ด้วยความช่วยเหลือจากนักเล่าเรื่องหรือนักร้องชาวญี่ปุ่นที่มาร่วมงานในระหว่างการแสดง ซามิเซ็นแบบยุโรปที่ใกล้เคียงที่สุดคือ ชามิเซ็นพร้อมกับขลุ่ยฮายาชิและชาคุฮาจิ กลองสึซึมิ และ หมายถึงเครื่องดนตรีญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม

ชื่อนี้แตกต่างกับแนวเพลงบุนราคุและคาบูกิ - นางาอุตะ (เพลงยาว) รูปแบบการแสดงที่รู้จักกันดีและซับซ้อนที่สุดคือกิดายุ ซึ่งตั้งชื่อตามทาเคโมโตะ กิดายุ (ค.ศ. 1651-1714) ซึ่งเป็นหุ่นกระบอกบุนรากุจากโอซาก้า เครื่องดนตรีและปิ๊กของ Gidayu มีขนาดใหญ่ที่สุด และ Gidayu เองก็เป็นทั้งนักร้องและผู้วิจารณ์เกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที งานของผู้เล่าเรื่องมีความซับซ้อนมากจนในช่วงกลางของการแสดงกิดายุก็เปลี่ยนไป ผู้บรรยายต้องรู้เนื้อร้องและทำนองอย่างแม่นยำ ตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 ออนนะ-กิดายุ นักเล่าเรื่องหญิงก็ปรากฏตัวขึ้นเช่นกัน

ต้นทาง

ชามิเซ็นในรูปแบบดั้งเดิมมีต้นกำเนิดมาจากส่วนลึกของเอเชียตะวันตก จากนั้นมาสู่จีน (ศตวรรษที่ 13) ซึ่งได้รับชื่อ "ซันเซียน" จากนั้นจึงย้ายไปที่หมู่เกาะริวกิว (โอกินาวาสมัยใหม่) และจากที่นั่นเท่านั้นที่มาถึงญี่ปุ่น . เหตุการณ์นี้มีการระบุไว้อย่างชัดเจนในประวัติศาสตร์ - ไม่เหมือนกับเวลาที่เครื่องดนตรีอื่น ๆ ปรากฏตัว - และมีอายุย้อนไปถึงปี 1562

บรรพบุรุษของซามิเซ็นคือซันชินซึ่งเล่นในอาณาจักรริวกิวซึ่งในเวลานั้นได้กลายมาเป็นจังหวัด ในทางกลับกัน Sanshin มาจากเครื่องดนตรีจีน Sanjian ซึ่งพัฒนามาจากเครื่องดนตรีเอเชียกลาง

ซามิเซ็นยังเป็นเครื่องมือสำคัญสำหรับนักดนตรีโกโจตาบอดที่เดินทางซึ่งปรากฏตัวในช่วงต้นของโชกุนโทคุงาวะ

ต่างจากยุโรปที่เครื่องดนตรีดั้งเดิม/โบราณไม่ได้รับความสนใจมากนัก ซามิเซ็นและเครื่องดนตรีดั้งเดิมอื่นๆ ในญี่ปุ่นเป็นที่รู้จักและชื่นชอบอย่างกว้างขวาง ความนิยมนี้ไม่เพียงเกิดจากการเคารพชาวญี่ปุ่นต่อวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการใช้เครื่องมือประจำชาติ โดยเฉพาะซามิเซ็นในโรงละครญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม โดยหลักๆ ในโรงละครคาบูกิและบุนราคุ

ซามิเซ็นแพร่หลายมากที่สุดในยุคโทคุงาวะ และทักษะในการเล่นก็รวมอยู่ในโปรแกรมการฝึกอบรมภาคบังคับสำหรับไมโกะ - นักเรียนเกอิชา นั่นคือเหตุผลว่าทำไม "ย่านที่ร่าเริง" จึงมักถูกเรียกว่า "ย่านที่ซามิเซ็งไม่เคยหยุดนิ่ง"

พันธุ์และการใช้งาน

มีเครื่องดนตรีหลายประเภทที่แตกต่างกันในเรื่องความหนาของคอ

เครื่องมือด้วย คอแคบถูกเรียกว่า โฮโซซาโอะและใช้ในดนตรีเป็นหลัก นากาตะ.

เครื่องมือด้วย นิ้วกลางเรียกว่าความหนา ชูเซาและนำมาใช้ในแนวดนตรีเช่น คิโยโมโตะ, โทกิวาซุ, ยิวต้าฯลฯ

ทางตอนเหนือของญี่ปุ่นโดยเฉพาะในพื้นที่สึการุ (ทางตะวันตกของจังหวัดอาโอโมริ) ที่แยกออกไป ซามิเซ็นชนิดหนึ่งที่มีคอหนา — สึการุจามิเซนการเล่นที่ต้องใช้ความสามารถพิเศษ สึการุจามิเซ็นที่มีแท่งหนาที่สุดเรียกว่าสึการุจามิเซ็น ฟุตาซาโอะและถูกนำมาใช้ใน โจริริ.

อุปกรณ์

ตัวซามิเซ็นเป็นโครงไม้หุ้มด้วยหนังอย่างแน่นหนา ตัวอย่างเช่น บนหมู่เกาะริวกิว หนังงูถูกนำมาใช้ และในญี่ปุ่นเอง หนังของแมวหรือสุนัขก็ถูกนำมาใช้เพื่อจุดประสงค์นี้ ตัวเครื่องหุ้มด้วยหนังทั้งสองด้าน และมีหนังชิ้นเล็กๆ ติดกาวไว้ที่เมมเบรนด้านหน้า เพื่อป้องกันจากการกระแทกจากปิ๊ก (บาติ)

สายสามเส้นที่มีความหนาต่างกันจะถูกขึงระหว่างหมุดและปลายส่วนล่างของคอ ซึ่งยื่นออกมาจากกึ่งกลางของลำตัวส่วนล่าง สายทำจากผ้าไหม ไนลอน และเทตลอน ซามิเซ็นมีความยาวประมาณ 100 ซม.

ซามิเซ็นเล่นโดยใช้ปิ๊กขนาดใหญ่ “บาติ” ซึ่งทำจากวัสดุต่างๆ เช่น ไม้ งาช้าง กระดองเต่า เขาควาย และพลาสติก Bati สำหรับ nagaut และ dziut เป็นรูปสามเหลี่ยมเกือบปกติและมีขอบที่แหลมคมมาก

สึการุจามิเซ็นบอกว่ามีแผ่นไม้ขนาดเล็กกว่า ซึ่งชวนให้นึกถึงใบต้นแปะก๊วยมากกว่า

เทคนิคการเล่นชามิเซ็น

การเล่นซามิเซ็งมีสามรูปแบบ:

Uta-mono เป็นสไตล์เพลงหนึ่งในประเภทหลักของดนตรีประกอบสำหรับการแสดงละคร คาบูกิ- ประเภทนี้นำเสนอด้วยดนตรีสลับฉากยาวที่เล่นโดยวงดนตรีฮายาชิ (วงดนตรีนี้มักจะมาพร้อมกับการแสดงละครและประกอบด้วยขลุ่ยและกลองสามประเภท)

Katari-mono – สไตล์ที่ยอดเยี่ยมเป็นลักษณะเฉพาะส่วนใหญ่ของดนตรีแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่น และแสดงด้วยการร้องเพลงประเภทใดประเภทหนึ่งโดยเฉพาะ

มินโยเป็นเพลงพื้นบ้าน

เมื่อซามิเซ็นปรากฏตัวครั้งแรกในญี่ปุ่น สายจะถูกดีดด้วยปิ๊กขนาดเล็ก (ยูบิคาเกะ) และเมื่อเวลาผ่านไป นักดนตรีก็เริ่มใช้ปิ๊ก ซึ่งขยายขีดความสามารถของเครื่องดนตรีอย่างมาก เมื่อใดก็ตามที่ดึงสายล่าง นอกจากจะได้ยินเสียงของมัน ยังมีเสียงหวือหวาและเสียงเล็กๆ น้อยๆ ปรากฏการณ์นี้เรียกว่า “ซาวาริ” (“สัมผัส”) ซาวาริสยังปรากฏเมื่อสายอื่นๆ สะท้อนกับสายล่าง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อช่วงระยะห่างระหว่างสายคืออ็อกเทฟ (สองอ็อกเทฟ สาม หนึ่งในห้า ฯลฯ) ความสามารถในการใช้เสียงเพิ่มเติมนี้เป็นสัญญาณบ่งบอกถึงทักษะระดับสูงของนักแสดง และเอฟเฟกต์เสียงนั้นได้รับการควบคุมอย่างเข้มงวดโดยผู้สร้างซามิเซ็น

ปิ๊กถือด้วยมือขวา และในเวลาที่เหมาะสม เสียงของสายจะหยุดลงด้วยสามนิ้วของมือซ้ายบนคอที่ไม่มีคอไร้เฟรต ไม่ใช้นิ้วหัวแม่มือและนิ้วก้อยในเกม เทคนิคการเล่นซามิเซ็นที่เป็นลักษณะเฉพาะมากที่สุดคือการตีปิ๊กบนเมมเบรนและบนสายพร้อมกัน นอกจากนี้ ยังมีปัจจัยสำคัญอื่นๆ อีกมากมายที่กำหนดเสียงโดยเฉพาะ เช่น ความหนาของสาย คอ ศีรษะ จุดที่ปิ๊กกระทบสาย เป็นต้น คุณยังสามารถดึงสายด้วยมือซ้ายบนซามิเซ็นได้ ส่งผลให้ได้เสียงที่ไพเราะยิ่งขึ้น ความสามารถในการเปลี่ยนจังหวะนี้ถือเป็นหนึ่งในจุดเด่นของซามิเซ็น

นอกเหนือจากวิธีการเล่นแล้ว เสียงของเครื่องดนตรียังสามารถเปลี่ยนแปลงได้โดยการเปลี่ยนความยาวของสาย คอ หรือปิ๊ก รวมถึงขนาด ความหนา น้ำหนัก วัสดุ - ตัวบ่งชี้มวล! มีซามิเซ็งเกือบสองโหล ซึ่งมีระดับเสียงและโทนเสียงต่างกัน และนักดนตรีจะเลือกเครื่องดนตรีที่ตรงกับแนวเพลงของตนมากที่สุด หรือปรับแต่งใหม่ทันทีก่อนการแสดง

ในดนตรีซามิเซ็น แนวของเสียงเกือบจะสอดคล้องกับเสียงที่เล่นบนเครื่องดนตรี: เสียงจะอยู่ข้างหน้าทำนองเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ซึ่งช่วยให้คุณได้ยินและเข้าใจข้อความ และยังเน้นความแตกต่างระหว่างเสียงของเสียงและ ซามิเซ็น

ชามิเซ็นในดนตรีสมัยใหม่

เนื่องจากเสียงที่เฉพาะเจาะจงของชามิเซ็น จึงมักใช้เพื่อเพิ่มเสียง "ระดับชาติ" ในภาพยนตร์และอนิเมะญี่ปุ่นบางเรื่อง (เหมือนกับในรัสเซีย) ดังนั้นซามิเซ็นจึงดังขึ้นในเพลงประกอบของซีรีส์อนิเมะเรื่อง Naruto, Puni Puni Poemi

อางัตสึมะ ฮิโรมิตสึ รับบทเป็น สไตล์นิวเอจ

มันถูกใช้โดยตัวแทนของดนตรีแนวหน้าของยุโรป (เช่น Henri Pousseur)

บทประพันธ์ของวง Yoshida Brothers ค่อนข้างได้รับความนิยม

มิชิโระ ซาโตะแสดงด้นสดเกี่ยวกับซามิเซ็น และนักเปียโนแจ๊ส เกล็นน์ โฮริอุจิ ใส่เศษซามิเซ็นที่เล่นเข้าไปในเพลงของเขา

มือกีตาร์ Kevin Kmetz เป็นผู้นำวงดนตรี God of Shamisen ชาวแคลิฟอร์เนีย ซึ่งเขาเล่นเป็น tsugarujamisen

วิดีโอ: Shamisen ในวิดีโอ + เสียง

ด้วยวิดีโอเหล่านี้ คุณสามารถทำความคุ้นเคยกับเครื่องดนตรี ดูเกมจริง ฟังเสียงของมัน และสัมผัสถึงลักษณะเฉพาะของเทคนิค:

การขาย: ซื้อ/สั่งซื้อได้ที่ไหน?

