Seniman berbakat menciptakan lukisan yang luar biasa. Artis yang paling tidak biasa dan mengejutkan di dunia Artis yang tidak bisa dimengerti

Beberapa karya seni tampaknya memukau penontonnya, menakjubkan dan menakjubkan. Beberapa menarik Anda ke dalam pemikiran dan mencari lapisan makna, simbolisme rahasia. Ada lukisan yang diselimuti rahasia dan misteri mistis, ada pula yang mengejutkan dengan harga selangit.

“Keanehan” adalah konsep yang agak subjektif, dan setiap orang memiliki lukisan menakjubkan yang menonjol dari karya seni lainnya.

Edvard Munch "Jeritan"

1893, karton, minyak, tempera, pastel. 91×73,5 cm

Galeri Nasional, Oslo

The Scream dianggap sebagai peristiwa ekspresionis yang penting dan salah satu lukisan paling terkenal di dunia.
“Saya sedang berjalan di sepanjang jalan setapak bersama dua orang teman - matahari mulai terbenam - tiba-tiba langit berubah menjadi merah darah, saya berhenti, merasa lelah, dan bersandar di pagar - saya melihat darah dan api di atas fyord hitam kebiruan dan fyord kota - teman-teman saya melanjutkan perjalanan, dan saya berdiri, gemetar karena kegembiraan, merasakan jeritan yang tiada henti menusuk alam,” kata Edvard Munch tentang sejarah lukisan itu.
Ada dua interpretasi tentang apa yang digambarkan: sang pahlawan sendirilah yang diliputi kengerian dan berteriak tanpa suara, menempelkan tangan ke telinga; atau sang pahlawan menutup telinganya dari seruan dunia dan alam yang terdengar di sekelilingnya. Munch menulis 4 versi “The Scream”, dan ada versi bahwa lukisan ini adalah buah dari psikosis manik-depresif yang diderita sang seniman. Setelah menjalani perawatan di klinik, Munch tidak kembali mengerjakan kanvas.

Paul Gauguin "Dari mana kita berasal? Siapa kita? Kemana kita akan pergi?

1897-1898, minyak di atas kanvas. 139,1×374,6 cm

Museum Seni Rupa, Boston

Lukisan yang sangat filosofis dari Paul Gauguin pasca-impresionis dilukis olehnya di Tahiti, tempat ia melarikan diri dari Paris. Setelah menyelesaikan karyanya, ia bahkan ingin bunuh diri, karena “Saya yakin lukisan ini tidak hanya lebih unggul dari semua lukisan saya sebelumnya, dan saya tidak akan pernah menciptakan sesuatu yang lebih baik atau bahkan serupa.” Dia hidup 5 tahun lagi, dan itulah yang terjadi.
Menurut Gauguin sendiri, lukisan itu harus dibaca dari kanan ke kiri - tiga kelompok gambar utama menggambarkan pertanyaan yang diajukan dalam judulnya. Tiga wanita dengan seorang anak melambangkan awal kehidupan; kelompok menengah melambangkan kedewasaan hidup sehari-hari; di kelompok terakhir, menurut rencana sang seniman, "wanita tua itu, yang mendekati kematian, tampak berdamai dan menyerah pada pikirannya," di kakinya "seekor burung putih yang aneh ... melambangkan kesia-siaan kata-kata."

Pablo Picasso "Guernica"

1937, minyak di atas kanvas. 349x776 cm

Museum Reina Sofia, Madrid

Lukisan fresco besar “Guernica”, yang dilukis oleh Picasso pada tahun 1937, menceritakan kisah penggerebekan unit sukarelawan Luftwaffe di kota Guernica, yang mengakibatkan kota berpenduduk enam ribu orang itu hancur total. Lukisan itu dilukis secara harfiah dalam sebulan - hari pertama pengerjaan lukisan itu, Picasso bekerja selama 10-12 jam dan sudah di sketsa pertama orang bisa melihat ide utamanya. Ini adalah salah satu ilustrasi terbaik tentang mimpi buruk fasisme, serta kekejaman dan kesedihan manusia.
Guernica menyajikan adegan kematian, kekerasan, kebrutalan, penderitaan dan ketidakberdayaan, tanpa menyebutkan penyebab langsungnya, namun semuanya jelas. Konon pada tahun 1940, Pablo Picasso dipanggil ke Gestapo di Paris. Percakapan langsung beralih ke lukisan itu. “Apakah kamu melakukan ini?” - “Tidak, kamu berhasil.”

Jan van Eyck "Potret pasangan Arnolfini"

1434, kayu, minyak. 81,8×59,7 cm

Galeri Nasional London, London

Potret tersebut, yang diduga merupakan karya Giovanni di Nicolao Arnolfini dan istrinya, adalah salah satu karya paling kompleks dari aliran lukisan Renaisans Utara Barat.
Lukisan terkenal itu penuh dengan simbol, alegori, dan berbagai referensi - hingga tulisan “Jan van Eyck ada di sini”, yang mengubahnya tidak hanya menjadi sebuah karya seni, tetapi menjadi dokumen sejarah yang menegaskan peristiwa nyata di mana artis hadir.
Di Rusia dalam beberapa tahun terakhir, lukisan itu mendapatkan popularitas besar karena kemiripan potret Arnolfini dengan Vladimir Putin.

Mikhail Vrubel "Iblis Duduk"

1890, minyak di atas kanvas. 114×211 cm

Galeri Tretyakov, Moskow

Lukisan karya Mikhail Vrubel mengejutkan dengan gambar setan. Pria sedih dan berambut panjang itu sama sekali tidak menyerupai gambaran umum manusia tentang seperti apa rupa roh jahat. Sang seniman sendiri berbicara tentang lukisannya yang paling terkenal: “Iblis bukanlah roh jahat, melainkan roh yang menderita dan berduka, pada saat yang sama adalah roh yang kuat dan agung.” Ini adalah gambaran kekuatan jiwa manusia, pergulatan batin, keraguan. Tragisnya menggenggam tangannya, Iblis itu duduk dengan mata sedih dan besar mengarah ke kejauhan, dikelilingi oleh bunga. Komposisinya menekankan kekangan sosok setan, seolah terjepit di antara palang atas dan bawah bingkai.

Vasily Vereshchagin “Pendewaan Perang”

1871, minyak di atas kanvas. 127×197cm

Galeri State Tretyakov, Moskow

Vereshchagin adalah salah satu pelukis pertempuran utama Rusia, tetapi dia tidak melukis perang dan pertempuran karena dia menyukainya. Sebaliknya, ia berusaha menyampaikan sikap negatifnya terhadap perang kepada masyarakat. Suatu hari Vereshchagin, dalam panasnya emosi, berseru: "Saya tidak akan melukis lukisan pertempuran lagi - itu saja!" Saya sangat mengingat apa yang saya tulis, saya menangis (secara harfiah) atas kesedihan setiap orang yang terluka dan terbunuh.” Mungkin akibat dari seruan ini adalah lukisan “The Apotheosis of War” yang mengerikan dan mempesona, yang menggambarkan sebuah ladang, burung gagak, dan segunung tengkorak manusia.
Gambaran itu dilukis dengan begitu dalam dan emosional sehingga di balik setiap tengkorak yang tergeletak di tumpukan ini, Anda mulai melihat orang-orang, nasib mereka, dan nasib orang-orang yang tidak akan pernah melihat orang-orang ini lagi. Vereshchagin sendiri, dengan sarkasme sedih, menyebut kanvas itu sebagai "benda mati" - yang menggambarkan "alam mati".
Semua detail gambar, termasuk warna kuning, melambangkan kematian dan kehancuran. Langit biru cerah menekankan kematian gambar tersebut. Gagasan “Pendewaan Perang” juga diungkapkan melalui bekas luka pedang dan lubang peluru di tengkorak.

Hibah Kayu "Gotik Amerika"

1930, minyak. 74x62 cm

Institut Seni Chicago, Chicago

“American Gothic” adalah salah satu gambar paling dikenal dalam seni Amerika abad ke-20, meme artistik paling terkenal di abad ke-20 dan ke-21.
Gambar ayah dan anak perempuan yang murung ini dipenuhi dengan detail yang menunjukkan kekerasan, puritanisme, dan sifat mundur dari orang-orang yang digambarkan. Wajah-wajah marah, garpu rumput tepat di tengah-tengah gambar, pakaian kuno bahkan menurut standar tahun 1930, siku terbuka, jahitan pakaian petani yang menyerupai garpu rumput, dan oleh karena itu merupakan ancaman yang ditujukan kepada semua orang. siapa yang melanggar batas. Anda dapat melihat semua detail ini tanpa henti dan merasa ngeri karena ketidaknyamanan.
Menariknya, para juri kompetisi di Institut Seni Chicago menganggap “Gotik” sebagai “valentine yang lucu”, dan masyarakat Iowa sangat tersinggung oleh Wood karena menggambarkan mereka dengan cara yang tidak menyenangkan.

Rene Magritte "Kekasih"

1928, minyak di atas kanvas

Lukisan “Lovers” (“Lovers”) ada dalam dua versi. Dalam satu adegan, seorang pria dan seorang wanita, yang kepalanya terbungkus kain putih, berciuman, dan yang lainnya, mereka “melihat” ke arah penonton. Gambarnya mengejutkan dan mempesona. Dengan dua sosok tanpa wajah, Magritte menyampaikan gagasan tentang kebutaan cinta. Tentang kebutaan dalam segala hal: kekasih tidak melihat siapa pun, kita tidak melihat wajah aslinya, dan selain itu, kekasih adalah misteri bahkan bagi satu sama lain. Namun terlepas dari kejelasan yang tampak ini, kami masih terus mengamati kekasih Magritte dan memikirkan mereka.
Hampir semua lukisan Magritte merupakan teka-teki yang tidak dapat dipecahkan sepenuhnya, karena menimbulkan pertanyaan tentang hakikat keberadaan. Magritte selalu berbicara tentang tipu daya yang terlihat, tentang misteri tersembunyinya, yang biasanya tidak kita sadari.

