สไตล์ศิลปะนามธรรม รูปแบบจิตรกรรม: ศิลปะนามธรรม

พวกเราใส่จิตวิญญาณของเราเข้าไปในไซต์ ขอบคุณสำหรับสิ่งนั้น
ว่าคุณกำลังค้นพบความงามนี้ ขอบคุณสำหรับแรงบันดาลใจและความขนลุก
เข้าร่วมกับเราบน เฟสบุ๊คและ ติดต่อกับ

อย่าเพิ่งตกใจ มันง่ายมาก

สำหรับบางคน ภาพวาดนามธรรมถือเป็น "แต้มสี" และไม่ใช่งานศิลปะเลย สำหรับคนอื่นๆ มันเป็นโลกที่น่าอัศจรรย์ที่ไม่อาจเข้าใจได้ บางคนชอบมัน และบางคนไม่ชอบมัน ไม่ว่าในกรณีใด หากคุณไม่คิดว่าตัวเองเป็นนักเลงมัน เราก็ขอเสนอเคล็ดลับในการผูกมิตรกับสัตว์ร้ายตัวนี้ และครั้งต่อไปที่เจอเขาอย่าสับสน

ไม่มีรหัสหรือข้อความที่เข้ารหัส

เป็นธรรมชาติของมนุษย์ที่จะมองหาปัญหาและความหมายที่ซ่อนอยู่ซึ่งไม่มีเลย และศิลปะนามธรรมก็เป็นเพียงสถานที่เช่นนั้น หายใจเข้าลึกๆ ละทิ้งความปรารถนาที่จะเชื่อมโยงทุกสีกับชีวประวัติของศิลปิน และค้นหาคำอธิบายสำหรับทุกจังหวะ การเดาปริศนาจะทำให้คุณมีความสุขชั่วขณะ แต่การดำดิ่งลงไปในความลึกลับนั้นเป็นความสุขที่ยืนยาว

คุณต้องทำความคุ้นเคยกับภาพ

ว่ากันว่าศิลปะนามธรรมทำให้การรับรู้ช้าลง ไม่น่าแปลกใจเลยที่ต้องใช้เวลาในการทำความเข้าใจงานดังกล่าว ต้องดูงานนานแค่ไหนถึงจะรู้สึกได้? ดูจนเบื่อ. หากคุณสนใจ คุณจะกลับมาซ้ำแล้วซ้ำอีกและค้นพบสิ่งใหม่ ๆ อยู่ตลอดเวลา

อย่าคิดถึงความหมาย มุ่งความสนใจไปที่ความรู้สึก

ในคลาสสิกทุกอย่างชัดเจน: สีน้ำมันบนผ้าใบ; กระดาษสีน้ำ และที่นี่มันน่าสนใจกว่ามาก ดูว่าภาพนี้ทำจากอะไร ใช้สีอะไร เนื้ออะไร ความรู้สึกสงบหรือวุ่นวาย ความเบาหรือความตึงเครียด ฯลฯ จะเกิดขึ้นทันที

เมื่อไม่ชอบก็ไม่เป็นไร

ไม่ใช่ทุกงานที่จะน่าตื่นเต้นได้ ไม่มีอะไรแปลกเกี่ยวกับเรื่องนี้ อย่าลังเลที่จะเลือกสิ่งที่คุณชอบ ใครจะพิสูจน์ได้ว่าวงกลมสีแดงเหล่านี้แย่กว่าแถบสีเหล่านั้น?

ชื่อเป็นเบาะแส

เอาล่ะ สมมติว่าชื่อ "ภาพวาดหมายเลข 7" หรือ "ไม่มีชื่อ" นั้นไม่มีประโยชน์เท่าไหร่ แต่มันก็คุ้มค่าที่จะลอง และข้อมูลเกี่ยวกับเวลาและสถานที่ในการสร้างสรรค์ผลงานภาพจะบอกบรรยากาศและอารมณ์ในการสร้างสรรค์ผลงาน

เมื่อไม่มีความหมายก็จะไม่พบมัน

ศิลปินบางคนไม่สนใจว่าภาพวาดของพวกเขาหมายถึงอะไร ดังนั้นคุณก็ไม่ควรสนใจเช่นกัน ครั้งหนึ่งในระหว่างการสัมภาษณ์ ศิลปินแนวนามธรรมชื่อดังถูกถามเกี่ยวกับความหมายอันลึกซึ้งของชุดภาพวาดของเขาที่วาดในปี 1972 “มันยากที่จะจดจำ ฉันเองก็ประทับใจพวกเขาในวันนี้ มันเป็นเรื่องลึกลับสำหรับฉัน” ตอนนี้คุณเข้าใจแล้วว่าทำไมสิ่งที่เป็นนามธรรมจึงไม่ใช่การรีบัส?

การวาดภาพแบบนามธรรมนั้นแตกต่างมาก มักจะทำให้สับสน รังเกียจ แต่ก็น่าพึงพอใจเช่นกัน ไม่จำเป็นต้องเก็บสมองหรือคิดว่าคุณไม่เข้าใจอะไรเลยที่นี่ ไม่จำเป็นต้องเข้าใจ แต่ต้องรู้สึก และถ้าภาพไม่ทำให้เกิดอารมณ์ก็ขอให้พระเจ้าอยู่ด้วย ค้นหาสิ่งที่คุณชอบและเพลิดเพลินเพราะคุณสามารถรับชมได้ไม่รู้จบ

ศิลปะนามธรรม (lat. นามธรรม– การกำจัด ความฟุ้งซ่าน) หรือ ศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง- ทิศทางของศิลปะที่ละทิ้งการพรรณนารูปแบบที่ใกล้เคียงกับความเป็นจริงในการวาดภาพและประติมากรรม เป้าหมายประการหนึ่งของศิลปะนามธรรมคือการบรรลุ "การประสานกัน" โดยการวาดภาพการผสมสีและรูปทรงเรขาคณิตบางอย่าง ทำให้ผู้ชมรู้สึกถึงความสมบูรณ์และความสมบูรณ์ขององค์ประกอบภาพ บุคคลสำคัญ: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova และ Mikhail Larionov, Piet Mondrian

เรื่องราว

ลัทธินามธรรม(ศิลปะภายใต้สัญลักษณ์ของ "รูปแบบศูนย์" ศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์) เป็นทิศทางศิลปะที่ก่อตัวขึ้นในงานศิลปะในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 โดยปฏิเสธที่จะสร้างรูปแบบของโลกที่มองเห็นได้จริงโดยสิ้นเชิง ผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรมถือเป็น V. Kandinsky , พี. มอนเดรียน และเค. มาเลวิช.

V. Kandinsky สร้างสรรค์ภาพวาดนามธรรมประเภทของเขาเอง โดยขจัดคราบอิมเพรสชั่นนิสต์และคราบ "ป่า" ออกจากสัญญาณของความเป็นกลาง Piet Mondrian เข้าถึงความไม่เที่ยงธรรมของเขาผ่านรูปแบบทางเรขาคณิตของธรรมชาติที่ริเริ่มโดย Cézanne และ Cubists ขบวนการสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 20 มุ่งเน้นไปที่นามธรรมนิยม แยกตัวออกจากหลักการดั้งเดิมโดยสิ้นเชิง ปฏิเสธความสมจริง แต่ในขณะเดียวกันก็ยังคงอยู่ในกรอบของศิลปะ ประวัติศาสตร์ศิลปะประสบกับการปฏิวัติด้วยการถือกำเนิดของศิลปะนามธรรม แต่การปฏิวัติครั้งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นโดยบังเอิญ แต่ค่อนข้างเป็นธรรมชาติ และถูกทำนายโดยเพลโต! ในงานล่าสุดของเขา Philebus เขาเขียนเกี่ยวกับความงามของเส้น พื้นผิว และรูปแบบเชิงพื้นที่ในตัวเอง โดยไม่ขึ้นอยู่กับการเลียนแบบวัตถุที่มองเห็นได้จากการเลียนแบบใดๆ ความงามทางเรขาคณิตประเภทนี้ไม่เหมือนกับความงามของรูปแบบ "ผิดปกติ" ตามธรรมชาติตามที่เพลโตกล่าวไว้ว่าไม่สัมพันธ์กัน แต่ไม่มีเงื่อนไขและสัมบูรณ์

