Sastra Musik Luar Negeri, Bagian 3. “Sastra Musik Luar Negeri” I

Catatan dasar sastra musik luar negeri merupakan tambahan pada buku teks sastra musik yang sudah ada. Isi buku ajar sesuai dengan kurikulum mata pelajaran PO.02.UP.03. “Sastra Musik” dari program pendidikan umum pra-profesional tambahan di bidang seni musik “Piano”, “Alat gesek”, “Alat tiup dan perkusi”, “Alat rakyat”, “Nyanyian paduan suara”, direkomendasikan oleh Kementerian Kebudayaan dari Federasi Rusia.

Catatan dasar sastra musik dirancang untuk mengembangkan pendidikan kemanusiaan dan kompetensi khusus siswa, khususnya: “...untuk membentuk pemikiran musik, keterampilan persepsi dan analisis karya musik, memperoleh pengetahuan tentang hukum-hukum bentuk musik, kekhasan bahasa musik, sarana ekspresif musik” 1 .

Dalam buku teks, karya komposer disajikan dalam konteks era budaya dan sejarah dan dipelajari dalam kaitannya erat dengan peristiwa sejarah dan seni terkait. Materi notasi mewakili tesis utama penelitian tentang sejarah musik dan sastra musik oleh V.N. Bryantseva, V.S. Galatskaya, L.V. Kirillina, V.D. Konen, T.N. berupa tabel, diagram, dan dukungan visual. Penunjang visual (reproduksi lukisan karya seniman terkenal, potret komposer, kerabat dan sahabatnya, tokoh budaya dan seni terkemuka, tokoh sejarah, dll) tidak hanya menemani dan melengkapi informasi verbal, tetapi merupakan pembawa informasi di bidang seni rupa. , berkaitan langsung dengan era dan tren musik, karya komposer, mencerminkan sejarah, budaya dan seni negara-negara Eropa.

Isi notasi pendukung terdiri dari empat bagian, yang selanjutnya dibagi menjadi topik-topik yang meliputi periode perkembangan musik Eropa mulai dari budaya musik Yunani Kuno hingga karya komposer romantis abad ke-19. Jadi bagian pertama mengkaji budaya musik Yunani Kuno, Abad Pertengahan dan Renaisans. Bagian kedua mempelajari era Barok, karya J. S. Bach dan G. F. Handel. Bagian ketiga dikhususkan untuk era klasisisme, di mana penekanannya adalah pada karya klasik Wina - J. Haydn, W. A. ​​​​​​Mozart dan L. Beethoven. Bagian keempat menyajikan materi tentang era romantisme, karya F. Schubert dan F. Chopin, serta memberikan gambaran singkat tentang karya komposer romantis abad ke-19 F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, I. Brahms, J. Bizet.

Manual ini juga mencakup kamus makna, istilah dan konsep yang ditemukan dalam teks, analisis singkat dan contoh musik dari karya yang sedang dipelajari.

Selain penyajian materi yang ketat dalam bentuk tabel dan diagram, buku panduan ini memuat fakta-fakta menarik dari kehidupan para komposer, disajikan dalam bentuk narasi dan disertai ilustrasi artistik berwarna-warni yang menyegarkan persepsi dan perhatian anak-anak.

Catatan dasar sastra musik luar negeri ditujukan untuk siswa sekolah seni anak, sekolah musik anak tahun kedua dan ketiga (kelas 5 dan 6), belajar di program pendidikan umum pra-profesional tambahan di bidang seni musik . Guru teori musik dan disiplin khusus sekolah musik anak-anak dan sekolah seni anak-anak dapat menggunakan buku teks ketika mempelajari materi baru, mengulangi dan mensistematisasikan topik-topik yang dibahas, mempersiapkan sertifikasi siswa menengah dan akhir, mempersiapkan Olimpiade teori musik, karya mandiri dari siswa, pelatihan kelompok dan individu, sebagian ketika melaksanakan program pengembangan umum tambahan di bidang seni musik, dalam kegiatan budaya dan pendidikan.

Catatan pendukung disertai dengan buku kerja yang dimaksudkan untuk digunakan dalam pembelajaran di kelas.

Di bawah ini adalah bagian dari manual “Catatan dasar tentang literatur musik luar negeri.”

Mengenai pembelian manual Tatyana Guryevna Savelyeva “Catatan dasar tentang literatur musik luar negeri,” silakan hubungi penulis di [dilindungi email]

_____________________________________________

1 Contoh program mata pelajaran akademik PO.02. ATAS.03. Sastra musik. - Moskow 2012

______________________________________________________

(perkiraan: 3 , rata-rata: 3,67 dari 5)

Judul: Sastra Musik Luar Negeri

Tentang buku “Sastra Musik Negara Asing” oleh I. A. Prokhorov

Buku teks berjudul “Sastra Musik Negara Asing” yang disusun oleh I. Prokhorova ini ditujukan untuk pembelajaran mandiri. Hal ini menjelaskan keringkasan dan aksesibilitas penyajian materi.

Buku “Sastra Musik Luar Negeri” akan memperkenalkan siswa pada biografi singkat dan karya terbaik komposer terkenal. Anak-anak akan dapat belajar tentang kehidupan dan karya para jenius seperti I.S. Bach, J.Haidn, WA. Mozart, L.Beethoven, F.Schubert dan F.Chopin. I. Prokhorova tidak menjelaskan terlalu detail kisah-kisah komposer berbakat; dalam buku teks Anda akan menemukan tanggal-tanggal utama kehidupan, asal usul, pangkat dan gelar, bidang kegiatan, kondisi yang mempengaruhi pilihan profesi. Buku ini akan menceritakan tentang tahapan utama kehidupan dan karya musisi, pandangan sosial politik mereka.

Publikasi “Sastra Musik Luar Negeri” ditujukan untuk siswa sekolah musik, namun setiap orang yang menyukai karya klasik akan menemukan sesuatu yang menarik dalam buku ini. Teks I. Prokhorov diperkaya dengan penjelasan beberapa konsep musik dan ekstra-musikal, sehingga kurang bersifat akademis. Bagian yang menggambarkan kehidupan musisi disajikan dalam konteks kehidupan sejarah dan budaya negara-negara Eropa pada masa itu. Hal ini memberikan kesempatan kepada siswa untuk memperoleh pemahaman yang lebih dalam dan luas tentang kondisi di mana komposer legendaris tinggal dan berkarya.

Karena buku “Sastra Musik Luar Negeri” ditujukan untuk dibaca di rumah, semua karya simfoni yang ada di dalamnya ditawarkan dalam aransemen empat tangan. Perlu dicatat bahwa cerita tentang karya Bach, yang menurut programnya, dipelajari pada akhir tahun, ditempatkan di awal. Langkah ini penulis ambil demi menjaga kronologi penyajian.

Penyusun buku ini yakin bahwa penggunaan buku teks secara teratur akan membangkitkan selera siswa untuk mengenal secara mandiri literatur musik populer dan ilmiah. Selain itu, anak akan mampu mengembangkan dan memantapkan keterampilan membaca karya musik dari pandangan, serta terbiasa bermain empat tangan.
Pembelajaran mandiri atas karya-karya terkenal akan memungkinkan Anda menampilkannya selama pelajaran, di hadapan anak-anak lain, yang akan membuat kelas kolektif lebih aktif dan secara signifikan meningkatkan persepsi musik klasik.

Di website kami tentang buku lifeinbooks.net Anda dapat mendownload secara gratis tanpa registrasi atau membaca online buku "Sastra Musik Negara Asing" oleh I. A. Prokhorov dalam format epub, fb2, txt, rtf, pdf untuk iPad, iPhone, Android dan Kindle. Buku ini akan memberi Anda banyak momen menyenangkan dan kenikmatan nyata dari membaca. Anda dapat membeli versi lengkap dari mitra kami. Selain itu, di sini Anda akan menemukan berita terkini dari dunia sastra, mempelajari biografi penulis favorit Anda. Untuk penulis pemula, ada bagian terpisah dengan tip dan trik bermanfaat, artikel menarik, berkat itu Anda sendiri dapat mencoba kerajinan sastra.

DARI KOMPILER
Buku ini adalah buku teks tentang literatur musik pada periode sejarah yang dimulai pada dekade terakhir abad ke-19. Ini adalah pertama kalinya buku teks seperti itu muncul: edisi kelima, seperti diketahui, diakhiri dengan karya K-Debussy dan M. Ravel.
Buku tersebut memuat ciri-ciri berbagai sekolah musik nasional, yang menentukan strukturnya secara keseluruhan. Bagian pertama mencirikan proses umum yang diterapkan dengan caranya sendiri dalam seni musik di berbagai negara dan dalam karya komposer dari individu yang berbeda.

Perhatian para penyusun dan penulis buku teks terfokus pada menunjukkan proses musik dan sejarah umum pada periode yang sedang dipertimbangkan, dan pada menganalisis karya-karya paling menonjol yang telah menjadi karya klasik abad kita. Karena kompleksitas yang luar biasa dari peristiwa-peristiwa seni musik abad ke-20, sifatnya yang kontradiktif, saling bersinggungan, dan perubahannya yang cepat, bab-bab ulasan menempati tempat yang jauh lebih besar dalam buku ini dibandingkan edisi-edisi sebelumnya. Meski demikian, sesuai dengan prinsip metodologi pokok bahasan, penyusun berupaya tetap fokus pada analisis karya musik, yang dalam hal ini dimaksudkan untuk mengungkap keragaman metode kreatif, cara berpikir, solusi stilistika yang berbeda, dan keberagaman. teknik komposisi para master abad kita.

Karena buku ini memberikan panorama seni musik yang luas, dan analisisnya dalam banyak kasus sangat kompleks (yang sebagian besar ditentukan oleh materi itu sendiri), penyusun menganggap mungkin untuk menyampaikan buku teks ini kepada siswa tidak hanya pertunjukan. , tetapi juga departemen teori sekolah musik. Isi buku ini memungkinkan adanya pendekatan selektif dalam proses pendidikan; Kedalaman dan detail pembelajaran bab ditentukan oleh guru itu sendiri, tergantung pada tingkat kesiapan siswa, perlengkapan materi proses pendidikan dengan catatan dan rekaman musik serta jumlah jam yang dialokasikan oleh kurikulum untuk bagian kursus ini.
Sebuah tim besar penulis mengerjakan buku ini. Oleh karena itu tidak dapat dihindari adanya berbagai cara penyajian materi; pada saat yang sama, dalam pendekatannya, para penyusunnya berusaha untuk mempertahankan prinsip-prinsip metodologis yang seragam.

ISI
Dari kompiler
Cara perkembangan seni musik luar negeri abad ke-20.
Budaya musik Austria
GUSTAV MAHLER
Kreativitas vokal. "Lagu Magang Pengembara"
Kreativitas simfoni. Simfoni Pertama
ARNOLD SCHOENBERG
Kehidupan dan jalur kreatif
"Orang yang selamat dari Warsawa"
ALBAN BERG
Kehidupan dan jalur kreatif
Drama musikal "Wozzeck"
Konsert untuk biola dan orkestra
ANTON WEBERN.
Kehidupan dan jalur kreatif
Budaya musik Jerman
RICHARD STRAUS
Kehidupan dan jalur kreatif
Kreativitas simfoni. Puisi simfoni "Don Juan" dan "Till Eulenspiegel"
PAULUS HINDEMIT
Kehidupan dan jalur kreatif
Kreativitas simfoni. Simfoni "Artis Mathis".
CARL ORF
Kehidupan dan jalur kreatif
Genre utama karya Carl Orff dan fitur-fiturnya.
Opera "Gadis Pintar"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKY
Kehidupan dan jalur kreatif
"Simfoni Mazmur"
Opera "Oedipus Rex"
Budaya musik Perancis.
ARTHUR HONEGER
Kehidupan dan jalur kreatif
Kreativitas teater dan oratorio. Oratorio “Joan of Arc dipertaruhkan”
Kreativitas simfoni. Simfoni Ketiga ("Liturgi")
DARIUS MILO
Kehidupan dan jalur kreatif
Vokal-instrumental, kreativitas. "Benteng Api"
FRANCIS POULENC
Kehidupan dan jalur kreatif
Opera "Suara Manusia"
Budaya musik Spanyol
MANUEL DE FALLA
Kehidupan dan jalur kreatif
Balet “Cinta Sang Penyihir”
Opera "Hidup Singkat"