Marc Chagall "Berjalan"

1917, minyak di atas kanvas

Galeri Tretyakov Negara

Biasanya sangat serius dalam lukisannya, Marc Chagall menulis sebuah manifesto yang menyenangkan tentang kebahagiaannya sendiri, penuh dengan alegori dan cinta. “Walk” adalah potret diri bersama istrinya Bella. Kekasihnya membumbung tinggi di langit dan akan segera menyeret Chagall, yang berdiri di tanah dalam bahaya, terbang, seolah menyentuhnya hanya dengan ujung sepatunya. Chagall memegang tit di tangannya yang lain - dia bahagia, dia memegang tit di tangannya (mungkin lukisannya) dan kue di langit.

Hieronymus Bosch "Taman Kenikmatan Duniawi"

1500-1510, kayu, minyak. 389x220 cm

Prado, Spanyol

“The Garden of Earthly Delights” adalah triptych paling terkenal dari Hieronymus Bosch, yang mendapatkan namanya dari tema bagian tengah, yang didedikasikan untuk dosa kegairahan. Hingga saat ini, tidak ada interpretasi lukisan tersebut yang diakui sebagai satu-satunya interpretasi yang benar.
Pesona abadi sekaligus keanehan triptych terletak pada cara sang seniman mengungkapkan gagasan utama melalui banyak detail. Gambar itu dipenuhi dengan sosok-sosok transparan, struktur fantastis, monster, halusinasi yang menjadi daging, karikatur realitas yang mengerikan, yang dia lihat dengan tatapan penuh pencarian dan sangat tajam. Beberapa ilmuwan ingin melihat dalam triptych gambaran kehidupan manusia melalui prisma kesia-siaan dan gambaran cinta duniawi, yang lain - kemenangan kegairahan. Namun, kesederhanaan dan keterpisahan tertentu dalam menafsirkan tokoh-tokoh individu, serta sikap baik otoritas gereja terhadap pekerjaan ini, membuat orang ragu bahwa isinya mungkin merupakan pemuliaan kesenangan tubuh.

Gustav Klimt "Tiga Usia Wanita"

1905, minyak di atas kanvas. 180×180 cm

Galeri Nasional Seni Modern, Roma

“Tiga Usia Seorang Wanita” menyenangkan sekaligus menyedihkan. Di dalamnya, kisah hidup seorang perempuan dituangkan dalam tiga sosok: kecerobohan, kedamaian, dan keputusasaan. Wanita muda secara organik terjalin ke dalam pola kehidupan, wanita tua menonjol darinya. Kontras antara gambaran bergaya seorang wanita muda dan gambaran naturalistik seorang wanita tua memiliki makna simbolis: fase pertama kehidupan membawa kemungkinan dan metamorfosis yang tak terbatas, yang terakhir - keteguhan dan konflik yang tidak berubah dengan kenyataan.
Kanvas tidak lepas, ia meresap ke dalam jiwa dan membuat Anda berpikir tentang kedalaman pesan sang seniman, serta kedalaman dan keniscayaan kehidupan.

Egon Schiele "Keluarga"

1918, minyak di atas kanvas. 152,5×162,5 cm

Galeri Belvedere, Wina

Schiele adalah murid Klimt, tetapi, seperti siswa berprestasi lainnya, dia tidak meniru gurunya, tetapi mencari sesuatu yang baru. Schiele jauh lebih tragis, aneh dan menakutkan dibandingkan Gustav Klimt. Dalam karya-karyanya banyak sekali yang bisa disebut pornografi, berbagai penyimpangan, naturalisme sekaligus rasa putus asa.
"Keluarga" adalah karya terbarunya, di mana keputusasaan dibawa ke titik ekstrem, meskipun faktanya itu adalah gambarannya yang paling tidak aneh. Dia melukisnya tepat sebelum kematiannya, setelah istrinya yang sedang hamil, Edith, meninggal karena flu Spanyol. Dia meninggal pada usia 28, hanya tiga hari setelah Edith, setelah melukis dirinya, dirinya sendiri, dan anak mereka yang belum lahir.

Frida Kahlo "Dua Frida"

Kisah sulitnya hidup artis Meksiko Frida Kahlo mulai dikenal luas setelah dirilisnya film “Frida” yang dibintangi Salma Hayek. Kahlo kebanyakan melukis potret diri dan menjelaskannya secara sederhana: “Saya melukis diri saya sendiri karena saya menghabiskan banyak waktu sendirian dan karena saya adalah subjek yang paling saya kenal.”
Tidak ada satu pun potret diri yang membuat Frida Kahlo tersenyum: wajah serius, bahkan sedih, alis tebal menyatu, kumis nyaris tak terlihat di atas bibir yang terkatup rapat. Ide lukisannya terenkripsi dalam detail, latar belakang, sosok yang muncul di samping Frida. Simbolisme Kahlo didasarkan pada tradisi nasional dan berhubungan erat dengan mitologi India pada periode pra-Hispanik.
Dalam salah satu lukisan terbaiknya - “Two Fridas” - ia mengekspresikan prinsip maskulin dan feminin, yang dihubungkan dalam dirinya oleh satu sistem peredaran darah, menunjukkan integritasnya.

Claude Monet "Jembatan Waterloo. Efek kabut"

1899, minyak di atas kanvas

Museum Pertapaan Negara, St

Saat melihat lukisan itu dari jarak dekat, pemirsa tidak melihat apa pun kecuali kanvas, yang sering diolesi guratan minyak tebal. Seluruh keajaiban karya ini terungkap ketika kita secara bertahap mulai menjauh dari kanvas. Pertama, setengah lingkaran yang tidak dapat dipahami mulai muncul di depan kita, melewati tengah-tengah gambar, kemudian kita melihat garis-garis perahu yang jelas dan, menjauh ke jarak sekitar dua meter, semua karya penghubung tergambar tajam di depan kita. kita dan berbaris dalam rantai yang logis.

Jackson Pollock "Nomor 5, 1948"

1948, papan serat, minyak. 240×120 cm

Keanehan lukisan ini adalah bahwa kanvas pemimpin ekspresionisme abstrak Amerika, yang dilukisnya dengan cara menumpahkan cat pada selembar papan serat yang diletakkan di lantai, merupakan lukisan termahal di dunia. Pada tahun 2006, di lelang Sotheby, mereka membayar $140 juta untuk itu. David Giffen, seorang produser dan kolektor film, menjualnya kepada pemodal Meksiko David Martinez.
“Saya terus menjauh dari alat-alat yang biasa dimiliki seorang seniman, seperti kuda-kuda, palet, dan kuas. Saya lebih suka tongkat, sendok, pisau dan cat mengalir atau campuran cat dengan pasir, pecahan kaca atau yang lainnya. Ketika saya berada di dalam lukisan, saya tidak menyadari apa yang saya lakukan. Pemahaman datang kemudian. Saya tidak takut akan perubahan atau kehancuran gambar, karena lukisan itu menjalani kehidupannya sendiri. Aku hanya membantunya. Namun jika saya kehilangan kontak dengan lukisan itu, lukisan itu menjadi kotor dan berantakan. Jika tidak, maka itu adalah harmoni murni, kemudahan dalam menerima dan memberi.”

Joan Miró "Pria dan Wanita di Depan Tumpukan Kotoran"

1935, tembaga, minyak, 23×32 cm

Yayasan Joan Miró, Spanyol

Nama baik. Dan siapa sangka gambar ini menceritakan kepada kita tentang kengerian perang saudara.
Lukisan itu dibuat di atas lembaran tembaga selama seminggu antara tanggal 15 Oktober dan 22 Oktober 1935. Menurut Miro, hal tersebut merupakan upaya penggambaran tragedi Perang Saudara Spanyol. Miro mengatakan, ini adalah gambaran tentang masa kegelisahan. Lukisan itu menunjukkan seorang pria dan seorang wanita saling mengulurkan tangan untuk saling berpelukan, namun tidak bergerak. Alat kelamin yang membesar dan warna yang menyeramkan digambarkan sebagai "penuh rasa jijik dan seksualitas yang menjijikkan".

Jacek Yerka “Erosi”

Neo-surrealis Polandia dikenal di seluruh dunia karena lukisannya yang menakjubkan di mana realitas digabungkan untuk menciptakan realitas baru. Sulit untuk mempertimbangkan karyanya yang sangat detail dan, sampai batas tertentu, menyentuh satu per satu, tetapi ini adalah format materi kami, dan kami harus memilih satu untuk menggambarkan imajinasi dan keterampilannya. Kami menyarankan Anda membacanya.

Bill Stoneham "Tangan Melawan Dia"

Karya ini tentu saja tidak bisa digolongkan sebagai mahakarya seni lukis dunia, namun keanehannya adalah sebuah fakta.
Ada legenda seputar lukisan anak laki-laki, boneka, dan tangannya menempel di kaca. Dari “orang-orang sekarat karena gambar ini” hingga “anak-anak di dalamnya masih hidup.” Gambarannya terlihat sangat menyeramkan sehingga menimbulkan banyak ketakutan dan spekulasi di kalangan orang-orang yang berjiwa lemah.
Sang seniman bersikeras bahwa lukisan itu menggambarkan dirinya pada usia lima tahun, bahwa pintunya mewakili garis pemisah antara dunia nyata dan dunia mimpi, dan boneka itu adalah pemandu yang bisa membimbing anak laki-laki itu melewati dunia ini. Tangan melambangkan kehidupan atau kemungkinan alternatif.
Lukisan itu menjadi terkenal pada bulan Februari 2000 ketika terdaftar untuk dijual di eBay dengan latar belakang yang mengatakan bahwa lukisan itu “berhantu.” “Hands Resist Him” dibeli seharga $1.025 oleh Kim Smith, yang kemudian dibanjiri dengan surat-surat dengan cerita menyeramkan dan tuntutan untuk membakar lukisan itu.

