิลปะในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ศิลปินเช่น Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Pierre Haposte Renoir (1841-1919), Alfred Smeley (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917) ถูกจัดประเภทตามธรรมเนียมว่าเป็นอิมเพรสชั่นนิสต์

เช่นเดียวกับชาวบาร์บิโซเนียน อิมเพรสชั่นนิสต์วาดภาพธรรมชาติ นอกจากนี้ พวกเขายังเป็นคนแรกที่พรรณนาถึงชีวิตในเมืองที่มีชีวิตชีวา พวกบาร์บิซอนวาดภาพเขียนของพวกเขาในสตูดิโอ ในขณะที่พวกอิมเพรสชั่นนิสต์ออกไปในที่โล่ง "ในที่โล่ง" พวกเขาสังเกตเห็นว่าภูมิทัศน์เดียวกันเปลี่ยนแปลงไปภายใต้สภาพแสงที่แตกต่างกันในสภาพอากาศที่มีแดดจัดและมีเมฆมาก เวลาพระอาทิตย์ขึ้นและพระอาทิตย์ตก พวกเขาพยายามรักษาความสดใหม่ของความประทับใจทันทีในภาพยนตร์ พวกเขาวาดภาพอย่างรวดเร็ว ปฏิเสธสีผสม และใช้สีสดใสบริสุทธิ์ โดยทาเป็นลายเส้นแยกกัน

ทิศทางศิลปะใหม่จึงเกิดขึ้น การเกิดขึ้นของมันไม่เพียงได้รับอิทธิพลจากความสำเร็จของศิลปินชาวยุโรปคนก่อนเท่านั้น แต่ยังมาจากการประดิษฐ์ภาพถ่ายด้วย (ไม่จำเป็นต้องเลียนแบบชีวิตดึกดำบรรพ์อีกต่อไป) และความคุ้นเคยกับศิลปะตะวันออก (ภาพพิมพ์แกะไม้ของญี่ปุ่นที่มีความต่อเนื่องและมุมมองที่ไม่ธรรมดา และการลงสีที่กลมกลืนกันจึงกลายเป็นที่มาของเทคนิคทางศิลปะใหม่ๆ)

อิมเพรสชันนิสม์ไม่ได้เป็นเพียงการเคลื่อนไหวในการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังค้นพบพัฒนาการในด้านประติมากรรม ดนตรี และวรรณกรรมอีกด้วย อิมเพรสชันนิสม์เป็นการปฏิวัติในการรับรู้ของโลก: อัตวิสัยของการรับรู้ของมนุษย์ถูกค้นพบและแสดงให้เห็นอย่างเปิดเผย ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และในศตวรรษที่ 20 การเคลื่อนไหวของศิลปะอย่างแท้จริงคือการนำเสนอตัวเลือกที่หลากหลายและมักคาดไม่ถึงสำหรับการรับรู้โลกของศิลปินที่จะประกอบขึ้นเป็นศิลปะสมัยใหม่อย่างแท้จริง อิมเพรสชั่นนิสต์ค้นพบสัมพัทธภาพของการรับรู้ของมนุษย์ซึ่งเป็นอัตวิสัยของมัน อีกไม่นานในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ "สัมพัทธภาพ" แบบเดียวกันนี้จะถูกค้นพบโดยฟิสิกส์เชิงทฤษฎี ศิลปะเผยให้เห็นความสามารถในการทำนายและแสดงแนวโน้มของเวลาและการเปลี่ยนแปลงในจิตสำนึกของสังคมด้วยวิธีที่ไม่เหมือนใคร

ตลอดระยะเวลา 12 ปีที่ผ่านมา อิมเพรสชั่นนิสต์ได้จัดนิทรรศการแปดครั้ง ภูมิทัศน์ในชนบทและในเมือง ภาพบุคคล ฉากในชีวิตประจำวัน - ในทุกแนวภาพ พวกเขาได้ค้นพบงานศิลปะที่แท้จริง ผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์ก่อให้เกิดการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่เป็นนวัตกรรมใหม่ศิลปินได้ซึมซับความสำเร็จที่ดีที่สุดของกันและกัน

