ซิมโฟนีคืออะไร? ซิมโฟนี
คำ "ซิมโฟนี"แปลจากภาษากรีกว่า "ความสอดคล้อง" อันที่จริง เสียงของเครื่องดนตรีหลายชนิดในวงออเคสตราสามารถเรียกได้ว่าเป็นดนตรีก็ต่อเมื่อเครื่องดนตรีเหล่านั้นเข้ากันเท่านั้น และแต่ละเครื่องดนตรีไม่ได้สร้างเสียงขึ้นมาเอง
ในสมัยกรีกโบราณ นี่เป็นชื่อของการผสมผสานเสียงที่ไพเราะและร้องเพลงพร้อมเพรียงกัน ในโรมโบราณ วงดนตรีหรือวงออเคสตราเริ่มถูกเรียกเช่นนี้ ในยุคกลาง ดนตรีฆราวาสโดยทั่วไปและเครื่องดนตรีบางชนิดเรียกว่าซิมโฟนี
คำนี้มีความหมายอื่น ๆ แต่ล้วนมีความหมายถึงความเชื่อมโยง การมีส่วนร่วม การรวมกันที่กลมกลืน ตัวอย่างเช่น ซิมโฟนีเรียกอีกอย่างว่าหลักการของความสัมพันธ์ระหว่างคริสตจักรกับอำนาจทางโลกที่ก่อตัวในจักรวรรดิไบแซนไทน์
แต่วันนี้เราจะพูดถึงเฉพาะดนตรีซิมโฟนีเท่านั้น
ความหลากหลายของซิมโฟนี
ซิมโฟนีคลาสสิค- นี่คือผลงานดนตรีในรูปแบบโซนาต้าไซคลิก มีไว้สำหรับการแสดงโดยวงซิมโฟนีออร์เคสตรา
ซิมโฟนี (นอกเหนือจากวงซิมโฟนีออร์เคสตรา) อาจรวมถึงนักร้องประสานเสียงและเสียงร้องด้วย มีซิมโฟนี-สวีท, ซิมโฟนี-แรปโซดี, ซิมโฟนี-แฟนตาซี, ซิมโฟนี-บัลลาด, ซิมโฟนี-ตำนาน, ซิมโฟนี-บทกวี, ซิมโฟนี-บังสุกุล, ซิมโฟนี-บัลเลต์, ซิมโฟนี-ละคร และซิมโฟนีละคร เป็นประเภทของโอเปร่า.
ซิมโฟนีคลาสสิกมักมี 4 การเคลื่อนไหว:
ส่วนแรก - เข้า ก้าวอย่างรวดเร็ว(อัลเลโกร ) ในรูปแบบโซนาต้า
ส่วนที่สอง - ใน อย่างช้าๆมักจะอยู่ในรูปแบบของการเปลี่ยนแปลง rondo, rondo sonata, การเคลื่อนไหวสามที่ซับซ้อน, มักจะอยู่ในรูปแบบของโซนาต้า;
ส่วนที่สาม - เชอร์โซหรือมินูเอต- ในรูปแบบสามส่วน da capo พร้อมทั้งสาม (นั่นคือตามโครงการ A-trio-A)
ส่วนที่สี่ - ใน ก้าวอย่างรวดเร็วในรูปแบบโซนาตา ในรูปแบบรอนโดหรือรอนโดโซนาตา
แต่มีซิมโฟนีที่มีท่อนน้อยกว่า (หรือมากกว่า) นอกจากนี้ยังมีซิมโฟนีการเคลื่อนไหวเดียว
โปรแกรมซิมโฟนีเป็นเพลงซิมโฟนีที่มีเนื้อหาเฉพาะซึ่งกำหนดไว้ในรายการหรือแสดงในชื่อเรื่อง หากซิมโฟนีมีชื่อ ชื่อนี้ก็คือรายการขั้นต่ำ เช่น "Symphony Fantastique" โดย G. Berlioz
จากประวัติความเป็นมาของซิมโฟนี
ถือเป็นผู้สร้างซิมโฟนีและออร์เคสตรารูปแบบคลาสสิก ไฮเดน.
และต้นแบบของซิมโฟนีคือภาษาอิตาลี ทาบทาม(ผลงานดนตรีออเคสตราที่แสดงก่อนเริ่มการแสดง: โอเปร่า, บัลเล่ต์) ซึ่งพัฒนาขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 มีส่วนสำคัญในการพัฒนาซิมโฟนีโดย โมสาร์ทและ เบโธเฟน- นักแต่งเพลงทั้งสามคนนี้เรียกว่า "เวียนนาคลาสสิก" คลาสสิกของเวียนนาสร้างดนตรีบรรเลงระดับสูงซึ่งมีเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างมากมายรวมอยู่ในรูปแบบศิลปะที่สมบูรณ์แบบ กระบวนการก่อตั้งวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตรา - องค์ประกอบถาวรและกลุ่มออเคสตรา - ก็เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้เช่นกัน
วีเอ โมสาร์ท
โมสาร์ทเขียนในทุกรูปแบบและแนวเพลงที่มีอยู่ในยุคของเขาเขาให้ความสำคัญกับโอเปร่าเป็นพิเศษ แต่ยังให้ความสนใจกับดนตรีไพเราะเป็นอย่างมาก เนื่องจากความจริงที่ว่าตลอดชีวิตของเขาเขาทำงานควบคู่ไปกับโอเปร่าและซิมโฟนีดนตรีบรรเลงของเขาจึงโดดเด่นด้วยความไพเราะของเพลงโอเปร่าและความขัดแย้งที่น่าทึ่ง โมสาร์ทสร้างซิมโฟนีมากกว่า 50 บท ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือสามซิมโฟนีสุดท้าย - หมายเลข 39, หมายเลข 40 และหมายเลข 41 ("ดาวพฤหัสบดี")
K. Schlosser "เบโธเฟนในที่ทำงาน"
เบโธเฟนได้สร้างซิมโฟนี 9 ซิมโฟนี แต่ในแง่ของการพัฒนารูปแบบซิมโฟนิกและการเรียบเรียงดนตรี เขาเรียกได้ว่าเป็นนักแต่งเพลงซิมโฟนีที่ใหญ่ที่สุดในยุคคลาสสิก ใน Ninth Symphony ซึ่งเป็นการแสดงที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา ทุกส่วนถูกหลอมรวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยธีมที่ตัดกัน ในซิมโฟนีนี้ เบโธเฟนได้แนะนำท่อนร้อง หลังจากนั้นผู้แต่งคนอื่นๆ ก็เริ่มทำเช่นนั้น ในรูปแบบของซิมโฟนีเขาพูดคำใหม่ อาร์. ชูมันน์.
แต่แล้วในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 รูปแบบของซิมโฟนีที่เข้มงวดเริ่มเปลี่ยนไป ระบบสี่ส่วนกลายเป็นทางเลือก: มันปรากฏขึ้น ส่วนหนึ่งซิมโฟนี (Myaskovsky, Boris Tchaikovsky) ซิมโฟนีจาก 11 ส่วน(Shostakovich) และแม้กระทั่งจาก 24 ส่วน(โฮวาเนส). ตอนจบแบบคลาสสิกในจังหวะเร็วถูกแทนที่ด้วยตอนจบแบบช้า (ซิมโฟนีที่หกของ P.I. Tchaikovsky, ซิมโฟนีที่สามและเก้าของมาห์เลอร์)
ผู้เขียนซิมโฟนีคือ F. Schubert, F. Mendelssohn, J. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jean Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Tchaikovsky, A. Borodin, N . ริมสกี- Korsakov, N. Myaskovsky, A. Scriabin, S. Prokofiev, D. Shostakovich และคนอื่น ๆ
ดังที่เราได้กล่าวไปแล้วว่าองค์ประกอบของมันก่อตัวขึ้นในยุคของคลาสสิกเวียนนา
พื้นฐานของวงซิมโฟนีออร์เคสตราคือเครื่องดนตรีสี่กลุ่ม: สายโค้งคำนับ(ไวโอลิน วิโอลา เชลโล ดับเบิลเบส) เครื่องเป่าลมไม้(ฟลุต, โอโบ, คลาริเน็ต, บาสซูน, แซกโซโฟนที่มีหลากหลาย - เครื่องบันทึกโบราณ, ผ้าคลุมไหล่, ชาลูโม ฯลฯ รวมถึงเครื่องดนตรีพื้นบ้านอีกจำนวนหนึ่ง - บาลาบัน, ดูดุค, ซาเลกา, ฟลุต, ซูร์นา) ทองเหลือง(แตร, ทรัมเป็ต, คอร์เน็ต, ฟลูเกลฮอร์น, ทรอมโบน, ทูบา) กลอง(ทิมปานี ระนาด ไวบราโฟน ระฆัง กลอง สามเหลี่ยม ฉิ่ง แทมบูรีน คาสทาเนต ทอม-ทอม และอื่นๆ)
บางครั้งมีเครื่องดนตรีอื่นๆ รวมอยู่ในวงออเคสตราด้วย: พิณ, เปียโน, อวัยวะ(เครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด-ลม เครื่องดนตรีประเภทที่ใหญ่ที่สุด) เซเลสต้า(เครื่องดนตรีประเภทเคาะคีย์บอร์ดขนาดเล็กที่ดูเหมือนเปียโนและเสียงเหมือนระฆัง) ฮาร์ปซิคอร์ด.
ฮาร์ปซิคอร์ด
ใหญ่วงซิมโฟนีออร์เคสตราสามารถมีนักดนตรีได้มากถึง 110 คน , เล็ก- ไม่เกิน 50.
ผู้ควบคุมวงจะเป็นผู้ตัดสินใจว่าจะนั่งที่นั่งในวงออเคสตราอย่างไร การจัดนักแสดงในวงซิมโฟนีออร์เคสตราสมัยใหม่มีจุดมุ่งหมายเพื่อให้บรรลุถึงความดังที่สอดคล้องกัน ในอีก 50-70 ปี ศตวรรษที่ XX แพร่หลายมากขึ้น "ที่นั่งแบบอเมริกัน":วางไวโอลินตัวแรกและตัวที่สองไว้ทางด้านซ้ายของผู้ควบคุมวง ทางด้านขวาคือวิโอลาและเชลโล ในส่วนลึกมีเครื่องเป่าลมไม้และลมทองเหลือง, ดับเบิ้ลเบส; ด้านซ้ายเป็นกลอง
การจัดที่นั่งของนักดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตรา
ในบรรดาแนวดนตรีและรูปแบบดนตรีมากมาย หนึ่งในสถานที่ที่มีเกียรติมากที่สุดคือซิมโฟนี จากการที่กลายเป็นแนวบันเทิงตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 จนถึงปัจจุบัน สะท้อนถึงยุคสมัยของมันได้อย่างละเอียดอ่อนและครบถ้วนที่สุด ไม่เหมือนศิลปะดนตรีประเภทอื่นใด ซิมโฟนีของ Beethoven และ Berlioz, Schubert และ Brahms, Mahler และ Tchaikovsky, Prokofiev และ Shostakovich เป็นการสะท้อนในวงกว้างเกี่ยวกับยุคสมัยและบุคลิกภาพ ประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติและวิถีชีวิตของโลก
วัฏจักรซิมโฟนิกดังที่เราทราบจากตัวอย่างคลาสสิกและสมัยใหม่มากมาย ก่อตัวขึ้นเมื่อประมาณสองร้อยห้าสิบปีก่อน อย่างไรก็ตาม ในช่วงเวลาสั้นๆ ในอดีต แนวซิมโฟนีได้พัฒนาไปไกลมาก ความยาวและความสำคัญของเส้นทางนี้ถูกกำหนดอย่างแม่นยำจากข้อเท็จจริงที่ว่าซิมโฟนีดูดซับปัญหาทั้งหมดในยุคนั้น สามารถสะท้อนยุคสมัยที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันซึ่งเต็มไปด้วยการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ และรวบรวมความรู้สึก ความทุกข์ทรมาน และการดิ้นรนของผู้คน ก็เพียงพอแล้วที่จะจินตนาการถึงชีวิตของสังคมในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 - และจดจำซิมโฟนีของ Haydn; การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 - และซิมโฟนีของเบโธเฟนที่สะท้อนถึงสิ่งเหล่านี้ ปฏิกิริยาในสังคม ความผิดหวัง และซิมโฟนีโรแมนติก ในที่สุดความน่าสะพรึงกลัวทั้งหมดที่มนุษยชาติต้องอดทนในศตวรรษที่ 20 - และเปรียบเทียบซิมโฟนีของเบโธเฟนกับซิมโฟนีของโชสตาโควิชเพื่อที่จะเห็นเส้นทางอันยิ่งใหญ่และบางครั้งก็น่าเศร้านี้อย่างชัดเจน ทุกวันนี้ มีเพียงไม่กี่คนที่จำได้ว่าจุดเริ่มต้นเป็นอย่างไร ต้นกำเนิดของแนวดนตรีล้วนๆ ที่ซับซ้อนที่สุดที่ไม่เกี่ยวข้องกับศิลปะอื่นๆ คืออะไร
เรามาดูละครเพลงยุโรปในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 กันดีกว่า
ในอิตาลี ประเทศแห่งศิลปะคลาสสิก ผู้นำเทรนด์ของทุกประเทศในยุโรป โอเปร่าครองราชย์สูงสุด สิ่งที่เรียกว่าโอเปร่าซีรีส์ (“จริงจัง”) มีอิทธิพลเหนือ ไม่มีภาพที่สดใสในนั้น ไม่มีฉากแอ็กชันดราม่าที่แท้จริง Opera seria เป็นการสลับสภาวะทางจิตที่แตกต่างกันซึ่งรวมอยู่ในตัวละครทั่วไป ส่วนที่สำคัญที่สุดคือเพลงที่สื่อถึงสถานะเหล่านี้ มีอาเรียแห่งความโกรธและการแก้แค้น อาเรียแห่งการบ่น (ลาเมนโต) อาเรียอันช้าที่โศกเศร้า และอาเรียที่สนุกสนาน อาเรียเหล่านี้มีลักษณะทั่วไปมากจนสามารถถ่ายโอนจากโอเปร่าหนึ่งไปยังอีกโอเปร่าหนึ่งได้โดยไม่เกิดความเสียหายต่อการแสดง ในความเป็นจริง ผู้แต่งมักทำเช่นนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพวกเขาต้องเขียนโอเปร่าหลายเรื่องต่อฤดูกาล