Perpustakaan Musik Kami senang Anda telah menemukan dan mengunduh materi yang Anda minati di perpustakaan musik kami. Perpustakaan terus diperbarui dengan karya dan materi baru, dan lain kali Anda pasti akan menemukan sesuatu yang baru dan menarik untuk Anda. Perpustakaan proyek disusun berdasarkan kurikulum, serta materi yang direkomendasikan untuk melatih dan memperluas wawasan siswa. Baik siswa maupun guru akan menemukan informasi berguna di sini, karena... Perpustakaan juga berisi literatur metodologis. Hewan peliharaan kami Komposer dan pemain Seniman kontemporer Di sini Anda juga akan menemukan biografi seniman, komposer, musisi terkenal terkemuka, serta karya-karya mereka. Di bagian karya kami memposting rekaman pertunjukan yang akan membantu Anda dalam belajar; Anda akan mendengar bagaimana karya ini terdengar, aksen dan nuansa karya tersebut. Kami menunggu Anda di classON.ru. V.N. Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 – 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 – 1791 Franz Schubert 1797 – 1828 www.classon.ru Joseph Haydn 1732 – 1809 Ludwig van Beethoven 1770 – 1827 Fryderyk Chopin 1810 – 1949 Pendidikan anak di bidang seni di Rusia Informasi tentang hal itu menjadi semakin melimpah sejak sekitar abad ke-10 SM. Seni rupa berkembang - dan seniman menggambarkan musisi yang mengiringi ritual keagamaan, kampanye militer, berburu, prosesi upacara, dan menari dengan nyanyian dan permainan alat musik. Gambar-gambar seperti itu telah dilestarikan, khususnya, pada dinding candi dan vas keramik yang ditemukan selama penggalian. Tulisan muncul - dan penulis manuskrip menambahkan lirik puitis pada lagu dan himne serta memberikan informasi menarik tentang kehidupan musik. Seiring berjalannya waktu, penulis banyak menaruh perhatian pada diskusi filosofis tentang musik, pentingnya peran sosial, termasuk pendidikan, serta kajian teoretis tentang unsur-unsur bahasanya. Sebagian besar informasi tersebut telah disimpan tentang musik di beberapa negara di Dunia Kuno, misalnya, di Tiongkok Kuno, India Kuno, Mesir Kuno, dan terutama di negara-negara yang disebut negara kuno - Yunani Kuno dan Roma Kuno, di mana fondasi budaya Eropa diletakkan2. Pengenalan Musik dari zaman kuno hingga J. S. Bach Teman-teman! Tahun lalu Anda sudah mengikuti pelajaran sastra musik. Mereka membahas elemen dasar bahasa musik, beberapa bentuk dan genre musik, kemungkinan ekspresif dan visual musik, serta orkestra. Pada saat yang sama, percakapan dilakukan secara bebas tentang berbagai era - terkadang tentang zaman kuno, terkadang tentang modernitas, terkadang tentang abad-abad yang kurang atau lebih jauh dari kita. Dan kini telah tiba waktunya untuk mengenal sastra musik dalam urutan kronologis - historis -1. Tentang musik di Yunani Kuno Dengan cara apa informasi tentang musik Dunia Kuno sampai kepada kita? Bukti yang meyakinkan tentang peran besar budaya dan sejarah zaman kuno adalah bahwa di Yunani Kuno pada abad ke-8 SM, kompetisi olahraga umum - Olimpiade - diadakan. dilahirkan. Dan dua abad kemudian, kompetisi musik mulai diadakan di sana - Permainan Pythian, yang dapat dianggap sebagai nenek moyang jauh dari kompetisi modern. Permainan Pythian diadakan di kuil yang dibangun untuk menghormati pelindung seni, dewa matahari dan cahaya, Apollo. Menurut mitos, dia, setelah mengalahkan ular raksasa Python, sendiri yang memulai permainan ini. Diketahui bahwa Sakkad dari Argos pernah memenangkannya dengan memainkan aulos, alat musik tiup yang dekat dengan obo, sebuah program tentang pertarungan antara Apollo dan Python. Musik Yunani kuno memiliki hubungan yang khas dengan puisi, tari, dan teater . Puisi epik heroik "Iliad" dan "Odyssey", yang dikaitkan dengan penyair legendaris Homer, dinyanyikan. Penyanyi biasanya, seperti Orpheus yang mitologis, adalah penulis teks puisi dan musik, dan mereka sendiri mengiringi diri mereka sendiri dengan kecapi. Pada perayaan tersebut, lagu-lagu dance paduan suara dengan gerak pantomimik dibawakan. Dalam tragedi dan komedi Yunani kuno, peran penting dimiliki oleh paduan suara: ia mengomentari tindakan tersebut, menyatakan sikapnya terhadap penggalian, ilmuwan arkeologi menemukan alat musik paling sederhana (misalnya, alat musik tiup - tulang binatang dengan lubang yang dibor) dan memutuskan bahwa itu dibuat sekitar empat puluh ribu tahun yang lalu. Alhasil, seni musik sudah ada saat itu. Setelah fonograf, alat pertama untuk merekam dan mereproduksi suara secara mekanis, ditemukan pada tahun 1877, para peneliti musisi mulai melakukan perjalanan ke penjuru dunia di mana beberapa suku masih mempertahankan cara hidup primitif mereka. Dari perwakilan suku tersebut, dengan menggunakan fonograf, mereka merekam contoh nyanyian dan melodi instrumental. Namun rekaman seperti itu tentu saja hanya memberikan gambaran perkiraan seperti apa musik pada zaman dahulu itu. Kata "kronologi" (artinya "urutan peristiwa sejarah dalam waktu") berasal dari dua kata Yunani - "chronos" ("waktu") dan "logos" ("pengajaran"). 1 Kata Latin "antiguus" berarti "kuno". Definisi “antik” yang diambil darinya mengacu pada sejarah dan budaya Yunani Kuno dan Roma Kuno. 2 2 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia hingga tindakan para pahlawan. Ahli musik modern memiliki informasi tertentu tentang musik di dunia kuno namun iri dengan sejarawan seni lainnya. Untuk sejumlah besar monumen arsitektur kuno yang megah, seni rupa kuno, terutama patung, telah dilestarikan; banyak manuskrip dengan teks tragedi dan komedi dari penulis drama kuno yang besar telah ditemukan. Namun karya musik yang diciptakan pada era yang sama dan bahkan jauh setelahnya pada dasarnya masih belum kita ketahui. Mengapa ini bisa terjadi? Faktanya adalah menemukan sistem notasi musik (notasi) yang cukup akurat dan nyaman, yang Anda masing-masing kuasai ketika baru mulai belajar musik, ternyata merupakan tugas yang sangat sulit. Butuh waktu berabad-abad untuk menyelesaikannya. Benar, orang Yunani kuno menemukan notasi huruf. Mereka menentukan derajat mode musik dengan huruf alfabet tertentu. Namun simbol ritme (dari tanda hubung) tidak selalu ditambahkan. Baru pada pertengahan abad ke-19 M para ilmuwan akhirnya mengungkap rahasia notasi ini. Namun, jika mereka mampu menguraikan rasio tinggi bunyi dalam naskah musik Yunani kuno secara akurat, maka rasio durasinya hanya kira-kira. Dan sangat sedikit manuskrip seperti itu yang ditemukan, dan hanya berisi rekaman beberapa karya bersuara tunggal (misalnya, himne) dan lebih sering lagi - kutipannya. visibilitas yang cukup. Oleh karena itu, musisi telah lama menggunakan ikon petunjuk tambahan. Ikon-ikon ini ditempatkan di atas kata-kata nyanyian dan menunjukkan suara individu atau kelompok kecilnya. Mereka tidak menunjukkan hubungan pasti antara suara baik tinggi maupun durasinya. Namun dengan garis besarnya, mereka mengingatkan para pemainnya akan arah gerak melodi, yang hafal dan mewariskannya dari satu generasi ke generasi lainnya. Di negara-negara Eropa Barat dan Tengah, yang musiknya akan dibahas nanti di buku teks ini, ikon semacam itu disebut neuma. Neumas digunakan saat merekam nyanyian liturgi Katolik kuno - nyanyian Gregorian. Nama umum ini diambil dari nama Paus Gregorius I3. Menurut legenda, pada akhir abad ke-6 ia menyusun koleksi utama nyanyian monofonik tersebut. Ditujukan untuk dinyanyikan selama kebaktian gereja hanya oleh laki-laki dan anak laki-laki - solo dan paduan suara secara serempak, lagu-lagu tersebut ditulis untuk teks doa dalam bahasa Latin 4. Rekaman awal nyanyian Gregorian yang tidak dapat diubah tidak dapat diuraikan. Namun pada abad ke-11, biksu Italia Guido d'Arezzo (“dari Arezzo”) menemukan metode notasi baru. Dia mengajar penyanyi anak-anak di biara dan ingin lebih mudah bagi mereka untuk menghafal nyanyian rohani. neuma mulai ditempatkan pada garis horizontal, di atas dan di bawahnya. Garis ini berhubungan dengan satu suara tertentu dan dengan demikian menetapkan perkiraan tingkat ketinggian rekaman. "penguasa") pada jarak yang sama satu sama lain dan menempatkan neuma pada dan di antara mereka. notasi musik modern - seperti kanvas yang digambar secara ketat, yang memungkinkan untuk secara akurat menunjukkan hubungan nada suara dalam nada dan seminada, dan pada nada. pada saat yang sama, notasi musik menjadi lebih visual - seperti gambar yang menggambarkan pergerakan melodi, tikungannya, dan Guido menunjuk bunyi-bunyi yang sesuai dengan garis-garis dalam huruf Latin. yang disebut kunci. Dan neuma, yang “duduk” di atas dan di antara penggaris, akhirnya berubah menjadi nada-nada tersendiri, yang kepalanya mula-mula berbentuk kotak. Soal dan tugas 1. Menurut para ilmuwan, kapan alat musik tertua dibuat? Apa artinya ini? 2. Apa itu fonograf, kapan ditemukan, dan bagaimana para peneliti mulai menggunakannya? 3. Tentang musik di negara Dunia Kuno manakah yang informasinya paling banyak disimpan? Tentukan dari peta di laut mana ketiga negara ini berada. 4. Kapan dan di mana kompetisi musik kuno - Permainan Pythian - mulai diadakan? 5. Seni apa yang erat kaitannya dengan musik di Yunani Kuno? 6. Notasi apa yang ditemukan oleh orang Yunani kuno? Bagaimana ini tidak akurat? Gelar “Paus” disandang oleh pendeta yang memimpin Gereja Katolik sebagai organisasi spiritual internasional. Katolik adalah salah satu agama Kristen bersama dengan Ortodoksi dan Protestan. 4 Orang Romawi kuno berbicara bahasa Latin. Setelah jatuhnya Kekaisaran Romawi pada tahun 476, bahasa Latin secara bertahap tidak lagi digunakan. Dari situlah muncul bahasa Roman - Italia, Prancis, Spanyol, Portugis. 3 Bagaimana notasi yang mudah dibuat Pada Abad Pertengahan (awal periode sejarah ini dianggap abad ke-6 M), notasi huruf hampir dilupakan. Itu tidak memuat 3 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Rumor tentang metode notasi baru - seperti keajaiban - sampai ke Paus Yohanes XIX. Dia memanggil Guido dan menyanyikan melodi yang tidak dia ketahui dari rekaman ciptaannya. Selanjutnya jumlah garis sejajar diubah berkali-kali, bahkan terkadang bertambah menjadi delapan belas. Baru pada akhir abad ke-17 staf lima lini saat ini “menang”. Kami menggunakan banyak kunci berbeda. Baru pada abad ke-19 kunci treble dan bass menjadi yang paling umum digunakan. Setelah penemuan Guido d'Arezzo, mereka menghabiskan waktu lama untuk memecahkan masalah sulit lainnya - bagaimana meningkatkan notasi sehingga dapat menunjukkan hubungan yang tepat antara suara tidak hanya dalam tinggi, tetapi juga dalam durasi muncul dengan ide menggunakan simbol-simbol musik untuk ini, yang bentuknya berbeda. Namun pada awalnya, banyak aturan konvensional yang ditambahkan ke dalamnya, sehingga sulit untuk diterapkan dalam praktik notasi yang lebih nyaman secara bertahap dikembangkan - persis seperti yang sekarang terus kita gunakan. Setelah permulaan abad ke-17, notasi tersebut hanya diperbaiki secara detail yang telah lama kita cari, sekarang tampaknya menjadi hal yang paling sederhana. Terdiri dari fakta bahwa seluruh nada dalam durasinya selalu sama dengan dua bagian - yang lain dalam gaya, satu setengah - dua perempat, satu seperempat - dua perdelapan, dan seterusnya sehingga garis bar mulai memisahkan bar pada abad ke-16 , dan ukuran pada awal notasi musik mulai ditunjukkan tanpa gagal sejak abad ke-17. Namun saat itu yang ada tidak hanya naskah musik, tetapi juga musik cetak. Pencetakan musik dimulai segera setelah penemuan percetakan – menjelang akhir abad ke-15. Di Dunia Kuno dan untuk waktu yang lama di Abad Pertengahan, musik pada umumnya bersifat monofonik. Hanya ada beberapa pengecualian sederhana. Misalnya, seorang penyanyi membawakan sebuah lagu dan menggandakannya (yaitu, mereproduksinya secara bersamaan) sambil memainkan suatu alat musik. Pada saat yang sama, suara dan instrumen terkadang sedikit berbeda, menyimpang satu sama lain dan segera menyatu kembali. Dengan demikian, “pulau” dua suara muncul dan menghilang dalam aliran suara monofonik. Namun pada pergantian milenium pertama dan kedua M, gaya polifonik mulai berkembang secara konsisten dan selanjutnya menjadi dominan dalam seni musik profesional. Formasi yang kompleks dan bertahan lama ini terkonsentrasi terutama di bidang musik gereja Katolik. Masalahnya dimulai dengan penemuan (oleh siapa - tidak diketahui) teknik berikut. Seorang penyanyi (atau beberapa penyanyi) menyanyikan suara utama - melodi nyanyian Gregorian yang lambat dan mengalir. Dan suara kedua bergerak secara paralel - persis dalam ritme yang sama, hanya sepanjang waktu pada jarak satu oktaf, atau seperempat, atau seperlima. Sekarang di telinga kita kedengarannya sangat buruk, “kosong.” Namun seribu tahun yang lalu, nyanyian seperti itu, yang bergema di bawah lengkungan gereja atau katedral, membuat kagum dan gembira, membuka kemungkinan ekspresif baru untuk musik. Setelah beberapa waktu, musisi gereja mulai mencari metode yang lebih fleksibel dan bervariasi dalam membawakan suara kedua. Dan kemudian mereka mulai dengan lebih terampil menggabungkan tiga, empat suara, dan terkadang bahkan lebih banyak suara. Soal dan tugas 1. Mengapa notasi huruf tidak nyaman dalam praktiknya? 2. Apa yang dikatakan Neuma kepada penyanyi abad pertengahan? 3. Apa yang dimaksud dengan nyanyian Gregorian dan mengapa disebut demikian? 4. Jelaskan inti dari penemuan Guido d'Arezzo 5. Apa permasalahan selanjutnya yang perlu diselesaikan setelah penemuan Guido? 6. Sejak kapan notasi tidak lagi berubah secara signifikan? jelas berbeda satu sama lain diciptakan pada awal abad ke-13 oleh musisi gereja Perotin. Dia adalah perwakilan seni menyanyi yang luar biasa - "Sekolah Notre Dame" Paris ("Sekolah Bunda Maria Perotin") terdengar. di sebuah bangunan dengan keindahan luar biasa, yang dijelaskan oleh penulis Perancis abad ke-19 Victor Hugo. Dalam novel “Notre Dame de Paris.” Bagaimana polifoni mulai berkembang dalam musik , kata ini berarti “polifoni”. Namun polifoni hanyalah jenis polifoni di mana dua atau lebih suara yang sama berbunyi secara bersamaan. Selain itu, masing-masing suara memiliki alur melodinya sendiri-sendiri bawahannya (menemaninya, menemaninya), maka ini adalah homofoni - yang lain. Berkat peningkatan notasi, secara bertahap, terutama sejak abad ke-13, naskah musik menjadi semakin akurat. Hal ini memungkinkan untuk mengenal tidak hanya informasi tentang budaya musik, tetapi juga dengan musik masa lalu itu sendiri. Bukan suatu kebetulan bahwa keberhasilan notasi bertepatan dengan dimulainya perkembangan polifoni - sebuah tahap penting dalam sejarah seni musik. 4 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia, massa telah menjadi genre musik utama. Misa Reguler 5 mencakup enam nyanyian utama berdasarkan teks doa Latin. Ini adalah “Kyriyo eleizon” (“Tuhan, kasihanilah”), “Gloria” (“Kemuliaan”), “Credo” (“Saya Percaya”), “Sanctus” (“Suci”), “Benedictus” (“Diberkati”) ) dan “ Agnus Dei" ("Anak Domba Tuhan"). Awalnya, nyanyian Gregorian dibunyikan secara monofonik secara massal. Namun sekitar abad ke-15, massa berubah menjadi siklus bagian polifonik yang kompleks 6. Pada saat yang sama, tiruan mulai digunakan dengan sangat terampil. Diterjemahkan dari bahasa Latin, “imitatio” berarti “imitasi.” Dalam musik, terkadang seseorang dapat meniru suara-suara ekstra-musik, misalnya getar burung bulbul, kicauan burung kukuk, atau suara ombak laut. Hal ini kemudian disebut onomatopoeia atau pencitraan suara. Dan imitasi dalam musik adalah suatu teknik ketika, mengikuti melodi yang diakhiri dengan satu suara, suara lain secara akurat (atau tidak terlalu akurat) mengulanginya dari suara lain. Suara lain kemudian bisa masuk dengan cara yang sama. Dalam musik homofonik, peniruan mungkin muncul sebentar. Dan dalam musik polifonik ini adalah salah satu teknik pengembangan utama. Hal ini membantu membuat gerakan melodi hampir berkesinambungan: jeda dan irama secara bersamaan di semua suara terjadi dalam musik polifonik hanya sebagai pengecualian yang jarang7. Menggabungkan imitasi dengan teknik polifonik lainnya, komposer membuat karya paduan suara besar di mana empat atau lima suara terjalin menjadi tekstur suara yang kompleks. Di dalamnya, melodi nyanyian Masehi sudah sulit untuk dilihat dan sama sulitnya untuk mendengar kata-kata doa. Bahkan ada massa yang melodi lagu-lagu sekuler populer dijadikan melodi utama. Situasi ini mengkhawatirkan otoritas tertinggi gereja Katolik. Pada pertengahan abad ke-16, nyanyian polifonik akan dilarang sepenuhnya selama kebaktian gereja. Namun pelarangan seperti itu tidak terjadi berkat komposer Italia yang luar biasa Palestrina, yang menghabiskan hampir seluruh hidupnya di Roma dan dekat dengan istana kepausan (nama lengkapnya adalah Giovanni Pierluigi da Palestrina, yaitu, “dari Palestrina” - a kota kecil tidak jauh dari Roma). Palestrina, dengan massanya (dan ia menulis lebih dari seratus massa), berhasil mencapai sejenis polifoni. Karena pengiringnya mempunyai dasar akord-harmonik, maka struktur homofonik penyajian musik disebut juga homofonik-harmonik. Soal dan tugas 1. Sejak kapan naskah musik mulai diuraikan dengan lebih akurat? 2. Tahap baru penting apa dalam sejarah seni musik yang bertepatan dengan keberhasilan notasi? 3. Kapan, dalam musik apa dan berdasarkan melodi apa polifoni mulai terbentuk secara konsisten? 4. Apa yang dimaksud dengan dua suara paralel? Nyanyikan bersama-sama beberapa bagian keempat, kelima, dan oktaf paralel. 5. Apa perbedaan antara polifoni dan homofoni? Bagaimana polifoni terus berkembang Sementara polifoni mulai berkembang dalam nyanyian gereja, monofoni terus mendominasi musik sekuler. Misalnya, banyak rekaman lagu satu suara yang dibuat dan dibawakan oleh penyair dan penyanyi abad pertengahan pada abad ke-12-14 telah diuraikan. Di selatan Perancis, di Provence, mereka disebut troubadours, di utara Perancis - trouvères, di Jerman - minnesingers. Banyak dari mereka adalah ksatria terkenal dan dalam lagu-lagunya mereka sering menyanyikan keindahan dan kebajikan “wanita cantik” yang mereka sembah. Melodi lagu-lagu para penyair-penyanyi ini seringkali mirip dengan lagu-lagu daerah, termasuk lagu-lagu tari, dan ritmenya tunduk pada ritme teks puisi. Belakangan, pada abad ke-14-16, para penyair-penyanyi Jerman dari kalangan perajin bersatu dalam sebuah guild, menyebut diri mereka Meistersingers (“penyanyi ulung”) suara-suara yang ditambahkan ke nyanyian Gregorian dalam nyanyian spiritual, pengaruh lagu-lagu sekuler menjadi nyata (misalnya, lagu-lagu penyanyi dan penyanyi). Pada saat yang sama, pada akhir abad ke-13, karya-karya polifonik murni sekuler muncul Prancis, di mana bagian-bagian dari semua suara didasarkan pada melodi yang bersifat lagu, dan teksnya disusun bukan dalam bahasa Latin, tetapi dalam bahasa Prancis. Seiring berjalannya waktu, dalam musik gereja Katolik masih ada misa khusus yang didedikasikan untuk hari raya gereja ingatlah bahwa siklus adalah sebuah karya dari beberapa bagian (atau bagian) terpisah yang disatukan oleh konsep umum 7 Irama ) - putaran melodi dan harmonis yang melengkapi keseluruhan karya musik atau bagiannya 5 6 5 www.classon.ru Pendidikan anak di bidang seni di Rusia untuk membuktikan bahwa komposisi polifonik, meski tetap sangat terampil, dapat terdengar transparan dan teks liturgi dapat didengar dengan jelas. Musik Palestrina adalah salah satu puncak polifoni paduan suara kuno yang disebut gaya ketat. Ini membawa kita ke dunia kontemplasi yang tercerahkan dan agung - seolah-olah memancarkan pancaran cahaya yang tenang dan damai. penyair, musisi, ilmuwan dan pecinta seni. Mereka terpikat oleh ide untuk menciptakan jenis baru nyanyian solo ekspresif dengan iringan dan memadukannya dengan aksi teatrikal. Dari sinilah opera pertama lahir, yang plotnya diambil dari mitologi kuno. Yang pertama adalah “Daphne”, yang disusun oleh komposer Jacopo Peri (bersama dengan J. Korea) dan penyair O. Rinuccini. Itu dilakukan pada tahun 1597 di Florence (karya secara keseluruhan tidak bertahan). Dalam mitologi Yunani kuno, Daphne adalah putri dewa sungai Ladon dan dewi bumi Gaia. Melarikan diri dari kejaran Apollo, dia berdoa memohon bantuan kepada para dewa dan diubah menjadi pohon salam (dalam bahasa Yunani "daphne" - "laurel") - pohon suci Apollo. Karena Apollo dianggap sebagai dewa pelindung seni, para pemenang Pertandingan Pythian, yang dianggap oleh Apollo sebagai pendirinya, mulai dimahkotai dengan karangan bunga laurel. Karangan bunga laurel dan cabang laurel yang terpisah telah menjadi simbol kemenangan, kemuliaan, dan pahala. Dua opera lainnya, yang dibuat pada tahun 1600 (satu oleh J. Peri, yang lain oleh G. Caccini), keduanya disebut “Euridice” karena keduanya menggunakan teks puisi yang sama, berdasarkan mitos Yunani kuno tentang penyanyi legendaris Orpheus. Opera Italia pertama dipentaskan di istana dan rumah bangsawan. Orkestra terdiri dari beberapa instrumen kuno. Itu dipimpin oleh seorang musisi yang memainkan simbal (nama Italia untuk harpsichord). Belum ada pembukaan, dan dimulainya pertunjukan diumumkan dengan keriuhan terompet. Dan di bagian vokal, resitatif mendominasi, di mana perkembangan musik tunduk pada teks puisi. Namun, tak lama kemudian, musik mulai memperoleh makna yang semakin mandiri dan penting dalam opera. Komposer opera luar biasa pertama, Claudio Monteverdi, mendapat manfaat besar dari hal ini. Opera pertamanya, Orpheus, dipentaskan pada tahun 1607 di Mantua. Pahlawannya lagi-lagi adalah penyanyi legendaris yang, dengan karya seninya, menenangkan Hades, dewa dunia bawah orang mati, dan dia melepaskan Eurydice, istri tercinta Orpheus, ke bumi. Namun syarat Hades - untuk tidak melihat ke arah Eurydice sekali pun sebelum meninggalkan kerajaannya - Orpheus melanggarnya dan sekali lagi, selamanya, kehilangan dia. Musik Monteverdi memberikan ekspresi liris dan dramatis yang belum pernah terjadi sebelumnya pada kisah sedih ini. Bagian vokal, paduan suara, dan episode orkestra menjadi lebih beragam karakternya dalam Orpheus karya Monteverdi. Dalam karya ini, gaya ariatik melodi mulai terbentuk - kualitas khas terpenting dari musik opera Italia. Mengikuti contoh Florence, opera mulai dibuat dan dipentaskan tidak hanya di Mantua, tetapi juga di kota-kota Italia seperti Roma, Venesia, dan Napoli. Ketertarikan pada genre baru mulai muncul di negara-negara Eropa lainnya, dan Pertanyaan serta tugas mereka 1. Siapakah troubadours, trouvères, minnesingers dan meistersingers? 2. Apakah ada hubungan antara polifoni gereja kuno dan melodi lagu sekuler? 3. Sebutkan bagian-bagian utama Misa reguler. 4. Berikan contoh onomatopoeia dalam musik. 5. Apa yang disebut dengan imitasi dalam musik? 