ประเภทของทิศทางในการวาดภาพ ทิศทางในการวาดภาพ

จิตรกรรมอาจเป็นรูปแบบศิลปะที่เก่าแก่ที่สุด แม้แต่ในยุคดึกดำบรรพ์ บรรพบุรุษของเราก็สร้างภาพคนและสัตว์ไว้บนผนังถ้ำ นี่เป็นตัวอย่างแรกของการวาดภาพ ตั้งแต่นั้นมา ศิลปะประเภทนี้ก็ยังคงเป็นเพื่อนกับชีวิตมนุษย์อยู่เสมอ ตัวอย่างการวาดภาพในปัจจุบันมีมากมายและหลากหลาย เราจะพยายามครอบคลุมงานศิลปะประเภทนี้ให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ พูดคุยเกี่ยวกับประเภทหลัก สไตล์ เทรนด์ และเทคนิคในนั้น

เทคนิคการวาดภาพ

มาดูเทคนิคการวาดภาพขั้นพื้นฐานกันก่อน หนึ่งในเรื่องที่พบบ่อยที่สุดคือ น้ำมัน- ซึ่งเป็นเทคนิคที่ใช้สีทาน้ำมัน สีเหล่านี้ถูกนำไปใช้เป็นลายเส้น ด้วยความช่วยเหลือของพวกเขา คุณสามารถสร้างเฉดสีที่แตกต่างกันได้หลากหลาย รวมทั้งถ่ายทอดภาพที่จำเป็นด้วยความสมจริงสูงสุด

เทมเพอรา- อีกหนึ่งเทคนิคยอดนิยม เราพูดถึงเรื่องนี้เมื่อใช้สีอิมัลชัน สารยึดเกาะในสีเหล่านี้คือไข่หรือน้ำ

สีโกวเช่- เทคนิคที่ใช้กันอย่างแพร่หลายในกราฟิก สี Gouache ทำด้วยฐานกาว สามารถใช้ทำงานบนกระดาษแข็ง กระดาษ กระดูก หรือผ้าไหม ภาพมีความคงทนและเส้นคมชัด สีพาสเทล- เป็นเทคนิคการวาดภาพด้วยดินสอแห้งและพื้นผิวจะต้องหยาบ และแน่นอนว่ามันคุ้มค่าที่จะพูดถึงสีน้ำ สีนี้มักจะเจือจางด้วยน้ำ ได้สีที่นุ่มนวลและบางโดยใช้เทคนิคนี้ ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ แน่นอนว่าเราได้ระบุเฉพาะเทคนิคหลักที่ใช้บ่อยที่สุดในการวาดภาพเท่านั้น มีคนอื่นด้วย

ปกติภาพวาดจะวาดบนอะไร? ภาพวาดที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือภาพบนผืนผ้าใบ มันถูกยืดออกไปบนกรอบหรือติดกาวบนกระดาษแข็ง โปรดทราบว่าในสมัยก่อนมีการใช้แผ่นไม้ค่อนข้างบ่อย ปัจจุบันไม่เพียงแต่การวาดภาพบนผ้าใบเท่านั้นที่ได้รับความนิยมเท่านั้น แต่ยังสามารถใช้วัสดุเรียบอื่นๆ เพื่อสร้างภาพได้อีกด้วย

ประเภทของการวาดภาพ

มี 2 ​​ประเภทหลักคือ: ขาตั้งและภาพวาดอนุสาวรีย์ หลังเกี่ยวข้องกับสถาปัตยกรรม ประเภทนี้รวมถึงการทาสีเพดานและผนังอาคาร ตกแต่งด้วยภาพที่ทำจากกระเบื้องโมเสคหรือวัสดุอื่น หน้าต่างกระจกสี เป็นต้น การวาดภาพด้วยขาตั้งไม่เกี่ยวข้องกับอาคารใดอาคารหนึ่งโดยเฉพาะ สามารถเคลื่อนย้ายจากที่หนึ่งไปยังอีกที่หนึ่งได้ การวาดภาพขาตั้งมีหลายประเภท (หรือที่เรียกว่าประเภท) ลองดูรายละเอียดเพิ่มเติม

ประเภทของการวาดภาพ

คำว่า "ประเภท" มีต้นกำเนิดมาจากภาษาฝรั่งเศส แปลว่า "สกุล", "สายพันธุ์" นั่นคือภายใต้ชื่อประเภทมีเนื้อหาบางประเภทและโดยการออกเสียงชื่อทำให้เราเข้าใจว่าภาพนั้นเกี่ยวกับอะไรเราจะพบอะไรในนั้น: มนุษย์ ธรรมชาติ สัตว์ วัตถุ ฯลฯ

ภาพเหมือน

ประเภทของการวาดภาพที่เก่าแก่ที่สุดคือการวาดภาพบุคคล นี่คือภาพของบุคคลที่มีลักษณะคล้ายกับตัวเองเท่านั้นและไม่มีใครอื่นอีก กล่าวอีกนัยหนึ่งภาพบุคคลคือภาพในการวาดภาพลักษณะส่วนบุคคลเนื่องจากเราแต่ละคนมีใบหน้าเป็นของตัวเอง การวาดภาพประเภทนี้มีความหลากหลายของตัวเอง ภาพบุคคลสามารถมีความยาวเต็มตัว ความยาวช่วงอก หรือจะทาสีเพียงใบหน้าเดียวก็ได้ โปรดทราบว่าไม่ใช่ว่าทุกภาพของบุคคลจะเป็นภาพบุคคล เนื่องจากศิลปินสามารถสร้าง "บุคคลทั่วไป" ได้ โดยไม่ต้องคัดลอกเขามาจากบุคคลอื่น อย่างไรก็ตาม เมื่อเขาบรรยายถึงตัวแทนที่เฉพาะเจาะจงของเผ่าพันธุ์มนุษย์ เขาจะวาดภาพบุคคลโดยเฉพาะ ไม่จำเป็นต้องพูดว่ามีตัวอย่างการวาดภาพประเภทนี้มากมาย แต่ภาพที่นำเสนอด้านล่างนี้เป็นที่รู้จักของผู้อยู่อาศัยในประเทศของเราเกือบทุกคน เรากำลังพูดถึงภาพลักษณ์ของ A. S. Pushkin ที่สร้างขึ้นในปี 1827 โดย Kiprensky

คุณยังสามารถเพิ่มภาพเหมือนตนเองลงในประเภทนี้ได้ ในกรณีนี้ศิลปินพรรณนาถึงตัวเอง มีภาพคู่เมื่อภาพแสดงคนเป็นคู่ และภาพหมู่เมื่อมีการแสดงภาพกลุ่มคน นอกจากนี้เรายังสามารถสังเกตภาพเหมือนในพิธีซึ่งเป็นประเภทการขี่ม้าซึ่งเป็นหนึ่งในรูปแบบที่เคร่งขรึมที่สุด สมัยก่อนเป็นที่นิยมมาก แต่ปัจจุบันหายากแล้ว อย่างไรก็ตาม ประเภทถัดไปที่เราจะพูดถึงนั้นมีความเกี่ยวข้องตลอดเวลา เรากำลังพูดเรื่องอะไรอยู่? สิ่งนี้สามารถเดาได้โดยการพิจารณาประเภทที่เรายังไม่ได้ตั้งชื่อเมื่อแสดงลักษณะการวาดภาพ หุ่นนิ่งก็เป็นหนึ่งในนั้น นี่คือสิ่งที่เราจะพูดถึงตอนนี้โดยดูการวาดภาพต่อไป

ยังมีชีวิตอยู่

คำนี้มีต้นกำเนิดมาจากภาษาฝรั่งเศส แปลว่า "ธรรมชาติที่ตายแล้ว" แม้ว่าความหมายจะแม่นยำกว่า "ธรรมชาติที่ไม่มีชีวิต" หุ่นนิ่งคือภาพของวัตถุที่ไม่มีชีวิต พวกเขามีความหลากหลายมาก โปรดทราบว่าสิ่งมีชีวิตยังสามารถพรรณนาถึง "ธรรมชาติที่มีชีวิต" ได้ เช่น ผีเสื้อที่เงียบงันบนกลีบดอกไม้ ดอกไม้ที่สวยงาม นก และบางครั้งคุณอาจเห็นบุคคลท่ามกลางของขวัญจากธรรมชาติ อย่างไรก็ตาม นี่จะยังคงเป็นสิ่งมีชีวิต เนื่องจากภาพลักษณ์ของสิ่งมีชีวิตไม่ใช่สิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับศิลปินในกรณีนี้

ทิวทัศน์

ภูมิทัศน์เป็นอีกคำภาษาฝรั่งเศสที่แปลว่า "ทิวทัศน์ของประเทศ" คล้ายกับแนวคิด "ภูมิทัศน์" ของชาวเยอรมัน ภูมิทัศน์เป็นภาพของธรรมชาติที่มีความหลากหลาย ความหลากหลายต่อไปนี้รวมอยู่ในประเภทนี้: ภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรมและทิวทัศน์ทะเลยอดนิยมซึ่งมักเรียกคำเดียวว่า "ท่าจอดเรือ" และศิลปินที่ทำงานในนั้นเรียกว่าจิตรกรทางทะเล ตัวอย่างการวาดภาพประเภทซีสเคปมากมายสามารถพบได้ในผลงานของ I.K. หนึ่งในนั้นคือ "Rainbow" จากปี 1873

ภาพวาดนี้ทำด้วยสีน้ำมันและยากที่จะดำเนินการ แต่การสร้างทิวทัศน์ด้วยสีน้ำนั้นไม่ใช่เรื่องยากเลย ดังนั้นในบทเรียนการวาดภาพของโรงเรียน งานนี้จึงมอบให้กับเราทุกคน

ประเภทสัตว์

ประเภทถัดไปคือสัตว์ ทุกอย่างเรียบง่ายที่นี่ - นี่คือภาพของนกและสัตว์ในธรรมชาติในสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติ

ประเภทในชีวิตประจำวัน

ประเภทชีวิตประจำวันคือการพรรณนาฉากต่างๆ จากชีวิต ชีวิตประจำวัน "เหตุการณ์" ตลกๆ ชีวิตในบ้าน และเรื่องราวของคนธรรมดาในสภาพแวดล้อมธรรมดา หรือคุณสามารถทำโดยไม่มีเรื่องราว - เพียงแค่บันทึกกิจกรรมและกิจวัตรประจำวัน ภาพวาดดังกล่าวบางครั้งเรียกว่าการวาดภาพประเภท ขอยกตัวอย่างงานข้างต้นของ Van Gogh (1885)

ประเภทประวัติศาสตร์

แก่นของการวาดภาพมีความหลากหลาย แต่แนวประวัติศาสตร์มีความโดดเด่นแยกจากกัน นี่เป็นภาพวีรบุรุษและเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ ประเภทการต่อสู้อยู่ติดกัน นำเสนอตอนของสงครามและการสู้รบ

ประเภทศาสนาและตำนาน

ในรูปแบบเทพนิยายผลงานจิตรกรรมเขียนขึ้นในธีมของนิทานโบราณและโบราณเกี่ยวกับเทพเจ้าและวีรบุรุษ ควรสังเกตว่าภาพนั้นมีลักษณะทางโลกและด้วยวิธีนี้จึงแตกต่างจากภาพเทพที่แสดงบนไอคอน อย่างไรก็ตาม ภาพวาดทางศาสนาไม่ได้เป็นเพียงเกี่ยวกับไอคอนเท่านั้น รวบรวมงานเขียนเกี่ยวกับศาสนาต่างๆ

การปะทะกันของประเภท

ยิ่งเนื้อหาของประเภทมีเนื้อหามากขึ้นเท่าใด "สหาย" ของประเภทนั้นก็จะยิ่งปรากฏมากขึ้นเท่านั้น ประเภทต่างๆ สามารถผสานเข้าด้วยกันได้ ดังนั้นจึงมีภาพวาดที่ไม่สามารถวางไว้ในกรอบของประเภทใดๆ ได้ ในงานศิลปะมีทั้งทั่วไป (เทคนิค ประเภท สไตล์) และส่วนบุคคล (งานเฉพาะที่แยกจากกัน) รูปภาพที่แยกต่างหากยังมีบางสิ่งที่เหมือนกัน ดังนั้นศิลปินหลายคนอาจมีแนวเพลงเดียวกัน แต่ภาพวาดที่วาดในนั้นไม่เหมือนกันเลย วัฒนธรรมการวาดภาพมีลักษณะดังกล่าว

สไตล์

สไตล์เป็นลักษณะของการรับรู้ทางสายตาของภาพวาด สามารถผสมผสานผลงานของศิลปินคนใดคนหนึ่งหรือผลงานของศิลปินในยุคหนึ่ง ความเคลื่อนไหว โรงเรียน หรือท้องถิ่นได้

จิตรกรรมวิชาการและความสมจริง

การวาดภาพเชิงวิชาการเป็นแนวทางพิเศษซึ่งเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของสถาบันศิลปะยุโรป ปรากฏในศตวรรษที่ 16 ที่ Bologna Academy ซึ่งผู้คนพยายามเลียนแบบปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 วิธีการสอนการวาดภาพเริ่มมีพื้นฐานมาจากการปฏิบัติตามกฎและข้อบังคับอย่างเคร่งครัดตามรูปแบบที่เป็นทางการ ศิลปะในปารีสถือได้ว่าเป็นหนึ่งในศิลปะที่มีอิทธิพลมากที่สุดในยุโรป เธอส่งเสริมสุนทรียภาพของศิลปะคลาสสิกที่ครอบงำฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 ปารีสอะคาเดมี่? มีส่วนช่วยในการจัดระบบการศึกษา โดยค่อยๆ เปลี่ยนกฎเกณฑ์ของทิศทางคลาสสิกให้กลายเป็นความเชื่อ ดังนั้นการวาดภาพเชิงวิชาการจึงกลายเป็นทิศทางพิเศษ ในศตวรรษที่ 19 ลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของลัทธิวิชาการคือผลงานของ เจ. แอล. เจอโรม, อเล็กซองเดร คาบานเนล และเจ. อิงเกรส ศีลคลาสสิกถูกแทนที่ด้วยศีลที่สมจริงในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 เท่านั้น มันเป็นความสมจริงที่กลายเป็นวิธีการสอนขั้นพื้นฐานในสถาบันการศึกษาเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และกลายเป็นระบบดันทุรัง

พิสดาร

บาโรกเป็นสไตล์และยุคของศิลปะที่โดดเด่นด้วยชนชั้นสูง คอนทราสต์ ภาพที่มีชีวิตชีวา รายละเอียดที่เรียบง่ายเมื่อพรรณนาถึงความอุดมสมบูรณ์ ความตึงเครียด ละคร ความหรูหรา การผสมผสานของความเป็นจริงและภาพลวงตา สไตล์นี้ปรากฏในอิตาลีในปี 1600 และแพร่กระจายไปทั่วยุโรป คาราวัจโจและรูเบนส์เป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุด บาร็อคมักถูกเปรียบเทียบกับการแสดงออกอย่างไรก็ตามไม่เหมือนอย่างหลังไม่มีผลกระทบที่น่ารังเกียจเกินไป ภาพวาดสไตล์นี้ในปัจจุบันโดดเด่นด้วยความซับซ้อนของเส้นสายและเครื่องประดับมากมาย

ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม

ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมคือขบวนการศิลปะแนวหน้าที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 20 ผู้สร้างคือปาโบล ปิกัสโซ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมทำให้เกิดการปฏิวัติอย่างแท้จริงในงานประติมากรรมและภาพวาดในยุโรป โดยสร้างแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์การเคลื่อนไหวที่คล้ายคลึงกันในสถาปัตยกรรม วรรณกรรม และดนตรี การวาดภาพศิลปะในรูปแบบนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยวัตถุที่แตกหักและรวมตัวกันใหม่ซึ่งมีรูปแบบนามธรรม เมื่อพรรณนาถึงสิ่งเหล่านี้ จะใช้มุมมองหลายประการ

การแสดงออก

การแสดงอารมณ์เป็นการเคลื่อนไหวที่สำคัญอีกประการหนึ่งของศิลปะสมัยใหม่ที่ปรากฏในประเทศเยอรมนีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ในตอนแรกครอบคลุมเฉพาะบทกวีและภาพวาด จากนั้นจึงเผยแพร่ไปยังงานศิลปะแขนงอื่นๆ

นักแสดงออกจะพรรณนาโลกตามอัตวิสัย โดยบิดเบือนความเป็นจริงเพื่อสร้างผลกระทบทางอารมณ์มากขึ้น เป้าหมายของพวกเขาคือการทำให้ผู้ชมคิด การแสดงออกในการแสดงออกมีชัยเหนือภาพ สังเกตได้ว่าผลงานหลายชิ้นมีลักษณะเป็นลวดลายของความทรมาน ความเจ็บปวด ความทุกข์ทรมาน เสียงกรีดร้อง (ผลงานของ Edvard Munch ที่นำเสนอข้างต้นเรียกว่า "The Scream") ศิลปินแนวเอ็กซ์เพรสชันนิสต์ไม่สนใจความเป็นจริงทางวัตถุเลย ภาพวาดของพวกเขาเต็มไปด้วยความหมายอันลึกซึ้งและประสบการณ์ทางอารมณ์