ศตวรรษที่ 20 และยุคปัจจุบัน

หลังสงครามโลกครั้งที่ 1 พ.ศ. 2457-2461 แนวโน้มของศิลปะนามธรรมมักปรากฏให้เห็นในผลงานแต่ละชิ้นโดยตัวแทนของลัทธิดาดานิยมและสถิตยศาสตร์ ในเวลาเดียวกัน มีความปรารถนาที่จะประยุกต์ใช้รูปแบบที่ไม่เป็นรูปเป็นร่างในสถาปัตยกรรม มัณฑนศิลป์ และการออกแบบ (การทดลองของกลุ่มสไตล์และเบาเฮาส์) ศิลปะนามธรรมหลายกลุ่ม ("ศิลปะคอนกรีต", 1930; "วงกลมและสี่เหลี่ยม", 1930; "นามธรรมและความคิดสร้างสรรค์", 1931) ซึ่งรวมศิลปินจากหลากหลายเชื้อชาติและการเคลื่อนไหวเกิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษที่ 30 ส่วนใหญ่ในฝรั่งเศส อย่างไรก็ตาม ศิลปะนามธรรมยังไม่แพร่หลายในเวลานั้นและในช่วงกลางทศวรรษที่ 30 กลุ่มแตกสลาย ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง พ.ศ. 2482-2488 สำนักที่เรียกว่าลัทธิการแสดงออกทางนามธรรมเกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกา (จิตรกร เจ. พอลลอค, เอ็ม. โทบีฯลฯ) ซึ่งพัฒนาขึ้นหลังสงครามในหลายประเทศ (ภายใต้ชื่อ Tachisme หรือ "ศิลปะไร้รูปแบบ") และประกาศว่าเป็นวิธีการ "ระบบจิตอัตโนมัติบริสุทธิ์" และความหุนหันพลันแล่นในจิตใต้สำนึกของความคิดสร้างสรรค์ ซึ่งเป็นลัทธิของการผสมสีและพื้นผิวที่ไม่คาดคิด

ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 50 ศิลปะการจัดวางและศิลปะป๊อปอาร์ตเกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกา ซึ่งต่อมาได้ยกย่อง Andy Warhol ด้วยการหมุนเวียนภาพเหมือนของมาริลีน มอนโร และอาหารสุนัขกระป๋องอย่างไม่สิ้นสุด - ภาพปะติดนามธรรม ในศิลปกรรมแห่งทศวรรษที่ 60 รูปแบบนามธรรมแบบเรียบง่ายที่ก้าวร้าวน้อยที่สุดและคงที่ได้รับความนิยม ในเวลาเดียวกัน บาร์เน็ตต์ นิวแมนผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรมเชิงเรขาคณิตของอเมริกาพร้อมด้วย A. Liberman, A. จัดขึ้นและ เค.โนแลนด์ประสบความสำเร็จในการพัฒนาแนวคิดเกี่ยวกับ neoplasticism ของเนเธอร์แลนด์และ Suprematism ของรัสเซีย

การเคลื่อนไหวอีกอย่างหนึ่งของการวาดภาพอเมริกันเรียกว่านามธรรมแบบ "รงค์" หรือ "หลังจิตรกร" ตัวแทนของมันได้รับแรงบันดาลใจจากลัทธิโฟวิสม์และลัทธิหลังอิมเพรสชันนิสม์ในระดับหนึ่ง สไตล์ที่เฉียบคม เน้นโครงร่างของงานอย่างคมชัด อี. เคลลี่, เจ. ยุงเกอร์แมน, เอฟ. สเตลลาค่อยๆ หลีกทางให้กับภาพวาดที่มีลักษณะเศร้าโศกครุ่นคิด ในยุค 70 และ 80 ภาพวาดของอเมริกากลับมาเป็นรูปเป็นร่างอีกครั้ง ยิ่งกว่านั้น ปรากฏการณ์สุดโต่งอย่างความสมจริงด้วยแสงก็เริ่มแพร่หลายมากขึ้น นักประวัติศาสตร์ศิลปะส่วนใหญ่เห็นพ้องกันว่ายุค 70 เป็นช่วงเวลาแห่งความจริงสำหรับศิลปะอเมริกัน เนื่องจากในช่วงเวลานี้ในที่สุดมันก็หลุดพ้นจากอิทธิพลของยุโรปและกลายเป็นอเมริกันล้วนๆ อย่างไรก็ตาม แม้ว่าการกลับมาของรูปแบบและแนวเพลงแบบดั้งเดิม ตั้งแต่การวาดภาพบุคคลไปจนถึงการวาดภาพประวัติศาสตร์ แต่ลัทธินามธรรมก็ไม่ได้หายไป

ภาพวาดและผลงานศิลปะที่ "ไม่เป็นตัวแทน" ถูกสร้างขึ้นเหมือนเมื่อก่อน เนื่องจากการกลับคืนสู่ความสมจริงในสหรัฐอเมริกาไม่ได้ถูกเอาชนะโดยนามธรรมนิยมเช่นนี้ แต่โดยการบัญญัติให้เป็นนักบุญ การห้ามงานศิลปะที่เป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งระบุโดยหลักคือความสมจริงแบบสังคมนิยมของเรา และดังนั้นจึงอดไม่ได้ที่จะได้รับการพิจารณาว่าน่ารังเกียจในสังคม "ประชาธิปไตยเสรี" ซึ่งเป็นการห้ามประเภท "ต่ำ" เกี่ยวกับหน้าที่ทางสังคมของศิลปะ ในเวลาเดียวกันสไตล์ของการวาดภาพนามธรรมได้รับความนุ่มนวลบางอย่างที่มันขาดไปก่อนหน้านี้ - ปริมาตรที่เพรียวบาง, รูปทรงที่เบลอ, ความสมบูรณ์ของฮาล์ฟโทน, โทนสีที่ละเอียดอ่อน ( อี. เมอร์เรย์, จี. สเตฟาน, แอล. ริเวอร์ส, เอ็ม. มอร์ลีย์, แอล. เชส, เอ. เบียลบรอด).

แนวโน้มทั้งหมดนี้วางรากฐานสำหรับการพัฒนานามธรรมสมัยใหม่ ไม่มีอะไรที่หยุดนิ่งหรือสิ้นสุดในความคิดสร้างสรรค์ได้ เพราะนั่นจะทำให้มันตายได้ แต่ไม่ว่านามธรรมนิยมจะใช้เส้นทางใดก็ตาม ไม่ว่ามันจะผ่านการเปลี่ยนแปลงใดก็ตาม แก่นแท้ของมันยังคงไม่เปลี่ยนแปลงอยู่เสมอ ลัทธินามธรรมนิยมในวิจิตรศิลป์เป็นวิธีที่เข้าถึงได้และสูงส่งที่สุดในการจับภาพการดำรงอยู่ส่วนบุคคล และในรูปแบบที่เหมาะสมที่สุด เช่น การพิมพ์ทางโทรสาร ในขณะเดียวกัน นามธรรมนิยมคือการสำนึกถึงอิสรภาพโดยตรง

ทิศทาง

ในนามธรรมนิยม สามารถแยกแยะทิศทางที่ชัดเจนได้สองทิศทาง: นามธรรมทางเรขาคณิต โดยพื้นฐานแล้วมีการกำหนดค่าที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน (Malevich, Mondrian) และนามธรรมที่เป็นโคลงสั้น ๆ ซึ่งองค์ประกอบถูกจัดระเบียบจากรูปแบบที่ไหลอย่างอิสระ (Kandinsky) นอกจากนี้ยังมีการเคลื่อนไหวอิสระขนาดใหญ่อื่นๆ อีกหลายอย่างในงานศิลปะนามธรรม

ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม

การเคลื่อนไหวแนวหน้าในงานศิลปะที่มีต้นกำเนิดเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และโดดเด่นด้วยการใช้รูปทรงเรขาคณิตทั่วไปที่เน้นย้ำ ความปรารถนาที่จะ "แยก" วัตถุจริงออกเป็นสามมิติดั้งเดิม

ภูมิภาคนิยม (Rayism)

การเคลื่อนไหวในศิลปะนามธรรมในช่วงทศวรรษปี 1910 โดยมีพื้นฐานจากการเปลี่ยนแปลงของสเปกตรัมแสงและการส่งผ่านแสง แนวคิดของการเกิดขึ้นของรูปแบบจาก "จุดตัดของรังสีสะท้อนของวัตถุต่าง ๆ" นั้นเป็นลักษณะเฉพาะเนื่องจากสิ่งที่บุคคลรับรู้จริง ๆ ไม่ใช่วัตถุนั้นเอง แต่เป็น "ผลรวมของรังสีที่มาจากแหล่งกำเนิดแสงและสะท้อนจาก วัตถุ."

