ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ปรากฏในฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 1860 และเปลี่ยนแนวคิดดั้งเดิมเกี่ยวกับการวาดภาพ เมื่อพิจารณาภาพวาดที่มีแสงแดดสดใส มีชีวิตชีวา และเต็มไปด้วยแสงของศิลปินในขบวนการนี้ เป็นเรื่องยากที่จะเชื่อว่าผลงานของพวกเขาไม่ได้รับการยอมรับมาเป็นเวลานาน และถือเป็นการเบี่ยงเบนไปจากหลักการของการวาดภาพคลาสสิก “Around the World” เชิญชวนให้คุณเดินทางไปทั่วฝรั่งเศสและดูว่าส่วนต่างๆ ของประเทศถูกนำเสนอผ่านผลงานของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์อย่างไร

คล็อด โมเน่ต์. "ทุ่งดอกป๊อปปี้ที่ Argenteuil" (2416)

ภาพวาด "Field of Poppies..." วาดโดย Monet ในเมือง Argenteuil ซึ่งอยู่ห่างจากปารีสเพียง 10 กิโลเมตร และในศตวรรษที่ 19 เป็นสถานที่พักผ่อนยอดนิยมสำหรับผู้พักอาศัยในเมืองหลวง โมเนต์และครอบครัวของเขาอาศัยอยู่ในชานเมืองแห่งนี้เป็นเวลาเจ็ดปีและสร้างสรรค์ภาพวาดสีสันสดใสมากมาย

ใน Argenteuil ศิลปินทำงานมากในที่โล่ง: เขามักจะถูกดึงดูดด้วยโอกาสที่จะวาดภาพช่วงเวลาการกระทำและพื้นที่บางอย่างบนผืนผ้าใบ ภาพวาด "Field of Poppies at Argenteuil" สะท้อนให้เห็นถึงความหลงใหลอีกอย่างหนึ่งของศิลปิน - ความรักในดอกไม้ของเขา โมเนต์เคยเรียกสวนของเขาว่าเป็นผลงานชิ้นเอกหลักด้วยซ้ำ

ภาพวาดนี้แบ่งออกเป็นหลายส่วนอย่างชัดเจน โดยส่วนที่สำคัญที่สุดคือภาพดอกไม้สีแดงเข้ม ตัดกับส่วนว่างด้านขวาของผืนผ้าใบ นอกจากนี้เรายังเห็นคู่รักสองคู่วาดภาพร่วมกับคามิลล์ ภรรยาของศิลปิน และฌอง ลูกชายคนโตของเขา การจัดเรียงจะช่วยจัดโครงสร้างพื้นที่ของภาพและถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่ถ่ายไว้

ในขณะที่ทำงานวาดภาพ Monet ไม่ได้ผสมสี แต่ใช้ลายเส้นที่มีสีต่างกันซึ่งสายตามนุษย์รับรู้ว่าเป็นเฉดสีที่ต่างกัน ในขณะเดียวกัน ศิลปินก็วาดภาพสิ่งที่สำคัญกว่าให้ละเอียดยิ่งขึ้น ดังนั้น สิ่งที่เน้นตรงนี้จึงอยู่ที่ดอกไม้และส่วนบนของร่างมนุษย์ในโฟร์กราวด์ ในขณะที่สนามทางด้านขวาของภาพและท้องฟ้าไม่ค่อยชัดเจนนัก

ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์. "สะพานสู่ Chatou" (2418)

Chatou เป็นอีกหนึ่งมุมที่งดงามของฝรั่งเศส ซึ่งเป็นที่ชื่นชอบของศิลปินแนวใหม่ มักเรียกกันว่าเกาะแห่งอิมเพรสชั่นนิสต์ เพราะ ณ จุดนี้แม่น้ำแซนได้แบ่งออกเป็นสองสาขา เช่นเดียวกับเมือง Argenteuil ที่อยู่ติดกัน เมือง Chatou ในศตวรรษที่ 19 มีบรรยากาศที่สนุกสนานและคึกคัก

ผู้คนมาที่นี่เพื่อว่ายน้ำ นั่งเรือ หรือปิกนิก และฉากที่เรียบง่ายเหล่านี้สะท้อนให้เห็นในภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์ สถานที่โปรดของบาทหลวง Fournaise ใต้สะพาน Chatou ซึ่งไม่เพียงแต่ค้างคืนเท่านั้นแต่ยังสามารถเช่าห้องได้อีกด้วย เป็นสถานที่โปรดของ Renoir ในสถานประกอบการแห่งนี้เองที่ศิลปินได้สร้างภาพวาดของเขาเรื่อง "The Rowers 'Breakfast" ซึ่งเขาบรรยายถึงคนรู้จักและเพื่อนฝูงของเขา ในปี 1990 ร้านอาหาร Maison Fournaise ได้รับการบูรณะใหม่ และปัจจุบันเป็นที่ตั้งของพิพิธภัณฑ์ขนาดเล็ก