อิมเพรสชันนิสม์

อิมเพรสชันนิสม์เป็นรูปแบบหนึ่งของการวาดภาพที่มุ่งเป้าไปที่การทำงานในที่โล่ง (กลางแจ้ง) เป็นหลัก มากกว่าในสตูดิโอ เป็นชื่อของภาพวาด "Impression, Sunrise" โดย Claude Monet ซึ่งแสดงไว้ในภาพด้านล่าง

คำว่า "ความประทับใจ" ในภาษาอังกฤษคือความประทับใจ ภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสม์สื่อถึงความรู้สึกของแสงของศิลปินเป็นหลัก คุณสมบัติหลักของการวาดภาพในรูปแบบนี้มีดังต่อไปนี้: ลายเส้นบาง ๆ ที่แทบจะมองไม่เห็น; การเปลี่ยนแปลงของแสงที่ถ่ายทอดได้อย่างแม่นยำ (ความสนใจมักเน้นไปที่ผลกระทบของกาลเวลา) องค์ประกอบแบบเปิด เป้าหมายทั่วไปที่เรียบง่าย การเคลื่อนไหวเป็นองค์ประกอบสำคัญของประสบการณ์และการรับรู้ของมนุษย์ ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของการเคลื่อนไหวเช่นอิมเพรสชั่นนิสต์คือ Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir

สมัยใหม่

ทิศทางถัดมาคือความสมัยใหม่ซึ่งมีต้นกำเนิดเป็นชุดของกระแสในงานศิลปะแขนงต่างๆ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 "Salon of the Rejected" ของชาวปารีสเปิดในปี 1863 ศิลปินที่ภาพวาดไม่ได้รับอนุญาตให้เข้าไปในร้านเสริมสวยอย่างเป็นทางการจัดแสดงที่นี่ วันนี้ถือได้ว่าเป็นวันที่ของการเกิดขึ้นของสมัยใหม่เป็นการเคลื่อนไหวที่แยกจากกันในงานศิลปะ มิฉะนั้น สมัยใหม่บางครั้งเรียกว่า "ศิลปะอื่น" เป้าหมายของเขาคือการสร้างสรรค์ภาพวาดที่มีเอกลักษณ์ไม่เหมือนใคร ลักษณะสำคัญของผลงานคือวิสัยทัศน์พิเศษของโลกของผู้แต่ง

ศิลปินในงานของพวกเขากบฏต่อคุณค่าของความสมจริง การตระหนักรู้ในตนเองเป็นคุณลักษณะที่โดดเด่นของทิศทางนี้ สิ่งนี้มักนำไปสู่การทดลองกับรูปแบบ เช่นเดียวกับความชอบต่อสิ่งที่เป็นนามธรรม ตัวแทนของสมัยใหม่ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับวัสดุที่ใช้และกระบวนการทำงาน ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดบางคนถือเป็น Henry Matisse (ผลงานของเขา "The Red Room" ปี 1908 นำเสนอไว้ด้านบน) และ Pablo Picasso

นีโอคลาสสิก

นีโอคลาสสิกเป็นทิศทางหลักของการวาดภาพในยุโรปเหนือตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 ถึงปลายศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยการกลับไปสู่คุณลักษณะของยุคเรอเนซองส์โบราณและแม้แต่ยุคคลาสสิก ในแง่สถาปัตยกรรม ศิลปะ และวัฒนธรรม นีโอคลาสสิกกลายเป็นการตอบสนองต่อโรโกโกซึ่งถูกมองว่าเป็นรูปแบบศิลปะที่ตื้นเขินและอวดดี ต้องขอบคุณความรู้ที่ดีเกี่ยวกับกฎหมายของคริสตจักร ศิลปินนีโอคลาสสิกจึงพยายามนำหลักธรรมมาใช้ในงานของพวกเขา อย่างไรก็ตาม พวกเขาหลีกเลี่ยงการสร้างลวดลายและธีมคลาสสิกขึ้นมาใหม่ ศิลปินนีโอคลาสสิกพยายามวางภาพวาดของตนให้อยู่ในกรอบของประเพณีและด้วยเหตุนี้จึงแสดงให้เห็นถึงความเชี่ยวชาญในประเภทนี้ นีโอคลาสซิซิสซึ่มในเรื่องนี้ตรงกันข้ามกับสมัยใหม่โดยตรง โดยที่การแสดงด้นสดและการแสดงออกถือเป็นคุณธรรม ตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่ Nicolas Poussin และ Raphael

ศิลปะป๊อป

ทิศทางสุดท้ายที่เราจะพิจารณาคือศิลปะป๊อป ปรากฏในสหราชอาณาจักรในช่วงกลางทศวรรษที่ 50 ของศตวรรษที่ผ่านมาและในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 ในอเมริกา เชื่อกันว่าศิลปะป๊อปอาร์ตมีต้นกำเนิดมาจากปฏิกิริยาต่อแนวคิดเกี่ยวกับการแสดงออกทางนามธรรมซึ่งมีความโดดเด่นในขณะนั้น เมื่อพูดถึงทิศทางนี้ เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึง ในปี 2009 หนึ่งในภาพวาดของเขา “Eight Elvises” ถูกขายในราคา 100 ล้านเหรียญสหรัฐ

เราดำเนินการต่อในส่วน "หัตถกรรม" และส่วนย่อย "" กับบทความ ที่ที่เราเสนอคำจำกัดความของสไตล์สมัยใหม่ที่เป็นที่รู้จักและไม่รู้จักหลายแบบและยังแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุด

ส่วนหนึ่งจำเป็นต้องใช้สไตล์ศิลปะภาพ เพื่อให้คุณสามารถค้นหาสไตล์ที่คุณวาด (หรืองานฝีมือโดยทั่วไป) หรือสไตล์ใดที่เหมาะกับคุณที่สุดสำหรับการวาดภาพ

เราจะเริ่มต้นด้วยสไตล์ที่เรียกว่า "ความสมจริง" ความสมจริงเป็นตำแหน่งทางสุนทรีย์ตามงานศิลปะที่จะจับภาพความเป็นจริงอย่างถูกต้องและเป็นกลางที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ สัจนิยมมีหลายรูปแบบ - สัจนิยมเชิงวิพากษ์, สัจนิยมสังคมนิยม, ไฮเปอร์เรียลลิสม์, ลัทธิธรรมชาตินิยม และอื่นๆ อีกมากมาย ในความหมายที่กว้างขึ้น ความสมจริงคือความสามารถของศิลปะในการพรรณนาถึงบุคคลและโลกรอบตัวเขาด้วยภาพที่เหมือนมีชีวิตและเป็นที่จดจำได้อย่างเป็นจริงและไม่มีการเคลือบเงา โดยไม่ต้องลอกเลียนแบบธรรมชาติอย่างเฉื่อยชาและไม่แยแส แต่เลือกสิ่งสำคัญในนั้นและพยายาม เพื่อถ่ายทอดคุณสมบัติสำคัญของวัตถุและปรากฏการณ์ในรูปแบบที่มองเห็นได้

ตัวอย่าง: V. G. Khudyakov ผู้ลักลอบขนของ (คลิกเพื่อดูภาพขยาย):

ตอนนี้เรามาดูสไตล์ที่เรียกว่า "อิมเพรสชั่นนิสม์" กันดีกว่า อิมเพรสชันนิสม์(ความประทับใจแบบฝรั่งเศส จากความประทับใจ - ความประทับใจ) - สไตล์ที่ศิลปินพยายามจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงอย่างเป็นธรรมชาติและเป็นกลางมากที่สุดด้วยความคล่องตัวและความแปรปรวน เพื่อถ่ายทอดความประทับใจที่เกิดขึ้นเพียงชั่วครู่ อิมเพรสชั่นนิสต์ไม่ได้ก่อให้เกิดปัญหาทางปรัชญาและไม่ได้พยายามที่จะเจาะลึกลงไปใต้พื้นผิวสีของชีวิตประจำวัน ในทางกลับกัน อิมเพรสชันนิสม์มุ่งเน้นไปที่ความผิวเผิน ความลื่นไหลของช่วงเวลา อารมณ์ แสงสว่าง หรือมุมของมุมมองแทน

ตัวอย่าง: J. William Turner (คลิกเพื่อดูภาพขยาย):

ต่อไปในรายการ เรามีสไตล์ที่มีชื่อเสียงน้อยกว่าที่เรียกว่า "โฟวิสม์" มากกว่าอิมเพรสชันนิสม์และความสมจริง ลัทธิโฟนิยม(จากภาษาฝรั่งเศส fauve - wild) - ชื่อนี้ถูกสร้างขึ้นเนื่องจากภาพวาดทำให้ผู้ชมรู้สึกถึงพลังและความหลงใหลและนักวิจารณ์ชาวฝรั่งเศส Louis Vaucelle เรียกจิตรกรว่าสัตว์ป่า (fr. les fauves) นี่คือปฏิกิริยาของผู้ร่วมสมัยต่อความสูงส่งของสีที่ทำให้พวกเขาประหลาดใจนั่นคือการแสดงออกของสีที่ "ดุร้าย" ด้วยเหตุนี้ ข้อความที่ไม่ได้ตั้งใจจึงกลายเป็นชื่อของการเคลื่อนไหวทั้งหมด Fauvism ในการวาดภาพนั้นโดดเด่นด้วยสีที่สดใสและรูปแบบที่เรียบง่าย

ถัดมาเป็นสไตล์โมเดิร์น ทันสมัย- (จากภาษาฝรั่งเศสสมัยใหม่ - สมัยใหม่), อาร์ตนูโว (อาร์ตนูโวฝรั่งเศส, สว่าง. "ศิลปะใหม่"), อาร์ตนูโว (Jugendstil ของเยอรมัน - "สไตล์หนุ่ม") - ทิศทางศิลปะในงานศิลปะโดยพื้นฐานคือการปฏิเสธ เส้นตรงและมุมที่เป็นธรรมชาติมากกว่า เส้นที่ "เป็นธรรมชาติ" และมีความสนใจในเทคโนโลยีใหม่ๆ ลัทธิสมัยใหม่พยายามผสมผสานฟังก์ชันทางศิลปะและประโยชน์ใช้สอยของผลงานที่สร้างขึ้นเพื่อให้เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของมนุษย์ทั้งหมดในขอบเขตแห่งความงาม

ตัวอย่างของสถาปัตยกรรมอาร์ตนูโวมีอยู่ในบทความ “Gaudi's Magic Houses” ตัวอย่างภาพวาดในสไตล์อาร์ตนูโว: A. Mucha "Sunset" (คลิกเพื่อดูภาพขยาย):

ถ้าอย่างนั้นเรามาต่อกันดีกว่า การแสดงออก(จากภาษาละติน expressio, "การแสดงออก") - การแสดงออกของลักษณะทางอารมณ์ของภาพ (โดยปกติจะเป็นบุคคลหรือกลุ่มคน) หรือสถานะทางอารมณ์ของศิลปินเอง ในการแสดงออกแนวคิดเรื่องผลกระทบทางอารมณ์ความรู้สึกถูกต่อต้านโดยธรรมชาติและสุนทรียภาพ เน้นความเป็นอัตวิสัยของการสร้างสรรค์

ตัวอย่าง: Van Gogh, “Starry Night over the Rhone”:

การเคลื่อนไหวต่อไปที่เราจะพูดถึงคือลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม(ลูกบาศก์ฝรั่งเศส) - ทิศทางในทัศนศิลป์ที่โดดเด่นด้วยการใช้รูปแบบธรรมดาที่มีรูปทรงเรขาคณิตเน้นย้ำความปรารถนาที่จะ "แยก" วัตถุจริงออกเป็นสามมิติดั้งเดิม

ถัดมาคือสไตล์ที่เรียกว่า “อนาคตนิยม” ชื่อสไตล์ ลัทธิแห่งอนาคตมาจากภาษาละติน futurum - อนาคต- ชื่อนี้สื่อถึงลัทธิแห่งอนาคตและการเลือกปฏิบัติจากอดีตควบคู่ไปกับปัจจุบัน นักอนาคตนิยมอุทิศภาพวาดของตนให้กับรถไฟ รถยนต์ เครื่องบิน - กล่าวอีกนัยหนึ่งคือให้ความสนใจกับความสำเร็จชั่วขณะของอารยธรรมที่มึนเมากับความก้าวหน้าทางเทคนิค ลัทธิฟิวเจอร์ริสต์เริ่มต้นจากลัทธิโฟวิสม์ โดยยืมแนวคิดเรื่องสีจากลัทธินี้ และจากลัทธิคิวบิสม์ซึ่งนำรูปแบบทางศิลปะมาใช้

และตอนนี้เราก้าวไปสู่สไตล์ที่เรียกว่า "นามธรรมนิยม" ลัทธินามธรรม(ละติน abstractio - การกำจัด ความฟุ้งซ่าน) - ทิศทางของศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่างที่ละทิ้งการพรรณนารูปแบบที่ใกล้เคียงกับความเป็นจริงในการวาดภาพและประติมากรรม เป้าหมายประการหนึ่งของศิลปะนามธรรมคือการบรรลุ "การประสานกัน" การสร้างการผสมสีและรูปทรงเรขาคณิตบางอย่างเพื่อกระตุ้นให้เกิดการเชื่อมโยงต่างๆ ในตัวผู้ดู

ตัวอย่าง: V. Kandinsky:

ถัดไปในรายการของเราคือขบวนการ "Dadaism" ลัทธิดาดานิยมหรือดาดา - ชื่อของการเคลื่อนไหวมาจากหลายแหล่ง: ในภาษาของชนเผ่านิโกรครูมันหมายถึงหางของวัวศักดิ์สิทธิ์ในบางพื้นที่ของอิตาลีนี่คือสิ่งที่พวกเขาเรียกว่าแม่มันสามารถเป็นชื่อสำหรับ ม้าไม้สำหรับเด็ก, พยาบาล, คำสั่งคู่ในภาษารัสเซียและโรมาเนีย นอกจากนี้ยังอาจเป็นการทำซ้ำของการพูดพล่ามของทารกที่ไม่ต่อเนื่องกัน ไม่ว่าในกรณีใด Dadaism ก็เป็นสิ่งที่ไร้ความหมายโดยสิ้นเชิงซึ่งต่อจากนี้ไปจะกลายเป็นชื่อที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดสำหรับการเคลื่อนไหวทั้งหมด

และตอนนี้เราก้าวไปสู่ลัทธิสุพรีมาติสม์ ลัทธิสุพรีมาติสต์(จากภาษาละติน supremus - สูงสุด) - แสดงด้วยการรวมกันของระนาบหลายสีของรูปทรงเรขาคณิตที่ง่ายที่สุด (ในรูปทรงเรขาคณิตของเส้นตรง, สี่เหลี่ยม, วงกลมและสี่เหลี่ยมผืนผ้า) การรวมกันของรูปทรงเรขาคณิตที่มีหลายสีและขนาดแตกต่างกันทำให้เกิดองค์ประกอบซูพรีมาติสต์ที่ไม่สมมาตรที่สมดุลซึ่งแทรกซึมไปด้วยการเคลื่อนไหวภายใน

ตัวอย่าง: คาซิเมียร์ มาเลวิช:

การเคลื่อนไหวต่อไปที่เราจะพิจารณาโดยย่อคือการเคลื่อนไหวที่มีชื่อแปลก ๆ ว่า "การวาดภาพเลื่อนลอย" จิตรกรรมเลื่อนลอย (อิตาลี: Pittura metafisica) - ในที่นี้คำอุปมาอุปไมยและความฝันกลายเป็นพื้นฐานสำหรับความคิดที่นอกเหนือไปจากตรรกะธรรมดาๆ และความตัดกันระหว่างวัตถุที่ถ่ายทอดออกมาอย่างแม่นยำสมจริงและบรรยากาศแปลกๆ ที่ถูกวางไว้ ช่วยเพิ่มเอฟเฟกต์เหนือจริง

ตัวอย่างคือจอร์โจ โมรันดี ยังมีชีวิตอยู่กับนางแบบ:

และตอนนี้เราก้าวไปสู่การเคลื่อนไหวที่น่าสนใจมากที่เรียกว่า "สถิตยศาสตร์" สถิตยศาสตร์ (French surréalisme - super-realism) มีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างความฝันและความเป็นจริง เป้าหมายหลักของลัทธิเหนือจริงคือการยกระดับจิตวิญญาณและการแยกวิญญาณออกจากวัตถุ หนึ่งในตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของสถิตยศาสตร์ในการวาดภาพคือ Salvador Dali

ตัวอย่าง: ซัลวาดอร์ ดาลี:

ต่อไปเราจะไปยังการเคลื่อนไหวเช่นการวาดภาพที่ใช้งานอยู่ การวาดภาพที่ใช้งานอยู่ (การวาดภาพโดยสัญชาตญาณ tachisme จาก French Tachisme จาก Tache - spot) เป็นการเคลื่อนไหวที่แสดงถึงการวาดภาพที่มีจุดที่ไม่ได้สร้างภาพแห่งความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ แต่แสดงถึงกิจกรรมที่หมดสติของศิลปิน ลายเส้น เส้น และจุดในทาชิสเมะถูกนำไปใช้กับผืนผ้าใบด้วยการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของมือโดยไม่ต้องมีการวางแผนล่วงหน้า

สไตล์สุดท้ายสำหรับวันนี้คือศิลปะป๊อป ศิลปะป๊อป (ป๊อปอาร์ตภาษาอังกฤษย่อมาจากศิลปะยอดนิยมนิรุกติศาสตร์ยังเกี่ยวข้องกับป๊อปอังกฤษ - การตบมืออย่างฉับพลัน) ก่อให้เกิดงานศิลปะที่ใช้องค์ประกอบของ "วัฒนธรรมพื้นบ้าน" นั่นคือ ภาพที่ยืมมาจากวัฒนธรรมสมัยนิยมถูกจัดวางในบริบทที่แตกต่างกัน (เช่น ขนาดและการเปลี่ยนแปลงของวัสดุ มีการเปิดเผยเทคนิคหรือวิธีการทางเทคนิค มีการเปิดเผยการแทรกแซงข้อมูล และอื่นๆ)

ตัวอย่าง: Richard Hamilton “อะไรทำให้บ้านของเราในปัจจุบันแตกต่างและน่าดึงดูดใจมาก”:

ดังนั้นเทรนด์ล่าสุดสำหรับวันนี้คือความเรียบง่าย ศิลปะแนวมินิมอล (English Minimal art) หรือลัทธิมินิมอล (English Minimalism) ศิลปะเอบีซี (English ABC Art) คือการเคลื่อนไหวที่รวมเอารูปทรงเรขาคณิต ปราศจากสัญลักษณ์และอุปมาอุปไมย การซ้ำซ้อน พื้นผิวที่เป็นกลาง วัสดุอุตสาหกรรม และวิธีการการผลิต

ดังนั้นจึงมีรูปแบบศิลปะจำนวนมากซึ่งมีจุดประสงค์ของตัวเอง

มีความหลากหลายและหลากหลายมาก หลักการคิดทางศิลปะเพียงข้อเดียวเป็นคุณลักษณะที่สำคัญมากซึ่งผลงานของอาจารย์สามารถนำมาประกอบกับการเคลื่อนไหวอย่างใดอย่างหนึ่ง ในอดีต ทิศทางหลักในการวาดภาพเข้ามาแทนที่กัน ขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนแปลงในการรับรู้ทางศิลปะ เหตุการณ์บางอย่างก็มีบทบาทในฉบับนี้ด้วย

ทิศทางในการวาดภาพของศตวรรษที่ 19

ในศตวรรษที่ 19 ฝรั่งเศสยังคงเป็นประเทศชั้นนำที่มีส่วนสำคัญต่อการพัฒนาวัฒนธรรมยุโรป การวาดภาพมาเป็นอันดับแรกในชีวิตทางศิลปะ แนวโน้มในการวาดภาพในศตวรรษที่ 19 ได้แก่ แนวคลาสสิก แนวโรแมนติก สัจนิยม วิชาการ และความเสื่อมโทรม Eugene Delacroix ถือเป็นบุคคลสำคัญของแนวโรแมนติก ภาพวาดที่โด่งดังที่สุดของเขา "Freedom on the Barricades" มีพื้นฐานมาจากเหตุการณ์จริง ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ทิศทางหลักในการวาดภาพคือความคลาสสิกและความสมจริง ตำแหน่งแห่งความสมจริงในยุโรปได้รับการเสริมความแข็งแกร่งโดย Gustav Courbet และในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ กระแสน้ำเดียวกันนี้เคลื่อนจากฝรั่งเศสไปยังรัสเซีย แนวโน้มด้านศิลปะ จิตรกรรม สถาปัตยกรรม และขอบเขตอื่นๆ ของชีวิตทางวัฒนธรรมในยุโรปในศตวรรษนี้ค่อนข้างหลากหลาย ช่วงสามช่วงสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ต้องเผชิญกับความสมจริงและความเสื่อมโทรม ผลจากการปรับสมดุลนี้ทำให้เกิดทิศทางใหม่โดยสิ้นเชิง - ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ แต่แนวโน้มหลักในการวาดภาพของรัสเซียในยุคนี้ยังคงเป็นความสมจริง

ลัทธิคลาสสิก

แนวโน้มนี้พัฒนาขึ้นในฝรั่งเศสตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 ถึงศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยความสามัคคีและการแสวงหาอุดมคติ ลัทธิคลาสสิกได้กำหนดลำดับชั้นของตัวเอง โดยที่ประเภทประวัติศาสตร์และตำนานทางศาสนาได้รับการจัดอันดับสูง แต่ภาพบุคคล หุ่นนิ่ง และทิวทัศน์ก็ถือว่าไม่สำคัญและแม้แต่ในชีวิตประจำวัน ห้ามรวมประเภทเข้าด้วยกัน ประเพณีของศิลปินหลายคนมีลักษณะเป็นคลาสสิก โดยเฉพาะอย่างยิ่งเรากำลังพูดถึงความสมบูรณ์ขององค์ประกอบและรูปแบบที่ประสานกัน ผลงานแนวคลาสสิกเรียกร้องให้มีความสามัคคีและความสอดคล้องกัน

วิชาการ

ทิศทางในการวาดภาพไม่ได้เปลี่ยนแปลงไปตามกาลเวลาเพียงอย่างเดียว ทะลุทะลวงกัน เกี่ยวพันกัน และติดตามกันอยู่ระยะหนึ่ง และบ่อยครั้งที่ทิศทางหนึ่งเกิดขึ้นจากที่อื่น นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้นกับวิชาการ มันเกิดขึ้นอันเป็นผลมาจากศิลปะคลาสสิก นี่ยังคงเป็นความคลาสสิคเหมือนเดิม แต่มีความซับซ้อนและเป็นระบบมากขึ้นแล้ว ประเด็นสำคัญที่แสดงให้เห็นลักษณะเฉพาะของกลไกนี้คือความสมบูรณ์แบบของธรรมชาติ ตลอดจนทักษะระดับสูงในการดำเนินการทางเทคนิค ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดของขบวนการนี้คือ K. Bryullov, A. Ivanov, P. Delaroche และคนอื่น ๆ แน่นอนว่านักวิชาการสมัยใหม่ไม่ได้ครองบทบาท (ผู้นำ) ที่ได้รับมอบหมายอีกต่อไปเมื่อเกิดรูปแบบนี้

ยวนใจ

เป็นไปไม่ได้ที่จะพิจารณาทิศทางหลักของการวาดภาพในศตวรรษที่ 19 โดยไม่ต้องเอ่ยถึงแนวโรแมนติก ยุคโรแมนติกมีต้นกำเนิดในประเทศเยอรมนี ค่อยๆ รุกเข้าสู่อังกฤษ ฝรั่งเศส รัสเซีย และประเทศอื่นๆ ต้องขอบคุณการแนะนำนี้ โลกแห่งการวาดภาพและศิลปะจึงเต็มไปด้วยสีสันที่สดใส โครงเรื่องใหม่ และการแสดงภาพเปลือยที่โดดเด่น ศิลปินของขบวนการนี้บรรยายอารมณ์และความรู้สึกของมนุษย์ด้วยสีสันสดใส พวกเขาเปลี่ยนความกลัว ความรัก และความเกลียดชังจากภายในสู่ภายนอก เสริมผืนผ้าใบด้วยเอฟเฟกต์พิเศษจำนวนมาก

ความสมจริง

เมื่อพิจารณาถึงแนวโน้มหลักในการวาดภาพในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ควรกล่าวถึงความสมจริงก่อน และถึงแม้ว่าการเกิดขึ้นของรูปแบบนี้จะย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 18 แต่การออกดอกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของมันก็เกิดขึ้นในช่วงกลางและครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 กฎหลักของความสมจริงในยุคนี้คือการพรรณนาถึงความเป็นจริงสมัยใหม่ในความหลากหลายของการแสดงออก การก่อตัวของการเคลื่อนไหวในการวาดภาพนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการปฏิวัติที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2391 แต่ในรัสเซียการพัฒนากระแสศิลปะนี้มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับกระแสแนวคิดประชาธิปไตย

ความเสื่อมโทรม

ช่วงเวลาแห่งความเสื่อมโทรมมีลักษณะของการพรรณนาถึงความสิ้นหวังและความผิดหวัง ศิลปะรูปแบบนี้ตื้นตันใจกับความมีชีวิตชีวาที่ลดลง ลัทธินี้ถือกำเนิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 เป็นรูปแบบหนึ่งของการต่อต้านศีลธรรมอันดีของประชาชน และถึงแม้ว่าความเสื่อมโทรมในการวาดภาพจะไม่เคยก่อตัวเป็นทิศทางที่แยกจากกัน แต่ประวัติศาสตร์ศิลปะก็ยังคงทำให้ผู้สร้างแต่ละคนแตกต่างในสาขาศิลปะนี้ ตัวอย่างเช่น Aubrey Beardsley หรือ Mikhail Vrubel แต่ควรสังเกตว่าศิลปินเสื่อมทรามซึ่งไม่กลัวที่จะทดลองด้วยจิตใจ มักจะสมดุลอยู่บนขอบเหว แต่นี่คือสิ่งที่ทำให้พวกเขาสร้างความตกใจให้กับสาธารณชนด้วยวิสัยทัศน์เกี่ยวกับโลกของพวกเขา

อิมเพรสชันนิสม์

แม้ว่าอิมเพรสชันนิสม์จะถือเป็นระยะเริ่มต้นของศิลปะสมัยใหม่ แต่สถานที่ของการเคลื่อนไหวนี้มีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 19 ต้นกำเนิดของอิมเพรสชั่นนิสม์คือแนวโรแมนติก เพราะเขาเป็นคนที่ทำให้บุคลิกภาพของแต่ละคนเป็นศูนย์กลางของศิลปะ ในปี พ.ศ. 2415 โมเนต์ได้วาดภาพของเขาเรื่อง "ความประทับใจ" พระอาทิตย์ขึ้น". งานนี้เองที่สร้างชื่อให้กับการเคลื่อนไหวทั้งหมด อิมเพรสชั่นนิสม์ทั้งหมดถูกสร้างขึ้นจากการรับรู้ ศิลปินที่สร้างขึ้นในรูปแบบนี้ไม่ได้ตั้งใจที่จะให้ความกระจ่างเกี่ยวกับปัญหาเชิงปรัชญาของมนุษยชาติ สิ่งที่สำคัญที่สุดไม่ใช่สิ่งที่จะบรรยาย แต่จะทำอย่างไร ภาพวาดแต่ละภาพควรจะเปิดเผยโลกภายในของศิลปิน แต่อิมเพรสชั่นนิสต์ก็ต้องการการยอมรับเช่นกัน ดังนั้นพวกเขาจึงพยายามค้นหาหัวข้อประนีประนอมที่น่าสนใจสำหรับประชากรทุกกลุ่ม ศิลปินวาดภาพวันหยุดหรืองานปาร์ตี้บนผืนผ้าใบ และหากสถานการณ์ในชีวิตประจำวันพบสถานที่ในภาพวาดของพวกเขา พวกเขาจะถูกนำเสนอจากด้านบวกเท่านั้น ดังนั้นอิมเพรสชั่นนิสม์จึงสามารถเรียกได้ว่าเป็นแนวโรแมนติกแบบ "ภายใน"

ทิศทางหลักของการวาดภาพรัสเซียในศตวรรษที่ 19 (ครึ่งแรก)

ช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ถือเป็นหน้าเพจที่สดใสในวัฒนธรรมรัสเซีย ในตอนต้นของศตวรรษศิลปะคลาสสิกยังคงเป็นทิศทางหลักในการวาดภาพของรัสเซีย แต่เมื่ออายุสามสิบ ความสำคัญของมันก็หายไป วัฒนธรรมทั้งหมดของรัสเซียได้สูดลมหายใจใหม่ด้วยการกำเนิดของแนวโรแมนติก หลักสำคัญของเขาคือการยืนยันบุคลิกภาพของแต่ละบุคคลตลอดจนความคิดของมนุษย์ซึ่งเป็นคุณค่าพื้นฐานในงานศิลปะทั้งหมด มีความสนใจเป็นพิเศษในโลกภายในของมนุษย์ แนวโน้มในการวาดภาพรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 นำโดยแนวโรแมนติก ยิ่งกว่านั้นในตอนแรกมีตัวละครที่กล้าหาญและต่อมาก็กลายเป็นแนวโรแมนติกที่น่าเศร้า

เมื่อพูดถึงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซีย นักวิจัยแบ่งออกเป็นสองในสี่ แต่ไม่ว่าจะมีการแบ่งแยกอย่างไร ก็แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะกำหนดเส้นเวลาระหว่างสไตล์ทั้งสามในทัศนศิลป์ ทิศทางของการวาดภาพรัสเซียในศตวรรษที่ 19 (ลัทธิคลาสสิกแนวโรแมนติกและความสมจริง) ในช่วงครึ่งปีแรกมีความเกี่ยวพันกันมากจนสามารถแยกแยะได้ตามเงื่อนไขเท่านั้น

พูดได้อย่างปลอดภัยว่าในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 การวาดภาพครอบครองพื้นที่ในชีวิตของสังคมมากกว่าในศตวรรษที่ 18 มาก ต้องขอบคุณชัยชนะในสงครามปี 1812 การตระหนักรู้ในตนเองของรัสเซียได้รับแรงผลักดันอย่างมากในการพัฒนา ซึ่งเป็นผลมาจากการที่ผู้คนสนใจในวัฒนธรรมของตนเองเพิ่มขึ้นอย่างมาก นับเป็นครั้งแรกที่องค์กรต่างๆ ถือกำเนิดขึ้นในสังคมโดยคำนึงถึงภารกิจหลักในการพัฒนางานศิลปะภายในประเทศ นิตยสารฉบับแรกปรากฏขึ้นซึ่งพูดคุยเกี่ยวกับภาพวาดของคนรุ่นราวคราวเดียวกันตลอดจนความพยายามครั้งแรกในการจัดนิทรรศการผลงานของศิลปิน

การถ่ายภาพบุคคลประสบความสำเร็จอย่างโดดเด่นในช่วงเวลานี้ ประเภทนี้รวมศิลปินและสังคมเข้าด้วยกันอย่างใกล้ชิดที่สุด นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าจำนวนคำสั่งซื้อที่ใหญ่ที่สุดในช่วงเวลานั้นอยู่ในประเภทแนวตั้ง จิตรกรภาพเหมือนที่โดดเด่นคนหนึ่งในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 คือ Vladimir Borovikovsky ศิลปินชื่อดังอย่าง A. Orlovsky, V. Tropinin และ O. Kiprensky ก็เป็นที่น่าสังเกตเช่นกัน

ในช่วงต้นศตวรรษที่ภาพวาดทิวทัศน์ของรัสเซียก็พัฒนาขึ้นเช่นกัน ในบรรดาศิลปินที่ทำงานในประเภทนี้ Fyodor Alekseev ควรได้รับการเน้นเป็นอันดับแรก เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านภูมิทัศน์เมืองและเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งประเภทนี้ในการวาดภาพรัสเซีย จิตรกรภูมิทัศน์ที่มีชื่อเสียงคนอื่น ๆ ในยุคดังกล่าว ได้แก่ Shchedrin และ Aivazovsky

ศิลปินที่ดีที่สุดของรัสเซียในช่วงไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 19 ถือเป็น Bryullov, Fedotov และ A. Ivanov แต่ละคนมีส่วนช่วยพิเศษในการพัฒนาภาพวาด

Karl Bryullov ไม่เพียงแต่ค่อนข้างสดใส แต่ยังเป็นจิตรกรที่มีการโต้เถียงกันมากอีกด้วย และแม้ว่าทิศทางหลักในการวาดภาพรัสเซียในช่วงไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 19 จะเป็นแนวโรแมนติก แต่ศิลปินก็ยังคงซื่อสัตย์ต่อหลักการของลัทธิคลาสสิกบางข้อ บางทีนี่อาจเป็นสาเหตุที่ทำให้งานของเขามีมูลค่าสูงมาก

Alexander Ivanov ไม่เพียงแต่ช่วยเพิ่มคุณค่าให้กับภาพวาดของรัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพวาดของยุโรปในศตวรรษที่ 19 ด้วยความลึกของความคิดเชิงปรัชญา เขามีศักยภาพในการสร้างสรรค์ที่กว้างขวางมากและไม่เพียงแต่เป็นผู้ริเริ่มประเภทประวัติศาสตร์และการวาดภาพทิวทัศน์เท่านั้น แต่ยังเป็นจิตรกรภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย ไม่มีศิลปินคนใดในรุ่นของเขาที่รู้วิธีรับรู้โลกรอบตัวเช่นเดียวกับ Ivanov และไม่มีเทคนิคที่หลากหลายเช่นนี้

ขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาการวาดภาพเหมือนจริงในรัสเซียเกี่ยวข้องกับชื่อของ Pavel Fedotov ศิลปินคนนี้เป็นคนแรกที่นำเสนอแนวเพลงในชีวิตประจำวันด้วยการแสดงออกเชิงวิพากษ์วิจารณ์ เนื่องจากเขามีพรสวรรค์ในการเสียดสี ตัวละครในภาพวาดของเขามักเป็นชาวเมือง เช่น พ่อค้า เจ้าหน้าที่ คนยากจน และอื่นๆ

ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

ในช่วงปลายทศวรรษที่ห้าสิบของศตวรรษที่ 19 บทใหม่เริ่มต้นขึ้นในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพเหมือนจริงในรัสเซีย ความพ่ายแพ้ของพระเจ้าซาร์รัสเซียในสงครามไครเมียส่งผลกระทบทั่วโลกต่อเหตุการณ์เหล่านี้ นี่เป็นสาเหตุของการผงาดประชาธิปไตยและการปฏิรูปชาวนา ในปี พ.ศ. 2406 ศิลปินสิบสี่คนได้กบฏต่อความต้องการในการวาดภาพตามธีมที่กำหนด และต้องการสร้างสรรค์ผลงานตามดุลยพินิจของตนเองแต่เพียงผู้เดียว จึงสร้างงานศิลปะที่นำโดย Kramskoy หากความสมจริงในรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 พยายามที่จะเปิดเผยความสวยงามในตัวมนุษย์โดยเฉพาะและถูกเรียกว่าเป็นบทกวีดังนั้นสิ่งที่เข้ามาแทนที่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษก็ถูกเรียกว่าวิกฤต แต่หลักการทางกวีไม่ได้ละทิ้งการเคลื่อนไหวนี้ ตอนนี้มันแสดงออกมาในความรู้สึกขุ่นเคืองของผู้สร้างซึ่งเขาทุ่มเทให้กับงานของเขา ทิศทางหลักในการวาดภาพของรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 คือความสมจริงตามแนวทางของการวิพากษ์วิจารณ์และการบอกเลิก โดยพื้นฐานแล้ว มันคือการต่อสู้เพื่อการยอมรับแนวเพลงในชีวิตประจำวันที่จะสะท้อนถึงสภาพธรรมชาติของกิจการในรัสเซีย

ในอายุเจ็ดสิบ ทิศทางของการวาดภาพเปลี่ยนไปบ้าง ศิลปินในวัยหกสิบเศษในผลงานของพวกเขาสะท้อนให้เห็นถึงความเชื่อในการกำเนิดของความดีส่วนรวมหลังจากการหายตัวไปของทาส และอายุเจ็ดสิบที่เข้ามาแทนที่พวกเขาก็ผิดหวังกับความโชคร้ายของชาวนาที่ติดตามการปฏิรูปและพู่กันของพวกเขามุ่งเป้าไปที่อนาคตใหม่ที่กำลังจะมาถึง หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของภาพวาดประเภทนี้คือ Myasoedov และภาพวาดที่ดีที่สุดของเขาซึ่งสะท้อนความเป็นจริงทั้งหมดในเวลานั้นถูกเรียกว่า "The Zemstvo กำลังรับประทานอาหารกลางวัน"

ทศวรรษที่ 1980 เปลี่ยนความสนใจของศิลปะจากบุคคลที่ใส่ใจประชาชนมาสู่ตัวประชาชนเอง นี่คือยุครุ่งเรืองของความคิดสร้างสรรค์ของ I. Repin จุดแข็งทั้งหมดของศิลปินคนนี้อยู่ที่ความเที่ยงธรรมของผลงานของเขา ภาพทุกภาพในภาพวาดของเขาดูน่าเชื่อถืออย่างยิ่ง ภาพวาดของเขาจำนวนหนึ่งอุทิศให้กับรูปแบบการปฏิวัติ ด้วยงานศิลปะของเขา Repin พยายามตอบคำถามทั้งหมดที่เกี่ยวข้องกับเขาและผู้คนที่เหลือที่เกิดขึ้นในชีวิตประจำวันในยุคนั้น ในขณะเดียวกัน ศิลปินคนอื่นๆ ต่างก็ค้นหาคำตอบเดียวกันในอดีต นี่คือลักษณะเฉพาะและความแข็งแกร่งของงานศิลปะของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ ศิลปินที่มีชื่อเสียงอีกคนในยุคนี้คือ Vasnetsov งานของเขามีพื้นฐานมาจากศิลปะพื้นบ้าน ผ่านผืนผ้าใบของเขา Vasnetsov พยายามถ่ายทอดความคิดเกี่ยวกับพลังอันยิ่งใหญ่ของชาวรัสเซียและความยิ่งใหญ่ที่กล้าหาญของพวกเขา พื้นฐานของผลงานของเขาคือตำนานและประเพณี ในการสร้างสรรค์ของเขา ศิลปินไม่เพียงแต่ใช้องค์ประกอบของสไตล์เท่านั้น แต่ยังจัดการเพื่อให้ได้ความสมบูรณ์ของภาพอีกด้วย ตามกฎแล้ว Vasnetsov วาดภาพภูมิทัศน์ของรัสเซียตอนกลางเป็นพื้นหลังในผืนผ้าใบของเขา

ในยุค 90 แนวคิดเรื่องชีวิตสร้างสรรค์เปลี่ยนไปอีกครั้ง ปัจจุบันสะพานที่สร้างขึ้นระหว่างภาพวาดและสังคมถูกเรียกร้องให้ทำลายอย่างไร้ความปราณี มีการก่อตั้งสมาคมศิลปินที่เรียกว่า "โลกแห่งศิลปะ" ซึ่งส่งเสริมความบริสุทธิ์ของงานศิลปะนั่นคือการแยกตัวออกจากชีวิตประจำวัน คุณลักษณะของตัวละครที่สร้างสรรค์ของศิลปินที่เป็นส่วนหนึ่งของสมาคมนี้คือขอบเขตความใกล้ชิดที่จำกัด กิจกรรมของพิพิธภัณฑ์กำลังเริ่มพัฒนาอย่างแข็งขัน ภารกิจหลักคือการกระตุ้นความสนใจในอนุสรณ์สถานทางวัฒนธรรม ดังนั้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ศิลปินจำนวนมากขึ้นจึงมุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดประวัติศาสตร์ในอดีตของรัสเซียบนผืนผ้าใบของพวกเขา สมาชิกของสมาคม World of Art มีบทบาทพิเศษในการพัฒนาศิลปะภาพประกอบหนังสือตลอดจนความคิดสร้างสรรค์ในการแสดงละครและการตกแต่ง Somov ถือเป็นหนึ่งในศิลปินที่ดีที่สุดในขบวนการนี้ เขาไม่เคยพรรณนาถึงชีวิตสมัยใหม่ในผลงานของเขา ทางเลือกสุดท้าย เขาสามารถถ่ายทอดมันผ่านหน้ากากประวัติศาสตร์ หลังจาก "โลกแห่งศิลปะ" สมาคมอื่นๆ ก็เริ่มก่อตัวขึ้น พวกเขาถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินที่มีมุมมองที่แตกต่างกันเกี่ยวกับการวาดภาพ

ปรมาจารย์ที่วิพากษ์วิจารณ์ผลงานของผู้สร้างจากสหภาพที่อธิบายไว้ข้างต้นได้สร้างสมาคม Blue Rose (ตรงข้ามกับมัน) พวกเขาเรียกร้องให้คืนสีสันสดใสให้กับการวาดภาพและกล่าวว่าศิลปะควรสื่อถึงความรู้สึกภายในของศิลปินเพียงด้านเดียวเท่านั้น คนที่มีความสามารถมากที่สุดในบรรดาบุคคลเหล่านี้คือ Sapunov

ในการต่อต้านบลูโรส ในไม่ช้าพันธมิตรอีกรายก็ปรากฏตัวขึ้นซึ่งเรียกว่าแจ็คแห่งเพชร มันโดดเด่นด้วยความหมายต่อต้านบทกวีที่ตรงไปตรงมา แต่ผู้สนับสนุนของเขาไม่ต้องการกลับไปสู่ความเป็นจริง พวกเขาทำให้พวกเขาต้องถูกบิดเบือนและสลายไปทุกรูปแบบ (ในแบบของพวกเขาเอง) ด้วยเหตุนี้ ต้องขอบคุณพันธมิตรที่ทำสงครามกันเหล่านี้ ลัทธิสมัยใหม่ของรัสเซียจึงถือกำเนิดขึ้น

เทรนด์สมัยใหม่

เวลาผ่านไป ทุกสิ่งที่ก่อนหน้านี้ถือว่าทันสมัยกลายเป็นส่วนหนึ่งของประวัติศาสตร์ และศิลปะก็ไม่มีข้อยกเว้น ปัจจุบัน คำว่า "ศิลปะร่วมสมัย" ใช้ได้กับทุกสิ่งที่สร้างสรรค์โดยบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์เริ่มตั้งแต่อายุ 1970 ปี ทิศทางใหม่ในการวาดภาพได้รับการพัฒนาในสองขั้นตอน ประการแรกคือลัทธิสมัยใหม่ ประการที่สองคือลัทธิหลังสมัยใหม่ ปีที่เจ็ดสิบของศตวรรษที่ยี่สิบถือเป็นจุดเปลี่ยนในงานศิลปะทุกประเภท นับตั้งแต่ปีนี้ การเคลื่อนไหวทางศิลปะได้ฝ่าฝืนการจำแนกประเภทอย่างแท้จริง สิ่งเดียวที่สามารถพูดได้อย่างแน่นอนคือการวางแนวทางสังคมของศิลปะในช่วงสามสิบปีที่ผ่านมามีการแสดงออกอย่างเข้มข้นมากกว่าในยุคที่ผ่านมาทั้งหมด ในขณะเดียวกันการวาดภาพก็หยุดเป็นผู้นำในงานศิลปะสมัยใหม่ ปัจจุบัน ศิลปินจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ หันไปหาการถ่ายภาพและเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ เพื่อบรรลุแผนงานและแนวคิดของตน

แม้จะมีแนวโน้มการวาดภาพที่หลากหลาย แต่ก็อาจกล่าวได้ว่างานหลักของชีวิตศิลปะในศตวรรษที่ 19 คือการนำงานศิลปะทุกประเภทเข้ามาใกล้ชีวิตประจำวันมากที่สุด และประสบความสำเร็จผ่านการอุทธรณ์ของปรมาจารย์แห่งพู่กัน - และไม่เพียง แต่ - ต่อปัญหาสมัยใหม่ของมนุษยชาติและโลกภายในของศิลปินเอง แนวโน้มทั้งหมดในการวาดภาพในครั้งนี้ช่วยให้คุณสัมผัสถึงจิตวิญญาณแห่งยุคนั้นและได้แนวคิดว่าผู้คนในยุคนั้นใช้ชีวิตและรู้สึกอย่างไร

บทความนี้ให้คำอธิบายสั้น ๆ เกี่ยวกับรูปแบบศิลปะหลักของศตวรรษที่ 20 การรู้ทั้งศิลปินและนักออกแบบจะเป็นประโยชน์

สมัยใหม่ (จากภาษาฝรั่งเศสสมัยใหม่สมัยใหม่)

ในงานศิลปะชื่อรวมของกระแสศิลปะที่ก่อตั้งขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ในรูปแบบของความคิดสร้างสรรค์รูปแบบใหม่ซึ่งไม่ได้เป็นไปตามจิตวิญญาณของธรรมชาติและประเพณีที่มีอยู่อีกต่อไปอีกต่อไป แต่เป็นการจ้องมองอย่างอิสระ ของปรมาจารย์ มีอิสระที่จะเปลี่ยนแปลงโลกที่มองเห็นได้ตามดุลยพินิจของเขาเอง ตามความประทับใจส่วนตัว ความคิดภายใน หรือความฝันอันลึกลับ (แนวโน้มเหล่านี้ส่วนใหญ่ยังคงเป็นแนวโรแมนติก) ทิศทางที่สำคัญที่สุดและมักจะมีปฏิสัมพันธ์กันอย่างแข็งขันคืออิมเพรสชันนิสม์ สัญลักษณ์นิยม และลัทธิสมัยใหม่ ในการวิจารณ์ของสหภาพโซเวียต แนวคิดเรื่อง "ลัทธิสมัยใหม่" ถูกนำไปใช้กับการเคลื่อนไหวทางศิลปะทั้งหมดในศตวรรษที่ 20 ที่ไม่สอดคล้องกับหลักการของสัจนิยมสังคมนิยม

ลัทธินามธรรม(ศิลปะภายใต้สัญลักษณ์ของ "รูปแบบศูนย์" ศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์) เป็นทิศทางศิลปะที่ก่อตั้งขึ้นในศิลปะในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 โดยละทิ้งการสร้างรูปแบบของโลกที่มองเห็นได้จริงโดยสิ้นเชิง ผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรมจึงนับได้ว่า V. Kandinsky, P. มอนเดรียน และ เค. มาเลวิช- V. Kandinsky สร้างภาพวาดนามธรรมประเภทของเขาเอง โดยขจัดคราบอิมเพรสชั่นนิสต์และคราบ "ป่า" จากสัญญาณของความเป็นกลาง Piet Mondrian เข้าถึงความไม่เที่ยงธรรมของเขาผ่านรูปแบบทางเรขาคณิตของธรรมชาติที่ริเริ่มโดย Cézanne และ Cubists ขบวนการสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 20 มุ่งเน้นไปที่นามธรรมนิยม แยกตัวออกจากหลักการดั้งเดิมโดยสิ้นเชิง ปฏิเสธความสมจริง แต่ในขณะเดียวกันก็ยังคงอยู่ในกรอบของศิลปะ ประวัติศาสตร์ศิลปะประสบกับการปฏิวัติด้วยการถือกำเนิดของศิลปะนามธรรม แต่การปฏิวัติครั้งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นโดยบังเอิญ แต่ค่อนข้างเป็นธรรมชาติ และถูกทำนายโดยเพลโต! ในงานล่าสุดของเขา Philebus เขาเขียนเกี่ยวกับความงามของเส้น พื้นผิว และรูปแบบเชิงพื้นที่ในตัวเอง โดยไม่ขึ้นอยู่กับการเลียนแบบวัตถุที่มองเห็นได้จากการเลียนแบบใดๆ ความงามทางเรขาคณิตประเภทนี้ไม่เหมือนกับความงามของรูปแบบ "ผิดปกติ" ตามธรรมชาติตามที่เพลโตกล่าวไว้ว่าไม่สัมพันธ์กัน แต่ไม่มีเงื่อนไขและสัมบูรณ์

ลัทธิแห่งอนาคต- ขบวนการวรรณกรรมและศิลปะในศิลปะแห่งทศวรรษ 1910 การกำหนดบทบาทของตัวเองให้เป็นต้นแบบของศิลปะแห่งอนาคตลัทธิอนาคตนิยมเป็นโปรแกรมหลักได้หยิบยกแนวคิดในการทำลายแบบแผนทางวัฒนธรรมและเสนอคำขอโทษสำหรับเทคโนโลยีและความต่ำต้อยแทนเป็นสัญญาณหลักของปัจจุบันและอนาคต . แนวคิดทางศิลปะที่สำคัญของลัทธิแห่งอนาคตคือการค้นหาการแสดงออกทางพลาสติกของความเร็วของการเคลื่อนไหวซึ่งเป็นสัญญาณหลักของก้าวของชีวิตสมัยใหม่ ลัทธิลัทธิอนาคตนิยมเวอร์ชันรัสเซียเรียกว่าลัทธิคิวโบฟิวเจอร์นิยมและมีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างหลักการพลาสติกของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมแบบฝรั่งเศสกับการจัดวางสุนทรียศาสตร์ทั่วไปของลัทธิลัทธิอนาคตนิยมแบบยุโรป ศิลปินพยายามที่จะแสดงความประทับใจที่หลากหลายของบุคคลร่วมสมัยซึ่งเป็นชาวเมืองโดยใช้จุดตัด การเปลี่ยนแปลง การชนกัน และการไหลเข้าของรูปแบบ

ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม- "การปฏิวัติทางศิลปะที่สมบูรณ์และรุนแรงที่สุดนับตั้งแต่ยุคเรอเนซองส์" (J. Golding) ศิลปิน: ปิกัสโซ ปาโบล, จอร์จ บราเก, เฟอร์นันด์ เลเกอร์ โรเบิร์ต เดโลเนย์, ฮวน กริส, ไกลเซส เมตซิงเกอร์- ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม - (ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมแบบฝรั่งเศส จากคิวบ์ - คิวบ์) ทิศทางในงานศิลปะของไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 ภาษาพลาสติกของคิวบิสม์มีพื้นฐานมาจากการเสียรูปและการสลายตัวของวัตถุบนระนาบเรขาคณิต ซึ่งเป็นการเปลี่ยนรูปร่างแบบพลาสติก ศิลปินชาวรัสเซียหลายคนหลงใหลในลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม โดยมักจะผสมผสานหลักการของมันเข้ากับเทคนิคของกระแสศิลปะสมัยใหม่อื่น ๆ - ลัทธิแห่งอนาคตและลัทธิดั้งเดิม การตีความคิวบิสม์ในเวอร์ชันเฉพาะบนดินรัสเซียได้กลายเป็นคิวโบฟิวเจอร์สม์

ความพิถีพิถัน- (ความพิถีพิถันแบบฝรั่งเศสจากภาษาละติน purus - บริสุทธิ์) การเคลื่อนไหวในภาพวาดภาษาฝรั่งเศสในช่วงปลายทศวรรษ 1910-20 ตัวแทนหลักคือศิลปิน อ. โอซานฟานและสถาปนิก เอส.อี. ฌานเนเรต์ (เลอ กอร์บูซิเยร์)- โดยปฏิเสธแนวโน้มการตกแต่งของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและการเคลื่อนไหวแนวหน้าอื่นๆ ในช่วงทศวรรษ 1910 และการเปลี่ยนรูปตามธรรมชาติที่พวกเขายอมรับ นักพิถีพิถันพยายามดิ้นรนเพื่อถ่ายโอนรูปแบบวัตถุที่มีความเสถียรและพูดน้อยอย่างมีเหตุมีผล ราวกับว่า "สะอาด" ของรายละเอียด ไปเป็นการวาดภาพของ องค์ประกอบ "หลัก" ผลงานของนักพิถีพิถันมีลักษณะเฉพาะคือความเรียบ จังหวะที่ราบรื่นของภาพเงาแสง และรูปทรงของวัตถุที่คล้ายกัน (เหยือก แก้ว ฯลฯ) หลักการทางศิลปะของความพิถีพิถันที่ได้รับการคิดใหม่อย่างมีนัยสำคัญนั้นไม่ได้รับการพัฒนาในรูปแบบขาตั้ง ซึ่งสะท้อนให้เห็นบางส่วนในสถาปัตยกรรมสมัยใหม่ โดยส่วนใหญ่อยู่ในอาคารของเลอกอร์บูซีเยร์

ลัทธิเซอร์เรียลิสม์- ขบวนการสากลในด้านวรรณคดี จิตรกรรม และภาพยนตร์ที่เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2467 ในฝรั่งเศส และสิ้นสุดการดำรงอยู่อย่างเป็นทางการในปี พ.ศ. 2512 มันมีส่วนสำคัญต่อการก่อตัวของจิตสำนึกของมนุษย์ยุคใหม่ บุคคลสำคัญในการเคลื่อนไหวได้แก่ อังเดร เบรตัน- นักเขียน ผู้นำ และผู้สร้างแรงบันดาลใจในอุดมการณ์ของขบวนการ หลุยส์ อารากอน- หนึ่งในผู้ก่อตั้งสถิตยศาสตร์ซึ่งต่อมาได้กลายมาเป็นนักร้องลัทธิคอมมิวนิสต์ในทางที่แปลกประหลาด ซัลวาดอร์ ดาลี- ศิลปิน นักทฤษฎี กวี นักเขียนบท ผู้ซึ่งกำหนดแก่นแท้ของการเคลื่อนไหวด้วยคำว่า "สถิตยศาสตร์คือฉัน!" ผู้สร้างภาพยนตร์ที่เหนือจริงอย่างยิ่ง หลุยส์ บูนูเอล, ศิลปิน โจน มิโร- “ขนนกที่สวยที่สุดบนหมวกแห่งสถิตยศาสตร์” ดังที่เบรอตงและศิลปินคนอื่นๆ ทั่วโลกเรียกมันว่า

ลัทธิโฟนิยม(จากภาษาฝรั่งเศส les fauves - ป่า (สัตว์)) ทิศทางท้องถิ่นในการวาดภาพในช่วงต้น ศตวรรษที่ XX ชื่อ F. ได้รับการเยาะเย้ยให้กับกลุ่มศิลปินหนุ่มชาวปารีส ( อ. มาตีส, อ. เดเรน, เอ็ม. วลามินค์, อ. มาร์เช่, อี.โอ. ฟรีซ, เจ. บราเก, เอ.ช. แมงเกน, เค. ฟาน ดอนเกน) ซึ่งเข้าร่วมในนิทรรศการหลายครั้งตั้งแต่ปี 1905 ถึง 1907 หลังจากนิทรรศการครั้งแรกในปี 1905 ชื่อนี้ได้รับการยอมรับจากกลุ่มเองและเป็นที่ยอมรับอย่างมั่นคง การเคลื่อนไหวนี้ไม่มีโปรแกรม แถลงการณ์ หรือทฤษฎีของตัวเองที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน และใช้เวลาไม่นาน แต่ก็ทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนไว้ในประวัติศาสตร์ศิลปะ ผู้เข้าร่วมในช่วงหลายปีที่ผ่านมาต่างรวมตัวกันด้วยความปรารถนาที่จะสร้างภาพศิลปะโดยเฉพาะด้วยความช่วยเหลือของสีเปิดที่สว่างมาก การพัฒนาความสำเร็จทางศิลปะของนักโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ ( เซซาน, โกแกง, แวนโก๊ะ) โดยอาศัยเทคนิคที่เป็นทางการบางประการของศิลปะยุคกลาง (กระจกสี ศิลปะโรมาเนสก์) และการแกะสลักของญี่ปุ่น ซึ่งเป็นที่นิยมในแวดวงศิลปะในฝรั่งเศสตั้งแต่สมัยอิมเพรสชั่นนิสต์ พวกโฟวิสต์พยายามที่จะใช้ความเป็นไปได้ในการวาดภาพให้เกิดประโยชน์สูงสุด

การแสดงออก(จากสำนวนภาษาฝรั่งเศส - การแสดงออก) - ขบวนการสมัยใหม่ในศิลปะยุโรปตะวันตกส่วนใหญ่ในเยอรมนีในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงเวลาประวัติศาสตร์ช่วงหนึ่ง - ก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง รากฐานทางอุดมการณ์ของการแสดงออกคือการประท้วงแบบปัจเจกชนต่อโลกที่น่าเกลียด ความแปลกแยกของมนุษย์ที่เพิ่มขึ้นจากโลก ความรู้สึกไร้ที่อยู่อาศัย การล่มสลาย และการล่มสลายของหลักการเหล่านั้นซึ่งวัฒนธรรมยุโรปดูเหมือนจะอยู่อย่างมั่นคง นักแสดงออกมีลักษณะนิสัยที่มีแนวโน้มไปทางเวทย์มนต์และการมองโลกในแง่ร้าย เทคนิคทางศิลปะที่เป็นลักษณะของการแสดงออก: การปฏิเสธพื้นที่มายา, ความปรารถนาที่จะตีความวัตถุแบบแบน, ความผิดปกติของวัตถุ, ความรักในความไม่สอดคล้องกันของสีสันที่คมชัด, การระบายสีพิเศษที่มีละครสันทราย ศิลปินมองว่าความคิดสร้างสรรค์เป็นวิธีหนึ่งในการแสดงอารมณ์

ลัทธิสุพรีมาติสต์(จากภาษาละติน supremus - สูงสุด, สูงสุด; อันดับแรก; สุดท้าย, สุดขั้ว, ชัดเจน, ผ่าน supremacja ของโปแลนด์ - ความเหนือกว่า, อำนาจสูงสุด) ทิศทางของศิลปะแนวหน้าของหนึ่งในสามแรกของศตวรรษที่ 20 ผู้สร้าง ตัวแทนหลัก และนักทฤษฎีซึ่ง เป็นศิลปินชาวรัสเซีย คาซิเมียร์ มาเลวิช- คำนี้ไม่ได้สะท้อนถึงแก่นแท้ของลัทธิสุพรีมาติสม์แต่อย่างใด อันที่จริงตามความเข้าใจของ Malevich นี่เป็นลักษณะเชิงประเมิน ลัทธิซูพรีมาติสม์เป็นขั้นตอนสูงสุดของการพัฒนาศิลปะบนเส้นทางแห่งการปลดปล่อยจากทุกสิ่งที่นอกเหนือจากศิลปะ บนเส้นทางแห่งการระบุตัวตนขั้นสุดท้ายของสิ่งที่ไม่ใช่วัตถุประสงค์ ในฐานะแก่นแท้ของศิลปะใดๆ ในแง่นี้ Malevich ถือว่าศิลปะประดับแบบดั้งเดิมเป็นผู้ที่นับถือลัทธิสูงสุด (หรือ "ผู้นับถือลัทธิสูงสุด") ครั้งแรกที่เขาใช้คำนี้กับภาพวาดกลุ่มใหญ่ของเขา (39 ภาพขึ้นไป) ที่แสดงถึงนามธรรมทางเรขาคณิต รวมถึง “จัตุรัสสีดำ” อันโด่งดังบนพื้นหลังสีขาว “Black Cross” ฯลฯ ซึ่งจัดแสดงในนิทรรศการแห่งอนาคตของเปโตรกราด “Zero- สิบ” ในปี 1915 มันเป็นนามธรรมทางเรขาคณิตเหล่านี้และที่คล้ายกันที่ก่อให้เกิดชื่อ Suprematism แม้ว่า Malevich เองก็ถือว่าผลงานของเขาในยุค 20 หลายชิ้นซึ่งภายนอกมีวัตถุบางรูปแบบโดยเฉพาะโดยเฉพาะร่างมนุษย์ แต่ยังคงอยู่ “จิตวิญญาณสุพรีมาติสต์” และในความเป็นจริงการพัฒนาทางทฤษฎีในเวลาต่อมาของ Malevich ไม่ได้ให้เหตุผลในการลดลัทธิ Suprematism (อย่างน้อยโดย Malevich เอง) เฉพาะกับนามธรรมทางเรขาคณิตเท่านั้นแม้ว่าแน่นอนว่าพวกมันจะประกอบด้วยแกนกลางสาระสำคัญและแม้แต่ (ขาวดำและขาว - white Suprematism) นำการวาดภาพมาจนถึงขีดจำกัดของการดำรงอยู่โดยทั่วไปในฐานะรูปแบบหนึ่งของศิลปะ นั่นคือ ไปสู่ศูนย์ภาพ ซึ่งเกินกว่าที่จะไม่มีการวาดภาพอีกต่อไป เส้นทางนี้ดำเนินต่อไปในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษโดยกระแสนิยมมากมายในกิจกรรมทางศิลปะที่ละทิ้งพู่กัน สี และผ้าใบ

ภาษารัสเซีย เปรี้ยวจี๊ดคริสต์ทศวรรษ 1910 นำเสนอภาพที่ค่อนข้างซับซ้อน โดดเด่นด้วยการเปลี่ยนแปลงสไตล์และเทรนด์อย่างรวดเร็ว กลุ่มและสมาคมของศิลปินมากมาย ซึ่งแต่ละกลุ่มได้ประกาศแนวคิดเรื่องความคิดสร้างสรรค์ของตนเอง สิ่งที่คล้ายกันเกิดขึ้นในภาพวาดของยุโรปเมื่อต้นศตวรรษ อย่างไรก็ตาม การผสมผสานของสไตล์ "ความสับสน" ของแนวโน้มและทิศทางนั้นไม่เป็นที่รู้จักของชาวตะวันตก ซึ่งการเคลื่อนไหวไปสู่รูปแบบใหม่มีความสอดคล้องกันมากขึ้น ปรมาจารย์รุ่นใหม่หลายคนเคลื่อนไหวด้วยความเร็วพิเศษจากสไตล์หนึ่งไปอีกสไตล์จากเวทีหนึ่งไปอีกเวทีหนึ่งจากอิมเพรสชั่นนิสม์ไปจนถึงสมัยใหม่จากนั้นไปจนถึงลัทธิดั้งเดิมลัทธิคิวบิสม์หรือการแสดงออกโดยต้องผ่านหลายขั้นตอนซึ่งถือว่าผิดปกติอย่างสิ้นเชิงสำหรับปรมาจารย์ด้านการวาดภาพฝรั่งเศสหรือเยอรมัน . สถานการณ์ที่พัฒนาขึ้นในการวาดภาพของรัสเซียส่วนใหญ่เนื่องมาจากบรรยากาศก่อนการปฏิวัติในประเทศ มันทำให้ความขัดแย้งหลายประการที่มีอยู่ในงานศิลปะยุโรปโดยรวมรุนแรงขึ้นเพราะว่า ศิลปินชาวรัสเซียเรียนรู้จากนางแบบชาวยุโรปและคุ้นเคยกับโรงเรียนและขบวนการทางศิลปะต่างๆ "การระเบิด" ของรัสเซียที่แปลกประหลาดในชีวิตศิลปะจึงมีบทบาททางประวัติศาสตร์ ภายในปี 1913 ศิลปะรัสเซียได้ก้าวเข้าสู่ขอบเขตและขอบเขตใหม่ๆ ปรากฏการณ์ใหม่ของการไม่เป็นกลางปรากฏขึ้น - เส้นที่เกินกว่าที่นักเขียนภาพแบบเหลี่ยมชาวฝรั่งเศสไม่กล้าข้าม พวกเขาข้ามเส้นนี้ทีละคน: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

ลัทธิคิวโบฟิวเจอร์ริสม์ ทิศทางท้องถิ่นในเปรี้ยวจี๊ดของรัสเซีย (ในภาพวาดและบทกวี) ของต้นศตวรรษที่ 20 ในสาขาวิจิตรศิลป์ ลัทธิคิวโบ-ฟิวเจอร์ริสม์เกิดขึ้นบนพื้นฐานของการคิดใหม่เกี่ยวกับการค้นพบด้วยภาพ ลัทธิคิวบิสม์ ลัทธิอนาคตนิยม และลัทธินีโอดึกดำบรรพ์ของรัสเซีย ผลงานหลักที่ถูกสร้างขึ้นในช่วง พ.ศ. 2454-2458 ภาพวาดที่มีลักษณะเฉพาะที่สุดของ Cubo-Futurism มาจากพู่กันของ K. Malevich และยังวาดโดย Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Ekster ผลงานคิวโบฟิวเจอร์ริสต์ชิ้นแรกของ Malevich ถูกจัดแสดงในนิทรรศการอันโด่งดังในปี 1913 “ เป้าหมาย” ซึ่งการฉายรังสีของ Larionov ก็เปิดตัวเช่นกัน ในลักษณะที่ปรากฏ ผลงานคิวโบ-ฟิวเจอร์ริสต์สะท้อนองค์ประกอบของ F. Léger ที่สร้างขึ้นในเวลาเดียวกัน และเป็นองค์ประกอบกึ่งวัตถุประสงค์ที่ประกอบด้วยรูปแบบสีปริมาตรกลวงรูปทรงกระบอก ทรงกรวย ทรงขวด ซึ่งมักมีความแวววาวของโลหะ ในงานแรกที่คล้ายกันของ Malevich มีแนวโน้มที่จะเปลี่ยนจากจังหวะธรรมชาติไปเป็นจังหวะเชิงกลของโลกของเครื่องจักรอย่างเห็นได้ชัด (“ The Carpenter”, 1912, “ The Grind”, 1912, “ Portrait of Klyun”, 1913) .