การค้นพบของอิมเพรสชั่นนิสต์เป็นพื้นฐานของศิลปินรุ่นต่อๆ ไป ผู้แทน นีโออิมเพรสชั่นนิสม์กลายเป็น Georges Seurat (1859-1891) และ Paul Signac (1863-1935) นีโออิมเพรสชั่นนิสต์เปลี่ยนรูปแบบการวาดภาพของตนให้มีความรอบรู้มากขึ้น

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ศิลปินชาวฝรั่งเศสสี่คน ได้แก่ Paul Cezanne (1839-1906), Vincent Van Gogh (1853-1890), Paul Gauguin (1848-1903) และ Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) โดยไม่เป็นทางการ รวมตัวกันเป็นกลุ่มก้อนแต่กลับสร้างทิศทางใหม่ - โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์(จากภาษาละติน "โพสต์" - "หลัง") โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์มีความใกล้ชิดกับอิมเพรสชั่นนิสต์ เมื่อไม่แยแสกับสังคมร่วมสมัย ศิลปินจึงหันมาวาดภาพธรรมชาติ แต่พวกเขาไม่ได้พยายามที่จะจับภาพสภาวะที่เกิดขึ้นในทันทีเหมือนอย่างที่อิมเพรสชั่นนิสต์ทำอีกต่อไป แต่เพื่อทำความเข้าใจแก่นแท้ของสิ่งต่าง ๆ ที่ซ่อนอยู่ภายใต้รูปลักษณ์ของพวกเขา ในภาพนิ่งและภาพบุคคล Cézanne มองหารูปทรงเรขาคณิตที่มั่นคง ผืนผ้าใบของแวนโก๊ะซึ่งแสดงออกถึงอารมณ์และโทนสีที่แปลกตา สื่อถึงสภาวะทางอารมณ์ของศิลปิน Gauguin พรรณนาถึงชีวิตของชาวพื้นเมืองตาฮิติซึ่งจินตนาการของเขาเป็นอุดมคติ ชีวิตที่มิได้ถูกแตะต้องโดยอารยธรรม ถ่ายทอดธรรมชาติที่แปลกใหม่ด้วยการผสมผสานสีที่น่าอัศจรรย์ ในโปสเตอร์และภาพพิมพ์หินของ Toulouse-Lautrec เราเห็นชีวิตของโบฮีเมียนชาวปารีส ผลงานของโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นจุดเริ่มต้นในการค้นหางานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 Fauvism, Cubism, Expressionism มีต้นกำเนิดมาจากผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์

ในการวาดภาพและกราฟิกสัญลักษณ์และความทันสมัยปรากฏในผลงานของศิลปินชาวยุโรปทั้งกลุ่ม

Aubrey Beardsley (1872-1898) มีชีวิตอยู่เพียงยี่สิบห้าปี แต่งานของเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของสไตล์อาร์ตนูโว เขาเป็นที่รู้จักในฐานะนักวาดภาพประกอบหนังสือเป็นหลัก กราฟิกของมันมีสไตล์และซับซ้อน เสริมด้วยการเคลื่อนไหวที่ยืดหยุ่นและหรูหรา แหล่งที่มาหลักของแรงบันดาลใจสำหรับศิลปินคือวรรณกรรม งานของ Beardsley รวบรวมแนวคิดและหลักการสมัยใหม่มากมาย โดยทั่วไปแล้ว ความทันสมัยนั้นโดดเด่นด้วยการแสดงด้นสดในธีมของยุคสมัยและสไตล์ต่างๆ ซึ่งเป็นการผสมผสานที่แปลกประหลาดระหว่างความชั่วร้ายและจิตวิญญาณ