Seni tidak hanya menginspirasi, tetapi juga mempesona dan bahkan menakutkan. Saat menciptakan seniman yang tidak biasa, mereka mewujudkan gambaran yang paling tersembunyi, dan terkadang menjadi sangat aneh. Namun kreasi seperti itu hampir selalu memiliki banyak penggemar.

Gambar apa saja yang paling tidak biasa di dunia, siapa yang menciptakannya dan apa yang dapat diceritakannya?

"Tangannya menolaknya"

Gambaran menakutkan ini memulai ceritanya pada tahun 1972. Saat itulah saya datang dari California dan menemukan sebuah foto lama di arsip saya. Itu menggambarkan anak-anak: Bill sendiri dan saudara perempuannya, yang meninggal pada usia empat tahun. Artis tersebut terkejut karena foto itu diambil di rumah yang diperoleh keluarga tersebut setelah kematian gadis tersebut. Sebuah kejadian mistis menginspirasi Bill untuk membuat lukisan yang tidak biasa ini.

Ketika kanvas itu dipresentasikan kepada kritikus seni, dia segera meninggal. Sulit untuk mengatakan apakah ini bisa disebut suatu kebetulan, karena aktor John Marley yang membeli lukisan itu segera meninggal. Kanvas itu hilang dan kemudian ditemukan di tempat pembuangan sampah. Putri kecil pemilik baru lukisan itu segera mulai memperhatikan sesuatu yang aneh - dia bersikeras bahwa anak-anak yang dicat itu sedang berkelahi atau mendatangi pintu kamarnya. Ayah dari keluarga tersebut menempatkan kamera di dalam ruangan dengan lukisan yang seharusnya merespon gerakan, dan berhasil, tetapi setiap saat hanya ada suara bising di film. Ketika lukisan itu dilelang secara online pada awal milenium baru, pengguna mulai mengeluh merasa tidak enak badan setelah melihatnya. Meski begitu, mereka membelinya. Kim Smith, pemilik galeri seni kecil, memutuskan untuk membeli sesuatu yang tidak biasa sebagai sebuah pameran.
Kisah lukisan itu tidak berakhir di situ - kejahatan yang terpancar darinya kini diperhatikan oleh pengunjung pameran.

"Anak Menangis"

Ketika menyebutkan lukisan yang tidak biasa karya seniman terkenal, pasti ada yang menyebutkan yang satu ini. Seluruh dunia tahu tentang lukisan “terkutuk” berjudul “The Crying Boy”. Untuk membuatnya, ia menggunakan putranya sendiri sebagai model. Anak laki-laki itu tidak bisa menangis begitu saja, dan ayahnya sengaja membuatnya kesal dengan menakutinya dengan korek api. Suatu hari seorang anak berteriak kepada ayahnya: “Bakar dirimu sendiri!”, dan kutukan itu ternyata efektif - bayi tersebut segera meninggal karena pneumonia, dan ayahnya terbakar hidup-hidup di dalam rumah. Perhatian terhadap lukisan itu tertuju pada tahun 1985, ketika kebakaran mulai terjadi di seluruh Inggris Utara. Orang-orang meninggal di bangunan tempat tinggal, dan hanya reproduksi sederhana dari seorang anak yang menangis yang masih utuh. Ketenaran masih menghantui lukisan itu hingga saat ini - banyak yang tidak mengambil risiko menggantungnya di rumah mereka. Yang lebih aneh lagi adalah keberadaan aslinya masih belum diketahui.

"Berteriak"

Lukisan-lukisan yang tidak biasa terus-menerus menarik perhatian publik dan bahkan memancing upaya untuk mengulangi karya tersebut. Salah satu lukisan yang menjadi ikon dalam budaya modern adalah “The Scream” karya Munch. Ini adalah gambaran misterius dan mistis yang bagi sebagian orang tampak seperti fantasi orang yang sakit jiwa, bagi sebagian lainnya merupakan prediksi bencana lingkungan, dan bagi sebagian lainnya merupakan potret mumi yang benar-benar tidak masuk akal. Dengan satu atau lain cara, suasana kanvas menarik perhatian Anda dan tidak membuat Anda tetap acuh tak acuh. Lukisan yang tidak biasa sering kali penuh dengan detail, tetapi “Scream”, sebaliknya, sangat sederhana - ia menggunakan dua corak utama, dan penggambaran penampilan tokoh sentral disederhanakan hingga menjadi primitivisme. Namun justru dunia yang cacat inilah yang membuat karya ini sangat menarik.

Sejarahnya juga tidak biasa - karya itu dicuri lebih dari satu kali. Meski demikian, karya tersebut tetap dilestarikan dan tetap berada di museum, menginspirasi para pembuat film untuk membuat film yang emosional, dan seniman untuk mencari cerita yang tidak kalah ekspresifnya dengan film ini.

"Guernica"

Picasso melukis beberapa lukisan yang sangat tidak biasa, tapi salah satunya sangat berkesan. Ekspresif “Guernica” diciptakan sebagai protes pribadi terhadap tindakan Nazi di kota dengan nama yang sama. Penuh dengan pengalaman pribadi artis. Setiap elemen gambar penuh dengan simbolisme yang mendalam: sosok-sosok yang melarikan diri dari api, seekor banteng menginjak-injak seorang pejuang yang posenya menyerupai salib, di kakinya terdapat bunga dan merpati yang hancur, tengkorak dan pedang patah. dalam gaya ilustrasi surat kabar sangat mengesankan dan mempunyai pengaruh yang kuat terhadap emosi pemirsa.

"Monalisa"

Dengan menciptakan lukisan yang tidak biasa dengan tangannya sendiri, Leonardo da Vinci menjaga namanya sendiri dalam keabadian. Lukisannya tidak dilupakan sejak abad keenam. Yang paling penting adalah “La Gioconda”, atau “Mona Lisa”. Anehnya, dalam buku harian sang jenius tidak ada catatan karya potret ini. Yang tak kalah luar biasa adalah banyaknya versi tentang siapa yang digambarkan di sana. Ada yang percaya bahwa ini adalah gambaran wanita ideal atau ibu artis, ada yang melihatnya sebagai potret diri, dan ada pula yang melihatnya sebagai murid da Vinci. Menurut pendapat “resmi”, Mona Lisa adalah istri seorang saudagar Florentine. Apapun kenyataannya, potret tersebut sungguh tidak biasa. Senyuman yang nyaris tak terlihat terlihat di bibir gadis itu, dan matanya memukau - sepertinya gambar ini sedang melihat dunia, dan bukan penonton yang mengintip ke dalamnya. Seperti banyak lukisan tidak biasa lainnya di dunia, “La Gioconda” dibuat menggunakan teknik khusus: lapisan cat tertipis dengan guratan terkecil, begitu sulit dipahami sehingga baik mikroskop maupun sinar-X tidak dapat mengidentifikasi jejak karya sang seniman. Tampaknya gadis dalam gambar itu hidup, dan cahaya berasap yang mengelilinginya adalah nyata.

"Godaan Santo Antonius"

Tentu saja, gambaran dunia yang paling tidak biasa tidak dapat dipelajari tanpa mengenal karya Salvador Dali. Kisah berikut ini terhubung dengan karyanya yang luar biasa “The Temptation of St. Anthony”. Pada saat pembuatannya, terdapat kompetisi untuk memilih aktor untuk film adaptasi “Belarus Ami” karya Guy de Maupassant. Pemenangnya adalah menciptakan citra orang suci yang tergoda. Apa yang terjadi menginspirasi sang seniman dengan tema yang juga digunakan oleh master favoritnya, misalnya Bosch. Dia membuat triptych tentang topik ini. Cezanne juga menggambarkan karya serupa. Hal yang tidak biasa adalah Santo Antonius bukan sekedar orang saleh yang melihat penglihatan penuh dosa. Ini adalah sosok manusia yang putus asa, dihadapkan pada dosa berupa binatang berkaki laba-laba yang kurus - jika ia menyerah pada godaan, kaki laba-laba akan patah dan menghancurkannya di bawah kaki laba-laba tersebut.

"Jaga malam"

Lukisan-lukisan aneh karya seniman seringkali hilang atau berakhir menjadi pusat peristiwa mistis. Hal seperti ini tidak terjadi pada “Night Watch” karya Rembrandt, namun masih banyak misteri yang terkait dengan kanvas tersebut.

Plotnya hanya terlihat jelas pada pandangan pertama - milisi sedang melakukan kampanye, membawa senjata, setiap pahlawan penuh dengan patriotisme dan emosi, setiap orang memiliki individualitas dan karakter. Dan pertanyaan segera muncul. Siapakah gadis kecil yang tampak seperti malaikat cerdas di tengah kerumunan militer? Maskot simbolis skuad atau cara menyeimbangkan komposisi? Tapi itu tidak penting. Sebelumnya, ukuran lukisannya berbeda - pelanggan tidak menyukainya, dan mereka memotong kanvasnya. Itu ditempatkan di aula untuk pesta dan pertemuan, di mana kanvasnya ditutupi jelaga selama beberapa dekade. Sekarang tidak mungkin untuk mengetahui warna apa saja yang ada. Bahkan restorasi yang paling menyeluruh pun tidak dapat menghilangkan jelaga dari lilin lemak, sehingga pengunjung hanya dapat menebak beberapa detailnya.

Untungnya, mahakarya tersebut kini aman. Dan setidaknya tampilan modernnya dilindungi dengan cermat. Sebuah ruangan terpisah didedikasikan untuk itu, sesuatu yang tidak dapat dibanggakan oleh semua lukisan terkenal yang tidak biasa.

"Bunga Matahari"

Daftarnya, yang mencakup lukisan-lukisan tidak biasa paling terkenal di dunia, dilengkapi oleh Van Gogh. Karya-karyanya sarat dengan emosi yang mendalam dan di baliknya terdapat kisah tragis seorang jenius yang tidak dikenal semasa hidupnya. Salah satu lukisan yang paling berkesan adalah kanvas “Bunga Matahari”, yang memusatkan corak dan guratan khas sang seniman.