สารานุกรมยังไม่มีข้อมูลเกี่ยวกับสถานที่ที่คุณสามารถซื้อหรือสั่งซื้อเครื่องมือนี้ได้ คุณสามารถเปลี่ยนสิ่งนี้ได้!

ฉันเคยสัญญาว่าจะพูดคุยเกี่ยวกับเครื่องดนตรีญี่ปุ่น เวลานั้นมาถึงแล้ว Biva เข้ามาอยู่ในมือของฉันโดยบังเอิญ แต่เธอก็เปิดหัวข้อขึ้นมา :)

ทุกวันนี้ ความสนใจของเราจะถูกจับไปด้วยความมหัศจรรย์ แม้ว่าจะไม่อ่อนโยนและไม่โปร่งสบาย แต่ค่อนข้างหนักแน่น เป็นเสียงเมทัลลิกและเป็นจังหวะ - เสียงของเครื่องดนตรีญี่ปุ่นดั้งเดิมที่เรียกว่าบิวะ
บิวะเป็นพิณหรือพิณชนิดหนึ่งของญี่ปุ่น โดยเข้ามาที่ญี่ปุ่นจากประเทศจีนในศตวรรษที่ 7 ในประเทศจีนมีเครื่องดนตรีที่คล้ายกันเรียกว่า ปิป้า แต่มาถึงจีนจากเปอร์เซียในคริสตศตวรรษที่ 4
และรากของพิณยุโรปก็ไปถึงเอเชียกลางด้วย
ในญี่ปุ่น กว่าพันปีของการพัฒนาบิวะ มีแบบจำลอง โรงเรียนการเล่นและการร้องเพลงมากมายปรากฏขึ้น

(เป็นคอนเสิร์ตประเภทบิวะพร้อมวงออร์เคสตรา Gion shoja นักแต่งเพลง Hirohisa Akigishi
การบันทึกประกอบด้วยบทนำของ "The tale"s of Heike" (เรื่องราวของ Heike ซึ่งเรียกอีกอย่างว่า "Taira monogatari") นี่คืองานหลักสมัยใหม่ที่แสดงเกี่ยวกับ Biwa การบันทึกนี้จัดทำขึ้นในกรุงโซล เมื่อปี พ.ศ. 2547 ที่ศูนย์เซจง)

รูปร่างของเครื่องดนตรีคล้ายกับอัลมอนด์นัทที่ชี้ขึ้น ผนังด้านหน้าลำตัวโค้งไปข้างหน้าเล็กน้อย ด้านหลังเรียบ ผนัง - นั่นคือกระดานไม้สองแผ่น - อยู่ไม่ไกลกันเครื่องดนตรีค่อนข้างแบน ผนังด้านหน้ามีสามรู
บิวะมีเชือกสี่หรือห้าเส้นที่ทำจากเส้นไหมที่ดีที่สุดติดกาวด้วยกาวข้าว มีเฟรตที่สูงมากห้าเฟรตที่คอ

สายตึงค่อนข้างหลวม กล่าวคือ ไม่ตึงมาก นักดนตรีที่กดสายแรงขึ้นจะเปลี่ยนความตึงเครียดซึ่งก็คือเพิ่มระดับเสียง เราสามารถพูดได้ว่าเครื่องดนตรีไม่ได้รับการปรับจูนเลยตามความหมายของคำในยุโรปตะวันตก แต่นักดนตรีสามารถเล่นโน้ตบางอย่างได้โดยการเปลี่ยนแรงกดสาย
แต่ประเด็นของเกมไม่ใช่การตีโน้ตที่ถูกต้อง ดังนั้นจึงไม่มีเดดกริปบนสาย ดังนั้น นิ้วจึงเปลี่ยนแรงกดตลอดเวลา ซึ่งทำให้เสียงลอย นอกจากนี้ คุณยังสามารถเลื่อนสายไปตามเฟรตกว้างด้วยนิ้วของคุณ ซึ่งทำให้สายส่งเสียงหึ่งได้ เช่นเดียวกับเครื่องสายของอินเดีย เช่น ซีตาร์หรือวีน่า

บิวาจะตั้งไว้ในแนวตั้ง และเมื่อเล่นจะใช้ไม้จิ้มฟันรูปสามเหลี่ยมซึ่งมีรูปร่างคล้ายพัดขนาดเล็ก ด้านหนึ่งยาวถึง 30 เซนติเมตรเป็นไม้พายชนิดหนึ่ง การทำใบมีดเหล่านี้เป็นศิลปะที่ยอดเยี่ยม พวกมันจะต้องแข็งและยืดหยุ่นในเวลาเดียวกัน ไม้สำหรับเก็บจะตากแห้งเป็นเวลาสิบปี เห็นได้ชัดเจนว่าไม้ที่ใช้เป็นไม้หายาก
ด้วยปิ๊ก คุณสามารถตีได้ไม่เพียงแค่สายเท่านั้น แต่ยังรวมถึงตัวกีต้าร์ด้วย และยังสามารถเกาสายได้อีกด้วย ผู้เชี่ยวชาญกล่าวว่านี่เป็นเทคนิคสมัยใหม่ สิ่งนี้ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน
แต่เป็นที่ชัดเจนว่ามีหลายวิธีในการตีสายด้วยปิ๊กขนาดใหญ่เช่นนี้ - และแน่นอนว่านี่คือสิ่งที่ได้ยินได้อย่างสมบูรณ์แบบ

BIWA (คิงเรเคิดส์, 1990)
ซีดีประกอบด้วยเพลงบรรเลง 2 เพลง และเพลงร้อง-เครื่องดนตรี 4 เพลง เพลงที่น่าประทับใจที่สุดคือเพลงมหากาพย์ "Kawanakajima" ("เกาะระหว่างแม่น้ำสองสาย") ขับร้องโดย Enomoto Shisui
เอโนโมโตะ ชิซุยเสียชีวิตในปี 1978 และเกิดในศตวรรษที่ 19 เขาเป็นหนึ่งในปรมาจารย์บิวะที่มีชื่อเสียงในยุคก่อนสงครามโลกครั้งที่สอง
ในศตวรรษที่ 19 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ศิลปะแห่งบิวะได้รับการฟื้นฟู เฉพาะในโตเกียวเพียงแห่งเดียวก็มีผู้เชี่ยวชาญทำเครื่องดนตรีถึง 30 คน หลังสงคราม มีเพียงคนเดียวที่เหลืออยู่ในญี่ปุ่น - และทั่วโลก ศิลปะชิ้นนี้มีโอกาสที่จะหายไปตลอดกาล เพราะเนื้อเพลงเต็มไปด้วยจิตวิญญาณซามูไรที่กลายเป็นสิ่งที่ไม่ถูกต้องทางการเมือง
เมื่อเปรียบเทียบกับนักร้องรุ่นใหม่ เสียงของเอโนโมโตะ ชิซูยะฟังดูน่าเศร้ามากกว่า ตีโพยตีพายมากกว่า และผมขอบอกว่ามันโหดเหี้ยมมากกว่า
เกาะที่เพลงนี้อุทิศให้นั้นเป็นผืนดินระหว่างแม่น้ำสองสาย การสู้รบหลายครั้งเกิดขึ้นที่สถานที่แห่งนี้ในศตวรรษที่ 16 ระหว่างกองทัพของผู้นำทหารสองคน
ไม่น่าเชื่อว่านี่คือเพลงบันเทิงที่คนฟังในตอนเย็นเมื่อเบื่อกับสิ่งสำคัญที่ต้องทำ ไม่ ไม่ เพลงนี้เตือนให้ซามูไรนึกถึงหน้าที่ของตนและจุดประกายจิตวิญญาณแห่งการต่อสู้อย่างชัดเจน

ที่มีชื่อเสียงอีกแห่งหนึ่งคืออัตสึโมริ และในภาพก็มีบิวะด้วย

การฟาดโลหะที่คมชัด—เหมือนการฟาดดาบ—ตรงกันข้ามกับเสียงที่เปล่งออกมาอย่างช้าๆของนักร้อง สระลากยาวเป็นเวลานานจังหวะเป็นอิสระมีเพลงหยุดหลายครั้ง แต่ไม่ว่าในกรณีใดจะเรียกว่าซบเซาได้ เธอเครียดและมีสมาธิมาก
อย่างไรก็ตาม การหยุดชั่วคราว ช่องว่าง ช่วงเวลาแห่งความเงียบงันในประเพณีญี่ปุ่นก็ถือเป็นองค์ประกอบทางเสียงเช่นกัน นั่นคือเสียง เรียกว่าคำว่า "มะ" ความเงียบอาจสั้นหรือยาว ตึงเครียดหรือสงบ ไม่คาดคิดหรือมีเหตุผล ความเงียบจะเน้นเสียงบางอย่างและเปลี่ยนการเน้นในวลีทางดนตรี

ในประวัติศาสตร์ของบิวะมีลำธารสองสายขนานกัน ประการแรก บิวะเป็นส่วนหนึ่งของวงออเคสตราของศาล บิวะโบราณนอนอยู่บนพื้นในแนวนอนและใช้ไม้จิ้มฟันอันเล็กๆ มันเป็นเครื่องเพอร์คัชชัน
ในยุคกลาง บิวาเล่นโดยขุนนางและข้าราชบริพาร เชื่อกันว่าเพลงนี้เป็นเพียงเครื่องดนตรีเท่านั้น ในวรรณคดีคลาสสิก คำอธิบายมากมายเกี่ยวกับบิวะโซโลในยุคกลาง เสียงที่ไพเราะและประณีต และท่วงทำนองที่ไพเราะที่มาจากประเทศจีนได้รับการเก็บรักษาไว้ แต่จนถึงทุกวันนี้ ในประเพณีของดนตรีในราชสำนัก โซโลบิวะยังไม่ได้รับการอนุรักษ์ไว้ ในวงออเคสตรา Gagaku ท่อนบิวะนั้นเรียบง่ายมากจนไม่อาจหลีกหนีจากความรู้สึกที่ว่าบางสิ่งที่สำคัญได้สูญหายไปตามกาลเวลา
ประเพณีบิวะในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยวถูกขัดจังหวะในศตวรรษที่ 13 และได้รับการฟื้นฟูเฉพาะในศตวรรษที่ 20 เท่านั้น