องค์ประกอบของโอเปร่าซีรีส์คือทำนอง ศิลปะอันโด่งดังของอิตาลี bel canto ได้รับการถ่ายทอดออกมาอย่างสูงสุดที่นี่ ในอาเรียสผู้แต่งถึงจุดสูงสุดที่แท้จริงของศูนย์รวมของรัฐหนึ่งหรืออีกรัฐหนึ่ง ความรักและความเกลียดชัง ความสุขและความสิ้นหวัง ความโกรธและความโศกเศร้าถูกถ่ายทอดผ่านดนตรีได้อย่างสดใสและน่าเชื่อจนคุณไม่จำเป็นต้องฟังเนื้อเพลงเพื่อทำความเข้าใจว่านักร้องร้องเพลงเกี่ยวกับอะไร โดยพื้นฐานแล้ว สิ่งนี้ได้เตรียมพื้นฐานสำหรับดนตรีไร้ข้อความที่ออกแบบมาเพื่อรวบรวมความรู้สึกและความหลงใหลของมนุษย์ในที่สุด
จากการแสดงสลับฉาก - ฉากที่แทรกระหว่างการแสดงของโอเปร่าซีรีส์และไม่เกี่ยวข้องกับเนื้อหา - น้องสาวผู้ร่าเริงผู้ชื่นชอบโอเปร่าการ์ตูนเกิดขึ้น เนื้อหาที่เป็นประชาธิปไตย (ตัวละครไม่ใช่วีรบุรุษในตำนาน กษัตริย์และอัศวิน แต่เป็นคนธรรมดาจากประชาชน) เขาจงใจต่อต้านตัวเองกับศิลปะในศาล Opera Buffa มีความโดดเด่นด้วยความเป็นธรรมชาติ ความมีชีวิตชีวาของการแสดง และความเป็นธรรมชาติของภาษาดนตรี ซึ่งมักเกี่ยวข้องโดยตรงกับนิทานพื้นบ้าน มีรูปแบบเสียงร้อง สีสันล้อเลียนการ์ตูน และเพลงเต้นรำที่มีชีวิตชีวาและเบา ตอนจบของการแสดงคลี่ออกเป็นวงดนตรีซึ่งบางครั้งตัวละครก็ร้องเพลงทั้งหมดในคราวเดียว บางครั้งตอนจบดังกล่าวถูกเรียกว่า "ยุ่งเหยิง" หรือ "สับสน" เพราะการกระทำพุ่งเข้าหาพวกเขาอย่างรวดเร็วและการวางอุบายกลายเป็นความสับสน
ดนตรีบรรเลงได้รับการพัฒนาในอิตาลี และเหนือสิ่งอื่นใด แนวเพลงที่เกี่ยวข้องกับโอเปร่ามากที่สุดก็คือการทาบทาม เนื่องจากเป็นการแนะนำวงดนตรีออเคสตราสำหรับการแสดงโอเปร่า โดยยืมมาจากโอเปร่าที่สดใส ธีมดนตรีที่แสดงออกถึงอารมณ์ คล้ายกับท่วงทำนองของอาเรีย
การทาบทามของอิตาลีในยุคนั้นประกอบด้วยสามส่วน - เร็ว (Allegro), ช้า (Adagio หรือ Andante) และเร็วอีกครั้งซึ่งส่วนใหญ่มักจะเป็นเพลงท่วงทำนองทั้งหมด พวกเขาเรียกมันว่าซินโฟเนีย - แปลจากภาษากรีก - ความสอดคล้อง เมื่อเวลาผ่านไป การทาบทามเริ่มดำเนินการไม่เพียงแต่ในโรงละครก่อนที่ม่านจะเปิดเท่านั้น แต่ยังแยกจากกันในฐานะงานออเคสตราอิสระ
ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 กาแล็กซีนักไวโอลินอัจฉริยะที่เก่งกาจปรากฏตัวในอิตาลีซึ่งเป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์เช่นกัน วิวัลดี, โยเมลลี, โลกาเตลลี, ทาร์ตินี, คอเรลลี และคนอื่นๆ ซึ่งเชี่ยวชาญด้านไวโอลิน - เครื่องดนตรีที่แสดงออกได้กับเสียงมนุษย์ - ได้สร้างละครไวโอลินที่กว้างขวาง โดยส่วนใหญ่มาจากชิ้นที่เรียกว่าโซนาตาส (จากโซนาเร่ของอิตาลี - เสียง ). ในพวกเขาเช่นเดียวกับโซนาตาคีย์บอร์ดของ Domenico Scarlatti, Benedetto Marcello และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ คุณสมบัติโครงสร้างทั่วไปบางอย่างได้รับการพัฒนาซึ่งต่อมากลายเป็นซิมโฟนี
ชีวิตทางดนตรีของฝรั่งเศสมีรูปแบบแตกต่างออกไป พวกเขามีเพลงรักที่เกี่ยวข้องกับคำพูดและการกระทำมายาวนาน ศิลปะบัลเล่ต์ได้รับการพัฒนาอย่างสูง มีการปลูกฝังโอเปร่าประเภทพิเศษ - โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ซึ่งคล้ายกับโศกนาฏกรรมของ Corneille และ Racine ซึ่งมีรอยประทับของชีวิตที่เฉพาะเจาะจงของราชสำนักมารยาทและการเฉลิมฉลอง
นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสยังสนใจโครงเรื่อง โปรแกรม และคำจำกัดความของดนตรีเมื่อสร้างสรรค์ผลงานดนตรี "Flying Cap", "Reapers", "Tambourine" - นี่คือชื่อของชิ้นฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งเป็นภาพร่างประเภทหรือภาพบุคคลทางดนตรี - "สง่างาม", "อ่อนโยน", "ทำงานหนัก", "เจ้าชู้"
ผลงานขนาดใหญ่ซึ่งประกอบด้วยหลายส่วนมีต้นกำเนิดมาจากการเต้นรำ อัลเลมองด์ของชาวเยอรมันผู้เคร่งครัด โมบาย เช่น เสียงระฆังฝรั่งเศสแบบเลื่อน ซาราบานเดของสเปนอันโอ่อ่า และจิ๊กที่รวดเร็ว ซึ่งเป็นการเต้นรำที่เร่าร้อนของกะลาสีเรือชาวอังกฤษ เป็นที่รู้จักมายาวนานในยุโรป เป็นพื้นฐานของประเภทเครื่องดนตรี (จากชุดภาษาฝรั่งเศส - ซีเควนซ์) บ่อยครั้งที่มีการเต้นรำอื่น ๆ รวมอยู่ในห้องชุด: minuet, gavotte, Polonaise ก่อนการแสดงอัลเลมองด์ เสียงโหมโรงเบื้องต้นอาจดังขึ้นกลางห้อง ท่าเต้นที่วัดได้บางครั้งถูกขัดจังหวะด้วยเพลงอิสระ แต่แก่นแท้ของชุด - การเต้นรำสี่แบบที่แตกต่างกันของคนต่าง ๆ - ปรากฏอยู่ในลำดับที่ไม่เปลี่ยนแปลงอย่างแน่นอนโดยสรุปอารมณ์ที่แตกต่างกันสี่อารมณ์ นำผู้ฟังจากการเคลื่อนไหวที่สงบในช่วงเริ่มต้นไปสู่ตอนจบที่น่าตื่นเต้นและรวดเร็ว
นักแต่งเพลงหลายคนเขียนห้องสวีทและไม่ใช่แค่ในฝรั่งเศสเท่านั้น โยฮันน์เซบาสเตียนบาคผู้ยิ่งใหญ่ยังจ่ายส่วยให้พวกเขาด้วยชื่อของเขารวมถึงวัฒนธรรมดนตรีเยอรมันในยุคนั้นโดยทั่วไปมีแนวดนตรีหลายประเภทที่เกี่ยวข้องกัน
ในประเทศที่ใช้ภาษาเยอรมัน ได้แก่ อาณาจักร อาณาเขต และบาทหลวงของเยอรมันหลายแห่ง (ปรัสเซียน บาวาเรีย แซ็กซอน ฯลฯ) รวมถึงในภูมิภาคต่างๆ ของจักรวรรดิออสเตรียข้ามชาติ ซึ่งต่อมารวมถึง "ผู้คนของนักดนตรี" - สาธารณรัฐเช็กตกเป็นทาสของ Habsburgs - ดนตรีบรรเลงได้รับการปลูกฝังมายาวนาน เมืองเล็กๆ ทุกเมือง หรือแม้แต่หมู่บ้านต่างก็มีนักไวโอลินและนักเล่นเชลโลเป็นของตัวเอง และในตอนเย็นก็มีการแสดงเดี่ยวและวงดนตรีที่เล่นโดยมือสมัครเล่นอย่างกระตือรือร้น โบสถ์และโรงเรียนมักกลายเป็นศูนย์กลางของการทำดนตรี ตามกฎแล้วครูยังเป็นนักเล่นออร์แกนในโบสถ์ซึ่งแสดงดนตรีแฟนตาซีในวันหยุดอย่างสุดความสามารถ ในศูนย์โปรเตสแตนต์ขนาดใหญ่ในเยอรมนี เช่น ฮัมบวร์กหรือไลพ์ซิก การทำดนตรีรูปแบบใหม่ก็ได้พัฒนาขึ้นเช่นกัน นั่นคือ คอนเสิร์ตออร์แกนในมหาวิหาร คอนเสิร์ตเหล่านี้นำเสนอการแสดงโหมโรง จินตนาการ รูปแบบต่างๆ การร้องเพลงประสานเสียง และที่สำคัญที่สุดคือความทรงจำ
Fugue เป็นดนตรีโพลีโฟนิกประเภทที่ซับซ้อนที่สุด ซึ่งมาถึงจุดสูงสุดในผลงานของ I.S. บาคและฮันเดล ชื่อของมันมาจากภาษาละติน fuga - วิ่ง นี่เป็นงานโพลีโฟนิกที่มีธีมเดียว ซึ่งจะเคลื่อน (วิ่งข้าม!) จากเสียงหนึ่งไปอีกเสียงหนึ่ง ทำนองแต่ละบรรทัดเรียกว่าเสียง ความทรงจำอาจเป็นสาม, สี่, ห้าเสียง ฯลฯ ขึ้นอยู่กับจำนวนบรรทัดดังกล่าว ในส่วนตรงกลางของความทรงจำหลังจากที่ธีมฟังครบทุกเสียงแล้วก็เริ่มพัฒนา: อันดับแรกเป็นจุดเริ่มต้น จะปรากฏขึ้นแล้วหายไปอีกครั้ง จากนั้นจะขยายออก (แต่ละโน้ตที่ประกอบขึ้นจะยาวเป็นสองเท่า) จากนั้นจะหดตัว ซึ่งเรียกว่า ธีมเพิ่มขึ้น และธีมลดลง อาจเกิดขึ้นได้ว่าภายในธีม การเคลื่อนไหวอันไพเราะจากมากไปน้อยจะกลายเป็นจากน้อยไปหามาก และในทางกลับกัน (ธีมในการหมุนเวียน) การเคลื่อนไหวอันไพเราะจะย้ายจากคีย์หนึ่งไปยังอีกคีย์หนึ่ง และในส่วนสุดท้ายของความทรงจำ - การบรรเลง - ธีมฟังดูไม่เปลี่ยนแปลงอีกครั้งเหมือนในตอนแรกที่กลับไปสู่โทนเสียงหลักของการเล่น
เราขอเตือนคุณอีกครั้ง: เรากำลังพูดถึงกลางศตวรรษที่ 18 การระเบิดกำลังก่อตัวขึ้นในส่วนลึกของชนชั้นสูงในฝรั่งเศส ซึ่งจะกวาดล้างระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ในไม่ช้า เวลาใหม่จะมา และในขณะที่ความรู้สึกในการปฏิวัติยังคงถูกจัดเตรียมไว้อย่างแฝงเร้น นักคิดชาวฝรั่งเศสกำลังพูดออกมาต่อต้านระเบียบที่มีอยู่ พวกเขาเรียกร้องความเท่าเทียมกันของทุกคนภายใต้กฎหมายและประกาศแนวคิดเรื่องเสรีภาพและภราดรภาพ
ศิลปะที่สะท้อนการเปลี่ยนแปลงในชีวิตทางสังคมมีความอ่อนไหวต่อการเปลี่ยนแปลงในบรรยากาศทางการเมืองของยุโรป ตัวอย่างนี้คือคอเมดีอมตะของ Beaumarchais สิ่งนี้ใช้ได้กับดนตรีด้วย ขณะนี้ในช่วงเวลาที่ยากลำบากซึ่งเต็มไปด้วยเหตุการณ์ที่มีความสำคัญทางประวัติศาสตร์อย่างมหาศาล แนวเพลงใหม่ที่ปฏิวัติวงการอย่างแท้จริงได้ถือกำเนิดขึ้นในส่วนลึกของแนวดนตรีและรูปแบบดนตรีเก่าที่มีมายาวนาน - ซิมโฟนี มันแตกต่างในเชิงคุณภาพและพื้นฐาน เพราะมันรวบรวมความคิดรูปแบบใหม่
เราต้องคิดว่าไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในที่สุดเมื่อมีข้อกำหนดเบื้องต้นในภูมิภาคต่างๆ ของยุโรป แนวซิมโฟนีก็ถูกสร้างขึ้นในประเทศที่ใช้ภาษาเยอรมัน ในอิตาลี โอเปร่าเป็นศิลปะประจำชาติ ในอังกฤษ จิตวิญญาณและความหมายของกระบวนการทางประวัติศาสตร์ที่เกิดขึ้นที่นั่นสะท้อนให้เห็นอย่างเต็มที่ที่สุดในคำปราศรัยของจอร์จ ฮันเดล ชาวเยอรมันโดยกำเนิดและกลายเป็นนักแต่งเพลงชาวอังกฤษประจำชาติ ในฝรั่งเศส ศิลปะอื่นๆ เข้ามามีบทบาทโดยเฉพาะวรรณกรรมและการละครซึ่งเป็นรูปธรรมมากขึ้น นำเสนอแนวคิดใหม่ๆ ที่สร้างความตื่นเต้นให้กับโลกได้โดยตรงและชัดเจน ผลงานของวอลแตร์ เรื่อง “The New Heloise” โดยรุสโซ “The Persian Letters” ของมงเตสกีเยอ ในรูปแบบที่ปิดบังแต่ค่อนข้างเข้าใจได้ ทำให้ผู้อ่านได้รับการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงต่อระเบียบที่มีอยู่ และเสนอทางเลือกของตนเองสำหรับโครงสร้างของสังคม .