Tapi itu bukan satu-satunya alasan mengapa ini menarik. Faktanya adalah lukisan itu terus-menerus disalin, dan jumlah salinan yang berhasil terjual melebihi jumlah yang bisa dibanggakan oleh lukisan-lukisan tidak biasa lainnya. Pada saat yang sama, meskipun populer, gambarnya tetap unik. Dan tidak ada seorang pun yang benar-benar berhasil kecuali Van Gogh.

Lukisan, jika tidak memperhitungkan kaum realis, selalu, sedang, dan akan menjadi aneh. Namun beberapa lukisan lebih aneh dari yang lain.
Beberapa karya seni tampaknya memukau penontonnya, menakjubkan dan menakjubkan. Beberapa menarik Anda ke dalam pemikiran dan mencari lapisan makna, simbolisme rahasia. Ada lukisan yang diselimuti rahasia dan misteri mistis, ada pula yang mengejutkan dengan harga selangit.

Sisi Terang dengan cermat meninjau semua pencapaian besar dalam seni lukis dunia dan memilih dua lusin lukisan teraneh di antara pencapaian-pencapaian tersebut. Pilihan tersebut tidak termasuk lukisan karya Salvador Dali, yang karyanya sepenuhnya termasuk dalam format bahan ini dan merupakan yang pertama terlintas dalam pikiran.

"Berteriak"

Edward Munch. 1893, karton, minyak, tempera, pastel
Galeri Nasional, Oslo

The Scream dianggap sebagai peristiwa penting dalam Ekspresionisme dan salah satu lukisan paling terkenal di dunia. Ada dua interpretasi tentang apa yang digambarkan: sang pahlawan sendirilah yang diliputi kengerian dan berteriak tanpa suara, menempelkan tangan ke telinga; atau sang pahlawan menutup telinganya dari seruan dunia dan alam yang terdengar di sekelilingnya. Munch menulis empat versi The Scream, dan ada versi bahwa lukisan ini adalah buah dari psikosis manik-depresif yang diderita sang seniman. Setelah menjalani perawatan di klinik, Munch tidak kembali mengerjakan kanvas.

“Saya sedang berjalan di sepanjang jalan setapak bersama dua orang teman - matahari mulai terbenam - tiba-tiba langit berubah menjadi merah darah, saya berhenti, merasa lelah, dan bersandar di pagar - saya melihat darah dan api di atas fjord hitam kebiruan dan sungai. kota - teman-temanku melanjutkan perjalanan, dan aku berdiri gemetar kegirangan, merasakan jeritan tiada henti yang menusuk alam,” kata Edvard Munch tentang sejarah lukisan itu.

"Dari mana kita berasal? Siapa kita? Kemana kita akan pergi?"

Paul Gauguin. 1897-1898, minyak di atas kanvas
Museum Seni Rupa, Boston

Menurut Gauguin sendiri, lukisan itu harus dibaca dari kanan ke kiri - tiga kelompok gambar utama menggambarkan pertanyaan yang diajukan dalam judulnya. Tiga wanita dengan seorang anak melambangkan awal kehidupan; kelompok menengah melambangkan kedewasaan hidup sehari-hari; di kelompok terakhir, menurut rencana sang seniman, "wanita tua itu, yang mendekati kematian, tampak berdamai dan menyerah pada pikirannya," di kakinya "seekor burung putih yang aneh ... melambangkan kesia-siaan kata-kata."

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, minyak di atas kanvas
Museum Reina Sofia, Madrid

"Guernica" menyajikan adegan kematian, kekerasan, kebrutalan, penderitaan dan ketidakberdayaan, tanpa menyebutkan penyebab langsungnya, namun jelas. Konon pada tahun 1940, Pablo Picasso dipanggil ke Gestapo di Paris. Percakapan langsung beralih ke lukisan itu. "Apakah kamu melakukan ini?" - “Tidak, kamu berhasil.”

Jan van Eyck. 1434, kayu, minyak
Galeri Nasional London, London

Lukisan terkenal itu penuh dengan simbol, alegori, dan berbagai referensi - hingga tanda tangan “Jan van Eyck ada di sini”, yang mengubahnya tidak hanya menjadi sebuah karya seni, tetapi menjadi dokumen sejarah yang menegaskan peristiwa nyata di mana artis hadir.

Potret tersebut, mungkin karya Giovanni di Nicolao Arnolfini dan istrinya, adalah salah satu karya paling kompleks dari aliran lukisan Renaisans Utara Barat. Di Rusia dalam beberapa tahun terakhir, lukisan itu mendapatkan popularitas besar karena kemiripan potret Arnolfini dengan Vladimir Putin.

"Iblis Duduk"

Michael Vrubel. 1890, minyak di atas kanvas
Galeri Tretyakov, Moskow

Lukisan karya Mikhail Vrubel mengejutkan dengan gambar setan. Pria sedih dan berambut panjang itu sama sekali tidak menyerupai gambaran umum manusia tentang seperti apa rupa roh jahat. Ini adalah gambaran kekuatan jiwa manusia, pergulatan batin, keraguan. Tragisnya menggenggam tangannya, Iblis itu duduk dengan mata sedih dan besar mengarah ke kejauhan, dikelilingi oleh bunga. Komposisinya menekankan kekangan sosok setan, seolah terjepit di antara palang atas dan bawah bingkai.

Sang seniman sendiri berbicara tentang lukisannya yang paling terkenal: “Iblis bukanlah roh jahat, melainkan roh yang menderita dan berduka, pada saat yang sama adalah roh yang kuat dan agung.”

"Pendewaan Perang"

Vasily Vereshchagin. 1871, minyak di atas kanvas
Galeri State Tretyakov, Moskow

Gambaran itu dilukis dengan begitu dalam dan emosional sehingga di balik setiap tengkorak yang tergeletak di tumpukan ini, Anda mulai melihat orang-orang, nasib mereka, dan nasib orang-orang yang tidak akan pernah melihat orang-orang ini lagi. Vereshchagin sendiri, dengan sarkasme sedih, menyebut kanvas itu sebagai "benda mati" - yang menggambarkan "alam mati". Semua detail gambar, termasuk warna kuning, melambangkan kematian dan kehancuran. Langit biru cerah menekankan kematian gambar tersebut. Gagasan “Pendewaan Perang” juga diungkapkan melalui bekas luka pedang dan lubang peluru di tengkorak.

Vereshchagin adalah salah satu pelukis pertempuran utama Rusia, tetapi dia melukis perang dan pertempuran bukan karena dia menyukainya. Sebaliknya, ia berusaha menyampaikan sikap negatifnya terhadap perang kepada masyarakat. Suatu ketika Vereshchagin, dalam panasnya emosi, berseru: “Saya tidak akan melukis lukisan pertempuran lagi - itu saja! Saya menganggap apa yang saya tulis terlalu dekat dengan hati saya, saya menangis (secara harfiah) atas kesedihan setiap orang yang terluka dan terbunuh. ” Mungkin akibat dari seruan ini adalah lukisan “The Apotheosis of War” yang mengerikan dan mempesona, yang menggambarkan sebuah ladang, burung gagak, dan segunung tengkorak manusia.

"Gotik Amerika"

Hibah Kayu. 1930, minyak. 74x62 cm
Institut Seni Chicago, Chicago

Gambar ayah dan anak perempuan yang murung ini dipenuhi dengan detail yang menunjukkan kekerasan, puritanisme, dan sifat mundur dari orang-orang yang digambarkan. Wajah-wajah marah, garpu rumput tepat di tengah-tengah gambar, pakaian kuno bahkan menurut standar tahun 1930, siku terbuka, jahitan pakaian petani yang menyerupai garpu rumput, dan oleh karena itu merupakan ancaman yang ditujukan kepada semua orang. siapa yang melanggar batas. Anda dapat melihat semua detail ini tanpa henti dan merasa ngeri karena ketidaknyamanan. “American Gothic” adalah salah satu gambar paling dikenal dalam seni Amerika abad ke-20, meme artistik paling terkenal di abad ke-20 dan ke-21. Menariknya, para juri kompetisi di Institut Seni Chicago menganggap "Gotik" sebagai "valentine yang lucu", dan penduduk Iowa sangat tersinggung oleh Wood karena menggambarkan mereka dengan cara yang tidak menyenangkan.

"Kekasih"

Rene Magritte. 1928, minyak di atas kanvas

Lukisan "Lovers" ("Lovers") ada dalam dua versi. Dalam satu adegan, seorang pria dan seorang wanita, yang kepalanya terbungkus kain putih, berciuman, dan yang lainnya, mereka “melihat” ke arah penonton. Gambarnya mengejutkan dan mempesona. Dengan dua sosok tanpa wajah, Magritte menyampaikan gagasan tentang kebutaan cinta. Tentang kebutaan dalam segala hal: kekasih tidak melihat siapa pun, kita tidak melihat wajah aslinya, dan selain itu, kekasih adalah misteri bahkan bagi satu sama lain. Namun terlepas dari kejelasan yang tampak ini, kami masih terus mengamati kekasih Magritte dan memikirkan mereka.

Hampir semua lukisan Magritte merupakan teka-teki yang tidak dapat dipecahkan sepenuhnya, karena menimbulkan pertanyaan tentang hakikat keberadaan. Magritte selalu berbicara tentang tipu daya yang terlihat, tentang misteri tersembunyinya, yang biasanya tidak kita sadari.

"Berjalan"

Marc Chagall. 1917, minyak di atas kanvas
Galeri Tretyakov Negara

"Walk" adalah potret diri bersama istrinya Bella. Kekasihnya membumbung tinggi di langit dan akan segera menyeret Chagall, yang berdiri di tanah dalam bahaya, terbang, seolah menyentuhnya hanya dengan ujung sepatunya. Chagall memegang tit di tangannya yang lain - dia bahagia, dia memegang tit di tangannya (mungkin lukisannya) dan kue di langit. Biasanya sangat serius dalam lukisannya, Marc Chagall menulis sebuah manifesto yang menyenangkan tentang kebahagiaannya sendiri, penuh dengan alegori dan cinta.