"Ichinotani" en laúd Biwa por Silvain Guignard (แฟรกเมนโต) การประหารชีวิตแบบยุโรปที่เห็นได้ง่าย

แต่หน้าที่หลักของบิวะคือการบรรเลงเพลงและเรื่องราวขนาดยาว
จนถึงศตวรรษที่ 20 บิวะเล่นโดยนักดนตรีตาบอดเกือบทั้งหมด ซึ่งเรียกว่าบิวาโฮชิ บางคนเป็นพระภิกษุและท่องพระสูตรและเพลงสวด แต่นักร้องส่วนใหญ่เล่าเรื่องราวสงครามและการต่อสู้ของวีรบุรุษในตำนาน
มหากาพย์วีรชนที่มีชื่อเสียงที่สุดจากละครเพลงบิวาโฮชิคือเฮเกะ โมโนกาตาริ
นี่เป็นบทกวีขนาดใหญ่และค่อนข้างนองเลือดเกี่ยวกับการที่กลุ่ม Heike (หรือที่รู้จักในชื่อ Taire) หลังจากช่วงรุ่งเรืองอันสั้นได้พ่ายแพ้ให้กับกลุ่ม Genji (หรือที่รู้จักในชื่อ Minamoto) ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 12
บทกวีมี 200 ตอน แบ่งเป็นตอนธรรมดา 176 ตอน เป็นความลับ 19 ตอน และที่เหลืออีก 5 ตอนเป็นความลับสุดยอด

(ขออภัยเรื่องคุณภาพของภาพและเสียง รับบทโดย Yukihiro Goto)
เรื่องราวทั้งหลายไม่ทางใดก็ทางหนึ่งแสดงให้เห็นแนวคิดทางพุทธศาสนาเรื่องเหตุและผลตลอดจนความไม่เที่ยงของโชคชะตา
ปัจจุบัน เฮเกะโมโนกาตาริดำเนินการโดยผู้เล่นบิวะเพียงไม่กี่คน คนอื่นๆ มีละครที่ทันสมัยกว่ามาก
อย่างไรก็ตาม มีความเห็นว่าเพลงที่กล้าหาญซึ่งแสดงโดยพระภิกษุตาบอดในยุคกลางหายไป เช่นเดียวกับประเพณีของ biva ในศาลที่บรรเลง ประเพณีการร้องเพลงอย่างกล้าหาญได้รับการฟื้นฟูหลายครั้ง แต่ส่วนใหญ่ไม่น่าจะอยู่ในรูปแบบที่มีอยู่เมื่อ 700 ปีก่อนเลย
แม้ว่าประวัติศาสตร์ของเครื่องดนตรีจะย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 7 แต่ดนตรีที่ยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ดูเหมือนจะไม่เกี่ยวข้องกับยุคกลางอีกต่อไป รูปแบบซึ่งปัจจุบันเรียกว่าโบราณและคลาสสิกนั้นถูกสร้างขึ้นเมื่อไม่นานมานี้ .
จุดสำคัญในประวัติศาสตร์ของบิวะคือศตวรรษที่ 16
จากนั้นจึงมีการสร้างเครื่องดนตรีชนิดใหม่ที่เรียกว่า Satsuma biwa ผู้นำกลุ่ม Satsuma ได้ออกคำสั่งให้ปรับปรุงพิณของพระตาบอดที่มีพลังต่ำและเจียมเนื้อเจียมตัวให้กลายเป็นเครื่องดนตรีที่ดังและมีเสียงที่คมชัดและน่าประทับใจ บิวะมีขนาดใหญ่ขึ้น ตัวของมันทำจากไม้เนื้อแข็ง เสียงของเธอดูเป็นผู้ชายมากขึ้นหากไม่ก้าวร้าว
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(เสียงดีกว่าแต่ห้ามฝังนะครับ)
มีการแต่งเพลงใหม่ด้วย จุดประสงค์ของการกระทำนี้คือการให้ความรู้และการโฆษณาชวนเชื่อ: ชายหนุ่มที่ได้รับการฝึกทหาร - นั่นคือซามูไรในอนาคต - ควรจะเสริมสร้างจิตวิญญาณของพวกเขาและเรียนรู้พื้นฐานของความกล้าหาญของอัศวินขณะฟังเพลงเหล่านี้
จากนั้นไม่มีหลักการในการเล่นและร้องเพลง - ซามูไรคนใดสามารถตะโกนข้อความที่กล้าหาญและเพื่อการแสดงออกที่มากขึ้นให้ตีสายเป็นครั้งคราว เพลงไม่เพียงแต่เรียกร้องให้คนหนุ่มสาวทำสิ่งที่กล้าหาญเท่านั้น ซามูไรที่รอดชีวิตจากสงครามยังพูดคุยเกี่ยวกับการรณรงค์ของพวกเขาตามเสียงบิวะอีกด้วย
เมื่อเวลาผ่านไป ประชากรพลเรือนเริ่มสนใจดนตรีแนวทหารนี้อย่างมาก ดังนั้นสไตล์จึงปรากฏสำหรับพลเรือน: มาชิฟู (สไตล์เมือง) - และสำหรับทหาร: ชิฟู (สไตล์ซามูไร)
เครื่องดนตรีชนิดใหม่ปรากฏขึ้น สมมติว่า chikuzen biwa (chikuzen-biwa) ปรากฏในศตวรรษที่ 19 มีอีกหนึ่งรายการ - สายสูง ดังนั้นบิวะนี้จึงถือว่ามีความเป็นผู้หญิงและนุ่มนวลกว่า ผู้หญิงก็เล่นตามนั้น

ในเพลงมหากาพย์ทั้งหมดที่ร้องร่วมกับบิวะ ข้อความจะเป็นร้อยแก้วที่มีจังหวะสลับกับข้อความบทกวีสั้น ๆ บางวลีร้องตามท่วงทำนองมาตรฐาน ตามด้วยข้อความบรรเลงสั้นๆ แต่ตามกฎแล้ว เสียงบิวะตีหนึ่งหรือสองครั้งจะดังขึ้นในตอนท้ายของแต่ละวลีหรือบท จังหวะเหล่านี้มีความแตกต่างกันในเรื่องเสียง บิวะมีความเป็นไปได้มากกว่ากลองมาก
ถ้าเสียงบิวะแสดงให้เห็นว่าผู้บรรยายร้องเพลงอะไร เฉพาะเสียงต่ำหรือเสียงทื่อเท่านั้นที่จะฟังดูเป็นโลหะหรือเสียงฟู่... ข้อความร้องเป็นภาษาญี่ปุ่นคลาสสิก ผู้ฟังจะต้องเข้าใจสิ่งที่กำลังพูด : น้ำเสียง จังหวะ และเสียงสีสัมพันธ์กับเนื้อหาของละคร
นี่คือเพลงสำหรับการฟังโดยตรง สำหรับผู้ที่เห็นอกเห็นใจกับการกระทำและรู้สึกประทับใจกับการกระทำนั้นอย่างสมบูรณ์
เราไม่ได้รู้ภาษา เห็นได้ชัดว่าไม่ได้รับรู้อะไรในเพลงนี้มากนัก แต่น่าประหลาดใจที่สิ่งนี้ไม่ได้ทำให้มันแปลกใหม่ แปลกประหลาด หรือน่าอัศจรรย์ ไม่ ไม่ มันยังคงความหมายและการโน้มน้าวใจเอาไว้
ที่น่าสนใจคือเพลงนี้เป็นเพลงที่เข้าถึงอารมณ์มาก เข้มข้น เปิดกว้างมาก และชาวญี่ปุ่นก็เหมือนกับชาวพุทธคนอื่นๆ ที่ดูเหมือนจะหลีกเลี่ยงการแสดงความรู้สึกของตน

ในญี่ปุ่น พลังที่ขับเคลื่อนจักรวาลเรียกว่า คิ มันเป็นพลังทางจิตวิญญาณที่คล้ายกับโรคปอดบวมของกรีก
การแสดงออก ki มีความสำคัญสูงสุดในศิลปะญี่ปุ่นทั้งหมด ในจักรวาลมหภาค ki สอดคล้องกับลม ในพิภพเล็ก ๆ นั้นสอดคล้องกับการหายใจของมนุษย์ มีหลายคำที่เกี่ยวข้องกับ ki ในภาษาญี่ปุ่น: ki-shф (สภาพอากาศ), ki-haku (วิญญาณ)
เสียงร้องเพลงเป็นพื้นฐานของการหายใจ ดังนั้นการร้องเพลงจึงเป็นลักษณะหนึ่งของกี
คนญี่ปุ่นโบราณเชื่อว่าโดยการพูดหรือหายใจออกคำหนึ่ง พวกเขากำลังแสดงการกระทำทางจิตวิญญาณ และในภาษารัสเซียคำว่า "ลมหายใจ" และ "วิญญาณ" นั้นไม่ได้แปลกแยกจากกันเลย
ประเพณีการร้องเพลงของญี่ปุ่นเกี่ยวข้องโดยตรงกับทัศนคติต่อคำนี้ว่าเป็นลมหายใจที่เต็มไปด้วยความหมาย

และการบันทึกสั้นๆ นี้ไม่ได้เป็นเพียงส่วนหนึ่งของดนตรีเท่านั้น แต่ยังเป็นเพลง Gagaku ซึ่งเป็นดนตรีพระราชพิธีของพระราชวังอิมพีเรียลของญี่ปุ่นอีกด้วย

การร้องเพลงแบบยุโรปก็เหมือนกับดนตรีอื่นๆ ทั้งหมด ขึ้นอยู่กับระดับเสียงและระยะเวลาของเสียง ในญี่ปุ่นโบราณ การร้องเพลงได้หลอมรวมองค์ประกอบทางเสียง เช่น สีเสียง พลังงาน ระดับเสียง และคุณภาพ ให้เป็นเสียงเดียวในอักษรอียิปต์โบราณ
นี่เป็นสิ่งที่มากกว่าบันทึกที่ถูกต้องอย่างล้นเหลือ
และดนตรีบิวะก็แตกต่างจากดนตรียุโรปตะวันตกหลายประการ เครื่องดนตรีญี่ปุ่นมีทัศนคติต่อเสียงและจังหวะที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง
นักแต่งเพลงสมัยใหม่ชาวญี่ปุ่น โทรุ ทาเคมิตสึ เขียนผลงานหลายชิ้นที่ใช้บิวะนอกเหนือจากวงซิมโฟนีออร์เคสตรา มีวิธีการบันทึกเพลงบิวะแบบดั้งเดิม - เมื่อเทียบกับยุโรปตะวันตกแล้วดูเหมือนว่าจะใกล้เคียงกันมาก

ดนตรี Kwaidan, Haochi the Earles, Tôru Takemitsu, 1964

จัดทำขึ้นเพื่ออุทิศให้กับ โทรุ ทาเคมิตสึ

เมื่อนักแสดงบิวะมีส่วนร่วมในการประพันธ์เพลงของเขาอาสาศึกษาสัญกรณ์ยุโรปตะวันตก ทาเคมิตสึห้ามไม่ให้เธอทำเช่นนั้น “นี่คือสิ่งสุดท้ายที่ฉันคาดหวังจากคุณ” ผู้แต่งกล่าว - ฉันจะศึกษาโน้ตดนตรีบิวะแบบดั้งเดิมด้วยตัวเองและเรียนรู้วิธีใช้ คุณไม่จำเป็นต้องมีโน้ตแบบตะวันตก ทุกวันนี้ ความรู้สึกเกี่ยวกับเสียงแบบดั้งเดิมกำลังจะตายไปเนื่องจากระบบตะวันตกในการปรับแต่งเครื่องดนตรีและโน้ตดนตรี”