นีโอพลาสติกนิยม

การกำหนดความเคลื่อนไหวของศิลปะนามธรรมที่มีอยู่ในปี พ.ศ. 2460-2471 ในฮอลแลนด์และศิลปินที่รวมกันเป็นกลุ่มรอบนิตยสาร "De Stijl" ("Style") ลักษณะเฉพาะคือรูปทรงสี่เหลี่ยมที่ชัดเจนในสถาปัตยกรรมและการวาดภาพนามธรรมโดยจัดเรียงเป็นระนาบสี่เหลี่ยมขนาดใหญ่ทาสีด้วยสีปฐมภูมิของสเปกตรัม

ลัทธิออร์ฟิสซึม

ทิศทางในการวาดภาพฝรั่งเศสในคริสต์ทศวรรษ 1910 ศิลปิน Orphist พยายามที่จะแสดงพลวัตของการเคลื่อนไหวและดนตรีของจังหวะด้วยความช่วยเหลือของ "ความสม่ำเสมอ" ของการแทรกซึมของสีหลักของสเปกตรัมและจุดตัดกันของพื้นผิวโค้ง

ลัทธิสุพรีมาติสต์

ความเคลื่อนไหวในศิลปะแนวเปรี้ยวจี๊ดที่ก่อตั้งขึ้นในทศวรรษ 1910 มาเลวิช. มันถูกแสดงออกมาด้วยการผสมผสานระหว่างระนาบหลากสีของรูปทรงเรขาคณิตที่ง่ายที่สุด การผสมผสานระหว่างรูปทรงเรขาคณิตหลากสีทำให้เกิดองค์ประกอบซูพรีมาติสต์ที่ไม่สมมาตรที่สมดุลซึ่งแทรกซึมไปด้วยการเคลื่อนไหวภายใน

ทาชิสเมะ

การเคลื่อนไหวในศิลปะนามธรรมของยุโรปตะวันตกในคริสต์ทศวรรษ 1950–60 ซึ่งแพร่หลายมากที่สุดในสหรัฐอเมริกา เป็นการวาดภาพด้วยจุดที่ไม่ได้สร้างภาพแห่งความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ แต่แสดงถึงกิจกรรมในจิตใต้สำนึกของศิลปิน ลายเส้น เส้น และจุดในทาชิสเมะถูกนำไปใช้กับผืนผ้าใบด้วยการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของมือโดยไม่ต้องมีการวางแผนล่วงหน้า

การแสดงออกเชิงนามธรรม

การเคลื่อนไหวของศิลปินวาดภาพอย่างรวดเร็วและบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่โดยใช้ลายเส้นที่ไม่ใช่รูปทรงเรขาคณิต แปรงขนาดใหญ่ บางครั้งหยดสีลงบนผืนผ้าใบเพื่อเผยให้เห็นอารมณ์อย่างเต็มที่ วิธีการวาดภาพที่แสดงออกในที่นี้มักจะมีความสำคัญพอๆ กับการลงสีด้วยตัวเอง

ความเป็นนามธรรมในการตกแต่งภายใน

เมื่อเร็ว ๆ นี้นามธรรมได้เริ่มย้ายจากภาพวาดของศิลปินไปสู่การตกแต่งภายในที่สะดวกสบายของบ้านและปรับปรุงให้ดีขึ้น สไตล์มินิมอลโดยใช้รูปทรงที่ชัดเจนซึ่งบางครั้งก็ค่อนข้างแปลกทำให้ห้องไม่ธรรมดาและน่าสนใจ แต่มันง่ายมากที่จะหักโหมจนเกินไปด้วยสี พิจารณาการผสมผสานสีส้มในสไตล์การตกแต่งภายในนี้

สีขาวจะทำให้ส้มเข้มข้นเจือจางได้ดีที่สุด และในขณะเดียวกันก็ทำให้ส้มเย็นลงด้วย สีส้มทำให้ห้องรู้สึกร้อนขึ้นนิดหน่อย ไม่ได้ป้องกัน ควรเน้นที่เฟอร์นิเจอร์หรือดีไซน์ เช่น ผ้าคลุมเตียงสีส้ม ในกรณีนี้ผนังสีขาวจะทำให้ความสว่างของสีลดลง แต่จะทำให้ห้องมีสีสัน ในกรณีนี้ภาพวาดที่มีขนาดเท่ากันจะทำหน้าที่เป็นส่วนเสริมที่ยอดเยี่ยม - สิ่งสำคัญคืออย่าหักโหมจนเกินไปมิฉะนั้นจะเกิดปัญหากับการนอนหลับ

การผสมสีส้มและสีน้ำเงินเป็นผลเสียต่อห้องใดๆ เว้นแต่จะเกี่ยวข้องกับห้องของเด็ก หากคุณเลือกเฉดสีที่ไม่สว่างพวกเขาจะเข้ากันได้ดีเพิ่มอารมณ์และจะไม่ส่งผลเสียแม้แต่กับเด็กซึ่งกระทำมากกว่าปกก็ตาม

สีส้มเข้ากันได้ดีกับสีเขียว โดยให้อารมณ์เหมือนต้นส้มเขียวหวานและสีช็อคโกแลต สีน้ำตาลเป็นสีที่มีตั้งแต่สีอุ่นไปจนถึงสีเย็น ดังนั้นจึงทำให้อุณหภูมิโดยรวมของห้องเป็นปกติได้ดี นอกจากนี้การผสมสีนี้ยังเหมาะสำหรับห้องครัวและห้องนั่งเล่นซึ่งคุณต้องสร้างบรรยากาศโดยไม่ต้องบรรทุกภายในมากเกินไป เมื่อตกแต่งผนังด้วยสีขาวและสีช็อคโกแลตคุณสามารถวางเก้าอี้สีส้มหรือแขวนภาพที่สดใสด้วยสีส้มเขียวหวานได้อย่างปลอดภัย ในขณะที่คุณอยู่ในห้องนี้ คุณจะมีอารมณ์ดีและอยากทำอะไรหลายๆ อย่างให้ได้มากที่สุด

ภาพวาดโดยศิลปินแนวนามธรรมชื่อดัง

Kandinsky เป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกศิลปะนามธรรม เขาเริ่มค้นหาแนวอิมเพรสชั่นนิสต์และจากนั้นก็มาถึงรูปแบบของนามธรรมนิยม ในงานของเขา เขาใช้ประโยชน์จากความสัมพันธ์ระหว่างสีและรูปแบบเพื่อสร้างประสบการณ์เชิงสุนทรีย์ที่โอบรับทั้งวิสัยทัศน์และอารมณ์ของผู้ชม เขาเชื่อว่านามธรรมที่สมบูรณ์นั้นให้ขอบเขตสำหรับการแสดงออกที่ล้ำลึกและล้ำลึก และการคัดลอกความเป็นจริงเพียงแต่ขัดขวางกระบวนการนี้เท่านั้น

การวาดภาพถือเป็นจิตวิญญาณอย่างลึกซึ้งสำหรับคันดินสกี้ เขาพยายามที่จะถ่ายทอดความลึกของอารมณ์ของมนุษย์ผ่านภาษาภาพที่เป็นสากลของรูปทรงและสีนามธรรมที่จะก้าวข้ามขอบเขตทางกายภาพและวัฒนธรรม เขาเห็น ความเป็นนามธรรมเป็นโหมดภาพในอุดมคติที่สามารถแสดงถึง "ความจำเป็นภายใน" ของศิลปิน และถ่ายทอดความคิดและอารมณ์ของมนุษย์ เขาถือว่าตัวเองเป็นศาสดาพยากรณ์ที่มีภารกิจในการแบ่งปันอุดมคติเหล่านี้กับโลกเพื่อประโยชน์ของสังคม

ที่ซ่อนอยู่ในสีสดใสและเส้นสีดำที่ชัดเจนแสดงถึงคอสแซคหลายตัวที่มีหอก เช่นเดียวกับเรือ ตัวเลข และปราสาทบนยอดเขา เช่นเดียวกับภาพวาดหลายๆ ภาพในยุคนี้ มันจินตนาการถึงการต่อสู้ที่ล่มสลายที่จะนำไปสู่ความสงบสุขชั่วนิรันดร์

เพื่ออำนวยความสะดวกในการพัฒนารูปแบบการวาดภาพที่ไม่มีวัตถุประสงค์ตามที่อธิบายไว้ในผลงานของเขาเรื่อง On the Spiritual in Art (1912) Kandinsky ลดขนาดวัตถุให้เป็นสัญลักษณ์รูปภาพ ด้วยการลบการอ้างอิงถึงโลกภายนอกส่วนใหญ่ Kandinsky ได้แสดงวิสัยทัศน์ของเขาในรูปแบบที่เป็นสากลมากขึ้น โดยแปลแก่นแท้ทางจิตวิญญาณของเรื่องผ่านรูปแบบทั้งหมดเหล่านี้เป็นภาษาภาพ ตัวเลขเชิงสัญลักษณ์เหล่านี้จำนวนมากถูกทำซ้ำและปรับปรุงในผลงานชิ้นหลังของเขา จนกลายเป็นนามธรรมมากยิ่งขึ้น