หลายทศวรรษต่อมา ในวงการดนตรี ซ่งได้เข้าร่วมกองกำลังปฏิวัติ ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของเรื่องนี้คือบทเพลงแห่งกองทัพแห่งแม่น้ำไรน์ ซึ่งแต่งขึ้นในชั่วข้ามคืนโดยเจ้าหน้าที่ Rouget de Lisle ซึ่งโด่งดังไปทั่วโลกภายใต้ชื่อ Marseillaise หลังจากร้องเพลง ดนตรีก็ปรากฏขึ้นเพื่อการเฉลิมฉลองมวลชนและพิธีไว้ทุกข์ และในที่สุดสิ่งที่เรียกว่า "ละครแห่งความรอด" ซึ่งมีเนื้อหาเกี่ยวกับการตามล่าฮีโร่หรือนางเอกโดยเผด็จการและความรอดของพวกเขาในตอนจบของโอเปร่า
ซิมโฟนีต้องการเงื่อนไขที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงทั้งในด้านรูปแบบและการรับรู้เต็มรูปแบบ "จุดศูนย์ถ่วง" ของความคิดเชิงปรัชญาซึ่งสะท้อนถึงแก่นแท้ของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมในยุคนั้นได้อย่างเต็มที่ที่สุดกลายเป็นประเทศเยอรมนีซึ่งห่างไกลจากพายุทางสังคม
ที่นั่น คานท์คนแรกและต่อมาเฮเกลได้สร้างระบบปรัชญาใหม่ของพวกเขา เช่นเดียวกับระบบปรัชญา ซิมโฟนีซึ่งเป็นประเภทความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีที่มีปรัชญาและกระบวนการวิภาษวิธีมากที่สุดก็ถูกสร้างขึ้นในที่สุดซึ่งมีเพียงเสียงสะท้อนที่ห่างไกลของพายุฝนฟ้าคะนองที่กำลังจะมาถึง ยิ่งกว่านั้นประเพณีดนตรีบรรเลงอันแข็งแกร่งได้พัฒนาไปที่ไหน
หนึ่งในศูนย์กลางหลักสำหรับการเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่คือเมืองมันน์ไฮม์ ซึ่งเป็นเมืองหลวงของเขตเลือกตั้งบาวาเรียแห่งพาลาทิเนต ที่นี่ที่ศาลอันยอดเยี่ยมของผู้มีสิทธิเลือกตั้งคาร์ล ธีโอดอร์ ในยุค 40 และ 50 ของศตวรรษที่ 18 มีวงออเคสตราที่ยอดเยี่ยมบางทีอาจเป็นวงที่ดีที่สุดในยุโรปในเวลานั้น
เมื่อถึงเวลานั้น วงซิมโฟนีออร์เคสตราก็เพิ่งเป็นรูปเป็นร่างขึ้นมา และในโบสถ์ของศาลและในมหาวิหารไม่มีกลุ่มออเคสตราที่มีองค์ประกอบที่มั่นคง ทุกอย่างขึ้นอยู่กับวิธีการในการกำจัดของผู้ปกครองหรือผู้พิพากษา และรสนิยมของผู้ที่สามารถออกคำสั่งได้ ในตอนแรก วงออเคสตราเล่นเพียงบทบาทประยุกต์เท่านั้น ร่วมกับการแสดงในศาลหรือเทศกาลและพิธีการต่างๆ และประการแรกก็ถือเป็นโอเปร่าหรือวงดนตรีในโบสถ์ ในขั้นต้น วงออเคสตราประกอบด้วยไวโอลิน ลูต ฮาร์ป ฟลุต โอโบ เขาสัตว์ และกลอง องค์ประกอบค่อยๆขยายออกจำนวนเครื่องสายก็เพิ่มขึ้น เมื่อเวลาผ่านไป ไวโอลินเข้ามาแทนที่การละเมิดแบบโบราณและในไม่ช้าก็เข้ามาเป็นผู้นำในวงออเคสตรา เครื่องเป่าลมไม้ - ฟลุต, โอโบ, บาสซูน - รวมเป็นกลุ่มแยกกันและเครื่องดนตรีทองเหลืองก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน - ทรัมเป็ต, ทรอมโบน เครื่องดนตรีบังคับในวงออเคสตราคือฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งสร้างพื้นฐานฮาร์มอนิกของเสียง ข้างหลังเขามักจะเป็นผู้นำของวงออเคสตราซึ่งขณะเล่นก็ให้คำแนะนำในการแนะนำพร้อมกัน
ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 วงดนตรีบรรเลงที่มีอยู่ในราชสำนักขุนนางเริ่มแพร่หลาย เจ้าชายองค์เล็กๆ จำนวนมากจากเยอรมนีที่กระจัดกระจายต่างต้องการมีโบสถ์เป็นของตัวเอง การพัฒนาอย่างรวดเร็วของวงออเคสตราเริ่มต้นขึ้น และเทคนิคการเล่นออเคสตราแบบใหม่ก็เกิดขึ้น
วงออเคสตรามันน์ไฮม์ประกอบด้วยเครื่องสาย 30 เครื่อง, ขลุ่ย 2 อัน, โอโบ 2 อัน, คลาริเน็ต, บาสซูน 2 อัน, ทรัมเป็ต 2 อัน, แตร 4 อัน, ทิมปานี นี่คือแกนหลักของวงออเคสตราสมัยใหม่ ซึ่งเป็นผลงานที่นักประพันธ์เพลงหลายคนในยุคต่อมาสร้างผลงานขึ้นมา วงออเคสตรานำโดยนักดนตรี นักแต่งเพลง และนักไวโอลินชาวเช็กที่โดดเด่น Jan Vaclav Stamitz ในบรรดาศิลปินของวงออเคสตรายังเป็นนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้น ไม่เพียงแต่นักดนตรีที่เก่งกาจเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์อย่าง Franz Xaver Richter, Anton Filz และคนอื่นๆ ด้วย พวกเขากำหนดระดับทักษะการแสดงที่ยอดเยี่ยมของวงออเคสตราซึ่งมีชื่อเสียงในด้านคุณสมบัติที่น่าทึ่ง - ความสม่ำเสมอของจังหวะไวโอลินที่ไม่สามารถบรรลุได้ก่อนหน้านี้การไล่เฉดสีไดนามิกที่ดีที่สุดที่ไม่เคยใช้มาก่อนเลย
ตามที่นักวิจารณ์ร่วมสมัย Bossler กล่าวว่า "การปฏิบัติตามเปียโน ฟอร์เต้ รินฟอร์ซานโด การขยายเสียงอย่างค่อยเป็นค่อยไปและความเข้มข้นของเสียง จากนั้นความแรงของมันลดลงอีกครั้งจนแทบไม่ได้ยิน - ทั้งหมดนี้ได้ยินเฉพาะในมันน์ไฮม์เท่านั้น" เบอร์นี ผู้รักดนตรีชาวอังกฤษซึ่งเดินทางไปยุโรปในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 สะท้อนเขาว่า “วงออเคสตราที่ไม่ธรรมดานี้มีพื้นที่และแง่มุมเพียงพอที่จะแสดงความสามารถทั้งหมดและสร้างเอฟเฟกต์ที่ยอดเยี่ยม ที่นี่เป็นที่ที่ Stamitz ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากงานเขียนของ Yomelli ก้าวไปไกลกว่าการทาบทามโอเปร่าตามปกติในตอนแรก... ได้มีการลองใช้เอฟเฟกต์ทั้งหมดที่เสียงจำนวนมากสามารถสร้างได้ ที่นี่เป็นที่ที่เกิด Crescendo และ Diminuendo และเปียโนซึ่งก่อนหน้านี้ใช้เป็นเสียงสะท้อนเป็นหลักและมักจะมีความหมายเหมือนกันและมือขวาได้รับการยอมรับว่าเป็นสีดนตรีที่มีเฉดสีของตัวเอง ... "
ในวงออเคสตรานี้มีการได้ยินซิมโฟนีสี่ตอนเป็นครั้งแรก - ผลงานที่ถูกสร้างขึ้นตามประเภทเดียวและมีหลักการทั่วไปที่ซึมซับคุณลักษณะหลายประการของแนวดนตรีและรูปแบบดนตรีที่มีอยู่ก่อนแล้วหลอมละลายเป็นสิ่งที่แตกต่างในเชิงคุณภาพ ความสามัคคีใหม่
คอร์ดแรก เด็ดขาด เปล่งเสียงเต็มที่ราวกับเรียกร้องความสนใจ จากนั้นจึงเคลื่อนไหวกว้างไกล อีกครั้งเป็นคอร์ด แทนที่ด้วยการเคลื่อนไหวแบบอาร์เพจจิเอต จากนั้นเป็นทำนองที่มีชีวิตชีวาและยืดหยุ่น ราวกับสปริงที่กางออก ดูเหมือนว่ามันสามารถเปิดเผยได้อย่างไม่มีที่สิ้นสุด แต่มันหายไปเร็วกว่าที่ข่าวลือต้องการ: เหมือนแขกที่ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับเจ้าของบ้านในระหว่างการเลี้ยงรับรองครั้งใหญ่ เขาย้ายออกไปจากพวกเขา และเปิดทางให้คนอื่นตามมาข้างหลัง หลังจากการเคลื่อนไหวทั่วไปชั่วขณะหนึ่ง ธีมใหม่ก็ปรากฏขึ้น - นุ่มนวลขึ้น ดูเป็นผู้หญิง และมีโคลงสั้น ๆ แต่ฟังไม่นานก็ละลายเป็นตอนๆ หลังจากนั้นสักพัก เราจะเห็นธีมแรกอีกครั้ง ซึ่งมีการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยในคีย์ใหม่ กระแสดนตรีไหลอย่างรวดเร็ว กลับสู่ต้นฉบับ โทนเสียงหลักของซิมโฟนี ธีมที่สองไหลเข้าสู่โฟลว์นี้อย่างเป็นธรรมชาติ โดยตอนนี้มีลักษณะและอารมณ์ใกล้เคียงกับธีมแรกมากขึ้น ช่วงแรกของซิมโฟนีจบลงด้วยคอร์ดที่เต็มไปด้วยความสนุกสนาน
การเคลื่อนไหวครั้งที่สอง อันดันเต จะค่อยๆ คลี่คลายอย่างช้าๆ และไพเราะ ดึงเอาความหมายของเครื่องสายออกมา นี่คือเพลงประเภทหนึ่งสำหรับวงออเคสตราซึ่งมีการแต่งเนื้อร้องและการสะท้อนที่สง่างามครอบงำ
การเคลื่อนไหวที่สามคือบทเพลงที่สง่างาม มันสร้างความรู้สึกผ่อนคลายและผ่อนคลาย จากนั้นเหมือนลมบ้าหมูที่ลุกเป็นไฟตอนจบที่ร้อนแรงก็ระเบิดเข้ามา โดยทั่วไปแล้วนี่คือซิมโฟนีในสมัยนั้น สามารถตรวจสอบต้นกำเนิดได้อย่างชัดเจน การเคลื่อนไหวครั้งแรกมีลักษณะคล้ายกับการทาบทามโอเปร่ามากที่สุด แต่ถ้าการทาบทามเป็นเพียงเกณฑ์ของการแสดงการกระทำก็จะเผยออกมาเป็นเสียง โดยทั่วไปแล้วภาพดนตรีโอเปร่าของการทาบทาม - การประโคมอย่างกล้าหาญ, ความโศกเศร้าที่สัมผัสได้, ความสนุกสนานอย่างพายุของตัวตลก - ไม่เกี่ยวข้องกับสถานการณ์บนเวทีที่เฉพาะเจาะจงและไม่มีลักษณะเฉพาะของแต่ละบุคคล (โปรดจำไว้ว่าแม้แต่การทาบทามที่มีชื่อเสียงของ "The Barber of Seville" ของ Rossini ก็มี ไม่เกี่ยวข้องกับเนื้อหาของโอเปร่าและโดยทั่วไปแล้วมันถูกเขียนขึ้นสำหรับโอเปร่าอื่น!) แยกตัวออกจากการแสดงโอเปร่าและเริ่มชีวิตอิสระ พวกเขาสามารถจดจำได้ง่ายในซิมโฟนียุคแรก - น้ำเสียงที่เด็ดขาดและกล้าหาญของอาเรียที่กล้าหาญในธีมแรกเรียกว่าธีมหลักการถอนหายใจอย่างอ่อนโยนของอาเรียโคลงสั้น ๆ ในวินาทีที่เรียกว่าธีมรอง