ภาพวาด "Bridge at Chatou" แตกต่างจากผลงานส่วนใหญ่ของ Renoir ต่างจาก Monet ศิลปินชอบที่จะพรรณนาถึงผู้คนมากกว่าและยังชอบโทนสีที่อิ่มตัวมากกว่าด้วย แต่ “สะพานที่ Chatou” ยังเป็นภูมิประเทศที่ผู้คนปรากฏเป็นร่างมืดมัว สะพานถูกวาดอย่างระมัดระวังมากกว่าองค์ประกอบอื่นๆ นอกจากนี้ยังมีการแสดงภาพการพายเรือยอดนิยมที่นี่ ภูมิทัศน์มีลักษณะเป็นเส้นที่คลุมเครือและสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศควัน การไม่มีร่างมนุษย์ที่ชัดเจนทำให้เกิดความรู้สึกห่างเหิน และชุดสีและแสงช่วยให้มองเห็นความสุขในสิ่งธรรมดา

เฟรเดอริก เบซิล. "ภูมิทัศน์ริมฝั่ง Lez" (2413)

ด้วยภูมิประเทศของ Basil เราจึงเดินทางจากตอนกลางของฝรั่งเศสไปทางทิศใต้ไปยังภูมิภาคบ้านเกิดของศิลปิน ชื่อของ Basil เป็นที่รู้จักน้อยกว่าชื่อเพื่อนของเขา Monet และ Renoir มาก เนื่องจากเขาเสียชีวิตเมื่ออายุ 28 ปี “ ภูมิทัศน์ริมฝั่ง Lez” เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นสุดท้ายของศิลปิน: ไม่นานหลังจากทำงานบนผืนผ้าใบเสร็จ Basil ก็อาสาทำสงครามฝรั่งเศส - ปรัสเซียนซึ่งในไม่ช้าเขาก็เสียชีวิต

ศิลปินสร้างภูมิทัศน์ให้เสร็จภายในเวลาบันทึก เขาใช้เวลาเพียงสองเดือนกว่าจะเสร็จสมบูรณ์ ในขณะที่ทำงาน ญาติของ Basil ไม่อยู่และไม่ได้หันเหความสนใจของเขาจากภาพวาด นอกจากนี้เขารู้จักพื้นที่นั้นดี ดังนั้นในจดหมายถึงน้องชายของเขา เขาจึงระบุสถานที่ที่เขาบรรยายอย่างชัดเจน: “ริมฝั่งแม่น้ำเลซใกล้โรงสีใกล้นาวิเลา และถนนสู่แคลปเปียร์”

ภาพวาดนี้แตกต่างอย่างมากจากทิวทัศน์ของ Monet และ Renoir เนื่องจาก Basil ชอบวาดภาพดวงอาทิตย์ที่จุดสุดยอดและยังพรรณนาถึงแสงที่รุนแรงซึ่งแตกต่างจากแสงไร้น้ำหนักและเป็นควันบนผืนผ้าใบของเพื่อนของเขา โหระพายังใช้สีตัดกันที่สว่าง และมีความแม่นยำและละเอียดยิ่งขึ้นเมื่อแก้ไขรายละเอียดของภาพ ด้วยเหตุนี้เราจึงสามารถจดจำต้นไม้ "ภูมิทัศน์ริมฝั่ง Lez" และลักษณะพืชพรรณทางตอนใต้ของฝรั่งเศสได้บนผืนผ้าใบ

คามิลล์ ปิสซาโร. "สะพาน Boildieu ที่ Rouen ในวันที่ฝนตก" (2439)

Camille Pissarro ลงไปในประวัติศาสตร์อิมเพรสชันนิสม์ในฐานะปรมาจารย์ด้านภูมิทัศน์เมือง เขาวาดภาพเขียนหลายภาพเกี่ยวกับรูอ็องซึ่งตั้งอยู่ทางตอนเหนือของฝรั่งเศส ปิซาโรมาที่เมืองนี้หลังจากได้เห็นจักรยานของโกลด โมเนต์ที่อุทิศให้กับอาสนวิหารรูอ็อง

