Budaya musik Renaisans. Pendidikan Musik dalam Seni Musik Renaisans dari Renaisans Tinggi

Renaisans, atau Renaisans, adalah suatu periode dalam sejarah budaya Eropa Barat dan Tengah, yang berlangsung kira-kira pada abad XIV-XVI. Periode ini mendapat namanya sehubungan dengan kebangkitan minat terhadap seni kuno, yang menjadi cita-cita bagi tokoh budaya zaman modern. Komposer dan ahli teori musik - J. Tinktoris, G. Tsarlino dan lainnya - mempelajari risalah musik Yunani kuno; dalam karya Josquin Despres, yang dibandingkan dengan Michelangelo, menurut orang-orang sezamannya, “kesempurnaan musik Yunani kuno yang hilang dihidupkan kembali”: yang muncul pada akhir abad ke-16 dan awal abad ke-17. opera dipandu oleh hukum drama kuno.

Kelas teori musik. Dari ukiran abad ke-16.

J.P. Palestrina.

Perkembangan budaya Renaisans dikaitkan dengan kebangkitan seluruh aspek masyarakat. Pandangan dunia baru telah lahir - humanisme (dari bahasa Latin humanus - "manusiawi"). Emansipasi kekuatan kreatif menyebabkan pesatnya perkembangan ilmu pengetahuan, perdagangan, dan kerajinan, dan hubungan kapitalis yang baru mulai terbentuk dalam perekonomian. Penemuan percetakan berkontribusi pada penyebaran pendidikan. Penemuan geografis yang hebat dan sistem heliosentris dunia N. Copernicus mengubah gagasan tentang Bumi dan Alam Semesta.

Seni rupa, arsitektur, dan sastra mencapai kemakmuran yang belum pernah terjadi sebelumnya. Sikap baru tercermin dalam musik dan mengubah penampilannya. Dia secara bertahap menyimpang dari norma-norma kanon abad pertengahan, gayanya bersifat individual, dan konsep "komposer" muncul untuk pertama kalinya. Tekstur karya berubah, jumlah suara bertambah menjadi empat, enam atau lebih (misalnya, kanon 36 suara diketahui dikaitkan dengan perwakilan terbesar aliran Belanda, J. Ockeghem). Dalam harmoni, konsonan konsonan mendominasi; penggunaan disonansi sangat dibatasi oleh aturan khusus (lihat Konsonan dan Disonansi). Mode mayor dan minor serta sistem jam ritme yang menjadi ciri musik selanjutnya terbentuk.

Semua cara baru ini digunakan oleh para komposer untuk menyampaikan struktur khusus perasaan manusia Renaisans - luhur, harmonis, tenang dan agung. Hubungan antara teks dan musik menjadi lebih dekat, musik mulai menyampaikan suasana hati, atau, seperti yang mereka katakan kemudian, pengaruh teks, seperti “hidup”, “kematian”, “cinta”, dll., adalah sering diilustrasikan dengan sarana musik khusus.

Musik Renaisans berkembang dalam dua arah - gereja dan sekuler. Genre utama musik gereja adalah massa dan motet - karya polifonik polifonik untuk paduan suara, tanpa iringan atau diiringi oleh ansambel instrumental (lihat Musik paduan suara, Polifoni). Di antara instrumen, preferensi diberikan kepada organ.

Perkembangan musik sekuler difasilitasi oleh tumbuhnya pembuatan musik amatir. Musik terdengar di mana-mana: di jalanan, di rumah-rumah warga, di istana para bangsawan bangsawan. Pemain virtuoso konser pertama muncul dengan kecapi, harpsichord, organ, biola, dan berbagai jenis seruling memanjang. Dalam lagu-lagu polifonik (madrigal di Italia, chanson di Prancis), komposer berbicara tentang cinta dan segala sesuatu yang terjadi dalam hidup. Berikut judul beberapa lagunya: “Stag Hunt”, “Echo”, “Battle of Marignano”.

Pada abad XV-XVI. Pentingnya seni tari semakin meningkat, berbagai risalah dan manual praktis tentang koreografi, kumpulan musik dansa bermunculan, termasuk tarian populer pada masa itu - bass dance, branle, pavane, galliard.

Pada masa Renaisans, sekolah musik nasional dibentuk. Yang terbesar adalah sekolah polifonik Belanda (Prancis-Flemish). Perwakilannya adalah G. Dufay, C. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Depres, O. Lasso. Sekolah nasional lainnya termasuk Italia (J.P. Palestrina), Spanyol (T.L. de Victoria), Inggris (W. Bird), dan Jerman (L. Senfl).

Renaisans berakhir dengan munculnya genre musik baru: lagu solo, oratorio, opera, yang perkembangan sebenarnya terjadi pada abad berikutnya (lihat musik Eropa Barat abad ke-17-20).

Musik Renaisans

1.Musik terdengar di mana-mana: di jalan-jalan dan alun-alun, di rumah-rumah warga, di istana para bangsawan dan raja yang mulia. Musik, bersama dengan tata bahasa, retorika, dan puisi, adalah bagian dari apa yang disebut “ilmu kemanusiaan”.

Posisi terdepan masih ditempati oleh musik sakral yang dibunyikan saat kebaktian gereja.

Lambat laun, karya-karya komposer gereja mulai merambah tren sekuler. Tema-tema lagu daerah yang sama sekali tidak mengandung unsur religi dengan berani dimasukkan ke dalam jalinan polifonik nyanyian gereja. Namun sekarang hal ini tidak bertentangan dengan semangat dan suasana umum pada zaman itu. Sebaliknya, musik secara menakjubkan memadukan keilahian dan kemanusiaan.

2. Musik sakral mencapai puncaknya pada abad ke-15. di Belanda.

Di sini musik lebih dihormati daripada bentuk seni lainnya. Komposer Belanda dan Flemish adalah orang pertama yang mengembangkan aturan baru polifonik Pertunjukan (polifonik) - klasik "gaya ketat"

Teknik komposisi yang paling penting dari para empu Belanda adalah imitasi - pengulangan melodi yang sama dengan suara berbeda. Suara utamanya adalah penyanyi tenor, yang dipercayakan dengan melodi utama yang berulang.

3. Renaisans dimulai penulisan profesional

musik orang Belanda Orlando Lasso(1532-1594), menggabungkan improvisasi dan logika sempurna.

Dia memperkenalkan banyak teknik inovatif ke dalam genre motet favoritnya.

Dialah yang berusaha menguasai genre nafsu. Lasso mencipta Gairah untuk keempat Injil. Mereka tidak memiliki nyanyian solo, dan paduan suara yang terdiri dari lima suara membuka jalan menuju genre seni opera. Salah satu mahakarya musik komposer adalah lagu "Gema".

4.Giovanni Pierluigi Palestrina(1525-1594)

Dia disebut sebagai polifonis hebat terakhir. Dia bekerja di Basilika Santo Petrus di Roma dan menjadi komposer resmi kepausan. Karya seninya tidak memiliki nafsu sensual, penuh harmoni dan keindahan.

Dia adalah perwakilan paling cerdas dari sekolah musik klasik Italia.

Warisannya terdiri dari banyak karya musik sakral dan sekuler: 93 misa, 326 himne dan motet.

5.B Jerman karya musik sakral dalam bahasa ibu relevan. Martin Luther sendiri menulis paduan suara yang dimaksudkan untuk dibawakan oleh seluruh umat beragama. Melodi sederhana mereka mendapatkan popularitas di kalangan masyarakat, dan komposer profesional kemudian membuat aransemen polifonik dari melodi tersebut. (J.S.Bach)

Juga populer genre miniatur polifonik:

konduktor, motet.

Mereka dapat memasukkan teks dalam bahasa ibu mereka.

Nyanyian paduan suara adalah jenis pembuatan musik yang paling populer.

6. Mulai bermunculan genre paduan suara sekuler:

Balat A(lagu dansa),

Lagu (lagu polifonik)

dan Italia sajak pendek tentang cinta.

7. Genre musik sekuler yang paling populer telah menjadi madrigal(Madrigale Italia - lagu dalam bahasa asli) - karya paduan suara polifonik yang ditulis ke teks puisi lirik berisi konten cinta.

Paling sering, puisi karya master terkenal digunakan untuk tujuan ini: Dante, Francesco Petrarch, dan Torquato Tasso. Madrigal dibawakan bukan oleh penyanyi profesional, tetapi oleh seluruh ansambel amatir, dengan satu penyanyi memimpin setiap bagian. Suasana utama madrigal adalah kesedihan, melankolis, dan melankolis, tetapi ada juga komposisi yang ceria dan hidup.

Sajak pendek tentang cinta hidup dari tahun 1520-1620an. Ide madrigal merupakan hal yang revolusioner pada zaman Renaisans, karena... mengatur tugas menerjemahkan teks puisi menjadi musik. Itu sebabnya sajak pendek tentang cinta secara kasar bisa disebut romansa abad ke-16.

