Gagasan utama komposer Zaman Pencerahan. Sastra dan musik zaman pencerahan

Mengirimkan karya bagus Anda ke basis pengetahuan itu mudah. Gunakan formulir di bawah ini

Pelajar, mahasiswa pascasarjana, ilmuwan muda yang menggunakan basis pengetahuan dalam studi dan pekerjaan mereka akan sangat berterima kasih kepada Anda.

Diposting di http://www.allbest.ru

" Seni musik diehjangan peduliPfajar"

Siswa kelompok 1ESTO

Syrovatchenko Olga

eraPfajar

Era Pencerahan merupakan salah satu era kunci dalam sejarah kebudayaan Eropa, terkait dengan perkembangan pemikiran ilmiah, filosofis, dan sosial. Gerakan intelektual ini didasarkan pada rasionalisme dan pemikiran bebas. Dimulai di Inggris, gerakan ini menyebar ke Perancis, Jerman, Rusia dan mencakup negara-negara Eropa lainnya. Para pencerahan Perancis sangat berpengaruh, menjadi “ahli pemikiran.”

Seni musik dapat disejajarkan dengan teater dan seni sastra. Opera dan karya musik lainnya ditulis dengan tema karya penulis dan dramawan hebat.

Pada paruh kedua abad ke-18, seni aliran musik klasik Wina muncul, yang memainkan peran penting dalam semua budaya musik Eropa selanjutnya.

Perkembangan seni musik terutama terkait dengan nama-nama komponis besar seperti I.S. Bach, GF Handel, J.Haidn, V.A. Mozart, LW Beethoven.

Franz Joseph Haydn

Franz Joseph Haydn (31 Maret 1732 - 31 Mei 1809) adalah seorang komposer Austria, perwakilan dari sekolah klasik Wina, salah satu pendiri genre musik seperti simfoni dan kuartet gesek. Pencipta melodi, yang kemudian menjadi dasar lagu kebangsaan Jerman dan Austria-Hongaria.

Anak muda. Joseph Haydn (komposernya sendiri tidak pernah menyebut dirinya Franz) lahir pada tanggal 31 Maret 1732 di tanah milik Pangeran Harrach - desa Rohrau di Austria Hilir, dekat perbatasan dengan Hongaria, dalam keluarga Matthias Haydn (1699-1763 ). Orang tuanya, yang sangat tertarik pada vokal dan pembuatan musik amatir, menemukan kemampuan musik pada anak laki-laki tersebut dan pada tahun 1737 mengirimnya ke kerabatnya di kota Hainburg an der Donau, di mana Joseph mulai belajar nyanyian paduan suara dan musik. Pada tahun 1740, Joseph diperhatikan oleh Georg von Reutter, direktur kapel St. Louis di Wina. Stefanus. Reutter membawa anak laki-laki berbakat itu ke paduan suara, dan dia bernyanyi di paduan suara selama sembilan tahun (termasuk beberapa tahun bersama adik laki-lakinya).

Bernyanyi dalam paduan suara adalah sekolah yang bagus, tetapi hanya untuk Haydn. Ketika kemampuannya berkembang, dia diberi bagian solo yang sulit. Bersama paduan suara, Haydn sering tampil di festival kota, pernikahan, pemakaman, dan mengikuti perayaan istana.

Pada tahun 1749, suara Joseph mulai pecah dan dia dikeluarkan dari paduan suara. Periode sepuluh tahun berikutnya sangat sulit baginya. Josef mengambil berbagai pekerjaan, termasuk menjadi pelayan komposer Italia Nicola Porpora, yang juga mengambil pelajaran komposisi darinya. Haydn berusaha mengisi kekosongan pendidikan musiknya dengan rajin mempelajari karya-karya Emmanuel Bach dan teori komposisi. Sonata harpsichord yang ditulisnya saat ini diterbitkan dan menarik perhatian. Karya besar pertamanya adalah dua misa brevis, F-dur dan G-dur, yang ditulis oleh Haydn pada tahun 1749 sebelum ia meninggalkan kapel St. Louis. Stefanus; opera "The Lame Demon" (tidak dilestarikan); sekitar selusin kuartet (1755), simfoni pertama (1759).

Pada tahun 1759, sang komposer menerima posisi sebagai bandmaster di istana Count Karl von Morzin, di mana Haydn menemukan dirinya berada di sebuah orkestra kecil, tempat sang komposer menyusun simfoni pertamanya. Namun, von Mortzin segera mulai mengalami kesulitan keuangan dan menghentikan proyek musiknya.

Pada tahun 1760, Haydn menikah dengan Maria Anna Keller. Mereka tidak memiliki anak, yang sangat disesali oleh sang komposer.

Layanan di Esterhazy. Pada tahun 1761, sebuah peristiwa penting terjadi dalam kehidupan Haydn - ia menjadi pemimpin band kedua di istana pangeran Esterhazy, salah satu keluarga bangsawan paling berpengaruh dan berkuasa di Austria. Tugas konduktor termasuk menggubah musik, memimpin orkestra, memainkan musik kamar untuk pelindung dan mementaskan opera.

Selama hampir tiga puluh tahun karirnya di istana Esterhazy, komposer tersebut menggubah banyak karya, dan ketenarannya semakin meningkat. Pada tahun 1781, saat tinggal di Wina, Haydn bertemu dan berteman dengan Mozart. Ia memberikan pelajaran musik kepada Sigismund von Neukom, yang kemudian menjadi teman dekatnya.

Pada tanggal 11 Februari 1785, Haydn diinisiasi ke dalam pondok Masonik “Menuju Harmoni Sejati” (“Zur wahren Eintracht”). Mozart tidak dapat menghadiri peresmian tersebut karena ia sedang menghadiri konser bersama ayahnya Leopold.

Sepanjang abad ke-18, di sejumlah negara (Italia, Jerman, Austria, Perancis dan lain-lain), terjadi proses pembentukan genre dan bentuk musik instrumental baru, yang akhirnya terbentuk dan mencapai puncaknya pada apa yang disebut “ “ Sekolah klasik Wina” - dalam karya Haydn, Mozart dan Beethoven. Alih-alih tekstur polifonik, tekstur homofonik-harmonik menjadi sangat penting, tetapi pada saat yang sama, episode polifonik sering kali dimasukkan dalam karya instrumental besar, yang mendinamisasi struktur musik.

Musisi bebas lagi. Pada tahun 1790, Pangeran Nikolai Esterhazy (Inggris) Rusia meninggal, dan putra serta penerusnya, Pangeran Anton (Inggris) Rusia, karena bukan pecinta musik, membubarkan orkestra. Pada tahun 1791, Haydn mendapat kontrak untuk bekerja di Inggris. Selanjutnya dia bekerja secara ekstensif di Austria dan Inggris Raya. Dua perjalanan ke London, di mana ia menulis simfoni terbaiknya untuk konser Solomon, semakin memperkuat ketenaran Haydn.

Saat melewati Bonn pada tahun 1792, dia bertemu dengan Beethoven muda dan menjadikannya sebagai murid.

Haydn kemudian menetap di Wina, di mana ia menulis dua oratorio terkenalnya: “The Creation of the World” (1799) dan “The Seasons” (1801).

Haydn mencoba semua jenis komposisi musik, tetapi tidak di semua genre kreativitasnya terwujud dengan kekuatan yang sama.

Di bidang musik instrumental, ia dianggap sebagai salah satu komposer terhebat pada paruh kedua abad ke-18 dan awal abad ke-19.

Kehebatan Haydn sebagai komposer paling terlihat dalam dua karya terakhirnya: oratorio besar “The Creation of the World” (1798) dan “The Seasons” (1801). Oratorio “The Seasons” dapat menjadi standar teladan klasisisme musik. Menjelang akhir hayatnya, Haydn menikmati popularitas yang luar biasa.

Pengerjaan oratorio melemahkan kekuatan komposer. Karya terakhirnya adalah “Harmoniemesse” (1802) dan operasi kuartet gesek yang belum selesai. 103 (1802). Sketsa terakhir berasal dari tahun 1806; setelah tanggal ini, Haydn tidak menulis apa pun lagi. Komposer meninggal di Wina pada tanggal 31 Mei 1809.

Warisan kreatif komposer meliputi 104 simfoni, 83 kuartet, 52 piano sonata, oratorio (Penciptaan Dunia dan Musim), 14 massa, 24 opera.

Daftar esai:

Musik kamar:

§ 12 sonata untuk biola dan piano (termasuk sonata di E minor, sonata di D mayor)

§ 83 kuartet gesek untuk dua biola, viola dan cello

§ 7 duet untuk biola dan biola

§ 40 trio untuk piano, biola (atau seruling) dan cello

§ 21 trio untuk 2 biola dan cello

§ 126 trio untuk bariton, viola (biola) dan cello

§ 11 trio untuk angin campuran dan senar

35 konserto untuk satu atau lebih instrumen dengan orkestra, termasuk:

§ empat konserto untuk biola dan orkestra

§ dua konserto untuk cello dan orkestra

§ dua konserto untuk terompet dan orkestra

§ 11 konserto untuk piano dan orkestra

§ 6 konser organ

§ 5 konserto untuk kecapi roda dua

§ 4 konserto untuk bariton dan orkestra

§ Konserto untuk double bass dan orkestra

§ Konserto untuk seruling dan orkestra

§ Konserto untuk terompet dan orkestra

§ 13 pengalihan dengan clavier

Total ada 24 opera, antara lain:

§ “Iblis Pincang” (Der krumme Teufel), 1751

§ "Kekekalan Sejati"

§ “Orpheus dan Eurydice, atau Jiwa Seorang Filsuf,” 1791

§ “Asmodeus, atau Iblis Pincang Baru”

§ "Apoteker"

§ "Acis dan Galatea", 1762

§ “Pulau Terpencil” (L"lsola disabitata)

§ "Armid", 1783

§ “Wanita Nelayan” (Le Pescatrici), 1769

§ “Perselingkuhan yang tertipu” (L"Infedelta delusa)

§ “Pertemuan Tak Terduga” (L"Incontro improviso), 1775

§ “Dunia Bulan” (II Mondo della luna), 1777

§ “Keteguhan Sejati” (La Vera costanza), 1776

§ “Kesetiaan Diganjar” (La Fedelta premiata)

§ “Roland the Paladin” (Orlando Рaladino), sebuah opera komik heroik berdasarkan plot puisi Ariosto “Roland the Furious”

14 oratorio, termasuk:

§ “Penciptaan Dunia”

§ “Musim”

§ “Tujuh perkataan Juruselamat di kayu salib”

§ "Kembalinya Tobias"

§ Cantata-oratorio alegoris “Tepuk tangan”

§ nyanyian oratorio Stabat Mater

14 massa, termasuk:

§ massa kecil (Missa brevis, F-dur, sekitar tahun 1750)

§ massa organ besar Es-dur (1766)

§ Misa untuk menghormati St. Nicholas (Missa untuk menghormati Sancti Nicolai, G-dur, 1772)

§ Misa St. Caeciliae (Missa Sanctae Caeciliae, c-moll, antara tahun 1769 dan 1773)

§ massa organ kecil (B mayor, 1778)

§ Mariazellermesse, C-dur, 1782

§ Misa dengan timpani, atau Misa saat perang (Paukenmesse, C-dur, 1796)

§ Massa Heiligmesse (B-dur, 1796)

§ Nelson-Messe, d-moll, 1798

§ Misa Theresa (Theresienmesse, B-dur, 1799)

§ Misa bertema oratorio “Penciptaan Dunia” (Schopfungsmesse, B-dur, 1801)

§ Massa dengan alat musik tiup (Harmoniemesse, B-dur, 1802)

Sebanyak 104 simfoni, antara lain:

§ “Simfoni Perpisahan”

§ "Simfoni Oxford"

§ “Simfoni Pemakaman”

§ 6 Simfoni Paris (1785-1786)

§ 12 Simfoni London (1791-1792, 1794-1795), termasuk Simfoni No. 103 “Dengan tremolo timpani”

§ 66 pengalihan dan kasasi

Bekerja untuk piano:

§ Fantasi, variasi

§ 52 sonata piano

LudwigVseorang Beethoven

Ludwig van Beethoven adalah seorang komposer, konduktor dan pianis Jerman, salah satu dari tiga “klasik Wina”.

Beethoven adalah tokoh kunci dalam musik klasik Barat selama periode antara klasisisme dan romantisme, dan merupakan salah satu komposer yang paling dihormati dan tampil di dunia. Ia menulis dalam semua genre yang ada pada masanya, termasuk opera, musik untuk pertunjukan dramatis, dan karya paduan suara. Warisannya yang paling penting dianggap sebagai karya instrumental: piano, biola dan cello sonata, konser untuk piano, biola, kuartet, tawaran, simfoni. Karya Beethoven mempunyai pengaruh yang signifikan terhadap simfoni pada abad ke-19 dan ke-20.

Ludwig van Beethoven lahir pada bulan Desember 1770 di Bonn. Tanggal pasti lahirnya belum diketahui, diperkirakan 16 Desember, hanya tanggal pembaptisan yang diketahui - 17 Desember 1770 di Bonn di Gereja Katolik St. Remigius. Ayahnya Johann ( Johann van Beethoven, 1740-1792) adalah seorang penyanyi, tenor, di kapel istana, ibu Maria Magdalena, sebelum menikah dengan Keverich ( Maria Magdalena Keverich, 1748-1787), adalah putri juru masak istana di Koblenz, mereka menikah pada tahun 1767. Kakek Ludwig (1712-1773) bertugas di kapel yang sama dengan Johann, pertama sebagai penyanyi, bass, kemudian sebagai bandmaster. Dia berasal dari Mechelen di Belanda Selatan, oleh karena itu awalan "van" pada nama belakangnya. Ayah sang komposer ingin menjadikan putranya Mozart kedua dan mulai mengajarinya memainkan harpsichord dan biola. Pada tahun 1778, pertunjukan pertama anak laki-laki itu berlangsung di Cologne. Namun, Beethoven tidak menjadi anak ajaib; ayahnya mempercayakan anak itu kepada rekan-rekan dan teman-temannya. Yang satu mengajari Ludwig bermain organ, yang lain mengajarinya bermain biola.

Pada tahun 1780, organis dan komposer Christian Gottlob Nefe tiba di Bonn. Dia menjadi guru Beethoven yang sebenarnya. Nefe segera menyadari bahwa anak itu mempunyai bakat. Dia memperkenalkan Ludwig pada Well-Tempered Clavier karya Bach dan karya Handel, serta musik orang-orang sezamannya: F. E. Bach, Haydn dan Mozart. Berkat Nefa, karya pertama Beethoven diterbitkan - variasi tema pawai Dressler. Beethoven saat itu berusia dua belas tahun, dan dia sudah bekerja sebagai asisten pemain organ istana.

Sepeninggal kakeknya, keadaan keuangan keluarga semakin memburuk. Ludwig harus meninggalkan sekolah lebih awal, tetapi dia belajar bahasa Latin, belajar bahasa Italia dan Prancis, dan banyak membaca. Setelah beranjak dewasa, sang komposer mengakui dalam salah satu suratnya:

Di antara penulis favorit Beethoven adalah penulis Yunani kuno Homer dan Plutarch, penulis drama Inggris Shakespeare, dan penyair Jerman Goethe dan Schiller.

Saat ini, Beethoven mulai menggubah musik, namun tidak terburu-buru menerbitkan karyanya. Banyak dari apa yang dia tulis di Bonn kemudian direvisi olehnya. Tiga sonata anak-anak dan beberapa lagu diketahui dari karya-karya muda komposer, termasuk “The Groundhog.”

Beethoven mengetahui penyakit ibunya dan kembali ke Bonn. Dia meninggal pada 17 Juli 1787. Bocah tujuh belas tahun itu terpaksa menjadi kepala keluarga dan mengasuh adik-adiknya. Dia bergabung dengan orkestra sebagai pemain biola. Opera Italia, Prancis, dan Jerman dipentaskan di sini. Opera Gluck dan Mozart memberikan kesan yang sangat kuat pada pemuda itu.

Pada tahun 1789, Beethoven, yang ingin melanjutkan pendidikannya, mulai mengikuti kuliah di universitas. Tepat pada saat ini, berita revolusi di Perancis tiba di Bonn. Salah satu profesor universitas menerbitkan kumpulan puisi yang mengagungkan revolusi. Beethoven menganutnya. Kemudian ia mengarang “Nyanyian Manusia Merdeka”, yang berisi kata-kata: “Dia bebas yang bagi dia keunggulan kelahiran dan gelar tidak berarti apa-apa.”

Saat tinggal di Bonn dia bergabung dengan Freemasonry. Tidak ada tanggal pasti dimulainya. Hanya diketahui bahwa ia menjadi seorang Freemason saat masih muda. Bukti Freemasonry Beethoven adalah surat yang ditulis oleh komposer kepada Freemason Franz Wegeler, di mana ia menyatakan persetujuannya untuk mendedikasikan salah satu kantatanya, yang dikenal sebagai "Das Werk Beginnt!" Diketahui juga bahwa seiring berjalannya waktu Beethoven kehilangan minat terhadap Freemasonry dan tidak mengambil bagian aktif dalam kegiatannya.

