Sergei Aleksandrovich Lobovikov lahir pada tahun 1870 di desa Belaya, distrik Glazovsky, provinsi Vyatka, dalam keluarga seorang diakon. Dia lulus dari sekolah pedesaan dan belajar di Sekolah Teologi Glazov selama dua tahun. Pada usia 14 tahun dia menjadi yatim piatu. Pada tahun 1885, ia dikirim oleh walinya sebagai magang di studio foto Pyotr Grigorievich Tikhonov di Vyatka. Pada tahun 1892 ia diangkat ke dinas militer aktif (pada tahun 1893 ia dibebaskan karena alasan kesehatan). Pada tahun 1893, ia sempat bekerja sebentar di fotografi K. Bulla di St. Pada tahun 1894 ia kembali ke Vyatka dan membuka bengkel fotonya sendiri (pada tahun 1904 ia membeli sebuah rumah di sudut jalan Moskovskaya dan Tsarevskaya, tempat foto-fotonya disimpan selama 30 tahun). Sejak 1899, ia telah berpartisipasi dalam pameran di Rusia dan luar negeri, dan berulang kali menerima penghargaan tertinggi. Pada tahun 1900, ia berkeliling Eropa dan berpartisipasi dalam Pameran Dunia Paris (medali perunggu).

Pada tahun 1908 ia terpilih sebagai ketua Masyarakat Fotografi Vyatka dan menerima medali emas untuk foto-fotonya di Pameran Internasional di Kyiv. Pada tahun 1909 ia melakukan perjalanan kedua ke luar negeri dan mengikuti pameran di Dresden. Pada tahun 1909-1912. - Ketua lingkaran seni Vyatka, melakukan banyak pekerjaan dalam mengorganisir museum seni-sejarah di Vyatka (bepergian ke Moskow dan St. Petersburg untuk mengunjungi seniman dan kolektor, mengumpulkan lukisan). Pada tahun 1909, ia menerima hadiah pertama di kompetisi Masyarakat Fotografi Rusia. Pada tahun 1913-1914 - vokal Duma Kota Vyatka. Sejak tahun 1918 - sebagai anggota pengurus Subdepartemen Provinsi untuk Urusan Museum dan Perlindungan Monumen Seni dan Purbakala. Pada tahun 1918, banyak studio fotografi dinasionalisasi, guru Lobovikov, Tikhonov, ditangkap oleh Cheka sebagai sandera dan dieksekusi (pada usia 66 tahun). Lobovikov berhasil menghindari nasionalisasi bengkel tersebut; pada tahun 1920 ia menerima surat perilaku aman dari Lunacharsky. Pada tahun 1921-26. Lobovikov berpartisipasi dalam penilaian barang-barang berharga gereja yang disita, mengumpulkan koleksi 617 peralatan antik dan meminta untuk meninggalkannya di Vyatka (meskipun ada petisi berulang kali, koleksi tersebut dibawa ke Moskow). Pada tahun 1927, pameran pribadi Lobovikov diadakan di Moskow untuk memperingati 40 tahun aktivitas fotografinya. Pada tahun-tahun yang sama, karya fotografer Rusia kuno dikritik karena “sangat estetis, terpisah dari realitas Soviet.” Sejak 1920, Lobovikov mengajar kursus fotografi di Institut Pedagogis Vyatka. Pada tahun 1932, dia menyumbangkan rumah dan kamar gelapnya ke Institut Pedagogis. Atas keputusan pimpinan lembaga, laboratorium tersebut segera dilikuidasi, dan rumahnya diubah menjadi asrama mahasiswa (fotografer sendiri dan keluarganya terpaksa berkumpul di sebagian kecil rumah). Pada tahun 1934, ia menerima pensiun akademis, pindah ke Leningrad, dan bekerja di laboratorium film dan foto di Akademi Ilmu Pengetahuan. Dia meninggal pada November 1941 di Leningrad yang terkepung. Pada tahun 1954, arsip foto S.A. Lobovikov diberikan oleh ahli warisnya sebagai hadiah kepada Museum Seni Kirov. Rumah Lobovikov di Vyatka (Kirov) dihancurkan pada akhir 1950-an.

Dari buku harian S.A. Lobovikova: “9 Desember 1899. Saya melewati rumah L...va. Sepasang pejalan kaki sedang berdiri di teras. Seorang pria kecil malang dengan pakaian jelek, semuanya kedinginan, berhenti di depan gerbang; , pergi dan hanya menghela nafas dalam-dalam dan berat.” -he-he-he-e." Berapa banyak kata dan perasaan yang diungkapkan dalam “e-he-he-e-e” ini; seruan ini begitu mendalam ke dalam jiwa, merasa malu di depan orang malang ini... Berbalut mantel bulu baru, biarkan dia sendiri, dan mengapa kamu peduli orang lain kedinginan dan tidak punya pakaian hangat... Ya, jiwa kita tidak berperasaan, dingin - hanya mantel bulu yang membuat kita tetap hangat!”

A.Koltsov

Kenapa kamu tidur, kawan?
Bagaimanapun, musim semi sudah dekat;
Lagipula, tetanggamu
Mereka sudah bekerja sejak lama.
Bangun, bangun, bangun,
Lihat dirimu:
Apa kamu tadi? dan apa yang terjadi?
Dan apa yang kamu punya?
Di tempat pengirikan - bukan setumpuk;
Tidak ada satu butir pun di tempat sampah;
Di halaman, di rumput -
Setidaknya gulingkan bola.
Dari kandang brownies
Saya menyapu sampah dengan sapu;
Dan kuda untuk hutang
Dia menyebarkannya ke tetangga.
Dan di bawah bangku ada peti
Berbaring terbalik;
Dan, membungkuk, gubuk itu,
Dia berdiri di sana seperti seorang wanita tua.
Ingat waktu Anda:
Bagaimana itu bergulir
Melalui ladang dan padang rumput
Sungai emas!
Dari pekarangan dan tempat pengirikan
Sepanjang jalan besar,
Melalui desa, kota,
Untuk orang-orang yang berdagang!
Dan bagaimana pintunya
Terlarut dimana-mana
Dan di sudut kehormatan
Itu tempatmu!
Dan sekarang di bawah jendela
Anda sedang duduk dalam keadaan membutuhkan
Dan sepanjang hari di atas kompor
Anda berbaring di sana tanpa bangun.
Dan di ladang sebagai anak yatim
Rotinya tidak dipotong.
Angin menajamkan gandum!
Burung itu mematuknya!
Kenapa kamu tidur, kawan?
Bagaimanapun, musim panas telah berlalu,
Bagaimanapun, musim gugur sudah tiba di halaman
Dia melihat melalui pemintal.
Musim dingin mengikutinya
Dia berjalan dengan mantel bulu yang hangat,
Jalannya tertutup salju,
Itu berderak di bawah kereta luncur.
Semua tetangga ada di sana
Mereka membawa dan menjual roti,
Mengumpulkan perbendaharaan -
Mereka meminum tumbukan itu dengan sendok.

Lokasi syuting favorit Lobovikov adalah desa Fileyskoe, yang berdiri dekat kota di tepi Sungai Vyatka.

Nyanyian pengantar tidur

Matahari sedang terbenam
Dan hari semakin gelap,
Jatuh dari gunung
Ada keteduhan di desa.
Hanya kubah gereja
Diterangi oleh matahari,
Dan gereja terbuka
Dan bel berbunyi.
Lonceng untuk Vesper
Christian memanggil;
Besok hari Minggu -
Istirahat dari pekerjaan.
Dan terdengar di lapangan
Lonceng berbunyi,
Penduduk desa ke desa
Saya sudah menggiring sapi.
Dan di desa itu ada sebuah gereja
Penuh dengan orang
Dan berkilau dengan lampu
Banyak lilin.
Lilin buruh
Mereka menyala lebih terang dari bintang-bintang,
Dan orang-orang berdoa
Mereka berkreasi dalam kesederhanaan.

Ivan Nikitin
Kakek

Botak, dengan janggut putih,
Kakek sedang duduk.
Cangkir dengan roti dan air
Berdiri di depannya.
Putih seperti harrier, ada kerutan di dahi,
Dengan wajah lelah.
Dia melihat banyak kesedihan
Selama sisa hidupnya.
Semuanya hilang; kekuatannya hilang
Tatapannya menjadi tumpul;
Kematian menempatkanku di dalam kubur
Anak cucu.
Dengan dia di gubuk berasap
Kucing itu tinggal sendirian.
Dia juga sudah tua, dan tidur sepanjang hari,
Dia tidak akan melompat dari kompor.
Orang tua itu membutuhkan sedikit:
Menenun sepatu kulit pohon dan menjualnya -
Jadi aku kenyang. Kegembiraannya adalah
Pergi ke kuil Tuhan.
Ke dinding, dekat ambang pintu,
Dia akan berdiri di sana, mengerang,
Dan dia memuji Tuhan atas kesedihannya,
Anak Tuhan.
Dia senang hidup, dia tidak keberatan pergi ke kuburan -
Di sudut yang gelap.
Dari mana kamu mendapatkan kekuatan ini?
Si kecil yang malang?

Lukisan Rusia abad ke-19.

Seorang pelukis yang luar biasa, pencipta gerakan romantis nasional yang unik dalam lukisan Rusia Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) , murid favorit Borovikovsky. Venetsianov menciptakan gaya yang unik, menggabungkan dalam karyanya tradisi akademisme kapital, romantisme Rusia pada awal abad ke-19. dan idealisasi kehidupan petani. Ia menjadi pendiri genre sehari-hari Rusia. Pada awal tahun 1819, sang seniman berangkat ke perkebunan kecil Safonkovo, provinsi Tver. Di usianya yang empat puluh tahun, ia seolah mulai kembali berkarya di dunia seni lukis. Dia tertarik pada orang-orang dari rakyat, budak, yang dengan berani dan heroik berperang melawan Napoleon, yang menjaga martabat dan kemuliaan manusia yang tinggi, meskipun ada penindasan yang berat terhadap perbudakan. Dan meskipun kemudian sang seniman kadang-kadang kembali ke potret, minat utamanya sejak awal tahun 1820-an dikaitkan dengan genre sehari-hari. Lukisan pertama Venetsianov dalam genre baru: pastel “Beet Peeling”, “Reaper” - secara meyakinkan bersaksi bahwa Venetsianov secara sadar mengupayakan kesetiaan realistis pada gambar, mengingat tugas utama pelukis “untuk menggambarkan tidak lain selain di alam, yaitu untuk menaatinya sendiri tanpa mencampuri tingkah laku artis mana pun.”

Petani Rusia seperti yang digambarkan oleh Venetsianov adalah orang-orang yang dipenuhi dengan keindahan spiritual dan kemuliaan, kemurnian moral dan integritas batin. Dalam upaya untuk membuat puisi rakyat Rusia, untuk menegaskan martabatnya yang tinggi, sang seniman agak mengidealkan pekerjaan dan kehidupan para petani dan tidak menunjukkan kesulitan sebenarnya dari kerja paksa. Namun fakta mengangkat tema “dasar” kehidupan petani dari sudut pandang estetika resmi patut mendapat perhatian khusus. Venetsianov, tidak seperti seniman lain pada paruh pertama abad ke-19, dengan berani dan percaya diri, dengan konsistensi yang tidak biasa, menegaskan dalam seni hak untuk menggambarkan petani biasa. Perkembangan sebenarnya dari bakat kreatifnya terjadi pada 20-30an abad ke-19. Selama periode inilah mahakarya seperti “Di tanah subur. Musim Semi”, “Saat panen. Musim Panas”, “Anak-anak di ladang” dan sejumlah sketsa muncul.

Para petani pekerja dalam lukisan Venetsianov cantik dan penuh kebangsawanan. Dalam lukisan “In the Field. Spring” tema buruh dijalin dengan tema keibuan, dengan tema keindahan alam asli. Lukisan bergenre terbaik dan paling sempurna secara artistik dari seniman, “At the Harvest. Summer,” dibedakan oleh persepsi liris-epiknya tentang realitas di sekitarnya. Jika pada lukisan pertama Venetsianov menggambarkan pemandangan musim semi dengan hamparan ladang yang luas, pucuk dedaunan pertama, awan tipis di langit biru, maka pada lukisan kedua sang seniman membuat orang merasakan puncak musim panas Rusia - masa penderitaan desa. - dengan ladang emas berkilauan, langit gerah. Kedua kanvas dilukis dengan warna terang dan jernih.
Pada tahun 1824, lukisan Venetsianov dipresentasikan pada sebuah pameran di St. Petersburg, yang mendapat tanggapan antusias dari masyarakat progresif Rusia. “Akhirnya, kita telah menunggu seorang seniman yang mengubah bakatnya yang luar biasa ke dalam penggambaran seorang penduduk asli, ke representasi objek-objek di sekitarnya, yang dekat dengan hatinya dan kita…” tulis P. P. Svinin, pencipta “Rusia Museum” di St. Pada tahun-tahun berikutnya, Venetsianov melukis banyak potret gadis petani muda: "Wanita Petani", "Wanita Petani dengan Jamur di Hutan", "Gadis dengan Menjahit", "Wanita Petani dengan Bunga Jagung" dan lain-lain. Dengan segala orisinalitas masing-masing karyanya, disatukan oleh keinginan seniman untuk mewujudkan ide-ide baru tentang keindahan dalam seni, tentang keindahan rakyat, spiritual dan mulia.

Signifikansi Venetsianov dalam sejarah seni Rusia sangatlah besar. Dia adalah salah satu seniman pertama yang mengabdikan karyanya untuk menggambarkan petani dan menetapkan genre sehari-hari sebagai bidang seni yang setara dan penting. Di kanvas sang seniman, muncul gambar-gambar rakyat, penuh dengan kemuliaan spiritual dan martabat manusia yang agung.
Pada saat yang sama, romantisme yang saat itu dipadukan dengan klasisisme akademis mendominasi kehidupan seni resmi.