6. Apa yang dicapai Palestrina pada masanya? Kelahiran opera. Oratorio dan Kantata Tepat sebelum awal abad ke-17 - abad pertama periode sejarah yang disebut Zaman Modern - sebuah peristiwa yang sangat penting terjadi dalam seni musik: opera lahir di Italia. Musik telah terdengar dalam berbagai pertunjukan teater sejak zaman dahulu. Di dalamnya, bersama dengan nomor instrumental dan paduan suara, solo vokal individu, misalnya lagu, dapat dibawakan. Dan dalam opera, penyanyi dan penyanyi menjadi aktor dan aktris. Nyanyian mereka yang diiringi orkestra yang dipadukan dengan aksi panggung mulai menyampaikan isi utama pertunjukan. Dilengkapi dengan pemandangan, kostum, dan seringkali juga tarian - balet. Jadi, dalam opera, musik memimpin kolaborasi erat berbagai seni. Ini membuka kemungkinan artistik baru yang besar baginya. Penyanyi opera mulai menyampaikan dengan kekuatan yang belum pernah terjadi sebelumnya pengalaman emosional pribadi orang-orang - baik suka maupun duka. Pada saat yang sama, sarana ekspresi terpenting dalam opera adalah kombinasi homofonik dari suara nyanyian solo dengan iringan orkestra. Dan jika hingga abad ke-17, musik profesional di Eropa Barat berkembang terutama di gereja, dan genre terbesarnya adalah musik massal, maka teater musikal menjadi pusat utamanya, dan genre terbesarnya adalah opera. Pada akhir abad ke-16, di kota Florence, Italia, sebuah lingkaran berkumpul 6 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia, para penguasa membuat kebiasaan mengundang musisi Italia ke dinas istana mereka. Hal ini berkontribusi pada fakta bahwa musik Italia menjadi musik paling berpengaruh di Eropa untuk waktu yang lama. Di Prancis, pada abad ke-17, muncul opera nasionalnya sendiri, berbeda dengan opera Italia. Pendirinya, Jean-Baptiste Lyulli, adalah orang Italia sejak lahir. Meskipun demikian, ia dengan tepat merasakan kekhasan budaya Prancis dan menciptakan gaya opera Prancis yang unik. Dalam opera Lully, tempat yang luas ditempati, di satu sisi, oleh resitatif dan aria kecil yang bersifat resitatif, dan di sisi lain, oleh tarian balet, pawai khusyuk, dan paduan suara yang monumental. Bersama dengan plot mitologis, kostum yang megah, dan penggambaran keajaiban magis dengan bantuan mesin teater, semua ini sesuai dengan kemegahan dan kemegahan kehidupan istana pada masa pemerintahan raja Prancis Louis XIV. Opera pertama di Jerman, Daphne (1627), diciptakan oleh komposer Jerman terbesar pada era pra-Bach, Heinrich Schütz. Namun musiknya belum dilestarikan. Namun kondisi untuk perkembangan genre opera di tanah air belum ada: baru muncul pada awal abad ke-19. Dan dalam karya Schutz, tempat utama ditempati oleh komposisi instrumental vokal ekspresif berdasarkan teks spiritual. Pada tahun 1689, opera Inggris pertama “Dido and Aeneas” oleh komposer berbakat luar biasa, Henry Purcell, dipentaskan di London. Musik opera ini memikat dengan liriknya yang menyentuh hati, fantasi puitis, dan gambar rakyat yang penuh warna. Namun, setelah kematian Purcell, selama hampir dua abad tidak ada pencipta musik terkemuka di kalangan komposer Inggris. Pada pergantian abad 16-17, bersamaan dengan opera dan juga di Italia, lahirnya kantata. Mirip dengan opera karena juga dibawakan oleh solois, paduan suara, dan orkestra, dan juga menampilkan aria, resitatif, ansambel vokal, paduan suara, dan episode orkestra. Namun dalam opera kita belajar tentang perkembangan peristiwa (plot) tidak hanya dari apa yang dinyanyikan para soloisnya, tetapi juga dari apa yang mereka lakukan dan apa yang umumnya terjadi di atas panggung. Namun dalam oratorio dan kantata tidak ada aksi panggung. Mereka dibawakan dalam suasana konser, tanpa kostum atau dekorasi. Namun ada juga perbedaan antara oratorio dan kantata, meski tidak selalu jelas. Biasanya, oratorio adalah karya yang lebih besar dengan alur keagamaan yang lebih berkembang. Seringkali memiliki karakter epik-dramatis. Dalam hal ini, oratorio sering kali menyertakan bagian naratif dan resitatif dari penyanyi-pendongeng. Jenis oratorio spiritual khusus adalah “gairah” atau “pasif” (diterjemahkan dari bahasa Latin sebagai “penderitaan”). The Passion menceritakan penderitaan dan kematian Yesus Kristus yang disalib di kayu salib. 7 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Kantata, tergantung pada isi teks verbal, dibagi menjadi spiritual dan sekuler. Pada abad ke-17 dan awal abad ke-18, banyak kantata ruang kecil muncul di Italia. Mereka terdiri dari dua atau tiga bacaan bergantian dengan dua atau tiga arias. Selanjutnya, kantata yang sebagian besar bersifat seremonial menjadi umum. Kantata spiritual dan “gairah” dari berbagai konstruksi mendapat perkembangan terbesar di Jerman. arias, dan sangat menarik untuk mengembangkan gerakan peralihan yang virtuoso. Dalam warisan Corelli dan Vivaldi, tempat yang luas dimiliki oleh genre trio sonata. Di sebagian besar trio sonata, dua bagian utama dibawakan oleh biola, dan bagian ketiga, bagian pengiring, dibawakan oleh harpsichord atau organ, dengan suara bass digandakan oleh cello atau bassoon. Mengikuti trio sonata, muncul sonata untuk biola atau alat musik lain yang diiringi harpsichord. serta konser grosso - konser untuk orkestra (string pertama). Banyak karya genre ini yang dicirikan oleh bentuk sonata kuno. Biasanya ini adalah siklus empat bagian dengan rasio tempo “lambat-cepat-lambat-cepat”. Beberapa saat kemudian, pada abad ke-18, Vivaldi mulai membuat konser solo untuk biola dan beberapa instrumen lainnya dengan iringan orkestra. Sebuah siklus tiga bagian dibentuk di sana: “cepat-lambat-cepat.” Soal dan tugas 1. Dimana dan kapan opera lahir? Jelaskan perbedaan opera dengan pertunjukan teater dengan musik. 2. Sarana ekspresi apa yang paling penting dalam musik opera? 3. Apa nama opera pertama Claudio Monteverdi, dan kualitas apa saja yang terlihat dalam musiknya? 4. Ceritakan kepada kami tentang ciri-ciri opera Perancis kuno. 5. Sebutkan opera pertama yang ditulis di Jerman dan opera pertama yang ditulis di Inggris. 6. Apa perbedaan utama antara oratorio dan kantata dengan opera? 7. Apa yang dimaksud dengan “nafsu” (“pasif”)? Organ ini memulai sejarahnya selama berabad-abad di Mesir Kuno. Pada abad ke-17, instrumen ini telah menjadi instrumen yang sangat kompleks dengan kemungkinan artistik yang luas. Organ-organ kecil kemudian dapat ditemukan bahkan di rumah-rumah pribadi. Mereka digunakan untuk kegiatan pendidikan, dan variasi melodi lagu dan tarian daerah ditampilkan pada mereka. Dan organ-organ besar dengan deretan pipa berkilau, dengan badan kayu yang dihiasi ukiran, dibunyikan, seperti yang terjadi sekarang, di gereja dan katedral. Saat ini, organ juga tersedia di banyak ruang konser. Organ modern memiliki beberapa ribu pipa dan hingga tujuh keyboard (manual), terletak satu di atas yang lain - seperti tangga. Pipa-pipa itu banyak sekali karena dibagi menjadi beberapa kelompok – register. Register dihidupkan dan dimatikan menggunakan tuas khusus untuk memperoleh warna (timbre) suara yang berbeda. Organ tersebut juga dilengkapi dengan pedal. Ini adalah keyboard kaki utuh dengan banyak tombol besar. Dengan menekannya dengan kakinya, pemain organ dapat menghasilkan dan juga mempertahankan suara bass untuk waktu yang lama (suara berkelanjutan tersebut disebut juga pedal atau titik organ). Dalam hal kekayaan warna nada, kemampuan membandingkan pianissimo paling ringan dengan fortissimo yang menggelegar, organ tidak ada bandingannya di antara alat musik. Pada abad ke-17, seni organ mencapai puncaknya di Jerman. Seperti di negara lain, organ gereja Jerman adalah komposer dan pemain. Tak hanya mengiringi lantunan rohani, mereka juga tampil solo. Di antara mereka ada banyak virtuoso dan improvisasi berbakat yang menarik banyak orang dengan permainan mereka. Salah satu yang paling luar biasa di antara mereka adalah Dietrich Buxtehude. Johann Sebastian Bach muda berjalan kaki dari kota lain untuk mendengarkannya bermain. Karya Buxtehude yang bervariasi dan ekstensif mewakili jenis musik organ utama pada masa itu. Di satu sisi, ini adalah pendahuluan, fantasi dan Tentang musik instrumental abad ke-17, genre dan bentuknya. Untuk waktu yang lama, memainkan instrumen paling sering menduplikasi bagian suara dalam karya vokal atau tarian pengiring. Transkripsi instrumental komposisi vokal juga umum terjadi. Perkembangan independen musik instrumental baru meningkat pada abad ke-17. Pada saat yang sama, ia terus mengembangkan teknik artistik yang berkembang dalam polifoni vokal. Mereka diperkaya dengan unsur homophonic berdasarkan lagu dan tarian. Pada saat yang sama, komposisi instrumental mulai dipengaruhi oleh pencapaian ekspresif musik opera. Biola, bersama dengan kemampuan virtuoso yang cemerlang, memiliki suara yang sangat merdu. Dan di tanah air opera, Italia, musik biola mulai berkembang dengan sukses. Pada akhir abad ke-17, karya Arcangelo Corelli berkembang dan aktivitas kreatif Antonio Vivaldi dimulai. Komposer Italia terkemuka ini menciptakan banyak karya instrumental dengan partisipasi dan peran utama biola. Di dalamnya, biola dapat bernyanyi secara ekspresif seperti suara manusia dalam opera toccata. Di dalamnya, episode polifonik secara bebas bergantian dengan episode improvisasi - bagian dan akord. Di sisi lain, ini adalah potongan-potongan yang dibangun dengan lebih ketat yang menyebabkan munculnya fugue, bentuk polifoni tiruan yang paling kompleks. Buxtehude juga banyak membuat aransemen organ nyanyian Protestan dalam bentuk pendahuluan paduan suara. Berbeda dengan nyanyian Gregorian, ini adalah nama umum untuk nyanyian rohani bukan dalam bahasa Latin, tetapi dalam bahasa Jerman. Mereka muncul pada abad ke-16, ketika doktrin Kristen jenis baru, Protestan, terpisah dari Katolik. Dasar melodi paduan suara Protestan adalah lagu-lagu rakyat Jerman. Pada abad ke-17, paduan suara Protestan mulai dibawakan oleh seluruh umat paroki secara paduan suara dengan dukungan organ. Untuk aransemen paduan suara seperti itu, struktur akord empat suara dengan melodi di suara atas adalah tipikal. Selanjutnya, struktur seperti itu mulai disebut paduan suara, meskipun muncul dalam sebuah karya instrumental. Para organis juga memainkan instrumen keyboard senar dan menggubahnya. Nama umum karya alat musik ini adalah musik keyboard8. Informasi pertama tentang instrumen keyboard senar berasal dari abad 14-15. Pada abad ke-17, yang paling umum adalah harpsichord. Di Perancis disebut demikian, di Italia disebut harpsichord, di Jerman disebut keelflugel, di Inggris disebut harpsichord. Nama instrumen yang lebih kecil di Perancis adalah epinet, di Italia - spinet di Inggris - virginel. Harpsichord adalah nenek moyang piano, yang mulai digunakan pada pertengahan abad ke-18. Saat Anda menekan tuts harpsichord, bulu atau lidah kulit yang dipasang pada batangnya seolah-olah menjepit senarnya. Hasilnya adalah suara yang tiba-tiba, nyaring dan sekaligus sedikit gemerisik. Pada harpsichord, kekuatan bunyi tidak bergantung pada kekuatan pukulan tuts. Oleh karena itu, tidak mungkin membuat crescendos dan diminuendos di atasnya - tidak seperti piano, yang hal ini dimungkinkan karena sambungan tuts yang lebih fleksibel dengan palu yang memukul senar. Harpsichord mungkin memiliki dua atau tiga keyboard dan perangkat yang memungkinkan Anda mengubah warna suara. Suara instrumen keyboard kecil lainnya - clavichord - lebih lemah daripada suara harpsichord. Namun pada clavichord, permainan yang lebih merdu dapat dilakukan, karena senarnya tidak dipetik, melainkan pelat logam yang ditekan ke atasnya. Salah satu genre utama musik harpsichord kuno adalah rangkaian beberapa gerakan lengkap yang ditulis dengan kunci yang sama. Setiap bagiannya biasanya menggunakan semacam gerakan tari. Dasar dari rangkaian kuno terdiri dari empat tarian yang berbeda, tidak selalu teridentifikasi dengan jelas, asal usul kebangsaannya. Ini adalah allemande lambat (mungkin berasal dari Jerman), courante yang lebih aktif (berasal dari Perancis), sarabande lambat (berasal dari Spanyol) dan gigue cepat (berasal dari Irlandia atau Inggris). Sejak akhir abad ke-17, mengikuti contoh pemain harpsichord Paris, suite mulai dilengkapi dengan tarian Prancis seperti minuet, gavotte, bourrée, dan paspier. Mereka disisipkan di antara tarian utama, membentuk bagian selingan (“integ” dalam bahasa Latin berarti “antara”). Musik harpsichord Prancis kuno dibedakan oleh keanggunan, keanggunan, dan banyaknya ornamen melodi kecil, seperti mordent dan getar. Gaya harpsichord Perancis berkembang dalam karya François Couperin (16 68 - 1733), yang dijuluki Agung. Dia menciptakan sekitar dua setengah ratus drama dan menggabungkannya menjadi dua puluh tujuh rangkaian. Drama dengan berbagai judul program lambat laun mulai mendominasi di dalamnya. Paling sering, ini seperti potret miniatur harpsichord wanita - sketsa suara yang tepat dari beberapa karakter, penampilan, perilaku. Misalnya saja lakon “Gloomy”, “Touching”, “Nimble”, “Abstract”, “Mischievous”. Johann Sebastian Bach sezamannya yang hebat menunjukkan minat yang besar pada musik harpsichord Prancis, termasuk drama François Couperin. Soal dan tugas 1. Kapan perkembangan independen genre instrumental semakin intensif? 2. Sebutkan alat musik favorit Arcangelo Corelli dan Antonio Vivaldi. 3. Ceritakan tentang struktur organ. 4. Di negara manakah seni organ mencapai puncak tertingginya? Apa itu paduan suara Protestan? 5. Ceritakan tentang struktur harpsichord. Gerakan tarian apa yang digunakan di bagian utama rangkaian harpsichord kuno? Jadi, bagian pengantar buku teks ini secara singkat memperkenalkan beberapa peristiwa penting dalam dunia musik sejak zaman dahulu. Ini adalah “wisata” sejarah dengan tujuan membantu mengenal lebih jauh warisan para musisi besar Eropa Barat yang berkarya pada abad ke-18 dan ke-19. Untuk beberapa waktu, musik keyboard adalah nama yang diberikan pada musik untuk semua instrumen keyboard, termasuk instrumen tiup keyboard, yaitu organ. 8 9 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Jalur hidup Johann Rod, keluarga, masa kecil. Johann Sebastian Bach lahir pada tahun 1685 di Thuringia, salah satu wilayah di Jerman Tengah, di kota kecil Eisenach, dikelilingi oleh hutan. Di Thuringia, akibat mengerikan dari Perang Tiga Puluh Tahun (1618-1648), yang melibatkan bentrokan dua kelompok besar kekuatan Eropa, masih terasa. Nenek moyang Johann Sebastian, yang berhubungan erat dengan lingkungan pengrajin dan petani Jerman, harus selamat dari perang yang menghancurkan ini. Kakek buyutnya yang bernama Veit adalah seorang pembuat roti, namun ia sangat menyukai musik sehingga ia tidak pernah berpisah dengan sitar, alat musik yang mirip dengan mandolin, bahkan memainkannya saat tepung sedang digiling selama perjalanan ke penggilingan. Dan di antara keturunannya, yang menetap di seluruh Thuringia dan daerah sekitarnya, terdapat begitu banyak musisi sehingga setiap orang yang menjalankan profesi ini mulai dipanggil “Bach”. Mereka adalah pemain organ gereja, pemain biola, pemain suling, pemain terompet, beberapa menunjukkan bakat sebagai komposer. Mereka bertugas di kotamadya kota dan di istana para penguasa kerajaan kecil dan kadipaten di mana Jerman terpecah-pecah. Sebastian Bach 1685-1750 Nasib musik komposer besar Jerman ini, lebih dari tiga ratus tahun sejak kelahirannya, sungguh menakjubkan. Semasa hidupnya ia mendapat pengakuan terutama sebagai organis dan ahli alat musik, dan setelah kematiannya ia hampir dilupakan selama beberapa dekade. Namun kemudian mereka secara bertahap mulai menemukan kembali karyanya dan mengaguminya sebagai harta artistik yang berharga, keterampilan yang tak tertandingi, kedalaman dan kemanusiaan isinya yang tiada habisnya. “Bukan aliran! “Laut seharusnya menjadi namanya.” Inilah yang dikatakan jenius musik lainnya tentang Bach - Beethoven9. Bach sendiri hanya berhasil menerbitkan sebagian kecil dari karyanya. Sekarang sudah lebih dari seribu yang diterbitkan (masih banyak lagi yang hilang). Koleksi lengkap pertama karya Bach mulai dicetak di Jerman seratus tahun setelah kematiannya, dan jumlahnya mencapai empat puluh enam volume. Tetapi tidak mungkin untuk menghitung secara kasar berapa banyak edisi musik Bach yang telah dicetak dan berapa banyak yang terus dicetak di berbagai negara. Begitu besarnya permintaan akan hal itu yang terus-menerus. Karena ia menempati tempat yang luas dan terhormat tidak hanya dalam repertoar konser dunia, tetapi juga dalam repertoar pendidikan. Johann Sebastian Bach terus menjadi guru bagi semua orang yang terlibat dalam musik. Ia adalah seorang guru yang serius dan tegas, membutuhkan kemampuan konsentrasi untuk menguasai seni menampilkan karya polifonik. Namun mereka yang tidak takut akan kesulitan dan memperhatikan tuntutannya akan merasakan di balik kerasnya kebaikan bijak dan sepenuh hati yang ia ajarkan dengan ciptaan indahnya yang abadi. Rumah di Eisenach tempat J. S. Bach dilahirkan 9 “Bach” berarti “aliran” dalam bahasa Jerman. 10 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Ayah Johann Sebastian adalah seorang pemain biola, musisi kota dan istana di Eisenach. Dia mulai mengajar musik kepada putra bungsunya dan mengirimnya ke sekolah gereja. Memiliki suara tinggi yang indah, anak laki-laki itu bernyanyi di paduan suara sekolah. Ketika dia berumur sepuluh tahun, orang tuanya meninggal. Kakak laki-lakinya, seorang organis gereja di kota tetangga Ohrdruf, merawat anak yatim piatu tersebut. Dia mengirim adik laki-lakinya ke bacaan setempat dan dia sendiri memberinya pelajaran bermain organ. Belakangan, Johann Sebastian juga menjadi pemain harpsichordist, pemain biola, dan pemain biola. Dan sejak kecil ia menguasai komposisi musik sendiri, menulis ulang karya berbagai penulis. Dia harus menyalin satu buku catatan yang sangat menarik minatnya pada malam bulan purnama, diam-diam dari kakak laki-lakinya. Namun ketika pekerjaan yang panjang dan sulit itu selesai, dia mengetahui hal ini, menjadi marah kepada Johann Sebastian atas tindakannya yang tidak sah, dan tanpa ampun mengambil naskah itu darinya. Awal dari kehidupan mandiri. Lüneburg. Pada usia lima belas tahun, Johann Sebastian mengambil langkah tegas - dia pindah ke kota Luneburg di Jerman utara, di mana dia memasuki sekolah di gereja biara sebagai penyanyi-sarjana. Di perpustakaan sekolah ia dapat membiasakan diri dengan sejumlah besar manuskrip karya musisi Jerman. Di Lüneburg dan Hamburg, di mana dia berjalan di sepanjang jalan pedesaan, orang dapat mendengarkan permainan organis berbakat. Ada kemungkinan bahwa di Hamburg Johann Sebastian mengunjungi gedung opera - pada saat itu satu-satunya di Jerman yang menampilkan pertunjukan bukan dalam bahasa Italia, tetapi dalam bahasa Jerman. Dia berhasil menyelesaikan sekolahnya tiga tahun kemudian dan mulai mencari pekerjaan yang lebih dekat dengan tanah kelahirannya. Weimar. Setelah sempat bertugas sebagai pemain biola dan organis di tiga kota, Bach pada tahun 1708, sudah menikah, menetap di Weimar (Thuringia) selama sembilan tahun. Di sana dia menjadi organis di istana Duke, dan kemudian menjadi wakil kapellmeister (asisten kepala kapel - sekelompok penyanyi dan instrumentalis). Saat masih remaja, di Ohrdruf, Bach mulai menggubah musik, khususnya membuat aransemen paduan suara Protestan untuk organ, instrumen favoritnya. Dan di Weimar sejumlah karya organ dewasanya yang luar biasa muncul, seperti Toccata dan Fugue di D minor, Passacaglia10 di C minor, dan chorale prelude. Pada saat itu, Bach telah menjadi pemain dan improvisasi organ dan harpsichord yang tak tertandingi. Hal ini secara meyakinkan dikonfirmasi oleh kasus berikut. Suatu hari Bach pergi ke ibu kota Saxony, Dresden, di mana mereka memutuskan untuk mengadakan kompetisi antara dia dan Louis Marchand, pemain organ dan harpsichordist Prancis yang terkenal. Namun dia, setelah pertama kali mendengar bagaimana Bach berimprovisasi pada harpsichord dengan kecerdikan kreatif yang luar biasa, bergegas meninggalkan Dresden secara diam-diam. Kompetisi tidak terjadi. Di istana Weimar ada kesempatan untuk mengenal karya-karya komposer Italia dan Perancis. Bach bereaksi terhadap pencapaian mereka dengan penuh minat dan inisiatif artistik. Misalnya, dia membuat sejumlah aransemen gratis untuk harpsichord dan organ konser biola Antonio Vivaldi. Maka lahirlah konser keyboard pertama dalam sejarah seni musik. Selama tiga tahun di Weimar, Bach diharuskan membuat kantata spiritual baru setiap hari Minggu keempat. Secara total, lebih dari tiga puluh karya muncul dengan cara ini. Namun, ketika kondektur istana lanjut usia, yang tugasnya sebenarnya dilakukan oleh Bach, meninggal, posisi yang dikosongkan itu diberikan bukan kepadanya, melainkan kepada putra almarhum yang biasa-biasa saja. Marah dengan ketidakadilan tersebut, Bach mengajukan pengunduran dirinya. Karena “permintaannya yang tidak sopan” dia menjadi sasaran tahanan rumah. Tapi dia menunjukkan kegigihan yang berani dan bangga, bersikeras pada keinginannya sendiri. Dan sebulan kemudian, Duke dengan enggan memberikan “perintah tanpa ampun” untuk membebaskan musisi pemberontak tersebut. Kothen. Pada akhir tahun 1717, Bach dan keluarganya pindah ke Köthen. Posisi ketua band istana ditawarkan kepadanya oleh Pangeran Leopold dari Anhalt dari Köthen, penguasa negara kecil bertetangga dengan Thuringia. Dia adalah seorang musisi yang baik - dia bernyanyi, memainkan harpsichord dan viola da gamba 11. Pangeran memberikan dukungan keuangan yang baik kepada pemimpin band barunya dan memperlakukannya dengan sangat hormat. Tugas Bach, yang hanya menyita sedikit waktunya, termasuk memimpin kapel yang terdiri dari delapan belas vokalis dan instrumentalis, menemani sang pangeran dan memainkan harpsichord sendiri. Banyak karya Bach untuk berbagai instrumen berasal dari Köthen. Diantaranya, musik keyboard direpresentasikan dengan sangat beragam. Di satu sisi, ini adalah permainan untuk pemula - Passacaglia adalah tarian lambat berkaki tiga asal Spanyol. Atas dasar itu, muncullah karya-karya instrumental dalam bentuk variasi dengan melodi yang diulang berkali-kali pada bass. 10 11 Viola da gamba adalah alat musik kuno yang bentuknya mirip cello. 