"Taman Kenikmatan Duniawi"

Hieronimus Bosch. 1500-1510, kayu, minyak
Prado, Spanyol

"The Garden of Earthly Delights" - triptych paling terkenal dari Hieronymus Bosch, yang mendapatkan namanya dari tema bagian tengah, didedikasikan untuk dosa kegairahan. Gambar itu dipenuhi dengan sosok-sosok transparan, struktur fantastis, monster, halusinasi yang menjadi daging, karikatur realitas yang mengerikan, yang dia lihat dengan tatapan penuh pencarian dan sangat tajam.

Beberapa ilmuwan ingin melihat dalam triptych gambaran kehidupan manusia melalui prisma kesia-siaan dan gambaran cinta duniawi, yang lain - kemenangan kegairahan. Namun, kesederhanaan dan keterpisahan tertentu dalam menafsirkan tokoh-tokoh individu, serta sikap baik otoritas gereja terhadap pekerjaan ini, membuat orang ragu bahwa isinya mungkin merupakan pemuliaan kesenangan tubuh. Hingga saat ini, tidak ada interpretasi lukisan tersebut yang diakui sebagai satu-satunya interpretasi yang benar.

"Tiga Usia Seorang Wanita"

Gustav Klimt. 1905, minyak di atas kanvas
Galeri Nasional Seni Modern, Roma

“Tiga Usia Seorang Wanita” menyenangkan sekaligus menyedihkan. Di dalamnya, kisah hidup seorang perempuan dituangkan dalam tiga sosok: kecerobohan, kedamaian, dan keputusasaan. Seorang wanita muda secara organik terjalin ke dalam pola kehidupan, seorang wanita tua menonjol darinya. Kontras antara gambaran bergaya seorang wanita muda dan gambaran naturalistik seorang wanita tua memiliki makna simbolis: fase pertama kehidupan membawa kemungkinan dan metamorfosis yang tak terbatas, yang terakhir - keteguhan dan konflik yang tidak berubah dengan kenyataan. Kanvas tidak lepas, ia meresap ke dalam jiwa dan membuat Anda berpikir tentang kedalaman pesan sang seniman, serta kedalaman dan keniscayaan kehidupan.

"Keluarga"

Egon Schiele. 1918, minyak di atas kanvas
Galeri Belvedere, Wina

Schiele adalah murid Klimt, tetapi, seperti siswa berprestasi lainnya, dia tidak meniru gurunya, tetapi mencari sesuatu yang baru. Schiele jauh lebih tragis, aneh dan menakutkan dibandingkan Gustav Klimt. Dalam karya-karyanya banyak sekali yang bisa disebut pornografi, berbagai penyimpangan, naturalisme sekaligus rasa putus asa. "Keluarga" adalah karya terbarunya, di mana keputusasaan dibawa ke titik ekstrem, meskipun faktanya itu adalah gambarannya yang paling tidak aneh. Dia melukisnya tepat sebelum kematiannya, setelah istrinya yang sedang hamil, Edith, meninggal karena flu Spanyol. Dia meninggal pada usia 28, hanya tiga hari setelah Edith, setelah melukis dirinya, dirinya sendiri, dan anak mereka yang belum lahir.

"Dua Jumat"

Frida Kahlo. 1939

Kisah sulitnya hidup artis Meksiko Frida Kahlo mulai dikenal luas setelah dirilisnya film "Frida" yang dibintangi Salma Hayek. Kahlo kebanyakan melukis potret diri dan menjelaskannya secara sederhana: “Saya melukis diri sendiri karena saya menghabiskan banyak waktu sendirian dan karena saya adalah subjek yang paling saya ketahui.” Tidak ada satu pun potret diri yang membuat Frida Kahlo tersenyum: wajah serius, bahkan sedih, alis tebal menyatu, kumis nyaris tak terlihat di atas bibir yang terkatup rapat. Ide lukisannya terenkripsi dalam detail, latar belakang, sosok yang muncul di samping Frida. Simbolisme Kahlo didasarkan pada tradisi nasional dan berhubungan erat dengan mitologi India pada periode pra-Hispanik. Dalam salah satu lukisan terbaiknya - “Two Fridas” - ia mengekspresikan prinsip maskulin dan feminin, yang dihubungkan dalam dirinya oleh satu sistem peredaran darah, menunjukkan integritasnya.

"Jembatan Waterloo. Efek kabut"

Claude Monet. 1899, minyak di atas kanvas
Museum Pertapaan Negara, St

Saat melihat lukisan dari jarak dekat, pemirsa tidak melihat apa pun kecuali kanvas, yang sering diolesi sapuan minyak tebal. Seluruh keajaiban karya ini terungkap ketika kita secara bertahap mulai menjauh dari kanvas ke jarak yang sangat jauh. Pertama, setengah lingkaran yang tidak dapat dipahami mulai muncul di depan kita, melewati tengah-tengah gambar, kemudian kita melihat garis-garis perahu yang jelas dan, menjauh ke jarak sekitar dua meter, semua karya penghubung tergambar tajam di depan kita. kita dan berbaris dalam rantai yang logis.

"Nomor 5, 1948"

Jackson Pollock. 1948, papan serat, minyak

Keanehan lukisan ini adalah bahwa kanvas pemimpin ekspresionisme abstrak Amerika, yang dilukisnya dengan cara menumpahkan cat pada selembar papan serat yang diletakkan di lantai, merupakan lukisan termahal di dunia. Pada tahun 2006, di lelang Sotheby, mereka membayar $140 juta untuk itu. David Giffen, seorang produser dan kolektor film, menjualnya kepada pemodal Meksiko David Martinez. “Saya terus menjauh dari alat-alat yang biasa digunakan seniman, seperti kuda-kuda, palet, dan kuas. Saya lebih suka tongkat, sendok, pisau dan cat mengalir atau campuran cat dengan pasir, pecahan kaca atau yang lainnya. di dalam lukisan itu, saya tidak sadar apa yang saya lakukan. Pemahaman datang kemudian. Saya tidak takut akan perubahan atau kehancuran gambar itu, karena gambar itu menjalani kehidupannya sendiri kotoran dan kekacauan. itu adalah harmoni murni, kemudahan dalam cara Anda mengambil dan memberi.

"Pria dan wanita di depan tumpukan kotoran"

Joan Miro. 1935, tembaga, minyak
Yayasan Joan Miró, Spanyol

Nama baik. Dan siapa sangka gambar ini menceritakan kepada kita tentang kengerian perang saudara. Lukisan itu dibuat di atas lembaran tembaga selama seminggu antara tanggal 15 Oktober dan 22 Oktober 1935. Menurut Miro, hal tersebut merupakan upaya penggambaran tragedi Perang Saudara Spanyol. Miro mengatakan, ini adalah gambaran tentang masa kegelisahan. Lukisan itu menunjukkan seorang pria dan seorang wanita saling mengulurkan tangan untuk saling berpelukan, namun tidak bergerak. Alat kelamin yang membesar dan warna yang menyeramkan digambarkan sebagai "penuh rasa jijik dan seksualitas yang menjijikkan".

"Erosi"

Jacek Jerka

"Tangannya menolaknya"

Bill Stoneham. 1972

Karya ini tentu saja tidak bisa digolongkan sebagai mahakarya seni lukis dunia, namun keanehannya adalah sebuah fakta. Ada legenda seputar lukisan anak laki-laki, boneka, dan tangannya menempel di kaca. Dari “orang-orang sekarat karena gambar ini” hingga “anak-anak di dalamnya masih hidup.” Gambarannya terlihat sangat menyeramkan sehingga menimbulkan banyak ketakutan dan spekulasi di kalangan orang-orang yang berjiwa lemah. Sang seniman bersikeras bahwa lukisan itu menggambarkan dirinya pada usia lima tahun, bahwa pintunya mewakili garis pemisah antara dunia nyata dan dunia mimpi, dan boneka itu adalah pemandu yang bisa membimbing anak laki-laki itu melewati dunia ini. Tangan melambangkan kehidupan atau kemungkinan alternatif. Lukisan itu menjadi terkenal pada bulan Februari 2000 ketika dijual di eBay dengan latar belakang yang mengatakan bahwa lukisan itu "berhantu". “Hands Resist Him” dibeli seharga $1.025 oleh Kim Smith, yang kemudian dibanjiri dengan surat-surat dengan cerita menyeramkan dan tuntutan untuk membakar lukisan itu.

Lukisan, jika tidak memperhitungkan kaum realis, selalu, sedang, dan akan menjadi aneh. Metaforis, mencari bentuk dan sarana ekspresi baru. Namun beberapa lukisan aneh lebih aneh dari yang lain.

Jelas bahwa “keanehan” adalah konsep yang agak subjektif, dan setiap orang memiliki lukisan menakjubkan yang menonjol dari karya seni lainnya. Misalnya, karya Salvador Dali yang sepenuhnya termasuk dalam format materi ini dan pertama kali terlintas dalam pikiran, sengaja tidak dimasukkan dalam seleksi ini.

Salvador Dali

“Seorang gadis muda yang menuruti dosa Sodom dengan tanduk kesuciannya sendiri”

1954

Edvard Munch "Jeritan"
1893, karton, minyak, tempera, pastel. 91x73,5 cm
Galeri Nasional, Oslo

The Scream dianggap sebagai peristiwa penting dalam Ekspresionisme dan salah satu lukisan paling terkenal di dunia.

“Saya sedang berjalan di sepanjang jalan setapak bersama dua orang teman - matahari mulai terbenam - tiba-tiba langit berubah menjadi merah darah, saya berhenti, merasa lelah, dan bersandar di pagar - saya melihat darah dan api di atas fyord hitam kebiruan dan fyord kota - teman-temanku melanjutkan perjalanan, dan aku berdiri gemetar kegirangan, merasakan jeritan tiada henti yang menusuk alam,” kata Edvard Munch tentang sejarah lukisan itu.