Pissarro ก็เหมือนกับ Monet ที่ใช้แสงและอากาศในการสร้างสรรค์ผืนผ้าใบ เขาถูกดึงดูดด้วยความเป็นไปได้ที่จะพรรณนาถึงเมืองนี้ว่าเป็นสิ่งมีชีวิตที่เคลื่อนไหวอยู่ตลอดเวลา เขาใช้สีเข้มกว่าและฝีแปรงหนากว่า แต่ภาพวาดของเขาดูสมจริงกว่า มุมมองที่ไม่ธรรมดามักอธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าปิสซาร์โรวาดจากหน้าต่างโรงแรม

ศิลปินพยายามสะท้อนผืนผ้าใบถึงลักษณะทางอุตสาหกรรมที่ค่อยๆ ปรากฏให้เห็นในรูปลักษณ์ของเมือง นี่คือสิ่งที่ทำให้ปิซาโรสนใจเมืองรูอ็อง ซึ่งถึงแม้จะมีสถาปัตยกรรมอันงดงาม แต่ก็กลายมาเป็นเมืองท่าและศูนย์กลางอุตสาหกรรมเมื่อปลายศตวรรษที่ 19

ปอล เซซาน. "ทิวทัศน์ของอ่าวมาร์เซย์จาก Estac" (2428)

ภูมิทัศน์ของ Paul Cézanne พาเราย้อนกลับไปทางตอนใต้ของฝรั่งเศสอีกครั้ง แต่ในขณะเดียวกันก็แตกต่างไปจากภาพวาดที่กล่าวถึงไปแล้วอย่างสิ้นเชิง ผืนผ้าใบของ Cezanne แม้แต่กับผู้ชมที่ไม่ได้รับการฝึกฝนก็ดูกล้าหาญมากกว่าผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์คนอื่น ๆ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ศิลปินมักถูกเรียกว่าบิดาแห่งศิลปะสมัยใหม่

Cezanne เกิดทางตอนใต้ของประเทศ มักวาดภาพทิวทัศน์ทางตอนใต้ในภาพวาดของเขา บริเวณโดยรอบหมู่บ้านชาวประมง Estac กลายเป็นหนึ่งในตัวแบบที่เขาชื่นชอบในทิวทัศน์ของเขา ในช่วงทศวรรษที่ 1880 Cezanne พยายามที่จะหลีกหนีปัญหาในครอบครัวมาที่ Estac และวาดภาพเขียนประมาณสิบภาพซึ่งเขาบรรยายถึงอ่าวมาร์เซย์

"ทิวทัศน์อ่าวมาร์เซย์จากเอสตาค" เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของยุคนี้ และช่วยให้เราได้เห็นลักษณะพิเศษของภาพวาดของเซซานน์ที่มีอิทธิพลต่อปาโบล ปิกัสโซ เรากำลังพูดถึงลายเส้นแนวนอนที่มีความหนาแน่นเป็นพิเศษของศิลปินเป็นหลัก รวมถึงการใช้สีที่ลึกและเข้มข้น เช่น สีส้มเหลือง Cezanne จัดการเพื่อให้ได้ภาพน้ำสามมิติผ่านการใช้เฉดสีน้ำเงินที่แตกต่างกัน รวมถึงการรวมสีเขียวและสีม่วงเข้าด้วยกัน เช่นเดียวกับอิมเพรสชั่นนิสต์คนอื่นๆ Cézanne ชอบวาดภาพทะเล ท้องฟ้า และภูเขา แต่ในภาพของเขา ภาพเหล่านี้ดูหนาแน่นและชัดเจนมากกว่า

คล็อด โมเน่ต์. ดอกป๊อปปี้ 2316 พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส

“Poppies” หนึ่งในผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Claude Monet ฉันเห็นใน อย่างไรก็ตาม ฉันก็ไม่ได้ดูมันอย่างถูกต้อง ในฐานะแฟนๆ ฉันรู้สึกทึ่งกับผลงานชิ้นเอกทั้งหมดที่อยู่ในพิพิธภัณฑ์แห่งนี้!

ต่อมา แน่นอน ฉันดู “ดอกป๊อปปี้” อย่างเหมาะสม และฉันค้นพบว่าฉันไม่ได้สังเกตเห็นรายละเอียดที่น่าสนใจหลายอย่างในพิพิธภัณฑ์ด้วยซ้ำ หากคุณดูภาพให้ละเอียดยิ่งขึ้น คุณอาจมีคำถามอย่างน้อยสามข้อ:

1. ทำไมดอกป๊อปปี้ถึงใหญ่มาก?
2. เหตุใดโมเนต์จึงพรรณนาถึงร่างสองคู่ที่เกือบจะเหมือนกัน?
3. ทำไมศิลปินไม่วาดท้องฟ้าในภาพ?