11 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia merupakan pendahuluan kecil, penemuan dua suara dan tiga suara. Mereka ditulis oleh Bach untuk pelajaran dengan putra sulungnya, Wilhelm Friedemann. Di sisi lain, ini adalah volume pertama dari dua volume karya monumental - "The Well-Tempered Clavier", yang totalnya mencakup 48 pendahuluan dan fugue, dan karya konser besar - "Chromatic Fantasy and Fugue". Periode Köthen juga mencakup penciptaan dua koleksi rangkaian keyboard, yang dikenal sebagai “Prancis” dan “Inggris”. Pangeran Leopold membawa Bach bersamanya dalam perjalanan ke negara-negara tetangga. Ketika Johann Sebastian kembali dari perjalanan seperti itu pada tahun 1720, ia diliputi kesedihan yang mendalam - istrinya Maria Barbara baru saja meninggal, meninggalkan empat anak (tiga lagi meninggal lebih awal). Satu setengah tahun kemudian, Bach menikah lagi. Istri keduanya, Anna Magdalena, memiliki suara yang bagus dan sangat musikal. Saat belajar dengannya, Bach menyusun dua “Buku Catatan” keyboard dari dramanya sendiri dan sebagian dari drama penulis lain. Anna Magdalena adalah pasangan hidup Johann Sebastian yang baik dan penuh perhatian. Dia memberinya tiga belas anak, enam di antaranya hidup sampai dewasa. Leipzig. Pada tahun 1723, Bach pindah ke Leipzig, pusat perdagangan dan kebudayaan utama di Saxony, yang bertetangga dengan Thuringia. Dia menjaga hubungan baik dengan Pangeran Leopold. Namun di Köthen kemungkinan aktivitas musik terbatas - tidak ada organ besar atau paduan suara. Selain itu, Bach memiliki putra sulung yang sedang tumbuh dewasa, yang ingin dia berikan pendidikan yang baik. Di Leipzig, Bach mengambil posisi penyanyi - direktur paduan suara putra dan guru sekolah menyanyi; di Gereja St. Thomas (Thomaskirche). Dia harus menerima sejumlah syarat yang membatasi, misalnya, “tidak meninggalkan kota tanpa izin dari wali kota.” Cantor Bach memiliki banyak tanggung jawab lainnya. Dia harus membagi paduan suara sekolah kecil dan orkestra yang sangat kecil (atau lebih tepatnya, ansambel) menjadi beberapa bagian sehingga musiknya dapat didengar selama kebaktian di dua gereja, serta di pesta pernikahan, pemakaman, dan berbagai perayaan. Dan tidak semua anggota paduan suara memiliki kemampuan bermusik yang bagus. Gedung sekolah kotor, terbengkalai, murid-muridnya diberi makan buruk dan berpakaian kumuh. Bach, yang juga dianggap sebagai “direktur musik” Leipzig, lebih dari satu kali menarik perhatian otoritas gereja dan pemerintah kota (hakim) terhadap semua ini. Namun sebagai imbalannya, ia hanya menerima sedikit bantuan materi, namun banyak mendapat teguran dan teguran kecil dari pejabat. Dia mengajar murid-muridnya tidak hanya menyanyi, tetapi juga memainkan alat musik; selain itu, dia mempekerjakan seorang guru bahasa Latin untuk mereka dengan biaya sendiri. Gereja dan sekolah St. Thomas (kiri) di Leipzig. (Dari ukiran tua). Meskipun dalam keadaan hidup yang sulit, Bach sangat menyukai kreativitas. Dalam tiga tahun pertama pengabdiannya, ia menyusun dan mempraktikkan kantata spiritual baru dengan paduan suara hampir setiap minggu. Secara total, sekitar dua ratus karya Bach dalam genre ini masih bertahan. Dan beberapa lusin kantata sekulernya juga dikenal. Biasanya, salam dan ucapan selamat ditujukan kepada berbagai orang mulia. Namun di antara mereka ada pengecualian seperti komik “Coffee Cantata” yang ditulis di Leipzig, mirip dengan adegan dari opera komik. Ini menceritakan bagaimana Lizhen yang muda dan bersemangat menjadi tertarik pada mode baru untuk minum kopi, bertentangan dengan keinginan dan peringatan ayahnya, Shlendrian yang suka mengomel. Di Leipzig, Bach menciptakan karya vokal dan instrumental monumentalnya yang paling menonjol - “The St. John Passion”, “The St. Matthew Passion”12 dan Mass in B minor, yang isinya serupa, serta sejumlah besar berbagai karya instrumental, termasuk volume kedua “ Well-Tempered Clavier,” kumpulan Yohanes dan Matius (serta Markus dan Lukas) - pengikut ajaran Yesus Kristus yang menyusun Injil - cerita tentang kehidupan duniawinya, penderitaan ( “gairah”) dan kematian. “Injil” yang diterjemahkan dari bahasa Yunani berarti “kabar baik.” 12 12 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia “The Art of Fugue”. Dia melakukan perjalanan ke Dresden, Hamburg, Berlin dan kota-kota Jerman lainnya, bermain organ di sana, dan menguji instrumen baru. Selama lebih dari sepuluh tahun, Bach mengepalai “Music College” di Leipzig, sebuah perkumpulan yang terdiri dari mahasiswa dan pecinta musik - instrumentalis dan penyanyi. Di bawah arahan Bach, mereka mengadakan konser publik atas karya-karya yang bersifat sekuler. Berkomunikasi dengan musisi, dia asing dengan kesombongan apa pun dan berbicara tentang keterampilan langkanya seperti ini: "Saya harus belajar keras, siapa pun yang rajin akan mencapai hal yang sama." Keluarga besarnya membawa banyak kekhawatiran dan kegembiraan bagi Bach. Di lingkarannya, dia bisa mengatur seluruh konser di rumah. Empat putranya menjadi komposer terkenal. Mereka adalah Wilhelm Friedemann dan Carl Philipp Emanuel (anak dari Maria Barbara), Johann Christoph Friedrich dan Johann Christian (anak dari Anna Magdalena). Selama bertahun-tahun, kesehatan Bach menurun. Penglihatannya memburuk dengan tajam. Pada awal tahun 1750, ia menjalani dua operasi mata yang gagal, menjadi buta, dan meninggal pada tanggal 28 Juli. Johann Sebastian Bach menjalani kehidupan yang sulit dan kerja keras, diterangi oleh inspirasi kreatif yang cemerlang. Dia tidak meninggalkan kekayaan yang berarti, dan Anna Magdalena meninggal sepuluh tahun kemudian di sebuah rumah amal untuk orang miskin. Dan putri bungsu Bach, Regina Susanna, yang hidup hingga abad ke-19, diselamatkan dari kemiskinan melalui sumbangan pribadi, di mana Beethoven mengambil bagian besar. Musik Bach terhubung dengan budaya negara asalnya Namun ia dengan antusias mempelajari karya-karya komposer Jerman dan asing. Dalam karyanya, ia dengan cemerlang merangkum dan memperkaya pencapaian seni musik Eropa ,” Misa dalam B minor dan banyak karya lain yang didasarkan pada teks-teks spiritual tidak sekadar ditulis oleh Bach sesuai dengan tugas atau kebiasaan seorang musisi gereja, dan dihangatkan oleh perasaan keagamaan yang tulus, mereka penuh dengan belas kasih atas kesedihan manusia. , dijiwai dengan pemahaman tentang kegembiraan manusia. Seiring waktu, mereka melampaui batas-batas gereja dan tidak pernah berhenti membuat pendengar dari berbagai negara dan agama terkesan dengan kemanusiaan mereka yang sebenarnya. Mereka saling berhubungan satu sama lain gambar musik. Penguasaan polifonik Bach yang tak tertandingi diperkaya dengan cara homofonik-harmonik. Tema vokalnya secara organik diresapi dengan teknik pengembangan instrumental, dan tema instrumental seringkali kaya secara emosional, seolah-olah sesuatu yang penting dinyanyikan dan diucapkan tanpa kata-kata. Toccata dan Fugue in D minor untuk organ13 Karya yang sangat populer ini dimulai dengan seruan kemauan yang mengkhawatirkan namun berani. Bunyinya tiga kali, turun dari satu oktaf ke oktaf lainnya, dan menghasilkan dentuman chordal yang menggelegar di nada rendah. Jadi, di awal toccata, ruang suara yang megah dan teduh digariskan. 1 Adagio Pertanyaan dan tugas 1 . Mengapa nasib musik Bach tidak biasa? 2. Ceritakan tentang tanah air Bach, nenek moyangnya dan masa kecilnya. 3. Kapan dan dimana Bach memulai kehidupan mandirinya? 4. Bagaimana kelanjutan aktivitas Bach di Weimar dan bagaimana berakhirnya? 5. Ceritakan kepada kami tentang kehidupan Bach di Köthen dan karya-karyanya selama ini. 6. Instrumen apa yang dimainkan Bach dan instrumen favoritnya? 7. Mengapa Bach memutuskan pindah ke Leipzig, dan kesulitan apa yang ia temui di sana? 8. Ceritakan tentang aktivitas Bach sang komposer dan Bach sang pemain di Leipzig. Sebutkan karya-karya yang ia ciptakan di sana. Toccata (dalam bahasa Italia "toccata" - "sentuhan", "tiup" dari kata kerja "toccare" "sentuhan", "sentuhan") adalah karya virtuoso untuk instrumen keyboard. 13 13 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Selanjutnya, bagian-bagian virtuoso "berputar-putar" yang kuat dan "percikan" akord yang lebar terdengar. Mereka dipisahkan beberapa kali dengan jeda dan penghentian pada akord yang diperpanjang. Penjajaran gerakan cepat dan lambat ini mengingatkan pada jeda yang hati-hati antara perkelahian dengan unsur kekerasan. Dan setelah toccata yang dibuat secara bebas dan improvisasi, sebuah fugue berbunyi. Ini difokuskan pada pengembangan tiruan dari satu tema, di mana prinsip kehendak tampaknya mengekang kekuatan unsur: 2 Allegro moderato Setelah berkembang luas, fugue berkembang menjadi coda - bagian terakhir dan terakhir. Di sini elemen improvisasi toccata kembali muncul. Tapi dia akhirnya ditenangkan oleh pernyataan penting yang intens. Dan jeruji terakhir dari keseluruhan karya dianggap sebagai kemenangan keras dan agung dari kemauan manusia yang pantang menyerah. Sekelompok khusus karya organ Bach terdiri dari pendahuluan paduan suara. Di antara mereka, sejumlah lakon liris yang relatif kecil dibedakan oleh ekspresi yang mendalam. Di dalamnya, suara melodi paduan suara diperkaya dengan suara pengiring yang dikembangkan secara bebas. Beginilah, misalnya, salah satu mahakarya Bach disajikan - pendahuluan paduan suara di F minor. Musik keyboard dari Penemuan Bach mengumpulkan beberapa kumpulan lagu sederhana yang ia buat saat mengajar putra sulungnya Wilhelm Friedemann. Dalam salah satu koleksinya, dia menempatkan lima belas keping polifonik dua suara dalam lima belas kunci dan menyebutnya “penemuan”. Diterjemahkan dari bahasa Latin, kata “invensi” berarti “penemuan”, “penemuan”. Penemuan dua suara Bach, yang dapat dibawakan oleh musisi pemula, benar-benar luar biasa karena daya cipta polifoniknya dan sekaligus ekspresi artistiknya. Dengan demikian, penemuan dua suara pertama dalam C mayor lahir dari tema pendek, halus dan santai yang bersifat tenang dan bijaksana. Suara atas menyanyikannya dan segera menirunya _ mengulanginya dalam oktaf lain - yang lebih rendah: 14 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Dan suara penemuan dua suara kedelapan di F mayor, bisa dibayangkan kompetisi permainan yang ceria dan penuh semangat: sepertinya] mereka melompat dan bola elastis menggelinding. Selama pengulangan (imitasi), suara atas melanjutkan gerakan melodinya. Hal ini menciptakan kebalikan dari tema yang dibunyikan pada bass. Selanjutnya, counterposisi ini - dengan pola melodi yang sama - kadang-kadang dibunyikan ketika tema muncul kembali dalam satu suara atau lainnya (birama 2-3, 7-8, 8-9). Dalam kasus seperti itu, penambahan tandingan disebut dipertahankan (berbeda dengan yang tidak dipertahankan, yang disusun baru setiap kali topik diangkat). Seperti halnya pada karya polifonik lainnya, dalam penemuan ini terdapat bagian-bagian yang temanya tidak didengarkan secara utuh, tetapi hanya digunakan sebagian putarannya. Bagian-bagian tersebut ditempatkan di antara topik-topik dan disebut selingan. Integritas keseluruhan dari penemuan C mayor diberikan melalui pengembangan berdasarkan satu tema, yang merupakan ciri khas musik polifonik. Di tengah-tengah lakon terjadi penyimpangan dari kunci utama, dan menjelang akhir kembali lagi. Mendengarkan pendahuluan ini, kita dapat membayangkan dua orang siswa yang rajin mengulang pelajaran, berusaha menceritakan satu sama lain dengan lebih baik, dengan ekspresi yang lebih besar. Dalam karya ini, yang strukturnya mirip dengan penemuan C mayor, teknik khusus memainkan peran besar. Setelah pengenalan awal tema pada suara atas, suara bawah tidak hanya meniru tema tersebut, tetapi juga kelanjutannya (oposisi). Jadi, untuk beberapa waktu, imitasi kanonik atau lycanon yang terus menerus muncul. Bersamaan dengan penemuan dua suara, Bach menyusun lima belas buah polifonik tiga suara dengan kunci yang sama. Dia menamainya! "simfoni" (diterjemahkan dari bahasa Yunani sebagai "konsonansi"). Karena di masa lalu, nama ini sering diberikan pada karya instrumental polifonik. Namun belakangan menjadi kebiasaan untuk menyebut drama ini sebagai penemuan tiga bagian. Mereka menggunakan teknik pengembangan polifonik yang lebih kompleks. Contoh yang paling mencolok adalah penemuan tiga bagian di F minor (kesembilan). Dimulai dengan menghadirkan dua topik yang kontras secara bersamaan. Dasar dari salah satunya, yang terdengar dalam suara bass, adalah penurunan yang terukur dan intens melalui seminada kromatik. Gerakan serupa biasa terjadi dalam aria tragis dari opera kuno. Itu seperti suara suram takdir yang jahat, takdir. Tema kedua di tengah, suara alto diresapi dengan motif-motif sedih: Selanjutnya, tema ketiga terjalin erat dengan kedua tema ini dengan seruan memohon yang lebih menyentuh hati. Hingga akhir permainan, suara nasib buruk masih tak terhindarkan. Namun suara kesedihan manusia tidak berhenti. Mereka mengandung secercah harapan manusia yang tak terpadamkan. Dan untuk sesaat sepertinya berkobar di akord F mayor terakhir. "Simfoni" Bach dalam B minor Harpsichord di rumah Bach di Eisenach 15 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia (penemuan tiga bagian No. 15) juga dibedakan oleh jiwa lirisnya. Dalam kata pengantar manuskrip penemuan dan “simfoni”-nya, Bach menyatakan bahwa hal-hal tersebut harus membantu mengembangkan “cara bermain nyanyian”. Ini sulit dicapai dengan harpsichord. Oleh karena itu, Bach lebih suka menggunakan alat musik gesek lain di rumah, termasuk di kelas bersama siswa, yaitu clavichord. Suaranya yang lemah tidak cocok untuk pertunjukan konser. Namun, seperti yang telah disebutkan, tidak seperti harpsichord, senar clavichord tidak dipetik, melainkan dijepit secara lembut dengan pelat logam. Hal ini berkontribusi pada merdunya suara dan memungkinkan terciptanya nuansa dinamis. Dengan demikian, Bach seolah-olah meramalkan kemungkinan penampilan suara yang merdu dan koheren pada piano - sebuah instrumen yang pada masanya masih belum sempurna desainnya. Dan keinginan musisi hebat ini harus diingat oleh semua pianis modern. Courant adalah tarian tiga ketukan asal Perancis. Namun lonceng harpsichord Prancis dicirikan oleh kecanggihan ritme dan tingkah laku tertentu. The Courant in Bach's Suite in C Minor mirip dengan variasi genre tarian Italia ini - lebih hidup dan mobile. Hal ini difasilitasi oleh kombinasi fleksibel dari dua suara, yang tampaknya saling menyerang: “French Suite” dalam C minor Tiga koleksi rangkaian keyboard Bach memiliki nama yang berbeda. Ia sendiri menyebut keenam suite yang termasuk dalam koleksi ketiga itu sebagai “partitas” (nama suite “partita” tidak hanya terdapat dalam karya-karyanya14). Dan dua koleksi lainnya - masing-masing enam buah - mulai disebut "Suite Prancis" dan "Suite Inggris" setelah kematian Bach karena alasan yang tidak jelas. Yang kedua dari "French Suites" ditulis dengan kunci C minor. Menurut tradisi yang ditetapkan dalam suite kuno, ini berisi empat bagian utama - Allemande, Courante, Sarabande dan Gigue, serta dua bagian selingan lagi - Aria dan Minuet, disisipkan di antara Sarabande dan Gigue. Allemande merupakan tarian yang terbentuk pada abad 16-17 di beberapa negara Eropa - Inggris, Belanda, Jerman, Perancis dan Italia. Misalnya, allemande Jerman kuno adalah tarian kelompok yang agak membosankan. Namun, setelah memasuki suite clavier, allemande hampir kehilangan ciri tariannya pada abad ke-18. Dari “nenek moyangnya” dia hanya mempertahankan gaya berjalan santai dan tenang dengan ukuran empat atau dua perempat. Akhirnya itu berubah menjadi pemanasan yang terstruktur secara longgar. Allemande dari suite C minor Bach juga mirip dengan pendahuluan liris yang bijaksana. Tiga suara paling sering memimpin dialog mereka di sini. Namun terkadang suara keempat bergabung dengan mereka. Pada saat yang sama, suara yang paling melodis adalah yang paling atas: Sarabande adalah tarian Spanyol dengan tiga ketukan. Dulunya berlangsung cepat dan temperamental, namun kemudian menjadi lambat, khusyuk, sering kali mirip dengan prosesi pemakaman. Sarabande dari suite Bach dipentaskan dari awal hingga akhir dalam struktur tiga bagian. Pergerakan suara tengah dan bawah selalu ketat dan terkonsentrasi (mendominasi seperempat dan seperdelapan). Dan pergerakan suara atas jauh lebih bebas dan mobile, sangat ekspresif. Nada keenam belas mendominasi di sini, dan sering ditemukan perpindahan ke interval yang lebar (kelima, keenam, ketujuh). Hal ini menciptakan dua lapisan presentasi musik yang kontras, menciptakan suara yang intens secara lirik15: “Dibagi menjadi beberapa bagian” - kata “partita” diterjemahkan dari bahasa Italia (dari kata kerja “partire” - “untuk membagi”). Dalam sarabande, suara atas yang memimpin tidak terlalu kontras dengan suara lainnya melainkan melengkapinya. 14 15 16 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Prelude dan Fugue dalam C minor dari volume pertama “The Well-Tempered Clavier” Prelude dan Fugue dalam C mayor, Prelude dan Fugue dalam C minor, Prelude dan Fugue dalam C sharp mayor, Prelude dan Fugue C sharp minor - dan seterusnya melalui kedua belas seminada yang termasuk dalam oktaf. Hasilnya adalah total 24 siklus dua bagian “prelude dan fugue” di semua kunci mayor dan minor. Beginilah struktur kedua volume (total - 48 pendahuluan dan fugue) dari Well-Tempered Clavier karya Bach. Karya megah ini diakui sebagai salah satu seni musik terhebat di dunia. Pendahuluan dan fugue dari dua volume ini termasuk dalam repertoar pendidikan dan konser semua pianis profesional. Selama masa Bach, temperamen yang sama secara bertahap akhirnya terbentuk dalam penyetelan instrumen keyboard - pembagian oktaf menjadi dua belas seminada yang sama. Sebelumnya, sistem pengaturannya lebih kompleks. Dengan itu, pada kunci dengan lebih dari tiga atau empat tanda, beberapa interval dan akord terdengar salah. Oleh karena itu, komposer menghindari penggunaan nada suara seperti itu. Bach adalah orang pertama yang dengan cemerlang membuktikan dalam The Well-Tempered Clavier bahwa dengan temperamen yang sama, ke-24 kunci dapat digunakan dengan kesuksesan yang sama. Hal ini membuka cakrawala baru bagi komposer, misalnya meningkatkan kemampuan melakukan modulasi (transisi) dari satu kunci ke kunci lainnya. Dalam The Well-Tempered Clavier, Bach menetapkan jenis siklus dua bagian “prelude dan fugue”. Pendahuluan dibuat secara bebas. Di dalamnya, peran penting mungkin dimiliki oleh sifat homofonik-harmonik dan improvisasi. Hal ini menciptakan kontras dengan fugue sebagai karya yang sangat polifonik. Pada saat yang sama, bagian-bagian dari siklus “Prelude dan Fugue” disatukan tidak hanya oleh nada suara yang sama. Di antara mereka, dalam setiap kasus, hubungan internal yang halus memanifestasikan dirinya dengan caranya sendiri. Ciri-ciri khas umum ini dapat ditelusuri dalam Prelude dan Fugue in C minor dari volume pertama The Well-Tempered Clavier. Pendahuluan terdiri dari dua bagian utama. Yang pertama lebih luas diisi penuh dengan gerakan nada keenam belas yang cepat dan seragam di kedua tangan. Secara internal ia dipenuhi dengan elemen melodi dan harmonik yang ekspresif. Seolah-olah, tertahan oleh tepian sungai, arus sungai yang gelisah sedang bergolak: Gigue adalah tarian cepat dan ceria yang berasal dari Irlandia dan Inggris16. Di masa lalu, pelaut Inggris suka menari jig. Di suite, gigue biasanya merupakan gerakan terakhir dan terakhir. Dalam C minor Giguet-nya, Bach sering menggunakan teknik imitasi kanonik antara dua suara (seperti pada Invention in F mayor). Penyajian karya ini sepenuhnya diresapi dengan ritme titik-titik yang “memantul”: Dibandingkan dengan kontras antara Allemande dan Courant, kontras antara Sarabande dan Gigue lebih tajam. Namun hal itu diperlunak dengan dua bagian tambahan yang disisipkan di antara keduanya. Lagu yang berjudul “Aria” tidak terdengar seperti nomor vokal solo dalam sebuah opera, tetapi lebih seperti lagu yang tenang dan berpikiran sederhana. Minuet berikut ini adalah tarian Perancis yang memadukan mobilitas dengan keanggunan. Jadi dalam rangkaian ini, dengan satu nada umum, semua bagian dibandingkan dengan cara yang berbeda dalam arti kiasan. Ukuran jig didominasi tiga panjang. Pada abad ke-18 umumnya 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia dengan suara sedang, tema yang jelas, menonjol, diingat dengan baik dengan ritme tarian yang elastis: 11 Moderato Ketekunan yang energik dipadukan dalam tema dengan keanggunan, kenakalan yang licik mengintip melalui ketenangan berkemauan keras. Hal ini memberikan peluang bagi perkembangan yang lebih beragam dan dinamis. Pada awal pengembangan, tema terdengar ringan – hanya dilakukan pada kunci mayor (E-flat mayor). Dalam reprise, dari tiga penyajian utama tema pada kunci utama (C minor), yang kedua, pada bass, memperoleh cakupan yang begitu kuat sehingga membuat kita mengingat kembali amukan kekuatan alam di pendahuluan. Dan satu lagi, implementasi akhir dari tema fugue diakhiri dengan kunci mayor yang mencerahkan. Kesamaan antara akhir pendahuluan dan fugue mengungkapkan kekerabatan emosional internal dari bagian-bagian siklus yang kontras. Setelah mengumpulkan energi yang kuat, aliran di akhir bagian pertama ini tampak meluap dan di awal bagian berikutnya menjadi lebih cepat, mengancam akan menyapu segala sesuatu yang dilaluinya. Klimaks pendahuluan ini ditandai dengan perubahan tempo menjadi yang tercepat (Presto) dan penggunaan teknik polifonik – kanon dua suara. Namun unsur-unsur yang mengamuk itu tiba-tiba terhenti oleh bunyi-bunyian akord yang imperatif dan frasa-frasa resitatif yang bermakna. Di sini terjadi perubahan tempo kedua - ke paling lambat (Adagio). Dan setelah perubahan tempo ketiga menjadi A11ego yang cukup cepat di bar terakhir pendahuluan, titik organ tonik pada bass secara bertahap memperlambat pergerakan nada keenam belas di tangan kanan. Ini menjadi lembut menyebar dan membeku pada akord C mayor. Ketenangan dan kedamaian mulai terasa. Setelah penyelesaian pendahuluan yang bebas dan improvisasi, perhatian beralih ke bidang lain yang kontras. Fugue tiga bagian dimulai. Kata dalam bahasa Latin dan Italia ini berarti “berlari”, “melarikan diri”, “arus cepat”. Dalam musik, fugue adalah karya polifonik yang kompleks di mana suara-suaranya tampak bergema satu sama lain, saling menyusul. Kebanyakan fugue didasarkan pada satu tema. Fugue dengan dua tema kurang umum, dan bahkan lebih jarang lagi dengan tiga atau empat tema. Dan menurut jumlah suaranya, fugue ada dua, tiga, empat dan lima suara. Fugue bertema tunggal diawali dengan penyajian suatu tema dengan kunci utama dalam satu suara. Tema tersebut kemudian ditiru secara bergantian oleh suara-suara lain. Ini adalah bagaimana bagian pertama dari fugue terbentuk - eksposisi. Di bagian kedua - pengembangan - tema hanya muncul di kunci lain. Dan pada bagian ketiga dan terakhir - reprise9 - kembali dilakukan pada kunci utama, namun tidak lagi disajikan secara monofonik. Pameran di sini pasti tidak terulang kembali. Fugues banyak menggunakan counterposisi dan selingan yang berkelanjutan. Fugue C minor Bach yang dimaksud dimulai, muncul di Fugue - bentuk musik polifonik tertinggi - mencapai kematangan penuh dan perkembangan paling cemerlang dalam karya Bach. Komposer dan pianis terkenal Rusia abad ke-19, Anton Grigorievich Rubinstein, dalam bukunya “Music and Its Representatives,” menulis, mengagumi “Clavier yang Pemarah,” bahwa di sana orang dapat menemukan “fugues of the religius, heroik, melankolis , karakter agung, sedih, lucu, pastoral, dramatis; hanya dalam satu hal mereka semua sama - dalam keindahan...” Seusia dengan Johann Sebastian Bach adalah komposer besar Jerman Georg Friedrich Handel (1685-1759) - seorang ahli polifoni yang luar biasa, seorang organis virtuoso. Nasibnya ternyata berbeda. Dia menghabiskan sebagian besar hidupnya di luar Jerman, berpindah dari satu negara ke negara lain (dia tinggal di Inggris selama beberapa dekade). 