Haydn singgah di Bonn dalam perjalanan dari Inggris. Dia memuji eksperimen komposisi Beethoven. Pemuda tersebut memutuskan pergi ke Wina untuk mengambil pelajaran dari komposer terkenal tersebut, karena setelah kembali dari Inggris Haydn menjadi semakin terkenal. Pada musim gugur 1792, Beethoven meninggalkan Bonn.

Sepuluh tahun pertama di Wina. Sesampainya di Wina, Beethoven mulai belajar dengan Haydn, dan kemudian mengklaim bahwa Haydn tidak mengajarinya apa pun; Kelas dengan cepat mengecewakan siswa dan guru. Beethoven percaya bahwa Haydn tidak cukup memperhatikan usahanya; Haydn takut tidak hanya oleh pandangan Ludwig yang berani pada saat itu, tetapi juga oleh melodi yang agak suram, yang jarang terjadi pada tahun-tahun itu.

Segera Haydn berangkat ke Inggris dan menyerahkan muridnya kepada guru dan ahli teori terkenal Albrechtsberger. Pada akhirnya, Beethoven sendiri yang memilih mentornya - Antonio Salieri.

Sudah di tahun-tahun pertama hidupnya di Wina, Beethoven mendapatkan ketenaran sebagai pianis virtuoso. Penampilannya memukau penonton.

Beethoven dengan berani mengontraskan register-register ekstrem (dan pada saat itu mereka kebanyakan bermain di tengah), menggunakan pedal secara ekstensif (saat itu juga jarang digunakan), dan menggunakan harmoni akord yang masif. Padahal, dialah yang menciptakan gaya piano jauh dari gaya harpsichordist yang sangat berenda.

Gaya ini dapat ditemukan dalam piano sonata No. 8 "Pathetique" (judul diberikan oleh komposernya sendiri), No. 13 dan No. 14. Keduanya memiliki subjudul penulis Sonata kuasi una Fantasia(“dalam semangat fantasi”). Penyair Relshtab kemudian menyebut Sonata No. 14 “Cahaya Bulan”, dan meskipun nama ini hanya cocok untuk bagian pertama dan bukan bagian akhir, nama ini melekat pada keseluruhan karya.

Beethoven juga menonjol karena penampilannya di antara bapak dan ibu pada masa itu. Hampir selalu ia ditemukan berpakaian sembarangan dan tidak terawat.

Di lain waktu, Beethoven mengunjungi Pangeran Likhnovsky. Likhnovsky sangat menghormati komposer dan merupakan penggemar musiknya. Dia ingin Beethoven bermain di depan orang banyak. Komposer menolak. Likhnovsky mulai mendesak dan bahkan memerintahkan untuk mendobrak pintu kamar tempat Beethoven mengunci diri. Komposer yang marah meninggalkan perkebunan dan kembali ke Wina. Keesokan paginya Beethoven mengirimi Likhnovsky surat: “ Pangeran! Aku berutang apa adanya pada diriku sendiri. Ribuan pangeran ada dan akan ada, kecuali Beethoven - hanya satu!»

Karya-karya Beethoven mulai dipublikasikan secara luas dan menikmati kesuksesan. Selama sepuluh tahun pertama yang dihabiskan di Wina, dua puluh sonata piano dan tiga konserto piano, delapan sonata biola, kuartet dan karya kamar lainnya, oratorio “Kristus di Bukit Zaitun”, balet “Karya Prometheus”, Yang Pertama dan Simfoni Kedua ditulis.

Pada tahun 1796, Beethoven mulai kehilangan pendengarannya. Dia menderita tinitis, peradangan pada telinga bagian dalam yang menyebabkan telinga berdenging. Atas saran dokter, dia pensiun untuk waktu yang lama di kota kecil Heiligenstadt. Namun, kedamaian dan ketenangan tidak meningkatkan kesejahteraannya. Beethoven mulai memahami bahwa ketulian tidak dapat disembuhkan. Di hari-hari tragis tersebut, dia menulis surat yang nantinya disebut surat wasiat Heiligenstadt. Komposer berbicara tentang pengalamannya dan mengakui bahwa dia hampir bunuh diri:

Di Heiligenstadt, komposer mulai mengerjakan Simfoni Ketiga yang baru, yang disebutnya Heroik.

Akibat ketulian Beethoven, dokumen sejarah yang unik telah bertahan: “buku catatan percakapan”, di mana teman-teman Beethoven menuliskan komentar mereka untuknya, yang dia tanggapi baik secara lisan atau dalam catatan tanggapan.

Namun, musisi Schindler, yang memiliki dua buku catatan berisi rekaman percakapan Beethoven, rupanya membakarnya, karena “berisi serangan paling kasar dan pahit terhadap kaisar, putra mahkota, dan pejabat tinggi lainnya. Sayangnya, ini adalah tema favorit Beethoven; dalam percakapan, Beethoven terus-menerus marah pada kekuasaan yang ada, hukum dan peraturan mereka.”

Tahun-tahun berikutnya (1802-1815). Ketika Beethoven berusia 34 tahun, Napoleon meninggalkan cita-cita Revolusi Perancis dan mendeklarasikan dirinya sebagai kaisar. Oleh karena itu, Beethoven membatalkan niatnya untuk mendedikasikan Simfoni Ketiganya kepadanya: “Napoleon ini juga orang biasa. Sekarang dia akan menginjak-injak semua hak asasi manusia dan menjadi seorang tiran.”

Dalam karya piano, gaya komposernya sendiri sudah terlihat pada sonata awal, tetapi dalam musik simfoni, kematangannya datang kemudian. Menurut Tchaikovsky, hanya di simfoni ketiga " untuk pertama kalinya seluruh kekuatan luar biasa dan menakjubkan dari kejeniusan kreatif Beethoven terungkap».

Karena tuli, Beethoven jarang keluar rumah dan kehilangan persepsi suara. Dia menjadi murung dan menarik diri. Pada tahun-tahun inilah sang komposer menciptakan karya-karyanya yang paling terkenal satu demi satu. Pada tahun yang sama, Beethoven mengerjakan satu-satunya opera, Fidelio. Opera ini termasuk dalam genre opera “horor dan keselamatan”. Kesuksesan Fidelio baru datang pada tahun 1814, ketika opera pertama kali dipentaskan di Wina, kemudian di Praha, dibawakan oleh komposer terkenal Jerman Weber, dan akhirnya di Berlin.

Sesaat sebelum kematiannya, komposer tersebut menyerahkan naskah Fidelio kepada teman dan sekretarisnya Schindler dengan kata-kata: “ Anak rohku ini dilahirkan dalam penderitaan yang lebih besar daripada yang lain, dan menyebabkan kesedihan yang paling besar bagiku. Itu sebabnya itu yang paling kusayangi...»

Beberapa tahun terakhir. Setelah tahun 1812, aktivitas kreatif komposer menurun untuk sementara waktu. Namun, setelah tiga tahun ia mulai bekerja dengan energi yang sama. Pada saat ini, sonata piano dari tanggal 28 hingga terakhir, ke-32, dua sonata cello, kuartet, dan siklus vokal “To a Distant Beloved” diciptakan. Banyak waktu juga dicurahkan untuk adaptasi lagu daerah. Selain orang Skotlandia, Irlandia, Welsh, ada juga orang Rusia. Namun kreasi utama beberapa tahun terakhir adalah dua karya Beethoven yang paling monumental - “Misa Khidmat” dan Simfoni No. 9 dengan paduan suara.

Simfoni Kesembilan dipentaskan pada tahun 1824. Penonton memberikan tepuk tangan meriah kepada sang komposer. Diketahui Beethoven berdiri membelakangi penonton dan tidak mendengar apapun, kemudian salah satu penyanyi meraih tangannya dan membalikkannya menghadap penonton. Orang-orang melambaikan syal, topi, dan tangan, memberi salam kepada komposer. Tepuk tangan tersebut berlangsung begitu lama sehingga petugas polisi yang hadir meminta agar tepuk tangan tersebut dihentikan. Salam seperti itu hanya diperbolehkan dalam kaitannya dengan pribadi kaisar.

Di Austria, setelah kekalahan Napoleon, rezim polisi dibentuk. Pemerintah, yang takut dengan revolusi, menindas “pemikiran bebas” apa pun. Banyak agen rahasia yang merambah ke seluruh lapisan masyarakat. Dalam buku percakapan Beethoven sesekali ada peringatan: “ Diam! Awas, ada mata-mata di sini!"Dan, mungkin, setelah beberapa pernyataan yang sangat berani dari komposer: " Anda akan berakhir di perancah!»

Namun popularitas Beethoven begitu besar sehingga pemerintah tidak berani menyentuhnya. Meski tuli, sang komposer terus mengikuti tidak hanya berita politik tetapi juga musik. Dia membaca (yaitu, mendengarkan dengan telinga bagian dalam) skor opera Rossini, melihat-lihat kumpulan lagu Schubert, dan berkenalan dengan opera komposer Jerman Weber "The Magic Shooter" dan "Euryanthe". Sesampainya di Wina, Weber mengunjungi Beethoven. Mereka sarapan bersama, dan Beethoven, yang biasanya tidak menghadiri upacara, menjaga tamunya.

Setelah kematian adik laki-lakinya, sang komposer merawat putranya. Beethoven menempatkan keponakannya di sekolah berasrama terbaik dan mempercayakan muridnya Karl Czerny untuk belajar musik bersamanya. Komposer ingin anak laki-laki itu menjadi ilmuwan atau seniman, tetapi dia tidak tertarik pada seni, tetapi pada kartu dan biliar. Terlilit hutang, dia mencoba bunuh diri. Upaya ini tidak menimbulkan banyak kerugian: peluru hanya menggores sedikit kulit kepala. Beethoven sangat mengkhawatirkan hal ini. Kesehatannya merosot tajam. Komposer mengidap penyakit hati yang serius.

Beethoven meninggal pada tanggal 26 Maret 1827. Lebih dari dua puluh ribu orang mengikuti peti matinya. Selama pemakaman, misa pemakaman favorit Beethoven, Requiem in C minor, oleh Luigi Cherubini, dibawakan.

Bekerja:

§ 9 simfoni: No. 1 (1799-1800), No. 2 (1803), No. 3 “Eroic” (1803-1804), No. 6 “Pastoral” (1808 ), No.7 (1812), No.8 (1812), No.9 (1824).

§ 11 pembukaan simfoni, termasuk Coriolanus, Egmont, Leonora No.3.

§ 5 konserto untuk piano dan orkestra.

§ 6 sonata remaja untuk piano.

§ 32 sonata untuk piano, 32 variasi dan sekitar 60 buah untuk piano.

§ 10 sonata untuk biola dan piano.

§ konser untuk biola dan orkestra, konser untuk piano, biola dan cello dan orkestra (“triple konserto”).

§ 5 sonata untuk cello dan piano.

§ 16 kuartet gesek.

§ Balet “Kreasi Prometheus”.

§ Opera "Fidelio".

§ Misa Khidmat.

§ Siklus vokal “Untuk kekasih yang jauh”.

§ Lagu berdasarkan puisi berbagai penyair, adaptasi lagu daerah.

Wolfgang Amadeus Mozart

pendidikan seni musik mozart beethoven

Wolfgang Amadeus Mozart (27 Januari 1756, Salzburg - 5 Desember 1791, Wina) - Komposer Austria, bandmaster, pemain biola virtuoso, pemain harpsichordist, organis. Menurut orang-orang sezamannya, ia memiliki telinga yang fenomenal terhadap musik, ingatan, dan kemampuan berimprovisasi. Mozart dikenal luas sebagai salah satu komposer terhebat: keunikannya terletak pada kenyataan bahwa ia bekerja dalam semua bentuk musik pada masanya dan mencapai kesuksesan terbesar di semua bentuk musik tersebut. Bersama Haydn dan Beethoven, ia termasuk salah satu perwakilan paling signifikan dari Sekolah Klasik Wina.

Mozart lahir pada tanggal 27 Januari 1756 di Salzburg yang saat itu merupakan ibu kota Keuskupan Agung Salzburg, sekarang kota ini terletak di Austria. Pada hari kedua setelah lahir, dia dibaptis di Katedral St. Rupert. Entri dalam buku baptisan mencantumkan namanya dalam bahasa Latin sebagai Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus (Gottlieb) Mozart. Dalam nama-nama ini, dua kata pertama adalah nama St. John Chrysostom, yang tidak digunakan dalam kehidupan sehari-hari, dan kata keempat yang diubah selama masa hidup Mozart: lat. Amadeus, Jerman Gottlieb, Italia Amadeo, yang artinya “yang dikasihi Tuhan”. Mozart sendiri lebih suka dipanggil Wolfgang.

Kemampuan bermusik Mozart terwujud pada usia yang sangat dini, ketika ia berusia sekitar tiga tahun. Ayahnya Leopold adalah salah satu guru musik terkemuka di Eropa. Bukunya “The Experience of a Solid Violin School” diterbitkan pada tahun 1756, tahun kelahiran Mozart, melewati banyak edisi dan diterjemahkan ke banyak bahasa, termasuk bahasa Rusia. Ayah Wolfgang mengajarinya dasar-dasar memainkan harpsichord, biola, dan organ.

Di London, Mozart muda menjadi objek penelitian ilmiah, dan di Belanda, di mana musik dilarang keras selama masa Prapaskah, pengecualian dibuat untuk Mozart, karena para pendeta melihat jari Tuhan dalam bakatnya yang luar biasa.

Pada tahun 1762, ayah Mozart dan putra serta putrinya Anna, yang juga merupakan pemain harpsichord yang luar biasa, melakukan perjalanan artistik ke Munich, Paris, London dan Wina, dan kemudian ke banyak kota lain di Jerman, Belanda, dan Swiss. Pada tahun yang sama, Mozart muda menulis komposisi pertamanya. Di mana-mana dia menimbulkan kejutan dan kegembiraan, muncul sebagai pemenang dari ujian tersulit yang ditawarkan kepadanya oleh orang-orang yang berpengetahuan luas di bidang musik dan amatir. Pada tahun 1763, sonata pertama Mozart untuk harpsichord dan biola diterbitkan di Paris. Dari tahun 1766 hingga 1769, saat tinggal di Salzburg dan Wina, Mozart mempelajari karya-karya Handel, Stradella, Carissimi, Durante dan master besar lainnya. Atas perintah Kaisar Joseph II, Mozart menulis opera untuk rombongan Italia dalam beberapa minggu "Orang Sederhana Imajiner"(Italia Sampel La Finta), namun para penyanyi tersebut tidak menyukai komposisi komposer berusia 12 tahun tersebut; keengganan mereka yang keras kepala untuk menampilkan opera akhirnya memaksa Leopold Mozart untuk menyerah dan tidak memaksa. Di masa depan, para penyanyi akan terus-menerus mengeluh bahwa Mozart menenggelamkan mereka dalam opera-operanya dengan “iringan yang terlalu masif”.

Mozart menghabiskan tahun 1770-1774 di Italia. Pada tahun 1770, di Bologna, dia bertemu dengan komposer Joseph Mysliveček, yang sangat populer di Italia pada saat itu; Pengaruh “The Divine Bohemian” ternyata begitu besar sehingga kemudian, karena kesamaan gaya, beberapa karyanya diatribusikan kepada Mozart, termasuk oratorio “Abraham and Isaac”.

Pada tahun 1771, di Milan, sekali lagi dengan tentangan dari para impresario teater, opera Mozart dipentaskan. « Mithridates, Raja Pontus» (Italia Mitridate, Re di Ponto), yang diterima masyarakat dengan sangat antusias. Opera keduanya, “Lucio Sulla” (Lucius Sulla) (1772), mendapat kesuksesan yang sama. Mozart menulis untuk Salzburg "Mimpi Scipio"(Italia Saya tidak tahu tentang Scipione), pada kesempatan pemilihan uskup agung baru, 1772, untuk Munich - sebuah opera "La bella finta Giardiniera", 2 misa, persembahan (1774). Ketika ia berusia 17 tahun, karyanya sudah mencakup 4 opera, beberapa karya spiritual, 13 simfoni, 24 sonata, belum lagi sejumlah komposisi yang lebih kecil.

Pada tahun 1775-1780, meskipun ada kekhawatiran tentang keamanan materi, perjalanan yang sia-sia ke Munich, Mannheim dan Paris, dan kehilangan ibunya, Mozart menulis, antara lain, 6 sonata keyboard, sebuah konser untuk seruling dan harpa, dan simfoni yang hebat. Nomor 31 di D mayor, disebut Paris, beberapa paduan suara spiritual, 12 nomor balet.

Pada tahun 1779, Mozart mendapat posisi sebagai organis istana di Salzburg (berkolaborasi dengan Michael Haydn). Pada tanggal 26 Januari 1781, opera “Idomeneo” dipentaskan di Munich dengan sukses besar, menandai perubahan tertentu dalam karya Mozart. Dalam opera ini masih terlihat jejak Italia Kuno seri opera(sejumlah besar coloratura arias, bagian dari Idamante, ditulis untuk castrato), namun dalam resitatif dan khususnya paduan suara ada tren baru yang terasa. Sebuah langkah maju yang besar juga terlihat pada instrumentasinya. Selama tinggal di Munich, Mozart menulis sebuah persembahan untuk Kapel Munich "Misericordias Domini"- salah satu contoh terbaik musik gereja di akhir abad ke-18.

