Komposer harpsichordist Perancis abad ke-18. pemain harpsichord Perancis
dari mutiara, pada akhir abad ke-18 - dari porselen. Pada pertengahan abad ke-19, bahan polimer pertama kali digunakan untuk prostetik. 1. seluoid 2. ebonit 3. karet. 4.polimetilmetakrilat 5.fluoroplastik 6.silikon.
Kritikus seni Alpatov berkata tentang lukisan Rusia abad ke-18: "...Kepala botak mengintip dari balik wig." Apa yang dia maksud dengan kiasan iniekspresi? Berikan setidaknya tiga contoh.
Ya, saya punya satu ide: seniman Rusia abad ke-18 menulis dalam gaya Barat (Barok, sentimentalisme, dll.), tetapi melalui kanon Barat, gaya khusus Rusia masih muncul (barok Rusia muncul, misalnya), berbeda dari gaya Barat. . Kemudian "wig" adalah semacam personifikasi Barat (terutama sejak wig menjadi mode pada masa itu), dan "kepala botak" adalah ciri-ciri Rusia yang "mengintip" melalui kanon "wig".
Butuh lebih banyak dua ide. Tolong bantu.
dari mutiara, pada akhir abad ke-18 - dari porselen. Pada pertengahan abad ke-19, bahan polimer pertama kali digunakan untuk prostetik.
1. seluoid
4.polimetilmetakrilat
5.fluoroplastik
6.silikon.
TOLONG BANTUAN)))Di setiap pertanyaan, dari empat nama komposer, Anda harus memilih satu.))))
1. Sebutkan nama pencipta zaman Barok.
a) Vivaldi;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Schumann.
2. Manakah dari komposer berikut yang merupakan kepala biara?
a) Bach;
b) Handel;
c) Vivaldi;
d)Mozart.
3. Sebutkan penulis “The Well-Tempered Clavier”, “St. Matthew Passion”, “Inventions”.
a) Bach;
b) Beethoven;
c) Chopin;
d) Schumann.
4.Siapa yang menulis opera "Fidelio"?
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
5. Komposer mana yang menulis opera “The Marriage of Figaro”, “Don Giovanni”,
a) Mozart;
b) Beethoven;
c) Mendelssohn;
d) Rossini.
6. Komposer mana yang bukan karya klasik Wina?
a) Haydn;
b) Schumann;
c) mozart;
d) Beethoven.
7. Siapa penulis opera “Aida”, “La Traviata”, “Rigoletto”?
a) Mozart;
b) Beethoven;
c) Rossini;
d) Verdi.
8. Siapa yang menulis 32 piano sonata?
a) Bach;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
9. Sebutkan penulis “Simfoni dengan tremolo timpani”, “Perpisahan”, “Anak-anak”.
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schumann;
d) Chopin.
10. Siapa yang disebut sebagai “bapak simfoni dan kuartet”?
a) Mazart;
b) Beethoven;
c) Haydn;
d) Bach.
11. Komposer manakah yang pertama kali menyebut karyanya puisi simfoni?
a) pupuk dr tahi burung;
b) Berlioz;
c) Beethoven;
d) Daun;
12.Bentuk musik apa yang didasarkan pada konflik dua tema?
a) variasi;
b) bundaran;
c) bentuk sonata;
d) fugue.
13. Sebutkan penulis simfoni yang bagian penutupnya menggunakan paduan suara:
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schubert;
d) Beethoven.
14. Komposer manakah yang menulis hanya untuk piano?
a) Gounod;
b) Chopin;
c) Mahler;
d) Schumann;
15. Komposer manakah yang menulis musik untuk drama Ibsen “Peer Gynt”?
a) Chopin;
b) Berlioz;
c) Mahler;
d) Schumann.
16. siapa yang menulis siklus vokal “The Beautiful Miller’s Wife” dan “Winter Retreat”?
a) Schubert;
b) Schumann;
c) Mendelssohn;
d) Bizet.
17. Sebutkan penulis “Unfinished Symphonies”:
a) Beethoven;
b) Haydn;
c) Schubert;
d) Wagner.
18. Siapa yang menulis siklus piano “Karnaval”?
a) Beethoven;
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Daun.
19. Siapa yang menulis lebih dari 100 simfoni?
a) Beethoven;
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Schubert.
20. Komposer-pemain biola Rusia abad ke-18:
a) Alyabyev;
b) Fomin;
c) Khandoshkin;
d) Verstovsky.
Tradisi budaya musik Perancis mulai terbentuk bahkan sebelum abad ke-15. Diketahui secara pasti bahwa hal itu sangat dipengaruhi oleh budaya suku Jermanik dan Celtic yang tinggal di wilayah modern Perancis. Perkembangan musik di negeri ini terjadi berkat kreativitas masyarakat negara tetangga - Italia dan Jerman. Itulah sebabnya warisan musik Perancis menjadi begitu berwarna dan beragam.
Asal
Awalnya, musik rakyat muncul ke permukaan di Perancis, yang tanpanya masyarakat awam tidak dapat membayangkan keberadaannya. Dengan munculnya agama Kristen, musik gereja lahir, yang lambat laun mulai berubah di bawah pengaruh masyarakat.
Penulis liturgi paling terkenal pada masa itu bernama Hilaria dari provinsi Poitiers. Dia hidup di abad ke-3 dan merupakan teolog dan guru gereja yang paling cerdas.
Sekitar abad ke-10, musik sekuler mulai mendapatkan popularitas. Hal ini dilakukan di pengadilan feodal, di alun-alun kota besar, dan di biara-biara. Alat musiknya antara lain gendang, seruling, rebana, dan kecapi.
Abad ke-12 ditandai dengan dibukanya sekolah musik di Notre Dame, katedral besar Paris. Komposernya menjadi pencipta genre musik baru (konduktor, motet).
Pada abad ke-13, Adam de la Al menjadi musisi paling terkemuka, yang memikirkan kembali karya para penyanyi, memberi jalan pada seni musik yang sebenarnya. Karyanya yang paling menarik adalah “Permainan Robin dan Marion”. Ia menjadi penulis puisi dan musik untuk drama ini, yang berhasil dipentaskan di istana Pangeran Artois.
Ars nova - arah musik Eropa, yang menerima perkembangannya di Perancis, menjadi perwujudan ide-ide baru para musisi. Komposer Perancis Guillaume de Machaut dan Philippe de Vitry menjadi ahli teori utama periode ini. De Vitry menulis musik pengiring puisi "The Romance of Fauvel", de Machaut menjadi penulis "Misa Notre Dame". Ini adalah karya pertama yang ditulis oleh satu komposer, dan bukan hasil kerja sama dengan orang lain.
Renaisans
Dari pertengahan abad ke-15 hingga paruh kedua abad ke-16, musik Prancis berkembang di bawah pengaruh aliran Belanda dan perubahan politik internal seperti perang unifikasi Prancis, pembentukan negara terpusat, dan munculnya kaum borjuis.
Di bawah pengaruh komposer seperti Gilles Benchois, Josquin Depres, Orlando di Lasso, lapisan baru sedang terbentuk dalam seni musik Perancis. Istana kerajaan tidak tinggal diam. Kapel muncul di sana dan posisi kepala musik ditetapkan. Yang pertama adalah pemain biola Italia Baltazarini di Belgioiso.
Masa kejayaan budaya musik nasional terjadi pada abad ke-16, ketika chanson muncul sebagai sebuah genre, dan musik organ memperoleh peran penting. Jean Titlouz menjadi pendiri dan ideolog tren ini.
Karya kaum Huguenot tersebar luas, tetapi karena perselisihan agama, karya tersebut terdegradasi ke latar belakang. Komposer Perancis, perwakilan terbesar dari lapisan ini, Claude Goudimel dan Claude Lejeune, menjadi penulis ratusan mazmur. Keduanya menderita selama Malam St.Bartholomew.
abad ke-17
Musik abad ini berkembang di bawah pengaruh monarki absolut yang mapan. Kehidupan istana di bawah Louis 15 terkenal karena kemegahan dan kelimpahannya. Oleh karena itu, tidak mengherankan jika di antara hiburan lain muncul genre penting seperti opera dan balet.