8. Genre musik sekuler yang sama populernya adalah lagu diiringi alat musik. Berbeda dengan musik yang dimainkan di gereja, lagu-lagunya cukup sederhana untuk dibawakan. Teks berima mereka jelas terbagi menjadi 4-6 baris bait. Dalam lagu, seperti dalam madrigal, teks menjadi sangat penting. Saat dibawakan, baris-baris puisi tidak boleh hilang dalam nyanyian polifonik.

Yang paling terkenal adalah lagu-lagu komposer Perancis Clément Janequin (1485-1558), yang menjadi terkenal karena kemampuannya mereproduksi suara alam yang hidup dalam musik.

9. Pada paruh kedua abad ke-16, terjadi badai perkembangan instrumentalisme. Keluarga alat musik gesek dan tiup semakin bertambah, jangkauannya semakin luas, dan permainan musik sekuler dan rumahan semakin menyebar.

Muncul genre instrumental baru:

pendahuluan ( sebelum pertandingan) – bagian pengantar

ricercar (bagian yang sangat indah) – tulisan polifonik,

zona canzone (lagu tanpa kata-kata) - pendahulu fugue.

10 . Ada kebutuhan untuk pertunjukan musik di depan umum.

Sebuah konser sedang dibentuk.

Pertama kali muncul di London - dibayar dan di Venesia - disubsidi oleh hakim kota.

Renaisans berakhir dengan munculnya genre musik baru: lagu solo, oratorio, dan opera.

Jika sebelumnya pusat kebudayaan musik adalah kuil, maka sejak saat itu musik mulai dikumandangkan di gedung opera.

Perkembangan musik difasilitasi oleh penemuan pencetakan musik.

Estetika Renaisans dikaitkan dengan revolusi besar-besaran yang terjadi pada era ini di segala bidang kehidupan sosial: ekonomi, ideologi, budaya, ilmu pengetahuan, dan filsafat. Masa ini menandai berkembangnya budaya perkotaan, penemuan geografis yang luar biasa yang memperluas wawasan manusia, dan transisi dari kerajinan tangan ke manufaktur.

Perkembangan kekuatan produktif yang revolusioner, disintegrasi kelas feodal dan hubungan serikat yang membelenggu produksi, mengarah pada pembebasan individu, menciptakan kondisi bagi perkembangannya yang bebas dan universal. Tidak ada keraguan bahwa semua ini tidak bisa tidak mempengaruhi sifat pandangan dunia. Selama Renaisans, terjadi proses gangguan radikal terhadap sistem pandangan abad pertengahan tentang dunia dan pembentukan ideologi humanistik baru. Proses ini juga tercermin dalam estetika musik. Abad ke-14 sudah memendam gejala kebangkitan pandangan dunia estetika baru. Seni dan estetika Ars nova, risalah John de Grogeo dan Marchetto dari Padua secara bertahap merusak sistem tradisional teori musik abad pertengahan. Di sini pandangan teologis tentang musik, yang didasarkan pada pengakuan beberapa musik surgawi yang tidak dapat dirasakan oleh indera, dirusak. Namun, tradisi teori musik abad pertengahan yang berusia berabad-abad tidak sepenuhnya hancur. Butuh satu abad lagi bagi estetika musik untuk akhirnya melepaskan diri dari pola tradisional yang mengikatnya.

Estetika musik Renaisans dalam penafsirannya terhadap pertanyaan tentang tujuan musik didasarkan pada praktik nyata, yang ditandai dengan perkembangan musik yang luar biasa dalam kehidupan masyarakat. Saat ini, ratusan lingkaran musik terbentuk di kota-kota Italia, Perancis, dan Jerman, di mana mereka dengan antusias berlatih komposisi atau memainkan berbagai alat musik. Kepemilikan dan pengetahuan tentang musik menjadi elemen penting dalam budaya sekuler dan pendidikan sekuler. Penulis terkenal Italia Baldasare Castiglione dalam risalahnya “On the Courtier” (1518) menulis bahwa seseorang tidak bisa menjadi punggawa “jika dia bukan seorang musisi, tidak bisa membaca musik dan tidak tahu apa-apa tentang berbagai instrumen.” Prevalensi musik yang luar biasa dalam kehidupan sipil abad ke-16 dibuktikan dengan lukisan pada masa ini. Dalam berbagai lukisan yang menggambarkan kehidupan pribadi kaum bangsawan, kami selalu bertemu dengan ratusan orang yang terlibat dalam musik: menyanyi, bermain, menari, berimprovisasi, dll.

Kebudayaan Renaisans pertama kali muncul dan berkembang di Italia. Abad Renaisans di sini ditandai oleh perkembangan kuat puisi dan musik rakyat, dengan peran utama dimainkan oleh tradisi penulisan lagu terkaya dalam genre seperti lauda, ​​​​frottola, villanelle. Genre yang sama populernya dalam pembuatan musik urban sehari-hari adalah kachchia, yang biasanya menggambarkan adegan genre yang kaya menggunakan intonasi umum dalam teks dan musik - hingga teriakan para penjaja dan penjual. Caccia sering diiringi dengan tarian melingkar. Balada Italia juga merupakan genre umum lirik lagu dan tarian yang dikaitkan dengan pertunjukan paduan suara solo (di Prancis pada waktu itu genre virele memiliki ciri serupa). Intonasi lagu daerah, bobot awal melodi tertentu, daya cipta tekstur - kualitas musik sekuler sehari-hari ini juga merambah ke musik sakral, hingga massa polifonik.

Sifat musiknya yang merdu disebabkan oleh fakta bahwa di Italia tradisi musik solo dan ansambel yang dimainkan dengan alat musik gesek membungkuk berkembang cukup pesat. Secara umum, meluasnya penyebaran musik instrumental berkontribusi pada pembentukan struktur homofonik dan harmoni fungsional.

Sebelum biola muncul di kalangan musik Italia (pada kuartal terakhir abad ke-16) dan produksi biola oleh master Cremonese Amati, Stradivari, Guarneri dan lainnya mulai berkembang, kecapi (komposer-lutenis paling terkenal adalah Francesco Milano), viola, dan gitar Spanyol, theorbo (kecapi bass besar) sangat populer.

Keterampilan biola pertama kali terbentuk pada karya B. Donati, L. Viadan, G. Giacomelli (terkenal karena penguasaan teknik membungkuk dan legato yang berkepanjangan). Sebuah langkah baru dalam pengembangan pertunjukan biola dikaitkan dengan karya C. Monteverdi, yang mengembangkan teknik passing, menggunakan tremolo, pizzicato, dan memperkaya dinamika dengan kontras kutub pp dan ff.

Kebangkitan besar terlihat di bidang pertunjukan organ dan harpsichord. Sejak tahun 40an Pada abad ke-16, jumlah koleksi organ meningkat tajam, seluruh galaksi organis terkemuka muncul - Villaert, Andrea dan Giovanni Gabrieli, Claudio Merulo, Cavazzoni. Para master ini meletakkan dasar seni organ Italia dan menciptakan genre musik instrumental - ricercar, canzone, toccata.

Pertunjukan harpsichord banyak menggunakan tarian sehari-hari dan aransemen lagu-lagu sekuler populer. Seorang komposer-improvisasi organ dan clavier yang luar biasa adalah Girolamo Frescobaldi, yang karyanya mencakup seluruh koleksi musik harpsichord - siklus tari.

Sekolah komposisi Italia juga diwakili oleh aktivitas komposer-polifonis profesional - Adrian Villaert dan murid-muridnya Ciprian de Rore, Andrea dan Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina. Warisan kreatif mereka beragam dan sebagian besar terdiri dari karya polifonik vokal - lusinan madrigal massa, spiritual dan sekuler, motet, yang dibawakan terutama oleh paduan suara a capella.

Perkembangan polifoni yang kuat di Belanda dijelaskan oleh kekayaan polifoni rakyat dan kehadiran sekolah-asrama khusus penyanyi (metriz) di katedral kota-kota kaya di Belanda.

Beberapa generasi komposer tergabung dalam sekolah polifonik Belanda. Kegiatan mereka tidak hanya terjadi di Belanda, yang pada waktu itu meliputi wilayah Belgia modern, Luksemburg, Belanda barat daya, dan Prancis utara (karena itulah nama lain sekolah tersebut - Franco-Flemish). Perwakilan utama sekolah Belanda bekerja dengan baik di Roma (Dufay, Obrecht, Josquin) dan kota-kota lain (Villaert, Rore - di Venesia, Isaac - di Austria dan Jerman, Benchois - di Dijon di istana Burgundia).

Aliran Belanda merangkum perkembangan polifoni selama berabad-abad di semua negara Eropa. Meskipun musik gereja tidak diragukan lagi menempati posisi terdepan dalam karya para master ini

kurang, bersama dengan karya spiritual, komposer menulis banyak lagu polifonik sekuler, yang mencerminkan kekayaan ide dan perasaan yang menjadi ciri khas Renaisans.