ฉันจะตอบคำถามเหล่านี้ตามลำดับ

1. ทำไมดอกป๊อปปี้ถึงใหญ่มาก?

ดอกป๊อปปี้มีขนาดใหญ่มาก ส่วนใหญ่จะมีขนาดใหญ่เท่ากับศีรษะของเด็กในภาพ และถ้าคุณนำดอกป๊อปปี้มาจากพื้นหลังและนำพวกมันเข้ามาใกล้กับร่างที่อยู่เบื้องหน้ามากขึ้น พวกมันก็จะใหญ่กว่าหัวของทั้งเด็กและผู้หญิงในภาพโดยสิ้นเชิง เหตุใดจึงไม่เป็นจริงเช่นนี้?

ในความคิดของฉัน โมเนต์จงใจเพิ่มขนาดของดอกป๊อปปี้ ด้วยวิธีนี้ เขาเลือกที่จะถ่ายทอดความประทับใจทางภาพที่สดใสอีกครั้ง แทนที่จะเป็นความสมจริงของวัตถุที่ปรากฎ

อย่างไรก็ตาม ในกรณีนี้ คุณสามารถวาดเส้นขนานด้วยเทคนิคการวาดภาพดอกบัวในผลงานชิ้นต่อๆ ไปของเขาได้

เพื่อความชัดเจน ให้ดูเศษภาพวาดที่มีดอกบัวจากปีต่างๆ (พ.ศ. 2442-2469) งานบนคืองานแรกสุด (พ.ศ. 2442) งานล่างคืองานล่าสุด (พ.ศ. 2469) เห็นได้ชัดว่าเมื่อเวลาผ่านไป ดอกบัวกลายเป็นนามธรรมมากขึ้นเรื่อยๆ และมีรายละเอียดน้อยลง

เห็นได้ชัดว่า "ป๊อปปี้" เป็นเพียงลางสังหรณ์ของความโดดเด่นของนามธรรมนิยมในภาพวาดของโมเนต์ในเวลาต่อมา

ภาพวาดโดยโกลด โมเนต์ 1. ซ้ายบน: ดอกบัว 1899 ก. ของสะสมส่วนตัว. 2. ขวาบน: ดอกบัว 1908 ก. ของสะสมส่วนตัว. 3. กลาง : สระน้ำที่มีดอกบัว 1919 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก 4. ก้น: ดอกลิลลี่ 1926 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเนลสัน-แอตกินส์, แคนซัสซิตี

2. ทำไมในภาพถึงมีสองคู่ที่เหมือนกัน?

ปรากฎว่าการแสดงการเคลื่อนไหวในภาพวาดของเขาเป็นสิ่งสำคัญสำหรับโมเนต์ด้วย เขาทำสิ่งนี้สำเร็จด้วยวิธีที่ไม่ธรรมดา โดยพรรณนาเส้นทางที่แทบจะมองไม่เห็นบนเนินเขาท่ามกลางดอกไม้ ราวกับถูกเหยียบย่ำระหว่างร่างสองคู่

ที่ด้านล่างของเนินเขาที่มีดอกป๊อปปี้คือคามิลล์ภรรยาของเขาและฌองลูกชาย ตามธรรมเนียมแล้ว คามิลลาจะแสดงภาพด้วยร่มสีเขียว เช่นเดียวกับในภาพวาด "ผู้หญิงกับร่ม"

บนเนินเขามีผู้หญิงและเด็กอีกคู่หนึ่ง ซึ่งคามิลล่าและลูกชายของเธอน่าจะโพสท่าให้ด้วย นั่นเป็นเหตุผลที่ทั้งสองคู่มีความคล้ายคลึงกันมาก

คล็อด โมเน่ต์. ดอกป๊อปปี้ แฟรกเมนต์ พ.ศ. 2416 พิพิธภัณฑ์ออร์เซย์ ปารีส

ภาพร่างคู่นี้บนเนินเขาอาจเป็นเพียงเอฟเฟกต์การมองเห็นของการเคลื่อนไหวที่โมเนต์พยายามอย่างหนักเท่านั้น

3. ทำไมโมเน่ไม่วาดภาพท้องฟ้า?