Periode Wina. Pada tahun 1781, Mozart akhirnya menetap di Wina. Pada pergantian tahun 70-80an, Kaisar Joseph II terpikat oleh gagasan untuk mengembangkan opera nasional Jerman - Singspiel, sehingga Opera Italia ditutup di Wina pada tahun 1776. Atas perintah kaisar pada tahun 1782, Mozart menulis Singspiel “Penculikan dari Seraglio” (Jerman. Die Entführung dari Serail), diterima dengan antusias di Wina dan segera menyebar luas di Jerman. Namun, Mozart gagal mengembangkan kesuksesannya: pada tahun 1782 yang sama, eksperimen dengan Singspiel berakhir, dan kaisar mengembalikan rombongan Italia ke Wina.

Pada tahun yang sama, Mozart menikah dengan Constanze Weber, saudara perempuan Aloysia Weber, yang ia cintai selama tinggal di Mannheim. Pada tahun-tahun awal, Mozart mendapatkan ketenaran luas di Wina; “Akademi”-nya, sebutan untuk konser penulis publik di Wina, tempat karya-karya seorang komposer, sering kali dibawakan sendiri, sangat populer. Untuk “akademi” inilah sebagian besar konser keyboardnya ditulis. Pada 1783-1785, 6 kuartet gesek terkenal diciptakan, yang dipersembahkan Mozart untuk Joseph Haydn, master genre ini, dan yang ia terima dengan sangat hormat. Oratorionya berasal dari waktu yang sama. "David menyesal(Daud yang bertobat).

Namun, opera Mozart di Wina tidak berjalan baik pada tahun-tahun berikutnya. Opera "L'oca del Kairo"(1783) dan "Lo sposo deluso"(1784) masih belum selesai. Akhirnya, pada tahun 1786, opera “The Marriage of Figaro” ditulis dan dipentaskan, librettonya adalah Lorenzo da Ponte. Opera ini mendapat sambutan yang baik di Wina, tetapi setelah beberapa kali pertunjukan, opera tersebut ditarik dan tidak dipentaskan sampai tahun 1789, ketika produksi dilanjutkan oleh Antonio Salieri, yang menganggap “The Marriage of Figaro” sebagai opera terbaik Mozart. Namun di Praha, “The Marriage of Figaro” meraih kesuksesan yang luar biasa; melodi darinya dinyanyikan di jalan dan di bar. Berkat kesuksesannya tersebut, Mozart mendapat pesanan baru, kali ini dari Praha. Pada tahun 1787, sebuah opera baru, yang dibuat bekerja sama dengan Da Ponte, dirilis - Don Giovanni. Karya ini, yang masih dianggap sebagai salah satu repertoar opera terbaik di dunia, bahkan lebih sukses di Praha dibandingkan The Marriage of Figaro.

Keberhasilan opera ini jauh lebih kecil di Wina, yang secara umum, sejak zaman Figaro, telah kehilangan minat terhadap karya Mozart. Dari Kaisar Joseph, Mozart menerima 50 dukat untuk Don Giovanni, dan menurut J. Rice, selama 1782-1792 ini adalah satu-satunya saat komposer menerima pembayaran untuk sebuah opera yang dibuat di luar Wina. Namun, masyarakat secara keseluruhan masih acuh tak acuh. Sejak 1787, “akademi”-nya berhenti; Mozart tidak dapat mengatur pertunjukan dari tiga simfoni terakhir, yang sekarang paling terkenal: No. 39 di E-flat mayor (KV 543), No. 40 di G minor (KV 550) dan No. 41 dalam C mayor “Jupiter” (KV 551), ditulis selama satu setengah bulan pada tahun 1788; hanya tiga tahun kemudian, salah satunya, Symphony No. 40, dibawakan oleh A. Salieri dalam konser amal.

Pada akhir tahun 1787, setelah kematian Christoph Willibald Gluck, Mozart menerima posisi "musisi kamar kekaisaran dan kerajaan" dengan gaji 800 florin, tetapi tugasnya terutama terbatas pada mengarang tarian untuk pesta topeng, opera - komik, pada plot dari kehidupan sosial - ditugaskan dari Mozart hanya sekali, dan itu menjadi kenyataan "Tutte penggemar kosmos"(1790).

Gaji 800 florin tidak dapat menghidupi Mozart sepenuhnya; Rupanya, saat ini ia sudah mulai menumpuk hutang, diperparah dengan biaya pengobatan istrinya yang sakit. Mozart merekrut siswa, namun menurut para ahli jumlahnya tidak banyak. Pada tahun 1789, sang komposer ingin meninggalkan Wina, tetapi perjalanan yang ia lakukan ke utara, termasuk ke Berlin, tidak memenuhi harapannya dan tidak memperbaiki situasi keuangannya.

Kisah bagaimana di Berlin ia menerima undangan menjadi kepala kapel istana Friedrich Wilhelm II dengan gaji 3 ribu thaler, Alfred Einstein mengacu pada alam fantasi, serta alasan sentimental penolakannya - konon untuk menghormati Joseph II. Frederick William II hanya memesan enam sonata piano sederhana untuk putrinya dan enam kuartet gesek untuk dirinya sendiri.

Hanya ada sedikit uang yang diperoleh selama perjalanan. Jumlah mereka hampir tidak cukup untuk membayar hutang sebesar 100 gulden, yang diambil dari saudara laki-laki Freemason, Hofmedel, untuk biaya perjalanan. Pada tahun 1789, Mozart mendedikasikan kuartet gesek dengan bagian cello konser (dalam D mayor) untuk raja Prusia.

Menurut J. Rice, sejak Mozart tiba di Wina, Kaisar Joseph memberinya lebih banyak perlindungan daripada musisi Wina lainnya, kecuali Salieri. Pada bulan Februari 1790, Joseph meninggal; Mozart awalnya menaruh harapan besar pada aksesi takhta Leopold II; namun, para musisi tidak memiliki akses ke kaisar baru. Pada bulan Mei 1790, Mozart menulis kepada putranya, Archduke Franz: “... Kecintaan saya pada pekerjaan dan kesadaran akan keterampilan saya memungkinkan saya untuk berpaling kepada Anda dengan permintaan untuk memberi saya posisi sebagai bandmaster, terutama sejak Salieri, meskipun a pemimpin band yang paling berpengalaman, tidak pernah terlibat dalam pekerjaan gereja.” Namun harapannya tidak terwujud, Salieri tetap pada jabatannya, dan situasi keuangan Mozart menjadi sangat putus asa sehingga ia harus meninggalkan Wina dari penganiayaan para kreditor untuk setidaknya sedikit memperbaiki urusannya melalui perjalanan artistik.

Tahun lalu. Opera terakhir Mozart adalah « Itulah yang dilakukan semua orang» (1790), « Rahmat Titus» (1791), berisi halaman-halaman indah, meskipun ditulis dalam 18 hari, dan akhirnya, « Seruling Ajaib» (1791). Dipersembahkan pada bulan September 1791 di Praha, pada kesempatan penobatan Leopold II sebagai raja Ceko, opera La Clemenza di Titus diterima dengan dingin; Sebaliknya, “The Magic Flute”, yang dipentaskan pada bulan yang sama di Wina di teater pinggiran kota, adalah sebuah kesuksesan yang belum pernah disaksikan Mozart di ibu kota Austria selama bertahun-tahun. Opera dongeng ini menempati tempat khusus dalam karya Mozart yang luas dan beragam.

Pada Mei 1791, Mozart diberi posisi tidak dibayar sebagai asisten konduktor Katedral St. Stephen; posisi ini memberinya hak untuk menjadi konduktor setelah kematian Leopold Hofmann yang sakit parah; Hofmann, bagaimanapun, hidup lebih lama dari Mozart.

Mozart, seperti kebanyakan orang sezamannya, menaruh banyak perhatian pada musik sakral, tapi dia meninggalkan sedikit contoh bagus di bidang ini: kecuali "Misericordias Domini" - « Benar-benar korpus» (KV 618, 1791), ditulis dengan gaya yang sama sekali tidak seperti biasanya Mozart, dan Requiem yang agung dan menyedihkan (KV 626), yang dikerjakan Mozart di bulan-bulan terakhir hidupnya. Sejarah penulisan “Requiem” memang menarik. Pada bulan Juli 1791, Mozart dikunjungi oleh orang asing misterius berbaju abu-abu dan memerintahkannya mengadakan “Requiem” (misa pemakaman). Menurut penulis biografi komposer, ini adalah utusan dari Pangeran Franz von Walsegg-Stuppach, seorang amatir bermain musik yang suka menampilkan karya orang lain di istananya dengan bantuan kapelnya, membeli kepenulisan dari komposer; Dengan upacara peringatan itu dia ingin menghormati kenangan mendiang istrinya. Pengerjaan “Requiem” yang belum selesai, yang masih mengejutkan pendengar dengan liriknya yang sedih dan ekspresi tragisnya, diselesaikan oleh muridnya Franz Xaver Süssmayer, yang sebelumnya mengambil bagian dalam komposisi opera “La Clemenza di Tito.”

Kematian Mozart. Mozart meninggal pada tanggal 5 Desember 1791, sekitar satu jam setelah tengah malam (pada tahun ketiga puluh enam hidupnya). Penyebab kematian Mozart masih menjadi perdebatan. Kebanyakan peneliti percaya bahwa Mozart sebenarnya meninggal, seperti yang dinyatakan dalam laporan medis, karena demam rematik, yang mungkin dipersulit oleh gagal jantung atau ginjal akut. Legenda terkenal tentang keracunan Mozart oleh komposer Salieri masih didukung oleh beberapa ahli musik, namun belum ada bukti yang meyakinkan untuk versi tersebut. Pada bulan Mei 1997, pengadilan yang duduk di Istana Kehakiman Milan, setelah mempertimbangkan kasus Antonio Salieri atas tuduhan pembunuhan Mozart, membebaskannya.

Tanggal penguburan Mozart masih kontroversial (6 atau 7 Desember). Sekitar pukul 3 sore, jenazah Mozart dibawa ke Katedral St. Stephen. Di sini, di sebuah kapel kecil, sebuah upacara keagamaan sederhana berlangsung. Siapa teman dan kerabat yang hadir masih belum diketahui. Mobil jenazah berangkat ke kuburan setelah jam enam sore, yang sudah dalam kegelapan. Mereka yang melihat peti mati itu tidak mengikutinya keluar gerbang kota. Tempat pemakaman Mozart adalah Pemakaman St. Markus.

Pemakaman Mozart diadakan menurut kategori ketiga. Hanya orang-orang yang sangat kaya dan bangsawan yang dapat dimakamkan di kuburan terpisah dengan batu nisan atau monumen. Menurut kategori ketiga, kuburan umum dirancang untuk 5-6 orang. Tidak ada yang aneh dengan pemakaman Mozart saat itu. Ini bukanlah "pemakaman pengemis". Pemakaman Beethoven yang mengesankan (walaupun kelas dua) pada tahun 1827 terjadi di era yang berbeda dan, terlebih lagi, mencerminkan peningkatan tajam status sosial para musisi, yang diperjuangkan Mozart sendiri sepanjang hidupnya.

Bagi orang Wina, kematian Mozart hampir tidak disadari, tetapi di Praha, dengan kerumunan besar (sekitar 4.000 orang), untuk mengenang Mozart, 9 hari setelah kematiannya, 120 musisi menampilkan "Requiem" yang ditulis kembali dengan tambahan khusus. 1776 oleh Antonio Rosetti.

Bekerja:

Opera:

§ « Kewajiban Perintah Pertama" (Die Schuldigkeit des ersten Gebotes), 1767. Oratorio teater

§ “Apollo and Hyacinthus” (Apollo et Hyacinthus), 1767 - drama musikal pelajar berdasarkan teks Latin

§ “Bastien dan Bastienne” (Bastien und Bastienne), 1768. Karya pelajar lainnya, Singspiel. Opera komik terkenal versi Jerman oleh J.-J. Rousseau - “The Village Sorcerer”

§ "The Feigned Simpleton" (La finta semplice), 1768 - latihan dalam genre opera buffa dengan libretto oleh Goldoni

§ “Mithridates, King of Pontus” (Mitridate, re di Ponto), 1770 - dalam tradisi opera seria Italia, berdasarkan tragedi Racine

§ “Ascanio di Alba”, 1771. Opera serenade (pastoral)

§ Betulia Liberata, 1771 - oratorio. Berdasarkan kisah Judith dan Holofernes

§ “Mimpi Scipio” (Il sogno di Scipione), 1772. Opera serenade (pastoral)

§ "Lucio Silla", 1772. Opera seria

§ “Thamos, Raja Mesir” (Thamos, König in Dgypten), 1773, 1775. Musik untuk drama Gebler

§ "The Imaginary Gardener" (La finta giardiniera), 1774-5 - kembali lagi ke tradisi opera buffe

§ “Raja Gembala” (Il Re Pastore), 1775. Opera serenade (pastoral)

§ “Zaide”, 1779 (direkonstruksi oleh H. Chernovin, 2006)

§ “Idomeneo, Raja Kreta” (Idomeneo), 1781

§ “Penculikan dari Seraglio” (Die Entführung aus dem Serail), 1782. Singspiel

§ “Angsa Kairo” (L"oca del Cairo), 1783

§ “Pasangan yang Tertipu” (Lo sposo deluso)

§ “Sutradara Teater” (Der Schauspieldirektor), 1786. Komedi musikal

§ “Pernikahan Figaro” (Le nozze di Figaro), 1786. Opera pertama dari 3 opera besar. Dalam genre opera buffe.

§ “Don Giovanni” (Don Giovanni), 1787

§ “Semua orang melakukan ini” (Cosm fan tutte), 1789

§ « Belas kasihan Tita" (La Clemenza di Tito), 1791

§ « Seruling Ajaib"(Die Zauberflote), 1791. Singspiel

17 massa, termasuk:

§ "Penobatan", KV 317 (1779)

§ “Misa Besar” C minor, KV 427 (1782)

§ "Requiem", KV 626 (1791)

§ 41 simfoni, meliputi:

§ "Paris" (1778)

§ Nomor 35, KV 385 "Haffner" (1782)

§ Nomor 36, KV 425 “Linzskaya” (1783)

§ No. 38, KV 504 “Praha” (1786)

§ Nomor 39, KV 543 (1788)

§ No.40, KV 550 (1788)

§ No.41, KV 551 “Jupiter” (1788)

§ 27 konserto untuk piano dan orkestra

§ 6 konserto untuk biola dan orkestra

§ Konserto untuk dua biola dan orkestra (1774)

§ Konserto untuk biola dan biola dan orkestra (1779)

§ 2 konserto untuk seruling dan orkestra (1778)

§ No. 1 G mayor K. 313 (1778)

§ No.2 D mayor K.314

§ Konserto untuk oboe dan orkestra dalam C mayor K. 314 (1777)

§ Konserto untuk klarinet dan orkestra dalam A mayor K. 622 (1791)

§ Konserto untuk bassoon dan orkestra di B-flat mayor K. 191 (1774)

§ 4 konserto untuk terompet dan orkestra:

§ No.1 D mayor K.412 (1791)

§ No. 2 E-flat mayor K. 417 (1783)

§ No. 3 E flat mayor K. 447 (antara 1784 dan 1787)

§ No.4 E-flat mayor K.495 (1786)

§ 10 serenade untuk orkestra gesek, termasuk:

§ "Serenade Malam Kecil" (1787)

§ 7 pengalihan untuk orkestra

§ Berbagai ansambel alat musik tiup

§ Sonata untuk berbagai instrumen, trio, duet

§ 19 sonata untuk piano

§ 15 siklus variasi untuk piano

§ Rondo, fantasi, drama

§ Lebih dari 50 aria

§ Ansambel, paduan suara, lagu

Diposting di Allbest.ru

Dokumen serupa

Keluarga Mozart yang berbakat, bakat luar biasa dari anak-anak di keluarga ini. Masa kecil Wolfgang Amadeus, karya awal dan pelatihan dengan komposer terbaik di Eropa. Aktivitas mandiri, kondisi keuangan. Kreativitas instrumental Mozart dan opera.

laporan, ditambahkan 10/11/2010


Mendengarkan Mozart bersama ayahnya. Sifat luar biasa dari Wolfgang Amadeus Mozart. Komentar tentang betapa pentingnya karya-karya Mozart. Efek perayaan yang menjadi ciri seluruh karya Mozart. Pelanggaran kunci minor, kromatisme, putaran terputus dalam sonata.

presentasi, ditambahkan 23/11/2017


Biografi rinci tentang Wolfgang Amadeus Mozart dan “langkah” pertamanya dalam musik, legenda tentang penyebab kematian, analisis kreativitas dan tema karya-karyanya. Ciri khas musik kamar, clavier dan gereja Mozart, serta seni improvisasinya.

abstrak, ditambahkan 27/12/2009


Informasi tentang orang tua V.A. Mozart, prestasi kreatifnya di masa kecil. Ciri-ciri komposer Austria. Opera terkenal: "Pernikahan Figaro", "Don Giovanni", "Seruling Ajaib". "Requiem" adalah karya musik terakhir Mozart.

presentasi, ditambahkan 19/11/2013


Karya oleh P.I. Tchaikovsky "Lagu Lark". Membuat instrumen "marakosha". Iringan musik yang sesuai dengan pola “musim dingin”, “musim panas”, “musim semi” dan “musim gugur”. Pengaruh jenius musik Wolfgang Amadeus Mozart terhadap pendengarnya.

karya kreatif, ditambahkan 27/06/2013


Perkembangan persepsi musik saat belajar bermain piano. Konsep semantik musik. Teater instrumental Haydn: ruang metamorfosis. Haydn di sekolah musik. Berusahalah membaca teks dengan benar. Interpretasi dari sebuah karya musik.

abstrak, ditambahkan 04/10/2014


Masa-masa perkembangan seni musik dan genre-genrenya. Jenius kreatif M.I. Glinka. Perkembangan musik paduan suara dan kamar. Puncak romantisme musik, karya P.I. Tchaikovsky. Arah baru dalam musik sakral Rusia, "misteri" oleh A.N. juru tulis.

abstrak, ditambahkan 04/10/2009


Pembiasaan dengan ciri-ciri musik Barok, aturan transisi dan kontrasnya. Pertimbangan warisan musik Claudio Monteverdi, Antonio Vivaldi, Wolfgang Amadeus Mozart, George Frideric Handel. Dekorasi, keragaman Barok Rusia.

presentasi, ditambahkan 18/10/2015


Biografi kehidupan dan karya unik Wolfgang Amadeus Mozart. Kemampuan musik komposer besar Austria. Keterkaitan musiknya dengan budaya nasional yang berbeda (terutama Italia). Popularitas tragedi Pushkin "Mozart dan Salieri".

presentasi, ditambahkan 22/12/2013


Pengantar biografi singkat V.A. Mozart, analisis aktivitas kreatif. Ciri-ciri umum karya “Ave verum corpus”. Motet adalah karya polifonik vokal yang bersifat polifonik, sebuah genre seni musik profesional.