คาซิเมียร์ มาเลวิช

แนวคิดของมาเลวิชเกี่ยวกับรูปแบบและความหมายในงานศิลปะนำไปสู่การมุ่งความสนใจไปที่ทฤษฎีรูปแบบศิลปะนามธรรม Malevich ทำงานกับรูปแบบการวาดภาพที่แตกต่างกัน แต่มุ่งเน้นไปที่การศึกษารูปทรงเรขาคณิตล้วนๆ (สี่เหลี่ยม สามเหลี่ยม วงกลม) และความสัมพันธ์ระหว่างกันในพื้นที่ภาพ ด้วยการติดต่อของเขาในตะวันตก Malevich จึงสามารถถ่ายทอดแนวคิดของเขาเกี่ยวกับการวาดภาพให้กับเพื่อนศิลปินในยุโรปและสหรัฐอเมริกาได้ และด้วยเหตุนี้จึงมีอิทธิพลอย่างลึกซึ้งต่อวิวัฒนาการของศิลปะสมัยใหม่

"แบล็กสแควร์" (2458)

ภาพวาดอันโด่งดัง "Black Square" ถูกแสดงครั้งแรกโดย Malevich ในนิทรรศการที่เมือง Petrograd ในปี 1915 งานนี้รวบรวมหลักการทางทฤษฎีของ Suprematism ที่พัฒนาโดย Malevich ในบทความของเขาเรื่อง "From Cubism and Futurism to Suprematism: New Realism in Painting"

บนผืนผ้าใบด้านหน้าผู้ชมมีรูปแบบนามธรรมในรูปแบบของสี่เหลี่ยมสีดำที่วาดบนพื้นหลังสีขาว - มันเป็นองค์ประกอบเดียวขององค์ประกอบ แม้ว่าภาพวาดจะดูเรียบง่าย แต่ก็มีองค์ประกอบต่างๆ เช่น ลายนิ้วมือและฝีแปรงที่มองเห็นได้ผ่านชั้นสีดำ

สำหรับ Malevich สี่เหลี่ยมหมายถึงความรู้สึก และสีขาวหมายถึงความว่างเปล่า ความว่างเปล่า เขามองเห็นจัตุรัสสีดำที่มีลักษณะเหมือนพระเจ้า เป็นไอคอน ราวกับว่ามันจะกลายเป็นภาพศักดิ์สิทธิ์ใหม่สำหรับงานศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง แม้แต่ในนิทรรศการ ภาพวาดนี้ก็ยังถูกวางไว้ในตำแหน่งที่มักจะวางไอคอนไว้ในบ้านของรัสเซีย

พีต มอนเดรียน

Piet Mondrian หนึ่งในผู้ก่อตั้งขบวนการ Dutch De Stijl ได้รับการยอมรับในเรื่องความบริสุทธิ์ของนามธรรมและการปฏิบัติตามระเบียบวิธีของเขา เขาทำให้องค์ประกอบของภาพวาดของเขาเรียบง่ายขึ้นอย่างมากเพื่อที่จะนำเสนอสิ่งที่เขาเห็นไม่ใช่โดยตรง แต่เป็นรูปเป็นร่าง และเพื่อสร้างภาษาสุนทรีย์ที่ชัดเจนและเป็นสากลบนผืนผ้าใบของเขา ในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 Mondrian ได้ลดรูปทรงของเขาลงเหลือเพียงเส้นและสี่เหลี่ยม และใช้จานสีของเขาให้เรียบง่ายที่สุด การใช้ความสมดุลแบบอสมมาตรกลายเป็นพื้นฐานในการพัฒนางานศิลปะสมัยใหม่ และผลงานนามธรรมอันเป็นเอกลักษณ์ของเขายังคงมีอิทธิพลในการออกแบบและคุ้นเคยกับวัฒนธรรมสมัยนิยมในปัจจุบัน

"The Grey Tree" คือตัวอย่างของการเปลี่ยนแปลงไปสู่สไตล์ในช่วงแรกของ Mondrian ความเป็นนามธรรม- ไม้สามมิติถูกย่อให้เป็นเส้นและระนาบที่ง่ายที่สุด โดยใช้เพียงสีเทาและสีดำ

ภาพวาดนี้เป็นหนึ่งในผลงานชุดหนึ่งของ Mondrian ที่สร้างขึ้นด้วยแนวทางที่สมจริงมากขึ้น เช่น ต้นไม้ถูกนำเสนอในลักษณะที่เป็นธรรมชาติ ในขณะที่งานต่อมากลายเป็นนามธรรมมากขึ้น เช่น เส้นของต้นไม้ลดลงจนกระทั่งรูปร่างของต้นไม้แทบจะมองไม่เห็นและรองจากองค์ประกอบโดยรวมของเส้นแนวตั้งและแนวนอน คุณยังเห็นความสนใจของ Mondrian ที่จะละทิ้งการจัดโครงสร้างเส้นสายที่จัดโครงสร้างไว้ที่นี่อีกด้วย ขั้นตอนนี้มีความสำคัญต่อการพัฒนานามธรรมอันบริสุทธิ์ของมอนเดรียน

โรเบิร์ต เดโลเนย์

Delaunay เป็นหนึ่งในศิลปินกลุ่มแรกสุดในสไตล์ศิลปะนามธรรม งานของเขามีอิทธิพลต่อการพัฒนาทิศทางนี้โดยอิงจากความตึงเครียดในการเรียบเรียงที่เกิดจากการขัดแย้งของสี เขาตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของสีสันแบบนีโออิมเพรสชั่นนิสต์อย่างรวดเร็วและติดตามโทนสีของผลงานในรูปแบบนามธรรมอย่างใกล้ชิด เขาถือว่าสีและแสงเป็นเครื่องมือหลักที่สามารถมีอิทธิพลต่อความเป็นจริงของโลกได้

ในปี 1910 Delaunay ได้มีส่วนสนับสนุน Cubism ในรูปแบบของภาพวาดสองชุดที่แสดงถึงมหาวิหารและหอไอเฟล ซึ่งผสมผสานรูปแบบลูกบาศก์ การเคลื่อนไหวแบบไดนามิก และสีสันสดใส วิธีใหม่ในการใช้ความกลมกลืนของสีนี้ช่วยแยกแยะสไตล์นี้จากลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมแบบออร์โธดอกซ์ กลายเป็นที่รู้จักในชื่อ Orphism และมีอิทธิพลต่อศิลปินชาวยุโรปในทันที ภรรยาของ Delaunay ศิลปิน Sonia Turk-Delone ยังคงวาดภาพในสไตล์เดียวกันต่อไป

งานหลักของ Delaunay อุทิศให้กับหอไอเฟล ซึ่งเป็นสัญลักษณ์อันโด่งดังของฝรั่งเศส นี่เป็นหนึ่งในภาพวาดที่น่าประทับใจที่สุดในบรรดาภาพวาดสิบเอ็ดชุดที่อุทิศให้กับหอไอเฟลระหว่างปี 1909 ถึง 1911 ทาสีแดงสด ซึ่งทำให้เห็นความแตกต่างจากสีเทาของเมืองโดยรอบทันที ขนาดผืนผ้าใบที่น่าประทับใจยังช่วยเสริมความยิ่งใหญ่ของอาคารแห่งนี้อีกด้วย เช่นเดียวกับผี หอคอยแห่งนี้ตั้งตระหง่านเหนือบ้านเรือนโดยรอบ สั่นคลอนรากฐานของระเบียบเก่าในเชิงเปรียบเทียบ ภาพวาดของ Delaunay สื่อถึงความรู้สึกของการมองโลกในแง่ดีอย่างไร้ขอบเขต ความไร้เดียงสา และความสดชื่นของช่วงเวลาที่ยังไม่เคยพบเห็นสงครามโลกครั้งที่สองมาก่อน

ฟรานติเสก กุปก้า

Frantisek Kupka เป็นศิลปินชาวเชโกสโลวาเกียที่วาดภาพในสไตล์นี้ ความเป็นนามธรรมสำเร็จการศึกษาจากสถาบันศิลปะปราก ในฐานะนักเรียน เขาวาดภาพเกี่ยวกับความรักชาติเป็นหลักและเขียนเรียงความทางประวัติศาสตร์ ผลงานในช่วงแรกของเขาเป็นผลงานทางวิชาการมากกว่า อย่างไรก็ตาม สไตล์ของเขาได้พัฒนาไปตลอดหลายปีที่ผ่านมา และในที่สุดก็ได้ขยับเข้าสู่งานศิลปะนามธรรม เขียนขึ้นในลักษณะที่เหมือนจริงมาก แม้แต่ผลงานในช่วงแรกๆ ของเขาก็มีธีมและสัญลักษณ์เหนือจริงที่ลึกลับ ซึ่งยังคงดำเนินต่อไปเมื่อเขียนนามธรรม คุปก้าเชื่อว่าศิลปินและผลงานของเขามีส่วนร่วมในกิจกรรมสร้างสรรค์อย่างต่อเนื่อง ซึ่งธรรมชาตินั้นไม่มีขีดจำกัด เหมือนกับความสัมบูรณ์