วันหนึ่ง จักรพรรดิเทนโนได้สูญเสียบิวะโบราณไปจากพระราชวังของเขา เธอชื่อเกนโจ เธอไม่มีราคา เธอมีราคาแพงมาก องค์จักรพรรดิไม่สามารถหาที่สำหรับพระองค์เองได้ ถ้ามันถูกขโมยไป ขโมยก็ต้องทุบมัน - ขายไม่ได้ องค์จักรพรรดิแน่ใจว่าบิวะของเขาถูกขโมยเพื่อทำให้ดวงวิญญาณของเขามืดมน
มินาโมโตะ โนะ ฮิโรมาสะเป็นขุนนางและเป็นนักดนตรีที่ยอดเยี่ยม เขายังเสียใจมากกับการสูญเสีย
คืนหนึ่งเขาได้ยินเสียงเชือก ไม่ต้องสงสัยเลยว่านั่นคือบิวะของเก็นโจ ฮิโรมาสะปลุกเด็กรับใช้แล้วจึงไปจับขโมย พวกเขาเข้าใกล้เสียงนั้น แต่มันก็เคลื่อนห่างออกไปเรื่อยๆ วิญญาณบางอย่างกำลังเล่นบิวะ มีเพียงฮิโรมาสะเท่านั้นที่ได้ยินเสียงเชือก
เขาเดินตามเสียงนั้นจนกระทั่งไปถึงจุดใต้สุดของเกียวโต - ประตูราโชมอนที่เป็นลางไม่ดี ฮิโรมาสะและคนรับใช้ของเขายืนอยู่ใต้ประตู สามารถได้ยินเสียงพิณจากด้านบน “นี่ไม่ใช่คน” ฮิโรมาสะกระซิบ “นี่คือปีศาจ”
เขาขึ้นเสียง “เฮ้ ใครกำลังเล่นเก็นโจอยู่ที่นั่น! จักรพรรดิเทนโนค้นหาเครื่องดนตรีนี้นับตั้งแต่มันหายไป ฉันรู้ว่าคุณอยู่ที่นี่ ฉันตามคุณไปตลอดทางจากวัง!”
เสียงเพลงหยุดลง มีบางอย่างตกลงมาจากด้านบนและแขวนอยู่บนทางเดิน ฮิโรมาสะถอยกลับ - เขาคิดว่ามันเป็นปีศาจ แต่การห้อยลงมาจากเชือกด้านบนคือพิณของเกนโจ
องค์จักรพรรดิทรงมีความสุขมากกับการกลับมาของเก็นโจ ไม่มีใครสงสัยเลยว่าเป็นปีศาจที่ขโมยสมบัติไปและมอบมันไป ฮิโรมาสะได้รับรางวัลอย่างไม่เห็นแก่ตัว
เกนโจยังอยู่ในพระราชวังอิมพีเรียล นี่ไม่ใช่แค่พิณเท่านั้น แต่ยังเป็นสิ่งที่มีชีวิตชีวาและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวของมันเอง ถ้านักดนตรีไร้ความสามารถหยิบมันขึ้นมาก็ไม่ส่งเสียง
วันหนึ่งเกิดเพลิงไหม้ในพระราชวัง ทุกคนวิ่งออกไปและไม่มีใครคิดจะช่วยเกนโจเลย แต่ลึกลับมาก เธอถูกพบบนสนามหญ้าหน้าพระราชวัง ซึ่งดูเหมือนเธอจะไปถึงตัวเองแล้ว!

อันเดรย์ โกโรคอฟ © 2001 Deutsche Welle

เครื่องดนตรี: ลูท

ในยุคของความเร็วเหนือเสียงและนาโนเทคโนโลยี บางครั้งคุณอยากจะผ่อนคลาย หลีกหนีจากความวุ่นวายของโลก และพบว่าตัวเองอยู่ในอีกโลกหนึ่งที่ไม่มีความวุ่นวายสมัยใหม่ เช่น ในยุคโรแมนติกของยุคเรอเนซองส์ ปัจจุบัน คุณไม่จำเป็นต้องประดิษฐ์ไทม์แมชชีนเพื่อทำสิ่งนี้ แต่เพียงเข้าร่วมคอนเสิร์ตดนตรีของแท้ที่ไหนสักแห่งใน Izmailovo Kremlin หรือพระราชวัง Sheremetyev ที่นั่นคุณจะไม่เพียงได้ยินท่วงทำนองอันไพเราะที่นำพาคุณไปสู่อดีต แต่ยังได้ทำความคุ้นเคยกับเครื่องดนตรีที่น่าสนใจที่บรรพบุรุษห่างไกลของเราเล่นดนตรีเมื่อหลายศตวรรษก่อน ปัจจุบันความสนใจในดนตรีโบราณมีเพิ่มมากขึ้น นักแสดงสมัยใหม่ต่างกระตือรือร้นในการเรียนรู้เครื่องดนตรีจากยุคก่อนๆ ซึ่งรวมถึงขลุ่ยขวาง วิโอลา ดา กัมบา, ไวโอลินเสียงแหลม, ไวโอลินดับเบิลเบสแบบบาโรก, ฮาร์ปซิคอร์ดและไม่ต้องสงสัยเลยว่า พิณเป็นเครื่องดนตรีของชนชั้นพิเศษและสมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ในยุคกลาง ชาวอาหรับเรียกเธอว่าเป็นราชินีแห่งเครื่องดนตรีอย่างถูกต้อง

เสียง

พิตอยู่ในตระกูลเครื่องสายที่ดึงออกมา โดยธรรมชาติของเสียงจะคล้ายกับกีตาร์เล็กน้อย แต่เสียงของมันนุ่มนวลกว่าและอ่อนโยนกว่ามาก และเสียงร้องของมันก็นุ่มนวลและสั่นไหว เนื่องจากมีเสียงที่อิ่มตัวมากกว่า แหล่งกำเนิดเสียงบนลูทเป็นคู่และเป็นสายเดี่ยว ซึ่งนักแสดงดึงด้วยมือขวาแล้วกดไปทางเฟรตด้วยมือซ้าย เปลี่ยนความยาว ระดับเสียงจึงเปลี่ยน

ข้อความดนตรีสำหรับเครื่องดนตรีเขียนโดยใช้ตัวอักษรบนเส้นหกบรรทัด และระยะเวลาของเสียงถูกระบุด้วยโน้ตที่วางอยู่เหนือตัวอักษร พิสัยเครื่องดนตรีมีค่าประมาณ 3 อ็อกเทฟ เครื่องมือไม่มีการตั้งค่ามาตรฐานเฉพาะ

รูปถ่าย:

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ

• สำหรับหลาย ๆ คน รูปพิณทำหน้าที่เป็นสัญลักษณ์ของความสามัคคี ความเยาว์วัย และความรัก สำหรับชาวจีน สิ่งนี้สื่อถึงภูมิปัญญา ตลอดจนความสามัคคีในครอบครัวและสังคม สำหรับชาวพุทธ - ความสามัคคีในโลกของเทพเจ้า สำหรับคริสเตียน - พิณในมือของทูตสวรรค์บ่งบอกถึงความงามของสวรรค์และการคืนดีของพลังธรรมชาติ ในศิลปะเรอเนซองส์ สัญลักษณ์นี้เป็นสัญลักษณ์ของดนตรี และเครื่องดนตรีที่มีสายขาดบ่งบอกถึงความขัดแย้งและความไม่ลงรอยกัน
• พิณเป็นสัญลักษณ์ - ภาพสัญลักษณ์ของคู่รัก
• ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มักจะวาดภาพพิณบนภาพวาด แม้แต่ Orpheus และ Apollo ก็ถูกวาดโดยศิลปินในยุคนั้นไม่ใช่ด้วยพิณ แต่ด้วยพิณ และไม่สามารถจินตนาการถึงองค์ประกอบที่กลมกลืนกันมากกว่าเด็กผู้หญิงหรือเด็กผู้ชายด้วยเครื่องดนตรีโรแมนติกนี้
• ครั้งหนึ่ง พิณซึ่งได้รับความนิยมอย่างมาก ถือเป็นเครื่องดนตรีพิเศษของวงการฆราวาส ขุนนาง และราชวงศ์ ทางตะวันออกเรียกว่าสุลต่านแห่งเครื่องดนตรี และในประเทศยุโรปมีคำกล่าวว่าออร์แกนเป็น "ราชาแห่งเครื่องดนตรีทั้งหมด" และพิณเป็น "เครื่องดนตรีของกษัตริย์ทั้งปวง"
• กวีและนักเขียนบทละครชาวอังกฤษผู้ยิ่งใหญ่ วิลเลียม เชคสเปียร์ มักกล่าวถึงพิณในผลงานของเขาบ่อยครั้ง เขาชื่นชมเสียงของมันเนื่องจากความสามารถในการทำให้ผู้ฟังรู้สึกปีติยินดี
• Michelangelo Buonarroti ประติมากร ศิลปิน กวี และนักคิดชาวอิตาลีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ชื่นชมการแสดงของ Francesco da Milano นักลูเทนิสต์ผู้โด่งดัง กล่าวว่าเขาได้รับแรงบันดาลใจจากดนตรีจากพระเจ้า และความคิดทั้งหมดของเขาในเวลานั้นก็หันไปสวรรค์
• นักเล่นลูทเรียกว่านักลูเทน และช่างฝีมือที่ทำเครื่องดนตรีเรียกว่าลูธีเออร์
• เครื่องดนตรีของปรมาจารย์ชาวโบโลญญา - luthier L. Mahler และ G. Frey รวมถึงตัวแทนของตระกูลช่างฝีมือ Tiffenbrucker จากเวนิสและปาดัวที่สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 17 และ 18 ต้องใช้เงินมหาศาลตามมาตรฐานเหล่านั้น
• การเรียนรู้เล่นลูทไม่ใช่เรื่องยาก แต่การปรับจูนเครื่องดนตรีซึ่งมีสายหลายสายทำจากวัสดุธรรมชาติ แต่ปรับจูนได้ไม่ดีเนื่องจากการเปลี่ยนแปลงของอุณหภูมิและความชื้นเป็นปัญหา มีเรื่องตลกที่โด่งดังมาก: นักดนตรีที่เล่นพิณใช้เวลาสองในสามในการปรับแต่งเครื่องดนตรี และหนึ่งในสามเล่นดนตรีด้วยเครื่องดนตรีที่ไม่ได้ปรับแต่ง

ออกแบบ

การออกแบบลูทที่หรูหรามากประกอบด้วยลำตัวและส่วนคอ ปิดท้ายด้วยจูนบล็อค ตัวเครื่องรูปทรงลูกแพร์ประกอบด้วยดาดฟ้าและตัวเครื่องซึ่งทำหน้าที่เป็นเครื่องสะท้อนเสียง