Klasisisme musik dan tahapan utama perkembangannya

Klasisisme (dari bahasa Latin classicus - keteladanan) adalah gaya seni abad ke-17 - ke-18. Nama "klasisisme" berasal dari seruan terhadap zaman klasik sebagai standar kesempurnaan estetika tertinggi. Perwakilan klasisisme mengambil cita-cita estetika mereka dari contoh seni kuno. Klasisisme didasarkan pada keyakinan akan rasionalitas keberadaan, adanya keteraturan dan harmoni di alam dan dunia batin manusia. Estetika klasisisme mengandung sejumlah aturan ketat wajib yang harus dipenuhi sebuah karya seni. Yang paling penting di antaranya adalah persyaratan keseimbangan keindahan dan kebenaran, kejelasan logis, harmoni dan kelengkapan komposisi, proporsi yang ketat, dan perbedaan yang jelas antar genre.

Ada 2 tahapan dalam perkembangan klasisisme:

Klasisisme abad ke-17, yang berkembang sebagian dalam perjuangan melawan seni Barok, sebagian lagi dalam interaksi dengannya.

Klasisisme Pencerahan abad ke-18.

Klasisisme abad ke-17 dalam banyak hal merupakan antitesis dari Barok. Ia menerima ekspresi paling lengkap di Perancis. Ini adalah masa kejayaan monarki absolut, yang memberikan perlindungan tertinggi terhadap seni istana dan menuntut kemegahan dan kemegahan darinya. Puncak klasisisme Prancis di bidang seni teater adalah tragedi Corneille dan Racine, serta komedi Moliere, yang karyanya diandalkan oleh Lully. “Tragedi liris” -nya memiliki ciri pengaruh klasisisme (logika konstruksi yang ketat, kepahlawanan, karakter yang berkelanjutan), meskipun mereka juga memiliki ciri-ciri barok - kemegahan opera, banyaknya tarian, prosesi, dan paduan suara.

Klasisisme abad ke-18 bertepatan dengan Zaman Pencerahan. Pencerahan adalah gerakan luas dalam filsafat, sastra, dan seni, yang mencakup seluruh negara Eropa. Nama “Pencerahan” dijelaskan oleh fakta bahwa para filsuf zaman ini (Voltaire, Diderot, Rousseau) berusaha mencerahkan sesama warganya, mencoba memecahkan masalah struktur masyarakat manusia, sifat manusia, dan hak-haknya. Para Pencerahan berangkat dari gagasan kemahakuasaan pikiran manusia. Keyakinan pada manusia, dalam pikirannya, menentukan sikap cerah dan optimis yang melekat pada pandangan para tokoh Pencerahan.

Opera menjadi pusat perdebatan musik dan estetika. Ensiklopedis Perancis menganggapnya sebagai genre di mana sintesis seni yang ada di teater kuno harus dipulihkan. Ide ini menjadi dasar reformasi opera K.V. kesalahan.

Pencapaian besar klasisisme pendidikan adalah terciptanya genre simfoni (siklus sonata-simfoni) dan bentuk sonata, yang dikaitkan dengan karya komposer sekolah Mannheim. Sekolah Mannheim berkembang di Mannheim (Jerman) pada pertengahan abad ke-18 berdasarkan kapel istana, tempat sebagian besar musisi Ceko bekerja (perwakilan terbesar adalah Jan Stamitz dari Ceko). Dalam karya komposer sekolah Mannheim, struktur simfoni 4 gerakan dan komposisi klasik orkestra ditetapkan.

Sekolah Mannheim menjadi pendahulu sekolah klasik Wina - arah musik yang menunjukkan karya Haydn, Mozart, dan Beethoven. Dalam karya klasik Wina, siklus sonata-simfoni yang menjadi klasik, serta genre ansambel kamar dan konser, akhirnya terbentuk.

Di antara genre instrumental, berbagai jenis musik hiburan sehari-hari sangat populer - serenade, pengalihan, dibunyikan di luar ruangan pada malam hari. Divertimento (Hiburan Prancis) - karya multi-gerakan instrumental untuk ansambel kamar atau orkestra, menggabungkan fitur sonata dan suite dan mirip dengan serenade dan nocturne.

K. V. Gluck - pembaharu besar gedung opera

Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) - Jerman sejak lahir (lahir di Erasbach (Bavaria, Jerman)), namun, adalah salah satu perwakilan terkemuka dari sekolah klasik Wina.

Kegiatan reformasi Gluck berlangsung di Wina dan Paris dan dilakukan sejalan dengan estetika klasisisme. Secara total, Gluck menulis sekitar 40 opera - Italia dan Prancis, buffa dan seria, tradisional dan inovatif. Berkat yang terakhir ini ia mendapat tempat penting dalam sejarah musik.

Prinsip-prinsip reformasi Gluck dituangkan dalam kata pengantar musik opera Alceste. Intinya adalah sebagai berikut:

Musik harus mengekspresikan teks puitis opera; musik tidak bisa berdiri sendiri, di luar aksi dramatis. Dengan demikian, Gluck secara signifikan meningkatkan peran dasar sastra dan dramatis opera, dengan mensubordinasikan musik ke drama.

Opera harus memiliki dampak moral pada seseorang, oleh karena itu ia menarik perhatian subjek kuno dengan kesedihan dan kemuliaan yang tinggi (“Orpheus dan Eurydice”, “Paris dan Helen”, “Iphigenia in Aulis”). G. Berlioz menyebut Gluck sebagai “Aeschylus musik”.

Opera harus mematuhi “tiga prinsip utama keindahan dalam segala bentuk seni” – “kesederhanaan, kebenaran, dan kealamian”. Opera perlu dihilangkan dari keahlian yang berlebihan dan ornamen vokal (yang melekat pada opera Italia), dan plot yang rumit.

Seharusnya tidak ada perbedaan yang tajam antara aria dan resitatif. Gluck mengganti resitatif secco dengan resitatif yang diiringi, sehingga mendekati aria (dalam opera seria tradisional, resitatif hanya berfungsi sebagai penghubung antara nomor konser).

Gluck juga menafsirkan arias dengan cara baru: ia memperkenalkan ciri-ciri kebebasan improvisasi, dan menghubungkan perkembangan materi musik dengan perubahan keadaan psikologis sang pahlawan. Arias, resitatif dan chorus digabungkan menjadi adegan dramatis yang besar.

Pembukaan harus mengantisipasi isi opera dan memperkenalkan suasananya kepada pendengar.

Balet tidak boleh menjadi sisipan nomor yang tidak ada hubungannya dengan aksi opera. Pengenalannya harus dikondisikan oleh jalannya aksi dramatis.

Sebagian besar prinsip-prinsip ini diwujudkan dalam opera “Orpheus dan Eurydice” (penayangan perdana pada tahun 1762). Opera ini menandai dimulainya babak baru tidak hanya dalam karya Gluck, tetapi juga dalam sejarah seluruh opera Eropa. Orpheus diikuti oleh opera inovatif lainnya, Alceste (1767).

Di Paris, Gluck menulis opera reformasi lainnya: Iphigenia in Aulis (1774), Armida (1777), Iphigenia in Tauris (1779). Produksi masing-masing dari mereka berubah menjadi peristiwa besar dalam kehidupan Paris, menyebabkan kontroversi sengit antara “Glucists” dan “Piccinists” - pendukung opera tradisional Italia, yang dipersonifikasikan oleh komposer Neapolitan Nicolo Piccini (1728 - 1800 ). Kemenangan Gluck dalam kontroversi ini ditandai dengan kejayaan opera Iphigenia di Tauris.

Oleh karena itu, Gluck mengubah opera menjadi seni dengan cita-cita pendidikan yang tinggi, mengisinya dengan muatan moral yang mendalam, dan mengungkapkan perasaan manusia yang tulus di atas panggung. Reformasi opera Gluck mempunyai pengaruh yang bermanfaat baik bagi komposer sezamannya maupun generasi berikutnya (terutama komposer klasik Wina).

Pada akhir abad ke-17, Zaman Pencerahan dimulai, yang meliputi seluruh abad ke-18 berikutnya. Ciri-ciri utama pada masa ini adalah pemikiran bebas dan rasionalisme. Budaya Pencerahan mulai terbentuk, yang memberi dunia

Filsafat

Seluruh budaya Pencerahan didasarkan pada ide-ide filosofis baru yang dirumuskan oleh para pemikir pada masa itu. Penguasa pemikiran utama adalah John Locke, Voltaire, Montesquieu, Rousseau, Goethe, Kant dan beberapa lainnya. Merekalah yang menentukan penampakan spiritual abad ke-18 (yang disebut juga Age of Reason).

Pencerahan percaya pada beberapa gagasan utama. Salah satunya adalah semua orang pada hakikatnya sama, setiap orang mempunyai kepentingan dan kebutuhannya masing-masing. Untuk memuaskan mereka, perlu diciptakan sebuah asrama yang nyaman bagi semua orang. Kepribadian tidak lahir dengan sendirinya - ia terbentuk seiring berjalannya waktu karena manusia memiliki kekuatan jasmani dan rohani, serta kecerdasan. Kesetaraan harus pertama-tama dan terutama terdiri dari persamaan semua orang di depan hukum.

Budaya Pencerahan adalah budaya pengetahuan yang dapat diakses oleh semua orang. Para pemikir terkemuka percaya bahwa hanya melalui penyebaran pendidikan kerusuhan sosial dapat diakhiri. Inilah rasionalisme - pengakuan akal sebagai dasar perilaku dan kognisi manusia.

Selama masa Pencerahan, perdebatan tentang agama terus berlanjut. Disosiasi masyarakat dari gereja yang lamban dan konservatif (terutama gereja Katolik) semakin meningkat. Di antara orang-orang percaya yang terpelajar, gagasan tentang Tuhan sebagai semacam mekanik absolut yang menertibkan dunia yang semula ada menyebar luas. Berkat berbagai penemuan ilmiah, tersebarlah sudut pandang bahwa umat manusia dapat mengungkap semua rahasia alam semesta, dan misteri serta keajaiban sudah ketinggalan zaman.

Gerakan seni

Selain filsafat, ada juga seni budaya Pencerahan. Saat ini, seni Dunia Lama mencakup dua arah utama. Yang pertama adalah klasisisme. Hal ini diwujudkan dalam sastra, musik, dan seni rupa. Arah ini menyiratkan mengikuti prinsip-prinsip Romawi dan Yunani kuno. Seni semacam itu dibedakan oleh simetri, rasionalitas, tujuan, dan kepatuhan yang ketat terhadap bentuk.

Dalam kerangka romantisme, budaya artistik Pencerahan menanggapi tuntutan lain: emosionalitas, imajinasi, improvisasi kreatif seniman. Seringkali dalam satu karya kedua pendekatan yang berlawanan ini digabungkan. Misalnya, bentuknya bisa sesuai dengan klasisisme, dan isinya - dengan romantisme.

Gaya eksperimental juga muncul. Sentimentalisme menjadi fenomena penting. Itu tidak memiliki bentuk gayanya sendiri, tetapi dengan bantuannya gagasan tentang kebaikan dan kemurnian manusia, yang diberikan kepada manusia secara alami, tercermin. Budaya seni Rusia di Abad Pencerahan, seperti halnya budaya Eropa, memiliki karya-karyanya yang dinamis yang termasuk dalam gerakan sentimentalisme. Ini adalah kisah Nikolai Karamzin "Kasihan Liza".

Kultus alam

Kaum sentimentalislah yang menciptakan kultus alam yang menjadi ciri khas Pencerahan. Para pemikir abad ke-18 mencari di dalamnya sebuah contoh keindahan dan kebaikan yang harus diperjuangkan umat manusia. Taman dan kebun yang saat itu aktif bermunculan di Eropa ternyata merupakan perwujudan dunia yang lebih baik. Mereka diciptakan sebagai lingkungan yang sempurna untuk orang-orang yang sempurna. Komposisinya meliputi galeri seni, perpustakaan, museum, kuil, dan teater.

Kaum Pencerahan percaya bahwa "manusia alami" yang baru harus kembali ke keadaan aslinya - yaitu alam. Menurut gagasan ini, budaya artistik Rusia pada masa Pencerahan (atau lebih tepatnya, arsitektur) memberikan Peterhof kepada orang-orang sezamannya. Arsitek terkenal Leblon, Zemtsov, Usov, Quarenghi mengerjakan pembangunannya. Berkat upaya mereka, ansambel unik muncul di tepi Teluk Finlandia, termasuk taman unik, istana megah, dan air mancur.

Lukisan

Dalam seni lukis, budaya artistik Eropa Pencerahan berkembang ke arah sekularisme yang lebih besar. Prinsip agama semakin melemah bahkan di negara-negara yang sebelumnya cukup percaya diri: Austria, Italia, Jerman. Lukisan pemandangan menggantikan suasana lanskap, dan potret intim menggantikan potret formal.

Pada paruh pertama abad ke-18, budaya Pencerahan Perancis melahirkan gaya Rococo. Seni semacam itu dibangun di atas asimetri, mengejek, main-main, dan megah. Karakter favorit para seniman gerakan ini adalah bacchantes, nimfa, Venus, Diana, dan tokoh mitologi kuno lainnya, dan subjek utamanya adalah cinta.

Contoh mencolok dari Rococo Prancis adalah karya Francois Boucher, yang juga disebut sebagai “seniman pertama raja”. Dia melukis pemandangan teater, ilustrasi untuk buku, dan lukisan untuk rumah dan istana kaya. Lukisannya yang paling terkenal: “Toilet of Venus”, “Triumph of Venus”, dll.

Antoine Watteau, sebaliknya, lebih beralih ke kehidupan modern. Di bawah pengaruhnya, gaya pelukis potret Inggris terhebat, Thomas Gainsborough, berkembang. Gambarannya dibedakan berdasarkan spiritualitas, kecanggihan spiritual, dan puisinya.

Pelukis utama Italia abad ke-18 adalah Giovanni Tiepolo. Ahli ukiran dan lukisan dinding ini dianggap oleh sejarawan seni sebagai perwakilan besar terakhir dari sekolah Venesia. Ibu kota republik perdagangan terkenal ini juga memunculkan veduta - pemandangan kota sehari-hari. Pencipta paling terkenal dalam genre ini adalah Francesco Guardi dan Antonio Canaletto. Tokoh budaya Pencerahan ini meninggalkan sejumlah besar lukisan yang mengesankan.

Teater

Abad ke-18 merupakan masa keemasan teater. Selama Zaman Pencerahan, bentuk seni ini mencapai puncak popularitas dan prevalensinya. Di Inggris, penulis drama terhebat adalah Richard Sheridan. Karya-karyanya yang paling terkenal, “The Trip to Scarborough,” “The School for Scandal,” dan “The Rivals,” menyindir amoralitas kaum borjuis.

Budaya teater Eropa pada masa Pencerahan berkembang paling dinamis di Venesia, di mana 7 teater beroperasi sekaligus. Karnaval kota tradisional tahunan menarik tamu dari seluruh Dunia Lama. Penulis “Tavern” yang terkenal, Carlo Goldoni, bekerja di Venesia. Penulis drama yang menulis total 267 karya ini dihormati dan diapresiasi oleh Voltaire.

Komedi paling terkenal abad ke-18 adalah The Marriage of Figaro, yang ditulis oleh orang Prancis yang hebat, Beaumarchais. Drama ini mencerminkan mood masyarakat yang memiliki sikap negatif terhadap monarki absolut Bourbon. Beberapa tahun setelah penerbitan dan pertunjukan pertama komedi tersebut, sebuah revolusi terjadi di Prancis yang menggulingkan rezim lama.