จุดที่น่าสังเกตอีกประการหนึ่ง: สังเกตว่าท้องฟ้าถูกดึงออกมาได้ไม่ดีเพียงใด ลงไปจนถึงพื้นที่ว่างของผืนผ้าใบที่ทิ้งไว้เบื้องหลัง

คล็อด โมเน่ต์. ดอกป๊อปปี้ แฟรกเมนต์ พ.ศ. 2416

คุณลองจินตนาการดูว่าจู่ๆ กลางป่าในเมืองของแคนาดา จู่ๆ ก็บานสะพรั่ง? ทุ่งดอกป๊อปปี้- ฟังดูลึกซึ้ง แต่ไม่มีอะไรที่เป็นไปไม่ได้ในโลกศิลปะ และก็มีแบบอย่างอยู่แล้ว: เมื่อไม่นานมานี้ดอกป๊อปปี้ปรากฏตัวที่Zweibrückenในมอนทรีออล - นี่เป็นประเพณีที่สืบเนื่องมาจากประเพณีดอกไม้อยู่แล้ว

ผู้สร้างผลงานศิลปะจัดวาง “ดอกไม้” – ศิลปินและสถาปนิก Claude Cormierผู้ชื่นชอบอิมเพรสชันนิสม์อย่างกระตือรือร้น รักผืนผ้าใบ คล็อด โมเน่ต์ครั้งหนึ่งเคยเป็นแรงบันดาลใจให้เขาสร้างซึ่งมีลักษณะคล้ายดอกวิสทีเรียที่กำลังบาน ผลงานที่สร้างขึ้นในปัจจุบันในมอนทรีออลเป็นการแสดงความเคารพและความชื่นชมต่อ "ทุ่งดอกป๊อปปี้" ของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ ให้เราจำไว้ว่า Claude Monet วาดภาพพื้นที่สีเขียวของ Giverny อย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยซึ่งเต็มไปด้วยดอกไม้สีแดงสดจากภาพวาดของเขาคุณสามารถสร้างวงจร "ดอกป๊อปปี้" ทั้งหมดได้

ในการสร้างงานศิลปะจัดวางนั้น ต้องใช้เครื่องหมายสีแดง เขียว และขาว 5,060 อัน ซึ่งกระจายอยู่ในตรอกหน้าพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ ผลงานของ Claude Cordier เป็นส่วนหนึ่งของนิทรรศการประจำปี ทุกคนจะได้ชื่นชมทุ่งดอกป๊อปปี้อันหรูหรากลางทะเลยางมะตอย

อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ใช่ครั้งแรกที่ผลงานของอิมเพรสชันนิสต์ชื่อดังได้สร้างแรงบันดาลใจให้ศิลปินสร้างสรรค์ผลงานศิลปะ เราได้แนะนำผู้อ่านของเราให้รู้จักกับการออกแบบที่ชวนให้นึกถึง Blue House ในเมืองซานดัม รวมถึงชุดโปสเตอร์โฆษณา ซึ่งหนึ่งในนั้นเป็นรูปโมเนต์พร้อมกับดอกไม้โปรดอีกชนิดหนึ่ง - ดอกบัว

Field of Poppies (1873) ซึ่งจัดแสดงในนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ครั้งแรก แสดงให้เห็นภาพ Camille ภรรยาของ Monet และ Jean องลูกชายของพวกเขาในทุ่งใกล้บ้านของพวกเขาใน Argenteuil เช่นเดียวกับผลงานอื่นๆ มากมายของ Monet คามิลล์ถูกวาดโดยมีร่มอยู่ในมือ และโครงร่างที่สง่างามทำให้ภาพวาดนี้มีเสน่ห์เป็นพิเศษ

โมเนต์วาดภาพ “ทุ่งดอกป๊อปปี้” บนผ้าใบขนาดเล็กแบบพกพา แม้ว่าภาพวาดจะสื่อถึงความรู้สึกที่เป็นธรรมชาติและเป็นธรรมชาติ แต่ก็มีการเรียบเรียงอย่างระมัดระวัง สิ่งนี้แสดงให้เห็นไม่เพียง แต่ในความจริงที่ว่าศิลปินทำซ้ำตัวเลขสองครั้งเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการเลือกมุมซึ่งกำหนดไว้ในลักษณะที่ดอกป๊อปปี้สีสดใสที่เติมด้านซ้ายขององค์ประกอบนั้นตั้งอยู่ในแนวทแยงมุมด้วย คามิลล์และจีนเดินราวกับออกไปนอกภาพ สีและการเคลื่อนไหวที่หลากหลายที่เติมเต็มพื้นที่ของภาพวาดนี้ตัดกันอย่างระมัดระวังกับโทนสีสงบของขอบขวาบนของผืนผ้าใบซึ่งหลังคาดินเผาของบ้านเชื่อมโยงพื้นหลังกับพื้นหน้าขององค์ประกอบอย่างชำนาญ