Kardinal Mazarin menganjurkan pengembangan seni rupa. Asal Italianya menjadi alasan mempopulerkan budaya negara ini di Perancis. Upaya pertama untuk membuat opera nasional dilakukan oleh Elisabeth Jacquet de la Guerre, yang menulis Cephalus dan Procris pada tahun 1694.
Royal Opera House, dibuka pada tahun 1671, menghadirkan komposer-komposer hebat di negara ini. Marc-Antoine Charpentier menciptakan ratusan karya, termasuk opera "Orpheus's Descent into Hell", "Medea", dan "The Judgment of Paris". Andre Campra adalah penulis opera-balet "Gallant Europe", "The Carnival of Venice", tragedi musik "Iphigenia in Tauris", "Achilles and Deidamia".
Abad ke-17 adalah periode terbentuknya aliran harpsichordist Perancis. Di antara pesertanya adalah Chambonnière dan Jean-Henri d'Anglebert.
abad ke-18
Kehidupan musik dan sosial berubah secara dramatis di abad ini. Kegiatan konser melampaui pengadilan. Sejak 1725, konser publik rutin diadakan di bioskop. Perkumpulan "Konser Amatir" dan "Teman Apollo" didirikan di Paris, di mana para amatir dapat menikmati pertunjukan musik instrumental.
Rangkaian harpsichord mencapai puncaknya pada tahun 30-an. François Couperin menulis lebih dari 250 buah harpsichord dan menjadi terkenal tidak hanya di negara asalnya, tetapi juga di luar negeri. Dia juga memproduseri opera kerajaan dan karya organ.
Untuk musik abad ke-18, karya Jean Philippe Rameau, yang tidak hanya seorang komposer berbakat, tetapi juga seorang ahli teori terkemuka di bidangnya, sangatlah penting. Tragedi lirisnya "Castor and Pollux", "Hippolytus and Arisia", dan opera balet "The Gallant Indians" juga diminati oleh sutradara modern.
Hampir semua karya musik hingga pertengahan abad ke-18 bersifat gerejawi atau mitologis. Namun suasana masyarakat menuntut interpretasi dan genre baru. Atas dasar ini, opera buffa mendapatkan popularitas, yang menunjukkan masyarakat kelas atas dan kekuasaan kerajaan dari sisi satir. Libretto pertama untuk opera semacam itu ditulis oleh Charles Favard.
Komposer Perancis abad ke-18 mempunyai pengaruh besar terhadap gaya opera dan landasan teori musik genre ini.
abad ke-19
Revolusi Besar Perancis membawa perubahan signifikan dalam budaya musik. Musik kuningan militer mengemuka. Sekolah khusus dibuka untuk melatih musisi militer. Opera kini didominasi tema patriotik dengan pahlawan nasional baru.
Masa Restorasi ditandai dengan bangkitnya opera romantis. Komposer Perancis Berlioz adalah wakil paling menonjol saat ini. Karya program pertamanya adalah Symphony Fantastique, yang mencerminkan emosi berlebihan dan suasana khas pada saat itu. Ia menjadi pencipta simfoni dramatis "Romeo dan Juliet", pembukaan "King Lear", opera "Benvenuto Cellini". Di negara asalnya, Hector Berlioz dinilai ambigu. Hal ini disebabkan jalur kreatif khusus yang dia pilih untuk dirinya sendiri. Karya-karyanya dipenuhi dengan efek orkestra yang luar biasa, yang pertama kali digunakan oleh komposer di kalangan musisi Prancis.
Pertengahan abad ke-19 ditandai dengan dimulainya perkembangan operet di tanah air. Namun sudah pada tahun 1870-an, musik liris mulai mengemuka, namun dengan kecenderungan realistis. Charles Gounod dianggap sebagai pendiri genre ini. Operanya - "The Reluctant Doctor", "Faust" dan "Romeo and Juliet" - mengungkapkan semua perkembangan inovatif komposer.
Lusinan karya penting bagi budaya Prancis diciptakan oleh Georges Bizet, yang berumur pendek. Dia belajar di konservatori sejak usia 10 tahun dan membuat kemajuan besar sejak awal. Dia memenangkan beberapa kompetisi musik penting, yang memungkinkan musisi tersebut pergi ke Roma selama beberapa tahun. Setelah kembali ke Paris, Georges Bizet mulai mengerjakan opera hidupnya - Carmen. Penayangan perdananya berlangsung pada tahun 1875. Masyarakat tidak menerima atau memahami pekerjaan ini. Komposer tersebut meninggal pada tahun yang sama tanpa melihat kemenangan Carmen.
Pada tahun-tahun terakhir abad ke-19, komposer Perancis menulis di bawah pengaruh komposer Jerman, khususnya Richard Wagner.
abad ke-20
Abad baru ditandai dengan menyebarnya impresionisme dalam budaya musik. Komposer besar Perancis menjadi penganut gaya ini. Yang paling cemerlang adalah C. Debussy. Karyanya mencerminkan semua ciri utama yang melekat pada arah ini. Estetika impresionisme pun tak lepas dari orang Prancis lainnya. Maurice Ravel memadukan tren gaya yang berbeda pada masanya dalam karya-karyanya.
Abad ke-20 merupakan masa terbentuknya perkumpulan kreatif yang beranggotakan seniman. "French Six" yang terkenal, yang diciptakan di bawah kepemimpinan Erik Satie dan Jean Cocteau, menjadi komunitas komposer paling kuat saat itu.
Asosiasi ini mendapatkan namanya karena analoginya dengan Persatuan Komposer Rusia - Segenggam Perkasa. Mereka disatukan oleh keinginan untuk menjauhkan diri dari pengaruh asing (dalam hal ini Jerman) dan mengembangkan lapisan seni nasional.
Asosiasi tersebut termasuk Louis Durey ("Persembahan Liris", "Potret Diri"), Darius Milhaud (opera "Ibu yang Bersalah", balet "Penciptaan Dunia"), Arthur Honegger (opera "Judith", balet "Shota Rustaveli" ), Georges Auric (musik untuk film “The Princess of Cleves”, “Roman Holiday”), Francis Poulenc (opera “Dialogues of the Carmelites”, kantata “Un ballo in maschera”) dan Germaine Taillefer (opera “The Little Mermaid ”, balet “Penjual Burung”).
Pada tahun 1935, asosiasi lain lahir - Prancis Muda. Pesertanya adalah Olivier Messiaen (opera "St. Francis of Assisi"), Andre Jolivet (balet "Beauty and the Beast", "Ariadne").
Gerakan baru seperti musik avant-garde muncul setelah tahun 1950. Perwakilan dan inspiratornya yang menonjol adalah Pierre Boulez, yang belajar dengan Messiaen. Pada tahun 2010, ia termasuk dalam dua puluh konduktor terbaik di dunia.
Perkembangan seni rupa modern di Perancis difasilitasi oleh aktivitas inovatif pilar musik akademis seperti Debussy dan Ravel.
Debussy
Achille-Claude Debussy, lahir di Saint-Germain-en-Laye, merasakan hasrat akan kecantikan sejak kecil. Pada usia 10 tahun ia memasuki Konservatorium Paris. Belajar itu mudah baginya, bocah itu bahkan memenangkan kompetisi internal kecil-kecilan. Tapi Claude terbebani oleh kelas harmoni, karena gurunya tidak ramah terhadap eksperimen anak laki-laki itu dengan suara.
Setelah menghentikan studinya, Claude Debussy melakukan perjalanan dengan pemilik tanah dari Rusia N. von Meck sebagai pianis rumahan. Waktu yang dihabiskan di tanah Rusia memiliki efek menguntungkan bagi Claude. Dia menikmati karya Tchaikovsky, Balakirev dan komposer lainnya.
Kembali ke Paris, Debussy terus belajar di konservatori dan menulis. Dia masih membentuk gayanya sendiri. Titik balik dalam kehidupan Claude adalah perkenalannya dengan E. Satie, yang dengan ide-ide inovatifnya menunjukkan jalan bagi calon komposer.
Gaya dewasa Debussy mulai terbentuk sepenuhnya pada tahun 1894, ketika ia menulis "The Afternoon of a Faun", pendahuluan simfoninya yang terkenal.
Berlepasan
Maurice Ravel lahir di selatan Perancis, tetapi pindah ke Paris pada usia muda untuk mempelajari kerajinan favoritnya. Gurunya adalah komposer-pianis Perancis Charles de Bériot.