หลักการของโอเปร่ายังสะท้อนให้เห็นในเนื้อสัมผัสของซิมโฟนีด้วย หากก่อนหน้านี้ดนตรีบรรเลงถูกครอบงำโดยพฤกษ์นั่นคือพฤกษ์ซึ่งมีท่วงทำนองอิสระหลายท่วงทำนองประสานกันฟังพร้อมกันที่นี่พฤกษ์ประเภทต่าง ๆ ก็เริ่มพัฒนา: ท่วงทำนองหลักหนึ่งเพลง (ส่วนใหญ่มักเป็นไวโอลิน) แสดงออกความหมายสำคัญพร้อมด้วย ดนตรีประกอบที่ทำให้มันดูโดดเด่น เน้นความเป็นตัวตนของเธอ พฤกษ์ประเภทนี้เรียกว่าโฮโมโฟนิก มีอิทธิพลเหนือซิมโฟนียุคแรกโดยสิ้นเชิง ต่อมาในซิมโฟนี เทคนิคที่ยืมมาจากความทรงจำก็ปรากฏขึ้น อย่างไรก็ตาม ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ค่อนข้างจะตรงกันข้ามกับความทรงจำ ตามกฎแล้วมีหนึ่งธีม (มีความทรงจำสองสามครั้งและมากกว่านั้น แต่ในธีมเหล่านั้นไม่ได้ขัดแย้งกัน แต่เปรียบเทียบกัน) ซ้ำหลายครั้งแต่ไม่มีอะไรขัดแย้งกัน โดยพื้นฐานแล้ว มันเป็นสัจพจน์ ซึ่งเป็นวิทยานิพนธ์ที่มีการกล่าวซ้ำๆ กันโดยไม่ต้องมีการพิสูจน์ สิ่งที่ตรงกันข้ามเกิดขึ้นจริงในซิมโฟนี: ในรูปลักษณ์และการเปลี่ยนแปลงเพิ่มเติมของธีมและรูปภาพดนตรีที่แตกต่างกัน เราสามารถได้ยินความขัดแย้งและความขัดแย้ง บางทีนี่อาจเป็นจุดที่สัญญาณของเวลาปรากฏชัดเจนที่สุด ความจริงไม่ใช่สิ่งที่มอบให้อีกต่อไป จะต้องแสวงหา พิสูจน์ ให้เหตุผล เปรียบเทียบความคิดเห็นต่าง ๆ ชี้แจงมุมมองที่ต่างกัน นี่คือสิ่งที่นักสารานุกรมทำในฝรั่งเศส โดยเฉพาะปรัชญาเยอรมัน วิธีการวิภาษวิธีของเฮเกลนั้นถูกสร้างขึ้นจากสิ่งนี้ และจิตวิญญาณแห่งยุคแห่งการแสวงหาก็สะท้อนให้เห็นในดนตรี
ดังนั้นซิมโฟนีจึงใช้เวลามากจากการทาบทามโอเปร่า โดยเฉพาะอย่างยิ่งการทาบทามได้สรุปหลักการของการสลับส่วนที่ตัดกันซึ่งในซิมโฟนีกลายเป็นส่วนที่เป็นอิสระ ในส่วนแรกประกอบด้วยด้านที่แตกต่างกัน ความรู้สึกที่แตกต่างกันของบุคคล ชีวิตในการเคลื่อนไหว การพัฒนา การเปลี่ยนแปลง ความแตกต่าง และความขัดแย้ง ในส่วนที่สองเป็นการไตร่ตรอง สมาธิ และบางครั้งก็เป็นเนื้อเพลง ในประการที่สาม - การพักผ่อนความบันเทิง และสุดท้ายตอนจบ - รูปภาพแห่งความสนุกสนาน ความรื่นเริง และในเวลาเดียวกัน - ผลของการพัฒนาทางดนตรี ความสมบูรณ์ของวงจรซิมโฟนิก
นี่คือวิธีที่ซิมโฟนีพัฒนาขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 โดยทั่วไปแล้ว จะเป็นเช่นนี้กับ Brahms หรือ Bruckner และตอนที่เธอเกิด เห็นได้ชัดว่าเธอยืมรูปแบบการเคลื่อนไหวที่หลากหลายมาจากห้องชุดนี้
Allemande, courante, sarabande และ gigue เป็นการเต้นรำแบบบังคับสี่แบบ ซึ่งมีอารมณ์ที่แตกต่างกันสี่อารมณ์ที่สามารถเห็นได้ง่ายในซิมโฟนียุคแรก คุณภาพการเต้นในตัวมันแสดงออกมาอย่างชัดเจน โดยเฉพาะในตอนจบซึ่งในแง่ของธรรมชาติของทำนอง จังหวะ และแม้แต่ขนาดของจังหวะ มักจะมีลักษณะคล้ายกับละครเพลง จริงอยู่ที่บางครั้งตอนจบของซิมโฟนีนั้นใกล้เคียงกับตอนจบที่เปล่งประกายของโอเปร่าบัฟฟา แต่ถึงอย่างนั้นความเกี่ยวพันของมันกับการเต้นรำเช่นทารันเทลลาก็ไม่อาจปฏิเสธได้ ส่วนส่วนที่สามนั้นเรียกว่ามินูเอต เฉพาะในงานของเบโธเฟนเท่านั้นที่การเต้นรำ - สง่างามอย่างสุภาพหรือหยาบคาย - จะถูกแทนที่ด้วยเชอร์โซ
ซิมโฟนีแรกเกิดจึงซึมซับคุณลักษณะของแนวดนตรีหลายประเภทและแนวเพลงที่เกิดในประเทศต่างๆ และการก่อตัวของซิมโฟนีไม่เพียงเกิดขึ้นในเมืองมันไฮม์เท่านั้น มีโรงเรียนเวียนนาซึ่งเป็นตัวแทนโดย Wagenseil โดยเฉพาะ ในอิตาลี Giovanni Battista Sammartini เขียนผลงานออเคสตราซึ่งเขาเรียกว่าซิมโฟนีและมีไว้สำหรับการแสดงคอนเสิร์ตที่ไม่เกี่ยวข้องกับการแสดงโอเปร่า ในฝรั่งเศส นักแต่งเพลงหนุ่มชาวเบลเยียมโดยกำเนิด François-Joseph Gossec ได้หันมาใช้แนวเพลงใหม่ ซิมโฟนีของเขาไม่ได้รับการตอบรับและการยอมรับ เนื่องจากโปรแกรมมีบทบาทสำคัญในดนตรีฝรั่งเศส แต่งานของเขามีบทบาทในการก่อตั้งซิมโฟนีฝรั่งเศส ในการต่ออายุและขยายวงซิมโฟนีออร์เคสตรา นักแต่งเพลงชาวเช็ก Frantisek Micha ซึ่งครั้งหนึ่งเคยรับใช้ในกรุงเวียนนาได้ทดลองมากมายและประสบความสำเร็จในการค้นหารูปแบบไพเราะ Josef Myslewicz เพื่อนร่วมชาติผู้โด่งดังของเขามีการทดลองที่น่าสนใจ อย่างไรก็ตามนักประพันธ์เพลงเหล่านี้ทั้งหมดเป็นคนโดดเดี่ยว แต่ในเมือง Mannheim ทั้งโรงเรียนได้ก่อตั้งขึ้นซึ่งมี "เครื่องดนตรี" ชั้นหนึ่งนั่นคือวงออเคสตราที่มีชื่อเสียง ต้องขอบคุณโอกาสอันน่ายินดีที่ผู้มีสิทธิเลือกตั้งแห่งพาลาทิเนตเป็นคนรักดนตรีที่ยิ่งใหญ่และมีเงินเพียงพอที่จะจ่ายค่าใช้จ่ายจำนวนมหาศาล นักดนตรีหลักจากประเทศต่าง ๆ มารวมตัวกันในเมืองหลวงของพาลาทิเนต - ชาวออสเตรียและเช็ก ชาวอิตาลีและปรัสเซีย - แต่ละคน ซึ่งมีส่วนสนับสนุนในการสร้างสรรค์แนวเพลงใหม่ ในผลงานของ Jan Stamitz, Franz Richter, Carlo Toeschi, Anton Filz และปรมาจารย์คนอื่น ๆ ซิมโฟนีเกิดขึ้นในคุณสมบัติหลัก ๆ ซึ่งส่งต่อไปยังผลงานของคลาสสิกเวียนนา - Haydn, Mozart, Beethoven
ดังนั้น ในช่วงครึ่งศตวรรษแรกของการมีอยู่ของประเภทใหม่ จึงได้มีการสร้างโมเดลเชิงโครงสร้างและดราม่าที่ชัดเจนขึ้น ซึ่งสามารถรองรับเนื้อหาที่หลากหลายและมีความสำคัญมากได้ พื้นฐานของแบบจำลองนี้คือรูปแบบที่เรียกว่าโซนาตาหรือโซนาตาอัลเลโกร เนื่องจากส่วนใหญ่มักเขียนในจังหวะนี้ และต่อมาเป็นแบบอย่างสำหรับทั้งซิมโฟนีและโซนาตาและคอนแชร์โต ลักษณะเฉพาะของมันคือการวางแนวของธีมดนตรีที่แตกต่างกันและมักจะตัดกัน สามส่วนหลักของรูปแบบโซนาต้า - การแสดงออก การพัฒนา และการบรรเลง - มีลักษณะคล้ายกับจุดเริ่มต้น การพัฒนาของการกระทำ และการไขเค้าความเรื่องของละครคลาสสิก หลังจากการแนะนำสั้น ๆ หรือทันทีที่เริ่มนิทรรศการ “ตัวละคร” ของละครจะถูกนำเสนอต่อผู้ชม
ดนตรีแนวแรกที่ฟังในคีย์หลักของงานเรียกว่าธีมหลัก บ่อยกว่า - ธีมหลัก แต่ถูกต้องมากกว่า - ส่วนหลักเนื่องจากภายในส่วนหลักนั่นคือส่วนหนึ่งของรูปแบบดนตรีที่รวมกันโดยโทนเสียงเดียวและชุมชนที่เป็นรูปเป็นร่างเมื่อเวลาผ่านไปไม่ใช่หนึ่งเดียว แต่มีธีมที่แตกต่างกันหลายประการ - ท่วงทำนองเริ่มปรากฏ หลังจากชุดหลัก ในตัวอย่างแรกๆ โดยการเปรียบเทียบโดยตรง และในตัวอย่างต่อมาผ่านชุดงานเชื่อมต่อขนาดเล็ก ชุดรองจะเริ่มต้นขึ้น ธีมของมันหรือสองหรือสามธีมที่แตกต่างกันขัดแย้งกับธีมหลัก ส่วนใหญ่แล้วส่วนด้านข้างจะมีโคลงสั้น ๆ นุ่มนวลและเป็นผู้หญิงมากกว่า เสียงเป็นคีย์ที่แตกต่างจากคีย์หลัก ซึ่งเป็นคีย์รอง (จึงเป็นชื่อของส่วน) ความรู้สึกไม่มั่นคงและบางครั้งก็เกิดความขัดแย้ง นิทรรศการจบลงด้วยส่วนสุดท้ายซึ่งขาดไปในซิมโฟนียุคแรกหรือมีบทบาทเสริมเพียงอย่างเดียวเป็นจุดม่านหลังจากการแสดงครั้งแรกของละครและต่อมาโดยเริ่มจาก Mozart ได้รับความสำคัญของ ภาพที่สามที่เป็นอิสระ พร้อมด้วยภาพหลักและภาพรอง
ส่วนตรงกลางของรูปแบบโซนาต้าคือการพัฒนา ตามชื่อเรื่อง ธีมดนตรีที่ผู้ฟังคุ้นเคยในนิทรรศการ (ซึ่งก็คือจัดแสดงก่อนหน้านี้) ได้รับการพัฒนาขึ้นอาจมีการเปลี่ยนแปลงและพัฒนาได้ ในเวลาเดียวกัน พวกเขาแสดงให้เห็นจากด้านใหม่ๆ ที่บางครั้งไม่คาดคิด ได้รับการแก้ไข และแรงจูงใจส่วนบุคคลจะถูกแยกออกจากพวกเขา ซึ่งเป็นด้านที่กระตือรือร้นที่สุด ซึ่งต่อมาปะทะกัน การพัฒนาเป็นส่วนที่มีประสิทธิผลอย่างมาก ในตอนท้ายมีไคลแม็กซ์ซึ่งนำไปสู่การบรรเลง - ส่วนที่สามของรูปแบบซึ่งเป็นข้อไขเค้าความเรื่องของละคร
ชื่อของส่วนนี้มาจากคำภาษาฝรั่งเศส reprendre - to renew เป็นการต่ออายุ ซึ่งเป็นการทำซ้ำของการแสดงออก แต่มีการปรับเปลี่ยน: ทั้งสองส่วนตอนนี้ฟังในคีย์หลักของซิมโฟนี ราวกับว่าเหตุการณ์แห่งการพัฒนาตกลงกันได้ บางครั้งอาจมีการเปลี่ยนแปลงอื่นๆ ในการบรรเลงใหม่ ตัวอย่างเช่น สามารถตัดทอนได้ (โดยไม่มีเสียงธีมใดๆ ในงานแสดง) มิเรอร์ (ส่วนแรกจะส่งเสียงด้านข้าง จากนั้นจึงส่งเฉพาะส่วนหลักเท่านั้น) ส่วนแรกของซิมโฟนีมักจะจบลงด้วยท่อนโคดา ซึ่งเป็นบทสรุปที่สร้างโทนเสียงหลักและภาพลักษณ์หลักของโซนาตาอัลเลโกร ในซิมโฟนียุคแรก โคดามีขนาดเล็ก และโดยพื้นฐานแล้วถือเป็นส่วนสุดท้ายที่มีการพัฒนาค่อนข้างมาก ตัวอย่างเช่นต่อมาในเบโธเฟนได้รับสัดส่วนที่สำคัญและกลายเป็นการพัฒนาครั้งที่สองซึ่งการยืนยันทำได้อีกครั้งผ่านการต่อสู้