ความหลงใหลในดอกไม้

ตลอดชีวิตของเขา Monet ชอบวาดภาพดอกไม้มาก - ดอกไม้ป่า สวน หรือไม้ตัดดอก ซึ่งปรากฏอยู่ในภูมิทัศน์ของเขาตลอดเวลา

โมเนต์เคยยอมรับว่าความหลงใหลที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในชีวิตของเขาสองประการคือการวาดภาพและการทำสวน เมื่อเขาวาดภาพดอกไม้ ความหลงใหลทั้งสองนี้ก็รวมกัน ในทุ่งดอกป๊อปปี้ เช่นเดียวกับภาพวาดอื่นๆ ของเขา โมเนต์เพลิดเพลินกับดอกไม้ป่าที่มีชีวิตชีวา เป็นที่รู้กันว่าหุ่นไม้ตัดดอกที่สวยงามหลายชิ้นของโมเนต์เป็นที่รู้จัก แต่ที่สำคัญที่สุด เขาชอบวาดภาพดอกไม้ที่เติบโตในสวนของเขา ครั้งแรกในอาร์ฌ็องเตย และต่อมาในจิแวร์นี ในปี พ.ศ. 2414 โมเนต์ย้ายไปอยู่กับครอบครัวที่อาร์เจนเตย เพื่อค้นหาบ้านหลังแรกและสวนหลังแรกของเขา อย่างไรก็ตาม ความหลงใหลหลักในชีวิตของศิลปินคือสวนของเขาในจิแวร์นี โมเนต์เลือกดอกไม้สำหรับสวนของเขาเพื่อจัดเรียงตามลำดับ มีสีตัดกัน และออกดอกตลอดทั้งปี เขาปลูกดอกไม้แปลก ๆ มากมายในสวนของเขา ความหลงใหลในดอกไม้ของโมเนต์ได้รับการแบ่งปันโดยศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์คนอื่นๆ หลายคน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง กุสตาฟ ไกเลบอตต์ “อย่าลืมมาในวันจันทร์ตามที่ตกลงไว้” ฉันเขียนถึงโมนาเพื่อนของฉัน “ดอกไอริสของฉันจะบานสะพรั่ง”

ความหลงใหลในแสงและสี

ความหลงใหลในแสงและสีของโมเนต์ส่งผลให้ต้องค้นคว้าและทดลองเป็นเวลาหลายปี โดยมีเป้าหมายเพื่อจับภาพเฉดสีธรรมชาติที่ปรากฎบนผ้าใบ

ภาพวาดของ MONET ให้กำเนิดการเคลื่อนไหวใหม่ในการวาดภาพ - อิมเพรสชั่นนิสม์ และโมเนต์เองก็ได้รับการยอมรับว่าเป็นตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและเป็นแบบอย่างที่สุดของการเคลื่อนไหวนี้ ตลอดชีวิตอันยาวนานของเขา Monet ปฏิบัติตามกฎพื้นฐานของอิมเพรสชั่นนิสม์อย่างต่อเนื่อง - เพื่อจับภาพชีวิตสมัยใหม่บนผืนผ้าใบ (สำหรับ Monet นี่คือทิวทัศน์) และทำงานในที่โล่ง

การทำงานใน PLEIN AIR การปฏิบัติของศิลปินที่ทำงานในที่โล่ง (Plein Air) ไม่ใช่เรื่องใหม่เลย ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ศิลปินชาวอังกฤษ John Constable มักวาดภาพร่างและศึกษาเกี่ยวกับน้ำมันในธรรมชาติ ในปี 1840 ตามตัวอย่างของเขา ศิลปินชาวฝรั่งเศสกลุ่มหนึ่งรวมตัวกันในหมู่บ้านบาร์บิซง ใกล้ป่าฟงแตนโบล โดยมีเป้าหมายในการวาดภาพทิวทัศน์ที่ควรสื่อถึง "ธรรมชาติที่แท้จริง" Camille Corot ผู้ซึ่งได้รับการยกย่องอย่างสูงจากอิมเพรสชั่นนิสต์หลายคนจากมุมมองที่ไร้อุดมคติของเขา ยังได้วาดภาพด้วยสีน้ำมันในอากาศเช่นกัน เพื่อกระตุ้นให้ศิลปิน "ติดตามความประทับใจแรกของคุณ"