Seperti halnya Debussy, Maurice sangat dipengaruhi oleh pertemuannya dengan Erik Satie. Setelah dia, Ravel mulai menulis dengan semangat baru, terinspirasi oleh pidato dan ide komposer.
Saat masih belajar di konservatori, Ravel menulis sejumlah karya bertema Spanyol ("Habanera", "Ancient Minuet"), yang mendapat sambutan hangat dari sesama musisi. Namun, gaya komposer pernah mempermainkannya. Ravel tidak diizinkan untuk berpartisipasi dalam kompetisi bergengsi Hadiah Roma, dengan alasan batasan usia. Namun penggubahnya belum berumur 30 tahun dan sesuai aturan dapat mengirimkan karyanya. Pada tahun 1905, hal ini menimbulkan skandal besar di dunia musik.
Setelah Perang Dunia Pertama, di mana Ravel mengajukan diri, prinsip emosional dianggap sebagai prinsip utama dalam karyanya. Hal ini menjelaskan transisi tajam dari penulisan opera ke karya instrumental (rangkaian "Makam Couperin"). Dia juga berkolaborasi dengan Sergei Diaghilev dan menulis musik untuk balet Daphnis dan Chloe.
Pada saat yang sama, komposer mulai mengerjakan karyanya yang paling penting - "Bolero". Musiknya selesai pada tahun 1928.
Karya terakhir Maurice Ravel adalah "Three Songs", yang ditulis untuk Fyodor Chaliapin.
Legrand
Bagi penonton Rusia, nama salah satu komposer Perancis terdengar sangat familiar. Ini Michel Legrand, yang menciptakan musik untuk film kultus.
Michel Jean dilahirkan dalam keluarga seorang konduktor dan pianis. Sejak kecil, bocah itu terpesona oleh seni musik, itulah sebabnya ia masuk ke Konservatorium Paris. Setelah menyelesaikan studinya, ia pergi ke Amerika Serikat, di mana ia mulai menulis musik untuk film.
Di Perancis ia bekerja dengan sutradara terkenal Jean-Luc Godard dan Jacques Demy. Karyanya yang paling populer adalah musik untuk film "The Umbrellas of Cherbourg".
Menulis musik jazz. Sejak tahun 1960-an ia bekerja di Hollywood. Di antara karya komposer yang terkenal adalah musik untuk "The Thomas Crown Affair" dan "The Other Side of Midnight." Michel Legrand adalah pemenang Oscar tiga kali.
abad ke-21
Musik akademis masih diminati di Prancis. Ada banyak sekali festival dan penghargaan yang diadakan untuk pencapaian di bidang ini. Di Paris, yang merupakan pusat kebudayaan negara, terdapat Konservatorium Nasional, Opera Bastille, Opera Garnier, dan Théâtre des Champs-Élysées. Ada lusinan orkestra yang dikenal di seluruh dunia.
Musik komposer Perancis dikenal masyarakat umum berkat sinema. Selain opera dan musik simfoni, mereka juga menulis untuk film. Ini sebagian besar merupakan karya untuk industri film Prancis, tetapi beberapa komposer juga mencapai tingkat internasional. Komposer Prancis paling sukses di abad ke-21 adalah:
- Antoine Duhamel ("Ciuman yang Dicuri", "Belle Epoque").
- Maurice Jarre (Dokter Zhivago, Berjalan-jalan di Awan).
- Vladimir Kosma ("Injeksi dengan Payung", "Ayah").
- Bruno Coulet ("Belphegor si Hantu Louvre", "Penyanyi").
- Louis Aubert (opera "The Blue Forest", "Enchanting Night").
- Philippe Sard ("Putri D'Artagnan", "Putri de Montpensier").
- Eric Serra (soundtrack untuk "Leon", "Joan of Arc", "The Fifth Element").
- Gabriel Yared (Pasien Inggris, Cold Mountain).
CLAVISIN [Perancis] clavecin, dari Lat Akhir. clavicymbalum, dari lat. clavis - kunci (karenanya kuncinya) dan cymbalum - simbal] - alat musik keyboard yang dipetik. Dikenal sejak abad ke-16. (mulai dibangun pada abad ke-14), informasi pertama tentang harpsichord berasal dari tahun 1511; Instrumen tertua yang dibuat di Italia berasal dari tahun 1521.
Harpsichord berasal dari psalterium (sebagai hasil rekonstruksi dan penambahan mekanisme keyboard).
Awalnya, harpsichord berbentuk segi empat dan penampilannya menyerupai clavichord "bebas", berbeda dengan harpsichord yang memiliki string dengan panjang berbeda (setiap tuts berhubungan dengan string khusus yang disetel ke nada tertentu) dan mekanisme keyboard yang lebih kompleks. Senar harpsichord digetarkan dengan cara dipetik dengan bantuan bulu burung yang dipasang pada batang – pendorong. Saat tuts ditekan, pendorong yang terletak di ujung belakangnya terangkat dan bulunya dikaitkan ke tali (kemudian, sebagai pengganti bulu burung, digunakan plektrum kulit).
Struktur bagian atas pendorong: 1 - senar, 2 - sumbu mekanisme pelepasan, 3 - languette (dari languette Perancis), 4 - plectrum (lidah), 5 - peredam.
Suara harpsichordnya cemerlang, tetapi tanpa tanda jasa (pendek) - yang berarti tidak dapat menerima perubahan dinamis (lebih keras, tetapi kurang ekspresif dari itu), perubahan kekuatan dan timbre suara tidak bergantung pada sifat pukulan pada tuts. Untuk meningkatkan kemerduan harpsichord, senar ganda, tiga kali lipat, dan bahkan empat kali lipat digunakan (untuk setiap nada), yang disetel secara serempak, oktaf, dan terkadang pada interval lainnya.
Evolusi
Sejak awal abad ke-17, senar logam digunakan sebagai pengganti senar usus, yang panjangnya bertambah (dari treble ke bass). Alat musik ini berbentuk sayap segitiga dengan susunan senar memanjang (sejajar dengan tuts).
Pada abad 17-18. Untuk memberikan harpsichord suara yang lebih bervariasi secara dinamis, instrumen dibuat dengan 2 (kadang 3) keyboard manual (manual), yang disusun seperti teras, satu di atas yang lain (biasanya manual atas disetel satu oktaf lebih tinggi) , serta dengan sakelar register untuk memperluas treble, penggandaan oktaf bass dan perubahan warna timbre (register kecapi, register bassoon, dll.).
Register dioperasikan dengan tuas yang terletak di sisi keyboard, atau dengan tombol yang terletak di bawah keyboard, atau dengan pedal. Pada beberapa harpsichord, untuk variasi timbre yang lebih banyak, keyboard ke-3 disusun dengan beberapa warna timbre yang khas, sering kali mengingatkan pada kecapi (yang disebut keyboard kecapi).
Penampilan
Secara eksternal, harpsichord biasanya dihias dengan sangat elegan (badannya dihiasi dengan gambar, tatahan, dan ukiran). Hasil akhir instrumen ini konsisten dengan furnitur bergaya era Louis XV. Pada abad 16-17. Harpsichord dari master Antwerpen Rukkers menonjol karena kualitas suaranya dan desain artistiknya.
Harpsichord di berbagai negara
Nama "harpsichord" (di Perancis; harpsichord - di Inggris, keelflugel - di Jerman, clavichembalo atau disingkat cymbal - di Italia) dipertahankan untuk instrumen berbentuk sayap besar dengan jangkauan hingga 5 oktaf. Ada juga instrumen yang lebih kecil, biasanya berbentuk persegi panjang, dengan senar tunggal dan jangkauan hingga 4 oktaf, yang disebut: epinet (di Perancis), spinet (di Italia), virginel (di Inggris).
Harpsichord dengan tubuh vertikal - . Harpsichord digunakan sebagai instrumen solo, ansambel kamar, dan orkestra.
Pencipta gaya harpsichord virtuoso adalah komposer dan pemain harpsichord Italia D. Scarlatti (dia memiliki banyak karya untuk harpsichord); pendiri sekolah harpsichordist Prancis adalah J. Chambonnière (“Harpsichord Pieces” miliknya, 2 buku, 1670 sangat populer).