แบบฟอร์มนี้กลายเป็นสากลอย่างแท้จริง นับตั้งแต่สมัยซิมโฟนีจนถึงปัจจุบัน ก็สามารถรวบรวมเนื้อหาที่ลึกที่สุดได้สำเร็จ ถ่ายทอดภาพ ความคิด และปัญหามากมายไม่สิ้นสุด
ส่วนที่สองของซิมโฟนีช้า โดยปกติจะเป็นจุดศูนย์กลางของโคลงสั้น ๆ ของวงจร รูปร่างของมันอาจแตกต่างกัน ส่วนใหญ่มักเป็นสามส่วน กล่าวคือ มีส่วนภายนอกที่คล้ายกันและส่วนตรงกลางที่ตัดกัน แต่ก็สามารถเขียนในรูปแบบของรูปแบบหรือรูปแบบอื่น ๆ ก็ได้ จนถึงโซนาตาซึ่งมีโครงสร้างแตกต่างจากอัลเลโกรแรก เฉพาะในจังหวะที่ช้าลงและการพัฒนาที่มีประสิทธิภาพน้อยลงเท่านั้น
การเคลื่อนไหวที่สามเป็นเพลงย่อยในซิมโฟนียุคแรก และตามกฎแล้ว เชอร์โซจากเบโธเฟนถึงยุคปัจจุบันเป็นรูปแบบสามส่วนที่ซับซ้อน เนื้อหาของส่วนนี้ได้รับการแก้ไขและซับซ้อนตลอดหลายทศวรรษ ตั้งแต่การเต้นรำในชีวิตประจำวันหรือในศาล ไปจนถึงการแสดงเชอร์โซอันทรงพลังของศตวรรษที่ 19 และต่อๆ ไป ไปจนถึงภาพอันน่าหวาดกลัวของความชั่วร้ายและความรุนแรงในวงจรซิมโฟนิกของโชสตาโควิช, โฮเนกเกอร์ และนักซิมโฟนีคนอื่นๆ ของศตวรรษที่ 20 เริ่มตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เชอร์โซเปลี่ยนสถานที่มากขึ้นด้วยการเคลื่อนไหวช้าๆ ซึ่งตามแนวคิดใหม่ของซิมโฟนีกลายเป็นปฏิกิริยาทางวิญญาณแบบหนึ่งไม่เพียง แต่กับเหตุการณ์ในส่วนแรกเท่านั้น แต่ยังรวมถึง สู่โลกที่เป็นรูปเป็นร่างของเชอร์โซ (โดยเฉพาะในซิมโฟนีของมาห์เลอร์)
ตอนจบซึ่งเป็นบทสรุปของวงจร ในซิมโฟนียุคแรกๆ มักเขียนในรูปแบบของรอนโดโซนาตา การสลับตอนที่ร่าเริงเป็นประกายด้วยความสนุกสนานพร้อมการละเว้นการเต้นรำอย่างต่อเนื่อง - โครงสร้างดังกล่าวเป็นไปตามธรรมชาติของภาพตอนจบจากความหมาย เมื่อเวลาผ่านไป ด้วยปัญหาซิมโฟนีที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น รูปแบบของโครงสร้างของตอนจบก็เริ่มเปลี่ยนไป ตอนจบเริ่มปรากฏในรูปแบบโซนาตา ในรูปแบบของรูปแบบต่างๆ ในรูปแบบอิสระ และสุดท้ายมีลักษณะของ oratorio (โดยมีคณะนักร้องประสานเสียงรวมอยู่ด้วย) ภาพลักษณ์ของเขาเปลี่ยนไปเช่นกัน: ไม่เพียง แต่การยืนยันชีวิตเท่านั้น แต่บางครั้งก็เป็นผลที่น่าเศร้า (ซิมโฟนีที่หกของไชคอฟสกี) การคืนดีกับความเป็นจริงที่โหดร้ายหรือการหลบหนีจากมันไปสู่โลกแห่งความฝัน ภาพลวงตาได้กลายเป็นเนื้อหาของตอนจบของวงจรไพเราะใน ร้อยปีที่ผ่านมา
แต่ขอกลับไปสู่จุดเริ่มต้นของเส้นทางอันรุ่งโรจน์ของประเภทนี้ โดยเกิดขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 งานของ Haydn ผู้ยิ่งใหญ่ก็เสร็จสมบูรณ์แบบคลาสสิก
ในโลกแห่งดนตรีมีผลงานที่เป็นเอกลักษณ์และโดดเด่นซึ่งมีเสียงที่เขียนบันทึกประวัติศาสตร์แห่งชีวิตทางดนตรี ผลงานเหล่านี้บางชิ้นแสดงถึงการปฏิวัติทางศิลปะ ผลงานชิ้นอื่นๆ โดดเด่นด้วยแนวคิดที่ซับซ้อนและลึกซึ้ง ผลงานชิ้นอื่นๆ ประหลาดใจกับประวัติศาสตร์แห่งการสร้างสรรค์ที่ไม่ธรรมดา ชิ้นที่สี่เป็นการนำเสนอสไตล์ของผู้แต่งที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะ และชิ้นที่ห้า... มีความงดงามทางดนตรีมาก เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึงพวกเขา สำหรับเครดิตของศิลปะดนตรีมีผลงานดังกล่าวมากมายและเป็นตัวอย่างเราจะพูดถึงซิมโฟนีรัสเซียที่ได้รับการคัดเลือกห้ารายการซึ่งมีเอกลักษณ์เฉพาะที่ยากที่จะประเมินค่าสูงไป♫♪ ♫♪ ♫♪
ซิมโฟนีครั้งที่สอง (ฮีโร่) โดยอเล็กซานเดอร์ โบโรดิน (B-FLAT MINOR, 1869–1876)
ในรัสเซีย ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 แนวความคิดในการแก้ไขได้สุกงอมในหมู่นักประพันธ์เพลง: ถึงเวลาที่จะสร้างซิมโฟนีรัสเซียของพวกเขาเอง เมื่อถึงเวลานั้น ในยุโรป ซิมโฟนีเฉลิมฉลองครบรอบหนึ่งร้อยปี โดยได้ผ่านทุกขั้นตอนของห่วงโซ่วิวัฒนาการ ตั้งแต่การแสดงโอเปร่าซึ่งออกจากเวทีละครและแสดงแยกจากโอเปร่า ไปจนถึงการแสดงที่ยิ่งใหญ่อย่างซิมโฟนีหมายเลข 9 ของเบโธเฟน (1824) หรือ Symphony Fantastique ของ Berlioz (1830) ในรัสเซีย แฟชั่นสำหรับแนวเพลงนี้ไม่ได้รับความนิยม: พวกเขาลองครั้งเดียว สองครั้ง (Dmitry Bortnyansky - Concert Symphony, 1790; Alexander Alyabyev - ซิมโฟนีใน E minor, E-flat major) - และพวกเขาก็ละทิ้งแนวคิดนี้เพื่อที่จะ ย้อนกลับไปหลายทศวรรษต่อมาในผลงานของ Anton Rubinstein, Miliya Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Alexander Borodin และคนอื่น ๆ
นักแต่งเพลงดังกล่าวตัดสินอย่างถูกต้องโดยตระหนักว่าสิ่งเดียวที่ซิมโฟนีรัสเซียสามารถอวดได้โดยมีฉากหลังของความอุดมสมบูรณ์ของยุโรปคือรสชาติประจำชาติ และโบโรดินก็ไม่เท่าเทียมกันในเรื่องนี้ ดนตรีของเขาสูดลมหายใจของที่ราบอันกว้างใหญ่ที่ไม่มีที่สิ้นสุด ความกล้าหาญของอัศวินรัสเซีย ความจริงใจของเพลงพื้นบ้านพร้อมโน้ตที่เจ็บปวดและซาบซึ้ง สัญลักษณ์ของซิมโฟนีเป็นธีมหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกเมื่อได้ยินว่าเพื่อนนักแต่งเพลงและที่ปรึกษานักดนตรี Vladimir Stasov เสนอชื่อสองชื่อ: ชื่อแรก "Lioness" จากนั้นจึงเสนอแนวคิดที่เหมาะสมกว่า: "Bogatyrskaya"
ซึ่งแตกต่างจากงานไพเราะของ Beethoven หรือ Berlioz คนเดียวกันซึ่งมีพื้นฐานมาจากความหลงใหลและประสบการณ์ของมนุษย์ Bogatyr Symphony เล่าเกี่ยวกับเวลา ประวัติศาสตร์ และผู้คน ไม่มีละครในเพลงไม่มีความขัดแย้งที่เด่นชัด: มันคล้ายกับชุดภาพวาดที่เปลี่ยนแปลงอย่างราบรื่น และสิ่งนี้สะท้อนให้เห็นโดยพื้นฐานในโครงสร้างของซิมโฟนีโดยที่การเคลื่อนไหวช้าๆโดยปกติจะอยู่ในอันดับที่สองและเชอร์โซที่มีชีวิตชีวา (ตามธรรมเนียมตามมาหลังจากนั้น) เปลี่ยนสถานที่และตอนจบในรูปแบบทั่วไปจะทำซ้ำแนวคิดของครั้งแรก ความเคลื่อนไหว. Borodin ด้วยวิธีนี้สามารถบรรลุความแตกต่างสูงสุดในภาพประกอบดนตรีของมหากาพย์ระดับชาติและต่อมาแบบจำลองโครงสร้างของ Bogatyrskaya ก็ทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับซิมโฟนีมหากาพย์ของ Glazunov, Myaskovsky และ Prokofiev
ไอ. อัลเลโกร (00:00)
ครั้งที่สอง เชอร์โซ: Prestissimo - ทริโอ: อัลเลเกรตโต (07:50)
III. อันดันเต้ (13:07)
IV. ตอนจบ : อัลเลโกร (23:42)
♫♪ ♫♪ ♫♪
ซิมโฟนีที่หก (น่าสมเพช) ของปีเตอร์ ไชคอฟสกี (B MINOR, 1893)
มีหลักฐาน การตีความ และความพยายามที่จะอธิบายเนื้อหามากมายจนคำอธิบายทั้งหมดของงานนี้อาจประกอบด้วยคำพูด นี่คือหนึ่งในนั้นตั้งแต่จดหมายของไชคอฟสกี้ถึงหลานชายของเขา Vladimir Davydov ผู้ซึ่งอุทิศซิมโฟนีให้: “ ในระหว่างการเดินทางฉันมีความคิดเกี่ยวกับซิมโฟนีอื่นคราวนี้เป็นโปรแกรมหนึ่ง แต่มีโปรแกรมที่จะยังคงอยู่ เป็นเรื่องลึกลับสำหรับทุกคน โปรแกรมนี้เต็มไปด้วยความเป็นส่วนตัวมากที่สุด และบ่อยครั้งในระหว่างการเดินทางของฉัน ฉันร้องไห้หนักมากในระหว่างที่ฉันเรียบเรียงความคิด” นี่เป็นโปรแกรมประเภทไหน? ไชคอฟสกีสารภาพเรื่องนี้กับแอนนา แมร์คลิง ลูกพี่ลูกน้องของเขา ซึ่งแนะนำว่าเขาบรรยายชีวิตของเขาในซิมโฟนีนี้ “ใช่ คุณเดาถูก” ผู้แต่งยืนยัน
ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1890 ความคิดในการเขียนบันทึกความทรงจำมาเยือนไชคอฟสกีหลายครั้ง ภาพร่างสำหรับซิมโฟนีที่ยังสร้างไม่เสร็จของเขาชื่อ "ชีวิต" ย้อนกลับไปในเวลานี้ เมื่อพิจารณาจากร่างที่ยังมีชีวิตอยู่ผู้แต่งวางแผนที่จะพรรณนาถึงช่วงนามธรรมของชีวิต: เยาวชน, ความกระหายในกิจกรรม, ความรัก, ความผิดหวัง, ความตาย อย่างไรก็ตามแผนวัตถุประสงค์ไม่เพียงพอสำหรับไชคอฟสกีและงานถูกขัดจังหวะ แต่ใน Sixth Symphony เขาได้รับคำแนะนำจากประสบการณ์ส่วนตัวโดยเฉพาะ จิตวิญญาณของผู้แต่งต้องป่วยหนักขนาดไหนที่ดนตรีจะเกิดมาพร้อมกับอิทธิพลอันน่าทึ่งและน่าทึ่งเช่นนี้!