“อมอร์ฟา. ความทรงจำในสองสี" (1907-1908)

เริ่มตั้งแต่ปี พ.ศ. 2450-2451 Kupka เริ่มวาดภาพเหมือนของเด็กผู้หญิงที่ถือลูกบอลอยู่ในมือราวกับว่าเธอกำลังจะเล่นหรือเต้นรำกับมัน จากนั้นเขาก็พัฒนาภาพแผนผังของมันมากขึ้นเรื่อยๆ และในที่สุดก็ได้รับชุดภาพวาดนามธรรมที่สมบูรณ์ พวกเขาถูกสร้างขึ้นมาในจานสีจำนวนจำกัดซึ่งประกอบด้วยสีแดง น้ำเงิน ดำ และขาว ในปี 1912 ที่ Salon d'Automne ผลงานนามธรรมชิ้นหนึ่งเหล่านี้ได้รับการจัดแสดงต่อสาธารณะในปารีสเป็นครั้งแรก

ศิลปินนามธรรมสมัยใหม่

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 ศิลปินรวมถึง Pablo Picasso, Salvador Dali, Kazemir Malevich, Wassily Kandinsky ได้ทำการทดลองเกี่ยวกับรูปทรงของวัตถุและการรับรู้ของพวกเขา และยังตั้งคำถามกับหลักการที่มีอยู่ในงานศิลปะด้วย เราได้เตรียมศิลปินนามธรรมร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงที่สุดจำนวนหนึ่งซึ่งตัดสินใจก้าวข้ามขอบเขตของความรู้และสร้างความเป็นจริงของตนเอง

ศิลปินชาวเยอรมัน เดวิด ชเนลล์(เดวิด ชเนลล์) ชอบเดินเล่นในสถานที่ซึ่งเมื่อก่อนเต็มไปด้วยธรรมชาติ แต่ปัจจุบันกลับเต็มไปด้วยอาคารของมนุษย์ ตั้งแต่สนามเด็กเล่นไปจนถึงโรงงาน ความทรงจำของการเดินเหล่านี้ให้กำเนิดภูมิทัศน์นามธรรมที่สดใสของเขา David Schnell มอบการควบคุมจินตนาการและความทรงจำของเขาอย่างอิสระ แทนที่จะสร้างภาพถ่ายและวิดีโอ สร้างภาพวาดที่มีลักษณะคล้ายกับความเป็นจริงเสมือนของคอมพิวเตอร์หรือภาพประกอบสำหรับหนังสือนิยายวิทยาศาสตร์

เมื่อสร้างสรรค์ผลงานภาพวาดนามธรรมขนาดใหญ่ของเธอ ศิลปินชาวอเมริกัน คริสติน เบเกอร์(คริสติน เบเกอร์) ได้รับแรงบันดาลใจจากประวัติศาสตร์ศิลปะและการแข่งรถของ Nascar และ Formula 1 ขั้นแรกเธอให้มิติการทำงานของเธอด้วยการทาสีอะครีลิคหลายชั้นและปิดเงาด้วยเทป จากนั้น คริสตินก็ลอกมันออกอย่างระมัดระวัง โดยเผยให้เห็นชั้นสีที่อยู่ด้านล่าง และทำให้พื้นผิวของภาพวาดของเธอดูเหมือนเป็นภาพต่อกันที่มีหลายชั้นและมีหลายสี ในขั้นตอนสุดท้ายของการทำงาน เธอขจัดสิ่งผิดปกติทั้งหมดออก ทำให้ภาพวาดของเธอรู้สึกเหมือนกับการเอ็กซเรย์

ในผลงานของเธอ ศิลปินชาวกรีกจากบรูคลิน นิวยอร์ก เอเลอันนา อานาญอส(เอเลนนา อานาญอส) สำรวจแง่มุมต่างๆ ในชีวิตประจำวันที่มักจะหลีกหนีจากมุมมองของผู้คน ในระหว่าง "บทสนทนากับผืนผ้าใบ" แนวคิดธรรมดาๆ ได้รับความหมายและแง่มุมใหม่ๆ พื้นที่เชิงลบกลายเป็นเชิงบวก และรูปแบบขนาดเล็กจะมีขนาดเพิ่มขึ้น ด้วยความพยายามที่จะเติม "ชีวิตชีวาให้กับภาพวาดของเธอ" ด้วยวิธีนี้ เอเลนน่าพยายามปลุกจิตใจมนุษย์ ซึ่งหยุดถามคำถามและเปิดรับสิ่งใหม่ๆ

ก่อให้เกิดการกระเด็นและรอยเปื้อนสีสดใสบนผืนผ้าใบโดยศิลปินชาวอเมริกัน ซาราห์ สปิตเลอร์(ซาราห์ สปิตเลอร์) มุ่งมั่นที่จะสะท้อนถึงความโกลาหล หายนะ ความไม่สมดุล และความยุ่งเหยิงในงานของเธอ เธอสนใจแนวคิดเหล่านี้เพราะอยู่นอกเหนือการควบคุมของมนุษย์ ดังนั้นพลังทำลายล้างของพวกเขาจึงทำให้ผลงานนามธรรมของ Sarah Spitler มีพลัง มีพลัง และน่าตื่นเต้น นอกจาก. ภาพผลลัพธ์บนผืนผ้าใบที่ทำจากหมึก สีอะครีลิค ดินสอกราไฟท์ และเคลือบฟัน เน้นย้ำถึงความชั่วคราวและสัมพัทธภาพของสิ่งที่เกิดขึ้นรอบตัว

แรงบันดาลใจจากสถาปัตยกรรม ศิลปินจากเมืองแวนคูเวอร์ ประเทศแคนาดา เจฟฟ์ แดปเนอร์(เจฟฟ์ เดปเนอร์) สร้างสรรค์ภาพวาดนามธรรมหลายชั้นที่ประกอบด้วยรูปทรงเรขาคณิต ใน "ความโกลาหล" ทางศิลปะที่เขาสร้างขึ้น เจฟฟ์แสวงหาความกลมกลืนของสี รูปแบบ และองค์ประกอบ องค์ประกอบแต่ละอย่างในภาพวาดของเขาเชื่อมโยงถึงกันและนำไปสู่องค์ประกอบถัดไป: “ผลงานของฉันสำรวจโครงสร้างการจัดองค์ประกอบ [ของภาพวาด] ผ่านความสัมพันธ์ของสีในจานสีที่เลือก...” ตามที่ศิลปินกล่าวไว้ ภาพวาดของเขาเป็น "สัญญาณนามธรรม" ที่ควรพาผู้ชมไปสู่ระดับใหม่ที่หมดสติ

ในศตวรรษที่ผ่านมา การเคลื่อนไหวเชิงนามธรรมกลายเป็นความก้าวหน้าอย่างแท้จริงในประวัติศาสตร์ศิลปะ แต่มันก็ค่อนข้างเป็นธรรมชาติ - ผู้คนมักจะค้นหารูปแบบ คุณสมบัติ และแนวคิดใหม่ ๆ อยู่เสมอ แต่แม้กระทั่งในศตวรรษของเรา ศิลปะรูปแบบนี้ก็ยังมีคำถามมากมาย ศิลปะนามธรรมคืออะไร? เรามาพูดถึงเรื่องนี้กันต่อไป

ศิลปะนามธรรมในจิตรกรรมและศิลปะ

อย่างมีสไตล์ ความเป็นนามธรรมศิลปินใช้ภาษาภาพของรูปทรง รูปทรง เส้นและสีเพื่อตีความวัตถุ สิ่งนี้แตกต่างกับรูปแบบศิลปะแบบดั้งเดิมซึ่งใช้การตีความวรรณกรรมมากกว่าเพื่อสื่อถึง "ความเป็นจริง" นามธรรมนิยมเคลื่อนไปไกลจากวิจิตรศิลป์คลาสสิกมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ แสดงถึงโลกแห่งวัตถุประสงค์แตกต่างไปจากในชีวิตจริงอย่างสิ้นเชิง

ศิลปะนามธรรมท้าทายจิตใจของผู้สังเกตการณ์ตลอดจนอารมณ์ของเขา - เพื่อชื่นชมงานศิลปะอย่างเต็มที่ ผู้สังเกตการณ์จะต้องปลดปล่อยตัวเองจากความต้องการที่จะเข้าใจสิ่งที่ศิลปินพยายามจะพูด แต่ต้องรู้สึกถึงอารมณ์การตอบสนองสำหรับตัวเอง ทุกด้านของชีวิตมีการตีความผ่านศิลปะนามธรรม เช่น ความศรัทธา ความกลัว ความหลงใหล ปฏิกิริยาต่อดนตรีหรือธรรมชาติ การคำนวณทางวิทยาศาสตร์และคณิตศาสตร์ ฯลฯ