Di antara pemain harpsichord Perancis pada akhir abad ke-17 dan ke-18. - , J.F. Rameau, L. Daquin, F. Daidrieu. Musik harpsichord Prancis adalah seni dengan cita rasa yang halus, tata krama yang halus, jelas secara rasional, tunduk pada etiket aristokrat. Suara harpsichord yang halus dan dingin selaras dengan “nada baik” masyarakat elit.
Gaya gagah (rococo) menemukan perwujudannya yang jelas di kalangan harpsichordist Prancis. Tema favorit miniatur harpsichord (miniatur merupakan ciri khas seni Rococo) adalah gambar perempuan (“Captivating”, “Flirty”, “Gloomy”, “Shy”, “Sister Monica”, “Florentine” oleh Couperin), tarian gagah (minuet) menempati tempat yang luas , gavotte, dll.), gambar indah kehidupan petani (“The Reapers”, “Grape Pickers” oleh Couperin), miniatur onomatopoeik (“Chicken”, “Clock”, “Cheeping” oleh Couperin, “Cuckoo” oleh Daquin, dll.). Ciri khas musik harpsichord adalah banyaknya hiasan melodi.
Pada akhir abad ke-18. karya-karya harpsichordist Prancis mulai menghilang dari repertoar para pemainnya. Akibatnya, instrumen yang memiliki sejarah panjang dan warisan seni yang begitu kaya ini terpaksa keluar dari praktik musik dan digantikan oleh piano. Dan bukan hanya digantikan, tapi benar-benar dilupakan pada abad ke-19.
Hal ini terjadi sebagai akibat dari perubahan radikal dalam preferensi estetika. Estetika Barok, yang didasarkan pada konsep teori pengaruh yang dirumuskan dengan jelas atau dirasakan dengan jelas (secara singkat intinya: satu suasana hati, pengaruh - satu warna suara), di mana harpsichord adalah sarana ekspresi yang ideal, memberi jalan pertama ke pandangan dunia sentimentalisme, lalu ke arah yang lebih kuat - klasisisme dan, akhirnya, romantisme. Dalam semua gaya ini, ide yang paling menarik dan dikembangkan, sebaliknya, adalah ide tentang kemampuan untuk berubah - perasaan, gambaran, suasana hati. Dan piano mampu mengekspresikan hal ini. Harpsichord pada prinsipnya tidak dapat melakukan semua ini - karena kekhasan desainnya.
Sejak pertengahan abad ke-17, keunggulan dalam perkembangan musik keyboard berpindah dari para perawan Inggris ke para harpsichordist Prancis. Untuk waktu yang lama, hampir satu abad, aliran ini adalah yang paling berpengaruh di Eropa Barat. Nenek moyangnya dianggap Jacques Chambonniere
, dikenal sebagai pemain organ dan harpsichord yang luar biasa, guru dan komposer berbakat. Konser musik harpsichord di Prancis biasanya berlangsung di salon dan istana bangsawan, setelah obrolan ringan atau tarian. Lingkungan seperti itu tidak kondusif bagi seni yang mendalam dan serius. Dalam musik, kecanggihan anggun, kecanggihan, ringan, dan kecerdasan dihargai. Pada saat yang sama, preferensi diberikan pada drama skala kecil - miniatur.“Tidak ada yang panjang, membosankan, atau terlalu serius.” - ini adalah hukum tidak tertulis yang harus dipatuhi oleh komposer istana Prancis. Tidak mengherankan bahwa pemain harpsichord Prancis jarang beralih ke bentuk besar dan siklus variasi - mereka tertarik pada hal itu
suite
Sekolah harpsichordist Perancis diwakili oleh nama L. Marchand, J.F. Dandrieu, F. Dazhenkura, L.-C. Daquin, Louis Couperin.
Para komposer ini paling sukses dalam gambar pastoral yang elegan (“Cuckoo” dan “Swallow” oleh Daken; “Bird Cry” oleh Dandrieu). Sekolah harpsichord Perancis mencapai puncaknya dalam karya dua orang jenius - François Couperin (1668–1733) dan generasi muda sezamannya (1685–1764).
Jean Philippe Rameau
Orang-orang sezaman menyebut François Couperin “François yang Agung.” Tak satu pun dari pemain harpsichord mereka yang bisa bersaing dengannya dalam hal popularitas. Ia dilahirkan dalam keluarga musisi keturunan dan menghabiskan hampir seluruh hidupnya di Paris dan Versailles sebagai organis istana dan guru musik untuk anak-anak kerajaan. Komposer bekerja di banyak genre (kecuali teater).
Bagian paling berharga dari warisan kreatifnya adalah 27 suite harpsichord (sekitar 250 buah dalam empat koleksi).
Couperin-lah yang mendirikan jenis suite Prancis, yang berbeda dari model Jerman dan terutama terdiri dari bagian-bagian program. Diantaranya adalah sketsa alam (“Kupu-kupu”, “Lebah”, “Alang-alang”), dan adegan bergenre - gambar kehidupan pedesaan (“Reapers”, “Grape Pickers”, “Knitters”); tetapi terutama banyak potret musikal. Ini adalah potret perempuan-perempuan masyarakat dan gadis-gadis muda sederhana – tanpa nama (“Kekasih”, “Satu-Satunya”), atau disebutkan dalam judul drama (“Putri Mary”, “Manon”, “Suster Monica”). Seringkali Couperin melukis bukan orang tertentu, melainkan karakter manusia (“Pekerja Keras”, “Frolic”, “Anemone”, “Touchy”), atau bahkan mencoba mengekspresikan berbagai karakter nasional (“Wanita Spanyol”, “Wanita Prancis”).
Selain karya harpsichordnya yang luar biasa, Rameau menulis banyak “tragedi liris”, serta “Risalah tentang Harmoni” yang inovatif (1722), yang membuatnya mendapatkan reputasi sebagai ahli teori musik ternama.
Perkembangan musik keyboard Italia dikaitkan dengan namanya Domenico Scarlatti.
Karya terprogram adalah karya yang mempunyai alur tertentu – suatu “program”, yang seringkali terbatas pada satu judul, tetapi dapat memuat penjelasan rinci.
Mungkin, kemunculan dekorasi dikaitkan dengan ketidaksempurnaan harpsichord, yang bunyinya langsung hilang, dan getar atau gruppetto sebagian dapat mengimbangi kekurangan ini dengan memperpanjang bunyi bunyi referensi.
Di Eropa Barat (terutama Italia-Spanyol) poligonal. wajan musik akhir Abad Pertengahan dan Renaisans (motets, madrigal, dll.) sebagai improvisasi.
Dari babak ke-2. abad ke-16 gratis O. mengembangkan ch. arr. di Italia, terutama dalam gaya melodinya yang khas. kekayaan wajan tunggal. musik, serta dalam biola, yang cenderung ke arah keahlian. musik. Saat itu di biola. vibrato, yang memberikan ekspresi pada suara yang diperluas, belum digunakan secara luas dalam musik, dan ornamen melodi yang kaya menjadi penggantinya. Melizmatik dekorasi (ornements, agréments) mendapat perkembangan khusus dalam seni Prancis. lutenis dan harpsichordist pada abad ke-17 dan ke-18, yang dicirikan oleh ketergantungan mereka pada tarian. genre yang mengalami stilisasi yang canggih. Dalam bahasa Perancis musik ada hubungan erat antar instrumen.
Orang Prancis beralih dari pakaian gratis ke dekorasi yang diatur. harpsichordist ditugaskan ke orc. musik oleh JB Lully. Namun, Perancis peraturan perhiasan tidak sepenuhnya ketat, karena bahkan tabel paling rinci pun menunjukkan interpretasi yang tepat hanya untuk kasus penggunaan biasa. Penyimpangan kecil dapat diterima untuk disesuaikan dengan karakteristik spesifik musik. kain.
Mereka bergantung pada seni dan selera pemainnya, dan dalam publikasi dengan transkrip tertulis - pada gayanya. pengetahuan, prinsip dan selera editor. Penyimpangan serupa tidak bisa dihindari ketika menampilkan drama oleh tokoh Prancis. harpsichordisme P. Couperin, yang terus-menerus menuntut penerapan yang tepat dari aturannya dalam mengartikan dekorasi. Perancis.
Para pemain harpsichord juga biasa mengambil ornamen kecil di bawah kendali pengarang, yang mereka tulis, khususnya, dalam variasinya. dibutuhkan.