ส่วนแรกของโคลงสั้น ๆ - โศกนาฏกรรมและตอนจบเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับภาพลักษณ์แห่งความตาย (ในการพัฒนาส่วนแรกมีการอ้างอิงถึงธีมของบทสวดทางจิตวิญญาณ "พักผ่อนกับนักบุญ") ดังที่ไชคอฟสกีเองก็เป็นพยานโดยอ้างถึงซิมโฟนีนี้ เพื่อตอบสนองต่อข้อเสนอของ Grand Duke Konstantin Romanov ในการเขียน "บังสุกุล" " นั่นคือเหตุผลว่าทำไมอินเตอร์เมซโซโคลงสั้น ๆ ที่สดใส (เพลงวอลทซ์ห้าจังหวะในส่วนที่สอง) และเชอร์โซที่เคร่งขรึมและมีชัยชนะจึงได้รับการรับรู้อย่างดี มีการพูดคุยกันมากมายเกี่ยวกับบทบาทของคนหลังในการเรียบเรียง ดูเหมือนว่าไชคอฟสกีกำลังพยายามแสดงให้เห็นถึงความไร้ประโยชน์ของรัศมีภาพและความสุขทางโลกเมื่อเผชิญกับการสูญเสียที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ดังนั้นจึงเป็นการยืนยันสุภาษิตอันยิ่งใหญ่ของโซโลมอน: "ทุกสิ่งผ่านไป สิ่งนี้ก็จะผ่านไปเช่นกัน”
1. อดาจิโอ - อัลเลโกร น็อน ทรอปโป 00:00 น
2. อัลเลโกร คอน กราเซีย 18:20 น
3. อัลเลโกร โมลโต วีวาซ 25:20
4. ตอนจบ. อาดาจิโอ ลาเมนโตโซ 33:44
♫♪ ♫♪ ♫♪
ซิมโฟนีที่สาม (“DIVINE POEM”) โดย ALEXANDER SCRYABIN (C MINOR, 1904)
หากคุณบังเอิญไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์บ้าน Alexander Scriabin ในมอสโกในช่วงเย็นฤดูใบไม้ร่วงอันมืดมิด คุณจะสัมผัสบรรยากาศที่น่าขนลุกและลึกลับที่ล้อมรอบนักแต่งเพลงในช่วงชีวิตของเขาอย่างแน่นอน โครงสร้างแปลกๆ ของหลอดไฟสีบนโต๊ะในห้องนั่งเล่น เต็มไปด้วยปรัชญาและไสยศาสตร์ด้านหลังกระจกขุ่นของประตูตู้หนังสือ และสุดท้ายคือห้องนอนที่ดูนักพรตที่ Scriabin ผู้กลัวความตายมาตลอดชีวิต จากพิษเลือด เสียชีวิตด้วยโรคติดเชื้อ สถานที่มืดมนและลึกลับที่แสดงให้เห็นโลกทัศน์ของนักแต่งเพลงได้อย่างสมบูรณ์แบบ
สิ่งที่บ่งบอกถึงความคิดของ Scriabin ไม่น้อยไปกว่านั้นคือ Third Symphony ของเขาซึ่งเปิดช่วงกลางของความคิดสร้างสรรค์ที่เรียกว่า ในเวลานี้ Scriabin ค่อยๆกำหนดมุมมองเชิงปรัชญาของเขา สาระสำคัญก็คือโลกทั้งโลกเป็นผลมาจากความคิดสร้างสรรค์ของตนเองและความคิดของตนเอง (การละลายในขั้นสุดขั้ว) และการสร้างโลกและการสร้างสรรค์งานศิลปะ เป็นกระบวนการที่คล้ายคลึงกันโดยพื้นฐานแล้ว กระบวนการเหล่านี้ดำเนินไปในลักษณะนี้: จากความสับสนวุ่นวายหลักของความเหนื่อยล้าเชิงสร้างสรรค์มีหลักการสองประการเกิดขึ้น - ใช้งานและไม่โต้ตอบ (ชายและหญิง) อันแรกมีพลังอันศักดิ์สิทธิ์ ส่วนอันที่สองก่อให้เกิดโลกแห่งวัตถุด้วยความงามตามธรรมชาติ ปฏิสัมพันธ์ของหลักการเหล่านี้ก่อให้เกิดการกัดกร่อนของจักรวาล นำไปสู่ความปีติยินดี - ชัยชนะอันเสรีของจิตวิญญาณ
ไม่ว่าสิ่งที่กล่าวมาทั้งหมดอาจฟังดูแปลกแค่ไหน Scriabin ก็เชื่ออย่างจริงใจในรูปแบบปฐมกาลนี้ตามที่เขียน Symphony ที่สาม ส่วนแรกเรียกว่า "การต่อสู้" (การต่อสู้ของทาสทาสที่ยอมจำนนต่อผู้ปกครองสูงสุดของโลกและมนุษย์เทพ) ส่วนที่สอง - "ความสุข" (บุคคลที่ยอมจำนนต่อความสุขของโลกแห่งประสาทสัมผัส สลายไปในธรรมชาติ) และสุดท้ายประการที่สาม - "บทละครอันศักดิ์สิทธิ์" (จิตวิญญาณที่ได้รับการปลดปล่อย "การสร้างจักรวาลด้วยพลังแห่งเจตจำนงสร้างสรรค์ของเขาเพียงอย่างเดียว" เข้าใจถึง "ความสุขอันประเสริฐของกิจกรรมอิสระ") แต่ปรัชญาก็คือปรัชญา และดนตรีเองก็มีความมหัศจรรย์ โดยเผยให้เห็นความสามารถด้านเสียงทั้งหมดของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา
ไอ. เลนโต
ครั้งที่สอง ลุต
III. โวลุปเตส
IV. จู ดิวิน
♫♪ ♫♪ ♫♪
ซิมโฟนีครั้งแรก (คลาสสิก) โดย เซอร์เกย์ โปรโคฟีฟ (ดีเมเจอร์, 1916–1917)
ปี 1917 ปีแห่งสงครามอันยากลำบาก การปฏิวัติ ดูเหมือนว่าศิลปะควรจะขมวดคิ้วและบอกเล่าถึงสิ่งที่เจ็บปวด แต่ความคิดที่น่าเศร้าไม่ใช่สำหรับดนตรีของ Prokofiev - สดใสเป็นประกายและมีเสน่ห์แบบเยาว์วัย นี่คือซิมโฟนีครั้งแรกของเขา
นักแต่งเพลงมีความสนใจในงานคลาสสิกของเวียนนาแม้ในช่วงที่เขาเรียนอยู่ก็ตาม ตอนนี้งาน a la Haydn มาจากปากกาของเขา “ สำหรับฉันดูเหมือนว่าหาก Haydn มีชีวิตอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ เขาก็จะคงรูปแบบการเขียนของเขาไว้และในขณะเดียวกันก็รับเอาสิ่งใหม่ ๆ มาใช้” Prokofiev แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับผลิตผลของเขา
ผู้แต่งเลือกองค์ประกอบที่เรียบง่ายของวงออเคสตราอีกครั้งด้วยจิตวิญญาณของเวียนนาคลาสสิก - โดยไม่ต้องใช้ทองเหลืองหนัก พื้นผิวและการเรียบเรียงมีความเบาและโปร่งใส ขนาดของงานไม่ใหญ่นัก องค์ประกอบมีความกลมกลืนและสมเหตุสมผล กล่าวอีกนัยหนึ่งมันชวนให้นึกถึงงานคลาสสิกซึ่งเกิดโดยไม่ได้ตั้งใจในศตวรรษที่ 20 อย่างไรก็ตามยังมีสัญลักษณ์ Prokofiev ล้วนๆ เช่นประเภท Gavotte ที่เขาชื่นชอบในการเคลื่อนไหวครั้งที่สามแทนที่จะเป็น Scherzo (ต่อมาผู้แต่งได้ใช้เนื้อหาดนตรีนี้ในบัลเล่ต์ "Romeo and Juliet") เช่นเดียวกับ "พริกไทยที่คมชัด" ” ความสามัคคีและอารมณ์ขันทางดนตรี
0:33 ไอ. อัลเลโกร
5:20 II. ลาร์เกตโต
9:35 น. Gavotta (ไม่ใช่ทรอปโปอัลเลโกร)
11:17 น. ตอนจบ (Molto vivace)
♫♪ ♫♪ ♫♪
ซิมโฟนีที่เจ็ด (เลนินกราด) โดย DMITRY SHOSTAKOVICH (C MAJOR, 1941)
เมื่อวันที่ 2 กรกฎาคม พ.ศ. 2485 นักบินอายุ 20 ปี ร้อยโท Litvinov ได้บุกทะลวงวงล้อมของศัตรูอย่างปาฏิหาริย์และสามารถนำยาและหนังสือดนตรีอ้วนท้วนสี่เล่มที่มีคะแนนของซิมโฟนีที่เจ็ดของ D.D. มาปิดล้อมเลนินกราด Shostakovich และในวันรุ่งขึ้นข้อความสั้น ๆ ปรากฏใน Leningradskaya Pravda:“ คะแนนของซิมโฟนีที่เจ็ดของ Dmitry Shostakovich ถูกส่งไปยังเลนินกราดโดยเครื่องบิน การแสดงต่อสาธารณะจะจัดขึ้นที่ Great Hall of the Philharmonic”
เหตุการณ์ที่ประวัติศาสตร์ดนตรีไม่เคยรู้จักการเปรียบเทียบมาก่อน: ในเมืองที่ถูกปิดล้อม นักดนตรีที่เหนื่อยล้าอย่างมาก (ทุกคนที่รอดชีวิตมามีส่วนร่วม) ภายใต้กระบองของผู้ควบคุมวง Carl Eliasberg แสดงซิมโฟนีใหม่ของโชสตาโควิช แบบเดียวกับที่ผู้แต่งแต่งขึ้นในสัปดาห์แรกของการปิดล้อม จนกระทั่งเขาและครอบครัวอพยพไปยัง Kuibyshev (Samara) ในวันเปิดตัวรอบปฐมทัศน์ของเลนินกราดคือวันที่ 9 สิงหาคม พ.ศ. 2485 ห้องโถงใหญ่ของ Leningrad Philharmonic เต็มไปด้วยผู้คนในเมืองที่เหนื่อยล้าซึ่งมีใบหน้าโปร่งแสง แต่ในขณะเดียวกันก็สวมเสื้อผ้าหรูหราและบุคลากรทางทหารที่มาจาก แนวหน้า ซิมโฟนีถูกถ่ายทอดไปตามถนนผ่านลำโพงวิทยุ เย็นวันนั้น คนทั้งโลกยืนนิ่งและฟังความสามารถที่ไม่เคยมีมาก่อนของนักดนตรี
...เป็นเรื่องน่าสังเกต แต่ธีมที่มีชื่อเสียงในจิตวิญญาณของ "Bolero" ของ Ravel ซึ่งปัจจุบันมักจะแสดงเป็นกองทัพฟาสซิสต์เคลื่อนไหวและทำลายทุกสิ่งที่ขวางหน้าอย่างไร้เหตุผลนั้นเขียนโดย Shostakovich ก่อนเริ่มสงครามด้วยซ้ำ อย่างไรก็ตาม มันค่อนข้างรวมอยู่ในส่วนแรกของ Leningrad Symphony โดยแทนที่สิ่งที่เรียกว่า "ตอนการบุกรุก" การสิ้นสุดที่เห็นพ้องต้องกันของชีวิตก็กลายเป็นคำทำนายเช่นกัน โดยคาดหวังถึงชัยชนะอันเป็นโลภ ซึ่งยังคงถูกแยกจากกันด้วยเวลาอันยาวนานสามปีครึ่ง...
อ. อัลเลเกรตโต 00:00 น
ครั้งที่สอง โมเดอราโต (โปโก อัลเลเกรตโต) 26:25
III. อดาจิโอ 37:00
IV. อัลเลโกร นอน ทรอปโป 53:40
♫♪ ♫♪ ♫♪
จากภาษากรีก Symponia - ความสอดคล้อง
ดนตรีสำหรับวงออเคสตรา ส่วนใหญ่เป็นเพลงซิมโฟนิก มักอยู่ในรูปแบบโซนาตา-ไซคลิก มักประกอบด้วย 4 ส่วน; มีส.มีชิ้นส่วนมากน้อยจนมีชิ้นเดียว. บางครั้งใน S. นอกเหนือจากวงออเคสตราแล้วยังมีการแนะนำคณะนักร้องประสานเสียงและเสียงร้องเดี่ยวอีกด้วย เสียง (จึงเป็นเส้นทางสู่ S. cantata) มีวงออเคสตราสำหรับเครื่องสาย แชมเบอร์ ลม และวงออเคสตราอื่นๆ สำหรับวงออเคสตราที่มีเครื่องดนตรีเดี่ยว (คอนเสิร์ตคอนเสิร์ต) ออร์แกน นักร้องประสานเสียง (วงดุริยางค์ประสานเสียง) และกระทะจีน วงดนตรี (แกนนำ C) คอนเสิร์ตซิมโฟนีคือซิมโฟนีที่มีเครื่องดนตรีคอนเสิร์ต (เดี่ยว) (ตั้งแต่ 2 ถึง 9) ซึ่งมีโครงสร้างคล้ายกับคอนแชร์โต S. มักจะใกล้เคียงกับแนวเพลงอื่นๆ: S.-suite, S.-rhapsody, S.-fantasy, S.-ballad, S.-legend, S.-poem, S.-cantata, S.-requiem, S. .-บัลเล่ต์, S.-drama (ประเภทของแคนทาทา), ละคร. S. (สกุล) โดยธรรมชาติแล้ว S. ยังสามารถเปรียบได้กับโศกนาฏกรรม ละคร และบทเพลง บทกวีกล้าหาญ มหากาพย์ เพื่อให้เข้าใกล้วงจรของแนวเพลงมากขึ้น บทละครจะนำมาแสดงเป็นซีรีส์ ดนตรี ภาพวาด โดยทั่วไปแล้ว ในตัวอย่างนี้ เธอผสมผสานความแตกต่างของส่วนต่างๆ เข้ากับความสามัคคีของแนวคิด ความหลากหลายของภาพที่หลากหลาย ด้วยความสมบูรณ์ของแรงบันดาลใจ ละคร ส. ครอบครองสถานที่เดียวกันในดนตรีเช่นเดียวกับละครหรือนวนิยายในวรรณคดี เนื่องจากเป็นประเภทสูงสุดของ Instr ดนตรีมีความเหนือกว่าดนตรีประเภทอื่นๆ ทั้งหมดในแง่ของความเป็นไปได้ในการใช้งานที่กว้างที่สุด ความคิดและความมั่งคั่งของสภาวะทางอารมณ์
