Fitur budaya musik Renaisans. Pelajaran sastra musik "musik Renaisans"

Renaisans, atau Renaisans(Renaisans Prancis) - titik balik dalam sejarah budaya masyarakat Eropa. Di Italia, tren baru sudah muncul pada pergantian abad XIII-XIV, di negara-negara Eropa lainnya - pada abad XV-XVI. Tokoh-tokoh Renaisans mengakui manusia - kebaikannya dan hak atas kebebasan pengembangan pribadi - sebagai nilai tertinggi. Pandangan dunia ini disebut “humanisme” (dari bahasa Latin humanus - “manusia”, “manusiawi”). Kaum humanis mencari cita-cita manusia yang harmonis di zaman kuno, dan seni Yunani dan Romawi kuno menjadi model kreativitas artistik bagi mereka. Keinginan untuk "menghidupkan kembali" budaya kuno memberi nama pada seluruh era - Renaisans, periode antara Abad Pertengahan dan Zaman Baru (dari pertengahan abad ke-17 hingga saat ini).

Pandangan dunia Renaisans paling tercermin dalam seni, termasuk musik. Selama periode ini, seperti pada Abad Pertengahan, tempat terdepan adalah musik vokal gereja. Perkembangan polifoni menyebabkan munculnya polifoni (dari bahasa Yunani “polis” - “numerous” dan “phone” - “sound”, “voice”). Dengan jenis polifoni ini, semua suara dalam karya adalah setara. Polifoni tidak hanya memperumit karya, tetapi juga memungkinkan penulis untuk mengekspresikan pemahaman pribadinya tentang teks dan memberikan musik yang lebih emosional. Komposisi polifonik diciptakan menurut aturan yang ketat dan kompleks serta membutuhkan pengetahuan mendalam dan keterampilan virtuoso dari komposernya. Dalam kerangka polifoni, genre gereja dan sekuler berkembang.

Sekolah Polifonik Belanda. Belanda adalah wilayah bersejarah di Eropa barat laut yang mencakup wilayah Belgia modern, Belanda, Luksemburg, dan Prancis timur laut. Pada abad ke-15 Belanda telah mencapai tingkat ekonomi dan budaya yang tinggi dan menjadi negara Eropa yang makmur.

Di sinilah sekolah polifonik Belanda muncul - salah satu fenomena terbesar dalam musik Renaisans. Bagi perkembangan seni rupa di abad ke-15, komunikasi antar musisi dari berbagai negara dan saling pengaruh sekolah kreatif menjadi penting. Aliran Belanda menyerap tradisi Italia, Perancis, Inggris dan Belanda sendiri.

Perwakilannya yang luar biasa: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (sekitar 1400 - 27/11/1474, Cambrai), komposer Perancis-Flemish, salah satu pendiri sekolah Belanda. Fondasi tradisi polifonik dalam musik Belanda diletakkan oleh Guillaume Dufay (sekitar tahun 1400 – 1474). Ia dilahirkan di kota Cambrai di Flanders (sebuah provinsi di selatan Belanda) dan bernyanyi dalam paduan suara gereja sejak usia dini. Pada saat yang sama, musisi masa depan mengambil pelajaran komposisi privat. Pada usia muda, Dufay pergi ke Italia, di mana ia menulis komposisi pertamanya - balada dan motet. Pada tahun 1428-1437 dia menjabat sebagai penyanyi di kapel kepausan di Roma; Pada tahun yang sama dia melakukan perjalanan ke Italia dan Prancis. Pada tahun 1437 komposer ditahbiskan. Di istana Duke of Savoy (1437-1439), ia menggubah musik untuk upacara dan hari raya. Dufay sangat dihormati oleh para bangsawan - di antara pengagumnya, misalnya, pasangan Medici (penguasa kota Florence di Italia). [Bekerja di Italia dan Prancis. Pada tahun 1428-37 ia menjadi penyanyi kapel kepausan di Roma dan kota-kota Italia lainnya, dan pada tahun 1437-44 ia bertugas bersama Adipati Savoy. Sejak 1445, kanon dan direktur kegiatan musik di katedral di Cambrai. Master genre spiritual (3-, 4-suara, motet), serta sekuler (3-, 4-suara Prancis, lagu Italia, balada, rondo) yang terkait dengan polifoni rakyat dan budaya humanistik Renaisans. Seni Denmark, yang menyerap pencapaian seni musik Eropa, mempunyai pengaruh besar terhadap perkembangan lebih lanjut musik polifonik Eropa. Dia juga seorang pembaharu notasi musik (D. dikreditkan dengan memperkenalkan notasi dengan kepala putih). Karya lengkap D. diterbitkan di Roma (6 jilid, 1951-66).] Dufay adalah komposer pertama yang mulai menggubah massa sebagai komposisi musik integral. Untuk menciptakan musik gereja memerlukan bakat luar biasa: kemampuan untuk mengekspresikan konsep-konsep abstrak dan tidak berwujud melalui cara-cara material yang konkrit. Kesulitannya adalah komposisi seperti itu, di satu sisi, tidak membuat pendengarnya acuh tak acuh, dan di sisi lain, tidak mengalihkan perhatian dari kebaktian dan membantu untuk lebih berkonsentrasi pada doa. Banyak massa Dufay yang terinspirasi, penuh dengan kehidupan batin; mereka seolah-olah membantu sejenak menyibakkan tabir wahyu Ilahi.

Seringkali, saat membuat misa, Dufay mengambil melodi terkenal dan menambahkan melodi miliknya sendiri. Pinjaman semacam itu merupakan ciri khas Renaisans. Dianggap sangat penting bahwa misa didasarkan pada melodi yang familiar sehingga para penyembah dapat dengan mudah mengenalinya bahkan dalam karya polifonik. Sebuah penggalan nyanyian Gregorian sering digunakan; Pekerjaan sekuler juga tidak dikecualikan.

Selain musik gereja, Dufay menggubah motet berdasarkan teks sekuler. Di dalamnya dia juga menggunakan teknik polifonik yang rumit.

Josquin Despres (1440-1521). Perwakilan dari sekolah polifonik Belanda pada paruh kedua abad ke-15. Ada Josquin Despres (sekitar 1440-1521 atau 1524), yang mempunyai pengaruh besar terhadap karya komposer generasi berikutnya. Di masa mudanya dia menjabat sebagai pemimpin paduan suara gereja di Cambrai; mengambil pelajaran musik dari Okegem. Pada usia dua puluh tahun, musisi muda itu datang ke Italia, bernyanyi di Milan bersama Sforza Dukes (kemudian seniman besar Italia Leonardo da Vinci bertugas di sini) dan di kapel kepausan di Roma. Di Italia, Despres mungkin mulai menggubah musik. Pada awal abad ke-16. dia pindah ke Paris. Pada saat itu, Despres sudah terkenal, dan ia diundang ke posisi musisi istana oleh raja Prancis Louis XII. Sejak tahun 1503, Despres menetap lagi di Italia, di kota Ferrara, di istana Duke d'Este. Despres banyak mengarang, dan musiknya dengan cepat mendapat pengakuan di kalangan luas: disukai oleh kaum bangsawan dan kaum bangsawan orang awam. Komposer tidak hanya menciptakan karya-karya gereja, tetapi juga karya-karya sekuler. Secara khusus, ia beralih ke genre lagu rakyat Italia - frottola (frottola Italia, dari frotta - "kerumunan"), yang ditandai dengan ritme tarian dan tempo cepat Despres memperkenalkan ciri-ciri karya sekuler ke dalam musik gereja: intonasi yang segar dan hidup mematahkan keterpisahan yang ketat dan membangkitkan perasaan gembira dan kepenuhan hidup. Namun, rasa proporsional sang komposer tidak pernah gagal. tapi inilah rahasia popularitas ciptaannya.

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Muda sezaman Guillaume Dufay adalah Johannes (Jean) Okeghem (sekitar 1425-1497) dan Jacob Obrecht. Seperti Dufay, Okegem berasal dari Flanders. Dia bekerja keras sepanjang hidupnya; Selain menggubah musik, ia menjabat sebagai kepala kapel. Komposer menciptakan lima belas massa, tiga belas motet, dan lebih dari dua puluh chanson. Karya Okegöm bercirikan ketelitian, konsentrasi, dan perkembangan garis melodi halus yang panjang. Dia menaruh perhatian besar pada teknik polifonik, berusaha agar semua bagian massa dianggap sebagai satu kesatuan. Gaya kreatif komposer juga dapat dilihat dalam lagu-lagunya - hampir tidak memiliki kesan sekuler, karakternya lebih mengingatkan pada motet, dan terkadang fragmen massa. Johannes Okegem dihormati baik di tanah airnya maupun di luar negeri (dia ditunjuk sebagai penasihat raja Prancis). Jacob Obrecht adalah pemimpin paduan suara di katedral-katedral di berbagai kota di Belanda, dan memimpin kapel; Dia bertugas selama beberapa tahun di istana Duke d'Este di Ferrara (Italia). Dia adalah penulis dua puluh lima massa, dua puluh motet, tiga puluh chansons. Menggunakan prestasi para pendahulunya, Obrecht memperkenalkan banyak hal baru ke dalam tradisi polifonik. Musiknya penuh kontras, berani, bahkan ketika komposernya beralih ke genre gereja tradisional.

Fleksibilitas dan kedalaman kreativitas Orlando Lasso. Sejarah musik Renaisans Belanda diselesaikan oleh karya Orlando Lasso (nama asli Roland de Lasso, sekitar tahun 1532-1594), yang oleh orang-orang sezamannya disebut sebagai "Orpheus Belgia" dan "Pangeran Musik". Lasso lahir di Mons (Flanders). Sejak kecil, dia bernyanyi di paduan suara gereja, memukau umat paroki dengan suaranya yang indah. Gonzaga, Adipati kota Mantua di Italia, secara tidak sengaja mendengar penyanyi muda itu dan mengundangnya ke kapelnya sendiri. Setelah Mantua, Lasso bekerja sebentar di Napoli, dan kemudian pindah ke Roma - di sana ia menerima posisi direktur kapel salah satu katedral. Pada usia dua puluh lima tahun, Lasso sudah dikenal sebagai komposer, dan karya-karyanya diminati oleh penerbit musik. Pada tahun 1555, kumpulan karya pertama diterbitkan, berisi motets, madrigals, dan chansons. Lasso mempelajari semua karya terbaik yang diciptakan oleh para pendahulunya (komposer Belanda, Prancis, Jerman dan Italia), dan menggunakan pengalaman mereka dalam karyanya. Menjadi orang yang luar biasa, Lasso berusaha mengatasi sifat abstrak musik gereja dan memberikannya individualitas. Untuk tujuan ini, komposer terkadang menggunakan genre dan motif sehari-hari (tema lagu daerah, tarian), sehingga menyatukan tradisi gereja dan sekuler. Lasso menggabungkan kompleksitas teknik polifonik dengan emosi yang tinggi. Dia sangat sukses dalam madrigal, yang teksnya mengungkapkan keadaan mental para karakter, misalnya, “Tears of St. Peter” (1593) berdasarkan puisi oleh penyair Italia Luigi Tranzillo suara (lima sampai tujuh), sehingga karyanya sulit untuk dilakukan.

Sejak 1556, Orlando Lasso tinggal di Munich (Jerman), di mana dia mengepalai kapel. Di akhir hayatnya, otoritasnya di dunia musik dan seni sangat tinggi, dan ketenarannya menyebar ke seluruh Eropa. Aliran polifonik Belanda mempunyai pengaruh yang besar terhadap perkembangan budaya musik Eropa. Prinsip-prinsip polifoni yang dikembangkan oleh komposer Belanda menjadi universal, dan banyak teknik artistik telah digunakan dalam karya mereka oleh komposer pada abad ke-20.

Perancis. Bagi Prancis, abad 15-16 menjadi era perubahan penting: Perang Seratus Tahun (1337-1453) dengan Inggris berakhir, pada akhir abad ke-15. penyatuan negara telah selesai; pada abad ke-16 negara ini mengalami perang agama antara Katolik dan Protestan. Di negara kuat dengan monarki absolut, peran perayaan istana dan perayaan publik meningkat. Hal ini memberikan kontribusi terhadap perkembangan seni rupa, khususnya musik yang mengiringi acara-acara tersebut. Jumlah ansambel vokal dan instrumental (kapel dan permaisuri), yang terdiri dari sejumlah besar pemain, meningkat. Selama kampanye militer di Italia, Prancis mengenal pencapaian budaya Italia. Mereka sangat merasakan dan menerima ide-ide Renaisans Italia - humanisme, keinginan untuk harmonis dengan dunia sekitar, untuk menikmati hidup.

Jika di Italia musik Renaisans dikaitkan terutama dengan massa, maka komposer Prancis, bersama dengan musik gereja, memberikan perhatian khusus pada lagu polifonik sekuler - chanson. Ketertarikan terhadapnya di Prancis muncul pada paruh pertama abad ke-16, ketika kumpulan drama musikal karya Clément Janequin (sekitar 1485-1558) diterbitkan. Komposer ini dianggap sebagai salah satu pencipta genre ini.

Program paduan suara utama karya Clément Janequin (1475-1560). Sebagai seorang anak, Janequin bernyanyi di paduan suara gereja di kampung halamannya di Chatellerault (Prancis Tengah). Selanjutnya, menurut sejarawan musik, ia belajar dengan master Belanda Josquin Despres atau dengan komposer dari lingkarannya. Setelah menerima imamat, Janequin bekerja sebagai bupati (direktur paduan suara) dan organis; kemudian dia diundang untuk mengabdi oleh Duke of Guise. Pada tahun 1555 musisi menjadi penyanyi Kapel Kerajaan, dan pada tahun 1556-1557. - Komposer istana kerajaan. Clément Janequin menciptakan dua ratus delapan puluh chanson (diterbitkan antara tahun 1530 dan 1572); menulis musik gereja - misa, motet, mazmur. Lagu-lagunya sering kali bersifat kiasan. Di hadapan mata pikiran pendengar terpampang gambaran pertempuran (“Pertempuran Marignano”, “Pertempuran Renta”, “Pertempuran Metz”), adegan berburu (“Perburuan”), gambaran alam (“Kicau Burung”, “Nightingale ", "Lark" ), adegan sehari-hari (“Obrolan Wanita”). Dengan kejelasan yang luar biasa, sang komposer berhasil menyampaikan suasana kehidupan sehari-hari di Paris dalam chanson “Cries of Paris”: ia memasukkan ke dalam teks seruan para penjual (“Susu!” - “Pai!” - “Artichokes!” - “Ikan!” - “Cocok!” - “Merpati”) !" - "Sepatu tua!" - "Anggur!"). Janequin hampir tidak menggunakan tema yang panjang dan halus untuk suara individu dan teknik polifonik yang rumit, lebih memilih panggilan absensi, pengulangan, dan onomatopoeia.

Arah lain musik Perancis dikaitkan dengan gerakan Reformasi pan-Eropa.

Dalam kebaktian gereja, Protestan Perancis (Huguenot) meninggalkan bahasa Latin dan polifoni. Musik sakral telah memperoleh karakter yang lebih terbuka dan demokratis. Salah satu perwakilan paling cemerlang dari tradisi musik ini adalah Claude Gudimel (antara 1514 dan 1520-1572), penulis mazmur berdasarkan teks-teks alkitabiah dan paduan suara Protestan.

Lagu. Salah satu genre musik utama Renaisans Prancis adalah chanson (chanson Prancis - “lagu”). Asal-usulnya berasal dari kesenian rakyat (ayat-ayat berirama dari kisah-kisah epik diiringi musik), dalam seni penyanyi dan trouvères abad pertengahan. Dari segi isi dan suasana hati, chanson bisa sangat beragam - ada lagu cinta, lagu sehari-hari, lagu lucu, lagu satir, dll. Komposer mengambil puisi rakyat dan puisi modern sebagai teks.

Italia. Dengan munculnya Renaisans, musik sehari-hari yang dimainkan dengan berbagai instrumen menyebar di Italia; kalangan pecinta musik bermunculan. Di bidang profesional, muncul dua sekolah terkuat: Romawi dan Venesia.