นีโอพลาสติกนิยม- หนึ่งในงานศิลปะนามธรรมในยุคแรก ๆ สร้างขึ้นในปี 1917 โดยจิตรกรชาวดัตช์ P. Mondrian และศิลปินคนอื่นๆ ที่เป็นสมาชิกของสมาคม "Style" ตามที่ผู้สร้างระบุ Neoplasticism นั้นมีลักษณะเฉพาะโดยความปรารถนาที่จะ "ความสามัคคีสากล" ซึ่งแสดงออกด้วยการผสมผสานที่สมดุลอย่างเคร่งครัดของรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าขนาดใหญ่แยกจากกันอย่างชัดเจนด้วยเส้นตั้งฉากสีดำและทาสีด้วยสีท้องถิ่นของสเปกตรัมหลัก (ด้วยการเติมสีขาว และโทนสีเทา) Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) คำนี้ปรากฏในฮอลแลนด์ในศตวรรษที่ 20 พีต มอนเดรียนกำหนดแนวคิดเกี่ยวกับพลาสติกสำหรับพวกเขา สร้างขึ้นในระบบและได้รับการปกป้องโดยกลุ่มและนิตยสาร "Style" (“De Stiji”) ที่ก่อตั้งในเมืองไลเดนในปี 1917 คุณลักษณะหลักของ neoplasticism คือการใช้วิธีการแสดงออกอย่างเข้มงวด ในการสร้างแบบฟอร์ม นีโอพลาสติกนิยมอนุญาตเฉพาะเส้นแนวนอนและแนวตั้งเท่านั้น เส้นตัดกันที่มุมฉากเป็นหลักการแรก ประมาณปี 1920 ได้มีการเพิ่มอันที่สองเข้าไป ซึ่งโดยการเอาพู่กันออกและเน้นระนาบ จะเป็นการจำกัดสีไว้ที่สีแดง น้ำเงิน และเหลือง เช่น แม่สีบริสุทธิ์สามสีซึ่งสามารถเติมได้เฉพาะสีขาวและสีดำเท่านั้น ด้วยความช่วยเหลือจากความเข้มงวดนี้ นีโอพลาสติกนิยมตั้งใจที่จะก้าวข้ามความเป็นปัจเจกบุคคลเพื่อบรรลุความเป็นสากลนิยม และด้วยเหตุนี้จึงสร้างภาพใหม่ของโลก

"การบัพติศมา" อย่างเป็นทางการ ลัทธิผีปิศาจเกิดขึ้นที่ Salon of Independents ในปี 1913 ดังนั้นนักวิจารณ์ Roger Allard เขียนในรายงานของเขาเกี่ยวกับ Salon: "... ขอให้เราสังเกตสำหรับนักประวัติศาสตร์ในอนาคตว่าในปี 1913 โรงเรียน Orphism แห่งใหม่ถือกำเนิดขึ้น ... " ("La Cote" ปารีส 19 มีนาคม 2456) นักวิจารณ์อีกคน Andre Varnaud สะท้อนเขาว่า: "The Salon of 1913 ถูกทำเครื่องหมายด้วยการกำเนิดโรงเรียนใหม่ของโรงเรียน Orphic" ("Comoedia" Paris 18 มีนาคม 1913) ในที่สุด กิโยม อปอลลิแนร์เสริมข้อความนี้ด้วยการอุทานอย่างไม่ภาคภูมิใจ: “นี่คือออร์ฟิสซึม นี่เป็นครั้งแรกที่ทิศทางนี้ซึ่งฉันคาดการณ์ไว้ปรากฏขึ้น” (“Montjoie!” ภาคผนวกของปารีสถึงวันที่ 18 มีนาคม พ.ศ. 2456) อันที่จริงคำนี้ถูกประดิษฐ์ขึ้น อพอลลิแนร์(Orphism เป็นลัทธิของ Orpheus) และได้รับการกล่าวถึงต่อสาธารณะเป็นครั้งแรกในระหว่างการบรรยายเกี่ยวกับจิตรกรรมสมัยใหม่ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2455 เขาหมายถึงอะไร? ดูเหมือนเขาจะไม่รู้ด้วยตัวเอง ยิ่งไปกว่านั้น ฉันไม่รู้ว่าจะกำหนดขอบเขตของทิศทางใหม่นี้อย่างไร ในความเป็นจริงความสับสนที่ครอบงำมาจนถึงทุกวันนี้เกิดจากการที่ Apollinaire สับสนกับปัญหาสองประการที่เชื่อมโยงถึงกันโดยไม่รู้ตัว แต่ก่อนที่จะพยายามเชื่อมโยงพวกเขาเขาควรเน้นย้ำความแตกต่างของพวกเขาก่อน ในด้านหนึ่งคือการสร้าง เดลาเนย์วิธีการแสดงออกด้วยภาพทั้งหมดขึ้นอยู่กับสีและในทางกลับกัน การขยายตัวของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมอันเนื่องมาจากการเกิดขึ้นของทิศทางที่แตกต่างกันหลายประการ หลังจากแยกทางกับ Marie Laurencin ในช่วงปลายฤดูร้อนปี 1912 Apollinaire ได้ขอลี้ภัยไปอยู่กับครอบครัว Delaunay ผู้ซึ่งต้อนรับเขาด้วยความเข้าใจฉันมิตรในเวิร์คช็อปของพวกเขาที่ Rue Grand-Augustin ในฤดูร้อนนี้ Robert Delaunay และภรรยาของเขาได้สัมผัสกับวิวัฒนาการทางสุนทรีย์อันล้ำลึกซึ่งนำไปสู่สิ่งที่ต่อมาเขาเรียกว่า "ยุคแห่งการทำลายล้าง" ของการวาดภาพโดยอาศัยคุณสมบัติเชิงสร้างสรรค์และเชิงพื้นที่และกาลเวลาของความแตกต่างของสีเท่านั้น

ลัทธิหลังสมัยใหม่ (หลังสมัยใหม่, หลังเปรี้ยวจี๊ด) -

(จากภาษาละตินโพสต์ "หลัง" และสมัยใหม่) ชื่อรวมของกระแสทางศิลปะที่ชัดเจนโดยเฉพาะในทศวรรษ 1960 และโดดเด่นด้วยการแก้ไขจุดยืนของสมัยใหม่และเปรี้ยวจี๊ดอย่างรุนแรง

การแสดงออกเชิงนามธรรมหลังสงคราม (ปลายยุค 40 - 50 ของศตวรรษที่ XX) ขั้นตอนของการพัฒนาศิลปะนามธรรม คำนี้ถูกนำมาใช้ย้อนกลับไปในยุค 20 โดยนักวิจารณ์ศิลปะชาวเยอรมัน อี. วอน ซีโดว์ (E. von Sydow) เพื่ออ้างถึงบางแง่มุมของศิลปะการแสดงออก ในปี 1929 American Barr ใช้มันเพื่ออธิบายลักษณะงานในยุคแรกๆ ของ Kandinsky และในปี 1947 เขาเรียกผลงานชิ้นนี้ว่า "abstract expressionist" วิลเลม เดอ คูนนิ่งและ พอลล็อค- ตั้งแต่นั้นมา แนวคิดเรื่องการแสดงออกเชิงนามธรรมได้ถูกรวมเข้าด้วยกันภายใต้ขอบเขตการวาดภาพนามธรรมที่ค่อนข้างกว้าง มีสไตล์ และทางเทคนิค (และงานประติมากรรมในเวลาต่อมา) ซึ่งได้รับการพัฒนาอย่างรวดเร็วในช่วงทศวรรษที่ 50 ในสหรัฐอเมริกา ยุโรป และทั่วโลก บรรพบุรุษโดยตรงของการแสดงออกทางนามธรรมถือเป็นช่วงต้น คันดินสกี้นักแสดงออก นักออร์ฟิสต์ นักดาดาสต์บางส่วน และนักสถิตยศาสตร์ที่มีหลักการของจิตอัตโนมัติ พื้นฐานทางปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ของการแสดงออกทางนามธรรมส่วนใหญ่เป็นปรัชญาของอัตถิภาวนิยม ซึ่งได้รับความนิยมในช่วงหลังสงคราม

สำเร็จรูป(ภาษาอังกฤษสำเร็จรูป - พร้อม) คำนี้ถูกนำมาใช้ครั้งแรกในพจนานุกรมประวัติศาสตร์ศิลปะโดยศิลปิน มาร์เซล ดูชองป์เพื่อกำหนดผลงานซึ่งเป็นวัตถุที่เป็นประโยชน์ให้พ้นจากสภาพแวดล้อมในการทำงานตามปกติ และนำผลงานศิลปะไปจัดแสดงในนิทรรศการศิลปะเป็นงานศิลปะโดยไม่มีการเปลี่ยนแปลงใดๆ สินค้าสำเร็จรูปยืนยันมุมมองใหม่ของสิ่งของและสิ่งของ วัตถุที่หยุดทำหน้าที่ที่เป็นประโยชน์และรวมอยู่ในบริบทของพื้นที่ศิลปะนั่นคือกลายเป็นวัตถุของการไตร่ตรองที่ไม่เป็นประโยชน์เริ่มเปิดเผยความหมายใหม่และการเคลื่อนไหวเชิงเชื่อมโยงบางอย่างซึ่งไม่รู้จักกับศิลปะแบบดั้งเดิม หรือไปสู่ขอบเขตแห่งการใช้ประโยชน์ในชีวิตประจำวัน ปัญหาเรื่องสัมพัทธภาพระหว่างสุนทรียศาสตร์และประโยชน์ใช้สอยได้เกิดขึ้นอย่างรุนแรง ครั้งแรกที่พร้อมทำ ดูชองป์จัดแสดงในนิวยอร์กในปี พ.ศ. 2456 สิ่งที่มีชื่อเสียงที่สุดคือผลงานสำเร็จรูปของเขา เหล็ก "ล้อจักรยาน" (2456), "เครื่องเป่าขวด" (2457), "น้ำพุ" (2460) - นี่คือวิธีกำหนดโถปัสสาวะธรรมดา

ศิลปะป๊อปหลังสงครามโลกครั้งที่สอง อเมริกาได้พัฒนาชนชั้นทางสังคมจำนวนมากซึ่งมีเงินมากพอที่จะซื้อสินค้าที่ไม่ได้มีความสำคัญต่อพวกเขาเป็นพิเศษ ตัวอย่างเช่นการบริโภคสินค้า: Coca Cola หรือกางเกงยีนส์ Levi's กลายเป็นคุณลักษณะที่สำคัญของสังคมนี้ คนที่ใช้สิ่งนี้หรือผลิตภัณฑ์นั้นแสดงว่าเขาอยู่ในชนชั้นทางสังคมบางกลุ่ม ขณะนี้วัฒนธรรมมวลชนกำลังก่อตัวขึ้น สิ่งต่างๆ กลายเป็นสัญลักษณ์ แบบเหมารวม ศิลปะป๊อปจำเป็นต้องใช้แบบแผนและสัญลักษณ์ ศิลปะป๊อป(ศิลปะป๊อปอาร์ต) รวบรวมการแสวงหาความคิดสร้างสรรค์ของชาวอเมริกันยุคใหม่ซึ่งมีพื้นฐานอยู่บนหลักการสร้างสรรค์ของ Duchamp นี้: แจสเปอร์ จอห์นส์, เค. โอลเดนเบิร์ก, แอนดี้ วอร์ฮอล, และคนอื่น ๆ. ศิลปะป๊อปได้รับความสำคัญของวัฒนธรรมมวลชน จึงไม่น่าแปลกใจที่มันก่อตัวและกลายเป็นขบวนการศิลปะในอเมริกา คนที่มีใจเดียวกัน: ฮาเมลตัน อาร์ โทน ไชน่าได้รับเลือกให้เป็นผู้มีอำนาจ เคิร์ต ชวีเทอร์ส- ศิลปะป๊อปโดดเด่นด้วยงานมายาที่อธิบายแก่นแท้ของวัตถุ ตัวอย่าง: พาย เค. โอลเดนเบิร์กซึ่งแสดงในรูปแบบต่างๆ ศิลปินอาจไม่ได้พรรณนาถึงพาย แต่เป็นการขจัดภาพลวงตาและแสดงสิ่งที่บุคคลเห็นจริงๆ R. Rauschenberg ก็เป็นต้นฉบับเช่นกัน: เขาติดรูปถ่ายต่าง ๆ ลงบนผืนผ้าใบ ร่างโครงร่างและติดตุ๊กตาสัตว์บางชนิดเข้ากับงาน ผลงานที่โด่งดังชิ้นหนึ่งของเขาคือตุ๊กตาเม่น ภาพวาดของเขาที่เขาใช้รูปถ่ายของ Kenedy ก็เป็นที่รู้จักกันดีเช่นกัน

ลัทธิดั้งเดิม (ศิลปะไร้เดียงสา)- แนวคิดนี้ใช้ในสัมผัสหลายประการ และจริงๆ แล้วเหมือนกับแนวคิดนี้ "ศิลปะดั้งเดิม"- ในภาษาต่าง ๆ และโดยนักวิทยาศาสตร์ต่าง ๆ แนวคิดเหล่านี้มักใช้เพื่อกำหนดปรากฏการณ์เดียวกันในวัฒนธรรมศิลปะ ในภาษารัสเซีย (เช่นเดียวกับบางคำ) คำว่า "ดั้งเดิม" มีความหมายเชิงลบบ้าง ดังนั้นจึงเป็นการเหมาะสมกว่าที่จะยึดถือแนวคิดนี้ ศิลปะไร้เดียงสา- ในความหมายที่กว้างที่สุด สิ่งนี้หมายถึงวิจิตรศิลป์ที่โดดเด่นด้วยความเรียบง่าย (หรือการทำให้เข้าใจง่าย) ความชัดเจน และความเป็นธรรมชาติอย่างเป็นทางการของภาษาที่เป็นรูปเป็นร่างและแสดงออก ด้วยความช่วยเหลือในการแสดงวิสัยทัศน์พิเศษของโลกที่ไม่ถูกภาระโดยอนุสัญญาทางอารยธรรม แนวคิดนี้ปรากฏในวัฒนธรรมยุโรปใหม่ในช่วงหลายศตวรรษที่ผ่านมา และสะท้อนถึงตำแหน่งทางวิชาชีพและแนวคิดของวัฒนธรรมนี้ ซึ่งถือว่าเป็นขั้นตอนสูงสุดของการพัฒนา จากตำแหน่งเหล่านี้ ศิลปะไร้เดียงสายังหมายถึงศิลปะโบราณของคนโบราณ (ก่อนอารยธรรมอียิปต์หรือกรีกโบราณ) เช่น ศิลปะดึกดำบรรพ์ ศิลปะของประชาชนล่าช้าในการพัฒนาวัฒนธรรมและอารยธรรม (ประชากรพื้นเมืองของแอฟริกา โอเชียเนีย อเมริกันอินเดียน); ศิลปะมือสมัครเล่นและไม่ใช่มืออาชีพในวงกว้าง (เช่น จิตรกรรมฝาผนังยุคกลางที่มีชื่อเสียงของคาตาโลเนีย หรืองานศิลปะที่ไม่เป็นมืออาชีพของผู้ตั้งถิ่นฐานชาวอเมริกันกลุ่มแรกจากยุโรป) ผลงานหลายชิ้นที่เรียกว่า "กอทิกสากล"; ศิลปท้องถิ่น; ในที่สุดศิลปะของศิลปินดึกดำบรรพ์ที่มีพรสวรรค์แห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งไม่ได้รับการศึกษาด้านศิลปะระดับมืออาชีพ แต่ผู้ที่รู้สึกถึงของขวัญแห่งความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะและอุทิศตนเพื่อการนำไปใช้อย่างอิสระในงานศิลปะ บางส่วน (ฝรั่งเศส เอ. รุสโซ, ซี. บอมบัวส์,จอร์เจีย เอ็น. พิโรสมานิชวิลี,โครเอเชีย ไอ. เจเนอรัลริช,อเมริกัน เช้า. โรเบิร์ตสันฯลฯ ) สร้างผลงานศิลปะชิ้นเอกที่แท้จริงซึ่งรวมอยู่ในคลังศิลปะโลก ศิลปะที่ไร้เดียงสาในวิสัยทัศน์ของโลกและวิธีการนำเสนอทางศิลปะนั้นค่อนข้างใกล้เคียงกับศิลปะของเด็กในด้านหนึ่งและต่อ ความคิดสร้างสรรค์ของคนป่วยทางจิตอีกทางหนึ่ง อย่างไรก็ตาม โดยพื้นฐานแล้วมันแตกต่างจากทั้งสองอย่าง สิ่งที่ใกล้เคียงที่สุดในโลกทัศน์ต่อศิลปะสำหรับเด็กคือศิลปะที่ไร้เดียงสาของชนชาติโบราณและชาวพื้นเมืองในโอเชียเนียและแอฟริกา ความแตกต่างพื้นฐานจากศิลปะสำหรับเด็กอยู่ที่ความศักดิ์สิทธิ์อย่างลึกซึ้ง ประเพณีนิยม และความเป็นบัญญัติ

เน็ตอาร์ต(Net Art - จากเน็ตภาษาอังกฤษ - เครือข่าย, ศิลปะ - ศิลปะ) ศิลปะประเภทใหม่ล่าสุด การปฏิบัติด้านศิลปะสมัยใหม่ การพัฒนาในเครือข่ายคอมพิวเตอร์ โดยเฉพาะบนอินเทอร์เน็ต นักวิจัยในรัสเซียซึ่งมีส่วนร่วมในการพัฒนา O. Lyalina, A. Shulgin เชื่อว่าแก่นแท้ของ Net Art อยู่ที่การสร้างพื้นที่การสื่อสารและความคิดสร้างสรรค์บนอินเทอร์เน็ต โดยมอบอิสระอย่างสมบูรณ์ในการดำรงอยู่ทางออนไลน์ให้กับทุกคน ดังนั้นแก่นแท้ของเน็ตอาร์ต ไม่ใช่การเป็นตัวแทน แต่เป็นการสื่อสาร และหน่วยศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์ของมันคือข้อความอิเล็กทรอนิกส์ มีอย่างน้อยสามขั้นตอนในการพัฒนา Net art ซึ่งเกิดขึ้นในยุค 80 และ 90 ศตวรรษที่ XX ประการแรกคือเมื่อศิลปินอินเทอร์เน็ตมือใหม่สร้างรูปภาพจากตัวอักษรและไอคอนที่พบบนแป้นพิมพ์คอมพิวเตอร์ ประการที่สองเริ่มต้นเมื่อศิลปินใต้ดินและใครก็ตามที่ต้องการแสดงความคิดสร้างสรรค์บางอย่างเข้ามาบนอินเทอร์เน็ต