เบื้องต้นที่ ดร. กรีซคำว่า "S" หมายถึงการผสมผสานของโทนเสียงที่กลมกลืนกัน (ควอต, ห้า, อ็อกเทฟ) รวมถึงการร้องเพลงร่วมกัน (วงดนตรี, คณะนักร้องประสานเสียง) พร้อมเพรียงกัน ต่อมาใน ดร. โรมก็กลายเป็นชื่อของเครื่องดนตรี วงดนตรี, วงออเคสตรา ในวันพุธ ศตวรรษ S. ถูกเข้าใจว่าเป็นผู้สอนทางโลก ดนตรี (ในแง่นี้คำนี้ใช้ในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18) บางครั้งก็เป็นดนตรีโดยทั่วไป นอกจากนี้นี่คือชื่อของรำพึงบางแห่ง เครื่องมือ (เช่น hurdy-gurdy) ในศตวรรษที่ 16 คำนี้ใช้ในชื่อ คอลเลกชันของ motets (1538), มาดริกัล (1585), เครื่องดนตรีเสียง การเรียบเรียง (“Sacrae symphonies” - “Sacred symphonies” โดย G. Gabrieli, 1597, 1615) จากนั้นจึงบรรเลง โพลีโฟนิค ละคร (ต้นศตวรรษที่ 17) มันถูกกำหนดให้กับรูปหลายเหลี่ยม (มักเป็นคอร์ด) ตอนต่างๆ เช่น บทนำหรือสลับฉากในกระทะ และคำแนะนำ โปรดักชั่น โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับการแนะนำ (การทาบทาม) สู่ห้องสวีท แคนทาทาส และโอเปร่า ในบรรดาการทาบทามโอเปร่ามีสองประเภทเกิดขึ้น: Venetian - ประกอบด้วยสองส่วน (ช้า, เคร่งขรึมและเร็ว, ความทรงจำ) ต่อมาพัฒนาเป็นภาษาฝรั่งเศส การทาบทามและเนเปิลส์ - สามส่วน (เร็ว - ช้า - เร็ว) เปิดตัวในปี 1681 โดย A. Scarlatti ซึ่งใช้ส่วนอื่นรวมกัน โซนาต้าไซคลิก แบบฟอร์มจะค่อยๆมีความโดดเด่นใน S. และได้รับการพัฒนาในหลายแง่มุมโดยเฉพาะ
แยกทางกันประมาณ.. 1730 จากโรงละครโอเปร่าที่ออร์ค การแนะนำได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปแบบของการทาบทาม S. กลายเป็นอันอิสระ ประเภทออร์ค ดนตรี. ในศตวรรษที่ 18 จะเติมเต็มให้เป็นพื้นฐาน องค์ประกอบเป็นสตริง เครื่องดนตรี โอโบ และเขาสัตว์ พัฒนาการของส.ได้รับอิทธิพลต่างๆ ประเภทของออร์ค และแชมเบอร์มิวสิค - คอนเสิร์ต, สวีท, ทรีโอโซนาตา, โซนาตา ฯลฯ รวมถึงโอเปร่าที่มีวงดนตรีนักร้องประสานเสียงและอาเรียซึ่งมีผลกระทบต่อท่วงทำนองความสามัคคีโครงสร้างและโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของ S. ที่เห็นได้ชัดเจนมาก เฉพาะเจาะจงแค่ไหน. แนวเพลงซิมโฟนีเติบโตเต็มที่เมื่อแยกตัวออกจากดนตรีแนวอื่นๆ โดยเฉพาะดนตรีละคร ได้รับอิสรภาพในด้านเนื้อหา รูปแบบ การพัฒนาแก่นเรื่อง และสร้างวิธีการเรียบเรียงนั้น ซึ่งต่อมาได้ชื่อว่าซิมโฟนิซึม และในทางกลับกันก็มี มีอิทธิพลอย่างมากต่อดนตรีหลายพื้นที่ ความคิดสร้างสรรค์
โครงสร้างของส.มีวิวัฒนาการ พื้นฐานของซีรีส์นี้คือวงจร 3 ส่วนของประเภทเนเปิลส์ มักทำตามแบบอย่างของชาวเมืองเวนิสและชาวฝรั่งเศส การทาบทามใน S. รวมถึงการแนะนำการเคลื่อนไหวครั้งแรกอย่างช้าๆ ต่อมา minuet ถูกรวมไว้ใน S. - อันดับแรกเป็นตอนจบของรอบ 3 ส่วนจากนั้นเป็นหนึ่งในส่วน (โดยปกติจะเป็นส่วนที่ 3) ของรอบ 4 ส่วนซึ่งตามกฎแล้วตอนจบจะใช้ รูปแบบของรอนโดหรือรอนโดโซนาตา ตั้งแต่สมัยของ L. Beethoven minuet ถูกแทนที่ด้วย scherzo (การเคลื่อนไหวครั้งที่ 3 บางครั้งเป็นครั้งที่ 2) และตั้งแต่สมัยของ G. Berlioz - ด้วยเพลงวอลทซ์ รูปแบบโซนาตาที่สำคัญที่สุดสำหรับ S. จะใช้เป็นหลักในการเคลื่อนไหวครั้งที่ 1 บางครั้งก็ใช้ในการเคลื่อนไหวช้าและครั้งสุดท้ายด้วย ในศตวรรษที่ 18 ส.ได้รับการปลูกฝังมาหลายครั้ง อาจารย์ ในบรรดาพวกเขาคือ J.B. Sammartini ชาวอิตาลี (85 C., แคลิฟอร์เนีย 1730-70 ซึ่งสูญหาย 7 คน) นักแต่งเพลงของโรงเรียน Mannheim ซึ่งชาวเช็กครองตำแหน่งผู้นำ (F.K. Richter, J. Stamitz ฯลฯ . ) ตัวแทนของสิ่งที่เรียกว่า โรงเรียนเวียนนาก่อนคลาสสิก (หรือต้น) (M. Monn, G.K. Wagenseil ฯลฯ ) F. J. Gossec ชาวเบลเยียมซึ่งทำงานในปารีสผู้ก่อตั้งฝรั่งเศส S. (29 S., 1754-1809, รวมถึง "Hunting", 1766; นอกจากนี้ 3 S. สำหรับวงออร์เคสตราทองเหลือง) คลาสสิค ประเภท S. ถูกสร้างขึ้นโดยชาวออสเตรีย คอมพ์ เจ. ไฮเดิน และ ดับเบิลยู. เอ. โมสาร์ท ในงานของ "บิดาแห่งซิมโฟนี" Haydn (104 S. , 1759-95) การก่อตัวของซิมโฟนีเสร็จสมบูรณ์ จากแนวเพลงเพื่อความบันเทิงในชีวิตประจำวันกลายเป็นเครื่องดนตรีประเภทจริงจังที่โดดเด่น ดนตรี. หลัก คุณสมบัติของโครงสร้างของมัน ระบบได้พัฒนาเป็นลำดับของความแตกต่างภายใน โดยตั้งใจพัฒนาส่วนที่เป็นหนึ่งเดียวกันโดยแนวคิดร่วมกัน โมสาร์ทมีส่วนร่วมในละครของ S. ความตึงเครียดและการแต่งเพลงที่เร่าร้อน ความยิ่งใหญ่และความสง่างาม ทำให้มีความสามัคคีทางโวหารมากยิ่งขึ้น (ประมาณ 50 C, 1764/65-1788) C. สุดท้ายของเขา - Es-dur, g-moll และ C-dur ("Jupiter") - ความสำเร็จสูงสุดของซิมโฟนี ศิลปะศตวรรษที่ 18 ประสบการณ์เชิงสร้างสรรค์ของโมสาร์ทสะท้อนให้เห็นในผลงานชิ้นหลังของเขา ไฮเดน. บทบาทของแอล. เบโธเฟนผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา (9 ส. , 1800-24) มีความสำคัญอย่างยิ่งในประวัติศาสตร์ของเอส. ลำดับที่ 3 ("Heroic", 1804), ลำดับที่ 5 (1808) และลำดับที่ 9 (โดยมีวงนักร้องประสานเสียงและคณะนักร้องประสานเสียงในตอนจบ พ.ศ. 2367) S. เป็นตัวอย่างของวีรบุรุษ การแสดงดนตรีประสานเสียงที่ส่งถึงมวลชน รวบรวมการปฏิวัติ น่าสมเพช การต่อสู้. S. ที่ 6 ของเขา ("Pastoral", 1808) เป็นตัวอย่างของการประสานเสียงของโปรแกรม (ดูที่ Program music) และ S. ที่ 7 (1812) ในคำพูดของ R. Wagner คือ "apotheosis of dance" เบโธเฟนขยายขอบเขตของ S. , ไดนามิกของละคร, เพิ่มวิภาษวิธีของธีมเฉพาะให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น การพัฒนาที่อุดมภายใน โครงสร้างและความหมายเชิงอุดมคติของ S.
สำหรับคนออสเตรีย และภาษาเยอรมัน นักแต่งเพลงโรแมนติกของครึ่งแรก ศตวรรษที่ 19 แนวเพลงทั่วไป ได้แก่ โคลงสั้น ๆ (ซิมโฟนี "Unfinished" ของชูเบิร์ต, 1822) และมหากาพย์ (เพลงสุดท้าย - ซิมโฟนีที่ 8 ของชูเบิร์ต) รวมถึงภูมิทัศน์และสไตล์ในชีวิตประจำวันด้วยธีมประจำชาติที่มีสีสัน การระบายสี (“ภาษาอิตาลี”, พ.ศ. 2376 และ “สกอตติช”, พ.ศ. 2373-42, Mendelssohn-Bartholdy) ระดับจิตวิทยาก็เพิ่มขึ้นเช่นกัน ความมั่งคั่งของ S. (4 ซิมโฟนีของ R. Schumann, 1841-51 ซึ่งการเคลื่อนไหวช้าๆ และ scherzos แสดงออกได้มากที่สุด) แนวโน้มที่เกิดขึ้นในหมู่คลาสสิกเกิดขึ้นทันที การเปลี่ยนผ่านจากส่วนหนึ่งไปยังอีกส่วนหนึ่งและการสร้างธีม ความเชื่อมโยงระหว่างส่วนต่างๆ (เช่น ในซิมโฟนีที่ 5 ของเบโธเฟน) ทวีความรุนแรงมากขึ้นในหมู่แนวโรแมนติก โดยส่วนต่างๆ ตามมาโดยไม่หยุด (ซิมโฟนี "สก็อตติช" ของ Mendelssohn-Bartholdy, ซิมโฟนีที่ 4 ของ Schumann)
การเพิ่มขึ้นของชาวฝรั่งเศส S. มีอายุย้อนไปถึงปี 1830-40 เมื่อมีการผลิตเชิงนวัตกรรมปรากฏขึ้น G. Berlioz ผู้สร้างความโรแมนติก ซอฟต์แวร์ C ที่ใช้ไฟส่องสว่าง โครงเรื่อง (5 ส่วน "Fantastic" S., 1830), S.-concerto ("Harold in Italy", สำหรับวิโอลาและวงออเคสตรา, หลัง J. Byron, 1834), S.-oratorio ("Romeo and Juliet", dram . S. ใน 6 ส่วนพร้อมนักร้องเดี่ยวและนักร้องประสานเสียงหลังจาก W. Shakespeare, 1839), "ซิมโฟนีงานศพ" (การเดินขบวนศพ, โซโลทรอมโบน "ปราศรัย" และ apotheosis - สำหรับวงออร์เคสตราทองเหลืองหรือวงซิมโฟนีออร์เคสตรา, ทางเลือก - และคณะนักร้องประสานเสียง 1840) Berlioz มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยขนาดการผลิตที่ยิ่งใหญ่ องค์ประกอบที่ใหญ่โตของวงออเคสตรา และเครื่องดนตรีที่มีสีสันพร้อมความแตกต่างอันละเอียดอ่อน ปรัชญาและจริยธรรม ปัญหาดังกล่าวสะท้อนให้เห็นในซิมโฟนีของ F. Liszt ("Faust Symphony" แต่ J. W. Goethe, 1854 พร้อมท่อนคอรัสสุดท้าย, 1857; "S. to Dante's Divine Comedy", 1856) คนใบ้ทำหน้าที่เป็นตัวต่อต้านทิศทางทางโปรแกรมของ Berlioz และ Liszt โคมิ เจ. บราห์มส์ ซึ่งทำงานในเวียนนา ใน 4 S. (พ.ศ. 2419-28) พัฒนาประเพณีของเบโธเฟนและยวนใจ ซิมโฟนิซึมผสมผสานความคลาสสิก ความสามัคคีและสภาวะทางอารมณ์ที่หลากหลาย คล้ายกันในสไตล์ แรงบันดาลใจและในขณะเดียวกันก็เป็นชาวฝรั่งเศสแต่ละคน S. ในช่วงเวลาเดียวกัน - 3rd S. (พร้อมออร์แกน) โดย C. Saint-Saens (1887) และ S. d-moll โดย S. Frank (1888) ใน S. “From the New World” โดย A. Dvořák (สุดท้าย ตามลำดับเวลา 9, 1893) ไม่เพียงแต่ภาษาเช็กเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงแรงบันดาลใจของชาวนิโกรและอินเดียด้วย องค์ประกอบ แนวคิดทางอุดมการณ์ของชาวออสเตรียมีความสำคัญ นักซิมโฟนี A. Bruckner และ G. Mahler การผลิตที่ยิ่งใหญ่ Bruckner (8 S., 1865-1894, 9th unfinished, 1896) โดดเด่นด้วยความมีชีวิตชีวาของโพลีโฟนิก โครงสร้าง (อิทธิพลของศิลปะองค์กร และอาจรวมถึงละครเพลงของอาร์. วากเนอร์) ระยะเวลาและพลังของการสะสมทางอารมณ์ สำหรับซิมโฟนีของมาห์เลอร์ (9 ส. , 2381-2452, 4 คนด้วยการร้องเพลงรวมถึงครั้งที่ 8 - "ซิมโฟนีของผู้เข้าร่วมหนึ่งพันคน", 2450; ครั้งที่ 10 ยังไม่เสร็จสมบูรณ์ความพยายามที่จะทำให้เสร็จจากภาพร่างทำโดย D. Cook ในปี 1960; S.-cantata “Song of the Earth” กับนักร้องเดี่ยว 2 คน, 1908) โดดเด่นด้วยความรุนแรงของความขัดแย้ง ความน่าสมเพชและโศกนาฏกรรมอันประเสริฐ และแสดงออกถึงความแปลกใหม่ กองทุน ราวกับว่าตรงกันข้ามกับการเรียบเรียงขนาดใหญ่ซึ่งใช้นักแสดงที่ร่ำรวย เครื่องดนตรี แชมเบอร์ซิมโฟนี และซิมโฟนีเอตต้า ปรากฏขึ้น