ขบวนการทางศิลปะนี้เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 20 พร้อมด้วยลัทธิคิวบิสม์ สถิตยศาสตร์ ดาดานิยม และอื่นๆ แม้ว่าจะไม่ทราบเวลาที่แน่นอนก็ตาม ตัวแทนหลักของรูปแบบศิลปะนามธรรมในการวาดภาพถือเป็นศิลปินเช่น Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka และ Piet Mondrian เราจะหารือเกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์และภาพวาดที่สำคัญของพวกเขาต่อไป

ภาพวาดโดยศิลปินชื่อดัง: ศิลปะนามธรรม

วาซิลี คันดินสกี้

"องค์ประกอบที่ 4" (2454)

คาซิเมียร์ มาเลวิช

ด้วยการติดต่อของเขาในตะวันตก Malevich จึงสามารถถ่ายทอดแนวคิดของเขาเกี่ยวกับการวาดภาพให้กับเพื่อนศิลปินในยุโรปและสหรัฐอเมริกาได้ และด้วยเหตุนี้จึงมีอิทธิพลอย่างลึกซึ้งต่อวิวัฒนาการของศิลปะสมัยใหม่

"แบล็กสแควร์" (2458)

พีต มอนเดรียน

ในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 Mondrian ได้ลดรูปทรงของเขาลงเหลือเพียงเส้นและสี่เหลี่ยม และใช้จานสีของเขาให้เรียบง่ายที่สุด การใช้ความสมดุลแบบอสมมาตรกลายเป็นพื้นฐานในการพัฒนางานศิลปะสมัยใหม่ และผลงานนามธรรมอันเป็นเอกลักษณ์ของเขายังคงมีอิทธิพลในการออกแบบและคุ้นเคยกับวัฒนธรรมสมัยนิยมในปัจจุบัน

“ต้นไม้สีเทา” (2455)

คุณยังเห็นความสนใจของ Mondrian ที่จะละทิ้งการจัดโครงสร้างเส้นสายที่จัดโครงสร้างไว้ที่นี่อีกด้วย ขั้นตอนนี้มีความสำคัญต่อการพัฒนานามธรรมอันบริสุทธิ์ของมอนเดรียน

โรเบิร์ต เดโลเนย์

Delaunay เป็นหนึ่งในศิลปินกลุ่มแรกสุดในสไตล์ศิลปะนามธรรม งานของเขามีอิทธิพลต่อการพัฒนาทิศทางนี้โดยอิงจากความตึงเครียดในการเรียบเรียงที่เกิดจากการขัดแย้งของสี เขาตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของสีสันแบบนีโออิมเพรสชั่นนิสต์อย่างรวดเร็วและติดตามโทนสีของผลงานในรูปแบบของนามธรรมอย่างใกล้ชิด เขาถือว่าสีและแสงเป็นเครื่องมือหลักที่สามารถมีอิทธิพลต่อความเป็นจริงของโลกได้

"หอไอเฟล" (2454)

ภาพวาดของ Delaunay สื่อถึงความรู้สึกของการมองโลกในแง่ดีอย่างไร้ขอบเขต ความไร้เดียงสา และความสดชื่นของช่วงเวลาที่ยังไม่เคยพบเห็นสงครามโลกครั้งที่สองมาก่อน

ฟรานติเสก กุปก้า

František Kupka เป็นศิลปินชาวเชโกสโลวาเกียที่วาดภาพในสไตล์ดังกล่าว ความเป็นนามธรรมสำเร็จการศึกษาจากสถาบันศิลปะปราก ในฐานะนักเรียน เขาวาดภาพเกี่ยวกับความรักชาติเป็นหลักและเขียนเรียงความทางประวัติศาสตร์ ผลงานในช่วงแรกของเขาเป็นผลงานทางวิชาการมากกว่า อย่างไรก็ตาม สไตล์ของเขาได้พัฒนาไปตลอดหลายปีที่ผ่านมา และในที่สุดก็ได้ขยับเข้าสู่งานศิลปะนามธรรม เขียนขึ้นในลักษณะที่เหมือนจริงมาก แม้แต่ผลงานในช่วงแรกๆ ของเขาก็มีธีมและสัญลักษณ์เหนือจริงที่ลึกลับ ซึ่งยังคงดำเนินต่อไปเมื่อเขียนนามธรรม

คุปก้าเชื่อว่าศิลปินและผลงานของเขามีส่วนร่วมในกิจกรรมสร้างสรรค์อย่างต่อเนื่อง ซึ่งธรรมชาตินั้นไม่มีขีดจำกัด เหมือนกับความสัมบูรณ์

“อมอร์ฟา. ความทรงจำในสองสี" (1907-1908)

ในปี 1912 ที่ Salon d'Automne ผลงานนามธรรมชิ้นหนึ่งเหล่านี้ได้รับการจัดแสดงต่อสาธารณะในปารีสเป็นครั้งแรก

รูปแบบของนามธรรมนิยมไม่สูญเสียความนิยมในการวาดภาพของศตวรรษที่ 21 - ผู้ชื่นชอบศิลปะสมัยใหม่ไม่รังเกียจที่จะตกแต่งบ้านด้วยผลงานชิ้นเอกเช่นนี้และผลงานในรูปแบบนี้ตกอยู่ใต้ค้อนในการประมูลต่างๆเพื่อเงินก้อนโต

วิดีโอต่อไปนี้จะช่วยให้คุณเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับนามธรรมในงานศิลปะ:

ลัทธินามธรรม

ทิศทาง

Abstractionism (ละติน abstractio - การกำจัด ความฟุ้งซ่าน) หรือศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่างเป็นทิศทางของศิลปะที่ละทิ้งการพรรณนารูปแบบในการวาดภาพและประติมากรรมที่ใกล้เคียงกับความเป็นจริง เป้าหมายประการหนึ่งของศิลปะนามธรรมคือการบรรลุ "การประสานกัน" โดยการวาดภาพการผสมสีและรูปทรงเรขาคณิตบางอย่าง ทำให้ผู้ชมรู้สึกถึงความสมบูรณ์และความสมบูรณ์ขององค์ประกอบภาพ บุคคลสำคัญ: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova และ Mikhail Larionov, Piet Mondrian

ภาพวาดนามธรรมชิ้นแรกวาดโดย Wassily Kandinsky ในปี 1910 ปัจจุบันอยู่ในพิพิธภัณฑสถานแห่งชาติจอร์เจีย - จึงเป็นการเปิดหน้าใหม่ในการวาดภาพโลก - นามธรรมนิยมที่ยกระดับการวาดภาพเป็นดนตรี

ในภาพวาดของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 ตัวแทนหลักของลัทธินามธรรมคือ Wassily Kandinsky (ซึ่งเสร็จสิ้นการเปลี่ยนไปใช้องค์ประกอบนามธรรมของเขาในเยอรมนี), Natalya Goncharova และ Mikhail Larionov ผู้ก่อตั้ง "Rauchism" ในปี 1910-1912 ผู้สร้าง Suprematism ในฐานะ ความคิดสร้างสรรค์รูปแบบใหม่ Kazimir Malevich ผู้แต่ง "Black Square" และ Evgeny Mikhnov-Voitenko ซึ่งมีผลงานที่โดดเด่นเหนือสิ่งอื่นใดด้วยวิธีการเชิงนามธรรมที่หลากหลายอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนซึ่งนำมาใช้ในงานของเขา (จำนวนหนึ่ง รวมถึง "สไตล์กราฟฟิตี" ศิลปินเป็นคนแรกที่ใช้ไม่เพียงแต่กับปรมาจารย์ในประเทศเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงชาวต่างชาติด้วย)

การเคลื่อนไหวที่เกี่ยวข้องกับนามธรรมนิยมคือลัทธิเขียนภาพแบบคิวบิสม์ ซึ่งพยายามพรรณนาถึงวัตถุจริงด้วยระนาบที่ตัดกันจำนวนมาก ทำให้เกิดภาพของรูปร่างที่เป็นเส้นตรงบางอันที่ทำซ้ำธรรมชาติของสิ่งมีชีวิต ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมคือผลงานในยุคแรกๆ ของปาโบล ปิกัสโซ