Genre kreativitas polifonis Belanda yang paling monumental adalah massa, di mana intisari prinsip-prinsip polifoni gaya ketat terjadi. Namun, karya masing-masing master mengungkapkan fitur-fitur inovatif yang terkait dengan pencarian untuk melampaui kanon ekspresif yang sudah ada. Ketergantungan pada materi lagu dan tarian yang ada, pengaruh timbal balik genre spiritual dan sekuler mengarah pada munculnya suara melodi secara bertahap dalam polifoni, hingga pembentukan akord pemikiran vertikal dan fungsional.

Pencapaian puncak polifoni Belanda pada abad ke-16 adalah karya Orlando Lasso. Dalam karyanya itulah minat genre Renaisans yang paling luas terkonsentrasi: ia memberi penghormatan kepada hampir semua bentuk vokal pada masanya - madrigal, massa, motet, chanson Prancis, dan bahkan lagu polifonik Jerman. Karya-karya komposer penuh dengan gambar-gambar yang hidup, memiliki melodi yang cerah, ritme yang bervariasi dan lega, rencana harmonis yang dikembangkan secara konsisten, yang memastikan popularitasnya yang luar biasa (berulang kali digunakan oleh komposer lain untuk aransemen kecapi dan organ).

Perkembangan tren Renaisans dan pembentukan budaya nasional Perancis sudah dimulai pada abad ke-14. Perwakilan seni Renaisans awal yang menonjol dalam musik Prancis adalah Philippe de Vitry dan Guillaume de Machaut, yang meninggalkan warisan besar dalam genre balada virele, le, dan rondeau.

Genre chanson, yaitu bentuk lagu polifonik dengan teks sekuler dan biasanya melodi folk, sangat vital dan realistis. Dalam genre inilah ciri-ciri Renaisans baru dalam konten, plot, dan ciri-ciri sarana ekspresif paling jelas terwujud.

Chanson Perancis abad 15-16 merupakan semacam “ensiklopedia” kehidupan Perancis pada masa itu. Isinya bermacam-macam dan bisa naratif, liris, intim, sedih, komikal, deskriptif, gagah. Keragaman skalanya juga menjadi ciri khasnya - dari beberapa bar hingga 42 halaman.

Kesederhanaan dan spontanitas sarana berekspresi, struktur periodik dengan akhiran khusus pada D dan T, teknik lead, yang kemudian diambil oleh seluruh ansambel - adalah ciri khas dari genre tersebut, yang musiknya terkadang menyerupai tarian rakyat, lagu liris-epik, atau lagu jalanan kota yang ceria - prototipe vaudeville masa depan. Musik chanson bercirikan penekanan pada dasar ritme, terkadang bercirikan struktur syair atau bentuk ronde melingkar yang dapat digunakan untuk pengiring.

Komposer Renaisans Prancis yang paling menonjol adalah Clement Janequin, yang karyanya mencerminkan lirik cinta yang halus (dalam lagu-lagu berdasarkan teks oleh penyair Ronsard), dan ekspresi suasana kesedihan dan duka, serta adegan kegembiraan rakyat yang penuh kehidupan dan gerakan. Dalam warisannya, perhatian khusus diberikan pada lagu-lagu fantasi paduan suara besar yang bersifat terprogram, penuh kecerdikan dan penemuan-penemuan jenaka di bidang penulisan paduan suara. Di dalamnya, Janequin dengan penuh warna menggambarkan kehidupan dan cara hidup pada masanya. Yang paling terkenal adalah "Pertempuran", "Berburu", "Kicau Burung", "Teriakan Jalanan Paris".

Selain lebih dari 200 lagu, Janequin menulis motet dan massa. Namun bahkan di bidang musik untuk ibadah Katolik, ia dengan berani menggunakan melodi rakyat, melantunkan teks-teks rohani dengan iringan musik militer yang meriah, dan memperkenalkan ritme tarian.

Dalam sebagian besar, perlakuan terhadap lagu daerah dan materi tari seperti itu merupakan ciri khas banyak komposer Renaisans, yang dalam karya mereka menggabungkan minat pada genre spiritual dan sekuler, yang menyebabkan pemisahan terakhir musik sekuler ke dalam bidang kemandirian artistik dan profesionalisme. .

Musik pada periode abad XV-XVII.

Pada Abad Pertengahan, musik adalah hak prerogatif gereja, sehingga sebagian besar karya musik bersifat sakral, berdasarkan nyanyian gereja (nyanyian Gregorian), yang telah menjadi bagian dari agama sejak awal Kekristenan. Pada awal abad ke-6, nyanyian pemujaan, dengan partisipasi langsung Paus Gregorius I, akhirnya dikanonisasi. Nyanyian Gregorian dibawakan oleh penyanyi profesional. Setelah berkembangnya polifoni dalam musik gereja, nyanyian Gregorian tetap menjadi dasar tematik karya keagamaan polifonik (misa, motet, dll).

Abad Pertengahan diikuti oleh Renaisans, yang bagi musisi merupakan era penemuan, inovasi dan penelitian, era Renaisans dari semua lapisan manifestasi kehidupan budaya dan ilmiah mulai dari musik dan lukisan hingga astronomi dan matematika.

Meskipun sebagian besar musik masih bersifat religius, melemahnya kontrol gereja terhadap masyarakat membuka kebebasan yang lebih besar bagi komposer dan pemain untuk mengekspresikan bakat mereka.

Dengan ditemukannya mesin cetak, lembaran musik dapat dicetak dan didistribusikan, dan sejak saat itulah apa yang kita sebut musik klasik dimulai.

Pada periode ini, alat musik baru bermunculan. Alat musik yang paling populer adalah yang dapat dimainkan oleh pecinta musik dengan mudah dan sederhana, tanpa memerlukan keahlian khusus.

Pada saat itulah biola, pendahulu biola, muncul. Berkat fretnya (strip kayu di leher), permainan ini mudah dimainkan, dan suaranya tenang, lembut, dan terdengar bagus di aula kecil.

Alat musik tiup juga populer - perekam, seruling, dan klakson. Musik paling rumit ditulis untuk harpsichord yang baru dibuat, virginel (harpsichord Inggris, dibedakan dari ukurannya yang kecil) dan organ. Pada saat yang sama, para musisi tidak lupa menciptakan musik yang lebih sederhana dan tidak memerlukan keterampilan pertunjukan yang tinggi. Pada saat yang sama, perubahan terjadi dalam penulisan musik: balok kayu yang berat digantikan oleh jenis logam bergerak yang ditemukan oleh Ottaviano Petrucci dari Italia. Karya musik yang diterbitkan dengan cepat terjual habis, dan semakin banyak orang mulai terlibat dalam musik.

Harus ditonton: Peristiwa utama dalam sejarah musik klasik di Italia.

Beberapa ciri inovatif yang menentukan dapat diidentifikasi dalam budaya musik Renaisans.

Pertama, pesatnya perkembangan seni sekuler, yang tercermin dalam meluasnya penyebaran banyak genre lagu dan tari sekuler. Ini adalah bahasa Italiafrottola (“lagu daerah, dari kata-kata frottola - kerumunan), penjahat (“lagu desa”),kaktus , zona canzone (secara harfiah - lagu) dan madrigal, bahasa SpanyolVillancico (dari villa - desa), lagu chanson Perancis, JermanBerbohong , Bahasa inggris balada dan lainnya. Semua genre ini, yang mengagungkan kegembiraan keberadaan, tertarik pada dunia batin manusia, berjuang untuk kebenaran hidup, secara langsung mencerminkan pandangan dunia Renaisans murni. Sarana ekspresi mereka ditandai dengan meluasnya penggunaan intonasi dan ritme musik rakyat.

Puncak dari garis sekuler dalam seni Renaisans -sajak pendek tentang cinta . Nama genre ini berarti “lagu dalam bahasa ibu (yaitu, Italia)”. Ini menekankan perbedaan antara musik madrigal dan musik sakral yang dibawakan dalam bahasa Latin. Perkembangan genre beralih dari lagu gembala satu suara yang sederhana menjadi lagu instrumental vokal 5-6 suara dengan teks lirik yang canggih. Di antara penyair yang beralih ke genre madrigal adalah Petrarch, Boccaccio, Tasso. Ahli madrigal yang luar biasa adalah komposer A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi. Berasal dari Italia, madrigal dengan cepat menyebar ke negara-negara Eropa Barat lainnya.

Variasi lagu polifonik Perancis disebutlagu . Ia dibedakan dari madrigal karena kedekatannya yang lebih besar dengan kehidupan nyata sehari-hari, yaitu sifat genre-nya. Di antara pencipta chanson -Clement Jeannequin , salah satu komposer Perancis paling terkenal pada zaman Renaisans.

Kedua, berkembangnya polifoni paduan suara tertinggi, yang menjadi gaya musik terkemuka pada zamannya. Megah dan nyaring, sangat cocok dengan kekhidmatan kebaktian gereja. Pada saat yang sama, polifoni polifonik merupakan bentuk ekspresi dominan tidak hanya dalam genre spiritual, tetapi juga dalam genre sekuler.

Perkembangan polifoni paduan suara terutama dikaitkan dengan karya komposer sekolah Belanda (Prancis-Flemish): Guillaume Dufay, Johannes Ockeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

Orlando Lasso (sekitar 1532-1594) bekerja di banyak negara Eropa. Bakatnya, sungguh fenomenal, memikat dan menyenangkan semua orang. Semua genre musik Renaisans terwakili dalam kreativitas luas Orlando Lasso (dengan dominasi musik sekuler daripada musik sakral). Karyanya yang paling populer termasuk “Echo,” yang ditulis dalam genre lagu sehari-hari Italia. Karya ini didasarkan pada penjajaran warna-warni dari dua paduan suara, menciptakan efek gema. Teksnya adalah milik komposernya sendiri.

Bersama dengan Orlando Lasso, perwakilan terbesar dari High Renaissance dalam musik adalah orang ItaliaPalestina (nama lengkap Giovanni Pierluigi da Palestrina, sekitar tahun 1525-1594). Sebagian besar hidup Palestrina dihabiskan di Roma, di mana ia terus-menerus dikaitkan dengan pekerjaan di gereja, khususnya, ia mengepalai kapel Katedral St. Louis. Petra. Sebagian besar musiknya adalah karya-karya sakral, terutama misa (ada lebih dari seratus di antaranya, di antaranya “Misa Paus Marcello” yang terkenal menonjol) dan motet. Namun, Palestrina juga rela menggubah musik sekuler - madrigal, canzonettas. Karya Palestrina untuk paduan suara a sarreyamenjadi contoh klasik polifoni Renaisans.

Karya komposer polifonik memainkan peran utama dalam pengembangan genre utama musik Renaisans -massa . Berasal dari Abad Pertengahan, genre massa masukXIV- XVISelama berabad-abad, ia bertransformasi dengan cepat, berpindah dari contoh-contoh yang disajikan dalam bagian-bagian yang terpisah dan berbeda menjadi karya-karya dalam bentuk siklus yang harmonis.

Tergantung pada kalender gereja, beberapa bagian musik misa dihilangkan dan bagian lain disisipkan. Ada lima bagian wajib yang selalu hadir dalam kebaktian gereja. DI DALAMSAYA Dan V - « Kyrieeleison» (“Tuhan kasihanilah”) dan« AgnusDei» (« Anak Domba Allah") - permohonan pengampunan dan pengampunan diungkapkan. Di dalamII Dan IV - « Gloria"("Kemuliaan") dan " Suci» (« Suci") - pujian dan terima kasih. Di bagian tengah, "Kredo» (« Saya percaya"), menguraikan prinsip-prinsip dasar doktrin Kristen.

Ketiga, meningkatnya peran musik instrumental (dengan dominasi genre vokal yang jelas). Jika Abad Pertengahan Eropa hampir tidak mengenal instrumentalisme profesional, maka pada zaman Renaisans banyak karya diciptakan untuk kecapi (alat musik paling umum pada masa itu), organ, biola, vihuela, perawan, dan seruling memanjang. Mereka masih mengikuti pola vokal, namun minat mereka terhadap permainan instrumental sudah ditentukan.

Keempat, pada masa Renaisans, aktif terbentuknya sekolah musik nasional (polifonis Belanda, virginalis Inggris, vihuelis Spanyol, dan lain-lain), yang kreativitasnya didasarkan pada cerita rakyat negaranya.

Akhirnya, teori musik telah membuat kemajuan besar, dengan memunculkan sejumlah ahli teori yang luar biasa. Ini bahasa PrancisPhilippe de Vitry , penulis risalah " Arsbaru» (« Seni baru”, yang memberikan pembenaran teoretis untuk gaya polifonik baru); ItaliaJosephfo Zarlino , salah satu pencipta ilmu harmoni; Swisssilau , pendiri doktrin melodi.

Quattrocento (Abad XV) ditandai terutama oleh kebangkitan seni klasik (Yunani dan Latin) dalam seni visual, arsitektur dan sastra. Namun, karena kurangnya dokumen tentang musik Yunani Kuno dan, oleh karena itu, modelnya, tidak mungkin membicarakan kebangkitan seperti itu di bidang musik. Untuk itu, dimulai dariabad XIV musik terus berkembang sepanjang jalur penggandaan dan perluasan arah formal polifoni. Hanya menjelang akhirPada abad ke-16, ketika kebangkitan umum secara bertahap mulai kehilangan lingkaran cahayanya, kebangkitan tertentu dari arah klasik dalam musik dimulai dengan terbentuknya apa yang disebut sekolah Franco-Flemish, atau sekolah Burgundi-Flemish di Italia.

Musik vokal: sekolah Flemish

Aliran Flemish sebagai gerakan musik yang mendominasi Renaisans dan muncul di wilayah Prancis Utara dan Belgia modern berkembang dari sekitar tahun 1450 hingga akhir abad ke-16. Para ahli telah menghitung enam generasi penulis antara dua tahap utama berturut-turut dalam perkembangan tren ini: Burgundi-Flemish dan Franco-Flemish. Perwakilan dari kedua panggung berasal dari Flanders, tetapi sekolah secara keseluruhan bersifat internasional, karena aktivitas musisi kebanyakan terjadi di luar negeri dan gaya mereka dengan cepat menyebar ke seluruh Eropa. Aliran Flemish sering disebut Belanda, merangkum aliran Burgundi, Flemish, Perancis-Flemish dan Anglo-Prancis-Flemish. Sudah sejak awal abad ke-16. bahasa baru ini menimbulkan tanggapan luas di Perancis, Jerman, Italia, Inggris dan Spanyol dan menentukan lahirnya bentuk dan gaya baru di masing-masing negara, yang mencerminkan tradisi nasional individu. Namun, pada paruh kedua abad ke-16. musisi Perancis-Flemish yang sama ini telah dipaksa tidak hanya untuk berkonfrontasi dengan perwakilan terbesar dari tradisi musik Eropa tertentu (di Italia, misalnya, dengan penulis seperti Luca Marenzio, G. Palestrina dan C. Monteverdi), tetapi juga mengikuti selera dan gaya mereka.

Terlepas dari kompleksitas dan keragaman gaya dan cara berekspresi yang menjadi ciri khas aliran Flemish, fenomena yang khas dan orisinal masih dapat diidentifikasi, misalnya, penciptaan gaya berdasarkan kesetaraan ideal dari seluruh bagian jalinan tandingan ( Josquin Depres) dan penggunaan imitasi ketat sebagai sarana membuat struktur esai organik. Penggunaan metode counterpointing yang kompleks sesuai dengan konsep estetika aliran Flemish. Komposer gerakan ini menciptakan gaya polifonik baru - yang disebut gaya ketat. Genre unggulan sekolah ini adalah mass, motet, polyphonic chanson, madrigal, frottola, villanelle, canzonetta. Prinsip-prinsip komposisi polifonik yang dikembangkan oleh para komposer sekolah menjadi universal untuk generasi berikutnya. Beberapa musisi Eropa terbesar pada abad ke-15 - ke-16 berasal dari aliran Flemish. Ini adalah Johannes Ockeghem, Jakob Obrecht, Henrik Isak, Josquin Despres, Pierre de La Rue, Jean Mouton, Adrien Willart, Nicolas Gombert, Jakob Arkadelt, Philippe de Montet, Jacobus de Kerle, Orlando di Lasso, Giache de Vert, Jacob Regnard, Giovanni Membuat.

Guillaume Dufay

Kepala sekolah Burgundi-Flemish, Guillaume Dufay (sekitar 1400 - 1474, Cambrai), bernyanyi saat masih kecil di katedral di Cambrai; pada tahun 1420 ia menetap di Italia dan melayani keluarga Malatesta di Pesaro dan Rimini; kemudian dari tahun 1428 hingga 1433 ia bernyanyi di kapel kepausan di Roma, kemudian di Florence dan Bologna, tempat paus berlindung karena kerusuhan; dari tahun 1437 hingga 1444 ia bertugas di istana Louis dari Savoy dan akhirnya kembali ke Cambrai. Dufay, seorang yang berbudaya besar, setelah mempelajari dan mempraktikkan semua pencapaian seni musik kontemporer, untuk pertama kalinya melakukan sintesis teknik yang ketat dan kejernihan harmonik serta melodi melodi. Warisan kreatifnya meliputi 9 misa lengkap, 32 motet, himne, antifon, dan 37 penggalan misa. Massa mudanya (NonaSanoti,NonaSanotiAntoniusviennensis) disusun menurut jenis massa 3 suara, di mana suara atas secara melodi mendominasi dua suara bawah. Namun dimulai dari massa NonaKapten(c. 1440) dan pada misa berikutnya Yalamenghadapiyapucatakukawanbersenjata,jalanReginacaelorum Dan dllanoillaDomini kegunaan komposer cantuperusahaan(Latin - secara harfiah merupakan nada yang kuat), di mana berbagai bagian Biasa dikembangkan berdasarkan tema melodi yang sama, dipinjam dari repertoar Gregorian atau ekstra-liturgi atau disusun baru. Dengan keanggunan melodi, penguasaan pemrosesan polifonik, massa jalanReginacaelorum adalah karya terbaiknya.