Sajak pendek tentang cinta. Selama Renaisans, peran genre sekuler meningkat. Pada abad ke-14 madrigal muncul dalam musik Italia (dari bahasa Latin Kuno matricale - "lagu dalam bahasa ibu"). Itu dibentuk atas dasar lagu-lagu daerah (gembala). Madrigal adalah lagu dengan dua atau tiga suara, seringkali tanpa iringan instrumen. Mereka ditulis berdasarkan puisi oleh penyair Italia modern, yang berbicara tentang cinta; ada lagu-lagu tentang topik sehari-hari dan mitologi.

Selama abad ke-15, komposer hampir tidak beralih ke genre ini; minat terhadapnya baru dihidupkan kembali pada abad ke-16. Ciri khas madrigal abad ke-16 adalah hubungan erat antara musik dan puisi. Musiknya secara fleksibel mengikuti teks dan mencerminkan peristiwa yang dijelaskan dalam sumber puisi. Seiring waktu, simbol melodi yang unik berkembang, yang menunjukkan desahan lembut, air mata, dll. Dalam karya beberapa komposer, simbolisme bersifat filosofis, misalnya, dalam madrigal Gesualdo di Venosa “I Am Dying, Unfortunate” (1611).

Genre ini berkembang pada pergantian abad 16-17. Kadang-kadang, bersamaan dengan penampilan sebuah lagu, alur ceritanya dimainkan. Madrigal menjadi dasar komedi madrigal (komposisi paduan suara berdasarkan teks lakon komedi), yang mempersiapkan penampilan opera.

Sekolah polifonik Romawi. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Kepala sekolah Romawi adalah Giovanni Pierluigi da Palestrina, salah satu komposer terbesar zaman Renaisans. Ia lahir di kota Palestrina, Italia, dari mana ia menerima nama belakangnya. Sejak kecil, Palestrina bernyanyi di paduan suara gereja, dan setelah mencapai usia dewasa ia diundang ke posisi konduktor (pemimpin paduan suara) di Basilika Santo Petrus di Roma; kemudian dia bertugas di Kapel Sistina (kapel istana Paus).

Roma, pusat agama Katolik, menarik banyak musisi terkemuka. Pada waktu yang berbeda, ahli polifonis Belanda Guillaume Dufay dan Josquin Despres bekerja di sini. Teknik komposisi yang mereka kembangkan terkadang menyulitkan untuk memahami teks kebaktian: teks tersebut hilang di balik jalinan suara yang indah dan kata-kata, pada kenyataannya, tidak terdengar. Oleh karena itu, otoritas gereja mewaspadai karya-karya semacam itu dan menganjurkan kembalinya monofoni berdasarkan nyanyian Gregorian. Masalah diterimanya polifoni dalam musik gereja telah dibahas bahkan di Konsili Trente Gereja Katolik (1545-1563). Dekat dengan Paus, Palestrina meyakinkan para pemimpin Gereja tentang kemungkinan menciptakan karya yang teknik komposisinya tidak mengganggu pemahaman teks. Sebagai buktinya, ia menyusun "Misa Paus Marcello" (1555), yang menggabungkan polifoni kompleks dengan bunyi setiap kata yang jelas dan ekspresif. Dengan demikian, musisi “menyelamatkan” musik polifonik profesional dari penganiayaan oleh otoritas gereja. Pada tahun 1577, komposer diundang untuk membahas reformasi bertahap - kumpulan himne suci Gereja Katolik. Di tahun 80an Palestrina menerima perintah suci, dan pada tahun 1584 ia menjadi anggota Society of Masters of Music, sebuah asosiasi musisi yang melapor langsung kepada Paus.

Karya Palestrina dijiwai dengan sikap yang cemerlang. Karya-karya yang ia ciptakan memukau orang-orang sezamannya dengan keterampilan dan kuantitas tertinggi (lebih dari seratus massa, tiga ratus motet, seratus madrigal). Kompleksitas musik tidak pernah menjadi kendala dalam persepsinya. Komposer mampu menemukan jalan tengah antara kecanggihan komposisinya dan aksesibilitasnya kepada pendengar. Palestrina melihat tugas kreatif utamanya adalah mengembangkan sebuah karya besar yang koheren. Setiap suara dalam nyanyiannya berkembang secara mandiri, tetapi pada saat yang sama membentuk satu kesatuan dengan yang lain, dan seringkali suara-suara tersebut membentuk kombinasi akord yang mencolok. Seringkali melodi dari suara teratas tampak melayang di atas yang lain, membentuk “kubah” polifoni; Semua suara halus dan berkembang.

Musisi generasi berikutnya menganggap seni Giovanni da Palestrina patut dicontoh dan klasik. Banyak komposer terkemuka abad 19-8 belajar dari karya-karyanya.

Arah lain dari musik Renaisans dikaitkan dengan karya komposer sekolah Venesia, yang pendirinya adalah Adrian Willart (sekitar 1485-1562). Muridnya adalah organis dan komposer Andrea Gabrieli (antara 1500 dan 1520 - setelah 1586), komposer Cyprian de Pope (1515 atau 1516-1565) dan musisi lainnya. Sementara karya-karya Palestrina dicirikan oleh kejelasan dan pengekangan yang ketat, Willaert dan para pengikutnya mengembangkan gaya paduan suara yang subur. Untuk menghasilkan suara surround dan permainan warna nada, mereka menggunakan beberapa paduan suara dalam komposisinya, yang terletak di berbagai tempat di kuil. Penggunaan absensi antar paduan suara memungkinkan untuk mengisi ruang gereja dengan efek yang belum pernah terjadi sebelumnya. Pendekatan ini mencerminkan cita-cita humanistik pada zaman itu secara keseluruhan - dengan keceriaan, kebebasan, dan tradisi seni Venesia itu sendiri - dengan keinginannya akan segala sesuatu yang cerah dan tidak biasa. Dalam karya para empu Venesia, bahasa musiknya juga menjadi lebih kompleks: dipenuhi dengan kombinasi akord yang berani dan harmoni yang tak terduga.

Tokoh terkemuka Renaisans adalah Carlo Gesualdo di Venosa (sekitar tahun 1560-1613), pangeran kota Venosa, salah satu ahli madrigal sekuler terbesar. Ia mendapatkan ketenaran sebagai dermawan, pemain kecapi, dan komposer. Pangeran Gesualdo berteman dengan penyair Italia Torquato Tasso; Masih ada beberapa surat menarik yang berisi kedua seniman tersebut membahas masalah sastra, musik, dan seni rupa. Gesualdo di Venosa mengatur banyak puisi Tasso menjadi musik - begitulah sejumlah madrigal yang sangat artistik muncul. Sebagai perwakilan dari akhir Renaisans, komposer mengembangkan jenis madrigal baru, di mana perasaan - penuh badai dan tidak dapat diprediksi - didahulukan. Oleh karena itu, karya-karyanya ditandai dengan perubahan volume, intonasi mirip desahan bahkan isak tangis, akord yang terdengar tajam, dan perubahan tempo yang kontras. Teknik-teknik ini memberi musik Gesualdo karakter yang ekspresif dan agak aneh; membuat kagum sekaligus menarik perhatian orang-orang sezamannya. Warisan Gesualdo di Venosa terdiri dari tujuh koleksi madrigal polifonik; Di antara karya spiritual adalah "Himne Suci". Musiknya bahkan hingga saat ini tidak membuat pendengarnya acuh tak acuh.

Perkembangan genre dan bentuk musik instrumental. Musik instrumental juga ditandai dengan munculnya genre-genre baru, terutama konser instrumental. Biola, harpsichord, dan organ berangsur-angsur berubah menjadi instrumen solo. Musik yang ditulis untuk mereka memberikan kesempatan untuk menunjukkan bakat tidak hanya komposer, tetapi juga pemainnya. Yang paling dihargai adalah keahlian (kemampuan mengatasi kesulitan teknis), yang lambat laun menjadi tujuan tersendiri dan menjadi nilai artistik bagi banyak musisi. Para komposer abad 17-18 biasanya tidak hanya menggubah musik, tetapi juga mahir memainkan alat musik dan terlibat dalam kegiatan pengajaran. Kesejahteraan artis sangat bergantung pada pelanggan tertentu. Biasanya, setiap musisi yang serius berusaha mendapatkan tempat di istana raja atau bangsawan kaya (banyak anggota bangsawan memiliki orkestra atau gedung opera sendiri) atau di kuil. Selain itu, sebagian besar komposer dengan mudah menggabungkan musik gereja dengan pelayanan kepada pelindung sekuler.

Inggris. Kehidupan budaya Inggris pada masa Renaisans erat kaitannya dengan Reformasi. Pada abad ke-16, Protestantisme menyebar di negara tersebut. Gereja Katolik kehilangan posisi dominannya, Gereja Anglikan menjadi gereja negara, yang menolak mengakui beberapa dogma (ketentuan fundamental) agama Katolik; Sebagian besar biara tidak ada lagi. Peristiwa ini mempengaruhi budaya Inggris, termasuk musik. Departemen musik dibuka di universitas Oxford dan Cambridge. Instrumen keyboard dimainkan di salon-salon bangsawan: virginel (sejenis harpsichord), organ portabel (kecil), dll. Komposisi kecil yang ditujukan untuk pemutaran musik rumahan sangat populer. Perwakilan paling menonjol dari budaya musik pada masa itu adalah William Bird (1543 atau 1544-1623), seorang penerbit lembaran musik, organis dan komposer. Bird menjadi pendiri madrigal Inggris. Karya-karyanya dibedakan oleh kesederhanaan (ia menghindari teknik polifonik yang rumit), orisinalitas bentuk yang mengikuti teks, dan kebebasan harmonis. Semua sarana musik dirancang untuk menegaskan keindahan dan kegembiraan hidup, berbeda dengan kekerasan dan pengekangan abad pertengahan. Komposer mempunyai banyak pengikut dalam genre madrigal.

Bird juga menciptakan karya spiritual (misa, mazmur) dan musik instrumental. Dalam gubahannya untuk perawan, ia menggunakan motif lagu dan tarian daerah.

Sang komposer sangat ingin musik yang ia tulis “dengan senang hati membawa setidaknya sedikit kelembutan, relaksasi dan hiburan,” seperti yang ditulis William Byrd dalam kata pengantar salah satu koleksi musiknya.

Jerman. Hubungan antara budaya musik Jerman dan gerakan Reformasi. Pada abad ke-16, Reformasi dimulai di Jerman, yang secara signifikan mengubah kehidupan keagamaan dan budaya negara tersebut. Para pemimpin Reformasi yakin akan perlunya perubahan konten musik ibadah. Hal ini disebabkan oleh dua alasan. Pada pertengahan abad ke-15. Keterampilan polifonik para komposer yang bekerja dalam genre musik gereja mencapai kompleksitas dan kecanggihan yang luar biasa. Kadang-kadang diciptakan karya-karya yang, karena kekayaan melodi dan nyanyian yang panjang, tidak dapat dirasakan dan dialami secara spiritual oleh sebagian besar umat paroki. Selain itu, kebaktian dilakukan dalam bahasa Latin, yang dapat dimengerti oleh orang Italia, tetapi asing bagi orang Jerman.

Pendiri gerakan Reformasi, Martin Luther (1483-1546), meyakini perlunya reformasi musik gereja. Musik, pertama, harus mendorong partisipasi umat paroki yang lebih aktif dalam ibadah (hal ini tidak mungkin dilakukan ketika menampilkan komposisi polifonik), dan kedua, membangkitkan empati terhadap peristiwa-peristiwa alkitabiah (yang terhambat oleh penyelenggaraan kebaktian dalam bahasa Latin). Oleh karena itu, persyaratan berikut dikenakan pada nyanyian gereja: kesederhanaan dan kejelasan melodi, ritme yang merata, bentuk nyanyian yang jelas. Atas dasar ini, paduan suara Protestan muncul - genre utama musik gereja Renaisans Jerman. Pada tahun 1522, Luther menerjemahkan Perjanjian Baru ke dalam bahasa Jerman - mulai sekarang dimungkinkan untuk melakukan kebaktian dalam bahasa asli.

Luther sendiri, serta temannya, ahli teori musik Jerman Johann Walter (1490-1570), berperan aktif dalam pemilihan melodi untuk paduan suara. Sumber utama melodi semacam itu adalah lagu-lagu rohani dan sekuler rakyat - yang dikenal luas dan mudah dipahami. Luther sendiri yang menyusun melodi untuk beberapa paduan suara. Salah satunya, “Tuhan adalah penopang kami,” menjadi simbol Reformasi selama perang agama di abad ke-16.

Meistersingers dan seni mereka. Halaman cerah lainnya dari musik Renaisans Jerman dikaitkan dengan karya Meistersinger (Meistersinger Jerman - "penyanyi ulung") - penyair-penyanyi dari kalangan pengrajin. Mereka bukanlah musisi profesional, tetapi pertama-tama pengrajin - pembuat senjata, penjahit, tukang kaca, pembuat sepatu, pembuat roti, dll. Persatuan musisi kota tersebut mencakup perwakilan dari berbagai kerajinan. Pada abad ke-16, asosiasi Mastersingers ada di banyak kota di Jerman.

Para Mastersingers menyusun lagu mereka sesuai dengan aturan yang ketat; inisiatif kreatif dibatasi oleh banyak batasan. Pemula harus menguasai aturan-aturan ini terlebih dahulu, kemudian belajar membawakan lagu, kemudian mengarang lirik melodi orang lain, dan baru setelah itu ia dapat membuat lagunya sendiri. Lagu-lagu Meistersingers dan Minnesingers yang terkenal dianggap sebagai melodi sampel.

Mastersinger Luar Biasa abad ke-16. Hans Sachs (1494-1576) berasal dari keluarga penjahit, namun di masa mudanya ia meninggalkan rumah orang tuanya dan pergi berkeliling Jerman. Selama perjalanannya, pemuda tersebut mempelajari kerajinan pembuat sepatu, tetapi yang terpenting, ia berkenalan dengan kesenian rakyat. Sachs berpendidikan tinggi, mengetahui sastra kuno dan abad pertengahan dengan sangat baik, dan membaca Alkitab dalam terjemahan bahasa Jerman. Ia sangat terilhami oleh ide-ide Reformasi, sehingga ia menulis tidak hanya lagu-lagu sekuler, tetapi juga lagu-lagu rohani (total sekitar enam ribu lagu). Hans Sachs juga menjadi terkenal sebagai penulis drama (lihat artikel “Seni Teater Renaisans”).

Alat musik Renaisans. Selama Renaisans, komposisi alat musik berkembang secara signifikan; varietas baru ditambahkan ke senar dan alat musik tiup yang sudah ada. Di antara mereka, tempat khusus ditempati oleh biola - keluarga senar busur yang memukau dengan keindahan dan kemuliaan suaranya. Bentuknya menyerupai instrumen keluarga biola modern (biola, viola, cello) dan bahkan dianggap sebagai pendahulu langsungnya (mereka hidup berdampingan dalam praktik musik hingga pertengahan abad ke-18). Namun, masih ada perbedaan dan perbedaan yang signifikan. Viol memiliki sistem string yang beresonansi; biasanya, jumlahnya sama banyaknya dengan yang utama (enam hingga tujuh). Getaran senar yang beresonansi membuat suara biola lembut dan lembut, tetapi instrumen ini sulit digunakan dalam orkestra, karena banyaknya senar yang cepat menjadi tidak selaras.

Sejak lama, suara biola dianggap sebagai model kecanggihan dalam musik. Ada tiga tipe utama dalam keluarga viola. Viola da gamba adalah instrumen besar yang pemainnya letakkan secara vertikal dan ditekan dari samping dengan kakinya (kata Italia gamba berarti “lutut”). Dua varietas lainnya - viola da braccio (dari bahasa Italia braccio - "lengan bawah") dan viol d'amour (bahasa Prancis viole d'amour - "viola cinta") diorientasikan secara horizontal, dan ketika dimainkan, ditekan ke bahu. Viola da gamba memiliki jangkauan suara yang dekat dengan cello, viola da braccio dekat dengan biola, dan viol d'amour dekat dengan viola.

Di antara instrumen Renaisans yang dipetik, tempat utama ditempati oleh kecapi (lutnia Polandia, dari bahasa Arab "alud" - "pohon"). Alat musik ini datang ke Eropa dari Timur Tengah pada akhir abad ke-14, dan pada awal abad ke-16 terdapat banyak sekali repertoar untuk instrumen ini; Pertama-tama, lagu dinyanyikan dengan iringan kecapi. Kecapi memiliki tubuh yang pendek; bagian atasnya datar, dan bagian bawahnya menyerupai belahan bumi. Sebuah leher dipasang pada leher lebar, dipisahkan oleh fret, dan kepala instrumen ditekuk ke belakang hampir tegak lurus. Jika mau, Anda bisa melihat kemiripannya dengan mangkuk pada tampilan kecapi. Dua belas senar dikelompokkan berpasangan, dan suara dihasilkan baik dengan jari maupun dengan pelat khusus - mediator.

Pada abad 15-16, berbagai jenis keyboard bermunculan. Jenis utama instrumen tersebut - harpsichord, clavichord, cymbal, virginel - secara aktif digunakan dalam musik Renaisans, tetapi perkembangannya yang sebenarnya terjadi kemudian.

Musik Renaisans, seperti seni rupa dan sastra, kembali ke nilai-nilai budaya kuno. Dia tidak hanya enak didengar, tetapi juga memberikan dampak spiritual dan emosional pada pendengarnya.

Kebangkitan seni dan ilmu pengetahuan pada abad XIV-XVI. adalah era perubahan besar, menandai transisi dari cara hidup abad pertengahan ke modernitas. Menulis dan menampilkan musik memperoleh arti khusus selama periode ini. Kaum humanis yang mempelajari kebudayaan kuno Yunani dan Roma menyatakan mengarang musik sebagai kegiatan yang bermanfaat dan mulia. Diyakini bahwa setiap anak harus belajar menyanyi dan menguasai permainan alat musik. Oleh karena itu, keluarga-keluarga terkemuka menyambut para musisi di rumah mereka untuk memberikan pelajaran kepada anak-anak mereka dan menjamu tamu.

Alat populer. Pada abad ke-16 alat musik baru muncul. Yang paling populer adalah yang mudah dan sederhana untuk dimainkan oleh pecinta musik, tanpa memerlukan keahlian khusus. Yang paling umum adalah biola dan bunga petik terkait. Viola adalah cikal bakal biola, dan mudah dimainkan berkat fret (strip kayu di leher) yang membantu Anda mencapai nada yang tepat. Suara biolanya pelan, tapi terdengar bagus di aula kecil. Diiringi instrumen petik fret lainnya - kecapi - mereka bernyanyi, seperti yang mereka lakukan sekarang dengan gitar.

Saat itu, banyak orang yang suka memainkan alat perekam, seruling, dan terompet. Musik paling rumit ditulis untuk yang baru dibuat - harpsichord, virginel (harpsichord Inggris, dibedakan dari ukurannya yang kecil) dan organ. Pada saat yang sama, para musisi tidak lupa menciptakan musik yang lebih sederhana dan tidak memerlukan keterampilan pertunjukan yang tinggi. Pada saat yang sama, perubahan terjadi dalam penulisan musik: balok kayu yang berat digantikan oleh jenis logam bergerak yang ditemukan oleh Ottaviano Petrucci dari Italia. Karya musik yang diterbitkan dengan cepat terjual habis, dan semakin banyak orang mulai terlibat dalam musik.

Arah musik.

Instrumen baru, pencetakan musik, dan popularitas musik yang meluas berkontribusi pada perkembangan musik kamar. Sesuai dengan namanya, ini dimaksudkan untuk dimainkan di aula kecil di depan sedikit penonton. Ada beberapa penampil yang didominasi penampilan vokal, karena seni menyanyi pada waktu itu jauh lebih berkembang daripada seni musik. Selain itu, para humanis berpendapat bahwa pendengar paling dipengaruhi oleh “perpaduan indah” dari dua seni - musik dan puisi. Jadi, di Prancis, chanson (lagu multi-suara) muncul sebagai sebuah genre, dan di Italia, madrigal.

Chanson dan madrigal.

Chanson pada tahun-tahun itu dibawakan dalam beberapa suara hingga puisi-puisi menyentuh dengan tematik yang beragam - dari tema cinta yang luhur hingga kehidupan pedesaan sehari-hari. Komposer menyusun melodi yang sangat sederhana untuk puisi. Selanjutnya, dari tradisi ini lahirlah madrigal - sebuah karya untuk 4 atau 5 suara dengan tema puisi bebas.

Belakangan, pada abad ke-16, para komposer sampai pada kesimpulan bahwa madrigal tidak memiliki kedalaman dan kekuatan suara yang selalu diperjuangkan Yunani Kuno dan Roma, dan mulai menghidupkan kembali meteran musik kuno. Pada saat yang sama, perubahan tajam dalam tempo cepat dan halus mencerminkan perubahan suasana hati dan keadaan emosi.

Dengan demikian, musik mulai “melukiskan kata-kata” dan mencerminkan perasaan. Misalnya, nada menaik dapat berarti puncak (emosi), nada menurun dapat berarti lembah (lembah kesedihan), tempo yang lambat dapat berarti kesedihan, tempo yang lebih cepat dan melodi harmonis yang enak didengar dapat berarti kebahagiaan, dan nada disonansi yang panjang dan tajam yang disengaja dapat berarti kesedihan dan penderitaan. Pada zaman dahulu harmoni dan koherensi musik berlaku. Sekarang didasarkan pada polifoni dan kontras, yang mencerminkan kekayaan dunia batin manusia. Musiknya menjadi lebih dalam, memperoleh karakter pribadi.

Iringan musik.

Perayaan dan perayaan adalah ciri khas Renaisans. Orang-orang pada masa itu merayakan segala sesuatu mulai dari hari-hari suci hingga datangnya musim panas. Selama prosesi jalanan, musisi dan penyanyi membaca balada dari panggung beroda yang didekorasi dengan mewah, menampilkan madrigal yang rumit, dan menampilkan pertunjukan dramatis. Publik sangat menantikan “gambar hidup” dengan iringan musik dan dekorasi dalam bentuk awan mekanis, tempat turunnya dewa yang digambarkan dalam naskah.

Pada saat yang sama, musik paling agung diciptakan untuk gereja. Dengan standar saat ini, paduan suara tidak terlalu besar - dari 20 hingga 30 orang, tetapi suara mereka diperkuat oleh suara trombon dan terompet-kornet yang dimasukkan ke dalam orkestra, dan pada hari libur besar (misalnya, Natal) penyanyi dikumpulkan dari seluruh area menjadi satu paduan suara besar. Hanya Gereja Katolik yang percaya bahwa musik harus sederhana dan mudah dipahami, dan oleh karena itu menggunakan musik suci Giovanni Palestrina, yang menulis karya pendek tentang teks spiritual, sebagai contoh. Perlu dicatat bahwa kemudian sang maestro sendiri berada di bawah pengaruh musik “baru” yang ekspresif dan kuat dan mulai menulis karya-karya monumental dan penuh warna yang membutuhkan keterampilan menyanyi paduan suara yang tinggi.

Pada masa Renaisans, musik instrumental berkembang secara luas. Di antara alat musik utama adalah kecapi, harpa, seruling, obo, terompet, berbagai jenis organ (positif, portabel), jenis harpsichord; Biola merupakan salah satu alat musik rakyat, namun dengan berkembangnya alat musik gesek baru seperti biola, biola menjadi salah satu alat musik unggulan.

Jika mentalitas era baru pertama kali terbangun dalam puisi dan mendapat perkembangan cemerlang dalam arsitektur dan seni lukis, maka musik, dimulai dengan lagu daerah, merambah ke seluruh bidang kehidupan. Bahkan musik gereja kini lebih dipersepsikan, seperti lukisan karya seniman bertema alkitabiah, bukan sebagai sesuatu yang sakral, melainkan sesuatu yang mendatangkan kegembiraan dan kesenangan, yang menjadi perhatian para komposer, pemusik, dan paduan suara itu sendiri.

Singkat kata, seperti dalam puisi, seni lukis, arsitektur, terjadi titik balik dalam perkembangan musik, dengan berkembangnya estetika dan teori musik, dengan terciptanya genre-genre baru, terutama bentuk-bentuk seni sintetik, seperti opera dan balet, yang seharusnya dianggap sebagai Renaisans, telah diturunkan selama berabad-abad.

Musik Belanda abad 15 - 16 kaya akan nama-nama komponis besar, di antaranya Josquin Despres (1440 - 1524), yang ditulis oleh Zarlino dan bertugas di istana Prancis, tempat berkembangnya aliran Perancis-Flemish. Dipercayai bahwa pencapaian tertinggi musisi Belanda adalah misa paduan suara a capella, sesuai dengan peningkatan katedral Gotik.

Seni organ berkembang di Jerman. Di Prancis, kapel didirikan di istana dan festival musik diselenggarakan. Pada tahun 1581, Henry III menetapkan posisi "Chief Intendant of Music" di istana. "Pemimpin musik" pertama adalah pemain biola Italia Baltazarini de Belgioso, yang mementaskan "The Queen's Comedy Ballet", sebuah pertunjukan di mana musik dan tarian disajikan sebagai aksi panggung untuk pertama kalinya. Beginilah asal mula balet istana.

Clément Janequin (c. 1475 - c. 1560), seorang komposer terkemuka Renaisans Prancis, adalah salah satu pencipta genre lagu polifonik. Ini adalah karya 4-5 suara, seperti lagu fantasi. Lagu polifonik sekuler - chanson - tersebar luas di luar Prancis.

Pada abad ke-16, pencetakan musik pertama kali tersebar luas. Pada tahun 1516, Andrea Antico, seorang pencetak Romawi-Venesia, menerbitkan koleksi frottolas untuk instrumen keyboard. Italia menjadi pusat penciptaan harpsichord dan biola. Banyak bengkel pembuatan biola yang dibuka. Salah satu master pertama adalah Andrea Amati yang terkenal dari Cremona, yang meletakkan dasar bagi dinasti pembuat biola. Dia membuat perubahan signifikan pada desain biola yang ada, yang meningkatkan suara dan mendekatkannya ke tampilan modern.

Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - seorang lutenis dan komposer Renaisans Italia yang luar biasa, menciptakan reputasi Italia sebagai negara musisi virtuoso. Dia masih dianggap sebagai lutenis terbaik sepanjang masa. Setelah kemunduran pada akhir Abad Pertengahan, musik menjadi elemen penting dalam kebudayaan.

Pada tahun 1537, konservatori musik pertama, Santa Maria di Loreto, dibangun di Naples oleh pendeta Spanyol Giovanni Tapia, yang menjadi model untuk konservatori berikutnya.

Adrian Willaert (c.1490-1562) - Komposer dan guru Belanda, bekerja di Italia, perwakilan sekolah polifonik Perancis-Flemish (Belanda), pendiri sekolah Venesia. Willaert mengembangkan musik untuk paduan suara ganda, sebuah tradisi musik multichoral yang mencapai puncaknya pada awal era Barok dalam karya Giovanni Gabrieli.

Selama Renaisans, madrigal mencapai puncak perkembangannya dan menjadi genre musik paling populer pada masa itu. Berbeda dengan madrigal Trecento yang lebih awal dan lebih sederhana, madrigal Renaisans ditulis untuk beberapa (4-6) suara, sering kali oleh orang asing yang bertugas di istana keluarga berpengaruh di utara. Para madrigalis berusaha menciptakan seni tingkat tinggi, sering kali menggunakan puisi yang dikerjakan ulang oleh penyair besar Italia di akhir Abad Pertengahan: Francesco Petrarch, Giovanni Boccaccio, dan lainnya. Ciri paling khas dari madrigal adalah tidak adanya kanon struktural yang ketat; prinsip utamanya adalah kebebasan berekspresi pikiran dan perasaan.

Komposer seperti perwakilan sekolah Venesia Cipriano de Rore dan perwakilan sekolah Prancis-Flemish Roland de Lassus (Orlando di Lasso selama kehidupan kreatifnya di Italia) bereksperimen dengan peningkatan kromatisme, harmoni, ritme, tekstur, dan cara ekspresi musik lainnya . Pengalaman mereka akan berlanjut dan mencapai puncaknya pada zaman Mannerist Carlo Gesualdo.

Bentuk lagu polifonik penting lainnya adalah villanelle. Berasal dari lagu-lagu populer di Naples, lagu ini dengan cepat menyebar ke seluruh Italia dan kemudian menyebar ke Prancis, Inggris, dan Jerman. Penjahat Italia abad ke-16 memberikan dorongan yang kuat pada pengembangan langkah-langkah akord dan, sebagai konsekuensinya, nada suara yang harmonis.

Kelahiran opera (Florentine camerata).

Akhir Renaisans ditandai dengan peristiwa terpenting dalam sejarah musik - kelahiran opera.

Sekelompok humanis, musisi, dan penyair berkumpul di Florence di bawah perlindungan pemimpin mereka, Count Giovanni De Bardi (1534 - 1612). Kelompok ini disebut "camerata", anggota utamanya adalah Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (ayah dari astronom Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri dan Ottavio Rinuccini di masa mudanya.

Pertemuan kelompok pertama yang terdokumentasi terjadi pada tahun 1573, dan tahun-tahun paling aktif Florentine Camerata adalah tahun 1577 - 1582.

Mereka percaya bahwa musik telah "menjadi buruk" dan berusaha untuk kembali ke bentuk dan gaya Yunani kuno, percaya bahwa seni musik dapat ditingkatkan dan masyarakat pun akan meningkat. Camerata mengkritik musik yang ada karena penggunaan polifoni yang berlebihan dengan mengorbankan kejelasan teks dan hilangnya komponen puitis dari karya tersebut, dan mengusulkan penciptaan gaya musik baru di mana teks dalam gaya monodik diiringi dengan musik instrumental. Eksperimen mereka mengarah pada penciptaan bentuk musik vokal baru - resitatif, pertama kali digunakan oleh Emilio de Cavalieri, yang kemudian berhubungan langsung dengan perkembangan opera.

Opera pertama yang diakui secara resmi dan memenuhi standar modern adalah Daphne, pertama kali dipentaskan pada tahun 1598. Penulis Daphne adalah Jacopo Peri dan Jacopo Corsi, libretto oleh Ottavio Rinuccini. Opera ini tidak bertahan. Opera pertama yang bertahan adalah Euridice (1600) oleh penulis yang sama - Jacopo Peri dan Ottavio Rinuccini. Persatuan kreatif ini juga melahirkan banyak karya yang sebagian besar hilang.

kebangkitan utara.

Musik Renaisans Utara juga menarik. Pada abad ke-16 Ada cerita rakyat yang kaya, terutama yang vokal. Musik terdengar di mana-mana di Jerman: di festival, di gereja, di acara sosial, dan di kamp militer. Perang Tani dan Reformasi menyebabkan kebangkitan baru kreativitas lagu daerah. Ada banyak himne Lutheran ekspresif yang pengarangnya tidak diketahui. Nyanyian paduan suara menjadi bentuk integral dari ibadah Lutheran. Paduan suara Protestan mempengaruhi perkembangan musik Eropa selanjutnya.

Keanekaragaman bentuk musik di Jerman pada abad ke-16. Sungguh menakjubkan: balet dan opera dipentaskan di Maslenitsa. Tidak mungkin untuk tidak menyebut nama-nama seperti K. Paumann, P. Hofheimer. Mereka adalah komposer yang menggubah musik sekuler dan gereja, terutama untuk organ. Mereka bergabung dengan komposer Perancis-Flemish yang luar biasa, perwakilan dari sekolah Belanda O. Lasso. Dia bekerja di banyak negara Eropa. Ia merangkum dan secara inovatif mengembangkan pencapaian berbagai sekolah musik Eropa pada zaman Renaisans. Master musik paduan suara religius dan sekuler (lebih dari 2000 komposisi).

Namun revolusi sesungguhnya dalam musik Jerman dicapai oleh Heinrich Schütz (1585-1672), komposer, bandmaster, organis, guru. Pendiri sekolah komposisi nasional, pendahulu I.S. Bach. Schütz menulis opera Jerman pertama “Daphne” (1627), opera-balet “Orpheus and Eurydice” (1638); madrigal, karya kantata-oratorio spiritual (“gairah”, konserto, motet, mazmur, dll.).

1. Tren umum perkembangan seni musik pada masa Renaisans
2. Pendidikan musik pada masa Renaisans
3. Teori musik Renaisans. Risalah tentang musik.

• Proyek butik

1. Kecenderungan umum perkembangan seni musikselama Renaisans

abad XIV-XVII di Eropa Barat menjadi masa perubahan sosial yang besar. Kali ini tercatat dalam sejarah budaya dengan nama Renaisans. Periode ini mendapat namanya sehubungan dengan kebangkitan minat terhadap seni kuno, yang menjadi cita-cita bagi tokoh budaya zaman modern. Komposer dan ahli teori musik (J. Tinctoris, G. Tzarlino, Glarean, dan lainnya) mempelajari risalah musik Yunani kuno; dalam karya Josquin Despres, menurut orang-orang sezamannya, “kesempurnaan musik Yunani kuno yang hilang dihidupkan kembali”; muncul pada akhir abad ke-16 dan awal abad ke-17. opera dipandu oleh hukum drama kuno.

Perkembangan budaya Renaisans dikaitkan dengan kebangkitan seluruh aspek masyarakat. Pandangan dunia baru telah lahir - humanisme (dari bahasa Latin humanus - "manusiawi"). Emansipasi kekuatan kreatif menyebabkan pesatnya perkembangan ilmu pengetahuan, perdagangan, kerajinan, dan hubungan kapitalis baru mulai terbentuk dalam perekonomian. Penemuan percetakan berkontribusi pada penyebaran pendidikan. Penemuan geografis yang hebat dan sistem heliosentris dunia N. Copernicus mengubah gagasan tentang Bumi dan Alam Semesta.

Selama Renaisans, seni, termasuk musik, menikmati otoritas publik yang sangat besar dan tersebar luas. Pada masa Renaisans, hampir semua jenis seni mencapai kemakmuran yang luar biasa. Renaisans memiliki batasan kronologis yang tidak merata di berbagai negara Eropa. Di Italia dimulai pada abad ke-14, di Belanda dimulai pada abad ke-15, dan di Prancis, Jerman, dan Inggris tanda-tandanya paling jelas terlihat pada abad ke-16. Pada saat yang sama, berkembangnya koneksi antar berbagai sekolah kreatif, pertukaran pengalaman antar musisi yang berpindah dari satu negara ke negara lain, bekerja di kapel yang berbeda, menjadi penanda zaman dan memungkinkan kita berbicara tentang tren yang umum terjadi di seluruh era. .

Gagasan kebangkitan cita-cita kuno humanisme dan hilangnya posisi gereja menyebar ke seluruh kehidupan budaya, yang secara signifikan mempengaruhi pendidikan musik. Meningkatnya minat terhadap ilmu pengetahuan menyebabkan meluasnya pendidikan di berbagai bidang. Jika pada Abad Pertengahan tradisi keagamaan berlaku, hampir sepenuhnya menindas tradisi sekuler (yang sebagian besar ada dalam bentuk budaya penyanyi), dan melarang budaya rakyat, maka pada zaman Renaisans, musik gereja dan cabang agama dari pendidikan musik, sementara terus berfungsi, kehilangan posisinya. Cabang sekuler dalam pembuatan musik dan pendidikan musik semakin meningkat karakternya. Budaya sekuler dalam pembuatan musik, pada gilirannya, memiliki ikatan yang erat dengan budaya rakyat. Jadi, misalnya, penyanyi yang menggabungkan tradisi folk dan sekuler dalam karya mereka, sering kali mulai tetap berada di kalangan bangsawan tertinggi selama Renaisans; karya mereka menjadi dasar bagi perkembangan pembuatan musik sekuler. Selama masa Renaisans, musik tidak hanya memiliki fungsi hedonistik, meskipun musik juga penting dalam pembuatan musik sekuler. Tujuan pendidikan musik, seperti halnya pengetahuan seni lainnya, dikemukakan, seperti di era Purbakala, untuk peningkatan moral manusia. Awal mula pencetakan musik dan berkembangnya pembuatan musik amatir dimulai pada masa ini. Pada saat ini juga, proses memikirkan kembali status sosial musik dimulai. Gaya dan genre musik mulai berbeda-beda tergantung pada tujuan sosialnya. Musik “rakyat” dan musik “ilmiah” muncul, untuk “amatir yang tidak berpengalaman” dan untuk “telinga yang halus”, untuk “senior dan pangeran.” Kecenderungan elitisme dalam pendidikan musik terlihat jelas. Pada tahun 1528, risalah terkenal "The Courtier" oleh B. Castiglione ditulis - semacam kode perilaku masyarakat kelas atas. Hal ini menunjukkan bahwa penguasaan menyanyi dan alat musik berfungsi sebagai tanda kecanggihan spiritual dan pendidikan yang benar-benar sekuler. Meningkatnya peran pendidikan musik tradisi sekuler menyebabkan perubahan jenisnya. Jika tradisi gereja terutama mengandalkan nyanyian paduan suara, maka tradisi sekuler dicirikan oleh minat terhadap alat musik. Nyanyian tidak digantikan, tetapi mengambil berbagai bentuk, termasuk pembuatan musik solo vokal sekuler dan ansambel. Selama Renaisans, nyanyian bersuara tunggal digantikan oleh nyanyian polifonik, paduan suara ganda dan rangkap tiga muncul, penulisan polifonik dengan gaya yang ketat mencapai puncaknya, dan pembagian paduan suara menjadi empat bagian paduan suara utama menjadi mapan: sopran, altos, tenor , bass. Selain musik yang ditujukan untuk nyanyian paduan suara di gereja, musik paduan suara sekuler (motets, balada, madrigal, chansons) juga menegaskan haknya.

Proses belajar memainkan alat musik yang terpisah dari musik vokal berlangsung dengan cepat dan cepat. Pembuatan musik instrumental telah memperoleh kemandirian sebagai bidang asli aktivitas manusia. Alat musik utama antara lain kecapi, harpa, seruling, obo, terompet, berbagai jenis organ (positif, portabel), dan jenis harpsichord. Biola merupakan salah satu alat musik rakyat, namun dengan berkembangnya alat musik gesek baru seperti biola, biola menjadi salah satu alat musik unggulan. Jenis viola lainnya, viola da gamba, menjadi cello. Pembelajaran memainkan alat musik, yang dimulai di Eropa Barat pada abad ke-14 dan berlanjut tidak hanya sepanjang Renaisans, tetapi juga pada periode-periode berikutnya, merupakan ekspresi kebutuhan spiritual masyarakat, yang tidak lagi dapat dipenuhi oleh musik gereja. (situs web) Secara umum, kita dapat mengidentifikasi ciri-ciri budaya musik Renaisans berikut ini: pesatnya perkembangan musik sekuler (penyebaran luas genre sekuler: madrigal, frottoles, villanelles, “chansons” Prancis, polifonik Inggris dan Jerman lagu), serangan gencarnya terhadap budaya musik gereja lama, yang ada sejajar dengan budaya sekuler;

Tren realistis dalam musik: plot baru, gambar yang sesuai dengan pandangan humanistik dan, sebagai hasilnya, sarana ekspresi musik baru;

Melodi rakyat sebagai awal utama sebuah karya musik. Lagu daerah digunakan sebagai cantus firmus (melodi utama yang tidak berubah dalam tenor dalam karya polifonik) dan dalam musik polifonik (termasuk musik gereja). Melodi menjadi lebih halus, luwes, merdu, dan merupakan ekspresi langsung dari pengalaman manusia;

Perkembangan musik polifonik yang kuat dan “gaya ketat” (jika tidak, “polifoni vokal klasik”, karena berfokus pada penampilan vokal dan paduan suara). Gaya yang ketat melibatkan kepatuhan wajib terhadap aturan yang ditetapkan. Para ahli gaya ketat menguasai teknik tandingan, imitasi, dan kanon. Penulisan yang ketat didasarkan pada sistem rezim gereja diatonis. Harmoni mendominasi; penggunaan disonansi sangat dibatasi oleh aturan khusus. Mode mayor dan minor serta sistem jam dijumlahkan. Basis tematiknya adalah nyanyian Gregorian, tetapi melodi sekuler juga digunakan. Fokusnya terutama pada polifoni D. Palestrina dan O. Lasso;

Pembentukan musisi tipe baru - seorang profesional yang telah menerima pendidikan musik khusus yang komprehensif. Konsep “komposer” muncul untuk pertama kalinya;

Pembentukan sekolah musik nasional (Inggris, Belanda, Italia, Jerman, dll);

Penampilan pemain pertama pada kecapi, biola, biola, harpsichord, organ; berkembangnya pembuatan musik amatir;

Munculnya percetakan musik.

2.Pendidikan musik pada masa Renaisans

Renaisans menandai peralihan dari Abad Pertengahan ke Zaman Baru, dan yang terpenting, menuju budaya masyarakat borjuis awal, yang berasal dari kota-kota Italia dan kemudian berkembang di kota-kota di negara-negara Eropa lainnya. Budaya Renaisans bersifat humanistik dan menegaskan cita-cita kepribadian manusia yang berkembang secara harmonis. Renaisans mengakhiri asketisme Abad Pertengahan, mengadopsi pencapaian budaya Zaman Kuno, mengisinya dengan makna baru.

Di Zaman Kuno, seni digunakan terutama untuk tujuan pendidikan. Musik, karena orientasi moralnya, dianggap sebagai sarana dan tujuan penting pendidikan masyarakat, dan musikalitas seseorang dianggap sebagai kualitas individu yang bernilai sosial dan menentukan. Pendidikan seni pada waktu itu dianggap sebagai dasar pendidikan pada umumnya. Sinonim dari istilah “musik” adalah istilah “berpendidikan”. Musik, sastra, tata bahasa, menggambar, dan senam merupakan muatan utama pendidikan, yang dirancang untuk mengembangkan penerimaan jiwa, moralitas aspirasi dan perasaan, serta kekuatan dan keindahan tubuh. Pendidikan sosial di kalangan orang Yunani tidak dapat dipisahkan dari pendidikan estetika yang berbasis musik. Mereka memahami musik sebagai sarana universal dan prioritas pendidikan masyarakat dan tujuannya (Spartan, Pythagoras, Plato, Aristoteles). Dengan demikian, Pythagoras menganggap kosmos sebagai “musikal”, sama seperti keadaan yang “secara musikal” (yaitu, secara harmonis) diatur dan disubordinasikan pada mode “benar”. Dan karena musik mencerminkan harmoni, tujuan tertinggi seseorang adalah tugas menjadikan tubuh dan jiwanya bermusik. Kultus harmoni, keindahan fisik dan spiritual, kekuatan, kesehatan, persepsi sensorik kehidupan menjadi kanon seni selama Renaisans. Hal ini sangat penting bagi perkembangan bentuk-bentuk pendidikan estetika. Cita-cita zaman ini adalah seniman terpelajar serba bisa - kepribadian kreatif yang terbebaskan, sangat berbakat, berjuang untuk membangun keindahan dan harmoni di dunia sekitarnya. Misalnya, di sekolah Mantuan di Vittorino de Feltre, kaum muda belajar merasakan harmoni musik; Dalam pendidikan, kemampuan menyanyi sangat penting. Pendiri sekolah percaya bahwa musik mengembangkan rasa waktu, dan percaya bahwa pendidikan terutama terdiri dari pengembangan kepekaan dan persepsi, dan oleh karena itu unsur estetika memainkan peran besar dalam metode pendidikannya.

Ide-ide baru tercermin dalam sejumlah risalah tentang pendidikan yang masing-masing tentunya memuat makna dan peran seni dalam pendidikan. Diantaranya adalah “Tentang Akhlak Mulia dan Ilmu Pengetahuan Bebas” oleh Paulo Vergerio, “Tentang Pendidikan Anak dan Akhlak Baik Mereka” oleh Mateo Veggio, “Tentang Tatanan Pengajaran dan Pembelajaran” oleh Battisto Guarino, “Risalah tentang Pendidikan Gratis” oleh Eneo Silvio Piccolomini dan lainnya. Di kalangan masyarakat kelas atas, selain membaca dan menulis, etika sekuler menuntut kemampuan memainkan beberapa alat musik dan berbicara 5 - 6 bahasa. Dari risalah Baldasare Castiglione “On the Courtier” (abad XVI) yang telah disebutkan di atas, kita dapat mengetahui persyaratan apa saja yang dikenakan kepada bangsawan di bidang pendidikan musik: “... Saya tidak puas dengan seorang punggawa jika dia tidak seorang musisi, tidak tahu cara membaca musik dari lembaran dan tidak tahu apa-apa tentang berbagai alat musik, karena jika dipikir-pikir dengan hati-hati, Anda tidak dapat menemukan istirahat yang lebih terhormat dan terpuji dari pekerjaan dan obat bagi jiwa-jiwa yang sakit daripada musik. Musik sangat diperlukan di istana, karena selain memberikan hiburan dari kebosanan, musik juga memberikan banyak kesenangan bagi wanita, yang jiwanya, lembut dan lembut, mudah dijiwai dengan harmoni dan penuh kelembutan.” Lalu kita bicara tentang jenis musik apa yang indah: musik yang dinyanyikan dari pandangan dengan percaya diri dan baik, bernyanyi solo dengan biola, memainkan keyboard atau empat instrumen membungkuk. Namun, Castiglione tidak memuji musik polifonik paduan suara, mengingat, jelas, musik itu hanya memiliki tujuan khusus - di gereja, pada perayaan resmi.

Orientasi pendidikan sekuler diwujudkan dalam perluasan cakupan dan isi pendidikan musik di sekolah paroki, panti asuhan, serta “konservatori” yang muncul pada saat itu - tempat penampungan khusus tempat anak-anak berbakat musik dapat belajar. "Konservatorium" pertama muncul di Venesia. Mereka mengasuh anak yatim piatu dan memberi mereka pendidikan dasar. Anak laki-laki diajari berbagai kerajinan tangan, dan anak perempuan diajari menyanyi: banyak kuil di Italia membutuhkan banyak penyanyi untuk paduan suara gereja. Pada tahun 1537, konservatori musik pertama “Santa Maria di Loreto” dibangun di Naples oleh pendeta Spanyol Giovanni Tapia, yang menjadi model untuk konservatori berikutnya. (situs web) Masuknya siswa begitu besar sehingga ada kebutuhan untuk membukanya tiga “konservatorium” lagi di kota yang sama. Selama abad ke-16 dan ke-17, banyak tempat penampungan dibuka di Italia. Lambat laun, pengajaran musik mulai menempati tempat utama di dalamnya; tidak hanya siswa panti asuhan yang dapat belajar, tetapi, dengan biaya tertentu, juga siswa luar. Nama “konservatorium”, setelah kehilangan arti aslinya, mulai berarti lembaga pendidikan musik.

Salah satu bentuk pendidikan penting pada masa itu adalah sekolah menyanyi di gereja Katolik - metriz. Metriza (Maitre Prancis - guru) adalah sekolah asrama musik di Perancis dan Belanda, yang melatih paduan suara gereja. Metriz pertama dikenal pada abad ke-8. Sistem pendidikan di sekolah-sekolah tersebut berkembang pada Abad Pertengahan: pendidikan dilaksanakan sejak masa kanak-kanak dan, bersama dengan mata pelajaran pendidikan umum, termasuk menyanyi, bermain organ, dan mempelajari teori musik. Sejak abad ke-16, pembelajaran memainkan alat musik lain telah ditambahkan. Setiap metriz melatih sekitar 20-30 penyanyi di bawah arahan seorang pemimpin paduan suara (maître de chapelle). Metriz memainkan peran penting dalam penyebaran pendidikan musik profesional. Banyak komposer polifonis Perancis dan Belanda terkemuka G. Dufay, J. Obrecht, J. Ockeghem dan lainnya belajar di metriz.

Ciri utama pedagogi humanistik adalah fokus pada pembentukan individu yang terpelajar, sempurna secara moral, dan berkembang secara fisik dengan orientasi sosial yang jelas, yang dimanifestasikan dalam sifat praktis pendidikan musik. Bentuk utama permainan musik adalah: gereja, salon, sekolah dan rumah. Tentu saja, tingkat dan kemungkinan pendidikan musik di berbagai lapisan masyarakat berbeda-beda. Pendidikan komprehensif dan pembangunan yang harmonis tersedia terutama bagi kelompok minoritas sosial. Pada lapisan sosial masyarakat tertinggi, sifat praktis pendidikan musik lambat laun merosot menjadi kepraktisan sehingga menimbulkan sikap pragmatis terhadap musik, ditentukan oleh pertimbangan fashion, gengsi, manfaat, dan lain-lain. Nyanyian gereja, festival rakyat, dan karnaval tetap menjadi bentuk pengenalan musik secara massal. Secara umum, pedagogi Renaisans mengedepankan kebangkitan minat siswa terhadap pengetahuan dan pengembangan keterampilan praktis mereka. Muncullah sekolah-sekolah yang menciptakan suasana belajar yang mengubah proses belajar menjadi kegiatan yang menyenangkan dan menarik bagi siswa itu sendiri. Selama periode ini, segala jenis seni visual, permainan, dan pelajaran di alam liar banyak digunakan. Kontribusi besar terhadap pedagogi umum dibuat oleh sosialis utopis awal T. More (1478-1535) dan T. Campanella (1568-1639), E. Rotterdam (1466-1536), Fr. Rabelais (1494-1553). Penemuan pencetakan musik dan produksi edisi musik dari tahun-tahun pertama abad ke-16 sangat penting bagi perkembangan musik, pendidikan dan penyebaran karya musik di berbagai negara. Ottaviano Petrucci di Italia mulai menerbitkan banyak karya Josquin Despres, Obrecht, dan kemudian karya-karya sezaman lainnya. Publikasi musik teladan pertamanya adalah kumpulan lagu berjudul "Harmoniae musices Odhecaton". Ini mencakup berbagai adaptasi penulis dari lagu yang sama (misalnya, "Fors settlement"), termasuk karya Bunois, Obrecht, Pierre de La Rue, Agricola, Ghiselin. Selanjutnya, Petrucci merilis sejumlah koleksi lagu polifonik Italia - frottola, yang tersebar luas di masyarakat. Ottaviano Scotto dan Antonio Gardane di Venesia, Pierre Attennan di Paris, dan Tilman Suzato di Antwerp juga menjadi penerbit musik besar pada masanya.

• Teori musik Renaisans. Risalah tentang musik

Selama Renaisans, teori musik membuat kemajuan besar, memunculkan sejumlah ahli teori terkemuka, termasuk Johannes Tinctoris (penulis 12 risalah tentang musik), Ramos di Pareja, Heinrich Loriti dari Glarus ( silau)(pendiri doktrin melodi), Josephfo Zarlino(salah satu pencipta ilmu harmoni). Doktrin mode, mempopulerkan pengetahuan musik, penilaian tentang komposer terbesar saat itu dan jalannya perkembangan musik pada abad 15-16, kebangkitan minat pada kekhasan seni rakyat, diskusi tentang masalah pertunjukan musik - wilayah ini dicakup oleh ilmu musik dari akhir abad ke-15 dan sepanjang abad ke-16. Semua ahli teori utama aktif dalam mengajar.

Johannes (John) Tinctoris(c. 1435 - 1511) - Ahli teori dan komposer musik Perancis-Flemish. Ia mempelajari "seni liberal" dan hukum, dan menjadi mentor paduan suara putra di Katedral Chartres. Dari tahun 1472 ia bertugas di istana raja Neapolitan Ferdinand I, dan menjadi guru musik putrinya Beatrice, yang menjadi ratu Hongaria pada tahun 1476. Tinctoris mendedikasikan tiga risalah teoretis musik untuk muridnya Beatrice, termasuk risalah terkenal “Definisi Musik”. Diketahui bahwa pada tahun 1487 Ferdinand I mengirimkan Tinctoris ke Prancis kepada Raja Charles VIII dengan perintah merekrut penyanyi untuk Kapel Kerajaan. Bahkan selama hidupnya, Tinctoris menikmati ketenaran yang luar biasa; dia disebut-sebut sebagai salah satu musisi paling terkenal. 12 risalah Tinctoris masih ada, yang paling terkenal adalah risalah “Terminorum musicae diffinitorum”, c.

Kamus terminologi musik sistematis pertama dalam sejarah musik, berisi sekitar 300 istilah. Mari kita daftar sisa karya Tinctoris:

Risalah “Complexus effectuum musices”, ca. 1473-74) adalah klasifikasi dan deskripsi warna-warni tentang tujuan musik;

Risalah “Musical Proportions” (“Proportionale musices”, ca. 1473-74) mengembangkan doktrin Pythagoras kuno tentang dasar numerik seni musik. Dengan kompleksitas hubungan ritme mensural yang ekstrem, Tinctoris membuat ritme dalam proporsi 7:4, 8:5, 17:8, 13:5, 14:5 (bertepatan dengan ritme serial abad ke-20).

- “Kitab Ketidaksempurnaan Not Musik” (“Liber ketidaksempurnaan notarum musikalium”, ca. 1474-75); (situs web)

“Risalah tentang Aturan Durasi Nada” (“Tractatus de regulari valore notarum”, ca. 1474-75) dan “Risalah tentang Catatan dan Jeda” (“Tractatus de notis et pausis”, ca. 1474-75) dikhususkan untuk organisasi musik metritmik.

- “Buku tentang sifat dan sifat mode” (“Liber de natura et proprietate tonorum”, 1476)

Tentang struktur sistem modal;

- “Buku tentang seni tandingan” (“Liber de arte contrapuncti”, 1477)

Doktrin dasar komposisi kontrapuntal, yang menetapkan “8 aturan umum tandingan”, membedakan antara tandingan “sederhana” dan “kemerahan”, perbedaan antara karya dengan teks yang stabil dan yang improvisasi, dll.);

- “Risalah tentang Perubahan” (“Tractatus alterationum”, setelah 1477);

- "Artikel tentang poin musik" ("Scriptum super punctis musikibus", setelah 1477) - tentang ritme;

- "Deskripsi tangan" ("Guidonova") ("Expositio manus", setelah 1477) - tentang suara sistem musik;

- “Tentang penemuan dan penggunaan musik” (“De inventore et usu musicae”, 1487) - tentang nyanyian dan penyanyi, instrumen dan pemain.
Tinctoris adalah salah satu orang pertama yang memperkenalkan konsep “komposer”, yaitu penulis sebuah karya “yang menulis beberapa cantus baru”.

Salah satu ilmuwan musik terhebat di zaman Renaisans - silau(1488 - 1563), ia memiliki risalah “The Twelve-Stringed Man” (1547). Glarean lahir di Swiss, belajar di Universitas Cologne di fakultas seni. Setelah menjadi Master of Liberal Arts, dia mengajar puisi, musik, matematika, bahasa Yunani dan Latin di Basel. Di sini, di Basel, dia bertemu Erasmus dari Rotterdam. Glarean berpendapat bahwa musik, seperti lukisan, harus berada di luar didaktik agama, pertama-tama memberikan kesenangan, menjadi “induk kesenangan”. Glarean memperkuat keunggulan musik monodik dibandingkan polifoni, sementara ia berbicara tentang dua jenis musisi: phono dan simfoni. Yang pertama memiliki kecenderungan alami untuk menyusun melodi, yang kedua - untuk mengembangkan melodi untuk dua, tiga atau lebih suara. Ia memperkuat gagasan kesatuan musik dan puisi, pertunjukan instrumental dan teks. Dalam teori musik, Glarean memperkuat konsep mayor dan minor, dan membahas sistem dua belas nada. Selain itu, selain permasalahan teori musik, ahli teori juga mempertimbangkan sejarah musik, perkembangannya, tetapi secara eksklusif dalam kerangka Renaisans, mengabaikan musik Abad Pertengahan. Glarean mempelajari karya komposer kontemporer Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue.

Ramos di Pareja(1440-1490) - Ahli teori, komposer dan guru Spanyol. Bekerja terutama di Italia. Pada tahun 1470-an ia dikenal sebagai ahli teori dan guru musik yang berwibawa. Dia adalah penulis risalah “Musik Praktis” (“Musica practica”). Risalah ini menimbulkan kontroversi dan kritik jangka panjang dari para ahli teori konservatif Italia. Ramos di Pareja mengutarakan pandangannya tentang doktrin mode dan konsonan. Dia membandingkan sistem tangga nada enam langkah abad pertengahan (hexachords) dengan tangga nada mayor delapan langkah, dan mengklasifikasikan nada ketiga dan keenam sebagai konsonan (sesuai dengan gagasan lama, hanya oktaf dan nada kelima yang dianggap konsonan). Di bidang doktrin ritme dan notasi, Ramos di Pareja berdebat dengan rekan sezamannya Tinctoris dan Ghafuri yang merupakan pendukung notasi mensural.

Ahli teori dan komposer Italia yang luar biasa Josephfo Zarlino(1517-1590) adalah anggota Ordo Fransiskan, mempelajari filologi, sejarah, dan matematika. Zarlino belajar musik dengan komposer terkenal Adrian Villaert (Villart). Zarlino dikaitkan dengan seniman terkemuka pada masanya, khususnya Titian dan Tintoretto. Zarlino sendiri dikenal luas dan merupakan anggota Venetian Academy of Fame. Pada tahun 1565, Zarlino menjadi direktur musik di kapel St. Petersburg. Merek. Jabatan penting ini memungkinkan Zarlino untuk terlibat tidak hanya dalam komposisi, tetapi juga dalam menulis karya teoretis, termasuk “Establishments of Harmony” (1588), “Proof of Harmony” (1571), “Musical Additions” (1588). Karya Zarlino yang paling penting adalah risalah “Establishments of Harmony,” di mana ia mengungkapkan prinsip-prinsip dasar estetika musik Renaisans. Seperti kebanyakan pemikir pada zaman ini, Zarlino adalah pengagum estetika kuno. Karya-karyanya banyak memuat referensi tentang Plato, Aristoteles, Aristoxenus, Quintilian, dan Boethius. Zarlino banyak menggunakan doktrin Aristoteles tentang bentuk dan materi, baik ketika menangani sejumlah masalah dalam musik maupun ketika membangun struktur risalahnya.

Tempat sentral dalam estetika Zarlino ditempati oleh doktrin hakikat harmoni musik. Ia mengklaim bahwa seluruh dunia dipenuhi dengan harmoni dan jiwa dunia adalah harmoni. Dalam kaitan ini, ia secara panteistik menafsirkan gagasan kesatuan mikro dan makrokosmos. Dalam risalah Tsarlino, gagasan proporsionalitas antara keselarasan objektif dunia dan keselarasan subjektif yang melekat pada jiwa manusia, ciri estetika Renaisans, mendapat perkembangan sistematis. Dalam memperkuat gagasan ini, Zarlino mengandalkan doktrin temperamen yang populer pada masanya. Ia menggunakan gagasan yang berasal dari Cardano dan Telesio, bahwa temperamen seseorang diciptakan oleh perbandingan unsur-unsur material tertentu, seperti dingin dan panas, basah dan kering, dll. Perbandingan proporsional unsur-unsur ini mendasari baik nafsu manusia maupun nafsu musik. .harmoni. Oleh karena itu, nafsu manusia merupakan cerminan dari “fisik” harmoni, yaitu kemiripannya. Atas dasar tersebut, Zarlino mencoba menjelaskan hakikat pengaruh musik terhadap jiwa manusia. Dalam risalah Tsarlino, kepribadian komposernya sangat penting. Hal ini menuntutnya tidak hanya pengetahuan tentang teori musik, tata bahasa, aritmatika, retorika, tetapi juga keterampilan praktis di bidang musik. Cita-citanya adalah seorang musisi yang sama-sama mahir dalam teori dan praktik musik.

Dalam risalahnya, Zarlino mengemukakan klasifikasi seni baru yang menyimpang dari konsep tradisional estetika Renaisans. Biasanya, peran utama di era ini diberikan pada seni lukis, sedangkan musik diakui sebagai seni bawahan. Zarlino, yang mendobrak sistem klasifikasi seni yang sudah mapan, mengutamakan musik. Mengembangkan doktrin mode tradisional, Zarlino memberikan gambaran estetis tentang mayor dan minor, mendefinisikan triad mayor sebagai kegembiraan dan kecerahan, dan triad minor sebagai sedih dan melankolis. Dengan demikian, pengakuan mayor dan minor sebagai kutub emosional utama harmoni musik akhirnya terbentuk dalam kesadaran musik Eropa. Estetika Zarlino merupakan titik tertinggi dalam perkembangan teori musik Renaisans dan sekaligus hasil serta penyelesaiannya. Bukan suatu kebetulan bahwa semasa hidupnya Tsarlino mendapat pengakuan luas di kalangan orang-orang sezamannya.

Referensi:

1. Alekseev A.D. Sejarah seni piano. Bagian 1 dan 2. - M., 1988.
2. Bakhtin M. M. Karya Francois Rabelais dan budaya rakyat Abad Pertengahan dan Renaisans. - edisi ke-2. - M., 1990.
3. Hertsman E. Pemikiran musik kuno. - L., 1986.
4. Gruber R.I. Budaya musik dunia kuno. - L., 1937.
5. Evdokimova Yu.K., Simakova N.A. Musik Renaisans. - M., 1985.
6. Krasnova O. B. Ensiklopedia seni Abad Pertengahan dan Renaisans. - Olma-Tekan, 2002.
7. Losev A.F. Estetika Renaisans. - M.: Mysl, 1978.
8. Estetika musik Abad Pertengahan Eropa Barat dan Renaisans. - M., 1966.
9. Fedorovich E.N. Sejarah pendidikan musik. - Yekaterinburg, 2003.

Pada tahun 1501, pencetak Venesia Ottaviano Petrucci menerbitkan Harmonice Musices Odhecaton, koleksi besar musik sekuler pertama. Ini adalah revolusi dalam penyebaran musik, dan juga berkontribusi pada gaya Perancis-Flemish menjadi bahasa musik dominan di Eropa pada abad berikutnya, karena, sebagai orang Italia, Petrucci terutama memasukkan musik komposer Perancis-Flemish ke dalam koleksinya. . Dia kemudian menerbitkan banyak karya komposer Italia, baik sekuler maupun sakral. Pada tahun 1516, Andrea Antico, seorang pencetak Romawi-Venesia, menerbitkan koleksi frottolas untuk instrumen keyboard.

Pada abad ke-18 terdapat lebih dari 400 meter di Perancis. Selama revolusi borjuis tahun 1791, mereka dihapuskan.

Kementerian Pendidikan Federasi Rusia

Universitas Pedagogi Terbuka Negeri Moskow

mereka. MA Sholokhova

Departemen Pendidikan Estetika

R E F E R A T

"Musik Renaisans"

siswa tahun ke-5

Penuh waktu - departemen korespondensi

Polegaeva Lyubov Pavlovna

Guru:

Zatsepina Maria Borisovna

Moskow 2005

Renaissance adalah era berkembangnya budaya Eropa Barat dan Tengah pada masa peralihan dari Abad Pertengahan ke zaman modern (abad XV-XVII). Budaya Renaisans tidak bersifat kelas sempit dan sering kali mencerminkan suasana hati masyarakat luas; dalam budaya musik, budaya ini mewakili beberapa aliran kreatif baru yang berpengaruh. Inti ideologis utama dari seluruh budaya periode ini adalah humanisme - gagasan baru yang belum pernah terjadi sebelumnya tentang manusia sebagai makhluk yang bebas dan berkembang secara komprehensif, mampu mencapai kemajuan tanpa batas. Manusia adalah subjek utama seni dan sastra, karya perwakilan terbesar budaya Renaisans - F. Petrarch dan D. Boccaccio, Leonardo da Vinci dan Michelangelo, Raphael dan Titian. Sebagian besar tokoh budaya pada masa ini adalah orang-orang yang multi talenta. Jadi, Leonardo da Vinci tidak hanya seorang seniman yang luar biasa, tetapi juga seorang pematung, ilmuwan, penulis, arsitek, komposer; Michelangelo dikenal tidak hanya sebagai pematung, tetapi juga sebagai pelukis, penyair, dan musisi.

Perkembangan pandangan dunia dan seluruh kebudayaan pada masa ini dipengaruhi oleh mengikuti model-model kuno. Dalam musik, seiring dengan konten baru, bentuk dan genre baru juga berkembang (lagu, madrigal, balada, opera, kantata, oratorio).

Terlepas dari semua integritas dan kelengkapan budaya Renaisans pada dasarnya, ia dicirikan oleh ciri-ciri inkonsistensi yang terkait dengan jalinan unsur-unsur budaya baru dengan yang lama. Tema religi dalam seni rupa periode ini tidak hanya terus eksis, tetapi juga berkembang. Pada saat yang sama, ia mengalami transformasi sedemikian rupa sehingga karya-karya yang dibuat atas dasar itu dianggap sebagai adegan bergenre dari kehidupan orang-orang bangsawan dan orang biasa.

Kebudayaan Renaisans Italia mengalami tahap perkembangan tertentu: muncul pada akhir abad ke-14, dan mencapai puncaknya pada pertengahan abad ke-15 - awal abad ke-16. Pada paruh kedua abad ke-16. reaksi feodal jangka panjang terjadi karena kemerosotan ekonomi dan politik negara. Humanisme sedang dalam krisis. Namun, kemunduran seni tidak serta merta terlihat: selama beberapa dekade, seniman dan penyair, pematung, dan arsitek Italia menciptakan karya dengan makna artistik tertinggi, berkembangnya hubungan antara berbagai sekolah kreatif, pertukaran pengalaman antar musisi yang berpindah dari satu negara ke negara lain. , bekerja di kapel yang berbeda, menjadi tanda waktu dan memungkinkan kita berbicara tentang tren yang umum terjadi di seluruh era.

Renaisans adalah salah satu halaman cemerlang dalam sejarah budaya musik Eropa. Konstelasi nama-nama besar Josquin, Obrecht, Palestrina, O. Lasso, Gesualdo, yang membuka cakrawala baru bagi kreativitas musik dalam sarana ekspresi, kekayaan polifoni, skala bentuk; pembaruan genre tradisional yang berkembang dan kualitatif - motet, massal; terbentuknya citraan baru, intonasi baru dalam bidang komposisi lagu polifonik, pesatnya perkembangan musik instrumental, yang mengemuka setelah hampir lima abad berada dalam posisi subordinat: bentuk-bentuk pembuatan musik lainnya, tumbuhnya profesionalisme dalam segala hal bidang kreativitas musik: perubahan pandangan tentang peran dan kemungkinan seni musik, pembentukan kriteria keindahan baru: humanisme sebagai tren yang benar-benar nyata di semua bidang seni - semua ini terkait dengan gagasan kami tentang Renaisans. Budaya artistik Renaisans adalah permulaan pribadi yang didasarkan pada sains. Keterampilan polifonis abad 15-16 yang luar biasa kompleks, teknik virtuoso mereka hidup berdampingan dengan seni tari sehari-hari yang brilian dan kecanggihan genre sekuler. Dramatisme liris semakin terekspresikan dalam karya-karyanya. Selain itu, mereka lebih jelas mengungkapkan kepribadian penulis dan individualitas kreatif seniman (ini tidak hanya khas seni musik), yang memungkinkan kita berbicara tentang humanisasi sebagai prinsip utama seni Renaisans. Pada saat yang sama, musik gereja, yang diwakili oleh genre-genre utama seperti massa dan motet, sampai batas tertentu melanjutkan garis “Gotik” dalam seni Renaisans, yang pertama-tama bertujuan untuk menciptakan kembali kanon yang sudah ada dan melalui ini memuliakan Yang Ilahi.

Karya dari hampir semua genre utama, baik sekuler maupun sakral, dibangun atas dasar beberapa materi musik yang dikenal sebelumnya. Ini bisa menjadi sumber suara tunggal dalam motet dan berbagai genre sekuler, aransemen instrumental; ini bisa berupa dua suara, dipinjam dari komposisi tiga suara dan dimasukkan dalam karya baru dengan genre yang sama atau berbeda, dan, akhirnya, tiga atau empat suara penuh (motet, madrigal, memainkan peran semacam pendahuluan “ model” suatu karya yang bentuknya lebih besar (massa).

Sumber utamanya adalah lagu yang populer dan terkenal (lagu paduan suara atau sekuler) dan beberapa komposisi penulis (atau suara darinya), diproses oleh komposer lain dan, karenanya, diberkahi dengan fitur suara lain, ide artistik yang berbeda.

Dalam genre motet misalnya, hampir tidak ada karya yang tidak memiliki orisinalitas. Sebagian besar komposer abad ke-15 dan ke-16 juga memiliki sumber primer: misalnya, di Palistrina, dari total lebih dari seratus massa, kita hanya menemukan enam karya yang ditulis berdasarkan sumber yang bebas dari pinjaman. Pastor Lasso tidak menulis satu pun misa (dari 58) berdasarkan bahan aslinya.

Dapat dicatat bahwa jangkauan sumber primer yang materinya diandalkan oleh penulis cukup jelas. G. Dufay, I. Okegem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso dan lain-lain tampaknya bersaing satu sama lain, lagi dan lagi beralih ke melodi yang sama, setiap kali menarik impuls artistik baru untuk karya mereka, memahami dalam a melodi cara baru sebagai prototipe intonasi awal untuk bentuk polifonik.

Dalam pelaksanaan karyanya, teknik yang digunakan adalah polifoni. Polifoni adalah polifoni yang semua suara mempunyai hak yang sama. Semua suara mengulang melodi yang sama, tetapi pada waktu yang berbeda, seperti gema. Teknik ini disebut polifoni tiruan.

Pada abad ke-15, apa yang disebut polifoni "tulisan ketat" mulai terbentuk, aturan-aturan (norma-norma panduan suara, pembentukan, dll.) yang dicatat dalam risalah teoretis pada waktu itu dan merupakan hukum penciptaan yang tidak dapat diubah. musik gereja.

Kombinasi lain, ketika pemain mengucapkan melodi yang berbeda dan teks yang berbeda secara bersamaan, disebut polifoni kontras. Secara umum, gaya “ketat” mengandaikan salah satu dari dua jenis polifoni: meniru atau kontras. Polifoni yang meniru dan kontraslah yang memungkinkan penyusunan motif dan massa polifonik untuk kebaktian gereja.

Motet adalah lagu paduan suara kecil, yang biasanya digubah dengan melodi populer, paling sering dengan salah satu nyanyian gereja kuno (“Nyanyian Gregorian” dan sumber kanonik lainnya, serta musik rakyat).

Dengan dimulainya abad ke-15, ciri-ciri khas Renaisans mulai terlihat semakin jelas dalam budaya musik sejumlah negara Eropa. Yang paling menonjol di antara polifonis awal Renaisans Belanda, Guillaume Dufay (Dufay) lahir di Flanders sekitar tahun 1400. Karya-karyanya sebenarnya mewakili lebih dari setengah abad sejarah aliran musik Belanda yang muncul pada kuartal kedua abad ke-15.

Dufay memimpin beberapa kapel, termasuk kapel kepausan di Roma, bekerja di Florence dan Bologna, dan menghabiskan tahun-tahun terakhir hidupnya di negara asalnya, Cambrai. Warisan Dufay kaya dan berlimpah: mencakup sekitar 80 lagu (genre kamar - vireles, balada, rondo), sekitar 30 motet (baik konten spiritual maupun sekuler, "lagu"), 9 massa lengkap dan bagian masing-masing.

Seorang melodis hebat yang mencapai kehangatan liris dan ekspresi melodi, yang jarang terjadi di era gaya ketat, ia rela beralih ke melodi folk, mengolahnya dengan pemrosesan yang paling terampil. Dufay memperkenalkan banyak hal baru ke dalam massa: ia memperluas komposisi keseluruhan, dan menggunakan kontras suara paduan suara dengan lebih bebas. Beberapa karya terbaiknya adalah “The Pale Face” dan “The Armed Man,” yang menggunakan melodi pinjaman dari lagu asal dengan nama yang sama. Lagu-lagu ini, dalam berbagai versi, membentuk intonasi dan basis tematik yang diperluas secara luas yang menyatukan kesatuan siklus paduan suara yang besar. Dalam perkembangan polifonik seorang kontrapuntalis yang luar biasa, mereka mengungkapkan keindahan yang sebelumnya tidak diketahui dan kemungkinan ekspresif yang tersembunyi di kedalamannya. Melodi Dufay secara harmonis memadukan kesegaran lagu Belanda yang asam dengan melodi Italia yang lembut dan keanggunan Prancis. Polifoni tiruannya tidak mengandung kepalsuan dan kekacauan. Kadang-kadang ketersebaran menjadi berlebihan, dan kekosongan muncul. Hal ini tidak hanya mencerminkan masa muda seni, yang belum menemukan keseimbangan struktur yang ideal, tetapi juga keinginan khas para master Cumbrian untuk mencapai hasil artistik dan ekspresif dengan cara yang paling sederhana.

Karya rekan-rekan Dufay yang lebih muda - Johannes Ockeghem dan Jacob Obrecht - sudah dikaitkan dengan apa yang disebut sekolah Belanda kedua. Kedua komposer tersebut adalah tokoh utama pada masanya, yang menentukan perkembangan polifoni Belanda pada paruh kedua abad ke-15.

Johannes Ockeghem (1425 - 1497) bekerja sebagian besar hidupnya di kapel raja-raja Prancis. Dalam pribadi Ockeghem, sebelum Eropa, terpesona oleh lirik lagu Dufay yang lembut dan merdu, eufoni massa dan motifnya yang naif dan lemah lembut, seorang seniman yang sama sekali berbeda muncul - “seorang rasionalis dengan mata yang tidak memihak” dan seorang yang canggih pena teknis, yang terkadang menghindari lirik dan berusaha menangkap dengan cepat dalam musik terdapat hukum-hukum tertentu yang sangat umum tentang keberadaan objektif. Dia menemukan keterampilan luar biasa dalam mengembangkan garis melodi dalam ansambel polifonik. Musiknya memiliki beberapa ciri gotik: perumpamaan, ekspresi non-individu, dll. Dia menciptakan 11 massa lengkap (dan sejumlah bagiannya), termasuk satu bertema “The Armed Man,” 13 motet dan 22 lagu. Genre polifonik besarlah yang menjadi prioritasnya. Beberapa lagu Ockeghem mendapatkan popularitas di kalangan orang-orang sezamannya dan berulang kali menjadi dasar aransemen polifonik dalam bentuk yang lebih besar.

Contoh kreatif Ockeghem sebagai master hebat dan polifonis murni sangat penting bagi orang-orang sezaman dan pengikutnya: fokusnya yang tanpa kompromi pada masalah-masalah khusus polifoni mengilhami rasa hormat, jika bukan kekaguman, hal itu memunculkan legenda dan mengelilingi namanya dengan lingkaran cahaya.

Di antara mereka yang menghubungkan abad ke-15 dengan abad berikutnya, tidak hanya secara kronologis, tetapi juga dalam esensi perkembangan kreatif, tempat pertama, tidak diragukan lagi, adalah milik Jacob Obrecht. Ia dilahirkan pada tahun 1450 di Bergen op Zoom. Obrecht bekerja di kapel di Antwerpen, Cambrai, Bruges, dll., dan juga bertugas di Italia.

Warisan kreatif Obrecht mencakup 25 massa, sekitar 20 motet, 30 lagu polifonik. Dari para pendahulunya dan orang-orang sezamannya, ia mewarisi teknik polifonik yang sangat berkembang, bahkan virtuoso, teknik polifoni tiruan dan kanonik. Dalam musik Obrecht, yang sepenuhnya polifonik, kadang-kadang kita mendengar kekuatan khusus bahkan dari emosi non-pribadi, keberanian kontras dalam batas besar dan kecil, hubungan yang sepenuhnya “duniawi”, hampir sehari-hari dalam sifat suara dan kekhasan pembentukannya. . Pandangan dunianya tidak lagi bersifat gotik.

Dia bergerak menuju Josquin Despres, perwakilan sejati Renaisans dalam seni musik.

Sepertiga pertama abad ke-16 di Italia adalah periode Renaisans Tinggi, masa pertumbuhan kreatif dan kesempurnaan yang belum pernah terjadi sebelumnya, yang diwujudkan dalam karya-karya besar Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo. Lapisan sosial tertentu muncul melalui mana pertunjukan teater dan festival musik diselenggarakan. Kegiatan berbagai akademi seni berkembang.

Beberapa saat kemudian, masa kemakmuran tinggi dimulai dalam seni musik, tidak hanya di Italia, tetapi juga di Jerman, Prancis, dan negara-negara lain. Penemuan percetakan musik sangat penting untuk penyebaran karya musik.

Tradisi aliran polifonik tetap kuat (khususnya, ketergantungan pada model tetap sama pentingnya seperti sebelumnya), tetapi sikap terhadap pilihan topik berubah, kekayaan emosional dan figuratif dari karya meningkat, dan personal, elemen kepenulisan menguat. Semua ciri ini sudah terlihat jelas dalam karya komposer Italia Josquin Despres, yang lahir sekitar tahun 1450 di Burgundy dan merupakan salah satu komposer terhebat aliran Belanda pada akhir abad ke-15 dan awal abad ke-16. Diberkahi dengan suara dan pendengaran yang indah, sejak remaja ia bertugas sebagai penyanyi di paduan suara gereja di tanah kelahirannya dan di negara lain. Kontak awal dan dekat dengan seni paduan suara tinggi, asimilasi aktif dan praktis dari kekayaan artistik besar musik kultus sangat menentukan arah di mana individualitas master brilian masa depan, gaya dan minat genre kemudian terbentuk.

Di masa mudanya, Despres belajar seni komposisi dengan I. Ockeghem, yang juga meningkatkan kemampuannya dalam memainkan berbagai alat musik.

Selanjutnya, Josquin Despres mencoba semua genre musik yang ada pada saat itu, menciptakan mazmur, motet, misa, musik untuk Sengsara Tuhan, komposisi untuk menghormati St.

Hal pertama yang menarik perhatian Anda dalam karya Depre adalah teknik kontrapuntal yang menakjubkan, yang memungkinkan kita menganggap penulisnya sebagai virtuoso tandingan yang nyata. Namun, meski menguasai materi secara menyeluruh, Despres menulis dengan sangat lambat, mengkaji karya-karyanya dengan sangat kritis. Selama pertunjukan uji coba komposisinya, dia membuat banyak perubahan pada komposisinya, mencoba mencapai eufoni sempurna, yang tidak pernah dia korbankan pada tekstur kontrapuntal.

Hanya menggunakan bentuk polifonik, komposer dalam beberapa kasus memberikan melodi mengalir yang luar biasa indah pada suara atas, berkat karyanya tidak hanya dibedakan oleh merdunya, tetapi juga oleh melodinya.

Tidak ingin melampaui tandingan yang ketat, Despres, untuk melunakkan disonansi, mempersiapkannya seolah-olah dengan menggunakan nada disonan pada konsonan sebelumnya dalam bentuk konsonan. Despres juga berhasil menggunakan disonansi sebagai sarana untuk meningkatkan ekspresi musik.

Perlu dicatat bahwa J. Despres berhak dianggap tidak hanya sebagai seorang kontrapuntis berbakat dan musisi sensitif, tetapi juga seorang seniman hebat yang mampu menyampaikan dalam karya-karyanya nuansa perasaan dan suasana hati yang paling halus.

Josquin secara teknis dan estetis lebih kuat daripada polifonis Italia dan Prancis pada abad ke-15. Itulah sebabnya, dalam bidang musik murni, dia lebih banyak mempengaruhi mereka daripada dipengaruhi oleh mereka. Sebelum kematiannya, Despres memimpin kapel terbaik di Roma, Florence, dan Paris. Dia selalu berdedikasi pada karyanya dalam mempromosikan penyebaran dan pengakuan musik. Dia tetap menjadi orang Belanda, seorang “master dari Condé.” Dan tidak peduli betapa cemerlang pencapaian dan penghargaan asing yang dianugerahkan kepada "penguasa musik" (sebagaimana orang-orang sezamannya memanggilnya) selama hidupnya, dia, dengan mematuhi "panggilan bumi" yang tak tertahankan, kembali ke tepi sungai Scheldt dalam perjalanannya. tahun menurun dan dengan sederhana mengakhiri perjalanan hidupnya sebagai seorang kanon.

Di Italia, selama High Renaissance, genre sekuler berkembang pesat. Genre vokal berkembang dalam dua arah utama - salah satunya dekat dengan lagu dan tarian sehari-hari (frotolas, villanelles, dll.), yang lain terkait dengan tradisi polifonik (madrigal).

Madrigal, sebagai bentuk musik dan puisi yang istimewa, memberikan peluang luar biasa bagi perwujudan individualitas komposer. Konten utamanya adalah lirik dan adegan bergenre. Genre musik panggung berkembang di sekolah Venesia (sebuah upaya untuk menghidupkan kembali tragedi kuno). Bentuk instrumental (kecapi, vihuela, organ dan instrumen lainnya) memperoleh kemerdekaan.

Referensi:

Efremova T.F. Kamus baru bahasa Rusia. Penjelasan - pembentuk kata. lang.., 2000 –T. 1: AO – 1209 hal.

Kamus singkat estetika. M., Politizdat, 1964. 543 hal.

Sejarah Musik Populer.

Tikhonova A.I. Kebangkitan dan Barok: Buku untuk dibaca - M.: LLC Publishing House "ROSMEN - PRESS", 2003. - 109 hal.

Estetika musik Renaisans dikembangkan oleh komposer dan ahli teori secara intensif seperti halnya bentuk seni lainnya. Lagi pula, sama seperti Giovanni Boccaccio yang percaya bahwa Dante, melalui karyanya, berkontribusi pada kembalinya renungan dan menghidupkan puisi yang mati, sama seperti Giorgio Vasari berbicara tentang kebangkitan seni, demikian pula Josepho Zarlino dalam risalahnya “Establishments of Harmony” (1588) menulis: “Namun, apakah ini saat yang berbahaya untuk kesalahan atau kelalaian manusia - tetapi orang-orang mulai kurang menghargai tidak hanya musik, tetapi juga ilmu-ilmu lain. Dan diagungkan ke ketinggian tertinggi, dia jatuh ke titik paling rendah; dan, setelah penghormatan yang belum pernah terdengar sebelumnya diberikan kepadanya, mereka mulai menganggapnya menyedihkan, tidak penting, dan sangat tidak dihormati sehingga bahkan orang-orang terpelajar pun hampir tidak mengenalinya dan tidak mau memberikan haknya.”

Pada pergantian abad ke-13-14, risalah “Musik” oleh ahli musik John de Groheo diterbitkan di Paris, di mana ia secara kritis merevisi gagasan abad pertengahan tentang musik. Dia menulis: “Mereka yang cenderung bercerita mengatakan bahwa musik diciptakan oleh para renungan yang tinggal di dekat air. Yang lain mengatakan bahwa itu ditemukan oleh orang-orang suci dan para nabi. Tapi Boethius, seorang pria penting dan mulia, menganut pandangan berbeda... Ia mengatakan dalam bukunya bahwa awal mula musik ditemukan oleh Pythagoras. Orang-orang seolah-olah bernyanyi sejak awal, karena musik pada dasarnya adalah bawaan mereka, seperti yang diklaim oleh Plato dan Boethius, namun dasar-dasar nyanyian dan musik belum diketahui hingga zaman Pythagoras…”

Musik, seperti puisi dan lukisan, memperoleh kualitas baru hanya pada abad ke-15 dan khususnya pada abad ke-16, yang diiringi dengan munculnya semakin banyak risalah tentang musik.

Glarean (Henry Loris dari Glarus, 1488-1563), penulis esai tentang musik “The Twelve-Stringed Man” (1547), lahir di Swiss, belajar di Universitas Cologne di fakultas seni. Master of Liberal Arts terlibat dalam pengajaran puisi, musik, matematika, bahasa Yunani dan Latin di Basel, yang menunjukkan kepentingan mendesak saat ini. Di sini dia berteman dengan Erasmus dari Rotterdam.

silau

Glarean mendekati musik, khususnya musik gereja, seperti seniman yang terus melukis lukisan dan fresko di gereja, yaitu musik, seperti lukisan, di luar didaktik dan refleksi agama, pertama-tama harus memberikan kesenangan, menjadi “ibu dari kesenangan."

Glarean memperkuat keunggulan musik monodik dibandingkan polifoni, sementara ia berbicara tentang dua jenis musisi: phono dan simfoni: yang pertama memiliki kecenderungan alami untuk menyusun melodi, yang kedua - untuk mengembangkan melodi untuk dua, tiga atau lebih suara.

Glarean, selain mengembangkan teori musik, juga mengkaji sejarah musik, perkembangannya, ternyata dalam kerangka Renaisans, sama sekali mengabaikan musik Abad Pertengahan. Ia memperkuat gagasan kesatuan musik dan puisi, pertunjukan instrumental dan teks. Dalam perkembangan teori musik, Glarean melegitimasi, dengan penggunaan dua belas nada, mode Aeolian dan Ionian, sehingga secara teoritis memperkuat konsep mayor dan minor.

Glarean tidak membatasi diri pada perkembangan teori musik, tetapi mengkaji karya komposer modern Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue. Dia berbicara tentang Josquin Despres dengan cinta dan kegembiraan, seperti Vasari tentang Michelangelo.

Gioseffo Zarlino (1517 - 1590), yang pernyataannya sudah kita kenal, selama 20 tahun bergabung dengan ordo Fransiskan di Venesia dengan konser musik dan berkembangnya lukisan, yang membangkitkan panggilannya sebagai musisi, komposer dan ahli teori musik. Pada tahun 1565 ia memimpin kapel St. Merek. Diyakini bahwa dalam komposisi “Pembentukan Harmoni” Zarlino mengungkapkan dalam bentuk klasik prinsip-prinsip dasar estetika musik Renaisans.

Josephfo Zarlino

Zarlino yang berbicara tentang kemunduran musik tentunya pada Abad Pertengahan mengandalkan estetika kuno dalam mengembangkan doktrinnya tentang hakikat harmoni musik. “Betapa besarnya musik dimuliakan dan dipuja sebagai sesuatu yang sakral, jelas dibuktikan oleh tulisan-tulisan para filsuf dan khususnya Pythagoras, karena mereka percaya bahwa dunia diciptakan menurut hukum musik, bahwa pergerakan bola adalah penyebab harmoni dan bahwa musik kita. jiwa dibangun menurut hukum yang sama, terbangun dari nyanyian dan suara, dan tampaknya memiliki efek yang memberi kehidupan pada sifat-sifatnya.”

Zarlino cenderung menganggap musik sebagai yang utama di antara seni liberal, sebagaimana Leonardo da Vinci mengagungkan lukisan. Namun ketertarikan pada jenis seni tertentu tidak boleh membingungkan kita, karena kita berbicara tentang harmoni sebagai kategori estetika yang komprehensif.

Josephfo Zarlino, seperti Titian, yang berhubungan dengannya, memperoleh ketenaran yang luas dan terpilih sebagai anggota Akademi Ketenaran Venesia. Estetika memperjelas keadaan musik selama Renaisans. Pendiri sekolah musik Venesia adalah Adrian Willaert (antara 1480/90 - 1568), seorang Belanda sejak lahir. Tsarlino belajar musik bersamanya. Musik Venesia, seperti lukisan, dibedakan oleh palet suara yang kaya, yang segera memperoleh ciri-ciri Barok.

Selain aliran Venesia, yang terbesar dan paling berpengaruh adalah aliran Romawi dan Florentine. Komunitas penyair, ilmuwan humanis, musisi dan pecinta musik di Florence disebut Camerata. Itu dipimpin oleh Vincenzo Galilei (1533 - 1591). Berpikir tentang kesatuan musik dan puisi, dan pada saat yang sama dengan teater, dengan aksi di atas panggung, para anggota Camerata menciptakan genre baru - opera.

Opera pertama dianggap "Daphne" oleh J. Peri (1597) dan "Eurydice" berdasarkan teks oleh Rinuccini (1600). Di sini terjadi transisi dari gaya polifonik ke gaya homofonik. Oratorio dan kantata dipentaskan di sini untuk pertama kalinya.

Musik Belanda abad 15 - 16 kaya akan nama-nama komponis besar, di antaranya Josquin Despres (1440 - 1524), yang ditulis oleh Zarlino dan bertugas di istana Prancis, tempat berkembangnya aliran Perancis-Flemish. Dipercayai bahwa pencapaian tertinggi musisi Belanda adalah misa paduan suara a capella, sesuai dengan peningkatan katedral Gotik.

Josquin Despres

Seni organ berkembang di Jerman. Di Prancis, kapel didirikan di istana dan festival musik diselenggarakan. Pada tahun 1581, Henry III menetapkan posisi "Chief Intendant of Music" di istana. "Pemimpin musik" pertama adalah pemain biola Italia Baltazarini de Belgioso, yang mementaskan "The Queen's Comedy Ballet", sebuah pertunjukan di mana musik dan tarian disajikan sebagai aksi panggung untuk pertama kalinya. Beginilah asal mula balet istana.

Clément Janequin (c. 1475 - c. 1560), seorang komposer terkemuka Renaisans Prancis, adalah salah satu pencipta genre lagu polifonik. Ini adalah karya 4-5 suara, seperti lagu fantasi. Lagu polifonik sekuler - chanson - tersebar luas di luar Prancis.

Pada masa Renaisans, musik instrumental berkembang secara luas. Di antara alat musik utama adalah kecapi, harpa, seruling, obo, terompet, berbagai jenis organ (positif, portabel), jenis harpsichord; Biola merupakan salah satu alat musik rakyat, namun dengan berkembangnya alat musik gesek baru seperti biola, biola menjadi salah satu alat musik unggulan.

Kecapi adalah alat musik favorit yang paling umum di banyak negara Renaisans di Eropa Barat. Dia dikenal di hampir semua kalangan sosial. Lagu ini dimainkan di istana kerajaan, pangeran, dan adipati oleh musisi virtuoso dan pecinta seni bangsawan; lagu ini terus-menerus terdengar di kalangan humanis, di berbagai “akademi” abad ke-16, dalam kehidupan rumah tangga warga kota, di udara terbuka, di udara terbuka. berbagai ansambel, termasuk teater.

Pada abad ke-16, sosok-sosok komposer luten yang kreatif dan cemerlang bermunculan di sejumlah negara Eropa. Yang terbesar adalah: Francesco Canova da Milano (1497-1543) dan Vincenzo Galilei (c. 1520-1591) di Italia, Luis de Milan (c. 1500 - setelah 1560) dan Miguel de Fuenllana (setelah 1500 - c. 1579 ) di Spanyol, Hans (w. 1556) dan Melchior (1507-1590) Neusiedlers di Jerman, John Dowland (1562-1626) di Inggris, Hongaria kelahiran Valentine Greff Backfark (1507-1576), Wojciech Dlugoraj (c. 1550 - setelah tahun 1619) dan Jakub Reis di Polandia. Di Prancis, komposer lutenis terpenting sudah muncul pada abad ke-17. Dan meskipun, selain master kelas atas yang disebutkan di atas, banyak lutenis atau vihuelis terkemuka tampil di mana-mana (Spanyol sangat kaya akan mereka), namun sejumlah besar karya kecapi kemudian didistribusikan di Eropa tanpa nama. para penulis. Musik sehari-hari yang anonim ini sepertinya milik semua orang: negara-negara sepertinya bertukar repertoar, tarian Jerman muncul dalam koleksi Italia, dan Italia, Polandia, dan Prancis dalam koleksi Jerman. Sebutan dramanya sangat singkat: "Passamezzo Luar Biasa", "Hal Baik", "Correnta Prancis", "Italia", "Venesia", dll.

Koleksi tulisan tangan kedua yang kemudian juga berisi lebih dari seratus drama. Separuh di antaranya adalah tarian: passamezzo, saltarello, pavane, galliard, French correnta, tarian Polandia, tarian Jerman, cukup “Nachtanz” atau “Danza”, allemande. Selain itu, sejumlah lakon berjudul “Masquerade”, “Veneziana”, “Bergamasca”, “Fyamenga” bersifat tari. Seperti yang Anda lihat, asal usul tarian ini adalah Italia, Prancis, Jerman, Polandia, Spanyol. Di atas semua repertoar ini, passamezzo pasti mendominasi (kadang-kadang disebut "Passo mezzo bonissimo", atau "Milan", atau "Moderno") - tarian dua ketukan atau empat ketukan dengan "setengah langkah", tidak tergesa-gesa, kemudian digabungkan dengan "pasangannya" - saltarello (menari " dengan lompatan", cepat, tiga ketukan).

Komposer lutenis Italia paling terkenal pada masanya, Francesco da Milano (yang bertugas di istana Adipati Gonzaga di Mantua, saat itu Kardinal Ippolito de' Medici) mulai menerbitkan karyanya pada tahun 1536 dan dengan cepat mendapatkan ketenaran baik di Italia maupun di Italia. di negara lain.

Theorbo Gerard Ter Borch (1617-1681) Sekitar tahun 1658

Menjelang akhir abad ke-16 dan seterusnya, gaya umum musik kecapi berubah drastis. Di Italia, misalnya, ia menjadi ahli dan suka konser dengan caranya sendiri. Seiring berjalannya waktu, tarian dan lagu mendapat perlakuan yang lebih kompleks, terkadang mewah, meski tidak kehilangan kontak dengan sumber sehari-hari. Kecapi di tangan komposer seolah berusaha menguras kemampuannya. Di antara drama konser G. A. Terzi (1593) terdapat passamezzos dan seluruh siklus tarian yang disajikan dengan apik, seperti “Ballo Tedesco et Francese”.

Vincenzo Galilei, ayah dari astronom hebat, menarik perhatian orang-orang sezamannya pada tahun 1570-an dan 1580-an dengan lagu-lagu dramatisnya dengan kecapi dan pada akhirnya memainkan peran penting dalam persiapan monodi yang diiringi, yang menjadi dasar opera pertama. di Italia muncul.

Musik Vihuela mengalami perkembangan gemilang di Spanyol abad ke-16. Antara tahun 1535 dan 1576, koleksi penulis komposer Vihuelist Luis Milan ("Maestro", Valencia, 1535-1536), Luis de Narvaez (Valladolid, 1538), Alonso Mudarra (Seville, 1546), Enriquez de Valderrabano (Valladolid, 1538) adalah diterbitkan di sana.

Yang tak kalah penting adalah sosok kreatif Miguel de Fuenllana, yang buta sejak lahir, seorang virtuoso di vihuela. Ia lahir di Navalcarnaro dekat Madrid, menjadi musisi kamar untuk Marquis de Tarifa dari tahun 1562-1569, kemudian bertugas di istana Philip II dan akhirnya menjadi musisi istana untuk Isabella Valois. Koleksinya "Orpheus' Lyre" terdiri dari enam buku dan mencakup 188 karya. Diantaranya yang mendominasi adaptasi komposisi vokal orang lain, banyak fantasi dan hanya sedikit tiento. Seolah-olah tidak ada yang baru di sini dalam hal variasi genre: mereka juga ditemukan di Milan. Namun pada intinya, pendekatan Fuenllana terhadap komposisi fantasi dan adaptasi vokal asli spiritual dan sekuler agak berbeda. Fantasinya lebih asketis daripada Milan, karena sang komposer mengupayakan presentasi polifonik yang berkelanjutan (dua dan empat suara), yang, mengingat kemampuan vihuela yang sederhana, membelenggu imajinasinya. Dalam aransemennya, Fuenllana mengandalkan karya vokal komposer Spanyol C. Morales, X. Vázquez, P. dan F. Guerrero, serta beralih ke musik Josquin Depres, A. Villart, F. Verdelo, N. Gombert, C. Festa, J. Arkadelta, Jacquet, L. Heritier, Lupus dan lain-lain. Dia tertarik kepada mereka oleh sebagian massa, dan motet, dan madrigal, dan vnliansikos. Dalam aransemennya, ia sering tidak “mengubah urutan” sampel vokal polifonik tersebut untuk vihuela, tetapi menciptakan variasinya, misalnya untuk suara dengan satu vihuela atau untuk dua suara. Kita hanya bisa takjub melihat bagaimana seorang musisi tunanetra dapat mempelajari jalinan polifonik dengan cara ini dan "mengubahnya" dengan caranya sendiri, tanpa memiliki kesempatan untuk mendengarkan aslinya berkali-kali dan tanpa partitur (belum ada seperti itu) - setidaknya mempelajarinya dengan bantuan teman atau kolega.

Pemain kecapi Bartholomeo Veneto

Lorenzo Kosta. "Konser" - lukisan Renaisans

Dalam hal skala bakat dan koneksi dengan berbagai negara Eropa, pada paruh kedua abad ke-16, sosok kreatif penting Valentin Greff Backfark menonjol. Ia dilahirkan pada tahun 1507 di Brasso (Kronstadt, Siebenbürgen) dan berasal dari Hongaria (Greff adalah nama keluarga ibunya). Pelatihan musiknya selama bertahun-tahun tampaknya dihabiskan di istana raja Hongaria Janos, dan kemudian musisi muda itu mengabdi padanya sampai raja meninggal pada tahun 1540. Kemudian, Bakfark mungkin mengunjungi Prancis, dan pada tahun 1549 ia menjadi musisi istana raja Polandia Sigismund Augustus II. Dari tahun 1551 hingga 1554, ia dan salah satu pelindungnya mengunjungi Königsberg, Danzig, Wüttenberg, Augsburg, Lyon, berada di Paris di istana, kemudian di Roma, Venesia - dan kembali ke istana Polandia di Vilna. Pada tahun 1553, koleksi kecapinya diterbitkan di Lyon. Pada saat itu, Backfark sudah menjadi “komposer-lutenis” yang terkenal. Pada tahun 1665, koleksi baru karyanya diterbitkan di Krakow. Pada tahun 1566-1568, Backfark bekerja di istana Kaisar Maximilian II di Wina, setelah itu ia. kembali ke tanah airnya di Siebenbürgen. Akhirnya, pada tahun 1571 kami menemukannya di Italia, di Padua. Di sana Bakfark meninggal karena wabah pada tahun 1576.

Di Inggris dan Prancis, musik kecapi, yang baru saja mencapai puncaknya, tampaknya mentransfer pengalamannya ke instrumen keyboard: virginel di Inggris dan harpsichord di Prancis. Lutenis Inggris terhebat, John Dowland, bekerja berdampingan dengan para perawan awal pada masanya. Para lutenis terbaik di Prancis, di antaranya Denis Gautier, sudah aktif pada abad ke-17 - dan ahli waris langsung mereka adalah perwakilan dari generasi pertama pemain harpsichordist.

Era terbentuknya bangsa-bangsa banyak tercermin dalam musik dan terutama dalam lagu-lagu daerah. Bangsa-bangsa belum sepenuhnya terbentuk, tetapi cerita rakyat lagu nasional sudah bermunculan - Prancis dan Spanyol, Ceko dan Polandia, Serbia dan Hongaria, Jerman dan Belanda, Italia dan Inggris, dengan ciri khas tema, genre, dan struktur intonasi. Lagu-lagu terbaik yang paling jelas mengungkapkan karakter, perasaan, dan pemikiran masyarakatnya, lambat laun berkembang dari cerita rakyat lokal menjadi cerita rakyat nasional.

Madrigal Italia, lagu polifonik Prancis (chansons), aria dan balada Inggris - mereproduksi gambar alam asli, kehidupan pedesaan dan perkotaan; mengungkap pengalaman terdalam seseorang, selangkah demi selangkah membebaskan dirinya dari belenggu hubungan, tradisi, dan prasangka patriarki lama.

Pembaruan kehidupan dan seni musik berarti demokratisasi, daya tarik yang lebih luas dan berani terhadap sumber kreativitas lagu daerah. Musik profesional - sakral dan sekuler - banyak diambil dari sini.

Daya tarik terhadap asal-usul folk, terutama di Eropa barat laut, Inggris dan Belanda, berkontribusi pada semakin meluasnya penyebaran musik polifonik. Berbagai genre terbentuk: lagu massal, motet, adrigal, polifonik. Kemenangan polifoni berhubungan dengan tingkat perkembangan melodi yang lebih tinggi yang telah dicapai.

Renaisans Musikal tidak berkembang secara merata, dalam “aliran yang berkesinambungan”, tetapi dalam “siklus” khusus yang naik dan turun, mendorong maju satu atau beberapa negara Eropa.

Pada abad XIV. di depan adalah seni inovatif yang cemerlang dari kota-kota di Italia utara. Abad ke-15, yang ditandai dengan "jeda" di Italia, menjadi periode perkembangan pesat salah satu gerakan musik Renaisans yang paling kuat dan luas pada masa itu - polifoni Belanda. Pada abad ke-16 Sekolah Belanda, setelah menyelesaikan masa kejayaannya di tanah airnya, memulai migrasi aktif ke negara lain dan budaya nasional, sementara Italia memasuki periode cerah baru yang terkait dengan puncak cemerlang dari genre madrigal dan polifoni kultus. Atau lagi: pada saat Renaisans Tinggi Italia telah digantikan oleh Kontra-Reformasi, genre puncak Renaisans musik Prancis - lagu polifonik (chanson) - mencapai puncaknya.

Genre, yang, menurut semangat estetika Renaisans dan aspirasi perwakilannya yang paling terpelajar, seharusnya menjadi penyelesaian dan bunga tertinggi Renaisans - opera, sebagai restorasi teater kuno - lahir hanya ketika orang Italia (Abad XVI) sudah berakhir, dan budaya musik yang baru muncul harus dipengaruhi oleh gaya dan cita-cita artistik lain.

Kota-kota di Italia utara - Florence dan Bologna, Padua dan Pisa, Perugia dan Rimini - menciptakan seni musik baru mereka sendiri. Musisi luar biasa dari awal Renaisans - John dari Florence, Ghirardello, Francesco Landino, Pietro Casella - meninggalkan banyak karya bergenre liris dan liris sehari-hari untuk dinyanyikan dengan iringan kecapi dan instrumen senar lainnya. Beberapa komposisi mereka juga dibawakan oleh ansambel instrumental. Musik ini sebagian terkait dengan asal usul rakyat dan sangat dipengaruhi oleh humanisme Italia awal. Semangat Renaisans pertama kali memanifestasikan dirinya secara luas dan sepenuhnya dalam sekolah seni yang sangat profesional yang murni sekuler - sebuah sekolah yang secara terbuka menentang polifoni gereja dari "gaya lama" dan jauh melampaui lirik duniawi "semi-profesional" dari sebagian besar penyanyi dan penyanyi. trouvères, pendahulu musikal Renaisans.

Untuk pertama kalinya, melodi, yang lebih merdu dan fleksibel dibandingkan melodi para master abad pertengahan, terdengar selaras dengan syair Italia (Petrarch dan penyair lainnya), mengikuti gambar, meteran, dan ritmenya. Ini adalah gambar-gambar bergenre realistis tentang berbagai topik: berburu di pegunungan dengan keriuhan terompet dan seruan para pemburu; jalan-jalan dan pemandangan memancing yang menyenangkan; para pedagang di pasar saling berlomba-lomba mengundang pembeli.

Di tengah-tengah gerakan ars nova muncul sosok Francesco Landini, seorang seniman kaya dan multi-talenta yang memberikan kesan kuat pada orang-orang progresif sezamannya. Landini lahir di Fiesole, dekat Florence, pada tahun 1325, dalam keluarga seorang pelukis. Setelah menderita cacar di masa kanak-kanak, ia menjadi buta permanen. Dia mulai belajar musik sejak dini (pertama menyanyi, dan kemudian memainkan alat musik gesek dan organ) - "untuk meringankan kengerian malam abadi dengan sedikit penghiburan." Perkembangan musiknya berjalan dengan kecepatan luar biasa dan membuat kagum orang-orang di sekitarnya. Dia dengan sempurna mempelajari desain banyak instrumen (“seolah-olah dia telah melihatnya dengan matanya sendiri”), melakukan perbaikan dan menemukan desain baru. Selama bertahun-tahun, Francesco Landini melampaui semua musisi Italia pada masanya. Dia sangat terkenal karena permainan organnya, di mana dia, di hadapan Petrarch, dimahkotai dengan kemenangan di Venesia pada tahun 1364. Rupanya, saat itu Landini belum dikenal sebagai komposer, dan mungkin dia mulai mengarang. hanya pada pertengahan tahun 1360-an. Peneliti modern memperkirakan karya awalnya berasal dari tahun 1365-1370. Diketahui bahwa di Florence Landini banyak berkomunikasi dengan penyair, mengarang puisi sendiri, dan berpartisipasi secara setara dalam debat estetika terpelajar para humanis. Landini meninggal di Florence dan dimakamkan di Gereja San Lorenzo; tanggal di batu nisannya adalah 2 September 1397. Sejak lama, hanya sedikit tulisan Landini yang diterbitkan. Saat ini, 154 komposisi diketahui.

Francesco Landini

Pada abad ke-15 Genre vokal baru yang demokratis muncul yang merespons bentuk kehidupan musik sosial yang lebih luas, terbuka. Frottola menjadi sangat populer, yang namanya secara harfiah - "lagu orang banyak" sudah berbicara tentang sifat kampungannya. Komposer frattolist menulis dengan gaya yang mirip dengan cerita rakyat kota-kota Italia. Frottola berbeda dari genre abad ke-14 karena melodinya yang merdu, ekspresif, dan tangga nada mayor yang jelas.

Namun abad ke-16 dianggap sebagai peristiwa terkaya dalam sejarah seni musik Italia, menghadirkan gambaran yang lebih kompleks saat ini dibandingkan abad-abad sebelumnya. Beberapa tren mencapai puncaknya di sini sebagai hasil perkembangan jangka panjang (musik polifonik vokal gaya ketat), yang lain muncul dan berkembang secara intensif, dihasilkan oleh suasana spiritual pada periode tertentu (musik sekuler dalam genre madrigal), yang lain adalah dipersiapkan secara tidak kentara menjelang titik balik baru yang terjadi pada pergantian abad ke-16, ketika era High Renaissance berakhir.

Kebangkitan aliran Romawi yang dipimpin oleh Palestrina tidak bisa tidak dikaitkan secara eksternal dengan periode Kontra-Reformasi. Namun, esensi sebenarnya dari seni Palestrina menegaskan pendapat bahwa ide-ide kreatif penting Renaisans diwujudkan di dalamnya, yang, bagaimanapun, mendapat perwujudan unik dalam kondisi sejarah baru.

Permulaan Kontra-Reformasi mempengaruhi perubahan umum suasana spiritual di mana seni berkembang dari pertengahan hingga akhir abad ke-16. Seniman tingkat lanjut mau tidak mau merasakan penindasan terhadap reaksi Katolik yang menganiaya “orang-orang sesat”, tindakan Inkuisisi, kendala pemikiran progresif, yaitu program aksi yang pada dasarnya anti-Renaisans yang diadopsi dan dilaksanakan oleh kepausan. . Keseimbangan artistik tertinggi yang dicapai dalam seni High Renaissance pasti terguncang dan terganggu.

Giovanni Pierluigi da Palestrina lahir sekitar tahun 1525 dan mendapat julukan dari tempat lahirnya (Palestrina, dekat Roma). Sejak kecil ia bernyanyi di katedral kota asalnya, dan pada tahun 1534 ia menjadi penyanyi kapel di Roma. Sejak saat itu, hampir sepanjang hidupnya Palestrina dikaitkan dengan gereja-gereja terkenal di ibu kota kepausan. Hubungan primordial dengan aliran sesat Katolik dan kalangan Katolik, religiusitas mendalam yang melekat dalam pandangan dunianya, tidak bisa tidak mempengaruhi karyanya. Setelah Konsili Trente, Palestrina mendapatkan legenda “penyelamat musik gereja”; salah satu misanya, yang dilakukan di rumah seorang kardinal, meyakinkan pendeta yang lebih tinggi bahwa musik polifonik tidak dapat mengaburkan arti kata-katanya dan, oleh karena itu, tidak melanggar kesalehan gereja. Hingga akhir hayatnya, Palestrina tak segan-segan mengubah gaya hidupnya, meski banyak penguasa yang mengundangnya ke istananya. Baru dalam beberapa tahun terakhir, mungkin karena bosan dengan tugasnya di Roma, Palestrina ingin kembali ke tanah airnya. Namun kematiannya pada tanggal 2 Februari 1594 tidak memungkinkan niat tersebut terwujud.

Giovanni Pierluigi da Palestrina

Warisan kreatif Palestrina sangat mencolok dalam skalanya. Dia menciptakan lebih dari 100 massa, lebih dari 300 motet, lebih dari 100 madrigal. Musiknya didominasi oleh suasana kontemplasi yang terkonsentrasi, tenang, dan luhur. Perkembangan kreatif Palestrina dicapai ketika Renaisans untuk seni lainnya sudah berlalu. Dia juga merupakan puncak musik dari budaya ini, dan mewujudkan gagasan utamanya - gagasan keharmonisan sempurna antara manusia dan dunia - dengan keindahan yang diidealkan dan digeneralisasikan yang masih mustahil sebelum dia, dan setelahnya - tidak mungkin lagi di Seni paduan suara Italia.

Semua karyanya jelas memiliki interpretasi Renaisans: kedekatan intonasi dengan cerita rakyat dan noel, rekaman suara warna-warni, dan motif parodi yang muncul di sana-sini.

Sementara Renaisans Italia, Prancis, dan Spanyol di Eropa selatan sedang membuka salah satu halaman paling cemerlang dalam sejarah sastra dan seni dunia, di barat laut benua itu, di Belanda, ia terbentuk pada abad ke-15. . sekolah polifoni paduan suara yang kuat. Dalam sejarah budaya musik negaranya, itu menjadi puncaknya. Dengan kecepatan luar biasa, cabang-cabangnya berkembang hingga ke negara-negara lain. Seni polifonik Italia, Perancis, Spanyol, dan Jerman belajar dan berkembang dari pengalamannya yang berharga. Hal ini telah memperoleh signifikansi internasional. Abad XV-XVI - masa kejayaan musik Belanda.

Para penyanyi berkeliaran di mana-mana, mendirikan sekolah mereka sendiri di Bruges dan pusat-pusat lainnya. Di gereja-gereja, selama waktu senggang dari kebaktian, konser musik organ diadakan. Sekolah panti asuhan tertutup, yang disebut metrize, yang melatih penyanyi dan organis profesional sejak masa kanak-kanak, merupakan pusat pendidikan dan teori musik. Dari metriz muncullah ahli polifonis hebat seperti Guillaume Dufay, Gilles Benchois, dan lainnya.

Puncak dalam sejarah sekolah Belanda adalah karya Orlando di Lasso. Berasal dari Flanders (lahir di Mons, Hainaut, pada tahun 1532), ia dibesarkan di Italia dan, seperti pendahulunya, memulai karir musiknya sebagai anggota paduan suara. Lasso menjalani kehidupan mengembara yang gelisah, khas tokoh Renaisans. Italia dan Inggris, Prancis dan Antwerpen. Dia menghabiskan 38 tahun terakhirnya di Munich sebagai konduktor di istana Duke of Bavaria, di mana dia meninggal pada tahun 1594. Dia adalah seorang musisi jenius dalam kedalaman dan kekuatan seninya, jangkauan luas dan kekuatan kreatifnya, salah satu dari mereka yang disebut raksasa Renaisans.

Orlando di Lasso

Komposer O. Lasso memimpin orkestra

Dengan demikian, seni musik Renaisans tidak hanya dicirikan oleh pencapaian sekolah kreatif nasional dan lokal (misalnya, Romawi, Venesia, dan lain-lain), tetapi juga oleh kedekatan (terkadang bahkan kesatuan) dari tren kreatif yang penting.