Berkembangnya klasisisme Wina berikutnya, sesuai dengan estetika baru.
Perkembangan harpsichordisme di Perancis erat kaitannya dengan kondisi istana dan kehidupan bangsawan. Seperti telah disebutkan, absolutisme Perancis memiliki pengaruh yang signifikan terhadap seni. Sastra, lukisan, patung, musik, dan teater digunakan untuk mengagungkan kekuasaan kerajaan dan menciptakan lingkaran cahaya cemerlang di sekitar “Raja Matahari” (sebutan Louis XIV oleh orang-orang sezamannya yang aristokrat). Pada paruh pertama abad ke-18, pada masa pemerintahan Louis XV, absolutisme Prancis mengalami kemunduran secara bertahap. Hal ini menjadi penghambat jalur pembangunan sosial negara. Dana besar yang disedot dari tanah ketiga oleh raja dan kaum bangsawan dihabiskan untuk kemewahan dan kesenangan sosial. Kredo hidup mereka dengan tepat diungkapkan melalui ungkapan terkenal: “Setelah kita, bahkan banjir!” Dalam kondisi seperti ini, gaya gagah (atau rococo) menyebar luas. Hal ini jelas mencerminkan kehidupan masyarakat sekuler. Perayaan, pesta dansa, penyamaran, pastoral - ini adalah subjek yang sering digunakan dalam seni Rococo. Pelukis Perancis berbakat saat ini, Antoine Watteau, menciptakan serangkaian lukisan dengan subjek serupa. “Bola di Bawah Barisan Tiang”, “Perayaan di Versailles”, “Berlayar ke Pulau Cythera” (dewi cinta - Venus) dan banyak lainnya.
Rayuan ringan, kegenitan, dan “cinta yang gagah” membuat hiburan para bangsawan menjadi sangat menarik. Wanita sosialita adalah fokus dari hiburan dan seni ini. Puisi ditulis tentang dia, dia digambarkan dalam lukisan, dan karya musik dipersembahkan untuknya.
Seni Rococo dicirikan oleh bentuk-bentuk miniatur. Para seniman kebanyakan menciptakan lukisan-lukisan kecil yang figur orangnya tampak seperti boneka, dan latarnya seperti mainan. Patut dicatat bahwa dalam kehidupan sehari-hari, orang sekuler mengelilingi dirinya dengan pernak-pernik yang tak ada habisnya. Bahkan buku-buku itu dicetak dalam ukuran yang luar biasa kecil.
Kecintaan terhadap miniatur terlihat jelas dari banyaknya penggunaan perhiasan.
Dekorasi interior, furnitur, dan pakaian dihiasi dengan ornamen. Seorang kritikus seni menghitung bahwa jika semua busur yang tak terhitung jumlahnya yang digunakan para pesolek pada masa itu untuk menghiasi pakaian mereka dibuka dan disambung, hasilnya akan menjadi pita yang panjangnya puluhan meter.
Harpsichordisme Prancis terutama berkembang sejalan dengan seni gagah berani ini. Karakternya sangat ditentukan oleh tuntutan masyarakat sekuler.
Untuk membayangkannya lebih jelas, mari kita secara mental membawa diri kita ke salon Prancis pada masa itu dengan dekorasinya yang elegan, perabotan bergaya, dan harpsichord yang dihias dengan mewah dengan kaki melengkung yang tipis. Para wanita berdandan dan pria gagah dengan wig sedang mengobrol santai. Ingin menghibur para tamu, pemilik salon mengundang seorang musisi rumahan atau seorang amatir yang terkenal dengan “bakatnya” untuk “mencoba” alat musik tersebut. Pelaku di sini tidak diharapkan menghasilkan karya seni yang mendalam, penuh dengan ide-ide signifikan dan passion yang kuat. Permainan harpsichordist pada dasarnya harus melanjutkan obrolan ringan yang sama, yang diungkapkan hanya dalam bahasa bunyi musik.
Bagaimana sikap terhadap seni di salon aristokrat dapat dilihat dari puisi penyair Perancis masa kejayaan gaya Rococo - Desforges Meillard:
Harmoni diciptakan oleh tangan Anda.
Dirangkul oleh pesona yang tidak wajar dan manis,
Bingung, aku menyerahkan semangatku ke dalam kekuatannya.
Saya melihat betapa ringannya jari-jari saya, seperti Cupid -
Wahai ahli sihir yang pandai! Wahai para tiran yang lemah lembut! —
Mereka mengembara, berlari di sepanjang kunci yang patuh,
Mereka terbang dengan seribu kejenakaan menawan.
Anak-anak Siprus, betapa lucu dan manisnya mereka,
Tapi, untuk mencuri hati, meski tanpa mereka
Cukuplah saudara laki-laki dan ibu mereka, yang menang,
Mereka menguasai bibirmu dan berkilau di matamu** (153, p. 465).
(Terjemahan oleh E.N. Alekseeva).
Galaksi harpsichordist Perancis pada akhir abad ke-17 dan awal abad ke-18 bersinar dengan nama-nama seperti Francois Couperin, Jean-Philippe Rameau, Louis Daquin, dan Francois Dandrieu. Ciri-ciri terpenting gaya Rococo termanifestasi dengan jelas dalam karya mereka.
Pada saat yang sama, para musisi ini sering kali melampaui persyaratan estetika yang berlaku dan melampaui batas-batas seni Soviet yang murni menghibur dan konvensional.
Couperin adalah penulis empat koleksi potongan harpsichord, diterbitkan pada tahun 1713, 1717, 1722 dan 1730, ansambel untuk clavier dengan alat musik gesek dan tiup, serta karya lainnya. Di antara dramanya terdapat banyak pastoral (“The Reapers”, “Grape Pickers”, “Pastoral”) dan “portraits of women”, yang mewujudkan berbagai gambar (“Florentine”, “Twilight”, “Sister Monica”, “ Gadis Remaja”). Anda dapat menemukan ciri-ciri psikologis halus di dalamnya; Bukan tanpa alasan bahwa dalam kata pengantar buku catatan pertama dramanya, sang komposer menulis bahwa ia menganggap “potret” ini “sangat mirip”.
Beberapa drama Couperin didasarkan pada onomatopoeia yang jenaka: “The Alarm Clock”, “The Chirping”, “The Knitters”.
Semua nama ini sebagian besar bersifat arbitrer dan sering kali dapat dipindahkan dari satu karya ke karya lainnya tanpa mengurangi pemahaman tentang makna musiknya.
Pada saat yang sama, harus diakui bahwa sang komposer seringkali berhasil menciptakan “sketsa dari alam” yang berkarakter dan jujur.
Dalam drama Couperin dan pemain harpsichord Prancis lainnya pada masanya, melodi yang dihias dengan kaya jelas mendominasi suara-suara lainnya. Seringkali hanya ada dua di antaranya (jadi, bersama dengan melodi, mereka membentuk jalinan tiga suara). Suara-suara yang menyertai biasanya dipertahankan sepanjang karya dan terkadang memperoleh makna tersendiri.
Ornamen dalam lakon harpsichordist Prancis kaya dan beragam. Secara gaya, ini terkait dengan lukisan dan ornamen plesteran Rococo. Menyelimuti kerangka garis melodi seperti tanaman ivy yang melilit batang pohon, melismas menambah kecanggihan, imajinasi, dan “kesejukan” pada melodi. Merupakan ciri khas bahwa di Perancis dekorasi yang “melilitkan” nada melodi menjadi tersebar luas, dan yang paling khas darinya, groupetto, pertama kali ditunjuk secara grafis oleh musisi Perancis (Chambonnière). Trill, nada rahmat, dan mordent juga banyak digunakan dalam musik Prancis.
Sehubungan dengan masalah melodisisme harpsichordist Prancis, muncul pertanyaan yang sangat penting - tentang hubungan karya mereka dengan musik rakyat. Sekilas mungkin tampak terpisah dari tanah masyarakat. Namun kesimpulan ini tergesa-gesa dan keliru. Pemikiran K. A. Kuznetsov sangat benar ketika dia menegaskan bahwa dalam Couperin “melalui pakaian halus aristokrat dari karya harpsichordnya, musik tarian keliling desa, lagu desa, dengan strukturnya terdengar” (56, hal. 120 ).