ในปี พ.ศ. 2453-2458 จิตรกรในรัสเซีย ยุโรปตะวันตก และสหรัฐอเมริกาเริ่มสร้างสรรค์ผลงานศิลปะนามธรรม ในบรรดานักนามธรรมกลุ่มแรกๆ นักวิจัยชื่อ Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich และ Piet Mondrian ปีเกิดของงานศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์ถือเป็นปี 1910 เมื่อ Kandinsky เขียนผลงานนามธรรมชิ้นแรกในเมือง Murnau ประเทศเยอรมนี แนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของนักนามธรรมกลุ่มแรกสันนิษฐานว่าความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะสะท้อนให้เห็นถึงกฎของจักรวาลที่ซ่อนอยู่เบื้องหลังปรากฏการณ์ภายนอกที่ผิวเผินของความเป็นจริง รูปแบบเหล่านี้ซึ่งศิลปินเข้าใจโดยสัญชาตญาณ แสดงออกผ่านความสัมพันธ์ของรูปแบบนามธรรม (จุดสี เส้น ปริมาตร รูปทรงเรขาคณิต) ในงานนามธรรม ในปีพ.ศ. 2454 คันดินสกีได้ตีพิมพ์หนังสือชื่อดังของเขาที่เมืองมิวนิกเรื่อง "On the Spiritual in Art" ซึ่งเขาได้ไตร่ตรองถึงความเป็นไปได้ในการรวบรวมสิ่งที่จำเป็นภายใน จิตวิญญาณ ตรงข้ามกับภายนอก โดยไม่ได้ตั้งใจ "พื้นฐานเชิงตรรกะ" สำหรับนามธรรมของ Kandinsky ขึ้นอยู่กับการศึกษาผลงานเชิงปรัชญาและมานุษยวิทยาของ Helena Blavatsky และ Rudolf Steiner ในแนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของ Piet Mondrian องค์ประกอบหลักของรูปแบบคือสิ่งที่ตรงข้ามกันหลัก ได้แก่ แนวนอน - แนวตั้ง เส้น - ระนาบ สี - ไม่ใช่สี ในทฤษฎีของ Robert Delaunay ตรงกันข้ามกับแนวคิดของ Kandinsky และ Mondrian อภิปรัชญาในอุดมคติถูกปฏิเสธ งานหลักของนามธรรมนิยมสำหรับศิลปินคือการศึกษาคุณสมบัติไดนามิกของสีและคุณสมบัติอื่น ๆ ของภาษาศิลปะ (ทิศทางที่ก่อตั้งโดย Delaunay เรียกว่า Orphism) มิคาอิล ลาริโอนอฟ ผู้สร้าง "เรยอนนิสต์" พรรณนาถึง "การเปล่งแสงสะท้อน; ฝุ่นสี”

ศิลปะนามธรรมถือกำเนิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1910 ศิลปะนามธรรมมีการพัฒนาอย่างรวดเร็ว โดยปรากฏอยู่ในงานศิลปะแนวหน้าหลายแขนงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 แนวคิดของนามธรรมนิยมสะท้อนให้เห็นในผลงานของนักแสดงออก (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), cubists (Fernand Léger), Dadaists (Jean Arp), surrealists (Joan Miró), นักอนาคตนิยมชาวอิตาลี (Gino Severini, Giacomo Balla,

เป็นธรรมชาติของมนุษย์ที่จะจัดเรียงทุกอย่างลงในชั้นวาง ค้นหาสถานที่สำหรับทุกสิ่ง และตั้งชื่อให้กับมัน สิ่งนี้อาจเป็นเรื่องยากโดยเฉพาะในงานศิลปะ โดยที่ความสามารถจัดอยู่ในประเภทที่ไม่อนุญาตให้บีบบุคคลหรือการเคลื่อนไหวทั้งหมดลงในเซลล์ของแคตตาล็อกที่เรียงลำดับทั่วไป นามธรรมเป็นเพียงแนวคิดดังกล่าว เป็นที่ถกเถียงกันมานานกว่าศตวรรษ

Abstractio - ความฟุ้งซ่าน, การแยกจากกัน

วิธีการวาดภาพที่แสดงออก ได้แก่ เส้น รูปร่าง สี หากคุณแยกสิ่งเหล่านั้นออกจากค่า การอ้างอิง และการเชื่อมโยงที่ไม่จำเป็น สิ่งเหล่านั้นจะกลายเป็นอุดมคติและสัมบูรณ์ เพลโตยังพูดถึงความงามที่แท้จริงและถูกต้องของเส้นตรงและรูปทรงเรขาคณิตอีกด้วย การไม่มีการเปรียบเทียบระหว่างสิ่งที่แสดงกับวัตถุจริงเป็นการเปิดทางให้มีอิทธิพลต่อผู้ดูของบางสิ่งที่ยังไม่มีใครรู้จัก ซึ่งไม่สามารถเข้าถึงได้ด้วยจิตสำนึกธรรมดา ความสำคัญทางศิลปะของภาพวาดนั้นควรสูงกว่าความสำคัญของสิ่งที่แสดงให้เห็น เพราะการวาดภาพที่มีพรสวรรค์ทำให้เกิดโลกแห่งประสาทสัมผัสแบบใหม่

นี่คือวิธีที่นักปฏิรูปศิลปินให้เหตุผล สำหรับพวกเขา ลัทธินามธรรมเป็นวิธีหนึ่งในการค้นหาวิธีการที่มีพลังที่มองไม่เห็นมาก่อน

ศตวรรษใหม่ - ศิลปะใหม่

นักวิจารณ์ศิลปะโต้แย้งว่าศิลปะนามธรรมคืออะไร นักประวัติศาสตร์ศิลปะปกป้องมุมมองของตนเองอย่างกระตือรือร้น โดยเติมเต็มจุดว่างในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพนามธรรม แต่คนส่วนใหญ่เห็นด้วยกับเวลาเกิดของเขา: ในปี 1910 ที่มิวนิก Wassily Kandinsky (1866-1944) จัดแสดงผลงานของเขา "Untitled. (สีน้ำนามธรรมชุดแรก)”

ในไม่ช้า Kandinsky ในหนังสือของเขาเรื่อง "On the Spiritual in Art" ได้ประกาศปรัชญาของขบวนการใหม่

สิ่งสำคัญคือความประทับใจ

เราไม่ควรคิดว่าความเป็นนามธรรมในการวาดภาพเกิดขึ้นจากที่ไหนเลย อิมเพรสชั่นนิสต์แสดงความหมายใหม่ของสีและแสงในการวาดภาพ ในขณะเดียวกัน บทบาทของเปอร์สเปคทีฟเชิงเส้น การสังเกตสัดส่วนที่แน่นอน ฯลฯ ก็มีความสำคัญน้อยลง ปรมาจารย์ชั้นนำในยุคนั้นทั้งหมดอยู่ภายใต้อิทธิพลของสไตล์นี้

ภูมิทัศน์ของ James Whistler (1834-1903) "กลางคืน" และ "ซิมโฟนี" ของเขาชวนให้นึกถึงผลงานชิ้นเอกของศิลปินแนวนามธรรมอย่างน่าประหลาดใจ อย่างไรก็ตาม Whistler และ Kandinsky มีการประสานกัน - ความสามารถในการมอบสีสันพร้อมเสียงของคุณสมบัติบางอย่าง และสีสันในงานของพวกเขาก็ฟังดูเหมือนดนตรี

ในผลงานของ Paul Cézanne (พ.ศ. 2382-2449) โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงปลายงานของเขา รูปร่างของวัตถุเปลี่ยนไปทำให้เกิดการแสดงออกแบบพิเศษ ไม่ใช่เพื่ออะไรที่ Cezanne ถูกเรียกว่าเป็นผู้บุกเบิกของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม

ทั่วไปเคลื่อนไปข้างหน้า

นามธรรมในงานศิลปะก่อตัวขึ้นเป็นการเคลื่อนไหวเดียวในความก้าวหน้าทั่วไปของอารยธรรม ปัญญาชนรู้สึกตื่นเต้นกับทฤษฎีใหม่ในปรัชญาและจิตวิทยา ศิลปินกำลังมองหาความเชื่อมโยงระหว่างโลกแห่งจิตวิญญาณกับวัตถุ ปัจเจกบุคคลและจักรวาล ดังนั้น ในการอ้างเหตุผลของทฤษฎีนามธรรมของ Kandinsky เขาจึงอาศัยแนวคิดที่แสดงออกในหนังสือเชิงปรัชญาของ Helena Blavatsky (1831-1891)

การค้นพบขั้นพื้นฐานในสาขาฟิสิกส์ เคมี และชีววิทยาได้เปลี่ยนแปลงแนวคิดเกี่ยวกับโลกและอิทธิพลของอิทธิพลของมนุษย์ที่มีต่อธรรมชาติ ความก้าวหน้าทางเทคโนโลยีได้ลดขนาดของโลกซึ่งเป็นขนาดของจักรวาลลง

ด้วยการพัฒนาอย่างรวดเร็วของการถ่ายภาพ ศิลปินหลายคนจึงตัดสินใจให้ฟังก์ชันนี้ทำหน้าที่บันทึกภาพ พวกเขาแย้งว่างานจิตรกรรมไม่ใช่การลอกเลียนแบบ แต่เพื่อสร้างความเป็นจริงใหม่