บทบาทที่สำคัญที่สุดในการพัฒนาของโมเนต์ในฐานะศิลปินคือมิตรภาพในวัยเยาว์ของเขากับจิตรกรภูมิทัศน์ ยูจีน บูแดง ซึ่งเชี่ยวชาญด้านภูมิทัศน์ริมทะเลขนาดเล็กที่โปร่งสบายที่เขาสร้างขึ้นในที่โล่ง บดินทร์ยืนกรานให้โมเน่ต์เข้าร่วมกับเขาในช่วงเซสชั่นหนึ่งที่เลออาฟวร์ “ทันใดนั้น เกล็ดก็หลุดจากตาของฉัน” โมเนต์เขียนในภายหลัง

ที่นั่นในเมืองเลออาฟวร์ โมเนต์ได้พบกับศิลปินชาวดัตช์ Johan Barthold Jonkind ผู้ซึ่งพยายามถ่ายทอดเฉดสีอากาศและอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนที่สุดในทิวทัศน์ท้องทะเลของเขา โมเนต์พูดเกี่ยวกับเขาในภายหลังว่า: "ในที่สุดเขาก็เป็นคนที่พัฒนาวิสัยทัศน์ของฉัน"

สิ่งที่ตาเห็นจริงๆ โมเนต์ได้เรียนรู้ว่าภาพวาดที่วาดกลางแจ้งมีความสดชื่นและความมีชีวิตชีวาที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งไม่สามารถทำได้โดยการทำงานในสตูดิโอ ซึ่งศิลปินมีความคิดอุปาทานเกี่ยวกับงานที่เขากำลังจะสร้างสรรค์ คำแนะนำที่โมเนต์ให้กับศิลปินเผยให้เห็นอย่างชัดเจนถึงแนวทางการวาดภาพของเขาเอง: “พยายามลืมสิ่งที่คุณเห็นตรงหน้า ไม่ว่าจะเป็นต้นไม้ บ้าน ทุ่งนา หรืออะไรก็ตาม แค่คิดว่าที่นี่มีสี่เหลี่ยมสีฟ้าเล็กๆ มีร่างสีชมพูยาวๆ และทำต่อไปจนกว่าคุณจะเห็นภาพที่อยู่ตรงหน้าคุณอย่างไร้เดียงสา” ดังนั้นความประทับใจจึงเป็นแรงกระตุ้นทางภาพที่สร้างขึ้นจากสิ่งที่เห็นในขณะนั้น

แนวคิดเชิงปฏิวัติ สำหรับอิมเพรสชั่นนิสต์ทุกคน และโดยเฉพาะสำหรับโมเนต์ เป้าหมายหลักของงานศิลปะคือการจับภาพความประทับใจที่ปรากฎในชั่วขณะหนึ่งที่เข้าใจยาก ในเวลานั้น แนวคิดดังกล่าวดูเหมือนเป็นการปฏิวัติและน่าตกใจไม่น้อยไปกว่าความสมจริงอย่างเปิดเผยของ Courbet ในเทคนิคใหม่ เพื่อให้บรรลุเป้าหมาย ศิลปินจำเป็นต้องมีเทคนิคทางเทคนิคใหม่ในการเขียน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง โมเนต์ได้พัฒนาเทคนิคการวาดภาพของเขาเอง โดยใช้พู่กันสั้นๆ วาดลายเส้นกว้างและหยาบ จุดที่กระจัดกระจายหนา ขีดกลาง ซิกแซก และลายเส้นหนาบนผืนผ้าใบ โมเนต์ทำงานไปพร้อมๆ กันทั่วทั้งพื้นที่ของภาพวาด โดยเชื่อดังที่เขากล่าวในภายหลังว่า "สีชั้นแรกควรครอบคลุมผืนผ้าใบให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ไม่ว่าจะทาหยาบแค่ไหนก็ตาม"

โมเนต์ใช้สีในรูปแบบใหม่และปฏิวัติวงการ โดยไม่ต้องสงสัยเลยว่าได้รับแรงบันดาลใจมาจากการค้นพบของยูจีน เชฟรึลเกี่ยวกับวิธีการรับรู้ทางสายตา Chevreul พิสูจน์ว่าสีหลักที่อยู่ติดกันของวงล้อสีทำให้สีอ่อนลง และความเปรียบต่างที่ยิ่งใหญ่ที่สุดจะเกิดขึ้นได้เมื่อมีสีคู่ตรงข้ามอยู่ติดกัน การค้นพบที่สำคัญอีกประการหนึ่งของเขาคือสีไม่ใช่คุณสมบัติโดยธรรมชาติของวัตถุ สีเป็นเพียงวิธีที่แสงผสมกันเมื่อสะท้อนจากพื้นผิวของวัตถุ เช่นเดียวกับจิตรกรแนวอิมเพรสชั่นนิสต์คนอื่นๆ โมเนต์มักจะใช้จานสีที่มีจำกัด โดยเลือกใช้สีที่บริสุทธิ์และไม่ผสม และภาพวาดบนผืนผ้าใบที่เคลือบด้วยไพรเมอร์สีขาวหรือครีม ซึ่งทำให้สีที่ใช้สว่างและสว่างขึ้น