Dalam motif sakral dan pujian-politik, Dufay mengikuti jejak para pendahulunya baik dari segi variasi teks maupun isorhythm, yang, bagaimanapun, tidak eksklusif dalam karya motet komposer Burgundia, yang terkadang lebih memilih a gaya yang lebih bebas dalam mendiskon (praktik gerakan kembali, ketika satu suara naik dan yang lainnya turun). Dari motet yang paling terkenal, harus disebutkan namanya Vasilisajadimengukur(didedikasikan untuk Cleophos Malatesta), Apostolomulia(untuk pentahbisan Sant'Andrea di Patras, di mana Malatesta menjadi uskup agung), Pengkhotbahmiliantus(untuk pelantikan Eugene IV ke takhta kepausan pada tahun 1431), NuperrosarumFlores(untuk pentahbisan Katedral Florence pada tahun 1486).

Lagu, dibedakan dengan banyaknya penjinakan, biasanya ditulis untuk 3 suara; 2 suara atas memimpin alur melodi, dan suara bawah mendukungnya secara harmonis. Di sini, komposisi tentang cinta jelas mendominasi dalam bentuk balada, rondo, atau vireles ( Kata perpisahanM'cinta,YalamenghadapiyapucatResvelonakalSelamathari,selamat datangbulan,Cemoysdetapi,Mabellewanitasouvenir,Seninchveramy); beberapa canzones disusun dalam bahasa Italia: SayangkamubersemangatSinar,Donnabukan YahudiLadolcepemandangan dan canzone yang menakjubkan Verginebella dengan kata-kata Francesco Petrarch.

Johannes Ockeghem

Johannes Ockeghem (sekitar 1420/25 Tremonde, Flanders - 1497, Tours) bertugas di kapel raja Prancis selama lebih dari 40 tahun. Dia sangat dihormati dan diakui; adalah bendahara Biara Saint-Martin dalam tur, mis. menduduki salah satu jabatan tertinggi di kerajaan dan menikmati banyak hak istimewa, termasuk hak finansial.

Ia dianggap oleh orang-orang sezamannya sebagai komposer terkemuka dan merupakan tokoh sentral generasi kedua aliran Flemish, setelah G. Dufay dan mendahului J. Despres (yang menulis karya terkenal itu). Deplorasi, menyesali). Ockeghem adalah perwakilan dari polifoni gaya ketat. Dia memperkaya teknik imitasi ujung ke ujung, menyetujui 4 suara yang terdengar penuh dalam gaya paduan suara A capella(tanpa iringan instrumen). Warisan kreatifnya mencakup 19 massa (hanya 10 yang lengkap, sisanya tidak memiliki bagian Biasa), Biasa Nona, Requiem, selusin motet, sekitar 20 chanson, serta Misa nada apa pun, memungkinkan pertunjukan dari skala yang berbeda. Hal ini menunjukkan bahwa komposer mendasarkan karyanya pada perhitungan matematis.

Josquin Despres

Josquin Despres (sekitar tahun 1440, Vermandois di Picardy - 1521, Conde-sur-l'Escaut, Valenciennes), dari tahun 1459 hingga 1472 adalah seorang pemimpin paduan suara di Katedral Milan, kemudian memasuki kapel Adipati Maleazzo Maria Sforza, dan dari tahun 1479, kemungkinan besar, dia melayani Kardinal Ascanio Sforza (karena itu julukannya Josquin d'Ascanio). Dari tahun 1486 hingga 1494 ia bernyanyi di kapel kepausan, dan pada tahun 1503 ia melayani Duke Ercole I d'Este di Ferrara; kemudian menetap di Prancis dan bertugas di istana Louis XII hingga tahun 1515; dalam beberapa tahun terakhir dia menjadi kanon-prebendary di ibu kota Condé. Terkait dengan istana Habsburg dan Margaret dari Austria, yang dipenjarakan di Belanda. Ketenaran Josquin Despres yang ia nikmati semasa hidupnya dinilai dari seringnya namanya muncul di media cetak, terutama dalam dua dekade pertama abad ke-16, dan juga dari perbandingan yang dibuat oleh penulis Florentine Cosimo Bartoli. antara dia dan Michelangelo Buonarroti.

Penulis Flemings generasi ketiga, ia membuka jalan menuju pemahaman baru tentang teks, membangun saling ketergantungan yang erat antara kata dan musik dan menghubungkan kompleksitas proses konstruktif dengan pencarian ekspresi yang berkelanjutan.

Beberapa dari 18 massa yang terdapat dalam katalognya disusun dengan teknik tradisional nyanyianperusahaan (jalanMarisbintang,DepanasViroine,Nonadinenek,D'ungaulieAmerika,faisantmenyesal,Gaudeamus,HerculesduxFerrariae,Lasolfaulangsaya,akukawanbersenjatasekstitoniakukawanbersenjatasupersuaramusikal,Pangbahasa dll.).

Ekspresi halus dalam karya Josquin melekat pada motet (sekitar 85), yang sebagian besar tampaknya berasal dari masa dewasa, terutama untuk karya sekuler (sekitar 70). Di antara karya-karyanya, kita juga harus memperhatikan chanson, bebas dari hubungan dengan apa yang disebut bentuk padat ( formulirperbaikan) (Kata perpisahankalicinta,Bergerettesavoyenne,EnakuombreD'tidakbisnis-on lineBuboucherit,Millemenyesal,Kecil mungilkamus) dan frottola gaya Italia ( Elpangganganebuonpenyanyi,menakutkanyasemuanyaGerra,Di dalamtemendominasisperavi). Esai yang indah patut mendapat perhatian khusus Penjelajahan- penyesalan atas kematian Johannes Ockeghem, berdasarkan teks Molinet.

Nicolas Gombert dan Adrien Willart

Komposer abad ke-16 Generasi keempat dari sekolah Flemish, Nicolas Gombert (sekitar tahun 1500, Bruges? - 1556, Tournai?) bertugas di kapel pribadi Kaisar Charles V, yang menemaninya dalam perjalanan panjang melalui Spanyol, Italia, Jerman dan Austria. Dari tahun 1640, dia mungkin tinggal di Tournai, karena dia adalah kanon tradisi tandingan Flemish, seorang murid Despres, Gombert mencapai tingkat teknis dan ekspresif tertinggi dalam karyanya (10 massa, sekitar 160 motet, 8 Magnificat, tentang 60 chansons), memberikan pengaruh yang kuat pada komposer kontemporer dan komposer generasi berikutnya. Gayanya dicirikan oleh peniruan terus menerus dan partisipasi semua suara yang hampir konstan. Karya spiritual Nicolas Gombert bercirikan gaya yang ketat dan singkat; tingkatannya jauh lebih tinggi daripada karya sekuler komposer.

Adrian Willaert (c. 1490, Bruges - 1560, Venesia), penduduk asli Flanders, adalah seorang pemimpin paduan suara di Italia, pertama di Ferrari di istana Duke Alfonso I d'Este, kemudian di Milan di kapel Uskup Agung Hippolyte II d 'Este dan, akhirnya, sebagai konduktor di kapel Katedral St. Mark (dari tahun 1527 hingga kematiannya). Selama kurang dari 35 tahun mengabdi di Venesia, praktik pedagogis ditambahkan ke aktivitas menulisnya: untuk pertama kalinya di Italia, ia mulai mengajar teknik Flemish, mengelompokkan sekolah nyata di sekitar dirinya. Di bidang musik sakral, ia menulis 9 massa dan lebih dari 850 motet, yang dalam komposisinya ia menunjukkan dirinya sebagai master sejati, ahli dalam semua metode yang diketahui: selain keterikatannya pada tradisi Flemish ( nyanyianperusahaan, menyusun kanon), dia menunjukkan minat pada musik sekuler Italia dan semua teknik rekaman polifonik. Dalam mazmurnya Salmispesial(1550) dengan nyanyian 8 suara, efek kontras dua paduan suara sangat mencolok. Di antara murid-murid Willaert, C. Rore, penggantinya di Katedral St. Markus, penulis 5 massa, 87 motet, menikmati otoritas yang besar. BergairahkeduaS.Giovanni, 116 madrigal, serta G. Zarlino, juga konduktor Katedral St. Mark, guru dan komposer, yang terkenal terutama karena risalahnya tentang harmoni, A. Gabrieli.

Orlando di Lasso

Informasi tentang pendidikan musik Orlando di Lasso atau Roland de Lassus (1530/32, Mons, Neno - 1594, Monaco) belum disimpan. Nama-nama gurunya tidak diketahui, namun yang jelas dia mengenal musisi-musisi besar pada masanya dan dipengaruhi oleh karya mereka. Saat masih kecil, dia adalah penyanyi untuk Raja Muda Sisilia F. Gonzaga. Kemudian dia berakhir di Napoli (sejak tahun 1549) dan, akhirnya, sebagai konduktor kapel Katedral St. John di Laterano di Roma. Setelah melakukan perjalanan ke tanah airnya, serta ke Inggris dan Prancis, Lasso menetap di Munich pada tahun 1557, pertama sebagai tenor di kapel Adipati Albert V dari Bavaria, dan kemudian pada tahun 1562 - 1563. sebagai pemimpin band. Menemani Duke dalam perjalanan ke Eropa, Lasso secara bersamaan mempelajari pengalaman musik para komposer dari negara lain, menikmati dukungan dari pengadilan besar.