ศิลปะนามธรรมคือการปฏิวัติ และคนที่มีความสามารถซึ่งมีทัศนคติทางจิตที่ละเอียดอ่อนรู้สึกว่า: ถึงเวลาของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมที่กำลังจะมาถึง พวกเขาไม่ผิด ศตวรรษที่ 20 เริ่มต้นและดำเนินต่อไปด้วยการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในชีวิตของอารยธรรมทั้งหมดอย่างที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน

บิดาผู้ก่อตั้ง

นอกจาก Kandinsky แล้ว Kazimir Malevich (1879-1935) และชาวดัตช์ Piet Mondrian (1872-1944) ก็เป็นจุดกำเนิดของขบวนการใหม่

ใครไม่รู้จัก "Black Square" ของ Malevich? นับตั้งแต่เปิดตัวในปี 1915 ก็สร้างความตื่นเต้นให้กับทั้งมืออาชีพและคนทั่วไป บางคนมองว่ามันเป็นทางตัน ส่วนบางคนมองว่าเป็นเพียงความขุ่นเคือง แต่งานของอาจารย์ทั้งหมดพูดถึงการเปิดโลกทัศน์ใหม่ในงานศิลปะของการก้าวไปข้างหน้า

ทฤษฎีของ Suprematism (lat. supremus - สูงสุด) พัฒนาโดย Malevich ยืนยันความเป็นอันดับหนึ่งของสีท่ามกลางวิธีการวาดภาพอื่น ๆ เปรียบเทียบกระบวนการวาดภาพกับการสร้างสรรค์ "ศิลปะบริสุทธิ์" ในความหมายสูงสุด สัญญาณที่ลึกซึ้งและภายนอกของลัทธิซูพรีมาติสม์สามารถพบได้ในผลงานของศิลปิน สถาปนิก และนักออกแบบร่วมสมัย

ผลงานของ Mondrian มีอิทธิพลเช่นเดียวกันกับคนรุ่นต่อๆ ไป เนื้องอกของเขามีพื้นฐานอยู่บนลักษณะทั่วไปของรูปแบบและการใช้สีที่เปิดกว้างและไม่บิดเบี้ยวอย่างระมัดระวัง เส้นแนวนอนและแนวตั้งสีดำตรงบนพื้นหลังสีขาวสร้างตารางที่มีเซลล์ขนาดต่างๆ และเซลล์ต่างๆ จะเต็มไปด้วยสีในท้องถิ่น การแสดงออกของภาพวาดของปรมาจารย์สนับสนุนให้ศิลปินเข้าใจอย่างสร้างสรรค์หรือลอกเลียนแบบโดยสุ่มสี่สุ่มห้า ศิลปินและนักออกแบบใช้นามธรรมเพื่อสร้างวัตถุที่สมจริงมาก ลวดลายมอนเดรียนเป็นเรื่องธรรมดาโดยเฉพาะในโครงการสถาปัตยกรรม

เปรี้ยวจี๊ดรัสเซีย - บทกวีของคำศัพท์

ศิลปินชาวรัสเซียเปิดกว้างเป็นพิเศษต่อแนวคิดของเพื่อนร่วมชาติ - Kandinsky และ Malevich แนวคิดเหล่านี้เข้ากันได้โดยธรรมชาติอย่างยิ่งกับยุคอันปั่นป่วนของการกำเนิดและการก่อตัวของระบบสังคมใหม่ ทฤษฎีลัทธิซูพรีมาติสม์ได้รับการเปลี่ยนแปลงโดย Lyubov Popova (1889-1924) และ (1891-1956) ไปสู่แนวปฏิบัติของคอนสตรัคติวิสต์ ซึ่งมีอิทธิพลเป็นพิเศษต่อสถาปัตยกรรมใหม่ วัตถุที่สร้างขึ้นในยุคนั้นยังคงได้รับการศึกษาโดยสถาปนิกทั่วโลก

มิคาอิล ลาริโอนอฟ (พ.ศ. 2424-2507) และนาตาลียา กอนชาโรวา (พ.ศ. 2424-2505) กลายเป็นผู้ก่อตั้งลัทธิเรยอนหรือลัทธิภูมิภาคนิยม พวกเขาพยายามแสดงการสลับซับซ้อนของรังสีและระนาบแสงที่ปล่อยออกมาจากทุกสิ่งที่อยู่รอบตัวโลก

Alexandra Esther (2425-2492), (2425-2510), Olga Rozanova (2429-2461), Nadezhda Udaltsova (2429-2504) เข้าร่วมในเวลาที่ต่างกันในขบวนการ Cubo-Futurist ซึ่งทำงานเกี่ยวกับบทกวีด้วย

ลัทธินามธรรมในการวาดภาพเป็นตัวแสดงแนวคิดสุดโต่งมาโดยตลอด แนวคิดเหล่านี้สร้างความรำคาญแก่เจ้าหน้าที่ของรัฐเผด็จการ ในสหภาพโซเวียตและต่อมาในนาซีเยอรมนี นักอุดมการณ์ได้กำหนดอย่างรวดเร็วว่าศิลปะประเภทใดที่สามารถเข้าใจได้และจำเป็นสำหรับผู้คน และในช่วงต้นทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 20 ศูนย์กลางของการพัฒนาศิลปะนามธรรมได้ย้ายไปอยู่ที่อเมริกา

ช่องทางหนึ่งสตรีม

ศิลปะนามธรรมเป็นคำจำกัดความที่ค่อนข้างคลุมเครือ เมื่อใดก็ตามที่เป้าหมายของความคิดสร้างสรรค์ไม่มีการเปรียบเทียบที่เป็นรูปธรรมในโลกรอบๆ พวกเขาก็พูดถึงสิ่งที่เป็นนามธรรม ในบทกวี ในดนตรี ในบัลเล่ต์ ในสถาปัตยกรรม ในศิลปกรรม รูปแบบและประเภทของทิศทางนี้มีความหลากหลายเป็นพิเศษ

ศิลปะนามธรรมในการวาดภาพประเภทต่อไปนี้สามารถแยกแยะได้:

การจัดองค์ประกอบสี: ในพื้นที่ของผืนผ้าใบสีเป็นสิ่งสำคัญและวัตถุจะละลายไปตามการเล่นสี (Kandinsky, Frank Kupka (2424-2500), Orphist (2428-2484), Mark Rothko (2446-2513) , บาร์เน็ตต์ นิวแมน (1905-1970))

ลัทธินามธรรมเชิงเรขาคณิตเป็นจิตรกรรมแนวเปรี้ยวจี๊ดที่ชาญฉลาดและมีการวิเคราะห์มากกว่า เขาปฏิเสธมุมมองเชิงเส้นและภาพลวงตาของความลึก แก้ปัญหาความสัมพันธ์ของรูปแบบเรขาคณิต (Malevich, Mondrian, ผู้ธาตุ Theo van Doesburg (1883-1931), Josef Albers (1888-1976), สาวกของ op art (1906-1997) )).

นามธรรมที่แสดงออก - กระบวนการสร้างภาพมีความสำคัญอย่างยิ่งที่นี่บางครั้งวิธีการลงสีเช่นในหมู่ Tachiists (จาก tache - คราบ) (Jackson Pollock (2455-2499) จิตรกร Tachis Georges Mathieu ( 1921-2012), วิลเลม เดอ คูนนิ่ง (1904-1997), โรเบิร์ต มาเธอร์เวลล์ (1912-1956)

มินิมัลลิสม์เป็นการหวนคืนสู่ต้นกำเนิดของศิลปะแนวหน้า รูปภาพปราศจากการอ้างอิงและการเชื่อมโยงภายนอกโดยสิ้นเชิง (เกิดปี 1936), Sean Scully (เกิดปี 1945), Ellsworth Kelly (เกิดปี 1923))

ศิลปะนามธรรมเป็นเรื่องของอดีตหรือไม่?

แล้วศิลปะนามธรรมตอนนี้คืออะไร? ตอนนี้คุณสามารถอ่านบนอินเทอร์เน็ตได้ว่าการวาดภาพนามธรรมเป็นเรื่องของอดีตแล้ว เปรี้ยวจี๊ดรัสเซีย สี่เหลี่ยมสีดำ - ใครต้องการมัน? ถึงเวลาแล้วสำหรับข้อมูลที่รวดเร็วและชัดเจน

ข้อมูล: หนึ่งในภาพวาดที่แพงที่สุดในปี 2549 ขายได้มากกว่า 140 ล้านดอลลาร์ มันถูกเรียกว่า “หมายเลข 5.1948” ผู้เขียนคือ Jackson Pollock ศิลปินแนวนามธรรมที่แสดงออก