การค้นพบที่สำคัญอีกประการหนึ่งที่มีอิทธิพลต่อวิสัยทัศน์ของศิลปินคือการถ่ายภาพ ในภาพถ่ายสมัยนั้น วัตถุที่กำลังเคลื่อนที่จะถูกมองว่าเป็นจุดที่พร่ามัว และมีเพียงวัตถุที่อยู่นิ่งเท่านั้นที่มีโครงร่างที่ชัดเจน ผลกระทบนี้สะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนในร่างมดของผู้คนที่เราเห็นในภาพวาดของโมเนต์เรื่อง “Boulevard des Capucines” (1873)

การเปลี่ยนหัวเรื่องของภาพ

เป็นเรื่องน่าสนใจมากที่ได้ติดตามว่าทัศนคติของโมเนต์ต่อวัตถุที่เขาพรรณนาเปลี่ยนไปอย่างไรตลอดช่วงชีวิตอันยาวนานของเขา แม้ว่าเขาจะหมกมุ่นอยู่กับการเล่นแสงอยู่ตลอดเวลา แต่ในภาพวาดยุคแรก ๆ ของเขาโมเนต์มักวาดภาพร่างมนุษย์ที่วาดในลักษณะที่คุ้นเคยโดยมีพื้นหลังเป็นทิวทัศน์

อย่างไรก็ตาม เมื่อใกล้ถึงทศวรรษที่ 1880 โมเนต์ก็เริ่มสนใจธรรมชาติมากขึ้นในรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุด หากร่างหรือวัตถุไม่มีชีวิตปรากฏในภาพวาดในช่วงเวลานี้ สิ่งเหล่านี้มักจะมีบทบาทสนับสนุนและจางหายไปในพื้นหลัง

ชุดภาพวาด

แม้ว่าศิลปินจะสร้างภาพร่างในฉากเดียวกันตลอดเวลา แต่ก่อนที่ Monet จะไม่มีใครวาดภาพวัตถุเดียวกันหลายครั้งภายใต้แสงที่แตกต่างกันและสภาพอากาศที่แตกต่างกัน ภาพวาดของโมเนต์เป็นตัวแทนทั้งชุดที่บรรยายถึงกองหญ้า ต้นป็อปลาร์ มหาวิหารในรูอ็อง ทิวทัศน์ของลอนดอนจากแม่น้ำเทมส์ และสุดท้ายคือดอกบัว

ทิวทัศน์ในลอนดอนของโมเนต์ซึ่งวาดระหว่างปี 1899 ถึง 1901 ด้วยแสงที่กระจายและสีที่กระจาย เป็นผลงานศิลปะที่น่าทึ่งและน่าทึ่งที่สืบย้อนวิวัฒนาการของสไตล์ของศิลปินไปสู่รูปแบบที่เกือบจะเป็นนามธรรม พวกเขาแสดงให้เห็นความก้าวหน้าอย่างค่อยเป็นค่อยไปของศิลปินต่อวัตถุที่เขาจะวาดตลอดชีวิตที่เหลือของเขา สร้างสวนของเขาและเปลี่ยนให้เป็นงานศิลปะที่หายาก

ตั้งแต่ประมาณปี 1905 จนถึงบั้นปลายชีวิต Monet มุ่งความสนใจไปที่ดอกบัวเพียงอย่างเดียว ภาพวาดเหล่านี้ซึ่งมีถ้วยดอกบัวปรากฏขึ้นบนผิวน้ำที่ไม่มีเส้นขอบฟ้า กลายเป็นงานศึกษาที่รวบรวมสีสันและแสงที่หลากหลายและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวอย่างไม่มีที่สิ้นสุด ในความเป็นจริง ชุดภาพวาดเหล่านี้ก็เหมือนกับงานศิลปะที่ยอดเยี่ยมอื่นๆ ที่ท้าทายคำอธิบาย ผลงานเหล่านี้เป็นผลงานของกวีผู้มีความรู้สึกเฉียบแหลมต่อธรรมชาติและสามารถถ่ายทอดความงดงามผ่านภาพวาดได้