ศิลปินชาวฝรั่งเศส Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898) สามารถเปลี่ยนหัวข้อที่เรียบง่ายและไม่อวดดีให้กลายเป็นองค์ประกอบเชิงสัญลักษณ์ได้ เขาได้รับแรงบันดาลใจจากภาพโบราณที่ใช้เป็นแผง ผลงานของเขาเป็นรูปแบบของสมัยโบราณ ซึ่งเป็นการตีความสมัยโบราณโดยมนุษย์ในปลายศตวรรษที่ 19

จิตรกรชาวฝรั่งเศส Gustave Moreau (พ.ศ. 2369-2441) มีความเกี่ยวข้องกับสัญลักษณ์ เขาพยายามทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยธรรมชาติอันน่าอัศจรรย์ของโครงเรื่อง ความงามที่สดใสของสี โทนสีที่แสดงออก และอารมณ์ที่รุนแรง

จิตรกรชาวเยอรมัน Franz Xaver Winterhalter มีชื่อเสียงจากผลงานภาพวาดหญิงสาวสวยแห่งศตวรรษที่ 19 เขาเกิดในปี 1805 ในเยอรมนี แต่หลังจากได้รับการศึกษาด้านวิชาชีพแล้ว เขาก็ย้ายไปปารีส ซึ่งเขาได้รับแต่งตั้งให้เป็นศิลปินในราชสำนักในราชสำนัก ภาพบุคคลของครอบครัวสังคมชั้นสูงทั้งชุดทำให้ศิลปินได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อ

และเขาก็ได้รับความนิยมเป็นพิเศษในหมู่ผู้หญิงในสังคมเนื่องจากเขาผสมผสานความเหมือนของบุคคลเข้ากับความสามารถในการ "นำเสนอ" งานของเขาได้อย่างชำนาญ อย่างไรก็ตาม นักวิจารณ์ปฏิบัติต่อเขาอย่างเยือกเย็นมาก ซึ่งไม่ได้ขัดขวางไม่ให้เขาได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อยๆ ในหมู่สตรีในสังคมชั้นสูง ไม่เพียงแต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ทั่วโลก

Alexandre Dumas พูดเรื่องนี้เกี่ยวกับเขา

สาวๆ รอเป็นเดือนเป็นเดือนเพื่อเข้าสตูดิโอของ Winterhalter... พวกเขาลงทะเบียน พวกเขามีซีเรียลนัมเบอร์และรอ หนึ่งครั้งต่อหนึ่งปี อีกครั้งเป็นเวลาสิบแปดเดือน และครั้งที่สามเป็นเวลาสองปี คนที่มีชื่อมากที่สุดก็มีข้อดี ผู้หญิงทุกคนใฝ่ฝันที่จะมีภาพวาดที่ Winterhalter วาดไว้ในห้องส่วนตัวของพวกเธอ...

สุภาพสตรีจากรัสเซียไม่รอดพ้นจากชะตากรรมเดียวกัน

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา ได้แก่ ภาพเหมือนของจักรพรรดินียูเชนี (นางแบบที่เขาชื่นชอบ)

และจักรพรรดินีเอลิซาเบธแห่งบาวาเรีย (พ.ศ. 2408)
นี่คือจุดที่เราต้องหยุดและหยุดพัก...
ทุกอย่างเชื่อมโยงกันอย่างไรในโลกนี้! ครอบครัวฮับส์บูร์กและชีวิตของเอลิซาเบธ ความสัมพันธ์ของเธอกับแม่สามี ชะตากรรมของรูดอล์ฟ ลูกชายของเธอ และภาพยนตร์เรื่อง "เมเยอร์ลิง" ประวัติศาสตร์ออสเตรีย-ฮังการี และบทบาทของเอวา การ์ดเนอร์ และฉัน ซึ่งเป็นจังหวัดเล็กๆ ผู้หญิงกำลังรวบรวมภาพวาดของฟรานซ์และจ้องมองจอคอมพิวเตอร์อย่างจดจ่อ...
ฉันอ่านสารานุกรมเกี่ยวกับชีวิตของซิสซี่ เกี่ยวกับลูก ๆ ของเธอ จำภาพยนตร์เรื่องนี้ และดูภาพบุคคลและรูปถ่าย...
แท้จริงแล้ว การวาดภาพเป็นหน้าต่างสู่โลกทางโลกและสู่โลกแห่งความรู้...