Memang jika kita membayangkan alur melodi beberapa lakon ini tanpa hiasan ornamennya, kita akan mendengar motif sederhana dalam semangat lagu-lagu daerah Perancis.
Karya Couperin mengungkap gejala dekomposisi suite. Meskipun secara formal komposer menggabungkan dramanya ke dalam siklus (dia menyebutnya ordres - set), tidak ada hubungan organik antara bagian-bagian individual dari rangkaian tersebut. Pengecualian dalam hal ini jarang terjadi. Ini mungkin termasuk upaya menarik untuk menggabungkan beberapa drama dengan konsep program yang sama (rangkaian “Tahun Muda”, termasuk drama: “Kelahiran Muse”, “Masa Kecil”, “Gadis Remaja” dan “Kegembiraan”, atau Siklus “Domino” sebanyak 12 buah , menggambar gambar topeng).
Couperin dicirikan oleh pencarian di bidang miniatur, sesuai dengan tugas mewujudkan berbagai suasana hati dan halus, “perhiasan” bekerja pada detail, dan bukan pencarian bentuk monumental yang mampu menyampaikan konsep ideologis yang besar.
Di sini ia menunjukkan dirinya sebagai seniman yang menganut posisi estetika Rococo.
Jean-Philippe Rameau (1683-1764) adalah perwakilan dari generasi harpsichordist Prancis selanjutnya, dan meskipun karya claviernya secara kronologis bertepatan dengan karya Couperon, karya ini memiliki fitur baru dibandingkan dengan karya Couperon.
Apa yang baru dalam diri Rameau, tampaknya, terutama ditentukan oleh sifat aktivitas kreatifnya yang agak berbeda dibandingkan dengan Couperin, dan terutama oleh fakta bahwa pada periode pertama hidupnya—selama tahun-tahun penciptaan karya-karya clavier—ia dikaitkan dengan dengan kalangan sosial lainnya.
Ramo dilahirkan dalam keluarga musisi. Di masa mudanya, ia bekerja sebagai pemain biola di grup opera, yang dengannya ia berkeliling Italia, dan kemudian menjadi organis di berbagai kota di Prancis. Pada saat yang sama, Rameau terlibat dalam kreativitas; Dia menciptakan, antara lain, banyak drama dan sejumlah ansambel untuk harpsichord. Penting untuk dicatat bahwa Rameau juga menulis musik selama tahun-tahun ini untuk genre demokratis seperti komedi yang adil. Dia sebagian menggunakan musik ini dalam karya harpsichord (mungkin, seperti yang disarankan T. N. Livanova, dalam “Rebana” dan “Wanita Petani”) yang terkenal.
Seorang komposer opera dan harpsichord yang luar biasa, Rameau juga seorang ahli teori musik yang memainkan peran utama dalam pengembangan doktrin harmoni.
Pandangan musik yang luas, karya kreatif dalam berbagai genre - dari opera hingga komedi adil Prancis, pengalaman tampil serba guna sebagai organis, harpsichordist, dan pemain biola - semua ini tercermin dalam seni keyboard Rameau. Dalam beberapa aspeknya berkaitan erat dengan karya F. Couperin. Ada banyak drama karya para komposer ini yang secara gaya sangat mirip satu sama lain. Tidak ada keraguan bahwa dua orang sezaman yang terkemuka tidak menghindari pengaruh timbal balik.
Inovasi tekstur Rameau yang paling berani melibatkan gambar yang melampaui tema Rococo biasanya. Dalam lakon “The Solonskaya Simpletons”, yang mereproduksi tarian desa, eksposisi figurasi yang luas muncul di tangan kiri (catatan 12).
Saat menyampaikan gambaran “Gipsi” yang penuh gairah dan terburu nafsu, Rameau juga menggunakan figur-figur yang tidak khas gaya Rococo dalam bentuk arpeggio patah-patah (catatan 13).
Tekstur yang tidak biasa digunakan oleh Rameau dalam karya “Whirlwinds,” di mana arpeggio, yang dilakukan secara bergantian dengan kedua tangan, mencakup rentang beberapa oktaf (catatan 14).
Di antara drama harpsichordist lain dari sekolah Prancis pada paruh pertama abad ke-18,< Кукушка» Дакена — действительно
очень талантливое произведение, мастерски созданное на основе одного мотива
— «кукования» кукушки. Значительный художественный интерес представляют
некоторые пьесы Дандриё («Дудочки» и другие). Среди его сочинений обращает
на себя внимание рондо «Страждущая» (или «Воздыхающая»), написанное в
сугубо чувствительных тонах и свидетельствующее об усилении во французском
клавесинизме к середине столетия тенденций сентиментализма (прим. 15).
Mari kita rangkum secara singkat ciri-ciri gaya musik harpsichord Prancis pada periode Rococo yang muncul dalam karya perwakilan terbaiknya.
Kami melihat bahwa, meskipun gayanya jelas dan pasti, musik ini penuh dengan kontradiksi.
Menghormati tema konvensional Rococo, pemain harpsichord Prancis dalam karya terbaiknya menciptakan elemen seni kebenaran hidup, sampai batas tertentu menguraikan arah genre-visual dan liris-psikologis dalam musik.
Melodi harpsichord rococo - awal ekspresif utama dari musik ini - meskipun dekorasi ornamennya modis, mengungkapkan hubungan dengan musim semi seni rakyat yang memberi kehidupan dan sampai batas tertentu mengantisipasi bahasa musik klasik akhir abad ke-18.
Mencerminkan ciri khas seni Rococo: kecanggihan, kecanggihan, ketertarikan pada miniatur, hingga menghaluskan “sudut tajam”, miniatur rondo harpsichord sekaligus menyiapkan kontras, dinamisme, dan monumentalitas sonata klasik.
Terlepas dari ketidakkonsistenan ini, mustahil untuk memahami mengapa warisan terbaik dari pemain harpsichord Prancis terus menarik perhatian kita bahkan hingga saat ini - pemain dan pendengar yang hidup dengan cita-cita estetika yang sangat berbeda.
Berkembangnya harpsichordisme Prancis tidak hanya terwujud dalam bidang komposisi musik, tetapi juga dalam seni pertunjukan dan pedagogi.
Sumber terpenting untuk mempelajari bidang seni musik ini, selain monumen kreativitas komposer, adalah manual keyboard.
Yang paling penting di antaranya adalah risalah F. Couperin “The Art of Playing the Harpsichord” (1716), yang mensistematisasikan prinsip-prinsip kinerja karakteristik pemain harpsichord Prancis dan memberikan banyak nasihat pedagogis yang menarik, beberapa di antaranya tidak kehilangan signifikansinya terhadap hal ini. hari.
Karya pedagogi lain yang sangat menarik pada periode itu adalah “Metode Mekanika Jari” karya Rameau, yang diterbitkan dalam buku catatan kedua dari karya harpsichordnya (1724). Ini dikhususkan hanya untuk satu masalah - pengembangan teknis siswa.
Berdasarkan risalah ini dan sumber lain yang tersedia bagi kita, mari kita perhatikan ciri-ciri terpenting dari seni pertunjukan dan pedagogi harpsichordist Prancis pada paruh pertama abad ke-18 dan memikirkan beberapa masalah yang muncul ketika menafsirkan karya-karya mereka.
Salah satu tugas terpenting seorang harpsichordist adalah kemampuan menampilkan ornamen dalam melodi secara halus dan penuh selera. Pada abad ke-17, dekorasi melodi sebagian besar dilakukan oleh pemainnya. “Dalam memilih perhiasan,” tulis Saint-Lambert dalam manualnya, “kebebasan penuh diberikan. Dalam karya yang Anda pelajari, Anda dapat memainkan dekorasi bahkan di tempat yang tidak diperlihatkan.
Anda dapat membuang dekorasi dalam drama tersebut jika dirasa tidak sesuai, dan menggantinya dengan dekorasi lain yang Anda pilih” (190, hal. 124). Seiring berjalannya waktu, sikap terhadap perubahan improvisasi melismas menjadi berbeda. Perkembangan pengerjaan yang halus dan canggih, di mana detail ornamen terkecil menjadi sangat penting dan berfungsi sebagai indikator “selera sejati” musisi, membelenggu prinsip improvisasi dalam seni pertunjukan.
Dilihat dari beberapa pernyataan Couperin, pada masanya improvisasi mulai merosot secara bertahap di sekolah harpsichord Prancis. Mereka mulai membandingkannya dengan seni pertunjukan, berdasarkan pembelajaran cermat atas komposisi yang ditulis sebelumnya dan dipikirkan secara detail.
Couperin tanpa kompromi menentang perubahan improvisasi pada dekorasi dalam karya-karyanya. Dalam kata pengantar buku catatan ketiga drama harpsichord, dia, dengan kegigihan yang luar biasa, bahkan dengan nada yang agak jengkel, sangat tidak biasa untuk gaya sastranya, menekankan perlunya mengikuti semua detail teks secara harfiah, karena sebaliknya, katanya , lakonnya tidak akan memberikan kesan yang baik pada orang yang memiliki selera nyata.
Kami menyajikan beberapa contoh melisma F. Couperin dan penguraiannya sesuai dengan instruksi yang diberikan oleh komposer (catatan 16).
Terbatas dalam palet dinamis karena karakteristik instrumennya, pemain harpsichord Prancis tampaknya berusaha mengimbangi dinamika monoton dengan timbre yang bervariasi. Dapat diasumsikan bahwa, seperti pemain harpsichord modern, mereka mengubah warna ketika mengulang chorus rondo atau meningkatkan kontras antara bait dan chorus, menggunakan warna nada yang mereka miliki. Penggunaan berbagai register yang terampil (kecapi, bassoon, dan lainnya) tidak diragukan lagi memberikan karakter dan kecerahan yang lebih besar pada karya harpsichord. Sebagai contoh pendaftaran miniatur harpsichord oleh pemain modern, mari kita perhatikan interpretasi drama terkenal karya Couperin “The Reapers” oleh Zuzana Ruzickova (catatan 17).
Semua refrain, kecuali yang ketiga, dilakukan dengan baik olehnya. Karakter liris dari dua bait pertama terungkap melalui warna kemerduan yang berbeda dan lebih terang. Kontras antara refrain dan bait ketiga, yang merupakan puncak dalam hal nada, ditekankan oleh performanya satu oktaf lebih tinggi dan timbre suaranya yang keperakan. Dengan demikian, registrasinya sesuai dengan alur umum perkembangan syair yang digariskan oleh pengarangnya, hingga klimaks “tenang” pada syair ketiga dan mempertegas kelegaan pertentangan dua bidang kiasan - tarian “kelompok” dan “individual” (ini juga difasilitasi oleh ritme - sangat jelas dalam refrain dan dengan unsur rubato dalam syair).
Dengan menggunakan kemampuan dinamis piano yang kaya, pianis harus tanpa lelah menjaga warna-warni pertunjukan, karena hal ini sangat sulit untuk dicapai. Untuk memperkaya palet suara, Anda perlu menggunakan dinamika dan pedal dengan terampil. Tidak semua pedal dan tidak semua speaker meningkatkan warna permainan Anda. Terkadang cara ekspresif ini bisa menimbulkan efek sebaliknya. Untuk mencapai keragaman nada, Anda harus menggunakan warna pedal yang kontras dan apa yang disebut dinamika “berbentuk teras”. Warna pedal yang kontras tidak berarti penggunaan pedal secara terus menerus, melainkan pergantian formasi tanpa pedal (atau hampir tanpa pedal) dan formasi yang mengayuh berat. Dalam formasi yang perlu terdengar sangat transparan, terkadang Anda harus menggunakan pukulan pedal yang paling ringan. Pentingnya mengayuh semacam ini untuk mentransmisikan potongan harpsichord ke piano ditekankan oleh N. I. Golubovsky dalam kata pengantarnya untuk karya-karya perawan Inggris. “Peranan yang sangat penting dalam penampilan karya harpsichord,” katanya, “adalah penguasaan gradasi halus dalam kedalaman tekanan pedal. Pedal yang tidak lengkap, terkadang hampir tidak ditekan mempertahankan transparansi polifonik, melembutkan kekeringan nada” (32, hal. 4).
Prinsip dinamika “berbentuk teras” terdiri dari penggunaan perbandingan kontras gradasi kekuatan kemerduan yang dominan. Tentu saja ini tidak berarti bahwa penggunaan corak dinamis lainnya dikecualikan. Intinya hanya prinsip penentunya adalah kontras, dan bukan kelancaran transisi dari satu kekuatan kemerduan ke kekuatan kemerduan lainnya. Dalam satu segmen skala dinamis, misalnya, dalam piano atau forte, minor diminuendo dan crescendo dapat dan harus digunakan.
Banyak komposer pada masa itu menulis karya merdu yang lambat untuk harpsichord.
Couperin dan harpsichordist Perancis lainnya mempunyai banyak karya seperti itu. Merupakan ciri khas bahwa dalam lagu-lagu yang membutuhkan kemerduan legato, para pemain harpsichord merekomendasikan untuk mencapai koherensi permainan sebesar mungkin. Dalam kasus seperti itu, Couperin terkadang menyarankan penggunaan substitusi jari pada satu tuts.
Dalam hal inilah ia menampilkan drama oleh F. Couperin dan J.-F. Pianis Rameau Hélène Bosky (direkam oleh perusahaan Ceko Supraphone). Mereka tampil dengan segala pesona kecanggihan seninya dan sekaligus tanpa secara khusus menonjolkan unsur tingkah laku, tata krama upacara, ciri seni gaya Rococo. Seperti Ružičkova, Boschi memusatkan perhatiannya terutama pada mengidentifikasi isi emosional dari drama tersebut, kekayaan nuansa perasaan yang terkandung di dalamnya. Pada saat yang sama, pianis sampai batas tertentu mereproduksi fitur timbro-dinamis dari suara harpsichord, tetapi, dengan menggunakan kemampuan ekspresif piano, memberikan perkembangan pemikiran musik variabilitas dan ekspresi intonasi yang lebih besar. Contoh tipikalnya adalah interpretasi F. Couperin tentang Sarabande h-moll. Penulis menyebutnya “Yang Satu”, rupanya mengungkapkan sikap khususnya terhadap gambar yang ditangkap di dalamnya. Dalam galeri "potret wanita" harpsichordist Prancis, Sarabande menonjol karena intensitas lingkungan emosionalnya yang tidak biasa, kekuatan perasaan dramatis yang terkendali, tetapi siap meledak, terkadang diterangi oleh cahaya pernyataan liris yang tulus. Lakon ini menarik dengan ekspresi melodinya, yang isi intonasinya secara mencolok dinaungi oleh putaran harmonis warna-warni, yang berani pada masa itu.
Tidak mungkin menyampaikan sepenuhnya kekayaan musik mini dengan harpsichord. Faktanya: bagaimana seseorang dapat mencapai fleksibilitas vokal dan ucapan yang diperlukan dalam mengucapkan melodi, yang memerlukan perubahan kekuatan suara yang konstan (tugas ini semakin rumit dengan banyaknya melisma, yang seharusnya menyatu secara organik dengan suara utama melodi) ( catatan 18)?
Bagaimana menghubungkan baris melodi yang berubah secara dinamis ini dengan suara pengiringnya, yang terkadang menjadi latar belakang yang lembut, terkadang, seperti bass di bar kedua, muncul ke depan? Bagaimana mengungkap pesona puitis langkah rendah VI pada birama keempat dan kelima, efek halus dari “luapan” harmoni dari nada rendah ke nada atas, ketika muncul dalam cahaya warna-warni yang sama sekali berbeda, menyebabkan a sebagian besar karena “cahaya” suara melodi yang sangat intens?
Masalah-masalah ini cukup bisa dipecahkan pada piano. Performa Boschi bisa menjadi buktinya. Pada saat yang paling krusial - selama pelaksanaan klimaks "tenang" (ukuran kedua dan ketiga dari contoh 18 6), perhatian pendengar tidak hanya tertarik oleh kelembutan khusus suara akord keenam minor arpeggiated, melodinya suara, tetapi juga dengan tempo yang sedikit melambat. Kenangan indah sepertinya muncul dalam imajinasi Anda dan Anda ingin menghidupkannya kembali.
Mari kita perhatikan juga pelaksanaan akord ketujuh yang diperkecil pada awal hitungan berikutnya.
Akord ketujuh yang dikurangi, tanpa ampun “dieksploitasi” oleh komposer romantis, terdengar lebih segar di masa Couperin. Kemunculannya yang pertama dan satu-satunya dalam lakon itu seharusnya memberikan kesan keanehan yang harmonis.
Persis seperti itulah yang didengar pianis itu. Dia memberinya warna yang sedikit kalem dan dengan warna emosional yang tiba-tiba ini mempersiapkan persepsi tentang perkembangan musik yang lebih terburu-buru dan dramatis.
Untuk menyampaikan nuansa perasaan yang begitu halus, yang membutuhkan perubahan suara timbro-dinamis yang fleksibel, sarana ekspresif piano ternyata lebih diperlukan daripada saat menampilkan bagian pertama dari karya tersebut.
Yang sangat penting ketika menafsirkan miniatur harpsichord adalah rendering ritme metro tari yang halus dari pemainnya, yang memberikan pesona khusus dan vitalitas sejati pada banyak karya yang belum kehilangan hubungannya dengan tarian.
Prinsip-prinsip metodologis harpsichordist Prancis, yang mendasari pendidikan keterampilan motorik, dirumuskan dengan paling jelas oleh Rameau dalam karya pedagogisnya yang telah disebutkan. Secara umum, sistem pandangan ini bersifat progresif pada masa itu.
Di antara sikap Rameau yang paling maju, perlu diperhatikan pembelaannya terhadap kemungkinan besar bagi manusia untuk mengembangkan kecenderungan alaminya, dengan kerja keras, terarah, dan sadar. “Tentu saja tidak semua orang memiliki kemampuan yang sama,” tulis Rameau. - Namun, kecuali ada cacat khusus yang mengganggu pergerakan normal jari, kemungkinan mengembangkannya hingga tingkat kesempurnaan sehingga permainan kita dapat dinikmati sepenuhnya bergantung pada diri kita sendiri, dan saya berani mengatakan bahwa rajin dan baik- pekerjaan yang terarah adalah upaya yang perlu dan suatu saat pasti akan meluruskan jari-jari Anda, bahkan bagi mereka yang paling tidak berbakat sekalipun. Siapa yang mau mengambil risiko hanya mengandalkan kemampuan alami? Bagaimana seseorang bisa berharap untuk menemukannya tanpa melakukan upaya awal yang diperlukan untuk mengidentifikasinya? Dan kesuksesan yang dicapai bisa dikaitkan dengan apa, jika bukan karena pekerjaan khusus ini?”
(186, hal. XXXV). Kata-kata seorang tokoh budaya borjuis pada masa pembentukannya, yang dijiwai dengan keyakinan yang tak tergoyahkan pada kekuatan pikiran manusia, pada kemampuan untuk mengatasi kesulitan-kesulitan yang signifikan, sangat kontras dengan rekayasa beberapa ilmuwan borjuis modern yang menyebarkan paham fatalistis. penentuan perkembangan kemampuan manusia berdasarkan kecenderungan bawaannya.
Salah satu prinsip teknik harpsichord yang paling bermanfaat di area motorik adalah perjuangan tanpa lelah melawan ketegangan otot yang berbahaya. Perlunya kebebasan sistem motorik saat bermain berulang kali ditegaskan Couperin.
Dipercaya secara luas bahwa J. S. Bach “menemukan” teknik ini. Itu datang dari tangan ringan F.E. Bach, yang mengungkapkannya dalam karya metodologisnya.
Sementara itu, terdapat cukup alasan untuk tidak mengaitkan inovasi ini hanya dengan J. S. Bach. Ini mulai menyebar di berbagai sekolah nasional, dan di Perancis, bahkan mungkin lebih awal daripada di Jerman.
Menempatkan jari pertama adalah sebuah inovasi yang sangat penting. Ini dengan cepat memajukan perkembangan teknologi keyboard. Pada saat yang sama, teknik ini, yang mempermudah mengatasi banyak kesulitan teknis, seperti yang biasanya terjadi dalam kasus seperti itu, pada gilirannya memengaruhi perkembangan tekstur tulang selangka, sehingga berkontribusi pada komplikasi selanjutnya. Pertama kali diterapkan oleh para virtuoso paling terkemuka pada masanya, prinsip-prinsip penjarian baru mulai menyebar secara bertahap di kalangan pemain biasa. Namun, butuh waktu beberapa dekade hingga akhirnya bisa diterapkan. Sepanjang abad ke-18, selain penempatan jari pertama, penjarian kuno yang didasarkan pada penempatan jari tengah juga banyak digunakan. Bahkan di akhir abad tersebut, D.G. Turk, salah satu guru piano yang berwibawa, menulis dalam manualnya bahwa dia tidak berani membuang fingering ini, meskipun dia mengizinkannya digunakan hanya dalam kasus yang jarang terjadi.
Baru pada abad ke-19 prinsip penempatan jari pertama diterapkan dengan kuat dalam pedagogi piano. Adapun teknik penempatan jari tidak sepenuhnya hilang dari latihan. Ini digunakan saat memainkan nada ganda, dalam polifoni, di beberapa bagian (lihat, misalnya, Etude a minor op. 10 karya Chopin).
Dalam upaya untuk menghilangkan sebanyak mungkin gerakan tangan, Rameau mengatakan bahwa tangan harus “seolah-olah mati” dan hanya berfungsi untuk “menopang jari-jari yang menempel padanya dan memindahkannya ke tempat-tempat di keyboard yang tidak dapat dijangkau. milik mereka sendiri” (186, hal. XXXVI).
Setelah “meletakkan” jari Anda di keyboard, Ramo menyarankan untuk mulai memainkan latihan - “Pelajaran Pertama”. “Pelajaran Pertama” ini tidak lebih dari rangkaian lima bunyi: do, re, mi, fa, sol. Penulis merekomendasikan untuk mengajarkannya terlebih dahulu dengan masing-masing tangan secara terpisah, kemudian “dengan segala cara yang mungkin, sampai Anda merasa bahwa tangan Anda telah memperoleh keterampilan sedemikian rupa sehingga tidak ada lagi yang perlu ditakutkan karena melanggar kebenaran Gerakannya” (186, hal. XXXVII).
Dari sudut pandang pengikut Soviet, prinsip Rameau di atas tidak dapat dikritik. Belum lagi kekeliruan dalam mereduksi latihan menjadi “mekanik sederhana”, mengupayakan tangan seolah-olah “mati” adalah salah, tidak tepat untuk segera memulai dengan latihan seperti “Pelajaran Pertama” Rameau.
Namun, pada masanya, sistem prinsip motorik ini sudah maju.
Ini mencerminkan tren progresif menuju pengenalan metode berpikir ilmiah ke dalam seni pedagogi dan menuju rasionalisasi proses pendidikan teknis siswa. Hal ini terkait dengan praktik pertunjukan harpsichord, berdasarkan penggunaan teknik jari halus dalam rentang instrumen yang relatif kecil.
Musisi Rusia juga menunjukkan minat pada karya harpsichordist Prancis abad ke-18. Mari kita mengingat kembali penampilan karya Couperin dan Rameau karya Anton Rubinstein dalam Historical Concerts-nya. Contoh luar biasa dari interpretasi asli miniatur harpsichord adalah penampilan “The Cuckoo” oleh Daken oleh Rachmaninov. Tidak seperti beberapa pianis yang memberikan karakter elegi dan lesu pada karya ini, pianis brilian mempertajam ciri-ciri yang melekat pada humor anggun dan antusiasme ceria. Peran penting dalam menciptakan gambar seperti itu dimainkan oleh detail yang cerdas - "gambar" berirama yang kuat dari suara pendek dalam motif "cuckooing".
Di antara para pemain harpsichordist Prancis Soviet, kami mencatat E. Bekman-Shcherbina, N. Golubovskaya, G. Kogan, M. Nemenova-Lunts, N. Perelman.
G. Kogan juga berkontribusi dalam mempromosikan warisan harpsichord dengan ceramah dan artikelnya.
Terdapat edisi akademis dari karya lengkap F. Couperin, yang dibuat oleh sekelompok ahli musik Prancis yang dipimpin oleh Maurice Cauchy (Paris, 1932-1933, dan karya Rameau, diedit oleh C. Saint-Saëns (Paris, 1895- 1918).