• ตัวกีตาร์ทำจากไม้เนื้อแข็ง ส่วนโค้งครึ่งวงกลม ได้แก่ ไม้มะเกลือ ไม้ชิงชัน เชอร์รี่ หรือไม้เมเปิล
• สำรับคือส่วนหน้าของร่างกายที่ปกคลุมร่างกาย มีลักษณะแบน เป็นรูปวงรี และมักทำจากไม้สปรูซเรโซเนเตอร์ มีขาตั้งที่ด้านล่างของสำรับและตรงกลางมีรูเสียงในรูปแบบลวดลายที่ซับซ้อนหรูหราหรือดอกไม้ที่สวยงาม

คอของลูทค่อนข้างกว้างแต่สั้นติดอยู่กับลำตัวในระดับเดียวกับซาวด์บอร์ด ฟิงเกอร์บอร์ดไม้มะเกลือติดกาวไว้ และติดจุดยึดเฟรตแคทกัตไว้ด้วย ที่ด้านบนของคอจะมีน็อตที่ส่งผลต่อความสูงของความตึงของสาย

บล็อกปรับเสียงของลูทซึ่งมีหมุดปรับความตึงสายอยู่ ก็มีคุณสมบัติที่โดดเด่นเช่นกัน มันอยู่ในความจริงที่ว่าบล็อกนั้นตั้งอยู่สัมพันธ์กับคอในมุมที่ค่อนข้างใหญ่และเกือบเป็นมุมฉาก

จำนวนสายที่จับคู่กันในลูตต่างๆ จะแตกต่างกันอย่างมาก: 5 ถึง 16 และบางครั้ง 24

น้ำหนักตัวเครื่องมีขนาดเล็กมากและมีน้ำหนักประมาณ 400 กรัม ความยาวเครื่องมือ - ประมาณ 80 ซม.

พันธุ์

พิณซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในสมัยนั้น มีการพัฒนาอย่างเข้มข้นมาก ผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีทดลองรูปร่าง จำนวนสาย และการปรับเสียงอย่างต่อเนื่อง เป็นผลให้มีความหลากหลายของเครื่องดนตรีจำนวนมากพอสมควร ตัวอย่างเช่น ลูตยุคเรอเนซองส์ นอกเหนือจากเครื่องดนตรีแบบดั้งเดิมแล้ว รวมถึงเครื่องดนตรีที่มีสายคู่ต่างกัน - นักร้องประสานเสียง มีประเภทขนาดต่าง ๆ ที่คล้ายกับการบันทึกเสียงของมนุษย์: อ็อกเทฟเล็ก เสียงแหลมเล็ก เสียงแหลม อัลโต เทเนอร์ เบส และอ็อกเทฟเบส นอกจากนี้ ตระกูลลูทยังรวมถึงพิตพิสดาร, อัล-อุด, อาร์คลูต, ทอร์บัน, คอบซา, ธีออร์บา, คิททารอน, พิณ, บันโดรา, ลูตแคนทาบิเล, ออร์ฟาริออน, ลูตแวนเดอร์โวเกล, แมนโดรา, แมนโดลา

แอปพลิเคชัน

นักประวัติศาสตร์ศิลป์ถือว่าพิณไม่เพียงแต่เป็นหนึ่งในสิ่งที่น่าสนใจที่สุดเท่านั้น แต่ยังเป็นเครื่องมือพื้นฐานที่สำคัญในประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปในศตวรรษที่ 16 และ 17 ได้รับการยอมรับจากหลากหลายสาขาอาชีพ ตั้งแต่สามัญชนไปจนถึงราชวงศ์ และถูกนำมาใช้เป็นเครื่องดนตรีประกอบ เดี่ยว และวงดนตรี ความนิยมลูตที่เติบโตอย่างรวดเร็วจำเป็นต้องได้รับการเติมและปรับปรุงละครอย่างต่อเนื่อง บ่อยครั้งที่ผู้แต่งผลงานก็เป็นนักแสดงด้วยซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมนักประพันธ์เพลงลูเตนที่ยอดเยี่ยมทั้งกาแล็กซีจึงปรากฏตัวในประเทศแถบยุโรป ในอิตาลี - F. Spinacino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini ในสเปน - แอล. มิลาน, เอ็ม. ฟูเอนลานา ในเยอรมนี - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner ในอังกฤษ - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion ในโปแลนด์ - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon ในฝรั่งเศส - E. Gautier, D. Gautier, F. Dufau, R. Wiese ควรสังเกตด้วยว่าแม้แต่ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเช่น เป็น. บาค, อ. วิวาลดี, ก. ฮันเดล, เจ. ไฮเดินให้ความสนใจกับพิต ทำให้ผลงานของมันมีคุณค่ามากขึ้น

ปัจจุบันความสนใจในดนตรีโบราณและพิณก็ไม่ลดลงเช่นกัน สามารถได้ยินเสียงของมันมากขึ้นบนเวทีคอนเสิร์ตฮอลล์ ในบรรดานักประพันธ์เพลงสมัยใหม่ที่แต่งเครื่องดนตรีในปัจจุบัน I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. McFarlen, P. Galvao, R. MacKillop ควรสังเกตผลงานที่น่าสนใจมากมาย J. Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

ศิลปินชื่อดัง

มีความทันสมัยเป็นพิเศษในยุคเรอเนซองส์และบาโรก แต่แทนที่ด้วยเครื่องดนตรีอื่นๆ และถูกลืมไปอย่างไม่เป็นธรรม ลูตในปัจจุบันก็ปลุกเร้าความสนใจอย่างมากอีกครั้ง และไม่เพียงแต่ในหมู่นักดนตรีที่แท้จริงเท่านั้น ปัจจุบันสามารถได้ยินเสียงของมันมากขึ้นตามสถานที่จัดคอนเสิร์ตต่างๆ ไม่เพียงแต่เล่นเดี่ยวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเครื่องดนตรีโบราณที่สวยงามอื่นๆ ด้วย ในศตวรรษที่ 21 นักแสดงอัจฉริยะที่มีชื่อเสียงที่สุดซึ่งทำสิ่งต่างๆ มากมายเพื่อทำให้เครื่องดนตรีนี้เป็นที่นิยม ได้แก่ V. Kaminik (รัสเซีย), P. O'Dett (สหรัฐอเมริกา), O. Timofeev (รัสเซีย), A. Krylov (รัสเซีย, แคนาดา) , เอ. ซูติน (รัสเซีย), บี. หยาง (จีน), วาย. อิมามูระ (ญี่ปุ่น), อาร์. ลิสเลวานด์ (นอร์เวย์), อี. คารามาซอฟ (โครเอเชีย), เจ. เฮลด์ (เยอรมนี), แอล. เคียร์ชอฟฟ์ (เยอรมนี) อี. เอเกซ (อาร์เจนตินา), เอช. สมิธ (สหรัฐอเมริกา), เจ. ลินด์เบิร์ก (สวีเดน), อาร์. บาร์โต (สหรัฐอเมริกา), เอ็ม. โลว์ (อังกฤษ), เอ็น. นอร์ธ (อังกฤษ), เจ. ฟาน เลนเนป (เนเธอร์แลนด์) และ อื่น ๆ อีกมากมาย

เรื่องราว

เป็นไปไม่ได้ที่จะติดตามประวัติศาสตร์ทั้งหมดของการเกิดขึ้นของพิณซึ่งในประเทศตะวันออกถือเป็นเครื่องดนตรีที่ทันสมัยที่สุดชิ้นหนึ่ง เครื่องมือที่คล้ายกันนี้แพร่หลายไปแล้วในหลายประเทศทั่วโลกเมื่อสี่พันปีก่อน พวกเขาเล่นในอียิปต์ เมโสโปเตเมีย จีน อินเดีย เปอร์เซีย อัสซีเรีย กรีกโบราณ และโรม อย่างไรก็ตาม นักวิชาการด้านศิลปะแนะนำว่า พิตมีเครื่องดนตรีรุ่นก่อนอย่างอู๊ด ซึ่งยังคงได้รับความเคารพนับถือเป็นพิเศษในตะวันออกกลาง โดยอ้างว่ามันเป็นผลมาจากการสร้างหลานชายของศาสดาพยากรณ์ อู๊ดมีรูปร่างคล้ายลูกแพร์ซึ่งทำจากไม้วอลนัทหรือลูกแพร์ ตัวไม้สน คอสั้น และหัวโค้งไปด้านหลัง เสียงถูกดึงออกมาโดยใช้ปิ๊ก

การพิชิตยุโรปด้วยพิตเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 8 จากสเปนและคาตาโลเนีย หลังจากที่ทุ่งพิชิตคาบสมุทรไอบีเรีย เครื่องดนตรีไม่เพียงแต่ผสานเข้ากับวัฒนธรรมของประเทศเหล่านี้อย่างรวดเร็วเท่านั้น แต่ยังเป็นผลจากสงครามครูเสดอีกด้วย เริ่มแพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปยังประเทศอื่นๆ ในยุโรป: อิตาลี ฝรั่งเศส เยอรมนี แทนที่เครื่องดนตรีอื่นๆ ที่ใช้อยู่ในขณะนั้น เช่น ซิสตรา และแพนดูรา พิณซึ่งกำลังได้รับความนิยมนั้นได้รับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง ช่างฝีมือได้ทำการเปลี่ยนแปลงการออกแบบเครื่องดนตรี ปรับเปลี่ยนลำตัวและคอ และเพิ่มสาย หากในตอนแรกมีสายคู่ตั้งแต่ 4 ถึง 5 สาย - นักร้องประสานเสียงจากนั้นจำนวนก็ค่อยๆเพิ่มขึ้น เมื่อถึงศตวรรษที่ 14 พิตในยุโรปไม่เพียงแต่เกิดขึ้นอย่างสมบูรณ์เท่านั้น แต่ยังกลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดไม่เพียงแต่ในศาลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการทำดนตรีที่บ้านด้วย มันไม่ได้ถูกใช้เป็นเพียงเครื่องดนตรีประกอบอีกต่อไป แต่ยังใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวด้วย พวกเขาแต่งเพลงประเภทต่างๆ มากมายสำหรับพิณ ไม่เพียงแต่เรียบเรียงเพลงและการเต้นรำยอดนิยมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีศักดิ์สิทธิ์ด้วย ในศตวรรษที่ 15 ความนิยมของเครื่องดนตรีนี้เพิ่มมากขึ้น จิตรกรมักวาดภาพมันบนผืนผ้าใบศิลปะของตน นักประพันธ์เพลงยังคงเพิ่มคุณค่าให้กับบทเพลงของตนอย่างต่อเนื่อง นักแสดงละทิ้งปิ๊กโดยเลือกใช้วิธีแยกนิ้วซึ่งขยายขีดความสามารถทางเทคนิคอย่างมีนัยสำคัญทำให้สามารถแสดงทั้งดนตรีประกอบฮาร์มอนิกและดนตรีโพลีโฟนิก ลูตมีการปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง และเครื่องดนตรีที่มีสายคู่หกสายก็ได้รับความนิยมมากที่สุด