Kebudayaan Eropa pada masa Pencerahan tidak homogen. Di beberapa negara, ciri khas nasionalnya sendiri muncul dalam seni. Misalnya, penulis drama Jerman (Schiller, Goethe, Lessing) menulis karya mereka yang paling menonjol dalam genre tragedi. Selain itu, teater Pencerahan di Jerman muncul beberapa dekade lebih lambat dibandingkan di Prancis atau Inggris.

Johann Goethe bukan hanya seorang penyair dan penulis drama yang hebat. Bukan tanpa alasan ia disebut sebagai "jenius universal" - seorang ahli seni dan ahli teori, ilmuwan, novelis dan spesialis di banyak bidang lainnya. Karya utamanya adalah tragedi "Faust" dan drama "Egmont". Tokoh terkemuka Pencerahan Jerman lainnya, tidak hanya menulis "Kelicikan dan Cinta" dan "Perampok", tetapi juga meninggalkan karya ilmiah dan sejarah.

Fiksi

Genre sastra utama abad ke-18 adalah novel. Berkat buku-buku baru inilah kejayaan budaya borjuis menggantikan ideologi feodal lama. Karya-karya tidak hanya penulis seni, tetapi juga sosiolog, filsuf, dan ekonom diterbitkan secara aktif.

Novel, sebagai sebuah genre, tumbuh dari jurnalisme pendidikan. Dengan bantuannya, para pemikir abad ke-18 menemukan bentuk baru dalam mengekspresikan ide-ide sosial dan filosofis mereka. Jonathan Swift, penulis Gulliver's Travels, banyak menyinggung keburukan masyarakat kontemporer dalam karyanya. Dia juga menulis “Kisah Kupu-Kupu”. Dalam pamflet ini, Swift mengolok-olok tatanan dan perselisihan gereja saat itu.

Perkembangan kebudayaan pada masa Pencerahan dapat ditelusuri dengan munculnya genre sastra baru. Pada masa inilah muncul novel epistolary (novel sastra). Ini misalnya, karya sentimental Johann Goethe “The Sorrows of Young Werther,” di mana tokoh utamanya bunuh diri, serta “Persian Letters” karya Montesquieu. Novel dokumenter muncul dalam genre catatan perjalanan atau deskripsi perjalanan (“Perjalanan di Prancis dan Italia” oleh Tobias Smollett).

Dalam sastra, budaya Pencerahan di Rusia mengikuti ajaran klasisisme. Pada abad ke-18, penyair Alexander Sumarokov, Vasily Trediakovsky, dan Antiokhia Cantemir bekerja. Tunas sentimentalisme pertama muncul (karamzin yang telah disebutkan dengan "Kasihan Liza" dan "Natalia, Putri Boyar"). Budaya Pencerahan di Rusia menciptakan semua prasyarat bagi sastra Rusia, yang dipimpin oleh Pushkin, Lermontov dan Gogol, untuk mengalami masa keemasannya pada awal abad ke-19 yang baru.

Musik

Pada masa Pencerahan, bahasa musik modern muncul. Johann Bach dianggap sebagai pendirinya. Komposer hebat ini menulis karya dalam semua genre (pengecualian opera). Bach masih dianggap sebagai ahli polifoni yang tak tertandingi hingga saat ini. Komposer Jerman lainnya, George Handel, menulis lebih dari 40 opera, serta banyak sonata dan suite. Dia, seperti Bach, mendapat inspirasi dari kisah-kisah alkitabiah (judul khas dari karya-karyanya: “Israel di Mesir”, “Saul”, “Mesias”).

Fenomena musik penting lainnya pada waktu itu adalah aliran Wina. Karya-karya perwakilannya terus dibawakan oleh orkestra akademis hingga saat ini, sehingga masyarakat modern dapat menyentuh warisan budaya Pencerahan. Abad ke-18 dikaitkan dengan nama-nama jenius seperti Wolfgang Mozart, Joseph Haydn, Ludwig Van Beethoven. Komposer Wina inilah yang memikirkan kembali bentuk dan genre musik sebelumnya.

Haydn dianggap sebagai bapak simfoni klasik (dia menulis lebih dari seratus simfoni). Banyak dari karya-karya ini didasarkan pada tarian dan lagu daerah. Puncak karya Haydn adalah siklus simfoni London, yang ditulisnya selama perjalanannya ke Inggris. Budaya Pencerahan, atau periode lain dalam sejarah manusia, jarang menghasilkan seniman yang begitu produktif. Selain simfoni, Haydn menulis 83 kuartet, 13 massa, 20 opera, dan 52 sonata keyboard.

Mozart tidak hanya menulis musik. Dia memainkan harpsichord dan biola yang tak tertandingi, setelah menguasai instrumen ini sejak masa kanak-kanak. Opera dan konsernya dibedakan oleh beragam suasana hati (dari lirik puitis hingga lirik yang menyenangkan). Karya utama Mozart adalah tiga simfoninya, yang ditulis pada tahun yang sama, 1788 (nomor 39, 40, 41).

Karya klasik hebat lainnya, Beethoven, menyukai subjek heroik, yang tercermin dalam pembukaan “Egmont”, “Coriolanus” dan opera “Fidelio”. Sebagai seorang pemain, ia membuat kagum orang-orang sezamannya dengan bermain piano. Beethoven menulis 32 sonata untuk instrumen ini. Komposer menciptakan sebagian besar karyanya di Wina. Dia juga memiliki 10 sonata untuk biola dan piano (Kreutzer Sonata adalah yang paling terkenal).

Beethoven menderita gangguan pendengaran yang parah. Sang komposer cenderung bunuh diri dan dengan putus asa menulis sonata “Bulan” yang legendaris. Namun, penyakit yang parah pun tidak mematahkan keinginan sang artis. Setelah mengatasi sikap apatisnya sendiri, Beethoven menulis lebih banyak karya simfoni.

Pencerahan Inggris

Inggris adalah tempat lahirnya Pencerahan Eropa. Di negara ini, lebih awal dari negara lain, pada abad ke-17, terjadi revolusi borjuis, yang memberikan dorongan bagi perkembangan budaya. Inggris telah menjadi contoh nyata kemajuan sosial. Filsuf John Locke adalah salah satu ahli teori pertama dan utama gagasan liberal. Di bawah pengaruh tulisannya, dokumen politik terpenting Pencerahan ditulis - Deklarasi Kemerdekaan Amerika. Locke percaya bahwa pengetahuan manusia ditentukan oleh persepsi dan pengalaman indrawi, yang menyangkal filosofi Descartes yang sebelumnya populer.

Pemikir penting Inggris lainnya pada abad ke-18 adalah David Hume. Filsuf, ekonom, sejarawan, diplomat dan humas ini memperbarui ilmu moralitas. Adam Smith sezamannya menjadi pendiri teori ekonomi modern. Singkatnya, budaya Pencerahan mendahului banyak konsep dan gagasan modern. Karya Smith persis seperti itu. Dialah orang pertama yang menyamakan pentingnya pasar dengan pentingnya negara.

Pemikir Perancis

Para filsuf Perancis abad ke-18 bekerja menentang sistem sosial dan politik yang ada saat itu. Rousseau, Diderot, Montesquieu - mereka semua memprotes tatanan domestik. Kritik dapat mengambil berbagai bentuk: ateisme, idealisasi masa lalu (tradisi republik kuno dipuji), dll.

Ensiklopedia setebal 35 jilid menjadi fenomena unik budaya Pencerahan. Itu terdiri dari para pemikir utama “Age of Reason”. Inspirasi dan pemimpin redaksi publikasi penting ini adalah Julien La Mettrie, Claude Helvetius dan intelektual terkemuka abad ke-18 lainnya yang berkontribusi pada volume individu.

Montesquieu dengan tajam mengkritik kesewenang-wenangan dan despotisme penguasa. Saat ini ia dianggap sebagai pendiri liberalisme borjuis. Voltaire menjadi contoh kecerdasan dan bakat yang luar biasa. Dia adalah penulis puisi satir, novel filosofis, dan risalah politik. Dua kali si pemikir masuk penjara, dan lebih sering lagi dia harus melarikan diri. Voltaire-lah yang menciptakan gaya berpikir bebas dan skeptisisme.

Pencerahan Jerman

Kebudayaan Jerman abad ke-18 ada dalam kondisi fragmentasi politik negaranya. Pemikir progresif menganjurkan penolakan terhadap sisa-sisa feodal dan persatuan nasional. Berbeda dengan para filsuf Perancis, para pemikir Jerman berhati-hati terhadap isu-isu yang berkaitan dengan gereja.

Seperti budaya Pencerahan Rusia, budaya Prusia dibentuk dengan partisipasi langsung dari raja otokratis (di Rusia adalah Catherine II, di Prusia adalah Frederick Agung). Kepala negara sangat mendukung cita-cita progresif pada masanya, meskipun ia tidak melepaskan kekuasaannya yang tidak terbatas. Sistem ini disebut “absolutisme yang tercerahkan”.

Tokoh Pencerahan utama di Jerman pada abad ke-18 adalah Immanuel Kant. Pada tahun 1781 ia menerbitkan karya mendasar “Critique of Pure Reason”. Filsuf mengembangkan teori pengetahuan baru dan mempelajari kemampuan kecerdasan manusia. Dialah yang memperkuat cara-cara perjuangan dan bentuk-bentuk hukum untuk mengubah sistem sosial dan negara, tidak termasuk kekerasan yang berat. Kant memberikan kontribusi yang signifikan terhadap penciptaan teori supremasi hukum.

Artikel ini dapat menjadi bahan tambahan untuk pelajaran musik di kelas 7-8. Menawarkan bahan untuk studi mendalam tentang budaya musik abad 17-18. Dalam musik pada masa itu, terbentuklah sebuah bahasa yang nantinya akan “diucapkan” oleh seluruh Eropa.

Unduh:

Pratinjau:

"Musik Pencerahan"

Gerakan pendidikan mempunyai pengaruh yang signifikan terhadap kehidupan musik. Dalam musik abad 17 – 18. bahasa musik yang nantinya akan “diucapkan” oleh seluruh Eropa mulai muncul. Yang pertama adalah Johann Sebastian Bach (1685 1750) dan George Frideric Handel (1685 1759). Bach adalah seorang komposer dan organis hebat yang bekerja di semua genre musik kecuali opera. Dia menyempurnakan seni polifonik yang muncul di Eropa pada Abad Pertengahan. Dalam karya organ, kedalaman pemikiran dan perasaan Bach terungkap sepenuhnya, dan pengakuan jiwa terdengar. Di antara enam generasi Bach, hampir semuanya adalah pemain organ, pemain terompet, pemain suling, pemain biola, bandmaster, dan penyanyi. Jalan hidup seorang komposer brilian adalah perjuangan terus-menerus untuk hak atas kreativitas. Handel, seperti Bach, menggunakan adegan-adegan alkitabiah untuk karyanya.

Sepanjang abad ke-18, di sejumlah negara (Italia, Jerman, Austria, Perancis, dll), terjadi proses pembentukan genre dan bentuk musik instrumental baru, yang akhirnya terbentuk dan mencapai puncaknya pada apa yang disebut. “Sekolah klasik Wina”.Aliran klasik Wina, yang secara organik menyerap pencapaian-pencapaian maju budaya musik nasional, sendiri merupakan fenomena yang sangat nasional, yang berakar pada budaya demokrasi rakyat Austria. Perwakilan dari gerakan seni ini adalah J. Haydn, V.A. Mozart, L.van Beethoven. Masing-masing dari mereka adalah individu yang cerdas. Dengan demikian, gaya Haydn dibedakan oleh pandangan dunia yang cerah dan peran utama genre dan elemen sehari-hari. Awal liris-dramatis lebih menjadi ciri gaya Mozart. Gaya Beethoven adalah perwujudan dari kesedihan perjuangan yang heroik. Namun, seiring dengan perbedaan yang menentukan keunikan masing-masing komposer tersebut, mereka dipersatukan oleh realisme, prinsip-prinsip yang meneguhkan kehidupan, dan demokrasi. Pemikiran yang berorientasi pada rasionalisme dan generalisasi abstrak pada masa Pencerahan menyebabkan munculnya genre baru: SYMPHONY, SONATA, CONCERT. Genre-genre tersebut berbentuk siklus sonata-simfoni yang intinya adalah sonata allegro. SONATA ALLEGRO adalah struktur proporsional dan simetris, terdiri dari tiga bagian utama - eksposisi, pengembangan, dan reprise.

Aliran klasik Wina dicirikan oleh gaya artistik klasisisme yang muncul di Prancis pada abad ke-17.Berdasarkan gagasan tentang keteraturan dan rasionalitas tatanan dunia, para empu gaya ini mengupayakan bentuk yang jelas dan tegas, pola yang harmonis, dan perwujudan cita-cita moral yang tinggi. Mereka menganggap karya seni kuno sebagai contoh kreativitas seni tertinggi dan tak tertandingi, sehingga mereka mengembangkan subjek dan gambar kuno. Klasisisme dalam banyak hal menentang Barok dengan semangat, variabilitas, dan inkonsistensinya, dengan menegaskan prinsip-prinsipnya dalam berbagai jenis seni, termasuk musik.Kegiatan para komposer sekolah klasik Wina dipersiapkan oleh pengalaman artistik para pendahulu dan sezaman mereka, termasuk opera dan budaya instrumental Italia dan Prancis, serta pencapaian musik Jerman. Peran besar dalam pembentukan sekolah klasik Wina dimainkan oleh kehidupan musik Wina - pusat musik terbesar, dan cerita rakyat musik multinasional Austria. Seni klasik Wina berhubungan erat dengan kebangkitan umum budaya Austro-Jerman, dengan Pencerahan, yang mencerminkan cita-cita humanistik dari Third Estate menjelang Revolusi Besar Perancis. Ide-ide kreatif karya klasik Wina erat kaitannya dengan pandangan G.E. Lessinga, I.G. Herdera, I.V. Goethe, F. Schiller, I. Kant, G. Hegel, dengan beberapa ketentuan ensiklopedis Perancis.

Seni perwakilan aliran klasik Wina dicirikan oleh universalitas pemikiran artistik, logika, dan kejelasan bentuk artistik. Karya-karya mereka secara organik menggabungkan perasaan dan kecerdasan, tragis dan komik, perhitungan yang tepat dan kealamian, kemudahan berekspresi.Musik komposer sekolah klasik Wina merupakan tahap baru dalam perkembangan pemikiran musik. Bahasa musik mereka dicirikan oleh keteraturan yang ketat dikombinasikan dengan keragaman dan kekayaan internal. Masing-masing guru sekolah klasik Wina memiliki kepribadian yang unik. Bidang musik instrumental ternyata paling dekat dengan Haydn dan Beethoven; Mozart sama-sama menunjukkan dirinya baik dalam genre opera maupun instrumental. Haydn lebih tertarik pada gambar objektif bergenre folk, humor, lelucon, Beethoven - pada heroik, Mozart, sebagai seniman universal - pada berbagai corak pengalaman liris. Karya komposer sekolah klasik Wina, yang termasuk puncak budaya seni dunia, memiliki pengaruh besar pada perkembangan musik selanjutnya.

Bentuk musik instrumental yang paling kompleks adalah SYMPHONY (bahasa Yunani “consonance”). Ini dirancang untuk dibawakan oleh orkestra simfoni. Kemungkinan genre ini sangat besar: memungkinkan Anda mengekspresikan ide-ide filosofis dan moral melalui sarana musik, berbicara tentang perasaan dan pengalaman. Genre ini terbentuk pada pertengahan abad ke-18 dalam karya perwakilan sekolah klasik Wina. Para komposer mengembangkan siklus sonata-simfoni yang terdiri dari empat gerakan, yang berbeda dalam sifat musik, tempo dan metode pengembangan tema. Gerakan pertama yang dibangun dalam bentuk sonata dan biasanya dibawakan dengan tempo cepat, sarat dengan muatan dramatis. Terkadang didahului dengan perkenalan yang lambat. Gerakan kedua lambat dan kontemplatif; ini adalah pusat liris dari komposisi tersebut. Yang ketiga berbeda dengan yang kedua: musik live yang aktif bersifat seperti tarian atau lucu. Sampai awal abad ke-19. komposer menggunakan bentuk minuet (menuet Prancis, dari menu - “kecil, kecil”), tarian salon umum abad ke-18. Kemudian, minuet digantikan oleh scherzo (dari bahasa Italia scherzo - "lelucon") - ini adalah nama karya vokal atau instrumental kecil, tempo cepat dan isinya lucu. Gerakan keempat, biasanya cepat, adalah akhir dari simfoni; di sini perkembangan tema dan gambar karya dirangkum.Salah satu bentuk musik yang paling kompleks dan kaya konten, sonata, mulai terbentuk pada paruh pertama abad ke-18. dan menemukan bentuk akhirnya pada paruh kedua abad ini dalam karya-karya komposer sekolah klasik Wina. SONATA FORM adalah prinsip penyajian materi musik. Ini tidak melibatkan pergantian mekanis bagian dan bagian, tetapi interaksi tema dan gambar artistik. Topik - utama dan sekunder - saling bertentangan atau saling melengkapi. Pengembangan tema melalui tiga tahap yaitu eksposisi, pengembangan, dan rekapitulasi. Tema muncul dalam eksposisi (dari bahasa Latin expositio - “presentasi, tampilan”). Bunyi utama di kunci utama, yang menentukan nama kunci seluruh komposisi. Topik sampingan biasanya disajikan dengan nada yang berbeda - ada kontras di antara topik-topik tersebut. Pengembangan lebih lanjut dari tema sedang dalam pengerjaan. Mereka bisa mengalami kontradiksi yang tajam. Kadang-kadang yang satu menekan yang lain atau, sebaliknya, bersembunyi, meninggalkan “saingan” kebebasan penuh untuk bertindak. Kedua tema tersebut mungkin muncul dalam sudut pandang yang berbeda, misalnya, dibawakan dengan seperangkat instrumen yang berbeda, atau karakternya akan berubah secara dramatis. Dalam reprise (Reprise Perancis, dari reprendre - “resume, repeat”) tema sekilas kembali ke keadaan semula. Namun tema sekunder sudah dibunyikan pada kunci utama, sehingga menyatu dengan kunci utama. Reprise adalah hasil dari jalur kompleks yang membawa tema-tema yang diperkaya oleh pengalaman eksposisi dan pengembangan. Hasil pengembangan terkadang dicatat di bagian tambahan - kode (dari coda Italia - "ekor"), tetapi ini tidak wajib. Bentuk sonata biasanya digunakan pada bagian pertama sonata dan simfoni, serta (dengan sedikit perubahan) pada bagian kedua dan akhir.