Ada dua interpretasi tentang apa yang digambarkan: sang pahlawan sendirilah yang diliputi kengerian dan berteriak tanpa suara, menempelkan tangan ke telinga; atau sang pahlawan menutup telinganya dari seruan dunia dan alam yang terdengar di sekelilingnya. Munch menulis 4 versi “The Scream”, dan ada versi bahwa lukisan ini adalah buah dari psikosis manik-depresif yang diderita sang seniman. Setelah menjalani perawatan di klinik, Munch tidak kembali mengerjakan kanvas.

Paul Gauguin "Dari mana asal kita? Siapa kita? Kemana kita akan pergi?"
1897-1898, minyak di atas kanvas. 139.1x374.6 cm
Museum Seni Rupa, Boston

Pablo Picasso "Guernica"
1937, minyak di atas kanvas. 349x776 cm
Museum Reina Sofia, Madrid

Jan van Eyck "Potret pasangan Arnolfini"
1434, kayu, minyak. 81,8x59,7 cm
Galeri Nasional London, London

Potret tersebut, yang diduga merupakan karya Giovanni di Nicolao Arnolfini dan istrinya, adalah salah satu karya paling kompleks dari aliran lukisan Renaisans Utara Barat.

Di Rusia dalam beberapa tahun terakhir, lukisan itu mendapatkan popularitas besar karena kemiripan potret Arnolfini dengan Vladimir Putin.

Mikhail Vrubel "Iblis Duduk"
1890, minyak di atas kanvas. 114x211 cm
Galeri Tretyakov, Moskow

Ini adalah gambaran kekuatan jiwa manusia, pergulatan batin, keraguan. Tragisnya menggenggam tangannya, Iblis itu duduk dengan mata sedih dan besar mengarah ke kejauhan, dikelilingi oleh bunga. Komposisinya menekankan kekangan sosok setan, seolah terjepit di antara palang atas dan bawah bingkai.

Vasily Vereshchagin "Pendewaan Perang"
1871, minyak di atas kanvas. 127x197 cm
Galeri State Tretyakov, Moskow

Vereshchagin adalah salah satu pelukis pertempuran utama Rusia, tetapi dia melukis perang dan pertempuran bukan karena dia menyukainya. Sebaliknya, ia berusaha menyampaikan sikap negatifnya terhadap perang kepada masyarakat. Suatu hari, Vereshchagin, dalam panasnya emosi, berseru: “Saya tidak akan melukis lukisan pertempuran lagi - itu saja! Saya menganggap apa yang saya tulis terlalu dekat dengan hati saya, saya menangis (secara harfiah) atas kesedihan setiap orang yang terluka dan terbunuh." Mungkin akibat dari seruan ini adalah lukisan “The Apotheosis of War” yang mengerikan dan mempesona, yang menggambarkan sebuah ladang, burung gagak, dan segunung tengkorak manusia.

Semua detail gambar, termasuk warna kuning, melambangkan kematian dan kehancuran. Langit biru cerah menekankan kematian gambar tersebut. Gagasan “Pendewaan Perang” juga diungkapkan melalui bekas luka pedang dan lubang peluru di tengkorak.

Hibah Kayu "Gotik Amerika"
1930, minyak. 74x62 cm
Institut Seni Chicago, Chicago

“American Gothic” adalah salah satu gambar paling dikenal dalam seni Amerika abad ke-20, meme artistik paling terkenal di abad ke-20 dan ke-21.

Menariknya, para juri kompetisi di Institut Seni Chicago menganggap "Gotik" sebagai "valentine yang lucu", dan penduduk Iowa sangat tersinggung oleh Wood karena menggambarkan mereka dengan cara yang tidak menyenangkan.

Rene Magritte "Kekasih"
1928, minyak di atas kanvas

Marc Chagall "Berjalan"
1917, minyak di atas kanvas
Galeri Tretyakov Negara

Biasanya sangat serius dalam lukisannya, Marc Chagall menulis sebuah manifesto yang menyenangkan tentang kebahagiaannya sendiri, penuh dengan alegori dan cinta.

Hieronymus Bosch "Taman Kenikmatan Duniawi"
1500-1510, kayu, minyak. 389x220 cm
Prado, Spanyol

Pesona abadi sekaligus keanehan triptych terletak pada cara sang seniman mengungkapkan gagasan utama melalui banyak detail. Gambar itu dipenuhi dengan sosok-sosok transparan, struktur fantastis, monster, halusinasi yang menjadi daging, karikatur realitas yang mengerikan, yang dia lihat dengan tatapan penuh pencarian dan sangat tajam.

Gustav Klimt "Tiga Usia Wanita"
1905, minyak di atas kanvas. 180x180 cm
Galeri Nasional Seni Modern, Roma

“Tiga Usia Seorang Wanita” menyenangkan sekaligus menyedihkan. Di dalamnya, kisah hidup seorang perempuan dituangkan dalam tiga sosok: kecerobohan, kedamaian, dan keputusasaan. Seorang wanita muda secara organik terjalin ke dalam pola kehidupan, seorang wanita tua menonjol darinya. Kontras antara gambaran bergaya seorang wanita muda dan gambaran naturalistik seorang wanita tua memiliki makna simbolis: fase pertama kehidupan membawa kemungkinan dan metamorfosis yang tak terbatas, yang terakhir - keteguhan dan konflik yang tidak berubah dengan kenyataan.

Kanvas tidak lepas, ia meresap ke dalam jiwa dan membuat Anda berpikir tentang kedalaman pesan sang seniman, serta kedalaman dan keniscayaan kehidupan.

Egon Schiele "Keluarga"
1918, minyak di atas kanvas. 152,5x162,5 cm
Galeri Belvedere, Wina

"Keluarga" adalah karya terbarunya, di mana keputusasaan dibawa ke titik ekstrem, meskipun faktanya itu adalah gambarannya yang paling tidak aneh. Dia melukisnya tepat sebelum kematiannya, setelah istrinya yang sedang hamil, Edith, meninggal karena flu Spanyol. Dia meninggal pada usia 28, hanya tiga hari setelah Edith, setelah melukis dirinya, dirinya sendiri, dan anak mereka yang belum lahir.

Frida Kahlo "Dua Frida"
1939

Tidak ada satu pun potret diri yang membuat Frida Kahlo tersenyum: wajah serius, bahkan sedih, alis tebal menyatu, kumis nyaris tak terlihat di atas bibir yang terkatup rapat. Ide lukisannya terenkripsi dalam detail, latar belakang, sosok yang muncul di samping Frida. Simbolisme Kahlo didasarkan pada tradisi nasional dan berhubungan erat dengan mitologi India pada periode pra-Hispanik.

Dalam salah satu lukisan terbaiknya - “Two Fridas” - ia mengekspresikan prinsip maskulin dan feminin, yang dihubungkan dalam dirinya oleh satu sistem peredaran darah, menunjukkan integritasnya. Untuk informasi lebih lanjut tentang Frida, lihat DI SINI postingan menarik yang indah

Claude Monet "Jembatan Waterloo. Efek Kabut"
1899, minyak di atas kanvas
Museum Pertapaan Negara, St

Saat melihat lukisan itu dari jarak dekat, orang yang melihatnya tidak melihat apa pun selain kanvas yang sering diolesi guratan minyak tebal. Seluruh keajaiban karya ini terungkap ketika kita secara bertahap mulai menjauh dari kanvas.

Pertama, setengah lingkaran yang tidak dapat dipahami mulai muncul di depan kita, melewati tengah-tengah gambar, kemudian kita melihat garis-garis perahu yang jelas dan, menjauh ke jarak sekitar dua meter, semua karya penghubung tergambar tajam di depan kita. kita dan berbaris dalam rantai yang logis.

Jackson Pollock "Nomor 5, 1948"
1948, papan serat, minyak. 240x120 cm

“Saya terus menjauh dari alat-alat yang biasa digunakan seniman, seperti kuda-kuda, palet, dan kuas. Saya lebih suka tongkat, sendok, pisau dan cat mengalir atau campuran cat dengan pasir, pecahan kaca atau yang lainnya. di dalam lukisan itu, saya tidak sadar Apa yang saya lakukan. Pemahaman datang kemudian. Saya tidak takut akan perubahan atau kehancuran gambar itu, karena gambar itu menjalani kehidupannya sendiri kotoran dan kekacauan. maka ini adalah harmoni murni, kemudahan dalam cara Anda mengambil dan memberi.

Joan Miró "Pria dan wanita di depan tumpukan kotoran"
1935, tembaga, minyak, 23x32 cm
Yayasan Joan Miró, Spanyol

Menurut Miro, hal tersebut merupakan upaya penggambaran tragedi Perang Saudara Spanyol. Miro mengatakan, ini adalah gambaran tentang masa kegelisahan.

Lukisan itu menunjukkan seorang pria dan seorang wanita saling mengulurkan tangan untuk saling berpelukan, namun tidak bergerak. Alat kelamin yang membesar dan warna yang menyeramkan digambarkan sebagai "penuh rasa jijik dan seksualitas yang menjijikkan".

Jacek Yerka "Erosi"

Neo-surrealis Polandia dikenal di seluruh dunia karena lukisannya yang menakjubkan di mana realitas digabungkan untuk menciptakan realitas baru.

Bill Stoneham "Tangan Melawan Dia"
1972

Karya ini tentu saja hampir tidak bisa dianggap sebagai mahakarya seni lukis dunia, namun faktanya aneh adalah sebuah fakta.

Ada legenda seputar lukisan anak laki-laki, boneka, dan tangannya menempel di kaca. Dari “orang-orang sekarat karena gambar ini” hingga “anak-anak di dalamnya masih hidup.” Gambarannya terlihat sangat menyeramkan sehingga menimbulkan banyak ketakutan dan spekulasi di kalangan orang-orang yang berjiwa lemah.

Sang seniman bersikeras bahwa lukisan itu menggambarkan dirinya pada usia lima tahun, bahwa pintunya mewakili garis pemisah antara dunia nyata dan dunia mimpi, dan boneka itu adalah pemandu yang bisa membimbing anak laki-laki itu melewati dunia ini. Tangan melambangkan kehidupan atau kemungkinan alternatif.