นักเขียนที่โดดเด่นที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ในฝรั่งเศส - A. Roussel (4 S. , 1906-34), A. Honegger (สวิสตามสัญชาติ, 5 S. , 1930-50 รวมถึงอันดับ 3 - "Liturgical", 1946, 5th - S. "three D", พ.ศ. 2493), D. Milhaud (12 ส., พ.ศ. 2482-2504), O. Messiaen ("Turangalila" ใน 10 ส่วน, พ.ศ. 2491); ในเยอรมนี - R. Strauss ("บ้าน", 2446, "อัลไพน์", 2458), P. Hindempt (4 ส., 2477-58 รวมถึงคนที่ 1 - "ศิลปิน Mathis", 2477, 3- ฉัน - "ความสามัคคีของ โลก”, 1951), K. A. Hartman (8th S., 1940-1920) และอื่น ๆ การมีส่วนร่วมในการพัฒนาของ S. จัดทำโดย Swiss H. Huber (8th S. , 1881-1920, รวม 7 - “ชาวสวิส”, พ.ศ. 2460), ชาวนอร์เวย์ K. Sinding (4 ส., พ.ศ. 2433-2479), H. Severud (9 ส., พ.ศ. 2463-2504 รวมถึงผู้ต่อต้านลัทธิฟาสซิสต์โดยการออกแบบ 5-7- I, พ.ศ. 2484-2488) เค. เอ็กเก้ (5 ส., พ.ศ. 2485-69), เดน เค. นีลเซ่น (6 ส., พ.ศ. 2434-2468), ฟินน์ เจ. ซิเบลิอุส (7 ส., พ.ศ. 2442-2467), โรมาเนีย เจ. . , 1905-1919), ชาวดัตช์ B. Peyper (3 ส., 1917-27) และ H. Badings (10 ส., 1930-1961), ชาวสวีเดน H. Rusenberg (7 ส., 1919-69, และ S. . สำหรับเครื่องดื่มแอลกอฮอล์และเครื่องเพอร์คัชชัน, พ.ศ. 2511), อิตาลี J. F. Malipiero (11 S., 1933-69), ชาวอังกฤษ R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S.-requiem, 1940, " Spring" S. สำหรับนักร้องเดี่ยว, นักร้องประสานเสียงผสม, นักร้องประสานเสียงเด็กชายและวงซิมโฟนีออร์เคสตรา, 2492), ชาวอเมริกัน C. Ives (5 ส., พ.ศ. 2441-2456), W. Piston ( 8 ส., 2480-65) และ R. Harris (12 S., 1933-69), Brazilian E. Vila Lobos (12 S., 1916-58) และอื่นๆ หลากหลายประเภท C. ศตวรรษที่ 20 เนื่องจากความคิดสร้างสรรค์ที่หลากหลาย ทิศทางระดับชาติ โรงเรียน การเชื่อมโยงนิทานพื้นบ้าน ทันสมัย S. ยังมีโครงสร้าง รูปแบบ และคุณลักษณะที่แตกต่างกัน โดยมุ่งสู่ความใกล้ชิด และในทางกลับกัน ไปสู่ความยิ่งใหญ่ ไม่แบ่งออกเป็นส่วน ๆ และประกอบด้วยพหูพจน์ ชิ้นส่วน; แบบดั้งเดิม คลังสินค้าและองค์ประกอบฟรี สำหรับซิมโฟนีปกติ วงออเคสตราและการเรียบเรียงที่ผิดปกติ ฯลฯ หนึ่งในกระแสดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 เกี่ยวข้องกับการดัดแปลงท่วงทำนองโบราณ - พรีคลาสสิกและคลาสสิกตอนต้น ประเภทและรูปแบบ S. S. Prokofiev จ่ายส่วยให้เขาใน "Classical Symphony" (1907) และ I. F. Stravinsky ใน Symphony in C และ "Symphony in Three Movements" (1940-45) ในศตวรรษที่ 20 บ้าง การเบี่ยงเบนไปจากบรรทัดฐานก่อนหน้านี้ถูกเปิดเผยภายใต้อิทธิพลของลัทธิอัตตานิยม ลัทธิต่ำต้อย และหลักการใหม่อื่นๆ ในการจัดองค์ประกอบ A. Webern สร้าง S. (1928) ด้วยซีรีส์ 12 โทน ในบรรดาตัวแทนของ "เปรี้ยวจี๊ด" เอสถูกอดกลั้น ประเภทและรูปแบบการทดลองใหม่
ครั้งแรกในหมู่ชาวรัสเซีย นักแต่งเพลงหันมาใช้แนว S. (ยกเว้น D. S. Bortnyansky ซึ่งมี "Symphony Concertante" ในปี 1790 เขียนขึ้นสำหรับวงดนตรีในห้อง) Mich Y. Vielgorsky (S. ที่ 2 ของเขาแสดงในปี 1825) และ A. A. Alyabyev (S. e-moll ส่วนหนึ่งของเขา, 1830 และชุด S. Es-dur ประเภท 3 ส่วนที่ไม่ระบุวันที่พร้อมแตรคอนเสิร์ต 4 ตัวรอดชีวิตมาได้ ) ต่อมา A.G. Rubinstein (6th S. , 1850-86 รวมถึง 2 - "Ocean", 1854, 4 - "Dramatic", 1874) M.I. Glinka ผู้แต่ง S.-overture ที่ยังไม่เสร็จที่ด้านล่างของภาษารัสเซีย ธีม (พ.ศ. 2377 สร้างเสร็จในปี พ.ศ. 2480 โดย V. Ya. Shebalin) มีอิทธิพลอย่างเด็ดขาดต่อการก่อตัวของโวหาร ไอ้รัสเซีย ส. ด้วยซิมโฟนีทั้งหมดของเขา ความคิดสร้างสรรค์ซึ่งผลงานประเภทอื่นมีอิทธิพลเหนือกว่า ในส. รัสเซีย ผู้เขียนแสดงออกถึงความเป็นชาตินิยมอย่างชัดเจน ตัวละคร รูปภาพของผู้คนจะถูกบันทึก ชีวิตประวัติศาสตร์ เหตุการณ์สะท้อนถึงแรงจูงใจของบทกวี ในบรรดาผู้แต่งเพลง The Mighty Handful, N. A. Rimsky-Korsakov (3 S., 1865-74) เป็นคนแรกที่ทำหน้าที่เป็นผู้เขียน S. ผู้สร้างชาวรัสเซีย มหากาพย์ S. ปรากฏตัวโดย A.P. Borodin (2nd S. , 1867-76; ยังไม่เสร็จในวันที่ 3, 1887, บันทึกบางส่วนจากความทรงจำโดย A.K. Glazunov) ในงานของเขาโดยเฉพาะใน "Bogatyrskaya" (2nd) S. Borodin ได้รวบรวมภาพของผู้คนขนาดยักษ์ ความแข็งแกร่ง. ท่ามกลางความสำเร็จสูงสุดของโลกซิมโฟนี - การผลิต P. I. Tchaikovsky (6 ส., 1800-93 และโปรแกรม S. “Manfred” หลังจาก J. Byron, 1885) วันที่ 4, 5 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งวันที่ 6 ("น่าสมเพช" ตอนจบช้า) S. มีลักษณะเป็นโคลงสั้น ๆ - ละครบรรลุพลังที่น่าเศร้าในการแสดงออกของความขัดแย้งในชีวิต พวกเขามีจิตวิทยาลึกซึ้ง ด้วยความเข้าใจอันลึกซึ้ง พวกเขาถ่ายทอดประสบการณ์อันหลากหลายของมนุษย์ เส้นมหากาพย์ S. ต่อโดย A.K. Glazunov (8 S. , 1881-1906, รวมถึง 1 - "Slavic"; ยังไม่เสร็จ 9, 1910, - ส่วนหนึ่ง, เครื่องดนตรีโดย G. Ya. Yudin ในปี 1948) , 2 S. เขียนโดย M. A. Balakirev (2441, 2451), 3 S. - โดย R. M. Gliere (2443-54, 3 - "Ilya Muromets") ซิมโฟนีดึงดูดคุณด้วยเนื้อเพลงที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ S. Kalinnikova (2 S. , 1895, 1897) สมาธิที่ลึกซึ้ง - S. c-moll S. I. Taneyeva (ที่ 1, จริง ๆ แล้ว 4, 1898), ละคร น่าสมเพช - ซิมโฟนีของ S. V. Rachmaninov (3 S. , 1895, 1907, 1936) และ A. N. Scriabin ผู้สร้าง 6 ส่วนที่ 1 (1900), 5 ส่วนที่ 2 (1902) และ 3 ส่วนที่ 3 (“ บทกวีศักดิ์สิทธิ์ ”, 1904) โดดเด่นด้วยการแสดงละครพิเศษ ความซื่อสัตย์และพลังแห่งการแสดงออก
S. ครอบครองสถานที่สำคัญในสหภาพโซเวียต ดนตรี. ในผลงานของนกฮูก นักแต่งเพลงได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้นและมีชีวิตชีวาโดยเฉพาะจากประเพณีอันสูงส่งของดนตรีคลาสสิก การแสดงดนตรีประสานเสียง Sovs หันไปหา S นักแต่งเพลงทุกรุ่นเริ่มต้นจากปรมาจารย์อาวุโส - N. Ya. Myaskovsky ผู้สร้าง 27 S. (พ.ศ. 2451-50 รวมถึงวันที่ 19 - สำหรับวงออร์เคสตราทองเหลือง พ.ศ. 2482) และ S. S. Prokofiev ผู้แต่ง 7 S. (พ.ศ. 2460-2495) ) และปิดท้ายด้วยนักแต่งเพลงหนุ่มมากความสามารถ บุคคลสำคัญในสาขานกฮูก ส. - ดี. ดี. โชสตาโควิช ในทศวรรษที่ 15 (พ.ศ. 2468-2514) ความลึกของจิตสำนึกของมนุษย์และความดื้อรั้นของศีลธรรมได้รับการเปิดเผย กองกำลัง (5 - 1937, 8 - 1943, 15 - 1971) รวบรวมธีมที่น่าตื่นเต้นของความทันสมัย (ที่ 7 - ที่เรียกว่า Leningradskaya, 1941) และประวัติศาสตร์ (11 - "1905", 1957; 12 - "1917", 1961) เห็นอกเห็นใจสูง อุดมคตินั้นตรงกันข้ามกับภาพมืดมนของความรุนแรงและความชั่วร้าย (5 ตอนที่ 13 อิงจากเนื้อเพลงของ E. A. Yevtushenko สำหรับเบส นักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา พ.ศ. 2505) พัฒนาประเพณี และทันสมัย ประเภทของโครงสร้างของวงจรโซนาต้าผู้แต่งพร้อมกับวงจรโซนาต้าที่ตีความอย่างอิสระ (วงจรโซนาต้าจำนวนหนึ่งของเขามีลักษณะตามลำดับ: ช้า - เร็ว - ช้า - เร็ว) ใช้โครงสร้างอื่น ๆ (เช่นในวันที่ 11 - “1905”) ดึงดูดเสียงของมนุษย์ (นักร้องเดี่ยว นักร้องประสานเสียง) ใน 11 ตอนที่ 14th S. (1969) ซึ่งมีการเปิดเผยแก่นเรื่องของชีวิตและความตายโดยมีภูมิหลังทางสังคมที่กว้างใหญ่ เสียงร้องเพลงสองเสียงจะถูกขับเดี่ยวโดยมีเครื่องสายสนับสนุน และระเบิด เครื่องมือ
ตัวแทนของผู้คนจำนวนมากทำงานอย่างมีประสิทธิผลในภูมิภาค S. ระดับชาติ กิ่งก้านของนกฮูก ดนตรี. ในหมู่พวกเขามีปรมาจารย์นกฮูกที่มีชื่อเสียง ดนตรีเช่น A.I. Khachaturian - อาร์เมเนียที่ใหญ่ที่สุด นักซิมโฟนีผู้แต่งเพลงสีสันสดใสและเจ้าอารมณ์ (1st - 1935, 2nd - "S. with a bell", 1943, 3rd - S.-poem, พร้อมออร์แกนและอีก 15 ไปป์, 1947); ในอาเซอร์ไบจาน - K. Karaev (S. 3 ของเขา, 1965 โดดเด่น), ในลัตเวีย - Y. Ivanov (15 S. , 1933-72) ฯลฯ ดูดนตรีโซเวียต
วรรณกรรม: Glebov Igor (Asafiev B.V.) การสร้างซิมโฟนีสมัยใหม่ "ดนตรีสมัยใหม่", 2468, หมายเลข 8; Asafiev B.V. , Symphony ในหนังสือ: บทความเกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของโซเวียต, เล่ม 1, M.-L. , 1947; 55 ซิมโฟนีโซเวียต, เลนินกราด, 2504; Popova T. , Symphony, M.-L. , 1951; Yarustovsky B. , ซิมโฟนีเกี่ยวกับสงครามและสันติภาพ, M. , 1966; ซิมโฟนีโซเวียต 50 ปี (รวม) ฉบับปรับปรุง เอ็ด G. G. Tigranov, เลนินกราด, 2510; Konen V. , โรงละครและซิมโฟนี..., M. , 1968, 1975; Tigranov G. เกี่ยวกับระดับชาติและนานาชาติในซิมโฟนีโซเวียตในหนังสือ: ดนตรีในสังคมสังคมนิยม เล่ม 1 1, ล., 1969; Rytsarev S., Symphony ในฝรั่งเศสก่อน Berlioz, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie a orchestra depuis ses origines jusqu"a Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, V. 1898 . Lpz., 1926; his, Ratschldge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (คำแปลภาษารัสเซีย - Weingartner R., การแสดงซิมโฟนีคลาสสิก. คำแนะนำสำหรับผู้ควบคุมวง, t. .1 ม. 2508); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg 33, ลำดับที่ 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefrança F., Le origini della sinfonia, "RMI", 1913, v. 20 น. 291-346, 1914, โวลต์. 21 น. 97-121, 278-312, 1915, ข้อ 22, น. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (การแปลภาษารัสเซีย - Becker P., Symphony จาก Beethoven ถึง Mahler, ed. และบทนำโดย I. Glebov, L., 1926 ); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die รูปแบบการ Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg 4, H. 1, เหมือนกัน, Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr., Die opera buffa-Sinfonie und ihre Beziehungen zur klassischen Sinfonie, "AfMw", 1927 , จ่าร์ก. 8 หมายเลข 4; เหมือนกัน Die Durchführungsfrage ใน der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, V., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Сarse A., ซิมโฟนีศตวรรษที่ 18, L., 1951; Borrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B.S., La symphonie française dans la Seconde moitié du XVIII siècle, v. 1-3 ป. 2505; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, วีสบาเดิน, 1964
บี.เอส. สไตน์เพรส