ในศตวรรษที่ 16 ความนิยมของพิณถึงจุดสูงสุด มันครอบงำทั้งนักดนตรีมืออาชีพและมือสมัครเล่น เครื่องดนตรีดังกล่าวดังขึ้นในพระราชวังของกษัตริย์และขุนนางชั้นสูงตลอดจนในบ้านของประชาชนทั่วไป ใช้เพื่อแสดงเดี่ยวและวงดนตรี ร่วมกับนักร้องและคณะนักร้องประสานเสียง และนอกจากนี้ ยังใช้ในการเข้าร่วมวงออเคสตราอีกด้วย โรงเรียนผลิตเครื่องดนตรีลูตถูกสร้างขึ้นในประเทศต่าง ๆ โดยโรงเรียนที่มีชื่อเสียงที่สุดคือในอิตาลีในโบโลญญา เครื่องดนตรีได้รับการแก้ไขอย่างต่อเนื่อง จำนวนสายที่จับคู่เพิ่มขึ้น: สิบตัวแรก จากนั้นสิบสี่ และต่อมามีจำนวนถึง 36 ซึ่งจำเป็นต้องเปลี่ยนแปลงในการออกแบบเครื่องดนตรีตามนั้น มีพิตหลายแบบ ในจำนวนนี้มีเจ็ดแบบที่สอดคล้องกับเสียงของมนุษย์ตั้งแต่ดิสโก้ไปจนถึงเบส

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 ความนิยมของพิตเริ่มลดลงอย่างเห็นได้ชัด เนื่องจากค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยเครื่องดนตรีต่างๆ เช่น กีตาร์, ฮาร์ปซิคอร์ดและอีกไม่นานก็เปียโน ในศตวรรษที่ 18 จริงๆ แล้วมันไม่ได้ถูกนำมาใช้อีกต่อไป ยกเว้นพันธุ์บางชนิดที่มีอยู่ในสวีเดน ยูเครน และเยอรมนี และเฉพาะในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 เท่านั้น เนื่องจากความสนใจในเครื่องดนตรีโบราณของผู้ชื่นชอบภาษาอังกฤษที่นำโดยผู้สร้างเครื่องดนตรี นักดนตรีมืออาชีพ และนักดนตรีมืออาชีพ Arnold Dolmich ทำให้ความสนใจต่อพิตเพิ่มขึ้นอย่างมากอีกครั้ง

พิณเป็นเครื่องดนตรีโบราณที่สง่างาม มีเสียงที่ไพเราะ อ่อนโยน ซึ่งครั้งหนึ่งเคยถูกบังคับให้เลิกใช้และลืมไปอย่างไม่ยุติธรรม เวลาผ่านไปนักดนตรีก็จำเขาได้เริ่มสนใจและพาเขาไปที่เวทีคอนเสิร์ตอีกครั้งเพื่อดึงดูดผู้ฟังด้วยเสียงอันไพเราะ ปัจจุบันนี้ ลูทมักจะเข้าร่วมในคอนเสิร์ตดนตรีที่แท้จริง โดยแสดงทั้งแบบเดี่ยวและแบบวงดนตรี

วิดีโอ: ฟังพิณ

ดูตาร์. ดู่ - สอง ทาร์ - สตริง เครื่องดนตรีที่มีเฟรตคงที่และมีเอ็นสองเส้น คุณคิดว่ายิ่งมีสายน้อยก็ยิ่งเล่นได้ง่ายขึ้น?

ถ้าอย่างนั้น มาฟังการเล่นของหนึ่งในผู้เล่นดูตาร์ที่เก่งที่สุด - อับดุลราคิม ไคต ชาวอุยกูร์จากซินเจียง ประเทศจีน
นอกจากนี้ยังมีดูตาร์เติร์กเมนิสถาน สายและเฟรตของดูตาร์ของเติร์กเมนเป็นโลหะ ลำตัวกลวงออก ทำจากไม้ชิ้นเดียว ให้เสียงที่สดใสและดังมาก dutar ของเติร์กเมนเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่ฉันชื่นชอบในช่วงสามปีที่ผ่านมา และ dutar ที่แสดงในภาพนี้ถูกนำมาจากทาชเคนต์เมื่อไม่นานมานี้ เครื่องมือที่น่าทึ่ง!

ซาซอาเซอร์ไบจัน เก้าสายแบ่งออกเป็นสามกลุ่ม ซึ่งแต่ละสายได้รับการปรับจูนพร้อมกัน เครื่องดนตรีที่คล้ายกันในตุรกีเรียกว่าแบ็กลามา

อย่าลืมฟังเสียงเครื่องดนตรีนี้เมื่ออยู่ในมือของปรมาจารย์ หากไม่ตรงเวลา ควรดูอย่างน้อยตั้งแต่ 02.30 น.
จาก saz และ baglama มีเครื่องดนตรีกรีก bouzouki และเวอร์ชันไอริชมา

Oud หรือ al-ud ถ้าคุณเรียกเครื่องดนตรีนี้เป็นภาษาอารบิก มาจากชื่อภาษาอาหรับของเครื่องดนตรีนี้ซึ่งเป็นที่มาของชื่อลูตยุโรป อัล-อูด - พิณ, พิณ - คุณได้ยินไหม? อู๊ดธรรมดาไม่มีเฟรต - เฟรตในตัวอย่างนี้จากคอลเลกชันของฉันปรากฏตามความคิดริเริ่มของฉัน

ฟังวิธีการเล่นอู๊ดของปรมาจารย์จากโมร็อกโก

จากเอ้อหูไวโอลินสองสายของจีนที่มีตัวสะท้อนเสียงที่เรียบง่ายและเมมเบรนขนาดเล็กที่ทำจากหนังมา gijak เอเชียกลางซึ่งในคอเคซัสและตุรกีเรียกว่า kemancha

ฟังเสียงเคมันชาเมื่ออิหม่ามยาร์ คาซานอฟเล่น

Rubab มีห้าสาย สี่ตัวแรกจะเพิ่มเป็นสองเท่า แต่ละคู่จะถูกปรับพร้อมกัน และมีสายเบสหนึ่งเส้น คอยาวมีเฟรตที่สอดคล้องกับสเกลสีเกือบสองอ็อกเทฟและมีตัวสะท้อนเสียงขนาดเล็กที่มีเมมเบรนหนัง คุณคิดว่าเขาโค้งลงที่มาจากคอเข้าหาเครื่องดนตรีหมายถึงอะไร รูปร่างของมันทำให้คุณนึกถึงหัวของแกะตัวผู้ไม่ใช่หรือ? แต่เอาล่ะฟอร์ม - ช่างเป็นเสียงอะไรเช่นนี้! คุณน่าจะเคยได้ยินเสียงของเครื่องดนตรีนี้มาก่อน! มันสั่นและสั่นแม้จะมีคอที่ใหญ่โตก็ตาม

ฟังเสียงของ Kashgar rubab แต่ rubab ของฉันฟังดูดีกว่าจริงๆ

น้ำมันดินอิหร่านมีลำตัวกลวงสองชั้นทำจากไม้ชิ้นเดียวและมีเมมเบรนที่ทำจากหนังปลาบางๆ สายที่จับคู่กันหกสาย: เหล็กสองเส้น จากนั้นจึงผสมเหล็กกับทองแดงบาง และคู่ถัดไปจะถูกปรับไปที่อ็อกเทฟ - สายทองแดงหนาจะถูกปรับให้ต่ำกว่าเหล็กบางหนึ่งอ็อกเทฟ น้ำมันดินของอิหร่านมีวิตกกังวลที่ทำจากเส้นเลือด

ฟังเสียงน้ำมันดินของอิหร่านว่าเป็นอย่างไร
น้ำมันดินของอิหร่านเป็นบรรพบุรุษของเครื่องดนตรีหลายชนิด หนึ่งในนั้นคือ setar ของอินเดีย (se - three, tar - string) และฉันจะพูดถึงอีกสองอันด้านล่าง

ทาร์อาเซอร์ไบจันไม่มีหก แต่มีสิบเอ็ดสาย หกสายเหมือนกับน้ำมันดินของอิหร่าน มีเบสเพิ่มเติมอีกหนึ่งสายและสายสี่สายที่ไม่ได้เล่น แต่จะสะท้อนกลับเมื่อเล่น เพิ่มเสียงสะท้อนให้กับเสียงและทำให้เสียงคงอยู่นานขึ้น Tar และ kemancha อาจเป็นเครื่องดนตรีหลักสองอย่างของดนตรีอาเซอร์ไบจัน

ฟังสักสองสามนาที เริ่มเวลา 10.30 น. หรืออย่างน้อยเริ่มเวลา 13.50 น. คุณไม่เคยได้ยินสิ่งนี้มาก่อนและนึกไม่ถึงว่าการแสดงดังกล่าวจะเกิดขึ้นกับเครื่องดนตรีนี้ รับบทโดย รูฟัต น้องชายของอิหม่ามยาร์ คาซานอฟ

มีสมมติฐานว่าน้ำมันดินเป็นบรรพบุรุษของกีตาร์ยุโรปสมัยใหม่

เมื่อเร็วๆ นี้เมื่อฉันพูดถึงหม้อไฟฟ้า ฉันถูกตำหนิว่ากำลังเอาวิญญาณออกจากหม้อ อาจมีการพูดถึงสิ่งเดียวกันนี้กับคนที่เดาเมื่อ 90 ปีที่แล้วว่าจะใส่ปิ๊กอัพบนกีตาร์โปร่ง ราวสามสิบปีต่อมา กีตาร์ไฟฟ้าที่ดีที่สุดได้ถูกสร้างขึ้นและยังคงเป็นมาตรฐานมาจนถึงทุกวันนี้ อีกทศวรรษต่อมา The Beatles, Rolling Stones ก็ปรากฏตัวขึ้น และหลังจากนั้นพวกเขาก็ Pink Floyd
และความก้าวหน้าทั้งหมดนี้ไม่ได้ขัดขวางผู้ผลิตกีตาร์โปร่งและนักเล่นกีตาร์คลาสสิก

แต่เครื่องดนตรีไม่ได้แพร่กระจายจากตะวันออกไปตะวันตกเสมอไป ตัวอย่างเช่น หีบเพลงกลายเป็นเครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมอย่างมากในอาเซอร์ไบจานในศตวรรษที่ 19 เมื่อผู้ตั้งถิ่นฐานชาวเยอรมันกลุ่มแรกมาถึงที่นั่น

หีบเพลงของฉันสร้างโดยปรมาจารย์คนเดียวกับที่สร้างเครื่องดนตรีให้กับ Aftandil Israfilov ฟังว่าเครื่องดนตรีดังกล่าวมีเสียงอย่างไร

โลกแห่งเครื่องดนตรีตะวันออกนั้นกว้างใหญ่และหลากหลาย ฉันยังไม่ได้แสดงคอลเลกชันของฉันบางส่วนให้คุณดูด้วยซ้ำ และมันยังห่างไกลจากความสมบูรณ์ แต่ฉันต้องบอกคุณเกี่ยวกับเครื่องมืออีกสองอย่างอย่างแน่นอน
ท่อที่มีกระดิ่งอยู่ด้านบนเรียกว่าซูร์นา และเครื่องดนตรีข้างใต้เรียกว่า ดูดุก หรือ บาลาบัน

การเฉลิมฉลองและงานแต่งงานเริ่มต้นด้วยเสียงซูร์นาในเทือกเขาคอเคซัส ตุรกี และอิหร่าน