Salah satu genre utama musik instrumental adalah SONATA (sonata Italia, dari sonare - “to sound”). Ini adalah pekerjaan multi-bagian (biasanya tiga atau empat bagian). Dalam karya para master sekolah klasik Wina, sonata, seperti simfoni, mencapai puncaknya. Berbeda dengan simfoni, sonata ditujukan untuk satu instrumen (biasanya piano) atau dua instrumen (salah satunya adalah piano). Bagian pertama karya genre ini ditulis dalam bentuk sonata. Tema musik utama dari karya tersebut ditunjukkan di sini. Bagian kedua, biasanya tenang dan lambat, sangat kontras dengan bagian pertama. Yang ketiga adalah final, dilakukan dengan langkah cepat. Dia merangkum hasilnya dan akhirnya menentukan sifat umum dari pekerjaan tersebut.

Joseph Haydn dianggap sebagai pendiri sekolah klasik Wina. Karya Haydn dikaitkan dengan berkembangnya genre seperti simfoni (ia memiliki seratus empat genre, belum termasuk yang hilang), kuartet gesek (delapan puluh tiga), dan sonata keyboard (lima puluh dua). Komposer menaruh banyak perhatian pada konser berbagai instrumen, ansambel kamar, dan musik sakral.

Franz Joseph Haydn lahir di desa Rohrau (Austria) dalam keluarga pembuat kereta. Sejak usia delapan tahun ia mulai bernyanyi di Kapel St. Stephen di Wina. Komposer masa depan harus mencari nafkah dengan menyalin nada-nada, memainkan organ, clavier, dan biola. Pada usia tujuh belas tahun, Haydn kehilangan suaranya dan diusir dari kapel. Hanya empat tahun kemudian dia mendapatkan pekerjaan tetap - dia mendapat pekerjaan sebagai pengiring untuk komposer opera terkenal Italia Nicola Porpora (1686-1768). Dia menghargai bakat musik Haydn dan mulai mengajarinya komposisi. Pada tahun 1761 Haydn mengabdi pada pangeran kaya Hongaria Esterhazy dan menghabiskan hampir tiga puluh tahun di istana mereka sebagai komposer dan pemimpin kapel. Pada tahun 1790 kapel dibubarkan, tetapi Haydn tetap mempertahankan gaji dan posisi konduktornya. Hal ini memberikan kesempatan kepada sang master untuk menetap di Wina, bepergian, dan mengadakan konser. Di tahun 90an Haydn tinggal dan bekerja dengan baik di London untuk waktu yang lama. Ia memperoleh ketenaran Eropa, karyanya dihargai oleh orang-orang sezamannya - komposernya menjadi pemilik banyak gelar dan gelar kehormatan. Joseph Haydn sering disebut sebagai "bapak" simfoni. Dalam karyanya simfoni menjadi genre musik instrumental utama. Dalam simfoni Haydn, perkembangan tema-tema utama menarik. Dengan membawakan melodi dalam kunci dan register yang berbeda, memberinya suasana hati tertentu, komposer dengan demikian menemukan kemungkinan-kemungkinan tersembunyinya, mengungkapkan kontradiksi internal: melodi tersebut diubah atau dikembalikan ke keadaan semula. Haydn memiliki selera humor yang halus, dan ciri kepribadian ini tercermin dalam musiknya. Dalam banyak simfoni, ritme gerakan ketiga (minuet) sengaja dibuat membosankan, seolah-olah pengarangnya mencoba menggambarkan upaya kikuk orang biasa untuk mengulangi gerakan anggun dari sebuah tarian yang gagah. Simfoni No. 94 (1791) jenaka. Di pertengahan bagian kedua, saat musik terdengar kalem dan hening, tiba-tiba terdengar dentuman timpani - agar pendengarnya “tidak bosan”. Bukan suatu kebetulan jika karya tersebut diberi judul “Dengan Timpani Pertarungan, atau Kejutan”. Haydn sering menggunakan teknik onomatopoeia (burung berkicau, beruang berkeliaran di hutan, dll). Dalam simfoni-simfoninya, komposer sering mengangkat tema-tema rakyat.

Perwakilan dari aliran klasik Wina, dan terutama Haydn, dikreditkan dengan membentuk komposisi orkestra simfoni yang stabil. Sebelumnya, komposer puas hanya dengan instrumen yang tersedia saat ini. Munculnya orkestra yang stabil merupakan tanda yang jelas dari klasisisme. Bunyi alat musik dengan demikian dibawa ke dalam sistem ketat yang tunduk pada aturan instrumentasi. Aturan-aturan ini didasarkan pada pengetahuan tentang kemampuan instrumen dan berasumsi bahwa bunyi masing-masing instrumen bukanlah tujuan itu sendiri, melainkan sarana untuk mengekspresikan gagasan tertentu. Komposisi yang stabil memberikan orkestra suara yang solid dan homogen.

Selain musik instrumental, Haydn menaruh perhatian pada opera dan karya spiritual (ia menciptakan sejumlah massa di bawah pengaruh Handel), dan beralih ke genre oratorio (“The Creation of the World,” 1798; “The Seasons,” 1801).

Sejak awal, opera tidak mengalami jeda dalam perkembangannya. Reformasi Opera pada paruh kedua abad ke-18. dalam banyak hal merupakan gerakan sastra. Nenek moyangnya adalah penulis dan filsuf Perancis J.J. Rousseau. Rousseau juga mempelajari musik, dan jika dalam filsafat ia menyerukan untuk kembali ke alam, maka dalam genre opera ia menganjurkan untuk kembali ke kesederhanaan.Ide reformasi sedang mengudara. Maraknya berbagai jenis sinetron komik merupakan salah satu gejalanya; yang lainnya adalah Letters on Dance and Ballets oleh koreografer Prancis J. Nover (1727–1810), di mana gagasan balet sebagai sebuah drama, dan bukan sekadar tontonan, dikembangkan. Tokoh yang menghidupkan reformasi adalah K.V. kesalahan (1714–1787). Seperti kebanyakan kaum revolusioner, Gluck memulai sebagai seorang tradisionalis. Selama beberapa tahun ia mementaskan tragedi satu demi satu dengan gaya lama dan beralih ke opera komik karena tekanan keadaan. Opera di Wina dibagi menjadi tiga arah utama. Tempat terdepan ditempati oleh opera Italia yang serius (opera seria Italia), di mana para pahlawan dan dewa klasik hidup dan mati dalam suasana tragedi yang tinggi. Yang kurang formal adalah opera komik (opera buffa), berdasarkan plot Harlequin dan Columbine dari komedi Italia (commedia dell'arte), dikelilingi oleh antek-antek yang tidak tahu malu, tuan mereka yang jompo dan segala macam bajingan dan penipu bersama dengan orang Italia ini bentuk, opera komik Jerman (singspiel) dikembangkan), yang keberhasilannya mungkin terletak pada penggunaan bahasa asli Jerman yang dapat diakses oleh masyarakat umum. Bahkan sebelum karir opera Mozart dimulai, Gluck menganjurkan untuk kembali ke kesederhanaan abad ke-17 opera, yang plotnya tidak diredam oleh aria solo panjang yang menunda perkembangan aksi dan hanya menjadi alasan bagi penyanyi untuk menunjukkan kekuatan suara mereka.

Dengan kekuatan bakatnya, Mozart menggabungkan ketiga arah tersebut. Saat masih remaja, ia menulis satu opera untuk setiap jenisnya. Sebagai komposer yang matang, ia terus berkarya di ketiga arah tersebut, meski tradisi opera seria semakin memudar.Karya Mozart menempati tempat khusus di sekolah klasik Wina. Dalam karya-karyanya, ketelitian klasik dan kejelasan bentuk dipadukan dengan emosionalitas yang mendalam. Musik komposer dekat dengan tren budaya paruh kedua abad ke-18 yang ditujukan pada perasaan manusia (“Sturm and Drang”, sebagian sentimentalisme). Mozart-lah yang pertama kali menunjukkan sifat kontradiktif dari dunia batin individu.

Wolfgang Amadeus Mozart lahir di Salzburg (Austria). Memiliki telinga yang fenomenal terhadap musik dan ingatan, ia sudah belajar memainkan harpsichord sejak masa kanak-kanak, dan pada usia lima tahun ia menulis komposisi pertamanya. Guru pertama komposer masa depan adalah ayahnya Leopold Mozart, seorang musisi di kapel Uskup Agung Salzburg. Mozart dengan ahlinya tidak hanya menguasai harpsichord, tetapi juga organ dan biola; terkenal sebagai improvisasi yang brilian. Sejak usia enam tahun ia melakukan tur ke negara-negara Eropa. Pada usia sebelas tahun ia menciptakan opera pertamanya, "Apollo and Hyacinth," dan pada usia empat belas tahun ia sudah memimpin pemutaran perdana opera miliknya sendiri "Mithridates, King of Pontus" di teater Milan. Sekitar waktu ini dia terpilih sebagai anggota Akademi Philharmonic di Bologna. Seperti banyak musisi pada masa itu, Mozart bertugas di istana (1769-1781) - dia adalah seorang pengiring dan organis untuk Uskup Agung Salzburg. Namun, karakter independen sang master menimbulkan ketidaksenangan yang tajam pada uskup agung, dan Mozart memilih untuk meninggalkan kebaktiannya. Di antara komposer-komposer terkemuka di masa lalu, dialah yang pertama memilih kehidupan sebagai seniman bebas. Pada tahun 1781 Mozart pindah ke Wina dan memulai sebuah keluarga. Dia memperoleh uang dari edisi langka komposisi, pelajaran piano, dan pertunjukannya sendiri (yang terakhir berfungsi sebagai insentif untuk membuat konser piano dan orkestra). Mozart memberikan perhatian khusus pada opera. Karya-karyanya mewakili seluruh era dalam perkembangan seni musik jenis ini. Komposer tertarik pada opera karena kesempatan untuk menunjukkan hubungan antara manusia, perasaan dan aspirasi mereka. Mozart tidak berusaha menciptakan bentuk opera baru - musiknya sendiri inovatif. Dalam karya-karyanya yang matang, komposer meninggalkan perbedaan tegas antara opera serius dan komik - sebuah pertunjukan musikal dan dramatis muncul di mana elemen-elemen ini saling terkait. Akibatnya, dalam opera Mozart tidak ada karakter positif dan negatif yang jelas; karakternya hidup dan beraneka segi, tidak berhubungan. Mozart sering beralih ke sumber sastra. Jadi, opera “The Marriage of Figaro” (1786) ditulis berdasarkan drama oleh penulis drama Perancis P.O. "Hari Gila, atau Pernikahan Figaro" karya Beaumarchais, yang dilarang karena sensor. Tema utama opera ini adalah cinta, namun demikian juga dengan semua karya Mozart. Namun, ada juga nuansa sosial dalam karya tersebut: Figaro dan Suzanne yang dicintainya cerdas dan energik, tetapi mereka berasal dari keluarga sederhana, dan hanya pelayan di rumah Pangeran Almaviva. Penentangan mereka terhadap sang majikan (seorang bangsawan yang bodoh dan tertipu) membangkitkan simpati penulis - cukup jelas bahwa dia berada di pihak para kekasih. Dalam opera “Don Juan” (1787), plot abad pertengahan tentang penakluk hati wanita mendapat perwujudan musik. Pahlawan yang energik, temperamental, berkemauan keras, dan bebas dari semua standar moral ditentang dalam pribadi Komandan oleh kekuatan yang lebih tinggi, yang melambangkan tatanan yang masuk akal. Generalisasi filosofis hidup berdampingan di sini dengan kisah cinta dan genre serta elemen sehari-hari. Tragis dan komik merupakan satu kesatuan yang tidak dapat dipisahkan. Penulisnya sendiri menekankan ciri opera ini, dengan memberikan karyanya subjudul “Drama Ceria”. Tampaknya keadilan menang di akhir - kejahatan (Don Juan) dihukum. Namun musik opera lebih halus dan kompleks daripada pemahaman yang disederhanakan tentang karya tersebut: musik ini membangkitkan simpati pendengar terhadap sang pahlawan, yang tetap setia pada dirinya sendiri bahkan dalam menghadapi kematian. Perumpamaan dongeng filosofis “The Magic Flute” (1791) ditulis dalam genre Singspiel. Gagasan utama dari karya ini adalah kemenangan kebaikan atas kejahatan yang tak terhindarkan, seruan untuk ketabahan, cinta, dan pemahaman akan makna tertingginya. Para pahlawan opera mengalami cobaan berat (keheningan, api, air), tetapi mereka mengatasinya dengan bermartabat dan mencapai kerajaan keindahan dan harmoni.

Mozart menganggap musik sebagai hal yang utama, meskipun ia sangat menuntut teks libretto. Dalam opera-operanya, peran orkestra meningkat secara signifikan. Di bagian orkestralah sikap pengarang terhadap tokoh-tokohnya sering terungkap: motif mengejek akan muncul, atau melodi puitis yang indah akan muncul. Bagi pendengar yang penuh perhatian, rincian ini mengatakan lebih dari sekedar teks. Ciri-ciri potret utama tetap berupa arias, dan hubungan antar tokoh diceritakan dalam ansambel vokal. Komposer berhasil menyampaikan ciri-ciri karakter masing-masing tokoh dalam ansambel.Mozart juga menjadi salah satu pencipta genre KONSER klasik. Dasar dari konser ini adalah persaingan antara pemain solo dan orkestra, dan proses ini selalu tunduk pada logika yang ketat. Komposer memiliki dua puluh tujuh konser untuk piano dan orkestra, tujuh untuk biola dan orkestra. Dalam beberapa karya, pendengar dikejutkan oleh keterampilan dan kemeriahan yang luar biasa, di karya lain oleh drama dan kontras emosional. Minat sang master tidak terbatas pada opera dan musik instrumental. Dia juga menciptakan karya spiritual: misa, kantata, oratorio, requiem. Musik requiem (1791), yang ditujukan untuk solois, paduan suara, dan orkestra, sangat tragis (Mozart mengerjakan komposisi tersebut ketika dia sudah sakit, bahkan sebelum kematiannya). Bagian-bagian komposisinya, yang mengingatkan pada aria dan ansambel opera, membuat musiknya sangat emosional, dan bagian-bagian polifoniknya (pertama-tama, “Tuhan, kasihanilah!”) melambangkan prinsip spiritual, keadilan tertinggi. Gambaran utama dari requiem adalah orang yang menderita dalam menghadapi keadilan Ilahi yang keras. Sang master tidak punya waktu untuk menyelesaikan requiem; itu diselesaikan berdasarkan sketsa komposer oleh muridnya F.K. Zyusmayr.

Secara historis, aliran Wina mencakup karya Ludwig van Beethoven (1770-1827), yang cita-cita estetikanya berkembang pada era revolusi borjuis Perancis. Dalam kaitan ini, tema heroik memasuki karyanya. “Musik harus mengeluarkan api dari dada manusia” - ini adalah kata-kata komposer Jerman Ludwig van Beethoven, yang karyanya termasuk dalam pencapaian tertinggi budaya musik.Secara musikal, karyanya, di satu sisi, melanjutkan tradisi klasisisme Wina, dan di sisi lain, menangkap ciri-ciri seni romantis baru. Dari klasisisme dalam karya Beethoven - keagungan konten, penguasaan bentuk musik yang luar biasa, daya tarik genre simfoni dan sonata. Dari romantisme - eksperimen berani di bidang genre ini, minat pada miniatur vokal dan piano. Ludwig van Beethoven lahir di Bonn (Jerman) dalam keluarga musisi istana. Ia mulai belajar musik sejak kecil di bawah bimbingan ayahnya. Namun, mentor Beethoven yang sebenarnya adalah komposer, konduktor dan organis K.G. Tidak. Dia mengajari musisi muda itu dasar-dasar komposisi dan mengajarinya memainkan kunci dan organ. Sejak usia sebelas tahun, Beethoven menjabat sebagai asisten organis di gereja, kemudian sebagai organis istana dan pengiring di Gedung Opera Bonn. Pada usia delapan belas tahun, ia masuk Universitas Bonn di Fakultas Filsafat, tetapi tidak lulus dan kemudian banyak melakukan pendidikan mandiri. Pada tahun 1792 Beethoven pindah ke Wina. Ia mengambil pelajaran musik dari J. Haydn, I.G. Albrechtsberger, A. Salieri (musisi terbesar pada masa itu). Albrechtsberger memperkenalkan Beethoven pada karya Handel dan Bach. Oleh karena itu, pengetahuan brilian sang komposer tentang bentuk musik, harmoni, dan polifoni. Beethoven segera mulai mengadakan konser; menjadi populer. Dia dikenali di jalanan dan diundang ke resepsi seremonial di rumah orang-orang berpangkat tinggi. Dia banyak mengarang: dia menulis sonata, konser untuk piano dan orkestra, simfoni.

Untuk waktu yang lama, tidak ada yang menyadari bahwa Beethoven terserang penyakit serius - dia mulai kehilangan pendengarannya. Yakin akan penyakitnya yang tidak dapat disembuhkan, sang komposer memutuskan untuk meninggal pada tahun 1802. menyiapkan surat wasiat, di mana dia menjelaskan alasan keputusannya. Namun, Beethoven berhasil mengatasi keputusasaan dan menemukan kekuatan untuk terus menulis musik. Jalan keluar dari krisis ini adalah Simfoni Ketiga (“Heroik”). Pada tahun 1803-1808 komposer juga mengerjakan penciptaan sonata; khususnya, Yang Kesembilan untuk biola dan piano (1803; didedikasikan untuk pemain biola Paris Rudolf Kreutzer, dan karena itu menerima nama “Kreutzer”), Yang Kedua Puluh Tiga (“Appassionata”) untuk piano, Simfoni Kelima dan Keenam (keduanya 1808 ). Simfoni keenam (“Pastoral”) diberi subjudul “Memories of Rural Life.” Karya ini menggambarkan berbagai keadaan jiwa manusia, yang untuk sementara dikeluarkan dari pengalaman dan pergumulan internal. Simfoni tersebut menyampaikan perasaan yang muncul dari kontak dengan alam dan kehidupan pedesaan. Strukturnya tidak biasa - lima bagian, bukan empat. Simfoni mengandung unsur figuratif dan onomatopoeia (kicauan burung, gemuruh guntur, dll). Temuan Beethoven kemudian digunakan oleh banyak komposer Romantis. Puncak kreativitas simfoni Beethoven adalah Simfoni Kesembilan. Itu disusun pada tahun 1812, tetapi komposer mengerjakannya dari tahun 1822 hingga 1823. Simfoni ini berskala besar; Bagian penutupnya sangat tidak biasa, mewakili sesuatu seperti kantata besar untuk paduan suara, solois, dan orkestra, yang ditulis sesuai dengan teks ode “To Joy” oleh J.F. Schiller. Pertunjukan perdana simfoni tersebut berlangsung pada tahun 1825. di Gedung Opera Wina. Untuk melaksanakan rencana penulis, orkestra teater saja tidak cukup; amatir harus diundang: dua puluh empat biola, sepuluh biola, dua belas cello, dan double bass. Untuk orkestra klasik Wina, komposisi seperti itu luar biasa kuatnya. Selain itu, setiap bagian paduan suara (bass, tenor, alto dan soprano) menampilkan dua puluh empat penyanyi, yang juga melebihi norma biasanya. Selama masa hidup Beethoven, Simfoni Kesembilan tetap tidak dapat dipahami oleh banyak orang; itu hanya dikagumi oleh mereka yang mengenal komposer secara dekat, murid-muridnya dan pendengar musik yang tercerahkan. Seiring waktu, orkestra terbaik di dunia mulai memasukkan simfoni ke dalam repertoar mereka, dan simfoni menemukan kehidupan baru.

Jadi, puncak perkembangan musik klasisisme adalah karya Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart dan Ludwig van Beethoven. Mereka bekerja terutama di Wina dan membentuk arah dalam budaya musik paruh kedua abad ke-18 - awal abad ke-19 - sekolah klasik Wina. Perhatikan bahwa klasisisme dalam musik dalam banyak hal berbeda dengan klasisisme dalam sastra, teater, atau lukisan. Dalam musik, tidak mungkin mengandalkan tradisi kuno, karena hampir tidak diketahui. Selain itu, isi komposisi musik seringkali dikaitkan dengan dunia perasaan manusia yang tidak dapat dikendalikan secara ketat oleh pikiran. Namun, para komposer aliran klasik Wina menciptakan sistem aturan yang sangat harmonis dan logis dalam membangun sebuah karya. Berkat sistem seperti itu, perasaan yang paling kompleks terbungkus dalam bentuk yang jelas dan sempurna. Penderitaan dan kegembiraan bagi komposer menjadi subjek refleksi, bukan pengalaman. Dan jika pada jenis seni lainnya berlaku hukum klasisisme pada awal abad ke-19. tampak ketinggalan jaman bagi banyak orang, kemudian dalam musik sistem genre, bentuk, dan aturan harmoni yang dikembangkan oleh aliran Wina masih tetap penting hingga saat ini.

Pada abad ke-18, sebagian besar negara-negara Eropa tersapu oleh gerakan pendidikan. Berkat reformasi Peter SAYA Rusia terlibat aktif dalam proses ini, bergabung dengan pencapaian peradaban Eropa. Peralihannya ke Eropa, yang memunculkan fenomena “Eropaisme Rusia”, terjadi dengan cara khas Rusia - dingin dan tegas. Interaksi dengan sekolah seni yang lebih mapan di Eropa Barat memungkinkan seni Rusia melalui jalur “percepatan perkembangan”, menguasai teori estetika Eropa, genre dan bentuk sekuler dalam waktu yang singkat secara historis.

Pencapaian utama Pencerahan Rusia adalah berkembangnya kreativitas pribadi, yang menggantikan karya tanpa nama para seniman Rus Kuno. Formula Lomonosov sedang diterapkan: “tanah Rusia akan melahirkan Plato dan Newton yang cerdas.”

Waktunya telah tiba untuk pengembangan aktif pandangan dunia sekuler. Seni kuil terus berkembang, tetapi secara bertahap memudar menjadi latar belakang kehidupan budaya Rusia. Tradisi sekuler diperkuat dengan segala cara.

Dalam musik XVIII abad, baik dalam sastra maupun lukisan, gaya baru, dekat dengan Eropa, didirikan klasisisme.

Bentuk-bentuk baru kehidupan masyarakat kelas atas—perayaan di taman, berkendara di sepanjang Sungai Neva, iluminasi, pesta dansa, dan “penyamaran”, pertemuan dan resepsi diplomatik—berkontribusi pada perkembangan luas musik instrumental. Dengan dekrit Petrav, kelompok musik tiup militer muncul di setiap resimen. Perayaan resmi, pesta dansa, dan festival disajikan oleh dua orkestra istana dan paduan suara istana. Contoh istana diikuti oleh bangsawan St. Petersburg dan Moskow, yang memulai orkestra rumahan. Orkestra budak dan teater musikal juga diciptakan di tanah bangsawan. Pembuatan musik amatir menyebar, dan pendidikan musik menjadi bagian wajib dari pendidikan mulia. Pada akhir abad ini, kehidupan musik yang beragam menjadi ciri kehidupan tidak hanya Moskow dan Sankt Peterburg, tetapi juga kota-kota Rusia lainnya.

Di antara inovasi musik yang tidak diketahui Eropa adalah orkestra terompet , diciptakan oleh musisi kamar kekaisaran Rusia I.A. Maresh atas nama S.K. Naryshkina. Maresh menciptakan ansambel yang koheren yang terdiri dari 36 terompet (3 oktaf). Musisi budak mengambil bagian di dalamnya dan memainkan peran sebagai “kunci” yang hidup, karena setiap klakson hanya dapat mengeluarkan satu suara. Repertoarnya mencakup musik klasik Eropa, termasuk karya kompleks Haydn dan Mozart.

Pada usia 30-an XVIII Abad ini, sebuah opera istana Italia diciptakan di Rusia, yang pertunjukannya diadakan pada hari libur untuk publik “terpilih”. Petersburg menarik banyak musisi terbesar Eropa, terutama orang Italia, termasuk komposer F. Araya, B. Galuppi, G. Paisiello, G. Sarti, D. Cimarosa. Francesco Araya pada tahun 1755 ia menulis musik untuk opera pertama dengan teks Rusia. Itu adalah libretto oleh A.P. Sumarokov berdasarkan plot dari Metamorphoses karya Ovid. Opera dibuat dalam genre Italia seri , dipanggil "Cephalus dan Procris".

Pada masa Peter Agung, genre musik nasional seperti partes konserto dan cant terus berkembang.

Nyanyian pada masa Pyotr yang Agung sering disebut “vivata”, karena nyanyian tersebut penuh dengan pujian atas kemenangan dan transformasi militer (“Bersukacitalah, hai tanah Rusia”). Musik cant “selamat datang” ditandai dengan keriuhan dan ritme polonaise yang khusyuk. Penampilan mereka seringkali diiringi dengan bunyi terompet dan bunyi lonceng.

Era Peter the Great menandai puncak perkembangan nyanyian paduan suara. Master brilian dari konser partes V.P. Titov menggantikan musisi pertama di istana Tsar Peter. Dialah yang ditugaskan untuk menulis konser seremonial pada kesempatan kemenangan Poltava, yang dimenangkan oleh pasukan Rusia pada tahun 1709 (“Rtsy to us now” - nama “Perayaan Poltava” diadopsi untuk komposisinya).

Di pertengahan abad ke-18 Abad ini, keinginan untuk efek paduan suara dalam konser partes mencapai bentuk yang berlebihan: muncul karya-karya yang skornya mencakup hingga 48 suara. Pada paruh kedua abad ini, konser intim yang khusyuk digantikan oleh fenomena artistik baru - konser spiritual.Jadi, sepanjang abad ke-18, nyanyian paduan suara Rusia mengalami evolusi yang panjang - dari gaya partes yang monumental, yang membangkitkan asosiasi dengan gaya arsitektur Barok, hingga contoh klasisisme yang tinggi dalam karya M. S. Berezovsky dan D. S. Bortnyansky, yang menciptakan jenis klasik konser spiritual Rusia.

Konser paduan suara rohani Rusia

Pada abad ke-18 abad ini, konten genre karya paduan suara telah berkembang secara signifikan. Aransemen paduan suara dari lagu-lagu daerah, musik opera paduan suara, musik dansa dengan paduan suara muncul (contoh paling terkenal adalah polonaise Kozlovsky “Roll the Thunder of Victory” dengan kata-kata Derzhavin, yang pada akhirnya XVIII memperoleh arti penting dari lagu kebangsaan Kekaisaran Rusia).

Genre paduan suara terkemuka adalah konser spiritual Rusia, yang berfungsi sebagai simbol unik tradisi Rusia kuno. Konser spiritual mencapai puncaknya di era Catherine (1762- 1796). Itu adalah waktu yang menguntungkan bagi budaya Rusia. Upaya untuk menghidupkan kembali semangat reformasi Peter sebagian besar berhasil. Politik, ekonomi, ilmu pengetahuan dan budaya kembali mendapat dorongan untuk pembangunan. Praktek pelatihan perwakilan sains dan seni paling berbakat di luar negeri telah dilanjutkan. Kontak budaya yang erat antara Rusia dan Eropa yang tercerahkan pasti mempengaruhi munculnya pengalaman pertama dalam mengarang profesional.

Selama periode ini, lebih dari 500 karya bergenre konser diciptakan. Hampir semua komposer Rusia di babak kedua yang kita kenal beralih kepadanya. abad ke-18.

Lahir di kedalaman polifoni partes, konser spiritual sepanjang perkembangannya mengintegrasikan dua prinsip - tradisi nyanyian gereja dan pemikiran musik sekuler baru. Konser tersebut tersebar luas baik sebagai puncak dari kebaktian gereja maupun sebagai penghias upacara istana. Ia menjadi fokus tema dan gambaran yang menyentuh masalah moral dan filosofis yang mendalam.

Jika “sebuah partes konserto dapat dibandingkan sampai batas tertentu dengan konser besar , maka struktur konser paduan suara klasik mempunyai ciri-ciri yang sama dengan siklus sonata-simfoni. Biasanya terdiri dari tiga atau empat bagian berbeda dengan teknik presentasi yang kontras. Bagian akhir biasanya didominasi oleh teknik pengembangan polifonik.

Komposer asing terkemuka yang tinggal di St. Petersburg (D. Sarti, B. Galuppi) memberikan kontribusi besar terhadap perkembangan konser paduan suara klasik Rusia. Prestasi puncak musik paduan suara Rusia era Pencerahan dikaitkan dengan nama M.S. Berezovsky dan D.S. Bortnyansky.

Maxim Sozontovich Berezovsky (1745-1777)

M. S. Berezovsky adalah master musik paduan suara Rusia abad ke-18 yang luar biasa, salah satu perwakilan pertama dari sekolah komposer nasional. Karya komposer yang masih ada berukuran kecil, tetapi sangat signifikan dalam esensi sejarah dan artistiknya. Dalam budaya musik tahun 60-70an abad ke-18, babak baru dibuka - era klasisisme Rusia.

Nama Berezovsky disebutkan di antara pendiri konser paduan suara klasik a cap p ella : karya-karyanya, bersama dengan karya komposer Italia Galuppi, mewakili tahap pertama dalam perkembangan genre ini.

Puncak dari pencarian kreatif M.S. Berezovsky menjadi konser “Jangan tolak aku di masa tuaku” . Ini sebuah mahakarya musik Rusia abad ke-18 yang diakui secara universal, setara dengan pencapaian tertinggi seni kontemporer Eropa. Dalam skala kecil, konser ini dianggap sebagai karya yang sangat monumental. Musiknya, mengungkapkan dunia spiritual manusia yang beragam, mencolok dalam kedalaman emosi dan keaslian kehidupan.

Baik dalam teks maupun musik konser, intonasi personal terdengar jelas. Ini adalah pidato orang pertama. Permintaan adalah doa memohon kepada Yang Maha Kuasa ( SAYA bagian), digantikan dengan gambar seseorang yang sedang dianiaya oleh musuh yang jahat ( II bagian - “Menikah dan miliki dia”) . Kemudian dilanjutkan dengan tema baru - doa pengharapan (“Ya Tuhan, mereka tidak berhasil” - AKU AKU AKU bagian), dan terakhir, bagian akhir, penuh dengan protes yang ditujukan terhadap kejahatan dan ketidakadilan (“Biarlah mereka yang memfitnah jiwaku menjadi malu dan menghilang”). Fakta bahwa semua tema konser dicirikan oleh ciri-ciri emosional tertentu dan konkret menunjukkan kebaruan mendasar dari gaya tersebut, mengatasi netralitas abstrak dari sifat tematik nyanyian partes.

Keempat bagian karya tersebut dihubungkan tidak hanya oleh satu konsep dramatis dan logika tonal, tetapi juga oleh rangkaian intonasi: tema merdu yang terdengar pada bar pertama konser menjadi dasar intonasi dari semua gambar lainnya. Yang sangat penting adalah bahwa butiran awal intonasi diubah menjadi tema dinamis dan tegas dari fugue terakhir “Biarkan mereka malu dan menghilang…”, yang merupakan puncak dalam perkembangan keseluruhan siklus.

Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751-1825)

D. S. Bortnyansky mengembangkan jenis utama konser paduan suara klasik Rusia, menggabungkan unsur musik instrumentalisme musik sekuler dan musik vokal gereja. Biasanya, konsernya terdiri dari tiga bagian, bergantian sesuai prinsip cepat - lambat - cepat. Seringkali bagian pertama, yang paling signifikan dalam siklus, berisi tanda-tanda sonatisme, yang diekspresikan dalam perbandingan dua tema yang kontras, disajikan dalam hubungan yang dominan tonik. Pengembalian ke kunci utama terjadi di akhir gerakan, tetapi tanpa pengulangan tematik.

Bortnyansky memiliki 35 konser untuk paduan suara campuran 4 suara, 10 konser untuk 2 paduan suara, sejumlah nyanyian gereja lainnya, serta paduan suara sekuler, termasuk lagu paduan suara patriotik "Penyanyi di Perkemahan Prajurit Rusia" di liriknya. V.A.Zhukovsky (1812).

Salah satu karya master yang mendalam dan matang - Konser No.32 , dicatat oleh P.I. Tchaikovsky sebagai "yang terbaik dari ketiga puluh lima". Teksnya diambil dari Mazmur ke-38 Alkitab, yang berisi baris-baris berikut: “Katakan padaku, ya Tuhan, akhir hidupku dan jumlah hari-hariku, agar aku tahu berapa umurku... Dengarlah, ya Tuhan , doaku, dan dengarkan tangisanku; jangan diam terhadap air mataku…” Konser ini terdiri dari tiga bagian, tetapi tidak ada perbedaan di antara keduanya. Musiknya dibedakan oleh kesatuan suasana sedih-elegi dan integritas tema tematik. Gerakan pertama dibuka dengan tema yang disajikan dalam tiga bagian dan mengingatkan pada Mazmur XVII abad. Bagian kedua adalah episode pendek dari komposisi paduan suara yang ketat. Bagian akhir yang diperpanjang, ditulis dalam bentuk fugue, ukurannya melebihi dua bagian pertama. Musik di bagian akhir didominasi oleh kemerduan yang tenang dan lembut, menyampaikan doa kematian seseorang yang meninggalkan kehidupan ini.

Koleksi lagu-lagu Rusia

Untuk semua budaya Rusia yang maju XVIII Abad ini ditandai dengan ketertarikan yang mendalam terhadap cara hidup, moral dan adat istiadat masyarakat. Pengumpulan dan kajian cerita rakyat secara sistematis dimulai. Penulis terkenal Mikhail Dmitrievich Chulkov sedang menyusun koleksi teks lagu daerah pertama di Rusia.

Untuk pertama kalinya, notasi musik lagu daerah dibuat, dan koleksi cetak beserta aransemennya muncul: Vasily Fedorovich Trutovsky (“Koleksi lagu sederhana Rusia dengan nada”), Nikolai Alexandrovich Lvov Dan Ivana Pracha (“Koleksi lagu rakyat Rusia dengan suaranya”).

Koleksi Lvov-Pracha mencakup 100 lagu, banyak di antaranya merupakan contoh klasik cerita rakyat Rusia: “Oh, kamu, kanopi, kanopiku”, “Ada pohon birch di ladang”, “Di taman, di kebun sayur. ” Dalam kata pengantar koleksi (“Tentang Nyanyian Rakyat Rusia”), N. Lvov, untuk pertama kalinya di Rusia, menunjukkan orisinalitas unik polifoni paduan suara rakyat Rusia.

Lagu-lagu dari koleksi ini digunakan baik oleh pecinta musik maupun komposer, yang meminjamnya untuk karya mereka - opera, variasi instrumental, tawaran simfoni.

Pada pertengahan abad ke-18 abad ini mencakup koleksi unik epos Rusia dan lagu-lagu sejarah yang disebut "Koleksi Kirsha Danilov" . Tidak ada informasi yang dapat dipercaya tentang kompilernya. Diasumsikan bahwa Kirsha Danilov (Kirill Danilovitch) adalah seorang penyanyi improvisasi, seorang badut, yang tinggal di pertambangan Ural. Ia menuliskan nada-nada lagunya dalam satu baris tanpa teks, yang ditempatkan tersendiri.

Sekolah Komposer Nasional Rusia

Formasi di paruh kedua XVIII abad, sekuler pertama di Rusia sekolah komposer. Kelahirannya adalah puncak dari Pencerahan Rusia . Tempat kelahiran sekolah tersebut adalah St. Petersburg, tempat bakat perwakilannya yang paling cerdas berkembang. Di antara mereka adalah pendiri opera Rusia V.A. Pashkevich dan E.I. Fomin, master musik instrumental I.E. Khandoshkin, pencipta konser spiritual klasik yang luar biasa M.S. Berezovsky dan D.S. Bortnyansky, pencipta kamar “Lagu Rusia” O.A. Kozlovsky dan F.M. Dubyansky dan lainnya.

Kebanyakan komposer Rusia berasal dari latar belakang folk. Sejak kecil, mereka telah menyerap suara hidup dari cerita rakyat Rusia. Oleh karena itu, wajar dan logis untuk memasukkan lagu-lagu daerah ke dalam musik opera Rusia (opera oleh V. A. Pashkevich dan E. I. Fomin) dan dalam karya instrumental (karya I. E. Khandoshkin).

Menurut tradisi abad-abad sebelumnya, genre vokal, baik sekuler maupun kuil, berkembang paling luas pada Zaman Pencerahan. Yang menonjol di antaranya adalah konser paduan suara sakral, opera komik, dan lagu kamar. Seperti halnya dalam cerita rakyat, dalam genre-genre ini sikap terhadap kata sebagai basis prioritas musik tetap dipertahankan. Penulis opera dianggap sebagai pustakawan, dan penulis lagunya adalah penyair; Nama komposer sering kali tertinggal dan terlupakan seiring berjalannya waktu.

Opera komik Rusia

Lahirnya sekolah komposisi nasional XVIII abad ini terkait erat dengan perkembangan opera Rusia. Ini dimulai dengan komedi musikal, yang didasarkan pada karya komedi penulis dan penyair Rusia: Y. Knyazhnin, I. Krylov, M. Popov, A. Ablesimov, M. Matinsky.

Opera komik memiliki konten sehari-hari, dengan plot sederhana namun menarik dari kehidupan sehari-hari Rusia. Pahlawannya adalah petani yang cerdas, budak, orang kaya yang pelit dan serakah, gadis yang naif dan cantik, bangsawan yang jahat dan baik hati.

Dramaturgi didasarkan pada pergantian dialog lisan dengan nomor musik berdasarkan Rusia lagu daerah. Penyair menunjukkan dalam libretto “suara” (lagu populer) mana yang harus dinyanyikan aria tertentu. Contohnya adalah opera Rusia yang paling dicintai XVIII abad "The Miller adalah seorang penyihir, penipu dan pencari jodoh" (1779) oleh A. Ablesimova dengan musik oleh M. Sokolovsky. Penulis naskah drama A. O. Ablesimov segera menulis teksnya berdasarkan materi lagu tertentu. Kontribusi M. Sokolovsky adalah aransemen lagu, yang dapat dengan mudah dilakukan oleh musisi lain (bukan kebetulan bahwa penulis musik tersebut telah lama dikaitkan dengan E. Fomin).

Perkembangan opera komik difasilitasi oleh bakat aktor-aktor Rusia yang luar biasa - E.S. Yakovleva (dalam pernikahan Sandunova, di atas panggung - Uranova), aktris budak P.I. Kovaleva-Zhemchugova, I.A. Dmitrevsky.

Peran luar biasa dalam pengembangan opera Rusia XVIII dimainkan selama berabad-abad Vasily Alekseevich Pashkevich(c. 1742-1797) - salah satu komposer Rusia terbesar XVIII abad. Opera terbaiknya (“Misfortune from the Coach”, “The Miser”, “St. Petersburg Gostiny Dvor”) sangat populer, dipentaskan di panggung banyak kota di Rusia hingga pertengahan XIX abad. Pashkevich adalah ahli penulisan ansambel dan karakterisasi komedi yang tajam dan tepat. Berhasil mereproduksi intonasi ucapan di bagian vokal, ia mengantisipasi prinsip-prinsip yang nantinya menjadi ciri metode kreatif Dargomyzhsky dan Mussorgsky.

Ia membuktikan dirinya sebagai seniman multi talenta dalam karya opera. Evstigny Ipatievich Fomin(1761-1800). Operanya "Para kusir di mimbar" .(1787) menonjol karena penguasaannya dalam aransemen paduan suara lagu-lagu daerah dari berbagai genre. Untuk setiap lagu ia menemukan gaya pemrosesannya sendiri. Opera ini menampilkan lagu-lagu yang tersisa “Bukan di rumah Ayah burung bulbul bernyanyi” dan “Elang terbang tinggi”, lagu-lagu dansa yang meriah “Pohon birch mengamuk di ladang”, “Burung dara, burung dara muda”, “Dari bawah pohon ek, dari bawah pohon elm”. Beberapa lagu yang dipilih untuk "The Coachmen", tiga tahun kemudian, hampir tidak berubah, dimasukkan dalam "Koleksi Lagu Rakyat Rusia" oleh N.L. Lvova - I. Pracha.

Dalam karyanya yang lain - melodrama "Orpheus" (berdasarkan teks oleh Ya. Knyazhnin berdasarkan mitos kuno, 1792) - Fomin untuk pertama kalinya mewujudkan tema tragis dalam opera Rusia. Musik melodrama menjadi salah satu kreasi puncak seni Pencerahan Rusia.

Dalam pembukaan sebelum melodrama, bakat Fomin sebagai simfoni terungkap sepenuhnya. Di dalamnya, komposer dengan selera gaya yang luar biasa berhasil menyampaikan kesedihan tragis mitos kuno. Intinya, Fomin mengambil langkah pertama dalam menciptakan simfoni Rusia. Jadi, di kedalaman teater, seperti di Eropa Barat, lahirlah simfoni Rusia masa depan.

Opera Fomin hanya dihargai di tengah-tengah XX abad. Semasa hidup sang komposer, nasib panggung mereka tidak bahagia. Opera “Coachmen on a Stand,” yang ditulis untuk home theater, masih belum diketahui masyarakat umum. Produksi opera komik "The American" (dengan libretto oleh I.A. Krylov muda) dilarang (direktur teater kekaisaran tidak menyukai kenyataan bahwa selama pengembangan plot, orang India akan membakar dua orang Eropa) .

Lirik vokal rumah tangga

Lahirnya lapisan baru cerita rakyat - lagu kota Itu muncul atas dasar lagu rakyat petani, yang "menyesuaikan" dengan kehidupan perkotaan - cara pertunjukan baru: melodinya disertai dengan akord yang diiringi beberapa instrumen.

Di pertengahan abad ke-18 abad di Rusia jenis musik vokal baru muncul - "Lagu Rusia" . Ini adalah nama yang diberikan untuk karya suara dengan iringan instrumental, yang ditulis untuk teks puisi Rusia. Isinya liris, "Lagu-lagu Rusia" adalah cikal bakal roman Rusia.

Pendiri “Lagu Rusia” adalah seorang pejabat terkemuka di istana Catherine II , pecinta musik terpelajar Grigory Nikolaevich Teplov , penulis buku lagu cetak Rusia pertama “Antara bisnis, kemalasan…” (1759). Dalam gaya dan cara penyajiannya, lagu-lagu Teplov mewakili genre transisi dari cant ke roman dengan iringan. Bentuk lagunya biasanya berupa syair.

Genre “lagu Rusia” erat kaitannya dengan tradisi cerita rakyat. Oleh karena itu, tidak mengherankan jika banyak lagu orisinal menjadi folk (“Inilah troika pos yang bergegas” oleh Ivan Rupin hingga lirik oleh F.N. Glinka).

Pada akhir abad ke-18 abad ini, master berbakat dari genre vokal kamar bermunculan - Fyodor Dubyansky Dan Osip Kozlovsky . “Lagu-lagu Rusia” yang mereka ciptakan, yang sudah memiliki bagian piano yang cukup berkembang dan bentuk yang lebih kompleks, dapat dianggap sebagai roman Rusia pertama. Gema kehidupan perkotaan terdengar jelas di dalamnya (“The Grey Dove Moans” oleh Dubyansky, “Darling Sat in the Evening”, “Cruel Fate” oleh Kozlovsky).

"Lagu Rusia" banyak menggunakan puisi oleh penyair terkenal: Sumarokov, Derzhavin, Dmitriev, Neledinsky-Meletsky. Dengan konten kiasannya, mereka diasosiasikan dengan suasana khas seni sentimentalisme. Biasanya, ini adalah lirik cinta: siksaan dan kesenangan cinta, perpisahan, pengkhianatan dan kecemburuan, “nafsu yang kejam.”

“Lagu Rusia” anonim yang diterbitkan oleh F. Meyer (“Koleksi Lagu Rusia Terbaik”, 1781) juga sangat populer.

Musik instrumental kamar

Pada tahun 70-80an XVIII abad, pembentukan instrumentalisme kamar profesional dimulai di Rusia. Saat ini, musisi Rusia menguasai bentuk musik instrumental yang kompleks, mengembangkan genre sonata solo, variasi, dan ansambel kamar. Proses ini erat kaitannya dengan meluasnya penyebaran musik rumahan. Untuk waktu yang lama, musik kehidupan perkotaan atau perkebunan tetap menjadi “media nutrisi” di mana tunas-tunas awal gaya instrumental nasional menjadi matang.

Ansambel instrumental Rusia pertama adalah milik Dmitry Bortnyansky. Ini adalah kwintet piano dan “Chamber Symphony”, yang sebenarnya merupakan septet untuk piano, harpa, dua biola, viola da gamba, bassoon dan cello.

Yang paling disukai adalah semua jenis tarian - minuet, polonais, ecosses, tarian pedesaan - dan variasi tema lagu daerah untuk berbagai instrumen. Dia menciptakan banyak variasi untuk biola Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747-1804), perwakilan dari sekolah St. Petersburg - komposer, pemain biola virtuoso yang luar biasa, konduktor dan guru. Khandoshkin terkenal dengan seni improvisasi, dan juga pandai memainkan biola, gitar, dan balalaika.

Dalam sejarah musik Rusia, nama Khandoshkin dikaitkan dengan pendirian sekolah biola nasional. Sebagian besar warisan kreatifnya terdiri dari variasi tema lagu-lagu rakyat Rusia dan sonata untuk biola, dua biola, biola dan viola, atau biola dan bass, dengan karya-karya ini, musik instrumental kamar Rusia untuk pertama kalinya muncul dari lingkungan dekat rumah pembuatan musik, memperoleh ruang lingkup virtuoso. Penting juga bahwa mereka mencapai kesatuan yang cukup organik antara bahasa instrumental Eropa dan cerita rakyat Rusia. Para peneliti percaya bahwa melodi beberapa lagu yang diambil oleh komposer sebagai tema variasi pertama kali direkam olehnya sendiri.

Variasi tema piano Rusia ditulis oleh Trutovsky (misalnya, pada tema lagu rakyat “Ada banyak nyamuk kecil di hutan kecil”), Karaulov, serta musisi asing yang bekerja di Rusia.

Peran musisi asing dalam perkembangan musik Rusia bersifat ganda. Celaan yang adil dari masyarakat progresif disebabkan oleh kekaguman buta kalangan aristokrat terhadap segala sesuatu yang asing, terkait dengan meremehkan seni Rusia. Pada saat yang sama, aktivitas komposer, pemain, dan guru asing berkontribusi pada kebangkitan budaya musik secara umum dan pendidikan musisi profesional dalam negeri.

Nasib warisan kreatifnya sangat dramatis: sebagian besar karya komposer, yang dipentaskan sepanjang abad ke-19, tetap dalam bentuk manuskrip dan disimpan di Kapel Bernyanyi Pengadilan. Dalam dekade pertama XX Abad ini, seluruh arsip kapel yang kaya dengan tanda tangan unik dari banyak komposer Rusia dibakar.

Kesuksesan dan pengakuan, perlindungan dari orang-orang tertinggi datang ke Berezovsky lebih awal. Menjadi terkenal di Rusia pada usia muda, ia segera menjadi komposer Rusia pertama yang diterima sebagai anggota Akademi Bologna yang terkenal. Namun, terlepas dari semua perbedaan yang tinggi, setelah kembali ke tanah airnya setelah 9 tahun tinggal di luar negeri, Maxim Berezovsky tidak dapat mencapai posisi penting apa pun. Pendaftarannya di Kapel Pengadilan untuk posisi sederhana sebagai pegawai biasa jelas tidak sesuai dengan pengalaman asing yang diperoleh atau kemampuan kreatifnya. Tentu saja hal ini menimbulkan perasaan kecewa yang pahit pada sang komposer, meskipun karya-karya rohani paduan suara-nya dipelajari oleh semua pecinta nyanyian gereja dan sangat diapresiasi oleh orang-orang sezamannya. kapel, militer dan budak orkestra, teater swasta, atau menerima pendidikan di rumah. Dalam lingkungan budaya XVIII Abad ini, musik menduduki posisi terendah, bergantung sepenuhnya pada patronase seni, dan musisi sendiri dalam masyarakat aristokrat menduduki posisi semi-pelayan. Karya-karya penulis Rusia sering dianggap musik “kelas dua” dibandingkan dengan karya-karya Jerman atau Italia. Tidak ada satu pun tuan rumah yang mencapai posisi tinggi di istana.

Tukang giling yang pandai dan licik, Thaddeus, yang berpura-pura menjadi penyihir yang sangat berkuasa, benar-benar membodohi tetangganya yang berpikiran sederhana. Namun, semuanya berakhir dengan pernikahan ceria antara gadis Anyuta dan pria desa tampan Filimon.

Di stasiun pos - pangkalan - para kusir berkumpul. Diantaranya adalah kusir muda Timofey yang sukses dalam wajah, pikiran, dan ketangkasan. Bersamanya adalah istri mudanya yang cantik, Fadeevna, yang mencintai suaminya. Tapi Timofey memiliki orang yang iri dan musuh terburuknya - pencuri dan bajingan Filka Prolaza. Filka ini bermimpi menjual Timofey yang beruntung sebagai rekrutan dan mengambil alih istrinya, yang telah lama menarik perhatiannya. Dan Timofey akan menjadi seorang prajurit jika bukan karena petugas yang lewat. Dia membantu membebaskan Timofey, sebagai satu-satunya pencari nafkah keluarga petani, dari dinas. Filka sendiri berakhir di antara para prajurit.

Melodrama adalah sandiwara teater dengan musik yang diselingi dengan pembacaan, dan kadang-kadang dilakukan bersamaan dengan pembacaan teks.