Lukisan itu menjadi terkenal pada bulan Februari 2000 ketika dijual di eBay dengan latar belakang yang mengatakan bahwa lukisan itu "berhantu".

“Hands Resist Him” dibeli seharga $1.025 oleh Kim Smith, yang kemudian dibanjiri dengan surat-surat dengan cerita menyeramkan tentang bagaimana halusinasi muncul, orang-orang menjadi gila melihat karya itu, dan menuntut untuk membakar lukisan itu.

2. Paul Gauguin “Dari mana kita berasal? Siapa kita? Kemana kita akan pergi?

897-1898, minyak di atas kanvas. 139,1×374,6 cm
Museum Seni Rupa, Boston

Lukisan yang sangat filosofis karya Paul Gauguin pasca-impresionis dilukis di Tahiti, tempat ia melarikan diri dari Paris. Setelah menyelesaikan karyanya, ia bahkan ingin bunuh diri, karena ia percaya: “Saya percaya bahwa lukisan ini tidak hanya melampaui semua lukisan saya sebelumnya, tetapi saya tidak akan pernah menciptakan sesuatu yang lebih baik atau bahkan serupa.”

Pada musim panas di penghujung tahun 80-an abad lalu, banyak seniman Prancis berkumpul di Pont-Aven (Brittany, Prancis). Mereka bersatu dan segera terpecah menjadi dua kelompok yang bermusuhan. Satu kelompok termasuk seniman yang memulai jalur pencarian dan disatukan oleh nama umum “impresionis”. Menurut kelompok kedua, yang dipimpin oleh Paul Gauguin, nama ini bersifat kasar. P. Gauguin saat itu sudah berusia di bawah empat puluh tahun. Dikelilingi oleh aura misterius seorang musafir yang pernah menjelajahi negeri asing, ia memiliki pengalaman hidup yang luas serta pengagum dan peniru karyanya.

Kedua kubu terbagi berdasarkan posisinya. Jika kaum Impresionis tinggal di loteng atau loteng, maka seniman lain menempati kamar terbaik di Hotel Gloanek dan makan di aula restoran terbesar dan terindah, di mana anggota kelompok pertama tidak diperbolehkan. Namun, bentrokan antar faksi tidak hanya menghalangi P. Gauguin untuk bekerja, bahkan sebaliknya, sampai batas tertentu membantunya menyadari ciri-ciri yang menyebabkan dia melakukan protes dengan kekerasan. Penolakan terhadap metode analitis kaum Impresionis merupakan manifestasi dari pemikiran ulangnya yang menyeluruh terhadap tugas melukis. Keinginan kaum Impresionis untuk menangkap semua yang mereka lihat, prinsip artistik mereka - untuk membuat lukisan mereka tampak seperti sesuatu yang terlihat secara tidak sengaja - tidak sesuai dengan sifat P. Gauguin yang angkuh dan energik.

Ia bahkan kurang puas dengan penelitian teoritis dan artistik J. Seurat, yang berusaha mereduksi lukisan menjadi penggunaan formula dan resep ilmiah yang dingin dan rasional. Teknik pointilistik J. Seurat, penerapan cat yang metodis dengan sapuan silang kuas dan titik membuat Paul Gauguin kesal karena monotonnya.

Tinggalnya sang seniman di Martinik di tengah alam, yang baginya tampak seperti karpet mewah dan menakjubkan, akhirnya meyakinkan P. Gauguin untuk hanya menggunakan warna yang belum terurai dalam lukisannya. Bersama dia, para seniman yang berbagi pemikirannya mencanangkan “Sintesis” sebagai prinsip mereka - yaitu penyederhanaan sintetik garis, bentuk, dan warna. Tujuan penyederhanaan ini adalah untuk menyampaikan kesan intensitas warna yang maksimal dan menghilangkan segala sesuatu yang melemahkan kesan tersebut. Teknik ini menjadi dasar lukisan dekoratif kuno berupa lukisan dinding dan kaca patri.

P. Gauguin sangat tertarik dengan pertanyaan tentang hubungan antara warna dan cat. Dalam lukisannya, ia berusaha mengungkapkan bukan hal-hal yang kebetulan dan dangkal, melainkan sesuatu yang kekal dan esensial. Baginya, hanya kehendak kreatif seniman yang menjadi hukum, dan ia melihat tugas artistiknya dalam ekspresi harmoni batin, yang ia pahami sebagai sintesis dari kejujuran alam dan suasana jiwa seniman, yang dikejutkan oleh kejujuran ini. . P. Gauguin sendiri membicarakannya seperti ini: “Saya tidak memperhitungkan kebenaran alam, yang terlihat secara eksternal... Perbaiki perspektif yang salah ini, yang mendistorsi subjek karena kebenarannya... Anda harus menghindari dinamisme hirup kedamaian dan ketenangan pikiran bersamamu, hindari pose bergerak... Setiap karakter harus dalam posisi statis." Dan dia memperpendek perspektif lukisannya, mendekatkannya ke bidang, menempatkan figur dalam posisi frontal dan menghindari pemendekan. Itulah sebabnya orang-orang yang digambarkan oleh P. Gauguin tidak bergerak dalam lukisan: mereka seperti patung yang dipahat dengan pahat besar tanpa detail yang tidak perlu.

Periode kreativitas matang Paul Gauguin dimulai di Tahiti, dan di sinilah masalah sintesis artistik mendapat perkembangan penuh baginya. Di Tahiti, sang seniman meninggalkan sebagian besar pengetahuannya: di daerah tropis, bentuknya jelas dan pasti, bayangannya tebal dan panas, dan kontrasnya sangat tajam. Di sini semua tugas yang dia tetapkan di Pont-Aven diselesaikan dengan sendirinya. Cat P. Gauguin menjadi murni, tanpa sapuan kuas. Lukisan Tahiti-nya memberikan kesan karpet atau lukisan dinding oriental, sehingga warna-warna di dalamnya dihadirkan secara serasi hingga nada tertentu.

Karya P. Gauguin pada periode ini (artinya kunjungan pertama sang seniman ke Tahiti) tampaknya merupakan dongeng indah yang ia alami di tengah sifat primitif dan eksotis Polinesia yang jauh. Di daerah Mataye, ia menemukan sebuah desa kecil, membeli sendiri sebuah gubuk, di satu sisinya terdapat percikan air laut, dan di sisi lain, terlihat sebuah gunung dengan celah besar. Orang-orang Eropa belum sampai di sini, dan bagi P. Gauguin kehidupan tampak seperti surga duniawi yang nyata. Ia mengikuti ritme lambat kehidupan Tahiti, menyerap warna-warna cerah laut biru, sesekali diselimuti ombak hijau yang menerjang terumbu karang dengan riuh.

Sejak hari pertama, sang seniman menjalin hubungan manusiawi yang sederhana dengan orang Tahiti. Pekerjaan itu mulai semakin memikat P. Gauguin. Ia membuat banyak sketsa dan sketsa dari kehidupan, dalam hal apa pun ia mencoba menangkap di atas kanvas, kertas atau kayu ciri-ciri wajah orang Tahiti, sosok dan pose mereka - dalam proses bekerja atau selama istirahat. Selama periode ini, ia menciptakan lukisan terkenal di dunia “The Spirit of the Dead is Awakening”, “Are You Jealous?”, “Conversation”, “Tahitian Pastorals”.

Tetapi jika pada tahun 1891 jalan menuju Tahiti tampak cerah baginya (dia bepergian ke sini setelah beberapa kemenangan artistik di Prancis), maka untuk kedua kalinya dia pergi ke pulau kesayangannya sebagai orang sakit yang telah kehilangan sebagian besar ilusinya. Segala sesuatu di sepanjang jalan membuatnya kesal: penghentian paksa, pengeluaran yang tidak berguna, ketidaknyamanan di jalan, pertengkaran di bea cukai, sesama pelancong yang mengganggu...

Dia baru dua tahun tidak berkunjung ke Tahiti, dan banyak hal telah berubah di sini. Serangan Eropa menghancurkan kehidupan asli penduduk asli, bagi P. Gauguin segalanya tampak campur aduk yang tak tertahankan: penerangan listrik di Papeete - ibu kota pulau, dan komidi putar yang tak tertahankan di dekat istana kerajaan, dan suara fonograf mengganggu keheningan sebelumnya .

Kali ini sang seniman singgah di kawasan Punoauia, di pesisir barat Tahiti, dan membangun rumah di atas sebidang tanah sewaan yang menghadap ke laut dan pegunungan. Berharap untuk memantapkan dirinya di pulau itu dan menciptakan kondisi untuk bekerja, dia tidak mengeluarkan biaya apapun dalam mengatur rumahnya dan segera, seperti yang sering terjadi, dia dibiarkan tanpa uang. P. Gauguin mengandalkan teman-temannya yang, sebelum artis tersebut meninggalkan Prancis, meminjam total 4.000 franc darinya, tetapi mereka tidak terburu-buru mengembalikannya. Terlepas dari kenyataan bahwa dia mengirimi mereka banyak pengingat akan tugasnya, mengeluh tentang nasibnya dan penderitaannya yang luar biasa...

Pada musim semi tahun 1896, sang seniman mendapati dirinya berada dalam cengkeraman kebutuhan yang paling parah. Ditambah lagi rasa sakit di kakinya yang patah, yang dipenuhi bisul dan menyebabkan penderitaan yang tak tertahankan, membuatnya kehilangan tidur dan energi. Pemikiran tentang kesia-siaan upaya perjuangan eksistensi, kegagalan semua rencana artistik membuatnya semakin sering berpikir untuk bunuh diri. Namun begitu P. Gauguin merasakan sedikit kelegaan, sifat sang seniman mengambil alih dirinya, dan pesimisme menghilang sebelum kegembiraan hidup dan kreativitas.