Kreativitasnya yang luar biasa mencakup hampir semua genre musik pada masa itu, ia menggubah 700 motet, 58 massa, kurang dari 200 madrigal, 33 villanelles, lebih dari 90 bahasa Jerman Berbohong, sekitar 150 chanson. Lasso sudah menikmati hak istimewa untuk mencetak sejak ia menulis koleksi motif pertamanya, yang diterbitkan pada tahun 1556 di Anver (Antwerpen); Buku I madrigal untuk 5 suara diterbitkan di Venesia oleh A. Gardago pada tahun 1555. Dalam karya Lasso orang dapat menemukan jejak sintesis tradisi Flemish, Italia, dan Jerman. Bersama J.P. Palestrina, Lasso adalah sosok yang menjulang tinggi di atas generasinya; Di bidang musik sakral, motetnya, yang ditulis untuk 2-8 suara, menjadi sangat penting dibandingkan dengan motet massa. Dalam genre ini, Lasso mampu menunjukkan bahwa musik dapat mengekstrak esensi materi ekspresif dari sebuah teks tanpa harus tunduk padanya. Memiliki penguasaan yang sempurna atas sarana madrigal, ia kembali, dengan segala kehalusan seninya, menonjolkan sedikit nuansa makna deskriptif dan emosional dari teks tersebut. Hasil penguasaan tersebut dapat diapresiasi dengan mengamati profil harmonik karya yang halus secara kromatis dan kontras ritme serta orisinalitas dan keunikan alur melodi.

Bahasa kontrapuntalnya dalam beberapa hal menunjukkan gaya resitatif monofonik yang terbentuk pada dekade berikutnya setelah kematiannya.

Bentuk seni vokal di Italia: madrigal

Kehidupan musik di Italia pada abad ke-15 dan ke-16. didukung oleh patronase yang dilakukan oleh rumah-rumah kaya yang tercerahkan: Medici di Florence, Este di Ferrari dan Sforza di Milan. Para pelindung seni dari keluarga terkenal ini didorong oleh kecintaan sejati terhadap seni itu sendiri dan para senimannya. Kecintaan ini diwujudkan dalam dukungan ekonomi, pemberian perintah, dan pendirian akademi. Kehidupan seni berjalan lancar dengan dukungan finansial. Dalam lingkungan yang menguntungkan, zaman keemasan madrigal dimulai. Secara musikal, pembungaan ini menjadi prasyarat penting bagi berkembangnya polifoni vokal sekuler yang berakar pada tradisi lokal, yaitu munculnya lagu frottola polifonik.

Frottola

Genre vokal asal folk yang memainkan peran penting dalam musik Italia abad ke-16, frottola, juga disebut bardzeletta atau stramboto, sudah dinyanyikan sejak akhir abad ke-15. Biasanya digubah menjadi 4 suara dengan gerakan ritme dan melodi yang sederhana, dengan melodi yang mudah diingat. Frottola dipentaskan secara luas di istana Isabella d'Este di Mantua, di mana M. Cara, B. Tromboncino, dan M. Pesanti berkontribusi terhadap perkembangannya. Dari sini frottola datang ke kastil keluarga lainnya di Italia. Meskipun berpura-pura canggih, frottola penting dalam arti teks puisi mudah dipadukan dengan bentuk sederhana dan ritme yang hidup. Dari musik profesional, frottola mengadopsi notasi polifonik, membebaskannya dari intelektualisme apa pun: alih-alih tandingan yang meniru, frottola menggunakan melodi berdasarkan ritme yang tepat, langsung mengikuti teks syairnya. Preferensi diberikan pada ritme, dan melodi jelas ditujukan untuk suara atas, yang menjadi lebih jelas dalam transkripsi suara dan kecapi.

Madrigal dan perkembangannya

Madrigal Renaisans berkembang sekitar tahun 1530, muncul ketika maestro Flemish yang menggunakan tandingan dipengaruhi oleh frottola Italia, berdasarkan harmoni akord dengan dominasi suara atas. Selama Renaisans, dalam madrigal, hubungan antara kata dan musik menjadi lebih dekat dan lebih dalam: jika dalam contoh pertama C. Fest, F. Verdelot, J. Arkodelt tidak meninggalkan pencarian harmoni komposisi musik yang otonom, maka A . Willaert, C. de Rore, F. de Monte, Orlando di Lasso sudah berusaha menampilkan corak teks dalam madrigalnya, menggunakan kromatisme, tandingan, harmoni, dan timbre untuk ini.

Dalam sejarahnya, madrigal mencapai hampir semua puncak estetika, namun sekitar pertengahan abad ke-17. mengakhiri perkembangannya. Beberapa cirinya (misalnya, hubungan erat antara meteran verbal dan musik) dipindahkan ke bentuk lain, khususnya ke kantata kamar.

Puncak dari madrigal: Luka Marenzio

Luca Marenzio (c. 1553, Coccaglio, dekat Brescia - 1599, Roma) sebagian besar tinggal di Roma, pertama dalam pelayanan Kardinal Cristofor Madruzzo (1572 - 1578), dan kemudian di Luigi d'Este (1578 - 1585). Pada tahun 1589 ia mengambil bagian dalam upacara pernikahan Ferdinand de' Medici dan Cristina di Lorena di Florence. Untuk kesempatan ini ia menyusun dua selingan: LagarasaudaraInspirasiePieridi Dan IIwaktu tempurpuitisdiAppolo. Pada tahun yang sama, Marenzio kembali ke Roma dan melayani Kardinal Montalto. Pada tahun 1595, ia berada di bawah kendali raja Polandia Sigismund III, tetapi tidak ada informasi yang dapat dipercaya tentang masa tinggalnya di negara ini. Pada tahun 1598, Marenzio berada di Venesia, dan setahun kemudian di Roma (mungkin sebagai musisi di kapel kepausan), di mana dia meninggal. Ketenaran Marenzio terutama dikaitkan dengan komposisi madrigal. Penggunaan notasi tandingan paling kompleks di abad ke-16 dengan terampil. berkontribusi pada penemuan sarana ekspresi artistik baru. Marenzi. Ia menulis 419 madrigal (terdiri dari satu buku lagu untuk 4 suara, 9 buku untuk 5 suara, 6 buku untuk 6 suara dan jilid lainnya); selain itu, dia memiliki vila yang sangat indah (118 dalam 5 buku), yang, seperti madrigal, dikenal luas di luar Italia. Yang tidak kalah pentingnya adalah karya spiritual Luca Marenzio (dikenal 77 motet).

Ekspresionisme dan Deklamasi: Gesualdo

Carlo Gezcaldo, Pangeran Venosa (c. 1560 - 1613, Napoli) dan keponakan Charles Barromeo dari pihak ibunya, menjadi sangat terkenal karena dua peristiwa: pembunuhan istri mudanya Maria d'Avalos, yang tertangkap bersama kekasihnya Fabrizio Carafa di 1590, dan pernikahan keduanya dengan Elonora d'Este, keponakan Adipati Alfonso II, pada tahun 1594. Setelah pindah ke Ferrara, Gesualno memasuki satu-satunya akademi musik di zaman Renaisans, di mana T. Tasso, G. V. Guarini, D. Ludzaski dan J .de Wert berhasil. Seorang komposer dengan imajinasi aneh dan kreativitas individual yang tinggi, Gesualdo menulis 6 buku madrigal untuk 5 suara (4 buku pertama diterbitkan di Ferrari antara tahun 1594 dan 1596, 2 buku terakhir di Gesualdo dekat Napoli pada tahun 1611), 2 buku motets dan a buku tanggapan; beberapa madrigal 6 suara diterbitkan pada tahun 1626 oleh M. Ephrem; Gesualdo Nenna memasukkan canzonetta 5 suara dalam buku madrigalnya yang ke-8 OttawaperpustakaandiMadrigali(1628). Madrigal Gesualdo dicirikan oleh orientasi ekspresionis, yang dimanifestasikan dalam pergantian bayangan dan cahaya yang terus menerus, dalam kromatisme yang tidak terduga, dalam perubahan disonansi yang tajam; Ekspresi bunyi dalam karya-karyanya seolah ditonjolkan oleh gaya vokal deklamasi yang jauh dari pengalaman C. Monteverdi sezamannya.