18 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Handel adalah penulis banyak opera, oratorio, dan berbagai karya instrumental. Tentang pembentukan gaya klasik dalam musik Soal dan tugas 1. Apa persamaan karya spiritual dan sekuler Bach? 2. Ceritakan tentang sifat kiasan Toccata dan Fugue di D minor untuk organ. 3. Nyanyikan tema penemuan Bach yang anda ketahui. Apa yang dimaksud dengan penjumlahan tandingan jika disebut ditahan? 4. Apa yang dimaksud dengan selingan dalam karya polifonik? Tiruan manakah yang disebut kanonik atau kanon? 5. Sebutkan dan cirikan bagian utama “French Suite” dalam C minor. 6. Bagaimana Clavier yang Baik dan Marah karya Bach dibuat? 7. Apa perbedaan utama antara pendahuluan dan fugue? Ilustrasikan hal ini dengan contoh Prelude dan Fugue dalam C minor dari volume pertama The Well-Tempered Clavier. Apakah ada kesamaan di antara keduanya? Teater musikal abad ke-18, khususnya paruh kedua dan pertengahan, merupakan masa perubahan besar di semua bidang seni musik Eropa. Dengan munculnya abad ini, dua genre secara bertahap muncul dalam opera Italia - opera seria (serius) dan opera buffa (komik). Opera seria terus didominasi oleh plot mitologis dan sejarah, yang menampilkan apa yang disebut pahlawan "tinggi" - dewa mitologi, raja negara kuno, dan jenderal legendaris. Dan dalam opera buffa, plotnya didominasi modern, sehari-hari. Pahlawan di sini adalah orang-orang biasa yang bertindak penuh semangat dan realistis. Contoh mencolok pertama dari opera buffa adalah “The Maid and Madam” karya Giovanni Battista Pergolesi, yang dipresentasikan ke publik pada tahun 1733 di Naples. Pahlawan wanita, pelayan Serpina yang giat, dengan cerdik menikahi majikannya yang pemarah, Uberto, dan menjadi simpanan sendiri. Seperti banyak opera buffa Italia awal, “The Servant-Mistress” awalnya dipentaskan sebagai selingan panggung di sela-sela aksi opera seria Pergolesi “The Proud Captive” (ingat bahwa kata “interlude” berasal dari bahasa Latin dan berarti “interaksi ”). Segera “The Maid-Mistress” mendapatkan popularitas besar di banyak negara sebagai karya independen. Di Prancis, opera komik lahir pada paruh kedua abad ke-18. Itu muncul dari pertunjukan komedi yang lucu dan jenaka dengan musik yang ditampilkan di bioskop pada pameran Paris. Dan contoh opera buffa Italia membantu fair comedy Perancis berubah menjadi opera komik, dimana ciri utama karakternya adalah nomor vokal. Pertunjukan rombongan opera "buffon" Italia di Paris sangat penting untuk hal ini, ketika ibu kota Prancis benar-benar terpesona oleh "Pembantu dan Nyonya" karya Pergolesi. Berbeda dengan buffa opera Italia, dalam opera komik Prancis, arias tidak bergantian dengan resitatif, tetapi dengan dialog lisan. Singspiel juga dibangun - jenis opera komik Jerman dan Austria, yang muncul di karya utama kedua Karya vokal dan instrumental "St. John Passion", "Matthew Passion" Misa dalam B minor Sacred cantatas (sekitar 200 dilestarikan) dan kantata sekuler (diawetkan lebih dari 20) Karya orkestra 4 suite (“overtures”) 6 “Brandenburg Concertos” Konserto untuk instrumen solo dengan orkestra kamar 7 konser harpsichord 3 konserto untuk dua orang, 2 untuk tiga harpsichord 2 konser biola Concerto untuk dua biola Berfungsi untuk membungkuk instrumen 3 sonata dan 3 partitas untuk biola solo 6 sonata untuk biola dan harpsichord 6 suite (“sonatas”) untuk cello solo Karya organ 70 pendahuluan paduan suara Prelude dan fugue Toccata dan fugue dalam D minor Passacaglia dalam C minor Karya keyboard Koleksi “Prelude Kecil dan Fugues” 15 penemuan dua suara dan 15 penemuan tiga suara (“simfoni”) 48 pendahuluan dan fugue “The Well-Tempered Clavier” 6 suite “Prancis” dan 6 “Inggris” 6 suite (partitas) “Italian Concerto” untuk solo harpsichord “Chromatic Fantasia and Fugue” “Art” fugues" 19 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia pada paruh abad ke-1817. Bahasa musik dari semua jenis opera komik dicirikan oleh keterkaitan yang erat dengan lagu daerah dan melodi tarian. Pada paruh kedua abad ke-18, genre opera yang serius direformasi secara radikal oleh komposer besar Jerman Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Dia menulis opera reformasi pertamanya, "Orpheus and Eurydice" (1762), berdasarkan plot tentang penyanyi legendaris Yunani kuno, yang telah berulang kali digunakan dalam opera sejak awal (ini dibahas dalam Pendahuluan). Jalan Gluck menuju reformasi dalam opera tidaklah mudah. Ia berkesempatan mengunjungi banyak negara Eropa - Jerman, Austria, Denmark, serta Republik Ceko yang dihuni oleh bangsa Slavia, serta Italia - Inggris. Sebelum menetap di Wina, Gluck mementaskan 17 seri operanya di panggung teater di Milan, Venesia, Napoli, London, Kopenhagen, Praha, dan kota-kota lain. Opera genre ini dipentaskan di teater istana di banyak negara Eropa. Pengecualian adalah Perancis. Di sana, pada pertengahan abad ke-18, mereka terus menggubah dan mementaskan opera serius hanya dalam gaya tradisional Prancis. Namun Gluck dengan cermat mempelajari musik opera komposer terkenal Prancis Jean-Baptiste Lully dan Jean-Philippe Rameau. Selain itu, Gluck menulis dan sukses mementaskan delapan karya di Wina dalam genre baru opera komik Prancis. Dia tidak diragukan lagi sangat mengenal opera buffa Italia dan Singspiels Jerman dan Austria. Semua pengetahuan ini memungkinkan Gluck untuk secara tegas memperbarui prinsip-prinsip komposisi yang sudah ketinggalan zaman untuk opera-opera serius. Dalam opera reformasinya, yang dipentaskan pertama kali di Wina dan kemudian di Paris, Gluck mulai menyampaikan pengalaman emosional para karakter dengan lebih jujur, ketegangan dan efektivitas yang dramatis. Dia meninggalkan akumulasi bagian-bagian virtuoso dalam arias dan meningkatkan ekspresi resitatifnya. Opera-operanya menjadi lebih terarah dalam perkembangan musik dan panggung, komposisinya lebih harmonis. Jadi, dalam bahasa musik dan dalam konstruksi komik baru dan opera serius yang direformasi, ciri-ciri pembeda penting dari gaya klasik baru muncul - efektivitas aktif pengembangan, kesederhanaan dan kejelasan sarana ekspresi, harmoni komposisi, keluhuran umum dan karakter musik yang luhur. Gaya ini lambat laun terbentuk dalam musik Eropa sepanjang abad ke-18, matang pada tahun 1770-1780 dan mendominasi hingga pertengahan dekade kedua abad ke-19. Perlu diingat bahwa definisi “klasik” mungkin mempunyai arti lain yang lebih luas. “Klasik” (atau “klasik”) juga disebut karya musik dan karya seni lainnya yang telah diakui sebagai teladan, sempurna, tak tertandingi - terlepas dari waktu penciptaannya. Dalam pengertian ini, massa komposer Italia abad ke-16 Palestrina, opera Prokofiev, dan simfoni Shostakovich - komposer Rusia abad ke-20 - dapat disebut klasik, atau klasik. Musik instrumental Pada basis internasional yang sama luasnya dengan reformasi opera Gluck, abad ke-18 menyaksikan perkembangan intensif musik instrumental. Itu dilakukan atas upaya bersama para komposer dari banyak negara Eropa. Mengandalkan lagu dan tarian, mengembangkan kejelasan klasik dan dinamisme bahasa musik, mereka secara bertahap membentuk genre baru karya instrumental siklik - seperti simfoni klasik, sonata klasik, kuartet gesek klasik. Bentuk sonata menjadi sangat penting di dalamnya. Oleh karena itu, siklus instrumental disebut sonata atau sonata-simfoni. bentuk sonata. Anda sudah tahu bahwa bentuk musik polifonik tertinggi adalah fugue. Dan bentuk sonata merupakan bentuk musik homofonik-harmonik tertinggi, dimana teknik polifonik hanya dapat digunakan kadang-kadang. Dalam konstruksinya, kedua bentuk ini mirip satu sama lain. Seperti halnya fugue, bentuk sonata memiliki tiga bagian utama: eksposisi, pengembangan, dan reprise. Namun ada juga perbedaan signifikan di antara keduanya. Perbedaan utama antara bentuk sonata dan fugue langsung terlihat pada pameran 18. Sebagian besar fugue seluruhnya dibangun pada satu tema, yang dalam pameran tersebut dilakukan secara bergantian di masing-masing tema. Kata Jerman ini berasal dari “singen” (“sing ”) dan “Spiel” (“bermain”). 18 Kata ini berasal dari bahasa Latin dan berarti “presentasi”, “pertunjukan”. 20 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia bersuara. Dan dalam eksposisi bentuk sonata, biasanya muncul dua tema utama yang kurang lebih berbeda sifatnya. Tema bagian utama dibunyikan terlebih dahulu, baru kemudian muncul tema bagian samping. Dalam situasi apa pun definisi “pihak” tidak boleh dipahami sebagai “sekunder”. Padahal, tema bagian sekunder dalam bentuk sonata mempunyai peranan yang tidak kalah pentingnya dengan tema bagian utama. Kata “sekunder” digunakan di sini karena, berbeda dengan yang pertama, dalam pameran tentu tidak dibunyikan pada kunci utama, melainkan pada kunci yang berbeda, yaitu seolah-olah pada kunci sekunder. Dalam musik gaya klasik, jika bagian utama dalam eksposisi adalah mayor, maka bagian sekundernya dituangkan dalam kunci dominan (misalnya, jika kunci bagian utama adalah C mayor, maka kunci bagian sekundernya adalah). adalah G mayor). Jika bagian utama dalam eksposisi adalah minor, maka bagian sekunder disajikan dalam mayor paralel (misalnya, jika kunci bagian utama adalah C minor, maka kunci bagian sekundernya adalah E-flat mayor). Baik bundel kecil atau lot pengikat ditempatkan di antara lot utama dan lot samping. Tema yang independen dan menonjol secara melodi mungkin muncul di sini, tetapi intonasi tema bagian utama lebih sering digunakan. Bagian penghubung bertindak sebagai transisi ke bagian samping; ia memodulasi menjadi kunci bagian samping. Dengan demikian, stabilitas nada terganggu. Telinga mulai menantikan permulaan “peristiwa musik” baru. Ternyata ini adalah tampilan dari tema side gamenya. Terkadang eksposisi bisa didahului dengan pendahuluan. Dan setelah bagian sampingan ada kesimpulan singkat atau bagian akhir keseluruhan, seringkali dengan tema independen. Dengan demikian berakhirlah eksposisi, menetapkan nada bagian samping. Atas arahan komposer, keseluruhan eksposisi dapat diulang. Perkembangan merupakan bagian kedua dari bentuk sonata. Di dalamnya, tema-tema yang familiar dari pameran muncul dalam versi baru, berganti-ganti dan dibandingkan dengan cara yang berbeda. Interaksi seperti ini sering kali tidak melibatkan keseluruhan tema, melainkan motif dan frasa yang terisolasi dari tema-tema tersebut. Artinya, tema-tema dalam pembangunan seolah-olah terpecah menjadi unsur-unsur tersendiri sehingga mengungkap energi yang terkandung di dalamnya. Dalam hal ini, sering terjadi pergantian kunci (kunci utama jarang terpengaruh di sini dan tidak lama). Tampil dalam berbagai kunci, tema dan elemennya seakan disinari dengan cara baru, ditampilkan dari sudut pandang baru. Setelah perkembangan dalam pembangunan mencapai ketegangan yang signifikan pada klimaksnya, arahnya berubah arah. Di akhir bagian ini, pengembalian ke kunci utama disiapkan dan peralihan ke pengulangan terjadi. Reprise adalah bagian ketiga dari bentuk sonata. Dimulai dengan kembalinya bagian utama ke kunci utama. Bagian penghubungnya tidak mengarah ke kunci baru. Sebaliknya, ini memperbaiki kunci utama, di mana bagian sekunder dan terakhir sekarang diulangi. Dengan demikian, reprise, dengan stabilitas nadanya, menyeimbangkan sifat perkembangan yang tidak stabil dan memberikan harmoni klasik secara keseluruhan. Pengulangan terkadang dapat dilengkapi dengan struktur akhir - coda (berasal dari kata Latin yang berarti "ekor"). Jadi, ketika fugue dibunyikan, perhatian kita terfokus pada mendengarkan, memikirkan dan merasakan satu pemikiran musik, yang diwujudkan oleh satu tema. Ketika sebuah karya dibunyikan dalam bentuk sonata, pendengaran kita mengikuti perbandingan dan interaksi dua tema utama (dan saling melengkapi) - seolah-olah perkembangan berbagai peristiwa musik, aksi musikal. Inilah perbedaan utama antara kemungkinan artistik kedua bentuk musik ini. Siklus sonata klasik (sonata-simfoni). Sekitar sepertiga terakhir abad ke-18, siklus sonata klasik akhirnya terbentuk dalam musik. Sebelumnya, karya instrumental didominasi oleh bentuk suite, gerakan lambat dan cepat bergantian, dan bentuk sonata kuno yang berkaitan erat. Sekarang, dalam siklus sonata klasik, jumlah bagian telah ditentukan secara tepat (biasanya tiga atau empat), tetapi isinya menjadi lebih kompleks. Bagian pertama biasanya ditulis dalam bentuk sonata yang telah dibahas pada paragraf sebelumnya. Ia berjalan dengan kecepatan cepat atau cukup cepat. Paling sering ini adalah A11e§go. Oleh karena itu gerakan seperti ini biasa disebut sonata allegro. Musik di dalamnya seringkali bersifat energik, efektif, seringkali menegangkan dan dramatis. Bagian kedua selalu kontras dengan bagian pertama dalam hal tempo dan sifat umum. Seringkali lambat, paling liris dan merdu. Tapi bisa juga berbeda, misalnya mirip dengan narasi santai atau tarian anggun. Dalam siklus tiga bagian, bagian terakhir, bagian ketiga, bagian akhir lagi-lagi cepat, biasanya lebih cepat, tetapi perkembangannya kurang intens secara internal. perbandingan dengan yang pertama. Bagian akhir dari siklus sonata klasik (terutama simfoni) sering kali menggambarkan kemeriahan pesta yang ramai, dan temanya mirip dengan lagu dan tarian daerah. Dalam hal ini, bentuk rondo sering digunakan (dari bahasa Prancis "ronde" - "lingkaran"). Seperti yang Anda ketahui, bagian pertama di sini (refrain) diulang beberapa kali, bergantian dengan bagian (episode) baru. 21 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia opera pertama Anda? 3. Pada jaman manakah gaya musik klasik mendominasi musik dan sampai jam berapa berkembang? Jelaskan perbedaan antara dua arti "klasik". 4. Apa persamaan konstruksi umum antara bentuk fugue dan sonata? Apa perbedaan utama di antara keduanya? 5. Sebutkan bagian utama dan tambahan bentuk sonata. Gambarlah diagramnya. 6. Bagaimana bagian utama dan bagian sekunder bentuk sonata berhubungan satu sama lain dalam eksposisi dan reprisenya? 7. Apa ciri-ciri perkembangan bentuk sonata? 8. Mendeskripsikan bagian-bagian siklus sonata klasik. 9. Sebutkan jenis-jenis utama siklus sonata klasik tergantung pada komposisi pemainnya. Semua ini membedakan banyak akhir dari siklus empat bagian. Namun di dalamnya, di antara bagian luar (pertama dan keempat), ditempatkan dua bagian tengah. Satu - lambat - biasanya yang kedua dalam simfoni, dan yang ketiga dalam kuartet. Gerakan ketiga simfoni klasik abad ke-18 adalah Minuet, yang menempati posisi kedua dalam kuartet. Jadi, kami menyebutkan kata “sonata”, “kuartet”, “simfoni”. Perbedaan antara siklus-siklus ini bergantung pada komposisi pemainnya. Tempat khusus adalah milik simfoni - sebuah karya untuk orkestra, yang dimaksudkan untuk dimainkan di sebuah ruangan besar di depan banyak pendengar. Dalam pengertian ini, simfoni mirip dengan konser - komposisi tiga bagian untuk instrumen solo dengan iringan orkestra. Siklus instrumental ruang yang paling umum adalah sonata (untuk satu atau dua instrumen), trio (untuk tiga instrumen), kuartet (untuk empat instrumen), kuintet (untuk lima instrumen)19. Bentuk sonata dan siklus simfoni sonata, seperti keseluruhan gaya musik klasik, terbentuk pada abad ke-18, yang disebut “Zaman Pencerahan” (atau “Zaman Pencerahan”), serta “Zaman Alasan”. Pada abad ini, khususnya pada paruh kedua abad ini, perwakilan dari apa yang disebut “kelompok ketiga” muncul di banyak negara Eropa. Mereka adalah orang-orang yang tidak memiliki gelar mulia maupun gelar spiritual. Mereka berutang kesuksesan mereka pada kerja dan inisiatif mereka sendiri. Mereka memproklamirkan cita-cita “manusia alami”, yang diberkahi oleh alam dengan energi kreatif, pikiran yang cemerlang, dan perasaan yang mendalam. Cita-cita demokrasi yang optimis ini tercermin dalam musik, bentuk seni, dan sastra lainnya. Misalnya, kemenangan pikiran manusia dan tangan yang tak kenal lelah di awal Pencerahan diagungkan oleh novel terkenal karya penulis Inggris Daniel Defoe, “The Life and Amazing Adventures of Robinson Crusoe,” yang diterbitkan pada tahun 1719. Joseph Haydn 1732-1809 Gaya musik klasik mencapai kematangan dan perkembangannya yang tinggi dalam karya Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart dan Ludwig van Beethoven. Kehidupan dan karya mereka masing-masing berlangsung lama di ibu kota Austria, Wina. Itu sebabnya Haydn, Mozart dan Beethoven disebut klasik Wina. Austria adalah kerajaan multinasional. Selain orang Austria, yang bahasa ibunya adalah bahasa Jerman, hiduplah orang Hongaria dan berbagai bangsa Slavia, termasuk Ceko, Serbia, dan Kroasia. Lagu dan Pertanyaan serta tugas mereka 1. Sebutkan jenis-jenis sinetron komik nasional abad ke-18. Apa perbedaan konstruksi opera buffa Italia dengan konstruksi opera komik Prancis? 2. Negara dan kota manakah yang terkait dengan aktivitas reformis opera besar Christoph Willibald Gluck? Subjek apa yang ditulisnya? Nama-nama siklus instrumental ansambel ruang lainnya adalah sextet (6), septet (7), oktet (8), nonet (9), desimet (10). Definisi "musik kamar" berasal dari kata Italia "kamera" - "ruangan". Hingga abad ke-19, karya beberapa instrumen sering dipentaskan di rumah, yang dipahami sebagai “musik ruangan”. 19 22 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia melodi tari dapat didengar baik di desa maupun di kota. Di Wina, musik rakyat terdengar di mana-mana - di tengah dan di pinggiran, di persimpangan jalan, di taman dan taman umum, di restoran dan kedai minuman, di rumah-rumah pribadi kaya dan miskin. Wina juga merupakan pusat utama budaya musik profesional, berpusat di sekitar istana kekaisaran, kapel kaum bangsawan, dan salon aristokrat, katedral, dan gereja. Opera seria Italia telah lama dikembangkan di ibu kota Austria; di sini, sebagaimana telah disebutkan, Gluck memulai reformasi operanya. Musik berlimpah mengiringi perayaan istana. Namun orang Wina juga rela menghadiri pertunjukan sandiwara ceria dengan iringan musik, asal mula Singspiel lahir, dan sangat gemar menari. Dari tiga musik klasik besar Wina, Haydn adalah yang tertua. Dia berumur 24 tahun saat Mozart lahir dan 38 tahun saat Beethoven lahir. Haydn berumur panjang. Dia hidup lebih lama dari Mozart, yang meninggal lebih awal, hampir dua dekade dan masih hidup ketika Beethoven telah menciptakan sebagian besar karya-karyanya yang matang. Untuk teater pangeran swasta, ia menulis lebih dari dua lusin opera dalam genre seria, buffa, serta beberapa opera “boneka” untuk pertunjukan yang dibawakan oleh boneka. Namun bidang minat dan prestasi kreatif utamanya adalah musik instrumental simfoni dan kamar2. Totalnya lebih dari 800 esai3. Diantaranya, lebih dari 100 simfoni, lebih dari 80 kuartet gesek, dan lebih dari 60 sonata keyboard sangatlah penting. Dalam contoh-contoh dewasa mereka, sikap optimis komposer besar Austria terungkap dengan kelengkapan, kecerahan, dan orisinalitas terbesar. Hanya terkadang pandangan dunia yang cerah ini dinaungi oleh suasana hati yang lebih suram. Mereka selalu diliputi oleh kecintaan Haydn terhadap kehidupan yang tiada habisnya, observasi yang tajam, humor yang ceria, persepsi yang sederhana, sehat dan sekaligus puitis terhadap realitas di sekitarnya. Jalur hidup Anak usia dini. Rohrau dan Hainburg. Franz Joseph Haydn lahir pada tahun 1732 di desa Rohrau, yang terletak di timur Austria, dekat perbatasan Hongaria dan tidak jauh dari Wina. Ayah Haydn adalah seorang pembuat kereta yang terampil, ibunya bertugas sebagai juru masak di tanah milik bangsawan, pemilik Rohrau. Orangtuanya sejak dini mulai mendidik putra sulung mereka Joseph, yang akrab dipanggil Zepperlem di keluarganya, untuk menjadi pekerja keras, rapi, dan bersih. Ayah Haydn sama sekali tidak tahu musik, tapi dia suka menyanyi, mengiringi dirinya dengan harpa, terutama saat memainkan harpa miliknya. para tamu berkumpul di sebuah rumah kecil. Zepperl ikut bernyanyi dengan suara perak yang jernih, memperlihatkan telinga yang bagus untuk musik. Dan ketika anak laki-laki itu baru berusia lima tahun, dia dikirim ke kota tetangga Hainburg untuk tinggal bersama seorang kerabat jauh yang mengelola sekolah gereja dan paduan suara. Di Hainburg, Sepperl belajar membaca, menulis, berhitung, menyanyi dalam paduan suara, dan juga mulai menguasai keterampilan bermain clavichord dan biola. Namun hidup tidak mudah baginya di keluarga orang lain. Bertahun-tahun kemudian, dia teringat bahwa dia menerima “lebih banyak pemukulan daripada makanan.” Begitu Sepperl sampai di Hainburg, dia diperintahkan untuk belajar cara menabuh timpani agar bisa mengikuti prosesi gereja yang sama dengan musik. Anak laki-laki itu mengambil saringan, menarik sehelai kain ke atasnya dan mulai rajin berolahraga. Dia berhasil menyelesaikan tugasnya. Hanya ketika mengatur prosesi, instrumen itu perlu digantung di punggung seorang pria yang sangat pendek. Dan dia bungkuk, yang membuat penonton tertawa. Di kapel Katedral St. Stephen di Wina. Saat melewati Hainburg, konduktor katedral Wina dan komposer istana Georg Reuther menarik perhatian pada kemampuan musiknya yang luar biasa. Haydn adalah orang yang sangat religius. Dia adalah penulis sejumlah massa dan karya vokal dan instrumental lainnya berdasarkan teks spiritual. 