Franz Xaver Winterhalter เกิดเมื่อวันที่ 20 เมษายน พ.ศ. 2348 ในหมู่บ้านเล็ก ๆ แห่ง Mensenschwad ในป่าดำ เมืองบาเดน เขาเป็นลูกคนที่หกในครอบครัวของ Fidel Winterhalter ซึ่งเป็นชาวนาและผู้ผลิตเรซิน และภรรยาของเขา Eva Meyer ซึ่งมาจากครอบครัว Menzenschwand เก่า จากพี่น้องแปดคนของฟรานซ์ มีเพียงสี่คนเท่านั้นที่รอดชีวิต

พ่อของเขาถึงแม้จะมาจากชาวนา แต่ก็มีอิทธิพลสำคัญต่อชีวิตของศิลปิน

ตลอดชีวิตของเขา Winterhalter มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับครอบครัวของเขา โดยเฉพาะเฮอร์มันน์น้องชายของเขา (พ.ศ. 2351-2434) ซึ่งเป็นศิลปินด้วย

หลังจากเข้าเรียนที่อารามเบเนดิกตินในเมืองบลาซินในปี พ.ศ. 2361 Winterhalter วัย 13 ปีก็ออกจาก Menzenschwand เพื่อศึกษาการวาดภาพและการแกะสลัก
เขาศึกษาการพิมพ์หินและการวาดภาพในไฟรบูร์กในสตูดิโอของ Karl Ludwig Schuler (1785-1852) ในปี 1823 เมื่อเขาอายุ 18 ปี ด้วยการสนับสนุนของบารอน ฟอน ไอค์ทัล นักอุตสาหกรรม เขาจึงเดินทางไปมิวนิก
ในปี 1825 เขาได้รับทุนการศึกษาจาก Grand Duke of Baden และเริ่มหลักสูตรการศึกษาที่ Munich Academy of Arts ภายใต้การดูแลของ Peter Cornelius แต่ศิลปินหนุ่มไม่ชอบวิธีการสอนของเขาและ Winterhalter ก็สามารถหาคนอื่นได้ ครูที่สามารถสอนการวาดภาพบุคคลทางโลกให้เขาได้ และนี่คือโจเซฟ สไตเลอร์
ในเวลาเดียวกัน Winterhalter ก็หาเลี้ยงชีพด้วยการเป็นนักพิมพ์หิน

การเข้าสู่วงการศาลของ Winterhalter เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2371 ในเมืองคาร์ลสรูเฮอ เมื่อเขากลายเป็นครูสอนวาดภาพของเคาน์เตสโซเฟียแห่งบาเดน โอกาสที่ดีในการสร้างชื่อให้ตัวเองห่างไกลจากเยอรมนีตอนใต้มาถึงศิลปินในปี พ.ศ. 2375 เมื่อเขาได้รับการสนับสนุนจากแกรนด์ดุ๊กลีโอโปลด์แห่งบาเดนเขามีโอกาสเดินทางไปอิตาลี (พ.ศ. 2376-2377)

ในโรมเขาวาดภาพแนวโรแมนติกในสไตล์ของ Louis-Leopold Robert และใกล้ชิดกับ Horace Vernet ผู้อำนวยการ French Academy

เมื่อกลับมาที่คาร์ลสรูเฮอ วินเทอร์ฮอลเทอร์วาดภาพเหมือนของแกรนด์ดุ๊กเลโอโปลด์แห่งบาเดนและภรรยาของเขา และกลายเป็นจิตรกรในราชสำนักดยุก

อย่างไรก็ตาม เขาออกจากบาเดนและย้ายไปฝรั่งเศส

โดยที่นิทรรศการปี 1836 ได้รับความสนใจจากภาพวาดประเภทของเขา "Il dolce Farniente"

และอีกหนึ่งปีต่อมา Il Decameron ก็ได้รับการยกย่องเช่นกัน ผลงานทั้งสองชิ้นเป็นผลงานจิตรกรรมเชิงวิชาการในสไตล์ของราฟาเอล
ที่ Salon ปี 1838 พวกเขานำเสนอภาพเหมือนของเจ้าชายแห่ง Wagram พร้อมลูกสาวคนเล็กของเขา
ภาพวาดเหล่านี้ประสบความสำเร็จ และอาชีพของฟรานซ์ในฐานะจิตรกรภาพเหมือนก็มั่นใจได้

หนึ่งปีเขาวาดภาพ Louise Marie d'Orléans สมเด็จพระราชินีแห่งเบลเยียมและพระราชโอรส

อาจต้องขอบคุณภาพวาดนี้ที่ทำให้ Winterhalter กลายเป็นที่รู้จักในนาม Marie Amalia แห่งเนเปิลส์ ราชินีแห่งฝรั่งเศส มารดาของราชินีแห่งเบลเยียม

ดังนั้นในปารีส Winterhalter จึงกลายเป็นแฟชั่นอย่างรวดเร็ว เขาได้รับการแต่งตั้งเป็นศิลปินในราชสำนักให้กับหลุยส์ ฟิลิปป์ กษัตริย์แห่งฝรั่งเศส ซึ่งมอบหมายให้เขาสร้างสรรค์ภาพบุคคลของครอบครัวใหญ่ของเขา Winterhalter ต้องทำตามคำสั่งของเขามากกว่าสามสิบคำสั่ง

ความสำเร็จนี้ทำให้ศิลปินได้รับชื่อเสียงในฐานะผู้เชี่ยวชาญในการวาดภาพบุคคลของราชวงศ์และชนชั้นสูง โดยผสมผสานความคล้ายคลึงของภาพเหมือนที่ถูกต้องเข้ากับคำเยินยอที่ละเอียดอ่อนอย่างเชี่ยวชาญ เขาวาดภาพเอิกเกริกของรัฐในรูปแบบที่มีชีวิตชีวาและทันสมัย ออเดอร์ตามมาติดๆ...

อย่างไรก็ตามในแวดวงศิลปะ Winterhalter ได้รับการปฏิบัติแตกต่างออกไป
นักวิจารณ์ที่ชื่นชมการเปิดตัวครั้งแรกของเขาที่ Salon ในปี 1936 ปฏิเสธเขาในฐานะศิลปินที่ไม่สามารถเอาจริงเอาจังได้ ทัศนคตินี้ยังคงมีอยู่ตลอดอาชีพการงานของ Winterhalter และทำให้งานของเขาแตกต่างออกไปในลำดับชั้นของการวาดภาพ

Winterhalter เองมองว่าค่าคอมมิชชั่นของรัฐบาลชุดแรกของเขาเป็นเวทีชั่วคราวก่อนที่จะกลับไปวาดภาพและฟื้นฟูอำนาจทางวิชาการ เขากลายเป็นเหยื่อของความสำเร็จของเขาเอง และเพื่อความอุ่นใจของเขาเอง เขาจึงต้องทำงานเกือบทั้งหมดในประเภทภาพบุคคล นี่เป็นพื้นที่ที่เขาไม่เพียงแต่เชี่ยวชาญและประสบความสำเร็จเท่านั้น แต่ยังร่ำรวยได้อีกด้วย
แต่ Winterhalter ได้รับชื่อเสียงระดับนานาชาติและการอุปถัมภ์ของราชวงศ์

ในบรรดานางแบบของพระองค์หลายคนคือสมเด็จพระราชินีวิกตอเรีย Winterhalter มาเยือนอังกฤษครั้งแรกในปี พ.ศ. 2385 และกลับมาที่นั่นหลายครั้งเพื่อวาดภาพเหมือนของวิกตอเรีย เจ้าชายอัลเบิร์ต และครอบครัวที่กำลังเติบโตของพวกเขา สร้างผลงานให้พวกเขาทั้งหมดประมาณ 120 ชิ้น ภาพวาดส่วนใหญ่อยู่ใน Royal Collection และเปิดให้จัดแสดงที่พระราชวังบักกิงแฮมและพิพิธภัณฑ์อื่นๆ

Winterhalter ยังวาดภาพผู้แทนของขุนนางอังกฤษหลายภาพ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นส่วนหนึ่งของวงศาล

การล่มสลายของหลุยส์ ฟิลิปป์ในปี พ.ศ. 2391 ไม่ส่งผลกระทบต่อชื่อเสียงของศิลปิน Winterhalter ย้ายไปสวิตเซอร์แลนด์และทำงานตามคำสั่งในเบลเยียมและอังกฤษ
ปารีสยังคงเป็นบ้านเกิดของศิลปิน: การฝ่าฝืนคำสั่งในการวาดภาพบุคคลในฝรั่งเศสทำให้เขาสามารถกลับไปวาดภาพตามธีมและหันไปหาตำนานของสเปน

นี่คือลักษณะที่ภาพวาด "ฟลอริดา" (พ.ศ. 2395, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน, นิวยอร์ก) ปรากฏขึ้นซึ่งเป็นการเฉลิมฉลองความงามของผู้หญิงอย่างสนุกสนาน
ในปีเดียวกันนี้เขาขอแต่งงาน แต่ถูกปฏิเสธ Winterhalter ยังคงเป็นปริญญาตรีและทุ่มเทให้กับงานของเขา

หลังจากการขึ้นครองบัลลังก์ของนโปเลียนที่ 3 ความนิยมของศิลปินก็เพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด นับจากนี้เป็นต้นมา Winterhalter กลายเป็นจิตรกรภาพบุคคลหลักของราชวงศ์จักรวรรดิและราชสำนักฝรั่งเศส

จักรพรรดินียูเชนีหญิงชาวฝรั่งเศสที่สวยงามกลายเป็นนางแบบคนโปรดของเขาและปฏิบัติต่อศิลปินอย่างดี

ในปี ค.ศ. 1855 Winterhalter วาดภาพผลงานชิ้นเอกของเขา "จักรพรรดินียูเชนีรายล้อมไปด้วยสาวใช้ของเธอ" ซึ่งเธอพรรณนาถึงเธอในสภาพแวดล้อมในชนบทโดยเก็บดอกไม้กับสาว ๆ ของเธอที่รออยู่ ภาพวาดนี้ได้รับการตอบรับอย่างดี และจัดแสดงให้สาธารณชนเข้าชม และจนถึงทุกวันนี้ บางทีอาจเป็นผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของปรมาจารย์

ในปี 1852 เขาเดินทางไปสเปนเพื่อวาดภาพสมเด็จพระราชินีอิซาเบลลาที่ 2 ซึ่งทำงานให้กับราชวงศ์โปรตุเกส ตัวแทนของขุนนางรัสเซียที่มาปารีสก็ดีใจที่ได้รับภาพเหมือนจากปรมาจารย์ผู้โด่งดัง
ในฐานะศิลปินในราชวงศ์ Winterhalter เป็นที่ต้องการอย่างต่อเนื่องในราชสำนักของอังกฤษ (ตั้งแต่ปี 1841) สเปน เบลเยียม รัสเซีย เม็กซิโก เยอรมนี และฝรั่งเศส

V. S. Koshelev, I. V. Orzhekhovsky, V. I. Sinitsa / ประวัติศาสตร์โลกยุคใหม่ XIX - ต้น ศตวรรษที่ XX พ.ศ. 2541

ภาพวาดของแวนโก๊ะ- "กระท่อม", "หลังสายฝน", "ทางเดินของนักโทษ"