Musik vokal suci: Palestrina

Giovanni Pier Luigi Palestrina (1525 -1594, Roma) bernyanyi di Basilika Santa Maria Maggiore di Roma. Pada tahun 1544 ia menjabat sebagai organis dan guru nyanyian di Katedral Palestrina. Sejak tahun 1551 ia bekerja di Roma sebagai guru kapel Paus Julius III, kemudian (1555) ia menjadi penyanyi di Kapel Sistina, namun pada tahun yang sama ia terpaksa meninggalkan jabatannya karena menikah. Dari tahun 1555 hingga 1560 ia memimpin kapel Basilika San Giovanni di Laterano dan dari tahun 1561 hingga 1566. di Santa Maria Maggiore. Setelah bertugas selama beberapa waktu di Kolese Romawi dan bersama Kardinal Hippolyte d'Este, pada tahun 1571 ia kembali lagi menjadi pemimpin Kapel Santa Maria Maggiore, di mana ia tinggal sampai kematiannya. Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, Giovanni Pelestrina sibuk menerbitkan karya-karyanya (pekerjaan ini dilanjutkan oleh putranya), sehingga ketenarannya melampaui tanah kelahirannya dan menyebar ke seluruh Eropa. Warisan spiritual Palestrina mencakup 104 misa (penulis sisanya yang ditentukan kepadanya diragukan), lebih dari 300 motet dan banyak nyanyian liturgi (79 himne, 35 Magnificat, ratapan, litani, 68 persembahan, StabatMateri), sangat sedikit warisan sekuler: 140 madrigal. Pada tahun 1581 dan 1594 menerbitkan dua buku madrigal spiritual, yang kedua berjudul PriegosemuanyaVergine.

gaya Palestina

Puncak karya Palestrina adalah massa, yang jarang menggunakan metode polifoni Flemish yang paling khas, seperti: nyanyianperusahaan dan kanon; lebih sering komposer menggunakan peniruan dan parafrase. Memiliki penguasaan sempurna atas bahasa polifonik selama masa kejayaannya di abad ke-16, Palestrina menciptakan seni polifonik yang sangat berkembang berdasarkan dasar harmonik.

Penulisan sekolah Perancis-Flemish diasah dengan sempurna: perhatian yang lebih besar diberikan pada kualitas dan proporsionalitas timbre dan suara kompleks vokal, kesederhanaan, kemurnian dan keringkasan pembacaan teks tercapai. Palestrina telah berupaya ke arah ini sejak tahun 1560, ketika ia ditugaskan untuk menyelaraskan musik sakral dengan keputusan Konsili Trente (peristiwa ini menjadi legendaris ketika Misa Paus Marcello yang terkenal memaksa para peserta konsili, yang ingin meninggalkan polifoni, untuk melestarikan bentuk musik sakral).

Gaya Palestrina, juga disebut “antik”, adalah model studi tandingan, dan pada abad ke-19. dianggap oleh gerakan Caecilian sebagai "musik suci" dengan tingkat kesempurnaan tertinggi.

Gaya terukur klasik juga melekat pada karya-karya sekuler komposer (madrigals), dan dalam hal ini, Palestrina menghindari pencarian mendalam yang mengganggu yang diupayakan oleh komposer lain mendiang Cinquecento.

Musik Venesia: A. dan G. Gabrieli

Menurut dokumen, kehidupan musik di Venesia terkonsentrasi di kapel Katedral St. Markus, tempat para organis bekerja dan sekolah menyanyi didirikan. Secara musikal, Venesia pada abad ke-16. merupakan pusat utama yang menarik musisi terkemuka; Penerbit musik ternama juga tinggal di sana (Petrucci, Scotto, Giordano). Di antara musisi yang bekerja di Venesia selama periode ini adalah Flemings A. Willart, yang mengarahkan kapel ducal dari tahun 1527 hingga 1562, dan F. Verdelot. Di antara musisi paling terkenal, Gabrieli Venesia harus disebutkan.

Andrea Gabrieli

Informasi tentang tahap pertama kehidupan Andrea Gabrieli, organis dan komposer (sekitar 1510/33 - 1585, Venesia), bersifat kontradiktif. Kemungkinan besar, dia adalah murid A. Willart. Pada tahun 1564 Gabrieli mewarisi jabatan organis kedua dari Annibale Padovano di Katedral St. Mark, dan pada tahun 1585 ia menjadi kepala organis setelah C. Merulo, menerima posisi yang dengan sopan diberikan kepadanya oleh keponakannya Giovanni, yang memenangkan kompetisi. Gabrieli menikmati ketenaran yang luar biasa di Eropa berkat koneksi internasionalnya dan distribusi karyanya di media cetak (6 massa, lebih dari 130 motet, sekitar 170 madrigal, sekitar 70 karya instrumental, dll.). Selain banyak musisi Italia, musisi Jerman dan Belanda datang ke Venesia untuk belajar bersama Gabrieli, misalnya H.D. Hasler dan G.Eichinger; J. P. Sweelinck juga belajar dengannya.

Andrea Gabrieli dianggap sebagai pencipta sekolah multi-paduan suara Venesia, dinamakan demikian karena penggunaan ulang Gabrieli secara ekstensif, sering kali memperkenalkan suara dan instrumen solo (busur dan kuningan), diperkuat dengan iringan dua organ. Karya multi-paduan suara yang besar (dengan paduan suara yang terbagi) terdapat dalam koleksi yang diterbitkan pada tahun 1587 ( Konser- konser). Ia juga memuat karya serupa oleh keponakannya Giovanni. Dalam gaya multi-paduan suara, Gabrieli juga menulis cukup banyak karya sekuler, termasuk yang terkenal BattagliapersonarD'estrumintiAfiato(,Pertempuran Pertunjukan Alat Musik Tiup; pemrosesan anumerta tahun 1587 telah dilestarikan, transkripsi Laguerre- "Perang" - K. Janequin).

Dibandingkan dengan musik instrumental vokal, karya Gabrieli kurang penting, namun teknik virtuosonya menjadi salah satu prasyarat bagi perkembangan gaya komposisi G. Frescobaldi. A. Gabrieli menerbitkan buku 6 suara massa (1572), 2 buku motet untuk 5 suara (1565) dan 4 suara (1576), buku Mazmur Daud untuk 6 suara (1583), 7 buku 3- Madrigal 6 suara, 6 buku karya instrumen keyboard dan berbagai karya vokal yang berisi konten sekuler dan spiritual. Kumpulan paduan suara untuk tragedi Sophocles, Oedipus sang Raja, diterjemahkan oleh O. Giustiniani dan dibawakan pada kesempatan pembukaan Teatro Olimpico, yang dibangun di Vicenza sesuai dengan desain A. Palladio (1585), diterbitkan secara anumerta .

Giovanni Gabrieli

Giovanni Gabrieli (sekitar 1554/57 - 1612, Venesia) - keponakan dan murid Andrea, yang setelahnya ia menjadi organis pertama di Katedral St. Markus pada tahun 1586, mempertahankan posisinya sampai kematiannya. Sedikit yang diketahui tentang kehidupannya: ada bukti, meskipun kontroversial, bahwa dari tahun 1575 hingga 1579 ia bisa saja bertugas di Monaco. Pada suatu waktu, Gabrieli dikenal di seluruh Eropa dan, seperti seorang paman, menerima musisi di sekolahnya yang kemudian menjadi terkenal (di antaranya G. Schütz). Selain itu, saya berhubungan dengan G.L. Hasler, bagaimanapun, tidak mengenal secara pribadi M. Pretorius, yang secara luas mengiklankan musik Gabrieli dalam risalahnya Sintagwamusika.

Giovanni mengikuti arahan yang dikembangkan pamannya, namun ternyata menjadi inovator hebat, terutama di bidang musik instrumental. Dalam canzones da sonar (karya instrumentalnya) jumlah suara bervariasi dari 6 hingga 20 (dialah orang pertama yang menggunakan kata sonata): yang paling terkenal adalah Sonata pian e forte (1597). Pekerjaan untuk organ kurang penting. Dalam komposisi vokal sekuler dan sakral, ia menunjukkan teknik yang lebih tinggi dibandingkan teknik Andrea. Dua dari koleksinya muncul di media cetak Sakraesimfoni(1597 dan 1625). Koleksinya masing-masing berisi 44 dan 32 esai.

musik nasional Jerman

Musik nasional Jerman dicirikan oleh fenomena seperti Lied (lagu). Dalam karya monodi Minnesingers, melodi folk yang bersifat spiritual digunakan, yang dapat diubah menjadi paduan suara Lutheran. Sejarah Lied, yang melalui berbagai tahap perkembangan, termasuk dalam pembentukannya pada abad ke-15 - ke-16. sekolah musik dan puisi Maisterzang (nyanyian para master), yang sudah muncul pada akhir abad ke-14. Kegiatan Meistersingers, yang berlangsung di perusahaan-perusahaan kota, diatur oleh upacara yang dikembangkan dengan cermat dan seperangkat norma yang ketat (bagian dari kumpulan yang disebut Tabulator), yang menetapkan detail terkecil dari komposisi teks dan melodi. Salah satu Mastersinger paling terkenal, sebagian besar berkat opera Richard Wagner, Die Meistersinger of Nuremberg, adalah Hans Sachs (1494 - 1576), yang menggubah lebih dari 6.000 lagu.

Pada paruh kedua abad ke-15. genre lagu Jerman polifonik muncul ( Berbohong), yang mencapai puncaknya di Cinquecento (juga berkat penyebaran melalui media cetak). Bentuk ini mengilhami banyak perkembangan polifonik dalam nyanyian Lutheran. Polifonis Jerman pertama pada abad ke-15. biasanya disebut Adam von Fuld dan Heinrich Fink, yang tertarik pada model Flemish. Kegiatan G. Hofhainer dari Austria, organis Maximilian I dan Flemish G. Isaac sangat penting. Tokoh T. Stolzer dan khususnya Swiss L. Senfl juga menonjol.

Reformasi Protestan abad ke-16. menentukan kemunculan paduan suara dan meletakkan dasar bagi pengembangan bentuk-bentuk liturgi murni Jerman oleh para musisi yang tetap berada di bawah pengaruh aliran Flemish.

Pada paruh kedua abad ini, tokoh dominan adalah Orlando di Lasso, yang bertugas di istana Munich: melalui dia pengaruh sekolah Italia meningkat, ia berkontribusi pada penyebaran gaya madrigal, canzonetta, villanelle, dan polifonik. Selama periode ini, musisi paling berpengaruh adalah Leonhard Lechner dan Hans Leo Hasler. Yang terakhir, seperti A. Pretorius, I. Eckard, Jacob Handel dan lain-lain kemudian, memberikan kontribusi yang signifikan terhadap penyebaran gaya polikoral Venesia di Jerman.

Musik nasional Perancis

Perubahan yang terjadi di bidang musik Perancis pada masa itu sulit dipisahkan dari profil aliran Burgundi-Prancis-Flemish. Namun demikian, orang tidak bisa tidak memperhatikan kebaruan chanson Prancis, yang ciptaannya dikaitkan dengan J. Benchois; Kita berbicara tentang genre baru canzone polifonik, yang dipengaruhi oleh pencapaian F. Landini di Italia dan D. Dunstable di Inggris. Pada abad ke-16 dalam kemegahan istana Prancis, Claudin Sermizy dan Clément Janequin bekerja, perwakilan terbesar dari genre baru, yang menikmati ketenaran universal (termasuk berkat penyebaran percetakan musik). Canzona keluar dari persaingan, dan baru pada akhir abad ke-16. itu digantikan oleh vaudeville (dari mana asalnya udaradekursus- gaya istana), bergerette, chansonette.

Dengan menyebarnya tarian-tarian baru, muncul pula repertoar karya kecapi yang luas, dibuat sesuai skema. udaradekursus; Pada saat yang sama, musik organ berkembang pesat (J. Titlouz dan G. Costele), yang memunculkan perkembangan instrumen keyboard. Terakhir, perlu disebutkan penampilan balet, yang datang ke Prancis dengan produksinya BaletkomikdelaRoyne, dilakukan pada tahun 1581 oleh impresario, koreografer dan komposer asal Italia V. Baltazarini.

musik nasional Inggris

Perkembangan polifoni yang signifikan pada abad ke-12 - ke-13. dimahkotai selama Renaisans dengan karya John Dunstable (sekitar 1380 - 1453, London), yang sebagian besar bekerja di luar negeri dan memiliki pengaruh nyata pada perwakilan sekolah Perancis-Flemish. G. Dufay dan J. Benchois. Dunstable berhasil menggabungkan huruf Perancis Arsbaru(dengan tandingan dan ritme yang kompleks) dengan tradisi Inggris. Dari ciptaannya, sekitar 60 karya telah sampai kepada kita, termasuk 2 massa, 14 bagian massa, 28 motet dan 5 chanson (yang paling terkenal adalah HAIRosabella). Pengikutnya yang layak adalah L. Power dan R. Fairfax, penulis musik sakral (untuk teks Latin) dan drama sekuler ringan (untuk tes bahasa Inggris atau Prancis), serta J. Taverner. Penulis seperti K. Tye, T. Tallis dan R. White berhasil mengisolasi bentuk-bentuk musik yang menjadi ciri khas liturgi Inggris yang direformasi (lagu kebangsaan, kebaktian, dll).

Dengan naiknya Ratu Elizabeth I, masa kejayaan musik Inggris dimulai. Yang terakhir ini didorong di pengadilan oleh wanita itu sendiri, yang memelihara kontak dengan sekolah-sekolah Italia modern, berdasarkan prinsip-prinsip yang menjadi dasar sebagian besar madrigal Inggris didirikan: pertama ya(aria berhubungan dengan canzonetta dan frottola Italia), lalu ketch (caccia) dan gli ( lagu- lagu).

William Burung

William Byrd (?1543 - 1623, Stondon Massey, Essex) adalah organis di Katedral Lincoln dan di Kapel Kerajaan Elizabeth I dari Inggris. Pada tahun 1575, bersama T. Tallis, ia mencapai monopoli pencetakan musik di Inggris untuk jangka waktu 21 tahun. William Byrd tidak diragukan lagi adalah komposer Inggris terpenting di awal abad ke-17, menulis dengan gaya yang lebih mirip dengan tradisi Flemish daripada gaya Italia. Pada tahun 1575, 1589 dan 1591. Bird telah menerbitkan 3 buku laguSakrae(Nyanyian suci). Buku pertama hanya berisi tulisan Tallis. Kemudian pada tahun 1605 dan 1607. dua buku muncul bertahap; tiga massa, mungkin berasal dari periode 1592 - 1595, yang dicirikan oleh tekstur polifonik yang kaya dan padat.

Gaya Byrd dicirikan oleh tulisan yang fleksibel dan diilhami oleh keinginan untuk menahan diri dan singkatnya. Komitmen terhadap Gereja Katolik tidak menghalangi Byrd untuk menggubah musik untuk aliran sesat Anglikan: miliknya BesarMelayani(Layanan Besar adalah salah satu karya terbaik), PendekMelayani(Layanan Kecil), selusin lagu kebangsaan bersuara penuh, dan banyak lagi. Dari musik sekuler kita dapat menyebutkan volume, Mazmur, soneta, dan lagu'' ( Mazmur,soneta,eLagudariKesedihanDansayang, 1589), tulisan-tulisan mengenai pokok-pokok agama dan moral yang tidak dimaksudkan untuk penggunaan liturgi, dan Lagudariserba-serbisifat(1589, berbagai lagu). Warisan instrumental juga sangat menarik, termasuk fantasi, tarian, variasi, fragmen deskriptif untuk perawan, beberapa karya untuk permaisuri dan biola.

musik nasional Spanyol

Bukti musik polifonik abad 13 - 14. terkandung di dalamnya KodeksdelasHuelgas, bagaimanapun, tentang karya-karya paruh pertama abad ke-15. tidak ada yang diketahui. Namun demikian, pada paruh kedua abad ke-15, musik berkembang pesat: muncul karya-karya suci Villancicos dan roman Juan de Encina (1468 - 1529), serta karya-karya komposer lain yang membentuk "Koleksi Istana" yang terkenal (" Cancionero de Palacio") dan koleksi lainnya. Tokoh terbesar Cinquecento adalah Cristobal de Morales (sekitar 1500 - 1553), Tomás Luis de Victoria dan Francisco Guerrero (1528 - 1599) - salah satu perwakilan terbaik musik vokal sakral di Eropa pada abad ke-16. Musik organ Antonio de Cabezon (1528 - 1566) juga sangat penting. Komposisi vihuela yang kaya akan ornamen ditulis oleh Luis Milan (sekitar tahun 1500 - setelah tahun 1561), Luis de Narvaez (sekitar tahun 1500 - setelah tahun 1555), Alonso de Mudarra (sekitar tahun 1508 - 1580) dan banyak lainnya.

Thomas Luis de Victoria

Tomás Luis de Victoria (c. 1550, Avila - 1611, Madrid) dikirim ke Roma untuk belajar di Collegiate Germanico. Gurunya mungkin adalah J.P. Palestrina. Pada tahun 1569, Tomás Luis de Victoria diangkat sebagai organis dan wakil kapellmeister Kapel Santa Maria di Monserrato. Dari tahun 1573 hingga 1578 ia melayani di seminari Romawi dan di Gereja St. Apollinaris. Pada tahun 1575 ia ditahbiskan. Pada tahun 1579 ia memasuki layanan Permaisuri Maria. Dari tahun 1596 hingga 1607, Luis de Victoria menjadi pendeta di biara Descalzas Reales di Madrid. Penulis karya spiritual eksklusif, Thomas Luis de Victoria menulis 20 massa dan 50 motet. Komposer dianggap yang terbaik PejabatHebdomadaeSanotae untuk 4 - 8 suara (1585) dan PejabatDefungsitorum untuk 6 suara (1605). Dia menggabungkan gaya yang serius dan luhur dengan ekspresi emosional yang luar biasa, yang menjadikannya seorang polifonis Spanyol yang hebat pada abad ke-16.