23 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Zepperl. Maka pada tahun 1740, Haydn yang berusia delapan tahun berakhir di ibu kota Austria, di mana ia diterima sebagai penyanyi di kapel katedral (utama) Katedral St. melakukannya sendiri. Awal yang sulit untuk hidup mandiri. Ketika, pada usia delapan belas tahun, suara pemuda itu mulai pecah - untuk sementara menjadi serak dan kehilangan kelenturannya, dia dengan kasar dan tanpa ampun diusir dari kapel. Menemukan dirinya tunawisma dan tanpa dana, dia bisa saja mati kelaparan dan kedinginan jika dia tidak dilindungi untuk sementara waktu oleh penyanyi yang dia kenal, yang tinggal bersama istri dan anaknya di sebuah kamar kecil di bawah atap. Haydn mulai mengerjakan karya musik apa pun yang dia inginkan: dia menyalin nada-nada, memberikan pelajaran berharga dalam menyanyi dan memainkan clavier, dan berpartisipasi sebagai pemain biola dalam ansambel instrumental jalanan yang menampilkan serenade di malam hari untuk menghormati salah satu warga kota. Akhirnya, dia bisa menyewa sebuah kamar kecil di lantai enam, lantai terakhir sebuah rumah di pusat kota Wina. Ruangan itu tertembus angin, tidak ada kompor di dalamnya, dan di musim dingin air sering membeku. Haydn hidup dalam situasi sulit selama sepuluh tahun. Namun ia tidak putus asa dan antusias mempraktikkan seni favoritnya. “Ketika saya duduk di dekat tulang selangka saya yang sudah tua dan dimakan cacing,” kenangnya di masa tuanya, “Saya tidak iri pada kebahagiaan raja mana pun.” Haydn terbantu mengatasi kesulitan sehari-hari dengan karakternya yang lincah dan ceria. Misalnya, suatu kali pada malam hari dia menempatkan rekan-rekan musisinya di sudut terpencil di salah satu jalan Wina, dan atas isyaratnya, semua orang mulai memainkan apa pun yang mereka inginkan. Hasilnya adalah “konser kucing” yang membuat heboh warga sekitar. Dua musisi berakhir di tahanan polisi, tetapi penghasut skandal “serenade” itu tidak diekstradisi. Setelah bertemu dengan aktor komik populer, Haydn, bekerja sama dengannya, menggubah singspiel "The Lame Demon" dan mendapatkan sejumlah kecil uang 20. Dan untuk memanfaatkan instruksi profesional dari komposer dan guru vokal terkenal Italia Nicola Antonio Porpora, Haydn menemani murid-muridnya dalam pelajaran menyanyi dan, di samping itu, melayaninya sebagai bujang. Lambat laun, Haydn mulai mendapatkan ketenaran di Wina baik sebagai guru maupun komposer. Dia bertemu orang-orang terkenal; musisi dan pecinta musik. Di rumah seorang pejabat terkemuka, ia mulai berpartisipasi dalam pertunjukan ansambel kamar dan menciptakan kuartet gesek pertamanya untuk konser di kawasan pedesaannya. Dan Haydn menulis simfoni pertamanya pada tahun 1759, ketika dia menerima sebuah orkestra kecil, menjadi kepala kapel Count Morcin. Count hanya menyimpan musisi tunggal. Haydn, yang menikah dengan putri seorang penata rambut Wina, terpaksa merahasiakannya. Namun hal ini hanya berlangsung hingga tahun 1760, ketika di Wina, sebuah kota besar yang indah dengan bangunan megah dan ansambel arsitektur, gelombang kesan baru yang jelas menyapu anak laki-laki tersebut. Musik rakyat multinasional terdengar dimana-mana. Karya instrumental vokal yang khusyuk dipertunjukkan di katedral dan di istana kekaisaran, di mana kapel juga tampil. Namun kondisi keberadaannya kembali sulit. Selama kelas, latihan dan pertunjukan, anggota paduan suara sangat lelah. Mereka diberi makan sedikit; mereka selalu setengah kelaparan. Mereka dihukum berat karena lelucon. Haydn kecil terus rajin mempelajari seni menyanyi, memainkan clavier dan biola, dan dia sangat ingin menggubah musik. Namun, Reuther tidak memperhatikan hal tersebut. Terlalu sibuk dengan urusannya sendiri, selama sembilan tahun Haydn tinggal di kapel, dia hanya memberinya dua pelajaran komposisi. Namun Joseph dengan gigih mencapai tujuannya, dengan rajin. Beberapa tahun kemudian dia menulis singspiel lain yang berjudul “The New Lame Demon.” 20 24 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia, urusan materi count terguncang dan dia membubarkan kapelnya. Pernikahan Haydn tidak berhasil. Orang pilihannya memiliki karakter yang sulit dan pemarah. Ia sama sekali tidak tertarik dengan urusan mengarang suaminya - sampai-sampai ia membuat pengeriting dan pelapis pate dari naskah karyanya. Beberapa tahun kemudian, Haydn mulai hidup terpisah dari istrinya. Mereka tidak punya anak. Di Kapel Pangeran Esterházy. Pada tahun 1761, seorang Hongaria yang kaya; Pangeran Pal Antal Esterházy mengundang Haydn ke Eisenstadt sebagai wakil kapellmeister. Sejak saat itu, Haydn memulai pengabdiannya dengan keluarga Esterhazy yang berlangsung selama tiga dekade. Lima tahun kemudian ia menjadi bandmaster - setelah musisi tua yang memegang posisi ini meninggal. Pewaris Pal Antal, yang meninggal pada tahun 1762, dibedakan oleh komitmennya terhadap kemewahan dan hiburan mahal - saudaranya Miklos 1, yang dijuluki Yang Luar Biasa. Beberapa tahun kemudian, ia memindahkan kediamannya dari Eisenstadt ke istana pedesaan baru dengan 126 kamar, mengelilinginya dengan taman besar, membangun gedung opera dengan 400 kursi dan teater boneka di dekatnya, dan secara signifikan meningkatkan jumlah musisi di kapel. . Bekerja di sana memberi Haydn dukungan finansial yang baik, dan di samping itu, kesempatan untuk banyak mengarang dan segera menguji dirinya dalam praktik, mengarahkan penampilan orkestra dari karya-karya barunya. Di Eszterhaza (nama kediaman pangeran baru), resepsi yang ramai sering diadakan, seringkali dengan partisipasi tamu asing berpangkat tinggi. Berkat itu, karya Haydn lambat laun dikenal di luar Austria. Tapi, seperti kata mereka, ada sisi lain dari semua ini. Saat memasuki layanan, Haydn menandatangani kontrak, yang menurutnya ia menjadi semacam pelayan musik. Dia harus muncul setiap hari, sebelum dan sesudah makan siang, di depan Istana dengan wig bubuk dan stoking putih untuk mendengarkan perintah sang pangeran. Kontrak tersebut mewajibkan Haydn untuk segera menulis “musik apa pun yang diinginkan Yang Mulia, tidak untuk menunjukkan komposisi baru kepada siapa pun, apalagi mengizinkan siapa pun untuk menyalinnya, tetapi menyimpannya semata-mata untuk Yang Mulia dan tidak membuat apa pun untuk siapa pun tanpa sepengetahuannya dan izin yang baik.” Selain itu, Haydn diharuskan menjaga ketertiban di kapel dan perilaku para musisi, memberikan pelajaran kepada penyanyi, serta bertanggung jawab atas keamanan instrumen dan notasi. Dia tidak tinggal di istana, tapi di desa tetangga, di sebuah rumah kecil. Dari Eisenstadt, istana pangeran sebelumnya pindah ke Wina pada musim dingin. Dan dari Eszterhazy Haydn hanya bisa pergi ke ibu kota sesekali dengan pangeran atau dengan izin khusus. Selama bertahun-tahun dihabiskan di Eisenstadt dan Eszterhaza, Haydn berubah dari seorang musisi pemula menjadi komposer hebat, yang karyanya mencapai kesempurnaan artistik yang tinggi dan mendapat pengakuan tidak hanya di Austria, tetapi juga jauh melampaui perbatasannya. Jadi, enam “Paris Symphonies” (No. 82-87) ditulis olehnya atas pesanan dari ibu kota Perancis, di mana mereka dipentaskan dengan sukses pada tahun 1786. Pertemuan Haydn dengan Wolfgang Amadeus Mozart di Wina dimulai pada tahun 1780-an. Pemulihan hubungan persahabatan memberikan efek menguntungkan pada karya kedua musisi hebat tersebut. Seiring waktu, Haydn mulai merasakan posisi ketergantungannya semakin akut. Dalam suratnya kepada teman-teman dari Esterhazy di Wina, yang ditulis pada paruh pertama tahun 1790, terdapat kalimat berikut: “Sekarang - saya duduk di hutan belantara - ditinggalkan - seperti anak yatim piatu yang malang - hampir tanpa ditemani orang - sedih.. Pangeran terakhir Esterhazy memiliki tanah yang luas, memiliki banyak pelayan, dan menjalani kehidupan yang mirip dengan bangsawan di istana mereka. Khusus 25 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia selama berhari-hari Saya tidak tahu apakah saya seorang bandmaster atau konduktor... Sedih rasanya menjadi budak sepanjang waktu...” Sebuah giliran baru dalam takdir. Perjalanan ke Inggris. Pada musim gugur tahun 1790, Miklós Esterházy meninggal. Dia adalah seorang pecinta musik yang tercerahkan, memainkan alat musik gesek dan mau tidak mau menghargai “pelayan musik” seperti Haydn dengan caranya sendiri. Sang pangeran mewariskan kepadanya pensiun seumur hidup yang besar. Pewarisnya, Miklos Antal, yang acuh tak acuh terhadap musik, membubarkan kapel. Tetapi ingin agar komposer terkenal itu terus terdaftar sebagai konduktor istananya, ia bahkan meningkatkan pembayaran uang kepada Haydn, yang, dengan demikian, menjadi bebas dari tugas resmi dan dapat sepenuhnya mengendalikan dirinya sendiri. Haydn pindah ke Wina dengan tujuan menggubah musik, dan pada awalnya menolak tawaran untuk mengunjungi negara lain. Namun kemudian ia menyetujui tawaran untuk melakukan perjalanan jauh ke Inggris dan tiba di London pada awal tahun 1791. Maka, menjelang ulang tahunnya yang keenam puluh, Haydn melihat laut untuk pertama kalinya dengan matanya sendiri dan untuk pertama kalinya menemukan dirinya berada di negara lain. Berbeda dengan Austria, yang tatanannya masih feodal-aristokratis, Inggris telah lama menjadi negara borjuis, dan kehidupan sosial, termasuk musik, di London sangat berbeda dengan Wina. Di London, sebuah kota besar dengan banyak perusahaan industri dan komersial, konser diadakan bukan untuk orang-orang terpilih yang diundang ke istana dan salon kaum bangsawan, tetapi diselenggarakan di aula umum, di mana setiap orang datang dengan biaya tertentu. Nama Haydn di Inggris memang sudah dikelilingi aura ketenaran. Baik musisi terkenal maupun pejabat tinggi memperlakukannya tidak hanya secara setara, tetapi juga dengan rasa hormat yang khusus. Karya-karya barunya, di mana ia bertindak sebagai konduktor, diterima dengan antusias dan dibayar dengan murah hati. Haydn memimpin orkestra besar yang terdiri dari 40-50 orang, dua kali ukuran Kapel Esterhazy. Universitas Oxford memberinya gelar kehormatan Doctor of Music. Haydn kembali ke Wina satu setengah tahun kemudian. Dalam perjalanannya, ia mengunjungi kota Bonn di Jerman. Di sana ia pertama kali bertemu dengan Ludwig van Beethoven muda, yang segera pindah ke Wina dengan tujuan belajar dengan Haydn. Namun Beethoven tidak mengambil pelajaran lama darinya. Dua orang jenius musik, yang usia dan temperamennya terlalu berbeda, tidak menemukan saling pengertian yang nyata saat itu. Namun, Beethoven mendedikasikan tiga sonata pianonya (No. 1-3) untuk Haydn selama publikasi. Perjalanan kedua Haydn ke Inggris dimulai pada tahun 1794 dan bahkan berlangsung kurang lebih satu setengah tahun. Kesuksesan kembali berjaya. Dari sekian banyak karya yang diciptakan; Selama dan sehubungan dengan perjalanan ini, dua belas apa yang disebut “London Symphonies” sangatlah penting. Tahun-tahun terakhir kehidupan dan kreativitas. Pangeran Esterházy berikutnya, Miklós II, lebih tertarik pada musik dibandingkan pendahulunya. Oleh karena itu, Haydn kadang-kadang mulai melakukan perjalanan dari Wina ke Eisenstadt dan menulis beberapa misa yang ditugaskan oleh sang pangeran. Karya-karya utama komposer beberapa tahun terakhir - dua oratorio monumental "The Creation of the World" dan "The Seasons" - dipentaskan di Wina dengan sukses besar (satu pada tahun 1799, yang lain pada tahun 1801). Penggambaran kekacauan kuno, dari mana dunia kemudian muncul, penciptaan Bumi, kelahiran kehidupan di Bumi dan penciptaan manusia - inilah isi oratorio pertama ini. Empat bagian dari oratorio kedua (“Musim Semi”, “Musim Panas”, “Musim Gugur”, “Musim Dingin”) terdiri dari sketsa musik yang tepat tentang alam pedesaan dan kehidupan petani. 26 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Setelah tahun 1803, Haydn tidak menulis apa pun lagi. Dia menjalani hidupnya dengan tenang, dikelilingi oleh ketenaran dan kehormatan. Haydn meninggal pada musim semi tahun 1809, pada puncak Perang Napoleon, ketika Perancis memasuki Wina. cello dan double bass. Kelompok alat musik tiup kayu terdiri dari seruling, obo, klarinet dan bassoon 21. Kelompok alat musik tiup Haydn terdiri dari terompet dan terompet, dan dari perkusi ia hanya menggunakan timpani dan hanya pada “London Symphony” yang terakhir, kedua belas ia menambahkan segitiga , simbal dan drum. Soal dan tugas 1. Tiga komposer hebat manakah yang disebut musik klasik Wina? Apa yang menjelaskan definisi ini? 2. Ceritakan tentang kehidupan musik Wina pada abad ke-18. 3. Sebutkan genre musik utama dalam karya Haydn. 4. Dimana dan bagaimana Haydn menghabiskan masa kecil dan remajanya? 5. Bagaimana Haydn memulai perjalanan mandirinya? 6..Bagaimana kehidupan dan karya Haydn selama mengabdi di Kapel Pangeran Esterházy? 7. Ceritakan kepada kami tentang perjalanan Haydn ke Inggris dan tahun-tahun terakhir hidupnya. Kreativitas Simfoni Ketika Haydn menulis simfoni pertamanya pada tahun 1759, banyak karya bergenre ini sudah ada dan terus diciptakan. Mereka berasal dari Italia, Jerman, Austria dan negara-negara Eropa lainnya. Pada pertengahan abad ke-18, misalnya, simfoni yang digubah dan dipentaskan di kota Mannheim, Jerman, yang memiliki orkestra terbaik pada masa itu, menjadi terkenal secara universal. Di antara komposer yang disebut “sekolah Mannheim” ada banyak orang Ceko. Salah satu nenek moyang simfoni adalah pembukaan opera Italia tiga bagian (dengan rasio bagian dalam tempo: “cepat-lambat-cepat.”). Pada simfoni-simfoni awal (“pra-klasik”), jalan menuju simfoni klasik masa depan baru saja dibuka, ciri khasnya adalah pentingnya isi kiasan dan kesempurnaan bentuk. Mengambil jalan ini, Haydn datang untuk menciptakan simfoni dewasanya di tahun 1780-an. Dan kemudian simfoni dewasa dari Mozart yang masih sangat muda muncul, yang dengan sangat cepat bergerak ke puncak penguasaan artistik. Haydn menciptakan London Symphonies, yang memahkotai pencapaiannya dalam genre ini, setelah kematian mendadak Mozart, yang sangat mengejutkannya. Dalam simfoni dewasa Haydn, komposisi khas siklus empat gerakan berikut ditetapkan: sonata allegro, gerakan lambat, minuet dan finale (biasanya dalam bentuk rondo atau sonata allegro). Pada saat yang sama, komposisi klasik orkestra yang terdiri dari empat kelompok instrumen ditentukan ciri-ciri utamanya. Kelompok terdepan adalah senar. Itu termasuk biola, biola, dan Haydn tidak selalu menggunakan klarinet. Bahkan dalam London Symphonies-nya, lagu-lagu tersebut hanya terdengar di lima (dari dua belas). 21 27 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Simfoni ini dikenal dengan nama “Militer”. Beberapa simfoni Haydn lainnya juga mempunyai judul. Dalam kebanyakan kasus, mereka tidak diberikan oleh komposer sendiri dan hanya menandai satu detail tertentu, sering kali bersifat kiasan, misalnya, meniru bunyi klik dalam gerakan lambat dari simfoni “Ayam” atau “berdetak” dalam gerakan lambat dari “Jam simfoni. Sejarah khusus dikaitkan dengan simfoni dalam F-sharp minor, yang diberi nama "Perpisahan". Ini memiliki bagian kelima tambahan (lebih tepatnya, coda tipe Adagio). Selama pertunjukannya, anggota orkestra, satu per satu, mematikan lilin di konsol mereka, mengambil instrumen mereka dan pergi. Hanya dua pemain biola yang tersisa, yang dengan tenang dan sedih menyelesaikan permainan bar terakhir dan juga pergi. Berikut penjelasannya mengenai hal tersebut. Seolah-olah pada suatu musim panas Pangeran Miklós I menahan para musisi kapelnya di Eszterháza lebih lama dari biasanya. Dan mereka ingin segera berlibur menemui keluarga mereka yang tinggal di Eisenstadt. Dan akhir kedua yang tidak biasa dari Simfoni Perpisahan menjadi petunjuk tentang keadaan ini. Selain simfoni, Haydn menulis banyak karya lain untuk orkestra, termasuk lebih dari seratus minuet individual. Dan tiba-tiba semuanya berubah dengan gembira: eksposisi sonata allegro dimulai. Alih-alih tempo lambat - yang cepat (Allegro con spirito - "Cepat, dengan antusias"), alih-alih serentak bass yang berat - dari suara yang sama dari G dan A-flat dalam register tinggi, motif pertama yang bergerak, sangat ceria, tema tarian bagian utama lahir. Semua motif tema ini, yang dituangkan dalam kunci utama, dimulai dengan pengulangan bunyi pertama - seolah-olah dengan cap yang kuat: Symphony in E-flat mayor Ini adalah yang kesebelas dari dua belas London Symphonies karya Haydn. Kunci utamanya adalah E-flat mayor. Dikenal dengan sebutan “simfoni dengan tremolo timpani” 22. Simfoni ini terdiri dari empat gerakan. Bagian pertama dimulai dengan perkenalan perlahan. Tremolo (“roll”) timpani yang disetel ke tonik terdengar pelan. Itu seperti sambaran petir di kejauhan. Kemudian tema pendahuluan itu sendiri terungkap dalam “tepian” yang halus dan lebar. Pertama dimainkan dalam oktaf serempak oleh cello, double bass, dan bassoon. Sepertinya ada bayangan misterius yang melayang diam-diam, terkadang berhenti. Jadi mereka ragu-ragu dan membeku: di bar terakhir pendahuluan, serentak bergantian beberapa kali pada suara yang berdekatan G dan A-flat, memaksa telinga untuk berharap - apa yang akan terjadi selanjutnya? Pertunjukan ganda dari tema tersebut dengan instrumen piano berdawai dilengkapi dengan gemuruh tarian yang meriah, terdengar khas di seluruh orkestra. Boom ini berlalu dengan cepat, dan sentuhan misteri kembali muncul di bagian penghubung. Stabilitas nada rusak. Ada modulasi ke B-flat mayor (dominan dari E-flat mayor) - nada suara bagian samping. Pada bagian penghubungnya tidak ada tema baru, namun terdengar motif asli tema Timpani - belahan dengan kulit direntangkan di atasnya, yang dipukul dengan dua batang kayu. Setiap belahan bumi hanya dapat menghasilkan suara dengan satu nada. Simfoni klasik biasanya menggunakan dua belahan, disetel ke tonik dan dominan. 22 28 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia bagian utama dan pengingat jauh dari tema pembukaan: Eksposisi diakhiri dengan pernyataan nada suara bagian sekunder (B-flat mayor). Eksposisi diulangi, dan kemudian diikuti perkembangannya. Penuh dengan pengembangan motif polifonik imitatif dan tonal-harmonik yang diisolasi dari tema bagian utama. Tema permainan sampingan muncul menjelang akhir pengembangan. Hal ini dilakukan sepenuhnya dalam kunci D-flat mayor, jauh dari kunci utama, yaitu, tampak seolah-olah dalam sudut pandang baru dan tidak biasa. Dan suatu hari (setelah jeda umum dengan fermata) intonasi tema pembuka misterius muncul di bass. Perkembangannya didominasi suara piano dan pianissimo dan hanya kadang-kadang forte dan fortissimo dengan aksen sforzando tersendiri. Hal ini meningkatkan kesan misteri. Motif dari tema bagian utama dalam perkembangannya terkadang menyerupai tarian aduhai. Bisa dibayangkan bahwa ini adalah tarian dari beberapa cahaya misterius, terkadang berkedip terang. Dalam reprise kunci E-flat mayor, tidak hanya bagian utama yang diulang, tetapi juga bagian sekunder, dan bagian penghubung dilewati. Beberapa misteri muncul dalam kode. Ini dimulai, seperti pendahuluan, dengan tempo Adagio, tremolo timpani yang tenang, dan lari serempak yang lambat. Namun tak lama kemudian, di penghujung gerakan pertama, tempo cepat, kemerduan yang nyaring, dan “hentakan” tarian yang ceria kembali muncul. Bagian kedua dari simfoni - Andante - merupakan variasi dari dua tema - sebuah lagu dalam C minor dan lagu mars dalam C mayor. Susunan variasi ganda tersebut adalah sebagai berikut: disajikan tema pertama dan kedua, kemudian disusul: variasi pertama tema pertama, variasi pertama tema kedua, variasi kedua tema pertama, variasi kedua. variasi tema dan coda kedua, berdasarkan materi tema kedua. Sampai saat ini para peneliti masih berdebat mengenai kewarganegaraan pada topik pertama. Musisi Kroasia percaya bahwa berdasarkan karakteristiknya, lagu tersebut adalah lagu rakyat Kroasia, dan musisi Hongaria percaya bahwa itu adalah lagu Hongaria. Orang Serbia, Bulgaria, dan Polandia juga menemukan ciri-ciri nasionalnya di dalamnya. Perselisihan ini tidak bisa diselesaikan dengan pasti, karena rekamannya seperti ini. Tema side partnya lagi-lagi lagu dance yang asyik. Namun dibandingkan dengan partai utama, dia tidak begitu energik, tapi lebih anggun dan feminin. Melodinya terdengar dari biola dan obo. Iringan waltz yang khas membawa tema ini lebih dekat ke pendarat - tarian Austria dan Jerman Selatan, salah satu nenek moyang waltz: 29 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia melodi kuno dan kata-katanya tidak ditemukan. Rupanya, lagu ini menggabungkan ciri-ciri beberapa lagu Slavia dan Hongaria; seperti itu, khususnya, gerakan aneh untuk detik yang diperpanjang (E-flat - fadieuse): variasi dari tema kedua melanjutkan gaya berjalan heroik, dihiasi dengan bagian-bagian yang virtuoso - seruling berkembang. Dan dalam kode besar ada perubahan tak terduga dalam perkembangan “acara musik”. Pertama, tema pawai berubah menjadi tema yang terdengar lembut dan transparan. Kemudian motif yang diisolasi darinya dengan irama titik-titik berkembang secara intensif. Hal ini menyebabkan munculnya kunci E-flat mayor secara tiba-tiba, setelah itu konduksi terakhir dari tema pawai terdengar cerah dan khusyuk di C mayor. Bagian ketiga dari simfoni - Minuet - awalnya menggabungkan gaya berjalan tenang dari tarian masyarakat kelas atas dengan lompatan lebar yang berubah-ubah dan sinkopasi dalam melodi: sebuah melodi dan yang kedua, tema utama berbaris. Berbeda dengan yang pertama, ia pada saat yang sama memiliki beberapa kekerabatan dengannya - ketukan satu liter, arah melodi naik dan turun, dan derajat IV yang ditinggikan (fadieuse): Tema aneh ini dipicu oleh gerakan yang halus dan tenang di Trio - bagian tengah Minuet, terletak di antara bagian pertama dan dengan pengulangan yang tepat23: Penyajian tema pertama dengan instrumen dawai piano dan pianissimo menyerupai narasi santai, awal cerita tentang beberapa peristiwa yang tidak biasa. Yang pertama mungkin merupakan presentasi yang tiba-tiba keras dari yang kedua, tema berbaris, di mana alat musik tiup ditambahkan ke grup dawai. Nada naratif berlanjut pada variasi pertama tema pertama. Namun suaranya disertai dengan gema yang menyedihkan dan penuh kewaspadaan. Pada variasi pertama dari tema kedua, biola solo mewarnai melodi dengan bagian-bagian berpola aneh. Pada variasi kedua dari tema pertama, narasinya tiba-tiba mengambil karakter yang penuh badai dan heboh (semua instrumen digunakan, termasuk timpani). Di bagian kedua, Minuet (atau lebih tepatnya, bagiannya yang ekstrem, canggih, dan aneh) kontras dengan tema sehari-hari rakyat, di satu sisi, bagian pertama dan kedua dari simfoni, dan di sisi lain, bagian terakhir, keempat. bagian - final. Di sini, sebagaimana layaknya sonata allegro klasik, dalam eksposisi bagian utama dituangkan dalam kunci utama E-flat mayor, bagian sekunder dalam kunci dominan B-flat mayor, dan pada reprise keduanya berbunyi. di jurusan E-flat. Namun pada bagian samping, tidak lama kemudian bagian tengah karya orkestra biasanya dibawakan oleh tiga instrumen. Dari sinilah nama “trio” berasal. 23 30 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia adalah topik yang benar-benar baru. Hal ini didasarkan pada tema bagian utama. berasal dari kata Perancis “ronde” yang berarti “lingkaran” atau “tarian melingkar”. Soal dan tugas 1. Kapan Haydn dan Mozart menciptakan simfoni dewasa mereka? 