สหกรณ์ศิลปะ(Op-art ภาษาอังกฤษ - ศิลปะทัศนศาสตร์แบบสั้น - ศิลปะเกี่ยวกับแสง) - การเคลื่อนไหวทางศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 โดยใช้ภาพลวงตาต่าง ๆ ตามลักษณะเฉพาะของการรับรู้ของร่างแบนและเชิงพื้นที่ การเคลื่อนไหวยังคงดำเนินต่อไปในแนวเหตุผลเชิงเทคนิค (สมัยใหม่) ย้อนกลับไปสู่สิ่งที่เรียกว่านามธรรมนิยม "เรขาคณิต" ซึ่งเป็นตัวแทนของสิ่งนั้น V. วาซาเรลี(ตั้งแต่ปี 1930 ถึง 1997 เขาทำงานในฝรั่งเศส) - ผู้ก่อตั้ง op art ความเป็นไปได้ของ Op art ได้พบการประยุกต์ใช้งานกราฟิก โปสเตอร์ และศิลปะการออกแบบในอุตสาหกรรม ทิศทางของศิลปะ op (ศิลปะการมองเห็น) มีต้นกำเนิดในยุค 50 ภายใต้แนวคิดนามธรรม แม้ว่าคราวนี้จะมีความหลากหลายที่แตกต่างกัน นั่นคือนามธรรมทางเรขาคณิต มันแพร่กระจายไปตามการเคลื่อนไหวที่ย้อนกลับไปในยุค 60 ศตวรรษที่ XX

กราฟฟิตี้(กราฟฟิตี - ในโบราณคดีภาพวาดหรือตัวอักษรใด ๆ ที่มีรอยขีดข่วนบนพื้นผิวใด ๆ จากกราฟฟิตีอิตาลี - ถึงรอยขีดข่วน) นี่คือวิธีการกำหนดการทำงานของวัฒนธรรมย่อยซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาพรูปแบบขนาดใหญ่บนผนังของอาคารสาธารณะ โครงสร้าง ยานพาหนะ ทำโดยใช้ปืนพ่นชนิดต่างๆ, กระป๋องสีสเปรย์แอโรซอล. จึงเป็นอีกชื่อหนึ่งของ "ศิลปะสเปรย์" - ศิลปะสเปรย์ ต้นกำเนิดของมันมีความเกี่ยวข้องกับรูปลักษณ์อันใหญ่โตของกราฟฟิตี้ ในยุค 70 บนรถรถไฟใต้ดินในนิวยอร์ก จากนั้นบนผนังอาคารสาธารณะและบานประตูหน้าต่างร้านค้า ผู้เขียนกราฟฟิตีคนแรก ส่วนใหญ่เป็นศิลปินรุ่นเยาว์ที่ตกงานจากชนกลุ่มน้อย โดยส่วนใหญ่เป็นชาวเปอร์โตริโก ดังนั้นภาพกราฟฟิตี้ชิ้นแรกจึงแสดงให้เห็นลักษณะโวหารของศิลปะพื้นบ้านละตินอเมริกา และจากการปรากฏบนพื้นผิวที่ไม่ได้มีไว้สำหรับสิ่งนี้ ผู้เขียนจึงประท้วงต่อต้านจุดยืนที่ถูกเพิกถอนสิทธิ์ ในช่วงต้นทศวรรษที่ 80 กระแสของปรมาจารย์มืออาชีพของ G. ได้ก่อตัวขึ้นทั้งหมด ชื่อจริงของพวกเขา ซึ่งก่อนหน้านี้ถูกซ่อนไว้ภายใต้นามแฝงกลายเป็นที่รู้จัก ( ความผิดพลาด, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, มองเห็น, DAZE- บางคนถ่ายทอดเทคนิคของตนมาสู่ผืนผ้าใบ และเริ่มจัดแสดงในแกลเลอรีในนิวยอร์ก และในไม่ช้า กราฟฟิตี้ก็ปรากฏในยุโรป

เหนือจริง(ไฮเปอร์เรียลลิซึม - อังกฤษ) หรือโฟโตเรียลลิสม์ (โฟโตเรียลลิซึม - อังกฤษ) - ศิลปะ การเคลื่อนไหวในจิตรกรรมและประติมากรรมโดยอาศัยภาพถ่ายและการทำซ้ำความเป็นจริง ทั้งในเชิงปฏิบัติและการวางแนวเชิงสุนทรีย์ที่มีต่อความเป็นธรรมชาติและลัทธิปฏิบัตินิยม ลัทธิไฮเปอร์เรียลลิสม์นั้นใกล้เคียงกับศิลปะป๊อปอาร์ต พวกเขารวมกันเป็นหนึ่งโดยการกลับไปสู่ความเป็นรูปเป็นร่างเป็นหลัก มันทำหน้าที่เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับแนวความคิดซึ่งไม่เพียงแต่ทำลายการเป็นตัวแทนเท่านั้น แต่ยังตั้งคำถามถึงหลักการที่แท้จริงของการสำนึกในเชิงวัตถุของศิลปะอีกด้วย แนวคิด.

ศิลปะบนบก(จากศิลปะบนบกของอังกฤษ - ศิลปะดิน) ทิศทางในศิลปะของสามส่วนสุดท้ายXXค. โดยอาศัยภูมิทัศน์ที่แท้จริงเป็นวัสดุและวัตถุทางศิลปะหลัก ศิลปินขุดสนามเพลาะสร้างกองหินที่แปลกประหลาดทาสีหินเลือกสถานที่รกร้างสำหรับงานของพวกเขา - ทิวทัศน์ที่บริสุทธิ์และเป็นธรรมชาติดังนั้นราวกับพยายามคืนศิลปะสู่ธรรมชาติ ขอบคุณเขา<первобытному>ในลักษณะที่ปรากฏ การกระทำและวัตถุประเภทนี้หลายอย่างมีความใกล้เคียงกับโบราณคดี เช่นเดียวกับศิลปะภาพถ่าย เนื่องจากประชาชนส่วนใหญ่สามารถพิจารณาสิ่งเหล่านั้นได้ในรูปแบบภาพถ่ายเท่านั้น ดูเหมือนว่าเราจะต้องยอมรับกับความป่าเถื่อนในภาษารัสเซียอีกครั้ง ฉันไม่รู้ว่ามันเป็นเรื่องบังเอิญหรือเปล่าที่คำว่า<лэнд-арт>ปรากฏอยู่ในตอนท้าย 60s, ในช่วงเวลาที่ในสังคมที่พัฒนาแล้ว จิตวิญญาณที่กบฏของนักศึกษาได้ชักนำกองกำลังของตนไปสู่การโค่นล้มค่านิยมที่จัดตั้งขึ้น

ความเรียบง่าย(ศิลปะแบบมินิมอล - อังกฤษ: ศิลปะแบบมินิมอล) - ศิลปิน การไหลที่มาจากการเปลี่ยนแปลงน้อยที่สุดของวัสดุที่ใช้ในกระบวนการสร้างสรรค์ ความเรียบง่ายและความสม่ำเสมอของรูปแบบ ขาวดำ ความคิดสร้างสรรค์ ความยับยั้งชั่งใจตนเองของศิลปิน Minimalism มีลักษณะพิเศษคือการปฏิเสธอัตวิสัย การเป็นตัวแทน และภาพลวงตา ปฏิเสธความคลาสสิก เทคนิคการสร้างสรรค์และประเพณี ศิลปิน วัสดุมินิมัลลิสต์ใช้วัสดุทางอุตสาหกรรมและธรรมชาติที่มีรูปทรงเรขาคณิตที่เรียบง่าย มีการใช้รูปทรงและสีที่เป็นกลาง (สีดำ สีเทา) ปริมาณขนาดเล็ก อนุกรม วิธีการผลิตทางอุตสาหกรรมโดยใช้สายพานลำเลียง สิ่งประดิษฐ์ในแนวคิดความคิดสร้างสรรค์แบบมินิมอลลิสต์เป็นผลจากกระบวนการผลิตที่กำหนดไว้ล่วงหน้า หลังจากได้รับการพัฒนาอย่างสมบูรณ์ที่สุดในการวาดภาพและประติมากรรม ความเรียบง่าย ตีความในความหมายกว้าง ๆ ว่าเป็นเศรษฐกิจแห่งศิลปะ หมายความว่า ได้พบการประยุกต์ใช้ในงานศิลปะรูปแบบอื่น โดยหลักๆ คือโรงละครและภาพยนตร์

Minimalism มีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกาในเลน พื้น. 60s ต้นกำเนิดของมันอยู่ในคอนสตรัคติวิสต์, ลัทธิสุพรีมาติสต์, ลัทธิดาดา, ศิลปะนามธรรม, พิธีการของอาเมอร์ จิตรกรรมจากยุค 50 ศิลปะป๊อป โดยตรง ผู้บุกเบิกความเรียบง่าย เป็นคนอเมริกัน ศิลปิน เอฟ สเตลล่าซึ่งนำเสนอชุด "ภาพวาดสีดำ" ในปี พ.ศ. 2502-60 ซึ่งได้รับคำสั่งให้เป็นเส้นตรง ผลงานมินิมอลชิ้นแรกปรากฏในปี พ.ศ. 2505-63 คำว่า "มินิมอลลิสต์" เป็นของ R. Wollheim ผู้แนะนำสิ่งนี้เกี่ยวกับการวิเคราะห์ความคิดสร้างสรรค์ เอ็ม. ดูชองป์และศิลปินป๊อปที่ลดการแทรกแซงของศิลปินในสภาพแวดล้อม คำพ้องความหมายคือ "ศิลปะเจ๋งๆ", "ศิลปะเอบีซี", "ศิลปะต่อเนื่อง", "โครงสร้างหลัก", "ศิลปะเป็นกระบวนการ", "เป็นระบบ" จิตรกรรม". ในบรรดามินิมอลลิสต์ที่เป็นตัวแทนมากที่สุด ได้แก่ เค. อังเดร, เอ็ม. โบชเนอร์, อู. เด มา-เรีย, ดี. ฟลาวิน เอส. เลอ วิตต์, อาร์. แมงโกลด์, บี. เมอร์เดน, อาร์. มอร์ริส, อาร์. ไรแมน- พวกเขารวมกันเป็นหนึ่งด้วยความปรารถนาที่จะปรับสิ่งประดิษฐ์ให้เข้ากับสิ่งแวดล้อม เพื่อเล่นกับพื้นผิวที่เป็นธรรมชาติของวัสดุ ด.ชาดให้คำจำกัดความว่า “เฉพาะเจาะจง” object” ที่แตกต่างไปจากแบบคลาสสิก งานพลาสติก ศิลปะ การจัดแสงมีบทบาทในการสร้างสรรค์งานศิลปะแบบมินิมอลลิสต์โดยอิสระ สถานการณ์ การแก้ปัญหาเชิงพื้นที่ดั้งเดิม มีการใช้วิธีคอมพิวเตอร์ในการสร้างสรรค์งาน

รูปแบบและทิศทางของการวาดภาพ

จำนวนสไตล์และเทรนด์มีมากมายมหาศาลไม่สิ้นสุด สไตล์ในงานศิลปะไม่มีขอบเขตที่ชัดเจน พวกมันเปลี่ยนผ่านไปสู่อีกรูปแบบหนึ่งได้อย่างราบรื่น และอยู่ในการพัฒนา การผสมผสาน และการต่อต้านอย่างต่อเนื่อง ภายในกรอบของรูปแบบศิลปะประวัติศาสตร์รูปแบบหนึ่ง รูปแบบใหม่จะถือกำเนิดขึ้นเสมอ และในทางกลับกัน ก็จะผ่านไปยังรูปแบบถัดไป หลายสไตล์อยู่ร่วมกันในเวลาเดียวกัน ดังนั้นจึงไม่มี "สไตล์ที่บริสุทธิ์" เลย

ลัทธินามธรรม (จากภาษาละติน abstractio - การกำจัด ความฟุ้งซ่าน) - ทิศทางศิลปะในงานศิลปะที่ละทิ้งการพรรณนารูปแบบที่ใกล้เคียงกับความเป็นจริง

เปรี้ยวจี๊ด, เปรี้ยวจี๊ด (จากภาษาฝรั่งเศสเปรี้ยวจี๊ด - กองหน้า) - ชื่อทั่วไปของการเคลื่อนไหวทางศิลปะในศิลปะของศตวรรษที่ 20 ซึ่งโดดเด่นด้วยการค้นหารูปแบบใหม่และวิธีการแสดงศิลปะการดูถูกดูแคลนหรือการปฏิเสธประเพณีอย่างสมบูรณ์และการทำให้สมบูรณ์ของ นวัตกรรม.

วิชาการ (จากนักวิชาการชาวฝรั่งเศส) - ทิศทางในการวาดภาพยุโรปในศตวรรษที่ 16-19 มีพื้นฐานมาจากการยึดมั่นในหลักคำสอนต่อรูปแบบภายนอกของศิลปะคลาสสิก ผู้ติดตามมีลักษณะลักษณะนี้โดยสะท้อนถึงรูปแบบศิลปะของโลกโบราณโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา วิชาการเสริมประเพณีของศิลปะโบราณซึ่งทำให้ภาพลักษณ์ของธรรมชาติกลายเป็นอุดมคติ ในขณะเดียวกันก็ชดเชยบรรทัดฐานของความงาม Annibale, Agostino และ Lodovico Carracci เขียนในลักษณะนี้

ลัทธิกระทำนิยม (จากศิลปะการแสดงภาษาอังกฤษ - ศิลปะแห่งการกระทำ) - เหตุการณ์ที่เกิดขึ้น การแสดง เหตุการณ์ ศิลปะกระบวนการ ศิลปะสาธิต และรูปแบบอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่งที่ปรากฏในศิลปะแนวหน้าของทศวรรษ 1960 ตามอุดมการณ์แห่งการกระทำ ศิลปินจะต้องจัดกิจกรรมและกระบวนการต่างๆ Actionism พยายามทำให้เส้นแบ่งระหว่างศิลปะกับความเป็นจริงไม่ชัดเจน

สไตล์เอ็มไพร์ (จากจักรวรรดิฝรั่งเศส - จักรวรรดิ) - รูปแบบสถาปัตยกรรมและมัณฑนศิลป์ที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ในช่วงจักรวรรดิที่หนึ่งของนโปเลียนโบนาปาร์ต สไตล์เอ็มไพร์เป็นตอนจบของการพัฒนาความคลาสสิค เพื่อรวบรวมความสง่างาม ความหรูหรา ความหรูหรา อำนาจ และความแข็งแกร่งทางการทหาร สไตล์จักรวรรดิจึงโดดเด่นด้วยการหันไปหางานศิลปะโบราณ: รูปแบบการตกแต่งของอียิปต์โบราณ (ถ้วยรางวัลทางทหาร สฟิงซ์มีปีก...) แจกันอีทรัสคัน ภาพวาดปอมเปอี การตกแต่งแบบกรีกและโรมัน จิตรกรรมฝาผนังและเครื่องประดับยุคเรอเนซองส์ ตัวแทนหลักของสไตล์นี้คือ J.L. David (ภาพวาด "The Oath of the Horatii" (1784), "Brutus" (1789))

ใต้ดิน (จากภาษาอังกฤษใต้ดิน - ใต้ดิน ดันเจี้ยน) - การเคลื่อนไหวทางศิลปะจำนวนหนึ่งในศิลปะร่วมสมัยที่ขัดแย้งกับวัฒนธรรมมวลชนและกระแสหลัก กลุ่มใต้ดินปฏิเสธและฝ่าฝืนการวางแนวทางการเมือง ศีลธรรม และจริยธรรมและประเภทของพฤติกรรมที่เป็นที่ยอมรับของสังคม และนำพฤติกรรมต่อต้านสังคมเข้ามาในชีวิตประจำวัน ในช่วงยุคโซเวียต เนื่องจากความเข้มงวดของระบอบการปกครอง แทบทุกสิ่งที่ไม่เป็นทางการ เช่น ไม่ได้รับการยอมรับจากเจ้าหน้าที่ ศิลปะกลายเป็นศิลปะใต้ดิน

อาร์ตนูโว (จากภาษาฝรั่งเศส อาร์ตนูโว อย่างแท้จริง - ศิลปะใหม่) เป็นชื่อของสไตล์อาร์ตนูโวที่พบได้ทั่วไปในหลายประเทศ (เบลเยียม, ฝรั่งเศส, อังกฤษ, สหรัฐอเมริกา ฯลฯ ) ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดของการวาดภาพสไตล์นี้: Alphonse Mucha

อาร์ตเดโค (จากอาร์ตเดโคฝรั่งเศส ย่อมาจาก decoratif) - ทิศทางในงานศิลปะในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นการสังเคราะห์แนวเปรี้ยวจี๊ดและนีโอคลาสสิกนิยมเข้ามาแทนที่คอนสตรัคติวิสต์ คุณสมบัติที่โดดเด่นของเทรนด์นี้: ความเหนื่อยล้า, เส้นเรขาคณิต, หรูหรา, เก๋ไก๋, วัสดุราคาแพง (สีงาช้าง, หนังจระเข้) ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดของขบวนการนี้คือ Tamara de Lempicka (พ.ศ. 2441-2523)

พิสดาร (จากบารอคโคอิตาลี - แปลกแปลกประหลาดหรือจากพอร์ต perola barroca - ไข่มุกที่มีรูปร่างผิดปกติมีข้อสันนิษฐานอื่นเกี่ยวกับที่มาของคำนี้) - รูปแบบศิลปะในศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย คุณสมบัติที่โดดเด่นของสไตล์นี้: ขนาดที่พูดเกินจริง, เส้นขาด, รายละเอียดการตกแต่งมากมาย, ความหนักเบาและความใหญ่โต

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหรือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (จากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฝรั่งเศส rinascimento ของอิตาลี) เป็นยุคในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมยุโรปซึ่งเข้ามาแทนที่วัฒนธรรมในยุคกลางและนำหน้าวัฒนธรรมในยุคปัจจุบัน กรอบลำดับเหตุการณ์โดยประมาณของยุคนี้คือศตวรรษที่ XIV-XVI คุณลักษณะที่โดดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือธรรมชาติของวัฒนธรรมทางโลกและมานุษยวิทยา (นั่นคือความสนใจประการแรกในมนุษย์และกิจกรรมของเขา) ความสนใจในวัฒนธรรมโบราณปรากฏขึ้น "การฟื้นฟู" เหมือนเดิมเกิดขึ้น - และนี่คือลักษณะที่ปรากฏของคำนี้ ในขณะที่วาดภาพธีมทางศาสนาแบบดั้งเดิม ศิลปินเริ่มใช้เทคนิคทางศิลปะใหม่ๆ ได้แก่ การสร้างองค์ประกอบสามมิติ โดยใช้ทิวทัศน์เป็นพื้นหลัง ซึ่งทำให้ภาพดูสมจริงและมีชีวิตชีวามากขึ้น สิ่งนี้ทำให้งานของพวกเขาแตกต่างอย่างมากจากประเพณีการยึดถือแบบดั้งเดิมก่อนหน้านี้ ซึ่งประกอบไปด้วยแบบแผนในภาพ ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนี้: Sandro Botticelli (1447-1515), Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Titian (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534), เฮียโรนีมัส บอช (1450-1516), อัลเบรชท์ ดูเรอร์ (1471-1528)

วูดแลนด์ (จากภาษาอังกฤษ - ดินแดนป่าไม้) เป็นรูปแบบศิลปะที่มีต้นกำเนิดมาจากสัญลักษณ์ของภาพเขียนหิน ตำนาน และตำนานของชาวอินเดียนแดงในอเมริกาเหนือ

โกธิค (จากภาษาอิตาลี gotico - ผิดปกติและป่าเถื่อน) เป็นช่วงเวลาในการพัฒนาศิลปะยุคกลางครอบคลุมเกือบทุกด้านของวัฒนธรรมและการพัฒนาในยุโรปตะวันตกกลางและยุโรปตะวันออกบางส่วนตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 ถึง 15 กอทิกได้เสร็จสิ้นการพัฒนาศิลปะยุคกลางของยุโรป โดยเกิดขึ้นบนพื้นฐานของความสำเร็จของวัฒนธรรมโรมาเนสก์ และในช่วงยุคเรอเนซองส์ ศิลปะยุคกลางถือเป็น "ป่าเถื่อน" ศิลปะกอทิกเป็นศิลปะที่มีจุดมุ่งหมายและมีเนื้อหาทางศาสนา กล่าวถึงพลังศักดิ์สิทธิ์สูงสุด ความเป็นนิรันดร์ และโลกทัศน์ของคริสเตียน โกธิคในการพัฒนาแบ่งออกเป็น โกธิคยุครุ่งเรือง โกธิคตอนปลาย

อิมเพรสชั่นนิสม์ (จากความประทับใจแบบฝรั่งเศส - ความประทับใจ) เป็นทิศทางในการวาดภาพยุโรปที่มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 โดยมีเป้าหมายหลักคือการถ่ายทอดความประทับใจที่หายวับไปและเปลี่ยนแปลงได้

Kitsch, kitsch (จากศิลปที่ไร้ค่าของเยอรมัน - รสไม่ดี) เป็นคำที่แสดงถึงปรากฏการณ์ที่น่ารังเกียจที่สุดประการหนึ่งของวัฒนธรรมมวลชนซึ่งเป็นคำพ้องสำหรับศิลปะหลอกซึ่งความสนใจหลักจ่ายให้กับความฟุ่มเฟือยของรูปลักษณ์และความดังขององค์ประกอบ . โดยพื้นฐานแล้วศิลปที่ไร้ค่าถือเป็นประเภทของลัทธิหลังสมัยใหม่ Kitsch เป็นศิลปะมวลชนสำหรับชนชั้นสูง งานที่เป็นของศิลปที่ไร้ค่าจะต้องถูกสร้างขึ้นในระดับศิลปะที่สูงจะต้องมีโครงเรื่องที่น่าสนใจ แต่นี่ไม่ใช่งานศิลปะที่แท้จริงในความหมายที่สูง แต่เป็นของปลอมที่มีทักษะ ศิลปที่ไร้ค่าอาจมีความขัดแย้งทางจิตวิทยาอย่างลึกซึ้ง แต่ไม่มีการค้นพบและการเปิดเผยทางศิลปะที่แท้จริง

ลัทธิคลาสสิก (จากภาษาละติน classicus - แบบอย่าง) เป็นรูปแบบศิลปะในงานศิลปะซึ่งมีพื้นฐานมาจากการอุทธรณ์ซึ่งเป็นมาตรฐานความงามในอุดมคติต่อภาพและรูปแบบของศิลปะโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งต้องปฏิบัติตามกฎเกณฑ์หลายประการอย่างเข้มงวด และศีล

จักรวาล (จากกรีกคอสมอส - โลกจัดระเบียบ, คอสมา - การตกแต่ง) เป็นโลกทัศน์ทางศิลปะและปรัชญาที่มีพื้นฐานอยู่บนความรู้เกี่ยวกับจักรวาลและความคิดของบุคคลในฐานะพลเมืองของโลกรวมถึงพิภพเล็ก ๆ ที่คล้ายกับมาโครคอสม์ . ลัทธิจักรวาลเกี่ยวข้องกับความรู้ทางดาราศาสตร์เกี่ยวกับจักรวาล

Cubism (จากภาษาฝรั่งเศส cube - cube) เป็นการเคลื่อนไหวสมัยใหม่ในงานศิลปะที่พรรณนาวัตถุแห่งความเป็นจริงที่สลายตัวเป็นรูปทรงเรขาคณิตที่เรียบง่าย

Lettrism (จากตัวอักษรภาษาอังกฤษ - ตัวอักษรข้อความ) เป็นเทรนด์ในยุคสมัยใหม่โดยอาศัยการใช้ภาพที่คล้ายกับแบบอักษรข้อความที่อ่านไม่ได้ตลอดจนการจัดองค์ประกอบตามตัวอักษรและข้อความ

Metarealism ความสมจริงเชิงเลื่อนลอย (จากภาษากรีก meta - ระหว่างและ gelis - วัสดุของจริง) เป็นทิศทางในงานศิลปะแนวคิดหลักในการแสดงออกถึงจิตสำนึกเหนือธรรมชาติธรรมชาติเหนือกายภาพของสิ่งต่าง ๆ

Minimalism (มาจากศิลปะแบบมินิมอลลิสต์ของอังกฤษ - ศิลปะแบบมินิมอล) เป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่มีพื้นฐานมาจากการเปลี่ยนแปลงวัสดุขั้นต่ำที่ใช้ในกระบวนการสร้างสรรค์ ความเรียบง่ายและความสม่ำเสมอของรูปแบบ ขาวดำ และการยับยั้งชั่งใจในตนเองอย่างสร้างสรรค์ของศิลปิน Minimalism มีลักษณะพิเศษคือการปฏิเสธอัตวิสัย การเป็นตัวแทน และภาพลวงตา ผู้ที่ละทิ้งเทคนิคคลาสสิกและวัสดุทางศิลปะแบบดั้งเดิม พวกมินิมอลลิสต์ใช้วัสดุทางอุตสาหกรรมและธรรมชาติที่มีรูปทรงเรขาคณิตที่เรียบง่ายและสีที่เป็นกลาง (สีดำ สีเทา) ปริมาณน้อย และใช้วิธีการต่อเนื่องแบบสายพานลำเลียงในการผลิตทางอุตสาหกรรม

อาร์ตนูโว (มาจากภาษาฝรั่งเศสสมัยใหม่ - ใหม่ล่าสุดสมัยใหม่) เป็นรูปแบบศิลปะที่มีการตีความคุณลักษณะของศิลปะในยุคต่างๆ ใหม่และมีสไตล์โดยใช้เทคนิคทางศิลปะตามหลักการของความไม่สมมาตรและการตกแต่ง

Neoplasticism เป็นหนึ่งในงานศิลปะนามธรรมในยุคแรกๆ สร้างขึ้นในปี 1917 โดยจิตรกรชาวดัตช์ P. Mondrian และศิลปินคนอื่นๆ ที่เป็นสมาชิกของสมาคม "Style" ตามที่ผู้สร้างระบุ Neoplasticism นั้นมีลักษณะเฉพาะโดยความปรารถนาที่จะ "ความสามัคคีสากล" ซึ่งแสดงออกด้วยการผสมผสานที่สมดุลอย่างเคร่งครัดของรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าขนาดใหญ่แยกจากกันอย่างชัดเจนด้วยเส้นตั้งฉากสีดำและทาสีด้วยสีท้องถิ่นของสเปกตรัมหลัก (ด้วยการเติมสีขาว และโทนสีเทา)

ลัทธิดั้งเดิม, ศิลปะไร้เดียงสา, ไร้เดียงสา - รูปแบบของการวาดภาพที่รูปภาพถูกทำให้ง่ายขึ้นโดยเจตนา, รูปแบบของมันถูกสร้างให้เป็นแบบดั้งเดิม, เช่นศิลปะพื้นบ้าน, งานของเด็กหรือมนุษย์ดึกดำบรรพ์

Op art (จากศิลปะออพติคอลภาษาอังกฤษ - ออพติคอลอาร์ต) เป็นทิศทางแบบนีโอเปรี้ยวจี๊ดในงานศิลปะซึ่งผลของการเคลื่อนไหวเชิงพื้นที่การผสานและ "ลอย" ของรูปแบบทำได้โดยการแนะนำสีที่คมชัดและความแตกต่างของโทนสีจังหวะ การทำซ้ำ จุดตัดของโครงแบบเกลียวและโครงตาข่าย เส้นบิดงอ

ลัทธิตะวันออก (จากภาษาละติน oriens - ตะวันออก) เป็นการเคลื่อนไหวในศิลปะยุโรปที่ใช้แก่นเรื่อง สัญลักษณ์ และลวดลายของตะวันออกและอินโดจีน

Orphism (จากภาษาฝรั่งเศส orphisme จาก Orp?ee - Orpheus) เป็นการเคลื่อนไหวในการวาดภาพชาวฝรั่งเศสในช่วงคริสต์ทศวรรษ 1910 ชื่อนี้ตั้งขึ้นในปี 1912 โดยกวีชาวฝรั่งเศส Apollinaire จากภาพวาดของศิลปิน Robert Delaunay Orphism มีความเกี่ยวข้องกับ Cubism, Futurism และ Expressionism คุณสมบัติหลักของการวาดภาพในรูปแบบนี้คือสุนทรียศาสตร์, ความเป็นพลาสติก, จังหวะ, ความสง่างามของภาพเงาและเส้น
ปรมาจารย์ด้านออร์ฟิซึม: Robert Delaunay, Sonia Turk-Delaunay, Frantisek Kupka, Francis Picabia, Vladimir Baranov-Rossinet, Fernand Léger, Morgan Russell

ศิลปะป๊อป (จากป๊อปอังกฤษ - เสียงฉับพลัน, ผ้าฝ้ายบาง ๆ ) เป็นการเคลื่อนไหวแบบนีโอเปรี้ยวจี๊ดในงานศิลปะซึ่งในความเป็นจริงเป็นวัตถุทั่วไปของชีวิตในเมืองสมัยใหม่ ตัวอย่างของวัฒนธรรมมวลชนและสภาพแวดล้อมทางวัสดุประดิษฐ์ทั้งหมดที่อยู่รอบตัวมนุษย์ .

ลัทธิหลังสมัยใหม่ (จากลัทธิหลังสมัยใหม่ของฝรั่งเศส - หลังสมัยใหม่) เป็นรูปแบบศิลปะใหม่ที่แตกต่างจากลัทธิสมัยใหม่ในการกลับคืนสู่ความงดงามของความเป็นจริงรอง การเล่าเรื่อง การอุทธรณ์ไปยังโครงเรื่อง ท่วงทำนอง ความกลมกลืนของรูปแบบรอง ลัทธิหลังสมัยใหม่มีลักษณะพิเศษด้วยการรวมกันภายในงานเดียวที่มีรูปแบบ ลวดลายเป็นรูปเป็นร่าง และเทคนิคทางศิลปะที่ยืมมาจากยุค ภูมิภาค และวัฒนธรรมย่อยที่แตกต่างกัน

ความสมจริง (จากภาษาละติน gelis - วัสดุ, ของจริง) เป็นทิศทางในงานศิลปะที่โดดเด่นด้วยการพรรณนาปรากฏการณ์ทางสังคมจิตวิทยาและอื่น ๆ ที่ใกล้เคียงกับความเป็นจริงมากที่สุด

Rococo (มาจากภาษาฝรั่งเศส Rococo, rocaille) เป็นรูปแบบศิลปะและสถาปัตยกรรมที่มีต้นกำเนิดในประเทศฝรั่งเศสเมื่อต้นศตวรรษที่ 18 เขาโดดเด่นด้วยความสง่างาม ความเบา บุคลิกที่ใกล้ชิดและเจ้าชู้ หลังจากเข้ามาแทนที่สไตล์บาโรกที่ครุ่นคิด โรโคโคก็เป็นทั้งผลลัพธ์เชิงตรรกะของการพัฒนาและสิ่งที่ตรงกันข้ามทางศิลปะ โรโคโคผสมผสานกับสไตล์บาโรกโดยความปรารถนาที่จะมีรูปร่างที่สมบูรณ์ แต่ถ้าบาร็อคมุ่งสู่ความเคร่งขรึมอันยิ่งใหญ่ โรโคโคก็จะชอบความสง่างามและความเบา

Symbolism (จากสัญลักษณ์ภาษาฝรั่งเศส - เครื่องหมาย, เครื่องหมายระบุ) เป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะในงานศิลปะที่มีพื้นฐานมาจากศูนย์รวมของแนวคิดหลักของงานผ่านสุนทรียศาสตร์เชิงสัญลักษณ์ที่เชื่อมโยงหลายแง่มุมและหลายแง่มุม

สัจนิยมสังคมนิยม สัจนิยมสังคมนิยมเป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะในงานศิลปะ ซึ่งเป็นการแสดงออกทางสุนทรีย์ของแนวคิดที่ใส่ใจสังคมนิยมของโลกและมนุษย์ ซึ่งกำหนดโดยยุคของสังคมสังคมนิยม

Hyperrealism, Superrealism, Photorealism (จากภาษาอังกฤษ Hyperrealism - Super Realism) - ทิศทางในงานศิลปะที่มีพื้นฐานจากการสร้างภาพความเป็นจริงที่แม่นยำ

สถิตยศาสตร์ (จากสถิตยศาสตร์ฝรั่งเศส - เหนือ + สมจริง) เป็นหนึ่งในทิศทางของสมัยใหม่แนวคิดหลักคือการแสดงจิตใต้สำนึก (เพื่อผสมผสานความฝันและความเป็นจริง)

Transavantgarde (จากภาษาละติน trans - ผ่านผ่านและ French avantgarde - avant-garde) เป็นหนึ่งในแนวโน้มสมัยใหม่ของลัทธิหลังสมัยใหม่ซึ่งเกิดขึ้นจากปฏิกิริยาตอบสนองต่อแนวความคิดและศิลปะป๊อป Trans-avant-garde รวบรวมการผสมผสานและการเปลี่ยนแปลงของสไตล์ที่เกิดในเปรี้ยวจี๊ด เช่น Cubism, Fauvism, Futurism, Expressionism ฯลฯ

Expressionism (มาจากสำนวนภาษาฝรั่งเศส - การแสดงออก) เป็นขบวนการสมัยใหม่ในงานศิลปะที่พิจารณาภาพลักษณ์ของโลกภายนอกเป็นเพียงวิธีในการแสดงออกถึงสถานะส่วนตัวของผู้เขียน