นี่คือลักษณะของเครื่องดนตรีที่คล้ายกันในอุซเบกิสถาน

ในอุซเบกิสถานและทาจิกิสถาน zurna เรียกว่า surnay ในเอเชียกลางและอิหร่าน เสียงของซูร์เนย์และแทมบูรีนจำเป็นต้องเสริมด้วยเสียงที่เอ้อระเหยของเครื่องดนตรีอื่น - คาร์เนย์ Karnai-surnai เป็นวลีที่มั่นคงซึ่งแสดงถึงจุดเริ่มต้นของวันหยุด

ที่น่าสนใจคือมีเครื่องดนตรีที่เกี่ยวข้องกับคาร์ไนอยู่ในคาร์พาเทียนและหลายคนคุ้นเคยกับชื่อของมัน - เทรมบิตา

และไปป์อันที่สองที่แสดงในรูปถ่ายของฉันเรียกว่าบาลาบันหรือดูดุก ในตุรกีและอิหร่าน เครื่องดนตรีนี้เรียกว่าไม

ฟังวิธีที่ Alikhan Samedov เล่นบาลาบัน

เราจะกลับไปที่บาลาบันในภายหลัง แต่ตอนนี้ฉันอยากจะพูดถึงสิ่งที่ฉันเห็นในปักกิ่ง
ตามที่คุณเข้าใจฉันจะรวบรวมเครื่องดนตรี และทันทีที่ฉันมีเวลาว่างระหว่างเดินทางไปปักกิ่ง ฉันก็ไปร้านเครื่องดนตรีทันที สิ่งที่ฉันซื้อให้ตัวเองในร้านนี้ฉันจะบอกคุณอีกครั้ง และตอนนี้เกี่ยวกับสิ่งที่ฉันไม่ได้ซื้อและสิ่งที่ฉันเสียใจมาก
บนตู้โชว์มีท่อพร้อมกระดิ่งซึ่งมีการออกแบบชวนให้นึกถึงซูร์นาอย่างแน่นอน
- มันเรียกว่าอะไร? - ฉันถามผ่านนักแปล
“โซน่า” ​​พวกเขาตอบฉัน
“ มันช่างคล้ายกับ "sorna - surnay - zurna" แค่ไหน - ฉันคิดออกมาดัง ๆ และผู้แปลยืนยันการเดาของฉัน:
- คนจีนไม่ออกเสียงตัวอักษร r กลางคำ

คุณสามารถเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับ zurna ที่หลากหลายของจีน
แต่คุณรู้ไหม ซูร์นาและบาลาบันเป็นของคู่กัน การออกแบบของพวกเขามีอะไรที่เหมือนกันหลายอย่าง - บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไม และคุณคิดอย่างไร? ถัดจากเครื่องดนตรีลูกมีเครื่องดนตรีอีกชิ้นหนึ่ง - กวนหรือกวนจี นี่คือสิ่งที่เขาดูเหมือน:

นี่คือสิ่งที่เขาดูเหมือน พวกเพื่อน ๆ สุภาพบุรุษนี่คือสิ่งที่ดูดุก!
เขาไปถึงที่นั่นเมื่อไหร่? ในศตวรรษที่แปด ดังนั้นเราจึงสรุปได้ว่ามาจากประเทศจีน - เวลาและภูมิศาสตร์ตรงกัน
จนถึงขณะนี้ เอกสารทั้งหมดก็คือเครื่องมือนี้แพร่กระจายไปทางตะวันออกจากซินเจียง พวกเขาเล่นเครื่องดนตรีนี้ในซินเจียงยุคใหม่ได้อย่างไร?

ชมและฟังตั้งแต่วินาทีที่ 18! เพียงแค่ฟังเสียงอันหรูหราของอุยกูร์บาลามาน - ใช่แล้วที่นี่เรียกว่าเหมือนกับในภาษาอาเซอร์ไบจันทุกประการ (มีการออกเสียงชื่อเช่นนี้ด้วย)

มาดูข้อมูลเพิ่มเติมจากแหล่งข้อมูลอิสระ เช่น ในสารานุกรมอิหร่าน:
บาลาบัน
ช. ไบรท์เลย
เครื่องดนตรีประเภทลม 2 กก ทรงกระบอก ยาวประมาณ 35 ซม. มีรูนิ้ว 7 รูและรูหัวแม่มือ 1 รู เล่นในอาเซอร์ไบจานตะวันออกในอิหร่านและในสาธารณรัฐอาเซอร์ไบจาน

หรืออิหร่านิกาเห็นใจอาเซอร์ไบจาน? TSB ยังบอกด้วยว่าคำว่า duduk มีต้นกำเนิดจากภาษาเตอร์ก
อาเซอร์ไบจานและอุซเบกติดสินบนผู้รวบรวมหรือไม่?
โอเคคุณจะไม่สงสัยอย่างแน่นอนว่าชาวบัลแกเรียเห็นอกเห็นใจกับพวกเติร์ก!
บนเว็บไซต์บัลแกเรียที่จริงจังมากสำหรับคำว่า duduk:
ดุดุก, ดุดุก; duduk, dyudyuk (จากภาษาตุรกี dudük), pishchalka, svorche, glasnik, เพิ่มเติม - เครื่องดนตรีดาร์เวนของผู้คนประเภทบน aerophonite, trubi กึ่งปิด
พวกเขาชี้ไปที่ต้นกำเนิดของคำภาษาตุรกีอีกครั้งและเรียกมันว่าเครื่องดนตรีพื้นบ้านของพวกเขา
ปรากฏว่าเครื่องมือนี้แพร่หลายในหมู่ชาวเตอร์กเป็นส่วนใหญ่หรือในกลุ่มคนที่ติดต่อกับพวกเติร์ก และทุกประเทศถือว่ามันเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้านและเป็นเครื่องดนตรีประจำชาติโดยชอบธรรม แต่มีเพียงคนเดียวเท่านั้นที่ให้เครดิตในการสร้างสรรค์มัน

ท้ายที่สุดมีเพียงคนขี้เกียจเท่านั้นที่ไม่เคยได้ยินว่า "ดูดุกเป็นเครื่องดนตรีอาร์เมเนียโบราณ" ในเวลาเดียวกันพวกเขาบอกเป็นนัยว่า duduk ถูกสร้างขึ้นเมื่อสามพันปีก่อน - นั่นคือในอดีตที่พิสูจน์ไม่ได้ แต่ข้อเท็จจริงและตรรกะเบื้องต้นแสดงให้เห็นว่าไม่เป็นเช่นนั้น

กลับไปที่จุดเริ่มต้นของบทความนี้และดูเครื่องดนตรีอีกครั้ง เครื่องดนตรีเหล่านี้เกือบทั้งหมดเล่นในอาร์เมเนียด้วย แต่เป็นที่ชัดเจนอย่างแน่นอนว่าเครื่องมือทั้งหมดเหล่านี้ปรากฏในหมู่ผู้คนจำนวนมากที่มีประวัติที่ชัดเจนและเข้าใจได้ซึ่งชาวอาร์เมเนียอาศัยอยู่ในหมู่นั้น ลองนึกภาพคนกลุ่มเล็กๆ ที่อาศัยอยู่กระจัดกระจายไปตามประเทศอื่นๆ ที่มีรัฐและอาณาจักรของตนเอง คนแบบนี้จะสร้างเครื่องดนตรีครบชุดสำหรับวงออเคสตราทั้งหมดหรือไม่?
ฉันต้องยอมรับ ฉันก็คิดด้วยว่า: "เอาล่ะ นั่นเป็นเครื่องดนตรีขนาดใหญ่และซับซ้อน ปล่อยมันไปเถอะ แต่ชาวอาร์เมเนียจะสร้างท่อขึ้นมาได้ไหม" แต่ปรากฎว่าไม่ พวกเขาไม่ได้คิดเรื่องนี้ขึ้นมา หากพวกเขาคิดขึ้นมา ท่อนี้ก็จะมีชื่ออาร์เมเนียล้วนๆ ไม่ใช่ tsiranopokh เชิงกวีและเชิงเปรียบเทียบ (วิญญาณของต้นแอปริคอท) แต่เป็นชื่อที่เรียบง่ายกว่า ได้รับความนิยมมากกว่า มีรากเดียว หรือแม้แต่สร้างคำเลียนเสียงธรรมชาติ ในขณะเดียวกัน แหล่งที่มาทั้งหมดชี้ไปที่นิรุกติศาสตร์เตอร์กของชื่อเครื่องดนตรีนี้ และภูมิศาสตร์และวันที่จำหน่ายแสดงให้เห็นว่า duduk เริ่มแพร่กระจายจากเอเชียกลาง
เอาล่ะเรามาตั้งสมมติฐานอีกครั้งแล้วบอกว่า duduk มาที่ซินเจียงจากอาร์เมเนียโบราณ แต่อย่างไร? ใครพามันไปที่นั่น? ชนชาติใดที่ย้ายจากคอเคซัสไปยังเอเชียกลางในช่วงเปลี่ยนสหัสวรรษแรก? ไม่มีชาติเช่นนี้! แต่พวกเติร์กก็เคลื่อนตัวจากเอเชียกลางไปทางตะวันตกอย่างต่อเนื่อง พวกเขาสามารถแพร่กระจายเครื่องมือนี้ในคอเคซัสและในดินแดนของตุรกีสมัยใหม่และแม้แต่ในบัลแกเรียตามที่เอกสารระบุ

ฉันมองเห็นข้อโต้แย้งอีกประการหนึ่งจากผู้พิทักษ์เกี่ยวกับต้นกำเนิดของ duduk ในเวอร์ชันอาร์เมเนีย ว่ากันว่าดูดุกที่แท้จริงนั้นทำมาจากไม้แอปริคอทเท่านั้น ซึ่งในภาษาละตินเรียกว่า Prúnus armeniáca แต่ประการแรกแอปริคอตนั้นพบได้ทั่วไปในเอเชียกลางไม่น้อยไปกว่าในคอเคซัส ชื่อภาษาละตินไม่ได้ระบุว่าต้นไม้ต้นนี้แพร่กระจายไปทั่วโลกจากอาณาเขตของพื้นที่ที่มีชื่อทางภูมิศาสตร์อาร์เมเนีย เพียงแต่ว่ามันเจาะเข้าไปในยุโรปจากที่นั่นและนักพฤกษศาสตร์บรรยายไว้เมื่อประมาณสามร้อยปีที่แล้ว ในทางตรงกันข้าม มีรุ่นที่แอปริคอทแพร่กระจายจาก Tien Shan ซึ่งส่วนหนึ่งอยู่ในประเทศจีนและส่วนหนึ่งอยู่ในเอเชียกลาง ประการที่สองประสบการณ์ของผู้มีความสามารถแสดงให้เห็นว่าเครื่องดนตรีนี้สามารถทำจากไม้ไผ่ได้ และบาลาบันที่ฉันชอบนั้นทำมาจากมัลเบอร์รี่และฟังดูดีกว่าแอปริคอทซึ่งฉันมีและผลิตในอาร์เมเนียด้วย

ฟังว่าฉันเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีนี้ได้อย่างไรในสองสามปี ศิลปินประชาชนชาวเติร์กเมนิสถาน Hasan Mamedov (ไวโอลิน) และศิลปินประชาชนชาวยูเครน Enver Izmailov (กีตาร์) เพื่อนชาว Fergana ของฉันมีส่วนร่วมในการบันทึกเสียง

จากทั้งหมดนี้ ฉันอยากจะแสดงความเคารพต่อ Jivan Gasparyan ผู้เล่นดูดุกชาวอาร์เมเนียผู้ยิ่งใหญ่ ชายผู้นี้เองที่ทำให้ดูดุกเป็นเครื่องดนตรีที่มีชื่อเสียงระดับโลก ต้องขอบคุณผลงานของเขา ทำให้โรงเรียนเล่นดูดุกเกิดขึ้นในอาร์เมเนีย
แต่เป็นเรื่องถูกต้องตามกฎหมายที่จะพูดว่า "Armenian duduk" เฉพาะเครื่องดนตรีเฉพาะหากผลิตในอาร์เมเนียหรือเกี่ยวกับประเภทของดนตรีที่เกิดจาก J. Gasparyan เฉพาะคนเหล่านั้นที่ยอมให้ตัวเองแสดงถ้อยคำที่ไม่มีหลักฐานเท่านั้นที่สามารถชี้ไปที่ต้นกำเนิดของ duduk ในอาร์เมเนีย

โปรดทราบว่าตัวฉันเองไม่ได้ระบุสถานที่ที่แน่นอนหรือเวลาที่แน่นอนของการปรากฏของดูดุก อาจเป็นไปไม่ได้ที่จะสร้างสิ่งนี้ขึ้นมา และต้นแบบของดูดักนั้นมีอายุมากกว่าชนชาติใด ๆ ที่ยังมีชีวิตอยู่ แต่ฉันกำลังสร้างสมมติฐานเกี่ยวกับการแพร่กระจายของดูดุก โดยอาศัยข้อเท็จจริงและตรรกะเบื้องต้น หากมีใครต้องการคัดค้านฉัน ฉันอยากจะถามล่วงหน้า: โปรดสร้างสมมติฐานในลักษณะเดียวกันกับข้อเท็จจริงที่พิสูจน์ได้และตรวจสอบได้จากแหล่งข้อมูลอิสระ อย่าอายที่จะใช้ตรรกะและพยายามค้นหาคำอธิบายที่เข้าใจได้อื่น สำหรับข้อเท็จจริงที่ระบุไว้

สี จิ้นผิง ประธานสาธารณรัฐประชาชนจีน กล่าวในการประชุมสัมมนาเนื่องในโอกาสครบรอบ 69 ปีแห่งชัยชนะเหนือผู้รุกรานของญี่ปุ่นในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 โดยเรียกร้องให้ญี่ปุ่นใช้แนวทางที่มีความรับผิดชอบมากขึ้นในการประเมิน...

เพิ่ม: 04 มี.ค. 2014

ดนตรีและเครื่องดนตรีประจำชาติของญี่ปุ่น

ดินแดนแห่งอาทิตย์อุทัย ญี่ปุ่นมีวัฒนธรรมที่โดดเด่นและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว มรดกของประเทศอันยิ่งใหญ่มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับดนตรี ดนตรีประจำชาติญี่ปุ่นเป็นปรากฏการณ์ดั้งเดิมเดียวกันซึ่งเกิดจากการแยกตัวออกจากประเทศ

คนญี่ปุ่นปฏิบัติต่ออนุสรณ์สถานทางวัฒนธรรมของบ้านเกิดของตนด้วยความเอาใจใส่และเคารพเสมอ ดนตรีทุกชนิดเป็นไปไม่ได้หากไม่มีเครื่องดนตรี วัฒนธรรมดนตรีญี่ปุ่นมีแนวเพลงที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง ซึ่งจะอธิบายความหลากหลายของเครื่องดนตรีที่ใช้ในการสร้างผลงานทางดนตรีชิ้นเอก

เครื่องดนตรีอันโด่งดัง

เครื่องดนตรีญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดชนิดหนึ่งคือ ซามิเซ็นซึ่งคล้ายคลึงกับพิณ อยู่ในประเภทของเครื่องดนตรีดีดสามสาย เขามาจาก ซานซินาซึ่งก็มาจาก ซานเซียนซึ่งมีบ้านเกิดคือจีน

ดนตรีและการเต้นรำของญี่ปุ่นไม่สามารถทำได้หากไม่มีซามิเซ็น ซึ่งยังคงได้รับความเคารพนับถือในหมู่เกาะญี่ปุ่นและมักใช้ในโรงละครของญี่ปุ่น บุนราคุและคาบูกิ- สิ่งสำคัญคือต้องรวมการเล่นซามิเซ็นไว้ในโปรแกรมการฝึกเกอิชา - ไมโกะด้วย

ดนตรีประจำชาติของญี่ปุ่นมีความเชื่อมโยงกับฟลุตอย่างแยกไม่ออก เครื่องดนตรี เชื้อเพลิงอยู่ในตระกูลฟลุตที่ขึ้นชื่อเรื่องเสียงแหลมสูง พวกเขาทำจากไม้ไผ่ ขลุ่ยนี้มาจากไปป์จีน - “ ปายเซียว«.

ขลุ่ยที่มีชื่อเสียงที่สุดจากตระกูลฟูคือ ชาคุฮาจิ, ซึ่งใช้เป็นเครื่องดนตรีของพระนิกายเซน ตามตำนาน ชาคุฮาจิถูกประดิษฐ์ขึ้นโดยชาวนาธรรมดา ขณะขนต้นไผ่ ได้ยินเสียงเพลงอันไพเราะจากต้นไผ่เมื่อลมพัดเข้ามา

ขลุ่ยฟูเอะก็เหมือนกับซามิเซ็น มักใช้เพื่อบรรเลงในโรงละครบันราคุและคาบูกิ และวงดนตรีประเภทต่างๆ บางส่วนของ fouet สามารถปรับให้เป็นสไตล์ตะวันตกและกลายเป็นศิลปินเดี่ยวได้ ที่น่าสนใจคือก่อนหน้านี้การเล่น fue มีลักษณะเฉพาะของพระภิกษุที่เร่ร่อนชาวญี่ปุ่นเท่านั้น

ซุยคินคุตสึ

เครื่องดนตรีอีกชิ้นที่แสดงถึงวัฒนธรรมญี่ปุ่นก็คือ ซุยคินคุตสึ- มีลักษณะเป็นเหยือกคว่ำมีน้ำไหลจากด้านบน เมื่อเข้าไปในรูบางรู จะทำให้เครื่องดนตรีมีเสียงที่คล้ายกับเสียงระฆังมาก เครื่องดนตรีนี้เล่นก่อนพิธีชงชา และยังใช้เป็นคุณลักษณะของสวนญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมอีกด้วย

อย่างไรก็ตามเพื่อความสะดวกสามารถจัดพิธีชงชาในสวนได้ เสียงเครื่องดนตรีทำให้บุคคลรู้สึกผ่อนคลายอย่างอธิบายไม่ถูกและสร้างอารมณ์ครุ่นคิด สถานะนี้เหมาะมากสำหรับการดื่มด่ำกับเซน เนื่องจากการพักผ่อนในสวนระหว่างพิธีชงชาเป็นส่วนหนึ่งของประเพณีเซน

เครื่องมือนี้เข้าใจได้ง่ายขึ้นสำหรับการรับรู้ของเรา ไทโกะ,ซึ่งแปลเป็นภาษารัสเซียแปลว่า "กลอง" ไทโกะมีชื่อเสียงในด้านกิจการทหาร เช่นเดียวกับประเทศอื่นๆ ดังที่พวกเขากล่าวไว้ในพงศาวดารของ Gunji Yeshu การโจมตีเก้าครั้งเก้าครั้งหมายถึงการเรียกร้องให้ต่อสู้ และในทางกลับกันเก้าครั้งสามครั้งหมายความว่าศัตรูจะต้องถูกไล่ตาม

จะต้องคำนึงว่าในระหว่างการแสดงของมือกลองนั้นความสนใจจะถูกจ่ายให้กับสุนทรียศาสตร์ของการแสดงที่เขานำเสนอเนื่องจากไม่เพียง แต่ทำนองและจังหวะของการแสดงเท่านั้นที่มีความสำคัญ แต่ยังรวมถึงรูปลักษณ์ของเครื่องดนตรีที่ใช้เล่นทำนองด้วย .

ประเภทของเพลงญี่ปุ่น

ดนตรีพื้นบ้านของญี่ปุ่นมีการพัฒนาไปไกลมาก ต้นกำเนิดของมันคือเพลงวิเศษ ต่อมาลัทธิขงจื๊อและพุทธศาสนามีอิทธิพลต่อการพัฒนาและการก่อตัวของแนวดนตรี ดังนั้นดนตรีญี่ปุ่นมีความเกี่ยวข้องกับพิธีกรรม วันหยุดตามประเพณี การแสดงละคร และกิจกรรมอื่นๆ ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ดนตรีชาติพันธุ์ของญี่ปุ่นซึ่งในโลกสมัยใหม่สามารถฟังออนไลน์ได้ทุกที่ทุกเวลา ได้กลายเป็นส่วนสำคัญของมรดกทางวัฒนธรรมของประเทศ

ดนตรีประจำชาติญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมมากที่สุดมีสองประเภทหลักๆ

• อันแรกก็คือ ซยมโยซึ่งแสดงถึงบทสวดมนต์ของชาวพุทธ
• ที่สอง - กากาคุซึ่งเป็นดนตรีในสนามออเคสตรา

แต่ก็มีแนวเพลงที่ไม่มีรากฐานมาจากสมัยโบราณด้วย พวกเขาเป็นของ ยาสุกิ บุชิ และ เอ็นกะ.

แนวเพลงพื้นบ้านของญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ ยาสุกิ บุชิซึ่งตั้งชื่อตามเมืองยาสุกิ ธีมของประเภทนี้เกี่ยวข้องกับประวัติศาสตร์สมัยโบราณและนิทานในตำนานและบทกวี แต่ Yasugi Bushi ไม่ใช่แค่เพลงเท่านั้น แต่ยังเป็นการเต้นอีกด้วย สุคุอิ โดโจตลอดจนศิลปะการเล่นกลตามเสียงเพลง เซนิ ไดโกะซึ่งใช้ก้านไม้ไผ่ที่เต็มไปด้วยเหรียญเป็นเครื่องดนตรี

เอนก้าเป็นประเภทที่เกิดขึ้นค่อนข้างเร็ว ๆ นี้ในช่วงหลังสงคราม ในนั้นลวดลายพื้นบ้านของญี่ปุ่นผสมผสานกับดนตรีแจ๊สและบลูส์ ดังนั้นดนตรีญี่ปุ่นจึงมีลักษณะเฉพาะประจำชาติของตนเองจึงแตกต่างจากแนวดนตรีอื่นๆ ในประเทศอื่นๆ จึงมีเครื่องดนตรีที่เรียกว่าบ่อร้องเพลง ซึ่งคุณจะไม่พบเห็นที่ไหนในโลกนี้ ยกเว้นบางทีในทิเบต

ดนตรีญี่ปุ่นมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยจังหวะและจังหวะที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลา มักไม่มีขนาด ดนตรีญี่ปุ่นมีความใกล้เคียงกับเสียงของธรรมชาติซึ่งทำให้มีความลึกลับและแปลกตามากยิ่งขึ้น

วิดีโอ: เพลงญี่ปุ่นออนไลน์