2. Simfoni Haydn biasanya terdiri dari bagian apa? Sebutkan kelompok instrumen dalam orkestra Haydn. 3. Apa nama simfoni Haydn yang kamu ketahui? 4. Mengapa simfoni Haydn di E-flat mayor disebut “dengan tremolo atau merek”? Dimulai dari bagian mana? 5. Mendeskripsikan tema pokok bentuk sonata pada gerakan pertama simfoni ini. 6. Dalam bentuk apa dan tema apa bagian kedua dari simfoni itu ditulis? 7. Jelaskan topik utama dan bagian dari bagian ketiga. 8. Apa kekhasan hubungan antara tema bagian utama dan bagian sekunder pada bagian akhir? Apa hubungan antara karakter musik di bagian pertama simfoni dan bagian akhir? Jadi, ternyata keseluruhan endingnya didasarkan pada satu tema. Komposer, seolah-olah berada dalam permainan yang rumit, melanjutkan tema secara keseluruhan, atau dengan terampil menggabungkan variasi dan elemen individualnya. Dan dia sendiri rumit. Bagaimanapun, dasar harmonik pertama kali muncul di dalamnya - yang disebut "pukulan emas" dari dua tanduk - sinyal khas dari tanduk berburu. Dan baru kemudian melodi tarian, mirip dengan lagu-lagu rakyat Kroasia, ditumpangkan pada dasar ini. Diawali dengan “menghentakkan” satu suara, dan selanjutnya motif ini diulang berkali-kali, ditiru, berpindah dari satu suara ke suara lainnya. Hal ini mengingatkan pada motif pembuka tema utama bagian pertama dan bagaimana pengembangannya di sana. Selain itu, komposer menunjukkan tempo yang sama di akhir - Allegro con spirito. Dengan demikian, di bagian akhir, unsur tarian rakyat yang ceria akhirnya mendominasi. Namun di sini memiliki karakter khusus - menyerupai tarian melingkar yang rumit, tarian kelompok yang tariannya dipadukan dengan nyanyian dan aksi main-main. Hal ini juga ditegaskan oleh fakta bahwa dalam eksposisi, bagian utama diulangi dengan kunci utama dua kali tambahan - setelah episode transisi kecil dan setelah bagian samping. Artinya, seolah-olah melanjutkan, bergerak dalam lingkaran. Dan ini memperkenalkan ciri-ciri bentuk rondo ke dalam bentuk sonata. Kata “rondo”, sebagaimana telah disebutkan, Kreativitas keyboard Ketika Haydn menciptakan karya keyboardnya, piano secara bertahap menggantikan harpsichord dan clavichord dari latihan musik. Haydn menulis karya awalnya untuk instrumen keyboard kuno ini, dan dalam edisi tahun-tahun berikutnya ia mulai menunjukkan “untuk harpsichord atau piano” dan, akhirnya, terkadang hanya “untuk piano”. Di antara karya keyboardnya, tempat paling signifikan adalah milik sonata solo. Sebelumnya, Haydn diyakini hanya memiliki 52 buah. Namun berkat penelusuran para peneliti, jumlah tersebut bertambah menjadi 62. Yang paling terkenal adalah sonata di D mayor dan E minor24. Sonata dalam D mayor Tema bagian utama yang mengawali bagian pertama sonata ini adalah tarian yang penuh keceriaan dan keceriaan dengan lompatan oktaf yang nakal, nada anggun, mordent dan pengulangan bunyi. Kita juga dapat membayangkan musik seperti itu dibunyikan dalam operebuffa: Pada edisi sebelumnya, sonata ini dicetak sebagai “No. 37” dan “No. 34”, dan dalam edisi selanjutnya sebagai “No. 50” dan “No. 24 31 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Namun perkembangan tema bagian sekunder ditembus oleh lompatan-lompatan nakal dari bagian utama, dan kemudian oleh gerakan bagian yang rewel dari bagian penghubung. Itu menjadi lebih intens, menyapu dan tiba-tiba dengan cepat menjadi tenang - seolah-olah ada keputusan yang diambil secara instan. Setelah itu, eksposisi diakhiri dengan bagian akhir yang menari riang. Ada banyak aktivitas yang terjadi dalam pengembangan lagi. Di sini oktafnya melompat dari tema bagian utama, berpindah ke tangan kiri, menjadi lebih nakal, dan gerakan bagiannya mencapai ketegangan yang lebih besar dan cakupan yang lebih luas daripada saat mengembangkan tema bagian sampingan dalam eksposisi. Pada reprise, bunyi bagian sekunder dan akhir pada kunci utama (D mayor) dengan tegas membentuk dominasi suasana gembira. Kontras terkuat dimasukkan ke dalam sonata melalui gerakan kedua yang singkat, karakternya lambat dan terkendali. Itu ditulis dalam kunci dengan nama yang sama di D minor. Dalam musiknya terdengar tapak sarabande yang berat, sebuah tarian kuno yang sering kali bersifat prosesi pemakaman. Dan dalam seruan melodi ekspresif dengan angka tiga kali lipat dan berirama titik-titik, ada kemiripan dengan nyanyian sedih para gipsi Hongaria: bagian nada keenam belas yang ceria dan cerewet mengisi bagian penghubung. Dan tema bagian sampingnya (dalam kunci A mayor) juga menari, hanya saja lebih terkendali dan elegan: 32 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Sonata di E minor Pada awal 1780-an, Haydn pertama menerima undangan untuk melakukan perjalanan konser ke London. Dia dengan rajin mempersiapkannya, tetapi tidak dapat melaksanakannya karena tugas resminya di Kapel Esterhazy. Bisa jadi mimpi tentang perjalanan jauh “luar negeri” dan pengalaman yang terkait dengannya tercermin dalam sonata E minor yang muncul saat itu. Ini adalah satu-satunya dari sedikit sonata minor karya Haydn, di mana pada gerakan pertama karakter liris yang diucapkan dipadukan dengan tempo yang sangat cepat. Tema bagian utama gerakan ini, yang mengawali sonata, juga unik: Namun dalam seni optimis Haydn, gambaran gelap kematian selalu dikalahkan oleh gambaran cerah kehidupan. Dan bagian D minor kedua sonata ini, yang diakhiri bukan pada tonik, melainkan pada akord dominan, langsung berlanjut ke final cepat D mayor 25. Finalnya dibangun dalam bentuk rondo, dimana tema utamanya - refrain (dalam kunci utama D mayor) - diulang tiga kali, dan di antara pengulangannya ada bagian - episode yang berubah: episode pertama di D minor, dan episode kedua di G mayor. Di sini, hanya di episode pertama D minor, kenangan sedih menyelinap - gema dari bagian tengah. Yang kedua, episode G mayor sudah ceria sembarangan dan mengarah ke komik “roll call” tangan kanan dan kiri pada nada yang sama. Dan tema utama tarian terbang di bagian akhir (rondo refrain) adalah salah satu yang paling ceria di Haydn: Frasa awal dari tema tersebut terdiri dari kombinasi dua elemen. Di bass, di tangan kiri, piano, bergerak dengan suara triad tonik minor - seperti panggilan untuk bergegas ke suatu tempat di kejauhan. Dan segera di tangan kanan mengikuti motif-jawaban yang gemetar, seolah ragu-ragu. Gerakan tema secara umum lembut, bergelombang, bergoyang. Selain itu, ukuran bagian pertama - 6/8 - khas untuk genre barcarolle - “lagu di atas air”26. Pada bagian penghubung terdapat modulasi menjadi G mayor yang sejajar dengan E minor - nada suara bagian samping dan akhir. Bagian penghubung dan akhir, diisi dengan bagian-bagian yang bergerak dari nada keenam belas, membingkai bagian samping - ringan, melamun Hal ini ditunjukkan dengan kata-kata Italia "attacca subito il Finale", yang berarti "segera memulai bagian akhir". Awalnya, nyanyian pendayung gondola Venesia disebut barcarolles. Nama genre ini sendiri berasal dari kata Italia "barca" - "perahu". 25 26 33 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia, seolah melonjak: alam, ketika sinyal berbunyi, seolah memanggil untuk kembali, jantung seakan berdebar-debar karena kegembiraan! Dan di sini, setelah transisi akord, muncul tema utama gerakan ketiga (final). Ini adalah refrain dari bentuk rondo di mana Finale ditulis. Sepertinya lagu pengiring inspiratif yang membantu Anda bergegas “dengan layar penuh” ke tanah air Anda: Jadi, diagram bentuk rondo di bagian akhir adalah sebagai berikut: refrain (E minor), episode pertama (E mayor), refrain (E minor), episode kedua (E mayor), refrain (E minor). Kedua episode tersebut dihubungkan oleh refrain dan satu sama lain melalui kekerabatan melodi. Saat bagian penghubung, samping dan akhir dimainkan, imajinasi melukiskan gambaran yang menggoda - betapa bebasnya angin ekor bertiup, betapa gembiranya gerakan cepat membawa Anda maju. Selanjutnya, dalam pengembangan, yang dibangun di atas materi bagian utama, penghubung dan akhir, penyimpangan ke dalam kunci-kunci kecil mendominasi. Pada bagian utama, yaitu bukan kunci mayor, melainkan kunci minor, bagian samping dan akhir, yang menjadi lebih luas, terdengar dalam reprise. Namun demikian, kesedihan dan keraguan spiritual pada akhirnya diatasi dengan berjuang menuju hal yang tidak diketahui. Ini adalah makna dari bar terakhir dari gerakan pertama, di mana permulaan tema bagian utama diulangi secara luar biasa. Bagian kedua sonata, lambat, dalam G mayor, adalah sejenis aria instrumental, yang dipenuhi dengan suasana kontemplatif yang cerah. Warnanya yang terang dipenuhi dengan gema kicau burung dan ocehan sungai: Pertanyaan dan tugas 1. Sebutkan genre utama musik keyboard Haydn. Berapa banyak sonatanya yang diketahui? 2. Mendeskripsikan bagian-bagian utama gerak pertama sonata D mayor. Apakah di bagian ini ada keterkaitan antara partai utama dan partai sekunder? 3. Apa kontras bagian kedua dengan musik sonata D mayor? Apa hubungannya dengan akhir cerita? 4. Ceritakan tentang ciri-ciri struktur dan sifat tema bagian utama gerak pertama sonata E minor. Dewasakan dan cirikan topik dan bagian lainnya dari bagian ini. 5. Bagaimana sifat gerak kedua sonata E minor? 6. Ceritakan tentang bentuk akhir sonata E minor dan sifat tema utamanya. Karya-karya besar Lebih dari 100 simfoni (104) Sejumlah konser untuk berbagai instrumen dengan orkestra Lebih dari 80 kuartet (untuk dua biola, viola dan cello) (83) 62 sonata keyboard Oratorios “The Creation of the World” dan “The Seasons” 24 opera Aransemen lagu-lagu Skotlandia dan Irlandia Namun, betapapun manisnya istirahat yang damai ada di suatu tempat yang jauh, di pangkuan 34 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia ditulis dalam banyak genre - simfoni, konser instrumental, berbagai ansambel kamar, sonata piano, Requiem untuk paduan suara, solois dan orkestra. Bakat fenomenal Mozart, yang terwujud sangat awal dan berkembang pesat, menciptakan lingkaran di sekitar namanya; lingkaran cahaya dari “keajaiban musik” yang legendaris. Karakteristik yang jelas; A. S. Pushkin memberinya sebagai seniman yang terinspirasi dalam drama (“tragedi kecil”) “Mozart dan Salieri”. Opera dengan nama yang sama oleh N. A. Rimsky-Korsakov ditulis berdasarkan itu. 27. Mozart adalah komposer favorit P.. I. Tchaikovsky 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Jalan hidup Keluarga. Anak usia dini. Tempat kelahiran Wolfgang Amadeus Mozart, yang lahir pada Januari 1756, adalah kota Salzburg di Austria. Kota ini terletak dengan indah di tepi perbukitan Sungai Salzach yang deras, yang mengalir di kaki bukit sebelah timur Pegunungan Alpen. Salzburg adalah ibu kota sebuah kerajaan kecil, yang penguasanya memiliki pangkat uskup agung gerejawi. Ayah dari Wolfgang Amadeus, Leopold Mozart, bertugas di kapelnya. Dia adalah seorang musisi yang serius dan berpendidikan tinggi - seorang komposer, pemain biola, organis dan guru yang produktif. School of Violin Playing yang diterbitkannya tersebar luas di beberapa negara, termasuk Rusia. Dari tujuh anak Leopold dan istrinya Anna Maria, hanya dua yang selamat - putra bungsu Wolfgang Amadeus dan putri Maria Anna (Nannerl), yang lebih tua! saudara selama empat setengah tahun. Ketika ayahnya mulai mengajar Nannerl, yang memiliki kemampuan luar biasa, bermain harpsichord, dia segera mulai belajar dengan Wolfgang yang berusia tiga tahun, memperhatikan pendengarannya yang sangat baik dan ingatan musiknya yang luar biasa. Selama empat tahun, anak laki-laki itu sudah mencoba mengarang musik, dan karya harpsichord pertamanya yang masih ada direkam oleh ayahnya ketika penulisnya baru berusia lima tahun. Ada cerita terkenal tentang bagaimana Wolfgang yang berusia empat tahun mencoba membuat konser keyboard. Bersama dengan penanya, dia mencelupkan jarinya ke dalam wadah tinta dan membuat noda pada kertas musik. Baru setelah ayah saya mengamati rekaman kekanak-kanakan ini dengan cermat, melalui noda-noda itu, dia menemukan di dalamnya makna musik yang tidak diragukan lagi. Salah satu jenius musik terhebat, komposer Austria Wolfgang Amadeus Mozart hanya hidup selama 35 tahun. Dari jumlah tersebut, ia menggubah musik selama tiga puluh tahun dan, meninggalkan warisan lebih dari 600 karya, memberikan kontribusi yang sangat berharga bagi dana emas seni dunia. Penilaian paling benar dan tertinggi atas bakat kreatif Mozart selama hidupnya diberikan oleh senior sezamannya Joseph Haydn. “...Putramu,” dia pernah berkata kepada ayah Wolfgang Amadeus, “adalah komposer terhebat yang saya kenal secara pribadi dan namanya; dia punya selera, dan terlebih lagi, pengetahuan terbesar tentang komposisi.” Musik Haydn dan Mozart, yang disebut klasik Wina, dihubungkan oleh persepsi dunia yang optimis dan aktif, kombinasi kesederhanaan dan kealamian dalam ekspresi perasaan dengan keagungan dan kedalaman puitisnya. Pada saat yang sama, terdapat perbedaan yang signifikan antara minat seni mereka. Haydn lebih dekat dengan gambar folk dan liris-epik, sedangkan Mozart lebih dekat dengan gambar liris dan liris-dramatis. Seni Mozart sangat menawan karena kepekaannya terhadap pengalaman emosional manusia, serta keakuratan dan keaktifannya dalam perwujudan berbagai karakter manusia. Hal ini membuatnya menjadi komposer opera yang hebat. Opera-operanya, dan terutama “The Marriage of Figaro”, “Don Giovanni” dan “The Magic Flute”, selalu menikmati kesuksesan selama abad ketiga, dipentaskan di panggung semua teater musikal. Salah satu tempat paling terhormat dalam repertoar konser dunia ditempati oleh karya-karya Mozart. Versi Salieri yang meracuni Mozart karena iri hanyalah legenda. Tchaikovsky mengatur empat karya piano karya Mozart dan menyusunnya ke dalam suite Mozartiana. 27 28 35 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia akan menampilkan konser biola... akan bermain di keyboard yang ditutupi syal serta jika di depan matanya, lalu dari kejauhan dia akan menyebutkan semua suara yang bersifat individual atau akord yang akan diambil pada alat musik tiup atau instrumen lain atau dihasilkan oleh benda - bel, gelas, jam. Pada akhirnya, dia akan berimprovisasi tidak hanya pada harpsichord, tetapi juga pada organ selama yang diinginkan pendengarnya, dan pada kunci apa pun, bahkan yang paling sulit sekalipun, yang dipanggil kepadanya…” Perjalanan konser pertama. Leopold Mozart memutuskan untuk mulai melakukan perjalanan konser ke pusat musik besar bersama anak-anaknya yang berbakat. Perjalanan pertama - ke kota Munich di Jerman - terjadi pada awal tahun 1762, ketika Wolfgang baru berusia enam tahun. Enam bulan kemudian, keluarga Mozart berangkat ke Wina. Di sana, Wolfgang dan Nannerl tampil di istana kekaisaran, sukses besar, dan dihujani hadiah. Pada musim panas 1763, keluarga Mozart melakukan perjalanan jauh ke Paris dan London. Namun pertama-tama mereka mengunjungi sejumlah kota di Jerman, dan dalam perjalanan pulang – lagi di Paris, serta di Amsterdam, Den Haag, Jenewa dan beberapa kota lainnya. Pertunjukan Mozart kecil, terutama Wolfgang, menimbulkan kejutan dan kekaguman di mana-mana, bahkan di istana kerajaan yang paling megah sekalipun. Menurut kebiasaan pada masa itu, Wolfgang muncul di hadapan masyarakat bangsawan dengan setelan bersulam emas dan wig bubuk, tetapi pada saat yang sama dia berperilaku dengan spontanitas yang kekanak-kanakan, dia bisa, misalnya, melompat ke pangkuan permaisuri . Konser yang berlangsung selama 4-5 jam berturut-turut ini sangat melelahkan bagi musisi cilik, namun bagi masyarakat umum justru menjadi semacam hiburan. Inilah yang tertulis di salah satu iklan: “...Seorang gadis berusia dua belas tahun dan seorang anak laki-laki berusia tujuh tahun akan memainkan konser dengan harpsichord. .. Selain itu, boy 36 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Tur konser yang berlangsung selama lebih dari tiga tahun dan membawa banyak kesan berbeda kepada Wolfgang. Dia mendengar banyak karya instrumental dan vokal, bertemu dengan beberapa musisi terkemuka (di London - dengan putra bungsu Johann Sebastian Bach, Johann Christian). Di sela-sela pertunjukan, Wolfgang dengan antusias mempelajari komposisi. Di Paris, empat sonata biola dan harpsichordnya diterbitkan, dengan indikasi bahwa ini adalah karya seorang anak laki-laki berusia tujuh tahun. Di London dia menulis simfoni pertamanya. Kembali ke Salzburg dan tinggal di Wina. Opera pertama. Pada akhir tahun 1766 seluruh keluarga kembali ke Salzburg. Wolfgang mulai mempelajari teknik komposisi secara sistematis di bawah bimbingan ayahnya. Keluarga Mozart menghabiskan sepanjang tahun 1768 di Wina. Di bawah kontrak dengan teater, Wolfgang yang berusia dua belas tahun menulis opera buffa "The Imaginary Simpleton" dalam tiga bulan, mengikuti model Italia. Latihan dimulai, tetapi pertunjukan mulai ditunda dan kemudian dibatalkan sepenuhnya (mungkin karena intrik orang-orang yang iri). Itu hanya terjadi pada tahun berikutnya di Salzburg. Di Wina, Wolfgang menggubah banyak musik lain, termasuk lima simfoni, dan sukses memimpin misa khidmat pada konsekrasi gereja baru. Perjalanan ke Italia. Dari akhir tahun 1769 hingga awal tahun 1773, Wolfgang Amadeus melakukan tiga perjalanan jauh keliling Italia bersama ayahnya. Di “negeri musik” ini, Mozart muda tampil dengan sukses besar di lebih dari selusin kota, termasuk Roma, Napoli, Milan, dan Florence. Dia memimpin simfoninya, memainkan harpsichord, biola dan organ, mengimprovisasi sonata dan fugue pada tema tertentu, arias pada teks tertentu, dengan sangat baik memainkan karya-karya sulit dari pandangan dan mengulanginya dengan kunci lain. Dia mengunjungi Bologna dua kali, di mana untuk beberapa waktu dia mengambil pelajaran dari guru, ahli teori dan komposer terkenal Padre Martini. Setelah lulus ujian yang sulit dengan cemerlang (menulis komposisi polifonik menggunakan teknik polifonik yang kompleks), Mozart yang berusia empat belas tahun, sebagai pengecualian khusus, terpilih menjadi anggota Akademi Philharmonic Bologna. Dan menurut piagam tersebut, hanya musisi yang telah mencapai usia dua puluh tahun dan memiliki pengalaman sebelumnya di lembaga berwenang ini yang diperbolehkan masuk. Di Roma, saat mengunjungi Kapel Sistina di Kota Vatikan (kediaman kepausan) 29, Mozart pernah mendengarkan karya spiritual polifonik besar untuk dua paduan suara oleh komposer Italia abad ke-17, Gregorio Allegri. Karya ini dianggap milik Paus dan tidak boleh ditulis ulang atau didistribusikan. Tetapi Mozart menuliskan seluruh skor paduan suara yang kompleks dari ingatannya, dan anggota paduan suara kepausan mengkonfirmasi keakuratan rekaman tersebut. Italia, negara yang hebat tidak hanya dalam hal musik, tetapi juga seni rupa dan arsitektur, memberikan kesan artistik yang berlimpah kepada Mozart. Dia sangat tertarik mengunjungi gedung opera. Pemuda itu begitu menguasai gaya opera Italia sehingga dalam waktu singkat ia menulis tiga opera, yang kemudian dipentaskan dengan sukses besar di Milan. Ini adalah dua opera seria - "Mithridates, King of Pontus" dan "Lucius Sulla" - dan opera pastoral berdasarkan plot mitologis "Ascanio in Alba"30. Perjalanan ke Wina, Munich, Mannheim, Paris. Terlepas dari kesuksesan kreatif dan konsernya yang cemerlang, Wolfgang Amadeus gagal mendapatkan layanan di istana penguasa negara bagian Italia mana pun. Saya harus kembali ke Salzburg. Di sini, alih-alih mendiang uskup agung, seorang penguasa baru yang lebih lalim dan kasar memerintah. Menjadi lebih sulit bagi ayah dan anak Mozart yang mengabdi padanya untuk mendapatkan cuti untuk perjalanan baru. Namun gedung opera yang ingin dibuat oleh Mozart tidak tersedia di Salzburg, dan peluang lain untuk aktivitas musik terbatas. Perjalanan kedua musisi ke Wina itu bisa terlaksana hanya karena Uskup Agung Salzburg sendiri ingin mengunjungi ibu kota Austria. Dengan enggan, dia pun memberikan izin kepada Mozart untuk melakukan perjalanan; Munich, tempat pementasan opera buffa baru oleh komposer muda. Dan untuk perjalanan selanjutnya, hanya Wolfgang Amadeus yang berhasil mendapatkan izin dengan susah payah. Ayahnya terpaksa tinggal di Salzburg, dan ibunya pergi menemani putranya. Perhentian panjang pertama terjadi di kota Mannheim, Jerman. Di sini Wolfgang Amadeus dan Anna Maria diterima dengan hangat di rumahnya oleh salah satu pemimpin orkestra simfoni yang terkenal, perwakilan dari sekolah komposisi Mannheim pra-klasik. Di Mannheim, Mozart digubah oleh seniman Italia, termasuk Michelangelo. 30 Kerajaan Pontus adalah negara kuno di Laut Hitam, terutama di pantai Turki saat ini (“Pont Euxine”, yaitu, “laut yang ramah”, nama Yunani kuno untuk Laut Hitam). Lucius Sulla adalah tokoh militer dan politik Yunani kuno. Pastoral (dari kata Italia "pastor" - "gembala") adalah sebuah karya dengan alur yang mengidealkan kehidupan di pangkuan alam. Kapel Sistina adalah gereja asal para paus di Vatikan; itu dibangun pada abad ke-15 di bawah Paus Sixtus IV. Dinding dan langit-langit kapel dilukis dengan indah. 