Pada 30-40an abad XIX. Peran utama dalam seni rupa adalah seni lukis, terutama lukisan sejarah. Ciri khasnya adalah cerminan peristiwa sejarah kuno pada momen klimaks yang tragis. Berbeda dengan lukisan sejarah era sebelumnya (A.P. Losenko) yang condong ke arah sejarah nasional dengan subjek-subjek yang bermoral, di mana awal yang cerah menang atas kekuatan jahat, karya-karya sejarah K.P. Bryullova, F.A. Bruni, A.A. Ivanov bersifat simbolis abstrak. Biasanya lukisan mereka dilukis dengan subjek keagamaan, penekanan pada gambar dialihkan dari tokoh sentral tokoh utama ke kerumunan pada saat kritis.
Peran utama di sini adalah miliknya Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) , yang dalam karyanya memadukan konsep romantis dengan kanon gambar klasik. Orang-orang sezaman dengan suara bulat menganggap karya utama Bryullov sebagai kanvas sejarah yang besar "Hari terakhir Pompeii". Setelah mengunjungi sekitar Napoli, tempat dilakukannya penggalian arkeologi kota Romawi kuno Pompeii dan Herculaneum, ia akhirnya menentukan tema lukisan masa depannya. Terkejut dengan pemandangan kota yang terkubur di bawah lapisan lahar dan abu saat letusan Vesuvius pada 24 Agustus 79, ia mulai melaksanakan rencananya.

Sang seniman terpesona oleh kesetiaan, cinta yang luhur, dan keyakinan yang tidak dapat dihancurkan pada keadilan. Unsur-unsur yang mengamuk hanya membantu mengungkapkan keindahan spiritualnya yang luar biasa pada manusia. Tiga kelompok latar depan di sebelah kanan mewakili perasaan yang tinggi ini. Putra-putranya berusaha menyelamatkan ayah mereka yang sudah tua dan lemah, yang tidak bisa menerima kematian para dewa marmer putih yang jatuh dari atap istana. Kejatuhan mereka dianggap sebagai runtuhnya cita-citanya tentang kehidupan yang diatur secara rasional. Pliny muda, dengan hati-hati mengangkat dan membujuk ibunya untuk mengumpulkan sisa kekuatannya dan mencoba melarikan diri, tidak dapat meninggalkan orang yang paling disayang di dunia. Pengantin pria muda, tidak memperhatikan kilat dan tidak mendengar deru batu yang berjatuhan, menggendong pengantin wanita yang sudah meninggal dalam pelukannya. Hari terbaik dalam hidup mereka menjadi hari terakhir kebahagiaan duniawi mereka. Ide lukisan itu didasarkan pada kontras emosional romantis antara kesempurnaan orang-orang yang digambarkan dan kematian mereka yang tak terhindarkan: bangunan runtuh, patung marmer jatuh, dan tak seorang pun, baik pemberani, cantik, atau mulia, dapat diselamatkan. saat terjadi bencana. K. P. Bryullov menolak persyaratan klasik untuk menyoroti karakter utama. Pahlawannya adalah seluruh massa manusia, di mana setiap orang adalah partisipan yang setara dalam drama sejarah, setiap orang mengalami kekuatan bencana alam yang tak terelakkan.

Bryullov juga salah satu pelukis potret Rusia paling penting dan populer pada masanya. Dia terutama ahli dalam potret minyak seremonial, di mana seseorang ditampilkan dalam ketinggian penuh dalam suasana khusyuk, serta potret pensil dan cat air yang sangat bagus. Potret Bryullov mencerminkan cita-cita romantis dari kepribadian yang cantik dan bangga, berdiri di atas lingkungannya. Seperti, misalnya, “Horsewoman”, yang dibuat dengan warna coklat kekuningan, merah jambu, dan coklat kehijauan yang bersinar, mengingatkan pada lukisan valerine yang subur di abad ke-18.
Dalam kemegahannya, bakat luar biasa Bryullov, meskipun ia memiliki pendidikan akademis, terwujud dalam dua hal potret Countess Yu.P. Samoilova- dengan murid Giovanina dan si kecil berkulit hitam dan dengan murid Amacillia dalam topeng. Pada potret terakhir, kesederhanaan komposisi dan pewarnaan singkat, dibangun di atas kontras warna biru dan merah yang kaya, memberikan kanvas dekorasi khusus dan sekaligus monumental. Wajah Countess yang cantik dan dingin, dibingkai oleh rambut ikal hitam dengan latar belakang tirai merah cerah, pakaiannya sebagai ratu topeng, teman mudanya dalam pakaian oriental, kerumunan topeng beraneka ragam di belakang aula - semuanya berkontribusi pada penciptaan dari gambar romantis yang cerah.
Nama Bryullov menjadi simbol akademisme bergambar baru dengan unsur romansa.

Romantisme akademis lebih termanifestasi dalam kreativitas Fyodor Antonovich Bruni (1799-1875) . Sang seniman mengerjakan lukisan “Ular Tembaga” selama lima belas tahun, dan hal ini dijelaskan tidak hanya oleh ukuran kanvas yang sangat besar, tetapi juga oleh sulitnya memahami dan menulis alur Perjanjian Lama, yang kaya akan kandungan filosofis. Diselamatkan dari penawanan Mesir, orang-orang Yahudi, di bawah kepemimpinan Musa, mengembara di gurun tanpa air selama empat puluh tahun. Orang-orang yang lelah, tersiksa oleh kehausan dan kelaparan, menggerutu, dan Tuhan mengirimkan hukuman kepada mereka - hujan ular berbisa. Kemudian orang-orang bertobat dan mulai berdoa memohon belas kasihan, dan Tuhan memerintahkan Musa untuk mendirikan sebuah raksasa dan menempatkan seekor ular di atasnya. Siapa pun yang memandangnya dengan iman sejati pada keselamatan melalui Tuhan akan mendapat belas kasihan.

Sang seniman menetapkan sendiri tugas yang sulit - untuk menggambarkan beragam reaksi dari beragam orang, untuk menunjukkan tingkat iman dan ketundukan pada kehendak ilahi setiap orang. Namun orang-orang yang digambarkan di atas kanvas lebih cenderung dicekam rasa takut dibandingkan dipenuhi dengan kerendahan hati yang mendalam terhadap perintah Surga. Upaya seniman menghadirkan aksi dalam pencahayaan malam, menangkap komposisi figuratif dengan cahaya bulan, memberikan nada simbolisme pada bunyi gambar dan menghasilkan kesan mistis. “Ular Tembaga” miliknya sepenuhnya milik zamannya: wajah-wajah menyatu menjadi kerumunan yang dicengkeram oleh ketakutan yang sama dan kepatuhan yang rendah hati. Ritme sebaran sosok manusia, sebaran cahaya dan bayangan seakan mengulangi ritme naik turunnya emosi penonton. Orientasi religius dan mistik pada lukisan tersebut mencerminkan suasana modis di istana dan kalangan masyarakat kelas atas.

Fenomena paling signifikan dalam lukisan Rusia tahun 30-50an abad ke-19. – bekerja Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858) . Italia menjadi tanah air spiritual Ivanov, tempat ia datang untuk melanjutkan studi dan bekerja. Di sini dia dengan hati-hati mempertimbangkan tema kanvas masa depannya, yang ingin dia persembahkan untuk titik balik dalam kehidupan umat manusia - penampakan Juruselamat di dunia. Dalam sejarah, ia mencari gambaran sempurna yang dapat mengguncang jiwa pemirsa yang tidak berpengalaman dan menjadi dorongan bagi kelahiran kembali spiritualnya. Berbeda dengan Bryullov, yang menyanyikan sebuah himne untuk manusia Purbakala yang luar biasa, Ivanov terjun ke dunia Perjanjian Baru, mempelajari sejarah wawasan spiritual dan pembentukan umat manusia, dengan bebas membuat pilihan moralnya. Ia sangat berharap karya masa depan juga dapat memberikan jawaban atas banyak pertanyaan di zaman kita. Gambar yang luar biasa “Penampakan Kristus kepada Umat (Penampakan Mesias)” menjadi hasil utama dari biografi kreatifnya.
Sang seniman membutuhkan waktu dua puluh tahun untuk mengimplementasikan rencananya yang sulit. Pencarian komposisi yang gigih, karya yang gigih dan terus-menerus di alam disebabkan oleh keinginan untuk mencapai persuasif yang maksimal. Keahlian sekolah akademis terlihat jelas dari banyaknya sketsa persiapan yang dibuat, sketsa skala penuh, sketsa (ada lebih dari 300!) yang berkaitan dengan fragmen individu kanvas masa depan.
Pusat substantif kanvasnya bukanlah tindakan para pahlawan, tetapi alasan mereka, bukan demonstrasi yang disengaja dari cita-cita dan kepahlawanan, tetapi gerakan dan transisi perasaan yang nyaris tidak terlihat (dari keterkejutan, keingintahuan, dan ketidakpercayaan menjadi kekaguman dan kegembiraan). Menggabungkan dalam gambar dua peristiwa Injil dari waktu yang berbeda - khotbah Yohanes Pembaptis dan penampakan Kristus - ia mencapai integritas persepsi yang luar biasa tentang peristiwa penting tersebut.
Orang-orang dari berbagai usia dan temperamen datang ke tepi sungai Yordan dengan caranya masing-masing, masing-masing memiliki pengalaman hidup sendiri, masing-masing mendengar sesuatu yang berbeda dalam kata-kata Yohanes Pembaptis, masing-masing membuat pilihannya sendiri. Ada yang dengan senang hati siap memercayai kata-kata terilhami dari nabi yang mengumumkan kedatangan Juruselamat, ada pula yang tetap acuh tak acuh terhadapnya, dan ada pula yang dipenuhi harapan akan pembebasan dari penderitaan. Terlepas dari kenyataan bahwa setiap orang berada pada tahap tertentu dalam perkembangan spiritual dan moral mereka, secara keseluruhan mereka mengungkapkan impian universal manusia untuk menemukan kebenaran.

Perwujudan gagasan pokok pengarang tercermin dalam komposisi lukisan. Sekilas terlihat cukup tradisional. Mengikuti prinsip klasik, seniman menempatkan partisipan adegan di latar depan sepanjang bidang gambar, menyeimbangkan kedua bagiannya dan memusatkan perhatian penonton pada sosok Yohanes Pembaptis. Sekaligus, ia mengarahkan gerakannya lebih dalam, di mana sosok Kristus yang berjalan digambarkan. Pergerakan multi arah di sepanjang dan di dalam ruang semakin ditingkatkan dengan putaran dan pandangan sekilas dari karakter yang menghadap ke arah Kristus. Hal ini dapat dimaklumi, karena di sinilah, menurut maksud penulis, pusat dari keseluruhan komposisi berada. Semua benang tak kasat mata yang menghubungkan berbagai kelompok orang menjangkau dia. Bukan suatu kebetulan jika salib di tangan Yohanes dan tombak penunggang kuda Romawi diarahkan ke arahnya. Mari kita juga memperhatikan fakta bahwa Yesus tidak pergi kepada orang-orang benar (kelompok Yohanes), tetapi kepada orang-orang Farisi, ditemani oleh para penunggang kuda Romawi.

Aliran alam yang memiliki ciri realisme kritis dan orientasi sosial yang akut, muncul pada pertengahan abad ke-19. awalnya dalam sastra Rusia dan muncul dalam karya N.V. Gogol, N.A. Nekrasova, F.M. Dostoevsky, I.A. Goncharova, D.V. Grigorovich. Bersamaan dengan literatur baru, yang perwakilannya memperjuangkan “kealamian, kealamian, penggambaran kehidupan tanpa hiasan,” pada pertengahan tahun 40-an abad ke-19. Seluruh generasi seniman muncul - penganut aliran alam. Dan yang pertama di antara mereka harus dipertimbangkan Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852) , yang lukisannya mewakili pemandangan dari kehidupan, di mana esensi tragis dari situasi tersebut tersembunyi di balik kedok kehidupan sehari-hari. Ini adalah semacam khotbah moral, yang tujuannya adalah untuk mengoreksi orang lain. Ini adalah "Pria Segar", "Pengantin Pemilih", "Sarapan Seorang Bangsawan", "Perjodohan Mayor".
Dalam gambar “Perjodohan Mayor” Ada fenomena kehidupan yang khas pada saat itu - pernikahan demi kenyamanan: seorang saudagar kaya dan seluruh keluarganya bermimpi untuk menjadi "dari miskin menjadi kaya" melalui pernikahan putrinya dengan seorang mayor yang bangkrut. Di sini, seni mise-en-scène, ciri khas Fedotov, paling terlihat: di tengah, pengantin wanita imut melepaskan diri dari tangan ibunya, yang dengan kasar meraih roknya untuk menggendongnya di kamar, tokoh-tokoh lainnya disatukan dalam kelompok-kelompok yang masing-masing “bercerita” dengan caranya sendiri tentang kehidupan pedagang yang patriarki. Ketepatan, ekspresi yang luar biasa dari pose, gerak tubuh, dan ekspresi wajah para karakter membuat kita sejenak melihat moral sebenarnya dari keluarga ini. Sebentar lagi anak perempuan akan merapikan bajunya, ibu akan tersenyum ramah dan membungkuk, juru masak dan anggota rumah tangga akan menghilang ke ruang belakang. Karakter-karakter tersebut dipilih oleh Fedotov dengan pengetahuan luar biasa tentang kehidupan Rusia dan mewakili kumpulan fisiognomi yang menarik dan berharga yang menjadi ciri khas tahun 40-an.
Lukisan ini adalah mahakarya sejati dalam hal lukisan: skema warnanya didasarkan pada penjajaran ekspresif antara merah jambu, ungu, oker kehijauan, dan kuning. Kilauan kain sutra tebal, kilauan perunggu tua, dan kilauan kaca transparan ditampilkan dengan kesan material yang luar biasa. Pada garis-garis lembut kepala pengantin wanita yang terlempar ke belakang, dalam gerak-geriknya, selain kepura-puraan, terdapat banyak feminitas, yang dipertegas oleh kelembutan kain putih dan merah muda dari pakaiannya. Dalam semua ini, selain Fedotov sang satiris, orang juga merasakan Fedotov sang penyair.

Lukisan "Fresh Cavalier" dilukis pada tahun 1846. Ini adalah lukisan karya P.A. Fedotova menyampaikan kepada pemirsa sebuah episode dari kehidupan seorang pejabat. Pejabat tersebut menerima penghargaan pertamanya - sebuah perintah - dan tampak bagi kita sebagai karakter utama dari gambar tersebut. Kebanggaan dan kesombongannya menarik perhatian. Sang seniman menggambarkan pahlawannya dalam sebuah karikatur yang membuat penontonnya tersenyum. Lagi pula, perintah yang diterima seorang pejabat adalah penghargaan terendah yang bisa diterima seorang pejabat pada masa itu. Namun tokoh utama, seorang pejabat kecil, melihat penghargaan ini sebagai kemajuan karier. Dia memimpikan kehidupan yang berbeda. Perabotan di kamar pahlawan buruk dan menjelaskan reaksi pahlawan terhadap hadiah yang begitu rendah.

Sifat lucu dari gambar tersebut dicapai karena kontras gambarnya. Dalam gambar tersebut ia digambarkan mengenakan jubah besar, bertelanjang kaki, memakai pengeriting, berdiri di sebuah ruangan yang kumuh. Ada penghargaan di jubahnya. Ekspresi wajah yang serius dengan latar belakang jubah dan lingkungan rumah membuat Anda tersenyum. Lagipula, pria itu menyombongkan diri kepada pembantunya. Kemungkinan besar, dia tidak punya orang lain untuk menunjukkan hadiahnya. Tatapan pelayan itu merendahkan. Dia tidak berhenti melakukan pekerjaan sehari-harinya, dan berdiri di samping pria itu, memegang sepatu bot di tangannya. Kamar pahlawan kecil, banyak barang bertumpuk. Di meja makan, yang kemungkinan besar adalah meja kerja, terdapat sosis yang dipotong di koran. Ada tulang ikan tergeletak di bawah meja. Setiap sudut ruangan berantakan, barang-barang bertumpuk. Seragamnya tergantung di dua kursi, dan ada beberapa barang tergeletak di mana-mana. Kucing itu merobek pelapis salah satu kursi. Alat pengeriting rambut dan alat pengeriting rambut sang pahlawan, yang terletak tepat di atas meja, berbicara tentang keinginan sang pahlawan untuk menjadi modis dan terawat. Namun semua barang milik hero tersebut tidak dirawat dengan baik. Citra sang pahlawan dan keinginannya untuk menjadi lebih tinggi pangkatnya dari dirinya terlihat konyol dan menggelikan. Bahkan kucing di kursi pun kurus dan tidak terawat.

Pada tahun 60an, mereka mulai menuntut “konten”, “penjelasan kehidupan”, dan bahkan “putusan atas fenomena yang digambarkan” dari sang seniman. Hal utama dalam lukisan Rusia adalah dominasi prinsip-prinsip moral dan sosial di atas seni. Ciri ini paling jelas terlihat dalam karya seniman yang berpikiran demokratis. Pada tahun 1863, Akademi Seni menetapkan program untuk medali emas dengan plot dari mitologi Skandinavia. Semua tiga belas pelamar, di antaranya I.N. Kramskoy, K.G. Makovsky, A.D. Litovchenko, yang tidak setuju dengan program ini dan program secara umum, menolak untuk berpartisipasi dalam kompetisi dan meninggalkan Akademi. Setelah meninggalkan Akademi, para pemberontak mengorganisir "Artel of Artists", dan pada tahun 1870, bersama dengan pelukis Moskow - “Asosiasi Pameran Seni Keliling”. Dimulai dengan Perov dan diakhiri dengan Levitan, semua perwakilan lukisan Rusia yang luar biasa adalah peserta dalam pameran ini - Pengembara.
Para seniman Peredvizhniki mengalihkan pandangan mereka ke nasib sulit rakyat jelata. Di galeri potret Ivan Nikolaevich Kramskoy(1837-1887) Ada banyak tipe petani luar biasa yang mengungkapkan keyakinan pada masyarakat, kekuatan spiritual, kecerdasan, bakat, dan kebaikan mereka. Lukisan seniman terbaik tentang topik ini adalah "Pria bertopi penuh peluru" dan aktivitas “dakwah” Kramskoy sampai batas tertentu menghambatnya sebagai seorang pelukis: ia mencoba menyelesaikan dengan cara bergambar apa yang hanya bisa dilakukan oleh jurnalisme, dan rencananya tidak menemukan perwujudan gambar yang memadai. Itu sebabnya dia berpindah dari “Christ in the Desert” ke “Mermaids”, dari “Herodias” ke “Inconsolable Grief”, dari “Moonlit Night” ke “Unknown”. Namun harus dikatakan bahwa kuas Kramskoy-lah yang menciptakan potret para jenius sastra Rusia seperti L.N. Tolstoy dan N.A. Nekrasov. Dari potret Tolstoy, seorang pria yang cerdas, bijaksana, dan sangat waspada memandang kami.

Plot gambarnya "Kristus di Gurun" terkait dengan puasa empat puluh hari Yesus Kristus yang dijelaskan dalam Perjanjian Baru, di padang gurun, di mana ia pensiun setelah pembaptisannya, dan dengan godaan Kristus oleh iblis, yang terjadi selama puasa ini. Menurut sang seniman, ia ingin menangkap situasi dramatis pilihan moral, yang tak terelakkan dalam kehidupan setiap orang.
Lukisan itu menggambarkan Kristus duduk di atas batu abu-abu yang terletak di sebuah bukit di gurun berbatu abu-abu yang sama. Kramskoy menggunakan warna-warna sejuk untuk menggambarkan pagi hari - fajar baru saja dimulai. Garis horizon cukup rendah dan membagi gambar kira-kira menjadi dua. Di bagian bawah terdapat gurun berbatu yang dingin, dan di bagian atas terdapat langit menjelang fajar, simbol cahaya, harapan, dan transformasi masa depan. Alhasil, sosok Kristus yang mengenakan jubah gelap dan tunik merah mendominasi ruang gambar, namun sekaligus selaras dengan lanskap keras yang mengelilinginya.
Pengekangan dalam penggambaran pakaian memungkinkan seniman untuk mengutamakan wajah dan tangan Kristus, yang menciptakan persuasif psikologis dan kemanusiaan dari gambarnya. Tangan yang terkepal erat terletak hampir di tengah-tengah kanvas secara geometris. Bersama dengan wajah Kristus, mereka mewakili pusat semantik dan emosional dari komposisi, yang menarik perhatian pemirsa.

"Tidak dikenal" dianggap sebagai salah satu karya Ivan Kramskoy yang paling penting dan terkenal. Dengan memberi nama seperti itu pada kanvas, sang seniman memberinya aura misteri dan intrik. Secara ideologis dan artistik dari isi gambar “Yang Tak Diketahui”, sang pelukis berhasil menciptakan sebuah karya yang berada di ambang potret dan lukisan tematik.

Di antara seniman Rusia pertama yang, dalam semangat pers progresif tahun 60an, mengubah lukisan mereka menjadi khotbah yang mencela, adalah Vasily Grigorievich Perov (1834-1882) . Sudah di film pertamanya “Khotbah di desa”, yang diterbitkan pada tahun pembebasan para petani, tidak ada jejak ejekan Fedotov yang tidak berbahaya: pemilik tanah yang gemuk, tidak peduli dengan kata-kata pendeta, tertidur di kursi; istri mudanya, memanfaatkan momen itu, berbisik-bisik dengan pengagumnya, dengan demikian menunjukkan penghinaan terhadap nilai-nilai spiritual di pihak masyarakat yang “tercerahkan”. Gambar selanjutnya “Prosesi untuk Paskah” cukup “gaya Bazarov” dalam ketajamannya dan selaras dengan novel-novel tuduhan paling kelam pada masa itu.
Sebuah prosesi dengan kekuatan penuh dengan spanduk dan ikon meninggalkan tsesovalnik, setelah memanjakan diri mereka di sana dengan kemuliaan: para peziarah yang mabuk berjatuhan dari kedai dalam keadaan kacau dan tercebur ke dalam lumpur musim semi; sang pendeta, nyaris tidak menggerakkan kakinya, meninggalkan beranda dengan susah payah; diaken yang membawa pedupaan tersandung dan jatuh.

Baik pendeta maupun laki-laki ditampilkan dalam bentuk yang paling tidak menarik, sehingga tidak ada keraguan bahwa segala sesuatu di Rusia tidak berharga dan memerlukan perombakan dan rekonstruksi radikal. Semua lukisan lain karya Perov, kecuali “Kedatangan pengasuh” dan “Troikas,” yang lebih bersifat menyedihkan daripada menuduh, penuh dengan kesedihan atas “kemanusiaan yang malang.” Dibandingkan dengan lukisan-lukisan awal, yang dibedakan oleh detail naratif yang berlebihan, fragmentasi bentuk, dan kurangnya rasa warna, integritas muncul dalam karya-karya Perov selanjutnya. Sangat bagus potret F.M. Dostoevsky dan A.N. Ostrovsky, penulis hebat Rusia. Karya-karya ini memungkinkan kita untuk mengklasifikasikan Perov sebagai salah satu pendiri potret psikologis dalam lukisan Rusia - ia mampu secara akurat dan lengkap menunjukkan spiritualitas para pahlawannya. Terlepas dari sifat “ideologis” karya seninya, Perov tetap ahli dalam akurasi dan persuasif dalam penokohannya.
Salah satu yang paling ekspresif adalah gambarnya "Melihat orang mati itu". Tertulis

sekembalinya Perov dari luar negeri, tempat ia belajar melukis, hal itu memberinya hadiah pertama dari Masyarakat untuk Dorongan Seniman. Kuda kurus itu perlahan dan dengan sedih berjalan dengan susah payah menyusuri bukit menuju hembusan angin. Di dalam kereta luncur terdapat peti mati yang disusun secara kasar, ditutup dengan anyaman dan diikat dengan tali. Di kedua sisinya, anak-anak bertengger di kereta luncur. Gadis itu terlihat sedih. Di seberangnya adalah seorang anak laki-laki dengan topi bulu besar yang menutupi matanya. Dia menggigil kedinginan, membungkus dirinya dengan mantel kulit domba besar milik ayahnya. Seekor anjing berlari di samping kereta luncur, mengantar pemiliknya dalam perjalanan terakhirnya, semakin menekankan kesepian dan tunawisma dari keluarga petani yatim piatu. Kita tidak melihat wajah sang ibu, namun betapa fasihnya kepala tertunduk dan bahunya yang terkulai! Tidak ada seorang pun di sekitar, tidak ada yang menemani mereka dalam perjalanan terakhir mereka menuju satu-satunya pencari nafkah keluarga petani. Dan karena mereka tidak punya simpatisan, kami semakin merasakan tragedi yang terjadi. Kesan ini diperkuat oleh pemandangan yang suram dan suram: ladang yang tertutup salju, senja yang semakin gelap, awan kelam yang menggantung rendah dan suram. Di sekelilingnya ada keheningan yang dingin dan keheningan yang tak berujung dan menyakitkan...

Di antara seniman Keliling, yang terbesar adalah Ilya Efimovich Repin (1844-1930) . Dia, seperti para Pengembara lainnya, melihat isi lukisan dari apa yang bisa dibaca darinya, jadi dia terus-menerus menggunakan tema sastra, berusaha untuk menulis sindiran jahat yang ekspresif mungkin (“Proses keagamaan di provinsi Kursk”) , khotbah ceria (“Cossack”), tragedi suram (“Ivan yang Mengerikan dan putranya Ivan pada 16 November 1581”), pemandangan sehari-hari dengan nuansa politik (“Penangkapan Seorang Propagandis,” “Melihat Perekrutan , ” “Mereka Tidak Berharap”). Hampir di setiap lukisannya tidak hanya rasionalitas yang dapat dirasakan, tetapi juga temperamen yang membara, meskipun dengan sedikit sandiwara, dan akurasi psikologis yang mutlak. Tokoh-tokoh dalam lukisannya, yang diposisikan sangat tepat, gerak-geriknya ekspresif, masih berupa aktor yang berperan, dan belum merasakan perasaan orang secara mendalam. Hanya dalam “Barge Haulers on the Volga,” yang ditulis di masa mudanya di bawah kesan langsung dari apa yang dilihatnya saat melakukan perjalanan di sepanjang Volga, drama tersebut diungkapkan dengan sederhana dan jelas.
Dari sebuah lukisan "Pengangkut Tongkang di Volga", yang menjadi pencapaian tertinggi seni realisme pada tahun 1870-an, memulai “kejayaannya di seluruh Rusia Raya”. Di dalamnya, ia meninggalkan peneguhan dan teguran yang biasa terjadi pada lukisan sehari-hari, dan untuk pertama kalinya mengungkapkan tidak hanya penderitaan orang-orang yang bekerja keras, tetapi juga kekuatan sosial yang tangguh. Dengan kepiawaiannya yang luar biasa, Repin memberikan “biografi” sosio-psikologis masyarakat dan menciptakan kembali individualitas unik setiap karakter. Dalam sebelas figur pengangkut tongkang, potret khas rakyat Rus dibuat, dan semua kelas masyarakat Rusia muncul di hadapan penonton. Dalam sebuah surat kepada V.V. Stasov tentang lukisan ini, Repin menulis: “Hakim sekarang adalah seorang laki-laki, dan oleh karena itu kepentingannya perlu direproduksi.” Pengangkut tongkang mengilhami penulisnya bukan dengan rasa jijik yang menghina, tetapi dengan rasa hormat dan kekaguman atas kekuatan dan keindahan batin mereka. Menurut F. M. Dostoevsky, kebenaran sebenarnya terungkap di kanvas “tanpa penjelasan atau label khusus”. Dostoevsky memberikan penghargaan terbesar kepada sang seniman atas fakta bahwa tidak ada satu pun pengangkut tongkangnya yang berteriak dari lukisan itu: "Lihat betapa tidak bahagianya saya dan seberapa besar Anda berhutang kepada rakyat."

Bakat beragam I. E. Repin terekspresikan dengan jelas dalam kanvas sejarah, mencolok dengan keaslian penggambaran peristiwa dan kedalaman karakteristik psikologis. Dalam peristiwa-peristiwa yang terjadi di masa lalu, ia mencari momen-momen puncak kehidupan, situasi dramatis di mana esensi sejati seseorang terwujud sepenuhnya. Dia dengan ahli dapat menunjukkan kepada para pahlawannya titik-titik balik dalam hidup mereka, mengejutkan mereka, di saat-saat tekanan kekuatan mental yang ekstrem. Pada saat yang sama, Repin dengan murah hati dikaruniai kemampuan untuk merasakan kesinambungan dan menarik kesejajaran antara sejarah masa lalu dan masa kini.
Jadi, ide lukisan itu "Ivan yang Mengerikan dan putranya Ivan" muncul sehubungan dengan pembunuhan Alexander II oleh Narodnaya Volya. “Perasaan dipenuhi dengan kengerian zaman kita,” tulis Repin pada masa itu. Repin menemukan “jalan keluar bagi penderitaan dalam sejarah” dalam penggambaran momen wawasan mengerikan dari seorang pembunuh anak, yang tiba-tiba menyadari ketidakmungkinan mengubah apapun dalam hidupnya. Gambar tersebut dengan jelas menyampaikan gagasan tentang kejahatan pembunuhan, pelanggaran perintah abadi “jangan membunuh”. Yang sama mengerikannya adalah kesepian dan pertobatan dari lelaki tua yang berjongkok, mencoba mengangkat tubuh berat putranya, dan sikap penuh belas kasihan dari sang anak, menyentuh tangan ayahnya yang melemah. Polisemi dan keserbagunaan, kedalaman psikologis dari karya tersebut tidak dapat membuat siapa pun acuh tak acuh.

Gambar itu diisi dengan konten lain yang meneguhkan kehidupan “Keluarga Cossack menulis surat kepada Sultan Turki”, mengungkapkan unsur watak masyarakat, semangat kesatria dan persahabatan. Dengan rasa optimisme, Repin berhasil menyampaikan kekuatan orang-orang bebas Cossack, selera humornya yang tiada habisnya, dan keinginannya akan kebebasan. Untuk pertama kalinya dalam lukisan Rusia, perasaan persatuan antara massa dan pemimpin – pemimpin persaudaraan militer – tersampaikan. Dalam kanvas berukuran besar (203 x 358 cm), ia menciptakan semacam himne semangat kebangsaan, sebuah “simfoni tawa” yang utuh. Repin menggarap lukisan ini selama lebih dari 15 tahun: karya tersebut tidak pernah melepaskan imajinasi sang seniman. Dia menulis dengan senang hati kepada V.V. Stasov tentang para pahlawannya: “Sungguh banyak orang!!! Keributan dan kebisingannya membuat kepala Anda pusing, Anda tidak bisa berpisah dengan mereka! Orang-orang sialan!

I. E. Repin memberikan kontribusi yang signifikan terhadap seni potret. Berhasil mengembangkan tradisi terbaik lukisan Rusia, dalam setiap karya genre ini ia mengungkapkan “dialektika jiwa”, dunia emosional yang kompleks, dan karakteristik unik setiap orang. Dalam setiap potret sang seniman, observasi langka, kewaspadaan psikologis, keinginan akan kebenaran, dan penolakan terhadap kepalsuan diungkapkan. Repin tidak pernah “mengoreksi” individualitas, tidak berusaha untuk “memperbaiki” atau mengidealkannya, dia tidak suka jika model dengan sengaja “berpose untuknya”. Dalam kebanyakan kasus, potret itu lahir dalam suasana komunikasi yang hidup, percakapan, dan terkadang perdebatan sengit. Itu sebabnya solusi artistik mereka sangat beragam.
Repin bisa melukis potret dalam satu sesi, dengan dorongan tiba-tiba, ditangkap oleh dunia modelnya, tapi di saat yang sama dia bisa bekerja lama dan menyakitkan, menulis ulang dan mengganti kanvas lebih dari satu kali. Dengan minat yang luar biasa, dia menulis tentang orang-orang yang dekat dengannya dalam semangat, “yang terkasih bagi bangsa, putra-putra terbaiknya,” dengan banyak dari mereka dia memiliki persahabatan yang erat. Bahkan ketika ia melukis wajah yang sama beberapa kali, ia menemukan sesuatu yang baru dan unik di dalamnya.
Puncak dari seni potret sang seniman adalah potret komposer M. P. Mussorgsky dan penulis L. N. Tolstoy, yang menyampaikan “kekuatan roh abadi”, kesan keutuhan individu dan keharmonisan keberadaan.
Potret selalu menjadi genre kegemaran artis; dia menggunakannya sepanjang kehidupan kreatifnya. Para peneliti telah berulang kali berargumen bahwa jika Repin hanya melukis potret, dia akan tetap menjadi seniman hebat dalam sejarah seni Rusia.

Kontribusi luar biasa terhadap perkembangan genre lukisan sejarah dibuat oleh Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916). Untuk lukisannya, ia memilih titik balik yang signifikan secara historis dalam kehidupan Rusia, menunjukkan kompleksitas, tragedi, dan kedalaman psikologisnya yang luar biasa. Ia sepenuhnya menguasai seni mengidentifikasi pola sejarah umum menjadi fakta nyata dan spesifik serta menunjukkan sumber kontradiksi internal nasional. Menciptakan gambaran artistik sejarah masa lalu, ia sering melihatnya melalui nasib seorang individu yang mewujudkan “jiwa heroik rakyatnya” (M.V. Nesterov). Pada saat yang sama, ia mengambil bahan lukisannya dari realitas modern, melihat di dalamnya asosiasi yang sesuai, guratan khas, dan detail penting. Surikov tidak pernah mencela, menjatuhkan hukuman atau membuat penilaian. Dalam segala hal yang dia gambarkan, dia hanya membiarkan dirinya berempati dan objektivitas emosional.
Sebagai ahli seni lukis sejarah, Surikov dengan lantang mengumumkan dirinya untuk pertama kalinya dalam film tersebut "Pagi Eksekusi Streltsy", di mana ia merefleksikan konsekuensi pemberontakan para pemanah, yang mendukung Putri Sophia pada tahun 1698 dan menentang kekuasaan sah yang dimiliki adik laki-lakinya, Peter I. Penulis tidak ingin menyampaikan darah atau eksekusi dalam karya ini, tetapi sebuah tragedi nasional, untuk membicarakan betapa buruknya harga yang harus dibayar oleh orang-orang yang hidup di era perubahan dan berada di bawah roda sejarah. Penulis melihat suara dramatis kanvas dalam “kemeriahan menit-menit terakhir” yang dialami para pemanah.
Setiap gambar dalam kerumunan mewakili karakter potret individu, yang diciptakan dalam pencarian intensif pengasuh dan pengerjaan sketsa yang cermat. Semua Sagitarius mengalami tragedi itu dengan cara mereka sendiri, mengekspresikan perlawanan, semangat memberontak, dan kemarahan. Di wajah dan pose mereka terdapat berbagai macam perasaan: keheningan yang suram dan perpisahan yang menyedihkan, kemarahan yang membandel, pikiran yang menyakitkan dan kepasrahan yang tumpul.
Pusat emosional dari komposisi ini adalah duel diam-diam, "duel pandangan", konfrontasi antara dua karakter utama - Peter I dan pemanah berjanggut merah. Kepala pemberontak yang tidak dapat didamaikan, tidak dipatahkan oleh penyiksaan, dengan bangga diangkat, mengarahkan pandangannya, penuh kebencian yang tak tergoyahkan, ke arah raja muda. Dia sendiri tidak melepas topinya di depannya dan dengan panik memegang lilin yang menyala di tangannya. Peter I digambarkan dengan latar belakang tembok Kremlin - benteng kekuasaan negara. Dalam keseluruhan sosoknya, seseorang dapat merasakan kekuatan batin yang besar dan keyakinan akan kebenaran perjuangannya. Dalam konfrontasi ini tidak ada benar dan salah; setiap orang memiliki keluhan dan kebenarannya masing-masing. Merefleksikan alasan runtuhnya banyak usaha tsar reformis, penulis mengungkapkan gagasan kekalahan moral dan perpecahan tragis dengan rakyat.
Dengan keterampilan yang luar biasa, Surikov melukiskan karakter-karakter wanita yang cerdas di mana tragedi rakyat dirasakan secara nyata dan emosional. Para wanita tua yang duduk tak bergerak di tengah kekacauan jalan di latar depan, gadis kecil yang menangis putus asa dengan syal merah, wanita muda yang menjerit-jerit menyayat hati, yang suaminya sudah digiring ke eksekusi, tetap berada dalam ingatan penonton untuk waktu yang lama. Terlepas dari kenyataan bahwa artis dalam banyak kasus tidak menunjukkan wajahnya, pemirsa menyampaikan perasaan kesedihan dan keputusasaan tingkat terakhir. Setiap citra wanita yang diciptakan oleh sang seniman dibedakan oleh kebenaran hidup yang menakjubkan dan daya persuasif psikologis.
Desain artistik lukisan itu tunduk pada rencana ideologis pengarangnya. Kerangka arsitekturalnya memainkan peran semantik dan komposisi yang penting. Kubah beraneka ragam dan bentuk Katedral St. Basil yang asimetris dikontraskan dengan kerasnya tembok Kremlin yang kuat, dan massa yang spontan dikontraskan dengan keteraturan ketat resimen Peter. Tepi atas gambar dengan kubah Katedral St. Basil terpotong. Seolah dipenggal, katedral dianggap sebagai simbol Rus pra-Petrine dan para pemanah pemberontak.

Sulit untuk menemukan satu pusat komposisi dalam gambar: kelompok-kelompok terpisah terbentuk di sekitar beberapa sosok pemanah, yang secara simbolis mewujudkan unsur kesedihan rakyat. Data dalam berbagai belokan dan sudut, semuanya tunduk pada logika internal yang ketat sesuai dengan maksud penulis. Surikov mengatakan lebih dari satu kali bahwa komposisinya “perlu ditata dengan baik, agar figur-figur dalam gambar tidak terpisah-pisah, tetapi semuanya terhubung erat satu sama lain”. Jadi “kerumunan” kerumunan pemanah dapat dianggap sebagai teknik sadar penulis untuk menyatukan orang-orang menjadi satu gambaran artistik yang holistik.

Dalam gambar "Menshikov di Berezovo" gaung “pemberontakan Rusia” yang “tidak masuk akal dan tanpa ampun” juga terdengar. Di sini tersaji tragedi keluarga seorang pria yang pernah menjadi salah satu tokoh paling berpengaruh di masa Peter, diasingkan bersama keluarganya ke Berezov yang jauh. Surikov mengajak penonton untuk mengintip wajah seorang pria yang melambangkan seluruh era sejarah sang seniman. “Anak ayam dari sarang Petrov” yang kesepian, tenggelam dalam pikirannya yang putus asa, tampak membeku di sebuah rumah kecil yang sempit. Ukuran sosoknya jelas kontras dengan ukuran ruangan, yang menjadi perhatian penulis I. N. Kramskoy: “Lagi pula, jika Menshikov Anda bangun, dia akan menembus langit-langit dengan kepalanya.” Namun ketidakteraturan komposisi ini cukup beralasan, karena sang seniman sangat ingin menonjolkan skala kepribadian pahlawannya. Kontras yang luar biasa antara keintiman ruang dan skala psikologis monumental memungkinkan seniman mencapai integritas solusi figuratif dari karya tersebut.
Tidak ada apa pun yang terjadi dalam gambar tersebut, namun dengan latar belakang ketiadaan peristiwa ini, kisah masa lalu dan masa depan diceritakan melalui benda-benda di sekitar manusia. Surikov mengisi setiap detail dengan makna kiasan yang mendalam. Rambut Menshikov yang belum tumbuh tumbuh subur, mengingatkan bahwa baru-baru ini kepala ini dihiasi dengan wig dengan ikal panjang yang subur. Di bagian dalam gubuk yang menyedihkan, sisa-sisa kemewahan sebelumnya (kandil, cincin pangeran, rantai Maria) dan realitas Siberia (kulit beruang, permadani di tempat tidur, penghangat rusa kutub putri bungsu, sepatu bot pangeran) terlihat sangat fasih dan ekspresif. Cahaya lampu yang menyala pada ikon-ikon kuno dianggap sebagai simbol yang memberi harapan akan perubahan ke arah yang lebih baik.

Vasnetsov Viktor Mikhailovich (1848-1926)- pendiri "gaya Rusia" khusus dalam simbolisme dan modernitas pan-Eropa. Pelukis Vasnetsov mengubah genre sejarah Rusia, menggabungkan motif abad pertengahan dengan suasana legenda puitis atau dongeng yang menarik; Namun, dongeng itu sendiri seringkali menjadi tema kanvas besarnya. Di antara epos dan dongeng Vasnetsov yang indah ini adalah lukisan "Ksatria di Persimpangan Jalan" (1878), "Setelah pembantaian Igor Svyatoslavich dengan Polovtsians"(berdasarkan legenda "The Tale of Igor's Campaign", 1880), "Alyonushka" (1881), "Three Heroes" (1898), "Tsar Ivan Vasilyevich yang Mengerikan"(1897). Beberapa dari karya ini (“Tiga Putri Kerajaan Bawah Tanah,” 1881, ibid.) mewakili lukisan panel dekoratif yang sudah menjadi ciri khas Art Nouveau, membawa pengunjungnya ke dunia mimpi.

V.M. Vasnetsov. "Tiga pahlawan"

Dia sangat menghargai kekuatan, ruang lingkup, dan keagungan alam Rusia Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898), yang pantas disebut sebagai “penyanyi hutan Rusia”. Dalam sejarah seni lukis dunia hampir tidak ada seniman lain yang mampu menampilkan keindahan tersembunyi dari hamparan hutan yang luas dengan begitu gamblang, tenang, dan anggun. Sebelum Shishkin, motif kekuatan heroik hutan Rusia, kualitasnya, yang secara mengejutkan selaras dengan karakter orang Rusia, belum pernah terdengar begitu jelas dalam lukisan.
Gambaran puitis tentang hutan, pepohonan dari spesies apa pun dalam berbagai kombinasinya, dalam kelompok dan individu, pada waktu yang berbeda sepanjang tahun: nyaris tidak tersentuh oleh tanaman hijau pertama, kemewahan dalam dekorasi musim panasnya, gemerisik yang kasar dan membosankan di musim gugur, tertutup dengan lapisan salju yang lebat dan subur di musim dingin - inilah yang menjadi tema utama dan favorit karya seniman ini.

aku. Shishkin. "Pagi di hutan pinus"

Ivan Konstantinovich Aivazovsky (1817-1900) memasuki sejarah seni lukis dunia sebagai “penyair laut yang berapi-api”. Dia mengabdikan seluruh hidupnya untuk topik ini dan tidak pernah mengkhianatinya. Di marina yang dibuat (menurut pengakuan sang seniman, ada sekitar tiga ribu di antaranya), ia tetap setia pada cita-cita romantis tentang alam yang indah dan spiritual. Jika di masa mudanya dia lebih tertarik pada kesunyian laut yang tenang, bermandikan sinar matahari yang keemasan atau cahaya bulan yang keperakan, kemudian dia beralih ke gambaran elemen yang kuat dan mengamuk, yang menandakan bencana besar.
Lukisan Aivazovsky "The Ninth Wave" menyebabkan ziarah nyata dari para penonton yang mengagumi. Gelombang besar lautan yang mengamuk siap menimpa orang-orang yang panik berpegangan pada puing-puing tiang kapal yang hilang. Sepanjang malam para kru tanpa rasa takut berperang melawan elemen laut. Namun kemudian sinar matahari pertama menembus air, menyinarinya dengan ribuan sorotan terang dan corak warna yang halus. Airnya tampak transparan, seolah bersinar dari dalam, menyerap amukan ombak, sehingga memberikan harapan keselamatan yang rapuh. Menurut para pelaut, gelombang kesembilan menandakan hembusan badai terakhir. Akankah masyarakat mampu menolak? Akankah mereka muncul sebagai pemenang dari pertarungan fana dengan elemen yang mengamuk? Sulit untuk menjawab pertanyaan ini, tetapi skema warna gambar yang penuh optimisme menginspirasi kepercayaan diri tersebut.

Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) - perwakilan simbolisme paling cemerlang dalam seni rupa Rusia. Gambar-gambar yang ia ciptakan tidak hanya mencerminkan pencarian spiritual sang guru sendiri, tetapi juga kontradiksi internal dari masa-masa sulit yang ia jalani. Era mengenali dirinya dalam karya-karyanya; dia sendiri adalah “era kita” (K.S. Petrov-Vodkin). Ini menggabungkan sifat filosofis yang melekat dalam budaya Rusia dan intensitas moral dari cara kreatif individu. Vrubel adalah salah satu seniman Rusia pertama yang mencoba melihat realitas internal lain yang lebih penting di balik realitas nyata dan mengekspresikannya dalam bahasa lukisan, menggabungkan sifat dekoratif dan ekspresif. Dia melihat keberadaan terpecah menjadi dunia objek kasat mata yang tidak ada dan dunia entitas tak kasat mata yang misterius.
Sangat percaya pada kecantikan yang mengubah dunia, di Mengetahui hakikat fenomena dalam proses penciptaan seni, ia mengungkapkan kredo kreatifnya sebagai berikut: “Tidak mungkin dan tidak perlu melukis alam, keindahannya harus ditangkap.” Dia mencari konsepnya sendiri tentang keindahan dan harmoni di dunia mimpi misterius, mitos, penglihatan mistis, dan firasat samar. Ciri khas karya M. A. Vrubel adalah kesatuan organik antara simbol dan mitos yang nyata dan fantastis. Hanya Vrubel yang bisa melihat kenyataan dari sudut yang tidak diketahui orang lain. Dia menciptakan realitas baru - dunia yang indah dan tragis, mampu berkembang, bergerak dan bertransformasi. Dalam imajinasi kreatifnya, muncul garis-garis objek yang tidak jelas, yang entah “tenggelam” secara mengkhawatirkan di ruang yang nyaris tak terlihat, atau tiba-tiba menyala, berkedip-kedip, berkilauan dengan pantulan cahaya misterius. Di dunia misterius ini, karakter mitologis, dongeng, dan epiknya hidup dan bertindak: "Putri Angsa", "Muse", "Pan", "Seraphim Bersayap Enam", "Nabi", "Pahlawan", "Mikula Selyaninovich", "Gadis Salju", "Volkhova".

MA. Vrubel "Putri Angsa"

Lukisan oleh M.A.Vrubel "Iblis Duduk" penuh dengan generalisasi simbolis yang mengungkapkan cita-cita dan impian penulis sendiri. Kanvas, yang dibuat berdasarkan plot puisi Lermontov, secara harfiah diciptakan oleh sang seniman. Beginilah cara dia sendiri menggambarkannya: “Sesosok tubuh setengah telanjang, bersayap, muda, termenung sedih duduk, memeluk lututnya, dengan latar belakang matahari terbenam dan memandangi padang rumput yang mekar, dari mana cabang-cabang menjulur ke arahnya, membungkuk di bawah bunga."
Setan Vrubel jauh dari perwujudan tradisional penipuan dan kejahatan; ini bukan hanya sebuah alegori artistik yang mencerminkan dunia kontradiktif dari seorang pemberontak yang sendirian, ditolak oleh dunia luar dan dibuang dari surga karena harga dirinya. Seperti simbol lainnya, gambar ini didasarkan pada beberapa aspek, dan oleh karena itu tidak dapat diuraikan dengan jelas. Apa yang ingin penulis tangkap di dalamnya? Kesepian Anda sendiri, semangat pemberontakan, kecemasan dan impian keindahan? Apa yang disembunyikan oleh jiwa pemberontaknya, yang terpaksa tetap tidak aktif? Menurut Vrubel, Iblis yang sedih adalah "roh yang tidak jahat melainkan penderitaan dan kesedihan, tetapi pada saat yang sama kuat... agung". Inilah kunci untuk memahami esensi gambaran ini sebagai makhluk yang melambangkan “perjuangan abadi jiwa manusia yang gelisah”, mencari dan tidak menemukan jawaban baik di surga maupun di bumi.
Sosok yang menempati hampir seluruh ruang kanvas ini terlalu sempit di dalam gambar, sehingga penulis sengaja memotongnya di bagian atas dan bawah. Tangan Iblis terkepal secara tragis, tatapannya sedih, pikirannya yang terkonsentrasi dan intens membeku di alisnya. Seluruh sosoknya dianggap sebagai simbol penderitaan roh yang tertawan dan kesepian mutlak dalam belenggu materi asing di bumi. Rekahan bebatuan yang aneh, awan tak bergerak yang membeku di langit, kelopak bunga dan kristal dongeng yang belum pernah ada sebelumnya yang berkilauan, membiaskan pantulan merah jambu-kuning matahari terbenam di wajah mereka, meningkatkan kegaiban dan ketidaknyataan gambar ini. Skema warna, yang diwakili oleh kombinasi warna merah tua, ungu, ungu keemasan, dan abu-abu, juga membantu menciptakan dunia fantastis yang hampir tidak nyata. Dengan latar belakang misteri warna yang megah ini, pakaian biru titan muda tersebut terlihat sangat ekspresif, melambangkan pemenuhan harapan dan cita-citanya.

Setan Vrubel adalah sifat yang sangat tragis, simbol semangat zaman, harapan akan perubahan dan ketakutan akan hal yang tidak diketahui. Ini tidak hanya mencerminkan pengalaman pribadi sang seniman, tetapi juga waktu itu sendiri dengan segala kekusutan dan kontradiksinya. Vrubel tidak menganggap lukisan ini sebagai perwujudan akhir dari rencananya; dia berencana untuk melukis Iblis “monumental” miliknya nanti. Segera dia melanjutkan siklus yang dia mulai dengan lukisan “The Flying Demon,” yang dipenuhi dengan firasat kematian dan malapetaka dunia. Dia menyelesaikan siklusnya dengan “The Defeated Demon,” yang tidak meninggalkan sedikit pun harapan untuk perubahan menjadi lebih baik, menjadi perwujudan nyata dari tragedi sang seniman sendiri.

Setelah membaca materi yang disajikan, Anda harus menyelesaikan tugas tes dan kontrol yang disajikan di sini. Jika diperlukan, materi tes dikirimkan ke alamat email guru: [dilindungi email]

Nikolay Nevrev. "Tawar-menawar. Adegan dari kehidupan budak." 1866

Seorang pemilik tanah menjual seorang gadis budak kepada pemilik tanah lainnya. Secara mengesankan menunjukkan lima jari kepada pembeli - lima ratus rubel. 500 rubel - harga rata-rata seorang budak Rusia pada paruh pertama abad ke-19. Penjual gadis itu adalah seorang bangsawan lulusan Eropa. Gambar di dinding, buku. Gadis itu dengan rendah hati menunggu nasibnya, budak-budak lain berkerumun di depan pintu dan menyaksikan bagaimana tawar-menawar akan berakhir. Kerinduan.

Vasily Perov. "Proses keagamaan pedesaan pada Paskah." 1861

Desa Rusia abad ke-19. Paskah Ortodoks. Semua orang mabuk berat, termasuk pendeta. Pria di tengah membawa ikon itu terbalik dan hampir jatuh. Beberapa sudah jatuh. Lucu! Inti dari gambaran ini adalah bahwa komitmen rakyat Rusia terhadap Ortodoksi terlalu dilebih-lebihkan. Kecanduan alkohol jelas lebih kuat. Perov adalah master genre lukisan dan potret yang diakui. Namun lukisannya ini dilarang untuk ditampilkan atau direproduksi di Rusia Tsar. Sensor!

Grigory Myasoedov. "Zemstvo sedang makan siang." 1872

zaman Alexander II. Perbudakan dihapuskan. Pemerintahan mandiri lokal - zemstvos - diperkenalkan. Para petani juga dipilih di sana. Namun antara mereka dan kelas atas terdapat jurang yang dalam. Oleh karena itu - makan apartheid. Tuan-tuan ada di dalam rumah, dengan pelayan, petani di depan pintu.

Fyodor Vasiliev. "Desa".

1869 Pemandangannya indah, tetapi desanya, jika dilihat lebih dekat, miskin. Rumah jelek, atap bocor, jalan tertimbun lumpur.

Jan Hendrik Verheyen. "Desa Belanda dengan tokoh masyarakatnya." babak pertama abad ke-19.
Yah, itu saja untuk perbandingan :)

Alexei Korzukhin. "Kembali dari kota." 1870

Situasi di rumah buruk, seorang anak merangkak di lantai yang lusuh, dan untuk putri sulungnya, ayahnya membawakan hadiah sederhana dari kota - seikat bagel. Benar, ada banyak anak dalam keluarga - hanya di gambar ada tiga anak, ditambah mungkin satu lagi di buaian buatan sendiri.

Sergei Korovin. "Di Dunia".

Ini sudah menjadi desa pada akhir abad ke-19. Tidak ada lagi budak, tetapi sebuah divisi telah muncul - kulak. Pada suatu pertemuan desa terjadi semacam perselisihan antara orang miskin dan seorang kulak. Bagi pria malang itu, topik tersebut tampaknya sangat penting; dia hampir menangis. Tinju kaya itu menertawakannya. Tinju lain di latar belakang juga terkikik melihat pengemis yang kalah. Tapi kawan di sebelah kanan pria malang itu terharu dengan kata-katanya. Sudah ada dua anggota panitia yang siap; tinggal menunggu sampai tahun 1917.

Vasily Maksimov. "Lelang tunggakan".

Kantor pajak geram. Pejabat Tsar melelang samovar, periuk besi, dan barang-barang petani lainnya. Pajak terberat bagi petani adalah pembayaran penebusan. Alexander II "Sang Pembebas" sebenarnya membebaskan para petani demi uang - mereka kemudian diwajibkan membayar negara asal mereka selama bertahun-tahun untuk sebidang tanah yang diberikan kepada mereka sesuai dengan keinginan mereka. Faktanya, para petani memiliki tanah ini sebelumnya; mereka menggunakannya selama beberapa generasi ketika mereka masih menjadi budak. Namun ketika mereka sudah bebas, mereka terpaksa membayar untuk tanah tersebut. Pembayaran harus dilakukan secara mencicil, sampai tahun 1932. Pada tahun 1907, dengan latar belakang revolusi, pihak berwenang menghapuskan pajak-pajak ini.

Vladimir Makovsky. "Di jalan raya." 1886-1887

Pada akhir abad ke-19. Industrialisasi datang ke Rusia. Orang-orang muda pergi ke kota. Dia menjadi gila di sana. Kehidupan lama mereka tidak lagi menarik bagi mereka. Dan pekerja keras muda ini bahkan tidak tertarik pada istri petaninya, yang datang kepadanya dari desa. Dia belum mahir. Gadis itu ketakutan. Kaum proletar dengan akordeon tidak peduli.

Vladimir Makovsky. "Tanggal". 1883

Ada kemiskinan di desa. Anak laki-laki itu diberikan kepada publik. Itu. dikirim ke kota untuk bekerja pada pemilik yang mengeksploitasi pekerja anak. Sang ibu datang mengunjungi putranya. Tom jelas memiliki kehidupan yang sulit, ibunya melihat segalanya. Anak laki-laki itu dengan rakus memakan roti yang dibawanya.

Vladimir Makovsky. "Bank runtuh." 1881

Sekelompok deposan yang ditipu di kantor bank. Semua orang kaget. Bankir nakal (di sebelah kanan) diam-diam melarikan diri membawa adonan. Polisi itu melihat ke arah lain, seolah dia tidak melihatnya.

Pavel Fedotov. "Cavalier Segar" 1846

Pejabat muda itu menerima pesanan pertamanya. Mereka mencucinya sepanjang malam. Keesokan paginya, sambil meletakkan salib tepat di jubahnya, dia menunjukkannya kepada juru masak. Tampilan gila penuh arogansi. Si juru masak, yang melambangkan orang-orang, memandangnya dengan ironi. Fedotov akan menjadi ahli lukisan psikologis semacam itu. Artinya: lampu yang berkedip bukan di mobil, tapi di kepala.

Pavel Fedotov. "Sarapan Bangsawan".

Pagi hari, bangsawan miskin itu dikejutkan oleh tamu tak terduga. Dia buru-buru menutupi sarapannya (sepotong roti hitam) dengan novel Perancis. Bangsawan (3% dari populasi) adalah kelas istimewa di Rusia kuno. Mereka mempunyai tanah yang luas, namun jarang sekali mereka bisa menjadi petani yang baik. Bukan urusan tuan. Akibatnya kemiskinan, hutang, semuanya digadaikan dan digadaikan kembali di bank. Di The Cherry Orchard karya Chekhov, tanah milik pemilik tanah Ranevskaya dijual untuk hutang. Pembeli (pedagang kaya) menghancurkan perkebunan, dan seseorang benar-benar membutuhkan kebun ceri milik tuan (untuk dijual kembali sebagai dacha). Alasan masalah keluarga Ranevsky adalah kemalasan selama beberapa generasi. Tidak ada seorang pun yang mengurus perkebunan tersebut, dan pemiliknya sendiri telah tinggal di luar negeri selama 5 tahun terakhir dan membuang-buang uang.

Boris Kustodiev. "Pedagang". 1918

Pedagang provinsi adalah topik favorit Kustodiev. Sementara para bangsawan di Paris menyia-nyiakan harta benda mereka, orang-orang ini bangkit dari bawah, menghasilkan uang di negara yang luas, di mana terdapat ruang untuk menginvestasikan tangan dan modal mereka. Patut dicatat bahwa gambar itu dilukis pada tahun 1918, ketika para pedagang Kustodiev dan perempuan pedagang di seluruh negeri sudah didesak oleh para pejuang melawan kaum borjuis.

Ilya Repin. "Proses keagamaan di provinsi Kursk." 1880-1883

Berbagai lapisan masyarakat datang ke prosesi keagamaan, dan Repin menggambarkan semuanya. Sebuah lentera dengan lilin dibawa ke depan, diikuti oleh sebuah ikon, lalu orang-orang terbaik pergi - pejabat berseragam, pendeta berbaju emas, pedagang, bangsawan. Di samping ada penjaga (menunggang kuda), lalu ada orang biasa. Orang-orang di pinggir jalan secara berkala menyapu agar tidak memotong bos dan masuk ke jalurnya. Tretyakov tidak menyukai petugas polisi di gambar (di sebelah kanan, berpakaian putih, memukuli seseorang dari kerumunan dengan sekuat tenaga). Dia meminta artis tersebut untuk menghilangkan kekacauan polisi ini dari plotnya. Namun Repin menolak. Tapi Tretyakov tetap membeli lukisan itu. Untuk 10.000 rubel, yang merupakan jumlah yang sangat besar pada saat itu.

Ilya Repin. "Mengumpulkan". 1883

Namun para pemuda dalam lukisan lain karya Repin ini tidak lagi ikut serta dalam berbagai prosesi keagamaan. Mereka punya caranya sendiri - teror. Ini adalah "Kehendak Rakyat", sebuah organisasi revolusioner bawah tanah yang membunuh Tsar Alexander II.

Nikolai Bogdanov-Belsky. "Perhitungan lisan. Di sekolah umum S.A. Rachinsky." 1895

Sekolah pedesaan. Anak-anak petani dengan sepatu kulit pohon. Tapi ada keinginan untuk belajar. Guru itu mengenakan setelan Eropa dengan dasi kupu-kupu. Ini adalah orang sungguhan - Sergei Rachinsky. Matematikawan, profesor di Universitas Moskow. Secara sukarela dia mengajar di sekolah pedesaan di desa. Tatevo (sekarang wilayah Tver), tempat dia memiliki perkebunan. Banyak sekali. Menurut sensus tahun 1897, tingkat melek huruf di Rusia hanya 21%.

Jan Matejko. "Polandia Dirantai". 1863

Menurut sensus tahun 1897, terdapat 21% orang yang melek huruf di negara tersebut, dan orang Rusia Raya - 44%. Kerajaan! Hubungan antaretnis di Tanah Air tidak pernah mulus. Lukisan karya seniman Polandia Jan Matejko dilukis untuk mengenang pemberontakan anti-Rusia tahun 1863. Perwira Rusia dengan wajah marah membelenggu seorang gadis (Polandia), kalah, tapi tidak patah. Di belakangnya duduk seorang gadis lain (berambut pirang), yang melambangkan Lituania. Dia diraba-raba kotor oleh orang Rusia lainnya. Orang Polandia di sebelah kanan, duduk menghadap penonton, adalah gambar Dzerzhinsky yang meludah.

Nikolay Pimomenko. "Korban fanatisme." 1899

Lukisan tersebut menggambarkan kasus nyata yang terjadi di kota Kremenets (Ukraina Barat). Seorang gadis Yahudi jatuh cinta pada seorang pandai besi Ukraina. Pengantin baru memutuskan untuk menikah dengan pengantin wanita yang masuk Kristen. Hal ini membuat komunitas Yahudi setempat khawatir. Mereka berperilaku sangat tidak toleran. Orang tuanya (di sebelah kanan gambar) tidak mengakui putri mereka, dan gadis itu dihalangi. Korban memiliki salib di lehernya, di depannya adalah seorang rabi dengan tinju, di belakangnya adalah masyarakat yang peduli dengan pentungan.

Franz Roubo. "Penyerangan terhadap desa Gimry." 1891

Perang Kaukasia abad ke-19. Campuran mengerikan antara Dags dan Chechnya oleh tentara Tsar. Desa Gimry (desa leluhur Shamil) jatuh pada tanggal 17 Oktober 1832. Omong-omong, sejak tahun 2007, rezim operasi kontra-teroris kembali diberlakukan di desa Gimry. Pembersihan terakhir (saat artikel ini ditulis) oleh polisi anti huru hara terjadi pada tanggal 11 April 2013. Yang pertama terlihat pada gambar di bawah ini:

Vasily Vereshchagin. "Pemakan opium." 1868

Lukisan itu dilukis oleh Vereshchagin di Tashkent selama salah satu kampanye tentara Rusia di Turkestan. Asia Tengah kemudian dianeksasi ke Rusia. Bagaimana para peserta kampanye melihat nenek moyang pekerja tamu masa kini - Vereshchagin meninggalkan lukisan dan memoar tentang hal ini. Kotoran, kemiskinan, narkoba...

Peter Belousov. "Kami akan pergi ke arah lain!".1951
Dan terakhir, peristiwa utama dalam sejarah Rusia abad ke-19. Pada tanggal 22 April 1870, Volodya Ulyanov lahir di Simbirsk. Kakak laki-lakinya, seorang anggota Narodnaya Volya, mungkin mencoba sendiri dalam bidang teror individu - dia sedang mempersiapkan upaya untuk membunuh Tsar. Namun usahanya gagal dan saudaranya digantung. Saat itulah Volodya muda, menurut legenda, berkata kepada ibunya: “Kami akan menempuh jalan yang berbeda!” Dan ayo pergi.

Tidak ada pekerjaan yang lebih terhormat dan penting daripada mengolah tanah. Sayangnya, kebenaran sederhana ini tidak selalu berhasil di dunia ini. Namun, puisi buruh tani, keselarasan dengan dunia sekitar, dan rasa puas atas pekerjaan yang dilakukan dengan baik selalu menarik perhatian para seniman. Salah satu orang pertama yang mengangkat tema kehidupan pedesaan adalah seniman Belanda Pieter Bruegel the Elder, yang dijuluki Muzhitsky karena kecintaannya. Dalam siklus lukisan “The Seasons,” tiga dari lima karya yang masih ada menunjukkan kehidupan sehari-hari pedesaan: “Return of the Herds,” “Haymaking” dan “Harvest.” Dua lukisan terakhir berbeda dalam suasana damai dan gembira dari kebanyakan karya Bruegel.

Pada awal abad ke-17, genre pastoral - gambaran idealis kehidupan pedesaan - menjadi sangat populer di seni lukis Eropa, dan khususnya Prancis. Lukisan paling terkenal yang menggambarkan kehidupan pedesaan adalah karya Francois Boucher: “Pertanian”, “Pagi di Desa”, “Istirahat Petani”. Namun, segala sesuatu yang digambarkan dalam pastoral jauh dari kehidupan nyata, dan hanya pada awal Pencerahan, realisme mulai mendominasi lukisan pastoral, misalnya karya seniman Inggris Thomas Gainsborough “The Return of the Peasants from the Market” , “Kembali dari Panen”.

Lukisan pastoral Alexei Venetsianov dipenuhi dengan cita rasa Rusia. Lukisannya, yang mengidealkan kehidupan petani Rusia, selalu cukup populer: “Di tanah subur. Musim Semi", "Reaper", "Gembala Tidur". Terlepas dari romantisasi kehidupan pedesaan, Venetsianov mengupayakan realisme maksimal dalam karyanya; misalnya, untuk mengerjakan lukisan “The Barn”, dinding bangunan pertanian di tanah milik sang seniman dibongkar. Sekali lagi, minat buruh tani terhadap lukisan Rusia muncul dengan munculnya Asosiasi Pameran Keliling. Misalnya, lukisan Grigory Myasoedov “Mowers” ​​​​(Time of Passion) merayakan kegembiraan bekerja dan kesatuannya dengan lanskap panas. Ivan Kramskoy sering beralih ke tema petani. Ada serangkaian potret petani terkenal “Miller”, “Forester”, “Contemplator”, “Beekeeper” dan lain-lain, yang menggambarkan perwakilan dari beberapa profesi pedesaan.

Vincent van Gogh membahas topik ini berkali-kali, misalnya, salah satu dari sedikit lukisan yang terjual selama masa hidup sang seniman adalah “Kebun Anggur Merah di Arles” yang menggambarkan panen anggur. Lukisan "pedesaan" terkenal lainnya karya Van Gogh adalah The Potato Eaters. Beberapa kali ia beralih ke tema yang diangkat dalam lukisan “Sang Penabur”, karena ia percaya bahwa penabur melambangkan kelahiran kembali dan kehidupan tanpa batas. Meski seniman Belanda tergolong post-impresionis, namun dalam pemahamannya tentang kompleksitas, monoton dan kelelahan buruh tani, ia menjadi seorang realis sejati. Mungkin Van Gogh mengadopsi sikap terhadap kehidupan pedesaan dari Jean Millet, yang karyanya sangat mempengaruhi seniman muda. Millet sendiri, pendiri sekolah Barbizon, berkata dalam hati bahwa dia hanyalah seorang petani. Namun, dalam karya-karyanya terkadang terselip puisi-puisi tertentu tentang kehidupan pedesaan: “The Ear Pickers”, “Angelus”, “The Winnower”, “The Sower”, “Threshing” dan masih banyak lagi lainnya.

Artis Arkady Plastov disebut sebagai penyanyi kaum tani Soviet. Banyak lukisannya mengagungkan kerja keras petani kolektif. Semua pahlawannya memiliki tangan yang sangat ekspresif - kuat, menonjol, tidak takut pada pekerjaan apa pun. Saat ini sudah lazim untuk menuduh lukisannya (“Harvest”, “Haymaking”, “Summer”, “Tractor Driver's Dinner”, “Gathering Potatoes”) sebagai “realisme sosialis” - hiasan realitas, tetapi lukisan-lukisan itu unik karena diekspresikan dengan jelas. karakter bangsa dan gambar kebangsaan. Beginilah cara para seniman dari berbagai negara dan era melihat kerja keras dan tanpa pamrih buruh tani, namun bukannya tanpa daya tarik dan keindahan tersendiri.

Petani - perwakilan dari "mayoritas diam" - tidak menempati tempat penting dalam seni visual sampai abad ke-19, sebelum era revolusi sosial dan urbanisasi, yang dengannya pembentukan negara-negara modern dan konstruksi mitologi mereka terjadi. terkait. Di era romantisme awal abad ini, citra budaya penduduk desa memperoleh makna khusus di Eropa: ketika bangsa dipahami sebagai suatu tubuh kolektif yang tumbuh dari tanah primordial, maka penggaraplah yang mulai dianggap sebagai miliknya. perwujudan yang paling murni, paling lengkap, dan murni. Namun dalam kesadaran publik Rusia pada abad ke-19, kaum tani menempati tempat yang sangat istimewa: kaum tani menjadi identik dengan konsep “bangsa”, dan pekerja pedesaan berubah menjadi standar moral bagi berbagai gerakan politik dan intelektual. Seni kami, dengan kejelasan yang belum pernah terjadi sebelumnya, mewujudkan proses pengenalan diri visual negara dan pembentukan citra kaum tani sebagai tulang punggung Rusia.

Harus dikatakan bahwa pada paruh kedua abad ke-18, lukisan Eropa hanya mengetahui beberapa model dasar untuk menggambarkan kaum tani. Yang pertama terbentuk di Venesia pada abad ke-16. Kemunculannya didukung oleh tradisi sastra yang berasal dari puisi “Georgics” oleh penyair Romawi Virgil, di mana kerja keras para petani adalah kunci keharmonisan dengan alam. Pahala baginya adalah keselarasan dengan hukum-hukum alam yang ditetapkan dari waktu ke waktu, yang tidak dimiliki oleh penduduk kota. Mode kedua berkembang di Belanda yang mengalami urbanisasi pada abad ke-17: dalam adegan-adegan bergenre verbose, para petani tampil sebagai penonton yang lucu, terkadang kasar, dan melampaui batas dan oleh karena itu layak untuk mendapatkan senyuman ceria atau ejekan jahat, yang mengangkat pandangan mereka sendiri dari penonton perkotaan. Akhirnya, di Era Pencerahan, cara lain untuk mewakili petani lahir sebagai seorang warga desa yang mulia dan sensitif, yang moralitas alaminya berasal dari kedekatan dengan alam dan menjadi celaan bagi manusia peradaban yang korup.

Ivan Argunov. Potret seorang wanita tak dikenal dengan kostum Rusia. 1784

Mikhail Shibanov. Perayaan kontrak pernikahan. 1777Galeri Tretyakov Negara

Ivan Ermenev. Menyanyi orang buta. Cat air dari seri “Pengemis”. 1764–1765

Dalam hal ini, Rusia, yang bertahan pada abad ke-18, tidak menonjol dengan latar belakang Eropa. Kita dapat menemukan contoh-contoh tersendiri yang menggambarkan perwakilan dari strata sosial yang lebih rendah, dan keadaan penciptaan beberapa karya semacam ini tidak selalu jelas. Seperti halnya “Potret Seorang Wanita Tak Dikenal dalam Kostum Rusia” oleh Ivan Argunov (1784), kebangsawanan yang tenang dari “Perayaan Kontrak Pernikahan” oleh Mikhail Shibanov (1777) atau gambaran pengemis yang sangat jujur ​​​​oleh Ivan Ermenev. Pemahaman visual tentang ruang “rakyat” Rusia pada awalnya terjadi dalam kerangka etnografi. Atlas - deskripsi kekaisaran dilengkapi dengan ilustrasi terperinci yang mewakili tipe sosial dan etnis: dari petani di provinsi Eropa hingga penduduk Kamchatka. Tentu saja, fokus seniman terutama pada kostum unik, gaya rambut, dan fitur fisiognomi yang menekankan keunikan karakter yang digambarkan, dan dalam hal ini, ukiran tersebut sedikit berbeda dari ilustrasi deskripsi negeri eksotik—Amerika atau Oseania.

Keadaan berubah pada abad ke-19, ketika seseorang “dari bajak” mulai dianggap sebagai pembawa semangat bangsa. Tetapi jika di Perancis atau Jerman pada waktu itu, dalam gambaran “rakyat” secara keseluruhan, kaum tani hanya menduduki bagian tertentu, meskipun penting, maka di Rusia ada dua keadaan yang menentukan yang menjadikan masalah citranya sebagai sebuah kunci. satu. Yang pertama adalah Westernisasi elite yang terjadi pada masa pemerintahan Peter. Perbedaan sosial yang dramatis antara minoritas dan mayoritas pada saat yang sama juga merupakan perbedaan budaya: kaum bangsawan hidup “dengan cara Eropa”, dan sebagian besar masyarakat sedikit banyak mengikuti adat istiadat nenek moyang mereka, yang menghilangkan dua hal tersebut. bagian dari bangsa yang memiliki bahasa yang sama. Faktor terpenting kedua adalah perbudakan, yang baru dihapuskan pada tanggal 19 Februari 1861, yang merupakan bukti keburukan moral mendalam yang mendasari kehidupan Rusia. Dengan demikian, petani yang menderita, petani korban ketidakadilan, menjadi pembawa nilai-nilai sejati - sosial dan budaya.

Titik baliknya adalah Perang Patriotik tahun 1812, ketika, dalam perang melawan invasi asing, Rusia, setidaknya sebagai lapisan atas, menyadari dirinya bersatu. Kebangkitan patriotiklah yang pertama kali menetapkan tugas perwujudan nyata bangsa. Dalam kartun propaganda Ivan Terebenev dan Alexei Venetsianov, orang-orang Rusia yang mengalahkan Prancis dalam banyak kasus ditampilkan dalam bentuk seorang petani. Namun seni “tinggi”, yang berorientasi pada cita-cita kuno universal, tidak mampu menyelesaikan masalah ini. Pada tahun 1813, Vasily Demut-Malinovsky menciptakan patung “Skaevola Rusia”, yang mereproduksi kisah tidak masuk akal yang disebarkan oleh propaganda patriotik. Patung tersebut menggambarkan seorang petani yang menggunakan kapak untuk memotong tangannya dengan tanda Napoleon dan mengikuti contoh pahlawan Romawi yang legendaris. Pekerja pedesaan diberkahi di sini dengan tubuh pahlawan pematung Yunani kuno Praxiteles yang ideal dan berkembang secara merata. Jenggot keriting tampaknya merupakan tanda kebangsaan yang sebenarnya, tetapi perbandingan sepintas antara kepala patung dengan gambar kaisar Romawi Lucius Verus atau Marcus Aurelius menghancurkan ilusi ini. Dari tanda-tanda afiliasi etnis dan sosial yang jelas, hanya salib dada Ortodoks dan kapak petani yang tersisa.

"Scaevola Rusia". Patung oleh Vasily Demut-Malinovsky. 1813 Galeri Tretyakov Negara

Lukisan Venetsianov menjadi kata baru dalam perjalanan ini. Bebas dari sekolah akademis berdasarkan kanon kuno dan menawarkan solusi siap pakai, sang seniman menjadikan budaknya sendiri sebagai pahlawan lukisannya. Perempuan petani dan petani Venetsianov sebagian besar tidak memiliki idealisasi sentimental, yang merupakan ciri, misalnya, gambaran serupa dari Vasily Tropinin. Di sisi lain, mereka tenggelam dalam dunia harmonis khusus, hanya sebagian yang terhubung dengan kenyataan. Venetsianov sering menggambarkan petani di saat-saat santai, terkadang sama sekali tidak sesuai dengan aktivitas mereka. Misalnya, lukisan “The Sleeping Shepherd” dan “The Reapers” tahun 1820-an: seorang ibu dan anak dengan sabit di tangan mereka, dibekukan sejenak agar tidak menakuti sarang yang ada di tangan mereka. Untuk sesaat, kupu-kupu yang membeku menyampaikan sifat sekilas dari momen yang membeku. Namun yang penting di sini adalah Venetsianov mengabadikan para pekerjanya dalam waktu istirahat singkat, sehingga memberi mereka hak istimewa sebagai orang bebas di mata pemirsa - waktu luang.

Alexei Venetsianov. Gembala yang sedang tidur. 1823–1826Museum Negara Rusia

Alexei Venetsianov. mesin penuai. Akhir tahun 1820-anMuseum Negara Rusia

Tonggak penting dalam pemahaman petani adalah “Catatan Pemburu” karya Turgenev (1847-1852). Di dalamnya, laki-laki dipandang setara, layak mendapatkan perhatian yang sama dan pemahaman yang penuh perhatian terhadap karakter seperti para pahlawan mulia dalam novel. Tren yang berangsur-angsur berkembang dalam sastra Rusia abad pertengahan, yang membuka kehidupan masyarakat, dapat digambarkan dalam kata-kata Nekrasov, yang diketahui dari memoar seorang kontemporer:

“...Saya memperbanyak materi yang diolah dengan puisi, kepribadian para petani... Jutaan makhluk hidup berdiri di hadapan saya, tidak pernah digambarkan! Mereka meminta tatapan penuh kasih! Dan setiap orang adalah seorang martir, setiap kehidupan adalah sebuah tragedi!”

Setelah kebangkitan sosial yang disebabkan oleh Reformasi Besar tahun 1860-an (terutama emansipasi budak), seni Rusia, mengikuti sastra, memasukkan fenomena sehari-hari yang sangat luas ke dalam bidang pandangnya. Hal utama adalah beralih dari deskriptif netral ke penilaian sosial dan moral. Bukan suatu kebetulan jika saat ini genre keseharian jelas mendominasi seni lukis. Hal ini memungkinkan seniman menampilkan berbagai tipe dan karakter, menampilkan situasi khas dari kehidupan berbagai lapisan masyarakat di hadapan penonton. Kaum tani sejauh ini hanyalah salah satu objek yang menarik perhatian para seniman - namun, justru pemandangan dari kehidupan pedesaanlah yang memungkinkan munculnya karya-karya di mana kesedihan “enam puluhan” yang menuduh termanifestasi dengan paling jelas.

Prosesi keagamaan pedesaan saat Paskah. Lukisan oleh Vasily Perov. 1861 Galeri Tretyakov Negara

Pada tahun 1862, atas desakan Sinode, lukisan “Proses Pedesaan di Paskah” (1861) oleh pemimpin generasi seni baru Vasily Perov dikeluarkan dari pameran permanen Masyarakat untuk Dorongan Seniman. Prosesi yang terbentang di bawah langit yang suram, mengaduk lumpur musim semi dengan kakinya, memungkinkan untuk menunjukkan penampang dunia pedesaan, di mana kejahatan menangkap semua orang - mulai dari pendeta dan petani kaya hingga orang miskin terakhir. Jika peserta prosesi yang berpakaian bagus hanya berubah warna menjadi merah muda karena apa yang mereka minum dan makan, maka karakter lain menunjukkan tahap degradasi dan pencemaran tempat suci yang lebih dalam: seorang pria compang-camping membawa gambar itu secara terbalik, dan seorang pendeta mabuk berjalan dari teras. , menghancurkan telur Paskah.

Pada saat yang sama, gambaran baru tentang habitat petani, yang bebas dari idealisasi, muncul dalam lukisan Rusia. Contoh yang paling mengesankan adalah “Sore di Desa” oleh Pyotr Sukhodolsky (1864). Ini adalah gambaran akurat protokol dari area tertentu - desa Zhelny, distrik Mosalsky, provinsi Kaluga: gubuk dan gudang yang tersebar dengan atap yang selalu bocor (hanya di latar belakang Anda dapat melihat pembangunan rumah baru), pepohonan kurus, sungai berawa. Teriknya musim panas membuat penduduknya melakukan aktivitas sehari-hari: perempuan mengambil air atau mencuci pakaian, anak-anak bermain di dekat gudang, laki-laki tidur di bawah sinar matahari, mewakili elemen lanskap yang sama seperti babi tutul yang jatuh miring, garu yang dilempar lurus ke rumput, atau bajak tertancap di genangan air yang tidak pernah kering.

Siang hari di desa. Lukisan oleh Pyotr Sukhodolsky. 1864 Museum Negara Rusia

Yang membedakan pandangan ini dengan deskripsi penuh warna Gogol tentang hari pedesaan yang panas adalah pandangan obyektif sang pelukis, tanpa emosi yang terlihat. Dalam arti tertentu, gambaran desa Rusia ini bahkan lebih suram dibandingkan gambaran Perov yang demonstratif namun tendensius. Sementara itu, masyarakat pada masa itu jelas sudah siap dengan tontonan seperti itu: pada tahun 1864 Sukhodolsky menerima Medali Emas Besar dari Akademi Seni untuk lukisan ini, dan pada tahun 1867 lukisan itu dipamerkan di Pameran Dunia bagian Rusia di Paris. Namun, perlu dicatat bahwa di tahun-tahun berikutnya, para pelukis Rusia jarang melukis desa seperti itu, dan lebih memilih untuk mewakili petani dalam lingkungan yang berbeda.

Penggambaran tokoh-tokoh masyarakat pada tahun 1860-an biasanya dibedakan berdasarkan posisi seniman yang dinyatakan secara terbuka: kritik terhadap ketidakadilan sosial dan kemerosotan moral yang dituntut oleh masyarakat, yang korban utamanya adalah “kaum yang terhina”. dan dihina.” Dengan menggunakan alat naratif lukisan bergenre yang berkembang dengan baik, sang seniman menceritakan “cerita” yang retorikanya mirip dengan mise-en-scene teatrikal.

Dekade berikutnya membawa gambaran masyarakat yang lebih multidimensi, yang semakin diasosiasikan dengan kelas sosial bawah. Alih-alih mencela secara diam-diam terhadap kelas terpelajar, orang “umum” malah menjadi teladan moral bagi mereka. Kecenderungan ini diungkapkan dengan caranya sendiri dalam novel dan jurnalisme Tolstoy dan Dostoevsky. Terkait dengannya adalah ideologi populisme sosialis dengan idealisasinya terhadap komunitas petani tidak hanya sebagai inti ekonomi, tetapi juga sosial dan etika bangsa. Namun meskipun lukisan Rusia berada dalam konteks ideologi umum pada zaman tersebut, persamaan literal antara lukisan, sastra, atau jurnalisme tidak selalu tepat. Jadi, misalnya, realisme, yang dianut oleh anggota asosiasi seni paling berpengaruh pada paruh kedua abad ke-19 - Asosiasi Pameran Seni Keliling - hampir tidak dapat dipahami sebagai analogi langsung dengan pemahaman populis tentang kaum tani.

Selama berabad-abad, penggambaran seorang tokoh masyarakat dalam seni Eropa dan Rusia menyiratkan jarak antara tokoh dan penontonnya, yang selalu mempertahankan posisi istimewanya. Kini alat analisis psikologis, yang dikembangkan oleh sastra dan diperluas oleh lukisan realistik abad ke-19, harus diterapkan pada masyarakat awam. “... Esensi batinnya... bukanlah sesuatu yang istimewa dan membuat penasaran, tetapi esensi manusia universal, yang menarik orisinalitasnya secara eksklusif dari lingkungan luar,” tegas Saltykov-Shchedrin pada tahun 1868. Aspirasi realisme Peredvizhniki tahun 1870-an dan 1880-an dapat digambarkan dengan cara serupa.

Ilarion Pryanishnikov. Kalika sedang berjalan. 1870Galeri Tretyakov Negara

Ilarion Pryanishnikov. Korban kebakaran. 1871Koleksi pribadi / rusgenre.ru

Nikolay Yaroshenko. Orang buta. 1879Museum Seni Daerah Samara

Ivan Kramskoy. Kontemplator. 1876

Sisi lain dari pandangan individualisasi adalah konstruksi tipologi psikologis dan sosial masyarakat. Ivan Kramskoy menulis pada tahun 1878: “...sebuah tipe, dan hanya satu tipe untuk saat ini, saat ini merupakan keseluruhan tugas sejarah seni kita.” Lukisan Rusia mencari jenis seperti itu sepanjang tahun 1870-an. Di antara mereka menonjol gambaran orang-orang yang entah bagaimana terputus dari akarnya, yang cara hidup atau struktur pemikirannya terpisah dari cara hidup yang sudah mapan - semacam anak-anak revolusi yang dilakukan melalui reformasi. 1861. Seperti “The Walkers” (1870) dan “The Firefighters” (1871) oleh Pryanish-nikova, “The Tramp” oleh Sharvin (1872), “The Blind” oleh Yaroshenko (1879) atau “The Contemplator” oleh Kramskoy (1876 ), yang digunakan Dostoevsky dalam “The Brothers Karamazov” untuk mengkarakterisasi Smerdyakov:

“...di hutan, di jalan, dalam kafta-ceruk dan sepatu kulit pohon yang compang-camping, seorang lelaki kecil berdiri sendirian, mengembara dalam kesendirian terdalam... tetapi dia tidak berpikir, tetapi “merenungkan” sesuatu.<…>... Mungkin tiba-tiba, setelah mengumpulkan kesan selama bertahun-tahun, dia akan meninggalkan segalanya dan pergi ke Yerusalem, mengembara dan menyelamatkan dirinya sendiri, atau mungkin dia akan tiba-tiba membakar desa asalnya, atau mungkin keduanya akan terjadi bersamaan.”

Pengangkut Tongkang di Volga. Lukisan oleh Ilya Repin. 1872-1873 Museum Negara Rusia

Titik balik dalam sikap terhadap citra rakyat dikaitkan dengan “Pengangkut Tongkang di Volga” oleh Ilya Repin (1872-1873), yang para pahlawannya justru adalah orang-orang yang tercerabut dari tanah mereka yang biasa. Dengan menelusuri bagaimana sikap seniman terhadap dramaturgi kanvasnya berubah, kita dapat memahami bagaimana dalam seni lukis secara keseluruhan terjadi transisi dari narasi genre dan tampilan yang menggurui dan mengasihani ke gambaran di mana organisme rakyat menjadi mandiri. Repin meninggalkan ide awalnya untuk mengadu masyarakat kota yang "bersih" dalam piknik melawan "monster yang lembap dan menakutkan" - dari menggambarkan sebuah episode yang dia saksikan sendiri. Dalam versi terakhirnya, ia menciptakan kanvas yang sifat paradoksnya tidak dapat dilihat oleh pemirsa modern. Di depan kita ada kanvas besar yang langsung menghentikan pengunjung pameran: langit biru, birunya sungai, dan pasir tepian Volga menciptakan perpaduan warna yang sangat kuat. Tapi ini bukan lukisan lanskap atau genre: Repin secara konsisten menolak keputusan komposisi yang menyiratkan semacam plot. Ia memilih momen ketika satu-dua belas orang hampir berhenti, seolah berpose untuk seorang pelukis. Ini sebenarnya adalah potret kelompok orang-orang yang berada di lapisan paling bawah dalam masyarakat Rusia. Melihat ke kanvas, kita dapat membaca karakter dan asal usul pengangkut tongkang: dari orang bijak yang tabah dari pendeta Kanin yang dipecat (akar dari tim manusia) hingga Larka muda, seolah menolak nasibnya (sosok paling cemerlang di dunia). tengah barisan suram ini adalah pengangkut tongkang muda, sebenarnya -meletakkan tali pengikatnya). Di sisi lain, sebelas orang yang menarik kulit kayu besar berubah menjadi makhluk berkepala banyak, membentuk satu tubuh. Jika kita memperhitungkan bahwa pengangkut tongkang dihadirkan dengan latar belakang hamparan sungai, di belakangnya tergambar kapal yang mereka tarik (simbol lama komunitas manusia) di bawah bendera dagang Rusia, maka kita harus mengakui bahwa kita kita mempunyai gambaran kolektif tentang suatu bangsa yang secara bersamaan berada dalam kemiskinan dan kekuatan alam yang murni.

Reaksi publik terhadap Burlakov bersifat indikatif: kritik konservatif dengan sengaja menekankan “tendentitas” gambar tersebut, percaya bahwa “ini adalah puisi karya Nekrasov, yang dipindahkan ke kanvas, merupakan cerminan dari “air mata sipil” -nya. Namun para pengamat yang beragam seperti Dostoevsky dan Stasov melihat Barge Haulers sebagai gambaran obyektif dari realitas. Dostoevsky menulis:

“Tidak satu pun dari mereka yang berteriak dari gambar kepada penonton: “Lihat betapa tidak bahagianya saya dan sejauh mana Anda berhutang kepada rakyat!” ... Dua pengangkut tongkang terkemuka itu hampir tertawa, setidaknya mereka tidak menangis sama sekali, dan mereka tentu saja tidak memikirkan masalah sosial dalam posisinya."

Penilaian kanvas tersebut dirangkum oleh Grand Duke Vladimir Aleksandrovich, yang membelinya seharga 3.000 rubel. “Pengangkut Tongkang” tetap berada di istananya sampai .

Vasily Petrov. Fomushka-burung hantu. 1868Galeri Tretyakov Negara

Ilya Repin. Seorang pria pemalu. 1877Museum Seni Negeri Nizhny Novgorod

Ilya Repin. Pria dengan mata jahat. 1877Galeri Tretyakov Negara

Pada tahun 1870-an, lukisan realistik berupaya tidak hanya untuk menunjukkan “penyakit sosial”, tetapi juga untuk menemukan awal yang positif dalam kehidupan Rusia. Dalam karya seniman Keliling, hal itu diwujudkan dalam lanskap (Savrasov, Shishkin) dan potret kaum intelektual (Kramskoy, Perov, Repin). Genre potretlah yang membuka kemungkinan menggabungkan yang khas dan yang konkret dalam gambar-gambar rakyat, yang memungkinkan untuk fokus terutama pada karakter seseorang dan menerimanya secara setara. Ini adalah "Fomushka si Burung Hantu" oleh Perov (1868), "Petani Penakut" dan "Petani Bermata Jahat" oleh Repin (keduanya tahun 1877). Namun dalam pameran, bukan suatu kebetulan bahwa gambar petani tertentu disebut “studi”: potret masih mempertahankan status hak istimewa sosial.

Pekerja hutan. Lukisan oleh Ivan Kramskoy. 1874 Galeri Tretyakov Negara

Kramskoy bergerak lebih jauh dalam menciptakan karakter petani yang kuat dan mandiri. Mengomentari surat kepada kolektor Pavel Tretyakov tentang sketsa “Woodman” (1874), yang menggambarkan seorang ahli kehutanan dengan topi penuh peluru, Kramskoy menulis:

“... salah satu dari tipe-tipe itu... yang memahami sebagian besar struktur sosial dan politik kehidupan masyarakat dengan pikirannya dan di dalam dirinya terdapat ketidaksenangan yang mengakar hingga mendekati kebencian. Dari orang-orang seperti itu, di masa-masa sulit, Stenka Razin dan Pugachev mengumpulkan geng mereka, dan di masa-masa biasa mereka bertindak sendiri, di mana pun dan kapan pun diperlukan, tetapi mereka tidak pernah berdamai.”

Ivan Kramskoy. Petani dengan kekang. 1883Museum Nasional "Galeri Seni Kiev"

Ivan Kramskoy. Mina Moiseev. 1882Museum Negara Rusia

Perwujudan paling sempurna dari pendekatan terhadap tipe rakyat ini adalah “Peasant with a Bridle” karya Kramskoy (1883). Ini adalah kasus yang jarang terjadi ketika kita mengenal pahlawan kanvas - penduduk desa Siversky dekat St. Petersburg. Sketsa sebelum lukisan hanya satu tahun menyandang nama modelnya - "Mina Moiseev". Seorang pria berjanggut abu-abu dan wajah keriput kecokelatan dengan kemeja biru kasual menyilangkan tangan di depan dada dan mencondongkan tubuh ke depan, seolah ikut serta dalam percakapan. Ciri khas posenya, yang meninggalkan rasa keterlibatan sang pahlawan dalam suatu proses di luar gambar, dan pandangan yang diarahkan ke luar dan ke samping, tidak memungkinkan kanvas ini diklasifikasikan sebagai potret dalam arti kata yang sebenarnya. Sebaliknya, judul kanvas, di mana gambar Mina Moiseev diberi soliditas yang layak, tidak lagi memuat nama pahlawannya, yang kini mewakili petani. Karakter umum dari gambar ini diakui oleh Kramskoy sendiri. Dalam sebuah surat kepada pengusaha Tereshchenko, yang kemudian memperoleh lukisan itu, sang seniman menulis bahwa ia menawarkan “sketsa besar seorang ‘petani Rusia’, dalam bentuk bagaimana mereka mendiskusikan urusan desa mereka.”

Ini adalah jenis potret yang dibuat Kramskoy: Mina Moiseev digambarkan berdiri tegak, mengenakan kemeja usang berwarna biru yang sama. Sebuah mantel dilemparkan ke atasnya, dan tali kekang digantung di siku lengan kiri. Petani diperlihatkan dengan simpati yang tidak terselubung, tetapi kecil kemungkinannya dia sendiri akan setuju untuk tampil di hadapan anak cucu dalam bentuk ini: rambutnya disisir tergesa-gesa, kerah kemejanya terbuka, dan pakaian kasar yang menutupi bahunya robek. beberapa tempat dan ditambal di tempat lain. Jika pahlawan kanvas memesan gambarnya sendiri, dia akan digambarkan dengan rambut dan janggut yang rapi, mengenakan pakaian terbaik dan, kemungkinan besar, dengan semacam tanda kekayaan, misalnya samovar: inilah yang kita lihat di foto-foto petani kaya pada waktu itu.

Tentu saja, penerima kanvas ini adalah pengunjung pameran yang terpelajar, dan pengalaman visualnyalah yang diandalkan Kramskoy saat membuat kanvas yang sengaja dibuat asketis dan berwarna mulia ini. Sosok petani, digambarkan setinggi lutut, berubah menjadi piramida - bentuk monumental sederhana. Penonton memandangnya seolah-olah sedikit dari bawah. Teknik ini, dalam versi akselerasinya, digunakan oleh para pelukis potret Barok untuk menyampaikan kesan keagungan pada pahlawannya. Tongkat di tangan petani-nina yang lelah, yang mungkin merupakan gagang garpu rumput atau sekop, tampaknya adalah tongkat, yaitu tanda otoritas tradisional, dan mantel yang malang dan berlubang muncul sebagai perwujudan dari kesederhanaan tanpa seni dari seorang pria mulia. Dengan cara yang singkat namun efektif ini, Kramskoy membentuk citra pahlawannya sebagai orang yang diberkahi dengan rasa harga diri yang tidak mencolok dan kekuatan kebajikan batin, “akal sehat, kejernihan, dan kepositifan dalam pikiran,” seperti yang pernah ditulis Belinsky tentang sifat-sifatnya. dari petani Rusia.

Kedatangan seorang penyihir di pernikahan petani. Lukisan oleh Vasily Maksimov. 1875 Galeri Tretyakov Negara

Tahun 1870-an membawa genre lukisan ke tingkat yang baru. Pada pameran keliling VI tahun 1875, Vasily Maksimov memamerkan lukisan “Kedatangan Seorang Penyihir di Pernikahan Petani”. Senimannya sendiri berasal dari keluarga petani, mengetahui dengan baik kehidupan pedesaan, dan lukisan itu didasarkan pada kenangan masa kecilnya tentang kemunculan karakter desa yang misterius dan agak menyeramkan di pernikahan kakak laki-lakinya. Komposisi multi-figur ini, lebih besar dari lukisan bergenre standar, memberikan dimensi baru pada subjek petani. Pengamat kota dihadapkan pada situasi di mana ia benar-benar orang asing, ia tidak tahu apa yang sedang terjadi, dan para petani - tua dan muda - dibangun dalam sebuah mise-en-scène yang bernuansa halus, di mana segala sesuatu - keduanya diukur ritual hari raya dan kemunculan tamu tak diundang merupakan bagian integral dari dunia petani. Maksimov mengatur narasinya tanpa tindakan eksplisit, dengan terampil menciptakan ketegangan psikologis dari suatu situasi, yang maknanya mungkin tidak sepenuhnya jelas bagi pemirsa luar. Ini adalah dunia petani sendiri, dimana mereka berperilaku sewajarnya, tanpa memikirkan pihak luar. Maksimov sepertinya menjawab harapan Shchedrin:

Vasily Maksimov. Pemilik buta. 1884Museum Negara Rusia

Vasily Maksimov. Bagian keluarga. 1876Galeri Tretyakov Negara

Vladimir Makovsky. Di jalan raya. 1886Galeri Tretyakov Negara

Edgar Degas. Absinth. 1876 Musée d'Orsay

Maksimov lebih dari sekali kemudian beralih ke kehidupan desa, karyanya yang paling terkenal menceritakan tentang kesulitan orang-orang (“The Sick Husband”, 1881; “The Blind Master”, 1884). Dalam “Family Division” (1876), seolah-olah di panggung teater, di hadapan perwakilan masyarakat, terjadi perselisihan keluarga - pembagian harta benda. Banyak pendapat yang menyatakan bahwa konflik yang sengaja dilakukan bertentangan dengan cara-cara tradisional dalam menyelesaikan perselisihan dalam masyarakat, namun lukisan ini membuktikan bahwa lukisan Peredvizhniki mampu menantang gambaran ideal dunia petani yang dibangun. oleh kaum intelektual populis. Konflik lain, yang ditentukan oleh transformasi sosial pada zaman tersebut, disajikan dalam lukisan Vladimir Makovsky “On the Boulevard” (1886). Di bangku duduk seorang pengrajin muda, berpakaian meriah, mabuk dengan akordeon modis, dan istri serta bayinya, yang datang menemuinya dari desa untuk berkencan: ini adalah salah satu gambaran paling pedih dari keterasingan timbal balik yang tidak dapat diubah dalam bahasa Rusia lukisan, membangkitkan gambaran “kesepian bersama” oleh Edgar Degas (misalnya, “Absinthe”, 1875-1876).

Ilya Repin. Penangkapan seorang propagandis. 1892 Galeri Tretyakov Negara

Kegagalan “pergi ke rakyat” - kampanye propaganda revolusioner di pedesaan, yang dihancurkan oleh pemerintah pada tahun 1877 - menunjukkan sifat ilusi dari harapan populis terhadap prinsip-prinsip sosialis dan kolektivis kaum tani Rusia. Kisah dramatis kaum intelektual oposisi ini mendorong Repin untuk mengerjakan kanvas “Penangkapan Propagandis,” yang memakan waktu hampir satu dekade. Tentu saja, para petani akan menjadi partisipan penting dalam peristiwa tersebut. Tetapi jika gambaran sentral dari gambar tersebut - seorang agitator yang diikat ke sebuah tiang dan karena itu membangkitkan asosiasi dengan Kristus yang dicambuk - secara komposisi praktis tidak berubah, maka karakter-karakter yang bertanggung jawab atas penangkapannya berubah secara radikal. Pada sketsa awal, sang propagandis dikepung rapat oleh warga sekitar yang menangkapnya (salah satunya sedang mengobrak-abrik koper berisi proklamasi). Namun lambat laun Repin benar-benar membebaskan rakyat jelata dari kesalahan langsung atas kesalahpahaman yang saling menguntungkan antara kaum tani dan kaum intelektual, yang menjadi dasar kegagalan khotbah populis: dalam versi komposisi selanjutnya, kaum tani secara bertahap meninggalkan proscenium, dan dalam versi terakhir kanvas, yang diselesaikan pada tahun 1892, mereka hampir sepenuhnya dibebaskan dari tanggung jawab atas penangkapan tersebut, hadir sebagai saksi bisu di sudut jauh gubuk. Hanya satu dari mereka yang membantu polisi menahan tawanan yang marah, dan penggeledahan dilakukan oleh pejabat dan polisi.

Ilya Repin. Penerimaan para tetua volost oleh Kaisar Alexander III di halaman Istana Petrovsky di Moskow pada tanggal 5 Mei 1883. 1885-1886 Galeri Tretyakov Negara

Petani menempati tempat sentral tidak hanya dalam pandangan populis dan Slavia-filik, tetapi juga dalam ideologi kerajaan Ortodoks Alexander III. Negara belum menganggap seni sebagai sarana propaganda, dan gambaran kaum tani yang setia jarang ditemukan dalam lukisan Rusia. Namun pengecualian penting adalah lukisan Repin “Resepsi para tetua volost oleh Kaisar Alexander III di halaman Istana Petrovsky di Moskow pada tanggal 5 Mei 1883” (1885-1886), yang ditugaskan oleh Kementerian Rumah Tangga Kekaisaran. Meskipun sang seniman tidak puas dengan kenyataan bahwa pada bingkai kanvas yang megah ditempatkan kutipan dari pidato kerajaan, yang menandai awal dari reaksi, lukisan itu berhasil mewakili mitos dasar pemerintahan Alexander III - persatuan mistik antara para pemilik diri dan penggarap di atas kepala para elit. Kaisar berdiri di sini di tengah halaman yang diterangi matahari, dikelilingi oleh kerumunan tetua yang penuh perhatian, yang mencakup seluruh kekaisaran: Rusia Besar, Ukraina, Tatar, dan Polandia. Semua saksi lain dari peristiwa tersebut, termasuk keluarga kerajaan, berkumpul di belakang.

Di sinilah letak penemuan para seniman dari lingkaran Abramtsevo tentang keindahan seni petani dan upaya untuk memperbarui budaya perkotaan dengan bantuannya. Namun pada saat yang sama, hal ini berarti bahwa kini dunia petani bagi para seniman tidak lagi menjadi sebuah fenomena sosial, melainkan menjadi pembawa nilai-nilai seni dan nasional yang abadi dan universal. Dengan kekuatan dan keindahannya, ia akan mampu menginspirasi para pelukis sejak lama - mulai dari Philip Malyavin hingga Kazimir Malevich. Namun pemahaman artistiknya kini secara bertahap namun tidak dapat diubah lagi kehilangan relevansi sosial dan politik yang memungkinkan lukisan Rusia tahun 1860-an-80-an menciptakan citra unik petani Rusia sebagai pembawa nilai-nilai inti sosial dan moral.