Namun, ini adalah momen yang jarang terjadi, dan kemalangan terjadi silih berganti dengan bencana yang sering terjadi. Dan kabar yang paling mengerikan baginya adalah kabar dari Perancis tentang meninggalnya putri kesayangannya, Alina. Tidak dapat bertahan dari kehilangan tersebut, P. Gauguin meminum arsenik dalam dosis besar dan pergi ke pegunungan sehingga tidak ada yang bisa menghentikannya. Upaya bunuh diri tersebut menyebabkan dia menghabiskan malam itu dalam penderitaan yang luar biasa, tanpa bantuan apa pun dan sepenuhnya sendirian.

Untuk waktu yang lama sang seniman sujud total dan tidak bisa memegang kuas di tangannya. Satu-satunya hiburannya adalah kanvas besar (450 x 170 cm), yang dilukisnya sebelum percobaan bunuh diri. Ia menyebut lukisan itu "Dari mana kita berasal? Siapa kita? Ke mana kita akan pergi?" dan dalam salah satu suratnya dia menulis: “Sebelum aku mati, aku mencurahkan seluruh energiku ke dalamnya, hasrat yang begitu menyedihkan dalam keadaanku yang mengerikan, dan sebuah penglihatan yang begitu jelas, tanpa koreksi, sehingga jejak-jejak ketergesaan menghilang dan seluruh kehidupan terlihat. di dalamnya."

P. Gauguin mengerjakan lukisan itu dengan ketegangan yang luar biasa, meskipun ide lukisan itu sudah lama ia tanamkan dalam imajinasinya, ia sendiri tidak bisa mengatakan secara pasti kapan ide lukisan ini pertama kali muncul. Dia menulis fragmen individu dari karya monumental ini di tahun yang berbeda dan di karya lain. Misalnya, sosok perempuan dari “Tahitian Pastorals” diulangi dalam lukisan ini di sebelah berhala, sosok sentral pemetik buah ditemukan dalam sketsa emas “Seorang Pria Memetik Buah dari Pohon”...

Bermimpi memperluas kemungkinan melukis, Paul Gauguin berusaha memberikan lukisannya karakter fresco. Untuk tujuan ini, ia membiarkan dua sudut atas (satu dengan judul lukisan, yang lain dengan tanda tangan seniman) berwarna kuning dan tidak diisi lukisan - “seperti lukisan dinding yang rusak di sudut-sudutnya dan ditumpangkan pada dinding emas.”

Pada musim semi tahun 1898, ia mengirim lukisan itu ke Paris, dan dalam sebuah surat kepada kritikus A. Fontaine mengatakan bahwa tujuannya adalah “bukan untuk menciptakan rangkaian alegori cerdik yang rumit yang perlu dipecahkan isi alegoris lukisan itu sangat sederhana - tetapi bukan dalam arti jawaban atas pertanyaan yang diajukan, tetapi dalam arti rumusan pertanyaan-pertanyaan ini.” Paul Gauguin tidak bermaksud menjawab pertanyaan-pertanyaan yang dicantumkannya pada judul gambar tersebut, karena ia yakin bahwa pertanyaan-pertanyaan itu adalah dan akan menjadi teka-teki paling mengerikan dan termanis bagi kesadaran manusia. Oleh karena itu, inti dari alegori yang digambarkan di kanvas ini terletak pada perwujudan murni bergambar dari misteri yang tersembunyi di alam, kengerian suci keabadian dan misteri keberadaan.

Pada kunjungan pertamanya ke Tahiti, P. Gauguin memandang dunia dengan pandangan antusias dari anak-anak besar, yang bagi mereka dunia belum kehilangan kebaruan dan orisinalitasnya yang luar biasa. Pada tatapannya yang kekanak-kanakan, warna-warna yang tidak terlihat oleh orang lain terungkap di alam: rumput zamrud, langit safir, bayangan matahari kecubung, bunga rubi, dan emas merah kulit Maori. Lukisan Tahiti karya P. Gauguin pada periode ini bersinar dengan cahaya keemasan yang mulia, seperti jendela kaca patri katedral Gotik, berkilau dengan kemegahan mosaik Bizantium, dan harum dengan kekayaan warna yang kaya.

Kesepian dan keputusasaan mendalam yang merasukinya pada kunjungan keduanya ke Tahiti memaksa P. Gauguin melihat segala sesuatu hanya dalam warna hitam. Namun, bakat alami sang master dan matanya sebagai seorang pewarna tidak membuat sang seniman benar-benar kehilangan selera terhadap kehidupan dan warna-warnanya, meskipun ia menciptakan kanvas yang suram, melukisnya dalam keadaan horor mistis.

Jadi apa sebenarnya isi gambar ini? Seperti naskah-naskah Timur yang harus dibaca dari kanan ke kiri, isi gambarnya terungkap ke arah yang sama: selangkah demi selangkah, jalan hidup manusia terungkap - dari asal usul hingga kematian, yang membawa ketakutan akan ketidakberadaan. .

Di depan penonton, di atas kanvas besar yang dibentangkan secara horizontal, tepian aliran hutan digambarkan, di perairan gelap yang memantulkan bayangan misterius dan tak terbatas. Di tepi seberang terdapat vegetasi tropis yang lebat dan subur, rerumputan zamrud, semak hijau lebat, pepohonan biru yang aneh, “tumbuh seolah-olah bukan di bumi, tetapi di surga”.

Batang-batang pohon berputar dan terjalin secara aneh, membentuk jaringan berenda, di mana di kejauhan orang dapat melihat laut dengan puncak putih ombak pantai, gunung ungu tua di pulau tetangga, langit biru - “tontonan alam perawan itu bisa menjadi surga.”

Dalam gambar dekat, di atas tanah, bebas dari tanaman apa pun, sekelompok orang berada di sekitar patung batu dewa. Tokoh-tokohnya tidak disatukan oleh satu peristiwa atau tindakan bersama, masing-masing sibuk dengan urusannya sendiri dan tenggelam dalam dirinya sendiri. Ketenangan bayi yang sedang tidur dijaga oleh seekor anjing hitam besar; "Tiga wanita, berjongkok, sepertinya mendengarkan diri mereka sendiri, membeku mengantisipasi kegembiraan yang tak terduga. Seorang pria muda berdiri di tengah dengan kedua tangan memetik buah dari pohon... Satu sosok, sengaja dibuat besar, bertentangan dengan hukum dari sudut pandang... mengangkat tangannya, dengan terkejut melihat dua karakter yang berani memikirkan nasibnya."

Di samping patung, seorang wanita yang kesepian, seolah-olah secara mekanis, berjalan ke samping, tenggelam dalam keadaan refleksi yang intens dan terkonsentrasi. Seekor burung sedang bergerak ke arahnya di tanah. Di sisi kiri kanvas, seorang anak yang duduk di tanah membawa buah ke mulutnya, seekor kucing melompat dari mangkuk... Dan penonton bertanya pada dirinya sendiri: “Apa maksudnya semua ini?”

Sekilas tampak seperti kehidupan sehari-hari, namun selain makna langsungnya, setiap gambar membawa alegori puitis, petunjuk kemungkinan interpretasi kiasan. Misalnya, motif aliran hutan atau mata air yang memancar dari dalam tanah adalah metafora favorit Gauguin untuk sumber kehidupan, awal mula keberadaan yang misterius. Bayi yang tertidur melambangkan kesucian awal kehidupan manusia. Seorang pemuda memetik buah dari pohon dan perempuan yang duduk di tanah di sebelah kanan mewujudkan gagasan kesatuan organik manusia dengan alam, kealamian keberadaannya di dalamnya.

Seorang pria dengan tangan terangkat, memandang teman-temannya dengan heran, adalah secercah kekhawatiran pertama, dorongan awal untuk memahami rahasia dunia dan keberadaan. Yang lain mengungkapkan keberanian dan penderitaan pikiran manusia, misteri dan tragedi roh, yang terkandung dalam keniscayaan pengetahuan manusia tentang nasib fananya, singkatnya keberadaan duniawi dan keniscayaan akhir zaman.

Paul Gauguin sendiri memberikan banyak penjelasan, namun ia memperingatkan agar tidak melihat simbol-simbol yang diterima secara umum dalam lukisannya, menguraikan gambar-gambar itu terlalu lugas, dan terlebih lagi mencari jawabannya. Beberapa kritikus seni percaya bahwa keadaan depresi sang seniman, yang menyebabkan dia mencoba bunuh diri, diungkapkan dalam bahasa artistik yang ketat dan singkat. Mereka mencatat bahwa gambar tersebut dipenuhi dengan detail-detail kecil yang tidak memperjelas rencana keseluruhan, tetapi hanya membingungkan pemirsa. Bahkan penjelasan dalam surat-surat sang master pun tak mampu menghilangkan kabut mistis yang ia tuangkan ke dalam detail tersebut.

P. Gauguin sendiri menganggap karyanya sebagai wasiat spiritual, mungkin itulah sebabnya lukisan itu menjadi puisi bergambar, di mana gambaran tertentu diubah menjadi gagasan luhur, dan materi menjadi roh. Plot kanvas didominasi oleh suasana puitis, kaya akan nuansa halus dan makna batin. Namun, suasana kedamaian dan rahmat sudah dibayangi oleh kegelisahan samar-samar akan kontak dengan dunia misterius, sehingga menimbulkan perasaan kecemasan yang tersembunyi, ketidakterpecahan yang menyakitkan dari misteri keberadaan yang tersembunyi, misteri kedatangan manusia ke dunia dan misteri hilangnya dia. Dalam gambar tersebut, kebahagiaan digelapkan oleh penderitaan, siksaan spiritual tersapu oleh manisnya keberadaan fisik - “kengerian emas, ditutupi dengan kegembiraan.” Semuanya tidak dapat dipisahkan, sama seperti dalam kehidupan.

P. Gauguin sengaja tidak mengoreksi proporsi yang salah, berusaha sekuat tenaga untuk mempertahankan gaya sketsanya. Dia sangat menghargai ketidakjelasan dan ketidaksempurnaan ini, percaya bahwa inilah yang membawa arus hidup ke dalam kanvas dan memberikan gambar puisi khusus yang bukan merupakan ciri dari hal-hal yang sudah selesai dan terlalu selesai.