29 37 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia sejumlah karya, terutama instrumental, ditandai dengan gaya musik yang sudah matang. Namun di sini juga belum ada lowongan kerja permanen untuk Wolfgang Amadeus. Pada musim semi tahun 1778, Mozart dan ibunya tiba di Paris. Namun, harapan untuk mendapatkan pengakuan nyata di sana dan menduduki posisi penting tidak terwujud. Di ibu kota Perancis, mereka sudah melupakan anak ajaib, mainan yang tampaknya hidup ini, dan gagal mengenali bakat berkembang dari musisi muda. Mozart tidak beruntung dalam mengatur konser atau menerima pesanan opera. Dia hidup dengan penghasilan yang sedikit dari pelajaran; untuk teater dia hanya bisa menulis musik untuk balet kecil “Trinkets”. Karya-karya baru yang luar biasa datang dari penanya, tetapi saat itu tidak menarik perhatian yang serius. Dan di musim panas, Wolfgang Amadeus mengalami kesedihan yang parah: ibunya jatuh sakit dan meninggal. Awal tahun berikutnya, Mozart kembali ke Salzburg. Opera "Idomeneo". Putuskan hubungan dengan uskup agung dan pindah ke Wina. Peristiwa terpenting dalam beberapa tahun berikutnya bagi Mozart adalah penciptaan dan produksi opera "Idomeneo, Raja Kreta" di Munich, yang sukses besar. Di sini kualitas terbaik dari opera seria Italia digabungkan dengan prinsip reformasi opera Gluck. Hal ini membuka jalan bagi munculnya mahakarya opera Mozart yang orisinal dan cemerlang. ...Tahun itu 1781. Mozart berusia 25 tahun. Ia adalah pengarang tiga setengah ratus karya yang penuh dengan ide-ide kreatif baru. Dan bagi Uskup Agung Salzburg, dia hanyalah seorang pelayan musik, yang semakin ditindas dan dipermalukan oleh pemilik yang sombong dan lalim, memaksanya untuk duduk di meja di ruang rakyat “di atas para juru masak, tetapi di bawah para bujang”, dan tidak izinkan dia pergi ke mana pun atau tampil di mana pun tanpa izin. Semua ini menjadi tak tertahankan bagi Mozart, dan dia mengajukan pengunduran dirinya. Uskup Agung dua kali menolaknya dengan makian dan hinaan, dan rekan dekatnya dengan kasar mengusir musisi itu keluar. Namun dia, setelah mengalami guncangan mental, tetap teguh pada keputusannya. Mozart menjadi komposer hebat pertama yang dengan bangga memutuskan hubungan dengan posisi musisi istana yang aman secara finansial namun bergantung. Wina: dekade terakhir. Mozart menetap di Wina. Hanya kadang-kadang ia meninggalkan ibu kota Austria untuk waktu yang singkat, misalnya sehubungan dengan produksi pertama opera Don Giovanni di Praha atau selama dua tur konser di Jerman. Pada tahun 1782, ia menikah dengan Constance Weber, yang dibedakan oleh watak ceria dan musikalitasnya. Satu demi satu, anak-anak lahir (tetapi dari enam anak tersebut, empat meninggal saat masih bayi). Penghasilan Mozart dari pertunjukan konser sebagai penampil musik claviernya, dari penerbitan karya dan pementasan opera tidak teratur. Selain itu, Mozart, sebagai orang yang baik hati, mudah percaya, dan tidak praktis, tidak tahu cara mengelola keuangan dengan bijaksana. Penunjukan pada akhir tahun 1787 pada posisi musisi kamar istana yang dibayar sedikit, yang ditugaskan hanya untuk menggubah musik dansa, tidak menyelamatkannya dari kebutuhan uang yang sering dialaminya. Selain itu, dalam sepuluh tahun Wina, Mozart menciptakan lebih dari dua setengah ratus karya baru. Diantaranya, pencapaian artistiknya yang paling cemerlang dalam banyak genre bersinar. Pada tahun pernikahan Mozart, singspiel gemerlapnya “The Abduction from the Seraglio” dipentaskan di Wina dengan sukses besar; humor31. Dan penggemar opera “The Marriage of Figaro”, asli; genre “drama menyenangkan” “Don Juan” dan kisah opera “The Magic Flute”, yang muncul pada tahun-tahun terakhir di Wina, termasuk di antara puncak tertinggi yang dicapai oleh teater musikal sepanjang sejarahnya! ceritanya. Mozart menulis tiga simfoni terbaiknya, yang ternyata menjadi simfoni terakhirnya, termasuk G minor (No. 40) pada musim panas 1788. Pada dekade yang sama, banyak karya instrumental komposer lainnya muncul - orkestra empat bagian "Little Night Serenade", sejumlah konser piano, sonata, dan berbagai ansambel kamar. Mozart mendedikasikan enam kuartet geseknya untuk Haydn, yang dengannya dia mengembangkan hubungan yang hangat dan bersahabat. Selama tahun-tahun ini, Mozart mempelajari karya-karya Bach dan Handel dengan penuh minat. Karya terbaru Mozart adalah Requiem, sebuah misa pemakaman untuk paduan suara, solois, dan orkestra32. Pada bulan Juli 1791, itu ditugaskan dari komposer oleh seorang pria yang tidak mau menyebutkan namanya. Hal ini terkesan misterius dan bisa menimbulkan firasat buruk. Hanya beberapa tahun kemudian menjadi jelas bahwa pesanan tersebut datang dari seorang bangsawan Wina yang ingin membeli karya orang lain dan menjadikannya sebagai miliknya. Karena sakit parah, Mozart tidak dapat menyelesaikan Requiem sepenuhnya. Itu diselesaikan dari draf oleh salah satu siswa komposer. Ada cerita bahwa pada malam kematian musisi hebat itu, yang diikuti pada malam tanggal 5 Desember 1791, teman-temannya menyanyikan bagian-bagian dari sebuah karya yang belum selesai bersamanya. Sesuai dengan konsep sedih dalam Requiem, ekspresi liris dan dramatis yang terinspirasi dari musik Mozart memperoleh keagungan dan keseriusan khusus. Karena kekurangan dana, Mozart dimakamkan di kuburan umum untuk 31 32 Seraglio - separuh perempuan di rumah bangsawan timur yang kaya. Kata Latin "requiem" berarti "istirahat". 38 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia buruk, dan tempat pemakamannya masih belum diketahui. karena Suzanne berpakaian seperti seorang countess dalam gaunnya. Karena malu pada istrinya, Almaviva terpaksa tidak lagi menghalangi Figaro dan Suzanne merayakan pernikahan mereka, yang mengakhiri “hari gila” yang penuh dengan segala macam kejadian tak terduga dengan cara yang ceria dan bahagia. Opera dimulai dengan pembukaan, yang mendapatkan popularitas besar dan sering ditampilkan dalam konser simfoni.34 Berbeda dengan pembukaan lainnya, pembukaan ini tidak menggunakan tema yang didengar dalam opera itu sendiri. Suasana umum dari aksi selanjutnya, kecepatannya yang memukau, dan keceriaan yang meluap-luap tersampaikan dengan jelas di sini. Overture ditulis dalam bentuk sonata, tetapi tanpa pengembangan, yang digantikan oleh hubungan singkat antara eksposisi dan reprise. Pada saat yang sama, lima tema menonjol dengan jelas, dengan cepat saling menggantikan. Yang pertama dan kedua merupakan kelompok utama, kelompok ketiga dan keempat adalah kelompok sampingan, dan kelompok kelima adalah kelompok terakhir. Mereka semua energik, tetapi pada saat yang sama masing-masing memiliki karakter tersendiri. Tema pertama bagian utama yang dibawakan oleh alat musik gesek dan bassoon secara serempak, bergerak lincah, dengan kelincahan yang nakal: Soal dan tugas 1. Apa persamaan musik Mozart dengan musik Haydn? Apa perbedaan antara minat artistik kedua karya klasik Wina ini? 2. Ceritakan tentang keluarga dan masa kecil Wolfgang Amadeus Mozart. 3. Di negara dan kota manakah Mozart tampil saat masih kecil? Bagaimana pertunjukannya? 4. Pada usia berapa Mozart menulis opera buffa pertamanya? Apa namanya dan di mana lokasinya? 5. Ceritakan kepada kami tentang perjalanan muda Mozart ke Italia. 6. Kota apa saja yang kemudian dikunjungi Mozart? Apakah perjalanannya ke Paris berhasil? 7. Ceritakan kepada kami tentang putusnya Mozart dengan Uskup Agung Salzburg. 8. Jelaskan dekade terakhir kehidupan dan karya Mozart. Sebutkan karya-karya utama yang ia ciptakan pada periode ini. Opera "The Marriage of Figaro" Pertunjukan perdana opera Mozart "The Marriage of Figaro" berlangsung di Wina pada tahun 1786. Dua pertunjukan pertama dibawakan oleh komposer sendiri dengan harpsichord. Kesuksesannya luar biasa, banyak nomor yang diulang-ulang sebagai encore. Libretto (teks verbal) opera ini dalam empat babak ditulis dalam bahasa Italia oleh Lorenzo da Ponte, berdasarkan komedi karya penulis Prancis Beaumarchais “Crazy Day, or The Marriage of Figaro.” Pada tahun 1875, P. I. Tchaikovsky menerjemahkan libretto ini ke dalam bahasa Rusia, dan dalam terjemahannya opera tersebut dipentaskan di negara kita. Mozart menyebut The Marriage of Figaro sebagai penggemar opera. Namun ini bukan sekadar komedi menghibur dengan situasi lucu. Tokoh utama digambarkan dalam musik sebagai ragam watak manusia yang hidup. Dan ide utama lakon Beaumarchais mirip dengan Mozart. Karena faktanya adalah pelayan Count Almaviva, Figaro dan mempelai wanitanya, pelayan Suzanne, ternyata lebih pintar dan lebih baik daripada tuan mereka yang bergelar, yang intriknya mereka ungkapkan dengan cekatan. Count sendiri menyukai Suzanne, dan dia berusaha menunda pernikahannya. Tapi Figaro dan Susanna dengan cerdik mengatasi semua rintangan yang muncul, menarik istri penghitung dan halaman muda Cherubino 33 ke pihak mereka. Pada akhirnya, mereka mengatur segalanya sehingga di malam hari di taman penghitung menerima sapuan kemeriahan Kedua: Setelah Halaman - seorang anak laki-laki atau remaja yang berasal dari bangsawan, melayani orang yang mulia. Tema penghubung bagian utama dan bagian isi pada dasarnya berbeda. Ingatlah bahwa kata “overture” berasal dari kata kerja Perancis “ouvrir”, yang berarti “membuka”, “memulai”. 33 34 39 www.classon.ru bold Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia dalam bagian-bagian seperti skala, tema pertama dari bagian samping muncul, yang melodinya dimainkan oleh biola. Temanya memiliki karakter yang aneh secara ritmis, sedikit berubah-ubah, namun gigih: nomor vokal. Jadi, nomor solo pertama di bagian Figaro (dipercayakan kepada bariton) - aria kecil (cavatina) - berbunyi segera setelah Suzanne memberi tahu tunangannya bahwa hitungan mulai mengejarnya dengan rayuannya. Dalam hal ini, Figaro dengan mengejek menyenandungkan melodi dalam gerakan minuet - tarian masyarakat kelas atas yang gagah (bagian ekstrim dari bentuk reprise cavatina tiga bagian): Tema kedua dari bagian samping menyerupai seruan tegas: Dan Tema bagian akhir adalah yang paling seimbang, seolah-olah menyelesaikan segalanya: Dalam reprise, bagian samping dan akhir diulangi pada kunci utama D mayor. Diiringi dengan coda yang semakin menonjolkan karakter pembukaan yang ceria dan hidup. Dalam opera karya Mozart ini, tempat besar ditempati oleh ansambel vokal, terutama duet (untuk dua karakter) dan terzetto (untuk tiga karakter). Mereka dipisahkan oleh resitatif yang diiringi harpsichord. Dan babak kedua, ketiga dan terakhir, keempat diakhiri dengan final - ansambel besar dengan partisipasi enam hingga sebelas karakter. Solo dimasukkan dalam pengembangan aksi yang dinamis dengan cara yang berbeda. Dan di bagian tengah cavatina, gerakan yang terkendali digantikan oleh yang cepat, melodi tiga ketukan yang anggun digantikan oleh melodi dua ketukan yang tegas. Di sini Figaro dengan tegas menyatakan niatnya untuk mencegah rencana jahat tuannya dengan segala cara: 40 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Angka paling terkenal dalam peran Figaro adalah aria-nya “Anak yang lincah , keriting, sedang jatuh cinta.” Hal ini ditujukan kepada halaman muda Cherubino. Dia secara tidak sengaja mendengar Count mencoba menyatakan cintanya kepada Suzanne, dan saksi yang tidak diinginkan tersebut diperintahkan untuk pergi ke dinas militer. Dalam arianya, Figaro dengan riang dan jenaka mengolok-olok situasi saat ini, melukiskan gambaran kehidupan militer yang keras untuk pemuda tersebut, dimanjakan oleh kehidupan istana. Hal ini tercermin dalam musik melalui kombinasi terampil antara kemampuan menari yang lincah dengan gerakan gembar-gembor yang “militan”. Ini adalah refrain yang berbunyi tiga kali dalam bentuk rondo: Yang lainnya adalah aria kecil yang bersifat lagu, “Hati digerakkan oleh darah panas.” Ini adalah pengakuan perasaan lembut yang lebih terkendali, dengan takut-takut ditujukan kepada Countess sendiri: Suzanne (soprano) dalam banyak ansambel dicirikan sebagai orang yang energik, cekatan, dan banyak akal, tidak kalah dengan Figaro dalam hal ini. Pada saat yang sama, citranya dipuitiskan secara halus dalam aria yang cerah dan melamun dari babak keempat. Di dalamnya, Suzanne secara mental mengajukan permohonan yang lembut kepada Figaro: Adapun Cherubino sendiri (perannya dilakukan oleh suara wanita yang rendah - mezzo-soprano), dia digambarkan dalam dua aria sebagai seorang pemuda yang bersemangat, masih tidak dapat memahami dirinya sendiri. perasaan, siap jatuh cinta di setiap langkah. Salah satunya adalah aria yang gembira dan penuh hormat, “Saya tidak tahu, saya tidak bisa menjelaskan.” Melodiousness dipadukan di dalamnya dengan ritme, seolah-olah sesekali berdenyut dengan kegembiraan: 41 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Soal dan tugas 1. Kapan dan di mana pemutaran perdana opera Mozart “The Marriage of Figaro” berlangsung? 2. Berdasarkan komedi apa librettonya? 3. Apa gagasan pokok karya ini? 4. Bagaimana pembukaan opera dikonstruksi? 5. Ceritakan kepada kami tentang ciri-ciri dari dua nomor solo dalam peran Figaro. 6. Suara manakah yang diberikan pada party Cherubino? Nyanyikan melodi ariasnya. 7. Bagaimana karakter Suzanne dalam ansambel dan bagaimana aria dari babak keempat? Variasi keempat (dengan tangan kiri dilempar ke atas kanan), sebaliknya, lebih berani menyapu. Variasi kelima, di mana tempo awal Andante grazioso yang santai digantikan oleh tempo yang sangat lambat - Adagio, adalah aria instrumental yang merdu, diwarnai oleh coloratura. Kemudian perubahan tempo menjadi cepat (Allegro) sesuai dengan karakter tarian ceria variasi keenam yang terakhir. Bagian kedua dari sonata adalah Minuet. Seperti biasa, ia dikonstruksi dalam bentuk reprise tiga bagian dengan pengulangan yang tepat dari musik gerakan pertama dalam reprise tersebut. Di antara keduanya terdapat bagian tengah (Trio) 35. Di seluruh bagian Minuet, intonasi sapuan yang maskulin, tegas, dan angkuh disamakan dengan intonasi feminin yang lembut dan halus, mirip dengan seruan dan seruan liris yang ekspresif. Sonata dalam A mayor untuk sonata A mayor karya clavier Mozart, yang biasa disebut "Sonata dengan March Turki", adalah siklus yang dibangun secara tidak biasa. Gerakan pertama di sini bukanlah sonata allegro, melainkan enam variasi tema yang ringan dan kalem, anggun polos. Sepertinya lagu yang bisa dinyanyikan dalam suasana hati yang baik dan damai dalam kehidupan musik Wina. Iramanya yang berayun lembut memiliki kemiripan dengan gerakan siciliana - lagu tari atau tarian Italia kuno: Komposer menyebut bagian ketiga sonata (final) "A11a Turca" - "Dalam gaya Turki". Belakangan, nama "Turkish March" diberikan untuk final ini. Tidak ada kesamaan di sini dengan struktur intonasi musik rakyat dan profesional Turki, yang tidak biasa di telinga orang Eropa. Namun pada abad ke-18, di Eropa, terutama musik teatrikal, muncul mode untuk pawai, yang secara konvensional disebut “Turki”. Mereka menggunakan warna timbre orkestra Janissary, yang didominasi oleh alat musik tiup dan perkusi - drum besar dan kecil, simbal, segitiga. Janissari adalah nama yang diberikan kepada prajurit di unit infanteri tentara Turki. Musik pawai mereka dianggap oleh orang Eropa sebagai musik yang liar, berisik, dan “biadab”. Tidak ada perbedaan yang mencolok antar variasinya, namun semuanya mempunyai karakter yang berbeda. Pada variasi pertama, gerakan melodi yang anggun dan aneh mendominasi, pada variasi kedua, keceriaan yang anggun dipadukan dengan sentuhan yang lucu (nada anggun yang “nakal” di bagian tangan kiri patut diperhatikan). Variasi ketiga - satu-satunya yang ditulis bukan dalam A mayor, tetapi dalam A minor - diisi dengan figur melodi yang sedikit sedih, bergerak merata, seolah-olah dengan rasa malu yang lembut: Di akhir Trio ada sebutan “Minuetto da capo” . Italia – “dari kepala”, “dari awal”. 35 “Da capo” diterjemahkan dari 42 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Bagian akhir ditulis dalam bentuk yang tidak biasa. Ini dapat didefinisikan sebagai lagu tiga bagian dengan chorus (dalam A mayor). Pengulangan bagian refrain memberikan struktur bagian akhir ciri-ciri rondo36. Bagian pertama - dengan motif yang mudah "berputar" (A minor) - dan bagian tengah - dengan gerakan bagian yang merdu (F-sharp minor) - secara alami memadukan kemampuan menari yang anggun dengan gaya berjalan yang jelas: Sejak lama diyakini bahwa Mozart menyusun sonata dalam A mayor pada musim panas 1778 tahun di Paris. Namun kemudian mereka menemukan informasi bahwa hal ini terjadi beberapa tahun kemudian, di Wina. Informasi tersebut semakin masuk akal sejak pemutaran perdana Singspiel karya Mozart “The Abduction from the Seraglio” berlangsung di sana pada tahun 1782. Di dalamnya, aksinya berlangsung di Turki, dan dalam musik pembukaan, dan dalam dua paduan suara marching, terdapat tiruan yang nyata dari musik "Janissary". Selain itu, berisik; Mozart menambahkan coda "Janissary" palsu di A mayor ke final senat hanya pada tahun 1784, ketika karya tersebut diterbitkan. Patut dicatat juga bahwa dalam sonata, seperti dalam “The Abduction from the Seraglio”, peran besar dimiliki oleh genre lagu dan march. Dalam semua ini, hubungan antara musik instrumental dan musik teater, yang merupakan ciri khas Mozart, terungkap. Soal dan tugas 1. Apa yang tidak biasa dari siklus sonata Mozart di A mayor? Jelaskan sifat tema dan enam variasinya pada bagian pertama karya ini. 2. Genre tari apa yang digunakan pada sonata bagian kedua? 3. Jelaskan mengapa akhir sonata A mayor disebut “Turkish March”. Apa yang istimewa dari konstruksinya? Nyanyikan tema utamanya. 4. Karya musik dan teatrikal Mozart apa yang digaungkan oleh musik “Turkish March” miliknya? Simfoni dalam G Minor Ditulis di Wina pada tahun 1788, Simfoni dalam G Minor! (No. 40) adalah salah satu karya komposer hebat yang paling menginspirasi. Gerakan pertama dari simfoni ini adalah sonata allegro dengan tempo yang sangat cepat. Dimulai dengan tema bagian utama, yang langsung menawan sebagai pengakuan liris yang tulus dan rahasia. Dinyanyikan dengan biola dengan iringan lembut iringan alat musik gesek lainnya. Dalam melodinya, seseorang dapat mengenali ritme bersemangat yang sama seperti pada awal aria pertama Cherubino dari opera “The Marriage of Figaro” (lihat contoh 37). Tapi sekarang ini lirik yang lebih “dewasa”, serius dan berani: Chorus (dalam A mayor) berbunyi tiga kali, mirip dengan semacam “janissary noise chorus”, di bagian kiri terdengar tiruan dari a drum roll: Dalam hal ini, “Turkish March” kadang-kadang disebut “Rondo dalam gaya Turki” (“Rondo alla Turca”). 36 43 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Perkembangan kecil). Tetapi tidak ada kontras di dalamnya, semuanya mematuhi suasana hati yang cerah secara umum, yang sejak awal ditentukan di bagian utama, dibunyikan oleh alat musik gesek: Maskulinitas karakter diperkuat di bagian penghubung, di mana bagian utama berkembang. Ada modulasi menjadi paralel G minor B-flat mayor - nada suara bagian samping. Temanya lebih ringan, anggun dan feminim dibandingkan tema utama. Ini diwarnai oleh intonasi kromatik, serta warna nada string dan alat musik tiup kayu yang bergantian: Pada hitungan ketujuh, sosok dua nada tiga puluh detik yang "berkibar" muncul di sini. Selanjutnya, ia menembus garis melodi dari semua tema, atau tampak membungkusnya, muncul dalam register berbeda untuk instrumen berbeda. Ini seperti gema dari suara alam yang damai. Hanya kadang-kadang sedikit khawatir, mereka dapat terdengar baik dari dekat maupun dari kejauhan. Menurut tradisi yang ada, bagian ketiga dari simfoni ini adalah Minuet. Tapi hanya bagian tengahnya - Trio - yang jelas tradisional di dalamnya. Dengan gerakannya yang halus, merdunya suara, dan nada suara G mayor, Trio ini menonjolkan bagian G minor utama dan ekstrem dari Minuet ini, yang umumnya tidak biasa dalam ketegangan liris dan dramatisnya. Nampaknya setelah perenungan tenang terhadap alam yang diwujudkan dalam Andante, kini kita harus kembali ke dunia kegelisahan dan keresahan spiritual yang mendominasi bagian pertama simfoni tersebut. Hal ini sesuai dengan kembalinya nada suara utama simfoni - G minor: Gelombang energi baru terjadi di bagian akhir. Di sini peran utama adalah milik pengembangan berulang dan terus-menerus dari motif pertama - tiga suara - dari tema bagian utama. Dengan dimulainya perkembangan yang agak aneh, awan tampak berkumpul secara mengkhawatirkan. Dari B-flat mayor yang cerah ada perubahan tajam ke nada suara F-sharp minor yang suram dan jauh. Tema bagian utama berkembang secara dramatis dalam perkembangannya. Ia melewati sejumlah nada suara, dibagi menjadi frasa dan motif yang terpisah, dan sering kali ditiru dalam suara orkestra yang berbeda. Motif pertama dari tema ini sangat kuat. Namun akhirnya denyutnya melemah, menahan rasa gentarnya, dan terjadilah pengulangan kembali. Namun pengaruh intensitas dramatis tinggi yang dicapai dalam pembangunan juga terasa pada bagian pertama ini. Di sini panjang bagian penghubung bertambah secara signifikan, hal ini menyebabkan penyajian bagian samping dan akhir bukan dalam mayor, tetapi pada kunci utama G minor, yang membuat suaranya lebih dramatis. Gerakan kedua dari simfoni tersebut adalah Andante di E-flat mayor. Ini kontras dengan bagian pertama yang liris-dramatis dengan ketenangannya yang lembut dan lembut. Bentuk Andante juga berupa sonata (dengan G minor menjadi kunci utama gerakan keempat simfoni – final yang berjalan dengan tempo sangat cepat. Final ditulis dalam bentuk sonata. Tema utama pada bagian simfoni ini adalah tema bagian utama. Bersama dengan tema bagian utama gerakan pertama, ini termasuk tema instrumental Mozart yang paling cemerlang. Namun jika tema pada bagian pertama terdengar seperti pengakuan liris yang lembut dan penuh hormat, maka tema penutupnya adalah daya tarik liris-dramatis yang penuh gairah, penuh keberanian dan kami akan memutuskan 44 www.classon.ru Pendidikan anak di bidang seni di Rusia 2. Ceritakan tentang tema utama bagian pertama simfoni dan perkembangannya. 3. Apa sifat musik pada bagian kedua dan ketiga simfoni tersebut? 4. Apa tema utama di bagian akhir simfoni? Apa perbedaan karakternya dengan karakter tema bagian utama bagian pertama? 5. Bagaimana struktur tema permainan utama final? Pembangunannya didasarkan pada apa? Karya-karya utama Panggilan berapi-api ini diciptakan oleh naiknya melodi dengan cepat sepanjang bunyi akord, seolah-olah dijawab oleh figur-figur melodi yang energik yang berputar-putar di sekitar satu suara; Seperti pada gerakan pertama simfoni, tema anggun di bagian samping final terdengar sangat jelas dalam pameran ketika dibawakan dalam B-flat mayor: 19 opera Requiem Sekitar 50 simfoni 27 konserto untuk clavier dan orkestra 5 konserto untuk biola dan orkestra Konser dengan iringan orkestra seruling, klarinet, bassoon, terompet, seruling dan harpa Kuartet gesek (lebih dari 20) dan kuintet Sonata untuk clavier, biola dan clavier Variasi, fantasi, rondo, minuet untuk clavier Bagian terakhir didasarkan pada elemen kedua dari tema bagian utama. Dalam pengembangan bagian akhir, unsur tema bagian utama yang pertama dikembangkan secara intensif. Ketegangan dramatis yang tinggi dicapai dengan konsentrasi teknik pengembangan harmonik dan polifonik - melakukan banyak kunci dan meniru panggilan roll. Pada reprise, tingkah laku bagian samping pada kunci utama G minor sedikit dinaungi kesedihan. Dan elemen kedua dari tema bagian utama (afirmatif, figur energik), seperti dalam eksposisi, merupakan inti dari bagian akhir dalam reprise. Hasilnya, akhir dari ciptaan Mazartian yang brilian ini membentuk puncak liris-dramatis yang cerah dari seluruh siklus sonata-simfoni, yang belum pernah terjadi sebelumnya dalam tujuan pengembangan figuratif ujung ke ujung. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Komposer besar Jerman Ludwig van Beethoven adalah musisi termuda dari tiga musisi brilian yang disebut klasik Wina. Beethoven mempunyai kesempatan untuk hidup dan berkreasi pada pergantian abad ke-17 dan ke-19, di era perubahan dan pergolakan sosial yang luar biasa. Masa mudanya bertepatan dengan zaman, Soal dan tugas 1. Kapan dan di mana Mozart menciptakan Simfoni No. 40 dalam G minor? 45 www.classon.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia